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Revue de Presse

Presse Audrey Grimaud Makna presse 177 rue du Temple 75003 Paris 01 42 77 00 16 audrey@makna-presse.com


SOMMAIRE

PRESSE ECRITE NATIONALE L’HUMANITE [Dominique Widemann] (quotidien) ...................................................................... 30 octobre 2013 PREMIERE (mensuel) ................................................................................................................ Novembre 2013 STUDIO-CINELIVE (mensuel) ................................................................................................ Novembre 2013 MAD MOVIES (mensuel) .......................................................................................................... Novembre 2013 LIBERATION [Julien Gester] (quotidien) ..................................................................................27 novembre 2013 20 MINUTES [Stéphane Leblanc] (quotidien) ............................................................................ 29 novembre 2013 LE MONDE [Jacques Mandelbaum] (quotidien) ................................................................... 1 & 2 décembre 2013 L’HUMANITE [Dominique Widemann] (quotidien) ..................................................................... 4 décembre 2013 LE MONDE [Jacques Mandelbaum] (quotidien) ........................................................................... 6 décembre 2013 LES INROCKUPTIBLES [Jean-Baptiste Morain] (hebdomadaire) ............................................ 11 décembre 2013 CAHIERS DU CINEMA [Florence Maillard] (mensuel) .................................................................... Janvier 2014 TROIS COULEURS [Juliette Reitzer] (mensuel) ............................................................................... Fevrier 2014

PRESSE ECRITE REGIONALE L’ALSACE [Thierry Boillot] (quotidien) ................................................................................... 22 novembre 2013 L’ALSACE [Thierry Boillot] (quotidien) ................................................................................... 29 novembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ....................................................................... 8 octobre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ................................................................... 8 novembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ................................................................. 30 novembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ................................................................. 1er décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ................................................................. 1er décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ................................................................... 2 décembre 2013


L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ...................................................2 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ...................................................3 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ...................................................3 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ...................................................4 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ...................................................4 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ................................................... 5 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Christine Rondot] (quotidien) .............................................. 5 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ...................................................6 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ................................................... 7 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) ................................................... 7 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Christine Rondot] (quotidien) ............................................. 8 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Emilie Brotel] (quotidien) .................................................. 8 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN [Christine Rondot] (quotidien) ..............................................9 décembre 2013 L’EST REPUBLICAIN (quotidien) ..................................................................... 10 décembre 2013 L’EST MAGAZINE [François Zimmer] (bi-mensuel) ............................................... 24 novembre 2013 L’EST REPUBLICAIN SUPPLEMENT (quotidien) ......................................... 22 novembre 2013 NOVO [Caroline Châtelet] (bimestriel) ...................................................... Décembre 2013-Janvier 2014 NOVO [Cécile Becker] (bimestriel) ........................................................... Décembre 2013-Janvier 2014 NOVO [Emmanuel Abela] (bimestriel) ...................................................... Décembre 2013-Janvier 2014 POLY [Emmanuel Dosda] (mensuel).............................................................................. Décembre 2013 BELFORT MAG (mensuel) ..................................................................................... Décembre 2013 BELFORT MAG (mensuel) .................................................................................... Novembre 2013 BELFORT MAG (mensuel) .................................................................................... Septembre 2013 BELFORT + ............................................................................................................................... ZOOM (mensuel) ..................................................................................................... Novembre 2013 FRANCHE COMTE LE MAG (mensuel)................................................................ Novembre 2013 DIVERSION (mensuel)........................................................................................... Novembre 2013 LE JOURNAL DES ACTIVITES SOCIALES DE L’ENERGIE (mensuel) ............ Novembre 2013

TELES / RADIOS ARTE / ARTE JOURNAL ............................................................................... 5 décembre 2013 FRANCE 3 / BOURGOGNE FRANCHE-COMTE MATIN....................... 29 novembre 2013 FRANCE 3 FRANCHE COMTE / LE JOURNAL REGIONAL .................. 1er décembre 2013 FRANCE BLEU BELFORT-MONTBELIARD .. 27, 28, 29 novembre, 2, 4, et 8 décembre 2013 FRANCE CULTURE / LA DISPUTE .............................................................3 décembre 2013 FRANCE MUSIQUE / CINEMA SONG....................................................... 21 novembre 2013 FLUX 4................................................................................................ 4, 5, 6 et 7 décembre 2013


INTERNET LE MONDE.FR [Jacques Mandelbaum] .................................................................4 décembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Yaël Hirsch] ........................................................ 1er décembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Yaël Hirsch] ..........................................................2 décembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Yaël Hirsch] ..........................................................6 décembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Yaël Hirsch] ..........................................................6 décembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Yaël Hirsch] ..........................................................6 décembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Yaël Hirsch] .......................................................... 7 décembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Yaël Hirsch] .........................................................11 décembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Yaël Hirsch] ..........................................................3 décembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Hugo Saadi] ....................................................... 25 novembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Hugo Saadi] ........................................................ 1er décembre 2013 TOUTE LA CULTURE.COM [Yaël Hirsch] ............................................................. 9 octobre 2013 IL ETAIT UNE FOIS LE CINEMA.COM [Pauline Labadie] .................................11 décembre 2013 CRITIKAT [Raphaëlle Pireyre] ............................................................................. 24 décembre 2013 ACCREDS [Erwan Desbois] ................................................................................. 11 décembre 2013 ACCREDS [Erwan Desbois] ...................................................................................7 décembre 2013 ZINZOLIN [Arnaud Hallet]...................................................................................... 9 janvier 2014 ZINZOLIN [Arnaud Hallet]...................................................................................... 9 janvier 2014 ZINZOLIN [Arnaud Hallet]...................................................................................... 9 janvier 2014 ZINZOLIN [Arnaud Hallet]...................................................................................... 9 janvier 2014 TESS MAGAZINE [Melissa Blanco] .................................................................... 21 décembre 2013 INDEPENDENCIA [Thomas Fioretti] .................................................................. 23 décembre 2013 INDEPENDENCIA [Thomas Fioretti] ................................................................... 8 décembre 2013 (DE)MARCHE FILMIQUE [Samir Ardjoum] .....................................................2 décembre 2013 (DE)MARCHE FILMIQUE [Samir Ardjoum] ......................................................3 décembre 2013 (DE)MARCHE FILMIQUE [Samir Ardjoum] ...................................................... 5 décembre 2013 (DE)MARCHE FILMIQUE [Samir Ardjoum] ...................................................... 7 décembre 2013 CLAP NOIR [Caroline Pochon] .............................................................................. 7 décembre 2013 CINEUROPA [Fabien Lemercier]......................................................................... 29 novembre 2013 TOUT LE CINE.COM .................................................................................... 25 novembre 2013 FILM DE CULTE [Nicolas Bardot] ..................................................................... 25 novembre 2013 FILM DE CULTE [Nicolas Bardot] ....................................................................... 8 décembre 2013 ECRAN LARGE [Nicolas Thys] ............................................................................ 8 novembre 2013 ECRAN NOIR [Vincy Thomas].............................................................................. 7 novembre 2013 LE POINT.FR .................................................................................................. 8 novembre 2013 BLOUIN ARTINFO [Damien Leblanc] ................................................................. 8 novembre 2013 HD NUMERIQUE ...........................................................................................2 décembre 2013 METALUNA MAG ........................................................................................ 26 novembre 2013 CINEZIK [Benoit Basirico].................................................................................. 18 novembre 2013 LE FILM FRANÇAIS.COM .............................................................................. 25 octobre 2013 A LA CONQUETE DE L’EST ............................................................................ 26 octobre 2013 FESTIVAL CINE ................................................................................................ 28 octobre 2013 CINEMANIAC [Camille Marty] .............................................................................. 27 octobre 2013 CINEMA NEWS ........................................................................................................................ MOUVIZ.COM .......................................................................................................................... LA VIE DES FILMS ..................................................................................................................


PASSEUR D’IMAGES ............................................................................................................... LE ROUTARD.COM .................................................................................................................. RENDEZ-VOUS EN FRANCE .................................................................................................. FACEBOOK / SO FILM ................................................................................. 5 novembre 2013

PRESSE INTERNATIONALE INTERNAZIONALE.IT ......................................................................................31 octobre 2013 EL WATAN MAG [Samir Ardjoum] .....................................................................6 décembre 2013 LE TEMPS D’ALGERIE ............................................................................... 30 novembre 2013 LA TRIBUNE ................................................................................................. 30 novembre 2013 LIBERTE ALGERIE.COM ..............................................................................11 décembre 2013 L’EXPRESSION ...............................................................................................9 décembre 2013 TAGES WOCHE [Hansjoerg Betschart] .................................................................2 décembre 2013 TAGES WOCHE [Hansjoerg Betschart] .................................................................9 décembre 2013


PRESSE ECRITE NATIONALE


L’HUMANITE

Dominique Widemann 30 octobre 2013 (quotidien)


PREMIERE Novembre 2013 (mensuel)

STUDIO-CINELIVE Novembre 2013 (mensuel)

MAD MOVIES Novembre 2013 (mensuel)


LIBERATION Julien Gester

27 novembre 2013 (quotidien)


LIBERATION


20 MINUTES

(EDITION NATIONALE) Stéphane Leblanc 29 novembre 2013 (quotidien)


LE MONDE

Jacques Mandelbaum 1 & 2 dĂŠcembre 2013 (quotidien)


L’HUMANITE

Dominique Widemann 4 décembre 2013 (quotidien)

Un film inachevé d’Orson Welles renaît de ses cendres Les bobines de ce film tourné par Welles en 1938, données pour brûlées, ont été savamment restaurées et l’œuvre présentée au festival Entrevues, qui se tient à Belfort. Too much Johnson, d’Orson Welles. États-Unis, 1 h 6

Par l’un de ces hasards qui n’en sont pas, c’est dans un entrepôt de la ville de Pordenone, au nord de l’Italie, où se tient depuis trente ans le festival du cinéma muet, que furent découvertes de mystérieuses bobines. Les voilà dirigées vers Cinemazero, qui organise le festival avec la cinémathèque du Frioul, examinées, passées au crible par des chercheurs et enquêteurs. Et se révèlent des séquences tournées et montées par Orson Welles en 1938, trois ans avant Citizen Kane. Il était entendu que ces bobines avaient probablement brûlé lors de l’incendie de la villa madrilène de Welles, en 1970. Précocement familier de tous les arts – musique, peinture, littérature –, le jeune homme de vingt-trois ans est, en 1938, metteur en scène de théâtre et auteur radiophonique. L’année précédente, il a fondé avec John Houseman le Mercury Theater. Ils ambitionnent de monter une pièce écrite à la fin du XIXe siècle par l’auteur à succès William Gillette. Too much Johnson est une farce comique à l’intrigue compliquée de maris marris et d’amants pourchassés, de quiproquos inextricables jusqu’à une plantation cubaine vers laquelle tout un petit monde convergera. Welles entend réaliser, plutôt qu’un film à proprement parler, un objet cinématographique innovant, lié à la représentation théâtrale. Trois films qui seraient projetés en autant de prologues aux trois actes de la pièce. Vingt minutes pour le premier, dix pour les suivants, destinés à exalter la dramaturgie. Welles entreprend le tournage avec sa femme Virginia Nicholson, son ami Joseph Cotten, John Houseman et d’autres acteurs. Au sein des quatre heures trente qu’il a tournées, il avait déjà procédé à de nombreuses coupes. Les bobines restaurées, visibles aujourd’hui, contiennent un peu plus d’une heure de film, durée que Welles devait encore réduire, conformément à son projet initial. La multiplicité des prises atteste de l’inachèvement. La continuité narrative n’est lisible que dans le prologue. Le film commence par une scène de sexe, que Welles parvient à restituer par un montage cocasse de fragments de corps et d’expressions dignes de l’érotique-voilé des surréalistes. L’irruption du mari trompé, la fuite de l’amant par les coursives précèdent les courses-poursuites qui vont entraîner les personnages tout autour de New York. Hommages aux maîtres tutélaires du comique américain tels Mack Sennett et Harold Lloyd, à Keaton bien sûr, embrassant une tour vertigineuse, mais le sens plastique d’Orson Welles, son intelligence du cinéma, dont il avait à peine ébauché la pratique, se font jour à chaque séquence. La composition de ses cadres évoque les compositions spatiales de Rodtchenko, empilements de caisses et claies sur les docks, architectures de la ville soumises à sa propre géométrie, leurs ombres portées en trompe-l’œil. Presque tous les sites de tournage ont pu être identifiés, même les carrières voisines de l’Hudson de la partie « cubaine ». On lit à chaque plan comment se dessine le langage des signes par lequel Orson Welles, filmant de très près ou de très loin, usant parmi les premiers de la profondeur de champ, saura élaborer les moyens communs à tous les arts aux fins de la production de l’œuvre que l’on sait. D. W.


LE MONDE

Jacques Mandelbaum 6 dĂŠcembre 2013 (quotidien)


CAHIERS DU CINEMA Florence Maillard Janvier 2014 (mensuel)


TROIS COULEURS Juliette Reitzer FĂŠvrier 2014 (mensuel)


PRESSE ECRITE REGIONALE


L’ALSACE Thierry Boillot

22 novembre 2013 (quotidien)


L’ALSACE Thierry Boillot

29 novembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel 8 octobre 2013 (quotidien)

L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

8 novembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

30 novembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

1er

décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

1er

décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

2 décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

2 décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

3 décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

3 décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

4 décembre 2013 (quotidien)

En Une


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

4 décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

5 décembre 2013 (quotidien)

En Une


L’EST REPUBLICAIN


L’EST REPUBLICAIN Christine Rondot 5 décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

6 décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

7 décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

7 décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Christine Rondot 8 décembre 2013 (quotidien)


L’EST REPUBLICAIN Emilie Brotel

8 décembre 2013


L’EST REPUBLICAIN Christine Rondot 9 décembre 2013


L’EST REPUBLICAIN 10 décembre 2013


L’EST MAGAZINE François Zimmer 24 novembre 2013 (bi-mensuel)


L’EST REPUBLICAIN SUPPLEMENT 22 novembre 2013


L’EST REPUBLICAIN SUPPLEMENT


L’EST REPUBLICAIN SUPPLEMENT


L’EST REPUBLICAIN SUPPLEMENT


NOVO

Caroline Châtelet Décembre 2013 – Janvier 2014 (bimestriel)


NOVO


NOVO


NOVO

Cécile Becker Décembre 2013 – Janvier 2014 (bimestriel)


NOVO

Emmanuel Abela Décembre 2013 – Janvier 2014 (bimestriel)


POLY

Emmanuel Dosda Décembre 2013 (mensuel)

Les films de ma vie

Le festival de ciné belfortain EntreVues propose une compétition et une rétrospective en plusieurs volets. Afin de découvrir sa programmation tout en faisant connaissance avec sa nouvelle directrice artistique, soumettons quelques titres de films à Lili Hinstin. Le Zombie de Lili Hinstin (2007), non présenté durant EntreVues C’est mon documentaire. Je me suis penchée sur un personnage très mystérieux de ma famille, auréolé d’une sorte de légende : mon grand-père, mort à Kaboul dans les années 1960 que je n’ai jamais connu. Arrêté en tant que chef d’un réseau de résistants, il était un rescapé des camps de concentration. Avant, j’avais déjà réalisé quelques films en Super 8… Je suis passionnée de cinéma depuis longtemps et j’ai eu la chance d’avoir la meilleure formation possible en voyant toute l’histoire du ciné, sur grand écran et en VO, à Paris. Avec des amis étudiants, nous avons lancé une revue et j’ai créé une société, Les Films du saut du tigre (pour produire des premières œuvres). Aucun rapport avec les films de kung-fu : il s’agit d’un concept de Walter Benjamin qui dit qu’on ne peut pas révolutionner quelque chose sans connaître l’histoire de cette chose. Je conçois EntreVues de la même manière : le festival doit montrer les évolutions du cinéma tout en en dévoilant les différents cheminements.


POLY Y’aura t’il de la neige à Noël ? de Sandrine Veysset, Grand Prix Janine Bazin du festival EntreVues en 1996 C’est drôle que vous ayez choisi ce film qui a fortement marqué mon parcours cinéphilique ! Il m’a énormément touché grâce à son intelligence, sa générosité et son âpreté bouleversante. Est-ce que le fait d’être primé au festival peut permettre à un film de rencontrer un large succès public ? Non, ça fonctionne avec Cannes car la Palme d’or a un effet prescripteur, même pour un film difficile comme Oncle Boonmee, mais pas avec EntreVues… De toute façon, un film ne fera jamais l’unanimité : il suffit de voir ce qu’il se passe avec La vie d’Adèle. Ça n’est pas parce que les gens vont voir un film qu’ils vont l’apprécier. Ponette de Jacques Doillon (1996), présenté cette année dans le cadre d’une rétrospective de ses films J’avais 19 ans et étais stagiaire sur le tournage ! J’ai pu voir comment Doillon travaillait avec des enfants de quatre ans. Ils restaient très sérieux, avec une implication hors du commun. La petite fille qui joue Ponette a obtenu le prix de la Meilleure interprétation à Venise, preuve que Doillon est LE cinéaste de la direction d’acteurs. Durant le festival, nous pourrons le rencontrer et découvrir ses films. EntreVues sera aussi l’occasion de voir Jouer Ponette de Jeanne Crépeau, qui montre comment le cinéaste travaille, et de discuter avec des gens qui ont fabriqué ses films, comme Caroline Champetier, directrice photo qui a aussi collaboré avec Xavier Beauvois, Godard, Téchiné, Rivette… Elle a accompagné la modernité du cinéma français depuis les années 1970. La Ruée vers l’or de Charles Chaplin (1925), présenté cette année dans le cadre de la rétrospective La Commedia des ratés J’étais aussi sur le tournage (rires) ! La Commedia des ratés rassemble des comédies – le genre transgressif par excellence – dont les protagonistes sont des antis-héros. Nous partons de la figure de Charlot : c’est incroyable, mais à un moment, un des personnages les plus connus au monde est ce clochard qui se fait poursuivre sans cesse par la Police et ramasse les mégots des autres… Il n’est ni Superman, ni Bruce Willis, mais il résiste ! Le cinéma muet c’est le rêve de Babel réalisé, c’est une langue que tout le monde peut comprendre. Voilà aussi pourquoi Charlot a eu un tel rayonnement en Afrique, en Inde… Partout ! L’Image manquante de Rithy Panh (2013, présenté cette année dans le cadre de la rétrospective Cinéma et Histoire) En 2013, deux films, diffusés lors d’EntreVues, abordent le thème de l’irreprésentable au cinéma : Rithy Panh avec L’Image manquante et Claude Lanzmann avec Le Dernier des injustes. Les deux cinéastes ont dû affronter le manque d’images du fait historique exploré : la vie dans un camp Khmer rouge pour Rithy Panh et dans le camp de Theresienstadt, dit “la ville donnée par Hitler aux Juifs”, pour Claude Lanzmann. Le premier a notamment recréé des figurines en terre pour raconter cette tragédie. Le second s’est servi d’images de propagande, qui travestissent la réalité en faisant passer Theresienstadt pour une bourgade tranquille de province. Il les utilise mais en inscrivant “Mise en scène nazie”. Invasion Los Angeles de John Carpenter (1988), présenté cette année dans le cadre d’une carte blanche au cinéaste Carpenter nous a proposé une programmation en double feature, comme dans les drive-in des années 1950 aux États-Unis, avec deux films par soirée. À chacun de ses films, est associé un long métrage qui l’a inspiré. Ça me semblait assez inattendu, mais comme pendant àInvasion Los Angeles, Carpenter a choisi Les Raisins de la colère de John Ford (1939). En y réfléchissant, ces deux films montrent des personnages qui voient une réalité sociale ou économique et sont saisis d’une urgence d’ouvrir les yeux aux autres. Toute notre programmation a des résonnances politiques très fortes.


BELFORT MAG DĂŠcembre 2013 (mensuel)


BELFORT MAG Novembre 2013 (mensuel)


BELFORT MAG


BELFORT MAG


BELFORT MAG Septembre 2013


BELFORT + (mensuel)


ZOOM

Novembre 2013 (mensuel)


FRANCHE COMTE LE MAG Novembre - DĂŠcembre 2013 (bimestriel)


DIVERSION Novembre 2013 (mensuel)


LE JOURNAL MENSUEL DES ACTIVITES SOCIALES DE L’ENERGIE Novembre 2013 (mensuel)


TELES RADIOS


ARTE / ARTE JOURNAL Bertrand Loutte 5 décembre 2013 12h30 et 19h45

Sujet de 2’50 minutes autour de la sélection des films franco-arabes : Revolution Zendj de Tariq Teguia, Round Trip de Meyar Al Roumi et Chantier A de Tarek Sami, Lucie Dèche et Karim Loualiche. Interview de Lili Hinstin, Meyar Al Roumi et Tariq Teguia. Extraits de Revolution Zendj, Round Trip, Chantier A. Commentaires de Bertrand Loutte


FRANCE 3 / BOURGOGNE – FRANCHE COMTE MATIN 29 novembre 2013 de 9h40 à 10h30

Lili Hinstin en direct (duplex) de 10h20 à 10h25


FRANCE 3 FRANCHE COMTE / LE JOURNAL REGIONAL 1er décembre 2013 - 19h/19h30

Un film inédit d'Orson Welles projeté au festival Entrevues de Belfort C'est une première en France. Un film que l'on croyait perdu, tourné par Orson Welles, a été retrouvé il y a un an en Italie. Après restauration, il a été projeté pour la première fois aujourd'hui lors du festival Entrevues de Belfort.

© extrait de "Too much Johnson" d'Orson Welles. C'est la première projection française du film inédit d'Orson Welles "Too much Johnson". Un évènement projeté lors du festival Entrevues de Belfort. Le film a été retrouvé l'année dernière en Italie puis il a été restauré. Un bijou du genre burlesque tourné en 1938.

Le film commence par une course poursuite dans le quartier de manhattan à New York. Quand il tourne ce film muet de 66 minutes, Orson Welles a 23 ans et déjà un sens inné de la mise en scène. Le film a été tourné pour une pièce de théâtre. Orson Welles tourne ses scènes pour les utiliser lors du prologue à la pièce "Too much Johnson" monté par le metteur en scène. C'était en 1938, trois ans avant Citizen Kane. Il n'a jamais été utilisé. Perdu pendant plusieurs années, il a été retrouvé par hasard en Italie. Une chance pour les cinéphiles ! Pour l'instant, ce film burlesque n'a été projeté que trois fois dans le monde. Avec les interviews de Lili Hinstin, directrice artistique du festival Entrevues, Jean-Pierre Berthomé, historien du cinéma et spécialiste d'Orson Welles et Gaël Mevel, musicien.

Sujet d’1’52 minutes


ARTE / CI NE MA Jean Rimbaud

25 novembre 2013 Diffusion sur 27 chaines régionales de la TNT dont Vosges TV Présentation et diffusion du film annonce


FRANCE BLEU BELFORT-MONTBELIARD

Le Grand Agenda Mercredi 27 novembre – 8h30 Interview de Michèle Demange en direct en studio + Phoner avec Lili Hinstin  L’évolution du festival, la programmation 2013

Rubrique service Jeudi 28 novembre  Les séances jeune public

L’agenda Vendredi 29 novembre – 7h10 et 10h50 Interview d’André S. Labarthe par téléphone (2 minutes)  Soirée Hommage à Bernadette Lafont

L’agenda Lundi 2 décembre – 17h10 Interview de Lili Hinstin en direct par téléphone (2 minutes)  La commedia des ratés : les « loosers » au cinéma

L’agenda Mercredi 4 décembre – 7h10 et 10h50 Interview de Jacques Doillon par téléphone (2 minutes)  Annonce de la présence de Jacques Doillon et de ses collaborateurs

La Franche-Comté en fête Dimanche 8 décembre – 12h10 Interview de Marie Holweck en direct  Bilan de l’édition


FRANCE CULTURE / LA DISPUTE Arnaud Laporte 3 décembre 2013

[…] Et le coup de fil passé à Jean-Pierre Berthomé, spécialiste de décor de cinéma et co-auteur du livre "Orson Welles au travail" paru en 2006, pour la projection du film retrouvé d'Orson Welles "Too much Johnson" qu'il a commenté samedi à la 28ème édition des Entrevues de Belfort, qui se clôtureront le 8 décembre.

FRANCE MUSIQUE / CINEMA SONG CHRONIQUE DE BENOIT BASIRICO 21 novembre 2013

Benoit Basirico annonce la rétro John Carpenter au festival EntreVues Belfort dans sa chronique. Thématique : Les incontournables du cinéma d’horreur.


FLUX 4

Caroline Châtelet, Cécile Becker 4 décembre 2013 de 18h à 20h


FLUX 4

Caroline Châtelet, Cécile Becker 5 décembre 2013 de 18h à 20h


FLUX 4

Caroline Châtelet, Cécile Becker 6 décembre 2013 de 18h à 20h


FLUX 4

Caroline Châtelet, Cécile Becker 7 décembre 2013 de 18h à 20h


FLUX 4


INTERNET


LE MONDE.FR

Jacques Mandelbaum 4 décembre 2013

A Belfort, le festival Entrevues célèbre la beauté des épaves

Le festival Entrevues de Belfort, qui se tient du 30 novembre au 8 décembre, est un haut lieu de la cinéphilie française. Les directeurs artistiques s'y succèdent – Lili Hinstin succédant cette année à Catherine Bizern aux commandes artistiques du festival – mais la ligne demeure en dépit d'un contexte de plus en plus difficile pour les festivals de cette taille : favoriser la découverte, prendre des risques, encourager la singularité des formes.

Le cru 2013, qui a eu ses hauts et ses bas, n'a pourtant pas fait défaut à cette exigence, alignant en compétition treize longs et douze courts métrages, fiction et documentaire, projetant sur l'écran les inquiétudes, les espoirs, les révoltes et les zones de repli liées à la mondialisation en marche. Trois des meilleurs films de cette compétition auront montré une certaine idée de la résistance aux mœurs et au temps, sous la forme de la déglingue assumée. Laquelle ne se révèle pas nécessairement une passion triste. « MONSIEUR MORIMOTO », DE BONNE HUMEUR Il en va en tous cas ainsi du Monsieur Morimoto, de Nicolas Sornaga, qui met en scène un vénérable peintre japonais quittant sa famille, la retraite venue, pour tenter sa chance dans la patrie de l'impressionnisme, où il tourne grosso modo SDF, certes folâtre, mais SDF quand même. Cette improbable réincarnation de Fujita est surtout prétexte, pour le cinéaste, à une errance poétique dans un nouveau Paris de bohème, où la vie reste impitoyable aux misérables. Monsieur Morimoto, un immense tableau sous le bras, traverse toutefois la belle et cruelle cité avec une imperturbable bonne humeur et de grands bonheurs d'expression, croisant au passage un énergumène monarchiste, un marionnettiste et sa fille qui n'en fait qu'à sa tête, un artiste italien timbré, une Eve charmante dont il tombe amoureux, d'autres encore. Tout cela n'est pas dénué d'inquiétude, mais reste frais, insolite, insolent. L'impression de se trouver quelque part entre Dada et Wall E. Ce film tourné « à la sauvage » sur un support aujourd'hui caduc (la dv) revient de très loin, puisqu'il fut projeté dans sa version initiale à la Quinzaine des réalisateurs à Cannes en 2008. L'indifférence des distributeurs a toutefois incité Nicolas Sornaga (auteur en 2003 du Dernier des immobiles, superbe hommage au poète Matthieu Messager) – à retourner sur le métier et à le raccourcir, il faut saluer le beau geste du festival Entrevues qui expose cette nouvelle version.


LE MONDE.FR

« CASSE », PUR DOCUMENTAIRE Présenté quant à lui en première internationale, Casse, de Nadège Tribal est un pur documentaire, qui procède toutefois d'une idée quasi-fictionnelle de mise en scène : le témoignage à la casse. Soit une vraie casse automobile offrant un parc de démontage ouvert au public, et dedans, s'affairant à dépecer les épaves rouillées de l'empire consumériste, un éventail des laissés-pour-compte de la société française. Travailleurs immigrés d'Afrique et du Maghreb, Français paupérisés, jeunes de toutes origines, trop impatients pour décortiquer la ferraille comme leurs aînés, tous ces hommes se retrouvent là pour tirer profit de leur découpe, là où les attend aussi la caméra de Nadège Trebal (auteur, en 2012, de Bleu pétrole), qui sollicite, in situ, quelques histoires de vie très émouvantes. Beau dispositif, qui crée de la beauté et de la résistance sur les lieux mêmes où la société de consommation les déclare bons pour la casse. « JUKE-BOX », AVEC CHRISTOPHE C'est une même caducité qui frappe le personnage de Juke-Box, court métrage d'Ilan Klipper qui semble être un ancien chanteur à la gloire passée, impression favorisée par le fait que son interprète, crédité au générique du nom de Daniel Bevilacqua, est plus connu dans la réalité sous celui de Christophe. Le vrai chanteur interprète donc dans ce film un chanteur au statut ambigu (puisqu'il est à la fois lui et pas lui), vieux rocker réduit à l'état de loque dépressive et alcoolisée, qui agresse les soignants, ne veut pas sortir de son appartement-poubelle, et regarde avec ferveur à la télévision La Nouvelle Star. Il lui arrive aussi, moment fragile, d'improviser un truc magique, une plainte venue du fond du temps, qui donne la chair de poule. Un film étrange à tous égards, et qui nous égare assez somptueusement. Il ne resterait, après ces trois films, qu'à sonner l'heure de la révolte généralisée. C'est exactement ce que fait le réalisateur algérien Tariq Teguia (Rome plutôt que vous, Inland) dans Revolution Zendj, un film qui vient de terrasser, par sa beauté, son à-propos et son audace, ce festival de Belfort. On explique pourquoi dans un prochain billet.


TOUTE LA CULTURE.COM Yaël Hirsch

1er

décembre 2013

[LIVE-REPORT] FESTIVAL ENTREVUES, PREMIER JOUR À BELFORT

La 28ème édition du Festival Entrevues s’est ouverte dans une Lumière éclatante, ce samedi 30 novembre, à Belfort, dans une journée tournée vers le patrimoine cinématographique international : en effet, alors que c’est Boudu sauvé des eaux de Jean Renoir qui a été choisi pour la cérémonie d’ouverture, les films de la compétition ne commencent à être projetés que ce dimanche. Il a donc fallu choisir entre plusieurs grands classiques du 7ème art avant de fêter au champagne le début des festivités… Arrivés un peu tard de la gare TGV pour nous glisser à la première séance de la journée, nous sommes tout de même allés récupérer nos badges dans la nef du multiplexe Pathé qui accueille chaque année Entrevues depuis 2002, prouvant qu’il n’y a pas d’incompatibilité, bien au contraire, entre industrie cinématographique et cinéphilie.

A 16h30, alors que dans le cycle La commedia des ratés, Charlie Chaplin faisait salle comble avec La ruée vers l’or auprès d’un public qui a amené les enfants, nous nous sommes dirigés vers le premier film projeté de l’invité n°1 de cette 28ème édition : Jacques Doillon. Alors que le réalisateur doit arriver cette semaine avec des invités qui étaient sur certains tournages pour en parler, dans une nouvelle section qui s’intitule « La Fabrica », c’est avec beaucoup d’émotion que nous avons découvert ce chef d’œuvre qu’est La drôlesse. Dans ce film tiré d’un fait divers et extrêmement concentré, qui met en scène l’enlèvement d’une fille de 11 ans par un gringalet un peu simple de 17 ans, Jacques Doillon se concentre exclusivement sur la relation que nouent ces deux maltraités par leurs familles. De par la sensualité aussi éclatante que malsaine de la petite, il y a quelque chose de l’ordre du vieux couple entre la gamine séquestrée consentante et son ravisseur qui se plie en quatre pour lui plaire. Claude Hébert et Madeleine Desdevises, les deux acteurs principaux, sont d’une justess e incroyable dans chaque geste et chaque mot, dans ce film qui serre la gorge à montrer combien un monde d’adultes indifférents peut brouiller tout repère auprès de jeunes âmes – et de jeunes corps- avides d’amour. Et quand la victime et son « bourreau » se « câlinent », la tendresse qui se dégage de leur étreinte est à la fois malsaine et bouleversante… Une oeuvre magnifique et poignante pour bien commencer le festival. Juste le temps d’un peu d’air frais dans la nuit qui vient de tomber et nous enchaînons sur le film de 18h30. Entre le cultissime Halloween, du cycle John Carpenter, Une question de vie ou de mort de Michael Powells et Emeric Pressburger et Mon homme Godfrey de Gregory La Cava, le choix est aussi radical que cornélien. Nous optons pour le dernier opus, film hollywoodien des années 1930 qui met en scène avec un humour sec et sans gants la balade de la différence sociale en temps de grande dépression. Deux filles à papa du Upper east side de New-York (Carole Lombard et Gail Patrick) doivent rapporter dans une fête huppées « quelque chose » dont personne ne veut, pour gagner un jeu. C’est à qui ramènera la première ramènera un « exclu », c’est-à-dire un clochard. Dans une décharge, elles tombent, toutes robes de soie et rire d’oie dehors, sur Godfrey (William Powell) qui envoie paître l’aînée sans respect pour rien, ni personne. Dramatiquement bête, la cadette a bon cœur et, autant par curiosité que pour l’aider Godfrey la suit. Pour le remercier d’être allé contre sa fierté, la jeune fille de bonne famille propose à Godfrey le poste vacant de majordome. Mais le poste n’est pas vac ant pour rien, c’est dans une véritable famille de fous que tombe Godfrey, rasé de près et bien habillé. On rit jaune avec vive délectation dans cette comédie où les ratés sont plutôt les riches bourgeois, tandis que le vif SDF accroché à son plateau marche vite vers une certaine rédemption sociale… Démarrant en trombe sur des dialogues ciselés à la feuille d’or, le film s’essouffle un peu en cours de route, mais sans jamais se départir de sa tonalité marquante et de son parti pris de présenter une critique sociale violente sur le mode de la comédie… 20h00, déjà, dans la grande et majestueuse salle 15, la cérémonie d’ouverture commence, tout à fait ponctuellement. C’est le président de l’association Cinémas d’aujourd’hui Gilles Levy, qui commence, avec un beau discours très bien écrit, sur la question pertinente de savoir pourquoi, même en temps de crise où les médias nous disent que le public a besoin d’entendre des « success stories », au cinéma, nous préférons les ratés magnifiques comme Chaplin … Un représentant du CNC lui succède et fait un bel état des lieux du festival qui a réuni plus de 20 000 spectateurs l’an dernier et qui présente cette année 130 films et 170 séances. Rappelant l’importance du festival, notamment dans le cadre de la demande de la ville d’obtenir le titre de « Ville d’art et d’histoire », le maire adjoint délégué à la culture, Robert Belot, prend place derrière le pupitre pour donner à la directrice artistique du Festival, Lili Hinstin un languissant cours d’histoire sur Entrevues en 3 dates clés : les prémices en 1969, la création en 1986 sous les auspices de Jack Lang et avec le dynamisme de Janine Bazin, puis en 2002 l’emménagement des bureaux de l’association dans le nouveau cinéma Pathé qui a remplacé les abattoirs. Place ensuite au maire de Belfort, Etienne Butzbach, visiblement très heureux d’être là et très fier de fêter le Cinéma. Lili Hinstin vient enfin présenter la programmation d’un festival qui remet la compétition internationale pointue dans le contexte des influences de ses jeunes réalisateurs à travers des cycles originaux, et qui remercie avec éclat ses équipes de programmateurs et techniques d’avoir permis de lever le rideau sur un édition qui se présente déjà comme un succès vis-à-vis des cinéphiles et de l’ensemble du public de Belfort. En ouverture, Michel Simon tient le haut de l’affiche, dans la comédie restaurée de Jean Renoir Boudu sauvé des eaux (1932) où il joue les clochards magnifiques, renversant tous les codes sociaux. Cette première journée riche en émotions se termine par un cocktail dinatoire très convivial co-organisé par l’un des grands partenaires du festival : la société d’assurance Gan. Bulles à la main et 7ème art en tête, c’est directement dans l’entrée du complexe Pathé que la fête commence. Et s’étire lentement à travers la nuit étoilée jusque vers les 1h du matin. Rendez-vous ce dimanche 1er décembre pour un deuxième jour de festival où commence la compétition et où deux grands événements ont lieu : la projection du film perdu et r etrouvé cet été de Orson Welles, Too much Johnson (1923) et l’hommage à Bernadette Lafont.


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2 décembre 2013

BELFORT, JOUR 2 : ORSON WELLES, BERNADETTE LAFONT ET DÉBUT DE LA COMPÉTITION

Premier jour de compétition et dimanche riche en événements, au Festival Entrevues. Avec la première projection en France du film retrouvé cet été d’Orson Welles, un hommage à Bernadette Lafont et un DJ Set nocturne à la Poudrière sur des thèmes extraits des films de Carpenter, on peut dire que la journée a été riche en émotions diverses et variées. Alors que petit à petit, effet de la crise, ou fin de siècle qui dure, la thématique transversale de la commedia des ratés s’impose et que la question de la pauvreté extrême dans son humanité semble baigner l’ensemble des films projetés à Entrevues, nous avons commencé la journée par un classique du genre : La vie de Bohême revu par le réalisateur finlandais Aki Kaurismäki. Tourné en 1991 et très fidèle au roman de Murger, le film montre un pari sans âge (comme l’était dernièrement Le Havre) où 3 artistes s’entraident pour vivre pour leur œuvre, chose difficile. Mais les femmes subsistent moins bien face au froid et aux assauts des huissiers, et les trois célibataires rendent leurs moitiés bien malheureuses. Tendre, plein d’humour et terriblement triste, ce chef d’œuvre en noir et blanc a le classicisme des grandes œuvres qui ne se démodent jamais. C’est le vague à l’âme après ce premier bijou que nous avons abordé la compétition. À Belfort, afin que les moyens et les courts en lice ne passent pas à la trappe, ils sont toujours accolés aux longs métrages des jeunes réalisateurs internationaux qui concourent au Festival. Si bien que nous avons pu voir en une séance deux films : d’abord Ein kleiner Augenblick des Glücks (Un petit moment de bonheur) de l’Allemand Thomas Moritz Helm, qui met en scène un don juan un peu vieillissant et désargenté dans un univers urbain froid et impersonnel où les femmes ont le pouvoir et détiennent aussi les paquets de cigarettes. Le moins humain des films de la journée, malgré un œil certain d’une caméra maîtrisée. Parfaitement inscrit dans la thématique des ratés magnifiques, le long See You Next Thursday de Drew Tobia met en scène une jeune caissière enceinte (superbe Eleanore Pienta, qui n’est pas sans rappeler, par sa bouille aussi ronde que le ventre, la Greta Gerwig de Frances Ha), vivant dans un taudis de Brooklyn et tentant, bon an, mal an, de renouer des liens tendres avec une mère qui a été alcoolique et destructrice et qui se montre repentie et adolescente… Entre alors en jeu la sœur artiste qui a trouvé compagnie et réconfort auprès d’une femme black plus âgée… En présentant le film, Drew Tobia nous a prévenus qu’il nous ferait grincer. Et le trio des femmes magnifiquement misérables de cette comédie déjantée va très loin dans l’humiliation et l’hystérie. Il y a pourtant dans ce film, par delà les excès, beaucoup de tendresse, et l’on s’identifie, malgré les archétypes et les caricatures. Surtout, See You Next Thursday sort du schéma épuisant du film calibré pour Sundance : les personnages ne sont pas « un peu décalés » mais « très gentils au fond pour ceux qui savent le voir ». Ils sont juste barrés et insupportables, car profondément malheureux et acculés à une pauvreté qui râpe peut-être plus dans cette comédie que dans un documentaire. Le réalisateur maîtrise parfaitement son image et sait arrêter le film là où il faut. S’il n’est peut-être pas assez radical visuellement pour emporter l’adhésion du jury de Belfort, le film nous a grandement séduits.


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Nous avons poursuivi notre journée dans la veine créative de la compétition, avec un court métrage de 17 minutes absolument bluffant d’Emmanuel Gras, le réalisateur de Bovines, sur la perte d’humanité brusque qui accompagne la perte d’un domicile fixe. Avec un texte en voix off, extrait d’un véritable témoignage sur la chute dans la rue, la caméra erre dans un Paris aussi monumental qu’hostile, du point de vue de celui qui a perdu son logement et cherche un abri. Sobre, grandiose et porté après la projection par un discours d’une modestie et d’une rigueur absolument remarquables, Être vivant est pour l’instant la pépite qui nous a le plus marqués, lors de cette 28e édition d’Entrevues. Le long métrage qui a suivi, Monsieur Morimoto, de Nicola Sornaga, suivait aussi un sans-abri, mais cette fois-ci, un vénérable artiste japonais dans un Paris plus rieur, fantasque et jouant plus sur les clichés. À 18h30, la fameuse première projection du film d’Orson Welles, Too much Johnson, qu’on croyait perdu et qu’on a retrouvé dans les archives d’une cinémathèque italienne, n’a pas fait salle comble, mais a attiré un public nombreux, dont le maire de Belfort. Présenté par le critique Jean-Pierre Berthomé avant et pendant l’intrigue et accompagné au piano par une improvisation de Gaël Mevel, le film est une sorte de copie préparatoire de comédie burlesque et muette en 3 prologues, qu’Orson Welles a tournée en 1938 (trois ans avant Citizen Kane) à l’âge de 23 ans, à New York. Dans cette intrigue où un mari jaloux poursuit l’amant de sa belle brune de femme sur les toits de Manhattan (M. Berthomé a fait un très joli travail de situation des buildings) avant que la folle équipe ne s’échappe sur un ferry vers Cuba, on trouve déjà la signature du maître, et certaines scènes font déjà penser au Criminel ou à La Splendeur des Amberson. Malgré tout, tandis que le film est bien conservé (et restauré) mais incomplet, et que certaines scènes sont répétées plusieurs fois, le côté dada et languissant de ces 66 minutes qui ne devaient durer que 40 dans le projet de W elles, peuvent quelque peu ennuyer un public qui ne serait pas à 200 % cinéphile. Chapeau en tout cas à l’équipe qui a présenté le film ! (voir notre photo de Lili Hinstin, Jean-Pierre Berthomé et Gaël Mevel autour du piano). Tout juste le temps de sortir et de remonter les escaliers et nous étions immergés dans un hommage à Bernadette Lafont en deux parties : d’abord un documentaire très décontracté de la comédienne récemment disparue, présenté par ses réalisateurs André S. Labarthe et Estelle Fredet ; puis la projection des Bonnes femmes de Claude Chabrol, avec une Bernadette Lafont compagne de Stephane Audran et flamboyante de sexualité dans un Paris boutiquier et ennuyeux. Alors que le documentaire commence par une phrase de Truffaut disant que « Bernadette Lafont, c’est Boudu », l’hommage est resté dans la thématique de la journée, même si le Chabrol est plus un beau documentaire à la fois sur l’ennui et sur les mœurs nouvelles qui arrivent avec l’accès des femmes au travail et le libre usage qu’elles font de leur corps… La soirée s’est terminée par un chaleureux dîner à la salle des fêtes d’un Belfort où le ciel découvert laissait apercevoir les étoiles mais où la température était glaciale. Après une bonne soupe et un débriefing avec des distributeurs et programmateurs passionnés de nos coups de cœurs de la journée, nous étions conviés à un DJ set dans une salle placée juste sous la garde du fameux lion de Belfort : la poudrière. Thème de cet intermède musical ? John Carpenter, soit le grand absent de notre journée, et qui le sera resté, car il était bien tard et nous devions encore écrire et se préparer – bien trop tôt – pour le départ. Cette semaine à Belfort, ne manquez pas la présence de Jacques Doillon aux séances de la Fabrica, les séances commentées du cycle sur l’histoire irreprésentable L’image manquante, et mercredi 4 décembre, en entrée libre, l’hommage à Lou Reed avec la projection du fameux Berlin dans la scope de Julian Schnabel… De son côté, Toute La Culture vous en dira un peu plus chaque jour sur les films de la compétition. Visuels : © Yaël Hirsch


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6 décembre 2013

BELFORT, LA COMPÉTITION : « ROUND TRIP », UNE HISTOIRE D’AMOUR SYRIENNE En compétition à la 28e édition du festival Entrevues, Round Trip est le premier long-métrage de fiction du réalisateur syrien formé à la Femis, Meyar Al Roumi. Une histoire d’amour enrobée de secret et de voyage d’un être vers l’autre… Note de la rédaction :

★★★★★

Walid et Souhaire sont deux jeunes gens de Damas qui s’aiment mais ne peuvent se voir que dans l’alcôve du taxi de Walid et à l’abri des regards, parce qu’ils ne sont pas mariés. Lorsque Walid décide d’aller rendre visite à une amie à Téhéran, c’est l’occasion pour le jeune couple de prendre le train, de braver les interdits et de prendre des risques pour vraiment se connaître… Baigné de la lumière irrésistible de la passion et de la jeunesse, porté par deux très beaux acteurs,Round Trip est un film d’une sensualité communicative, où l’intime rayonne à travers un cadrage et une photographie parfaitement maîtrisés. À voir un film aussi beau sous tous ses aspects, on se surprend à se dire qu’à l’heure d’aujourd’hui, à Damas aussi, la sève monte et la jeunesse s’épanouit… Round Trip, de Meyar Al Roumi, avec Alexandra Kahwagi, Ammar Hajamad, Firasse Nana, France-Syrie, 2012, 74 min, en compétition et prix one+one.

Lors des projections au festival Entrevues, Round Trip est précédé d’un autre film sur les amours naissantes : le court-métrage helvète de Leo Haddad sur un adolescent de 16 ans qui retrouve sa meilleure camarade des vacances d’été après plusieurs années sans se voir. Entre temps, la belle Céline a pris de la poitrine et le jeune homme est tout émoustillé. L’âge de feu est une œuvre charmante, très réaliste et qui dégage une belle énergie. L’âge de feu, de Léo Haddad, avec Zacharie Chasseriaud, Anais de Barros, Suisse, 2013, 25 min.


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6 décembre 2013

BELFORT, COMPÉTITION : « CHANTIER A » OU LE CHANT DU RETOUR EN ALGÉRIE

Chantier A suit le retour en Algérie du poète berbère Karim Loualiche. Un film majestueux et un peu magique sur l’exil, l’exode et leur absurdité. À Belfort, la projection de ce long-métrage en compétition est précédée de celle d’un petit bijou de court-métrage sur le deuil… Note de la rédaction :

★★★★★

Dans des montagnes arides habitées par des mères aux vêtements colorés et des hommes qui pourraient encore être des nomades, le physicien, poète et musicien Karim Loualiche revient voir les lieux qu’il a quittés dix ans auparavant. Ni les conversations avec sa maman, ni les sessions de philosophies entre hommes au coin du feu et sous le ciel étoilé ne parviennent à rappeler les raisons de son départ à Karim. Porté par un personnage absolument fascinant, disparu récemment très jeune suite à une brusque crise cardiaque, et sublimé par la justesse de ses dialogues et la qualité de sa photographie – qui fait souvent penser à Caravage –, Chantier A n’a de banal que son titre. L’exil y ressemble à une longue fable qu’on raconterait selon une tradition immémoriale, une nuit d’insomnie choisie. Chantier A, de Tarek Sami, Lucie Dèche, Karim Loualiche, avec Karim Loualiche, Algérie-France, 2013, 104 minutes. En compétition.

Avant ce moment de voyage initiatique, Entrevues projette le sublime court-métrage de Leslie Lagier : Nous sommes revenus dans l’allée des marronniers. Alors que la jeune femme a perdu peu à peu ses trois oncles, elle part de l’allée du cimetière de Pantin qui l’a menée aux trois enterrements et sculpte une heure du vidéo super 8 laissée par l’un de ces trois disparus pour en évoquer le visage et la vie. À travers la narration (voix d’homme) et le collage des images, la jeune réalisatrice suggère à la fois la tragédie et la vie quotidienne d’une famille avant et après le deuil. Un des films qui nous a le plus marqués dans cette compétition 2013 d’Entrevues. Nous sommes revenus dans l’allée des marronniers, de Leslie Lagier, France, 2012, 16 min, en compétition + concourt au prix One+One.

Visuel : © photo extraite de la bande-annonce de Chantier A


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6 décembre 2013

BELFORT, LA COMPÉTITION : LE MONDE ENTIER S’EXPRIME DANS LA « CASSE » DE NADÈGE TREBAL Deuxième long-métrage de Nadège Trebal après Bleu pétrole en 2012, Casse filme, comme son nom l’indique, un no man’s land où utilisateurs et âmes errantes peuvent venir « récupérer » des morceaux de voitures. Un chantier qui se transforme en tendre tour de Babel.

★★★★★

Note de la rédaction : En banlieue, un parc de démontage ouvert et en libre service est le lieu que Nadège Trebal a choisi pour planter sa caméra. Cette ancienne de la Femis qui a travaillé au scénario des Bureaux de Dieux avec Claire Denis offre à l’écran une riche tranche de vie, plus proche du documentaire que de la fiction. Elle se « glisse » si bien dans le décor que les langues parlant mille idiomes se dénouent, toutes en français, et en disent long sur l’arrivée de l’autre dans notre pays. Certains immigrés ont la nostalgie de la nourriture de chez eux, d’autres expliquent calmement et sans animosité leurs difficultés ; certains enfin décryptent les atavismes locaux avec une distance jubilatoire. Un beau film qui interroge, sans aucune prétention, les convergences des ethnocentrismes.

Casse, de Nadège Trebal, France, 2013, Néon production, 87 mn. En compétition.

Visuel : © photo du film


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7 décembre 2013

FESTIVAL ENTREVUES : LE PALMARÈS 2013 Le jury de la 28ème édition du Festival Entrevues a rendu son palmarès, ce samedi 7 décembre à Berlfort. Le Grand prix est allé à Révolution Zendj, de Tariq Tegia, qui suit la périlleuse enquête d’un journaliste dans le Sud de l’Algérie. Le long métrage Round Trip de Meyar Al Roumi et le court Etre Vivant, ont, quant à eux séduit le public. Cette année, la compétition semblait privilégier l’histoire intime, que ce soit en Syrie, en Algérie ou à New-York, sur l’audace très formelle qui caractérise d’habitude le Festival Entrevues. Mettant souvent en scène des personnage en quête, les courts et les longs de la compétition résonnaient pour certains fort avec la thématique des la comedia des ratés… N’ayant passé que quelques jours à Belfort, nous n’avons pas vu tous les films primés, mais mettons un lien vers toutes nos critiques, pour que vous puissiez les (re) lire.

PRIX DU JURY Grand prix Janine Bazin : Révolution Zendj de Tariq Tegui Mention à TIR de Alberto Fasulo Prix d’aide à la distribution See you next Tuesday de Drew Tobia Grand prix du court-métrage Peine perdue de Arthur Harari

JURY ONE+ONE Juke-box de Ilan Klipper PRIX DU PUBLIC Prix du public pour le long-métrage : Round Trip de Meyar Al Roumi Prix du public pour le court métrage : Etre vivant de Emmanuel Gras

TOUTE LA CULTURE.COM Yaël Hirsch

11 décembre 2013

REPRISE DES LAURÉATS DU FESTIVAL ENTREVUES LE 17 DÉCEMBRE AU NOUVEAU LATINA Deux des films primés à la 28e édition des Entrevues de Belfort seront projetés pour le public parisien au Nouveau Latina le 17 décembre 2013. Entrevues a choisi le long-métrage plébiscité par le public, l’histoire d’amour syrienne et ensoleillée Round Trip, de Meyar Al Roumi. Et le court-métrage néo-nouvelle vague choisi par le jury, Peine perdue de Arthur Harari, sera lui aussi projeté au Nouveau latina le 17 décembre prochain. Le Nouveau latina, 20, rue du Temple, 75004 Paris.


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3 décembre 2013

ENTREVUES : LE LAURÉAT DU PRIX FILM EN COURS 2013

Chaque année, en parallèle de la compétition, le festival Entrevues de Belfort permet à un film en cours de remporter un prix lui assurant tous ses frais de post-production (étalonnage, mixage, sous-titrage etc…). Le film qui a remporté le prix de cette 28ème édition est le documentaire Sud eau nord Déplacerdu français Antoine Boutet (107 min). Dans le jury qui a décerné le prix cette année, il y avait entre autres le réalisateur de « Michael Kohlhaas », Arnaud des Pallières, le gérant de Cosmodigital Pierre Perrot ou le chargé de programmation Olivier Pierre. Sud eau nord Déplacer « est un parcours le long des trois routes que trace le plus important projet de transfert des eaux au monde entre le Sud et le Nord de la Chine ». Ce documentaire de 107 minutes réalisé par Antoine Boutet et produit par Les Films du Présent / Sister Productions, remporte donc le montant et l’expertise nécessaires pour réussir sa post-production.

TOUTE LA CULTURE.COM Hugo Saadi

25 novembre 2013

L’AGENDA DE LA SEMAINE DU 25 NOVEMBRE 2013 […] Enfin, on termine la semaine avec un samedi 30 novembre bien chargé. Ce sera le début du 28ème Festival International du Film et des Entrevues de Belfort. Du 30 novembre au 8 décembre, le festival proposera des grandes rétrospectives ainsi qu’une compétition internationale de premiers, seconds et troisièmes films. Découvrez toute la programmation du festival sur le site officiel. […]

TOUTE LA CULTURE.COM Hugo Saadi

1er

décembre 2013

L’AGENDA CULTURE DE LA SEMAINE DU 2 DÉCEMBRE 2013 […] Enfin on termine la semaine avec un vendredi 6 décembre intéressant. Dans le cadre des Entrevues de Belfort (notre live report de l’événement est à lire par ici) on vous conseille la projection du film Raja deJacques Doillon suivie d’une discussion avec le réalisateur, Pascal Greggory et Lola Doillon, assistante réalisatrice sur ce film. […]


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9 octobre 2013


IL ETAIT UNE FOIS LE CINEMA.COM Pauline Labadie 11 décembre 2013 Passage à Belfort: EntreVues Jeunesse des propositions et des regards: pour sa 28ème édition, le festival EntreVues conserve son aura de découvreur. Article de Pauline Labadie

Les cinéastes présents à Belfort cette année affichaient au compteur une moyenne d’âge disons… juvénile. Sans en faire une généralité, on a pu noter que plusieurs films en compétition étaient réalisés par des « moins de 25 ans », dont la maîtrise et la promesse plus grande à l’avenir faisait plaisir à découvrir.

Mona (Eleonore Pienta) dans See You Next Tuesday

L’américain Drew Tobia est peut-être plus proche de la trentaine, mais sa comédie (une des deux en compétition cette année) a la folie un peu désespérée de la génération Y. See You Next Tuesday appartient à une catégorie de films indépendants un peu fauchés, à l’image de son anti-héroïne, une jeune fille enceinte jusqu’aux dents à la solitude écrasante. Proche de la « hobo », Mona se trimballe dans un manteau en plastique orange et se heurte à son entourage le jour où elle se retrouve sans appart ni job. Inquiète, grossière et peuplée de personnages féminins grandioses, cette trash-comédie, au demeurant très subtile dans son écriture, rappelle l’univers déjanté de John Waters, avec en supplément un goût pour la raillerie sociale (le jeu sur les codes vestimentaires, le massacre du milieu lesbien bobo) savoureux. Bonne nouvelle, le film a reçu le prix d’aide à la distribution.

Latch

L’irako-finlandais Zagros Manuchar a lui 23 ans et c’est en autodidacte qu’il a appris le cinéma pour réaliser Latch. Déconcertant - il a progressivement vidé la salle pendant sa présentation - ce premier long-métrage impose un naturalisme que d’aucun trouveront éreintant mais dont la beauté formelle et la patience recèlent bien des frémissements. Il y est question d’un gamin affligé de bégaiement depuis que sa mère a quitté le foyer familial. Socialement isolé, en retard à l’école, l’enfant s’enferme dans un immobilisme accentué par un père refusant d’accepter sa maladie. Minutieuse, la caméra ne lâche pas le gamin, poursuit ses moindres mouvements et filme frontalement la gêne, le trouble de la parole retenue à l’aide de dramatiques zooms avant. L’enfant se démène pourtant et devient le héros de sa propre renaissance, faisant revenir la lumière dans le cadre et donnant sens aux premiers plans du film, terrassants de beauté.


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Karim Loualiche, réalisateur et acteur de Chantier A

Du côté des documentaires, c’est Chantier A qui s’est imposé comme la plus proposition la plus forte, parmi des films plus maladroits, volontaristes dans leur portée sociale ou au dispositif plutôt artificiel (Casse, Nadège Trebal; La Jongla interior, Juan Barrero). Coréalisé par Karim Loualiche (aujourd’hui disparu et à qui le film est dédié), Tarek Sami et Lucie Dèche, Chantier A aurait pu être trois films : les 18 heures de rushes récoltées au cours de deux voyages en Algérie marquent le film d’une densité thématique et visuelle étourdissante. S’ouvrant sur le retour en Algérie de Karim, l’enfant du pays, le film se construit à découvert, les protagonistes rencontrés acceptant l’artifice de la caméra, jouant même avec. Le finale condense les thématiques qui ont émaillé le film : la poésie, écrite et orale, du pays, le questionnement sur les traumas sanglants de l'Algérie, mais aussi l’exil de Karim et l’écartèlement de sa jeunesse. La mise en scène travaille des visions parfois fulgurantes qui, associées au travail de Lucie Dèche sur le son, justifient « le chantier » filmique audacieux dont il est question, en même temps que l’état actuel du pays selon son narrateur.

C’est un autre film algérien (qu’on a loupé) qui obtient le Gand Prix cette année, Révolution Zendj troisième long métrage de Tariq Teguia après Rome plutôt que vous (déjà lauréat du Grand Prix en 2006) et Inland (2008). Le jury a également accordé une mention à Tir, d’Alberto Fasulo, fiction au dispositif un peu théorique autour d’un ancien prof devenu camionneur soumis à des conditions de travail de moins en moins humaines.

Rodolphe (Nicolas Granger) dans Peine Perdue d'Arthur Harari

Côté courts et moyens métrages, c’est sans trop de surprise Peine Perdue d’Arthur Harari qui reçoit le Grand Prix. Il dominait une sélection assez hétéroclite où surnageaient des propositions d’apparence modeste, toutes délicatement éprises de désir. Que ce soit les adolescents de L’Âge de feu du jeune Leo Haddad, les déambulations d’un dragueur a priori pathétique (Ein Kleiner Augenblick des Glücks de Thomas Moritz Helm) et l’étrange manipulateur dePeine Perdue, tous étaient en quête d’un étrange absolu, forme d’amour parfois plus proche du pardon. Le film d’Harari est une balade au bord d’un fleuve orchestrée par la musique de Bertrand Belin, où un trio amoureux semble naître sous les manipulations de Rodolphe. La circulation du désir s’amorce par une main sur les fesses (succédant à La main sur la gueule, 2007, son autre moyen métrage) et s’achève par la possibilité d’échouer sur une île et d’y disparaître, morceau de terre que la caméra capture en tanguant, incertain paradis pourtant bien perdu.

Crédits: Vincent Courtois

Le palmarès complet est disponible sur le site d’EntreVues. La reprise des films primés aura lieu au cinéma Le Nouveau Latina (20 rue du Temple – 75004 Paris) le 17 décembre à 20h.


CRITIKAT

Raphaëlle Pireyre 24 décembre 2013

Festival Entrevues de Belfort, 28e édition du 30 novembre au 8 décembre 2013 Pour sa 28ème édition, le festival Entrevues de Belfort a changé de tête, et c’est désormais Lili Hinstin, transfuge du Cinéma du Réel après avoir programmé le cinéma à la Villa Médicis, qui en est la nouvelle directrice artistique. Premier geste fort, la compétition mélange, dans la grille de programmation cette année, courts et longs, documentaires et fiction, même si des prix spécifiques sont réservés au court-métrage. C’est donc hors de toute catégorisation que les films sont présentés, et le tour de force est d’être parvenu à concevoir des séances assurant une cohérence entre les films présentés. En marge de la sélection, le Festival propose des rétrospectives thématiques, une programmation sur les questions d’histoire, des séances jeune public. La Fabbrica Doillon proposait quant à elle de revenir sur certains films du cinéaste en présence, et en compagnie de certains de ses collaborateurs, belle façon d’aborder le cinéma par ceux qui le font. Retour sur la sélection qui se consacre aux premiers, deuxièmes et troisièmes films, et qui, dans cette édition, dans laquelle deux thèmes principaux traversaient la majorité des films : le voyage et la famille.

Un état du monde Une nouvelle fois, après Rome plutôt que vous en 2006, Tariq Teguia remporte à Belfort le Grand Prix Janine Bazin. Œuvre difficile à produire, Révolution Zendj est une coproduction algérienne, française, qatarie et libanaise et le cinéaste insiste sur les contraintes imposées par un tournage dans un grand nombre de décors très éloignés les uns des autres. On n’est pas surpris d’entendre résonner la voix de Jean-Luc Godard, puisque l’ombre tutélaire du cinéaste plane en permanence sur le film, dans cette façon très allégorique d’aborder la marche du monde, à la fois de manière globale et totalement intellectuelle. De la Grèce au Liban en passant par l’Algérie et l’Irak, les personnages se déplacent et se croisent, incarnant chacun une forme de stéréotype : pouvoir financier, idéalisme de la jeunesse, ou soif de vérité. Ces histoires de révolte, de désir de révolution à travers les territoires et les époques, sont menées avec autant de virtuosité formelle que de distanciation narrative. Dans un contexte géopolitique mondialisé où cohabitent les langues et les nationalités, un journaliste algérien part à la recherche des pièces de monnaie, seul vestige d’un peuple d’esclaves venus d’Afrique noire pour travailler au Moyen-Orient au 8ème siècle. Nommé Ibn-Battuta, comme l’explorateur marocain du 14ème siècle célèbre pour ses récits de voyage, l’homme parcourt le monde arabe en quête de réponses sur l’état des idéologies. Si la composition de l’image impressionne en jouant en permanence sur la projection d’un monde sur l’autre à travers des refl ets, surcadrages, il reste facile de demeurer extérieur au film. À l’image de ce travelling qui enveloppe un groupe de jeunes révoltés qui se retrouvent pour une fête, le film est certes virtuose, mais peut sembler extérieur à ce qu’il expose. La caméra frôle le plus souvent le monde pour l’observer de l’extérieur.

De la semence à la cendre Tout comme Révolution Zendj, le voyage était au centre d’un grand nombre de films de la sélection, Voyage rêvé pour Kelly, jeune femme péruvienne tentant d’accéder à l’Europe, mais coincée à Tanger après plusieurs voyages en Guyane. Voyage métaphorique pour le jeune couple syrien non marié de Round Trip de Meyar al-Roumi (Prix du public), qui, au cours d’un trajet en train, expérimente les amours clandestines avant d’être rattrapé par les stéréotypes culturels. Personnages tels qu’on n’en voit peu dans le cinéma actuel du Moyen-Orient, ils forment un couple moderne, dont le désir se niche dans chaque interstice laissé vacant par la société, comme le beau moment où ils font glisser leurs sous-vêtements sous le jour de la porte de communication entre leurs deux cabines couchettes mitoyennes. L’espace confiné et mi-public mi-privé des couchettes permet une belle mise en scène de l’amour empêché par la société. Mais tout autant que le voyage et la mondialisation, la famille était au cœur des films de la sélection. Les réalisateurs de Cendres ont choisi de filmer Akiko, Japonaise qui ramène au pays les cendres de sa mère morte en France, et assistent, avec leur regard d’Européens, à la cérémonie de dispersion des cendres et revenant sur la jeunesse de cette femme, tandis que Juan Barrero, mêlant fiction et documentaire, choisit de filmer, dans La Jungle intérieure, la grossesse de sa compagne « comme il filmait les hippopotames » lors de ses expéditions scientifiques. Confrontant le constat que les images de famille, photos comme films, ne figent pour l’éternité que les moments heureux avec les drames qui ont parsemé l’existence de ses proches, Leslie Lagier s’efforce de créer des images du souvenir du deuil. En se remémorant le moment où elle apprit la nouvelle du décès de ses oncles, la réalisatrice de Nous sommes revenus dans l’allée des marronniers travaille sur le montage des photographies et films familiaux. Prix d’aide à la distribution, See You Next Tuesday (Drew Tobia), seule vraie comédie de la sélection, fait le portrait cruel d’une famille délitée de femmes marginales dans la veine de son compatriote américain trash Alex Ross Perry ou de Somebody Up There Likes Me. En dehors des thématiques évoquées, récurrentes de la sélection, quelques films singuliers se sont détachés.


CRITKAT Regarde les hommes bricoler... Nadège Trebal ne se souvient plus comment elle est tombée sur la casse d’Athis-Mons, mais l’évidence de devoir y tourner un film a été immédiate. Casse observe avec patience les mécaniciens qui désossent les voitures, dans ce cimetière de l’ère industrielle. Les longs travellings caressent les carcasses abandonnées, devenues inutiles et donnent à ressentir la multitude des épaves, grand champ de foin dans lequel chacun essaie de trouver l’aiguille qu’il lui faut : une portière, un pare-brise, un moteur... En contemplant la trace de la désindustrialisation, Casse fait le portrait d’hommes qui racontent la façon dont ils s’intègrent en France comme leur manière de se débrouiller avec la vie. Certains hommes parlent à cœur ouvert de leur vie, passée et présente. D’autres se contentent de se laisser filmer au travail. La réalisatrice dit son désir de « filmer des hommes pour lesquels être filmé est ce qu’il y a de moins important », et compare sa recherche du bon personnage – celui qui aura envie de faire partie du film, à la quête de la pièce qui occupe les hommes qu’elle regarde. Elle appréhende avec une nécessaire longueur des prises ces œuvres de patience dont émane un certain suspense. Car il en faut, du talent, du doigté, de l’expérience, pour extraire de la ferraille la pièce que l’on recherche précisément et qui a été intégrée dans un processus de fabrication industrielle.

Regarde les hommes chanter Le motif de l’exclusion, très présent dans Kelly ou dans le prix du public attribué au court métrage d’Emmanuel Gras, Être vivant, traverse également Juke Box, prix du Jury One+One. Commençant par un portrait clinique d’un chanteur marginalisé, le film explore insensiblement le processus de création. Cette dichotomie se trouve soutenue par la présence du chanteur Christophe, méconnaissable.

Regarde les hommes draguer À l’opposé de l’ensemble de la sélection, Peine perdue, d’Arthur Harari, Grand Prix du court métrage, ausculte les gestes de la séduction à travers une machination ourdie par le mystérieux Rodolphe qui joue de la circulation du désir comme d’une partie de billard. En reprenant la trame de Partie de campagne de Renoir (1936), le film se constitue comme un palimpseste. Les parisiennes en vacances au bord de l’eau, la tentative de séduction lors d’une promenade en barque et sur une île, la profonde nostalgie après l’évocation du désir : Harari reprend les lignes de son modèle pour les faire entrer en résonance. Raphaëlle Pireyre


ACCREDS

Erwan Desbois 11 décembre 2013

Envoyé spécial à… Entrevues Belfort 2013

Par Erwan Desbois le 11 décembre 2013 - Dernière mise à jour le 11 décembre 2013 | Pas de commentaires | Articles • Envoyé spécial à... • Envoyé Spécial à... | Tags: Assault, Belfort 2013, Dominique Marchais, Entrevues Belfort 2013, John Carpenter, La dernière séance, La ligne de partage des eaux, Le temps des grâces, Peter Bogdanovitch, Révolution Zendj, Rio Bravo, The Thing

Les belfortains ont un Lion sculpté dans la montagne (comme le Mont Rushmore) qui veille sur leur ville, un département à leur nom, et dans le hall de leur gare une fresque faisant de leur cité à citadelle le phare central de l’Europe. Ils ont aussi un fort sens de l’à-propos, puisqu’ils organisent un festival en plein air l’été (les Eurockéennes) et, l’hiver venu, rentrent s’abriter à l’intérieur à l’occasion pour leur autre festival – EntreVues, dont on fête cette année la vingt-huitième édition.

Territoires et communautés Le premier jour était aussi le dernier de la compétition internationale, intitulée « Les cinéastes de demain » car elle est réservée à des premiers, seconds ou (mais c’est vraiment la limite, n’essayez pas de revenir après) troisièmes longs-métrages. La journée fut donc consacrée à ces films, avec une entorse concernant l’allemandThe strange little cat (de Ramon Zürcher) – non pas comme un geste de protestation en mémoire des multiples tentatives de prise de Belfort par l’Allemagne au cours des siècles passés, mais parce qu’il était déjà présenté à Cannes, dans la sélection de l’ACID. À EntreVues, on lui a substitué l’avant-première hors compétition du documentaire La ligne de partage des eaux de Dominique Marchais, dont la sortie en salles est prévue pour avril prochain. Ce film s’inscrit dans la même ligne que les deux longs-métrages algériens vus avant lui dans la journée,Chantier A de Tarek Sami, Karim Loualiche et Lucie Dèche, et Révolution Zendj de Tariq Teguia. Tous sont marqués par une profonde inquiétude quant au devenir de territoires et des communautés qui y vivent.


ACCREDS Dans La ligne de partage des eaux, c’est la France rurale qui se fait grignoter par une infection galopante – l’urbanisation irréfléchie et ne jurant que par l’étalement à l’horizontale, que ce soit pour les lotissements d’habitations pavillonnaires ou les zones d’activité commerciale et industrielle. Cette ruine était déjà là au terme du récit que faisait Le temps des grâces, le précédent film de Marchais, d’un demi-siècle de gestion et de manipulations calamiteuses des terres agricoles et boisées. La ligne de partage des eaux reprend le fil de l’étude, et de la lutte, au présent cette fois. Marchais observe l’aménagement de la campagne se faire, et surtout se défaire, à tous les échelons de l’action de terrain et de la décision politique, du gendarme inspectant l’état de minuscules ruisseaux à des réunions de commissions impliquant une vingtaine d’intervenants représentant autant d’organismes et d’intérêts différents. Le film est légèrement moins abouti que l’exceptionnel Temps des grâces, qui connaissait son point d’arrivée tandis que La ligne de partage des eaux tâtonne avec ses personnages, à la recherche d’hypothétiques solutions améliorant le présent (la hantise du chômage et de la mort des villages) tout en préservant l’avenir. En enregistrant ces échanges dans la durée, et sans garantie de résultat, Marchais filme avant tout quelque chose de passionnant : l’effort permanent de modeler un vivre ensemble des individus, une société.

Le titre de Chantier A (comme Algérie) exprime le mauvais état de ce projet en ce qui concerne ce pays. Signé en commun par les trois membres de son équipe réduite, Sami et Dèche derrière les caméras et la perche et Loualiche devant, cet autre documentaire plus inégal nous fait arpenter sans plan préétabli les différents espaces qui composent l’Algérie. Le prétexte du film est le retour de Loualiche dans son village natal, après dix ans passés en France. Une décennie qui vaut une éternité, tant le constat d’incommunicabilité entre celui qui est parti – et est devenu artiste – et ceux qui sont restés – et triment sur les chantiers de misère qui se présentent, sans considération de sexe ou d’âge – est violent. Il n’est pas loin de saper sur place le film, qui a la bonne idée de fuir dans le désert où la rencontre avec des Touareg lui redonne un souffle poétique et une altérité bienvenus. Le fond et la forme provoquent là une sidération qui faiblit malheureusement à nouveau lorsque Chantier A retourne observer des zones urbaines. La franchise et l’inquiétude du film face à une société algérienne à l’arrêt, et du coup en train de pourrir sur place, sont de beaux atouts, mais qui ne compensent pas entièrement son manque de profondeur dans l’analyse. Le regard reste en surface.

Avec Révolution Zendj, le cinéaste algérien Tariq Teguia compose des images extraordinaires, uniques (on n’a jamais le sentiment d’avoir affaire à la simple application d’une recette), contemplatives et pourtant terrassantes.


ACCREDS Lui aussi algérien d’origine, Révolution Zendj embrasse du regard un terrain de lutte autrement plus vaste : le monde entier. Favori avant le Festival (Tariq Teguia avait déjà triomphé à Belfort en 2007 avec Rome plutôt que vous), favori pendant que la compétition se dévoilait dans les salles, et vainqueur sans surprise du Grand Prix au final, Révolution Zendj vise à relier entre elles toutes les luttes révolutionnaires, à travers l’histoire (celle des Zendj date d’il y a presque mille ans) et la géographie. Cela pose le niveau d’ambition extraordinaire du film, tellement qu’il en vient à le desservir. Teguia cherche la carte qui couvrirait un territoire s’étendant de l’Algérie à l’Irak, et de la Palestine à la Grèce. Cela donne une ouverture de récit vertigineuse, qui se fait à cheval entre trois continents. Mais très vite les forces vives du film sont rassemblées en un même endroit (Beyrouth), et le bouillonnement devient plus contrôlé, à rebours de l’embrasement que l’on espérait. Révolution Zendj s’embourbe quelque peu dans la phase de surplace qui s’ouvre alors, d’autant plus que celle-ci dure bien longtemps pour pas grand-chose – son terme est le fait d’un artifice de scénario qui aurait pu se produire n’importe quand. C’est dans le mouvement physique de ses protagonistes, au début et donc à nouveau à la fin, que le film s’épanouit. Il s’affranchit de la solennité et du dogmatisme qui l’alourdissent, et se met au diapason de la richesse et de l’abandon de sa mise en scène. Teguia sait composer des images extraordinaires, uniques (on n’a jamais le sentiment d’avoir affaire à la simple application d’une recette), contemplatives et pourtant terrassantes. Par ce biais, son film nous tend la main, mais sur d’autres aspects il se dérobe, se referme sur lui-même, au risque de nous exclure de ce qu’il pense et ressent.

Dauphin de Révolution Zendj au palmarès, TIR est venu conclure idéalement cette journée en présentant une synthèse idéale des films passés avant lui. Film profondément ancré, comme Révolution Zendj, dans le réel d’un monde globalisé et émietté, TIR emploie les forces de la fiction comme une loupe grossissante braquée sur un des points évoqués par La ligne de partage des eaux : l’industrie du transport de marchandises par semi-remorque entre entrepôts géants. Le réalisateur Alberto Fasulo, venu du documentaire, nous emmène quatre mois durant sur les routes d’Europe en compagnie de son acteur (Branko Zavrsan) reconverti le temps du tournage en routier comme un autre. TIR ranime le néoréalisme italien dans toute la puissance de ses images et la portée de son message politique. Ce n’est malheureusement pas bon signe car, si le film frappe aussi fort et juste en se ralliant à cette famille de cinéma, c’est en partie parce que l’état social en Europe n’est pas loin d’avoir régressé à ce qu’il était lors de l’âge d’or du néoréalisme, après-guerre. Le talent et l’engagement de Fasulo et Zavrsan (acuité du regard, refus de tricher avec la réalité) font le reste, pour dresser un cinglant et éloquent constat d’un esclavage moderne, scellé par la chanson qui accompagne le défilement du générique de fin :Another man done gone, avec pour paroles « He had a long chain on / They killed another man ». On en reparle bientôt plus longuement. TIR ranime le néoréalisme italien dans toute la puissance de ses images et la portée de son message politique. Les fifties de Carpenter et Bogdanovich

Le deuxième jour, puisque les jeux étaient faits pour la compétition, ‘était le bon moment pour profiter des autres sections du festival, autant de foisonnantes rétrospectives et thématiques. Ici, un hommage à Jacques Doillon en sa présence ; là, une piste comique sur les « ratés » allant de Chaplin à Will Ferrell en passant par les Affreux, sales et méchants d’Ettore Scola ; un peu plus loin, une sélection d’« images manquantes » de l’histoire que tente de combler le cinéma, à la manière du récent film éponyme de Rithy Panh, et encore une autre de fantômes


ACCREDS féminins rendant les hommes fous amoureux, à partir de L’étrange affaire Angelicade Manoel de Oliveira. Parmi celles-ci, notre choix s’est porté sur la proposition la plus excitante et inventive de toutes : les doubles programmes John Carpenter, mêlant grindhouse (deux séances à la suite), intégrale et carte blanche – à chacun de ses longsmétrages, le cinéaste a été invité à en associer un autre de son choix. Évidemment, on trouve dans le lot une bonne quantité de films dont Carpenter a réalisé un remake plus ou moins officiel. The thing et La chose d’un autre monde, Le village des damnés et Le village des damnés, et pour l’occasion qui a rempli cette après-midi de la joie cinéphile la plus totale, Assaut et Rio Bravo. Arriver au cinéma, voir Assaut (l’une des plus belles réussites du cinéma de Carpenter et du cinéma de genre), sortir de la salle, y retourner quelques minutes plus tard, voir Rio Bravo (l’un des plus beaux films du cinéma tout court) : y a-t-il besoin d’en dire plus ? Non.

La dernière séance de Peter Bogdanovich, lien bouleversant entre les bouillonnantes années 70 et les crépusculaires années 50, où s’éteint le règne de l’Amérique classique et du cinéma de John Wayne

Pour continuer à titiller très agréablement la fibre cinéphile, pour la cérémonie de clôture qui avait lieu ce soir-là, le Festival avait programmé une projection en copie restaurée de La dernière séance de Peter Bogdanovich, qui fait lui aussi le lien entre les bouillonnantes années 70 (tournée en 1971, Assauten 1976) et les crépusculaires années 50, où s’éteint le règne de l’Amérique classique et du cinéma de John Wayne. La dernière séance applique à l’observation de la vie dans les années 50 la triple libération du cinéma des années 70 : libération sexuelle (soudain on peut montrer les corps nus et leurs ébats à l’écran), libération esthétique (Bogdanovich tourne en noir et blanc pour la beauté et la portée du geste, à un moment où la couleur s’est définitivement imposée), libération cinéphile (le film projeté dans le film, qui donne son titre à la Dernière séance est La rivière rouge, à nouveau du duo Hawks-Wayne). La combinaison des trois aboutit à une chronique sentimentale et sociale d’une grande richesse, qui devient de plus en plus bouleversante à mesure qu’elle progresse. Le mal-être de ses personnages s’y diffuse tel un poison lent et imperturbable, car dans La dernière séance la vie dessèche et tue. De ce beau film qui traite avec délicatesse et élégance de choses complexes et charnelles, on reparlera également sous peu sur Accréds. La compétition, suite et fin

Enfin, le dernier jour, la magie combinée du DVD et de la reprise dans les salles du Festival des films primés a permis de combler une partie des lacunes concernant la compétition. Sans beaucoup de réussite, car les deux longs-métrages ainsi rattrapés étaient bien faibles. Aucun ne parvient à dépasser ou démentir ce qu’il est sur le papier, à la lecture de son pitch.Lebanon emotion, de Jung Young-heon, noie son astucieux concept – un garçon suicidaire sauve la vie d’une fille dotée d’un fort instinct de survie – et ses bonnes idées de montage (des ellipses et des flashbacks au timing et à l’exécution vraiment bien sentis) dans les travers devenus routiniers, voire


ACCREDS obligatoires, du cinéma coréen : violence gratuite et galerie de personnages bêtes et méchants, combinaison débouchant sur un jeu de massacre qui se croit malin et n’est que vain. Quant au prix du publicRound trip, réalisé par Meyar Al-Roumi, il part avec un couple non marié et un train allant de Damas à Téhéran avec un détour contraint par la Turquie ; soixante-dix ennuyeuses et anecdotiques minutes plus tard il arrive avec les deux mêmes ingrédients, dont il n’a rien tiré de valable. Le film enfonce des portes ouvertes, brosse le public dans le sens du poil (les jolis paysages, le sujet des interdits en matière d’amour et de sexe), mais est très pauvre dans le développement de son intrigue et de ses personnages en même temps qu’hypocrite dans son geste. Lorsque ses deux héros peuvent enfin faire l’amour, au terme du premier tiers du récit passé à attendre une telle opportunité, ils sont filmés avec les draps savamment arrangés de manière à couvrir exactement les zones « inconvenantes » de leurs corps nus, comme un foulard doit couvrir la chevelure d’une femme. On n’attend bien sûr pas La vie d’Adèle, mais la contradiction entre ce moment et le désir irriguant les scènes qui le précèdent montre la limite de Round trip.

L’intensité d’Être vivant suit une courbe ascendante de la première à la dernière minute.

Du côté des courts-métrages, qui ont eux aussi droit à leur compétition, cette dernière journée fut plus probante.Peine perdue d’Arthur Harari démarre de superbe façon, sur les traces de Rohmer, avec un jeu amoureux à cinq joueurs au bord d’une rivière, et des connexions qui se font et se défont au gré de dialogues tout en subtilité dans leur écriture et leur mise en scène. Mais il atteint son apogée (une belle scène de révélation d’une trahison) avant sa dernière ligne droite, qui le fait glisser en pente douce vers un état moins envoûtant, un peu poseur. Paradis perdu. Par comparaison, l’intensité d’Être vivant suit une courbe ascendante de la première à la dernière minute. Pour mettre en images le texte d’un sans-abri décrivant à la deuxième personne la chute hors de la société et dans l’exclusion, le réalisateur Emmanuel Gras élabore un dispositif de mise en scène à la fois limpide et savant. Une succession de travellings à la Steadycam à reculons, joli tour de force technique et esthétique mais surtout vecteur d’un discours fort et de la sorte porté par des moyens exclusivement cinématographiques. En nous faisant marcher à reculons du reste du monde, et en nous interdisant de nous arrêter (le luxe de ceux qui peuvent payer pour avoir un chez soi ou aller au restaurant ou autre), la caméra d’Être vivant nous met radicalement à la place d’un SDF. Sans pudeur ni racolage, ce qui en fait un très beau prologue au documentaire Au bord du monde qui sort le 22 janvier prochain et s’intéresse au même milieu. Peine perdue a obtenu le Grand Prix du court-métrage,Être vivant le prix du public ; ainsi, comme pour les longs-métrages, à un Grand Prix certes riche en qualités, on aura préféré un lauréat moins prestigieux.

ENTREVUES/BELFORT, 28e Festival International du Film s’est déroulé du 30 novembre au 8 décembre 2013


ACCREDS

Erwan Desbois 7 décembre 2013

ENTREVUES BELFORT 2013 : le palmarès

Par Erwan Desbois le 7 décembre 2013 - Dernière mise à jour le 11 décembre 2013 | Pas de commentaires | Entrevues (Belfort) •News • Entrevues (Belfort) • News | Tags: Arthur Harari, Belfort 2013, Entrevues Belfort 2013, Fasulo, Klipper, Peine perdue,Révolution Zendj, Round Trip, See You Next Tuesday, Tariq Teguia, Tir, Tobia

Le jury de la compétition internationale récompense le chouchou de la critique et décerne une mention au lauréat du Grand Prix du Festival de Rome 2013. GRAND PRIX JANINE BAZIN REVOLUTION ZENDJ de Tariq Teguia MENTION DU JURY TIR d’Alberto Fasulo PRIX D’AIDE A LA DISTRIBUTION SEE YOU NEXT TUESDAY de Drew Tobia GRAND PRIX DU COURT-METRAGE PEINE PERDUE d’Arthur Harari

PRIX ONE+ONE JUKE-BOX d’Ilan Klipper

PRIX DU PUBLIC POUR LE LONG-METRAGE ROUND TRIP de Meyar Al Roumi PRIX DU PUBLIC POUR LE COURT-METRAGE ETRE VIVANT d’Emmanuel Gras

Le 28ème Festival International du Film de Belfort s’est déroulé du 30 novembre au 8 décembre 2013. Les films primés seront projetés le mardi 17 décembre à 20h au Nouveau Latina (20 rue du Temple – 75004 Paris).


ZINZOLIN Arnaud Hallet 9 janvier 2014

FESTIVAL DE BELFORT : 3 COURTS MÉTRAGES, 3 ENTRETIENS

Le Festival Entrevues de Belfort : 13 longs métrages et 13 courts métrages en compétition. À coté, il y a tout un tas de rétrospectives (John Carpenter, Jacques Doillon) et de cycles (La Commedia des ratés, Fatale attraction). Tout cela dans un multiplexe aménagé pour l’occasion. On a privilégié les cafés au pop-corn, pour lutter contre la fatigue causée par une programmation d’une telle densité mais aussi pour se réchauffer d’une ville plongée dans un souffle glacial. Inhérentes à chaque festival, l’oscillation de la qualité des courts métrages fut joyeusement grandiloquente, entre jolies surprises et coups de force, entre exercices peu inspirés et films fragiles, entre mystères et pédagogie… Nous retiendrons ici trois films. Trois films français qui offrent chacun une variation de l’exploration intime de leur personnage principal. Peine perdue d’Arthur Harari (le génial avocat qui « n’a pas une tête d’avocat » de La Bataille de Solférino) va chercher du côté de Jean (Eustache et Renoir), laissant le marivaudage s’enfoncer peu à peu dans le désenchantement. Le film travaille, avec une mise en scène discrète et intelligente composée essentiellement de champ-contrechamp, tout un jeu de regards et de manipulation. Apprendre à draguer, c’est se risquer à se rencontrer soi-même. Au bord d’un fleuve, à bord d’une barque : c’est l’abordage des tendresses évanouies, dans une fin de vacances ombragée de mélancolie. La Permission de Joyce A. Nashawati tremble lui beaucoup moins. Le film avance, sûr de lui, comme son personnage, ce légionnaire au regard d’aigle. Mais le glissement s’opère également : nous avançons vers l’inconnu, jusqu’à ce que le film lui-même se torde, dans des touches expérimentales sensitives qui laissent imaginer les répercussions d’un fantasme possiblement mené comme une guerre. Enfin, Juke-Boxe d’Ilan Klipper (parfois co-réalisateur de Virgil Vernier) pénètre dans un taudis, celui de Daniel-Christophe. Le film s’amuse à brouiller les pistes entre le chanteur public, la personne et le personnage. De rythmes qui n’en sont pas, on forge une mélodie béquillarde et opère une friction chimique, où le mysticisme et le travail d’ouvrier donnent naissance à un morceau somptueux, à une créature d’ange électronique. Trois films qui se posent la même question : comment se raccrocher au monde par le désir. Nous avons rencontré ces trois cinéastes. Ils vous racontent leur parcours, leur travail. La France contée en Franche-Comté.

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ZINZOLIN Arnaud Hallet 9 janvier 2014

BELFORT : ENTRETIEN AVEC ARTHUR HARARI

Peine Perdue, réalisé par Arthur Harari, est un court métrage français auréolé du Grand Prix dans la Compétition du Festival de Belfort Entrevues en 2013. Cet entretien a été réalisé dans le cadre d’une sélection de 3 courts métrages

sur lesquels nous nous sommes attardés au cours de ce festival. Vous trouverez les deux autres entretiens juste ici.

Peux- nous raconter comment en es-tu arrivé à faire des films ? J’ai fait une fac de cinéma, à Paris 8. Je voulais faire du cinéma depuis gamin, avec mon grand frère Tom Harari, qui

est le chef opérateur Peine perdue. On a fait des films ensemble quand nous étions adolescents, en 16 mm. J’ai notamment fait un film sur mon petit frère, qui est dans Peine perdue : Lucas. Il est quasiment dans tous mes films. Ce film s’appelle Le Petit et le suit sur deux périodes : quasiment deux plans séquences tournés à trois ans d’écart. Il avait 12 ans à l’époque et était très angoissé, il parlait beaucoup de la mort. C’est assez inspiré de Jean Eustache et de ses diptyques : Une sale histoire, La Rosière de Pessac. Quelques personnes me conseillaient de continuer ce projet, de le filmer au fil des années. Je ne voulais pas le faire parce que j’avais eu l’impression d’avoir cerné ce que je voulais faire avec ce diptyque. Sauf que je l’ai encore filmé dans La Main sur la gueule, dans Peine perdue… Et je me rends compte que je continue ce projet, d’une certaine manière. Après La Main sur la gueule, j’ai eu un gros trou. J’ai passé trois années à écrire un long métrage qui ne s’est jamais fait, faute d’argent. Je ne voulais plus réaliser de courts parce que j’en avais déjà fait pas mal. Et La Main sur la gueule dure quasiment une heure, ce qui prend énormément de temps et d’énergie. C’était une période creuse où les distributeurs ne voulaient pas sortir de moyen métrage dans les salles. Il y en avait quelques-uns avant, comme La Vie des morts de Desplechin qui a bien marché par exemple. Et ensuite, Un monde sans femmes de Guillaume Brac (lire notre entretien) a relancé le mouvement. Et surtout, je ne cherchais pas de sujets pour écrire. Chaque film est né d’une nécessité. Seulement voilà : au moment où j’abandonne le projet de long métrage, on me propose d’écrire un film. Je me suis accroché là-dessus et je dois le réaliser prochainement. Nous avons le CNC, un distributeur… donc c’est plutôt en bonne voie.


ZINZOLIN Comment est né Peine perdue ? Peine perdue est vaguement né d’une commande de douze films qui devaient accompagner chacun des morceaux

de l’album de Medhi Zannad (BO de La Francede Serge Bozon notamment). Un projet collectif qui est tombé à l’eau. Pour mon film, j’ai très vite pensé à réunir deux scènes déjà écrites, des ébauches un peu isolées. Il y avait la scène de démonstration de drague et la balade en barque : l’ouverture et la clôture du film en fait. J’ai vu que tout cela pouvait être une espèce de remake de Partie de campagne de Jean Renoir, qui est un film que j’aime infiniment. Et, je ne sais plus comment ça m’est venu en tête, je me suis dit que Les Mauvaises fréquentations de Jean Eustache était déjà un remake de Partie de campagne. Je pense que c’était une des intentions d’Eustache. Déjà, ce sont deux mecs qui draguent une nana et tout cela se termine de manière mélancolique, désenchantée. Et puis le titre original des Mauvaises fréquentations c’est Du côté de Robinson. Et il me semble qu’il est question de Robinson dans Partie de campagne. Mais je n’en suis plus totalement sûr (rires) ! Ce sont en tout cas des portraits hyper puissants d’une époque, sur les jeux de séduction. Je voulais essayer d’en faire une variation, d’attraper quelque chose d’actuel dans le désenchantement.

Ce n’était pas une nécessité pour toi de faire le film du coup. Ça tranchait avec les autres. Oui. Et j’ai commencé à penser différemment la nécessité des films. Tu crois que tu as quelque chose de très fort à

raconter et puis on te dit « non »… C’est difficile à accepter, de continuer. Ça ne veut pas dire qu’il ne faut pas le faire mais bon… Et puis à un autre moment on te propose de faire quelque chose et voilà, il se trouve que tu arrives à faire un film qui touche les gens. Donc je pense que j’ai un peu désacralisé le caractère ultra vital du geste.

Tu connaissais le lieu où tu as tourné ? Tout cela semble familier, à la fois pour toi mais aussi pour le spectateur. J’avais écrit sans savoir où ça se passerait. J’avais en tête ces ambiances de bord de Marne du XIXème siècle, de

Renoir etc. Mais il me fallait un équivalent aujourd’hui. Il ne fallait pas être trop proche de Paris mais dans une province un peu immobile, exilée, presque hors du temps. Avec une île, vraiment en recul, un lieu arrêté. On a eu l’aide de la région Centre et on a fait des repérages. Le directeur de production a trouvé cette base de loisir très étrange, comme un vaisseau spatial rouillé. Je l’ai filmé mais ce n’est quasiment pas resté au montage.

Le premier et le dernier plan, c’est exactement le même ? Non, pas tout à fait. Au début, il n’y a personne et à la fin, il y a le personnage, au loin. On me le demande parfois : « Au début : est-ce qu’il est sur l’île ou pas ? ». Je trouve ça pas mal. Le personnage fonctionne ainsi, dans l’apparition et la disparition, le réel et le fantasme.

Formellement, est-ce que tu as l’impression d’être dans le même sillon que tes précédents films ? Est-ce que des influences peuvent peser sur toi ? Les influences ne me pèsent pas dessus, non. Après, est-ce qu’elles pèsent sur mes films… ? Ce n’est pas à moi de le dire. Pour La Main sur la gueule, on me citait toujours Pialat, qui est effectivement une des influences majeures

du film. Il me fascinait énormément à ce moment-là. Je pense que c’est Eustache qui reste quand même le plus présent. On pensait à Mes Petites amoureuses au moment du tournage avec mon frère. Mais La Main sur la gueule est beaucoup plus explosif, il va en avant. Peine perdue commence de manière beaucoup plus légère.


ZINZOLIN On t’a vu dans La Bataille de Solférino. Est-ce que tu joues régulièrement ? Et est-ce que ça te sert pour la direction d’acteur ? Tes comédiens ont tous un charme un peu désuet, quelque chose de retenu mais d’élégant, ce qui semble être assez périlleux à mener. J’ai joué dans La Bataille de Solférino et j’ai fait d’autres petites choses mais je ne me sens pas comédien. Je pense

que je peux jouer dans un certain mode, assez proche de moi. Par contre c’était très instructif de jouer dans La Bataille, ça m’a beaucoup plu. Avec mes acteurs, je travaille selon ce qu’ils sont. Mon frère, je le connais bien. Il est très juste, dans une espèce de sous-jeu.

Oui à tel point qu’on a l’impression que tu le ramènes de manière très franche vers le documentaire. Oui c’est vrai, il a quelque chose de brut. Par contre avec l’autre comédien, on a beaucoup travaillé ensemble. C’est un comédien de théâtre habitué à des choses très précises. Je voulais aller vers quelque chose de fluide, il fallait

que la parole soit crédible disons. On a même pu retravailler le texte ensemble. Mais sinon, je ne peux pas dire que mon jeu puisse aider, non…

Je pensais que tu avais l’habitude de jouer. Je te demande ça parce que c’est toujours un mystère la direction d’acteur. Oui, évidemment. Mais je suis rendu compte d’une chose, sur La Bataille. C’est que ça procédait d’une forme d’enchantement, d’hypnose… d’envoûtement ! Comme si la personnalité du réalisateur s’imprégnait, qu’il y avait

quelque chose d’irrationnel qui se avait lieu. Ça peut passer par beaucoup de travail, de défiance, de proximité etc. Je me suis rendu compte que dans les films d’Orson Welles par exemple, tout le monde joue comme Orson Welles. Dans la manière de bouger, de parler, de regarder… C’est pareil chez Cassavetes aussi. Je pense vraiment que c’est de l’ordre de la dissémination de la singularité du cinéaste. Sinon de l’hypnose au moins du mimétisme. Pour Eustache, aussi, ça me paraît évident.

C’est agréable de voir un film comme le tien car il n’est jamais dans la démonstration – le défaut de beaucoup de courts métrages qui cherchent à tout prix le tour de force. Ici, nous revenons vers une simplicité bienvenue, qui rappelle à quel point l’évidence est sacrée au cinéma. Merci… C’est vrai qu’on fait pas mal de découpage avec mon frère. Le découpage est selon moi une phrase ultra

décisive. C’est là que, en grande partie, la pensée du film naît. C’est là qu’on décide où se place la caméra, qu’on joue avec les rapports de désir, qu’on détermine les enjeux etc. Mais c’est une phase extrêmement ludique pour moi. Normalement, si tu as une idée de ce que tu vas raconter, la mise en scène vient assez facilement, la direction est déjà là. Encore une fois, je trouve que Renoir renseigne beaucoup sur le découpage.


ZINZOLIN Arnaud Hallet 9 janvier 2014

BELFORT : ENTRETIEN AVEC JOYCE A. NASHAWATI

La Permission, réalisé par Joyce A. Nashawati, est un court métrage français présenté dans la Compétition du Festival de Belfort Entrevues en 2013. Cet entretien a été réalisé dans le cadre d’une sélection de 3 courts métrages sur lesquels nous nous sommes attardés au cours de ce festival. Vous trouverez les deux autres entretiens juste ici.

Peux-tu nous raconter ton parcours ? Adolescente je vivais dans une banlieue balnéaire près d’Athènes. Je louais beaucoup de films au vidéo-club : films

de karaté, films noir, films d’horreur et des classiques comme King Vidor, Henry Hathaway, Jean Renoir. J’ai étudié le cinéma en Angleterre puis à Paris où j’ai reçu une bourse de thèse. J’ai fait des stages sur des tournages qui m’ont surtout appris les rapports de force dans le monde du travail. Dès que j’ai pu, j’ai économisé de l’argent et tourné deux courts simples, avec mes moyens et beaucoup de plaisir. La Permission est le troisième, produit par Ecce Films. Ce qui est fort dans La Permission, c’est de mettre en scène des éléments immédiatement forts de sens, problématiques (légionnaire, travestissement, femme voilée…) mais de ne jamais en faire un film à message, de se servir de tout cela comme matière filmique, esthétique. Est-ce que tu as eu l’impression de prendre des risques ?

Oui. Surtout dans un contexte local crispé, confus, par le port du voile. Je ne voulais pas faire un film à message, moraliste, mais amener le spectateur à perdre ses repères, ses certitudes, à se poser des questions, et à travers le regard d’Eric, à s’interroger sur son rapport à l’apparence d’autrui. Le déguisement est un moyen formidable pour parler de l’apparence, car il la redouble, la met en scène. Derrière son masque, sa tenue, chaque être humain est un individu singulier. La dernière réplique du film, ambivalente, fait terminer le film de façon sèche. Comment l’as-tu imaginée ? On imagine qu’elle a pu être le point de départ du scénario, du film. J’avais envie de jouer avec les codes d’une certaine masculinité qui sont également de l’ordre d’un uniforme social, d’un déguisement. Les hommes sont touchants dans leur camaraderie face à la « femme » – sauf quand ils

deviennent agressifs parce qu’ils ont peur. Je trouve étonnante et drôle, cette façon de relier le corps féminin à des armes : comme quand on dit « un avion de chasse » pour parler d’une jolie fille. J’ai trouvé l’idée de la « bombe » ainsi, et reliée au voile, elle acquiert un sens de plus, raconte une peur de plus.


ZINZOLIN Dans tes trois films, Le Parasol, La Morsure et La Permission, qui dépeignent des univers très différents, on retrouve ce même sentiment inconfortable : entre la douceur et une inquiétude. De situations a priori joyeuses (un bain de soleil au bord de l’eau, une enfant qui joue dans un parc, une permission pour un légionnaire) émanent un danger dont on n’identifie pas exactement la source. Est-c’est quelque chose qui te parle ? Absolument. Ce n’est pas quelque chose que j’ai choisi de manière consciente mais qui s’est construit petit à petit. Et mon long-métrage à venir n’y échappe pas. J’aime beaucoup ce qu’on appelle « l’inquiétante étrangeté ». C’est un

fantastique léger, qui peut parfois surgir dans le quotidien, quand on voit des signes qui se répètent autour de nous, ou des situations inattendues qui nous font entrer dans un rêve éveillé. Il permet de rappeler que le réel n’est pas simple, que c’est une sorte d’équilibre sur ce qui est juste du chaos. Et dans un film c’est plus fort quand le contraste est grand entre ce qu’on voit : des lieux rassurants (un jardin, une soirée chic, une plage) et ce qui se tapie en dessous (la pauvreté, la guerre, l’inconnu qu’est autrui). Cette dimension tapie dans le réel est parfois traitée dans le cinéma : des insectes dans le jardin de Blue Velvet jusqu’à la montagne où se perdent les jeunes filles de Pique-nique à Hanging Rock. Dans chacun de tes trois films, il y a un grand soin apporté au cadre, à la lumière, au son… Ce sont des films d’une grande maîtrise qui semblent sûr d’eux. En même temps, il y a quelque chose de brisé, comme si tes films allaient se fissurer. C’est d’autant plus frappant dans La Permission qui progresse vers quelque chose de plus expérimental. Je suis loin d’atteindre le soin que je voudrais vraiment avoir. Le cinéma est un artisanat et c’est sa pratique

concrète qui l’améliore d’un film à l’autre. J’ai une grande admiration pour la richesse de ses outils. C’est un jouet très complexe. La fissure est sûrement due à quelque chose qui m’échappe. Heureusement qu’il y a une part qui échappe, même aux gens qui aiment le contrôle comme moi. Pour La Permission, l’expérimentation venait de mon envie de faire un film ludique comme un jouet, un kaléidoscope, mais je pense par la suite faire plus attention à son dosage pour privilégier l’immersion émotive à l’abstraction. Il y a très peu de dialogues dans tes trois films. Peut-être que La Permission est le plus bavard mais tes personnages sont dans l’ensemble assez mutiques. Tes scénarios sont-ils descriptif ? Les scénarios décrivent des lieux, des personnages, leurs actions. Des indications de lumière, de décor, d’ambiance,

de couleurs. Tout les éléments qui forment un film sont écrits, pas uniquement les dialogues. C’est vrai que spontanément ce n’est pas un vecteur narratif que je privilégie. J’aime que les dialogues soient traités comme les autres sons, qu’ils se fondent dans un ensemble. Bien sûre, si j’écris un personnage bavard, je ne l’empêcherai pas de l’être, si c’est sa façon d’être au monde et que ça véhicule quelque chose à son sujet. Aussi, quand une chose ne peut être dite qu’à travers la parole, c’est là que le dialogue peut devenir puissant ! Pourquoi avoir choisi un extrait de Carnival of Souls lorsque le personnage regarde la télévision ? Je voulais continuer la déambulation d’Eric de manière intérieure. Il a besoin d’échapper à sa réalité. Il est hanté

par la mort passée ou prochaine et il croise des signes qui lui font penser à celle-ci tout au long de l’histoire. C’est pour cela qu’il croise le légionnaire déguisé endormi dans le jardin le lendemain, comme sur un champ de bataille. Il m’a semblé que la déambulation de cette femme-fantôme dans un lieu de fête abandonné devenait un bel écho à sa propre déambulation. En plus, j’adore ce film !


ZINZOLIN Arnaud Hallet 9 janvier 2014

BELFORT : ENTRETIEN AVEC ILAN KLIPPER

Juke-Box réalisé par Ilan Klipper, est un court métrage français présenté auréolé du prix musical One+One dans la Compétition du Festival de Belfort Entrevues en 2013. Cet entretien a été réalisé dans le cadre d’une sélection de 3

courts métrages sur lesquels nous nous sommes attardés au cours de ce festival. Vous trouverez les deux autres entretiens juste ici.

Peux-tu nous raconter ton parcours ? Comment en es-tu arrivé à faire des films ? J’étais journalistes pour la télévision. Par ce biais, je me suis retrouvé un jour dans une école de police où des gars

se tiraient dessus avec des Taser et se lançaient des grenades de peintures en rigolant. Dans un hangar, ils avaient reconstitué une rue avec des commerces. Ils embauchaient des comédiens pour jouer le rôle des malfrats. Les apprentis policiers les appréhendaient comme s’ils étaient sur le terrain. Je me suis dit que ce décor pouvait être intéressant, notamment dans l’ambiguïté réalité/fiction, et c’est comme ça que je me suis lancé dans mon premier film documentaire, Flics. Le montage a été mené par un dénommé Roger Ikhlef. Un homme formidable qui m’a beaucoup appris. Est-ce que tu as rencontré Christophe spécialement pour ce projet de film ? D’où vient ce désir de le filmer ? J’ai rencontré Christophe lors d’une projection à la Cinémathèque. Il est très cinéphile. Comme je l’admire

beaucoup, je suis allé lui parler et nous avons sympathisé. Lors de mon précédent film, Sainte-Anne, j’ai assisté à ce que l’on appelle des visites à domicile : des médecins débarquent avec des flics chez des gens qui ont interrompus leur traitement. Ils les hospitalisent alors sans ménagement. J’ai assisté à une première visite et j’ai découvert l’appartement d’un homme reclus depuis plusieurs mois : il avait troué les murs, arraché les fils électriques, construit des installations étranges… Lors des visites suivantes, à chaque fois que je franchissais la porte d’entrée d’un nouvel appartement, je ressentais une appréhension : « dans quel monde allais-je débarquer ? ». J’ai découvert ainsi une série d’univers parallèles. J’étais fasciné. J’avais moi-même souvent eu envie de me mettre en boule dans un coin lorsque les choses tournaient mal, mais je ne l’avais évidemment jamais fait. Ces hommes et ces femmes avaient renoncé à vivre avec les autres. À cette période, lorsque je levais la tête dans la rue et voyais des volets fermés ou des rideaux tirés en pleine journée, je ne pouvais m’empêcher d’imaginer que quelqu’un était là, derrière, enfermé dans son délire.


ZINZOLIN J’ai longtemps gardé en mémoire le souvenir de ces mondes parallèles mais je ne trouvais pas de façon intéressante de les adapter au cinéma. Puis est venue la rencontre avec Christophe. J’ai rapidement pensé que Christophe avait un fort potentiel cinégénique. Du fait de sa personnalité hors norme, de son mode de vie décalé, je me suis mis à l’imaginer dans le rôle d’un « marginal » et j’ai repensé à mon désir de faire un film autour d’une « visite à domicile ». Christophe est un homme curieux. Quand on le côtoie, on en vient rapidement à se poser cette question : « est-ce qu’il est un peu fou ou est-ce que c’est un original ? ». Sa façon de parler, ses mimiques, sa gestuelle, tout son être est surprenant. Quand le spectateur le verra dans le film, il se dira : « ce type a quelque chose de bizarre, mais je ne sais pas quoi ». En faisant des essais avec lui, je me suis rendu compte que, même s’il n’était pas comédien, il dégageait une étrangeté qui lui permet d’habiter spontanément le rôle d’un homme un peu « fou ». C’est ainsi que j’ai écrit « Daniel » : en m’inspirant de la personnalité de Christophe, et en l’adaptant au souvenir que j’avais gardé des visites à domicile. Le personnage porte effectivement le vrai prénom de Christophe : Daniel. Mais tu as changé le nom de famille. Estce que tu le considère comme un pur personnage de fiction ? Comment as-tu travaillé au scénario ? J’ai écrit ce film en essayant d’imaginer ce que Christophe aurait pu devenir, si après avoir connu la gloire dans les années soixante, il était tombé dans l’oubli. Ce n’est d’ailleurs pas si loin d’être vrai, puisque Christophe a lui-même

connu une carrière en dents-de-scie. Il sait ce que signifie être dans le creux de la vague, ne plus faire la Une des médias. J’ai donc imaginé Daniel comme un Christophe qui aurait mal tourné. Après avoir connu la gloire, il est retombé dans l’anonymat. Un personnage mélancolique, dont on ne sait pas si la souffrance psychique est consécutive de sa déchéance ou si elle en est la cause. Il est écoeuré par le succès des autres et par le buzz que les médias créent autour de ces nouvelles stars. La réussite fulgurante de ces jeunes talents le renvoie à son passé d’icône et cela le rend amer. J’ai voulu, à travers cette figure de l’artiste déchu, évoquer certains sentiments liés à la création : la solitude, le ressentiment à l’égard de ceux qui percent, le besoin obsessionnel d’être compris, l’impossibilité de l’être, la dépendance de l’opinion publique dans ce qu’elle a de plus aléatoire, et cela d’autant plus dans notre société surmédiatisée. Pendant que certains artistes sont reconnus, d’autres sont incompris, tels les poètes maudits, versant à l’occasion dans la démence. Christophe est une icône. Le voir jouer le rôle du poète maudit provoque une interrogation chez le spectateur : a-t-il vraiment fini comme ça ? Le film est d’ailleurs volontairement ambigu sur l’identité réelle de Daniel : est-ce Christophe ou non ? C’est une question que se pose le spectateur, notamment quand il voit les photos de Christophe jeune. Est-ce une fiction ou un documentaire ? C’est une question à laquelle je ne souhaite volontairement pas répondre. Il y a suffisamment d’indices dans le film… Est-ce que tu t’es posé la question de la nécessité du dernier plan, de générique ? Le plan précédent est très fort parce qu’il fait grimper très haut la puissance créatrice, même fragile, fêlée, on la sent prendre corps. De revenir à une certaine inertie est un geste assez violent. Alors que tout au long du film nous voyons Daniel confus, désordonné, lorsqu’il se met derrière ses instruments, il

est alors parfaitement à sa place. Il est là, le véritable artiste : dans son antre, loin des médias, seul en train de réaliser son œuvre. Le cœur du film tient dans ce choc visuel : d’abord un homme isolé, hagard, puis tout à coup un artiste dans sa création. Inaccessible par sa personnalité, l’artiste émerge dans toute sa force quand il donne à entendre son œuvre. Pour cette scène, Christophe a composé un morceau inédit. Un morceau qui résume à lui seul les intentions du film : la musique est d’abord inaccessible, confuse, à l’image de Daniel. Puis elle prend progressivement forme et se transforme en quelque chose de mélodieux, puissant. J’ai décidé à la dernière minute de ne pas finir le film sur ce morceau. J’ai beaucoup hésité, mais aujourd’hui cela me paraît un choix judicieux. C’est une fin plus ambivalente.


ZINZOLIN Dans la salle à Belfort, il y avait pas mal de lycéens qui n’avaient pas l’air de connaitre Christophe. T’es-tu posé la question de la réception des spectateurs qui n’auraient jamais entendu parler de lui ? J’ai été primé à Belfort par un jury de lycéens. Connaissaient-ils Christophe ? Je n’en sais rien. En tout cas le film

leur a plu.


TESS MAGAZINE Melissa Blanco

21 décembre 2013

FESTIVAL ENTREVUES DE BELFORT : L’INVITATION AU VOYAGE Avec sa solide sélection de longs métrages et son explosive programmation de courts métrages, le festival franc-comtois a plus que réussi sa 28e édition. Envoyée spéciale : Mélissa Blanco Photo: Revolution Zendj de Tariq Teguia

Une invitation au voyage, telle fut la promesse de la 28ème édition du Festival Entrevues de Belfort, qu’il soit temporel (carte blanche à John Carpenter, focus Jacques Doillon, découverte d’un film retrouvé d’Orson Welles) ou tout simplement dépaysant. Pour preuves, la compétition proposait, entre autres : le trajet d’une française au Japon pour les funérailles de sa mère (le documentaire Cendres d’Idrissa Guiro et Mélanie Pavy), la retraite d’un japonais à Paris (Monsieur Morimoto de Nicola Sornaga), une histoire d’amour entre la Syrie et l’Iran (Round Trip de Meyar Al Roumi), l’investigation d’un journaliste algérien à Beyrouth (Revolution Zendj de Tariq Teguia, grand prix du festival)…

Revolution Zendj de Tariq Teguia

BELFORT, CÔTÉ LONGS Récompensé par le jury d’une mention à Belfort et grand prix du dernier festival de Rome, Tir d’Alberto Fasulo suit le quotidien d’un ancien professeur croate devenu chauffeur routier en Italie, obligé d’abandonner sa carrière dans l’éducation pour un métier certes mieux payé mais loin de sa famille. À mi-chemin entre la fiction et le documentaire, le cinéaste fait le portrait didactique du quotidien d’un camionneur (la douche, les repas au bord de la route, les appels de sa famille) et, en sous-texte, celui doux-amer d’une Europe en crise.


TESS MAGAZINE De crise, il en est également question dans l’américain See You Next Tuesday, primé pour l’aide à la distribution. « Vous avez le droit de rire » prévient d’ailleurs le réalisateur Drew Tobia avant la projection. Et pour cause… See You Next Tuesday est l’histoire d’une crise de nerfs, celle d’une jeune new-yorkaise d’une vingtaine d’années, fauchée et enceinte jusqu’au coup, enfant d’une famille dysfonctionnelle : sa mère est une ancienne alcoolique, sa sœur refuse de la voir. Une comédie noire où la cruauté du quotidien se mêle à la violence des mots. C’est drôle, parfois scabreux, souvent trash, à en faire passer Lena Dunham (Girls) pour une enfant de chœur.

Dans Round Trip, Meyar Al Roumi filme lui le trajet de deux amants entre la Syrie et l’Iran. Walid et Souhaire ne sont pas mariés mais s’aiment en secret. Alors que la jeune femme décide de rendre visite à une amie à Téhéran, elle propose à Walid de l’accompagner. Dans le confinement du train et l’intimité des cabines, ils vont enfin avoir l’occasion de se connaître vraiment. Plébiscité par le public, Round Trip, s’il n’arrive jamais à transcender le danger que comporte cette liaison au fur et à mesure que les personnages se rapprochent de Téhéran, propose néanmoins le portrait d’une jeune femme pleine de fougue et de désirs, refusant de se plier aux règles d’usage.

Nadège Trebal n’a elle pas besoin d’aller très loin pour le dépaysement. Après Bleu Pétrole, la documentariste, avec Casse, pose ainsi sa caméra dans une casse automobile aux abords de Paris. Aux milieux des débris de voitures, tandis que les âmes en peine partent à la recherche d’une pièce mécanique, la cinéaste filme les visages et les mains, enregistre les accents, récolte les témoignages, souvent poignants, d’immigrés arrivés en France… Un dispositif simple pour une liberté de parole salvatrice et un point de vue sans fioritures sur notre pays vu d’ailleurs.


TESS MAGAZINE

BELFORT, CÔTÉ COURTS Plus que les longs-métrages en compétition, c’est du côté des courts, et notamment français, que le Festival de Belfort a frappé un grand coup. Morceaux choisis. PEINE PERDUE D’ARTHUR HARARI (FRANCE) – GRAND PRIX DU COURT MÉTRAGE

Vu cette année dans La bataille de Solférino de Justine Triet (l’ami avocat, c’est lui), c’est pourtant du côté d’un autre grand film français de 2013 que lorgne Arthur Harari. Avec Peine perdue, on pense bien évidemment à L’inconnu du lac d’Alain Guiraudie, pour ses petites amourettes au bord de l’eau. C’est l’été, le long de la rivière. Tandis que les filles se désolent de ne pas avoir batifolé pendant les vacances, les garçons matent sans bouger. Et le film de suivre l’apprentissage sentimental de deux hommes, le plus âgé apprenant au plus jeune à mettre des mains aux fesses des jeunes filles sans se faire attraper. Un film solaire, d’une belle mélancolie, pour une jolie variation autour du jeu de séduction et de la déception amoureuse. LA PERMISSION, DE JOYCE A. NASHAWATI (FRANCE)

Un légionnaire se retrouve, le dernier soir de sa permission, dans une fête costumée et se prend de désir pour une femme voilée. À la fois film expérimental et film de genre, La permission est une expérience tour à tour sensorielle et sensuelle, voguant à la fois entre le cinéma de Hélène Cattet et Bruno Forzani (L’étrange couleur des larmes de ton corps) et celui de Yann Gonzales (Les rencontres d’après-minuit). Une invitation au fantasme où à la toile blanche de l’écran se supplante celle noire du voile recouvrant le corps de cette femme, porte ouverte sur une dimension parallèle. Joyce A. Nashawati est une jeune cinéaste à suivre. JUKE-BOX, D’ILAN KLIPPER (FRANCE) – PRIX ONE + ONE

Venu du documentaire (Sainte-Anne, hôpital psychiatrique), Ilan Klipper fait le portrait interne, malade et alcoolisé, d’une ancienne gloire de la chanson retombé dans l’oubli, incarné par le chanteur Christophe. Atteint de folie, il n’est plus que l’ombre de lui-même, voguant dans son appartement tel un fantôme. Un film fragile et étrange, jouant admirablement sur le confinement du son et dans lequel on prend plaisir à se perdre.


TESS MAGAZINE ÊTRE VIVANT, D’EMMANUEL GRAS (FRANCE) – PRIX DU PUBLIC

Après Bovines, Emmanuel Gras propose une nouvelle fois un dispositif radical. Fait uniquement de travellings avant et arrière des rues de Paris, sur lequel il appose une voix-off, Être là est le point de vue, là aussi interne, d’un anonyme sur le point d’en finir. Mais alors que petit à petit le récit avance, on comprend soudainement qu’il s’agit d’un sans domicile fixe. Et le court métrage de nous inviter à adopter son point de vue sur la capitale, transformer à travers ses yeux en une ville peu accueillante quand elle n’est pas carrément inquiétante. EIN KLEINER AUGENBLICK DES GLÜCKS, DE THOMAS MORITZ HELM (ALLEMAGNE)

Un dragueur invétéré, qui maltraite le cœur des jeunes filles, va être pris à son propre jeu lorsqu’il tombe sur une femme se comportant exactement de la même manière que lui avec les hommes. Le court métrage de Thomas Moritz Helm est une étude des comportements homme-femme, drôle et piquante.


INDEPENDENCIA Thomas Fioretti 23 décembre 2013

Entrevues – Festival du film

Belfort 2013 #2 : Etre vivant d’Emmanuel Gras ; Monsieur Morimoto de Nicola Sornaga ; Latch de Zagros Manouchar. #3 : Round Trip de Meyar Al-Roumi, France-Syrie ; Chantier A de Tarek Sami, Lucie Dèche, Karim Loualiche, France,Algérie ; Révolution Zendj de Tariq Teguia, Algérie-France-Liban-Qatar. #4 : Lebanon Emotion de Jung Young-heun ; Dentro d’Emiliano Rocha Minter ; Cassede Nadège Trébal ; Jukebox d’Ilan Klipper. #5 : rencontre avec Tariq Téguia.

#1 En traversant le brouillard Juste après l’édition 2012, la mairie de Belfort a bouleversé l’équipe d’EntreVues –nouvelle direction et programmation– équipe qui, en place depuis l’époque où J-P Chevènement était maire de la ville, avait pourtant bien travaillé. Pour l’heure, le festival n’a pas réellement changé de cap par rapport à son héritage. À propos de la bande annonce du festival 2012, nous écrivions ceci : « Et si on allait dormir dehors, partager le sort des déclassés ? L’invitation, pour le moins décalée, est peut-être celle du festival. (...) Une petite virée pour vivre en empathie avec le réel. ». Cela reste encore vrai un an plus tard tant les enquêtes documentaires, au plus proche des frontières entre fiction et recherche personnelle, ont tracé une ligne continue entre l’édition précédente et celle-ci. Mais de Cendres Idrissa Guiro & Mélanie Pavy, à Nous sommes revenus dans l’allée des marronniers de Leslie Lagier, dont l’origine provient d’images qui ne nous concernent pas, il y a des portes qu’on hésite à franchir (la mère morte d’une franco-japonaise pour Cendres, actrice pour Godard dans Vivre sa vie ; des photos de familles d’oncles morts dans le film de Leslie Lagier). Les plus beaux films sont ceux qui agrandissent leur cadre pour se lier avec l’histoire commune ; quand ils dessinent leur propre carte et évacuent rapidement l’emcombrement du « je » pour le relier au collectif ; Que disparaît également l’auto-interrogation entre documentaire et fiction. Un autre cas de figure consiste à s’interroger après, comme ce fut le cas pour Tir d’Alberto Fasulo, où tout y est fictionnalisé –problème qui s’était déjà posé pour East Hastings Pharmacy d’Antoine Bourges, documentaire recrée de toutes pièces par des acteurs (présenté à la fois au Cinéma du Réel et à EntreVues en 2012). Une chose est sûre : les films sont souvent moins bons quand ils n’ont pas su faire en sorte que les questions sur sa généalogie ou son degré d’intimité ne se posent pas. La ville de Belfort et le festival EntreVues sont des endroits accueillants, paisibles. Sans prescription, en y passant distraitement, ils pourraient nous être totalement indifférents. A cette période de l’année, nous sommes conviés à traverser le brouillard -celui du cinéma de John Carpenter et son beau programme “double feature”, où chacun de ses films, de Dark Star, 1974 à Ghosts Of Mars 2001, était associé à une autre oeuvre choisie par Carpenter lui-même. Idée à garder pour soi plus tard, en se remémorant que le franc tireur américain a longtemps incarné la synthèse idéale d’un cinéma naviguant autour du système et à sa marge, du sérieux western à la série B bon marché. Une carrière peu enviable commercialement mais moralement héroïque, celle d’un maverick comme on les aime.


INDEPENDENCIA #2 Trois fois désynchro Etre vivant d’Emmanuel Gras Monsieur Morimoto de Nicola Sornaga Latch de Zagros Manouchar Latch de Zagros Manouchar est déspérant, tant il semble avoir été tourné il y a 20 ou 30 ans. Il dresse en près de deux heures le portrait d’un adolescent bégayeur. Descolarisé par son père, qui s’entête à penser que le problème de l’enfant est un caprice et qu’il peut l’aider et résoudre les problèmes de maths en même temps que surmonter son handicap. Cloitré dans la maison, Henri n’a qu’un monde extérieur possible, celui des chevaux. On n’aurait pas tenu rigueur au film s’il avait développé l’attrait du dre ssage equestre. Au lieu de ça, il met une heure et demi à conclure qu’Henri a besoin d’un psy. L’ensemble ne dit rien sur la maladie, rien sur l’adolescence, rien sur la Finlande ou le monde d’aujourd’hui. En fait, Il ne dit rien et confond simplement bégaiement et autisme. Dans Monsieur Morimoto, Nicola Sornaga se plait à visiter un Paris à l’imaginaire poétique vieillot. Paris de bohème, du théatre de guignol, des idéalistes sans le sou. Un fantasme de la capitale qui invoque aussi l’esprit ancien de la Nouvelle Vague. Les clochards y sont forcément célestes, les artistes, pauvres et fous, mais généreux. En légère désynchro, le jeu des acteurs introduit un élément de distance pas idiot et évite un trop grand sérieux à ses personnages. La bonhomie de Morimoto nous fait oublier qu’il reste un gentil squatteur. Le portrait de l’artiste lunatique vivant mal de son art ne manque pas de charme, encore plus si on se plaît à oublier cinq minutes la déprime des crises version 2013. C’est sans doute pour être synchrone avec cette France-là qu’Emmanuel Gras a réalisé Etre vivant. Le film fascine d’un strict point de vue formel : une steady cam filmant à reculons des rues et boulevards de la capitale ; lieux enregistrés de manière clinique, leur ôtant tout mystère et toute singularité. Un lourd texte vient bouleverser cette neutralité. Il est tiré d’un blogueur-SDF anonyme, qui a tenu un journal pour raconter son quotidien. Lu par une voix caverneuse, sa une gravité moralisatrice, comme son vouvoiement pointant le spectateur, donne envie de fuir. Qu’un film veuille être en phase avec l’actualité, soit. Mais pas qu’un texte assène aussi lourdement son propos sur une réalité décrite comme insupportable. L’an dernier, le court métrage Florería y Edecanes avait choisi l’alternance, en misant sur l’indépendance de l’image et de l’écrit. Ses cartons purement informatifs rendaient aux images leur pouvoir autonome. Le film faisait un état des lieux de la frontière mexico-étasunienne par les grands espaces, les rues vides, les carrefours menant à d’autres carrefours. Séparer de manière nette les deux éléments de discours témoignait d’un souci d’honnêteté, de transparence. J’ignore si les images seules tournés par Emmanuel Gras auraient suffi à comprendre quelque chose à Etre Vivant, mais cela valait peut-être le coup de leur faire confiance.

#3 Ici, ailleurs Round Trip de Meyar Al-Roumi, France-Syrie, 1h24 Chantier A de Tarek Sami, Lucie Dèche, Karim Loualiche, France,Algérie, 1h44 Révolution Zendj de Tariq Teguia, Algérie-France-Liban-Qatar, 2h17 A défaut d’informations et d’images sur l’état de la Syrie, la moindre des choses est d’accueillirRound Trip de Meyar Al-Roumi avec intérêt. Tourné avant le conflit, il n’esquive pas l’image de la guerre par amnésie. Round Trip réunit un couple en exil temporaire à Téhéran pour vivre leur histoire à l’abri des regards accusateurs de leurs parents et de la morale désapprouvant leur union charnelle. Le voyage en Iran, en passant par la Turquie, n’est pas vraiment une réflexion sur le couple : c’est le simple aller-retour de deux amants qui se cachent pour consommer leur amour. Au début du trajet, les inserts vers l’extérieur du wagon intriguent parce qu’ils donnent l’impression de saisir un danger à venir. Lorsque le train quitte Téhéran, on aperçoit au loin un décor ce qui ressemble à des centrales et des usines. La menace plane constamment sur Round Trip, sans jamais devenir réelle. Le regard Meyar Al-Roumi n’en ne fait que passer, reste toujours positif et en surface, et le décalage entre le voyage heureux et l’inquiétude sous-jacente donne au récit un caractère étrange, en attente constante. Chantier A raconte le retour de Karim en Algérie où il n’est pas revenu depuis 10 ans. Karim Laouliche, caméra à la main, interprète un cinéaste venu pour filmer l’Algérie. Il est mis en scène à l’aide de deux autres co-réalisateurs, Lucie Dèche, également ingénieur du son, et Tarek Sami, chef opérateur. Le retour au pays devient rapidement une quête personnelle, en même temps qu’un grand portrait de l’Algérie dans son ensemble - comme si le film essayait de la prendre dans ses bras, de l’embrasser, littéralement. La première étape est le classique passage dans la famille, avec une scène de comédie entre le petit fils et sa grand mère qui l ui dit qu’il n’exerce pas un « vrai » travail manuel (« tu filmes et tu restes assis ! »). Chantier A a le sens du voyage, de l’épopée, et s’arrête à des endroits rarement vus, avec une longue halte auprès des touaregs. Il serait catalogue s’il ne prenait pas son temps avec les


INDEPENDENCIA gens qu’il filme pour tisser des liens réels avec eux. L’ensemble n’est pas sans défauts, ni artifices, comme ces travellings en studio, passant de foyer en foyer sans cloisons murales, sorte de tableaux du quotidien des algériens. Le mélange d’images formalistes et de sécheresse documentaire rompent l’unité du projet. Il subsiste pourtant une double volonté de transmission, d’abord commee une trace du voyage, et par le cinéma, comme lorsque les réalisateurs filment la projetction Eloge de l’amour dans un festival de cinéma. La réplique de Bruno Putzulu “un adulte, ça n’existe pas” fait résonner le voyage du personnage principal d’une toute autre manière. C’est une autre Algérie dont parle Tariq Teguia dans Révolution Zendj. Un journaliste nommé Ibn Battûta rencontre des jeunes en insurrection dans le sud du pays. Ceux-ci lui évoquent les « Zendj », une révolte d’esclaves noirs contre le califat Abasside en Irak au 9ème siècle. Il décide alors de partir sur leur trace jusqu’à Beyrouth, puis en Irak. Le prétexte de cette enquête lui fait rencontrer une jeune grecquo-palestinienne, partie de Thessalonique pour revoir Beyrouth, carrefour des luttes au Moyen-Orient. L’occasion de faire le point sur l’identité arabe en général, l’identité palestienienne en particulier, sur la situation de ses camarades de lutte. Le cinéaste algérien aujourd’hui installé en Grêce élargit le cadre désertique d’Inland. Il convoque dans ce tableau mondialisé des révoltes la présence de l’Amérique, celle qui redessine les cartes dans le désert, qui négocie contrats et exploitations. Une réunion qui prend la forme d’une confrontation directe et esthétique, notamment dans ce plan superbe où, depuis la fenêtre de leur appartement, les révolutionnaires dansent sur un morceau du MC5, tandis que dans l’immeuble d’en face les conservateurs américains règlent un échange d’argent et d’affaires. L’opposition est peut-être schématique, mais ce n’est qu’un cadre, en même temps que le point culminant de l’histoire : le vol de l’argent contenu dans la valise par une acrobatie réalisée par Battûta servira à ce dernier à aller en Irak pour terminer son enquête. La scène n’est pas donc seulement une idée, c’est un ensemble politique, esthétique et narratif, comme une manière de résoudre un problème posé (que font les américains au Moyen orient, que font les révolutionnaires au Liban ?). Révolution Zendj n’est ainsi jamais confortable, il multiplie les formes et les textures, parfois à l’intérieur d’une même scène, d’un plan à l’autre. Une révolte n’est pas figée dans le temps, ni dans la représentation. Enquêter sur une rebellion historique est une manière pour Tariq Teguia de relier les légendes les plus anciennes aux crises actuelles. Le nom du journaliste (Ibn Battûta) est ainsi à jamais associé au personnage historique, voyageur et explorateur du monde arabe, qu’il a parcouru à travers 12 000 kilomètres. Au terme du périple du nouveau Battûta, se dresse devant lui un rebelle irakien au milieu d’un désert. “Nous sommes ici” lui dit-il : de la Grèce, où Marx n’a plus de secret pour les jeunes grecs, à l’Algérie, seul compte la question du territoire, le dernier endroit de lutte quand bien même il n’y a plus rien à défendre. Quelle image le cinéma peut-il offrit après le désert, celui o`ù disparaît Malek à fin d’Inland et réapparaît Battûta au début deRévolution Zendj ? Révolution Zendj propose davantage la épossibilté d’un film qu’un discours filmé, le tout avec peu de moyens mais beaucoup d’idées - ce que disait Godard à propos deNuméro deux “Il ne s’agit pas tellement de faire un film plutôt qu’un autre, mais de faire les films possibles là où on est”.

#4 Rien ne se perd Lebanon Emotion de Jung Young-heun Dentro d’Emiliano Rocha Minter Casse de Nadège Trébal Jukebox d’Ilan Klipper Chevilles et jambes brisées, tibias coincés dans des pièges à loups, traque dans la neige et torture constituent le programme de Lebanon Emotion du sud-coréeen Jung Young-heun. La tendresse et l’obstination déployé par héros en deuil pour sauver d’une jeune inconnue traquée par son proxénète suffit à peine à donner un peu de relief à un ensemble désagréable. Pareille volonté de se faire mal se retrouve dans l’incompréhensible Dentrod’Emiliano Rocha Minter. A la recherche ostensible d’un grain de pellicule à l’extrême, d’une volonté de dégradation de l’image, le court met en scène les préparatifs de deux jeunes hommes mutiques construisant un piège dans une forêt -dans le but de se suicider, c’est balot. Deux films qui dépensent beaucoup d’énergie pour pas grand chose. Casse est bien et simple. Nadège Trébal a choisi un lieu périphérique, une casse de voiture. La plupart se situent à la sortie de la ville, en banlieue parisienne notamment. Le film adopte lui-même un principe “périphérique”, en choisissant ses portraits parmi ceux qui les récupèrent les pièces. Périphérique aussii parce qu’il profite de ce cadre pour décrire une France construite et recomposée par l’immigration. En laissant durer les conversations, la cinéaste mise aussi sur un plaisir renouvellé à écouter des personnes parler et raconter leur histoire. Deux burkinabés comparent longuement leurs parcours d’immigrés et leur approche de l’intégration, entre deux démontages de pièces. A d’autres moments, un homme se tourne vers la caméra pour raconter la sienne, sans attendre une demande de l’interlocuteur. L’absence de discours et de simplification est ici une arme documentaire, une parade à la démagogie nationale vue à la télévision. Jukebox, fiction d’Ilan Klipper -co-auteur de Commissariat avec Virgil Vernier, mais également de Saint Anne, hôpital psychiatriquecreuse le thème de l’enfermement et de la folie. Daniel (Daniel Bevilacqua, vrai nom du célèbre chanteur Christophe) vit seul chez lui au milieu d’un désordre sans nom. Les disques et les affaires personnelles sont entassés dans le salon, au milieu d’instruments,


INDEPENDENCIA de vieilleries et autres détritus. Il refuse l’aide de sa fille, encore moins de celle du médecin (Sabrina Seyvecou & Maryline Canto, excellentes). La folie devient un acte créatif, lorsque le babil incompréhensible murmuré et répété par Daniel se transforme peu à peu, dans un plan sans coupe, en début de composition, puis de chanson. Le personnage de Daniel est aussi un moyen pour Ilan Klipper de filmer un fascinant chanteur. Depuis 40 ans, le vrai Christophe mêle les sons électronique les plus avant gardistes, travaille sur la modulation de sa voix en sonorité, sur des paroles simples et émouvantes ; un grand écart qui joint par les deux bouts l’art et la variété populaire. Lorsque Daniel compose ses sons et interpréter ses bouts de créations, le documentaire marche côte à côte avec la fiction, sans que cela ne devienne un parasiter le regard. Comme pour Casse, c’est la simplicité de l’idée et son exécution souveraine qui en soutiennent tout l’attrait.

#5 « Je suis là pour la forme » Rencontre avec Tariq Téguia (...)J’irai à Tombouctou Je m’assoirai possédé sous le portique d’argile Je boirai l’eau des anges dans une calebasse et je dirai : Peut-être viendras-tu ?(...) Saadi Youssef, A propos de ce lézard, à propos de cette nuit

A. Révolutions Mon film a été tourné avant les “révolutions arabes”. A travers une révolte très ancienne comme celle des Zendj en Irak, au 9ème siècle, j’ai essaye de comprendre comment et en quoi toutes les révolutions passées interrogent sur les évènements qui secouent actuellement le monde arabe, mais aussi jusqu’aux pays de la Méditérranée. Le film fait un détour par la Grèce, où je suis aujourd’hui installé, qui est le point de départ de la jeune grécquo-palestinienne interprétée par Diyanna Sabri. Elle souhaite retourner à Beyrouth pour voir où en est la résistance de ses compatriotes. Dans le même temps, un journaliste algérien entame son voyage qui va le mener au Sud de l’Irak. Les deux vont finir par se rencontrer parce qu’ils ont des combats communs, les mêmes intérêts culturels et politiques. Il y a un imaginaire ancien et récurrent de la révolution. C’est aussi comme cela que j’utilise l’extrait d’Ici et ailleurs de Godard (1976), qui est un retour sur des images, que je mêle avec une conversation sur l’état de l’Algérie et du Liban, une manière de revenir sur l’origine des révolutions. Tous ces éléments anciens et moins anciens se confrontent à une réfléxion actuelle sur le monde arabe et méditérannéen, de Beyrouth à la Alger, en passant par Grêce. En espérant qu’il y ait quelque chose après la fin de l’histoire, des alternatives possibles. Je renvoie également la question récurrente qui concerne des révolutions arabes : on me demande souvent « où en est le monde arabe et ses révolutions ? ». Je retourne alors la question : « et, vous, en Europe, où en êtes vous, avec la révolution ? »

B. Un film est d’abord une forme Révolution Zendj sera montré en Algérie, où on me laisse une certaine liberté pour tourner. Les autorités sont indifférentes au résultat de mes films. Le décalage vient de l’endroit où on se place : en Algérie, je peux être accusé de faire des films pour les occidentaux, trop théoriques, et en Occident, on peut me reprocher à l’inverse de satisfaire une morbidité sur les fantômes et démons de l’Algérie. Sachez qu’Inland a beaucoup plu lors d’un passage en Corée du Sud, donc le problème culturel est un faux prétexte. Un spectateur, ici lors du débat, m’a accusé d’esthétiser, sans que je me soucie de raconter une histoire ou créer un propos homogène. Le manque de romanesque est une lacune indépassable chez certains spectateurs. La grande difficulté est d’établir un discours. Je ne pense pas d’abord à produire du sens à tout prix, mais je pars à la recherche de quelque chose, à partir d’élements divers qu’ils soient historiques, politiques ou venant d’ailleurs, puis je fais un film avec ce qu’il reste. C’est un tableau en mouvement, pas une thèse. Je suis là pour la forme, pour les formes.


INDEPENDENCIA

C. Amériques et détours C’est la première fois que j’élargis mon récit ailleurs qu’en Algérie, notamment avec des acteurs américains. On peut trouver ces personnages d’envahisseurs ridicules, mais ce sont des caractères bouffons, de comédie. Tout ce qu’ils disent, ce sont choses que des néos-cons(servateurs) pourraient dire et faire ! Ces d’hommes d’affaires imaginant au milieu d’un désert des commerces et des installations nouvelles, c’est l’Amérique qui partage et distribue les cartes. C’est une tout autre Amérique que celle que j’aime, en tout cas pas celle du poète Walt Whitman, dont on entend un texte joué par les étudiants grecs, ou celle de Kerouac et Robert Kramer. Si j’inclus ces références, ce n’est pas pour faire joli. Elles m’aident à construire un film. Le poème lu par l’homme près du fleuve à la fin, par exemple, est l’oeuvre de Saadi Youssef. C’est un irakien et opposant communiste du régime, un anti-impérialiste. Il a vécu un peu partout dans le monde arabe. Le journaliste touche au but et arrive à l’endroit où se rencontrent le Tigre et l’Euphrate, au delta de Chatt-el-Arab, au sud de l’Irak dans le Golfe persique. Il est prononcé à un moment important du film. Il raconte l’attente d’un homme qui parcourt plusieurs pays et attend femme, et celà rejoint l’idée spectres qui peuvent réapparaitre, mais aussi une quête à travers le Moyen Orient, qui résonne avec celle d’Ibn Battûta.

3. Organisation Tout peut m’être utile lorsque je prépare un film, alors je visite des endroits et rencontre des gens. Je me suis promené un peu partout à Thessalonique, et je me suis servi de certaines choses qu’on voit dans Révolution Zendj. L’ambiance insurrectionnelle a nourri le récit. Le tournage d’un film pareil, produit par moi et mon frère, est compliqué. J’ai mis trois ans à faireRévolution Zendj en ayant eu des problèmes de production. Il faudra trouver un distributeur pour le montrer, et il évident qu’il faut faire un travail d’accompagnement, mais je suis en attente d’échange, comme celui que j’ai eu hier. A chaque fois, je sens de la curiosité. Je ne sais pas ce que je vais faire ensuite, très honnêtement. Tout est possible, y compris tourner un film sur le sol américain. (Propos recueillis à Belfort le 03 décembre 2013) par Thomas Fioretti lundi 23 décembre 2013


INDEPENDENCIA Thomas Fioretti 8 décembre 2013

Belfort palmarès dimanche 8 décembre 2013

Le palmarès du 28ème Festival EntreVues a été dévoilé hier soir. Pas de surprise majeure, tant Révolution Zendj, enquête passionnante sur une lointaine révolution, semblait planer haut parmi les films de la compétition. Comme assez souvent, le choix du public s’avère radicalement différent : il récompense un film optimiste, une histoire d’amour en terre ravagée par le conflit, le voyage d’un couple à Téhéran. La question de la frontière territoriale, centrale dans les films du festival, est évidemment indissociable de l’identité des films eux-mêmes : documentaire et fiction, marchant côté à côte. Compte rendu à venir d’ici quelques jours. TF

Grand Prix Janine Bazin : Révolution Zendj de Tariq Téguia Mention Spéciale du jury pour le long métrage :Tir d’Alberto Fasulo Prix d’aide à la distribution : See You Next Tuesday de Drew Tobia Grand Prix du court métrage : Peine perdued’Arthur Harari Prix One+One : Jukebox d’Ilan Klipper Prix du public long métrage : Round Trip de Meyar Al-Roumi Prix du public court métrage : Etre vivantd’Emmanuel Gras


(DE)MARCHE FILMIQUE Samir Ardjoum 2 décembre 2013

A LA VOLEE - Conversation imaginaire entre Tariq Teguia & Djamil Beloucif L’autre jour, je regardais sur la Toile, la table-ronde organisée par la Cinémathèque de Paris, à l’occasion de la journéeétudes autour de Serge Daney, table-ronde sur la « critique de cinéma au temps présent ». Parmi les intervenants, Stéphane Delorme, rédacteur en chef des Cahiers du Cinéma, évoque un de ses articles, « Le Panoramique de Mizo ». Dans cet article, il s’intéresse à un mouvement de caméra, vanté par Daney, dans Les Contes de la lune vague après la pluie, où l’on voit un des personnages tomber sous les coups d’un paysan, en même temps que le cinéaste balaie ce plan d’un travelling. Il s’avère que ce panoramique, finalement, n’a jamais existé que dans l’hallucination de Daney. Il l’a fantasmé, pas forcément inventé, mais recréée. Il y a quelque chose de sublime dans cette erreur comme si le flux d’images consommées, digérées, portaient le critique vers des séquences surréalistes. Il ne refait pas le film, il le vit. Il n’est pas face au film, mais à l’intérieur. Il n’est pas le cinéaste, juste son alter-ego. Epouser un plan aussi passionnément, c’est y voir des choses étranges, abstraites pour les uns, mais férocement concrètes pour celui ou celle qui l’enregistre. L’émotion conserve sa force et l’intention du cinéaste ne sera jamais déréalisée par ce plan ou cette séquence imaginaire. Prenons, maintenant, deux (autres) films. Deux essais cinématographiques provenant d’Algérie. L’un daté de 2003, La Clôture, l’autre réalisé en 2011, Bir d’eau. Dans le premier, Tarig Teguia, derrière la caméra, arpente la rue algéroise, filme des bouts de colères de « passants qui (tré)passent » et termine sa course sur un majestueux plan-séquence. Dans le second, Djamil Beloucif, huit ans après, reprends là où Teguia termine sa fuite ; récupère la caméra et descend une rue, comme on sillonne un fleuve, tout en captant des instants où fiction côtoie le réel et/ou réciproquement. Puis une tierce personne arrive. Grand gabarit, cheveux noirs, yeux perçants et peau mâte. Dans La Clôture, il « déchire » le plan, telle la silhouette qui dessine l’amorce du cadre. Dans Bir d’eau, il prend le temps, cette fois-ci de parler face à la caméra, de jouer avec cet instrument qu’il taquine. Il joue car plus rassuré, car le moment est venu pour lui de s’affirmer. Qui ? Cet homme qui en huit ans, est passé du statut de figurant à celui d’acteur de premier plan, a pris quelques kilos et semble plus à l’aise.

L'homme mystérieux à gauche - Bir d'eau (Djamil Beloucif)

L'homme mystérieux à gauche - La Clôture (Tariq Teguia)

Question ? Est-ce vraiment la même personne ? J’ai envie d’y croire. Je ne fixe que ce visage, ne voyant pas les à-côtés. C’est lui ! J’en suis persuadé. Je l’ai imaginé, je l’ai rêvé, je l’ai recréé, recadré, j’en ai fait mon propre film. A mon tour d’y voir ma propre hallucination. C’est mon fantasme de « loueur » d’images. Je finis par poser la question à Beloucif. Deux jours plus tard, il m’écrit : « Ce sont deux personnes différentes. Magie du cinéma ! ». Dommage. Mais…s’il s’était trompé ? Alger - Belfort, 2 décembre 2013


(DE)MARCHE FILMIQUE Samir Ardjoum 3 décembre 2013

Révolution Zendj (Tariq Teguia)

Quelques notes 24h après le premier visionnage du dernier film de Tariq Teguia. Une seconde vision s'impose, mais plus tard forcément tant le film intrigue autant qu'il déçoit. Ses ambitions artistiques méritent qu'on s'y attarde davantage. A suivre donc...

« Le tournage a débuté le 17 novembre 2010 ». Il est enfin venu. Devant son public, toujours la casquette mise de côté, baskets rouges, il tient fermement le micro et se lance dans une courte explication. Celle qui l’emmena d’une salle de rédaction algéroise aux confins irakiens en passant par les rues chaudes de Thessalonique et le Beyrouth fantomatique que nous ne connaissons plus. Tariq Teguia est présent. Le film vient de se terminer. 137 minutes de projection. Certains sont partis. Pendant le film et avant le débat. Les survivants, ils sont nombreux, impatients d’en découdre avec un cinéaste qui fit son entrée dans la maison cinéma, avec l’indispensable Rome plutôt que vous. Nous étions en 2006. Il avait 40ans et son CV affichait déjà 4 courts-métrages dont la troublante Clôture (2002). Six ans plus tard, il revient avec Inland. C’est définitif, le cinéma devra compter sur ce trublion efficace. Après 5ans d’absence dont trois sur un plateau de tournage, Teguia revient dans la ville qui l’a récompensé du Grand prix, en 2002 avec Rome plutôt que vous, ce Belfort qui vient de découvrir Révolution Zendj, qui n’en finit pas d’être intrigué, voire même d’être déçu. J’en fais partie. Ce n’est plus un mystère. Le film devait s’intituler Ibn Battuta, nom du personnage principal. De ce journaliste, un peu poète, un peu absent, celui qui va ailleurs pour trouver l’existence, voire la sienne. C’est un bel homme, un beau personnage. Teguia l’aime. Ça se voit. Il l’aime de cet amour quasi charnel. Troublant. Sensation déjà caressée dans Roma et Inland où les hommes, chez Teguia, dégagent une érotisation quasi mystique. Ibn Battuta ne déroge pas à la règle. Observant continuellement, photographiant sans cesse pour « voir comment est le monde et s’il changera », parlant peu ou pas assez, il arbore une barbe de circonstance, aime quand il le faut et crie quand il n’y a plus d’issue. Un jour, il se retrouve dans le pays du M’Zab, se fait accoster par un « jeune en colère » qui lui jette un mot qui bouleversera sa vie. « Zendj ». A cet instant, son visage se crispe, affichant une ignorance humble. Arrêt sur image. Trois points de suspension. Le récit prend une pause et redémarre. Ibn Battuta décide de partir. D’aller dénicher ce sens. De trouver la genèse, la source de ce mot, de fouler le sol où naquit le Zendj, cette révolte des Esclaves Noirs face à l’Empire des Abbâssides, face à Bagdad, et où l’issue se solda par un échec retentissant et le massacre de ces enfants en quête de liberté. Dans sa route, il croisera Nahla. On recharge la caméra. Un nouveau film commence.


(DE)MARCHE FILMIQUE Nahla. Il y a de l’émotion qui se diffuse dans l’air de la salle quand l’actrice Diyanna Sabri se montre à nous. On songe à une autre Nahla. 34ans plus tôt. Dans un Liban assiégé, elle chantait, elle était aimée et désirée, elle regardait la caméra d’un autre cinéaste algérien. Farouk Beloufa. 34 ans plus tard, Teguia le remercie dans son générique de fin. La boucle est bouclée. Juste un clin d’œil. Entre temps, l’émotion reste intacte et omniprésente. Dans Révolution Zendj, Nahla surgit de nulle part. Elle regarde la caméra. Il n’y a qu’elle et lui. Ce cinéaste. Entre les deux, un récit brouillant les pistes, jouant parfois au p’tit malin. Épuisant, mais jamais pénible. Juste éprouvant. Dès le début. Dès l’ouverture. On sourit, on frémit, on transpire. On tient forcément le « chef d’œuvre ». Il y a de la joie, par exemple, dans cette séquence admirable où Teguia s’empare d’un squat situé en pleine ville de Thessalonique, dans cette Grèce où la civilisation a de quoi influencer, cette « beauté malade » qui entraine, épuise, enivre, nous empêcher de tourner en rond. On sent que le cinéma de Teguia est de retour, que son trip fameux d’Inland revient au grand jour. Car tout est « punk » chez Teguia.

Tout est affaire de vrombissement. On s’y même les pinceaux. On pioche dans le son, dans l’image, on filme à peu près et le tout est monté puis mixé, afin que l’écran accueille en son sein un truc hybride appelé parfois « film ». Et des instants de ce genre, de cette grâce, se retrouvent parfois dans ces 137 minutes où Ibn Battuta croise Nahla qui rencontre Rami qui embrasse la cause libanaise et palestinienne. Et de champ en contrechamp, il n’y a qu’un cadre pour délimiter les envies de Teguia. Il faut (bien) voir cette séquence où deux appartements, face-à-face, se toisent du regard, par le prisme d’un vis-à-vis, d’un côté d’ignobles néo-conservateurs américains crachant leurs veines financières, de l’autre, les trois personnages dansant sur le tournis musical de MC5, de ces ombres, de ces fantômes luttant avec leurs moyens contre l’empirisme liberticide. La séquence est belle, anti-symboles, dénuée de politisation, ou du moins elle ne l’attaque pas frontalement, mais en substance, avec cette subtilité qui fait opposer deux images, pour en créer une troisième, celle du spectateur, de son imaginaire. Sur ce coup, Teguia marque un point. Et quelle claque ! Quelle image de Nasser Medjkane qui n’en finit plus de s’éclater, de filmer comme le photographe qu’il est, sur le vif, comme si sa vie en dépendait. Comme si tout pouvait partir en couilles !

Puis le néant. Le film s’oriente ailleurs. Plus on avance, plus les personnages (Ibn Battuta, Nahla, les néo-conservateurs américains, les autres) se font violence, dictent leur violence, l’expriment. Ils ne peuvent faire que ça, en parler jusqu’au vomissement. Le film tente d’équilibrer la forme et le fond, de la géopolitique d'une région à sa "plus belle des beautés". Or, il n'y a pas d'équité. Il n'y en a quasiment jamais eu dans un film dont les dialogues poussifs finissent par empiéter sur cette beauté que l’on voyait au début, face à la lente macération d’un esprit torturé, agacé par un film qui veut tout dire, tout penser, qui n’arrive pas à se caler sur ce « Présent » en mouvement, à en filmer autrement ce chaos indescriptible qui emporte tout, du Nord au Sud, de la civilisation grecque à celle des arabes, qui voudrait tirer la sonnette d’alarme tant le mal est partout. En partant du Maghreb, Ibn Battuta va vers l’Est, vers ce Monde Arabe, et sera rejoint par une personne provenant du Nord, de la Grèce, pour que cette convergence rassemble les maux de leur société. De ce point de vue, Teguia semble mal à l’aise, comme avalé par ce trop-plein de politisation, sans réellement équilibrer le fond et la forme. Et le spectateur dans tout ça ? Il se met à douter. Comme s’il ne prenait plus place dans ce maelstrom de sentiments, dans ce flux d’images, comme s’il acceptait sans trop y croire. Quand Inland se terminait, Malek joué par Kader Affak, avait eu le temps de remarquer : « Je n’étais qu’à moitié là ». L’issue de Révolution Zendj est plus pernicieuse, plus triste aussi. Ibn Battuta se retrouve enfin dans le lieu où les Zendj lancèrent leur révolte. Un lieu désert, aride, sans vie humaine. « Il n’y a rien » remarque t-il à son guide. Celui-ci lui répond en retirant son turban, laissant entrevoir une cicatrice sur son œil gauche : « Oui, mais nous sommes là ». Que faire avec le « présent » du passé, avec son héritage si ce n’est de l’accepter et d’aller de l’avant ? Teguia semble hésitant, à bout de course, entamé par un film qui n’a eu de cesse de le faire sortir de ses gonds. Vouloir aller trop loin, c’est revenir en arrière, vers ce point de départ qu’on espérait fuir. Il y a beaucoup de transparence dans cet état des lieux de la part de Teguia, qui du haut de ses bientôt cinquante-ans, affiche un regard teinté de douce mélancolie, mais dont les bruits et fureurs deviennent insupportables. Ibn Battuta semble être là, tout le contraire du spectateur, perdu en cours de route, dans l’incapacité d’être emporté par ce tourbillon de sons et d’images, qui prenait sa source dans le fleuve du cinéma. Voir l’Autre est le plus bel acte politique. Filmer ce geste relève d’un cinéma rêvé. Le faire parler à tout prix devient une charge, une lourdeur, qui l’éloigne, qui le rend hermétique. Il est parfois préférable de voir que d’entendre parler. Paradoxalement, l’écho est plus retentissant. Révolution Zendj devient pour le coup terriblement bavard.


(DE)MARCHE FILMIQUE Samir Ardjoum 5 décembre 2013

A LA VOLEE - Teguia, sans fin !

Après avoir écrit sur Nasser Medjkane son « photographe », effectué un parallèle visuel et fantasque entre une image d’un de ses films, La Clôture, et Bir d’eau, avant-dernier opus de Djamil Beloucif, après avoir posé mes impressions mitigées sur Révolution Zendj, voici une dernière notule sur la rencontre, l’entretien que Teguia m’accorda lors du Festival International de Belfort – EntreVues. Il avait croisé le verbe avec Jacques Mandelbaum (Le Monde), Arte, une journaliste de l’Est Républicain, puis s’est retiré à l’extérieur, a tiré quelques tafs, m’a regardé tout en me lançant : « On y va ! ». Calé au chaud dans une sorte de bulle réservée pour les entretiens, Teguia, d’emblée, me suggère de changer d’enregistreur : « Achète-toi une p’tite caméra, c’est plus simple. Tu pourras faire des choses intéressantes sur ton blog. Et pour cet Iphone, achète-toi un micro-cravate. Ça existe pour les iphone…, non sérieusement, je ne déconne pas, faut investir le minimum pour avoir le maximum. ». Je m’assieds. Je le regarde. La conversation débute. Ce ne sera pas réellement un entretien, juste une discussion entre deux personnes. Un réalisateur et un spectateur, accessoirement critique de cinéma. Le reste sera publié demain dans les colonnes d’El Watan Week-end. Voici un avant-goût de l’ambiance qui se dressait au-dessus de nos têtes, preuve que le verbe chez Teguia, l’échange d’idées est capitale : Je trouve que dans ton dernier film, le fond et la forme n’ont pas d’équité. Il y a un ralentissement du rythme. Il existe dans ce film des séquences où cette équité crée du sublime, et d’autres qui sont déréalisées par des dialogues qui viennent, pour des raisons inexpliquées, donner de la légitimité à cette forme que tu essaies d’installer dans ton film. En cela, il m’arrive d’être gêné voire de m’éloigner du film. Il y a une séquence, celle du bar, où les deux personnages américains, les néo-conservateurs, attendent quelque chose. Il y a de la crispation. Un peu d’exaspération. Tu vois le rapport avec le barman. Des choses sont dites. Je ne peux pas les refuser. Dans ce cas, dans Inland, le discours des activistes étaient de trop… Non ! Je les trouvais belles car en décalage, ironiques… Pas du tout ! Elles ne sont pas ironiques. Il y a tout de même ce personnage, dans l’une des séquences d’Inland, qui affirme être un hermaphrodite, sous les rires de ces camarades. Oui, mais il n’y a pas d’ironie. Cites moi d’autres exemples dans Révolution Zendj qui t’ont gêné La première heure du film est symptomatique de cette absence d’équité. Je pense notamment à la séquence dans Beyrouth où tu filmes ces personnages politiser à outrance sur leur passé et leur avenir. Je ne trouve pas qu’elle soit moins cinématographique. Tout est filmé en contrechamps. Un travail sur l’extérieur, sur le son, alors que toute la scène se déroule en intérieur. Un jeu du dedans/dehors totalement lié à la construction de Beyrouth. Entre présent et passé. Dans cette séquence, il y a l’impossibilité de faire des choses. Au niveau du cadre, du découpage, il y a une tentative de cinéma. A suivre dans El Watan Week-end, à partir du vendredi 6 décembre 2013


(DE)MARCHE FILMIQUE Samir Ardjoum 7 décembre 2013

A LA VOLEE - REVOLUTION ZENDJ de Tariq Teguia, 1er prix du Festival EntreVues de Belfort

Je pensais avoir fait le tour. D’Alger, j’ai fait le chemin jusqu’à Belfort, en passant par Paris, uniquement pour voir un film. Celui d’un cinéaste qui m’interpelle depuis Rome plutôt que vous, un cinéaste qui se sert du cinéma comme une fenêtre vers la société, la sienne mais aussi la mienne. Il y a toujours eu chez Tariq Teguia un amour charnel du plan, d’un cadre rêvé, et de ce temps travaillé au corps, d’où cette impression de flottement. Teguia nous susurre ses propres errances. Voir un de ses films, c’est faire corps avec ses propres hésitations, avec son intimité la plus secrète. Or, il s’avère qu’en effectuant le déplacement vers Belfort, j’étais loin d’imaginer être « sévèrement » déçu en découvrant Révolution Zendj. Il faudra, certes, un second visionnage, mais il serait malhonnête de faire abstraction de cette gêne ressentie, de cette perdition, de cette sensation paradoxalement confuse. In fine, d’avoir été sans doute malmené par un auteur issu de ma famille. Quoiqu’il en soit, Teguia rentrera de Belfort avec le Grand Prix Janine Bazin, la récompense suprême. Je n’ai pas vu les autres films de la compétition, donc il m’est impossible de porter un jugement objectif. Mais en toute subjectivité, la victoire de Teguia, de son cinéma, de ce cinéma, me ravit. Ce soir, je suis satisfait. Demain est un autre jour… Alger, le 7 décembre 2013


CLAP NOIR Caroline Pochon 7 décembre 2013

Le cinéma au Burkina : enjeux d’avenir ?

Festival Entrevues, Belfort 2013 Le festival Entrevues de Belfort, pour sa 28ème édition (30 novembre-8 décembre), à l’occasion du trentenaire du partenariat entre le territoire de Belfort et le Burkina Faso, invite deux générations de cinéastes à dialoguer autour des enjeux d’avenir du cinéma au Burkina Faso. Adama Sallé est né en 1986. Il est l’auteur de deux courtmétrages, L’or blanc (2010) et Tao-Tao ! (2013), présentés le 3 décembre et représente ce jour-là toute une génération de cinéastes : Simplice Ganou (Bakoraman), Michel K.Zongo (Espoir-voyage), Eléonore Yameogo (Paris, mon paradis) et d’autres. Gaston Kaboré, né en 1951, a réalisé quatre long-métrages, comme Wend Kuuni (1982) et Buud Yam (1997). Il a longuement oeuvré en faveur du cinéma africain au sein de la Fédération des cinéastes africains et a créé une école de cinéma (Imagine) au Burkina Faso. Adama Sallé : Mes deux films, L’or blanc et Tao-tao !, sont des films d’école. L’or blanc est mon film de fin d’études à l’Esav, à Marrakech. Je voulais parler de ma situation, celle de quelqu’un qui n’est pas chez lui, tout en parlant du Burkina Faso. Le budget du film est de 4000 euros. Ces films ont obtenu de nombreux prix (notamment le prix de la meilleure fiction des écoles au Fespaco en 2011) cela permet de bien commencer une carrière cinématographique ? Ou de bien finir l’école ! Gaston Kaboré, quel temps mettait-on à faire un film dans les années soixante-dix ? Vous êtes un pionnier du cinéma burkinabé et africain et vous avez également créé une école de cinéma à Ouagadougou, Imagine. Gaston Kaboré : Je ne suis pionnier de rien du tout, il y a eu plein de gens avant moi dans le cinéma africain et même au Burkina, il y avait eu déjà deux réalisateurs avant moi ! On est des continuateurs d’autres personnes qui nous ont précédé, et parfois nous ont donné envie de faire du cinéma. Aujourd’hui, on peut rapidement faire son premier pas au sortir de l’école. Quand j’ai fini mes études en 1976 et suis rentré au Burkina, c’était encore l’époque du cinéma avec la pellicule chimique. La recherche de financement et la finition d’un film prenaient donc plus de temps. De 1976 à 2013, j’ai fait quatre long-métrages et une quinzaine de court-métrages. Cela ne suffit pas pour construire une carrière et vivre de son métier. J’ai donc été également fonctionnaire et me suis impliqué dans la Fédération des cinéastes africains (FEPACI). En 1997, j’ai décidé de tout laisser tomber pour ne me consacrer qu’au cinéma, mais paradoxalement, cela fait seize ans que je n’ai pas filmé, car j’ai créé une école de cinéma.

Gaston Kaboré © CN


CLAP NOIR Ce qui est le plus dommageable à une éclosion d’une cinématographie dans un pays comme le Burkina, c’est peut-être l’inexistence de cadres juridiques, de mécanismes de soutien à la production de manière consistante. Ceux qui ont précédé Adama Sallé et la génération d’aujourd’hui sont plus nombreux. Mais les fonds ont diminué ! Autrefois, nous trouvions de l’argent à la BBC, à la ZDF, à Channel 4. En France, il y a eu des périodes où il y avait plus d’argent. Tous ces guichets se sont restreints. Il est devenu difficile de faire des films ayant des budgets importants. Fort heureusement, les budgets ont été réduits également du fait de l’arrivée du numérique. Actuellement, on va assister à une nouvelle ère, on le voit au Nigéria et au Burkina, avec Boubacar Diallo qui a fait en quelques années une dizaines de long-métrages en numérique, c’est à dire plus que ce que l’on pouvait faire à l’époque du celluloïde, à la fin des années quatre-vingt et quatre-vingt-dix. Aujourd’hui, il y a une plus grande facilité d’accès à la réalisation. Mais les problèmes ne sont pas résolus. Trouver 4.000 euros aujourd’hui, c’est toujours difficile. Il n’est plus question aujourd’hui de faire du cinéma en pellicule, ce qui était, comme le rappelle Gaston Kaboré, un processus coûteux et complexe, au tournage, au développement des films et pour la post-production, qui se faisait souvent en France, pour ces raisons. Aujourd’hui, on est très libéré, grâce au numérique. Est-ce un outil qui libère des contraintes techniques et de financement, ou bien est-ce un outil qui a des limites ? Adama Sallé : Je ne peux pas dire si cela nous libère car je n’ai jamais été en prison ! Je n’ai pas connu la pellicule. On m’en parle, mais je ne connais pas très bien. J’apprends à faire du cinéma. Si je veux faire un film, la première chose, c’est la chose que je veux raconter, le projet que je veux faire. Je ne veux pas me hasarder à parler de ce que je ne connais pas. Pour la pellicule, je ne connais ni le coût, pour la pellicule, le laboratoire. Comme le disait Gaston Kaboré, même avec un téléphone portable, on peut faire un film si on a quelque chose à dire. Gaston Kaboré : On a voulu opposer cinéma numérique et cinéma sur pellicule, en Afrique. Cela n’a pas lieu d’être. Aux Etats-Unis, on peut faire un film entièrement en numérique. L’enjeu de la création demeure le même. La facilité d’accès, elle, a changé. Aujourd’hui, il peut prendre une petite caméra et maîtriser toute la chaîne de fabrication du film, ce qui n’était pas possible autrefois. La diffusion a changé aussi : on peut mettre son film sur une plateforme, il sera vu par des gens du monde entier, ce qui n’était pas le cas avant. Ce qui reste important, c’est le propos du cinéaste, le regard qu’il pose sur la réalité. J’ai rencontré une association de cinéastes indépendants à Hong-Kong, ils se posent les mêmes problèmes. Aux Etats-Unis, les cinéastes indépendants ont aussi du mal à produire leurs films car ce qu’ils ont à dire n’intéresse pas les grosses maisons de production. Il ne faut pas forcément condamner la préoccupation de faire de l’argent avec les films, car il faut que le cinéma s’autofinance, c’est l’idéal. Mais certains films ne sont pas faits pour gagner de l’argent, ou même de gagner sa vie. On est dans l’urgence de dire, de témoigner. Il faut faire avec tout cela. Vous parliez d’un manque de financement des films par l’Etat au Burkina. En France, les films sont aidés par différentes subventions nationales, régionales. Il y a beaucoup de moyens pour financer un film d’art et d’essai en France. Le corollaire de la fabrication, c’est la diffusion et la distribution. Il n’y a plus beaucoup de salles en Afrique. Comment cela se passe, quelles sont les perspectives au Burkina ?

Adama Sallé © CN

Adama Sallé : C’est difficile de répondre ! Je ne vois pas les choses de cette façon-là. Quand tu nais dans une mare qui est en train de s’assécher, tu n’étais pas là au moment où la mare était pleine. Donc, comment peux-tu te plaindre du moment où c’était plein ?! Ce sont toujours des « on-dits ». Le futur, c’est autre chose. Je viens de finir mes études. Dans cinq ans, je pourrai mieux en parler. Le film Tao-tao ! a obtenu une bourse d’un concours CFI et s’est fait comme cela. Donc, je ne suis pas encore « entré dans la machine » - catastrophique ou pas ? - pour pouvoir en parler. Ecrire un scénario de long-métrage, c’est très long, parfois plusieurs années de développement. Adama Sallé : J’ai appris récemment qu’aux Etats-Unis, on considère qu’il faut cinq ans à un réalisateur confirmé pour faire un scénario. Alors pour ceux qui débutent, il faut au moins dix ans ?! Gaston Kaboré : C’est bien qu’Adama Sallé ne soit pas dans une posture de victime, en tant que jeune cinéaste. Il s’est battu, il va continuer à se battre, accompagné de sa productrice. Personne ne nous a promis, quand on a décidé de faire des films, que la vie serait un long fleuve tranquille ! Au Burkina, la présence du Festival (le FESPACO) depuis 1969 a obligé notre pays à faire des efforts. Aujourd’hui, le financement est devenu très faible, face à une demande de plus en plus grande de la part des jeunes cinéastes. Nous discutons actuellement à mettre en place des mécanismes de soutien, à la manière de ceux qui existent en France et qui ont permis au cinéma français de bien se porter (CNC, Avance-sur-recettes, Procirep...). Cela a inspiré d’autres pays. Il faut continuer d’améliorer la situation au Burkina. On peut faire un travail solitaire, indépendant, - voire indépendantiste !-, mais il faut aussi travailler à créer des conditions favorables à l’émergence d’un cinéma et pour cela, de mon point de vue, il faut nécessairement l’implication des pouvoirs publics. Non pas pour dicter quel film on doit faire, mais parce que cela fait partie de notre patrimoine, ce ne sont pas des choses superflues. Propos recueillis par Caroline Pochon


CINEUROPA Fabien Lemercier 29 novembre 2013

TIR en tête d'affiche pour EntreVues par FABIEN LEMERCIER 29/11/2013 - Récent vainqueur à Rome, le film d'Alberto Fasulo est l'une des attractions à Belfort d'une manifestation spécialiste des découvertes

TIR d'Alberto Fasulo

13 longs métrages en compétition, des rétrospectives dédiées notamment à John Carpenter (qui a concocté 17 double-programmes associant ses propres films à d'autres titres de l'histoire du cinéma) et à Jacques Doillon (qui présentera quatre de ses oeuvres en compagnie entre autres de Caroline Champetier), une section "Films en cours" attribuant une aide à la post-production, et une large palette d'événements annexes : la 28ème édition du Festival EntreVues qui débute demain à Belfort sous la houlette d'une nouvelle équipe dirigeante (pilotée par Lili Hinstin qui est épaulée par Pierre Menahem) ne manque pas d'attraits dans la lignée d'un travail d'exposition des premiers, seconds et troisièmes films ayant permis d'inscrire au palmarès des cinéastes comme Pascale Ferran (1995), Walter Salles (1996), Pedro Costa (1997), Laurent Cantet (1999), Abdellatif Kechiche (2003), Michelangelo Frammartino, Joao Pedro Rodrigues, Albert Serra, Corneliu Porumboiu, Wang Chao et l'an dernier le duo Véréna Paravel - Lucien Castaing-Tayor (pour Leviathan [+]). Cette année, la compétition internationale proposera en particulier la coproduction italo-croate TIR [+] d'Alberto Fasulo, couronné récemment au Festival de Rome (par un jury présidé par James Gray). Sont également en lice The Strange Little Cat [+] de l'AllemandRamon Zürcher (découvert à la Berlinale et prix Cineuropa à Lisbonne & Estoril), La jungla interior [+] de l'Espagnol Juan Barrero (qui vient de faire sa première mondiale à la Viennale) et Latch (Salpa) du Finlandais Zagros Manuchar. Quatre productions françaises sont aussi en course avec Cassede Nadège Trebal,Cendres d'Idrissa Guiro et Mélanie Pavy, Monsieur Morimoto de Nicola Sornaga etKelly de Stéphanie Régnier. Enfin, la liste des postulants au Grand Prix inclut un long américain et un sud-coréen, ainsi que trois coproductions impliquant l'Hexagone :Révolution Zendi de Tariq Teguia (Algérie/France/Liban), Chantier A de Lucie Dèche, Karim Loualiche et Tarek Sami (Algérie/France) et Round Trip de Meyar Al-Roumi (Syrie/France).


TOUT LE CINE.COM 25 octobre 2013

Le 28e Festival EntreVues de Belfort dévoile sa programmation

La 28e édition du Festival EntreVues de Belfort se déroulera du 30 novembre au 8 décembre prochain. Un rendez-vous des cinématographies audacieuses d'hier et d'aujourd'hui qui s'article autour de deux axes : la compétition de premières œuvres d’auteurs contemporains et ses grandes rétrospectives patrimoniales. Cette année, le Festival change de cap, impulsé par la nouvelle direction artistique de Lili Hinstin.

Au programme des rétrospectives 2013, Jacques Doillon où Comment se fabrique la modernité du cinéma ? À travers 12 films, Jacques Doillon et ses collaborateurs reviennent sur cette œuvre en mouvement. Nous sera présentée une histoire du cinéma par John Carpenter : le maître de l’angoisse a associé à chacun de ses films une oeuvre qui l’a inspiré. Mais aussi un programme transversal avec «la Commedia des ratés» et un hommage à Bernadette Lafont.

C'est parti pour neuf jours de découvertes !

Compétition internationale

Longs métrages Casse de Nadège Trebal (France) Cendres de Idrissa Guiro et Mélanie Pavy (France) Chantier A de Lucie Dèche, Karim Loualiche et Tarek Sami (Algérie-France) La Jungla interior de Juan Barrero (Espagne) Kelly de Stéphanie Régnier (France) Latch de Zagros Manuchar (Finlande) Lebanon Emotion (Le-ba-non Kam-jeong) de Jung Young-heon (Corée du sud) Monsieur Morimoto de Nicola Sornaga (France) Revolution Zendj de Tariq Teguia (Algérie-France-Liban) Round Trip de Meyar Al-Roumi (Syrie-France) See You Next Tuesday de Drew Tobia (États-Unis) The Strange Little Cat de Ramon Zürcher (Allemagne) Tir de Alberto Fasulo (Italie-Croatie)

Courts et moyens métrages A Day in the Open (En Dag Am Fraien) de Govinda Van Maele (Luxembourg) L’Âge de feu de Leo Haddad (Suisse) ‘A iucata de Michele Pennetta (Suisse) Dentro de Emiliano Rocha Minter (Mexique) Ein Kleiner Augenblick des Glücks de Thomas Moritz Helm (Allemagne) Être vivant de Emmanuel Gras (France) José Combustão dos Porcos de José Magro (Portugal) Juke-Box de Ilan Klipper (France) My Sweet Home (Yeol-yeo-deol Ban) de Jung Seoung-oh (Corée du sud) Nous sommes revenus dans l’allée des marronniers de Leslie Lagier (France) Peine perdue de Arthur Harari (France) Permission de Joyce A. Nashawati (France) Par La rédaction (25/10/2013 à 11h47)


FILM DE CULTE.COM Nicolas Bardot 25 octobre 2013

FESTIVAL ENTREVUES BELFORT 2013 : la sélection

La sélection du Festival EntreVues Belfort a été dévoilée. Sa compétition est dédiée aux premières œuvres d’auteurs contemporains. Parmi les titres retenus, deux coups de coeur de la rédaction: L’Étrange petit chat de l'Allemand Ramon Zürcher, découvert à la Berlinale, et Kelly, le documentaire de Stéphanie Régnier (lire notre entretien) dévoilé au Cinéma du Réel. Le Festival EntreVues Belfort se déroulera du 30 novembre au 8 décembre. Découvrez la sélection compétition cidessous : Casse de Nadège Trebal (France) Cendres de Idrissa Guiro et Mélanie Pavy (France) Chantier A de Lucie Dèche, Karim Loualiche et Tarek Sami (Algérie-France) L’Étrange petit chat de Ramon Zürcher (Allemagne) La Jungla interior de Juan Barrero (Espagne) Kelly de Stéphanie Régnier (France) Lebanon Emotion (Le-ba-non Kam-jeong) de Jung Young-heon (Corée du sud) Monsieur Morimoto de Nicola Sornaga (France) Round Trip de Meyar Al-Roumi (Syrie-France) Salpa de Zagros Manuchar (Finlande) See You Next Tuesday de Drew Tobia (États-Unis) Egalement au programme : une 'Histoire du cinéma par John Carpenter', une sélection de courts métrages ou encore une rétrospective Jacques Doillon. Pour tous les détails, cliquez ici ! Et pour ne rien louper de nos news, dossiers, critiques et entretiens, rejoignez-nous sur Facebooket Twitter ! par Nicolas Bardot


FILM DE CULTE.COM Nicolas Bardot 8 décembre 2013

FESTIVAL ENTREVUES BELFORT 2013 : le palmarès

Le palmarès du Festival EntreVues Belfort a été dévoilé. Le Grand Prix est allé àRévolution Zendj de Tariq Teguia, qui avait déjà été sacré avec Rome plutôt que vous en 2006. L'histoire du film: Ibn Battutâ est journaliste dans un quotidien algérien. Un banal reportage sur des affrontements communautaires dans le Sud algérien le conduit imperceptiblement sur les traces de révoltes oubliées du 8e au 9e siècle sous le Califat abbaside en Irak. Pour les besoins de son investigation il se rend à Beyrouth, ville qui incarna toutes les luttes et les espoirs du Monde arabe... Ce long métrage succède à Leviathan de Lucien Castaing-Taylor & Véréna Paravel, vainqueur l'an passé, et L’Été de Giacomo d'Alessandro Comodin (lire notre entretien), lauréat en 2011. Une Mention spéciale du jury a été attribuée à l'attrape-prix Tir de Alberto Fasulo, lauréat à Rome, et dont on vous dit le plus grand mal ici. Le Prix d’aide à la distribution a été remporté par l'Américain See You Next Tuesday de Drew Tobia qui raconte le quotidien d'une caissière de supermarché, tandis que le prix du public est allé au Franco-syrien Round Trip de Meyar Al Roumi qui suit les traces d'un chauffeur de taxi et de sa compagne. Pour toutes les informations sur le Festival Entrevues Belfort, voici le site officiel. Et pour ne rien louper de nos news, dossiers, critiques et entretiens, rejoignez-nous sur Facebook et Twitter ! par Nicolas Bardot


ECRAN LARGE Nicolas Thys

8 novembre 2013

••• Un film inédit d'Orson Welles à Belfort C'est dans la ville de Pordenone en Italie, où se tient tous les ans, début octobre, un festival consacré au cinéma muet, qu'on a retrouvé voici quelques mois Too much Johnson, film de 66 minutes d'Orson Welles considéré comme perdu et réalisé en 1938, soit 3 ans avant Citizen Kane souvent présenté comme son premier long. Miraculeusement les bobines, des copies de travail, étaient dans un état correct, à l'exception d'une des dix qui composent le film. Après un transfert à Rochester à la George Eastman House, pour y être restauré, le film est enfin visible. Déjà montré à Pordenone il y a moins d'un mois puis à New York, ce film disparu de Welles arrive en France pour une projection exceptionnelle à l'occasion du festival Entre Vues à Belfort le dimanche 1er décembre à 18h30 au cinéma Pathé. Qu'y découvrira-t-on ? Et bien les prologues filmés des actes d'une pièce comique de William Gillette, écrite en 1894 et que Welles mettait en scène avec sa troupe du Mercury theatre. On y retrouvera Joseph Cotten, l'une des grandes figures de la troupe, pour sa première apparition à l'écran, et Orson Welles lui-même. Précisons que ces éléments ne furent finalement jamais montrés pendant le spectacle suite à des complications avec la Paramount et qu'ils restèrent à l'état de rushs. Le film sera présenté par Jean-Pierre Berthomé, coauteur d'Orson Welles au travail (Ed. Cahiers du cinéma) et accompagné au piano par Gaël Mevel.


ECRAN NOIR Vincy Thomas

7 novembre 2013

Le film retrouvé d’Orson Welles le 1er décembre à EntreVues Belfort

Too Much Johnson, le film longtemps perdu réalisé par Orson Welles a été retrouvé l'an dernier dans un hangar italien au cours d'un déménagement. Le film a été pour la première fois projeté à Pordenone (Italie) le 9 octobre dernier. C'est Paolo Cherchi Usai, directeur du Festival du cinéma muet de Pordenone, qui a restauré le courtmétrage du mythique réalisateur américain au sein du Musée international de la photo et du cinéma George Eastman à Rochester aux Etats-Unis. C'est d'ailleurs dans ce musée que l'original du film est à présent conservé. Il sera projeté, avec une illustration musicale au piano, au Festival EntreVues Belfort le 1er décembre à 18h30, au cinéma Pathé de la ville. Le film dure 66 minutes. On y retrouve Joseph Cotten, John Houseman et Virginia Nicholson. Considéré comme le premier film professionnel réalisé par Orson Welles, cette oeuvre muette devait à l'origine être intégrée à une représentation théâtrale. Il s'agissait de prologues filmés à chaque acte de la pièce que Welles mettait en scène pour le Mercury Theater. Un accompagnement muscial et sonore étaient prévus. Too Much Johnson est "une farce dans le goût de Labiche ou de Feydeau" selon le communiqué du Festival, "écrite en 1894 par William Gillette". Le matériau n resta à l’état de rushes. Depuis les années 60, le film n'avait jamais été diffusé, avant qu'on le croit définitivement disparu. Too Much Johnson a été retrouvé et identifié dans le dépôt de l’association cinéphile Cinemazero de Pordenone en Italie en 2012. Les bobines avaient été données à l’association en 2004 par un transporteur qui ne savait qu’en faire et restaient depuis en attente d’archivage.


LE POINT.FR 8 novembre 2013

Un inédit d'Orson Welles projeté en France "Too Much Johnson", film muet tourné en 1938 et découvert en bon état il y a un an, va être projeté à Belfort le 1er décembre.

"Too Much Johnson" d'Orson Welles. © AP/SIPA SOURCE SIPA MEDIA

Too Much Johnson est le nom du film inédit d'Orson Welles, découvert il y a un an dans un entrepôt par des employés d'un centre culturel de Pordenone, en Italie. Il sera projeté à Belfort le 1er décembre prochain dans le cadre du festival Entre Vues, a remarqué Ecran large. Ce film muet de 1938, que l'on croyait brûlé dans l'incendie de la maison madrilène du réalisateur, a été montré pour la toute première fois lors de la journée du cinéma muet de la petite ville italienne, le 9 octobre dernier, puis projeté à New York une semaine après. Orson Welles n'avait que 23 ans quand il a tourné ce film, qui fait deCitizen Kane le deuxième - et non le premier comme on le pensait jusqu'alors - long métrage du réalisateur. Cette comédie de boulevard en trois actes sur les relations conjugales n'a jamais été terminée. Il s'agit de l'adaptation d'une pièce cocréée par le réalisateur en 1937. Bobines en bon état C'est le musée new-yorkais Eastman House qui s'est chargé de restaurer le film à la demande de la cinémathèque de Frioul. Les bobines, des copies de travail, étaient miraculeusement dans un état correct, à l'exception d'une sur les dix qui composent le film.

article repris par Orange actu, Yahoo actualité, Free actualité,


BLOUIN ARTINFO Damien Leblanc 8 novembre 2013

Le film retrouvé d’Orson Welles sera projeté le 1er décembre au Festival de Belfort

Courtesy of National Film Preservation Foundation

Joseph Cotten et Edgar Barrier dans "Too Much Johnson" (1938) d'Orson Welles.

Too Much Johnson, le film inédit d’Orson Welles retrouvé fin 2012, sera projeté le dimanche 1er décembre 2013 à 18h30 au Pathé Belfort, dans le cadre du Festival International du film de Belfort. Après les projections en octobre à Pordenone (Italie) et à New York (Etats-Unis), où le film a respectivement été retrouvé et restauré, c’est donc au Festival Entrevues de Belfort que se tiendra la première projection française de cet Orson Welles inédit. Tourné en 1938, avant Citizen Kane, et considéré durant plusieurs décennies comme disparu à jamais, Too Much Johnson avait contre toute attente été identifié en décembre 2012 dans le dépôt de l’organisme cinéphile Cinemazero à Pordenone. Les bobines avaient en effet été données à l’association en 2004 par un transporteur qui ne savait qu’en faire et elles restaient depuis en attente d’archivage.

Restauré après sa découverte par la George Eastman House de Rochester – à New York – et présenté pour la première fois le 5 octobre lors des Journées du cinéma muet de Pordenone, Too Much Johnson affiche une durée de 66 minutes. Le film devait servir de prologue filmé à chaque acte de la pièce de théâtre du même nom (une farce écrite en 1894 par l'américain William Gillette) qu'Orson Welles montait avec sa compagnie Mercury Theater pour Broadway. Mais lors d’une représentation test à Stoney Creek dans le Connecticut en août 1938, la pièce, jouée sans le film en toile de fond, fit un flop et le metteur en scène passa alors à son projet suivant, la célèbre adaptation radiophonique de La Guerre des mondes. Le film ne fut donc jamais projeté.


BLOUIN ARTINFO Too Much Johnson est interprété par les acteurs de la troupe Mercury : Joseph Cotten (acteur vu par la suite dans Citizen Kane, dans L'Ombre d'un soupçon d'Alfred Hitchcock ou dans La Porte du Paradis de Michael Cimino), Arlene Francis, Ruth Ford et Virginia Nicholson, alors mariée au réalisateur et connue sous le nom d’Anna Stafford. La première séquence du film montre Augustus Billings (Joseph Cotten), un coureur de jupons se faisant appeler Johnson, poursuivi en voiture dans Manhattan par un mari jaloux. Par la suite, son homonyme, un propriétaire de plantation à Cuba, décède et le protagoniste se rend à Santiago au Chili avec sa mère et sa belle-mère, accompagné d’un autre mari jaloux interprété par Edgar Barrier. La projection du 1er décembre à Belfort sera présentée par l'historien du cinéma Jean-Pierre Berthomé et accompagnée au piano par Gaël Mevel. Notons que Too Much Johnson n'est pas la première oeuvre cinématographique d'Orson Welles, puisque le cinéaste avait réalisé en 1934 le court métrage Hearts of Age.


HD NUMERIQUE.COM 2 décembre 2013


METALUNA MAG.COM 26 novembre 2013


CINEZIK

Benoit Basirico 18 novembre 2013 28E ÉDITION DU FESTIVAL ENTREVUES DE BELFORT : PRÉSENCE DE CINÉASTESCOMPOSITEURS (CARPENTER, CHAPLIN...) Belfort, du 30 novembre au 8 décembre 2013

Depuis plus de vingt ans, Entrevues continue de s’affirmer comme le rendez-vous des cinématographies audacieuses d’hier et d’aujourd’hui, qui s'organise autour de deux axes : la compétition de premières œuvres d’auteurs contemporains et ses grandes rétrospectives patrimoniales. Les rétrospectives consacrent cette année Jacques Doillon, John Carpenter et Charlie Chaplin. A cette occasion, une leçon de cinéma aborde le sujet des cinéastes-compositeurs.

Au programme des rétrospectives 2013 : Un hommage à Bernadette Lafont.

Jacques Doillon où Comment se fabrique la modernité du cinéma ? À travers 12 films, Jacques Doillon et ses collaborateurs reviennent sur cette œuvre en mouvement. La Fabbrica invite un cinéaste confirmé qui a fait la modernité du cinéma et interroge sa pratique de réalisateur en lui proposant d'accompagner ses films avec ses collaborateurs : acteurs, chef opérateurs, ingénieurs du son, monteurs...

Une histoire du cinéma par John Carpenter le maître de l'angoisse a associé à chacun de ses films une oeuvre qui l'a inspiré. Cinéma de genre, cinéma expérimental ou cinéma bis, la marge du cinéma a toujours fortement influencé son centre. Exploration par le menu des grands cinéastes ou des grands genres qui ont bouleversé l'histoire.

Un programme transversal «la Commedia des ratés» avec 5 films de Charlie Chaplin Cette programmation thématique d'une trentaine de films explore une question de cinéma à travers des oeuvres de toutes les époques et de tous les pays, chefs d'oeuvres et raretés à l'honneur. Pendant des années, le personnage le plus célèbre du monde n'était pas un super héros, mais un petit clochard maladroit, fumant les mégots des autres, couchant dehors, poursuivi par la police et incapable de garder un travail : Charlot.


CINEZIK

Conférence ciné-musicale En parallèle de sa programmation dédiée à Charlie Chaplin et John Carpenter, le festival met un coup de projecteur sur ces réalisateurs qui écrivent eux-même la musique de leur film. Cette leçon autour des cinéastescompositeurs est animée par Benoit Basirico (journaliste spécialiste de la musique de film - Cinezik.fr et France Musique). Le travail sur la musique d'un film est bien souvent le fruit d'une collaboration entre un réalisateur et un compositeur, ce qui a donné naissance à d'illustres tandems (Hitchcock/Herrmann, Burton/Elfman, Spielberg/Williams, Truffaut/Delerue). Quels sont les enjeux lorsque le tandem se concentre sur une même personne, le réalisateur, qui prend en charge le film et sa musique ? Les motivations peuvent être diverses, liées au désir pour un cinéaste de tout contrôler, de se dispenser d'une collaboration, ou alors liées à la considération d'un art total où chaque élément est indissociable, où la musique est aussi une question de mise en scène. Il s'agit de relever les diverses manières que des cinéastes ont pu contribuer à élaborer la musique de leurs films, et de se poser les questions du rapport entre la musique et le film (illustration, synchro, contrepoint, minimalisme ou emphase, emplacements, correspondances, etc). Les propos sont illustrés d'extraits emblématiques des films cités. Séance dansée "PAYSAGES CHORÉGRAPHIQUES" en partenariat avec le Centre national chorégraphique de Belfort Autour de Daniel Larrieu, chorégraphe - Waterproof de Jean-Louis Le Tacon, d'après une chorégraphie de Daniel Larrieu, 1986 , 21' - Ice Dream de Christian Merlhiot et Daniel Larrieu, 2010, 17' - "Bord de mer" chorégraphie de Daniel Larrieu réinterprétée par Jérôme Andrieu, 20' Cette séance se clôture sur une prise de parole entre Joanne Leighton, Jérôme Andrieu et Noël Claude sur la relation interprète / auteur chorégraphe. Ciné-concert - FANTÔMAS par Extrasystole (Shoï Lorillard et Arnold Boudin), à La Poudrière Ciné-Concert & Live Interactif d'après Louis Feuillade. en partenariat avec l'Espace multimédia Gantner et le Pôle des musiques actuelles Extrasystole s'est emparé des cinq épisodes du Fantômas de Louis Feuillade pour recomposer une seule histoire, inédite, à la dynamique accentuée. Des effets visuels sont générés en direct. La bande son est le personnage supplémentaire, celui qui complète les cartons de la version originale pour devenir de façon tout à fait maligne le nouveau narrateur. Une interactivité double est proposée : entre image et son, et avec le public, sollicité pour choisir à certains moments la suite du scénario. Tous les détails : http://www.festival-entrevues.com/


LE FILM FRANÇAIS.COM 25 octobre 2013

CINÉMAVENDREDI 25 OCTOBRE 2013 11:21

Le programme des EntreVues Belfort La 28e édition des EntreVues Belfort se tiendra du 30 novembre au 8 décembre 2013.


A LA CONQUETE DE L’EST 26 novembre 2013

Entrevues, c’est LE festival pour tous cinéphiles de la région…. Proposé par la ville de Belfort, tous les ans, le festival réunit tous les amateurs du cinéma… Cette année encore, c’est du 30 Novembre jusqu’au 8 Décembre que les néons et affiches rouges propres au festival s’installent dans la cité du lion, et plus précisément au cinéma Pathé… Pour ceux qui ne connaissent pas l’essence même du festival, Lili Hinstin, la directrice artistique de cette année le décrit parfaitement :

« EntreVues est l’un des plus beaux festivals que je connaisse : la ligne qu’il trace entre le passé du cinéma (les grandes rétrospectives patrimoniales) et son futur (la compé- tition internationale de premiers, seconds et troisièmes films) célèbre le vrai temps du cinéma, art du présent par essence. Un festival s’inscrit dans une actualité contemporaine dont il attend que les cinéastes s’emparent. Il ne s’agit pas de proposer une simple sélection de films qui représenterait à la fois un goût et un panorama du cinéma mondial dans son originalité et sa diversité, mais d’offrir un angle de regard qui mette en perspective des nationalités, des âges, des sexes et des économies différentes dont les rapports entre eux forment un tout. "

Durant cette semaine, ce n’est pas moins de 13 longs métrages et 12 courts et moyens métrages qui seront proposés au public.

Hop, hop, hop voici la programmation : En avant le programme ! Entrevues, c’est aussi des rencontres et débats, des ciné-cafés avec les cinéastes tous les matins de 10h30 à 12 au café Pathé… Ce sont aussi des séances spéciales dont une soirée consacrée à John Carpenter ! Ils ont pensé aussi à nos chères têtes blondes avec des séances jeune public : Le magicien d’Oz, La belle et le clochard, les Noces funèbres….. Entrevues vient aussi dans les écoles avec des séances pédagogiques ! Bref, il y en a pour tout le monde !! Aucunes excuses pour le rater !!!

Et ils pensent aussi à nos ptites bourses, car chaque séance est à 5€, un pass pour toutes les séances est à 40€ !!! Alors, prêt à aller en prendre plein la vue ?


FESTIVAL CINE 28 novembre 2013


CINEMANIAC Camille Marty 27 octobre 2013

28° édition du festival international EntreVues de Belfort Belfort, du 30 novembre au 8 décembre 2013

Depuis plus de 25 ans, le festival international EntreVues de Belfort s’est confirmé comme le rendez-vous des cinématographies audacieuses d’hier et d’aujourd’hui. Comment concilier les deux? Autour de deux axes forts : le premier, la compétition de premières œuvres d’auteurs contemporains, le second, une programmation patrimoniale avec cette année Jacques Doillon, Manoel de Oliveira et John Carpenter . Et... Le programme est chargé...

FESTIVAL? 28° ENTREVUES de Belfort OUVERTURE? QUAND? du 30 novembre au 8 décembre 2013 OU? au cinéma PATHE, Belfort PROGRAMME? 12 long-métrages, 12 court et moyen-métrages, 12 films de Jacques Doillon, John Carpenter, hommage à Bernadette Lafont Site officiel : www.festival-entrevues.com Facebook : https://www.facebook.com/FestivalBelfort TWITTER : @FestivalBelfort


CINEMANIAC

"Lebanon emotion"

LONG-METRAGES (compétition)

Casse de Nadège Trebal (France) Cendres de Idrissa Guiro et Mélanie Pavy (France) Chantier A de Lucie Dèche, Karim Loualiche et Tarek Sami (Algérie-France) La Jungla interior de Juan Barrero (Espagne) Kelly de Stéphanie Régnier (France) Lebanon Emotion (Le-ba-non Kam-jeong) de Jung Young-heon (Corée du sud) Monsieur Morimoto de Nicola Sornaga (France) Round Trip de Meyar Al-Roumi (Syrie-France) Salpa de Zagros Manuchar (Finlande) See You Next Tuesday de Drew Tobia (États-Unis) The Strange Little Cat de Ramon Zürcher (Allemagne) un douzième long métrage sera annoncé ultérieurement. RETROSPECTIVES

La Fabbrica : Jacques Doillon Comment se fabrique la modernité du cinéma Un certain genre : John Carpenter présente Une Histoire du cinéma par John Carpenter La Transversale : la Commedia des ratés Depuis Charlot, la comédie rend aux exclus de la société leur lettres de noblesse. Premières épreuves : Fatale attraction Autour de L’Étrange affaire Angelica de Manoel de Oliveira Rencontres Cinéma et Histoire : Images manquantes Quelle réponse cinématographique à l’absence de représentations de certains faits historiques Hommage à Bernadette Lafont EN PRATIQUE du 30 novembre au 8 décembre 2013 Cinéma Pathé Belfort (Cinéma des Quais) 1 boulevard Richelieu 90000 BELFORT


CINEMA NEWS

Belfort : Le Programme Complet Du Festival EntreVues Belfort : le programme complet du Festival EntreVues La 28e édition du Festival EntreVues de Belfort se déroulera du 30 novembre au 8 décembre prochain. Un rendezvous des cinématographies audacieuses d’hier et d’aujourd’hui qui s’articule autour de deux axes : la compétition de premières ouvres d’auteurs contemporains et ses grandes rétrospectives patrimoniales. Cette année, le Festival change de cap, impulsé par la nouvelle direction artistique de Lili Hinstin. Au programme des rétrospectives 2013, Jacques Doillon où Comment se fabrique la modernité du cinéma ? À travers 12 films, Jacques Doillon et ses collaborateurs reviennent sur cette œuvre en mouvement. Nous sera présentée une histoire du cinéma par John Carpenter : le maître de l’angoisse a associé à chacun de ses films une oeuvre qui l’a inspiré. Mais aussi un programme transversal avec «la Commedia des ratés» et un hommage à Bernadette Lafont. C’est parti pour neuf jours de découvertes ! Compétition internationale Longs métrages Casse de Nadège Trebal (France) Cendres de Idrissa Guiro et Mélanie Pavy (France) Chantier A de Lucie Dèche, Karim Loualiche et Tarek Sami (Algérie-France) La Jungla interior de Juan Barrero (Espagne) Kelly de Stéphanie Régnier (France) Latch de Zagros Manuchar (Finlande) Lebanon Emotion (Le-ba-non Kam-jeong) de Jung Young-heon (Corée du sud) Monsieur Morimoto de Nicola Sornaga (France) Revolution Zendj de Tariq Teguia (Algérie-France-Liban) Round Trip de Meyar Al-Roumi (Syrie-France) See You Next Tuesday de Drew Tobia (États-Unis) The Strange Little Cat de Ramon Zürcher (Allemagne) Tir de Alberto Fasulo (Italie-Croatie) Courts et moyens métrages A Day in the Open (En Dag Am Fraien) de Govinda Van Maele (Luxembourg) L’Age de feu de Leo Haddad (Suisse) A iucata de Michele Pennetta (Suisse) Dentro de Emiliano Rocha Minter (Mexique) Ein Kleiner Augenblick des Glücks de Thomas Moritz Helm (Allemagne) Être vivant de Emmanuel Gras (France) José Combustão dos Porcos de José Magro (Portugal) Juke-Box de Ilan Klipper (France) My Sweet Home (Yeol-yeo-deol Ban) de Jung Seoung-oh (Corée du sud) Nous sommes revenus dans l’allée des marronniers de Leslie Lagier (France) Peine perdue de Arthur Harari (France) Permission de Joyce A. Nashawati (France)


MOUVIZ.COM

LA VIE DES FILMS


PASSEURS D’IMAGES

LE ROUTARD.COM

RENDEZ-VOUS EN FRANCE


FACEBOOK / SO FILM 5 novembre 2011


PRESSE INTERNATIONALE


INTERNAZIONALE.IT 31 octobre 2013 (Italie)

Cinema. Il film “Tir” di Alberto Fasulo in concorso al festival Belfort 

31 ottobre 2013

Roma, 31 ott. (TMNews) – Il film “Tir” del regista friulano Alberto Fasulo, che il 15 novembre verrà presentato al Festival Internazionale del Film di Roma, é stato selezionato anche per la 28esima edizione del Festival del cinema di Belfort, in Francia. Lo si apprende dal sito ufficiale della kermesse Entrevues Belfort, in programma dal 30 novembre all’8 dicembre nella città francese. “Tir” (Italia-Croazia), il nuovo film dell’autore di “Rumore Bianco” (2008), racconta la storia di Branko (interpretato dall’attore sloveno Branko Zavrsan), un ex professore di Rijeka, che da qualche mese è diventato camionista per un’azienda italiana. Questa è una notizia dell’agenzia TMNews.


EL WATAN MAG Samir Ardjoum 6 décembre 2013 (Algérie)

Tariq Teguia, cinéaste Titre : ombres et Brouillard Révolution Zendj, dernier opus de Tariq Teguia fut projeté au Festival International de Belfort. 5 années qu’on attend cet évènement, dont trois de tournage. Rencontre avec un cinéaste qui prend le temps de questionner et de filmer les fantômes.

-Entre ton précédent film, Inland et celui-ci, 5 années se sont écoulées dont deux consacrées au tournage… Trois ans. Entre deux et trois ans. Il a commencé le 17 novembre 2010. J’ai encore tourné en Grèce à la toute fin du mois de mars 2013. Deux ans et demi de tournage. D’abord deux jours de tournage à Athènes en novembre 2010. Ensuite trois jours de tournage sur Alger en janvier 2011. Puis nous sommes partis à Beyrouth. 6 semaines de tournage, je crois. Nous sommes rentrés sur Alger, nous avons tourné sur le territoire. Nous sommes partis en Grèce où nous avons filmé à Athènes puis à Thessalonique. Nous pensions avoir terminé. Malheureusement, il a fallu retourner au Liban pour refaire des scènes avec l’un des personnages, un Américain, qui nous avait lâchés. On a choisi un autre acteur. Nous étions en juin 2011. En parallèle, j’ai profité d’une invitation de Harvard qui avait organisé un cycle autour de mes films, pour repérer et tourner quelques plans qui ont servi au film. Finalement, le tournage s’est définitivement terminé fin mars 2013. Et c’est là que j’ai repris et finalisé le montage. Quelques fois, ce tournage fut douloureux, lourd, très lourd à tirer, à porter. Quand on n’a pas beaucoup de moyen, on réduit tout.

-Comment peut-on produire un film tel que Révolution Zendj ? Je travaille avec mon frère, Yacine, qui est producteur, avec mes amis. Nous avons une méthode et il est possible de gérer un budget d’où ce travail collectif. Nos acteurs n’en sont pas. Nous fabriquons un système de production, un outil de travail. C’est une conscience professionnelle qui se démarque du système classique et omniprésent chez les


EL WATAN MAG professionnels de la profession. On peut nous le reprocher. Mais il faut manifester soi-même un peu de volonté, de désir. Il faut donner le sentiment, et plus que ça, qu’on a vraiment envie d’avancer et que les choses ne s’étiolent pas. Je me suis posé la question de pourquoi l’idée d’abandonner ne m’ait pas traversé l’esprit. Je n’ai pas le droit de lâcher. Parfois je ralentis la cadence, mais je ne me suis jamais arrêté de travailler sur ce film. Fallait écrire le scénario, effectuer des repérages, seul dans un premier temps, en groupe quand je suis en Algérie, puis réécrire le scénario avec Yacine, effectuer la préparation du film. Un moment donné, tu es face à un mur financier, d’effort physique, mais on reprend tout et on se lance. Il m’arrive souvent de me tromper. Et c’est ce qui rend l’exercice excitant. Nous sommes restés dans les limites du budget, malgré tout. Je ne sais pas comment fonctionnent les autres producteurs. Nous avons, Yacine et moi, une méthode basée sur une relation de confiance. Et puis, ce film, comme les autres, a été aidé par ma mère qui nous a poussés à terminer ce film. Ça suffit. C’était plus qu’une présence. C’était décisif.

-Comment as-tu connu l’histoire de cette révolte d’esclaves noirs au IXe siècle, les Zendj ? Il y eut d’abord cette traversée de repérage dans le monde arabe, à travers les festivals de cinéma où je présentais mes films. J’ai vu des choses, pris des notes, constaté un puzzle, des éléments, des fragments qui se mettent en place. Après il faut unifier tous ces éléments. Ça donne un scénario que j’écris avec Yacine, parfois des discussions avec des amis. On évoquait souvent les anciennes révoltes dans les pays arabes telles que les Zendj. Ensuite, j’articule tout ça avec le présent, qu’il y ait une résonance avec ma société. Le film d’histoire ne m’intéressait pas. L’idée de départ était de montrer une persistance de la lutte et le refus de l’oppression dans notre monde actuel. Puis ces luttes étaient géographiquement et historiquement localisables dans un pays qui nous intéressait, en l’occurrence l’Irak. Un pays qui a traversé de nombreuses guerres dont la dernière qui n’est pas terminé, me semble-t-il. On s’était posé la question du Proche-Orient à travers l’Irak. L’invasion américaine, le redécoupage des cartes, la question du Liban. Les branchements se font à pleins d’endroits différents. Le personnage de Nahla, vivant en Grèce, d’origine palestinienne, dotée d’une histoire qui la renvoyait au Liban où ses parents avaient combattu. Les branchements sont là, dans ce genre de situation. Tout se reconnectait. Je pars des Zendj pour arriver à notre société. Les lignes s’entrecroisent et parfois résonnent entre elles.

-Des lignes de fuite ? Le journaliste algérien, Ibn Battuta, est envoyé au Liban pour voir comment les libanais vivent depuis 20 voire 30 ans. Très vite, il se sent pris d’une envie de partir en Irak, à la recherche d’un nom, d’un visage. Nous sommes dans une ligne de fuite. Paradoxalement, ce journaliste part à la recherche de fantômes. Son interlocuteur, sur la terrasse d’Alger, le lui dit. «Tu risques de trouver des fantômes.» C’est un journaliste qui ne sait pas ce qu’il recherche. C’est un bon point de départ. Battuta veut savoir comment les choses se transforment. C’est un sismographe. Dans Inland, le personnage principal était topographe. DansRévolution Zendj, c’est un sismographe à la recherche de spectres.

-Dans Révolution Zendj, Ibn Battuta l’Algérien va au Liban, Nahla, la Grecque d’origine palestinienne, le rejoint, le Nord et le Sud se croisent à l’Est, au Proche-Orient. C’est l’un des enjeux du film. Encore plus de lignes. Comment on assiste à une mondialisation du marché, du capital. De quelle manière les individus, les sociétés répondent à ce changement. Ces luttes ne se rejoignent pas ponctuellement, mais chacune de leur côté, elles disaient la même chose, confusément, isolément, de manière atomique, mais ce qui est énoncé en Egypte ou en Tunisie soit complètement différent de ce qui s’est passé en Grèce ou en Espagne. C’est le même mouvement, de manière disparate, aveugle, mais il est présent. Quand je préparais le film en Grèce, je me suis retrouvé dans un squat à Thessalonique. Ce n’est pas facile. Tu ne tournes pas aussi facilement dans des endroits de ce genre, proches des milieux anarchiques. Il faut des longues heures de discussion. Ils me disaient : «Comment prétends-tu faire le lien entre ce qui se passe chez

nous et les manifestations en Algérie ou ailleurs ?» Et je vous rappelle que nous étions en septembre 2011, bien avant la révolution du Jasmin. Plus tard, ils ont vu que tout était lié. Tout ! Les connexions se sont refaites car elles étaient potentiellement présentes. Nous sommes tous concernés par ces crises quelle que soit leur origine. Il y a une telle fatigue qu’on ne se la pose plus. Par exemple en France. Au contraire de la Grèce. En Algérie, ce sont les centaines de foyers d’émeutes qui montrent bien que la société algérienne veut autre chose qu’elle connaît aujourd’hui. Ça ne semble pas prendre les mêmes contours que ce que l’on a vu en Egypte ou en Tunisie. Il y a plusieurs raisons. Fatigue due aux 10 années de guerre civile, épuisement de la société, peu de relais de la classe politique. L’émeute, en Algérie, est gérée.


EL WATAN MAG -Et comment le cinéma peut se mêler de ces affaires ? Il s’en mêle quand il les montre, quand il les fait exister, quand il les fait entendre. Sous la forme d’une fiction, du documentaire.

-Ne crains-tu pas d’orienter ton cinéma vers quelque chose de plus militant, vers une idéologie ? Si je pensais faire que ça, je serais journaliste, j’écrirais des articles. Pour des questions de commodité, on a tendance à séparer la forme et le fond. Dans mon film, on ne sépare pas. Les images, les acteurs, les rythmes de montage, les sons, le cadre, tout cela est entremêlé. Ça s’appelle un film et je ne veux pas y renoncer. C’est un mouvement. Je veux rendre compte du monde par un ensemble de rythme sonore, visuelle, colorimétrique. Ce sont des questions de cinéma. Et c’est ce qui fait que dans mes films, on ne bascule pas du côté du pamphlet, du tract militant ou idéologique. Ce sont des formes, des vitesses, des sensations.

-Je trouve que dans ton dernier film, le fond et la forme n’ont pas d’équité. Il y a un ralentissement de rythme. Il existe dans ce film, des séquences où cette équité crée du sublime, et d’autres, qui sont déréalisés par des dialogues qui viennent, pour des raisons inexpliquées, donner de la légitimité à cette forme que tu essaies d’installer dans ton film. En cela, il m’arrive d’être gêné, voire de m’éloigner du film. Il y a une séquence, celle du bar, où les deux personnages américains, les néo-conservateurs, attendent quelque chose. Il y a de la crispation. Un peu d’exaspération. Tu vois le rapport avec le barman. Des choses sont dites. Je ne peux pas les refuser. Dans ce cas, dans Inland, le discours des activistes étaient de trop…

-Non ! Je les trouvais belles car en décalage, ironiques… Pas du tout ! Elles ne sont pas ironiques.

-Il y a tout de même ce personnage, dans l’une des séquences d’Inland, qui affirme être un hermaphrodite, sous les rires de ses camarades. Oui, mais il n’y a pas d’ironie. Citez-moi d’autres exemples dans Révolution Zendj qui t’ont gêné -La première heure du film est symptomatique de cette absence d’équité. Je pense notamment à la séquence dans Beyrouth où tu filmes ces personnages politisaient à outrance sur leur passé et leur avenir. Je ne trouve pas qu’elle soit moins cinématographique. Tout est filmé en contrechamp. Un travail sur l’extérieur, sur le son, alors que toute la scène se déroule en intérieur. Un jeu du dedans/dehors totalement lié à la construction de Beyrouth. Entre présent et passé. Dans cette séquence, il y a l’impossibilité de faire des choses. Au niveau du cadre, du découpage, il y a une tentative de cinéma.

-A partir du moment où tes personnages dialoguent entre eux, je me sens séparé. Prenons l’exemple d’Alger et d’une séquence que tu filmes dans une salle de rédaction. Elle va vite, très vite, mais on comprend. On accompagne Ibn Battuta. Il y a des moments politisés, mais ils sont moins frontaux car la forme rejoint le fond et ça donne une séquence belle et dynamique. Je trouve que la première heure est liée à ton envie de tout dire. Mais ça ne prend pas. Dans Inland, il y a un air politique mais ça n’est pas gênant… peut-être dû aux silences et non-dits de ton personnage principal. Je ne voulais surtout pas faire comme Inland. Je ne voulais pas reprendre ces soi-disant ingrédients d’un film pour en faire un autre. Dans Révolution Zendj, il y a cette séquence où la mère de Nahla parle avec sa fille. Elle lui dit des choses, des choses politiques.

-C’est une très belle scène Oui, mais c’est exactement ce que tu reproches aux autres séquences.

-Peut-être que dans la séquence dont tu parles, le fait de les filmer en gros plans, donne cette équité. Pas du tout. Il existe des cadres et des formes pour lesquels tu n’es pas sensible. Je peux le comprendre. Mais ça n’est pas en raison du flot de paroles. Le père échange avec sa fille. On entend que de la politique. Tout comme la mère. Dans celui-ci, il y a plus de dialogue que dans mes précédents films car la situation s’y prêtait. Dans Rome plutôt que vous, on filmait le désert d’une ville, la nuit sous le couvre-feu. Dans Inland, on filmait différents types de désertification.


EL WATAN MAG

Dans Révolution Zendj, on est dans une ville bouillonnante où un journaliste pose des questions. On y voit du théâtre. On lit du Butor, c’est plus volubile mais ça dresse une autre carte plus dense. Dans Inland, on visait à la raréfaction y compris du personnage principal. Dans le dernier, ce mouvement d’intensification se trouve dans les 2/3, après on perd en volubilité, on traverse d’autres espaces. Dans cette première partie, j’ai beaucoup travaillé sur les voix, je voulais qu’elles soient spectrales. Elles disent des choses. Je voulais une coexistence musicale et politique. C’est ce qui m’a frappé par exemple à Thessalonique. Contrairement à Beyrouth. Eux, sont en période d’attente. Il y avait une séquence que j’avais enregistrée mais que je n’ai pas conservée, malheureusement, au moment de cette fameuse discussion que tu juges contestable, mais pas moi…

-Contestable dans la mise en scène Surtout dans la mise en scène. Je pense vraiment le contraire de ce que tu dis. Entre ces corps sans visage et ces ombres, ça résonne avec tous les autres spectres. Qu’est-il arrivé à la révolution palestinienne ? C’est la question qui est posée dans ce dialogue et ce n’est pas anecdotique. Donc, une jeune femme disait : «Au Liban, on attend la prochaine guerre.» Il est évident qu’ils sont dans l’expectatif. C’est troublant et paradoxal.

-A la fin de ton précédent film, Malek dit : «Je n’étais qu’à moitié là.» Dans Révolution Zendj, toujours à la fin du film, Ibn Battuta arrive enfin sur le lieu où l’on retrouva de la monnaie Zendj. Il fait remarquer à son guide qu’il n’y a rien. Celui-ci, enlève à moitié son turban et lui répond : « Oui, mais nous sommes là ». Ces deux phrases font écho. On me l’a déjà fait remarquer. Je ne l’ai pas fait intentionnellement.

-J’ai l’impression que dans cette séquence, ce journaliste est déçu. Non même pas. Je dirais qu’il est étonné. Il cherchait un nom et un visage. Il l’avait en face de lui, et il ne l’a pas vu. Il est désemparé. La difficulté pour moi dans ce film, c’était de filmer la matière des fantômes. Dans Inland, tu le voyais déjà. Révolution Zendj, c’est un film très incarné. Il y a toujours ces spectres, cette danse de spectres. Diyanna Sabri qui joue le rôle de Nahla, n’est pas actrice. Danseuse et chorégraphe à la base. Le film est toujours dansé. Dans le squat des étudiants en Grèce, dans l’appartement libanais sur la musique des MC5, quand elle tente de fuir les policiers grecs

-Ça danse au début de ton film avec ces jeunes algériens qui encerclent Ibn Battuta. Exactement. Merci de le rappeler. C’est chorégraphié. Je ne pouvais pas faire plus simple comme émeute. Pour faire entendre ou faire arriver ces sensations, c’est d’enlever beaucoup de choses, d’épuiser la bande-son pour que ça devienne muet. Après produire des respirations dans cette situation, une pointe, un pic. C’est à la condition d’enlever qu’on peut faire entendre. Dans mes films par exemple, la musique, les chansons originales, sont pour la plupart déjà là, bien avant le film… ce sont de vieilles connaissances. Mais il y a très peu de musique. Dans Inland, il y a 13 minutes de musique et l’on croit qu’il y en a plus. Car j’enlève pour mieux faire entendre. Je fais vivre mon film de cette manière.

-Depuis ton premier long-métrage, tu travailles avec Nasser Medjkane, le directeur photo… Nasser ne lit jamais le scénario excepté la note d’intention. Il n’y a pas trop de secrets dans nos rapports. On travaille ensemble à l’instinct, sans friction. Nasser ne défend pas le pré carré de la profession. Il n’y a pas de statut entre nous. Il propose un cadre. Il le fait. Puis, ensuite, quand j’ai une idée, je lui propose autre chose. Je cadre. C’est une sorte de «battle» façon rap. C’est de la joute visuelle. Il n’y a pas d’égo. C’est pour ça qu’on arrive à travailler ensemble. Nasser sait d’instinct où je veux aller.

-Dans Révolution Zendj, on remarque le nom du réalisateur Omar Belkacemi qui occupe les fonctions d’assistantréalisateur. Je le connais depuis Béjaïa, depuis l’édition 2008. J’avais vu son film (Dihya). Je lui ai proposé de travailler sur mon film. Quand il a pris connaissance du titre initial, Ibn Battuta, il pensait que ce serait un film à costumes, qu’il y aurait toute une équipe avec maquilleuse, etc. (rire). Il n’avait pas encore lu le scénario. Il était affolé au début, ça a mis du temps, mais au fil des semaines, il a très vite compris. Quand on vient d’un système hiérarchisé, on met du temps à s’adapter à autre chose. Mais à partir du moment où il a compris, tout s’est très bien passé.


EL WATAN MAG -Il est vrai… Avant que j’oublie, je voudrais rebondir sur un de tes articles, où tu décrivais le tournage de Révolution Zendj, comme étant pharaonique. J’ai trouvé ça cocasse… Ça renvoie à une espèce de films avec des moyens conséquents, alors que notre budget est loin de ça. Sur le coup, ça m’a bien fait rire. Sérieusement, quand tu vois Révolution Zendj, ça reste un film à petit budget…

-J’évoquais surtout l’ampleur du tournage dans sa durée Oui, mais «pharaonique», c’est démesuré voire comique.

-Est-ce que ce film sera projeté à Alger ? Il le faut. Comme je dois le montrer à Beyrouth, à New-York, Athènes et Thessalonique. Là, où le film s’est baladé. Le cinéma, c’est de trouver les distances, les bonnes distances.

Bio express : Né en 1966 à Alger, Tarik Teguia a réalisé deux courts métrages de fiction, Kech’mouvement ? (1992, co-réalisé avec Yacine Teguia), et Le Chien (1996), un essai vidéo, Ferrailles d’attente (1998) et un film en vidéo tourné à Alger, HaçlaLa Clôture (2002), avant de passer au long métrage avec Rome plutôt que vous (2006, Grand prix à EntreVues), puis Gabbla (Inland) en 2008. Révolution Zendj est son troisième long métrage.

Samir Ardjoum


LE TEMPS D’ALGERIE 30 novembre 2013 (Algérie)

"Zanj Révolution" de Tariq Teguia au 28e Festival du cinéma de Belfort (France) Le long métrage "Zanj Révolution" de l’Algérien Tariq Teguia sera en lice pour le Grand Prix du 28ème Festival international "Entrevues Belfort" du cinéma prévu du 30 novembre au 8 décembre à Belfort (nord de la France), rapportent les sites Internet spécialisés. "Zanj Révolution" participe au festival aux côtés de "Chantier A", réalisé par les Franco-algériens, Tarek Sami et Karim Loualich, et la française Lucie Dèche, et 12 autres films de France, d’Espagne, de Finlande, de Corée du Sud, du Liban, des Etats Unis, d’Allemagne et de Croatie, entre autres. D’une durée de 116 minutes, coproduit par l’Algérie, le Liban, le Qatar et la France,"Zanj Révolution" (2013) met en scène l’histoire d’un jeune journaliste algérien nommé Ibn Batouta qui va s’intéresser aux "révoltes oubliées du VIIe et IXe sous le Califat abbasside en Irak", à l’occasion d’un reportage sur des problèmes de société dans le sud algérien, dans années 2000. Tariq Teguia avait déjà été distingué du Grand Prix du long métrage au Festival international de Belfort en 2007 pour son film "Rome plutôt que vous". La compétition est également ouverte pour le meilleur court et moyen métrages participant au festival, avec une sélection de six films pour chacune des sections, et représentant la France, le Luxembourg, la Suisse, le Mexique, l’Allemagne, le Portugal, et la Corée du Sud. Créé en 1986, le Festival international "Entrevues Belfort" du cinéma, considéré comme le "rendez-vous du cinéma audacieux", se consacre à la jeune création contemporaine et la mise en valeur des films patrimoniaux.


LA TRIBUNE Sihem Bounabi

30 novembre 2013 (Algérie)

Zenj révolution et Chantier A en lice pour le Grand prix du long métrage Il est également prévu au programme du festival «EntreVues Belfort», deux autres compétitions pour les catégories court et moyen métrages Le coup d’envoi de la 28e Festival international «EntreVues Belfort» du cinéma dans le nord de la France, a été donné samedi dernier et se poursuivra jusqu’au 8 décembre prochain avec une douzaine de films en compétition pour rafler le Grand prix du festival, dont les deux coproductions algéro-française Zenj révolution de Tariq Teguia et Chantier A de Tarek Sami, Karim Loualiche et la française Lucie Dèche. Concernant la sélection de ces deux longs métrages, il est souligné sur le site officiel du festival que ce rendez-vous du 7e art «s’inscrit dans une actualité contemporaine dont il attend que les cinéastes s’emparent. Il ne s’agit pas de proposer une simple sélection de films qui représenteraient, à la fois, un goût et un panorama du cinéma mondial dans son originalité et sa diversité, mais d’offrir un angle de regard qui mette en perspective des nationalités, des âges, des sexes et des économies différentes dont les rapports entre eux forment un tout». Ainsi, c’est tout naturellement que le dernier long métrage du réalisateur algérien Tariq Teguia fait partie de la sélection. Zenj révolution raconte le parcours atypique d’Ibn Battutâ, journaliste dans un quotidien algérien. Un banal reportage sur des affrontements communautaires dans le sud algérien le conduit imperceptiblement sur les traces de révoltes oubliées du 8e au 9e siècle, sous le Califat abbaside en Irak. Pour les besoins de son investigation il se rend à Beyrouth, ville qui incarna toutes les luttes et les espoirs du Monde arabe. D’une durée de 116 minutes, le long métrage est coproduit par l’Algérie, le Liban, le Qatar et la France. Pour rappel, Tariq Teguia avait remporté le Grand prix du long métrage au Festival international de Belfort en 2007 pour son film Roma wala n’touma (Rome plutôt que vous). La deuxième coproduction algéro-française à être en compétition dans le cadre de cette 28e édition, Chantier A ; est un road-movie de la Kabylie à Tamanrasset en passant par Tizi Ouzou, Timimoun, Constantine et Alger. Les cinéphiles découvrent sur grand écran les joies des retrouvailles d’une mère dix ans après un exode forcé. Ressurgit alors la douleur des décès, des assassinats en ces années sombres qui marquèrent cette absence. Le film relate également une quête intérieure à travers un cheminement, une quête à travers le pays. Karim Loualiche avait confié que «c’est notre premier chantier. Le chantier de l’Algérie, tout est en chantier. Avec ce film, on interroge la place de l’être humain dans ce monde Et avant tout, l’ensemble des Algériens. En toute intimité. Comme s’il était plus propice, au fond, de parler de soi pour mieux s’adresser aux autres». Il est à noter que l’émotion serait encore plus intense lors de la projection de Chantier A, en sachant que l’acteur principal qui illumine le grand écran de ses rires et de son énergie est décédé à quelques mois du montage final. Aux côtés de Zenj révolution et Chantier A, une dizaine d’autres films de France, d’Espagne, de Finlande, de Corée du Sud, du Liban, des Etats-Unis, d’Allemagne et de Croatie sont également en compétition dans la catégorie long métrage. Il est également prévu dans le cadre du Festival international «EntreVues Belfort» deux autres compétitions dans les catégories court et moyen métrages. Les organisateurs du festival soulignent que «la ligne que trace EntreVues Belfort entre le passé du cinéma (les grandes rétrospectives patrimoniales) et son futur (la compétition internationale de premiers, seconds et troisièmes films) célèbre le vrai temps du cinéma, l’art du présent par essence». «Entre les auteurs d’hier et d’aujourd’hui, EntreVues dresse le tableau des innovations cinématographiques et œuvre à soutenir et à défendre un cinéma audacieux, au sens politique et artistique du terme. Notre festival veut être pour chaque spectateur un lieu de découvertes et d’échanges, de réflexion et de plaisir», ajoutent-ils. S. B.


LIBERTE-ALGERIE.COM 11 décembre 2013 (Algérie)

L’EXPRESSION 9 décembre 2013 (Algérie)


TAGES WOCHE Hansjoerg Betschart 2 décembre 2013 (Suisse)

«Das merkwürdige Kätzchen» am Film-Festival Belfort

Am Festival Entrevues in Belfort läuft «Das merkwürdige Kätzchen» im Wettbewerb. Frankreich, sagt der Berner Regisseur Zürcher, sei ohnehin das Land, dessen Filme ihn am meisten beeinflusst hätten. Die alten Filme. Die grossen Meister. Sie hätten ihn gelehrt zu schauen. Das scheint auch in Frankreich aufgefallen zu sein: Nach Belfort läuft der Film auch an anderen Festivals des Nachbarlandes. In Basel ist der Film in den Kult-Kinos zu sehen. Das Merkwürdige Kätzchen Erst sieht es aus wie ein Fehler. Die Kamera bleibt stehen, als hätte der Kameramann vergessen, zu schwenken. Der Ton des Kätzchens geht nahtlos in einen Kinderschrei über. Dann sitzt ein kleines Mädchen im orangenjusfarbenen T-Shirt vor einem Orangenjus und schreit lauter als eine Kaffemaschine, so dass es seine Mutter nicht verstehen kann. Sie bleibt dann auch viel länger im Bild, als die Handlung es erfordert hätte. In Zürchers Kosmos muss man mit scheinbaren Fehlern leben: Die Tonspur erzählt oft eindrücklicher von Dingen die nicht im Bildfluss zu sehen sind. Das Bild bleibt an Menschen hängen, die längst unser Interesse verloren haben. Als hätte die Cutterin beim Zurechtschneiden des Filmes etwas verpasst. Jedoch setzen sich diese scheinbaren Fehler bald zu einer eigenen Regelhaftigkeit zusammen: Hier schaut, lauscht, baut einer anders! Aber wie? Eigentlich erst eine Seminararbeit Mit «Das Merkwürdige Kätzchen» hat Ramon Zürcher an der Deutschen Film- und Fernsehakademie in Berlin eigentlich eine Seminararbeit abgeliefert. Dennoch zeigt er eine erstaunliche Reife in der Komposition. Akribisch genau rückt er einer Familie auf den Leib, die sich zu einem Familienessen trifft. Zürcher fängt erst Einzelheiten ein, variiert sie, kombiniert sie, gliedert die Abläufe in Kapitel und setzt schliesslich zu einer Symphonie zusammen, die aus Einzelbildern zu bestehen scheint: Das Fotoalbum einer Familienfeier. Aber wie er es einfängt, ist mehr als das Gesellenstück eines Hochschulabgängers. Der Film funktioniert über die Nebensächlichkeit. Man ist beim Zuschauen von möglichst vielem abgelenkt, von allen Wahrnehmungen erfüllt. Mutter erzählt beiläufig, wie sie im Kino von Grossmutters tiefem Atem ebenso zerstreut war, wie vom Nachbarsfuss, der plötzlich an ihren stiess. Erst Grossmutter habe sie durch ihr Erwachen gerettet. Als sie gefragt habe, wo sie denn sei, sei der Nachbarsfuss gewichen. Kurz nach dieser Erzählung taucht wieder ein Fuss auf – diesmal im Bild – und schwebt drohend über dem essenden Kätzchen. Eine verspielte Komposition aus geplanten Zufällen An den scheinbar alltäglichen Begebenheiten entwickelt Ramon Zürcher so etwas wie die vierte Dimension einer Kinderstätte: Immer wieder bleibt eines der Kinder an einer Sonderbarkeit hängen. Das Kästchen im Korridor macht ein eigenartiges Geräusch, wenn man auf eine bestimmte Diele tritt. Der Junge und das Mädchen scheinen fast übersinnlich genau zu beobachten, was sich in der Erwachsenenwelt routiniert abspielt. In «Das merkwürdige Kätzchen» scheint das Bild immer auf etwas zu verweisen, was sich ausserhalb des Bildes abspielt, zumindest ausserhalb der Bildzeit: Es war eben noch von Bedeutung, oder wird es später erst. So erhalten die gesehenen Dinge eine neu gehörte, unerhörte Bedeutung und gehören zu einer neuen Ordnung innerhalb der Geschichte: Die Orangenschale auf dem Boden. Der Wind über der Teetasse. Das Schnurren des Kätzchens. Es sind diese Überschärfen, die das Bild zugleich heiter und bedrohlich machen. Spannend ist das für Zuschauer, die gerne auf Entdeckungsreise in einem Film gehen. Jene, die sich lieber einlullen lassen, werden rasch gelangweilt sein. Auch wenn dem «merkwürdigen Kätzchen» noch das Bewusstsein für die Reduktion fehlt, auch wenn die Geschichten arg skizziert und mit Figuren überladen sind. Das gehört zu einer Methode. Von der wir noch nicht viel wissen. Ausser, dass sie ungewohnt ist. Der Stil ist eher mit einem Robert Walser als mit einem Martin Suter zu vergleichen. Der eine will demütig erlesen werden. Der andere drängt sich uns mutig auf. Das Gesellenstück «Kätzchen» will erlesen sein. Das macht neugierig. Auf Ramon Zürchers Abschlussarbeit.


TAGES WOCHE Hansjoerg Betschart 9 décembre 2013 (Suisse)

Rückblick auf die «Entrevues»

Die Sieger des Filmfestivals «Entrevues» haben alle etwas gemeinsam. Sie wollen in der Welt ihre Anschauung im Film ans Herz legen, wie es den anderen Medien nicht mehr gelingt: Emotional engagiert. Den Grand prix Janine Bazin erhielt hierfür «Révolution Zendj» von Tariq Teguia für seine Recherche in Damaskus. «Round Trip» von Meyar Al Roumi erhielt den Publikumspreis für eine Liebesgeschichte auf der Reise von Damaskus nach Teheran. All das sahen wir in Belfort, nur eine Stunde von Basel entfernt ist. Wie viele andere kleine Städte in Frankreich hat Belfort sein eigenes kleines, feines Filmfestival – die «Entrevues», spezialisiert auf Entdeckungen. Dazu gehörte auch der Film «Das merkwürdige Kätzchen» des Schweizer Ramon Zürcher. Dieser ging leider leer aus. Nicht so schlimm, wie Jurymitglied Namir Abdel Messeeh im Interview durchblicken lässt, denn der Film findet seinen Weg zu den Leuten. Namir Abdel Messeeh ist selbst ein junger französische Film-Regisseur ist in Frankreich kein Unbekannter mehr. In Basel kann man von ihm in der Reihe «Le Bon Film» demnächst «La vierge, les coptes et moi» im Stadtkino sehen. Die «Entrevues» in Belfort sind zu Ende. Ihr Fazit? Belfort ist ein Festival, das sich auf Erstlingswerke fokussiert. Der ausgesprochene Wunsch der Festivalleitung ist das Aufspüren von Werken junger Menschen, die neu ins Metier kommen. Wir haben einen eindrücklichen Ausweis einer neuen Filmemacher-Generation kennengelernt. Aus Frankreich? Die Ausrichtung ist international. Wir haben Filme aus den Staaten ebenso gesehen wie aus Afrika. Dabei fällt auf, dass sich sehr viele der jungen Menschen mit den politischen Fragen der Zeit neu auseinanderzusetzen beginnen. Es gibt eine Verbindung der Filme die vielleicht an einem Thema ablesbar ist: Es ist das überschreiten von Grenzen, die Grenzziehung, die neuen Grenzsetzungen, die interessieren. Die Filme sind viel engagierter in der Fragen Immigration, der Emigration. Die Traversen sind aber nicht nur an den Grenzen zu finden. Die Grenzen zwischen Arm und Reich sind sichtbarer geworden und oft bestimmender, als die Grenzen zwischen den Nationen. Dennoch blüht der Nationalismus allenthalben. Nicht in der Auswahl, die wir in Belfort gesehen haben. Die Filme sind auch zunehmend international finanziert: Wir haben z.B. Filme aus dem mittleren Osten gesehen, die von Frankreich finanziert wurden. Sie haben auch das «Merkwürdige Kätzchen» des Schweizers Ramon Zürcher im Wettbewerb gesehen. Der Film läuft an einigen Festivals in Frankreich. Er ist von der ACID (Association du Cinema Indépendant pour son Distrubition) bereits unterstützt worden, er ist in Cannes gezeigt worden, und hat dadurch einen Verleiher in Frankreich gefunden. Das ist eine der Stärken Frankreichs, dass es solche Organisationen gibt, die junges Filmschaffen unterstützen. Das gibt dem «Merkwürdigen Kätzchen» einen optimalen Start in Frankreich.

Profile for Festival Entrevues

Revue de presse EntreVues 2013  

Revue de presse EntreVues 2013  

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