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13—21 octubre 2017


Este catálogo fue impreso por la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de La Plata. Año 2017


EDITORIAL Llega octubre y la adrenalina crece. Los corazones bombean cada vez más fuerte como en una revolución que se reinicia cada año. Volver al Festival es volver al cine. Es la 13° Edición y la afrontamos con una programación inédita. Mientras cortamos cintas rojas, abjuramos de demonios de celuloide con ristras de ajo, esquivamos gatos negros y activamos todas las cábalas para que todos la puedan disfrutar. En tiempos peligrosos y cambiantes, el cine es organización: una película se hace con mucha gente trabajando en conjunto. También un Festival solo se materializa cuando la energía es la misma entre un grupo de personas y un conjunto heterogéneo — prácticamente indefinible— que llamaremos público. Un programador redescubre el cine en cada película habilitando que entre los espectadores y la pantalla se alcance una sinapsis que de otra forma nunca se concretaría. En esta edición: una competencia de largos y cortos nacionales; secciones con películas que honran al cero en conducta que indagan en el territorio como tema o en el significado de lo falso; freaks avanzados y músicos agregando sonidos a films mudos. Además de la sala de cine, nos expandimos a nuevos dispositivos, nuevas pantallas reubicadas y desubicadas, nuevos espacios de la cultura en la universidad y acciones en museos. Nuestra programación toma riesgos, se anima a esos lugares donde anida el cine invisible y al hacerlo el FestiFreak toma la posición que siempre prefirió: asomarse para descubrir. Y si el peñasco se desmorona, será bueno que la mano de un Festival esté allí para sostenerte. Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata FESTIFREAK


STAFF DIRECCIÓN Juan Pablo Ferrer Joaquín Almeida

DISEÑO María Laura Morote Nicolás Roque Nóbile

PRODUCCIÓN EJECUTIVA Juan Pablo Ferrer Joaquín Almeida Ana Colombo Nahuel Lahora Tamara Martinengo

COORDINACIÓN DE SALAS Pilar Falco

PROGRAMACIÓN GENERAL Paola Buontempo Marcos Migliavacca PROGRAMACIÓN PELÍCULAS MUSICALIZADAS Nahuel Lahora COMUNICACIÓN Luciano Lahiteau COORDINACIÓN Y EDICIÓN DE CATÁLOGO Johanna Zánzero COLABORACIÓN EDITORIAL Paola Buontempo Marcos Migliavacca Carolina Monti DISEÑO Y MANT. WEB Carolina Monti

COORDINACIÓN DE STAFF Tamara Martinengo COORDINACIÓN DE INVITADOS Renata Daguerre JEFE TÉCNICO Sebastián Gantus TRÁNSITO INTERNACIONAL DE COPIAS Marcos Migliavacca Paola Buontempo REGISTRO AUDIOVISUAL Luis Migliavacca IMAGEN CATÁLOGO Julien Antoine

ASISTENTES DE SALA Tatiana Garro Coca Kreiter Romina Lapi Maximiliano Martiniau Lucía Portelli VOLUNTARIOS Jaime Tabarés Rueda Paula Lovecchio Tomás Gutiérrez Gimena Palermo Daniela Echeverri Victoria Denot Ivana Pasten Karina Quelin Magdalena Rey Paloma León María Lina Bergonzi Jorge Luis Uribe Tomás Bailleau Florencia Gurzi Carolina Benalcázar Martina Del Rosario Gasparini Cristina Miranda Justina Kuklinski

TRADUCCIONES Carolina Monti Renata Daguerre Tamara Martinengo

AGRADECIMIENTOS Rosa Vita Pelegrin (Embajada de España en Argentina) - Beatriz Ventura - Natalia Puente - Federico Spataro (Embajada de Canadá) - Martina Pagnotta (Embajada de Francia en Argentina) - Pau Andrés Anglés (Casal dels Països Catalans de La Plata) - Irma Rizzuti y Lucas Gioja (Embajada de Argentina en Roma) - Carmen Accaputo y Cecilia Cenciarelli (Cineteca di Bologna) - Maria de los Ángeles Arrieta (Consulado General de Argentina en Toronto) - Jesse Brossoit (Canadian Filmmakers Distribution Centre) - Matías Mateo (DICUL) - Carolina Cappa - Leandro Listorti - Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken - BAFILM - María Martelotti - Agustín Burghi (Cine. Ar) - MACLA - Secretaría de Arte y Cultura UNLP - Centro de Arte y Cultura UNLP - Dirección de Cine y Locaciones (MLP), personal del Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha - NN Galería - Rubén Carlos Grenada (Honorable Cámara de Diputados de la Pcia. de Bs. As) - Jaime Morales (Honorable Cámara de Diputados de la Pcia. de Bs. As.) - Lucrecia Píttaro - Hernán Khourian - Santiago Lorenzo - Chema García Ibarra - Sebastián Pandolfelli - Lucas Granero - Mariela Cantú - Maui García Alena - Federico Lanchares - Guillermina Mongan - Alejandro Santucci - Cecilia Famá - Rosario Blefari - Ezequiel Radusky - Máquinas de Mirar - Colectivo de Cineastas Cinéfilo - Las Pistas - La Cueva de Chauvet - Revista Pulsión - Las Naves - Mariano Matias De Los Ríos - Fernando Graneros (Fuego Amigo Discos) - Santiago Tato Alcaraz (Central Eléctrica Discos) - Parker Smith - Tan Pin Pin - Christina Liapi - Markus Kaatsch Patrick Campbell - Riel Roch-Decter - Andrea Morán (FILMADRID) - Victoria Nieto - Maria Carlota Bruno (VideoFilmes)


SALAS Y ESPACIOS 8

5 DI

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Av. 1 Calle 2

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0

Calle 3

6

Calle 4 Calle 5

3

2

1

Calle 6

9

7

10

Av. 7 Calle 8

.7

AG

DI 4

Calle 9

4

Calle 10 Calle 11 Calle 12

1

CENTRO CULTURAL PASAJE DARDO ROCHA Calle 50 entre 6 y 7 CINE MUNICIPAL SELECT Sala Polivalente (Primer piso) Sala A (Segundo piso)

Av. 60

Calle 59

Calle 58

Calle 57

Calle 56

Calle 55

Av. 53

Av. 13

Calle 54

Av. 51

Calle 50

Calle 49

Calle 48

Calle 47

Calle 46

11

Calle 45

Av. 44

Calle 43

Calle 42

Calle 41

Calle 40

12

2

MACLA Museo de Arte Contemporanéo Latinoamericano Calle 6 esquina 49

3

CENTRO DE ARTE Y CULTURA UNLP Calle 7 esquina 48

4

CINEMA PARADISO Calle 46 entre 10 y 11

5

ESTACIÓN DE TREN Avenida 44 y avenida 1

9

PLAZA SAN MARTÍN Avenida 7 y 50

6

TERMINAL DE OMNIBUS 42 entre 3 y 4

10

PLAZA ROCHA Avenida 7 y 60

7

PLAZA ITALIA Avenida 44 y avenida 7

11

PLAZA MORENO Calle 12 y 50

8

PASEO DEL BOSQUE Avenida 1 y avenida 51

12

PLAZA PASO Avenida 13 y avenida 44


INDICE 10

Película de apertura

12

Película de clausura

14

Competencia de Largometrajes Argentinos

24

Competencia de Cortometrajes Argentinos

31

El territorio

37

F de Falso

41

No home movie

46

Cero en conducta

52

Freaks

58

Foco Chema Garcia Ibarra

62

Las películas invisibles: Especial Canada

66

Muestra internacional de cortometrajes

72

Musicalizadas

82

Proyecciones especiales

94

Espacio de formación

98

Indice de autores


LA OBRA

AY 2017

Ilustración digital

Julien Antoine Julien Antoine, a.k.a. Julián Ruíz (La Plata, 19XX): estudia DCV en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP, donde también es docente. Entre el DIY y tutoriales de YouTube explora los cruces entre las artes visuales, la poesía y el diseño. "Soy sola -independienta- y a la vez, de todxs." Bueno, eso... pa ke kieres saber más jaja salu2


PELÍCULA DE APERTURA

STALKER (NEW DIGITAL RESTORATION)

Andrei Tarkovsky Rusia, 1979 — 161'

“Para mí, (...) entra en un estado de crisis interior todo aquel que se plantea problemas intelectuales. Esto es perfectamente lógico, puesto que el alma ansía armonía, mientras que la vida está llena de disonancia. En esta contradicción se halla el estímulo para el movimiento, pero también la fuente de nuestro dolor y de nuestra esperanza. Es esa contradicción la confirmación de nuestra profundidad interior, de nuestras posibilidades espirituales. De esto trata Stalker: su protagonista pasa momentos de desesperación. Su fe se tambalea, pero una y otra vez siente su vocación de servir a los demás, a los que han perdido sus esperanzas e ilusiones. Para mí fue extremadamente importante que en esta película el guión mantuviera la unidad de tiempo, espacio y acción. Y si en El espejo me parecía interesante montar material documental, sueños, apariciones, esperanzas, intuiciones y recuerdos, es decir, todo el caos de las circunstancias, en Stalker no quería que hubiera ningún salto temporal entre las diversas partes. Pretendía que aquí todo el transcurso del tiempo se pudiera percibir dentro de un solo plano, que el montaje indicara en este caso tan sólo la continuación de los hechos. El plano no debía ser aquí ni una carga temporal ni cumplir la función de una organización del material de cara a la dramaturgia. Quería que todo contribuyera a dar la impresión de haber rodado la película entera en un solo plano. Este método tan sencillo, casi ascético, me parecía que encerraba grandes posibilidades. Por ello quité del guión todo aquello que me hubiera impedido trabajar con un mínimo absoluto de efectos exteriores. (…) Quería presentar la posibilidad que tiene el cine de observar la vida casi sin lesionar visible y gravemente el curso real de esta. Para mí, es ahí donde radica la naturaleza verdaderamente poética del cine como arte.” ANDREI TARKOVSKY, Esculpir en el tiempo.

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13° Festival de cine independiente de La Plata Festifreak


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PELÍCULA DE CLAUSURA

LA VENDEDORA DE FÓSFOROS

Alejo Moguillansky Argentina, 2017 — 69'

En este film se hacen presentes La vendedora de fósforos, de Andersen y el burro de Al azar Baltazar, de Bresson. El desamor y la reconciliación imposible entre un guerrillero alemán y una delicada pianista argentina. El modernista Helmut Lachenmann tratando de montar una ópera demencial con la orquesta en huelga del Teatro Colón, en medio de un paro de transportes en Buenos Aires. Asimismo, están Marie y Walter intentando subsistir, junto a su pequeña hija, pese al ingreso que generan con la música, ensayando ideas para la puesta en escena de la ópera de Lachenmann en la que trabajan y completando el friso de figuras marginales a quienes está dedicada esta oda al limen y a la resistencia.

D. Alejo Moguillansky G. Alejo Moguillansky P. Eugenia Campos Guevara F. Inés Duacastella S. Marcos Canosa E. Alejo Moguillansky / Walter Jakob R. María Villar / Walter Jakob / Helmut Lachenmann / Margarita Fernandez / Cleo Moguillansky

NOTA DEL DIRECTOR

Biofilmografía

"Este film nace del registro documental de un proceso de ensayo que toma la forma de diario. El evento que se registra, es el corazón de un film que se va montando como en un juego de muñecas rusas. Sobre ese diario documental se extraen personajes y se establece una ficción. Luego, esa ficción retorna al campo documental de la mano de la pianista Margarita Fernández y se reencuentra con un relato musical que lo devuelve su aplomo documental. Este ida y vuelta está siempre guiado por los mismos temas, que son las relaciones entre arte, radicalidad, dinero, trabajo e incluso amor."

ALEJO MOGUILLANSKY Buenos Aires, 1978. Es montajista, productor y cineasta. Estudió en la Universidad del Cine. Dirigió varios largometrajes, entre ellos, Castro, El Loro y el cisne, El escarabajo de oro junto con Fia-Stina Sandlund y La vendedora de fósforos. Todos ellos han hecho extensos recorridos en festivales.

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COMPETENCIA DE LARGOMETRAJES ARGENTINOS


JURADOS

Cecilia Barrionuevo Córdoba, 1975. Magister en Cine Documental (Universidad Autónoma de Barcelona). Programadora del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, asesora de programación en Antofadocs y co-editora de la colección Las naves cine. Ha colaborado en publicaciones culturales, participado en mesas redondas, sido jurado de festivales, dictado clases y curado ciclos de cine en museos y otros festivales. En 2013 ganó la beca Leo Dratfield Professional Development Fellowship, Flaherty Film Seminar, NY, EE.UU.

Marcos Vieytes Buenos Aires, 1973. Docente, escritor y crítico de cine. Enseñó en el CIEVYC y en El Amante. Fue editor de Zona Moebius, colaborador de Cineismo, El Amante, Tren de sombras, Judex, Sin aliento (diario del BAFICI) y fundador de Hacerse la crítica (HLC). Se ha desempeñado como programador y jurado. Como escritor, publicó Subjetiva de nadie: fragmentos de un diario crítico y compilador de Pampa bárbara, La imagen fisiológica y El acto de la crítica, primeros tres volúmenes de HLC. Compiló materiales para Jugar (la luz de otra cosa): textos críticos de Rodrigo Tarruella y es autor de textos publicados en Historias extraordinarias: El nuevo cine argentino, y El cine y los géneros: Conceptos mutantes (BAFICI).

Martín M. Oesterheld Buenos Aires, 1974. Artista visual, cineasta y productor. Dirigió La Multitud (2013) que fue premiada en España (IBAFF 2014), Chile (FIDOCS 2014) y Argentina (9 Festifreak) y nominado por Fipresci Argentina como Mejor Película del Año. Participó en las muestras Les Reencontres Int. pour le noveau cinema (Francia/Alemania), A Multitude (SESC, Brasil) y Contested_Cities (España). Su obra es estudiada en los libros Latin America Documentary Film in the new millenium y Personas que no conozco, lugares que no recuerdo, entre otros. En 2013 fundó la productora Los Andes Cine. 16

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ADIÓS ENTUSIASMO Vladimir Durán Argentina-Colombia, 2017 — 79' D. Vladimir Durán G. Sacha Amaral / Vladimir Durán P. Jeronimo Quevedo / Victoria Marotta / Alexis Durán / Joyce Ventura / Vladimir Durán F. Julián Ledesma E. Ana Godoy / Laura Bierbrauer I. Camilo Castiglione / Laila Maltz / Mariel Fernández / Martina Juncadella / Verónica Llinás

Axel, de diez años, vive con su madre Margarita y sus tres hermanas veinteañeras en un departamento de Monserrat, un barrio de Buenos Aires de pasado aristocrático, hoy en decadencia. Margarita está encerrada en su cuarto como parte de un tratamiento casero que no se termina de explicar. Axel y sus hermanas deberán jugar a ser guardiacárceles de su propia madre en un extraño acuerdo de autopreservación. Así será el trato entre ellos, hasta que Margarita busca quebrarlo. Axel deberá decidir, entonces, a cuál de las ordenes contradicto- ras de su madre obedecer.

BIOFILMOGRAFÍA

NOTA DEL DIRECTOR

VLADIMIR DURÁN Bogotá, 1977. Estudió Antropología en la Universidad de Montréal y Dirección Cinematográfica en la FUC. Se formó en actuación con Nora Moseinco, Marketa Kimbrell y Andrea Garrote, entre otros. Su primer cortometraje Soy Tan Feliz (2011) fue seleccionado en Competencia Oficial del Festival de Cannes, premiado enl BAFICI y participó en la selección oficial de numerosos festivales. Adiós entusiasmo es su opera prima.

“La película cuenta doce horas de una familia. Con los actores buscamos hacerlo desde un sistema de investigación en rodaje; permitirnos desvíos y cierta porosidad en las relaciones entre personas de un mismo universo. Porque pienso en la familia como esa cosa cerrada en donde se despliegan como raíces bajo tierra unas leyes propias y no dichas de intercambio emocional. Quise explorar la particularidad de un universo familiar y su lógica desfasada, corrida no sé bien de qué."

COMPETENCIA DE LARGOMETRAJES ARGENTINOS

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CETÁCEOS Florencia Percia Argentina - Italia, 2017 — 77'

Clara y Alejandro se mudan a una casa nueva. Pocos días después él viaja por trabajo y ella se queda sola, rodeada de cajas cerradas. Ese desorden la impulsa a aceptar una serie de invitaciones azarosas que la alejarán del mundo cerrado y hermético en el que vive. Cetáceos es una comedia que relata la vida de una mujer que se aventura a la soledad. Dejándose llevar por una trama de absurdos que transcurren silenciosamente en su mundo cotidiano, Clara se permite transitar nuevas y delirantes experiencias a partir de las cuales comenzará a vincularse con otras personas y a habitar lugares en los que nunca antes se hubiera imaginado estar.

D. G. Florencia Percia F. Lucio Bonelli E. Andrés Quaranta. S. Adriano Salgado M. Matteo Carbone P. Mercedes Córdova / Valeria Forster / Florencia Percia I. Elisa Carricajo / Rafael Spregelburg / Susana Pampin / Esteban Bigliardi / Carla Crespo / Gabriela Ferrero / Claudia Cantero / Abian Vainstein / Horacio Marassi / Andrea Strenitz / Pablo Seijo / Pablo Dacal / Valeria Correa / Laura Paredes / Evan Leed.

NOTA DEL DIRECTOR

BIOFILMOGRAFÍA

"Se trata de una película de espacios y personajes que invitarán a la protagonista a recorrer libremente un abanico de universos impensados, llevándola a cuestionar sus propias relaciones y sus antiguas prácticas. Al abrir su mirada hacia otros mundos, Clara comenzará también a abrir su visión de las cosas. Mediante el humor, la película se pregunta sobre las relaciones, las decisiones cotidianas, las más simples y las más determinantes, dejando entrever las dinámicas de una clase media que parece relacionarse más con distintas formas de consumo (viajes, libros, vida sana, compras por internet) que con el otro."

FLORENCIA PERCIA Buenos Aires, 1984. Estudió dirección de cine en la FUC. Escribió y dirigió cortometrajes como Minimercado Champion (2010), El poblado (2014) y El mes del amigo (2016), ganador mejor cortometraje en Americas Film Festival y en 12 FESTIFREAK. Sus cortometrajes han sido seleccionado en numerosos festivales internacionales. Cetáceo (2017) es su ópera prima.

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LA SIESTA DEL TIGRE Maximiliano Schonfeld Argentina, 2016 — 63' D. F. Maximiliano Schonfeld G. Maximiliano Schonfeld / Anita Remón E. Anita Remón S. Sofia Straface P. Gabriela Cueto / Maximiliano Schonfeld CP. Mita'i Films / Pensar con las Manos I. José María Espindola / Benigno Lell / Raúl Goettig / Mauricio Espindola / Julio Folmer

Un grupo de hombres se interna en las profundidades de una selva entrerriana con la ambición de hallar su santo grial: los restos fósiles de un tigre dientes de sable. Como niños que juegan a ser paleontólogos en un frondoso baldío, cinco habitantes de Crespo fantasean con descubrir el tesoro que les asegure un futuro próspero. Pero la caza del felino fantasma se extiende más de lo planeado, y hay que encontrar una fórmula para surfear el tiempo. El canto catártico, los chapuzones desgarbados y el arte del graffiti campero ayudan a que no triunfe el desánimo. Fragmento 31° FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINES DE MAR DEL PLATA

BIOFILMOGRAFÍA

NOTA DEL DIRECTOR

MAXIMILIANO SCHONFELD Crespo, Entre Ríos, 1982. Se graduó en la ENERC. Germania es su opera prima, ganadora del Premio Especial del Jurado, y del Premio Feisal en la Competencia Internacional del 14º BAFICI. Premio Especial del Jurado en Fresh Film Fest Praga, premio Mejor opera prima en el Festival de Hamburgo, entre otros. Su segunda película, La Helada Negra es presentada en la sección oficial Panorama en Berlín.

“El término documental para esta película le queda raro (...) En el momento en que le empecé a decir a [los actores] que era un documental, pude tener como mucho más libertad a la hora de dirigir las escenas, todo lo contrario a lo que me pasaba cuando les decía que era una ficción (…) ellos mismos al escuchar la palabra documental relajaban. Decían “bueno esto es otra cosa” y podía seguir mejor las indicaciones, y para mí fue una revelación eso porque estuve durante muchos años trabajando -desde 2005- diferentes formas de dirigir a los no actores (...) y siempre en el fondo terminaba un poco acartonado (...) Y de repente diciéndoles que era documental, todo se transformaba!(…) ."

COMPETENCIA DE LARGOMETRAJES ARGENTINOS

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LOS GLOBOS Mariano González Argentina, 2016 — 65'

Luego de pasar dos años en rehabilitación, César trabaja en una pequeña fábrica de globos en los suburbios de Buenos Aires. Su rutina de trabajo, ejercicio y ocasionales encuentros con una mujer será rápidamente interrumpida por el Rubio, su ex suegro. Él lo fuerza a hacerse cargo de su pequeño hijo Alfonso, cuya madre murió en un accidente hace algunos años. César pasa a buscar a su hijo y juntos manejan hasta un pueblo alejado de la ciudad. Con ayuda de Laura, bartender en un bar local, César ha planeado dar a Alfonso en adopción.

D. G. Mariano González F. Fernando Lockett E. Santiago Esteves / Delfina Castagnino / Mariano González S. Emiliano Biaiñ / Marcos Zoppi P. Mariano González / Juan Schnitman / Paolo Donizetti / Ivan Granovsky I. Mariano González / Alfonso González Lesca / Juan Martín Viale / Jimena Anganuzzi / Roberto José González

NOTA DEL DIRECTOR

BIOFILMOGRAFÍA

"Los Globos intenta abordar el temor a la paternidad. Qué pasa cuando una madre muere y ese niño queda a la espera de un padre que no se hace presente. Es sobre el miedo que los padres sentimos con la llegada del primer hijo, un miedo diferente al de las madres, que parecen siempre estar allí, preparadas para todo. El trabajo, la rehabilitación, una pieza prestada en donde vivir; esas son las excusas de este padre para intentar desprenderse de su hijo. Las sensaciones de angustia, abandono, odio y amor se agolpan en el personaje. No hay culpables, no hay juicio, solo un padre y su miedo a no poder, ese es el universo de Los Globos."

MARIANO GONZALEZ Buenos Aires, 1977. Comenzó su carrera como actor formándose con Norman Brisky, Julio Chávez y Ricardo Bartis, entre otros. Actuó en largometrajes, además de trabajar en teatro y televisión y brindar talleres de actuación. El guión de Los Globos ganó el concurso de óperas primas del INCAA 2012 y es el debut de Mariano como director.

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TEMPORADA DE CAZA Natalia Garagiola Argentina, EE. UU, Alemania, Francia, Qatar, 2017 — 110' D. G. Natalia Garagiola F. Fernando Lockett S. Santiago Fumagalli M. Juan Manuel Tobal P. Matías Roveda / Santiago Gallelli / Benjamin Domenech / Gonzalo Tobal / Rei Cine I. Lautaro Bettoni / Germán Palacios / Boy Olmi / Rita Pauls

Ernesto es un respetado guía de caza que vive en la Patagonia con su nueva familia. Tras la muerte de su primer esposa, debe hacerse cargo de su hijo Nahuel, al cual no ve desde hace más de diez años. Afrontando un pasado que creía haber dejado atrás, Ernesto busca contener los episodios violentos del jóven. Inmersos en una naturaleza hostil, el resentimiento cederá el paso a una posible relación entre ambos. En el corazón del invierno, este reencuentro los llevará a confrontar su capacidad de matar y perdonar.

BIOFILMOGRAFÍA

NOTA DEL DIRECTOR

NATALIA GARAGIOLA Buenos Aires, 1982. Escribió y dirigió Rincón de López (2011) Yeguas y Cotorras (2012, Semana de la Crítica del Festival de Cannes) y Sundays (2014, Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes). Temporada de caza es su primer largometraje y tuvo su premiere mundial en la Semana de la Crítica del Festival de Venecia.

“Cuando terminé de filmar mi segundo corto tenía una imagen muy concreta: dos hombres peleándose, uno muy joven y el otro más grande (...) A la distancia, parecía como que se estaban dando un abrazo, pero de cerca se estaban pegando. Era todo un espacio con nieve. A partir de ahí, toda la película empezó a desarrollarse..."

COMPETENCIA DE LARGOMETRAJES ARGENTINOS

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TOUBLANC Iván Fund Argentina, 2017 — 97'

Inspiradas en la vida y obra de Juan José Saer, tres historias se sedimentan en esta suerte de relato policial disperso. Philippe Toublanc, un policía de la Brigada de Homicidios de París, vuelve a su pueblo natal en Bretaña para investigar el caso de un joven obrero que fue asesinado por otro de un estacazo en la cabeza en un baldío vecino. Clara Ríos, una profesora de francés que vive con su perra en Santa Fe, se queja de un caballo que han dejado atado en la esquina de su casa. Un día un oficial golpea su puerta para tomarle declaraciones. Han encontrado a un hombre muerto en un baldío vecino y no hay rastros del caballo. Un caballo marrón, flacucho, es el único testigo del homicidio, pero es también el único que nunca lo podrá contar.

D. Iván Fund G. Iván Fund / Santiago Loza / Eduardo Crespo F. Gustavo Schiaffino S. Guido Deniro P. Eduardo Crespo E. Maricel Álvarez / Nicolás Azalbert / Diego Vegezzi. Una producción integral del Programa Señal Santa Fe

NOTA DEL DIRECTOR

BIOFILMOGRAFÍA

“La cuestión de aunar esa geografía en el tiempo y el espacio del mismo relato está concretamente en el recurso del uso de la pantalla partida, algo con lo que tenía ganas de experimentar porque estuve mucho tiempo sin filmar antes de Toublanc(...) Me gustaba la idea de ver cómo funcionaba eso en la película relacionado directamente con los recursos que usa Saer, saltando de percepción en percepción y metiéndose en diferentes tiempos. En la literatura es necesariamente lineal, por eso me parecía interesante que el cine pudiera hacer una especie de trampa, tener dos tiempos en la misma imagen."

IVÁN FUND San Cristóbal, 1984. Es director, músico, montajista y director de fotografía. Dirigió La risa (2009), Hoy no tuve miedo (2011) y Me perdí hace una semana (2012). Co-dirigió junto a Santiago Loza Los labios (2010), y AB (2013) junto a Andreas Koefoed. También realizó los mediometrajes El asombro (2014), junto a Santiago Loza y Lorena Moriconi El organismo (2015).

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UNA HERMANA Sofia Brockenshire - Verena Kuri Argentina, 2016 — 70' D. G. P. Sofia Brockenshire - Verena Kuri F. Andrés Hilarión / Roman Kasseroller / Federico Lo Bianco Sound E. Laura Bierbrauer / Sofía Brockenshire / Verena Kuri S. Nahuel Palenque M. Nabis Filmgroup / Biennale College I. Sofía Palomino / Adriana Ferrer / Eugenia Alonso / Saúl Simonet / Mateo Giménez

En una pequeña ciudad en el interior del país, una joven se embarca en la búsqueda solitaria de su hermana que ha desaparecido sin dejar rastro. Cuando el Peugeot 505 de la familia aparece en llamas a orillas de un río bonaerense, Alba cae en un pozo profundo donde la frustración burocrática la deja al borde de la desesperación. Su viaje la lleva de vuelta al río, donde un testigo silencioso parece proporcionar la única esperanza que queda.

BIOFILMOGRAFÍA

NOTA DEL DIRECTOR

VERENA KURI Alemania, 1979.Estudió dirección en la FUC. Dirigió los cortometrajes Epecuén (2011 codirigido junto a Sofía Brockenshire) y Aparición (2011) y cofundó la productora Nabis Filmgroup. SOFÍA BROCKENSHIRE Canadá, 1988. Estudió dirección en la FUC. Escribió y dirigió Zapiola seis (2010) y Epecuén (2011). En 2013 participó en la Berlinale Talent Campus Script Station, Una hermana es el primer largometraje de ambas.

“Dirigimos Una hermana con los innumerables casos de mujeres desaparecidas en mente. Esos casos se han transformado naturalmente en nuestras leyendas perdidas; cuando recordamos sus rostros y nombres, recordamos también sus desapariciones, sus historias sin resolver, tanto el pasado como el presente. Alba, una luchadora desafiante y modesta se mete en una de esas historias. La incapacidad de Alba para avanzar en este mundo es casi obsesionante. Y por el poder del deseo, Alba es llevada al único reencuentro posible."

COMPETENCIA DE LARGOMETRAJES ARGENTINOS

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COMPETENCIA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS


JURADOS

Chema García Ibarra España, 1980. Nació, vive y trabaja en Elche, ciudad donde están ambientadas todas sus películas. Ha dirigido, escrito y producido El ataque de los robots de Nebulosa-5 (2009), Protopartículas (2010), Misterio (2013), Uranes (2014) y La disco resplandece (2016), que han sido seleccionadas en festivales como la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, Sundance, Berlinale, Rotterdam, Valdivia o Bafici. Se le han dedicado retrospectivas en Transcinema (Lima), Atlanta Film Festival o en el Centro Niemeyer de Avilés.

María Villar Buenos Aires, 1980. Estudió actuación en en UNA, con María Onetto y Ricardo Bartís. Durante dos años formó parte del grupo de composición musical coordinado por Carmen Baliero. Participó en numerosas obras de teatro. En cine trabajó con el director Matías Piñeiro en las películas Todos mienten, A propósito de Buenos Aires, El hombre robado, All All Lie, Rosalinda, Viola, La princesa de Francia y Hermia & Helena; con Delfina Castagnino en Lo que más quiero; Con Rafael Filipelli, en Música nocturna, La mirada febril; y con Alejo Moguillansky en La vendedora de fósforos, Mejor Película Competencia Argentina 19º BAFICI y película de clausura del 13º Festifreak.

Toia Bonino Buenos Aires, 1975. Es Licenciada en Artes Visuales (IUNA) y en Psicología (UBA). Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. En dos oportunidades obtiene la Beca a la creación del Fondo Nacional de las Artes. En el año 2015 su filmografía es expuesta en el ciclo de cine experimental El cine es otra cosa curado por Andrés Denegri y Gabriela Golder, en MAMBA. Dirigió los cortometrajes Manteles (2007), Jauría (2008), Festividad (2009), El Jardín de las Delicias (2010), Ophelia (2011, Mención del jurado 7ºFestifreak), Deshoras (2012), Unwelt (2015), entre otros. Orione (2017), su primer largometraje, recibió el premio a la mejor dirección en el 19º BAFICI, mejor película en FIDBA y tendrá su estreno internacional en IDFA. 26

13° Festival de cine independiente de La Plata Festifreak


¡PIFIES! Ignacio Tamarit Agentina, 2016 — 4'

Con ¡PÍFIES! "Tamarit recurre a un montaje hiperfragmentado, que alcanza límites de frenesí, para generar una atmósfera que conduce a un estado de trance, y lo logra mediante el bombardeo visual y una banda sonora etérea." YAGO PARIS, Cinedivergente.

CENTAURO Nicolás Suarez Argentina, 2016 — 14'

Centauro es un western greco-criollo y wachipol tico que transcurre entre las palmeras y las antenas digitales de la pampa aceitera. El centauro, como el gaucho, es un mito, pero un mito interrumpido que no cesa de perderse allá lejos y hace tiempo.

EL CIELO DE LOS ANIMALES Juan Reneau Argentina, 2017 — 14'

Una competencia de peluquería canina. Todos compiten para lograr la mejor versión de sus mascotas.

COMPETENCIA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS

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ELIMINAR VIDEOS Manuel Embalse Argentina, 2017 — 14'

¿Dónde va todo lo que no sirve? Personajes urbanos inexplicables, tecnología obsoleta, el futuro del agua y lo efímero de la memoria. Una nueva era está empezando y estas son las huellas de la transformación.

ESTE AMANECER ES UN EJEMPLO Leandro Naranjo Argentina, 2016 — 9'

¿Y si encuentro el plano que estoy buscando pero a mis amigos les parece malo? No es fácil tener amigos críticos de cine. Voy a mandar una captura de esto a ver qué opinan. En el asunto del correo podría decir: "¿vale este plano una película?"

LA DISTANCIA ENTRE LOS MÉDANOS Carla Francolino - Carolina Lara Grimberg Argentina, 2016 — 20'

Es el fin del verano. Camino de regreso a la ciudad, Sofía debe detenerse en un hotel costero hasta que el incendio cese.

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LOS 7 PERDONES CAPITALES: 3-EL FUTURO Manque La Banca Argentina, 2017 — 11'

Mediante el uso de película en 16 mm y super 8, L7PC se plantea un ejercicio de memoria donde la imagen funciona como herramienta contra el olvido, al mismo tiempo que construye un posible desenlace de el estado actual de cosas.

MIENTRAS BODE TOCA EL PIANO Santiago Aulicino Argentina, 2017 — 16'

[ PREMIERE MUNDIAL ]

Un joven se preocupa por su posible muerte; una muchacha juega con los fuegos artificiales que le sobraron de navidad; otro joven pretende filmar un corto y se encuentra con el honesto rechazo de sus amigos. Hete aquí una dispersión cotidiana.

S/T Benjamin Ellenberger Argentina - República Checa, 2016 — 16'

Filmada bajo la primer nevada del invierno, durante una caminata por lugares cercanos a la frontera entre Austria y República Checa.

COMPETENCIA DE CORTOMETRAJES ARGENTINOS

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TERRENAL Ivan Murgic - Sofia Lena Monardo Argentina, 2017 — 20'

[ PREMIERE SUDAMERICANA ]

A través de un viaje por un paisaje invernal donde los colores se han ido, nos espera un lugar donde la gente quema madera, los ciclistas atraviesan charcos, los niños juegan al fútbol y un auto recoge perros. Entonces un cartel nos indica "Tierra para todos." Luego, soldados con armas y un cuartel.

TRAINSPOTTER Ignacio Masllorens Argentina, 2016 — 9'

Según la leyenda, Antonín Dvořák compuso Humoresque No 7 durante un viaje en tren entre Dresden y Praga, en 1894. Este breve film reproduce esa travesía a modo de homenaje.

TRES ORACIONES SOBRE LA ARGENTINA Nele Wohlatz 2016 — 4'40''

Un diálogo sobre un material de archivo que se transforma en una clase de idioma, en una mirada sobre un país y su historia, que se transforma en ficción.

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EL TERRITORIO Las formas que el cine encuentra para representar el mundo son las que implementan sus autores para comprenderlo. Todo lugar es la experiencia de un nombre propio. El cine funciona, entonces, como una huella. De fronteras porosas y gĂŠneros impuros se conforma este programa. La observaciĂłn sostenida sobre el territorio devuelve una imagen extraĂąa de lo real. Llegamos tarde al acontecimiento, lo que quedan son sus restos. La errancia sobre el paisaje, el hombre y la naturaleza. Adentrarse en lo desconocido apela al azar y la contingencia. El viaje nos devuelve un mapa de rostros. La tierra tiembla. Invocando los fantasmas, el mundo se vuelve maravilloso.


IN TIME TO COME

FLORES

A TIEMPO DE LLEGAR Tan Pin Pin

Jorge Jácome

Singapur, 2017 — 62'

Portugal, 2017 — 27'

[ PREMIERE ARGENTINA ]

[ PREMIERE SUDAMERICANA ]

Durante los festejos de la independencia de Singapur, Tan Pin Pin observa el ritual de exhumación de una antigua cápsula del tiempo y la compilación de una nueva. Mientras se desentierran los restos de hace 25 años -una botella de agua del río Singapur, una guía de Páginas Amarillas, un cargador de teléfono- la selección de artículos de la nueva cápsula se prepara cuidadosamente para las generaciones futuras. In time to come nos transporta al pasado, al presente y al futuro, como un prisma a través del cual es posible vislumbrar realidades alternativas.

En un escenario de crisis natural, toda la población de Azores se ve obligada a desalojar debido a una plaga incontrolable de hortensias, flor común en esas islas. Dos jóvenes soldados, unidos a la belleza del paisaje, nos guían a las historias tristes de quienes se ven obligados a salir y el deseo inherente de resistir al habitar las islas. El vagabundeo fílmico se convierte en una reflexión nostálgica y política sobre la pertenencia territorial y la identidad, y los roles que asumimos en los lugares de donde venimos.

NOTA DEL DIRECTOR

"Las cápsulas del tiempo encarnan el ambicioso deseo del hombre de contener el pasado, el presente y el futuro, todo en un solo objeto. Su preparación habla de la percepción presente de un tiempo futuro, mientras que la exhumación hace referencia a la visión pretérita del futuro, como la vemos desde el presente. En ese sentido, las cápsulas de tiempo son muy similares a las películas."

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NOTA DEL DIRECTOR

"Para mí es imposible pensar a las Azores sin las catástrofes y sin una cierta religiosidad pagana, que viene asociada a las catástrofes. Mi padre fue destacado al cuartel de San Gonçalo, en la isla de San Miguel, como sargento mayor, y yo fui con él para filmar las islas repletas de hortensias. Santa Maria, São Miguel, Faial, Graciosa, Pico, São Jorge, Terceira, Flores y Corvo, por todos lados crecen flores. En Flores, la ficción, el documental, la ficción dentro ficción, el documental dentro de ficción o lo contrario, generan en una superposición de géneros que no acaba. Como las hortensias que en los sueños de Andrés hacen el camuflado de los uniformes púrpura y azul."

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WHIPPING ZOMBIE

ESPECTÁCULOS VARIADOS PARA EVENTOS VARIOS

AZOTANDO ZOMBIS Yuri Ancarani

Daniela Delgado Viteri

Italia, 2017 — 30'

Francia, 2016 — 15'

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

[ PREMIERE ARGENTINA ]

En un remoto pueblo haitiano, una danza ritual, esclavos y maestros: es la danza zombie. Llevados por una música hipnóptica, induciendo al trance y evocando el ritmo de los músculos al trabajar, los hombres se golpean y luchan entre sí, hasta que mueren y nacen de nuevo en un ciclo infinito. Kale Zonbi (Whipping Zombie) es el título de un ritual único filmado por primera vez, tiene lugar en un paraíso donde es imposible olvidar el horror del pasado.

Este es el primer video de una serie sobre cómo la tragedia se vuelve espectáculo. El film está basado en los trabajos que la directora mantuvo con una radio de su pueblo, en la cual uno de sus programas se emitía a las 3:00 am, para aquellas personas que no podían dormir después de que un terremoto destruyera la ciudad. Espectáculos variados para eventos varios, es el producto de todo un mes de escuchas y llamadas para comprender cómo se sigue adelante a pesar de la tragedia.

NOTA DEL DIRECTOR

NOTA DEL DIRECTOR

"Todo lo que necesito hacer es mirar. En mis películas nunca expreso mi punto de vista en voz alta, prefiero permanecer en silencio, y en silencio guío al espectador. Es importante que los propios espectadores tengan una experiencia hipnótica y mágica de la creación y extraigan sus propias conclusiones."

"Hubo un terremoto en mi pueblo. Los teléfonos estaban cortados y la única forma de saber algo era escuchando la radio local. Mi primera impresión fue el horror. No tanto por el terremoto en sí, sino por el show. Al cabo de unos días, mi idea al respecto ya no era la misma. De a poco empecé a participar, a querer a los locutores y a reconocer y apreciar a las personas que llamaban a recitar poemas a la madrugada. Me pregunto si esta radio es una plataforma catártica del amor o del horror. Una manera hermosa de escapar de la realidad o pornografía infernal. ¿Algo en el medio? Todo lo anterior. Nada de lo anterior."

EL TERRITORIO

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ALTAS CIDADES DE OSSADAS

HÁ TERRA!

CIUDADES ALTAS DE FÓSILES

¡HAY TIERRA!

João Salaviza

Ana Vaz

Portugal, 2017 — 18'

Brasil- Francia, 2016 — 12'

[ PREMIERE ARGENTINA ]

[ PREMIERE ARGENTINA ]

Esta es la historia de Karlon, el pionero del Cape Verde Creole rap. Nacido en Pedreira dos húngaros, un barrio de los suburbios de Lisboa, se escapa del proyecto de vivienda al que había sido trasladado. Las noches de vigilia las pasa bajo un sofocante calor tropical. Entre las cañas de azúcar, surge un rumor. Karlon no puede dejar de cantar. Altas cidades de ossadas es una exploración minuciosa e imaginativa de los recuerdos de Karlon, el asedio institucional y las historias sumergidas de un tiempo oscuro.

Ha Terra! es un encuentro, una búsqueda, una historia diacrónica del mirar y el devenir. Como en un juego, como en una persecución, la película erra entre el personaje y la tierra, la tierra y el personaje, el depredador y la presa. Inspirado en el Manifiesto Cannibal de Oswald de Andrade (1928), Há terra! es un folleto y un poema cinematográfico sobre un país con una historia de asimilación y desplazamiento cultural donde, para algunos, nada cambia jamás.

NOTA DEL DIRECTOR

"Entonces hicimos una película. Karlon desterró secretos en la arqueología de una ciudad invisible. Pedreira dos húngaros, el fin del milenio, una Europa cansada y en ruinas. There is a poison going on. Ojos que parecen hechos para ver en la oscuridad. Una voz que sospecha de la historia. MEMORIA = RESISTENCIA. El hip-hop salvó a un disidente. Las rimas, lo ayudaron a defenderse de los golpes. Como palabras-balas para reanimar a los muertos. Al final, el silencio."

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NOTA DEL DIRECTOR

"Cada film puede lograr una inmersión, una empatía, una cohabitación con determinado mundo, que se da a partir de la convivencia entre cierto sujeto, personaje, o un otro; con un paisaje, una localidad. Todos los filmes nacen, de una manera u otra de una inquietud. Hasta ahora los que pude hacer son filmes que nacidos de deseos, de particulares ansiedades, curiosidades que buscan justamente reencuadrar la manera en que esas cosas son detectadas o representadas."

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RUINAS TU REINO

STREET OF DEATH CALLE DE LA MUERTE

Pablo Escoto

Karam Ghossein

México, 2016 — 65'

Líbano-Alemania, 2017 — 22'

[ PREMIERE ARGENTINA ]

[ PREMIERE SUDAMERICANA ]

Un peregrinaje de pescadores surca el Golfo de México bajo el cielo de la pátina histórica. Ruinas tu reino es una travesía polar —mar y tierra, hombres y mujeres, lenguaje y metalenguaje— a través de espacios heterotópicos.

"Mi amigo Butterfly Bob es quien que me enseñó a hacer wheelie. Estaba loco por las motos, compró un GSX-Doble R 750 '98 Suzuki. Podía oler esa motocicleta a una milla de distancia, así que hice amistad con él, y pasamos todos los días zigzagueando de un lado a otro a lo largo de la Calle de la muerte (Street of Death). Hasta que empezó a salir con Nada y nos dejamos de ver.” El cineasta libanés Karam Ghossein yuxtapone imágenes de la boda de su amigo con las escenas de acrobacias que los jóvenes realizan en una peligrosa calle cerca del aeropuerto de Beirut, lugar de su juventud, un barrio pobre sin ley, donde las vendettas, el crimen, las exhibiciones de poder acentúan la vida cotidiana.

NOTA DEL DIRECTOR

“En Ruinas tu reino vemos reflejos del mar, sombras de la carpa, manos destripando pescados. Comenzamos con preguntas sobre la movilidad eterna del mar y la contradicción que radica en la idea de cotidianidad en la vida de pescador que atraviesa un mismo territorio en constante movimiento. ¿qué tipo de rutina se lleva a cabo en espacios como estos? En este marco, surgió la idea de la búsqueda. Buscar un espacio, buscar un país."

EL TERRITORIO

NOTA DEL DIRECTOR

"El lugar de los inicios: un suburbio se levanta contra el aeropuerto de Beirut. Nuestro territorio: un traicionero tramo de carretera que nos separa del mar, el rugido y la sombra de los aviones que caen del cielo. El camino se lleva a algunos de nosotros, el mar a otros, y los aviones unos cuantos más. Pero las armas también se llevan su parte. Un regreso a este sitio invita a un nuevo análisis. ¿Qué tan lejos de mí está Ibn Zanouba en realidad? ¿Alguna vez dejamos realmente ese primer lugar de viviendas precarias y sueños inflados, o su resonancia nos deja de verdad?."

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EL AUGE DEL HUMANO

MYSTERIOUS OBJECT AT NOON MISTERIOSO OBJETO AL MEDIODÍA

Eduardo Williams

Apichatpong Weerasethakul

Argentina, Brasil y Portugal, 2016 — 97'

Tailandia, 2010 — 86'

Exe tiene 25 años y acaba de perder su trabajo. Por el momento no tiene intensiones de buscar otro. Chateando conoce a Alf, un muchacho de Mozambique que está aburrido de su trabajo y decide huir a la selva con Archie, otro jóven en la misma situación que ambos. Ya en la selva e inmersos en la densa vegetación, uno de ellos se distrae persiguiendo a unas hormigas que van de regreso a su hormiguero. Otro, se aleja del grupo y se encuentra con Canh, un filipino que está a punto de regresar a su extraña y hermosa ciudad natal, donde curiosamente, tiene un trabajo miserable. NOTA DEL DIRECTOR

“Podría pensar que todo comienza en el intento de escapar a la vida que se me proponía cuando era más joven, trabajar para ganar plata y subsistir, dejar las fantasías y pensamientos propios como un pequeño condimento. Descubrir que este sentimiento era compartido con otros chicos, en diferentes países, me dio una base para pensar en la película."

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2100

Apichatpong Weerasethakul trajo un apetito por la experimentación al cine tailandés con su debut, una obra inclasificable que refracta las impresiones documentales de su patria a través del concepto surrealista del cádaver exquisito. Apichatpong traza una construcción colectiva de la ficción a medida que cada nuevo encuentro la impregna de tonos impredecibles de fantasía y patetismo. Rodada en el transcurso de dos años en 16 mm blanco y negro, Mysterious object at noon funda la fascinación del director con las fronteras porosas entre lo real y lo imaginado. Restaurada en 2013 por el Austrian Film Museum y la Cineteca di bologna/L’Immagine Ritrovata laboratory, en asociación con The Film Foundation’s World Cinema Project, LISTO laboratory en Vienna, Technicolor Ltd en Bangkok, y Apichatpong Weerasethakul. Restauración financiada por Doha Film Institute. NOTA DEL DIRECTOR

"Quiero dar al público la libertad de volar o flotar, dejar que su mente vaya aquí y allá, a la deriva, como cuando nos sentamos en un tren, escuchamos un walkman, y miramos el paisaje. Es liberador, y también la audiencia entiende que no están viendo una rutina, una narrativa de tres actos."

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F DE FALSO “Damas y caballeros, a modo de introducción, esta es una película acerca de los trucos y el fraude... acerca de las mentiras... Contadas al lado de una fogata, en una feria o en una película. Sin duda casi todas las historias incluyen algún tipo de mentira. Pero no esta vez. Es una promesa. Durante la siguiente hora, todo lo que oirán de nosotros es verdadero y se basa en evidencia sólida. ¡FALSO! ¡FALSO!” F FOR FAKE (Orson Welles, 1976)

La simulación. La ambigüedad. El doble. Los mecanismos de prestidigitación que se manifiestan en terrenos convergentes. El cine se presenta como un truco de magia, donde desaparece el artefacto ficcional y, latente, libera la ilusión de realidad. F de falso es el montaje que nos lleva a la creencia. Mentes pergeñadoras de una escena iluminada que hace creíble lo extraordinario. Es el truco sin su explicación y viceversa: la certeza al develar una ilusión deviene acto de magia. Detrás de la manipulación persiste un interrogante sobre el status de verdad y la consistencia de lo real. Saber la respuesta realmente no importa, cada film es el desconcierto y la vivencia inmersiva de la pregunta.


THE IMPOSSIBLE PICTURE

THE WELFARE OF TOMÁS Ó HALLISSY

LA IMAGEN IMPOSIBLE

EL BIENESTAR DE TOMÁS Ó HALLISSY

Sandra Wollner

Duncan Campbell

Alemania – Austria, 2016 — 71'

Irlanda - Reino Unido, 2016 — 31'

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

"Nuestra memoria es tan poco confiable, a veces lo que vemos podría ser el futuro." Johanna F. Viena en la década del ´50. Una infancia que pudo haber sido, capturada en película de 8 mm, documentada por Johanna, de 13 años. Vemos fragmentos de la vida familiar y sus secretos, reflexiones sobre la fugacidad de los recuerdos. Todo lo filma Johanna y mientras sus intereses cambian, su mirada también. "Papá siempre dijo que tenías que ser rápido si querías ver algo. Porque todo se desvanece tan rápidamente", dice Johanna mientras graba el cadáver de un gato. "Pero no creo que eso sea cierto. Creo que sólo tienes que seguir buscando". Y ella sigue buscando, hasta que la cámara gira sobre sí misma y la realidad oculta resplandece en el lenguaje cinematográfico.

Este film está inspirado en estudios antropológicos sobre la gran incidencia de enfermedades mentales en las zonas rurales de Irlanda en los años 60 y 70. El director Duncan Campbell hace un retrato de una sociedad al borde del cambio irreversible, visto a través de los ojos de dos antropólogos norteamericanos que llegan a Dun Chaoin a estudiar las costumbres y tradiciones campesinas de una cultura moribunda. La película gira en torno a Tomás, un niño de 10 años sin habla, cuya vida se dirime entre el paradigma del viejo y nuevo mundo. Mientras tanto, ante la desconfianza de los nativos, los antropólogos se cuestionan su metodología y luchan por entender las relaciones sociales opacas y ritualistas que definen ese lugar.

NOTA DEL DIRECTOR

NOTA DEL DIRECTOR

"Cuando pienso en mi infancia, los recuerdos parecen ser una cadena de imágenes adyacentes entre sí. Si realmente he experimentado esto o si se me contó más tarde puede ser difícil de decir en retrospectiva. Son fotos familiares que muestran una fracción de la realidad y terminan formando el núcleo de nuestros recuerdos, y a veces reemplazándolos por completo. The Impossible Picture es una película sobre la memoria y su relación con las películas que todos hacemos, usemos una cámara o no."

"La película se centra en el debate entre la perspectiva de dos activistas y antropólogos norteamericanos, comprometidos con la salud mental de los individuos, y la perspectiva católica y conservadora de los miembros de la comunidad que están estudiando. El personaje principal del film se encuentra en medio de esta tensión entre las dos posturas."

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FRAUD

DO DONKEYS ACT?

FRAUDE

¿ACTÚAN LOS BURROS?

Dean Fleischer-Camp

David Redmon y Ashley Sabin Narrated

Estados Unidos, 2016 — 53'

Canadá, Irlanda, Reino Unido, Estados Unidos, 2017 — 72'

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

Gary graba cada compra que hace junto con su esposa y sus pequeños hijos. La adicción por los productos nuevos y la decisión radical de mantener un nivel de vida consumista, los guiará por un itinerario cotidiano fuera de control, una desesperada ola de delitos e intentos por superar las consecuencias. Dean Fleischer-Camp utilizó más de 100 horas de material de video casero encontrados en YouTube, el resultado es un thriller extraordinario y desconcertante que revela la lucha de una familia por llegar al sueño americano a cualquier precio. Este film es, además, una reflexión sobre el montaje como agente manipulador de lo real.

"Quemados, golpeados, abandonados, los burros nos miran a los humanos con indiferencia y rebuznan". En un refugio de sanación, un grupo de burros son rescatados de la crueldad y el abandono humano. A través de un texto poético y rítmico con la voz de Willem Dafoe asistimos a escenas "actuadas" por burros. Un ejercicio extrañamente reflexivo, que recuerda a Jean Rouch y Chris Marker, rompe la gran barrera del misterioso e intrigante lenguaje de los burros y nos permite entrar en su radar mientras los espiamos hablando entre ellos. Filmada durante 5 años en distintos países, esta etno-poetica-ficción-animal subvierte sutilmente la noción de los burros como la "bestia tonta" esclavizada y degradada, y la eleva al papel de actor principal y artista performativo.

NOTA DEL DIRECTOR

"La película fue concebida desde el poder expresivo de la edición y la mutabilidad de la información que compartimos vía online. En un principio no pude prever con este tipo de manipulación estábamos velando un mundo tan retorcido. Cuando empecé a trabajar en Fraud, este territorio parecía un curioso juego formal, y repentinamente se sintió como una moraleja imperativa acerca de la necesidad de cultivar un sentido más refinado, de cómo las imágenes pueden ser apropiadas, reconfiguradas y convertidas en algo peligrosamente engañoso."

F DE FALSO

NOTA DEL DIRECTOR

“Obviamente estos seres no hablan con el lenguaje humano, no hablan con palabras. Pueden hablar con canciones, como muchos pájaros, o en ritmos, como los grillos y las olas del mar. Pueden hablar un lenguaje de movimientos y expresiones o articularse en sombras en movimiento… Entra en su mundo. Escucha de cerca." DAVID ABRAM, Becoming animal.

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NEW MADRID

THE LOST OBJECT

NUEVA MADRID

EL OBJETO PERDIDO

Natalia Marín

Sebastián Díaz Morales

España, 2016 — 10'

Holanda, 2017 — 14'

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

[ PREMIERE AMERICANA ]

New Madrid es un ensayo experimental sobre las ciudades construidas como simulacro y sobre la utopía fracasada. Esta obra es el resultado de una investigación que tiene como protagonistas a ocho pueblos llamados Madrid situados en los estados de Alabama, Colorado, Iowa, Missouri, Nebraska, Nuevo México, Nueva York y Maine, de Estados Unidos. ¿Están la hiperrealidad y el simulacro destinados al fracaso? Natalia Marín nos acerca un texto sobre los problemas endémicos a los que están condenados los nuevos espacios y la planificación de una nueva ciudad que no permite la copia: un Madrid Nuevo.

La realidad va más allá de la ficción. En un set de filmación los elementos y el lenguaje para su creación se desarticulan. Se realiza un ritual en el que la cámara, las luces, la escenografía y los objetos se quiebran hasta alcanzar el límite donde la ficción y la realidad se funden en un solo elemento. Donde la parafernalia del dispositivo que genera la ficción desaparece y ya no hay necesidad de ella. La ficción vuelve autónoma y se automatiza, y el universo queda supeditado al principio de simulación. En The lost object el mundo desaparece detrás de su propia representación.

"Ensayo audiovisual sobre un fracaso múltiple: el del hombre, el de la sociedad, el de la idea de utopía... Reflexiona sobre conceptos como copia y simulación, para concluir que la repetición de determinados modelos urbanos, sin atender a otras consideraciones (orográficas, climáticas, económicas…), sólo conduce a la catástrofe. El pasaje desde las imágenes en negativo a la simulación virtual, la voz en off que parafrasea a Pérec, Lefebvre, Mumford, Calvino y, sobre todo, a Baudrillard, conforman un discurso sólido sobre la derrota del ser humano como demiurgo."

NOTA DEL DIRECTOR

"The Lost Object es el video final de una trilogía que comenzó con Insight (2012) y siguió con Suspension (2014). Esta obra en tres entregas examina los complejos mecanismos percepción y construcción de la realidad, tanto en nuestra imaginación, como en la del cine. Según el curador Cuauhtémoc Medina, el hilo conceptual que asume la trilogía es la del cine como una fábrica de simulacros."

ENRIC ALBERO, crítico de Caimán Cuadernos de Cine.

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NO HOME MOVIE La memoria individual se proyecta hacia el imaginario colectivo y el álbum familiar se hace público. Películas abandonadas, encontradas, apropiadas, profanadas. Guiados por la convicción, prestos al hallazgo, siete directores revisan su repertorio de momentos felices, indagan en imágenes ajenas para recordar las propias, cortan y pegan. El soporte encierra una reflexión sobre el paso del tiempo, la imagen química se desintegra y ante la imposibilidad de recordar, emerge la ficción. Porque en el reverso la postal idílica se transforma, se revelan los arquetipos y aparecen los fantasmas.


THE KODACHROMES ELEGIES

WITH ALL OUR CAMERAS CON TODAS NUESTRAS CÁMARAS

Jay Rosenblatt

Miguel López Beraza

Estados Unidos, 2017 — 11'

España, 2016 — 26'

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

[ PREMIERE ARGENTINA ]

Kodachrome era una película conocida por sus ricos tonos y colores vibrantes. The Kodachrome Elegies es un corto experimental que evoca la época del auge de este material fílmico y las felices escenas de las home movies. Si bien es un himno al soporte perdido, el film sugiere el final de una época y la pérdida de la inocencia.

Con su aluvión de imágenes en múltiples formatos, el cortometraje With All Our Cameras plantea al espectador el siguiente interrogante: “¿Cuántas cámaras son necesarias para retratar a una persona?”. El individuo en cuestión se llama Sandor Nagy y vive solo en un viejo apartamento de Budapest. Su rostro y su carácter afable se descomponen y recomponen en el retrato caleidoscópico que nos propone Miguel López Beraza en un cortometraje documental ensayístico.

NOTA DEL DIRECTOR

"Al utilizar esas imágenes con otros propósitos, al re contextualizarlas, aparecen sentidos escondidos, se establecen nuevas relaciones sociales y es posible hacer una crítica. Con el metraje encontrado, al poner una imagen al lado de otra, ésta se afecta y el tipo de relaciones que se generan me resultan interesantes."

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NOTA DEL DIRECTOR

"Las imágenes más poderosas que recuerdo siempre contienen personas, más aún, si caben imágenes en las que se sugiere su presencia o ausencia. La multiplicidad de formatos y acercamientos sobre Sandor intenta visibilizar el modo en el que varían nuestras percepciones, al variar la técnica y el estilo del retrato."

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359 DIAPOSITIVAS 2013 - 2016

EXPLOSION MA BABY EXPLOSIÓN MI AMOR

Leonardo Zito

Pauline Curnier Jardin

Argentina, 2016 — 3'

Paises Bajos - Francia, 2016 — 8' 27'' [ PREMIERE ARGENTINA ]

2013: Tatiana de Rose encuentra en las calles de Temperley más de 500 diapositivas en grave estado de deterioro. 2016: Realizo un montaje seleccionando las 359 que se encontraban en peor estado. NOTA DEL DIRECTOR

Es Agosto. Sentí el calor sofocante del sol penetrando tu piel. Alrededor tuyo, una abundancia de carne está girando. Miles de hombres ofrecen los cuerpos desnudos de bebés al ícono angelical de San Sebastián. Gritos, colores, cantos y explosiones. Guirnaldas de dinero. No te imagines a ninguna mujer más que yo. Esperá, sí, detrás de nosotros. Las mujeres siguen con devoción, todas vestidas como para ir a misa.

"Durante 2013 comencé a intervenir películas en 35 mm, debido a su densidad la proyección en el formato original resultaba imposible. Por ésta razón diseñe un sistema de escaneo casero. Esto me permitía visualizar en alta calidad los experimentos realizados. En el mismo año, una amiga, Tatiana de Rose encuentra las diapositivas que integran el cortometraje. Las organicé por grado de deterioro y color, hasta que en 2016 decidí montaje final. Una "materia" descompuesta de la que progresivamente emergen las imágenes y recuerdos de los propietarios originales."

"En primer lugar exploro los fenómenos existentes, tangibles o inmateriales, como los sentimientos, personajes históricos o mitológicos, lugares u objetos. Entonces cuento sus historias, invento nuevos lenguajes simbólicos basados en el folclore para explicar su esencia fundamental a través de secuencias alegóricas."

NO HOME MOVIE

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NOTA DEL DIRECTOR


SIMBA IN NEW YORK

THREE RED SWEATERS

SIMBA EN NUEVA YORK

TRES SWEATERS ROJOS

Tobi Sauer

Martha Gregory

Alemania, 2016 — 31'

Estados Unidos, 2017 — 8'

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

Walt Disney murió hace 50 años. Pero al día de hoy, millones de niños crecen con las películas que produjo. Un estudiante que escribe su tesis de licenciatura recuerda la fascinación que tenía de niño por los EEUU. Perdió a su madre a una edad temprana y siempre se identificó con los personajes huérfanos de Disney. Ahora, un tipo diferente de películas ha llamado su atención: películas de aficionados, películas caseras. Busca la verdadera América en estas imágenes.

A través de los vídeos caseros de 16 mm de su abuelo en Colville-es, una cineasta explora la memoria y la forma en que utilizamos la tecnología para grabar nuestras vidas, a veces a expensas de estar presentes sólo para ser capturados por los dispositivos. ¿Las fotografías y las películas nos ayudan a recordar el pasado o nos alejan de él? A medida que los medios visuales se vuelven cada vez más omnipresentes, ¿necesitamos nuestros recuerdos? ¿Son nuestros teléfonos inteligentes una barrera entre nosotros y la experiencia?

NOTA DEL DIRECTOR

“Tiene tres años cuando "The Lion King" aparece en los cines. Poco después, su madre muere. Un número sorprendente de los protagonistas de Disney son huérfanos o medio huérfanos: Blancanieves, Bambi, Mowgli, Ariel ... y Simba. ¿Pertenecía a un club exclusivo? … El lema de ese club podría ser: Nosotros, que nacimos en el signo del león, los huérfanos, los héroes solitarios, nos esforzamos ambiciosamente por el éxito, el poder, el reconocimiento, la felicidad, somos los infantes hambrientos del sueño americano… Años más tarde, escribe su tesis de licenciatura acerca de los orígenes del individualismo en la sociedad estadounidense."

NOTA DEL DIRECTOR

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"Esta película llevó muchos meses de investigación y tomó una nueva forma cuando tuve acceso a filmaciones de mi abuelo en los años 50, 60 y 70. Con estas imágenes increíbles tuve un nuevo ángulo desde el cual explorar mi pregunta inicial: ¿cómo cambian nuestros recuerdos ahora que tenemos la capacidad de documentar cada momento de nuestras vidas? El curso de la película se alteró de nuevo cuando me di cuenta de que mi abuelo no sobreviviría para ver mi proyecto terminado; un proyecto en el que sus entrevistas son invaluables."


NO INTENSO AGORA

SANTIAGO

EL EN INTENSO AHORA João Moreira Salles

João Moreira Salles

Brasil, 2017 — 127'

Brasil, 2007 — 80'

A partir del descubrimiento de un material filmado en China, No intenso agora habla de la fugacidad de la primera y más radical etapa de la Revolución Cultural. Joao Moreira Salles combina las escenas de la Revolución Cultural China con material de archivo del Mayo Francés, La Primavera de Praga y el Gobierno Militar de Brasil instaurado institucionalmente en 1968. Siguiendo la tradición del cine ensayo, las imágenes permiten investigar el modo en que las personas afectadas continuaron sus vidas una vez que las pasiones se enfriaron. El metraje no sólo revela el estado anímico de los manifestantes, sino también arroja luz sobre la relación entre un documento y su contexto político.

Santiago es el retrato indirecto de Santiago Badariotti Merlo, mayordomo de la familia Moreira Salles durante más de treinta años, cultivado en todas las artes y dueño de una gigantesca documentación sobre dinastías universales que se ha tomado el trabajo de transcribir y comentar en 30.000 páginas, cuyo acopio le llevó toda una vida (...) Si Santiago ama las dinastías reinantes y las intrigas eclesiásticas de altura, Joao Moreira Salles va confesando en su film las suyas, a través de citas de los nombres propios del cine. No ignora el conflicto en el hecho de que personaje y ex mayordomo, entre hijo del patrón y director, entre orden de acción y orden de servicio después de hora, se fundan: “Desde el principio había una insuperable ambigüedad que explicaba la vergüenza de Santiago. No era sólo un personaje, yo no era sólo un documentalista." (...) El desafío del cine documental es el de hacer algo con el objeto en lugar de dejarse extorsionar por él o simplemente dejarlo ser. El exceso de Santiago personaje exige mediaciones estéticas y de reflexión sobre el género autobiografía delegada que Moreira Salles cumple con la elegancia con que Santiago se ponía frac para tocar Beethoven y hasta se despoja como un San Francisco cuando le deja dos larguísimas “arias”: el ballet de manos y el acompañamiento de castañuelas de un clásico.

NOTA DEL DIRECTOR

"Llevo tres años viendo esas imágenes que provocaron ciertas preguntas en relación al material filmado. Esencialmente, ese es el film. Es un film sobre lo que se puede decir de 1968 a partir de las imágenes, teniendo como denominador común un elemento biográfico muy tenue y muy sutil, que es que en aquella época yo vivía en Francia." LAS NAVES Nº5,

Métodos Tenemos las Máquinas, 2015

MARÍA MORENO. Radar, 26 de Septiembre de 2010.

NO HOME MOVIE

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CERO EN CONDUCTA La idea del cine se amplía y desborda, bajo la promesa de la forma. Cero en conducta desplaza al espectador al margen con una selección de películas que desafían géneros y formatos, y renuevan cada año la pregunta ¿qué es el cine? Cero en conducta abraza a quienes hacen de la radicalidad su forma de ver. Sublevación de las imágenes puras, elogio a las formas híbridas.


FAJR

URTH

AMANECER

DESTINO

Lois Patiño

Ben Rivers

España, Marruecos, 2016 — 12'

Reino Unido, 2016 — 20'

[ PREMIERE ARGENTINA ]

[ PREMIERE ARGENTINA ]

"La inmovilidad irradia" Gaston Bachelard

The last woman on Earth (La última mujer en la Tierra) fue rodada en el interior de la Biosfera 2 en Arizona. Urth da forma a una meditación cinematográfica sobre experimentos ambiciosos, medio ambientes artificiales y visiones del futuro. El escritor Mark von Schlegell aporta con una lectura del texto sobre los últimos registros de una mujer sellada dentro de un ambiente implacable. La película considera lo que un emprendimiento como Biosfera 2 podría significar hoy y en un futuro próximo, en términos de la relación humana con el mundo natural.

En el desierto de Marruecos la noche diluye las formas y el silencio se desliza por la arena. El amanecer comienza entonces a dibujar siluetas de dunas, mientras figuras inmóviles puntúan el paisaje. Desde la abstracción nocturna, la luz va poco a poco devolviendo al espacio su dimensión y al cuerpo su volumen. La quietud concentra así la mirada y la duración la densifica. Suena el adhan y la inmovilidad, que condensaba, comienza a irradiar: y ahora son los cuerpos los que se diluyen en el desierto. NOTA DEL DIRECTOR

"Fajr tiene un doble significado en árabe: designa al amanecer, y también al adhan -cántico de llamada a la oración- que suena desde las mezquitas justo antes del amanecer. Voces que aparecen sobrevolando las kasbahs, los palmerales, las dunas... Cuando llegan las palabras del cántico, el ritmo de vida habitual adquiere otra densidad, penetramos en un modo distinto de experimentar el tiempo. El cántico supone así una interrupción, un paréntesis en el fluir cotidiano, y una vez terminada, el ritmo habitual se restituye."

CERO EN CONDUCTA

NOTA DEL DIRECTOR

"Siempre me interesaron los lugares que la gente había dejado atrás: los lugares fantasmas. Mi deseo de hacer cine no se basa en buscar una representación del mundo, sino que proviene de personas y lugares reales y luego se transforma a través del cine en algo que no es el mundo, en algo nuevo."

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COUPE DE GRÂCE

SPIN

GOLPE DE GRACIA

GIRAR

Salomé Lamas

Ginan Seidl

Portugal, 2017 — 26'

Alemania, 2017 — 80'

[ PREMIERE ARGENTINA ]

[ PREMIERE AMERICANA ]

Francisco, un trabajor de una mina a cielo abierto le pide pide el día libre a su jefe. Al día siguiente su hija Leonor vuelve de un viaje y lo visita sorpresivamente cuando él ya no la esperaba. Durante 24 horas vivirán in crescendo una realidad alucinatoria, guiada por el perturbador estado de normalidad de Francisco. La noche tarda en llegar, los sentimientos entran en inercia mientras el absurdo y la espectacularidad visual construyen el estado de relación entre padre e hija.

Girar sobre nuestro propio eje puede hacernos más torpes pero al mismo tiempo más ligeros. Es un movimiento repetitivo que no va hacia delante. Nunca es lineal, pero aún así puede hacer que las cosas cambien o se transformen. Girar genera energía, un afuera y un adentro. Es estancamiento y rapidez. Es situarse a nivel micro y macrocósmico, donde todo es inconsciente. El lenguaje audiovisual de Spin sitúa la diferencia, la relacionalidad, la movilidad y la no respuestas en su centro de exploración, basado en el movimiento de rotación en el campo de la tensión entre el sufismo y la física teórica.

NOTA DEL DIRECTOR

"Coup de Grâce aborda temáticamente la separación, la aceptación y la conexión. Se trata de la historia de Francisco y Leonor, padre e hija, abandonados por una mujer-madre. En este film coexisten la alta y la baja cultura, lo performativo y lo cotidiano; lo insólito y lo real. El humor es negro y las situaciones son desconcertantes. Este drama tiene tanta elasticidad que sobrepasa sus límites. ¿Dónde estuviste? En ACAPULCO."

NOTA DEL DIRECTOR

"-Los físicos usan muy raramente la palabra verdad. Casi nunca. Sólo nos interesa encontrar buenas explicaciones, buenas ideas. Para entender cómo funcionan las cosas. Para encontrar la mejor imagen posible que podamos tener sobre el mundo que nos rodea y a nosotros mismos. ¿Estaría usted de acuerdo con esa definición? -Sí, estoy de acuerdo con el hábito de no quedar atrapado por las palabras. -¿Podría describir en lenguaje matemático lo que es la gravedad cuántica del loop? -Seguro: [La,Lb]=ℏGεabcLc,A=8πℏG(j(j+1))½) LaΨ=JΨ W(Ψ)=(PYΨ)(1)." Fragmento de SPIN

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WE MAKE COUPLES

PATTERN LANGUAGE

HACEMOS PAREJAS

LENGUAJE DE PATRONES

Mike Hoolboom

Peter Burr

Canadá, 2016 — 60'

EE.UU., 2017 — 10' 30''

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

Esta historia de amor marxista pregunta ¿podría la pareja también ser una forma de resistencia? Notas de ensayo sobre el matrimonio, el cine de bajo presupuesto y el arte de la proyección. Con artistas invitados como Occupy, integrantes de Pussy Riot, una cabra en fuga, dos caniches, un ejército de manifestantes, Mos Def, Frankenstein y el primer beso del cine, We Make Couples traza nuevas geometrías sobre las relaciones.

Pattern Languaje es un término acuñado por el arquitecto Christopher Alexander para cuantificar la potencia de ciertas ambiciones humanas a través de un índice de patrones estructurales. Algunos defensores de este enfoque de diseño afirman que la gente puede usarlo para resolver con éxito problemas de diseño muy grandes y complejos. En esta película, los patrones altamente organizados y densamente estratificados se mueven de acuerdo con las frecuencias y ritmos de audio, hacia la construcción de un laberinto sin fin, en continua mutación.

NOTA DEL DIRECTOR

"Mi trabajo es sobre el sexo, la muerte, la enfermedad, el amor. Se da de baja fácilmente y no está pensado para hiper-especialistas que lo han visto todo, sino para los curiosos y los de corazón abierto. Y no olvidemos la belleza, los genitales, el acto de ver con los propios ojos, la proximidad de los cuerpos, y cómo podemos equilibrar lo imposible y lo ridículo con un ojo mientras absorbemos películas marginales con el otro."

CERO EN CONDUCTA

NOTA DEL DIRECTOR

"Una mezcla de patrones intrincados que vibran, parpadean e hipnotizan, al ver el trabajo de Peter se siente como entrar en una oscura cueva digital." ALEX GINSBERG en Electric Objects

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CIDADE PEQUENA

LUMBRE

CIUDAD PEQUEÑA Diogo Costa Amarante

Christian Delgado - Nicolás Testoni

Portugal, 2016 — 19'

Argentina, 2016 — 44'

[ PREMIERE ARGENTINA ]

Un día, el pequeño Federico aprende en el colegio que los cuerpos están formados de cabeza, torso y extremidades y que las personas mueren cuando su corazón deja de latir. Esa noche, él no puede dormir. Durante la madrugada, despierta a su mamá varias veces quejándose de un dolor en el pecho. Cidade Pequena es una puesta en escena onírica de los miedos de Federico en la que se funde lo tierno y lo aterrador. Las cabezas estallan, las sensaciones ante lo indecible afloran y las palabras no vienen fácilmente. NOTA DEL DIRECTOR

"Cuando era niño leí un colorido libro infantil titulado ¿Por qué murió el abuelo?, y me resultó aterrador. El paralelo emocional que ví entre esos recuerdos de infancia y la experiencia de mi sobrino Federico me inspiraron a hacer esta película. Mi primer intento de describir esto fue muy literal, un guión escrito cronológicamente y filmado con mi sobrino en su escuela. Entonces me di cuenta de que lo que realmente quería representar no era una recreación de los acontecimientos, sino una expresión de las emociones que experimenté leyendo ese libro como niño y la ternura que sentí escuchando la historia de la experiencia similar de mi sobrino."

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Lumbre es la segunda parte del film La extensión. Una película que, adecuando sus tiempos al espacio geográfico que retrata –la llanura sobre la línea imaginaria que separa las provincias argentinas de Buenos Aires y La Pampa– no puede terminar. La pregunta que crece entre estas imágenes tiene tal vez la misma edad de nuestro país: ¿cómo concebir un territorio casi inabarcable, inconmensurable en su dimensión física, pero también social, como un espacio común. NOTA DEL DIRECTOR

“Un poco a contramano del sentido fijado para la enorme mayoría de las producciones audiovisuales contemporáneas, estamos menos interesados en amplificar -aún más- la eficacia espectacular de las imágenes técnicas que en explorar su fragilidad. Territorio de ensueño o de pesadilla, la noche tiene mil ojos. Lumbre es una invitación a perdernos en ella. Allí donde la vista, el más diurno de nuestros sentidos, pierde certezas. La noche alumbra la imaginación, el misterio, el deseo...”

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VACÍO/A

GIRASOLES

Carmen Rojas Gamarra

Jeff Zorrilla

España, Perú, 2016 — 5'

Argentina, 2015 — 5'

[ PREMIERE ARGENTINA ]

Vacío/a es una pieza experimental que habla sobre una ruptura sentimental contada a través de un catálogo de IKEA. ¿Qué pasa con los objetos una vez comprados? ¿A qué personas llegan y de qué historias empiezan a ser parte?

La forma del girasol fracciona nuestra mirada sobre la vida urbana, yuxtaponiendo tres fragmentos de tiempo que dialogan entre sí.

NOTA DEL DIRECTOR

"Girasoles es mi manera de darle una nueva mirada a la ciudad. A través del uso de máscaras en forma de círculos concéntricos pude filmarla en tres capas diferentes. Después de cada filmación, abrí el cartucho, rebobiné la película a mano y volví a filmar de vuelta. Este proceso permitió que mis impulsos del momento, en cada instancia, se comuniquen de manera azarosa entre sí. El resultado no es una sinfonía sino el tejido de una ciudad."

"En Vacío/a, utilizo la apropiación como recurso para sacar de contexto un catálogo de Ikea y darle otro sentido. Las imágenes de catálogo te venden la idea del hogar perfecto, e intentan inducirte a la compra de objetos con los que es posible llegar a la armonía y la felicidad. Esta pieza reflexiona sobre qué es lo que pasa con estos objetos una vez comprados, a qué personas llegan, de qué historias empiezan a ser parte y qué nuevo valor empiezan a tener. ‘Vacío/a’ habla de una relación y un hogar roto. De una familia que se separa y de una casa que empieza a vaciarse de objetos."

CERO EN CONDUCTA

NOTA DEL DIRECTOR

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FREAKS Freaks es una pregunta en la matriz del festival. Algo impreciso que late en su interrogante. Puede que sea el secreto mejor guardado. La gestación de una visión mutante para quebrar lo que la identidad prevé. Un tributo a ese instante de reflejo magnético que lleva a detenernos en lo anómalo, chocar con lo increíble y naturalizar la rareza. un rostro sin piel mil peces en una piscina el paraíso en temporada baja los músculos más monstruosos la música que bailan las aspiradoras un centenar de accidentes en el camino una dulce canción asociada a lo tremendo las reptilianas que acabarán con el planeta lo que sucede cuando la cámara no está apagada Freaks puede ser todo y nada de esto a la vez.


THE ROAD MOVIE

THE DUST CHANNEL

LA PELÍCULA RUTERA

EL CANAL DE POLVO

Dmitrii Kalashnikov

Roee Rosen

Bielorrusia - Rusia - Serbia - B. Herzegovina - Croacia, 2016 — 67'

Israel, 2016 — 23'

[ PREMIERE ARGENTINA ]

[ PREMIERE AMERICANA ]

Las cámaras capturan todo tipo de situaciones a través de los parabrisas, mientras las conversaciones dentro de los vehículos reaccionan a los espectáculos más improbables. Ataques de locura, colisiones brutales, caminos de fuego, misterios que caen del cielo, sinuosas nevadas, la ira de conductores acompañada de hachas, martillos y pistolas. Todo puede suceder en el camino. Este fascinante mosaico de aventuras asfálticas y fotografía paisajística, en el que los videos encontrados de una gran variedad de cámaras de control de automóviles en Rusia, representan la naturaleza absurda y aterradora de las manifestaciones cotidianas de un país.

Opereta con libreto en ruso ambientada en el entorno doméstico de una familia burguesa israelí, cuyo miedo a la suciedad, al polvo o a cualquier presencia extraña en su hogar deviene en una perversa devoción por los electrodomésticos de limpieza, y en fobia sociopolítica. The Dust Channel se presenta como cadáver exquisito, un musical surrealista donde el absurdo lleva a animar a una aspiradora que se convierte en agente gravitante de un hogar repleto de deseos asociados a nociones de suciedad y limpieza. El miedo al polvo y a las personas que invaden el espacio privado, deviene realidad de un centro de detención para refugiados asentados en el desierto.

NOTA DEL DIRECTOR

"Estuve involucrado en la producción de videos que estudiaban diferentes accidentes automovilísticos con el fin de mostrar los errores que se suelen cometer en las carreteras, con consecuencias trágicas. Me interesó este tema y busqué en internet más ejemplos de accidentes. Y así es como me topé con los videos de las cámara de control de automóviles. Me emocionaron mucho. La mayoría de las personas se concentran en las situaciones extrañas y divertidas delante de cámara. Pero para mí lo más poderoso es la reacción de la gente detrás de las cámaras. Cómo tratan la vida que literalmente choca contra ellos."

FREAKS

NOTA DEL DIRECTOR

"The Dust Channel es un amorío surrealista que rinde homenaje en varios niveles a los clásicos en los que la perversión y la transgresión aparecen dentro de la domesticidad burguesa: El perro Andaluz de Dalí y Buñuel. Las imágenes de limpieza amorosa, suciedad temerosa y la importancia social y psicológica que engendran, están ligadas a la relación entre los propietarios y las presencias que entran en su casas: limpiadores, refugiados y policías que los persiguen."

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RAMBLIN´ FREAK

SICK FUCK

RAMBLIN´ FREAK

JODIDO ENFERMO

Parker Smith

Pablo Carpal

Estados Unidos, 2017 — 91'

España, 2016 — 3'

[ PREMIERE INTERNACIONAL ]

[ PREMIERE AMERICANA ]

Después de una tragedia personal devastadora, Parker Smith decide hacer un viaje por las rutas de Estados Unidos. Con la intención de documentar su viaje, compra una cámara usada en eBay y se sorprende al descubrir que contiene una cinta de vídeo olvidada, con extrañas secuencias de vídeo casero del famoso fisicoculturista Gregg Valentino. Convencido de que la cinta de Valentino llegó a sus manos por alguna razón existencial, Parker viaja junto a su gato, dos cámaras y una minivan, desde Austin, Texas, hacia Nueva York para encontrar al desvanecido fisicoculturista.

Lo que comienza como un ensayo sobre la recepción en YouTube de un cortometraje experimental acaba narrando -o mejor dicho, dejándose narrar- una historia que trasciende al material original. Siguiendo la imprevisible deriva que proponen los comentarios en las publicaciones de internet, Sick Fuck propone un fuerte y repentino choque entre liviandad y brutalidad que deriva en un contraste irónico al son de All My Life de Ella Fitzgerald.

NOTA DEL DIRECTOR

"El found footage es una de las maneras de trabajar que más me atraen y me gustan. Cabe decir que lo que disfruto más de la práctica cinematográfica es el montaje, ya que a la hora de grabar tiendo a frustrarme. Trabajo esencialmente con videos de youtube. Suelo utilizar videos amateurs, caseros, con muy pocas visitas. El proceso de buscaqueda me es muy gratificante. Es así como llegué al cortometraje de Bruce Baille, del cual me interesaron más los comentarios publicados que la obra en sí."

"Hice esta película para probarme a mí mismo qué podía hacer una película. Hice esta película también porque sentí que no tenía otra elección. Cuando esa cinta de Gregg Valentino cayó del cielo, me obligó a enfrentarme al dolor contra el que estaba luchando por mantener enterrado."

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NOTA DEL DIRECTOR

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AND SO WE PUT GOLDFISH IN THE POOL

COPA LOCA

Y ENTONCES PUSIMOS LOS PECES EN LA PISCINA

COPA LOCA

Makoto Nagahisa

Christos Massalas

Japón, 2017 — 28'

Grecia, 2017 — 14'

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

[ PREMIERE SUDAMERICANA ]

En la ciudad de Sayama, un día de verano, se encontraron 400 peces dorados en la piscina de una escuela secundaria. Cuatro chicas de 15 años pasan sus días entre bares de karaoke y coqueteos con chicos. Esta historia narra el modo en que las adolescentes llegaron a poner los peces allí.

"Copa Loca es el nombre de este lugar. El verano en Copa Loca es salvaje. Copa Loca es un paraíso abierto a todos. Llegan miles de turistas. Ellos corren, bucean, se deslizan, toman sol y esperan que el fuego se encienda. En invierno, los pocos residentes que quedan en Copa Loca recuerdan el verano pasado. Y febrilmente se preparan para el verano que viene". Esta es la historia de Copa Loca, un abandonado complejo griego de verano. Paulina es el corazón de Copa Loca. Todo el mundo se preocupa por ella y ella se preocupa por todo el mundo, en todos los sentidos posibles.

NOTA DEL DIRECTOR

"Las chicas se identifican con el pez dorado. Lo trasladan de la pecera a una piscina, pero ¿eso es libertad? Las chicas quieren irse de Sayama. Sin embargo, si lo hicieran, no estarían seguras de poder considerarse libres. Esto parece ser un mensaje negativo pero apruebo esa situación, en realidad. "Estoy viva" es un mensaje muy simple, pero quizá sea todo lo que necesitamos. Estos son algunos sentimientos que intenté transmitir a través de mi película."

FREAKS

NOTA DEL DIRECTOR

"Copa-Loca comenzó con algunos recuerdos de infancia de los maravillosos 90s. No recuerdo experiencias, pero sí muchas fotos tomadas de televisión, videoclips, telenovelas que veía. El resultado es esta sensación de verano bajo las palmeras, que durante años me pareció una promesa de la vida adulta. Mucho más tarde me di cuenta que esas imágenes artificiales abruman la forma en que percibimos las cosas, las expectativas para las relaciones humanas y la vida."

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LA MALDITA PRIMAVERA

HOTEL PUNTA DEL ESTE

Marc Ferrer

Luis Sens

España, 2017 — 61'

Argentina, 2016 — 9'

[ PREMIERE AMERICANA ]

Una reptiliana es enviada a la Tierra para que averigüe si la especie humana supone una amenaza para el resto de las civilizaciones de la galaxia y determinar si nos tienen que exterminar. Más allá de la ciencia-ficción La Maldita primavera, protagonizada por el grupo de música Papa Topo, es una película sobre la diversión y la música pop, sobre la fugacidad de las pasiones amorosas juveniles y la vitalidad desprejuiciada.

NOTA DEL DIRECTOR

"En una película de este tipo, sin presupuesto, buscar la perfección técnica es absurdo. Pienso en las primeras películas de John Waters o en las de Andy Warhol. Decidí encargarme de la iluminación y de la cámara y reclamar a mis amigos como actores porque cualquiera puede actuar en cine. Es por eso que el resultado es una película desafinada técnicamente, repleta de acciones desenfocadas, sombras proyectadas que evidencian los focos, malas actuaciones, diálogos en plena vía, fallos de racord, cromas chapuceros y muchas (muchas!) miradas a cámara. Fruto de un rodaje feliz, bonito y muy divertido, algo que era esencial para el resultado de la película."

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Verano. Punta del Este. Cada temporada, la ciudad se divide entre los turistas, los dueños de las propiedades y los que trabajan. En un hall de hotel conviven dos mundos que se tocan apenas un instante: un joven fotógrafo decide retratar a damas con pretensiones de alta sociedad. Después de la sonrisa estudiada para la foto y ante la ida del fotógrafo, comienzan a surgir las palabras y en ese diálogo se desvanece la pose y emerge lo trivial del veraneo. Ellas revierten la lógica, lo retratan a él desde sus propios prejuicios de clase. ¿Es un proletario? ¿Les desea el mal? ¿Viene a destruir la nobleza de Punta del Este? NOTA DEL DIRECTOR

"Persigo señoras todo el tiempo. Sus peinados y sus vestidos de flores, su mundo entero. Bajo al lobby del hotel en una pausa del rodaje en el cual me desempeño como foto fija. Las veo ahí sentadas, no lo puedo creer. Les pido si me dejan tomarles una foto, las retrato con tres cámaras distintas. Dejo grabando la cámara digital en el trípode mientras disimulo. Me paro y miro de reojo. No logro escuchar lo que dicen."

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LES YEUX SANS VISAGE LOS OJOS SIN ROSTRO George Franju Francia, 1960 — 90'

"No me gustan las películas de terror que no son películas de terror ..." Los escritores de novela criminal Boileau y Narcejac adaptaron para Franju un macabro relato de Jean Redon. Su argumento describe los experimentos de un brillante cirujano, Génnessier, que vive recluido junto a su hija y su asistente en un confinado chateau de la campiña francesa. Génnessier asesina mujeres para quitarles la piel y darle así un rostro a su hija, quien lo ha perdido a causa de un accidente automovilístico. Los ojos sin rostro, dirigida por el talentoso George Franju, posiblemente sea la película más popular de su filmografía. Enmarcada por una atmósfera gótica que embelesa, el film es una rareza del cine por sus extrañas mezclas de lirismo y horror. Ha sido muy influyente en la décadas posteriores a su estreno y Franju, considerado un pionero del género. Al ver Los ojos sin rostros somos testigos ante imágenes -de terror, de gore y de inexplicable belleza- que una vez vistas nunca se olvidan. NOTA DEL DIRECTOR

“No es lo fantástico lo que me atrae, es lo inusual. Lo fantástico es la forma, lo fantástico se crea. Mientras que lo inusual está en las situaciones. No se crea, lo inusual, se revela." Georges Franju a Serge Daney en 1986.

Con el apoyo de:

FREAKS

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FOCO CHEMA GARCIA IBARRA Cultor del clase B y de la ciencia ficción de los ´70, el de Chema García Ibarra es un cine defensor de una estética feísta deliberada que practica desde un control preciso. Lejos de toda solemnidad, su poética hace gala sin pretensión de una puesta en escena austera y encantadora ligada al comic y al registro de observación en amalgama con la complejidad de una trama narrativa que combina lo ordinario y lo fantástico con una naturalidad poco común. En su filmografía conoceremos al entrañable José Manuel Ibarra, primo del director y su actor fetiche, cuya figura de antihéroe favorito habita siempre sus relatos al servicio de la voz en off como vehículo ficcional, característica potente en los primeros trabajos de Garcia Ibarra. Acerca de esto, prestar particular atención a su uso en Uranes (un declarado homenaje a Historias Extraordinarias de Mariano Llinás) y en Mamá es boba, una película tan desconocida como imperdible de Santiago Lorenzo, programada por el propio Chema, en la que se adivina la génesis de un humor negro fundante que marcará su carrera para siempre. A todo querer, el festival le dedica esta retrospectiva a Chema García Ibarra.

Con el apoyo de:


EL ATAQUE DE LOS ROBOTS DE NEBULOSA-5

PROTOPARTÍCULAS

España, 2008 — 6'

España, 2010 — 7'

“Los robots espaciales van a atacar la Tierra muy pronto. Vienen de Nebulosa-5, el lugar más lejano del universo... Nos vigilan desde hace por lo menos 4000 años y han decidido que algún día seremos una amenaza para otro mundo. Va a morir casi toda la gente."

“Dentro de mucho tiempo un desconocido vendrá a buscarme y me ofrecerá participar en el experimento protomateria. Aceptaré y me trasladaré al centro. Igual que todos los trabajadores, dejaré de tener contacto con el exterior, nunca me llamarán por mi nombre, ni me darán el suyo. Mi labor será hacer funcionar el emisor de taquiones. Me entrenarán durante meses y me enviarán al espacio. Dirán que sólo allí se dan las condiciones para el experimento."

MISTERIO España, 2013 — 12'

“Me contó Maritere, que el domingo fue a la playa con Antonio y su chiquillo, José Manuel. Dicen que vieron una luz ahí a lo lejos. Fueron a ver lo que era. Conforme se iban acercando, empezaron a notar como un olor a flores cada vez más lejos. Llegaron hasta las rocas grandes y ahí estaba todo iluminado. Vieron la figura de la virgen María a mitad de la luz. Dice Maritere que la virgen levantó el brazo y señaló al joven José Manuel. Estuvo así un rato y luego se apagó todo. Dice que, desde esa noche, la virgen se metió dentro de su hijo y se han dado cuenta que si pegas la oreja a la nuca del José Manuel, la oyes hablar." FOCO CHEMA GARCIA IBARRA

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URANES España, 2013 — 60'

“Cuando José Luis nació, se lo llevaron rápido y a su madre no le dijeron dónde. El médico volvió después de mucho tiempo, sin el bebé y muy serio. Durante unos segundos, Maite vió como las paredes de la habitación se volvían negras y las caras de la gente se derretían. Entendió más o menos lo que le dijeron: el niño ha nacido con una cosa dentro de la cabeza y se la tenemos que quitar. No sabemos lo que es, pero no es normal. Hay que operarlo ya. Maite firmó un papel que le pusieron delante y se desmayó."

LA DISCO RESPLANDECE España-Turquía, 2016 — 12'

"Cae la tarde y la sombra de la montaña crece. Cinco chavales preparan la noche: tienen alcohol, música y un coche. Da igual que la discoteca lleve años cerrada. La disco esta caliente / Subele a la música pa esas nenas que se mueven / Si me ves en la disco yo te digo que lo intentes / No pienses que soy como el resto de la gente / Yo no se que paso, pero la disco resplandece / Cuando llega esa mujer, con su cuerpo de indecente / Yo no se que paso, pero la disco resplandece." Tema La Disco Resplandece de LA MAFIA DEL AMOR

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CARTA BLANCA: MAMÁ ES BOBA Santiago Lorenzo España, 1997 — 92'

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

El pequeño Martín se caga todos los días en el colegio, lo cual parece muy gracioso pero le está retorciendo la vida de amargura. Siente vergüenza ajena de sus padres, Gema y Toribio, dos enamorados que siempre sonríen como pidiendo perdón por todo, y que además ignoran el drama que su pobre hijo sufre todos los días en clase. La madre de Martín es una pobre mujer a quien el equipo de un programa de televisión local le hace creer que tiene una gran capacidad comunicativa convenciéndola de participar en un show. Lo que pretenden, es pasar el rato viéndola hacer el ridículo delante de todo el mundo.

"Las películas perfectas me quitan las ganas de vivir: el amor verdadero nace del corazón amateur y por eso me gusta que Mamá es Boba a veces no se escuche bien. Aquí hay una película manufacturada por alguien que lleva un mono azul y hace pausas para el bocadillo. Aquí hay aceras feas, coches de currantes y muebles marrones y pesados; nada de la liviandad blanquecina de Ikea que daña los ojos con su brillo nórdico. Aquí hay fundidos encadenados incomprensibles y trucos visuales alucinados que obligan a esperar lo inesperado, y no existe sensación más emocionante. Aquí hay gente que sale leyendo y si les cuesta o se equivocan, pues qué le vamos a hacer, pero es que las personas normales leen así y esta película está hecha por personas normales que visten normal y pasean por parques llenos de barro. Aquí hay una película embarrada que te deja tierra en las suelas cuando terminas de verla. Hay espíritu bajonero, product placement tristón y chistes malos: aquí hay una película que me representa." CHEMA GARCIA IBARRA

FOCO CHEMA GARCIA IBARRA

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LAS PELICULAS INVISIBLES: ESPECIAL CANADA En Las películas invisibles echamos luz sobre obras ocultas con la premisa de recuperar algunos títulos argentinos fuera de programa. En esta edición, la acción trasciende fronteras. Junto a la Embajada de Canadá en Argentina seleccionamos una triada de títulos recientemente restaurados por Canadian Filmmakers Distribution Centre, entidad dedicada a la preservación y difusión del cine experimental. Este breve tributo a una de las cinematografías más radicales y disidentes de la historia del cine reúne, en su formato original de 16 mm, obras de tres autores fundamentales: Joyce Wieland, Jack Chambers y Bruce Elder. Con el apoyo de:


REASON OVER PASSION LA RAZÓN SOBRE LA PASIÓN Joyce Wieland Canadá, 1969 — 83' — 16 mm.

La obra maestra de Joyce Wieland y su más compleja declaración nacionalista, Reason Over Passion, es una exploración cinematográfica lúdica y penetrante del paisaje y del paisaje mental de Canadá. Tomando su título de una frase del entonces candidato a dirigente del partido liberal, "La razón sobre la pasión, ese es el tema de toda mi escritura", la película es un viaje impresionista en tren y automóvil desde el Atlántico hacia la costa del Pacífico. En palabras de P. Adams Sitney, "(...) Uno siente más tristeza que grandeza ante los paisajes que pasan, las animaciones de la bandera canadiense y las imágenes granuladas de Trudeau. Al final habremos visto un canto ecológico: no es tanto un poema de llegar, sino de lo que podría haber sido." LAS PELICULAS INVISIBLES: ESPECIAL CANADA

NOTA DEL DIRECTOR

"En el momento en que filmé Reason over passion, estaba en pánico, pánico ecológico y espiritual sobre este país. (...) Este país inspiró muchos de los grandes paisajes pintados en el mundo. Fotografié a lo largo del sur de Canadá para preservarlo a mi manera, con mi propia visión. Me sentí muy fuerte, apasionada. Sin embargo, el resultado final de la película es nostálgico, es un sentimiento triste sobre el paisaje."

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THE HART OF LONDON

THE ART OF WORLDLY WISDOM

EL CIERVO DE LONDRES

EL ARTE DE LA SABIDURÍA MUNDANA

Jack Chambers

Bruce Elder

Canadá, 1970 — 80' — 16 mm.

Canadá, 1979 — 55' — 16 mm.

The Hart of London combina noticieros cinematográficos de archivo con material original y añade a la mezcla un trasfondo de violencia en ebullición. Superponiendo imágenes encontradas de un ciervo siendo atrapado y asesinado en el centro de Londres, con imágenes anticuadas de la ciudad en transición industrial, Chambers recrea una historia urbana original, expansiva y severa. La constante tensión generada y sostenida en toda su exigente duración, sin la ayuda de pistas musicales o exposiciones de voz en off, demuestra porqué es considerada el mayor logro cinematográfico de Chambers. Stan Brakhage, ha descrito a The Hart of London como una de "las pocas GRANDES películas del cine”.

Composición de diarios conservados durante los años 1976 y 1978. Instantáneas en movimiento tomadas durante viajes al exterior y la vuelta a casa desde el trabajo; atisbos aleatorios de lugares vistos y personas visitadas, fragmentos de ensueños y visiones de sueños nocturnos con descripciones verborrágicas sobre la educación tratando de darle sentido a todo. "El bosque oscuro encontrado a mitad del viaje de la vida". Esta es la primera composición, producto de mis diarios cinematográficos.

NOTA DEL DIRECTOR

“Las casas estaban oscuras y, sin sus banderas anaranjadas de calor humano, la calle parecía abandonada de vida. Mis pies se adormecieron con el frío cuando el día oscureció, y los pequeños copos grises empezaron a caer del cielo. Miré a mi alrededor para encontrar lo que me había hecho daño, y todo lo que vi fueron las casas mudas, el brillo del acero a través de una grieta en el cielo que se cerraba, y la nieve dura."

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NOTA DEL DIRECTOR

"Creo que la experiencia poética conlleva una intuición no-discursiva y, de hecho, no-racional de las partes que forman un todo, en un orden que no puede ser expresado con palabras, una auténtica danza del intelecto entre las ideas."

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MUESTRA INTERNACIONAL DE CORTOS


AIN’T GOT NO FEAR

NO TENGO MIEDO

Mikhail Karikis

[ PREMIERE AMERICANA ]

Reino Unido, 2016 — 10'

Un grupo de adolescentes que crecen en una remota marisma industrial de Inglaterra, cantan junto a los estruendosos sonidos de demolición de la central eléctrica lindera a su pueblo. Esto convierte a la comunidad en desempleados. Los jóvenes escenifican un ruidoso disturbio de disfraces en el bosque y rapean sobre su infancia y su futuro.

10 VISTAS Maximiliano Pasarelli

[ PREMIERE MUNDIAL ]

Argentina, 2017 — 19'

Cuatro chicos graban el contestador de su abuela. Dos pequeños juegan en una pileta olímpica. Un perro festeja. Tres trabajan. Un banco. Un niño. Uno que parece un vikingo toca el piano y otro que no parece un vikingo lo guía. Luego, un trabalenguas en un auto. Más tarde, unos tipos comen pasta. Y al final, dos chicas juegan a un juego que, evidentemente, les hace mucha gracia.

AFTERNOON CLOUDS Payal Kapadia

NUBES DE MEDIODÍA [ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

India, 2016 — 13'

Kaki es una viuda de 60 años que vive con su criada nepalí, Malti. La película transcurre durante una tarde, en su casa, donde una planta florece en el balcón. De repente, Malti conoce a un marinero originario de su ciudad natal. MUESTRA INTERNACIONAL DE CORTOS

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MOUSE Celine Held - Logan George

RATÓN [ PREMIERE SUDAMERICANA ]

Estados Unidos, 2017 — 11'

Vanessa y Danny vienen con mala suerte. Cuando una lata de frijoles de la marca Única cae al suelo de su cocina, intentan absorber hasta el último centavo.

TAKE AWAY

COMIDA PARA LLEVAR

Geórg Cantos España, 2016 — 14'

Un Burger King a la medianoche. Cinco amigos con el estómago cerrado. Chicles, skaters y peleas y veintisiete Whoppers para llevar.

COLOMBI Luca Ferri

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

Italia, 2016 — 20'

Una pareja vive un siglo de vida mientras los objetos, tendencias, películas y arquitectos se suceden en un lento pero inexorable declive hacia el horror. Su obsesión con perillas octogonales y objetos anónimos de diseño los acompañana a lo largo de los años. Envejeciendo y perdiendo gradualmente su fuerza, deciden excluirse del mundo sellando las persianas de su hogar, hojeando viejas enciclopedias de animales extinguidos.

LA VIE SAUVAGE Laure Bourdon Zarader

LA VIDA SALVAJE [ PREMIERE ARGENTINA ]

Francia, 2017 — 15'

Arnaud y Nora tienen un cronograma bien ordenado para un fin de semana perfecto: una excursión en un parque natural, fotos con animales, sexo, siesta y cena. Pero el sofocante calor, la falta de animales y la libido de Nora arruinarán la metódica planificación de Arnaud. 68

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CALL OF CUTENESS

LLAMADO A LA TERNURA

Brenda Lien

[ PREMIERE SUDAMERICANA ]

Alemania, 2017 — 4'

Una reinterpretación de los populares vídeos de gatos de internet en clave de pesadilla consumista. La red de redes se ha convertido en un campo de juegos global y sin fronteras donde el cuerpo de los gatos es devorado, explotado y controlado. El miedo de los animales al dolor predomina sobre su ansia de libertad.

CHAPEU DE BICO

CAPÍTULO DE BICO

Ricardo Saraiva

[ PREMIERE ARGENTINA ]

Brasil, 2017 — 18'

Carvalho, un conductor de autobús en las afueras de São Paulo, acaba de comprarle a su nieto un regalo muy especial para su primera Navidad juntos. Para poder llegar a la reunión familiar, debe esperar a que su reemplazo del turno de noche llegue a tiempo.

JUNGLE

SELVA

Colia Vranici

[ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

Francia, 2016 — 18'

Durante los últimos meses, el infame campo de refugiados en Calais ha sido el hogar de un joven afgano. Sus experiencias diarias y sentimientos sobre la vida en la selva se reflejan en cartas que escribe a sus padres y que pintan el cuadro de una inevitable situación de desesperanza. El joven repite su mantra: "Pronto estaré en Inglaterra"

Y BERA - AGUAS DE LUZ Jessica Sarah Rinland Argentina- Reino Unido, 2016 — 10'

Narraciones a lo largo de la historia humana describen a los organismos que habitan los Esteros del Ibera.

MUESTRA INTERNACIONAL DE CORTOS

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SIGNATURE Kei Chikaura

FIRMA [ PREMIERE LATINOAMERICANA ]

Japón, 2017 — 13'

Un inocente joven de China memoriza ansiosamente un discurso en medio de la ruidosa multitud en Shibuya en Tokio, Japón. Algo que podría cambiar su destino le espera.

SECHS SIEBEN ACHT Eun Jin Park

678 [ PREMIERE AMERICANA ]

Alemania, 2017 — 7'

Hay tres cabezas en la oscuridad. Una se llama 6, otra se llama 7 y la restante 8. La rutina del nuevo día las desgasta progresivamente ¿Por qué discuten y hasta cuándo?

LE FUTUR SERA CHAUVE Paul Cabon

EL FUTURO SERÁ CALVO [ PREMIERE AMERICANA ]

Francia, 2016 — 6'

"Me di cuenta de mi destino durante esa comida. Observaba a mi padre y mis tíos rellenar sus caras con sus cabezas calvas todas alineadas y de pronto me cayó la ficha. Ése iba a ser mi futuro."

CONVERSACIONES Magdalena Orellana

[ PREMIERE ARGENTINA ]

España, 2017 — 6'

Nathalie cogió un avión y se fue a Egipto a nadar con los delfines, para reponerse. Estamos hablando del año 1500 o 1600. Luego se fue a Bélgica, después a Almería, luego se marchó a Ibiza, volvió a Bélgica y ahora está en Almería de vuelta. Nathalie, - le dije - te quiero ver. 70

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VARG Frida Kempff, Erik Andersson

LOBO [ PREMIERE SUDAMERICANA ]

Suecia, 2017 — 12'

Charlie es una joven que vive con su padre, apartados en el campo. Ellos se dedican a la cría y cuidado de ovejas, donde una noche un lobo ataca al rebaño. La muerte de las ovejas llevará a Charlie a tener que actuar. Éste pasará los días entre el silencio y la culpa éste pasará esos días.


MUSICALIZADAS


NAQOYQATSI: LIFE AS WAR VS CENTRAL ELÉCTRICA DISCOS

Central Eléctrica Discos Este año, algunos artistas del catálogo de Central Eléctrica Discos e invitados comandados por el productor Chico Ninguno, cierran la musicalización de la trilogía que comenzó en 2015 con Koyanisqatsi y continuó en 2016 con Powaqatsi, cambiando la estética sonora original hacia una cybermusicalización electrónica orgánica, cargada de emotividad y sensibilidad. El ambiente rave celebra el cine y la luz desborda la pantalla en esta fiesta audiovisual.

Naqoyqatsi a.k.a Life as war - Vida en guerra Godfrey Reggio EE.UU., 2002 — 89'

Naqoyqatsi (2002) es la tercera parte de la trilogía Qatsi junto con Koyaanisqatsi (1982), Powaqqatsi (1988). Qatsi, está inspirada en las profecías del pueblo Hopi, habitantes originarios de la meseta central de Estados Unidos. Naqoyqatsi, cuyo significado es Vida en guerra, nos propone una experiencia fílmica más allá de las palabras, reflexionando respecto de un mundo en el cual la tecnología digital está dominando todos los aspectos de nuestra cultura.

MUSICALIZADAS


NITRATO CIENTÍFICO VS LOOP DE NIRO

Loop de Niro Loop de Niro es un trío de formato variable y mutable, actualmente con una formación híbrida con Guitarra eléctrica, bajo, sampler y voces. Con participaciones este año en Cosquín Rock (Ceremonia Geiser) y en el Teatro Sony Music (CABA) LDN se encuentra presentando su primer disco Conceptitos. En esta oportunidad, con un set completamente electrónico, el trío promete mostrar su faceta más experimental. LDN está integrado por Matías Bazzetti, Lucía Roig Seigneur, Mauro Scaparro y la colaboración de Leonardo de la Fuente.

Museo del Cine, Programa 1: Nitrato Científico El nitrato es el primer soporte de la cinematografía y se caracterizó por su excelente registro fotográfico. Este programa está formado por una serie de películas científicas realizadas en este soporte, entre 1912 y 1914, pertenecientes al Fondo del Colegio Nacional de Buenos Aires y custodiado por el museo del cine: Una excursión al país de los crustáceos, La flor viviente que encierra el mar, La vida del corazón, Oceanografía entre los echinodermes y Una serpiente inofensiva - La culebra. CAROLINA CAPPA

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FUEGO AMIGO DISCOS Desde el 2010, Fuego Amigo Discos se desarrolla como un sello discográfico independiente con base en la ciudad de Buenos Aires, a la par de que produce, difunde, registra y replica la música y la labor de sus artistas en el ampliando su frontera al Gran Buenos Aires, las provincias y el resto de Latinoamérica. fuegoamigodiscos.com.ar

VARIETÉ VS LOS DÍAS

Los Días Los Días conquistó su forma más perfecta -aunque no definitiva- ambientando dilemas existenciales e introspectivos, con manifiestos confesionales, de largo alcance, de aire melancólico y de atmósferas inquitantes. Aceleraciones y rebajes heredados del post-rock, agudeza math-rock y la precisión como el arma más certera.

Varieté Ewald André Dupont Alemania, 1925 — 95'

Un famoso trapecista debe abandonar la escena del circo a causa de un incidente que lo lleva a la cárcel. Diez años después recobra la libertad, y con ella su oficio dirigiendo una pequeña sala de espectáculo en el centro de Hamburgo. Un día conoce a una bailarina de la que se enamora y decide dejar a su familia para volver con ella al circo. Juntos llama la atención de un influyente trapecista de la época, y éste, extasiados de verlos en escena, los invita a unirse a su show en Berlín. Basada en la novela de Felix Holländer. MUSICALIZADAS

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KÖRKARLEN VS EL DESAMBLE

El Desamble El Desamble es un conjunto musical camarístico surgido en 2010, con la idea de crear e interpretar música vinculada con las artes escénicas y el cine. ED toma elementos compositivos de la música contemporánea académica, popular y de los pueblos originarios. En esta oportunidad proponen, por una parte, un juego meta-esctructural coherente con la narrativa del film, por otra, recuperar un espacio sonoro para los personajes femeninos y la respectiva línea de interpretación en torno a la violencia de género, gesto que actualiza el compromiso político de este colectivo.

EVA CHEVALLIER BOUTELL - CCMHC

Körkarlen - La carreta fantasma Victor Sjöström Suecia, 1921 — 106'

Es Nochevieja. Tres borrachos evocan una leyenda: si un gran pecador es la última persona que muere al terminar el año, entonces éste tendrá que conducir durante un año entero la carreta fantasma que recoge las almas de los muertos. David Holm es uno de los tres borrachos, y es quien muere cuando suena la última campanada de la medianoche.

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MANC LE BLANC VS CIENTÍFICAS ARGENTINAS

Manc Le Blanc Manc Le Blanc (Manque La Banca) es guitarrista y cantante de Nunca fui a un parque de diversiones. Con una fuerte influencia del tropicalismo, la canción pop y la experimentación sónica, Manc Le Blanc reversiona en vivo composiciones de la banda y despliega un amplio abanico de sonoridades electrónicas y loops universales.

Museo del Cine, Programa 2: Científicas Argentinas Hacia fines de la década de 1940, aparecen en Argentina dos proyectos que vinculaban al cine como herramienta para la educación: Cine Escuela Argentino, del Ministerio de Educación de la Nación; y la productora Cinepa, que orientaba su producción al mercado hogareño. En este programa veremos cuatro episodios de la serie Maravillas Submarinas (1950), producidas por Cinepa: Súbditos de neptuno, El jardín sumergido, Un mundo extraño y El misterio de las profundidades. Para terminar, una de las primeras producciones de CEA: La belleza en el movimiento de los animales (1947-8). MUSICALIZADAS

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MAPAMUNDI VS MARAVILLAS DEL UNIVERSO

Mapamundi Mapamundi es el proyecto solista de Mora Sánchez Viamonte, de 107 Faunos. Con una base detodounpoquista el equipo adquiere formas de cartografías sonoras e intervenciones urbanas. En esta ocasión se nutrirán de bases de sintetizadores, guitarras y literatura para apropiarse de la película Maravillas del universo (1925) y sumergirnos en un nuevo y espontáneo atlas audiovisual. Mora Sánchez Viamonte se presenta Junto a Fredzia Ga y Joa Wall.

Wunder der Schöpfung - Maravillas del Universo Hanns Walter Kornblum Alemania, 1925 — 90'

Maravillas del Universo es una extraña película de comienzos del siglo XX que articula los avances en el campo de la astronomía, con elementos de la ciencia ficción, como un viaje a Marte y -a otros planetas- realizado por astronautas alemanes.

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EVOLUTION VS AMARIYO

Amariyo Amariyo en es una banda formada en La Plata a fines del 2013. Con un sonido inspirado en el rock de los ‘60 y ‘70, el blues y el folk, han construido a lo largo de estos años sus canciones en formato trío. Amariyo es Estéfano Baggiarini en guitarra y voz, Pedro "Pepo" Quintar en bajo y coros y Denis Vazquez en batería y coros. Este año se integró Pedro Belisario en teclados. Seremos partícipes de un recorrido instrumental que nos llevará a deleitar paisajes crudos, cálidos y amarillos, al igual que el desierto.

Evolution - Evolución Max Fleischer, Ovide Decroly Bélgica, 1923 — 41'

Documental acerca de la teoría de la evolución donde se combinan hermosas escenas de animación realizadas por Willis O'Brien, pionero en efectos especiales y stop motion, con el registro documental de una gran variedad de especímenes de la naturaleza, filmados en los comienzos del siglo pasado.

MUSICALIZADAS

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VESNOY (PRIMAVERA) VS LA VENGANZA DE CHEETARA

La Venganza de Cheetara La venganza de Cheetara exhibe un estilo que navega entre el space rock y una psicodelia fina y envolvente. Su propuesta es tan delicada como poderosa, sorprendiendo por los múltiples matices y detalles involucrados, fusión de post rock, música académica, experimentación noise, y pop alternativo, por excelencia. Angeles Rojas es tecladista y compositora de música académica, Angie Cases Bocci toca la guitarra en la banda de rock Mapa de Bits, y Federico Miyashiki es un reconocido baterista en la escena del jazz porteño.

Vesnoy - Primavera Mikhail Kaufman Unión Soviética , 1929 — 54'

Mikhail Abramovich Kaufman, hermano del director Ziga Vertov (Denis Kaufman) y el camarógrafo Boris Kaufman, no es otro que el mismísimo Hombre de la Cámara. Famoso por su trabajo como director de fotografía y camarógrafo en las series de noticias soviéticas Kino-Pravda, Mikhail dirigió con gran maestría dos películas: Moscow (1927) y Vesnoy (1929). Esta última, es un ensayo cinematográfico rodado en Ucrania que refleja la lucha de la gente con el frío, el crudo invierno y el despertar de la primavera. 80

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SALAMANDRA VS PYRAMIDES

Pyramides Con sede en Avellaneda, su sonido tiene influencias post punk, aunque interactúe con el noise, el new y no-wave y el dream pop, una combinación original inspirada en los años 80. Tras numerosas presentaciones, Pyramides lanza su primer LP de estudio Vacíos y Variables de la mano de Fuego Amigo Discos. Pyramides es: Facundo Romeo (guitarra y voz), Alonso Romeo (bajo y coros), Jonathan Chendo (guitarra), Andrés Centrone (batería, percusión, drum machine) y Hernán Molinari (sintetizadores).

Salamandra Georgiy Grebner Unión Soviética , 1928 — 90'

En una ciudad extranjera, Tsang, profesor de biología, demuestra con éxito que las salamandras adquieren el color del medio en que están. Este hallazgo va en contra de la creencia religiosa en la inmutabilidad del ser vivo, lo que disgusta al profesor de zoología, el sacerdote fascista Brzinski. Se desata entonces una feroz persecución política sobre el profesor Tsang y su familia.

MUSICALIZADAS

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PROYECCIONES ESPECIALES


EL MONSTRUO EN LA PIEDRA Ignasi Duarte Francia, 2016 — 50'

Durante toda una noche y hasta el alba, el escritor argentino Alberto Laiseca accede a responder a preguntas que formuló a personajes de sus obras. NOTA DEL DIRECTOR

BIOFILMOGRAFÍA

"El Monstruo en la Piedra se concibió como la continuación lógica del proyecto Conversaciones ficticias: una performance en donde un escritor sube a escena para responder a preguntas que formuló a personajes de sus obras. El film es fiel a la mecánica de las piezas escénicas: Ignasi Duarte fórmula a Alberto Laiseca preguntas extraídas de sus libros. Las cuestiones no están fijadas de antemano, sino que son seleccionadas, entre más de quinientas, en función de las respuestas del autor. Así, los interlocutores hilvanan en directo una suerte de relato mediante el cual se proponen reescribir las obras del escritor argentino."

IGNASI DUARTE Barcelona, 1976. Estudia Filosofía en la Universitat Autònoma de Barcelona. En 1996, funda el Museo Nacional de Arte Portátil (MNAP) y junto al director de teatro Roger Bernat, realiza los espectáculos LA LA LA LA LA (2003-04), Amnèsia de fuga (2004), Tot és perfecte (2005) y Rimuski (2006). En 2012, estrena su primer largometraje, Montemor, con el que obtiene una Mención Especial en FIDMarseille.

PROYECCIONES ESPECIALES

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DOS PLACERES RUTINARIOS CINÉFILO es una revista de crítica de cine que ya va por su número 23. Las Pistas es un sitio web de crítica de cine que existe desde el 2015. Los primeros tienen base en Córdoba, los segundos en Buenos Aires. Hemos intercambiado integrantes, textos, ideas y, sobre todo, películas. Nos une el mismo sentimiento de que el cine es siempre una cosa cambiante, tal vez hasta misteriosa y que la crítica, esa otra cosa que tenemos en común, puede llegar a ser una herramienta fundamental para pensar las películas y, de paso, el mundo. Las películas que aquí programamos en un esfuerzo conjunto se presentan como retratos de dos mundos ya prácticamente extintos. Uno de ellos, tiene como centro a la figura de un director que es filmado por otro director. El otro, pone el foco en los hábitos y costumbres de la cinefilia porteña a fines de la década del 80. De las dos nos interesa que sirven, como pocas películas lo hacen, para poner en imágenes el desafío que implica hacer cine con las pasiones de otros. Porque, en definitiva, ¿cómo se hace para poner en escena el magnetismo de un artista, su magia, sus enigmas? Y también: ¿cómo se puede filmar una obsesión como es, en este caso, la que implica el cine? Quizás, y esto es tan solo una respuesta de tantas, para hacer una cosa se necesite de lo otro. Y así, estas dos películas se retroalimentan mutuamente y terminan siendo una el reflejo de la otra. Dos formas, por qué no, de hacer crítica de cine con el cine mismo, con sus materiales, con sus componentes y con sus efectos. Esa es la crítica que nos gusta hacer. Esas son las películas que nos gusta ver.

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BIETTE

CINÉFILOS A LA INTEMPERIE

Pierre Leon

Carlos O. García & Alfredo Slavutzky

Francia, 2011 — 109'

Argentina, 1989-2005 — 94'

La película firmada por Pierre Léon sobre JeanClaude Biette podría tener tantas críticas como espectadores, pues cada espectador tendrá su Biette. De forma misteriosa, la película recorre como si fuera un hilo la existencia de Biette, al tiempo que retrata a un hombre cuya vida parecía estar organizada como los cajones de un armario: puedes ir viendo lo que hay en ellos uno por uno, pero jamás podrás tener todos abiertos a la vez y ver lo que hay. Mi Biette particular no puede sino ser subjetiva hasta las trancas, propia de alguien que sufrió una transformación en su relación con el cine y en sus ganas de hacer cine al descubrir las películas de Jean-Claude Biette y al leer sus textos críticos en Cahiers du Cinéma y en Trafic. La emoción no puede ser la misma, sobre todo porque Biette es una película de «pasante», de un pasante que es Léon. Una película que asume plenamente su sujeto, cosa rara hoy en día, y ese sujeto es Biette. Pierre Léon aparece cuando debe y se va cuando no se le necesita. Sencillamente, enseña cosas. Y lo que descubre e incita no provoca lo mismo en quien ya conocía el grueso de su obra (y que se sulfura al descubrir aún pequeños recovecos inexplorados y quizás inalcanzables, que se emociona al descubrir a la persona tras esa obra tan querida) que en quien la desconoce y se acerca a ella con virginal curiosidad.

Además de ser un documento de época esencial, Cinéfilos a la intemperie tiene una serie de actores que son un lujo: Adolfo Aristarain (que es capaz de diseccionar a Ford y a Hawks con la misma lucidez con las que arma sus propias ficciones), Rodrigo Tarruella, Edgardo Cozarinsky, Jorge Acha, Jorge García, Sergio Wolf, Edgardo Chibán, Roberto Pagés. Entre ellos hablan sobre qué significa ser cinéfilo o, más específicamente, ser la última generación que vio los clásicos en un cine viejo, a la tarde, casi siempre de manera ilegal. Hay algo que se desprende de sus experiencias y es la sensación de que el cine era algo más vital. O al menos implicaba salir a la calle, encontrarse con amigos y tener en cuenta al entorno de la proyección, todos avatares que desaparecen con los servicios de streaming y la cinefilia hogareña. La película funciona menos como celebración que como réquiem, a los cines transformados en iglesias evangelistas y a una manera de vivir el cine que casi hace casi treinta años se estaba acabando y ahora mutó de manera definitiva. Si bien como buenos cinéfilos no parecen relacionarse de manera muy sana con sus propios sentimientos, es palpable cierta resignación respecto del futuro. Tienen razón: los noventas se llevaron los grandes cines y la última posibilidad de vivir el cine como comunidad (al menos como comunidad real, concreta, y no virtual).

FERNANDO GANZO,

Superbiette. Artículo publicado en Revista Lumière.

PROYECCIONES ESPECIALES

LAUTARO GARCÍA CANDELA

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BLASZKO EN IMAGEN: ENCUENTRO ENTRE DIRECTORES En el marco de la exposición del artista Martín Blaszko que se presenta en el MACLA Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata en conjunto con el Museo Provincial Emilio Petorutti, se realizará la proyección de los cortometrajes La Ciudad Blanca del realizador español Nicolás Rubió, Del Punto a la Forma de Martín Blaszko y los documentales Martín Blaszko I, II y III de Ignacio Masllorens. Los directores conversarán sobre la experiencia de trabajar documentando el pensamiento y la obra de Martín Blaszko. Modera Leandro Listorti (Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken).

LA CIUDAD BLANCA Nicolás Rubio Argentina, 1958 — 12' — Betacam — B&N

Durante la década del cincuenta, Nicolás Rubió realizó una veintena de cortos inspirados en la obra de diversos artistas. En este caso filma las estilizadas esculturas de Blaszko recortadas contra el cielo y consigue crear una ciudad imaginaria que bien podría haber sido diseñada por el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer.

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MARTÍN BLASZKO I, II Y III Nicolás Masllorens Argentina, 2011 — 80' — HD

— Color

A partir de una de las exposiciones del artista en la ciudad de Buenos Aires, es que toma forma Martín Blaszko III, la película. Y en base a una serie de planos fijos, tan precisos como concretos, no sólo se desarrolla el montaje de una muestra (los preparativos, los protagonistas, las discusiones), sino que también se descubre la personalidad y las relaciones que establece el artista con su entorno y con el espacio en el que trabaja. Culminación de la trilogía que integran los cortometrajes Martín Blaszko I y Martín Blaszko II, esta tercera obra cierra el retrato sobre el artista que eligió Buenos Aires como su fuente de inspiración de una manera tan elegante y conmovedora como las obras que registra.

DEL PUNTO A LA FORMA Martín Blaszko Argentina, 1953 — 15' — Betacam — B&N

Este cortometraje es la única incursión de Martín Blaszko en el cine. Fue rodado hacia 1953 y en solitario (con excepción de algunas tomas realizadas con la ayuda de Eugenia, su mujer). En él, Blaszko hace uso de animaciones, juegos de perspectivas y otras ventajas del arte cinematográfico para hablar de las leyes geométricas que rigen la mayor parte de su obra y de los temas que siempre lo obsesionaron como la bipolaridad, lo monumental y la ciudad como fuente de emoción estéticas. Por momentos el film resultante produce imágenes de una pureza y elegancia equiparables a los experimentos visuales de compatriotas como Walter Ruttmann o Hans Richter. PROYECCIONES ESPECIALES

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PRESENTE CONTINUO PRESENTE CONTINUO es un ciclo coordinado por Hernán Khourian y organizado por la Secretaría de Arte y Cultura de la Universidad Nacional de La Plata. Un espacio de reflexión y exposición de artes audiovisuales que incluye video y cine experimental, intervenciones en vivo, instalaciones, video expandido y performance. En los encuentros programados se proyectan obras recientes, nacionales e internacionales, algunas de ellas inéditas.

TIERRA EN MOVIMIENTO Tiziana Panizza Chile, 2014 — 36'

Después de un terremoto el olvido es supervivencia. La cámara no debería registrar la destrucción sino lo que queda en pie, pues eso es lo que desaparecerá la próxima vez. Tierra en Movimiento es un viaje por el perímetro de un epicentro en busca del humano sísmico, esa especie de nación disipada que habita en la orilla de las placas tectónicas y que carece de gentilicio.

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OLAS SIEMPRE Cine expandido, performance audiovisual. Juan Ignacio Angaroni Argentina, 2016 — 30'

Una mirada sobre el paso del tiempo y las diferencias etarias, a través de registros documentales que emergen de fotografías de la década del 70 -intervenidas con la técnica de collage- y texturas sonoras incidentales.

LAGUNA GRIS Juan Manuel Molina Argentina, 2017 — 32'

Un fin de semana de invierno, la banda de rock Salí de ahí Maravilla se recluye a las afueras de la ciudad para grabar su primer disco en formato audiovisual. La productora cinematográfica Más Ruido es la encargada de llevar a cabo un registro en vivo que nos introduce sin más, en la intimidad de esta maravillosa banda platense. SDAM es Amparo Torres en voz y guitarra, Juan Badini en guitarra y coros, Pilar Cimadevilla en bajo y Lucio Torres en batería.

PROYECCIONES ESPECIALES

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TALLER DE TESIS El TALLER DE TESIS (orientación fotografía, guión y realización) es un espacio creado para que los alumnos de la carrera de Artes Audiovisuales de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de la Plata, lleven a cabo el anteproyecto de sus tesis. El mismo está a cargo de Hernán Khourian y un equipo de adjuntas (Karin Idelson, Laura Citarella y Magdalena Arau). En el marco del 13 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE DE LA PLATA FESTIFREAK tendremos la oportunidad de ver en calidad de work in progress varios de los proyectos de tesis desarrollados este año. Luego de las proyecciones dialogaremos con cada tesista sobre sus procesos de creación.

CAMINANDO ENTRE TURISTAS Y VIAJEROS REALIZACIÓN

Salvador Morera

Un diario de vacaciones familiares al sudeste asiático. Que no sólo da cuenta de lugares visitados, ciudades, templos y espacios recorridos, sino también de introspecciones sobre la forma del viaje, el modo de relacionarse con otras personas, medios de transporte, territorios desconocidos y también entre ellos mismos.

SIN TÍTULO GUIÓN Y DIRECCIÓN

Sonia Ballesteros

El presente de Ana transcurre, y en él se filtra la ausencia de Laura.

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LA CIUDAD SIN INFANCIA REALIZACIÓN

David Witon

Este proyecto busca reflexionar sobre la nueva identidad que ha adquirido la ciudad de La Plata.

ESPACIO REALIZACIÓN

Antonela Andriola

¿Qué oculta la mirada de mi abuela? A través de imágenes y sonidos robados, reciclados, recortados y repetidos, el trabajo intenta representar los espacios en blanco y las incertidumbres de la memoria de Carmen, como también develar lo tiempos muertos en su mirada perdida.

BIRRA, BIRRA, BIRRA Gonzalo Carbone Claribel Britez

GUIÓN Y DIRECCIÓN PRODUCCIÓN

Este film nara la pasión por el deporte amateur, el concepto de equipo y la gran familia que puede ser este grupo humano. Todo ello, tomando como protagonistas al plantel de Handball del club Defensa y Justicia.

SIMULANDO REALIZACIÓN

Diego Felipe Moreno / Belén Adroqué / Jaime Tabares Rueda

Es un audiovisual en proceso que intenta reflexionar sobre la relación cámara-cuerpo, la sexualidad y el erotismo, generar un extrañamiento de las acciones y causar cierto quiebre en la estatización que la pornografía ha provocado en la imagen del cuerpo desnudo. De ello, se busca crear un discurso embebido de divagación y delirio sexual.

LOS POSIBLES DIRECCIÓN, DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA Y EDICIÓN

Juana Solassi

Dos amigas tienen una charla sobre el modo en que las casualidades generan una cadena única de acontecimientos que convierten al sujeto en un producto del azar. A medida que reflexionan, se imaginan en otros cuerpos y circunstancias en las que podrían haber nacido. Los personajes que ellas inventan van mutando a lo largo de la conversación, mezclando la realidad diegética con realidades imaginadas. PROYECCIONES ESPECIALES

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VIDEOPOEMA Nace de la convocatoria y la invitación a producir cortos de video-poesía a fin de generar cruces y diálogos entre poetas y realizadores visuales y audiovisuales. Pensamos Videopoema como una particular forma de videoarte y como un proyecto curatorial que genera un espacio para abrazar y sororizar a aquellas producciones audiovisuales que surgen de la voz de un poema. Valeria López Muñoz y Florencia Cugat

1

2

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Trenza de Cecilia Pavón en III Actos VIDEO Catalina Bartolomé POEMA Trenza, Cecilia Pavón EDICIÓN Hernan Kacew DURACIÓN 2'36'' AÑO 2017

Sin título VIDEO Candela del Valle POEMA Sin título de Triana Leborans DURACIÓN 1'35'' AÑO 2017

Supernova-2P/Halley POEMA Supernova por Malén Denis VIDEO Juliana González VOZ Malén Denis DISEÑO DE SONIDO Mark Boucher DURACIÓN 3'17'' AÑO 2017

6

7

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Me pidió VIDEO Guido Lawsky DISEÑO DE SONIDO Morita Vargas POEMA Me pidió DURACIÓN 4'47'' AÑO 2017

Juntar lo Separado VIDEO Valeria López Muñoz POEMA Juntar lo Separado DURACIÓN 1'24'' AÑO 2017

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XOXO

VIDEO Sofia Finkel

POEMA XOXO de Matías Médeler DURACIÓN 2'10'' AÑO 2017

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Sin Título VIDEO Ana Giacone POEMA Sin título de Arlen Poulille DURACIÓN 1'24'' AÑO 2017

Que tu época dure para siempre

VIDEO Florencia Cugat

POEMA Mantene viva tu época DURACIÓN 6'33'' AÑO 2015

9

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Amigos VIDEO Agus Leal POEMA Amigos de Agus Leal DURACIÓN 2:48 min. AÑO 2017

Plaza once y un limonero VIDEO Isaac Diaz POEMA Plaza once y un limonero de José Fogwil DURACIÓN 2'06'' AÑO 2017

PROYECCIONES ESPECIALES

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ESPACIO DE FORMACIÓN

MAQUINAS DE MIRAR UNA ARQUEOLOGÍA DEL CINE Partiremos de un acercamiento a la etapa previa al cine, desde sus antecedentes directos, los juguetes ópticos. Jóvenes y adultos podrán conocer la familia de juguetes que anticiparon su nacimiento en una muestra interactiva y lúdica. Nos enfocaremos en la construcción de vínculos entre la tecnología de la época pre-cinematográfica y las tecnologías actuales. Cada participante podrá construir su propio dispositivo óptico y verlo en acción. De manera práctica, podrán acceder a posibilidades de sencilla resolución y construcción dentro del diseño audiovisual. Máquinas de Mirar es un proyecto educativo-recreativo que difunde la etapa del Pre-cine y los juguetes ópticos con actividades para todos los niveles de enseñanza. Dictamos talleres, capacitaciones y seminarios en instituciones privadas y públicas. Laura Contreras, fundadora del proyecto, es columnistas de cine en Radio FM La Tribu, cubriendo festivales, muestras, estrenos y temas de actualidad audiovisual. Integró el Jurado del 15° Festival Internacional de Derechos Humanos como Estudiantes de la carrera de Artes, UBA y del 7º Festival de cortos para niños Ojo al Piojo de Rosario, Santa Fe.


SIMILITUDES Y DIFERENCIAS EN LA ACTUACIÓN PARA TEATRO Y CINE Por Rosario Blefari y Ezequiel Radusky

Este seminario propone una forma de explorar el proceso de creación de la escena cinematográfica sobre las bases de la investigación actoral hallando similitudes y diferencias entre los distintos recursos puestos en juego en lo teatral y lo audiovisual. Estará estructurado como un recorrido intensivo de cuatro horas, en cuatro encuentros consecutivos, en los que pondremos en práctica el ensayo de diferentes situaciones a partir de material generado por los participantes in situ en relación con el ámbito, los objetos y los otros actores. La presencia de la cámara y el monitoreo de las escenas estarán presentes permitiendo el análisis y la búsqueda o elección de recursos actorales que puedan ser útiles tanto a actores como a directores e incluso a quienes se interesan por la escritura de guión. Para ello se requiere de los participantes la total predisposición al trabajo en diferentes roles, con el objetivo de vivenciar la puesta desde varios puntos de vista.

ESPACIO DE FORMACIÓN

ROSARIO BLÉFARI (Mar del Plata, 1965): Es música, poeta, dramaturga, y actriz. Como actriz, trabajó en obras dirigidas por Guillermo Kuitca y Vivi Tellas. En cine, protagonizó Silvia Prieto de Martín Rejtman y actuó en Idea de un lago de Milagros Mumenthaler. Como escritora publicó los poemarios Poemas en prosa, La música equivocada y Antes del río y el libro de cuentos Mis ejemplos. Actualmente, codirige el podcast Los cartógrafos. EZEQUIEL RADUSKY (San Miguel de Tucumán, 1981) Es director, guionista y actor. Su primer largometraje de ficción Los dueños, se estrenó en la 52ª Semana de la Crítica del Festival Internacional de Cannes y obtuvo la Mención Especial del Gran Jurado.

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PRESENTACIÓN COLECTIVO DE CINEASTAS El COLECTIVO DE CINEASTAS está conformado por realizadores, productores y técnicos que vienen haciendo cine de manera independiente, muchas veces siendo productores y directores, realizando las películas sobre la base de un gran esfuerzo y dependiendo muchas veces de un aporte colectivo y desinteresado de otros realizadores. A partir de las experiencias de distintas realizaciones, el objetivo es generar un debate sobre las variables y los resultados de diferentes diseños de producción y estéticas cinematográficas. Diferentes modelos, diferentes procesos y diferentes películas teniendo en cuenta las actuales condiciones de fomento por parte del Estado.

REVISTAS DE CINE: DIÁLOGO ENTRE LA CUEVA DE CHAUVET Y REVISTA PULSIÓN REVISTA PULSIÓN es una publicación trimestral en papel que propone abordar la escritura sobre cine de manera dialéctica, en el choque de lo aséptico, endogámico y demorado con lo ágil y accesible, con el barro del presente. LA CUEVA DE CHAUVET es una página web que nace a fines de 2014, atravesada por un abordaje multidisciplinar del cine donde contribuyen la filosofía, la psicología, las letras y la comunicación, entre otras. Se trata de las publicaciones sobre cine más importantes de la ciudad de La Plata, por lo que el diálogo entre ellas se vuelve insoslayable.

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13° Festival de cine independiente de La Plata Festifreak


BAFILM BAFilm, la Film Commission de la Provincia de Buenos Aires, se dedica a asistir a las productoras locales, nacionales e internacionales que están interesadas en rodar en la provincia. Este acompañamiento está destinado tanto a producciones de gran escala como a proyectos académicos e independientes. Con un enfoque integral, BAFilm participa en las distintas etapas: En preproducción y rodaje, sugiriendo locaciones posibles a través de un amplio catálogo, gestionando los permisos de rodaje necesarios, vinculando a las productoras con los profesionales y servicios locales disponibles y colaborando en el diseño de logística del rodaje, a partir del conocimiento de las particularidades geográficas, climáticas y estructurales de la provincia. BAFilm también propicia vínculos solidarios con los distintos municipios, gestionando incentivos locales y procurando condiciones estables y seguras para el rodaje. También en el lanzamiento, colaborando con la difusión de la película y aconsejando posibilidades de estreno a través de una extensa agenda actualizada de convocatorias internacionales, nacionales y provinciales. Si estás interesado en filmar en la provincia, si tenés un guion y aún no definiste tu plan de rodaje, o si ya tenés decididas tus locaciones, podés consultarnos. El servicio que ofrece BAFilm, además, es totalmente gratuito.

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ESPACIO DE FORMACIÓN

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INDICE DE AUTORES ANA VAZ (Brasil, 1986). Artista y cineasta cuyas películas, instalaciones y performances trabajan las relaciones entre el mito y la historia, el yo y los otros, a través de una cosmología de referencias y perspectivas. Se graduó en el Royal Melbourne Institute of Technology y en Le Fresnoy. Sus películas se proyectaron en NYFF, TIFF, Cinéma du Réel (Grand Prix) y han dedicado foco de sus trabajos en Flaherty Seminar (USA) y Doc's Kingdom (Portugal). ANDRÉI TARKOVSKY (Rusia, 1932). Debutó en 1960 con Katok i spripka, le siguen La infancia de Iván (1962), vencedora en el festival de Venecia. cuatro años después filmó la que es considerada su obra maestra, Andrei Rublev, secuestrada por el régimen soviético. A esta le sigueron Solaris (1972), El espejo (1975), Stalker (1979), Nostalgia (1983) y Sacrificio (1986). APICHATPONG WEERASETHAKUL (Tailandia, 1970). Director, productor y guionista tailandés graduado en arquitectura en la Universidad de Khon Kaen y en la Escuela de Arte de Chicago. Dirigió Mysterious Object at Noon (2000), Blissfully Yours (2002), Tropical Malady (2004), y Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas (2010), película que le valió la Palma de Oro en Festival de Cine de Cannes 2010. ASHLEY SABIN (EE. UU. ) Produjo, dirigió, editó y fotografió, junto a David Redmon, films como Kamp Katrina (2007), Girl Model (2011) y Neige (2016). Sus documentales íntimos y elaborados han ganado una variedad de premios en festivales de cine y han sido transmitidos en canales de televisión de todo el mundo. Sabin recibió su licenciatura en Historia del Arte en el Instituto Pratt en Nueva York y obtuvo un Master en la Universidad de Concordia (EEUU). Su reciente documental Sanctuary (2017) se ha estrenado en Festival de Rotterdam 2017. BENJAMIN ELLENBERGER (Córdoba, 1983). Es realizador, montajista y fotógrafo. Sus piezas abarcan cine expandido y cortometrajes en Super 8, 16mm y video. Entre sus obras se encuentra Perforación (2011), Delta (2013; 9oFF) y Fragmentos de Domingo (2013). Sus trabajos han sido exhibidos en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo Experimental EL ECO (CDMX), Los Angeles Film Forum, Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Festival of Film Animation Olomouc (Rep. Checa), Bienal de la Imagen en Movimiento, entre otros. Vive y trabaja en Buenos Aires. BEN RIVERS (Reino Unido, 1972). Artista y cineasta experimental con sede en Londres. Su trabajo ha sido mostrado en numerosos festivales de cine y galerías de todo el mundo. Su primer largometraje, Two years at sea (2011), ganó el premio FIPRESCI en el 68 º Festival Internacional de Cine de Venecia. Su segundo largometraje, A spell to Ward Off The Darkness (2013), fue realizado en colaboración con Ben Russell y estrenado en el Festival de Cine de Locarno. BRENDA LIEN (Alemania, 1995). Trabaja como cineasta independiente y compositora musical para cine. Ha ganado varios premios por sus obras cinematográficas y musicales y es becaria de la Studienstiftung des deutschen Volkes. Desde 2012 estudia arte en la Universidad de Arte y Diseño Offenbach. BRUCE ELDER (Canadá, 1970). Reconocido por Jonas Mekas como "el cineasta de vanguardia más importante de América del Norte surgido durante los años ochenta", Bruce Elder combina imágenes, música y texto para crear obras que reflejan su interés por la filosofía, la tecnología, la ciencia, la espiritualidad y el cuerpo humano. Ha realizado más de sesenta horas de películas que han sido proyectadas en MoMA, Kino Arsenal de Berlín, Centro Pompidou de París, Cinemateca de San Francisco, High Museum de Atlanta, Los Angeles Film Forum.

CARLA FRANCOLINO (Argentina, 1992). Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Produjo el corto-documental Campo adentro (2015) y fue director de arte del cortometraje Un lugar entre medio (2016). La distancia entre los médanos (2016) es su primer cortometraje como director. CARMEN ROJAS GAMARRA (Perú, 1988). Estudió Comunicación Audiovisual en la Universidad de Lima y realiza un Master en Documental y Cine Experimental en la Escuela TAI de Madrid. Dirige el Colectivo Audiovisual Yuraqyana. Su corto Vacío/a recibió el premio a Mejor Obra Experimental en el Festival de Cine de Lima 2016 y fue parte de la Selección Oficial del Festival Internacional de Cine de Valdivia 2016. CAROLINA LARA GRIMBERG (Argentina, 1994). Estudia Diseño de Imagen y Sonido en la UBA y en la Sociedad Argentina de Editores Audiovisuales. Dirigió La Juventud, Viszlán Beltrán y La distancia entre los médanos. Participó como colorista y montajista en Campo adentro y Malón. CELINE HELD (EE.UU., 1990). Se graduó en 2012 de la Escuela de Artes Tisch de la UNY y reside en Brooklyn, NY. Junto a su marido, Logan George, ganó en 2016 el Gold Prize en Drama para la Page International Screenwriting Awards por el guión Little y fue semifinalista del Academy of Motion Picture and Fine Arts Nicholl Fellowship. Es co-fundadora de ELO films. CHEMA GARCÍA IBARRA (España, 1980). Nació, vive y trabaja en Elche, ciudad donde están ambientadas todas sus películas. Ha dirigido, escrito y producido El ataque de los robots de Nebulosa-5 (2009), Protopartículas (2010), Misterio (2013), Uranes (2014) y La disco resplandece (2016), que han sido seleccionadas en festivales como la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, Sundance, Berlinale, Rotterdam, Valdivia o Bafici. Se le han dedicado retrospectivas en Transcinema (Lima), Atlanta Film Festival o en el Centro Niemeyer de Avilés. CHRISTIAN DELGADO (La Plata, 1972) y NICOLÁS TESTONI (Bahía Blanca, 1974) colaboran desde 2004 en la realización de films y videoinstalaciones. Han participado, entre otros, de los festivales FidMareseille (Marseille, 2009), Videobrasil (Sao Paulo, 2011), e IDFA International Documentary Film Festival (Amsterdam, 2014). Su trabajo conjunto ha recibido distinciones en el Festival Latinoamericano de Videoarte (Buenos Aires, 2014), la Bienal del Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca (2015) y la Bienal de la Imagen en Movimiento (Buenos Aires, 2016). CHRISTOS MASSALAS (Grecia, 1986). Graduado de la London Film School. Sus cortometrajes han sido premiados y proyectados en numerosos festivales internacionales, entre ellos Locarno, Tampere, BFI, São Paulo, Thessaloniki, Silhouette. Actualmente reside en Atenas, donde desarrolla su debut en el largometraje. COLIA VRANICI (Francia, 1988). Estudió cine en París y trabajó para directores como Arnaud Desplechin, Rabah Ameur-Zaïmèche y Albert Serra. En 2012 dirigió su primer cortometraje Les Enfants de Jean Bart, y luego realizó una maestría en cine en la Universidad de Arte y Diseño de Ginebra (HEAD). Su película Le miel est plus doux que le sang fue seleccionada en el 67º Festival del Film Locarno. DANIELA DELGADO VITERI (Ecuador, 1987). Estudió en la Universidad del Cine en Buenos Aires, fue becaria del Centro de Investigación Artísticas (CIA) y residente de Le Fresnoy, Studio de Artes Contemporáneas en Francia. Escribió y dirigió los cortometrajes Colectivo (2013), Casa Circular (2013), Culebra Jr. (2014), Monstruo (2014), proyectados en festivales como Rotterdam, Rencontres Paris - Berlin, Bienal de Imagen en Movimiento y Festifreak.


DAVID REDMON (EE. UU.) Produjo, dirigió, editó y fotografió, junto a Ashley, films como Kamp Katrina (2007), Girl Model (2011) y Neige (2016). Obtuvo su doctorado en Sociología en la Universidad de Albany, Universidad Estatal de New York, y fue becario Radcliffe en la Universidad de Harvard. Actualmente es profesor en la Universidad de Kent. Su reciente documental Sanctuary (2017) se ha estrenado en Festival de Rotterdam 2017. DEAN FLEISCHER-CAMP (EE.UU). Artista y realizador audiovisual con base en California. Por su trabajo Marcel the Shell with Shoes On (2010) ganó el premio al mejor cortometraje en el American Film Institute Festival, Hollywood. También fue nominado para Mejor cortometraje en el Festival de Sundance del mismo año. Fraud es su primer largometraje y proyecto documental. DIOGO COSTA AMARANTE (Portugal, 1982). Se graduó en Derecho e hizo una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Nueva York. Dirigió los cortometrajes documentales Jumate/Jumate (2007), In January, perhaps (2009), y el drama-cortometraje As Rosas Brancas (2014), todos ellos presentados y premiados en diversos festivales de Europa. Este año ganó el Oso de Oro en el 67 Berlin International Film Festival con Cidade Pequena (2017). DMITRII KALASHNIKOV (Rusia, 1986). Se graduó en Derecho de la Universidad Estatal de Pomor y estudió en la Universidad de Cine y Televisión de San Petersburgo y en la Academia IDFA. En 2012 creó el proyecto de multimedia Malevich in the Square que fue presentado en la 3ª Bienal Internacional de Arte Joven de Moscú y en la exposición de Jóvenes Artistas contemporáneos Rusos. Su trabajo Yo soy quien soy (Kunst im Tunnel), fue comprado por el Museo de Arte Multimedia en Moscú. DUNCAN CAMPBELL (Irlanda, 1972). Video artista con base en Glasgow. Se formó en la Universidad de Ulster y la Escuela de Arte de Glasgow. Su trabajo se basa en la investigación archivística y cuestiona cómo influye la historia en el presente. Utiliza sus películas para explorar los modos de construcción y transmisión de narrativas sociales, políticas y personales a lo largo del tiempo. Su trabajo ha sido premiado y exhibido en exposiciones individuales y en salas de todo el mundo. EDUARDO WILLIAMS (Argentina, 1987). Estudió en la Universidad del Cine en Buenos Aires y en Le Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains de Francia. Sus cortometrajes Pude ver un puma (2011) y Que je tombe tout le temps? (2013), se estrenaron en la Director’s Fortnight de la Cinéfondation del Festival de Cannes y Tôi quên rồi! (2014) en FID Marseille. Su ópera prima, El auge del humano (2016), obtuvo el Pardo d’oro Mejor Película en la Competencia Cineastas del Presente del Festival de Locarno. ERIK ANDERSSON (Suecia) Ha trabajado como editor y productor en varios cortometrajes, documentales y series para la televisión. Es miembro de la Swedish Society of Film Editors (SFK). Varg es su debut direccional junto a Frida Kempff. EUN JIN PARK (Corea). Luego de terminar sus estudios de Bellas Artes, fundó el grupo de artistas Post-Eat. Recibió el prestigioso premio "Young Artist Supporting Program" de Insa Art Space. En 2009 se trasladó a Alemania y actualmente estudia Media Arts en Colonia/Academia de Media Arts de Colonia. 678 es su primer cortometraje. FRIDA KEMPFF (Suecia). Desde documentales a dramas narrativos, sus films se caracterizan por la intriga centrada en las interacciones humanas y cómo lidiar con nuestro pasado y presente. Ha sido premiada en algunos de los festivales de cine más prestigiosos del mundo, incluyendo Cannes, Telluride, IDFA y Hot Docs. GEÒRG CANTOS (España, 1987). Se mueve entre el documental y la ficción utilizando un lenguaje experimental que acerca los dos mundos. Su cortometraje documental Dôtenh fue reconocido por la revista Caimán Cuadernos de Cine en su lista de mejores cortometrajes del 2015. En ese mismo año terminó sus estudios en la Ecam (Escuela de Cine de Madrid) con Take Away, una ficción que retrata la generación perdida de la comida rápida. GEORGES FRANJU (Francia, 1912). Fue junto a Henri Langlois uno de los fundadores de la Cinémathèque française. Realizó 14 cortometrajes entre ellos La sangre de las bestias (1949), que demuestra la habilidad de Franju para combinar lo misterioso y lo cruel dentro del realismo. Su obra preludia el renacimiento del cine francés y la nouvelle vague. Les Yeux sans visage (1960), su película más célebre, cimienta las bases del género fantástico europeo. GINAN SEIDL (Alemania, 1984). Vive y trabaja en Halle (Saale) y Berlín.

INDICE DE AUTORES

Después de terminar sus estudios de artes, participó en la Professional Media Master Class and Master Class Lab of Werkleitz en 2012 y 2016. Ha ganado varios premios de arte y tuvo residencias en Estambul y México. Su trabajo ha sido presentado en festivales internacionales de cine, exposiciones y festivales de arte. Es miembro del colectivo Rosenpictures. IGNASI DUARTE Barcelona, 1976. Estudia Filosofía en la Universitat Autònoma de Barcelona. En 1996, funda el Museo Nacional de Arte Portátil (MNAP) y junto al director de teatro Roger Bernat, realiza los espectáculos LA LA LA LA LA (2003-04), Amnèsia de fuga (2004), Tot és perfecte (2005) y Rimuski (2006). En 2012, estrena su primer largometraje, Montemor, con el que obtiene una Mención Especial en FIDMarseille. IGNACIO MASLLORENS (Argentina, 1973). Es egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la UBA. Entre sus films se destacan Martin Blaszko III (2011), Hábitat (2013) y El teorema de Santiago (2015, junto a Estanislao Buisel). Su obra ha sido exhibida en diversos festivales, museos y galerías como BAFICI, MALBA, Belleza y Felicidad, Fondo Nacional de las Artes, Anthology Film Archives, Festival Biarritz Amérique Latine, L’Alternativa, L'Oeil d'Oodaaq, Videomedeja, ArcoMadrid. IGNACIO TAMARIT (Argentina, 1991) Es realizador de cine y músico. Se formó en el Centro de Investigación Cinematográfica y en la Facultad de Filosofía y Letras, UBA. Sus películas se han exhibido numerosas galerías y festivales, nacionales e internacionales. IGNASI DUARTE (España, 1976). Estudió Filosofía en la Universitat Autònoma de Barcelona. En 1996 fundó el Museo Nacional de Arte Portátil (MNAP) y realizó espectáculos teatrales junto al dramaturgo Roger Bernat. Su primer largometraje, Montemor (2012), obtuvo una Mención Especial en FIDMarseille y fue seleccionado en los Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, Uruguay, IndieLisboa, entre otros. IVAN MURGIC (Argentina, 1994). Estudiante de Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. Ha colaborado en la realización de proyectos audiovisuales propios y ajenos. Trabaja como asistente de producción en el programa de film experimental del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Codirigió Terrenal (en oposición al cielo), su primer cortometraje documental. JACK CHAMBERS (Canadá, 1978). Artista y cineasta canadiense, de gran trayectoria en la pintura y el arte audiovisual. Comenzó a trabajar con el cine en los años 60, completando cinco películas. Su obra, descrita como "realismo perceptivo", se opuso a los estilos abstractos dominantes de su época. Stan Brakhage proclamó que The hart of London era “una de las mejores películas hechas nunca”. JAY ROSENBLATT (EE.UU, 1955). Trabajó como productor de más de 30 películas. Recibió las Becas Guggenheim, USA Artists, Rockefeller Fellowship y más de 100 premios en todo el mundo. Una selección de sus películas se estrenaron en el Film Forum de New York y en el MoMA. Artículos sobre su trabajo han aparecido en The New York Times, Sunday NY Times Arts & Leisure section, entre otros. JEFF ZORRILLA (EE.UU, 1984). Recibió su licenciatura en Cine y Medios Digitales en la Universidad de Santa Cruz, California; luego estudió cine en la Universidad de Copenhague y desde el 2010 reside en Buenos Aires. Realizó numerosos cortometrajes en formato Super8; su último cortometraje, Monger, se estrenó en el 31º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. JESSICA SARAH RINLAND. Dirigió Electric Oil (2012), Nulepsy (2010) y Y Berá: Aguas de Luz (2016). Ha exhibido internacionalmente en galerías, cines, festivales de cine y universidades, incluyendo NYFF, LFF, Rotterdam, Oberhausen, Edinburgh y Semana del cine experimental de La Plata. Fue becaria y realizó residencias en: MacDowell Colony, Kingston University, Locarno Academy y Berlinale Talents. JOÃO MOREIRA SALLES. Junto a su hermano Walter Salles fundó VideoFilmes (1985), compañía productora de video y documental. Entre su películas se cuentan Entreactos (2004), que registra el detrás de escena de las elecciones de Lula da Silva; Santiago (2007), premio a mejor documental en Cinema du Réel y No intenso agora (2017) estrenado en Berlinale. En 2015 produjo y finalizó Últimas Conversaciones, la película póstuma de Eduardo Countinho. JOÃO SALAVIZA (Portugal, 1984). Se graduó en la Escola Superior de Teatro e Cinema de Portugal y en la Universidad del Cine (Buenos Aires). Realizó una trilogía de cortometrajes premiados internacionalmente: Rafa (2012), Arena (2009) y Cerro Negro (2012). Su ópera prima Montanha tuvo su premiere en la Semana de la Crítica del Festival de Cine de Venecia (2015). Altas cidades de Ossadas (2017) se estrenó en Berlinale.

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JORGE JÁCOME (Portugal, 1988). Se graduó en la ESTC de Lisboa y en Le Fresnoy. En sus trabajos investiga las relaciones entre utopías, melancolía, desaparición y deseo. Sus películas han sido exhibidas en IndieLisboa, Curtas Vila do Conde, Premiers Plans d’Angers, y en espacios de exhibición como el Palais de Tokyo y la Maison Européenne de la Photographie. En 2017 ganó el premio “New Talent” con Flores en IndieLisboa. JOYCE WIELAND (Canadá, 1931-1998). Es considerada una de las artistas más importantes de su país. Produjo una gran variedad de obras: desde dibujos y pinturas hasta edredones y películas como Rat life and diet in North America, Reason Over Passion, The Far Shore. Su retrospectiva en la Galería de Arte de Ontario, True Patriot Love, fue la primera que se ofreció a una artista canadiense viva. JUAN IGNACIO ANGARONI (Argentina, 1988). Actualmente finaliza la carrera de Artes Audiovisuales en la Universidad Nacional de La Plata. Realizador audiovisual, forma parte del colectivo Parquee y se desempeña como director de fotografía. Junto a Catalina Sosa programa el Ciclo de Cine Expandido "Impresiones" en MAR Museo Provincial de Arte Contemporáneo de Mar del Plata. JUAN MANUEL MOLINA es Comunicador Audiovisual. Dirigió Memoria audiovisual (2011) y Laguna gris (2017), videoalbum de la banda Salí de ahí Maravilla. En 2016 fue becado por el Fondo Nacional de las Artes para rodar su tesis sobre políticas socioeducativas. Se ha desempeñado como productor en los largometrajes como Tejen, El Lechón, Las Olas y La Distancia. JUAN RENEAU (Argentina, 1986). Es Licenciado en Diseño de Imagen y Sonido (UBA), cursó el Laboratorio de Cine (UTDT) y participó como agente del Centro de Investigaciones Artísticas 2014. Dirigió los cortometrajes Yo y Maru (2012), Las Luces (junto a Manuel Abramovich) e Incendio/Rescate. El cielo de los animales, su cuarto cortometraje se presentará en el Bafici 2017. Actualmente está trabajando en su primer largometraje. KARAM GHOSSEIN (Líbano, 1899). Director, productor y director de fotografía. Se graduó en Cine y Televisión en la Universidad del Líbano. Sus trabajos se han proyectado en el MoMA, el Centro Pompidou, Tribeca, Doha y muchos otros. Con In Street of Death (2017), su debut como director, ganó el Audi Short Film award en la Berlinale 2017. Actualmente vive entre Berlín y Beirut. KEI CHIKAURA (Japón, 1977). Dirigió los cortometrajes Empty House (2013), The Lasting Persimmon (2016), seleccionado para el Festival Internacional de Cortometrajes Clermont-Ferrand y Signature (2017), estrenado en el 70º Festival de Locarno. Actualmente está produciendo su primer largometraje. LAURE BOURDON ZARADER (Francia). Estudió cine en La Sorbona, París, y luego un máster en Bellas Artes en Berlín. Su primer trabajo audiovisual es el cortometraje documental Miedosos (2012). Su primera película, Dolça (2015), estrenada en Cinemed, ha sido seleccionada en varios festivales. La vie sauvage es su segundo cortometraje y está rodado en super16mm. Actualmente, trabaja en su tercera película, Pumpkin.

entre otros. Entre sus trabajos encontramos el largo Abacuc (2015) y Una società di servizi (2016). LUIS SENS (Argentina, 1978). Director Audiovisual y Fotógrafo. Trabaja con múltiples soportes fotográficos y de video. En 2009 ganó la beca Nisimasa en el Festival de Cannes. En 2013 participó del Laboratorio de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella. En 2010 recibió una mención en el Salón Nacional de las Artes Visuales en la categoría Fotografía. En 2016 participó en el festival Internationale Kurzfilmtage de Oberhausen. MAGDALENA ORELLANA (Argentina, 1990). Inició sus estudios en la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la Universidad de Buenos Aires. En el 2014 se muda a Madrid e ingresa en la especialidad de Cine Documental en la ECAM, donde lleva a cabo su primer cortometraje, Conversaciones. Actualmente se encuentra finalizando su último proyecto de la diplomatura. MAKOTO NAGAHISA (Japón, 1984). Estudió Literatura Francesa en la Universidad de Aoyama Gakuin. En 2013, recibió la medalla Young Lion Film Competition at the Cannes Lions International Festival of Creativity. En 2015, ganó el premio al mejor escritor nuevo del Osaka Copywriters Club. En 2017 fue premiado en el festival de Sundance con su corto And So We Put Goldfish In The pool. Actualmente trabaja en publicidad. MANUEL EMBALSE (Argentina, 1991). Realizador audiovisual y músico. Realizó cortometrajes, mediometrajes, largometrajes, videoclips y series web. Fue asistente de dirección, montajista y músico en cortometrajes y largometrajes, y toda su producción está basada en material de archivo propio. Su cortometraje La Historia Universal de la Realidad y su largometraje documental La Transición, fueron seleccionado en la Bienal de Arte Joven 2015 y 2017 respectivamente. MANQUE LA BANCA (Argentina, 198) Es realizador, productor y músico en el sello audiovisual PARQUEE. Obtuvo menciones y premios con su cortometraje de ficción GRRR (2011). Trabajó como músico y sonidista en la performance Archivo Expandido de Magdalena Arau. Dirigió junto a Pilar Falco el corto documental No hay control (2014). Entre otros trabajos se destacan Los 7 perdones capitales: 1-El viaje (2014), la instalación Los 7 perdones capitales: 2-Las Piedras (2015). Los muertos dos (2016) fue su primer largometraje. MARC​ ​FERRER​Ha dirigido diversos cortometrajes, entre ellos Los últimos románticos, que pasó por el Festival de Sitges, y Puta y amada. Su primer largometraje, Nos parecía importante (2016), compitió en la sección de nuevos talentos del Festival Internacional de cine de autor de Barcelona. La maldita primavera es su segundo largometraje. MARTHA GREGORY (EE.UU). Creció en San Francisco y se mudó a Brooklyn donde se graduó de Kenyon College. En 2015 trabajó en el corto documental Facing the Surge, y produjo y editó un cortometraje de danza llamado Boomerang, proyectado en el Festival Dance on Camera en Lincoln Center.

LEANDRO NARANJO (Argentina, 1988) Es Licenciado en Cine y TV, realizador audiovisual y crítico de cine. Integra la revista Cinéfilo y programa en el cineclub del mismo nombre. Dirigió el cortometraje Escuela y el largometraje El último verano (2014).

MARTÍN BLASZKO (Alemania, 1920). Estudió en Polonia y en 1939 emigró a Argentina, donde participó del movimiento de vanguardia MADÍ. Participó en las bienales de San Pablo (1953), Venecia (1956) y Bruselas (1958) y ha expuesto en el MoMA de New York, el Centro Pompidou de París, la Tate Gallery de Londres, el Museo Ludwig de Colonia y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.

LEONARDO ZITO (Argentina, 1989). Realiza cortometrajes intervenidos en 35mm, 16mm y Super 8mm. Sus trabajos han sido proyectados en Brasil, Perú, Bolivia, Canadá, Italia. Es creador y docente del Taller de Intervención directa sobre Super 8. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

MAXIMILIANO PASSARELLI (Argentina, 1992). Ingresó a la Universidad del Cine en el año 2014. Actualmente se encuentra cursando la Licenciatura en Cinematografía con orientación en Dirección. 10 Vistas es su primer cortometraje.

LOGAN GEORGE (EE.UU) Es un director y actor residente en Brooklyn, NY. En 2016 recibió el Gold Prize en Drama para la Page International Screenwriting Awards por el guión de Little, que escribió junto a su esposa, Celine Held. Ambos son orgullosos fundadores de ELO films.

MIGUEL LÓPEZ BERAZA (Madrid, 1984) realiza estudios en arquitectura y en fotografía. En 2014 es becado para completar su formación en la Escuela de cine San Antonio de los Baños, Cuba. Su primer cortometraje, Walls (2015), recibió el premio Goya y fue seleccionado en festivales como DOKLeipzig, Hamburgo, Sarajevo, Encounters, DocsDF o Seattle.

LOIS PATIÑO (España, 1983). Compaginó sus estudios de psicología en la Universidad Complutense de Madrid con los de cine en la escuela Tai. Continuó su formación en el Master de Documental de Creación en la Universidad Pompeu Fabra. Por su primer largometraje, Costa da Morte (2013), recibió el premio a Mejor Director Emergente en el Festival de Locarno. Fajr (2017), su último trabajo, se estrenó en Rotterdam IFF 2017. LUCA FERRI (Italia, 1976). Trabaja con imágenes y palabras. Ha sido seleccionado para los talleres de Ben Rivers, Michelangelo Frammartino y Leonardo Di Costanzo en Milán. Sus obras han participado en importantes festivales, como Torino, Festival Internacional de Cine de Mar del Plata,

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MIKE HOOLBOOM (Canada). Ha realizado más de ochenta películas y videos. Retrospectivas de sus trabajos se programaron en Images Festival, Visions du Reel, Vila do Conde Festival, Jihlava Documentary Festival, BAFICI, entre otros. Desde 2004 trabaja en Fringe Online, un proyecto web que pone a disposición los archivos de 40 artistas canadienses de nuevos medios. MIKHAIL KARIKIS (Grecia, 1975). Su trabajo abarca imágenes en movimiento, sonido, performance y otros medios. Explora la conjunción entre dinámicas colectivas y las circunstancias económicas, culturales y psicológicas

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de las personas. Sus obras se exhiben en festivales internacionales como Rotterdam, Festival Internacional de Cortometrajes de Hamburgo, Muestra de Arte Británica 8, entre otros.

New Cinema de Moscú). Su obra se ha mostrado de manera retrospectiva en Jeu de Paume (2007), en la Cinemateca Portuguesa (2010) y en San Petersburgo (2015).

NATALIA MARÍN SANCHO (España, 1982). Cineasta y docente. Dentro del colectivo experimental Los hijos, sus películas han gozado de un amplio recorrido por festivales y prestigiosos centros de arte. Su primer largometraje, Los materiales (2010), ganó el Premio Jean Vigo a Mejor Director, en el Festival Internacional Punto de Vista y la Mención Especial del jurado en FID Marsella. New Madrid es su primer proyecto en solitario.

RICARDO SARAIVA (Brasil, ). Estudió cine en Londres, y trabajó como editor en cortometrajes como Leidi (2014) y KM 73 (2015). En 2015 fue seleccionado para formar parte del programa Talents en el 65º Festival de Cine de la Berlinale. Chapeau de Bico es su primer trabajo de regreso a su ciudad natal.

NELE WOHLATZ (Hannover, Alemania, 1982): Estudió escenografía en Karlsruhe, Alemania. Participó en el Laboratorio de Cine de la Universidad Di Tella y fue becada del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA). En 2016 fue seleccionada para el Berlinale Talents. Dirigió Schneeränder (2009), Novios del campo (2009), La mochila perfecta (2014), El futuro perfecto (2016) que ganó un Pardo d’oro, siendo a su vez, seleccionado y premiado en más que 60 festivales (Rotterdam, Viennale y New Directors/New Films, entre otros) y Tres oraciones sobre la Argentina (2016). Codirigió junto a Gerardo Naumann Ricardo Bär, que fue premiado en FIDMarseille. Desde 2009 vive y trabaja en Buenos Aires. NICOLÁS RUBIÓ (España, 1928). Se exilió con su familia a Argentina. En 1957 participó de la mítica exposición ¿Qué cosa es el coso? en la Sociedad Estímulo de Bellas Artes, que dio origen al movimiento informalista. Además de pintor y escultor, es considerado el redescubridor y uno de los mayores difusores del “fileteado” porteño. NICOLÁS SUÁREZ (Argentina). Estudió guión en el ENERC y Letras en la UBA. Cursa estudios de doctorado sobre literatura y cine argentinos con una beca del Conicet y es docente en la Universidad Nacional de las Artes. Codirigió y escribió el largometraje Hijos nuestros (2015), exhibido en festivales como Mar del Plata, Málaga, Toulouse, Cartagena, Guadalajara y La Habana. Su libro Obra y vida de Sarmiento en el cine será publicado próximamente. PABLO CARPAL (España, 1993). Cineasta y dibujante. Se graduó en Comunicación Audiovisual en la Universitat Rovira i Virgili. Entre sus cortometrajes se destacan Un lugar prefijado (2015) y Sick Fuck (2016). PABLO ESCOTO (México). Su trabajo, realizado bajo la cooperativa Ríos de Nueva, se ha exhibido en centros como Kino Arsenal (Berlín), Anthology Film Archives (NY) y festivales como FIC Valdivia y FICUNAM, donde Ruinas tu reino recibió el Puma de Plata a mejor película mexicana. PARKER SMITH (EE.UU) Estudiante que abandonó la escuela de cine tres veces y fue atraído a Texas por la promesa de una comunidad cinematográfica independiente. Mientras vendía tacos para financiar sus proyectos, aprendió el estilo documental haciendo videos para bandas locales de Austin. Sus dos grandes amores fuera del cine son la ruta y su gato. PAUL CABON (Francia, 1985). Se formó en Cine de Animación en ESAAT de Roubaix, en la Escuela de Poudrière en Valencia y en la Escuela Estienne de París. Entre 2009 y 2012 participó en proyectos de la productora de series Folimage. Su trabajo se enfoca en la conjunción entre lo gracioso y lo perturbador. PAULINE CURNIER JARDIN (Francia, 1980). Se graduó en la Ecole supérieure d'Arts de Paris-Cergy y la Ecole Nationale des Arts Décoratifs de Paris, con una especialización de cine y video. La diversidad de medios y técnicas utilizadas en sus trabajos la llevaron a exponer en MAM de Paris, Palais de Tokyo, Centre Georges Pompidou, M.I.T List Visual art center of Cambridge. Vive y trabaja en Holanda. PAYAL KAPADIA (India, 1986). Cineasta y artista. Su trabajo incluye el documental, el cine experimental y la animación. Dirigió Weapons of Mass Destruction (2014) y Last Mango Before the Monsoon (2014), que formó parte de la sección Vanguardias en Filmadrid 2015. Actualmente estudia Dirección en el Film and Television Institute of India.

ROEE ROSEN (Israel, 1963) Estudió Filosofía y Literatura Comparada en la Universidad de Tel Aviv hasta 1984 y se graduó en Bellas Artes en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York en 1989. En 1991 recibió un Master en Bellas Artes en la Universidad de Hunter (NY). Es profesor en la Facultad de Artes de la Universidad de Beit Berl, en Kfar-Saba; y en la Academia de Bezalel de Artes y Diseño, en Jerusalén. SALOMÉ LAMAS (Portugal, 1987). Estudió cine en Lisboa y Praga, y artes visuales en Amsterdam. Dirigió Encounters with Landscapes 3x, A comunidade, Terra de niguém, El Dorado XXI. Su trabajo ha sido exhibido en salas de arte y festivales de cine como Berlinale, Roma, BAFICI, Viennale, Reina Sofia, MoMA, Museo Guggenheim Bilbao. SANDRA WOLLNER (Austria, 1983). Estudios teatro, cine y ciencias de la comunicación en la Universidad de Viena, y comenzó a trabajar como editora y directora. También hizo labores de postproducción en la compañía Viennese. Desde 2012, estudia cine documental en la Filmakademie Baden-Württemberg. The Impossible Picture es su primer largometraje. SANTIAGO AULICINO (Argentina, 1994). Cursa estudios de Licenciatura en Cinematografía con Orientación en Dirección en la Universidad del Cine. Su primer cortometraje, Ejercicio sobre la ciudad (2017), fue presentado en el Festival de Cine Independiente de Cosquín. Mientras Bode toca el piano es su segundo cortometraje. SANTIAGO LORENZO (España, 1964) Guionista, escritor, director y productor cinematográfico. Estudió imagen y guión en la Universidad Complutense de Madrid y dirección escénica en la RESAD. En 1992 creó la productora El Lápiz de la Factoría, con la que dirigió los cortometrajes Bru, Es asunto mío, Tiberiades, Café del Norte y Manualidades (1993), nominado a los premios Goya. Sus primeros largometraje son Mamá es boba (1999) y Un buen día lo tiene cualquiera (2007). SEBASTIÁN DÍAZ MORALES (Argentina, 1975) estudió en Argentina y en la National Academy of the Fine Arts de Amsterdam. Sus videos e instalaciones han sido mostrados en todo el mundo, incluyendo en el Centre Pompidou en París y la Tate Modern en Londres. Actualmente, vive y trabaja en Amsterdam. SOFIA LENA MONARDO (Argentina, 1995). Estudia Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, donde es ayudante en la cátedra de Historia Analítica de los Medios Argentinos y Latinoamericanos. Codirigió Terrenal (en oposición al cielo), su primer cortometraje documental, y trabajó como directora de fotografía en el cortometraje Lo que la sal dejó. TAN PIN PIN (Singapur, ). Narra los contrastes entre historia, memoria y documentación. Sus películas Pineapple Town, Singapore GaGa, Invisible City, In time to come, fueron exhibidas y premiadas en Berlinale, Busan, Cinéma du Réel, Visions du Réel, SXSW y el Flaherty Seminar. Integra la lista de los 100 mejores directores compilada por el Festival Internacional de Busan. TIZIANA PANIZZA. Documentalista y docente de la Universidad de Chile. Es Magíster en Arte y Medios de la University of Westminster y estudia Cine Documental en la EICTV, Cuba. Entre sus filmes se encuentra la trilogía documental Cartas Visuales: Dear Nonna: a film letter (2005), Remitente: una carta visual (2008) y Final: la ultima carta (2013), Tierra en Movimiento y 74 metros cuadrados (2012), entre otros.

PETER BURR (EE. UU, 1980) Artista especializado en animación e instalación. En los últimos años se ha dedicado a explorar el concepto de “laberinto sin fin”. A su vez, gran parte de su trabajo está en proceso de expansión hacia el videojuego. En 2006 fundó el sello de vídeo Cartune Xprez, a través del cual produjo tres compilaciones de DVD, exposiciones multimedia en vivo y programas de turismo.

TOBI SAUER (Alemania, 1991). Estudió cine en la escuela de arte de Kassel. Produjo varios cortometrajes experimentales y de ensayo (Herzdame, Handbook, Der Wind, der Wind, das himmlische Kind, Portrait Ben Russell, Portrait Wang Bing, Portrait Jonas Mekas) que fueron exhibidos en festivales internacionales: Venice, Toronto, MOMA, SXSW – y en museos como el Centre Pompidou en París, la Bienal de Venecia y el Guggenheim Museum de New York.

PIERRE LEÓN (Rusia, 1959) se ha desempeñado como actor (para Jean-Claude Biette, Rita Azevedo Gomes, Serge Bozon, Bertrand Bonello, Jean-Charles Fitoussi, entre otros), como traductor, como crítico (es miembro del consejo de redacción de Trafic) y como profesor (Fémis, School of

YURI ANCARANI (Italia, 1972). Cineasta y artista visual. Su trabajo proviene de la mezcla continua entre cine documental y arte contemporáneo. Sus últimas películas han sido expuestas y premiadas en más de cien festivales internacionales – incluyendo Locarno.

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