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Recursos independientes, Autogestión y nuevas tecnologías para músicos. Felipe Szarruk

Fundación Latinoamericana para el desarrollo de las Artes L.A.Rock Subterránica Primera Edición

Felipe Szarruk


Autogestión, recursos independientes y nuevas tecnologías para músicos

Atribución – No comercial – Sin Derivar: Esta licencia es la más restrictiva de las seis licencias principales, sólo permite que otros puedan descargar las obras y compartirlas con otras personas, siempre que se reconozca su autoría, pero no se pueden cambiar de ninguna manera ni se pueden utilizar comercialmente.

L.A.Rock Subterránica, Ingeniería Artística, Colombia 2015.

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Recursos Independientes, Autogestión y Nuevas Tecnologías para Músicos. Fundación Latinoamericana para el desarrollo de las artes L.A.Rock Subterránica. Felipe Szarruk

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Autogestión, recursos independientes y nuevas tecnologías para músicos

Derechos reservados Esta obra bajo licencia de Creative Commons

FUNDACIÓN LATINOAMÉRICANA PARA EL DESARROLLO DE LAS ARTES L.A.ROCK SUBTERRÁNICA Colombia Abril 2011 (Productos musicales Independientes en Latinoamérica) Revisado y contextualizadopara Latinoamérica. Enero 2015. www.subterranica.com www.subterranicausa.com http://szarruk.blogspot.com http://amiccolombia.blogspot.com Bogotá, Colombia.

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Para mis hijos que siempre Encuentren su luz

Y para todos los rockeros del mundo

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ATENCIÓN NOTA IMPORTANTE:

Se me hace necesario después de contextualizar este escrito para Latinoamérica, hacer una aclaración.

No pretendo en ningún momento afirmar que estos párrafos contienen alguna regla mágica o que esto es un manual para triunfar en la práctica del rock, jamás en mi vida, siendo congruente con mis parámetros de pensamiento he pensado que tocar un instrumento o actuar en la escena del rock latinoamericano debe ir más allá de la satisfacción enorme que produce hacerlo, de la emoción de vivir del género, componer, tocar, tener una banda, viajar y vivir la aventura.

He escrito este contenido, porque mi camino en el rock ha pasado por varias estaciones, además de ser músico y compositor, me he dado cuenta que quienes tocan en las bandas muchas veces desconocen los mecanismos para ser parte de una escena o una industria y piensan que el éxito está únicamente ligado

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a la fama, por lo tanto lo que escribo en este libro es escrito desde mi punto de enunciación, desde mi propia perspectiva la cual siempre ha sido tratar de resolver los problemas que yo mismo tuve que solventar en la industria.

No hay nada mejor que vivir la música de una forma libre y sin ataduras pero también es respetable el deseo de algunos de ganar dinero con la práctica, así que esto es una descripción de momentos y problemas que se dan en la actualidad, su única finalidad es hacerlos visibles para que cada uno tome lo que considere le sirva. El lenguaje en el que está escrito es el mismo lenguaje con el que hablamos todos los días, en las casa, los conciertos, no soy partidario de hacer un despliegue de palabras “rimbombantes” para que las personas sientan que están leyendo algo serio. Es serio porque el rock es serio, porque a pesar de que es una de las cosas más maravillosas y divertidas en esta tierra,

debe

tener

ciertos

parámetros

para

ser

considerado una práctica profesional, como todo en la vida.

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Los dejo con estos escritos, espero que puedan extractar algo de ellos. Sin más pretensión que el Rock n’ Roll.

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Introducción:

Todos los músicos de rock han enfrentado una problemática en común: querer dedicarse a una profesión que mediáticamente los hace soñar con la fama, la fortuna y la eternidad. Pero la realidad actual de los países latinoamericanos es muy diferente y han pasado décadas en donde miles de personajes, conocidos y anónimos han entregado su existencia en la búsqueda de la utopía del rock, una sub-cultura que vino de fuera pero que muta y se adapta a cualquier parte del planeta a donde llegue, por eso se hace propio y universal, hace muchos años ya que el rock dejó de ser una expresión folclórica para convertirse en la banda sonora del planeta entero.

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El rock ha sido culpable del nacimiento de tribus urbanas a lo largo de las últimas décadas, tribus urbanas que han marcado el camino de la cultura de muchos países y que han incidido directamente en la construcción de las historias locales y de la historia nacional.

El rock es un fenómeno social de los más influyentes en nuestra sociedad y que, como toda expresión enorme se ha visto satanizada, estigmatizada y perseguida durante años.

Las historias de este compilado pretenden ser en lugar de un punto final, un punto de inicio en la construcción de nuevos procesos comunicativos para que el rock sea entendido, aceptado y analizado un poco más a fondo por la sociedad, ya que es esta la música de los inconformes, de los que luchan por sus ideales, la música del amor y del odio, la música de casi todas las bandas sonoras y gracias al rock y las fusiones que ha desarrollado con la música latinoamericana es que esta última se ha logrado internacionalizar, porque el

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rock a diferencia de nuestra música autóctona es un lenguaje universal y no local.

Los años pasan pero cada década tiene su propia marca, cada época ha sido coloreada por movimientos juveniles que dejan huella, lo interesante es ver como los jóvenes del ayer son los viejos de hoy y así como los jóvenes de hoy creen ser lo dueños del mundo, esos

viejos

también

lo

creyeron

y

terminaron

sucumbiendo ante la realidad de países que no les brindaron

la

oportunidad

de

ser

rockstars,

sin

embargo, en ese camino se han logrado cosas increíbles y momentos increíbles que solo hasta ahora, en las primeras décadas del siglo XXI es cuando las nuevas generaciones tanto de músicos como de públicos están recogiendo los frutos que todos estos protagonistas sembraron.

La historia de vida como metodología de investigación nos permite adentrarnos de manera contundente en la intimidad

de nuestros protagonistas

y

descubrir

además del músico y la figura pública, el ser humano

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que ha tenido que lidiar con todo esto. Los medios de comunicación no son un espejo de la realidad o al menos no lo han sido hasta el momento y es por eso que

se

hace

necesario

comprender

desde

la

perspectiva de la introspección cada una de las historias.

Es así como indagaremos en la realidad social de nuestros protagonistas, de los cuales esperamos logren extractar las conclusiones que cada uno considere pertinentes, de una realidad que es latente para miles de personas, de cientos y cientos de músicos que han escogido el rock como forma de vida, que han hecho parte y vivido estas tribus urbanas y que han construido una parte importante del imaginario colectivo de nuestra nación, por supuesto este es un ejercicio que también comprende mi propia experiencia y mis propias vivencias en esta aventura de ser un rocker en nuestros países.

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Justificación

Aunque este libro hace énfasis en el rock y sus corrientes, no quiere decir que el modelo propuesto no sirva para cualquier tipo de expresión musical. Así mismo a veces como ejemplo se nombra a Colombia, no quiere decir que el modelo no sea el mismo en toda Latinoamérica, este modelo ha sido probado y puesto en práctica en El Salvador, Estados Unidos y Colombia es por eso que tal vez los ejemplos vendrán de estos espacios geográficos pero aplicables a todos los demás.

Vivimos actualmente en un mundo en donde el músico debe ser el mismo gestor de su carrera. Los nuevos medios y los medios alternativos gozan ahora de igual -y en algunos casos de mayor- popularidad entre el público, es por eso que los modelos antiguos como músico – disquera – distribuidora – público, resultan obsoletos e incluso tratar de seguirlos implica muchas veces el fracaso.

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La industria de la música ha cambiado a un ritmo acelerado en los últimos años, ya no se busca un solo artista para millones de fans, ahora se da la magnífica oportunidad de que existan millones de artistas para pequeños grupos de fans y que todos puedan seguir viviendo de su práctica artística aplicando este conocimiento de las nuevas tecnologías y la difusión por Internet. Un ejemplo es este libro el cual usted habrá conseguido en línea o en las imprentas “on demand”, el modelo de distribución es más fácil y contundente.

En esta guía usted encontrará varias experiencias y modelos a seguir que han sido labrados por los mismos músicos que conforman la escena actual. Tenga en cuenta que para ser músico y vivir de la música usted no necesita ser tan grande como Pink Floyd, pero sí necesita seriedad, constancia y mucho trabajo, el cual implica un sacrificio enorme para lograr las metas. Es posible, siempre y cuando usted esté consiente de qué es lo que quiere lograr con su música.

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No siendo más, adentrémonos en el mundo de la música independiente y de la autogestión antes de que el mundo vuelva a cambiar y toque inventar modelos nuevos otra vez. La velocidad es algo que no sucede únicamente en la música, sino en todos los sectores de la vida y en todas las profesiones, lo importante es estar siempre a tono con el mundo. Como dicen por ahí “no bajarse del tren” porque éste, una vez te deja atrás, es imposible alcanzarlo. Y lo más importante de todo, HACER, no solo hablar sino tratar de hacer, eso es un requerimiento.

Motivación:

¿Qué es lo que mueve a una persona a entregar su vida a un ideal casi imposible? Lo hemos visto muchas veces a través de la historia, pero en este caso en específico, ¿Qué es lo que mueve al rockero a entregar su vida, su trabajo, su dinero, su amistad y todo su universo entero por una causa que sabemos desde un principio puede estar perdida?, es una pregunta que cada vez que se le hace a un músico de

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rock no la responde fácilmente, la piensa y la piensa, generalmente la respuesta que recibes es -¡no lo sé!-

Existen miles de personas en todo el planeta que han escogido el rock como una forma de vida sea en la práctica artística del mismo o vivenciándolo como fanático. Esa forma de vida implica el sacrificio máximo, la entrega total, el rock puede ser comparado con cualquier adicción, es algo que causa pasión extrema, síntomas de abstinencia, una vez el músico de rock conoce el escenario, queda sometido a él, sin querer decir que sea algo malo, al contrario, es la mejor sensación que un músico pueda obtener.

Dentro del género hay varios actores, además de las tribus urbanas, están los artistas, los fans, los agentes de la industria y sus respectivos detractores. Cada tribu funciona como un micro mundo, como una “secta”, cada una tiene sus respectivos códigos de vestir, de hablar, de sonar, de actuar. Son ideologías importadas y transformadas hacia nuestra realidad, algunas equivocadas a los ojos de otros, otras muy

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sensatas, ahondar en cada una es una tarea casi imposible, es un universo enorme, podríamos repasar sus generalidades pero cada una es un motivo de estudio con su ramificaciones casi interminables, es por eso tal vez, tan difícil de comprender el rock de manera íntegra y tan difícil de hacerlo un solo conjunto de conceptos.

Unos pocos sectores de la empresa y del sector público se han dado cuenta del poder de esta masa y han aprovechado para infiltrarse y hacer de esto un producto, sin que la mayoría lo sepa están cayendo en un juego burocrático y también privado que le permite a muchas personas enriquecerse y vivir del rock siendo los únicos que ganan, porque en su mayoría el rockero es pobre debido a su falta de entrenamiento en los negocios, el fanático es pobre porque generalmente son estudiantes que aún no trabajan, el pequeño empresario es pobre y solo hay un pequeño sector de la sociedad que vive de esto.

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El cambio que tuvo el negocio musical en el planeta, con el desplome de las disqueras, la globalización, las nuevas tecnologías e Internet, permitieron a miles de músicos abrir los espacios que siempre estuvieron cerrados para ellos, esto ha permitido que quienes han sabido aprovechar las redes sociales y las nuevas tecnologías se abran un espacio en las escenas locales y puedan al menos sobrevivir de lo que hacen, incluso se han visto caso de “sensaciones de la noche a la mañana” gracias a herramientas de Internet como “You Tube” que se convirtió en el principal medio de difusión de casi toda corriente creadora de la humanidad, un arma poderosa y también generadora de dinero, adicionalmente a esta herramienta hay muchas otras que sirven para el mismo propósito.

Sin embargo y por más que los músicos y gestores culturales en la región han tratado, no se ha podido dar una industria del rock autosuficiente o hacer un clúster de empresas culturales ya que han primado otros intereses y esto ha hecho que la escena se desvanezca y se autodestruya cada vez que se da un

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“boom” del rock latino, esto sumado a nuestro imaginario colectivo en el cual creemos y juramos que cada uno somos lo mejor de lo mejor y que debemos pasar unos encima de los otros para lograr el éxito, han acabado con los pocos esfuerzos que se hubieran podido resultar en una verdadera industria del rock en nuestros países.

Es muy diferente la industria musical del vallenato, el reggaetón, la ranchera, la bachata y otras expresiones musicales que han nacido de culturas de dinero, de culturas que no representan la realidad del rockero, por que el rockero aunque siempre anhela el dinero, a diferencia de otros músicos, se regala, toca por cualquier cosa incluso por un trago, el caso es el disfrute que genera el hacer sonar una guitarra, un concierto, el mero hecho de estar frente al público gritando libremente lo que lleva en su corazón, por eso el rock es el género más puro, pero el más pobre, las personas no entienden por qué el rockero hace esto pero son razones de peso, de ser consecuente con un

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sueño, de perseguirlo aún a consta del sacrificio máximo.

¿Qué es lo que mueve a una persona a entregar su vida a un ideal que aparentemente está perdido? Esta es la pregunta principal que trataremos de develar en estas páginas y como sobrevivirlo, pero ojo… no esperen

encontrar

una

respuesta,

no

esperen

comprender, estas historias son tan dramáticas como el rock mismo, un ritmo marginado, satanizado y perseguido pero del cual el mundo no ha podido ni podrá librarse por que como dijo el rey Elvis Presley: “Para que el rock muera tendrían que inventar algo mejor, ¡y eso es muy difícil!”

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Una brevísima historia del Rock en Colombia:

El rock en el país comenzó como en todo el mundo, fue una chispa que se esparció hasta formar un incendio. El sonido de una música nueva, rebelde y joven contagió a la nueva generación quien se volcó totalmente hacia él dejando atrás cualquier expresión anterior. El rock era la expresión del pueblo, nacida del grito amargo del Blues. El country y otros géneros que representaban a los sectores más populares de la sociedad y así ha sido desde sus inicios hasta nuestros días, los géneros que nacen del rock, nacen de abajo, de los barrios, de las fábricas, de la pobreza, no existe el rock “elitista”, sencillamente porque el rockero es inconforme por naturaleza, porque es el rock el que escoge a la gente y no la gente la que escoge el rock, hemos visto productos prefabricados, pero son el contentillo de las masas y generalmente terminan olvidados en el mismo anaquel del que salieron.

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Dicen que el rock en Colombia comenzó en el año 57 con la proyección de la película “Al compás del reloj” la cual incluía la banda sonora de “Bill Halley y sus cometas”, artista que vendría a la capital a hacer una presentación en lo que hoy es el actual Teatro Jorge Eliécer Gaitán. La historia cuenta que los jóvenes se enloquecieron con el ritmo nuevo y destrozaron las instalaciones del teatro el CID. De ahí en adelante el rock tomó su curso normal, que era el de expandirse como una plaga por todo el territorio a través de los jóvenes.

Al principio, las bandas que se crearon se dedicaban a transcribir canciones que llegaban de afuera y a cantarlas en español, soplaban vientos de cambio y el nuevo ritmo no era aceptado, era tildado de ritmo diabólico.

Fue a partir de la década de los sesenta cuando de verdad podemos comenzar a hablar de un rock más o menos organizado en el país con la aparición de bandas como “Los Daro Jets”, “Los Flippers”, “Los

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Ampex”, “Los Speakers”, “Los Yetis” entre otras. Agrupaciones que adaptaban la música de afuera al contexto del país. Con los años, estas bandas evolucionaron y comenzaron a experimentar con temas propios.

Para los años setenta y con la proyección de la película de Woodstock en las salas de cine y el movimiento Hippie de moda en el mundo, Colombia agarró “la onda” y también puso su cuota organizando festivales que incluso hoy en día son mitos urbanos como el festival de Ancón realizado en Medellín en el año 71, junto a otros festivales como “El Festival de la Vida” y “los conciertos en Lijaca” en Bogotá.

Poco material grabado queda de aquella época y tal vez el grupo más representativo fue Génesis de Colombia liderado por Humberto Monroy, de esa misma generación nacieron las impresionantes bandas de finales de los 70 como SHIP y Traphico que estaban muy adelantadas a su realidad en el país.

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Para los años ochenta vino una explosión de bandas con el llamado Boom del rock en español, Colombia no se

quiso

quedar

atrás

y

comenzó

a

gestar

agrupaciones que alcanzaron bastante notoriedad en la escena como “Pasaporte”, “Compañía Ilimitada”, “Hangar 27” o “Taxi”, en los medios se comenzaban a transmitir programas especiales como “A toda música” y como olvidar el recordado primer gran concierto “Bogotá en Armonía” en el estadio el Campín que duro casi 24 horas y fue la semilla que sin saberlo se sembraba para el espectáculo del rock en Colombia, este concierto tuvo una segunda edición en los noventa.

Los años noventa explotaron con todo el movimiento alternativo y así mismo explotó el Metal y el Punk en Medellín, Cali y Bogotá, cientos y cientos de bandas se alzaron con la bandera de los ritmos nuevos y se consolidó un movimiento no solo de músicos sino de un público fiel que asistía a los conciertos de sus bandas favoritas. Fue para el año 95 que Mario Duarte y Julio Correal convencen al gobierno distrital de hacer

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el primer “Rock al Parque” ya que el movimiento estaba en ebullición, Rock al Parque se consolidó en varias de sus ediciones como la bandera del rock colombiano

hasta

que

fue

conviertido

en

un

instrumento político que e susado ahora año tras año para otros intereses que no sen la música.

Bandas enormes de los noventa fueron muchas: La Derecha”,

La

Pestilencia,

Yuri

Gagarin

y

los

correcaminos, Marlohabil, Estados Alterados, Morfónia, Monoxido, Knuto, Vertigo, Pepa Fresa, Catedral entre muchas más.

El nuevo milenio llegó con un decaimiento de todo el movimiento, los nuevos ritmos como el reggaetón acabaron el rock en los medios no solo en el país sino a nivel internacional. Las bandas comenzaron a ser imitaciones del movimiento norteamericano y los géneros como el Neo Punk, Post Punk y el emo se tomaron la escena. Llegaron entonces los ritmos híbridos, un movimiento liderado por Sidestepper y Carlos Vives del cual nacieron todas las bandas que

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se conocen como “Tropipop” que tienen más jerarquía tropical que de otra cosa y que confundieron el rock con el pop folclor y el país así lo asumió.

Solo hasta los años finales de la primera década del siglo XXI se comenzó de nuevo a dar forma a un nuevo movimiento el cual se mantiene con bandas que han logrado a través de la autogestión sobresalir incluso internacionalmente y que nos permiten por fin hablar de un posible rock colombiano. La importante cantidad de conciertos internacionales, la adquisición de nuevas tecnologías, la agonía de las disqueras, Internet, redes sociales y la globalización permitieron que las bandas del garaje se convirtieran en bandas masivas (al menos en difusión) y la concientización del público de que las bandas los necesitan está cambiando todo el panorama. Aún falta mucho, pero al menos se están dando los primeros pasos para la creación de una verdadera industria de la música.

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HAY QUE APRENDER A VER LA BANDA O EL PROYECTO COMO UN PROYECTO DE VIDA Y PARA

ESO

HAY

QUE

HACER

SACRIFICIOS

AUNQUE NO LE GUSTEN A UNO.

Muchos músicos se quejan de cosas como vender boletas o pagar una inscripción. Pero mientras el producto (Que es la música, no usted) no sea conocido eso es lo que hay que hacer. Una banda es una empresa en la industria y como tal hay que verla. Ya pasó el tiempo de los promotores, las disqueras y toda la parafernalia en donde el músico solo se sentaba a fumar porros y hacer música. Y mejor, porque esa etapa solo le permitía a un pequeño grupo de personas salir a la superficie mientras que hoy en día si el músico se sabe mover en las tecnologías de la información tiene la oportunidad de salir adelante y ser escuchado por una cantidad inimaginable de personas.

¿Pero qué es lo que está pasando? Que los músicos están ensillando el caballo antes de tenerlo y reflejan su incapacidad de llenar los bares o teatros en frases

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como “No quiero vender boletos” o “Soy músico y no toco gratis”.

Analicemos a fondo este punto, no se trata de pay-toplay, el pagar por tocar es una práctica común en muchos “venues” de todos los países del mundo. Si usted es parte de una banda desconocida y quiere tocar en bares muy conocidos en USA u otros países deben pagar ¿Por qué? Porque usted no genera, usted no vende tragos, esto quiere decir que como a usted nadie lo conoce (aún) entonces no es negocio para nadie y por eso no genera ganancias para nadie y por lo tanto no se le puede girar un cheque por miles de dólares.

Hay que sacar el romanticismo del rock y de la música, pero más que todo del rock porque el músico de rock es un romántico y ve el mundo a través de sus ojos y no de la realidad. Por ejemplo, la mayoría de músicos emergentes se rehúsa a vender boletas pero seamos sinceros, muy poca gente asiste a sus conciertos.

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Organizar un concierto por más pequeño que sea implica gastos, un ejercicio obligado que debe hacer cada banda al menos una vez en la vida es organizar un concierto para aprender a valorar las cosas como son. Las bandas quieren que se les ponga el mejor sonido, quieren que se les de atenciones, quieren que se les consienta y también quieren que el concierto este reventado de gente, pero miremos la realidad ¿Cuánta gente va a verlo a usted a un concierto suyo? A veces ni las bandas más famosas llenan un bar, generalmente los únicos conciertos de rock que actualmente se llenan son los festivales y eventos gratuitos (a veces) y no a las horas en las que tocan las bandas locales sino a las horas que comienzan a tocar las bandas internacionales. El rock ya no es una opción para la fiesta y el músico al negarse a ser parte de la industria lo que está haciendo es dañando más el esfuerzo por crearla. Aunque sea dicho, toda posición es válida, cada músico es libre de escoger su camino pero no por eso destruir y criticar el de los demás y mucho menos denigrar lo que los demás piensen

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porque es contrario o en oposición al pensamiento propio, eso es lo que más daña.

A un músico hoy en día le toca comprar la carpa, armarla, vender los boletos, recibir a la gente, dar el espectáculo, ser el payaso, el presentador, el domador de leones, despedir a la gente, vender las palomitas, desarmar la carpa y manejar el tráiler para ir a la otra ciudad. Si usted no está dispuesto a esto, va a ser muy difícil entrar en el juego, porque por su cara, su voz melodiosa y sus canciones no le van a llover dólares y contratos, atrás quedo el tiempo en donde Jim Morrison era cortejado por una disquera mientras él se “viajaba” en una reja. Ahora, ese tiempo en nuestros países jamás existió y para ser conocido primero hay que ser escuchado ¿Cómo estamos haciendo para que nos escuche? Las opciones son pocas.

Uno de los secretos del éxito económico de los artistas es que generan dinero para todo el mundo y el artista gana un porcentaje de ese dinero, por eso algunos son millonarios, porque hacen millonarios a los demás,

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pero si usted no tiene la capacidad de vender diez boletas para que el dueño del bar no se vaya a la quiebra con su presentación, entonces es mejor que replantee su forma de hacer negocios con la música, porque hoy en día, ya no hay disqueras enormes que lo mimen, talento musical es lo que sobra, el que nos falta es el talento de “negociantes”, es algo extraño porque los músicos dicen en público en su gran mayoría que tocan por amor al rock pero se enojan si no ganan dinero ¿entonces dónde está la coherencia?.

Ahora, no hay que dejarse timar ni manipular por tocar como pasaba hace unos años, en los 90 uno tenía que pagar por tocar y si no vendía las boletas le quitaban los pedales o las guitarras y así era, eran los tiempos en que había escena del rock y los bares alternativos eran los que mandaban en el movimiento. Es válido que usted participe en la realización y producción de sus conciertos pero siempre en los porcentajes justos, ¿Qué quiere decir? Si seguimos con el ejemplo de los boletos, no es válido que el dinero de estos sea enteramente para el dueño del bar o el organizador de

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su concierto, sino que usted negocia un porcentaje por ejemplo 80-20 o 70-30 siendo para la banda el mayor porcentaje ya que el bar también tiene la barra o el organizador tiene la venta de licor o comida.

Llegará el día en que varias bandas ya no necesiten ser parte de esto porque ya tienen un reconocimiento y una trayectoria, ya se gestionan solas y hacer eventos con ellas es una seguridad de ganancia para el promotor y para todo mundo, pero si usted está empezando o aun no llena los lugares, entonces hay que pisar la tierra y trabajar porque llegue ese día, mientras tanto no cause perdidas sino ganancias.

EL

ARTISTA

DE

HOY

DEBE

GENERAR

OPORTUNIDADES EN VEZ DE BUSCARLAS.

Llegué a la comunicación social a través del arte, había estudiado música y arte dramático. Mi meta era como la de todos los artistas: lograr que mis sueños se convirtieran en realidad, tanto mis proyectos creativos como los de vida. Lamentablemente me di cuenta que

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educación

recibida,

aunque

excelente

era

insuficiente, me habían formado en las técnicas del ejercicio del arte, de su interpretación y el desarrollo de la creatividad mas no tenía ni la menor idea de cómo generar una empresa cultural o algo que se pareciera a un “trabajo”. Fue así que me vi como todo artista reducido a pedir oportunidades y a tocar puertas, a rogar en los “castings”, a salir en papeles pequeños en programas de televisión para poder hacer algo de dinero, a tocar en los bares la música de otros músicos que si habían nacido en países donde el arte es un negocio y un proyecto de vida. Estuve así durante mucho tiempo.

Fue hasta que llegué a El Salvador y comencé a trabajar en los medios que me di cuenta del enorme poder mediatico que la comunicación aporta a un artista. Con los medios en mis manos comencé a generar oportunidades no solo para mí, sino para un montón de personas que estaban en mi misma situación, es decir, músicos de rock a los que no querían sonar en las radios y a los cuales la sociedad

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salvadoreña

miraba

como

“locos

marihuaneros

tatuados”. Fue así como nació la idea que se convirtió en mi proyecto de vida: “Subterránica”, que a través de los años se convirtió en un conglomerado de medios alternativos de comunicación para el apoyo y difusión de los artistas de rock independientes.

Obviamente la situación en El Salvador era diferente puesto que “Subterránica” se alojaba en la mejor estación

juvenil

de

Centroamérica

lo

cual

me

aseguraba una audiencia enorme y en poco tiempo, tanto el programa como mi música se volvieron populares y comenzaron a andar solos. Ya pudimos realizar los premios al rock local, los concursos y muchas otras actividades. Hasta que para mí se agotó El Salvador y retorné a Colombia y de nuevo me vi reducido a “buscar” oportunidades nuevamente.

Colombia es un país en donde los medios de comunicación están bajo el régimen de personas con poca educación artística. No es algo general pero si en un gran porcentaje. En este país aún funcionan cosas

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como

la

payola

y

el

nepotismo,

dejando

las

oportunidades a la venta y adquisición de unos pocos artistas que tienen dinero y amigos.

El artista en Colombia sabe, está consciente y acepta la condición de trabajar por “amor al arte” y de autosatisfacer su vida con el mero desarrollo de la actividad creativa, aun a sabiendas de que no va a generar dinero, no será reconocido y que va a verse obligado a llevar una vida austera por no decir casi de indigencia. Sin embargo el artista lo acepta.

Fue cuando regresé a Colombia que me di cuenta que aun estábamos en ese “oscurantismo” mediático.

Buscando oportunidades para continuar con el trabajo hecho en El Salvador con Subterránica fui topándome de frente con personas en la radio y la televisión que tenían poca visión de futuro, ellos no veían venir el tsunami de la Internet y se sentían muy cómodos en el trono que les habían puesto ya sea como “Directores de programación” o como “Directores de parrilla”.

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Después llegaron los servicios de música como el streaming de audio hasta llegar a Spotify en contraste a su pensamiento cuadriculado, para darle la estocada final

a

las

estaciones

que

se

convirtieron

en

“sonadores de música extranjera” y en recitadores de libretos fáciles, cero aporte a la sociedad, cero aporte a la cultura o la música, una lástima.

Fue en ese momento cuando decidí hacer dos cosas, la primera era dejar de buscar oportunidades y más bien construirlas y la segunda, estudiar comunicación social para así tener las herramientas que me permitieran convertirme en un gestor cultural además de músico y dejar de depender de todo el mundo para que mi música fuera escuchada, mis películas fueran realizadas o mis libros fueran publicados, pero tal vez lo más importante es que me di cuenta que para vivir bien no debía ser parte del circo mediático sino hacer lo que gusta de una manera tranquila, sin apurarme a nada y sin compararme con nadie.

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Al cabo de años en esa lucha, Subterránica comienza a rendir sus frutos y se convierte en una fundación cultural que pertenece a una red de entidades culturales emergentes y auto gestionadas que tiene un periódico, una serie de eventos como las entregas de premios, una página web en la cual nació la primera radio on line fundada en Colombia exactamente el 5 de mayo de 2005, antes que cualquier otra estación on line del país, anterior a Subterránica los precedentes eran la intranet “Altair” en la Universidad de Antioquia y el programa de Andrés Durán en Live 365 El Expreso del Rock. Subterránica fue la primera estación on line 7/24 con parrilla de programación y programas en vivo del país. Después se dibujaron muchos proyectos, aprovechando siempre la red y las redes sociales, es decir, de ser un artista que pedía y rogaba por una oportunidad, pasé a ser un generador de espacios y esa podría llegar a ser la meta de cada uno de los artistas de hoy, no pedir espacios sino generarlos.

Pero no cantemos victoria, esto aún no representa ingresos y monetizar la actividad artística aun es un

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problema, la mayoría de artistas estamos reportados en las centrales de riesgos crediticios y eso nos imposibilita para crear patrimonios y pedir préstamos, la mayoría estamos reportados por pequeñas sumas y los que no lo están, tienen dificultades a la hora de dar garantías para un préstamo, ya que ningún banco le va a dar millones para grabar un disco que no se va a vender basado en la garantía de que sus canciones son hermosas. Eso sumado a instituciones obsoletas y radicales como las entidades de recaudo que son un monopolio legal y otras instituciones disfuncionales dificultan mucho el quehacer artístico y la formación de empresas de comunicación y producción cultural en Latinoamérica, la consecuencia de todo esto son las llamadas “roscas” (Círculos de amistades que se benefician entre ellos) en donde entonces el arte y la comunicación se convierten en un bazar oriental donde el trueque es la base de la actividad creativa.

Pero volviendo al tema, por eso es que he puesto tanto énfasis en los últimos años en temas como la “autogestión cultural” en la que se busca que el músico

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sea el que mueva su carrera a través de las nuevas tecnologías de la información, en que tengamos sentido de pertenencia con nuestros artistas y no los busquen los medios únicamente cuando triunfan en el exterior, es decir, que seamos generadores de artistas y oportunidades y no oportunistas, como el caso de Chob Quib Town en Colombia, que a punta de esfuerzo y autogestión lograron ganarse un Grammy y después de esto los grandes medios del país los buscaban para exhibirlos, cuando nunca les había dado su apoyo. Otro aspecto importante de esto es el “Mainstream”. Para los que no están familiarizados con el término, se refiere a los medios de comunicación que la gente en la calle llama “grandes” es decir, los medios de comunicación que tienen la posibilidad de abarcar el espectro electromagnético y transmitir para multitudes enormes. Caber aclarar que visionando un futuro muy próximo

estos

medios

se

acabarán

como

los

conocemos y tendrán que montarse en el tren de las nuevas tecnologías para no desaparecer como ya le

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Autogestión, recursos independientes y nuevas tecnologías para músicos

ha pasado a muchos, nos esperan en estos años una serie de cambios muy interesantes.

Por da un ejemplo, en Colombia o El Salvador, el “Mainstream” se reduce a muy poco. En un país de 40 millones

de

personas,

existen

solamente

dos

empresas que monopolizan casi todo en lo que es radio y televisión y dos empresas que monopolizan casi todo en prensa escrita, El Salvador es igual pero con una población de 7 millones de habitantes. Los esfuerzos independientes casi siempre son absorbidos o acabados por estas empresas. Y lo peor es que hablando de la parte artística dejan mucho que desear por la falta de preparación, ya que ellos piensan que una sección de cultura en un noticiero es mostrar a una mujer hermosa con las tetas operadas hablando de las novelas que su propio canal realiza, novelas que

casi

siempre

responden

a

una

necesidad

comercial y no a una verdadera producción creativa. Cualquiera que se atreva “criticar” o estar en desacuerdo con estas empresas inmediatamente es relegado, vetado y desprestigiado.

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Es por eso tan importante comenzar a enseñar al artista

a

generar

sus

propias

oportunidades

y

espacios. Es importante dejar de ser egoístas con la información y compartir la experiencia, porque acá nadie sabe cómo mandar un disco a los premios, como poner un video en un canal, como conseguir un buen productor, entro otras cosas, por que quienes tienen estos conocimientos generalmente ya frustrados por no haber logrado “la fama” y se los guardan con la excusa de “si a mí me costó, que a ellos también les cueste” y entonces cada uno busca su propio beneficio y la industria cultural se cae.

Entonces, el motivo que me mueve a hacer cosas como este libro de autogestión musical, es para que en Latinoamérica, por fin comencemos a trabajar como artistas basados en todos los modelos comunicativos y las nuevas teorías de la comunicación, en las nuevas tecnologías de la información y también en teorías de la

vieja

escuela

(que

en

nuestro

campo

de

conocimiento no son tan viejas) pero que aún funcionan en la práctica.

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El objetivo es que el artista en Latinoamérica, sea también un gestor cultural el cual a través de la generación de medios alternativos, el aprovechamiento de las redes sociales, la autoproducción de eventos y la

autorrealización

de

productos

independientes,

pueda vivir y trabajar como cualquier profesional.

Autogestión, medios alternativos, nuevas tecnologías de la información y constancia, son las palabras claves para esta nueva corriente del pensamiento del artista y el

comunicador

que

es

la

articulación

de

la

comunicación con el arte para conseguir el desarrollo auto gestionado de los proyectos creativos y la generación de nuevas empresas e industrias que generen desarrollo e ingresos para el país, tanto en capital cultural como económico en donde lo que importa es el artista en sí y su capacidad de generar espacios para la creación y la circulación del arte y la cultura. El desprendimiento del profesional de la información o de los productos creativos de las naves nodrizas para sembrar, regar y cosechar sus propias semillas. Algo que podemos llamar “El artista gestor”.

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Y uno de los productos de esta nueva corriente, es el escrito que ustedes tienen en sus manos, “Recursos independientes, autogestión y nuevas tecnologías para músicos” el cual ilustra al nuevo músico a seguir una carrera auto gestionada, construida por él y sus propias capacidades y basada en la realidad personal del músico y no de los medios.

¿PAGAR PARA TOCAR? ¿ES VÁLIDO O NÓ?

En la industria de la música se mueven muchos negocios, la industria de la música es muy amplia, claro está que muchos músicos no lo saben. El negocio de la música en Latinoamérica mueve casi o igual cantidad de dinero que en otros países en donde dicho negocio es considerado “grande”. Lo que pasa es que a diferencia de otros países este dinero casi nunca le llega al músico. Y la verdad es que los músicos de rock somos más pasión y menos Músic Business lo cual hace que los demás se aprovechen y vean esta pasión como la oportunidad de lucrarse a costa de nosotros. A diferencia de otros géneros como

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el Vallenato y el Reggaetón que están mejor organizados en ese sentido y cuentan con sus abogados, promotores, circuitos y circulos. El roquero no cuenta con eso, sin embargo las cantidades de dinero que se mueven en torno al rock no son pequeñas. Entre las sociedades de gestión, los recaudadores, editoras, estaciones, medios, y todo aquel que no sea músico mueven millones.

El músico siempre está en busca de oportunidades para tocar ante la mayor audiencia posible o de ganar tiempo al aire en la radio o exposición en los medios. Hay pocas bandas que tienen excelentes managers y han logrado a punta de palabras, invitaciones y regalos hacer amigos (esto es una excelente técnica) para que sus bandas sean sonadas, pero siendo sinceros, ninguna banda de rock adquiere aun el término de “rockstars” en la región y de hecho hay cosas que fastidian como que las marcas y los medios solo promocionan a los mismos cinco (no necesariamente los mejores) que tal vez han podido pagar por servicios o que tienen un lazo de amistad o de interés con los

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que dirigen. Entonces al final ¿Para qué entrar en peleas y polémicas ante esto? Lo importante es saber en qué momentos una banda debe aprovechar las oportunidades que se le dan y tomarlas, porque oportunidades hay pocas y si las dejan ir, nunca volverán y al final en países como los nuestros la idea vale poco, ni siquiera hay un banco de ideas.

Hay formas de pagar por sonar muy comunes, la primera es la Payola, que viene de los términos “Pay” y “Victrola” por los aparatos de RCA Victor que se usaban para reproducir música. Se refiere a la práctica de pagarle al Dj o al director de programación para dar difusión a su canción. Las malas lenguas (o buenas) dicen que es una práctica normal en nuestros países, en algunos ni siquiera está penalizada pero es éticamente muy cuestionable. En estados Unidos tuvieron que regular la payola porque muchas listas se negaban a decir cómo era que escogían las canciones que ingresaban, grandes bandas como Pink Floyd, The Beatles y Franz Ferdinand la usaron, en Estados Unidos es una práctica ilegal castigable según la ley

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federal contrario a los países latinoamericanos en donde parece no importarle a nadie. Pero hay una forma de que se pueda pagar “legalmente” por poner una

canción

al

aire

y

es

comprando

“tiempo

patrocinado” y esto no debe contar como parte de la programación normal, es decir por ejemplo, usted está escuchando una estación y de repente sale un anuncio que dice: “La siguiente canción es traída a usted por chocolates manipletos” y comienza la canción. Esa es la única forma legal de comprar tiempo al aire. De ninguna otra forma se debe practicar. Esto debe ser uno de los pilares morales de la radio local, ¿Por qué? Porque de lo contrario es competencia desleal, los músicos no tienen todos el mismo poder adquisitivo y las oportunidades no se dan a todos, ahora si los medios fueran claros y le dieran a todo mundo la misma oportunidad y el mismo precio, sería diferente, porque el medio también tiene derecho a vender su tiempo al aire como guste, coloco como ejemplo el contrato que tenemos en Subterránica para pasar las canciones, nosotros les vendemos el tiempo al aire en la estación por internet a las bandas, pero el costo de

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este tiempo al aire es $0, para todo el mundo, es decir usted paga $0 pesos y puede sonar su música, ¿eso que nos evita? Nos evita tener a las recaudadoras detrás de nosotros robando dinero de donde no hay. Son modelos del negocio musical, son fórmulas que están creadas por la gente que mueve la industria a nivel mundial. Hay países en Latinoamérica como Ecuador o Chile en donde ya se han aprobado leyes que obligan a las estaciones de radio a colocar cierto porcentaje de música local, en Ecuador es una a uno a uno, es decir, una canción nacional por una extranjera, esto sería lo óptimo en todas partes. Otra famosa forma del “Pay 2 Play” se comenzó a dar en varias ciudades del mundo, en Los Ángeles en la década de los 80 cuando los dueños de los bares querían asegurar una mínima cantidad de público y comenzaron a manejar una figura llamada “boletas pre-vendidas”, es decir, la banda compraba esa cantidad de boletas y después hacían lo que quisieran con ellas. Con el tiempo se han visto variaciones de esta modalidad y en bares que son muy reconocidos

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se usa el “pay 2 play” directamente, es decir, si eres una banda nueva y quieres tocar en un escenario famoso en donde tienes asegurado el público, pagas por eso. Es una práctica que también es ilegal en Londres y otros países pero es muy común hoy en día para asegurar que los shows van a ser un éxito en asistencia. Los dueños de los bares y los promotores se excusan en que los costos que genera el concierto no son cubiertos con la poca cantidad de público que la banda o el artista atrae ¿les suena conocido? Sin embargo este modelo ha sido copiado voluntariamente por algunas bandas que se unen para organizar conciertos entre varios y para asegurar el público, se coloca como meta una venta mínima, en este caso se han visto casos muy beneficiosos y al ser iniciativas privadas o personales no afectan el entorno.

Algunos bares han cambiado sus estrategias para que esto no suceda, son estrategias legales y no se pueden catalogar como “pagar por tocar”, por ejemplo, con el bar se puede negociar que la entrada sea de la banda y la barra del bar. O no cobrar entrada y subirle

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una sobretasa a la carta del bar para que el músico gane. Y algo muy importante, el bar le puede hacer una

cortesía

pero

no

es

obligación

del

bar

emborracharlos, ese es su negocio.

Otra forma entonces es co-producir el espectáculo con el lugar y aceptar ir en pérdidas o ganancias con el dueño, así, banda y lugar aportan dinero para todo y las ganancias se dividen. Pero ojo, y esto es muy importante, por más talentoso que usted se crea, por más bello que usted jure que es, si en un concierto usted no hala sino 10 personas, su novia y sus amigos y encima le toca comprarle la cerveza a su amigo, tenga en cuenta que siempre se va a ir en pérdidas.

Últimamente se está dando un fenómeno increíble en las redes sociales: se postean memes que dicen “Soy músico y tengo recibos”, “Soy músico y no toco gratis”, entre muchos. Lo único que hacen es exigir el mejor backline, Whisky para toda la banda más cerveza, luces, transporte, comida y dinero. Pero llevan tres amigos a verlos los cuales no pagan cover y toman

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una sola cerveza durante la noche. Lamentablemente esta es la verdad en muchos conciertos locales, el placer de tocar no compensa la inversión del lugar. Hemos escuchado frases tan absurdas como “el bar debe tener un público”, el bar de repente tiene una clientela ¿desde cuándo un bar tiene público? No es el estadio el que tiene hinchas, es el equipo, hay que bajar de nuevo a la tierra y ver las cosas desde los zapatos de los demás.

A mediados de los noventa también en los Ángeles comenzaron entonces a darse las nuevas formas de financiar conciertos para bandas emergentes que han servido de modelos en todo el planeta, por ejemplo las batallas de las bandas. Modelo que ha sido copiado en todos los países de América y Europa. Generalmente funciona así: La organización cobra una cuota de inscripción a las bandas para poder financiar el evento y al ganador se le da un premio. Esto también funciona en festivales en el mundo y en giras grandes en donde la banda pequeña “negocia” el ser telonero de la banda principal durante el tour.

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Ahora, la pregunta es ¿Hay que pagar para tocar?, la respuesta obvia seria a veces sí mientras se comienza. Y depende del beneficio. Nunca pagues por tocar en un bar, eso es un hecho, nunca pagues por un concierto el cual el único beneficio va a ser el placer y el mero acto de tocar, para eso alquilen ensayadero e inviten amigos, les va mejor que en el bar. Pero es válido que paguen el Fee de un festival enorme en donde los van a ver miles de personas, o es válido que negocien la apertura de una gira de un grupo famoso, o es válido si los premios lo ameritan pagar el fee de un gran concurso. Mejor dicho, se paga cuando el beneficio será infinitamente mayor o compensatorio al pago y no es una práctica ilegal, como la payola.

El camino y el negocio de la música es algo complicado, todo esto es lo que tenemos que ir cambiando y arreglando. Todo lo referente a las fallas en las sociedades de gestión, los impuestos en espectáculos públicos, la poca transparencia en las instituciones culturales del estado. Porque en el caso de la capital colombiana, solo se habla del problema

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de los músicos, pero ¿se han puesto a pensar porque los conciertos los están haciendo fuera de los límites de Bogotá? Porque los impuestos son absurdos y ridículos, se han puesto a pensar ¿Por qué los medios alternativos ya no programan música que está registrada en Sayco-Acimpro? Porque los pagos son altísimos y no le llegan a los músicos. Así que amigos, el problema no es solo de un lado, es de todos. Al final la preocupación no debería ser otra que tener una banda tan exitosa y con tan buena música que no necesitaran pagar para nada sino les llovieran ofertas para tocar en todo el mundo, ¿Cómo se logra eso? Con originalidad, trabajo y sobretodo buena música y humildad para reconocer en qué etapa del proceso se está.

TOCAR EN UNA BANDA NO SE DEBE CONVERTIR EN UNA EXPERIENCIA DESAGRADABLE.

Del afán no queda sino el cansancio y eso es lo que se ve hoy en día incluso en bandas que no han luchado ni cinco años. Vemos cansancio físico y emocional. El

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afán de fama y dinero han tergiversado el verdadero valor del arte. Tocar en una banda ya no es como antes, una reunión de amigos para pasarla bien, para comprobar de acuerdo a los sonidos que la vida era más que levantarse a la misma hora todos los días a hacer lo mismo. Para sollársela y tomarse un buen momento componiendo, tocando en un bar.

Hoy los músicos viven estresados, preocupados por ganar dinero, por conseguir para el disco, es el afán de triunfo, pero el triunfo se consigue con talento y no con ansiedad. Además el triunfo es algo muy personal. ¿Quién dijo que triunfar en la música era hacerse millonario y vivir los 365 días de gira? El triunfo es llegar hasta el punto donde tú deseas llegar y por tus propios medios y talento. Bien dice la frase “prefiero fracasar con mi música que triunfar con la de los demás”.

Hoy en día vemos con tristeza bandas vendidas a las marcas, el afán de ser escuchados los ha hecho incluso esclavos de campañas de cerveza, trago,

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chicles, etc. Cada uno puede hacer lo que quiera, pero personalmente creo que eso no es una banda de rock sino una chocolatina, como repito, no está mal, pero la esencia se pierde un poco. Lo vemos hoy en día también en el fútbol, el juego ha pasado a un segundo plano.

Ahora pregúntese, ¿es usted en realidad tan bueno como para ser la estrella de rock que quiere ser? No será que está amargando los mejores momentos de su vida en busca de un triunfo económico que no va a llegar sencillamente porque en nuestros países no hay industria

musical,

por

ahora,

hacer

rock

en

Latinoamérica es como querer hacer un equipo de ski sobre nieve en el Sahara. Eso es por lo que debemos luchar, unirnos y construir una escena y mientras esto pasa, pásela bien, pásela rico con su banda, sóllese, trabaje para conseguir dinero, no meta a su banda en eso. Aprenda mientras tanto a vivir para el rock y no a vivir del rock, porque aún nos falta mucho por construir para poder hacerlo.

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¿QUÉ PASA ENTRE MÚSICOS Y VENUES QUE NADIE SE PONE DE ACUERDO?

Hablando y entrevistando a los dueños de bares de rock donde se hacen conciertos, podemos tener una idea clara de cuál es el punto de vista de ellos en cuanto a las bandas nacionales y el realizar conciertos en sus establecimientos. La idea de hacer este capítulo nace de la necesidad de búsqueda de concertar espacios y mínimos tanto para bares y para músicos y de una conversación con Jackson, quien es dueño de uno de los bares de rock más conocidos en Bogotá: “Jackass”, justo antes de nuestro concierto en el lugar, nos sentamos a conversar en la barra. -¿Si es bueno hacer conciertos de Rock nacional?- le pregunté, él me mira, frunce un poco la boca y dice que es relativo, que no es bueno como negocio pero ya después de años de darle duro al bar ha logrado más o menos llegar a un equilibrio. Le pregunto ¿Por qué lo sigue haciendo? ¿Por qué mejor no combinar el rock con rumba crossover para que la gente vaya y baile? Entonces es cuando cierra el puño y se da un

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golpe en el pecho y dice con orgullo – “El corazón parce, esto es lo que me gusta, no puedo hacer otra cosa”- y entonces me identifico con él y siento también que ese es el mismo motivo por el cual muchos seguimos a pesar de las dificultades luchando por el movimiento del rock, aguantando y esperanzados en que estamos haciendo lo correcto.

Jackson me cuenta que el al principio le pagaba a las bandas fuera o no fuera gente, pero después de un tiempo se dio cuenta que no le generaban las ganancias necesarias para mantener el bar, por eso decidió que las bandas ganaran relativamente a lo que ellos mismos convocaran. Así que el cover es de las bandas, si una banda lleva una persona se gana un cover, si lleva 100 se gana ese producido, es justo dice él, como en todo trabajo uno gana por lo que haga. Yo le pregunte cuales han sido los mejores conciertos en cuanto a entrada y me responde con firmeza que el mejor concierto en los años del bar ha sido el de las 1.280 Almas al cual acudieron al menos 350 personas, “el bar se iba a reventar”. Y el de Kraken, con casi la

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misma cantidad de gente, en ambas ocasiones las bandas han ganado muy buen dinero comenta. Dice que el promedio es que de cada 10 bandas que se presentan, cuatro llevan gente, es decir, seis bandas no convocan, sin embargo en Jackass se presentan dos bandas por semana, esto es una gran cantidad en el año. Lo que ofrece Jackson para las bandas que se presentan en el local es la totalidad de la entrada, el backline y sonido y una cortesía para la banda, es decir cerveza o licor. Antes de subirme al escenario le pregunto cuál cree que es un factor para que las bandas no convoquen gente y me dice muy seguro que los medios de comunicación masivos tienen mucho que ver porque no dan espacio a nuevas bandas y así es muy difícil que la gente las conozca y quieran ir a sus conciertos. Lo miro, doy un sorbo al trago y me voy a tocar, no sin antes pensar en que tengo que escribir esto y pensar si entre todos podemos analizar qué es lo que pasa. Se me pasa por la mente una frase que escuché:

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Si las estaciones no nos colocan la música entonces ¿Quién va a escucharnos?

Para analizar el problema de músico-bar habría que analizar diversos escenarios, y cuando digo escenario no lo hago literalmente sino de una serie de factores que vendrían más o menos así, sin ser estos los únicos.

-

La banda toca solo canciones originales, solo

covers o ambos -

Cuantas personas en realidad llegan a ver la

banda a sus conciertos. -

Si el bar tiene o no sonido.

-

Si se cobra o no una entrada.

Estos

cuatro

factores

son

absolutamente

determinantes para el desarrollo y el éxito de un concierto en un bar, es decir un evento a pequeña escala.

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Si la banda toca solo canciones originales es más difícil que la gente que este en el bar o que llegue y no los conozca se quede, la banda debe tener un público especifico y cautivo para que asista, ahí es donde los grupos

tributo

funcionan

muy

bien

en

estos

establecimientos y por eso lugares como el Hard Rock Café piden esto en sus convocatorias, no todo el mundo está dispuesto a sentarse durante dos horas a escuchar música que no conoce cuando lo que quiere es rumbear. Por eso una técnica que usan las bandas hoy en día en los bares es la combinación de “versiones”

de

composiciones

bandas propias,

famosas esto

está

con

sus

totalmente

demostrado que funciona ya que al “agarrar” al público con una que otra versión después disfrutan las composiciones originales. Lo óptimo sería claro que el público llegara con mente abierta a explorar nueva música y la banda solo tocara sus propias canciones como lo hacen muchas veces, pero ese mundo aun esta solo en nuestros sueños.

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La cantidad de personas que llegue a sus conciertos es determinante para usted y para el local, un concierto vacío es un concierto que no genera nada y se han dado casos de conciertos vacíos en donde los músicos han peleado con los dueños de los bares porque no les pagan o no les dan “Whisky”, nos ha sucedido con Subterránica. Es muy sencillo, la música es un producto y tiene clientes, así usted no lo quiera o se crea el músico más oscuro o el menos comercial del planeta, el bar no lo es, el bar es un negocio que vende trago, comida y espectáculos y si el dueño contrata a una banda es precisamente para que lleve más gente y consuma, no porque ame a su banda sino porque la ve como un negocio, si usted no le produce entonces ¿Qué le va a exigir? Esa es la realidad, cruda, pero es la realidad.

Si el bar tiene sonido y condiciones adecuadas para tocar entonces el bar le puede exigir a usted un porcentaje del cover, que no debe ser más del 10% de las entradas, esto lo usan para cubrir el gasto de depreciación de equipos o para lo que ellos quieran.

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La depreciación es el gasto físico que con el paso del tiempo va a obligar a cambiar esos equipos, además considere que le sale a usted mucho más fácil y económico que alquilarlos o transportar los suyos.

Si el bar no tiene equipos entonces es grave, porque le toca al músico alquilar y transportar equipo, conectar y hacer toda la producción. Si usted ya tiene los equipos igual tiene que pagar transporte, ayudante y otros gastos. Lo que se hace generalmente en estos casos es que la totalidad del cover es para la banda o se arregla además de un pago el excedente por los equipos y un modelo que yo he practicado últimamente y me ha funcionado es colocarle una sobretasa a la cerveza y el trago que será para el artista, como política no toco en bares o lugares que no aporten sonido, es un desgaste.

Lo óptimo es volver a llenar los bares, cuando se pueda hacer un contrato formal con los dueños y que el músico solo se preocupe por llegar y dar un buen espectáculo a un bar lleno de gente disfrutando su

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presentación. Esto se puede lograr, pero primero hay que dejar atrás los egos y después comenzar a llevar gente a los lugares, conquistar el público y volver a hacer del rock una opción para la rumba. Así todo será más fácil y el que hacer del músico de rock se convertirá entonces en su profesión.

LA PREPARACIÓN PARA EL CAMINO.

Ser músico implica muchas cosas diferentes. No basta sólo con rasgar una guitarra, no basta sólo con componer bien, con tener buena voz, con ser amigo de unos buenos músicos. Lo más importante para emprender esta carrera de aventuras es tener la capacidad de análisis y realidad de en dónde está parado uno, preguntarse qué capacidades realmente tiene y cuánto de su vida está dispuesto a sacrificar por conseguir sus metas.

El talento musical se puede desarrollar de diversas formas: en la universidad, en la casa de manera empírica, en la práctica o en la imaginación, no importa

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cómo lo haga usted pero debe estar consiente de cuándo es el momento justo de arrancar y de hacerse público. Recuerde que la música es un arte y como tal no hay métodos escritos para ella en la práctica. El conocimiento

es

una

herramienta

poderosa

e

importante en cualquier profesión, por eso no piense que la música es tener una guitarra buena y un buen perfil en Internet. Es un campo de conocimientos amplio y en constante desarrollo y así usted piense que es el rey de la música, por el camino se va a encontrar con la realidad y esta puede ser dolorosa. La vida es como es, no como usted la tiene en la cabeza y así mismo es la música y su industria.

La práctica personal es casi una norma antes de tratar de formar bandas o grupos de apoyo para un solista. La música es una profesión altamente competitiva y despiadada en donde el más fuerte sobrevive, en este caso los más talentosos. Pero el talento no siempre lo tiene quien toca más rápido, quien más teoría aplicada sabe o quien más técnicas conoce. En el talento comienzan a jugar elementos como la creatividad y lo

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que los artistas llamamos “Feeling”, que no es más que el sentir emocional de la música y la transmisión de este a su instrumento o a su voz, la creación de experiencias inolvidables.

La práctica debe ser una constante cada día de su vida, entre más se practique perfeccionará más su forma de tocar. Es interesante ver cómo hoy en día un montón de nuevos músicos conoce de sobremanera los procesos de grabación en la casa, las máquinas, las consolas, los procesadores de efectos y toda la parafernalia tecnológica que ahora se nos brinda; sin embargo

tienen

muy

pocas

capacidades

para

interpretar o componer. Por esta razón, uno de los primeros pasos es decidirse si usted va a ser un músico o un ingeniero de sonido o alguien más en la industria. No pretenda hacer todo al tiempo, recuerde que “el que mucho abarca, poco aprieta”. Es común en América Latina hablar de “Artistas Integrales”, pero en nuestros países aún falta mucho para que la educación sea proporcional a un “artista

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integral”; por eso, si usted va a escoger ser músico, dedíquese a la práctica y el aprendizaje de la música. Si es guitarrista perfecciónese en la guitarra, si es bajista en el bajo y así sucesivamente, déjeles la ingeniería de sonido a los ingenieros, no quiera saber todo, está bien conocer las herramientas pero para dominar una actividad se requiere la práctica. Así, “al César lo que es del Cesar y a Dios lo que es de Dios”, o correrá el riesgo de guardar en su cabeza una mezcolanza de conocimientos que al final no serán suficientes para la competencia de la industria musical actual.

Cuando usted sienta que ya es hora y es necesario interactuar con los demás músicos y que sus habilidades

ya

son

suficientes

para

comenzar

(Recuerde, uno nunca termina de aprender), entonces puede iniciar la aventura de tener una banda o un grupo de apoyo para usted, no espere gustarle a todo el mundo y lo más importante, no se desanime, nadie tiene el derecho de decirle si su música es buena o no, la música es una cuestión de gustos y el que no le

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guste a algunos no quiere decir que sea mala y tampoco tienen derecho a calificarla, si usted está contento es lo importante, su música es tan buena como usted considere que es, el resto es marketing.

Y es ahí en donde comienza cada proceso creativo, cada aventura musical. Formar una buena banda a veces depende también de la ruleta del destino, la que debe colocar a los que son, en donde son y con quienes deben estar. Miles de bandas se arman diariamente en el planeta, pero son pocas las que reúnen

la

combinación

perfecta

entre

talento,

personalidad, carisma y buena música. Espero que usted encuentre una de esas, porque si lo hace, ya tiene un buen porcentaje de su éxito asegurado y sencillamente será seguir unos pocos consejos para llegar a la punta de la montaña.

Tenga paciencia, los buenos proyectos duran a veces años tratando de consolidarse, todo es una búsqueda, no se deje llevar por los lineamientos banales de algunos medios y concéntrese en hacer las cosas

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bien. Recuerde que detractores siempre habrá, así como también habrá gente que apoya su iniciativa. No se deje engolosinar por los elogios, ni tampoco se deje deprimir por las críticas destructivas, reúna todo y analice si va por buen camino, así logrará tener una personalidad musical y una autoestima siempre en pie de lucha para continuar en el camino.

EL CICLO, LA CRISIS Y LA POCA DEMANDA.

Para muchos el rock está pasando por un buen momento, hay una buena oferta de bandas de calidad para escoger, cada día vemos nuevos lanzamientos de discos independientes y videos que nada tienen que envidiarle a los de más presupuesto. Conciertos y festivales producidos por colectivos y expresiones cada vez más contundentes. Se está hablando de un nuevo “Boom” del rock latino.

Lo cierto es que aunque las tribus urbanas ya están más centradas en el afianzamiento de su identidad que en la búsqueda, hay en el aire un olor a “lucha”, es

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decir, no están ni los músicos, ni las productoras independientes conformes con la respuesta de muchos sectores que están involucrados con el rock, nuestro rock está en un momento de crisis que esperamos sea solo un ciclo.

Somos una región muy rica culturalmente y es esta riqueza la que a su vez alimenta las expresiones foráneas como el rock y las convierte en propias. Esto pasa en todos los países del mundo donde se hace música, es así como corrientes como el rock, el Metal, el Hip Hop se convierten en parte de la cultura nacional, son procesos universales como el Fútbol.

Ahora lo que falta es observar, analizar y resolver los problemas

que

la

pequeña

industria

rockera

latinoamericana está afrontando y que en realidad son pequeños, pero la terquedad, la envidia y la ambición no dejan que el encontremos el camino hacia una profesión como en otros lugares del planeta. Tenemos mucha oferta pero poca demanda.

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LOS CONCIERTOS INTERNACIONALES VS LOS LOCALES. En cierto modo somos una región “guerrera”, nos tocó aprender solos en la marcha a hacer de todo, en materia de conciertos fue peor, porque nunca existió nadie que enseñara nada. Los empresarios que comenzaron toda esta historia son monstruos porque se han levantado a punta de “prueba y error” y esto ha logrado que hoy en día podamos tener espectáculos al nivel de los grandes escenarios del mundo. Aún falta camino por recorrer pero va bien, ahora lo importante es tener escenarios apropiados. En Colombia no hay ni uno, no existe ningún foro o anfiteatro exclusivo para hacer un buen concierto y los que hay, como los estadios muchas veces no los prestan ni están dispuestos a meterle el dinero necesario y adecuarlos para este tipo de eventos. En El Salvador es lo mismo y en muchos otros países.

Resumiendo, en materia de conciertos de artistas internacionales no estamos mal, por ejemplo en

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Colombia, un país en donde el sueldo mínimo ronda los 250 dólares, nos damos el lujo de tener llenos totales en eventos donde cada boleta vale hasta 500 dólares y se repite de a tres o cuatro veces en el mes. Ya hemos visto desfilar por las tarimas a varios de los exponentes que están en “la cima” y no como hace unos años que nos tocaba conformarnos con la banda en decadencia, aunque esta última práctica de traer bandas de antaño a poco costo y grandes ganancias sigue siendo muy rentable.

Ahora, si nos vamos a ver el lado local, ahí sí que estamos en pañales y lo peor es que no se ve nada alentador, sobre todo por el público. No tenemos sentido de pertenencia, lo adquirimos cuando ya alguien ha triunfado, por ejemplo, cuando Juan Pablo Montoya

triunfó

afuera

nos

interesamos

en

el

automovilismo, cuando María Isabel Urrutia ganó la medalla

olímpica

por

fin

la

patrocinaron,

más

recientemente lo vimos con Camilo Villegas y el golf y con Mariana Pajón y el BMX. Esto es un error garrafal en una sociedad, al no poder ser semilleros de

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nuestros

mismos

ídolos,

somos

una

sociedad

mediocre, y al agarrar triunfos ajenos nos hace lo peor de lo peor.

A un muchacho de los mismos que paga 500 dólares por ir a ver a Iron Maiden, le duele el bolsillo y el corazón pagar 5 dólares por un concierto de bandas locales, incluso si se presenta más de una. Se ha llegado a pensar – en parte gracias a los festivales gratuitos – que todo lo que tenga que ver con rock local debe ser gratuito es lo que nos ha enseñado el gobierno con sus iniciativas de “apoyo”.

Además de esto, cada uno tira para su lado, el del bar quiere que el bar gane, la banda quiere que la banda gane, el del sonido quiere que el sonido gane y así cada pequeño concierto se convierte en una lucha de equipos y egos en los que al final cada uno sale perdiendo. Sumándole a esto que las bandas se creen bandas clase 1ª sin haber ni siquiera hecho dos conciertos decentes en algún escenario.

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Los conciertos nacionales se han vuelto un “negocito” en el que quien gana para el taxi está hecho. Y por otro lado, los que se aventuran a hacer festivales o eventos más grandes, siempre salen perdiendo porque el público no paga las boletas y eso conlleva a que las bandas siempre vayan a tocar gratis.

Súmenle a esto el nuevo fenómeno que estamos viendo, en el que las marcas para mercadear sus productos están escogiendo teloneros no por el talento sino por el que más chicles o galletas venda. Hay que trabajar para que los espectáculos nacionales no sigan cayendo en “le estamos haciendo el favor de dejarlo tocar”. LOS “MEDIOS” QUE CUBREN EL ROCK.

Preocupa mucho la falta de preparación de los periodistas de espectáculos en la región.

Imagínense el siguiente panorama: un corresponsal deportivo en el mundial de Fútbol preguntándole a todo

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el mundo quiénes son los jugadores a los que debe entrevistar, o ¿si es cierto que el equipo de Brasil alguna vez ha ganado un campeonato? O este otro panorama: un corresponsal de guerra escribiendo artículos sin estar en el campo de batalla, basado únicamente en lo que sus amigos le cuentan a través de Twitter o Facebook y subiendo fotos de las redes sociales. Inaudito ¿verdad?, en cualquiera de los dos escenarios lo mínimo que podría pasarle a estos periodistas sería la suspensión indefinida de sus trabajos.

Pero parece que el periodismo cultural aún no es una “profesión”

digna

y

seria;

aunque

ya

estamos

acostumbrados a las pobres secciones de farándula de los noticieros, ahora completamos el escenario con estos personajes que se las “saben todas”.

Escenarios como los descritos al inicio son difíciles de imaginar, pero suceden a diario, los hemos vivido. Por ejemplo, en una entrega de Premios Subterránica hubo periodistas que sólo reconocían a Don Tetto y a

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Elkin Ramírez de Kraken. Durante toda la noche preguntaban y preguntaban quiénes eran los músicos de rock nacional, ¡no sabían! Esto es absurdo. Incluso y aunque no lo crean, un colega escribió una columna de “opinión” sin haber estado en el evento.

En Colombia pasa eso y lo peor es que lo permitimos. Estas cosas le dan pie a fenómenos culturales que destruyen la escena. Con la apertura de Internet, cada persona tiene la posibilidad de opinar en los llamados “foros” que son temibles, pero el ejercicio periodístico tiene que ser más responsable aún. Algunos creen que todo lo que está escrito es verdad y emiten opiniones basados en los artículos o simplemente en su ideología moral sin antes ni siquiera investigar sobre el tema del que hablan. Es por eso que el periodista cultural además de ser un comunicador, debe conocer el ámbito en el que se mueve y participar en él.

Sería bueno que los periodistas hicieran una reflexión sobre esto, no quisiéramos ver a uno de ellos en el palacio preguntando quién es el Presidente de la

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República o escribiendo sobre la rueda de prensa basado en lo que un amigo le dice por “Tweets”.

LA

EMPRESA

PRIVADA

HA

COMENZADO

A

CREER EN LA INDUSTRIA INDEPENDIENTE.

Por otro lado, ya vemos como la empresa privada se está interesando en apoyar y patrocinar eventos de música independiente. Ellos ya se han dado cuenta que el boca a boca y el “targeting” específico funcionan tal vez igual o incluso mejor que las campañas en los medios masivos y les representa un gasto mucho menor en publicidad.

Ya existen varias marcas que se pueden relacionar con el rock, esas marcas están dispuestas a apoyar a los empresarios y a los artistas si ustedes les presentan un buen proyecto.

Buscar un patrocinio no es fácil y tampoco hay que tomarlo a la ligera. No es eso de llamar y decir – Es

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que vamos a hacer un evento y queremos que nos apoyen con un billete –.

Las empresas, diciéndolo claramente, no buscan que la banda triunfe o que su música sea escuchada. No, ellos lo que buscan es que su marca sea vista por el público y que esto les genere ingresos, justo lo que usted quiere hacer con su evento o su banda.

Por eso, a una marca que usted espera lo patrocine debe presentarle un plan de medios, un plan de promoción, cuáles son las ventajas que la marca va a recibir y por qué debería patrocinar su evento o su banda. Las empresas no “regalan” dinero ni productos, ellas los cambian por publicidad o beneficios, las ofertas llegan cuando ya se ha recorrido un camino enorme. Al comienzo, pida patrocinios pequeños, si su banda tiene un demo y está comenzando no espere que le vayan a soltar diez mil dólares “por amor al arte”, igual con los eventos.

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Haga un plan, pida un patrocinio pequeño y explique muy bien qué beneficios tendrá la empresa. Ellos saben muy bien el margen de error y pérdida que se puede tener en un evento o proyecto, sobretodo en el rock.

LA CALIDAD DE LOS ESTUDIOS DE GRABACIÓN.

Su grabación es su producto, su carta de presentación, es lo que usted es, la primera impresión. En eso muchos hemos pecado y por el afán de grabar lo hemos hecho mal. Si usted tiene una grabación mala, entonces quien la escuche pensará que su banda o proyecto es malo aun si en vivo son un “camión”. Es como cuando uno toca en un evento con un mal sonido, el público nunca dice, “Que sonido tan malo”, lo que dicen es “Que porquería de banda”, porque el público no conoce la infraestructura necesaria para hacer un concierto. Lo mismo sucede con la grabación.

Ahora cualquiera puede tener un estudio de grabación casero, pero ojo, no son las máquinas las que hacen el

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sonido, es el ingeniero, es quien las maneja, por eso no deben confiar en esos estudios que están ofreciendo

diez

temas

por

100

dólares,

las

grabaciones caseras se han convertido en la forma en que mucho músico consigue para subsistir, y eso no está mal, todos tenemos derecho a trabajar y levantar lo de cada uno, pero la cosa es que si usted se considera un profesional en la música o quiere serlo, el producto que usted muestre debe tener la calidad de un producto profesional.

No se afane si no cuenta con el dinero, busque los recursos, pida patrocinios, pida ayuda, haga eventos o sencillamente ahorre. No quiera las cosas ya, sino las cosas bien. Infórmese bien de cuáles son los mejores estudios de grabación, y ojo, no son los que tengan las mejores máquinas, si no los que saquen el mejor sonido. No los visite en un principio, pida que le manden muestras de su trabajo, se van a sorprender cuando después al visitar el que mejor sonido tenía, no era un estudio enorme si no que quien captura y graba es un talento.

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Los estudios caseros son excelentes para crear maquetas y definirlas, para que después al entrar a un estudio profesional de grabación, no haya pérdida de tiempo, son muy pocos los músicos que pueden ir creando sobre la marcha sin perder tiempo ni dinero, si usted es uno de ellos, entonces trabaje a su ritmo, pero hágalo profesionalmente.

Dele bastante tiempo a la mezcla, exija hasta que suene como usted quiere, y por favor, haga el Mastering de sus canciones, no es lo mismo un disco terminado completamente que a medias.

Es su carrera, es lo que la gente va a recordar y a mantener de su proyecto. Una buena grabación es un gran porcentaje de una buena carrera.

LA ENVIDIA ENTRE MÚSICOS.

La falta de sinceridad, la falta de unión, los círculos de amigos, la calidad musical, son varios de los elementos que están creando una atmósfera de

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envidia entre músicos y bandas en Latinoamérica, pero no crean que esto es un fenómeno nuevo, esto se repite cíclicamente desde que existen las bandas. Lo extraño es que parece no tener fin.

La música y el show business en general son un teatro, lo que pasa es que nosotros en nuestros países y con nuestra inexperiencia creemos todo lo que vemos en los medios. A diferencia de los que muchos piensan, existen lugares en donde la escena es unida, aunque sí existen roses y peleas, en general son grupos y círculos que se ayudan mutuamente, no interesa si unos son metaleros, punketos, rockeros, rastas, etc. Eso en la parte artística hablando. Ahora, el público sí es un ente de problemas. Ha sido muy difícil convencer al público de no agredirse y respetar los distintos géneros y las distintas tribus urbanas.

Lo importante es tener claro que somos colegas en la música y que independiente del género que haga cada uno, todos están en la misma competencia, el talento se debe demostrar con talento, no con fuerza y

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grosería. Se han dado casos en donde las peleas terminan en muertes y eso es absurdo. Recuerden que la música es un lenguaje universal, un lenguaje de unión, de amistad y que si bien es cierto, algunas expresiones como el Pogo o el Mosh son violentas, no significa que sea una violencia destructiva si no un desfogue de energía controlada.

Las bandas deben entender esto y deben transmitirlo al público, solo así daremos los primeros pasos para festivales grandes, para eventos más profesionales, para que a los empresarios no les de miedo patrocinar el rock y que las personas dejen de pensar que es una música “demoníaca”, “drogadicta” y “violenta”

APOYOS

DEL

ESTADO

E

INICIATIVAS

INDEPENDIENTES.

El Estado de cada país a través de algunas dependencias abre cada año convocatorias para músicos. El portafolio es bastante grande y lo pueden consultar en las páginas de cada entidad. Hay una

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variedad de músicos que han encontrado en estos estímulos una salida y un incentivo para sus carreras, de hecho existen músicos que han decidido vivir del estado a su antojo.

Estos apoyos son engorrosos a la hora de presentarse a las convocatorias y en algunos casos existen problemas a la hora de la elección de jurados y ganadores; sin embargo son importantes para el desarrollo de la cultura por eso hay que luchar porque sean transparentes. Tenga en cuenta que si usted va a participar en estas convocatorias debe tratarlas como un trámite más burocrático que artístico, preocúpese porque los requisitos vayan completos y de la manera más explicada posible, acuérdese que no todos tienen su cabeza y no todos miran el mundo a través de ella, en estas convocatorias participan miles de personas y todas tienen la misma validez y a veces los jurados ni leen tantas propuesta con atención, si no pasa, no se desanime de seguro no es culpa suya. La mayoría de veces en estas convocatorias pasan los nombres más conocidos porque a los jurados les da pereza o

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sencillamente es imposible en realidad escuchar más de 300 bandas y dar un veredicto ecuánime, generalmente los jurados no conocen todo el espectro del rock local o sencillamente no les interesa.

Sin embargo, lo que en este manual recomendamos es más bien la autogestión, por varias razones: Primero, por la libertad de creación y ejecución, por no estar ligado a reglamentos muchas veces absurdos inventados sólo por llenar requisitos. El artista tiene todo

el

potencial

de

hacer

autogestión

y

autorrealización de sus proyectos, es sólo cuestión de organizarse e informarse un poco de la manera correcta de llevar a cabo un proyecto.

No son buenas, tampoco, las preproducciones eternas o las planeaciones largas, si usted quiere llevar a cabo su proyecto, hágalo, métase de lleno, le van a llegar miles de “sabios”, porque estamos llenos de “sabios” y de “importantes” que al final no salen con nada, personas que cuando ven una oportunidad para hacer medio peso se pegan al proyecto para exprimirlo y

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feralmente retirarse después hablando mal del mismo. Mire muy bien el equipo con el que se va a unir, minimícelo y comiencen a trabajar.

Repártanse las tareas y siempre escuchen a la cabeza, si cada uno quiere hacer todo por su lado, ya están condenados al fracaso, trabajen por la idea y no por el ego y hagan lo que saben hacer, no inventen.

EL MODELO DE DISTRIBUCIÓN DIGITAL.

La piratería obligó a que el negocio de la música cambiara radicalmente, esto en parte fue bueno y en parte malo. El negocio de la música como lo conocíamos tradicionalmente murió hace años. Es hora de mirar al futuro y sólo hasta ahora, después de un periodo muy difícil tanto para disqueras como para artistas, se está vislumbrando un camino hacia la nueva distribución de la música en la que todos pueden ganar.

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Se hicieron miles de modelos y experimentos sin éxito hasta que llegó la empresa Apple con la plataforma Itunes, que fue la primera en más o menos organizar esto de la distribución digital.

En Latinoamérica es un poco más difícil porque muy poca gente maneja tarjetas de crédito y quienes lo hacen son bastante desconfiados para hacerlo en Internet. Así que por ahora el modelo de Itunes no es funcional. Sin embargo ya existen otras plataformas que usan tarjetas prepago con códigos en cada tarjeta para poder vender su música y obviamente está el monstruo de las plataformas de streaming de música on line Spotify.

El prensaje en físico de discos se ha convertido ahora en un lujo, un requisito no indispensable para el producto musical, sin embargo es bueno que el disco se prense en una edición de CD, esto sirve para enviar el material a promotores, disqueras, medios y es una presentación clásica y bonita de su producto.

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Las tarjetas de descarga son una alternativa no costosa para vender su música, es fácil hacer esto y al músico generalmente no le implica un gasto de dinero si no una repartición de regalías, son embargo lo más fácil es contratar un servicio de distribución en plataformas digitales como Tune Core, Distro Kid entre muchos nombres.

El otro modelo que se está presentando actualmente lo ha iniciado Reverbnation quien ha hecho arreglos con compañías como Microsoft para regalar canciones de artistas emergentes como publicidad de productos y es la empresa quien le paga a los músicos. Así ganan todas las partes involucradas y este parece ser el modelo que se va a imponer en los años venideros. Es decir, una empresa regala música como publicidad a través de una plataforma y es la empresa quien paga por la publicidad a la plataforma quien a su vez paga a los músicos por las descargas.

Últimamente estamos viendo la tendencia de las bandas y músicos a regalar sus canciones y

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grabaciones en portales de revistas o periódicos e incluso estaciones web de radio, este modelo funciona muy bien para bandas nóveles y está comprobada su eficacia.

Otra de las tendencias actuales para el negocio independiente de la música es la figura del patrocinio o del Endorsement, en donde compañías agarran a ciertos artistas y los ponen de una forma en sus “nóminas” a cambio de eventos y publicidad. Es un modelo muy popular y muy seguro siempre y cuando el músico ya haya alcanzado algo de reconocimiento en el circuito y asegure que la marca de su patrocinador será vista.

En la actualidad es más fácil mercadear un buen producto musical de manera independiente que bajo el modelo tradicional de disquera. Las disqueras se están dedicando más que todo a ser distribuidoras de productos comprobados (que venden) en el mercado e incluso están cobrando por ello.

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Con una buena organización y una persona encargada del mercadeo en su banda, tenga por seguro que no fracasará en el camino de la música independiente, recuerde que una banda no son sólo los músicos, una banda es todo un equipo en donde juegan el ingeniero de sonido, los asesores de imagen, los diseñadores, el manager. Y si todos trabajan por la causa como si fuera cualquier empresa, la posibilidad de éxito es mayor.

LA FALTA DE INFORMACIÓN PARA EL MÚSICO INDEPENDIENTE.

Casi nadie en la escena del rock sabe cómo grabar un disco, como enviar un video a los canales, como inscribirse a las premiaciones, ¿cuáles son las asociaciones de recaudo? Entre otras cuestiones. En Latinoamérica la desinformación es un “general” en todos los aspectos artísticos, al no tener universidades ni academias en donde se nos enseñe el negocio de la música y el arte, a las personas les ha tocado aprender por su cuenta, a esto se le debe sumar que

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quienes

tienen

comparten

algunos

porque

les

conocimientos ha

costado

no

los

demasiado

conseguirlos. Es entonces cuando comienzan a jugar acá los “importantes”, los “que se las saben todas”, y los que se sienten “indispensables”.

Pero la realidad es diferente, en la mayoría de países no cuentan los amigos, o que “mi tío es la cabeza de esta empresa” o que “conocí al manager de tal banda que nos puede ayudar”. Como lo hemos dicho ya en este libro lo más importante es la autogestión. Nunca olviden esa palabra. Las empresas que se dedican al Music Business están en constante búsqueda de productos nuevos para poder seguir generando empresa, esa es la base del negocio, si hay mercado, pues hay negocio. Use el E-Mail y el teléfono, olvídese de los intermediarios y vaya directo a la fuente de lo que necesita, ¿Qué tiene que perder?, si usted quiere enviar un video a un canal, sencillamente vaya a Internet, busque en el directorio de la ciudad el número telefónico del canal, llame y consulte cómo lo debe hacer. Igual, si usted quiere enviar su material a

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consideración a alguna entrega de premios, los premios serios en la industria de la música realizan casi siempre una convocatoria durante el año para conocer los trabajos, llame, que seguro le van a contestar y le van a guiar. No se deje presionar por terceros y no piense nunca que usted es menos que otros que lo han logrado por que todos empezaron de la misma manera en que usted ha empezado, tal vez la única diferencia entre el éxito de ellos y el suyo ha sido una llamada telefónica. Las personas que trabajan en las compañías grandes también son personas iguales a usted, les gusta lo mismo, salen de fiesta, tienen amigos, deje el miedo y llame, pregunte lo que quiera, si se estrella con alguna persona antipática solo cuelgue y llame a otro lado.

EL FUTURO DE LA INDUSTRIA LOCAL.

Lo más nocivo para la actual industria de la música son los círculos de amistades que se “hacen favores” entre sí. También la proliferación de personajes que creen que son la última y máxima autoridad en esto y

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tienen estancado a todo el mundo viviendo como “sumos pontífices de la música” y dictando de acuerdo a su gusto personal. Tenemos que romper primero esos círculos y lograr que en los cargos importantes de los medios se nombre a gente que en realidad tenga la capacidad y el conocimiento para manejarlos. Es decir, que los programadores de radio en realidad conozcan la música y la escena, tengan criterio, que se basen en una

diversidad

de

factores

que

contribuyan

al

desarrollo de la industria y no a su destrucción. Acá hay que dejar de pensar en el amigo del amigo, en que todo es pagar. Hay que comenzar a pensar como industria. Si los medios quieren respeto, también deben respetar al artista. Al final el poder también lo tienen los artistas, ellos son los que hacen al medio, no estoy diciendo que se vayan en guerra con ellos, sino que tengan relaciones cordiales, que toquen las puertas, que les pidan que los roten, pero si no lo hacen, sencillamente den media vuelta y no rueguen. El futuro está en la autogestión y en los medios alternativos, todo lo convencional como la radio y la televisión van a desaparecer como la conocemos, de

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hecho ya lo está haciendo, cada día son más y más personas las que escogen los contenidos de TV y audios que quieren ver “a la carta” en portales como Netflix o Spotify entre cientos más.

Una anécdota en una de las entregas de los premios Subterránica en Colombia, una edición que recuerdo muy bien porque la fila para entrar fue incansable. Para esos días invité a varios amigos músicos a que organizaran un opening act para los premios. Músicos muy talentosos, Diego-M, Lizje, Annie McCausland entre otros, ellos vinieron a casa y compusieron una canción. Nadie les dijo nada sobre un tema ni se les dieron parámetros de nada. Ellos compusieron lo que les salió, ¿Y qué les salió? Un “Blues” que hablaba de lo mal que los trata la industria en el país. ¿Y qué paso? Que ahí salieron los grandes “eruditos” de algunos medios nacionales a criticar esa canción, a decir que esos músicos eran resentidos y que era un “gesto de mal gusto”.

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Pero entonces les devuelvo la pregunta, ¿Apoyan en realidad los medios a los músicos? es decir ¿Apoya el “mainstream” a los artistas nacionales?, ¿De verdad los apoyan? Respondamos sinceramente y sin frases pasionales, porque cuando uno hace este tipo de preguntas a la gente de esos medios, ellos son profesionales en recitar un discurso que ya tienen programado.

Respetando la autonomía que tiene cada medio para decidir qué ponen y qué no, yo diría que en este país o tenemos un pésimo gusto para la música o tenemos muy malos profesionales en la parte de difusión del arte.

Si hablara como oyente (que es uno de los tipos de cliente que tiene la radio) diría que estoy cansado de escuchar las mismas tres bandas de hace diez años y que estoy aburrido de la misma música, cómo es posible que en estos momentos en los que estamos plagados de bandas y artistas nuevos pongan “Welcome to the Jungle” en una hora Premium cuando

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se le podría dar espacio a un nuevo talento nacional. Repito,

respetando

la

autonomía

de

cada

programador, y hablando como cliente de radio que compra pauta (Que es otro tipo de cliente que tiene la radio), no compraría yo un espacio en el que tres o cuatro se dedican a hablar nimiedades y creerse “lo último”.

Lo que pasa es que volvemos al mismo problema, todo el mundo es “importante”, todo mundo “siempre está en reunión” y todo mundo sabe más que el otro. Y mientras eso siga así la industria musical seguirá como esta: mal.

Gracias a Dios existe Internet y el abanico de opciones que brinda para la promoción y difusión de nuevos talentos locales y del mundo.

Lo primero que debemos hacer es comenzar a conocer nuestro entorno, nuestra industria, conocernos unos a otros, las bandas con los medios, las bandas con los promotores, promotores con bares, así

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sucesivamente, armar el clúster. Formar una alianza estratégica en donde se mueva todo en torno a una meta común: la música.

Por eso, el camino correcto para las bandas independientes y su movimiento es la autogestión. La radio comercial como se conoce al igual que la televisión va a desaparecer muy pronto porque las nuevas tecnologías de la información están siguiendo su curso natural y cada día nacen más y nuevos medios alternativos en donde la música es a la carta y el menú es más variado y atractivo y por más que las marcas, los entes públicos y las mafias traten de frenarlos, de ponerles impuestos y de controlarlos; eso no va a pasar, porque es un movimiento global, libre y no tiene reversa.

Hoy tenemos excelentes radios On Line en donde escuchamos música que ni en sueños escucharíamos en la radio comercial de nuestros países. En varias de estas estaciones incluso trabajan personalidades importantes de la radio tradicional.

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Si las bandas y músicos siguen tocando puertas que nunca se van a abrir, estamos condenados a la extinción de nuestro rock, como ya ha pasado en varias ocasiones.

En la época en que se veía venir un Boom de verdadero rock latino, faltó más y más apoyo del que hubo, acá faltó lo que pasó en Argentina cuando por ley no se podía colocar música en Inglés (Un poco radical ¡pero miren el rock argentino!).

En conclusión, toquen la puerta una vez y si no les abren, váyanse de ahí. Muchas veces no les interesa un buen producto sólo por el hecho de ser local. Si les abren la puerta, bienvenido sea, pero si no lo hacen, no desfallezcan, comiencen su propio camino. LA DIFERENCIA ENTRE LA MÚSICA “COMERCIAL” Y LA NO “COMERCIAL”.

Esta es una discusión de nunca acabar. ¿Qué convierte una canción en comercial?, ¿No es acaso la

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meta de todo músico que su obra se escuche? La finalidad

de

la

música

como

todo

medio

de

comunicación o de expresión artística es comunicar o trasmitir algo. Y si no se tienen las herramientas para comunicar entonces se fracasa en el intento. La música se hace “comercial” cuando es buena, cuando es aceptada, el concepto de “es que no somos comerciales” no existe, es una mentira. Si su música es buena, inevitablemente será notada por el público y este la pedirá y entonces se hará comercial, ¿le pasó a Metallica verdad? Y muchos ahora dicen “Metallica es una porquería, no es como era antes”, ¡claro que no!, ahora lo escuchan 100 millones de personas más. OJO, esto no quiere decir que usted tiene que hacer música para la radio o como lo dicen los estándares, para nada. Usted tiene que hacer la música que le guste, lo que lo mueva y en lo que usted confíe, pero también debe respetar el concepto que los demás tienen de lo que es buena música, sólo por el hecho de que a usted no le guste un género, no quiere decir que sea una malo porque lo mismo debe estar pensando el otro de su música y esto a usted no le va a gustar.

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La música no es ni comercial ni no comercial, la música es una expresión y como tal es libre de transitar por el camino que se merece. Ahora, si usted lo que quiere es sonar en las grandes cadenas de radio, que le hagan camisetas con su logo y llenar coliseos, no tiene que seguir un patrón de música “comercial”, sino un patrón de negocios que hace años esta escrito en los manuales de “Music Business” y que tanto siguen en las estaciones de radio. A veces, lo que usted menos considere “comercial”, es lo que más se vende sin ser esto intencional.

¿VIVIR DEL ROCK O PARA EL ROCK?

Ser músico cuesta dinero y bastante; y aunque el ser músico exitoso junto a los deportes es de las pocas profesiones legales que aún hace millonarios en el planeta, el porcentaje de artistas que conquista ese éxito económico es muy bajo. Y ahora, si hablamos de países como el nuestro es casi nulo.

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Ahí es donde uno debe pensar, ¿quiero vivir de la música o quiero vivir para la música?, porque esto de ser un artista merece sacrificios enormes y muchas veces usted puede ser un genio, un grande como Mozart y nunca en la vida llegar a ser reconocido más que por su familia y a veces ni con ellos, lo mejor es que antes de dedicarse por completo al rock busque la manera de tener el problema de la comida ya solucionado.

El poder manejar una tranquilidad personal junto al desarrollo de su profesión como músico es lo que todo el mundo debe buscar. Al principio de sus carreras, los músicos comienzan con muchas ganas e ímpetu, dispuestos y decididos a dejar a sus madres e hijos por la música, por el rock, pero a medida que pasa el tiempo y ven que no es tan fácil como se pensaba, las ganas se comienzan a acabar, aparece el desespero y ahí es donde viene la cuesta abajo, muchos terminan en bares haciendo “moñas” (Conciertos de covers) para siempre o sencillamente botan la toalla y se dedican a otra cosa.

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El hecho de que usted sea un músico no lo imposibilita para que lleve proyectos paralelos, para que busque alternativas para sobrevivir mientras llega el éxito económico.

No

hay

peor

cosa

que

ver

a

los

músicos

“desesperados”, aquellos a los que tocar ya no les significa nada más que ¿Cuánto pagan?, ¿Cómo es la cosa del cover? Cuando termina el concierto se pelean por un peso o por el dinero del taxi, no hay nada peor que escuchar – como yo traje el sonido esto es para mí- Si usted es así o está tocando con alguien así mejor aléjese, ahí ya se perdió todo. A esas personas se les pueden llamar “Los mercenarios del arte” y ellos van a salir corriendo detrás de quien les suelte unos billetes de más. Pero quiero dejar en claro una cosa, esa actitud también es valida, porque cada persona tiene derecho a escoger como ganarse su vida y como llevarla, lo que pasa es que este libro y este método está dedicado a los músicos sin ese afán incontrolable de fama y fortuna, a los idealistas más que a los negociantes, a los que prefieren hacer su propia

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música, a los que prefieren tocar una canción para ser escuchada, sin dejar de lado la importancia del factor económico en nuestra profesión.

Busque alternativas, busque cómo vender su sencillo, sus propias camisetas, cómo hacer conciertos que le generen un ingreso y recuerde siempre, si el bar no se llenó, es porque aún no se ha completado el trabajo, es porque aún usted no es reconocido, acéptelo y trabaje más, los bares no deben tener un público cautivo, es el músico el que debe ganárselo.

MI BANDA COMO UNA ESPECIE DE EMPRESA.

Si usted ya decidió que lo suyo es ser Rockstar, entonces tómelo en serio. Cuando a un médico le preguntan qué profesión tiene, él, con orgullo dice, soy cirujano-, o -soy internista-. Entonces, asuma usted su posición y comience por decirse a usted mismo y a todos que usted es músico, que usted es rockero y que a eso se dedica.

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Su banda o su proyecto se tienen que convertir en una empresa y como tal debe funcionar. Una empresa contiene muchos factores y dispositivos que la hacen marchar, tiene varios departamentos: mercadeo y publicidad, producción, gerencias, contaduría, entre otros. Entonces su banda debe ser igual.

Tiene que contar con un equipo de trabajo grande que lo apoye y crea en su proyecto, es mejor contar con otras

personas,

hacer

las

cosas

solo

es

extremadamente difícil. Existe gente que compra sus instrumentos, alquilan el ensayadero, componen las canciones, forman la banda, dirigen los ensayos, van y hablan en el bar, contratan el sonido, arman el sonido, cobran la boleta, se suben a tocar, se bajan de tocar y se toman un trago, van en el taxi y devuelven el sonido y se van a dormir a la casa. Son personas increíbles pero no es normal, delegar es bueno y tener otros puntos de vista y de apoyo también.

La empresa de su banda como eje principal debe tener un producto, y ¿cuál es ese producto?, su música y su

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misma banda, la puesta en escena; es decir, los conciertos, y para que esa empresa funcione lo primero que debe existir es un mercado, y ese mercado lo tiene que formar usted y su equipo desde ceros.

1.

Usted como principal gestor de su idea y

cabeza, director. 2.

Los músicos que lo van a acompañar, ya sea

como grupo o como banda de apoyo. 3.

Un manager sería óptimo pero en nuestros

países no existen muchos, la mayoría son personas que no han estudiado y se lanzan a la aventura. Si usted logra conocer a un profesional que quiera trabajar con usted y tiene los recursos para pagarle, bienvenido. Si no, prefiera contratar los servicios profesionales de una agencia o incluso prefiera ser usted mismo quien maneje todo al principio. 4.

Un ingeniero de sonido que va a estar

encargado de que usted suene bien en cada ocasión. Esto es igual de importante a cualquier persona que ejecute un instrumento.

Felipe Szarruk


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5.

Un jefe de prensa que va a ser quien envíe

comunicados,

maneje

las

redes

sociales,

haga

llamadas, invitaciones y sobretodo consiga exposición en medios. 6.

Unos ayudantes que pueden ser sus amigos,

para los conciertos y eventos.

Deben tener en cuenta todos los del equipo que una banda de rock en Latinoamérica no funciona como un empleo convencional en donde uno va trabaja de ocho a ocho y recibe un sueldo, como decíamos en un capitulo anterior, logre que el trabajo sea realizado de manera profesional por personas que no estén en necesidad. Si alguno en el equipo se cree más que los demás o cree saber más que todos (en nuestros países el error de los que saben algo es que muchas veces piensan que son los únicos que saben algo) sáquelo sin piedad del proyecto porque al final este elemento terminará pudriendo las otras manzanas. Una banda debe funcionar como un reloj, con todas sus

piezas

marchando

en

la

función

corresponden y hacia la misma dirección.

Felipe Szarruk

que

le


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La diferencia nuestra, de nuestra industria musical con la industria gringa por ejemplo, es que ellos trabajan en equipo, en grupos y alianzas estratégicas. ¿Qué quiere decir esto? Que cuando un promotor o manager se da cuenta de que un artista tiene potencial, éste lo ficha para que sea manejado por él. De ahí en adelante vienen un montón de inversiones que muchas personas deben hacer para que este artista llegue al nivel de competitividad que el país requiere, así que no es fácil, son miles de dólares en inversión por no decir millones de todo el mundo. Es decir, de estudios, de diseño de imagen, de fotógrafos, etc. Al final cuando el artista está listo es lanzado al ruedo y se comienza a recoger la cosecha, de la cual todos los que participaron comen y toman su tajada. Punto.

En Latinoamérica no es así, en nuestros países todo el mundo busca la manera de sacar la tajada más grande que pueda sin importar la calidad musical; es decir, toda nuestra industria musical está basada en “pequeños negocios individuales”, el manager cobra tres pesos por representar, el estudio otros tres por

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una canción, el que prensa los discos dos pesos y medio, etc. Al final el 90% de las producciones nacionales salen en un nivel buenísimo para sonar en las radio on line o en las fiestas de los amigos pero no más. Piénsenlo, inversión y unión es lo que se necesita nuestros países y mientras las bandas no sean una empresa y los artistas no hagan alianzas estratégicas con marcas, estudios, prensájes y otros agentes el rock no puede arrancar como una industria, como una profesión.

EL PRODUCTOR Y UN BUEN DISCO.

Si usted se va a casar con el amor de su vida, no iría vestido en bermudas y sin camisa, no va a golpear a la suegra en la misa ni a escupir en el altar. Si usted está dentro de los límites de lo que manda la sociedad en la que nos tocó vivir, irá vestido de gala y querrá que sea una ceremonia inolvidable, no tanto por usted, sino por darle gusto a la mujer que tiene en frente, ¿verdad? Ojalá sea así. Porque un disco es lo mismo, si usted saca una producción “tirada al perro” pues a usted lo

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verán así. Si su producción es buena, no importa que no roten en las radios o los canales de televisión, la gente se dará cuenta y usted tendrá el producto que merece. Lo bueno es subjetivo, si a alguien no le gusta su música, tranquilo, a otro si le gusta, usted no puede pretender que a todo el que le muestre su disco crea que es lo mejor de la historia, usted como artista tiene la responsabilidad y la obligación de aprender también a recibir malas críticas.

Cuando uno va a tocar en vivo y el sonido es una porquería, la gente no dice “!Que sonido tan malo!”, la gente dice “!Que banda tan mala!”, esto mismo se aplica en los estudios de grabación, a veces su música puede ser la mejor música del mundo y la grabación la daña, nos ha pasado a casi todos. Una mala grabación para el público equivale a una “mala banda” o “un mal artista”, no siempre esto es culpa del artista, cientos de veces ha pasado que el ingeniero de captura o de mezcla no está familiarizado con el rock y su sonido y por hacer unos pesos se compromete con el disco y lo que sucede es que el producto final es malo, es

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responsabilidad

de

los

ingenieros

de

sonido

comprometerse con lo que pueden lograr.

Por eso escoger un buen estudio donde hacer su producción es importante, no se deje alucinar por las máquinas, éstas todo el mundo las puede comprar, incluso usted mismo si tiene el dinero, pero ¿de qué le sirve tener avión si no es piloto?, lo que usted necesita es un buen ingeniero de sonido y en lo posible contar con un productor. En nuestros países ya existen varios productores que tienen la capacidad suficiente para hacer un disco de talla internacional, incluso hay estudios de Mastering muy avanzados con los que no contábamos hace algunos años. No importa si el estudio es enorme o pequeño, escuche primero el sonido de sus producciones, pida que le muestren trabajos anteriores y compare los sonidos y grabe en donde más le convenga en relación precio – sonido – producción.

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EL VIDEO.

Ya son muy comunes las cámaras DSLR (Digital single Lens réflex), cámaras fotográficas que pueden tomar video en altísima resolución y su imagen en pantalla es como las de las cintas 35 mm, son usadas hoy en televisión y en cine, su precio es bastante bueno en relación con las cámaras de cine profesionales y las tienen casi todos los fotógrafos, alquilarlas por un día no pasa de los 50 dólares.

En realidad el proceso de un video es algo complicado. Para realizar cualquier obra audiovisual hay que seguir una serie de parámetros, de requerimientos tanto técnicos como creativos. Hemos visto la proliferación de videos alternativos en You Tube, que es un espacio grandioso para la autopromoción, ahí usted puede subir cualquier cosa, desde la grabación de la borrachera en el toque del bar el viernes hasta el video hecho en su casa con sus amigos.

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Pero hablemos de hacer un buen video, uno que tenga la posibilidad de rotar en los canales de música. Muchas veces hacer un video con los requisitos técnicos adecuados no les asegura que esto pase el comité de los medios, generalmente debe ser la mezcla de una buena calidad de imagen, sonido con una idea buena y llamativa, existen videos realizados en celulares que han estado meses en listas, es más la creatividad que otra cosa.

Contacte a un director, la mayoría de estudiantes de los últimos semestres de las facultades de cine debe hacer un trabajo final, muchos de estos estudiantes buscan bandas para hacer el trabajo. Esta es una buenísima

opción

ya

que

estos

videos

salen

prácticamente “gratis”. Al ser este el trabajo de grado del director se hace una “comunión” director – banda, en donde él recibe el grado y la banda el video. Buena cosa.

La producción audiovisual es un campo enorme que es imposible poner acá ni siquiera un resumen de todo lo

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que conlleva pero escribo este aparte de manera informativa, muy general, para ilustrar uno de los métodos más usados en el mundo por bandas emergentes y auto gestionadas para hacer sus videos. Las escuelas de cine.

Ustedes deben hacer los contactos con personajes idóneos que les dirijan el video y desde un principio deben acordar que el producto final va a tener la calidad requerida para que roten en los canales de música o para que el impacto en Internet sea bueno, igualmente hay que tener en cuenta que la gente que está estudiando en las universidades son jóvenes y también altamente creativos, déjese dirigir, deje que ellos también den ideas.

PRENSAJE FÍSICO.

El prensaje de discos físicos sea CD o vinilo es otra de las cosas que lentamente estaba desapareciendo de la faz de la tierra, sin embargo en estos últimos años el vinilo ha vuelto a la vida gracias a los coleccionistas y

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los melómanos que son fieles al sonido análogo. El placer de tener un disco original en la mano, de abrir el cartón, ver las fotos, colocarlo, cuidarlo ahora es casi exclusivo de un círculo cerrado de gente. La competencia de la piratería ha hecho que el disco original en nuestros países este casi extinto y las compañías al borde de la quiebra.

Sin embargo no hay nada mejor que tenerlo, que editarlo, que verlo ahí en su casa, en manos de sus amigos, de su público, anunciarlo en los medios. El disco en su manera tradicional es una carta de presentación impecable ante las personas que lo escuchan, ante los medios y ante cualquier empresario que quiera interesarse en su proyecto.

Hacer un prensaje no es tan caro como uno cree, en la actualidad, prensar un disco cuesta alrededor de 400 dólares por 300 copias. Cada CD terminado con su empaque y todo le saldrá en unos dos dólares, y si usted hace 500, destina 100 para promoción y vende 400 en sus conciertos y eventos, vera que es un

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negocio hasta decente. Y no solo discos, pueden hacer camisetas, botones, calcomanías y toda una gama de parafernalia de su banda para generar ingresos.

Si usted no cuenta con el dinero para hacer un prensaje puede recurrir a la duplicación de CDs, es decir hacer por demanda o en pequeñas cantidades. Quemar su música en CDs imprimibles los cuales usted manda a hacer con su diseño e imprime también la carátula y hace uno por uno, el costo es un poco más caro pero tiene la ventaja de que puede hacer uno por uno y venderlos de acuerdo a su presupuesto o necesidad. Esto lo hacen en papelerías por toda la ciudad con una calidad de impresión bastante decente.

La otra forma es haciéndolo a través de las paginas On Demand de Internet en donde además de discos puedes hacer libros y una infinidad de cosas. O crear una tienda virtual donde además de discos On Demand puedes hacer camisetas y mercancía de su proyecto. El problema para nosotros los latinos es que

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la gente debe comprar con tarjeta de crédito a través de Internet y los gastos de envío a Latinoamérica son algo costosos, pero como ven, las opciones no son pocas cuando de prensaje en físico se refieren.

TARJETAS Y DISTRIBUCIÓN DIGITAL.

ITunes cambió la forma de vender música en el mundo y salvó a varias casas disqueras de la quiebra absoluta y Spotify es el nuevo monstruo en las plataformas de streaming

que

está

colocando

a

las

radios

tradicionales en jaque, este fue un proceso largo en donde mucha gente jugó un papel importante, sin olvidar la raíz: el tan sonado caso de Metallica contra Napster a principio de siglo.

En Latinoamérica existen empresas encargadas de distribuir digitalmente la música a través de tarjetas, próximamente se crearán otras más y esperamos ver nuevos inventos y nuevas plataformas para la distribución digital de nuestra música.

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Las tarjetas de descarga son un buen detalle, son versátiles, portátiles y llamativas.

Si lo que usted quiere es vender su música a nivel global es posible hacerlo de mil maneras diferentes, generalmente páginas como ReverbNation o Tune Core le ofrecen a usted inscribirse en un paquete de distribución digital. Usted debe crear cuentas en estas páginas de promoción de artistas independientes, este servicio no es caro, se paga una sola vez por álbum o por sencillo durante un año, una vez usted paga esto, ellos se encargan de poner su música en todos los almacenes digitales y usted colecta todas las regalías. Al ser un artista independiente auto-gestionado, es mejor ver esto como una inversión y colocar las descargas de acuerdo a la realidad del proyecto, no piense que va a ganar mucho dinero, cualquier cosa puede suceder, pero hacer cantidades considerables de dinero con descargas es bastante difícil, pero tener la música en Internet es indispensable hoy en día, recuerde, su proyecto no es un padre que lo mantiene, es un hijo al que hay que cuidar y mantener.

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La distribución digital, ya sea por tarjetas o por descargas funciona muy bien para promocionarse y colocarse al alcance de todos, incluso hay marcas que ya están trabajando con descargas a través de mensajes de texto. Lo que deben hacer es mirar que empresas tienen estos servicios e ir a negociar, recuerde siempre que el producto es su música, así que la negociación debe girar en torno a la música y a nada más.

¿CÓMO ENVIAR SU MATERIAL A LOS PREMIOS GRAMMY?

Para enviar sus trabajos a los Grammy usted debe ser socio votante de LARAS que es La Academia Latina de Artes y Ciencias de la grabación. Contrario a lo que muchos piensan, ser miembro de la academia requiere únicamente que usted tenga al menos cinco créditos musicales en el mercado. ¿Qué quiere decir esto?, un crédito es cada trabajo que usted ha hecho de manera profesional y es comprobable. Un crédito como director de un video por ejemplo, un crédito como compositor

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de

un

single

o

CD,

etc.

Usted debe ingresar a la página oficial de los Grammy o llamar a sus oficinas, descargar el formulario y rellenarlo con sus datos y los créditos, pagar la afiliación que puede ser a un año, dos o tres depende de usted, la afiliación a un año para los miembros de la academia latina cuesta 50 dólares. Esta afiliación le permite a usted inscribir sus trabajos para ser considerados en las votaciones y también votar en cada ciclo de estos premios. El ingreso a otros premios es similar, casi siempre en las páginas oficiales están las instrucciones de cómo ingresar.

Existen algunos reconocimientos a los cuales el público no tiene acceso o los artistas sino que son otorgados de acuerdo al criterio de quien los organiza.

RECURSOS PARA GANAR DINERO A TRAVÉS DE LA WEB.

Si usted tiene una página web de su banda puede agregarle algunos widgets que le generen dinero. No

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es fácil pero cualquiera puede hacerlo. Porque la mayoría de estos ingresos entran directamente a su cuenta o a una cuenta de Paypal.

GOOGLE ADSENSE: Es una aplicación de Google que le permite insertar anuncios en su Web, paga por clic que hagan los que los vean, si su Web tiene buen trafico genera buenos ingresos de manera rápida. Paga cada vez que usted alcanza los 100 dólares y es muy seria, mucha gente genera recursos importantes con Google y es la mejor opción.

PROGRAMA DE ASOCIADOS DE AMAZON: Le permite a usted insertar en su página anuncios gráficos, banners, mp3 widgets y otros los cuales generan dinero cada vez que alguien hace clic en ellos.

REVERBNATION: Tienen programas de asocio con marcas grandes como Microsoft en donde la marca patrocina descargas a través de ReverbNation y es la marca quien paga a los artistas por estas descargas.

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Todas estas páginas ya las hemos probado y funcionan, entre más tráfico, más dinero, esto sirve para solventar un poco la cantidad de gastos que uno tiene cuando está dedicado a esto de la música independiente. Sin embargo hay muchas páginas más es solo de que ustedes averigüen, algunas piden como condición no estar alojados en servidores gratuitos, es lógico.

El auge del teletrabajo y la publicidad por la red ha llevado a la creación de plataformas de crowfunding en donde usted puede colocar su proyecto para ser financiado por personas que lo vean interesante, es una práctica que cada día gana más adeptos y está en constante evolución, ya en casi todos los países de Latinoamérica existen plataformas de estas.

PATROCINIO Y AUTOGESTIÓN DE EVENTOS.

Una buena alternativa para hacer eventos es el patrocinio

de

la

empresa

privada.

Ellos

están

dispuestos a patrocinar un evento siempre que este

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sea novedoso y les represente un beneficio para su marca. No se les ocurra ir a pedirle a una empresa grande que les patrocine el toque de bar a donde van a ir sus novias y sus cinco amigos porque esto no va a pasar.

Usted puede crear eventos que sean atractivos para el público y para la marca, tales como un buen festival, un concurso, un recital, un gran concierto de una buena banda entre otros. Y plantearle a la empresa un paquete atractivo de publicidad y beneficios que le darán a cambio del patrocinio. Para esto usted debe crear un paquete de promoción de la marca que incluye la presencia de la marca en el evento, menciones, y lo que usted crea conveniente para hacer visible la marca a su público. Lo que a usted se le ocurra. Mostrarles cómo se va a beneficiar la marca en su evento y a que publico está dirigido, recuerde que a la marca no le interesa su música sino el mercadeo que puedan hacer.

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No llegue con sueños en papel sino con un buen proyecto estructurado, puede que no salga como usted piensa pero lo importante es que vean que sus ideas están claras, siempre esté con los pies en la tierra y haga sus proyectos basados en la realidad de quién es usted en este momento de su carrera y que alcance tienen en el medio.

LLAMAR ES LO MÁS IMPORTANTE.

Usted debe perderle el miedo al teléfono, a tocar las puertas. Colombia por ejemplo es un país en donde mucha gente se asume inalcanzable, en donde cada vez que uno llama le dicen “Esta en reunión”, se reúnen todo el día, entonces hay que insistir hasta cierto punto, si después de muchos intentos ve que no lo van a atender entonces apunte el contacto y pase al siguiente, pero debe perder el miedo a llamar, llamar y llamar. Existen muchos casos de personas que tienen grandes ideas pero no las materializan por el sencillo hecho de tener miedo a hacer una llamada y que los rechacen. Si esto pasa, solo cuelgue y haga la

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siguiente llamada. Usted se va a encontrar con un montón de personajes a los que no les interesa su idea, pero también se va a encontrar con gente que le va a escuchar, que le va a interesar su proyecto y que si lo ve viable lo va a ayudar a realizarlo. No deje de llamar a todo el mundo, nadie es demasiado grande ni demasiado pequeño, si usted quiere llamar a Bill Gates a que lo patrocine hágalo, lo peor que puede pasar en que le digan “que está en reunión”.

CREACIÓN DE SELLOS INDEPENDIENTES.

Atrás quedaron las épocas de las disqueras, y aunque aún siguen tratando de resucitarlas, están ya están mandadas a recoger, a menos de que cambien la estrategia (que es lo que están buscando). Por ahora podemos hablar de hacer nuestros propios sellos, ya sea para manejar nuestra banda o varias bandas amigas.

Hay ejemplo de pequeños sellos que en este momento están saliendo adelante sobre las disqueras enormes,

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porque se dedican por completo a sus artistas, ya no se manejan miles de artistas como antes sino unos pocos y en ellos se centra toda la atención de la difusión y la promoción, por eso un sello independiente que maneje uno o dos artistas tiene en estos tiempos una buena posibilidad de triunfo.

Se necesita un buen profesional en relaciones públicas, un buen agente de prensa, un buen encargado de Booking y sobretodo un buen director, una buena cabeza que dirija todo. No tome a la ligera su proyecto, recuerde que una banda o un artista es una empresa cuyo patrimonio es el mismo artista, y como toda empresa requiere una infraestructura. El único consejo acá es que analice bien a las personas con las que va a trabajar, la gente no hace nada por amor, siempre quieren algo a cambio, sea claro con ellos desde un principio, si no hay dinero dígaselo en vez de decirle que si va a haber y después terminar en disputas con ellos. Sea claro, sea transparente, muchas personas se acercan a un sello o un artista creyendo que ahí se van a hacer millonarios y cuando

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se dan cuenta de la realidad se alejan peleando y hablando mal del sello o del artista.

Este escrito está dirigido a los músicos a los cuales les interesa ser parte de una industria, tal vez alguno que lo lea puede pensar que no le interesa ser parte de esto, que lo que quiere es tocar y nada más, sentir y vivir su música, es totalmente válido, si lo quiere y lo puede hacer es una forma hermosa de vivir el rock and roll, sin embargo, el lograr abrir caminos para que los músicos de rock de hoy y mañana puedan disfrutar y tener una vida que le permita actuar en la sociedad, tener un hogar, cumplir obligaciones y hacer de esto una profesión, se ha hecho importante en algunas personas que han pasado por la pena de tener que dejar el rock en un segundo plano porque deben cumplir con las obligaciones y el rock no es suficiente para hacerlo, es en ellos que estos escritos pueden encontrar un camino para tratar de lograrlo.

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ENDORSEMENTS ¿CÓMO SOLICITARLOS?

Ya no es raro ver que a una banda local la patrocinan marcas importantes, esto es bueno para la marca y para el artista.

Antes de pedir un endorsement debe estar seguro de tener un buen proyecto, recuerde que estar seguro de tener un buen proyecto no significa que usted crea que son mejores que Metallica, sino que en realidad son un buen proyecto, no porque la música sea buena o no sino porque es sólido, es serio y estarán en capacidad de cumplir con el acuerdo que la marca le va a exigir para apoyarlo.

Cuando

se

trata

de

instrumentos

musicales

generalmente en las páginas web está la información para aplicar a un endorsement, son muy selectivos y le van a pedir que envíe una carpeta con la trayectoria y los trabajos de la banda, ellos lo analizan y le dan una respuesta, es un proceso que puede tardar meses, pero vale la pena aplicar como decíamos antes, lo

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máximo que se puede perder es que le digan que no y que usted deba seguir tocando con la guitarra de siempre.

En el caso de ropa, maquillaje, vestuario, viajes y otros patrocinios, lo mejor es ponerse en contacto con los directores de marca o mercadeo de cada empresa y hacerles una propuesta, al igual que el patrocinio de eventos, usted debe mostrarles que beneficios le traería a la marca ser un patrocinador suyo. Esto es la base del negocio de la música independiente, en estos tiempos y circunstancias todo se maneja con trueques o cambios, usted me da y yo le doy, el famosísimo CVY (Como voy yo) se aplica tanto a bandas como a empresas.

Es importante que vaya coleccionando los recortes de periódico, artículos de revistas y pantallazos de páginas web en los que su proyecto va teniendo difusión, hacer un EPK (Electronic Press Kit) es fundamental para pasar proyectos, solicitar patrocinios y enviar a festivales y empresarios.

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AUTOPROMOCIÓN.

Hoy existen miles de recursos para la autopromoción. Recuerden como se hicieron famosas las bandas como

Metallica,

Megadeth,

Carcass,

etc.

Ellos

surgieron gracias al boca a boca. Es cómico que le echen toda la culpa de la decadencia de la industria musical a la piratería, la piratería siempre estuvo, uno compraba un disco y lo grababa en un casete, de ahí todos los amigos lo grababan y todos andaban con casetes piratas. Lo que pasa es que ahora es un poco más fácil, pero ahí siempre ha estado y así fue que se hicieron exitosas estas bandas.

Ahora es igual, no grabe un disco pensando en que va a vender un millón de copias y se va a hacer rico, grábelo para que su música se esparza como un virus, déjelo descargar y pídale a la gente que tenga la capacidad de comprárselo que lo haga o que le haga donaciones por la descarga. Además del CD saque tarjetas de descarga digitales y comience a usar los recursos que brinda Internet para poner su música en

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todas partes, en todas las redes sociales, en las páginas web, envíe el sencillo a todas las estaciones on line. Arme conciertos gratuitos para sus amigos, arme conciertos en bares en donde la entrada sea para usted y la barra para el bar y asegúrese de que entren al menos 30 o 50 personas. La autopromoción es el camino, el boca a boca como lo ha sido siempre. Ser músico no significa ser Robert Plant y andar en Ferrari, se puede vivir decentemente de la música sin ser una superestrella, puedes tener un grupo de fans que alcanzan para mantenerte como profesional y como músico, esto es lo hermoso de lo actual, no necesitas llenar estadios para ser un músico y vivir de la música, solo inteligencia y astucia. Inventiva, esa es la clave.

PUESTA EN ESCENA ORIGINAL.

Este es uno de los puntos más importantes. Ya la gente está aburrida de ver músicos tocando en Jean y camiseta. Hay que darle un estilo propio a la banda, hay que darle una identidad. Bandas Latinas increíbles

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lo

han

logrado,

han

logrado

construir

estilos

inconfundibles, Café Tacuba, Molotov, Aterciopelados, Charly García, Los Auténticos Decadentes, El Cuarteto de Nos, cada una tiene algo que los hace únicos. Busquen que representan, hagan un consenso, hablen entre ustedes y lleguen a un acuerdo de cómo se van a ver en el escenario, de que es lo que van a proyectar a su público. Las bandas de más recordación internacionalmente

tienen

estilos

totalmente

espectaculares: Rammstein, Kiss, AC/DC, Sliptnok, etc. Piensen en ellos, no los imiten, busquen algo propio.

BACKLINE, SONIDO E INGENIERO DE SONIDO.

No hay nada más aburridor que una banda de músicos que no saben nada de sonido y que crean que se las saben todas. Esto es terrible. Cuando el sonido está mal, el público no dice que el sonido está mal sino que la banda es mala. Así que cuiden el sonido, no lo saturen, son una banda, no una competencia de quien suena más duro. El ingeniero de sonido debe ser un

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elemento más de la banda, un miembro más, debe ir a todos lados con ustedes, él es quien les cuadra y conoce el sonido. El músico toca, no mueve ni manipula la consola, no controla los volúmenes, lo óptimo es que el músico toque y nada más. Si es absolutamente necesario que usted mismo cuadre el sonido entonces hagan una prueba antes y traten de no manipularlo mientras el concierto está en marcha, es común ver como se le va subiendo poco a poco a los amplificadores durante el toque que al final ya la voz no se escucha y la música está muy saturada.

MANAGER, ¿NECESIDAD O NO?

Un manager es un personaje importante en la vida de una banda de rock. Es quien se encarga de ser su cara ante el mundo, de hacer las negociaciones, de que todo esté bien, de acuerdo a los parámetros de la banda. Un manager es además de una necesidad, el eje central para que una banda sea una empresa.

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El problema es que en realidad hay muy poca gente preparada para ser manager, con los dedos de la mano se pueden contar los que han estudiado esto en una universidad especializada y a ellos sumarle algunos muy buenos que han aprendido a punta de la experiencia, no es desalentador, al contrario, cada día más y más personas de nuestros países están regresando de sus lugares de estudio a compartir conocimiento sobre esta profesión, cada día hay mejores managers.

El manager no es el amigo al que le gusta la banda y la “quiere mover”, ni tampoco en el personaje que llega a decirle que conoce a todo el mundo y que los va a hacer famosos. Un manager es un profesional del negocio de la música con cualidades de administrador, el cual conoce los entornos, las relaciones, la forma de negociar, conoce a las otras bandas, es decir a “la competencia”, conoce los circuitos de bares donde se puede tocar, los empresarios, es carismático, tiene capacidad

de

relacionarse

con

las

personas,

capacidad de negociar entre muchas otras cualidades.

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Cada artista necesita un manager, pero un mismo manager

puede

tener

varios

artistas

y

nunca

confundan (Y esto es un error gravísimo) el manager de un actor por ejemplo, con el de un músico, son profesiones totalmente opuestas, los managers se especializan de acuerdo al campo del arte que manejen.

Si usted tiene la suerte de encontrar a una persona que reúna estas capacidades, no dude en trabajar con él, generalmente el trato es entre un 20% y un 25% de lo que el manager haga. Pero este es un tipo de negocio que se hace con artistas que ya producen dinero, con las bandas emergentes el trato es diferente,

los

buenos

managers

tienen

tarifas

mensuales que la banda debe cubrir.

Si usted es una banda emergente y está interesado en los servicios de un buen manager va a tener que pagar una mensualidad por este servicio hasta que el proyecto esté consolidado y produzca para que el manager gane. Ahora, si logran reclutar a una persona

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que no cobre y crezca junto con la banda bienvenido, sería óptimo, pero si deciden pagar exijan resultados. Los managers serios, saben cómo es el trabajo, saben cómo hacer los negocios, saben cómo cobrar, como negociar. De hecho la mayoría de las veces es el manager quien escoge a la banda, basado en su concepto de proyección de negocio a futuro con ellos. CUANDO

NO

SE

PUEDEN

ROMPER

“LAS

ROSCAS” En Colombia le llamamos “Rosca” a un círculo de amistades o favores que se cierra y no da espacio o cabida a nadie más, este círculo puede estar conformado por amigos, contactos profesionales o alianzas estratégicas. Siempre han existido, siempre existirán y todos hemos sido parte de alguna “rosca” en la vida. Comenzando desde el grupillo de amigos en el colegio hasta otras como partidos políticos, equipos de fútbol, el problema es que el nepotismo en Latinoamérica parece ser normal y un requisito para

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ascender

en

la

cadena

de

las

empresas

e

instituciones.

Las roscas no son malas siempre y cuando no hagan daño a nadie y no afecten a otras personas. Pero lo que pasa en es que a veces se usan en ellas dineros públicos, que han sido asignados por el estado para una sana competencia y que todos los ciudadanos tengan acceso a estos recursos.

Si las roscas se financiaran solas, entonces no habría problema. Es ahí cuando todos los que sientan que hubo “rosca” en alguna parte deben actuar. No solo quedarse en hablar, amenazar e insultar por las redes sociales. Si usted cree que hay una rosca en la cual están gastando dineros públicos entonces investigue. Tiene que llegar al fondo de la situación, hacer entrevistas, pedir recibos, buscar como sea la información para después presentarla a la opinión pública, cambiar una realidad desde un grupo de rock es difícil pero hay

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músicos activistas de estas causas y es muy respetable.

Algunas veces las roscas se muestran solas, como por ejemplo

cuando

pasan

de

primer

lugar

en

convocatorias bandas que son producidas por los jurados de los concursos o convocatorias. Esto se ve muy mal y ya la mayoría de los músicos se acostumbró a esto y es ahí en donde el músico comienza a perder la credibilidad de estas convocatorias, ya sean privadas o públicas.

Ustedes deben aprender a hablar sin miedo, sin tener temor a que los “veten” en un medio, ¿Qué pueden perder?, ¿acaso los están promocionando todo el día?, ¿acaso les rotan su música constantemente?, si usted sabe de alguna rosca, debe anunciarla, hacerla pública, porque esos dineros se podrían aprovechar de otras maneras, dándole espacios a mas artistas, no siempre a los mismos. Hay que romper las roscas, hay que ser transparentes. Se han visto muchas bandas y artistas que han estado tocando siempre en los

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mismos lugares, así como muchos grandes proyectos buscando oportunidades y tocando puertas que nunca se les van a abrir. La comodidad de lo seguro es algo nocivo, adictivo y peligroso para cualquier industria.

Tenemos ejemplos de movimientos que han logrado realizar cambios beneficiosos para los músicos, se han creado leyes de la música en algunos de nuestros países y en otros se ha logrado que las estaciones de radio coloquen igual porcentaje de música nacional que extranjera, únanse a las asociaciones de músicos de sus países y hagan de su música también una buena causa.

MANIFIESTO: ¡SOY MÚSICO INDEPENDIENTE! “Soy músico independiente y gestiono mi propia carrera, hago mis propios discos y los distribuyo. Organizo mis propios conciertos. Tengo mis bases de datos y soy amigo de los medios. Lanzo mis sencillos y les hago promoción. Mis amigos conocen mi música, compran mis productos y van a mis conciertos. Tengo

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una banda que es mi empresa y en ella trabajan varias personas para un bien común. Utilizo las nuevas tecnologías de la información para promocionar mi proyecto. Tengo una estación de radio y TV on line en donde pongo mi música y la de mis amigos. Hago Podcast,

tengo

grupos

en

las

redes

sociales,

pertenezco a comunidades de intercambio de música globalmente.

Me

comunico

constantemente

con

músicos, medios, amigos, productores y demás. Soy humilde y lo único que busco es que mi música sea mi profesión, por eso soy profesional en todo lo que hago y así mismo me comporto. No me importa lo que hablen de mí, pero recibo las críticas constructivas de una manera madura. Me alegro con los triunfos de mis colegas y trato de aprender de ellos y emularlos. Y lo más importante de todo soy feliz con lo que hago, estoy orgulloso de ello y trato de no depender de nadie para gestionar mi carrera y ayudar a los demás a gestionar la suya. Soy un músico independiente”

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MEDIOS CREADORES.

La fama de algunos artistas es una necesidad creada y mantenida por los medios agonizantes que buscan desesperadamente mecanismos para que su modelo de negocio no se desbarate. Si hoy a alguien le gusta su música la tiene al alcance de la mano las 24 horas al día, no hay que rogar a una emisora que la coloque.

Al músico de rock le fascina hacerse la víctima, creer que es perseguido, vapuleado y cuando de verdad se solicita para alguna causa se esconde bajo una máscara de artista recatado que no es real. El músico de rock es muchas veces un artista a medias, quiere conquistar el mundo, pero aun no conquista ni su propia cuadra. Y esto no hay que tomarlo a mal, a revés, hay que tomarlo por el lado que es, un empujón, un llamado a que los músicos de estos géneros despierten y aprovechen todo el potencial que tienen las nuevas tecnologías de la información, Internet y otros mecanismos de difusión pública que le han funcionado a tantos de los nuevos artistas que hoy en

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día son reconocidos a nivel mundial por la calidad de su trabajo.

Mientras los medios de comunicación tradicionales continúan con prácticas mandadas a recoger como la payola, el pago de favores, los modelos mentales cerrados y continúan destacando en sus frecuencias artistas armados con martillo y regla según sus necesidades comerciales. Internet se ha convertido en un paraíso para los verdaderos músicos y el público lo está notando.

Es verdad que por curiosidad o burla hay muchos fenómenos de Internet que se han hecho famosos fácilmente y tienen millones de vistas por ser cómicos, raros, fuera de tono, etc. Hay otros que si merecen estar en el pedestal más alto del rock, que han sido visitados por escuchas de todo el planeta y sin necesidad de rogarle a nadie se han montado en el tren de la industria musical quienes después se han visto obligados a programarlos por “petición popular”,

Felipe Szarruk


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como decíamos anteriormente lo que es bueno es pedido y lo que es pedido se convierte en comercial.

Dicho esto, entramos en el reglón principal de este artículo.

Los

programas

de

los

medios

de

comunicación se dividen en dos. Ustedes como oyentes de una radio o televidentes de programas de música pueden distinguir claramente entre quienes son los que toman el modelo de “seguir” las listas y asegurar una programación exitosa, o el modelo de ser un

medio

creador

de

artistas

y

de

nuevos

lanzamientos. En el primero se mueven casi todos, lo más fácil es copiar la Billboard y otras listas, las canciones que mejor se han comportado y así asegurar una audiencia, lo que también les asegura la venta de la pauta. Lo segundo es más difícil y solo las estaciones y emisoras más respetadas en el mundo lo hacen, promover artistas nuevos, canciones nuevas, los más arriesgados se lanzan incluso con música y producciones nacionales que es lo más difícil de “pegar” en el público en todos los países de

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Latinoamérica, es como si el latino tuviera aversión por las personas de su propio país.

Ahora si trasladamos este modelo a los nuevos medios como las estaciones de radio por Internet y las paginas especializadas en rock, como lo es Subterránica. El modelo se vuelve aún más difícil, ya que estos medios son autos gestionados y sostenerlos es toda una aventura. Pero analizando los pocos que aún se mantienen, podemos ver cómo son estos medios los primeros

que

los

artistas

buscan

para

ser

promocionados. En nuestro caso por ejemplo, ya que podemos hablar de nuestra experiencia, hemos visto como las bandas se acercan a nosotros con sus producciones nuevas, muchas de ellas con el tiempo se han vuelto conocidas y se han alejado porque “ya no nos necesitan” y se dejan llevar y consumir por “el mainstrean” que ahora si los quiere, así trabaja hoy la antigua industria, esperan a que el artista haga todo el trabajo

para

ofrecerles

su

“apoyo”

generalmente también deben pagar.

Felipe Szarruk

el

cual


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Durante la historia de Los Premios Subterránica hemos tenido aciertos y desaciertos. Nuestra idea de premiar para incentivar no es nueva, pero en nuestro caso es difícil, ya que nos toca buscar entre la maraña de artistas que están en las sombras para poder escoger lo que se proyecta como un éxito en el público y el experimento ha sido exitoso, Subterránica es el galardón más sincero del rock latino, ha sido una gran aventura.

Pero por otro lado también hemos tratado de incentivar a algunos medios e instituciones a través de premios, para que se unan al movimiento y comiencen a apoyar más y más a las bandas nacionales pero el proceso no ha funcionado. Caso de festivales y emisoras que han recibido premios y no han generado buenos cambios, al contrario se convierten en “enemigos” del proceso y de nosotros, el motivo no lo sabemos, ni lo queremos preguntar.

El llamado que hacemos entonces es a dos bandos de la industria musical, el primero, los músicos, para que

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sean actores y protagonistas de la escena. El tiempo de la autogestión es ahora, ya esto es algo inherente en las bandas, músico que no se auto gestione es músico muerto en la escena a menos que tenga un mecenas que lo esté patrocinando. Es necesario que las bandas mantengan vivo el movimiento, lo único que falta es incentivar de nuevo al público para que vaya a los conciertos y consuma los productos musicales, pero esto poco a poco se va logrando, lo hemos visto, al principio eran flojos los conciertos de rock nacional en materia de público, pero ya estamos llenando escenarios bastante decentes en cuanto a público se refiere.

El segundo llamado es a los medios que tienen bastantes recursos económicos y pertenecen a las cadenas privadas o al gobierno, para que coloquen a una

persona

idónea,

que

sepa

reconocer

con

anterioridad a las bandas, que sea “scout” de nuevos talentos y que sin miedo le abra un espacio a los nuevos artistas que necesitan de los medios para ser escuchados, si nadie nos suena ¿cómo van a

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escucharnos? En países como los nuestros, las estaciones online, Podcast y páginas, aunque en aumento, aun no son competencia para estos gigantes de la comunicación masiva, sin embargo, los pocos experimentos que se han hecho en el campo virtual han sido totalmente exitosos. Necesitamos que los gobiernos latinoamericanos sigan aprobando leyes de la música y leyes de emisión de contenidos nacionales 50 y 50, es decir por cada canción internacional que suena en las radios, debe sonar una nacional.

Debemos ser entres creadores, premonitorios y comenzar a sembrar en el público a nuestros artistas y sus sonidos, no podemos seguir para siempre trayendo éxitos de Billboard y Los 40 Principales de España, debemos explotar nuestro talento, si no, como siempre ha pasado, alguien más lo va a explotar por nosotros.

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EL ESPECTÁCULO, LA FAMA, LA ADULACIÓN Y LA MOJIGATERÍA.

"En una sociedad libre no existe el derecho a sentirse ofendido". -David Davis-

Nos encontramos ante una posición compleja en donde la sociedad, sobretodo la nuestra, no profundiza en el concepto de lo que es arte y caemos en el fácil camino de creer que arte es “espectáculo”, “farándula”, “fama” o “artisticidad”.

A lo largo de la historia, en algunas contadas ocasiones un artista ha logrado la fama mundial en vida, puedo citar algunos ejemplos: Dalí, Picasso, Leonardo, Warhol. En la historia actual parecería que es más fácil de lograr, hay productores de arte que han ganado el reconocimiento del público, directores de cine, músicos, pintores, etc.

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En la música, por ejemplo, hay que recalcar los campos de acción. No todo músico es un productor de arte, hay músicos que son “interpretes”, es decir, que se dedican a interpretar o como se dice en lenguaje popular a “tocar” las piezas musicales en escenarios. Hay

conductores,

productores,

arreglistas

y

compositores. El compositor es quien crea la obra de arte, llámese sinfonía, canción, rola, un vallenato, un reggaetón.

En Latinoamérica nos enseñan desde niños a ser “protocolarios” en todo lo que hacemos y sobre todo en lo que decimos. Nos enseñan mejor a callarnos para no “ofender” a nadie y nos enseñan a mentir, a decirle a todo el mundo lo que quiere escuchar para no herir los sentimientos, para no tocar las susceptibilidades de nadie, por miedo a que cuando no se adula a la otra persona, esta tome represalias, porque estamos acostumbrados a que no es el talento el que vale y el camino por el cual se triunfa, sino es la influencia del amigo, el vecino, etc. Por eso, siendo directo, desde pequeños nos convertimos en “lambones”, la sociedad

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ha sido demasiado injusta con nuestros artistas al no enseñarles que lo que vale es el talento. Un ejemplo en Colombia, la serie “Escobar el patrón del mal”, bien producida, un derroche de talento actoral. Donde desfilaron casi todos los actores que conocen un método o que han pasado por un aula de clase. En Colombia ser actor muchas veces (no todas) significa hacer un curso en cualquier academia o un taller con “alguien famoso” y operarse el busto o tener abdominales. Muchos de los que llegan a la televisión no saben de Stanislavsky, Lee Strasberg o cualquier ser

humano

desenmarañar

que

haya

la

magia

dedicado que

su

vida

comprende

a la

construcción de un personaje, y si lo saben, es porque se vieron obligados a aprenderlo en la marcha.

Lo primero que la serie mostraba era un letrero que decía “Quien no conoce su historia está condenado a repetirla” y esto raya en lo absurdo ya que casi todos los nombres en la serie habían sido cambiados para no herir a nadie o para pagar indulgencias. Eso no se

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ve en otros países en donde las producciones históricas al menos reflejan los nombres de quienes fueron sus protagonistas y más aún cuando estos fueron criminales. Pero eso es lo que pasa en Latinoamérica, que si uno dice algo, lo alejan, que si uno dice “esa banda suena horrible” lo atacan, que las personas creen que arte es la sección de farándula de los noticieros y han satanizando, desgarrado, acabado y casi eliminado por completo áreas hermosas de conocimiento con la música, la actuación, la gestión cultural y la comunicación social, no sé si acá quepa una postura radical como la de Vargas Llosa en “La cultura del espectáculo” pero al arte se ha minimizado a expresiones fáciles para públicos fáciles.

Se convierte entonces la meta del supuesto artista en llenar el ego, en que el “yo” sea lo importante, en que la gente lo reconozca y afirme su identidad como si el artista necesitara que alguien le diga “!Existes, eres alguien!”, no basta la satisfacción del conocimiento y la producción. ¿Por qué pasa esto? Sencillo, porque hay muy pocos artistas que han estudiado o que se han

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dedicado en la vida a hacer arte y que producen obras, la mayoría, son personajes que quieren fama, dinero fácil, reconocimiento, adulación y saben que la única forma de lograrlo es siendo actor de TV, presentador, cantante, reguetonero, entre otras actividades. Y ahí es donde literalmente “se revuelve” nuestra cultura y las personas que saben manipular a la gente (que es otro talento) se abren espacios y se apropian de ellos y lo podemos ver en las estaciones de radio, de TV, en los puestos de cultura del gobierno. Y es donde se arman las tan difamadas “roscas” que todo mundo critica pero que nadie se ha puesto a pensar que son producto de nosotros mismos quienes permitimos que suceda, porque nadie dice nada.

Entonces debemos quedar claros en que el artista es la persona que produce obras de arte, que usa su alma y sentimientos para plasmar con creatividad una idea, un pensamiento o algo que quiera comunicar. El arte es un medio de comunicación público o subjetivo, como se quiera, pero cada obra de arte comunica algo así sea incomprensible.

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Y

debemos

quedar

claros

también,

que

en

Latinoamérica la cultura general no define al artista como merece sino como el imaginario colectivo lo tiene dentro

de

sus

conceptos:

farándula,

peinados,

tacones, abdominales, televisión, etc.

Un pueblo que no trabaja por su cultura y su preservación es un pueblo olvidado, pónganse a pensar que casi todas las culturas del mundo antiguo se han dado a conocer por sus obras de arte y su arquitectura, todas desenterradas por arqueólogos y preservadas hasta el día de hoy. Es el arte el que colorea las épocas.

FACTORES A CAMBIAR PARA QUE EL ROCK SEA UNA INDUSTRIA CULTURAL.

Un día estaba leyendo el comunicado de prensa que escribió un amigo baterista, miembro de varias bandas incluyendo la mía, en donde por varias razones se retiraba de los escenarios, no sabía por cuánto tiempo. En el comunicado atribuye entre los causales la

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precaria situación económica, las chisgas (Tocar covers por dinero), el buscar algo más “comercial” entre otros factores. No es el único, a diario cientos de músicos de rock tiran la toalla, así ha venido sucediendo desde siempre.

En Subterránica siempre estuvimos en búsqueda de la nueva generación del rock. Muchos años seguidos trabajando en una escena que ya se veía en algunos casos consolidada y en la que nosotros hicimos nuestra parte, es hora de cambiar la página, que las bandas

que

lograron

su

reconocimiento

sigan

adelante, las que no, se replanteen y comiencen a trabajar con los nuevos músicos, el tiempo que le toma a una banda promedio para consolidarse es entre cinco y seis años. Por nuestros escenarios pasaron muchos de los que hoy son los representantes del rock local, pero aún quedan muchos por descubrir.

Tomamos esto muy en serio porque hay algunos que no hemos tirado la toalla y el rock representa nuestra forma de vida, lo que hacemos, a lo que nos

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dedicamos. Es por esto que debemos erradicar lo que nos impide alcanzar nuestros sueños y metas y comenzar de nuevo a construir una industria en donde nuestras metas sean parte de nuestro bienestar tanto económico como profesional. ¿No han sentido como que algo falta? ¿Cómo que todos tratamos y tratamos, gastamos tiempo, dinero, nos sacrificamos, y luchamos muchísimo pero como que el rock no termina de arrancar?, sé que muchos de ustedes sienten lo mismo. Después de años y años de tocar rock y de pasar por medios y hacer eventos, conocer a casi todos los personajes de la “industria” nuestra y de la de afuera, he llegado a una conclusión muy sencilla: Nuestro problema es la gente, no la música, no la industria,

no

la

falta

de

dinero

o

tecnología,

sencillamente es la gente y su mentalidad. Y no cualquier gente, nuestra gente, la que nos rodea, la que nos ve y nos saluda, los que encontramos siempre, o tal vez los que no conocemos pero forman una parte importante de la cadena que nos podría llevar a ser una industria cultural, a poder comer y vivir de él así como lo hacen otros profesionales.

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Voy a listar acá diez problemas, son muchos más, pero estos diez son claves para lo que está sucediendo. Les puedo asegurar que musicalmente el rock en Latinoamérica tiene un excelente nivel, pero mientras

no

arreglemos

nuestra

forma

de

relacionarnos con los demás, todo esfuerzo será en vano. Hay que dejar atrás el ego enorme, da risa cuando algunas bandas inflan cosas como “estamos pre-nominados al Grammy”, eso no existe, cualquiera que mande un trabajo lo van a pre-nominar, lo difícil es quedar nominado, pero la banda en su afán de sentirse triunfadora se crea en su mente que algo importante está pasando. Este escrito tiene como única finalidad la reflexión y el llamado a la unión. Igual, el rock no va a morir porque nosotros lo hagamos.

1.

A nadie se le puede decir la verdad en la cara:

No hay crítica porque te vetan, te insultan, hablan mal de vos y te conviertes en enemigo público. El rock necesita de la crítica.

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Ojo que una cosa es la critica la otra es hablar demás, la mayoría hablan para hacer daño, hablan mal de todo el mundo, creen que su banda es la mejor y que las demás son una porquería, han sucedido cosas como que si una banda no gana en los premios entonces se ponen bravos, hablan mal de todos, los bloquean en Facebook, denigran el trabajo de todos. Se han visto casos de bandas que alcanzan una especie de “fama” porque los suenan en alguna estación comercial y entonces comienzan a sentirse estrellas mundiales y a despotricar de todo aquel que un día les echo la mano porque como “ya no los necesitan” entonces no valen, eso es diferente a que exista una crítica. Un artista que no tolere la crítica sencillamente es un ególatra, un megalómano que cree que solo lo que él hace es válido.

En Latinoamérica existen muy pocos críticos de rock, y poquísimos managers, eso se estudia, es un grado y una especialidad académica, acá son hechos a pulso y eso no está mal siempre y cuando sea algo que aporte y construya, algo fundamentado en el conocimiento o

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la experiencia. Es muy común encontrar jóvenes de veinte años queriéndole dar cátedra a personas mucho mayores, creen ser la panacea del universo del rock porque fueron a tocar a otro país a cualquier bar o a una feria, o porque pagaron para sonar en una radio. Eso está mal. Si alguien del país los critica es como si se cometiera el crimen más grande del mundo, ellos ya asumieron su papel en el rock, se autocalificaron con la mejor nota y quien diga lo contrario es el enemigo.

Lo que este punto quiere tratar, es reflexionar que la crítica es necesaria, pero en nuestros países la persona que es criticada se ofende, el crítico se convierte en enemigo, por eso el latino ha aprendido a ser hipócrita, por eso es que cuando una banda le dice a cualquiera -¿Qué te pareció?- todo el mundo dice – tu banda es genial- así la música no le haya gustado, pasa en todos los ambientes artísticos, en la actuación, en el canto, en la pintura, en el cine. Hay que valorar el esfuerzo, pero si el resultado no es bueno en su criterio hay que decirlo. Son comunes las frases como “muchas gracias, nosotros te llamamos”,

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“súper bien sigue así” y nadie le puede decir a otra persona que su música no le gusta o que alguna actitud no le gusta porque sin pensarlo se abalanzan como una fiera a despotricar, insultar y destruir al otro. Hay muchos casos, a diario suceden. Si una banda no pasa en un concurso es porque hay “amistad”, los que organizan concursos sacan de una vez a los que les caen mal, los “managers” destrozan a las otras bandas, esos mismos managers defienden a capa y espada lo que hacen pero cuando alguien les hace algo a ellos entonces mandan cadenas de mails destrozando la imagen pública del otro, es algo de nunca acabar.

Toca entonces decirle a todo mundo que es mejor que Metallica y que U2 y que lo que pasa es que la gente es tonta o corta de mente al no gustarle su música para que no se ofendan.

Hay que formar críticos y hay que formar cultura de la crítica, una cosa es criticar otra es odiar, en nuestros países lo consideran lo mismo.

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158 2.

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Todo en Latinoamérica lo quieren “decolonizar”

o “Intelectualizar”.

En este punto me voy a referir exclusivamente a Colombia porque es donde más he notado este fenómeno, sin embargo en otros países se da.

En Colombia no se puede hacer rock, en el país una formación rockera musical clásica, como las de todo el planeta: bajo, batería, guitarra y voz es considerado algo “malo” ¿Cuál es el afán por “Colombianizar” el rock hasta niveles que los que casi no se diferencie de una cumbia? Carlos Vives gana un Grammy a mejor álbum tropical del año y al otro día lo bautizan “El rockstar del Vallenato” en los diarios. Sería interesante hacer las fusiones pero preservando la esencia del género, es una irresponsabilidad de los medios y las personas de la escena, tildar de rock lo que no es, enseñándole al común de las personas que las bandas de rock clásico y metal entonces son “peleas de perros” y que un ensamble de marimba y guitarra eléctrica es lo “nuestro”, eso es un acto excluyente,

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que discrimina el género dentro del género, que inserta creencias falsas en un público poco educado en la materia y que busca más intereses económicos que musicales a consta de sacrificar otros sub géneros del rock como el punk, el metal, el rock clásico y todo lo que suene como de “afuera”.

En Colombia entre más raro suene mejor, si le meten un sombrero “vueltiao” mejor, miren el ejemplo de Rock al Parque. Systema Solar no es una banda de rock, pero muchos consideran que bandas como ellos, como Bomba Estéreo, como Velo de Oza, como Monsieur Periné son rockeros, así los presentan en los diarios, en la televisión y no es así. Eso es un híbrido, es una fusión, son buenas, muy buenas, pero eso no quiere decir que solo se pueda apoyar al que le meta algo típico o extraño al género. Hay que enseñar a diferenciar esto, no es bueno porque sea raro, es difícil que los medios acepten que una banda como La Derecha (rock) o como I.R.A (punk) son grandes exponentes del rock nacional y los suenen en sus diales solo porque no tienen ruanas o guacharacas.

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Eso se ve feo y además se están perdiendo verdaderas joyas, por eso es que algunos ahora están optando por cantar en Inglés, para ver si se pueden trasladar a un país en donde se valore mejor lo que se hace pero es difícil, salir a cantar en escenas ajenas es muy difícil, pero es más difícil saber que las bandas y artistas del rock están sometidos al gusto de los programadores, al gusto personal.

3.

El público no tiene la capacidad de consumo y

no conoce el rock nacional.

El público generalmente o en su mayoría es un sector que no tiene la capacidad económica para gastar en discos, conciertos, ropas y la parafernalia de las bandas, el ingreso en nuestros países obliga a medir los

gastos.

Generalmente

el

público

de

está

conformado por estudiantes o trabajadores jóvenes que no generan muchos ingresos, dependen aun de los padres o no están trabajando. Es comprensible que si van a un concierto o dos en el año de bandas internacionales no tengan dinero para andar saliendo a

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los bares a apoyar la escena local. El público del rock se ha perdido. A los chicos de hoy no les interesa el rock, la gente de las radios no conoce el rock nacional, la gente del común no conoce el rock, solo un sector muy pequeño, muy exclusivo sigue el movimiento. Algo que hay que recalcar, es que el poco público que va a los festivales o conciertos de varias bandas, ve a su banda y se retira.

4.

No hay managers, ni productores: la mayoría

son empíricos.

La figura del manager es inversamente proporcional a la del manager en países en donde la industria está consolidada. Hasta hace unos años esta figura no existía en el espectro del rock local, era muy extraña, desde hace un tiempo se ha visto una proliferación de gente que ha querido aprender y manejar bandas. Algunos han logrado ser vistos por los rockeros como personajes importantes en la industria, otros se desvanecen en su ego que destruye a las bandas y varias ya han caído por culpa de estos personajes,

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otras que se perfilaban como promesas del rock nacional se estancaron en la búsqueda de fama y dinero y ahora parecen ser bandas de “empresa”. Ya es común ver a estas bandas regalando Doritos, tragos, promocionando carros y se perdió el amor al concierto, se perdió la lucha para triunfar con tal de ganar dinero. Ahora los músicos buscan otros caminos que no existen pero tampoco están dispuestos a construir. Si usted como músico va a dejar su carrera en manos de una persona. Asegúrese que esa persona conozca la escena, conozca el negocio, sea preparada, conozca el rock, no crea que por ponerlo a tocar en un bar o llevarlo a otros países a tocar en bares o tarimas de calle es un “monstruo”, en resumen no se deje embelesar por algo que usted también haría con un teléfono.

Proyecte su carrera junto a su manager, tracen un plan de ruta, si los dos están de acuerdo, entonces adelante. El mejor manager en un principio siempre será usted mismo.

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5.

“Los importantes”

Siempre hay escalas de importancia en las empresas, es a lo que se llama “jerarquía”. Está el dueño, sigue la junta directiva, después el gerente, los cargos administrativos, los trabajadores, y así sucesivamente. Para ser el dueño de una empresa hay que tener visión, una idea y dinero para poder invertir y comenzar. Si no hay dinero son necesarios los inversionistas, así sucesivamente cada puesto debe ir llenando unos requisitos. Lo que no se entiende en nuestros países, es como las personas menos idóneas ocupan los puestos más importantes y el único requisito que cumplen es precisamente creer ser importante.

He conocido varias personas a las que les cambia su personalidad cuando logran un puesto de poder en los medios o las empresas, incluso cambian sus valores y sueños, una vez se sientan en la cómoda silla del sueldo. En la calle les dirían “vendidos”, pero eso no es cierto, sencillamente son personas que después de

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cansarse de luchar, encontraron una estabilidad que nunca tuvieron y ahora, así sea construyendo los sueños de otro, creen estar parados en la punta de la cadena evolutiva, es ahí donde aplica el dicho “ningún cura se acuerda de cuando fue sacristán”.

Los importantes son fastidiosos, hablan por encima del hombro, siempre están en reunión, antes rogaban por un espacio hoy ni saludan, hay importantes en las bandas, importantes en los managers, importantes en las radios, importantes en las empresas de conciertos, importantes en las entidades del gobierno, importantes los Ministerios, hay importantes por todos lados, pero desafortunadamente cazar peleas con estas personas cierra puertas, el consejo es no entrar en discusiones por más que se quiera, la música lamentablemente necesita de un equipo y a menos que se tenga todo solucionado, siempre vas a requerir el consejo o el apoyo de uno de estos “importantes”. Resta decir que ese tipo de personalidad no es buena, lo mejor es evitar el trato con estas personas, generalmente no construyen nada bueno.

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6.

La payola

Yo trabajé en una de las mejores radios de la región en cuestión de música popular. Radio Femenina 102.5 en El Salvador, una radio que lleva más de 50 años a la cabeza de las preferencias de El Salvador y que basa su programación en Billboard y otras listas. También es una radio que se da el lujo de arriesgar a lanzar sus propios “hits”. Hay muchas radios que no lo hacen y se conforman con copiar las programaciones de las demás, las que son éxitos. Femenina no. Es una Radio que lanza nuevos temas y crea listas. La más importante es la de las 111 del año, es todo un acontecimiento en el país. Obviamente como toda radio importante los promotores de las disqueras siempre andan a la búsqueda de que sus sencillos sean colocados en los lugares más altos de las listas y en alta rotación. Por esto, organizan fiestas, visitan las radios, envían regalos en navidad, en año nuevo, en el cumpleaños, en el día del amigo, del padre, del vecino, del perro, etc. Eso se conoce en la industria como mercadeo musical.

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La payola es una práctica ilegal que consiste en que disqueras y artistas les pagan a los locutores de las radios o a los ejecutivos para que ellos coloquen sus discos al aire. Personas en el mundo entero han estado envueltos en escándalos de payola, por ejemplo Miles Davis, quien fuera director de CBS y posterior fundador de Arista Records. El después fue exonerado de todos los cargos, pero el escandalo lo tocó.

En Latinoamérica mucha gente dice que existe la payola. Probarlo es muy difícil, muy pocos se han atrevido a hablar por miedo a que les cierren las puertas, nadie de los que acusa ha sido capaz de sacar la grabación en donde el personaje la pide o el video en donde la realizan. Sin embargo hay casos en nuestros países que han sido probados o denunciados por los mismos músicos, pero no hay legislación para estos temas, muy poco se habla sobre regular estas prácticas.

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En nuestros países la disfrazan con “regalos”, celulares, cuotas del carro, viajes, es un tráfico de influencias y favores que se usa en la televisión, en la radio y en los conciertos. Entonces no vale tanto el talento de un artista sino sus “relaciones”. Volvemos al punto número uno, muchas bandas están vetadas por decir lo que piensan, eso es una realidad. Muchas bandas suenan en las radios porque se “caen bien” entre programadores, no hay igual oportunidad y las radios entran a rotación basadas en el gusto y el favor de los programadores, creo que todo esto cabe en el mismo lugar de la payola.

La radio es un medio de comunicación poderoso que tiene dos tipos de clientes, uno es el cliente que escucha y el otro el que paga por pautar, entre más oyentes se tiene, más caro se cobra la pauta, por eso la radio debe asegurar audiencia a través de buena música. En Latinoamérica hay muy pocas radios que programan rock y menos rock local, entonces no hay con quien competir, por eso se dan el lujo de mandar a los lugares más remotos de la parrilla, como los

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domingos o lunes en la madrugada, a todo el rock hecho en casa y le dan exposición solo a los que han sabido llegarles o a los que llegan a una radio sintiendo que les están haciendo un favor.

La única forma de evitar eventos como estos o que exista la payola, es contratar a un buen director de programación ecuánime y profesional que reconozca los singles que serán éxito, que sepa distinguir un hit del resto, que disfrute la música, sería bueno que comiencen a usas scouts que busquen talento, que se pongan serios en su función de comunicar música y que abran más espacios para el rock, si nadie nos suena ¿Quién va a escucharnos? Muchos de estos problemas tendrían solución con la ley 50/50 en las radios de cada país.

7.

El músico quiere que se le pague por “existir”

Para ganar dinero primero hay que generarlo, muchos tienen se creen famosos, hermosos y creen que se les debe pagar por eso, así a sus conciertos no llegue

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nadie a verlos, es más, ni en los grandes festivales gratuitos las primeras bandas logran llenar los escenarios. Internet está llena de anuncios que dicen “soy músico, no trabajo gratis” y se valen de ejemplos que no van a la realidad de nuestra industria musical. Les explico, ser músico de rock que busca que su música triunfe en los oídos de las personas no es como ser un cirujano plástico o un odontólogo. Usted puede ser un músico que ofrece un servicio, por ejemplo: tocar. Entonces tiene una tarifa y por esto le pagan, ok, así como el cirujano o el odontólogo cobra ciertas tarifas por los servicios que vende.

Usted no puede confundir esto, si usted vende servicios está bien, es un profesional de la música, un músico de sesión, un intérprete a sueldo y cobra. Pero si usted tiene una banda o un proyecto de música original y quiere vivir de esto, el proceso es diferente y ahí es donde mucha gente se confunde.

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Un bar le va a pagar si usted tiene un tributo a una banda famosa y sabe que esa noche será un éxito para el local. Al bar no le interesa su música, le interesa vender trago que es su negocio. Pero si el bar le abre el espacio para que usted vaya y toque su música original y a su concierto llega su novia y su amigo, a los dos los entra gratis y hay que invitarles la cerveza. Entonces no piense que va a ganar dinero haciendo esto. Las bandas que hoy en día cobran por sus conciertos son bandas que han recorrido un largo camino y que ahora llenan escenarios, muy pocas de son de rock, el top de los artistas que más vende hoy en día son artistas de otros géneros.

Usted debe pensar muy bien qué clase de músico quiere ser, las dos opciones son válidas, puede ser un músico a sueldo, que ofrezca sus servicios y cobre por ellos o puede ser un músico que quiera triunfar con su música en cuyo caso el camino es más largo, mas sacrificado y tal vez le toque trabajar en las mañanas para poder almorzar, así no se sentirá amargado cada

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vez que en el bar solo le queden 2 dólares y una buena foto.

8.

Los dueños de bares y otros escenarios deben

dejar de pensar que lo que hacen es “un favor”

Un bar es un negocio, eso es cierto, pero parte del negocio es la forma en cómo se atrae a los clientes. Las bandas están fuera de la realidad cuando afirman que es el bar quien debe tener su público, eso es como decir que es el estadio y no el equipo el que tiene hinchas, es un pensamiento no coherente. Pero sí es el bar quien debe hacer que las condiciones sean favorables para un concierto si es que el bar ofrece música en vivo. En Latinoamérica existen escenarios maravillosos para tocar, espacios enormes, muy bien decorados, bien situados, tarima preciosa, con sonido increíble, un excelente backline, ingeniero de sonido de primera y hasta roadies, y aún hay músicos que se ponen bravos por que el bar les pide vender 8 boletas de 100 para tocar y ni siquiera logran vender estas 8 boletas.

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Las bandas por la urgencia de tener espacios de expresión se dejan tratar mal por personajes que de verdad

dejan

mucho

que

desear

tanto

como

profesionales como en la parte personal.

Los bares y las bandas deben encontrar un equilibrio, hay bares que pagan la presentación, hay bares que trabajan por boletas y hay bares a los que hay que pagarles. El pay-to-play es una práctica común en muchos países de América, así que los músicos que no han salido de su país de origen y que viven quejándose porque no les pagan millonadas en los bares, deben saber que Latinoamérica es de los pocos lugares en donde aún pueden tocar sin pagar en los bares (no en todos los países).

Es por eso que ustedes deben escoger los lugares de sus conciertos con cuidado, hacer buenos tratos, pero sobretodo ser conscientes de que el bar es un negocio y que si ustedes llevan a dos personas nada más a verlos eso es un mal negocio incluso para ustedes, porque no les va a quedar ni para el taxi de vuelta.

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Ahora, nunca se dejen humillar por el dueño de un bar, recuerden, es como las estaciones de radio, un bar que tiene música en vivo es un plus, ustedes son los artistas, no dejen que los sometan solo porque tienen muchas ganas de tocar en vivo.

Un negocio se da cuando las dos partes ganan, busquen los tratos en donde las dos partes queden bien. Es un punto complicado. Hay que buscar la comunicación, no se crean más de lo que son como banda, tengan en cuenta la realidad de un concierto y de acuerdo a esto negocien cómo será la presentación y que van a recibir a cambio.

9.

El deseo de hacer dinero a como dé lugar

destruyó la industria del Rock:

La competencia es necesaria, es uno de los factores que les permite a las industrias crecer, las industrias culturales son de las más competidas mundialmente y triunfar en ellas es de las cosas más difíciles en el planeta. Sin embargo la competencia debe ser sana,

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por eso en el mundo existen leyes y reglas antimonopolios y anti competencia desleal, menos en Latinoamérica. A todo lo que hemos dicho en otros puntos de este libro, como que todo el mundo habla mal de todo mundo, las “roscas”, los amigos, etc. súmenle que la industria inexistente trata de ganar su dinero de cualquier forma. Al no poder las bandas vivir de tocar el rock entonces se han volcado a hacer cosas como comprar una computadora, una tarjeta de sonido y comenzar a grabar canciones por poco dinero y de mala calidad. Las bandas que no tienen dinero en sus ganas de grabar, acuden a estos “estudios” caseros. Las salas de ensayo se han dado cuenta que el negocio ya no es “el ensayo”, la hora es muy barata, entonces muchos crean círculos de bandas para poder hacer festivales y así generar dinero con la excusa de promocionarlas. Si una banda se mete al rock solo por dinero, es posible que no vaya a tener dinero y mucho menos vaya a tener rock. En Latinoamérica es difícil vivir del rock, uno acá vive para él, para la música, hay que volver a los tiempos en donde se gestaron todas las bandas de garaje, con amplificadores de 10 Watts,

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guitarras Predator y un corazón enorme, estas marcaron la historia del rock local, tocaban con el alma, llenaban los antros alternativos solo para disfrutar de un concierto de rock, estallado de gente gritando y pasándola bien. Filas enormes de botas militares de colores y pelos largos amando el rock local, de ahí nacieron los primeros festivales masivos, de ahí nacieron los grandes músicos del rock latino, llegaba el nuevo boom del rock en nuestra región, después se inició “la nueva ola” y el rock en español, se veía fuerte y se mantuvo algunos años, pero desde principios de siglo lo único que ha hecho es decaer, la globalización nos llegó mal a nosotros. Leí en algún lugar que Gotye tenía 37 canciones grabadas y que solo necesitó una para triunfar y que se necesitaba solo una buena canción para hacerlo. Bueno, pues esto es cierto en otros países, acá no, acá no se necesita una buena canción, acá hay canciones hermosas, buenísimas, lo que no hay es radios que las coloquen, promotores que las vendan, marcas que las apoyen, canales que roten sus videos, empresarios que inviten a conciertos, acá necesitamos mucho más

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que una buena canción y en eso es en lo que estamos trabajando. Las ayudas del estado ya no son suficientes, los festivales hay que replantearlos, las estaciones de rock no tienen competencia, por eso hacen lo que quieren, aún nos falta mucho, pero sin unión, ahí no hay nada.

HISTORIAS DE VIDA:

Alejo Buscero (Solista Independiente) ¡El Rock que nace del alma!

Fotografía: Felipe Szarruk

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Su apellido bien puede evocar al músico de bus que algún día le toco ser para subsistir y pagar sus estudios, pero esta es una concepción equivocada. Buscero viene de la combinación de sus apellidos: Bustamante Acero.

La historia de este personaje que rueda por Bogotá en una moto estilo Harley (sin serlo) sale de lo común y cuando se habla con Alejo uno siente que la sangre hierve y es inevitable preguntar cuanto de lo que habla es cierto, pero al parecer, cada palabra ha sido una vivencia.

Le echa la culpa de su inconformismo a la familia en la que le tocó nacer, a sus padres separados, a su madre que lo abandonó cuando era un niño dejándolo al cuidado de la familia paterna en donde sus tías eran nada fuera de lo normal y su padre lo trataba severamente. Un inconformismo que se le sale por los poros cuando cuenta su historia, casi siempre sin mirar a los ojos, eternamente escondido detrás de sus gafas de sol como si no quisiera que el mundo viera a veces

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la rabia o a veces la vergüenza, pero sube la cara cuando dice que salió del letargo por conocer el rock a muy temprana edad. Bogotano, de los humildes, de los “buena gente”, vivió con ambos padres hasta los tres años y desde ahí su mundo se convirtió en esa burbuja medio real, medio fantástica en donde convivían sus sueños con la dura realidad del mundo.

Cuando le preguntas él porque del abandono de su madre el secamente responde – ¡consiguió otro! – tratando de no juzgarla o de justificar su partida, más o menos siendo el paralelo de las series de dibujos animados que veía cuando era un niño.

Fue esta soledad lo que lo llevó a descubrir el Rock por casualidad. Unos muchachos de su barrio tenían un gimnasio casero, mientras se ejercitaban colocaban discos de rock, Alejo en sus paseos por el barrio escuchaba estos discos y comenzaba a descubrir el poder de los acordes mas no el de las letras en Inglés.

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La música lo llenaba, le encantaba, pero al ser un niño y con una educación normal, no entendía que decían así que trataba de cantar esas canciones como fuera, algo que es muy normal en los muchachos que descubren el rock. Las versiones criollas de las canciones que no entendemos son una impresionante muestra del índice de aceptación del género. Fue ahí cuando Alejo comenzó a componer sus propias letras, infantiles, porque era aún un niño, letras de las cuales ya ninguna habita en su memoria pero dice que a los trece años ya tenía unas noventa canciones.

Cuando se queda un rato en silencio, mira hacia otro lado y dice que fue en ese punto de la historia de su vida en que “descubrió” la música. Es decir, comenzó a estudiarla, a buscarla por todos lados. Su tío mantenía guardada una vieja guitarra la cual tenía apenas una cuerda y la madera partida, Alejandro tardó un año para tener el valor de pedir que se la regalaran. Fue con esa única cuerda que comenzó a buscar las melodías y canciones que le gustaban, más que todo las de Nirvana, y fue en esa guitarra que

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comenzó a tocar de verdad, a componer de verdad, a plasmar su infancia, sus vivencias y su alma.

A la edad de 15 años, su padre le dice no más a la ayuda económica que le estaba dando, entonces cursando el grado once toma la decisión de irse al ejercito sin graduarse ya que veía en ello una oportunidad para hacer su vida y escapar del régimen impuesto en su casa, así lo hizo y prestó el servicio militar.

Al salir decidido emanciparse, y con la música metida en un morral que pesaba mucho pero que no podía dejar de cargar, comenzó a trabajar en diversos oficios, vendió buñuelos en la calle, cantó en los buses entre otras cosas. Su constancia y sus ganas lo llevaron a solicitar y ganar una beca para estudiar en la Sinfónica Juvenil de Colombia después de haberse graduado del bachillerato y haber ahorrado para el primer semestre trabajando en una fábrica.

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Según él, siempre ha sido un buen alumno, tanto en el colegio como en la escuela de música, tanto así que un día la maestra trataba de explicar un tema complicado a la clase y casi nadie entendía, Alejo se ofreció voluntariamente para explicar el tema a la clase y lo hizo. Muchos de sus compañeros entendieron. Él cree que ese fue el motivo por el cual aquella profesora, en un ataque de celos o de rabia, le hizo perder

la

materia

lo

cual

automáticamente

lo

descalificaba para seguir estudiando con la beca. Una de las frases más duras de Alejo Buscero es – Considero que no me parezco a mi familia en nada – cuando dice esto la voz se le quiebra un poco y reclama el afecto que no tuvo, reclama por el abandono de su madre, el maltrato de su padre, la falta de apoyo, de un abrazo, de una voz de aliento. Considera que fue la música su refugio, que fue el rock el que lo salvo de la calle o de algo más grave, si uno le pregunta si es drogadicto él dice que no, fuma a veces para un “relax” pero en general es una persona muy sana. Escogió el rock porque es la música que le

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permite expresar libremente lo que siente, él piensa que un bolero, una balada, una cumbia o algún otro tipo de música tiene ciertos límites, ciertos parámetros que no lo dejarían moverse tan libremente como lo hace en la música. No le gusta ser vulgar, pero si irreverente, cantarle a la calle, a las vivencias, a su vida. El rock se convierte en su estilo de vida, en su forma de llevar la existencia, de vestir, de soñar.

Lo interesante de la historia de Alejo, es que él ha trabajado mucho para hacer dinero, hoy en día tiene una empresa de alquiler de lavadoras la cual cuenta ya con más de treinta máquinas y dos empleados, esta es la típica historia de un hombre que se levanta del barro para convertirse en el escultor de su propio destino. Pero entonces la utopía se deja ver cuando uno se da cuenta que todas sus ganancias las invierte en el rock, en sus discos, es su sueño, dejando muy poco para otras cosas. ¿Por qué lo haces? – Le pregunto – No lo sé, es lo que siempre quise, lo que me llena – responde frunciendo el ceño y mordiéndose un labio,

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preguntándose por dentro si lo que dice tiene algún sentido.

Su disco se llama Anfibia Ciudad, lo pagó, grabó y produjo el sólo y ahora hace circuitos en bares de la capital, esperando siempre la oportunidad grande, la que lo saque a relucir entre la amalgama de músicos del país.

¿Crees que si Alejo Buscero hubiera nacido en cuna de oro, sería el mismo? – concluyo con esto y él me mira en silencio, se acomoda sus gafas rojas y dice – Tal vez no…-

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CARLOS ALBERTO DÍAZ (Bajista de

“El hombre

limón) Un Blues en Bogotá

Fotografía: Archivo Personal

“Yo me niego a hacer otra cosa y así me toque comer mierda prefiero eso a dejar de tocar”- Dice Carlos en la entrada de un bar, ya se ha tomado un par de cervezas pero aún está muy consiente para hacer semejante aseveración. Un hombre en la que su pinta es inversamente proporcional a su clase, ya que es inteligente, ha estudiado un montón, pero sabe que Felipe Szarruk


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vivir del rock en Colombia es prácticamente imposible, sin embargo su instrumento, el bajo, se ha convertido en su compañero inseparable, su forma de expresión y de subsistencia, siendo Carlos uno de los grandes músicos de la corriente actual del Blues Colombiano, porque así suene extraño en Latinoamérica se toca Blues y del bueno. El blues de Bogotá, el que habla de la miseria, de las mujeres, de los amigos que murieron y Carlos sabe hacerlo muy bien junto a su banda El Hombre Limón con la cual han ganado varios reconocimientos y tocado en los escenarios más importantes del país.

Sus palabras siempre son fuertes cuando se refiere a la profesión de rockero, dice que siempre ha estado “guerreando” por qué es lo único que le motiva a seguir viviendo, disfruta enormemente el tocar el instrumento, lleva haciéndolo durante ya 15 años, comenzó tarde en la música. Mientras la mayoría empieza a estudiar a temprana edad, él lo hizo a los 20 años, sin embargo no ha sido impedimento para que desarrollara una excelente técnica tanto de

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interpretación como de composición. Pero siempre escuchó el rock gracias a un amigo del colegio que le mostró los primeros discos de Hard Rock y desde ahí se motivó, le comenzó a picar el “bichito” de ser músico. Vivió la época de los 90 en Bogotá cuando el rock alternativo se hallaba en alza y existían demasiados bares en donde se podían escuchar buenas bandas, buscó ese camino a pesar de que en su casa nunca le dieron apoyo para ser músico, lo más extraño de todo, es que su padre si lo fue, tocaba el saxofón desde los años escolares y tal vez por esa misma experiencia de saber que la música era dura, no quería que su hijo siguiera sus pasos.

Pero fue su mamá la que le prestó la tarjeta de crédito para comprar su primer bajo con la condición de que fuera él quien pagara las cuotas y al final logró hacerlo a punta de “toques” o “chisgas” que es como los músicos le llaman a los conciertos en donde se les paga por tocar música de otros.

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Hoy en día cuando ve que sus contemporáneos ya tienen casas, carros, buenos trabajos, recuerda aquella vos de su padre diciéndole “Vas a comer mierda” y le duele por dentro saber que un músico no puede vivir de su profesión. Se mira las ropas y se mira su propia existencia y la reprocha mas no se arrepiente, ni nunca lo hará, porque cuando un músico decide el camino del rock, lo hace sabiendo lo que le espera pero por alguna extraña razón uno nunca puede dejar de ser lo que el corazón manda que uno sea – comenta.

Son bastante unidos con los compañeros de su banda, comparten la vida, no solo la música. Pero como toda banda encuentra en la bebida y la fiesta el escape a la frustración de ser una gran banda y ganar poco dinero. La vida de sexo, drogas y rock n’ roll ha inspirado un montón de sus canciones.

Sabe y esta consiente que el músico no es una persona “normal”, que ve la vida de diferente manera que los demás, que no va a una oficina y que cosas

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que en otros ámbitos de la sociedad como por ejemplo fumarse un “porro” son normales dentro de la música e incluso le atribuye propiedades de inspiración, de apertura de puertas que de otra forma no se abrirían, y es cuando inevitablemente se vienen a la mente personajes como Jim Morrison y podemos pensar que el rock es un ciclo que se repite, la gran diferencia es que

en

estos

países

latinoamericanos

las

oportunidades para vivir de él son casi nulas.

Vive con su esposa y mantiene una relación de amor de músico y es esa relación en la que se demuestra que es en realidad amor. Cuando uno le pregunta ¿Cómo mantienes a tu esposa? El mira al cielo y con una sonrisa giocondesca cuenta que su esposa es ingeniera civil y gana muy bien y que ha sido ella el soporte de una carrera musical por la cual él, su esposo, está luchando. Nunca lo ha reprochado, así lo conoció, así lo ama y así lo apoya o al menos así fue hasta la separación.

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Carlos Díaz es una persona sencilla, inteligente y talentosa. Se mueve en todos lados como ese músico que busca de cualquier manera su felicidad y su supervivencia. Lo más impresionante de todo es que si le preguntas si aceptaría un trabajo donde le pagaran bastante dinero él contesta – si tengo que dejar mi banda, nunca lo haría- y es ahí cuando se tercia el bajo y sale al escenario a ser lo que es, un rockero.

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MAURICIO CORTEZ (Músico y dueño de San Francisco Café Bar) La pasión que se hizo Bar

Fotografía: Felipe Szarruk

No son pocos los músicos que recurren a negocios paralelos para poder sobrevivir, la mayoría coloca estudios caseros de grabación que con un poco de suerte crecen, otros comienzan a organizar eventos de manera independiente y muchos inician un bar.

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El bar siempre ha sido el sitio predilecto para músicos y público. Existen dos clases de bares de rock. El primero es aquel bar en donde las bandas tocan, donde se hacen conciertos de viernes y sábado y las bandas encuentran un espacio de expresión. El otro tipo, es el bar donde se reúnen los rockeros, a donde van a tomarse un trago o pasar un rato agradable.

Bueno, el pequeño Bar que fundó Mauricio Cortez no encaja en ninguna de estas dos categorías, es un pequeño local ubicado en el centro de Bogotá. Muy pequeño para convertirse en un lugar de conciertos y tal vez muy poco escondido para convertirse en la caverna de los rockeros. Sin embargo, el “Café San Francisco” es su refugio, en donde puede continuar con su pasión que es la música a la cual le ha dedicado la mitad de su vida y que de vez en cuando vuelve a sus manos cuando agarra una guitarra acústica y comienza a cantar. Él, tiene 32 años y el bar es su forma de vida.

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Creció en una familia de clase media y la música nunca estuvo presente en su formación, el único recuerdo musical que tiene de su familia es su abuelo, quien interpretaba un poco de música colombiana, pero su gusto apareció después, de la nada, empírico, motivado tal vez por el extraño sonido del rock. Lo más duro tal vez fue cuando anunció que quería ser músico y dedicarse a eso ante una familia compuesta por ingenieros, filósofos, políticos y otros que para nada aprobaban este camino.

Logró ingresar a la universidad a estudiar música después de pasar un buen rato preparándose para los exámenes, adquirir los conocimientos necesarios para que lo admitieran, y cuando por fin lo logro se retiró en octavo semestre, no porque él quisiera, sino porque la vida lo expulso de ese lugar. Hoy quisiera retomar ese camino y terminar lo comenzado. Su banda se llamaba “Contratiempo”, alcanzaron alguna notoriedad en el circuito underground de Bogotá, grabaron un disco y un video clip, obviamente

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financiado por ellos mismos, gastaron entre todos la cantidad necesaria para financiar su sueño y buscaron disqueras, apoyos y gente que les pudiera ayudar, pero las puertas no se abrían a pesar de que ellos pensaban que ya estaban listos para el ruedo. – En la portería de las disqueras nos decían ¡deje el sobre!cuenta frunciendo el ceño y dejando escapar una risa sarcástica. Cuando cuenta esto lo hace con rabia, como si los medios que les cerraron la puerta fueran los culpables de que no alcanzaran el estrellato, tal vez le da demasiada importancia al mundo espectacular del Rock, lo que se buscaba era exposición, no dinero. Generar un reconocimiento para un músico vale más que el dinero.

Se queja de la falta de apoyo económico en el país para los artistas, se queja de que a los músicos les toque pagar “payola” y menciona algunos casos conocidos e incluso cuenta como muchas veces se la han pedido a él. Cabe destacar que la “Payola” es una práctica ilegal la cual aún existe en Colombia, muchas

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veces disfrazada de favores o de actividades, pero aún está ahí presente.

Luchó tanto que se cansó de buscar los espacios comerciales, de buscar ese reconocimiento, de tratar de

cumplir

con

todos

los

requisitos

de

las

convocatorias, de llenar papeles y de hacer canciones, de gastar dinero propio en llevar sobres que dejaban en una esquina para por fin decidir abrir un Bar para poder trabajar y olvidarse de todas las ilusiones rotas.

Aprendió a tocar guitarra desde los 14 años en el colegio, allá lo hacía, siempre estuvo en él, incluso recuerda que quiso negar la situación de su gusto por la música para darle a la sociedad una oportunidad y para tratar de pertenecer al sistema. Estudió cine, se presentó a muchas carreras y finalmente nada de eso tuvo trascendencia, retomó la música y ahí se quedó para siempre.

Para Mauricio, buen dinero para una banda en un concierto es más o menos 5 millones de pesos, una

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cifra que pocos ganan en Colombia en una banda, a eso querían llegar. Uno de los golpes más duros como músico lo recibió de una disquera llamada Hacker Music quien les pidió dinero para sacar un disco y un contrato de exclusividad. Todo se perdió, el dinero, el contrato y el sueño.

Cuando le pregunto ¿porque después de tanto perder y perder sigue siendo la música su motivación?, el responde que la música es una absoluta satisfacción personal, que si dura tres días sin tocar la guitarra ya no estaría conforme con la vida, seriamente afirma que sería capaz de seguir sacrificándose por ella. El bar… el Bar es solo cuestión económica para sobrevivir.

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JAVIER HERNANDEZ (Dueño de Bbar, Gestor cultural) Cuando se abren caminos para los demás

Fotografía: Felipe Szarruk

Bbar lleva muchos años funcionando, antes con otros nombres y en diferentes partes de la ciudad. Bbar antes era el legendario KAOZ, un bar del centro de Bogotá.

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Nacido en Facatativá e inducido a los 12 años por un amigo al rock, dice que de ahí en adelante “le jodió la vida”. Ningún otro ritmo le gustó tanto, la demás música se le hizo patética, cuenta en la mitad de la barra justo en frente de una colección de música impresionante.

Se graduó de Economía en la Universidad Piloto en el 96 y ejerció cuatro años de lo que él considera “ser un pobre estúpido de traje viviendo por un sueldo”. Se encontró con su padre quien le dijo que tenía que ser independiente, pero serlo con lo que más le gustara, así pensó que lo que más le gustaba en la vida era el rock, y gracias a su papá decidió montar un bar, sabiendo que nadie podía vivir bien de eso.

Siempre le da gusto a sus clientes, tiene un televisor que hace ruido blanco y mientras sigue colocando la música que le piden cuenta que la motivación máxima para dedicarse al rock era poder vivir como quisiera, levantarse a la hora que quisiera, vestir como quisiera,

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así que decidió que la motivación era mucha y las ideas sobraban.

Se reúne con dos amigos que trabajaban con él en una empresa de electrodomésticos en donde era el jefe de créditos; así, a créditos gestionados por el mismo, sacó todos los electrodomésticos para colocar un bar de tres mesas. La inversión no era mucha, pero la gana era total. Así inicio su primer bar en Fontibón, el primer video que puso en su vida como dueño fue “Big Ones” de Aerosmith.

Peleó, luchó, se cambió de sitio y revolucionó por el Rock y por qué los bares pudieran ser escenarios de expresión como deben ser, como en otros países. Era asiduo a los conciertos de Bogotá y los seguía, de hecho Javier es amigo de la mayoría de los protagonistas del movimiento Rockero nacional. Bbar es la casa de los Rockeros, ellos no van ahí a tocar, van a beber, hablar, jugar Póker y divertirse.

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Javier ha sido el gestor de muchas cosas buenas en la escena, por su tarima han pasado más de 600 bandas, él se ha convertido sin serlo en un músico respetado.

Paso épocas duras, la locura de la juventud lo llevo a quebrar varias veces, sexo, drogas y alcohol, dice, no por el rock, el rock seguía vigente. Después de levantarse de una depresión y de no tener un peso, retomó las fuerzas y consiguió dinero para montar lo que hoy es su negocio, esta vez con la convicción de que iba a vivir del rock e iba a dejar atrás toda esa basura que le lleno la cabeza.

- ¡Usted es el único estúpido que ha vivido 16 años del rock!- le dijo un personaje de Radio alguna vez. Y se va riéndose hacia donde un cliente que le pide otra cerveza mientras escuchan la banda que está tocando en la tarima.

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RICHARD DUQUE (Tatuador, dueño de Gotink Tattoo) El Rock que se lleva en la piel

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Tiene 43 años, viene de una clásica familia Bogotana, casado, con dos hijas adolescentes también amantes del Rock, su presencia intimida, es un hombre que se nota, que sobresale.

Comenzó desde niño a escuchar bandas, fue primero el Rock que los tatuajes. Dice que las dos van de la mano. El veía que el estilo de vida del Rockero era muy libre, le gustaba los cabellos, las pintas, etc.

Se hizo su primer tatuaje el mismo a los 18 años de edad, tiempo para el cual ya llevaba dos años tatuando. Encontró un diseño que simbolizaba la unión de la mujer que fue su esposa durante catorce años.

Ha encontrado rechazo de la sociedad, pero hoy en día cuenta que ha tatuado a ingenieros, abogados, políticos, militares y que hoy en día ya no es Tabú aunque aún hay personas que lo rechazan y sitios en donde hay más de una mirada encima, ya no le importa, nunca peleó por esto, cree que la tolerancia es la base de una sociedad avanzada. Él es muy

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independiente, muy “Él”. De hecho conoció a su esposa por que llego a tatuarse con él.

Su pinta es totalmente opuesta a su mente un poco conservadora, es un buen empresario y es un buen padre, de hecho Richard es casi un intelectual y un filántropo. Ha logrado amasar un negocio estable en una de las mejores zonas de Bogotá y es uno de los artistas del tatuaje más respetados.

Su familia lo ha visto como un bicho raro, pero finalmente el apoyo estuvo ahí a través de su mamá y su padre se fue acostumbrado, ahora lo ven más como un empresario que como un loco, y se acuerda de cuando quería callarle la boca a los que nunca creyeron en él. Así que ahora vive del Rock y más de uno quedó callado.

Dice que le gusta vivir bien, que no le gusta tener una vida normal, él es tal vez más rockstar que los propios músicos, los dos requisitos que dice cualquier profesional debe tener son: uno, ser bueno y dos, ser

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organizado y tener visión, eso sumado a los sueños es lo que hace que se logre todo lo que uno quiere.

Gotink Tatto, su empresa, es un negoció reconocido y estable en Bogotá, un local ubicado en uno de los sectores exclusivos de la capital. El mismo se coloca sus horarios, es su jefe. Cuenta que su vida se divide en tres partes: sus hijos, el trabajo y el Relax, cada parte tiene sus reglas, sus tiempos y sus espacios. Organización que envidiaría cualquier empresario.

Sube la cabeza y mira con orgullo cuando se define como “un artista” y comienza a hablar de los valores morales que tiene bien arraigados con su familia y sus hijas, a quienes les ha enseñado a ser personas de mente abierta y tolerantes, incluso una de ellas se ganó un premio y fue a representar al país en Londres en un certamen de arte.

Ricardo es un generador de empleo, un empresario y dice que si volviera a nacer, sin pensarlo optaría de

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nuevo por la vida que ha llevado. Un Rockero que pinta notas en la piel.

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Agradecimientos:

Le dedico primero que todo este trabajo a todos los músicos

de

corazón

que

a

diario

luchan

en

Latinoamérica por salir adelante en una industria inexistente y carente de seriedad, la cual entre todos estamos tratando de cambiar. Quiero agradecerle a todas esas bandas amigas que si hiciera acá la lista sería interminable. El rock nuestro es increíble. Agradezco también a los colegas periodistas del rock y del espectáculo, a quienes se lo toman en serio.

Gracias a

la gente que sigue Subterránica y que

siempre está pendiente del acontecer del rock. A mis amigos, mi esposa, mis hijos y a Dios (el mío).

Quiero darle gracias especiales a los que me han motivado a hacer esta investigación, todos aquellos que han tratado de mancillar y destruir el rock nacional con sus actitudes y sus posturas hegemónicas. Gracias a ellos, porque sin ellos no habría resistencia, ni revolución.

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Felipe Szarruk (Bogotá, Colombia, 1 de mayo de 1975) Músico, comunicador social, actualmente es Maestrante es Estudios Artísticos de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, Facultad de Artes ASAB en la ciudad de Bogotá. Gestor cultural e investigador descendiente

en de

rock.

Nacido

palestinos,

en

tiene

Colombia, nacionalidad

salvadoreña, es actualmente uno de los abanderados de

la

música

independiente

en

Latinoamérica,

reconocido por ser el fundador del movimiento Subterránica que se dedica a la creación de espacios de reconocimiento, circulación y difusión de bandas de rock y por haber propuesto en la primera década del siglo XXI un modelo de autogestión para músicos basado en nuevas tecnologías de la información. Cursó

estudios

de

música

y

arte

dramático,

comunicador social de la UNAD de Bogotá, se ha desempeñado en varios campos del arte y la comunicación comunitaria para el desarrollo, así como en medios de comunicación, intérprete y compositor en sus proyectos musicales.

Felipe Szarruk


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Como músico ha editado ocho trabajos de los cuales algunas canciones han alcanzado primeros lugares en diferentes listas de Latinoamérica, uno de sus temas más conocidos es Cara Bonita que llegó al número uno durante varias semanas en El Salvador y fue el tema número 11 de las 111 mejores del año. Así mismo Una entrevista con la muerte, Ella, Tito Tambor. Szarruk reunió algunos de los mejores exponentes del rock para grabar las dos versiones de “Una Canción por la Paz” tanto en El Salvador como en Colombia y bajo este sentido de La Paz en 2014 produce el intento del artista Alejandro Parra por romper el Guinness Record Rock por la Paz el cual fue exitoso y se repetirá en 2016.

Es

el

compositor

de

la

primera

Ópera

Rock

Colombiana Margarita y Fausto, estrenada en 2006 en el Teatro La Libélula Dorada y el Teatro La Mama en su segunda temporada. Le siguieron una participación en el Festival Iberoamericano de Teatro (V.I.A). El disco de la Ópera rock fue lanzado en 2013 con ocho cortes de los dieciséis que componen la obra

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completa. Szarruk ha tocado en diferentes escenarios en Colombia, El Salvador, Guatemala y Estados Unidos.

Con Subterránica ha realizado entregas de premios en Centro y Sur América, así como concursos, ruedas de negocios, conciertos y producción de medios, fue la primera estación On Line en Colombia fundada en Mayo 5 del 2015. Subterránica fue un éxito radial en El Salvador en Radio Femenina 102.5, actualmente Subterránica es uno de los gestores más importantes y activos en el desarrollo del rock en español y en 2016 se establece también en Nueva York para apoyar la escena rock en español de Los Estados Unidos bajo el nombre de Subterránica USA.

Se ha destacado como locutor de las estaciones Cool 89.3 y Radio Femenina de El Salvador, como presentador del programa Revelados en Canal 13 Colombia, productor y guionista, editor del Periodirock y colaborador de varios medios escritos, docente y conferencista. Es autor de varios libros entre los que

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destacan “Recursos Independientes, Autogestión y nuevas tecnologías para músicos” en el cual se basa todo el modelo de autogestión y los libros de ficción: Mantequilla, El Monologo de un psicópata y Paula vino del cielo.

Su cortometraje El monólogo de un psicópata fue estrenado en la cinemateca distrital de Bogotá, recibió una mención de honor en Los Premios Hormiga de la UNAB

(Bucaramanga)

y

fue

nombrado

mejor

cortometraje de la muestra del centro de estudios de la imagen en Bogotá.

En las artes escénicas ha actuado en producciones de TV

como

Fuego

Verde,

La

oficina

del

Amor,

Indagatoria, Sin Límites, Padres e Hijos y en teatro en montajes como Sueño de una noche de verano, El Monte Calvo, Margarita y Fausto entre otros.

Viajero e investigador artístico, colabora con varios entes privados y gubernamentales en el desarrollo de políticas y movimientos para el desarrollo del arte, por

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eso en 2011 funda la Asociación de músicos independientes de Colombia AMIC y la Fundación Latinoamericana para el desarrollo del arte L.A. Rock Subterránica.

Es

organizaciones

miembro

artísticas

y

activo ha

de

varias

recibido

varios

reconocimientos, entrevistas y menciones. Con AMIC edita un compilado anual de bandas independientes.

Szarruk propuso en 2005 un modelo de gestión independiente en el cual afirma que el músico no necesita

de

la

maquinaria

a

la

que

estaba

acostumbrado para poder tener una carrera mientras su verdadera meta sea la producción artística y que hay que dejar atrás esa dependencia estatal con la cual

el

rock

investigación

no se

comulga centra

en

por la

naturaleza,

su

importancia

del

reconocimiento del rock en español cómo género.

En agosto de 2013, Felipe Szarruk toma una pausa en su

carrera

solista

para

fundar

su

agrupación

REPXBLICA DE CXERVOS, una banda de rock que usa el odio y otros sentimientos como motor creativo,

Felipe Szarruk


Autogestión, recursos independientes y nuevas tecnologías para músicos

la banda publicó un solo sencillo que fue nominado en dos conteos como canción del año fueron nombrados como la banda del mes en Superestación. La banda lanzará su álbum debut a finales de 2016 bajo a producción del músico Jorge Vanegas (Vulgarxito, Vanegas Blues).

Durante 2015 y 2016 Szarruk ha continuado realizando las entregas de premios Subterránica que cumplieron 10 años en Colombia, estableció Subterránica en USA. Ha dictado varias conferencias en Universidades de todo el país como UNIVALLE, UNIMINUTO y en componentes

académicos.

Szarruk

también

está

terminando su investigación LETRAS EXPLICITAS: RECONFIGURANDO EL POP COLOMBIANO con la cual piensa obtener su grado de Magister en Estudios Artísticos en 2017.

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Discografía

1998: El cielo se abre. (San Blanco Producciones) Colombia. Productor: Jorge Arias. Estudios San Blanco. 1999: Aquí están los ladrones. (Momia Negra Records) Colombia. Rareza. Edición en Cassette. 2000: Everything Hurts. (Momia Negra Records) Colombia. Producido por: Sergio Conti. Conti Estudiós. 2001: Dulce Violencia. (Audio Mágico Digital) El Salvador. Estudios Audio Mágico. 2005: Don´t worry be... hippie. (Neón Music) El Salvador.

Producido

por

Roberto

Salamanca.

Salamanca Estudios. 2007: El Mágico Jardín donde jugaban las lesbianas flores azules (Neón Music) El Salvador. Producido por Roberto Salamanca. Salamanca Estudios. Reedición en Colombia Subterránica L.A.Rock. 2010: Trinidad (Subterránica L.A.Rock) Colombia. Producido por Iván Vasquez en ISound Estudios.

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2012: El eléctrico viaje del Dr Mattó (Subterránica L.A.Rock) Producido por Felipe Szarruk. Rareza. Solo en Internet. 2013: Margarita y Fausto Ópera Rock (Subterránica L.A.Rock) Producido por Charlie Marquez. Arcade Estudio. 2015: Así ha sido (Compilado) 1996 – 2015 2016: ROCK (REPXBLICA DE CXERVOS) Producido por Jorge Vanegas, grabado en Input Estudios Bogotá. (Subterránica, LA ROCK)

SENCILLOS:

Fantasmas en el sótano (2015) Seventh Level Records. SANTA FÉ (2015) Junto a Elsa Riveros (Pasaporte y Rafa Escandón de los Poetas Ácidos) AMEBA RECORDS. Tributo al Rock Colombiano (2014) Ameba Records. Varios Artistas.

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EP

Rockstar. (2009) Grabado en Estudi-On, Salamanca Estudios y Audio Factory. (Canción por la paz y lados B)

Compilados

Rock Independiente Arriba AMIC. (2011) Producido por la Asociación de músicos independientes de Colombia AMIC. Compilado de bandas Colombianas. Rock Independiente Arriba AMIC Vol II. (2014) Producido

por

la

Asociación

de

músicos

independientes de Colombia AMIC. Compilado de bandas Colombianas. Rock Independiente Arriba AMIC Vol III. (2015) Producido

por

la

Asociación

de

músicos

independientes de Colombia AMIC. Compilado de bandas Colombianas. Rock Independiente Arriba AMIC Vol IV (2016) Producido

Felipe Szarruk

por

la

Asociación

de

músicos


Autogestión, recursos independientes y nuevas tecnologías para músicos

independientes de Colombia AMIC. Compilado de bandas Colombianas.

Libros

Mantequilla Novela. 2002 El monologo de un psicópata Novela Corta 2008 Trinidad. 2010 La calcinación de mi cuerpo la ebullición de mi alma Poesía 2004 Dos de mí. 2012 Parce, voy a matar un man Teatro. 2011 Recursos

independientes,

autogestión

y

nuevas

tecnologías para músicos (Primera edición 2011)

Referencias

Revista Shock Colombia (2006). «8+1 cañonazos nacionales». Shock. Barraza, Joel (2002). El Salvador Sube al escenario. San Salvador, Independiente. 0011.

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Festival Iberoamericano de teatro de Bogotá (2006). Manual de VIA (Ventana Internacional de las artes). Bogotá, Colombia, festival iberoamericano de teatro. página 58. Chain, Eugenio (2008). Premios Subterránica. Revista Rolling stone. The Szarruk Project. Wilson, Pablito (2013). Rock Colombiano 100 discos 50 años. Ediciones B. Trinidad.

Para una lista completa colocar Szarruk o Subterránica en los buscadores.

Enlaces

http://szarruk.blogspot.com http://www.subterranica.com http://www.subterrancausa.com http://amiccolombia.blogspot.com

Felipe Szarruk


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PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS EN MÚSICA 

Ganador del concurso de la X en 1992 y finalista en las notas Radioactiva del mismo año. Palacio de los deportes de Bogotá.

“Maldita Juventud” canción número uno en La Mega Bucaramanga.

Invitados

Especiales

al

festival

Bucaramega Rock en 1999. 

Ganador del concurso nacional de Composición de la Universidad Nacional UNAD en 2011 con “Libertad”

Finalista en Hard Rock Rising 2012 y en Viva Rock Latino el mismo año.

Ganador de Superbanda del mes en Julio del 2014 en Superestación FM con Repxblica de Cxervos

Conciertos en vivo en Colombia, USA, El Salvador, Italia, Israel, Guatemala.

TRINIDAD reseñado como uno de los mejores 100 discos del rock Colombiano en el libro ROCK COLOMBIANO 100 DISCOS – 50 AÑOS ediciones B.

MARGARITA Y FAUSTO es la primera ópera rock en ser escrita por un colombiano, se estrenó en 2006 en

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el teatro La Libélula Dorada y una segunda temporada en el teatro La Mama. 

Fundador de la primera estación de Radio On Line de Colombia en mayo 5 de 2005. Subterránica.

Festivales:

Florida S.W.Rock & Arte (Naples USA), San Salvarock (san Salvador), Guanacos Fest (San Salvador), Playa Pilsener (La Liberta y litoral El Salvador), Budwaisser One Night Stand (San Salvador), Premios Subterránica Colombia y El Salvador, Subterránica Summer Fest (Bogotá), Exporock Bogotá Ciudad Rock (Bogotá)

LISTAS,

CHARTS

Y

RECONOCIMIENTOS

INDIVIDUALES DE CANCIONES 

“Cuando Muera” Top 5 en la lista de Radio UFG El Salvador, más de 16 semanas en listas en el TOP Viva Colombia en 2010.

“ELLA” #SZARRUK del disco TRINIDAD. Más de 25 semanas en el top de la lista de medios “Viva Felipe Szarruk


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Colombia”, Dentro del TOP 10 de la Radio UFG de El Salvador, dentro del TOP 10 de EMITC La Salle, video ganador de la convocatoria de videos Rock al Parque 2012, Video en el Top 5 del canal K Music en Colombia. Una de las que más nos gusta. Y el disco completo

fue

reseñado

dentro

del

libro

Rock

Colombiano 50 años – 100 discos de Pablito Wilson. 

“Tito Tambor” Número uno en MTV Ourstage, finalista entre las cinco mejores del concurso de Warner Chappell-Rock al Parque en 2013. La canción fue parte de la banda sonora de la serie de FOX Internacional DIVORCIADOS.

“OCTUBRE” Top 5 en la los 10 mejores de EMITC La Salle

“#Manifesto” Top 9 en la lista de EMITC La Salle, número uno a nivel local y nacional en el portal Reverbnation. Nominada a canción del año 2014 por EMITC La Salle.

“CARA BONITA” #SZARRUK del disco "El mágico jardín donde jugaban las lesbianas flores azules" La canción se posiciona número uno en el Top 10 de Radio Femenina El Salvador, al igual Top 10 en la Felipe Szarruk


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ABC y en todas las estaciones del país. La canción finalizó el año como Número 11 de las 111 mejores del año. 

“Una Entrevista con la muerte” Número 9 en el Top 10 de Radio Femenina 102.5 y número 70 en las 11 del 11 del 2003

“NIÑA” del disco "El mágico jardín donde jugaban las lesbianas flores azules" La canción entra de una vez al número 7 del TOP 10 y avanza hasta llegar al número 3, ese mismo año queda en la posición 30 en las 111 mejores de año. La canción hace parte de la banda sonora del cortometraje El Monólogo de un psicópata.

“SZARRUK” Número uno a nivel local y nacional en Reverbnation con Trashumante en 2014.

PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS EN OTRA ÁREAS 

“El Monólogo de un psicópata” Mejor cortometraje en El Centro de Estudios dela imagen 2006, Premios especial “Mención fuera de concurso” en los Premios Hormiga de la UNAB (Bucaramanga) en 2007

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“Margarita y Fausto Ópera Rock” Invitado especial a la ventana internacional de las artes VIA en el Festival Iberoamericano de Teatro 2006.

Reconocimiento especial del club de oyentes de Radio Femenina (El Salvador) por la labor cultural en el país centroamericano.

Subterránica ganador de la convocatoria del distrito y la OEI para el potenciamiento de empresas culturales.

Puesto número 7 en los mejores exámenes Saber Pro de Educación Superior a nivel nacional.

Subterránica finalista de la convocatoria de Empresas Creativas en Zaragoza España de la Organización de Estados Iberoamericanos.

Subterránica reseñado en el libro “El Salvador, el Rock sube a los escenarios” de Joel Barraza.

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Fundación Latinoamericana para el desarrollo de las Artes L.A.Rock Subterránica director@subterranica.com

2015

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