Bufe (3)

Magazín de Cultura

Francisco Molina

El ego te hace perder creatividad

Performance El cuerpo en subversión Juanita Paz Saavedra

Sensaciones Humanas Conversa con

Leyla Selman y Rodrigo Pérez Desarrollo Cultural Pencopolitano

La Mirada de los Creadores

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Septiembre 2012

Bufé

ISSN 0719-255X

Flotando en aguas turbulentas…

La sociedad chilena está viviendo momentos de convulsión. Si hacemos un análisis geográfico, literalmente, de norte a sur y de cordillera a mar, existen focos de presión social y de protesta.

Litio, cobre, educación, insalubridad en la producción masiva de alimentos, reivindicaciones de etnias, propiedad de las aguas, hidroeléctricas, Ley de Pesca -por nombrar algunos- han sido y están siendo fuentes permanentes de tensión. Común denominador: conflicto entre la sociedad y los agentes económicos de crecimiento. Protagonistas: medios represivos públicos y privados, “indignados” cada vez con menos miedo, y las finanzas sobrevolando rapaz y avaramente nuestro patrimonio.

Director Felipe Oliver Director de Contenidos Barrenechea Gutierrez Comite Editorial Barrenechea Gutierrez Rodrigo Pincheira Editor Johann Borquez Periodistas Carolina Lara Cecilia Ananias Rodrigo Pincheira Diseño Felipe Oliver Fotografía Bufé Raúl Gutierrez Keka Paredes Carla León Fotografía portada Claudio Quiroz Alperoa_THELUZ D SPACIoS (VELAS ACTIVAS), Concepción 2012 Columnistas Elvert Durán Oscar Vivallos Boris Muñoz Camila Contreras Hermann Eikhof Móvil Colectivo Imprenta Impresos Trama S.A. Bufé 09 882 99 423 / 09 921 94 904 contacto@bufemafazin.cl / bufemagazin@gmail.com www.bufemagazin.cl 1.500 ejemplares de distribución gratuita Bufé Magazín de Cultura no comparte, necesariamente, las opiniones y puntos de vista expresados en esta publicación, de los cuales son responsables sus

Entre la magia y la tragedia que envuelve este contexto de agitación, situados al centro geográfico de nuestro país, surge el cuestionamiento del rol que deben jugar los medios de comunicación en coyunturas de cambio social como la que estamos experimentando. Sin duda que la efervescencia ha sido un catalizador de iniciativas y es grato ver como se han poblado los quioscos de un sinnúmero de interesantes publicaciones que abordan temas relacionados con el acontecer socio-cultural de nuestro país y región. Desde El Desconcierto, La Mocha, R 8, El Residente, por nombrar algunos, se está cumpliendo con el “hacerse cargo” de una realidad que no nos acomoda y queremos modificar.

A la vez, resulta criticable el mensaje-pomada que pretende “vendernos” un periódico que adoptó como suyo el nombre de uno de los ingredientes de la ensalada “a la chilena”.

Las expresiones artístico-culturales son parte de la trinchera y los medios de comunicación tenemos la obligación de adoptar una postura.

Hay que provocar, estamos en tormenta.

Columna

LOS TRASPLANTADOS: ARTISTAS VISUALES CHILENOS EN BERLIN

Un pueblo que no reconoce tempranamente a sus artistas, se priva de alcanzar las elevadas trayectorias del espíritu

Oscar Gabriel Vivallo Urra

Los he ido conociendo de a poco y a más de alguno lo conozco desde antes. Llegaron a Berlín por distintas razones, desde Temuco, Valparaíso o desde otras urbes. Llegaron incursionando en un oficio que en Chile, salvo por pequeños momentos de relativo reconocimiento, la mayoría de las veces obtuvo como recompensa el “quedarse pelando la cebolla”. Son excepcionales estos “transplantados”. Son talentosos, técnicamente consistentes y no le hacen asco al trabajo. Muchos de ellos aprendieron alemán tomando cursos y conversando en las calles o donde pudiesen enhebrar alguna frase germana coherente.

Poco a poco la sorpresa los invadió ante lo evidente.

Comenzaron a mirar el propio suelo desde afuera, desde la cotidianeidad del otro país donde ahora residen. Es que acá, independientemente del estrato socioeconómico de proveniencia, de la región de origen o de las diversas historias de vida, para las chilenas y chilenos que arriban a la capital alemana ocurre algo así -recurriendo a conceptos criolloscomo un “emparejamiento de cancha”. Alguien dijo por ahí que el fascismo se cura leyendo y el racismo, viajando. Yo diría que el clasismo se cura un poco en Berlin, en la austeridad del día a día, aguzando el ojo en las calles y en la gente de una ciudad que ha vivido el paraíso y el infierno, durante su accidentada historia.

Una de las pocas cosas de las cuales tengo una relativa certeza, es que la percepción de cualquier circunstancia depende completamente de la posición desde la cual se la mira. Desde el apego a una creencia o desde su desapego. Desde la quietud interna o desde la ebullición de las pasiones. La perspectiva tras la cual se miran las cosas puede ser explicable en muchos contextos, pero también es un estado de conciencia. Acá surge lentamente

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la percepción de que se está transplantado, de que los espacios habitados son prestados, de que lo que creemos de nuestra propiedad es una ilusión. Así, nos vemos obligados a contemplarnos más allá de la artificial clasificación social a la que recurríamos en Chile. El esfuerzo del transplante nos hace transgredir el valor espurio de las credenciales, para revelar a los demás nuestra propia humanidad. Ese es el “emparejamiento de cancha”, aplicable a cualquier parte de este mundo.

Creo que la diversidad berlinesa irriga tanta creatividad chilensis, pero ahora transplantada en otra habitación terrestre. ¿Cómo no transmutar en una ciudad que alberga a más de ciento veinte nacionalidades, en sus tres y medio millones de habitantes? Pueden hacer un pequeño esfuerzo y googlearlos, si lo desean: Francesca Mencarini, Francisco Rozas, Pablo Ocqueteau, Mónica Segura, Marcela Moraga, Carmen Accorsi y Christian Demarco, entre otros chilenos que han potenciado su trabajo a trece mil kilómetros de su terruño. Desconocidos en Chile, pero muy lentamente reconocidos en la escena berlinesa, han debido romper sus propios esquemas mentales para plasmar, en sus nuevas obras, la espléndida evidencia de su evolución personal y artística.

Lamento que en Chile todas ellas o ellos hayan experimentado-ante su oficio- la gélida indiferencia social o la tenue y fugaz atención de un público cercano pero reducido. Un pueblo que no reconoce tempranamente a sus artistas, se priva de alcanzar las elevadas trayectorias del espíritu. Se queda ahí, paralogizado, cautivo de las cadenas de una única forma de auscultar el mundo, y que por eso mismo, deja de ser mundo, para convertirse inexorablemente en una absurda y miope prisión mental. B

Columna

DENOMINACION DE ORIGEN VS IDENTIFICACION GEOGRÁFICA

si pudiéramos hacer una cazuela o algún brebaje que nos represente en un contexto mercantilmente globalizado, nos guste o no, lo típico chileno muchas veces se diluye en una caldo bastante híbrido, mestizo, complejo, y ¿originario?

Elvernacular

Mientras Chile vuelve a celebrar su cumpleaños, con olor a asado, pulmay y choripanes con “longa chillaneja”, sus respectivas empanadas, bailando cueca (o intentando hacerlo) y mucha cumbia para bailar con una piña en la cabeza, en este ambiente “endieciochado” en más de alguna cantina un roto chileno se arreglará el bigote con un apetecido “pipeño de Güariligue” para más tarde -entrando a tierra derecha- con una piscola en vaso “Campeones”, discutir bizantinamente de quién es el pisco: chileno o peruano.

En pocas palabras, Shilenidad pura! Escarbando entre un reciclado de tradiciones heredadas y adaptadas a nuestra pinta…. denominando nuestro origen. Si pudiéramos hacer algún brebaje que nos represente en un contexto mercantilmente globalizado, lo típico chileno se diluye en un caldo bastante híbrido, mestizo, complejo y ¿originario?

El concepto “origen” es complejo y ambiguo, pero podemos entenderlo como la memoria colectiva de cierta comunidad: lugares, hábitos, costumbres, percepciones, creencias, técnicas y habilidades, entre otros factores que se han establecido y marcado un precedente “identitario”. Estas expresiones tangibles e intangibles, han construido y siguen modificando los pilares donde se funda la cultura de una sociedad.

Según el INAPI (Instituto de Propiedad Intelectual) la “denominación de origen” protege productos originarios de un país, región o localidad que tengan una calidad o reputación imputable a su origen geográfico. Son una especie de “sello de garantía de calidad” al consumidor nacional e internacional. La pregunta es: ¿cabe la idea de mercantilizar lo originario

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y típico de nuestra gente? ¿Es posible un balance socioeconómico y cultural de lo que muchas veces termina en aberraciones culturales o una caricatura de lo que originalmente es? ¿Recibirá algún royalty la comunidad mapuche, de parte del “navegante italiano”, por cada sobre de Merquén?

El concepto acuña lo vernacularmente identitario en términos de procedencia, maneras y modos.

En otras culturas esto recauda suculentas divisas, genera empleo y re-valorización de lo identitario.

Aunque cuesta creer que la comida china es y haya sido verdaderamente cantonesa, lo mismo el sushi, el tequila, y la sucesión de vinos para elegir. Así, “los consumidores de origen” se debaten entre la autenticidad y sus gustos particulares.

Nuestro “Chilito” no se ha querido quedar atrás, y luego de una arremetida de la industria del vino, seguida de la disputa por el “pisco” y el limón de Pica en abril de 2010, la preocupación de los estamentos gubernamentales busca redescubrir y potenciar dichas denominaciones a través de una selección de 60 productos con “Sello Origen”, algo así como la selección chilena de las denominaciones.

Aun cuando el tema ha sido vapuleado por ser un tópico susceptible -hay quienes creen que las tradiciones y el patrimonio deben mantenerse intocables- también existen aquellos que ven una oportunidad de crecimiento endógeno, que catapultaría productos representativos de calidad y dentro de una economía de escala, con posibilidades de competir en el exigente y despiadado contexto global. ¿Y Ud.?... ¿De qué parte está? B

EL EGO TE HACE PERDER CREATIVIDAD

Pancho Molina Rodrigo Pincheira Albrecht / Fotografía Raúl Gutierrez

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Está claro el músico penquista que vive hace ocho años en Estados Unidos. Su energía la está dirigiendo hacia proyectos en el jazz, en el rock o tocar con músicos de distintas nacionalidades.

Una vez más de vuelta en la ciudad, para el baterista el diálogo es fundamental entre los músicos de una banda. Tanto que sentenció: “Con Los Tres la comunicación de repente se fue a la mierda”.

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E

stos

últimos

años

está

volviendo

a

Concepción más seguido. Pero Pancho Molina está enamorado de Nueva York donde vive desde hace dos años y ya suma ya ocho

años en Estados Unidos. Comenta que su ciudad natal está muy cambiada pero no le gusta decir que está fea.

“Tal vez somos así”, sentencia el ex baterista de Los Tres y de Pancho Molina y los Titulares.

Los preparativos para esta conversación fueron la noche anterior tras bambalinas de la sala de Artistas del Acero donde Molina junto al saxofonista Agustín Moya, la pianista Carmen Paz González y el contrabajista Rodrigo Galarce cautivaron a una sala llena que quería a todas luces escucharlo de cerca y con admiración.

Después la música siguió sonando hasta la madrugada

Y qué es lo más te gusta de la Big Apple?

Toda la escena musical no solamente la del jazz. Lo fácil que es hacer música, la enorme información que circula, las oportunidades, la gente que conoces. Como la música es un lenguaje universal tienes que estar en una ciudad donde se hablen todas las lenguas y ese lugar es ahí. Eso me apasiona.

No sólo estás dedicado a tocar jazz sino que vas a todas?

Toco de todo. Gracias a que tengo una buena formación en música popular esto me permite moverme en distintos circuitos. Voy a matrimonios, bautizos, etc.

Y también estoy tocando música original con jóvenes jazzistas de América Latina o de otros países. Es muy interesante esto.

en el Roomba y a la mañana siguiente está dispuesto a hablar de todo, ahora que el tiempo parece haber sanado algunas heridas del pasado, su energía está puesta en otros asuntos, como su disco grabado en Estados Unidos “Open for bussines” y parece que la música la está escuchando desde otra perspectiva.

Su trabajo ha desbordado el jazz y sigue vinculado al rock con una banda que lidera un músico hindú.

Reconoce que no está tan pendiente de la música chilena, aunque le gusta lo que está haciendo Manuel García.

Del lado de aquí y del lado de allá Qué te pasa ahora que estás volviendo más seguido a tu ciudad?

Me he llegado a preguntar como sería volver a vivir acá.

Es especial porque toda mi familia vive aquí, y ayer escuchando a la banda que tocó antes que nosotros sonaba muy bien, veo como la punta de un iceberg y te das cuenta que hay movimiento cultural. Aparece ese sentimiento medio naif de pensar en volver especialmente porque mi papá está muy enfermo y tengo que estar más cerca de él, pero al mismo tiempo estoy enamorado de Nueva York donde están pasando cosas también. Es un momento medio complicado para mí y me cuesta.

Y cuándo estás allá, nostalgias a Concepción?

Vivo en Estados Unidos hace ocho años y en Nueva York estoy pasando por un proceso en que me siento muy afortunado de estar ahí. Esa ciudad me está dando mucho aunque es un lugar que te propone desafíos.

Quizás en un momento diga ya basta y piense en regresar. Pero estoy tranquilo por ahora, cuando pase, ahí veré.

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Abriendo el negocio Y de qué manera estás moviendo tu disco “Open for Bussines”?

Como a mí no me conoce nadie estoy empezando mi trabajo con la prensa y todo lo que eso significa. Si te aplicas tienes tribuna y si muestras una propuesta de ideas frescas y originalidad te puedes abrir un espacio.

El circuito del jazz es chico pero si trabajas puedes lograr algo. Estoy apostando a eso.

Esto tiene que ver con el título del disco “Open for bussines”, literalmente abierto a los negocios, o abrir la mente?

Llevo 25 años en la música, he aprendido un montón

y haber trabajado con grandes músicos como Danilo Pérez, Daniel Bermejo o Fernando Huergo, todos de alto nivel, pero me olvidé que había que hacer prensa y coordinar muchas cosas ahora que todos somos independientes porque casi no hay sellos discográficos.

Las campañas dependen de ti porque nadie te va a pedir que grabes un disco. Si lo miramos fuera de la música esto está sucediendo en la sociedad con los indignados, los okupas. Es decir tener autonomía y luchar contra el sistema como lo que sucedió con los estudiantes aquí. El título del disco también se refiere cuando hay un negocio que se está abriendo y ves a los maestros que están trabajando hay un letrerito que dice en la ventana: Open for bussines. Y es también una broma musical que tuvimos con Elías Meister (el guitarra de su quinteto) mientras chequeábamos unos temas

idea que hice en Boston. Fue lo primero y descubrí que podía hacerlo. Luego vinieron las enseñanzas de Danilo Pérez. Con él nos sentábamos frente al computador y al teclado y me mostraba el material de su disco Panamá Suite. En su casa veíamos el score entero, toda la partitura. Fue algo impresionante. Un proceso largo y después me invitó ó a tocarlo en su banda. A partir de ahí comencé a escribir poniendo énfasis en los ritmos latinoamericanos más que afro-cubanos.

Le puse atención a la música peruana y uruguaya. Y empecé a reescuchar a Los Jaivas. Entonces solté todo y busqué la improvisación también. Lo que uno quiere decir es mostrar el proceso de aprendizaje en la música y el viaje interior que Danilo me hizo hacer con el reconocimiento hacia la música latinoamericana.

Cómo se logra abrir un espacio en la música y decir este soy yo?

Con cojones, man. Una de las cosas que he aprendido en mi vida de músico es que si no tienes cojones no tienes la base para plantear nada. Es la confianza interior. Nueva York es un lugar que te pone en esa perspectiva cuando te encuentras a diario con músicos en que no quieres tocar como Miles Davis. Una vez tuve que ir a pedirle prestada a la batería a Jack DeJohnette, imagínate. Nadie lo iba a hacer por mí. Y me prestó la batería. Después mientras tocaba vi que él estaba tras bambalinas mirando como lo hacía. No podía tocar como él en ese momento. Tenía que ser yo mismo.

me preguntó dónde estaban los solos, los acordes y le dije que ahí estaba todo. Y me contestó: Open for bussines. Como diciendo estás listo para todo.

En la carátula del disco hay un guiño chileno ya que pusiste una foto de un chinchinero?

El Leo Genovese (tecladista de su banda) el año pasado vio un chinchinero en Santiago. Era un tipo buenísimo que deslumbró a mi amigo y me dijo: está todo pasando ahí. Luego Silver Salas, fotógrafo de Valparaíso, me pasó esta imagen. Pero también el open tiene que ver con que está pasando con el chinchinero.

Qué te interesó decir en este disco?

Son diferentes etapas, por ejemplo Samurai Tales es una

En el jazz no sientes un estancamiento, cómo que faltan ideas más provocadoras, innovadoras, todo es muy parecido?

Es cierto. Tal vez esto tenga que ver con lo que sucedió a fines de los noventa con el estado de la industria musical. La última generación que hizo una propuesta innovadora en el jazz fue la del pianista Brad Meldhau, el guitarrista Kurt Rosenwinkel o Mark Tunner, que todavía están tocando en Nueva York. Cuando llegué a Boston hace ocho años unos músicos me dijeron que había llegado en un momento bien difícil en la música porque no estaba pasando nada. Eso me hacía sentido con lo que yo había escuchado: música aburrida, falta de originalidad y de energía. Faltaba algo real. Esto mismo lo escuché en Chile. Los músicos que fueron de sellos importantes como Claudia Acuña, que era de Verve, tuvieron que asumir que esto había cambiado. Para mí también fue supercomplicado pero me di cuenta a tiempo y comencé a preparar el camino. Tener disco de oro y después vender tus propios discos en un proceso largo y complejo. Pero la creatividad no tiene límite aunque en el sistema capitalista hay que sacarse el velo y ver la realidad que es dolorosa.

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Dentro y fuera de la música

Los cuatro que se volvieron tres

¿Qué haces cuando no estás en la música?

Leo bastante a veces hasta tres libros a la vez. Ahora leo sobre budismo y he estado investigando el yoga y la meditación, Llevo cinco años en esto y siento el cambio porque estoy pensando y viendo las cosas de otra manera. Me vacilé completa la biografía de Keith Richards y la de Ronnie Wood y me encantaron esos libros. Igual la Historia de Manhathan mirada desde los holandeses, que fueron los primeros habitantes. Cine y los amigos también son indispensables.

Cambiando de tema, ¿en algún momento tenías que sanarte de las heridas de Los Tres?

Es cierto. Tenía que reconocer una etapa en la que no quería estar más y necesitaba moverme de ahí.

Dar vuelta la página y cortar todo, como cuando uno termina una relación o una adicción. Era algo que estaba en mi camino y cuando te das cuenta tienes que buscar herramientas que te protejan y te den la fuerza para asomar la cabeza. Fue en Boston donde descubrí el budismo y el zen, que te conectan con lo profundo y las mil maneras de interpretar la música.

Y qué estás escuchando ahora?

Me siento medio avergonzado para responder pero últimamente descubrí el modo shuffle (aleatorio) en mi Ipod. Entonces empiezan a pasar las canciones y he tenido un reencuentro con Lennon, Los Stones y estoy fascinado con las canciones de Susana Baca y Manuel García, a quien no conozco, pero me gusta lo que hace. Como estoy componiendo he buscado formas para hacerlo y una de ellas es el formato canción, con acordes simples y cantábiles. ¿Escuchaste esa nueva composición que se llama El caracol?.En eso estoy ahora.

En facebook apareció una broma muy buena: están los personajes de El mago de Oz: el hombre de paja, el hombre de lata y el león, y Dorothy dice: que tenemos aquí un hombre sin corazón, un hombre sin inteligencia y otro sin coraje: ¿ustedes son una banda de covers?.

Es buenísimo.

Musicalmente que te gustaría hacer ahora en Chile?

Quiero grabar un disco con temas originales con Agustín Moya, Carmen Paz González y Rodrigo Galarce, tremendos músicos, y llevarme ese material a Nueva York para mezclarlo y eventualmente editarlo. A fines de año quiero hacer un nuevo álbum con músicos latinoamericanos que viven en Nueva York.

En algún momento grabaste algunas versiones de canciones de Víctor Jara o de Violeta Parra, ¿te sigue interesando esa línea?

Eso está siempre y cuando descubrí a Víctor Jara me enamoré de su música. Igual que Violeta Parra o Los Jaivas. Si bien Buddy Richard representa algo importante no tiene lo profundo de estos otros autores.

Los Tres son también bastante profundos. Me pasaba con la Nueva Ola que era algo entretenido y tenía esa onda rockera, pero nada más. Sé que esta música golpeó a la juventud de esa época como nos golpearon Los Tres, pero Víctor Jara está en otro plano porque tiene una profundidad única.

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Esto también tiene que ver con reducir el ego después de haber sido famoso y popular?

De todas maneras porque el ego estorba. Mi experiencia es que la creatividad se te va con el ego. Esto fue la llave para abrir otras cosas. A veces pienso que si no me hubiera encontrado con Alvaro o el Titae, habría sido músico igual, porque la chispa para tocar batería se prendió mucho antes que yo los conociera. Estaba destinado y me enamoré de eso.

Me gustó mucho una respuesta que me diste hace poco cuando te referiste a Los Tres diciendo que se conocían desde chicos y que en algún momento se volverían a encontrar sin que hubiera rencor de tu parte?

Es que no tiene sentido ni tiene provecho ni para ellos ni para mí. Aprendí que en la música hay que compartir, si no todo se traba. Los Tres fue un volón, una superbanda.

Teníamos esa comunicación tremenda pero de repente se fue a la mierda. El cuadrado de cuatro puntos se empezó a volver un triángulo y era difícil sostener eso.

Ya no era un lugar grato para estar.

Aunque muchos quisieran escucharte escupir fuego ¿Qué experiencia positiva te dejó haber sido uno de Los Tres en términos musicales?

Varias cosas que son más personales que musicales aunque están ligadas: apreciar la creatividad y darse de cuenta que no la vas a tener siempre. Cuando se acaba es un lugar bien oscuro y cuesta salir de ahí. Los Tres me ayudaron a tener esa visión. También que se puede hacer todo. Cuando tienes la energía, el compromiso y estás convencido, lo logras. Esa energía la potencio todos los días. Nueva York es una ciudad que exige eso y que te pone en esa sintonía.

Si mañana te llaman y te dicen Pancho Molina quieres volver a Los Tres ¿Qué dirías?

Esperaría una cerveza, tocar no sé. No me veo ahí porque podría ser un desastre y prefiero saltármelo. Sería una energía gastada sin retorno. No espero un gesto sino que sentarme a tomar unas chelas. Con eso estaría feliz aunque sé que puede ser algo complicado. B

Columna

LA CIUDAD COMO TERRITORIO DE CONVIVENCIA, UNA CONSTRUCCION COLECTIVA

La no articulación entre instituciones y ciudadanía, la no consulta a la comunidad promueve el hecho de un cuerpo social distante, con escasa educación cívica

Hermann Eikhof Z.

Confieso mi casi obsesiva pasión por la Ciudad, una de las invenciones histórico-culturales más potentes de nuestra sociedad, y sin desconocer las ventajas de otros escenarios como los que se dan en el mundo rural, mi apuesta definitiva apunta a la Ciudad y es a ella y a nosotros, sus usuarios-habitantes, que está dirigido este esfuerzo de reflexión, que busca el tratar de acercarnos como grupo social a algunas claves para definir la ciudad como El Territorio de Convivencia, uno de los varios sueños en el cual todos deberíamos poder habitar día a día.

La no articulación entre instituciones y ciudadanía, la no consulta a la comunidad (rutina instalada durante años en nuestro accionar funcional) promueve el hecho de un cuerpo social distante, con escasa educación cívica acerca de la diferencia que hay entre ser un Ciudadano y la de convertirse en sólo un Usuario funcional de la ciudad, un personaje distante, un Turista que solo contempla una realidad que no le es propia, pero, sin embargo, vive día a día pagando permisos, impuestos, etc.

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Todos: el colectivo llamado ciudad y nosotros los aspirantes a ciudadanos, los olvidados, los soñadores. También nuestros hijos por sobre todas las cosas, esos que se harán cargo de nuestros errores y también de nuestros aciertos. ¿Vale la pena? De todas maneras. Una invitación urgente a educadores en los colegios y a los legisladores de palacio y ministerios, para que desciendan un momento de las eternas contingencias y los apuros, una invitación también a nosotros los arquitectos para articular de una manera más cercana los temas de la ciudad, por incorporar a la ciudad como un paisaje cultural valioso, funcional y también bello, definitivo en nuestra calidad de vida futura, y no tan sólo en una fatalidad más, una de tantas.

Caemos así, la mayoría de nosotros, en una especie de laberinto al estilo de la película “Matrix”, donde todo es un problema de interpretación, individual, y en donde “Alguien tiene que hacer algo”, “Alguien tiene que darnos”, “Alguien tiene que socorrernos”. Suerte de fatalidad, que en la mayoría de los casos, nunca ocurrirá.

Cito finalmente a Germán del Sol, Arquitecto y Soñador: “La arquitectura no es controlar la vida.

Es darle lugar. Y darle lugar en la vida a las cosas que hoy día pensamos que no tienen valor, como por ejemplo, que los nombres se borren, que la felicidad o el dolor no se acumulen, que la oscuridad es a veces mejor que la luz, el silencio mejor que la música, la lluvia tan buena como el sol, la compañía y la riqueza tan buenas como la soledad y la pobreza elegidas”… Y ¿quién te abre esa puerta, quién te explica que eso tiene valor? Eso es lo que te enseña la poesía.

Educar la mirada entonces es la enorme pega, ¿quien se hace cargo?

Soñar poéticamente nuestra ciudad: un buen comienzo, para un largo viaje. B

LA PERFORMANCE: EL CUERPO EN SUBVERSIร N Intervenciones en el espacio, arte de acciรณn, trabajos performรกticos o body art, distintas nominaciones para un territorio pleno de preguntas, donde el cuerpo (del artista) se resiste a ser mercantilizado y se erige desde el dolor, el placer, el humor, desde lo no dicho o desde el margen; el cuerpo es el de todos, en relaciรณn con el lugar y nuestras circunstancias. Durante septiembre, el Gran Concepciรณn se convierte en epicentro de este lenguaje.

Carolina Lara B.

Luis Almendra, Fotonovela, El dios de los perros / foto Gonzalo Tejeda, Santiago, 2009.

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A

A comienzos de agosto, figuró en el diario El Sur de Concepción una nota sobre Alperoa (Álvaro Pereda Roa), artista emblemático de la performance en la ciudad, que titulaba: “Se cosió la boca y dice que se cortará un dedo”. Estallaron los comentarios en las redes sociales y en espacios del arte local. Catalogado de sensacionalista, polémico, bizarro y poco original, el gesto no fue indiferente a nadie que leyera el artículo. Sin embargo, su acción de arte –“Menisik”– fue nada más silenciosa.

Es verdad: con la boca cosida se situó en la calle, pero en la reconocida actitud zen que adopta en sitios emblemáticos, como afuera de la Catedral, en el Paseo Peatonal o en los Tribunales de Justicia, sentado con las piernas cruzadas, interfiriendo el paso del transeúnte.

Sin embargo, simbólico y ritual, su acto sólo detuvo a unos pocos.

Fue el diario el que dio esta visibilidad a una obra que se levantó como denuncia. De ahí su intensidad, explica el autor, que delata así la falta de auspicios a los artistas locales. Con un trabajo insistente y reconocido en medios internacionales, Alperoa ha sido invitado a encuentros de performance en México, República Dominicana y Argentina. A ninguno ha podido asistir.

En diciembre debiera partir a una Bienal en Venecia.

Hasta ahora, no hay financiamiento para el viaje. Si con esto la situación no cambia, su segunda performance protesta consistirá en ofrecer a la venta un dedo de su mano a través de Internet.

Alperoa se inició en pintura en el Departamento de Artes Plásticas de la Universidad de Concepción y desde 1998 no para de exhibir y de realizar proyectos.

El impulso a la performance fue la precariedad. “No tenía recursos para pinceles y telas, sólo mi cuerpo al servicio de la obra”, dice. Como performer, suele exponerse a situaciones límites: tatuajes, quemaduras, encadenamientos o simplemente caminando por el centro con un niño en sus hombros y a pie descalzo.

El artista es además organizador de dos eventos internacionales de performance que se realizarán durante septiembre en la zona: BAC (Encuentro Preliminar Performance) y EPI (Encuentro Independiente de Performance) que ya va en su tercera versión.

“Se habla de ‘Concepción cultural’, pero los artistas no tenemos llegada con la empresa privada. A mí ni siquiera me han contestado correos; o bien, meses después, me responden que no financian este tipo de trabajo. Incluso en Ventanilla Abierta (línea de financiamiento del Consejo Regional de la Cultura y las Artes) demoraron en responder por lo de mi viaje y en

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una segunda postulación informaron simplemente que los recursos se habían acabado”, alega el artista.

Los comentarios a raíz de “Menisik”, sin embargo, no se detuvieron en la dramática situación que viven muchos artistas de la zona y del país. Sino más bien en el efectismo de una obra que moriría en su formulación y que por lo tanto no podría definirse como “obra de arte”.

La discusión no es nueva. Lo nuevo es que se dé así desde nuestra ciudad. Y quien lo logra es un performer.

No un pintor, ni un grabador ni un fotógrafo. Sino un artista que se sitúa desde una de las estrategias más extremas del arte contemporáneo, sin pretensiones de vender su obra, sino de trabajar con el cuerpo, resignificándolo e interpelando –en un extraño trance sin sentido– al espectador. Y la performance es algo que a nivel nacional sólo en Concepción se ha dado de manera tan intensa. Desde la calle, a la prensa, a las redes sociales e instando a los poderes, Alperoa traspasó el límite de lo artístico hacia un hecho social.

Varios otros artistas están aquí en algo similar.

UN CONTRA UNIVERSO En el medio artístico de Concepción se han dado ciertas situaciones comunes al resto del país, pero que en forma extrema han generado una trama bien particular: está por un lado la existencia de una Escuela de Arte universitaria y con tradición, impulsando la formación de artistas; sin embargo, coexisten la falta de espacios de difusión y en general de condiciones propicias para hacer circular las obras. Si a esto sumamos un contexto social, político y cultural marcado por desigualdades y la mercantilización, nos encontramos con un movimiento de creadores en constante creación pero en descontento.

Desde esta coyuntura, el trabajo con performance ha sido fundamental para el arte del último tiempo en la zona. En los años 90, fueron los pintores, con el grupo Grisalla a la cabeza (Jaime Petit, Gustavo Riquelme, José Fernández, Vicente Rojas, Óscar Barra y Mario Sánchez). En los años 2000, irrumpieron estrategias contemporáneas, el afán de experimentación, de quebrar los lenguajes tradicionales, y de reflexionar a través de obras en desplazamiento. Había que crear, exponer, mostrar, a como dé lugar. El espacio público y el paisaje fueron lugares propicios, junto con la Web como plataforma de difusión y el trabajo colectivo, una manera de potenciarse.

Recursos comunes han sido la presencia del cuerpo,

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Para sacar a mi cuerpo y sus sentidos de la cripta en que vivía, la pintura, el grabado, el dibujo, no eran suficientes. la intervención y la acción in situ: Guillermo Moscoso, Natascha de Cortillas, Alperoa, Luis Almedra, República Portátil, Móvil, M.A.S. (Movimiento Artista del Sur), Óscar Concha, José Agurto, Jorge Grandón (Watanaz), Adriana Ravanal, Camila Lucero, Lorena Muñoz y Gustavo Molina, entre otros, son artistas y colectivos que –relacionados críticamente con la pintura, la escultura, la fotografía o el granado– han salido a las calles, a la ribera del Bío Bio, al puente, a la costa, a construcciones por demoler o incluso a zonas devastadas por el terremoto del 27F, para hacer también obra.

Luis Almendra, otro performer que por sus acciones ha figurado en diarios y ha sido incluso apresado por Carabineros, cuenta que la primera vez que trabajó así, no lo sabía. Simplemente se transformó en el guardia de seguridad de su primera exposición individual porque la sala no contaba con el personal: “Esa acción fue el comienzo de un viaje infinito hacia la recuperación de mi vida, donde fui capaz de aceptar mis circunstancias para generar un ‘contra universo’ o un mundo alejado de las leyes del capital. Para sacar a mi cuerpo y sus sentidos de la cripta en que vivía, la pintura, el grabado, el dibujo, no eran suficientes. No bastaba la contemplación de un gran mural en la Pinacoteca y ni siquiera una beca de Amigos del Arte”.

Fue así que se convirtió en ese ser mitológico, lúdico y siniestro, que protagoniza una serie de fotonovelas; o en un conejo rosado que interceptó –junto a otros artistas– a Sebastián Piñera candidateándose por el barrio universitario; o en Huachistákulo, otro de sus alter ego que ahora transitan en tierras aztecas, mientras realiza un Máster en Artes en la Universidad Nacional Autónoma de México.

Para Gonzalo Rabanal, fundador en Santiago de la Bienal Internacional de Performance Deformes, “Concepción tiene una fuerte presencia en la realización de performances debido a los vínculos y cruces con otras prácticas de arte: poesía, visualidad, video, foto, entre otras”.

MENISIK / Foto de Cristian Beroiza

Natascha de Cortillas, Chile amasa su pan / Antofagasta 2012

Adriana Ravanal, AsĂ­ como la gota insiste, mi cuerpo persiste / EPI Lota 2011

Daniel Campos, Acci贸n de fuerza / Foto Nelda Ramos y Alina Godino / Buenos Aires 2012

Guillermo Moscoso, Impacto de emisiones / Laraquete 2011

Para el reconocido artista, existe un antecedente dramático que marca la memoria histórica en la ciudad: la muerte de Sebastián Acevedo. En 1983, “este hombre se quema y muere a lo bonzo frente a la Catedral, en reclamo por sus hijos detenidos por la CNI (Central Nacional de Inteligencia). Desde este acontecimiento, el cuerpo acá cobra otro sentido y los performistas se han hecho cargo de esos significados (en forma consciente o no), levantando obras radicales, tanto en la época dictatorial, como en la transición y en el régimen de derecha actual”.

Almendra sostiene que el gesto de protesta quizás no es explícito en las obras performáticas, permaneciendo algunas invisibles o “sólo como gesto de representación simbólica frente a la realidad, sin llegar a alcanzar un impacto o choque para verdaderamente trastocar los mecanismos políticos”. Pese a esto, considera que en la mayoría de las acciones en Concepción, “anida y se expresa la acción subversiva, que no es como se piensa un gesto autodestructivo (para con el propio artista), o apostólico católico a la manera de Jesucristo, sino que destruye nuestra mala educación con el afán de re-educar nuestros sentidos y re-convertir el cotidiano vivir”.

Incluso en el arte internacional, destaca Rodrigo Piracés, director del Departamento de Artes Plásticas

La performance sureña no deviene desde la observación académica de la historia del arte, no es conceptual: es testimonial

de la Universidad de Concepción: “La performance permite decir y expresar lo que otras disciplinas no. La necesidad de ‘volver’ a ‘sentir’ con el arte, es producto de una sobre teorización mal entendida, donde los artistas cedieron el territorio de la creación al territorio del análisis, donde la imagen del curador primó sobre la del artista, volviéndose productos estereotipados de una lucidez informada, estratégica, contactada, políticamente correcta, temerosa y débil en su propia subjetividad. La performance sureña no deviene desde la observación académica de la historia del arte, no es conceptual: es testimonial. Aquí existe una noción palpitante de la crítica social, con autónomos fundadores de esta práctica, desde la precariedad y el margen político, social, cultural”. B

BAC y EPI A pulso, con apoyo de algunas instituciones que otorgan principalmente alojamiento, alimentación y traslados, los encuentros de performance que organiza Alperoa durante septiembre en la zona, reúnen artistas de Argentina, Brasil, Perú, República Dominicana, México, Canadá, España, Suiza, Tailandia y Chile. La idea es interrelacionar cultores de esta disciplina y la comunidad, con charlas y acciones en el espacio público.

Del 3 al 8 de este mes se realiza BAC (Encuentro Preliminar de Performance) en lugares como La Agüita de la Perdiz, el Auditorio de la Facultad de Lenguas de la Universidad de Concepción y el espacio Del Aire Artería. El jueves 6 todo el grupo se traslada a Tomé. Este evento cuenta también con el auspicio de Artistas del Acero.

Mientras que EPI (Encuentro de Performance Independiente) estará del 23 al 29 de septiembre en Lota, ocupando sitios como Lota Green, las ruinas de Enacar y el Pique Matías Cousiño. Se integran aquí apoyos Fondart y de Taller Caserío.

De la zona, participan –además de Alperoa– Pamela Navarro, Daniel Campos, Óscar Gavilán y Adriana Ravanal.

Mas info: http://performancebac.blogspot.com/ http://encuentroindependienteperformance.blogspot.com

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Juanita Paz Saavedra REFLEXIONES DESDE EL CUERPO

SENSACIONES HUMANAS Johann Borquez B/ Fotografías Carla León y Bufé Magazín

S

erá el primer trabajo en largo formato de

esta estructura que no es una narrativa sino estímulos

Juanita Paz Saavedra, connotada bailarina contemporánea de Concepción. ¿Los invitados? Nicole Muster –actriz- y los bailarines Patricia Polanco, Eduardo Aguilera, Paulo Pinto y Alisandro Retamal. En la creación musical: Daniel Ramos y Mirko Rosales. Felipe Oliver en la dirección de arte y gráfica.

en que van desarrollando in situ el lenguaje corporal.

Mi concepto está en la dirección, en las inducciones, pero quiero trabajar la autoría del intérprete: sin la generosidad de ellos no hay obra”.

“La idea es que el espectador sienta la humanidad del bailarín, por eso es un trabajo súper sensitivo donde puedas escuchar, ver”, nos cuenta. “Es una coreografía completa de 50 minutos que consta de 4 cuadros, en los cuales desarrollamos el despertar de cuatro sensaciones. El trabajo es de percepción, de lograr que los intérpretes se empoderen e interpreten con honestidad sus sentimientos, y a través de sus estados emocionales que te permitan ver que eres persona, que eres emociones, que eres sensaciones, que tienes deseos, que tienes necesidades.”

La obra -Anatomía del Deseo- está inspirada en el libro “El Árbol del Conocimiento” de Humberto Maturana, donde este chileno que es uno de los biólogos más importantes del planeta busca el sentido de lo humano.

Inspirado en esta búsqueda, Saavedra avanza en un viaje de descubrimiento de las emociones desde el cuerpo, un formato experimental en el límite de la espontaneidad, sin ser improvisado, apelando también al sonido, al espacio, a las sensaciones corporales del espectador casi en contacto con el intérprete.

“Es poder hacer una reflexión sobre qué es el cuerpo: cómo movilizar el cuerpo”, explica Juanita Paz. “Le pido a los intérpretes que retraten cómo habitan esta anatomía y cómo definen ese estado para ir más allá y que de ahí nazca el drama, no que exista un drama predeterminado. Maturana conjuga lo que es el ser humano, cruzado por el amor, el juego, la sensualidad, el miedo o –como prefiero llamarlo- el desfondamiento.

Y todo eso envuelve a los intérpretes en un estado que se va produciendo en ese momento, para armar

Una reflexión que no ha sido fácil. “Ha habido un choque, porque es la primera vez que nos enfrentamos a un trabajo así, que nos ha obligado a reflexionar, para que la persona que vea esta obra salga con algo”.

Confía en la buena recepción del público penquista: “con Escénica en Movimiento desarrollamos el concepto loft, que es adaptar piezas coreográficas para espacios no convencionales, y he venido observando que el público ha reaccionado de una manera súper buena porque está sediento de ver, pero también de sentir. No solamente la experiencia estética visual, sino la de escuchar, de casi sentir que tocas. Si bien estamos muy cómodos en lo digital, también como dice Maturana necesitamos sentirnos humanos, y el arte está justamente para eso. La gente de Concepción tiene sed de vivir experiencias, de ver de cerca, por eso los espacios no convencionales han tenido éxito”. B

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CONVERSA CON

LEYLA SELMAN Y RODRIGO PEREZ

MIERCOLES, 15 DE AGOSTO, HORA DE ALMUERZO. EN EL LIVING, LEYLA SELMAN Y RODRIGO PÉREZ, JUNTO AL EQUIPO DE BUFE MAGAZIN, DISFRUTAN RICAS MACHAS AL PIL PIL MIENTRAS EN EL HORNO TERMINAN DE DORARSE UNAS LONGANIZAS DE CURANILAHUE. HACE FRIO AFUERA. ADENTRO, LA CONVERSA FLUYE Y FLUYE. Bufé Magazín / Fotos Keka Paredes y Juan Rios

¿

Cómo surge este trabajo conjunto con Leyla Selman?

R> En enero vine al Seminario de teatro organizado por Patricia Henríquez de la Universidad de Concepción. En el seminario dije, a la pasada, que sería fantástico si alguien de aquí me invitara a trabajar.

más complicado. Donde hay un personaje antagónico que es un viejo de Lebu, y yo le pregunto a Radrigán “¿quién es este viejo?” Y él me dice “¿Qué Lebu? ¡Es pinocho!” Y en la puesta en escena está pinocho, con bigote de mentira y su voz nasal. El viejo culiado no se merece ser investigado. Es una caricatura. Cruel, horrorosa, pero caricatura.

L> Yo altiro recogí la oferta: mail, y la idea de incluirlo en el proyecto con Artistas del Acero.

Rodrigo, tu trabajo siempre ha tenido una relación política muy fuerte. ¿De qué forma ustedes como pertenecientes a este medio creen que puede servir como catalizador de actitudes?

R> Es como en una película de terror. Hoy más que nunca, hay una realidad paralela: la realidad oficial está cada vez más alejada de la realidad real. Sin embargo, la mecánica de observación de esa realidad ocurre cada vez más acá arriba, no aquí abajo. Salvo en la organización chica. Lo que me sorprende es que esa mirada que tiene mucha gente no traspase para arriba. Y se habla de las organizaciones sociales, más allá de los partidos políticos. El teatro puede que vuelva a cumplir un rol político, pero actualmente está cumpliendo uno mucho más subjetivo, que es fundamental.

Un funcionamiento desde valores absolutamente contestatarios a la norma oficial. Allí está el lugar de

R> Tenemos una puesta en escena que se hace acá, con gente de acá, sobre un texto de Leyla, y lo curioso es que no defiende el texto, me da mucha libertad (ver página 33).

L> El papel es una cosa, y la puesta en escena es otra.

R> Es que Leyla viene del teatro, ésa es la diferencia con el nuevo dramaturgo que hay en este país, y los de la literatura. Uno reconoce a grandes autores que vienen de la literatura, como Radrigán…

De hecho ahora estás con algo de él ambientado en Lebu.

R> El Oratorio de la Lluvia Negra, que es tremenda y lo

resistencia que puede ser el teatro: antes y más allá del contenido de la obra. ¿Quiénes podrían ser voces válidas del acontecer actual?

R> A mí me gustan mucho los cabros de la cosa estudiantil, pero están en un lugar súper arriesgado y feble. Algo pasa que es el fenómeno de la no escucha, de escuchar y estar de acuerdo en la medida que dicen lo que yo quise haber dicho. No hay una apertura a entender miradas distintas. Boric dice algo que no es lo que esperaban escuchar y lo hacen bolsa. No hay aproximación a comprender que la cosa está en movimiento: el viejo principio de la dialéctica se fue a la chucha. Todo está en movimiento y constante cambio.

Cuando te das cuenta de que el nivel de impacto en la modificación de la realidad es bajo, ¿qué viene?

R> Para mí: en lo que estoy, funcionando en pequeñito.

Los gestos privados generan cambio que parten por un cambio de uno. Te das cuenta de que la pelea -independientemente del afecto y la adscripción por salir a la calle- tiene que ver con una cosa chiquitita, subjetiva y valórica. El punto de partida es que los valores que mueven el ejercicio teatral son diametralmente opuestos con los valores del sistema. Y ésa contradicción es movilizadora. A propósito de la dialéctica, éste es un lugar de resistencia por el simple ejercicio de que opera desde valores como la solidaridad: ponerse de acuerdo en hacer esta obra de esta manera porque creemos que es importante. Y porque necesitamos juntar plata. Ése ponerse de acuerdo es contradictorio con la competencia. Entonces uno arma un sistema minúsculo que funciona éticamente antisistema. En el simple funcionamiento: ir al teatro y ensayar. ¿Crees que está surgiendo algo potente en Concepción?

L> Se puede, hay que concentrarse. No somos

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suficientes para un movimiento teatral. Por eso uno trata de invitar a más gente y no que se cierre el trabajo en la compañía de uno. O sea si tenemos la posibilidad de que Rodrigo venga acá no es para que sólo uno crezca, sino que se expanda.

Y que la gente se acostumbre a ir al teatro R> Se perdió la posibilidad de que el teatro fuera una necesidad del asombro. Lujosa, pero necesidad. La gente tiene necesidades lujosas, como ir al cine. No sé si el teatro alguna vez lo fue, pero como que cada vez está menos la posibilidad de convertirse en necesidad.

L> El valor del teatro es múltiple para el que lo hace y el que lo ve. Si acá hubiera un movimiento teatral real, en conjunto con la danza, el carnaval, etcétera, la gente sería más feliz. Lo que uno quisiera es que la gente comience a llegar y se habitúe al teatro como al cine.

En El Ciudadano salió un reportaje de Susana Chau que plantea que hay unos treinta colectivos

funcionando. Existe todo para hacer una obra de teatro. ¿Cuál es tu análisis de la realidad del teatro en Concepción?

L> En Concepción hubo tres escuelas de teatro, quedamos un puñado de actores haciendo teatro. El problema es que es difícil vivir del teatro acá. Se puede, pero es muy difícil.

R> Yo creo que acá es más fácil. Proporcionalmente, la cantidad de actores que hay acá con los que efectivamente ejercen es mayor. Aquí, con los que uno habla están funcionando relacionados con el mundo del teatro. En Santiago hay gente que trabaja en teatro, pero la otra mitad son cabros que para vivir trabajan de mozos.

Pasamos al comedor, las longanizas humeantes y las papas con pelo cierran filas con las humitas y ensalada chilena, en espera de que los comensales rieguen sus copas con un generoso tinto. Entre tintineos y “pásame la sal” sigue la nutritiva conversa……

Tú has ocupado el recurso musical, de hecho en trabajos tuyos hay coros. ¿Hay otras disciplinas en El Pájaro de Chile?

R> Hay el actor-músico, que canta. Está el Pato que es cuequero, entonces le pregunto“¿tocai el pandero?

Sí. Entonces, toca acá el pandero”. Hay que diferenciar entre una “puesta en escena” y una creación teatral. En la creación, el material textual es un elemento más, y yo creo con lo que tengo delante. Y puedo echar mano a este texto, a este compadre que toca el pandero, a este cabro que toca la guitarra, a esas señoritas que bailan. Éste es mi material. Y es una aproximación distinta al trabajo, que a mí me gusta mucho. Yo he hecho las dos cosas. En “El Oratorio” independientemente de que Radrigán está presente hasta el concho, yo lo siento como una creación. Echo mano a otros materiales. Y esto que estamos haciendo con Leyla es lo mismo. El espectador asiste a la construcción de la ficción, que es una gracia de lo escénico: poder uno, como espectador, ver cómo va surgiendo la ficción. Y además funciona

Son lenguajes expresivos diferentes…

R> En Alemania les gusta el teatro al natural, a grito pelado.

La naturaleza no requiere de parafernalia para llamar la atención. Yo estoy en busca de la honestidad expresiva, aunque la honestidad expresiva sea la parafernalia. Tiene que ver con la honestidad de la búsqueda expresiva.

Ahora, obviamente, ahí uno desarrolla estrategias. Esto es súper importante: lo que nosotros hacemos, todo este cuento de la construcción de la ficción frente a los ojos del espectador es finalmente un recurso a lo popular.

Hacemos al público parte de una creación, porque como espectador digo “ah, están empezando a trabajar” y llego con ellos a este mundo creado. Es una buena estrategia si quiero hacer participar. No que la gente se suba al escenario, sino otro tipo de participación que también es válida. Yo no sería capaz, me cago de miedo, me da susto, porque hay grupos de teatro que invitan a la gente: yo no puedo. Yo quiero que participen desde su rol de espectador profundamente activo, movilizado, crítico: pensando.

muy bien cuando uno se pone como principio trabajar con los materiales que tiene. Se arma la ficción frente a los ojos, no hay truco. Es como si dijéramos: “público, querido público, ahora vamos a hacer un truco: miren”.

La sobremesa llega a su fin: ha tocado la hora de irse al ensayo. En la despedida, nos cuesta parar de conversar.

R> Yo de verdad soy un convencido -no lo digo de bien educado- de verdad yo siento que la mirada es de allá para acá, no de acá para allá.

Sin hacer comparaciones, observando el comportamiento del espectador, cuando vino Teatrocinema que hizo “Sin Sangre”, el público salía de la sala asombrado.

R> Eso tiene que ver con la novedad.

Pero se están haciendo cargo de un requerimiento social, usando otros recursos.

R> Yo creo que es lo mismo si yo reparto completos. Ahí hay un descubrimiento de ellos, ellos están utilizando lo que tienen a mano. Yo uso otros recursos. Por suerte ellos tienen toda esa tecnología, y tu puedes verlo y decir “qué bueno que hay descubrimiento”. Y les va la raja, y van a muchos lugares. Entonces, los llaman a Francia, pero no los llaman a Alemania.

Por algo somos el centro geográfico.

R> ¿Por qué la gente se va a Santiago? Uno parte a buscar algo allá que uno cree que está, y no está.

Entonces estar llorando desde aquí para allá es una idea… ni siquiera es concreto. Allá es menos real que en ninguna parte.

El tema es que allá hay más lucas.

R> Sí eso es cierto, aunque la relación lucas con calidad de vida no tiene nada que ver. Cuando uno está aquí, lo que haga es mucho más productivo, más profundo, más hermoso. B

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Columna

FORMACIÓN ESCÉNICA: HACIA LA EXPERIMENTACIÓN Y EL RIESGO

No se trata de acumular talleres o seminarios para abultar el currículum, sino de accionar y probar; pero sobre todo articular y hacer entrar en relación esos conocimientos

Camila Contreras Benavides

En las columnas anteriores abordé dos temas que considero importantes para instalar preguntas sobre la escena: el tema del espacio de exhibición y su tendencia hacia lo no convencional, y el del espectador y su particular mirada. Para completar la reflexión en relación a esos dos puntos, es pertinente colocarnos en la palestra, situarnos en esa línea sería considerar el trabajo del actor / bailarín en constante búsqueda y aprendizaje. Como lo señala uno de los maestros del teatro del siglo XX, el polaco Jerzy Grotowski, “el aspecto medular del arte teatral es la técnica escénica y personal del actor.” Lo que se podría considerar una frase fácil de memorizar, en sus palabras engloba una complejidad más profunda, una idea de trabajo y de vivir el arte escénico, desde una actualización y práctica constante.

En Concepción, hace algunos años se cerraron las escuelas de teatro en universidades e institutos, y en danza el Centro Calaucán quedó sin financiamiento.

La situación actual muestra que la formación queda sin lugares fijos de realización, por lo cual este punto queda bajo la iniciativa de corporaciones, centros culturales y colectivos independientes. Para reflexionar sobre esa situación de política y gestión cultural necesitaría de unas cuantas hojas más. Por eso creo que es pertinente quedarme con la frase de Grotowski y escribir sobre cómo los artistas escénicos de la región se apropian de su oficio y/o profesión desde una idea de aprendizaje continuo.

La idea de laboratorio, dentro de la línea poética de Grotowski, da cuenta de un trabajo desde la experimentación, del buscar más allá de lo visible -de lo que está ahí de forma concreta- haciendo un vuelco hacia lo abstracto e intangible. Una posibilidad

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constante de descubrir, de sorprenderse; en síntesis, de vivir, percibir y leer la escena. Suena fácil desde la escritura, pero es un trabajo complejo que requiere el trabajo sobre el ego, y por sobre todo, el evadir ese impulso que nos hace caer hacia ese lugar conocido y seguro. A algunos actores y directores como Rodrigo Pérez y Paula Zúñiga, les he escuchado decir que “al entrar a escena entramos al espacio de la inseguridad, ese espacio desconocido que intentamos desentramar”. Si se tiene la conciencia de esa idea de inseguridad, de experimentación constante, el arte escénico se vuelve para el ojo del espectador y de sus intérpretes diverso y arriesgado.

Creo que la ecuación “experimentación igual producción” no se debe dar en cantidad. Es decir, no significa crear y crear sin dejar espacio para la reflexión sobre lo que estoy haciendo y su correspondiente autocrítica. Por eso la actualización de conocimientos y prácticas es necesaria, pero teniendo presente el foco. No se trata de acumular talleres o seminarios para abultar el currículum, sino de accionar y probar; pero sobre todo articular y hacer entrar en relación esos conocimientos.

En ese sentido, el cuerpo es el espacio de esa búsqueda, si hay algo que une a las artes escénicas es el trabajo desde el cuerpo, creo en la idea de “repensar el cuerpo” no mental sino perceptiva, poniendo atención en su configuración, estado, energía, sonoridad, voz. El cuerpo en su totalidad, ese es el lugar común al que no debemos dejar de ir y de enfocar, en síntesis es el lugar que queremos hacer visible en el instante que nos mostramos frente a otro que también es cuerpo y que también percibe. B

Formato Microdocumental

Un Año de Cultura Viva

En septiembre de 2011, el Consejo Regional de la Cultura y las Artes inició la emisión de microdocumentales realizados por el equipo regional de comunicaciones. Una iniciativa posible gracias al compromiso de otras dos importantes instituciones regionales: Canal 9 Bío Bío TV y DUOC UC. El proyecto nace ante la necesidad de rescatar las actividades culturales, especialmente las que se realizan en comunas alejadas de los grandes centros urbanos. Para Juan Eduardo King, Director Regional de Cultura, “Es un modo de valorar a las personas que participan en el trabajo cultural, y no sólo de lo que hace el Consejo, porque el objetivo es difundir lo que se hace en el arte y la cultura, tanto docta como popular”.

Y la valoración es recíproca, según Jean Claude Cavalerie, periodista del Consejo que integra -junto al camarógrafo Marcelo Luna y la periodista Carla León- el equipo que realiza los microdocumentales. “La prueba es que nos avisan cuando van a hacer algo, porque les sirve para difusión y dan a conocer su trabajo a través de este mismo espacio”. Difusión que no es menor, ya que la señal de TV abierta de Canal 9 lleva el programa de lunes a domingo al millón 800 mil habitantes de la región. En Internet, el material está disponible en la URL vimeo.com/culturabiobio Las actividades que involucran a los jóvenes han sido las que más atención concitan en Internet. “Una de las primeras cápsulas que despertó mucho interés fue la de los chicos que hacen Break Dance, despierta mucho interés el trabajo cultural que tiene un ribete social y han logrado exposición internacional gracias al programa” agrega King, orgulloso.

“También lo de Concegraff, porque los chicos son buenos”.

Hoy, a un año de su inicio, la proyección es mantener este servicio para los artistas de toda la región. Sin duda, una excelente iniciativa que merece reconocimiento. B

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Móvil en OFF Ch.ACOFF Desde hace ya tres años, se realiza en Santiago la feria de arte contemporáneo Ch.ACO, la cual reúne a galerías nacionales e internacionales, artistas, curadores y coleccionistas. La feria se extiende por cuatro días y contempla diversas actividades tales como charlas, presentación de libros, lo cual permite que una amplia variedad de público pueda conocer y también adquirir arte contemporáneo.

Desde el 26 de septiembre al 1 de octubre de 2012, simultáneo a Ch. ACO se realizará a modo de circuito alternativo la primera feria OFF, orientada a dar a conocer los otros espacios, aquellos que de manera permanente han estado desarrollando proyectos e iniciativas que consideran la difusión de las artes visuales, el diseño y la arquitectura. Se trata principalmente de formatos auto-gestionados creados por la necesidad de experimentar, reflexionar y compartir más allá de las reglas impuestas por los circuitos reconocidos, oficiales e institucionales.

Como único proyecto de región, MÓVIL ha sido invitado junto a más de 50 espacios entre los que se encuentran galerías, locales, talleres, centros culturales los cuales generan un amplio y activo recorrido por diferentes puntos de las comunas de Santiago, Providencia y Ñuñoa.

Al igual que la participación en la feria Ch.ACO 2011, el interés de MOVIL es ser parte de OFF para continuar difundiendo el trabajo de artistas que han participado de las convocatorias “En rodaje” y “En Construcción”. Para esta ocasión han sido invitados dos artistas y dos colectivos que representan un quehacer constante en esta ciudad, ellos son: José Miguel Morales artista visual - arquitecto; Carola Vergara artista visual; Pezo von Ellrichshausen, arquitectos - artistas visuales y al colectivo multidisciplinario República Portátil, todos residentes en la ciudad de Concepción Considerando la función de los espacios por donde se realizarán los diversos recorridos OFF, MÓVIL ha planteado a los artistas a generar una obra centrada en la temática del taller, como un espacio generador de ideas, que en este caso viaja desde Concepción a Santiago ampliando el circuito trazado desde las comunas capitalinas. Se trata de cuatro obras gráficas, bidimensionales impresas en el formato real (120x180 cm.) de las vitrinas de MÓVIL y estarán interviniendo distintos puntos del espacio público capitalino, manteniendo vigente la política

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José Miguel Morales Malverde, Artista visual-Arquitecto que participo del ciclo Móvil En Construcción 2012.

“Constructo Cartón” Dimensiones: 180 x 210 x 300cm, Ensamblaje de Cartón reciclado, 2011.

Registro Fotográfico: Alejandro Sánchez.

Desarrollo Cultural Pencopolitano

LA MIRADA DE LOS CREADORES Johann Bórquez Bohn

E

n los dos primeros números de Bufé investigamos sobre el desarrollo cultural y artístico del Gran Concepción escudriñando el trabajo de los municipios (Bufé 01) y conversando con gestores culturales (Bufé 02). En el ámbito municipal constatamos que el grado de desarrollo entre las comunas es disímil, y no existe un hilo conductor del desarrollo cultural pencopolitano.

Los expertos en gestión cultural del ámbito privado, coinciden en que existen recursos para financiar la creación y difusión de obra, pero faltan –entre los artistas- capacidades de formulación de proyectos.

Con esta información preliminar, salimos a conversar con creadores de distintas disciplinas –fundamentalmente escénicas- para recoger su experiencia gestionando, formulando proyectos, postulando a fondos, buscando apoyos privados y –finalmente- intentando vivir del arte.

Para la cantante e investigadora del canto campesino Claudia Melgarejo, el potencial artístico de Concepción

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es enorme: “más allá de las redes de financiamiento, Conce es bioenergéticamente potente. Es cosa de mirar la cantidad loca de artistas de calidad que hay”.

Una mirada compartida por el también músico Rodrigo Álvarez, quien considera que “Concepción es fuerte en la parte creativa y alternativa”. Para este ingeniero civil, bajista de jazz y docente de la Universidad de Concepción, “uno tiene que ser bien porfiado y valiente.

Se necesitan más horas en el día, porque hay que hacer clases, revisar pruebas, estudiar y además ir a ensayos, que son ratos largos. Al final uno tiene un concierto y recupera la plata que ocupó para ir a ensayar“.

El director, actor y bailarín Leo Iturra, describe muy gráficamente este empeño. “Esta cuestión realmente es un tobogán: este año ha sido como muy pocos, montando cosas con una gente y con otra, no tengo tiempo para nada. Pero puede que el otro año no haya plata, y tengo que seguir pagando las cuentas”. Una mirada cíclica compartida por el también director y actor

Concepción tiene muchísimo potencial artístico. Sin embargo, no hay mucha cultura de consumo del arte.

Existe la tendencia a no cobrar y se crea la idea de acceso fácil o gratuito. MALO: no hay arte gratuito

estudio, de ensayo, de preparación y montaje de un espectáculo u otra obra no se consideran a la hora de evaluar si la entrada es cara o barata”.

Cristóbal Troncoso, “Tronki”, quien cree que se puede subsistir de la actividad artística aunque “siempre hay un cuello de botella en algún mes del año y estás sin niuno, y siendo actor es más crítico. Pero creo que uno puede, querer es poder”. En su mirada, un tema es que el ritmo de producción penquista es muy distinto del de Santiago: “Allá llegas al ensayo y comienzas a trabajar, acá he estado en ensayos que comienzan una hora más tarde, después del cafecito y la conversa. Pienso que hay que trabajar con plazos y hacer la pega bien. Si te gusta, entonces hazlo bien. Hay mucha gente que le gusta lo que hace pero pierde mucho tiempo”.

De los fondos concursables, el Fondart es sin duda el más socorrido por los creadores. No encontramos experiencias positivas de uso de la Ley de Donaciones Culturales. Pablo Mena, del taller Falucho 41, relata que elaboró un proyecto que fue aprobado por el Consejo que autoriza el uso de este mecanismo. Sin embargo, “desde el año pasado tengo el certificado de exención tributaria y he visitado muchas empresas solicitando financiamiento”. El resultado, hasta ahora, ha sido nulo.

El rigor es precisamente lo que ha permitido a algunos adquirir las herramientas para generar proyectos, aunque no es algo que se dé de manera abundante entre los artistas, en parte porque - como explica Claudia Melgarejo- en la mayoría de los casos no forma parte de su formación académica “uno va descubriendo en la práctica los fondos y la manera de postular a ellos”. La folclorista ha postulado –y ganado- varios fondos concursables con los que ha realizado un DVD e itinerancias. Para ella, no basta sólo con la capacidad de formular proyectos y gestionar, sino que se requiere también un ordenamiento institucional y social que aprenda a respetar cabalmente el trabajo artístico.

Un aprendizaje que ha sido el resultado de duras experiencias. “En 2010 trabajé durante tres meses con a un grupo de artistas preparando el espectáculo ‘Alegoría’, suspendido por la Municipalidad a dos días del estreno, sin explicación ni pago por el tiempo invertido. El alcalde Retamal suspendió repetidas veces las audiencias solicitadas. Caí redondita, por falta de acuciosidad en la redacción del convenio”. Según ella, la valoración del trabajo pasa también porque el público se acostumbre a pagar por consumir arte. “Concepción tiene muchísimo potencial artístico. Sin embargo, no hay mucha cultura de consumo del arte. Existe la tendencia a no cobrar y se crea la idea de acceso fácil o gratuito.

MALO: no hay arte gratuito, todo tiene un costo que se traspasa o no al consumidor, pero existe un costo que no es reconocido. Los períodos de creación, de

La participación y el apoyo de los penquistas es la clave para el surgimiento de una escena cultural potente, según Constanza Green: “Falta que la gente viva su ciudad: que no vayan al mall, que vengan al Del Aire Artería. Que ocupen los espacios creados por personas de acá, que vayan a ver el arte que están haciendo sus artistas. Que la gente pague su entrada y que seamos todos independientes y no tengamos que estar rezando, como nosotras que le pusimos una plaquita a Santa Rita de Cassia cuando nos ganamos el Fondart”.

En este contexto, si bien los fondos concursables permiten financiar proyectos específicos, con fecha de inicio y término, no son una alternativa de largo plazo que permita dar sustentabilidad a la actividad artística. Como explica la cantante lírica Sherezade Perdomo, directora de la Escuela de Música que lleva su nombre, “Tú puedes ganarte un Fondart y funcionar un año, pero ¿y el siguiente, qué vas a hacer?” En su caso, como en de los otros entrevistados, la habilidad para formular proyectos no es parte de su maletín de herramientas. “No tengo ni el tiempo ni la energía para hacerlo, tengo muchas ideas y el capital de trabajo, las salas, los docentes, pero necesito alguien que tenga el tiempo para sentarse conmigo y convertir las ideas en proyectos y salir a gestionar los recursos”.

Con el Fondart, un tema recurrente en el discurso es la incertidumbre respecto de los criterios de evaluación.

Para Leo Iturra, “desde el cambio de gobierno se noto drásticamente un cambio en la orientación del fondo. Más que la creación están amparando formación: seminarios, integración de las artes. Pero hace dos años que no se puede hacer nada para financiar teatro, danza, artes escénicas. Uno como creador se da cuenta de que la mano no va por ahí, entonces tiene que reformular, o cambiar el discurso y comenzar a asociarse con otras disciplinas como las artes plásticas, lo audiovisual, la performance”. Según él, el camino pasa por levantar “un discurso amplio de redes culturales, de asociatividad, ya no de las artes escénicas en su forma más pura, sino elaborar un discurso multidisciplinario”.

Aunque Iturra reconoce en Artistas del Acero a una institución privada que ha permitido a creadores locales contar con recursos y espacios, considera que la apuesta tiene que venir de políticas públicas que se hagan cargo de la cultura como una necesidad humana.

“La cultura es como la salud o la educación. En todas partes del mundo quien financia actividades como el teatro es el Estado: los municipios se hacen cargo de una compañía de teatro, trayendo directores de distintas partes, con artistas con previsión, con seguro de salud, como cualquier empleador. Pero haciendo teatro, investigación, extensión, visitando colegios, haciendo charlas, presentando obras. El arte indaga y navega por aspectos totalmente diversos de cómo ve el empresario el mundo, entonces aunque sea por bajar impuestos o por cualquier artilugio con que el Estado le adorne la píldora, no se va a hacer cargo por 10 años de un grupo de teatro o de financiar exposiciones o de abrir una sala multidisciplinaria”.

Rodrigo Álvarez ya perdió la cuenta de las veces que ha postulado al Fondart, sin habérselo ganado nunca.

“Me han apoyado particulares para el lanzamiento del disco, me han apoyado varias personas con plata. Un señor que se llama Carlos Morales me apoyó con cien lucas para comprarme un bajo”. Ha forjado su carrera a pulso, abriendo espacios para el jazz en los locales penquistas. “Con César Arriagada nos vinimos a vivir al centro y salíamos a buscar ‘toques’, en la Casa Nostra que se cayó para el terremoto, el Mal Paso, Al Sur, El Amador en San Pedro, varios lugares. El Averno, que es un local único en Chile porque tiene música en vivo todos los días, de diferentes estilos”. Así, junto a otros músicos abrieron espacios que perduran hasta hoy y que representan la posibilidad real de generar recursos.

Constanza Green y Valentina Durán creen que la institucionalidad debe aportar al funcionamiento de centros gestionados por los propios artistas. Su experiencia con el Fondart ha sido también disímil.

Valentina valora el feedback que recibían los proyectos rechazados, una práctica que ha cambiado. “Antes te evaluaba un jurado, y si no te lo ganabas te mandaban la evaluación para que mejoraras tu próxima postulación.

Ahora le mandan a todos una carta tipo sin explicación de motivo para el rechazo”. Una experiencia que sin duda es compleja para artistas que tiene que realizar un esfuerzo adicional para vencer el tedio que les implica completar páginas y páginas de formularios, reunir cotizaciones, calcular costos y elaborar discursos en un formato predeterminado. Como grafica Rodrigo Álvarez, “hacer proyectos además es tiempo y son recursos, son fotocopias. Una fotocopia vale 20 pesos, pero empiezan a sumarse. Es todo un tema, y que es parte del riesgo de formular un proyecto, lo que a veces resulta desmotivante”.

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estamos llamados a poner el cuero duro y apretar el tranco para seguir intentándolo, apoyándonos mutuamente en vez de chaquetearnos, buscando alianzas y construyendo de una vez por todas esta ciudad cultural que queremos ser

CUERO DURO Y AVANZAR Se constata que en la Pencópolis coexisten diversos modos de gestionar el arte y la cultura, entendidos no sólo como expresión sino como trabajo productivo con el que los artistas generan sus medios de subsistencia.

Están quienes se mueven en circuitos institucionales de apoyo y recursos, y quienes optan por generar actividad desde los márgenes, con los materiales a mano y en los espacios disponibles –o no. Unos y otros igualmente válidos, pero en distinto pie en cuanto a su sostenibilidad en el tiempo.

Lo que es posible apreciar es que en gran medida se cumple lo postulado por los gestores culturales, en cuanto que los creadores se enfrentan con una endémica escasez de herramientas de gestión: planificación, formulación, control de procesos y presupuestos. Algo que algunos aprenden en la marcha y a lo que otros le cierran la puerta definitivamente, frustrados por la complejidad de los procesos administrativos que rodean el acceso a los recursos.

Entendiendo que la creatividad y la capacidad de gestión no siempre van de la mano, no es exigible de todos los creadores que desarrollen necesariamente estas herramientas. Lo que sí parece una condición previa para dotar de sustentabilidad a la actividad creadora es sumar estas capacidades estableciendo redes y alianzas de carácter multidisciplinario, y con instituciones o profesionales que las tienen, e incorporando al trabajo creativo el rigor y perseverancia de cualquier otro esfuerzo humano que esté obligado a rendir frutos. Y haciendo parte también a la empresa privada, que en el actual orden socioeconómico tiene un rol que cumplir que hay que estimular y presentar como oportunidad. Más que lamentarse por la falta de públicos o espacios –cuya aparición y consolidación son una tarea en curso- o frustrarse tras un rechazo, estamos llamados a poner el cuero duro y apretar el tranco para seguir intentándolo, apoyándonos mutuamente en vez de chaquetearnos, buscando alianzas y construyendo de una vez por todas esta ciudad cultural que queremos ser. B

Los artistas están llamados a hacerse dueños de los premios, como lo hizo Yogui de Emociones Clandestinas durante el certamen del año pasado

Columna

TV, ARTE, PREMIOS Y LA PUERTA DEL ASCENSOR QUE SE ABRE Boris Muñoz, Delestero Realizadora

Un año atrás se celebraron con sobrante dignidad los “Premios Ceres”, un reconocimiento de índole regional para las Artes. Fue televisado y todo, ideado por artistas, músicos principalmente. Ceres refiere a una diosa griega, no entendí mucho por donde vino la elección, todavía no lo entiendo, ¿a quién se le ocurrió? El mayor honor, supongo, ha de ser para los artistas nominados en las distintas disciplinas de las artes regionales.

Esta instancia, que algo tuvo de las premiaciones faranduleras a todo lujo estilo los Oscar o MTV, diseñadas para excitar al “gran público”, viene en su versión 2012 a satisfacer algunas líneas huecas de las artes y del desarrollo, incluso de las comunicaciones mediales lugareñas: reunir a los creadores, visibilizar una actividad que se propone salir de la marginalidad: el Arte. Y, desde luego, enriquecer el acceso a obras.

Se genera retroalimentación. Los creadores con “la gente”. En una de ésas logramos empalmar con un acercamiento al porqué de esta actividad, de esta Industria, como pretenden verla algunos, en circunstancias que el alma colectiva va notándose cada día más en medio del caos citadino.

Es sanísimo que nuestro Concepción se distraiga hacia un lugar menos común que el mall y se escurra hacia un eje abordable, una oportunidad de desarrollo humano al alcance de cualquier alma. Sin dudas podemos afirmar: el Arte sí alcanza para todos, si lo duda, diríjase al correo que más abajo se anotará.

En el Ceres 2011, fui nominado porque nuestro film “Wunul: Concierto de Pájaros” había sido estrenado en ArTV. Luego, cabíamos en las bases y me pareció interesante vestir “de bien” y darme una vuelta a ese complejo de palacios que rodean el palacio principal: El Casino. Nada que decir: el teatro que poco a poco se llenaba de público junto a los nominados y a

algunas personalidades reconocibles del Concepción “cultural” era excelente, cada comuna debiera tener uno así. Pero, como sabemos, ni Concepción se la puede. Hay que consignar que en estos eventos debieran ser los artistas, y no otros importantes personajes, el centro de la atención. Por ahí veíamos llegar a algún auspiciador y era como que apareciera Lady Di resucitada. Luces y entrevistas para ellos, mientras los nominados preguntábamos si teníamos asientos. Creo que en una ceremonia dispuesta para las artes, lo mínimo que se espera es que los periodistas dejen las entrevistas a los alcaldes para otra hora e intenten dialogar con un segmento que está observando profesionalmente el devenir social.

Los artistas están llamados a hacerse dueños de los premios, como lo hizo Yogui de Emociones Clandestinas durante el certamen del año pasado. O sea, pulsar este evento de premiación y encontrar un discurso coherente que se enfoque hacia el público.

Sería espectacular saber cómo reciben un halago en sociedad quienes se entregan de manera colosal a la búsqueda de la belleza en las profundidades invisibles del Aquí. Las artes son un trabajo complejo, qué duda cabe. No son pocos los artistas que concluyen autoeliminándose ante el precipicio de la vida, de la armonía de la belleza contra la realidad. Por ahora, toca a los artistas asumir el tiempo y los espacios que se abren. La belleza en algún porcentaje es delirio y por lo menos para mí el arte puede ser una ruta de conocimiento y reflexión, además de ser lo más entretenido del mundo. Ojalá el lector tenga oportunidad de ser nominado o piense en quien nominar. Nominemos a alguien y participemos de esta fiesta que cae en la primavera que aparece. Se podrá ver además por la tele local, que en esta ocasión amenaza con trasmitir en alta calidad. B

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Por Marcela Johnson

The Well ECM Records, 2012

Niño Cohete Beats Discos, 2012

Tord Gustavsen Quartet Quizás lo más importante para una banda que recién comienza es tener las cosas claras. Y si además han obtenido logros, mucho mejor. Claro, porque el quinteto local, que alguien bautizó como la esperanza blanca del rock penquista, ganó el Cuarto Festival de Bandas UdeC, el segundo lugar en el concurso Peugeot Music, los cambios de dos integrantes (Nicolás Araneda y Nicolás Aravena) parecieron no afectar su camino y se abrieron un lugar en la agitada y diversa escena rockera penquista. Pero eso no es todo: su propuesta es reconocible, tienen estilo, sello propio y hasta crearon un concepto visual. Melodías sugerentes, timbres y colores atractivos, certero trabajo melódico de las guitarras, afincado en una estética infantil donde el sonido folk-indie le cabe perfecto a las cuatro canciones de este disco breve donde son recurrentes el viaje, las navegaciones, la libertad, la imaginación, los encuentros, retroceder el tiempo, buscar el Paraíso, retornar a la infancia. Canciones sencillas y evocadoras, casi como si se tratara del Principito que se refugia en este mundo infantil, a ese país del cual, como diría Teillier, uno nunca sale.

Niño Cohete Más allá de su popularidad, giras por todo el mundo y abundantes elogios de la crítica desde su debut en el 2003 con “Changing Places”, el pianista noruego sabía que debía cambiar. Y de qué forma: ahora pasa de un trío a un exquisito cuarteto, con el saxofonista Tore Brunborg, quien se suma a su suave, delicada y natural voz en el piano, contrabajo y batería para exponer material original (con estas composiciones participó el año pasado en Festival de jazz de Cheltenham y en el Festival de Música de Iglesia) y fusionar elementos del evangelio con recuerdos de España, impresionismo europeo y sonoridades folclóricas de su país, todo en un formato jazzístico que a ratos tiene la melancolía del Jarret mas emocional y el saxo del temprano Garbarek. Once composiciones llenas de lirismo y cuidada belleza conforman un álbum introvertido, intimista, atmosférico y casi susurrante a través de baladas, rapsodias y góspel. Notables “Circling”, “On every corner”, el tema que le da el título al álbum e “Inside”, que es el epítome de la discreción. El cuarteto es casi perfecto, de una comunicación profunda y que entiende magníficamente el poder de la quietud y el dramatismo sin concesiones. Para seguirlo.

Destacados Pájaro de Chile Cía Teatro Reconstrucción Dirección / Rodrigo Pérez Dramaturgia / Leyla Selman 7, 8, 9, 12, 13, 14 y 15 de sep.

Corporación Cultural Artistas del Acero O`Higgins 1255 Teléfono 041 - 295 44 82 $3.000.- general $2.000.- dcto.

LANZAMIENTO EP

FALLA ELECTRICA Presentación en vivo del proyecto electrónico/ visual de Yoghi Alvarado (Emociones Clandestinas) y videoarte República Portátil, Formato completo de Imágenes.

Videoclips: Terkofilms+República Portátil 6 de sep / 20 hrs Corporación Cultural Artistas del Acero O`Higgins 1255 General: $2.000 (Incluye Link de descarga del EP) / Entrada Rebajada (estudiantes y socios Artistas del Acero): $1.000 (Las entradas Incluyen link QR de descarga digital del EP).

Anatomía del Deseo Juanita Paz Saavedra 15 y 29 de sep Living Romm Prat 592 $2.000.- general

MANUEL GARCÍA SINFÓNICO 07 y 08 de septiembre a las 20 hrs.

Teatro UdeC.

Se trata de 13 obras compuestas por Manuel García y que serán interpretadas por él junto a la Orquesta en formato sinfónico, con arreglos de Carlos Zamora y la dirección de Francisco Núñez.

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PROGRAMACION SEPTIEM LUNES 3

CONCIERTO DE FELICIANO SALDIAS + YAYA FUENTES / Música Artistas del Acero / 20:00 hrs G $ 2.000

BA C (ENCUENTRo PRELIMINAR PERFoRMANCE) INTERNACIoNAL CoNCEPCIóN ToME CHILE 2012

MANUEL GARCIA SINFONICO / Música Teatro UdeC / 20:00 horas G $10.000, C $ 6.000, E $ 5.000

11.00 hrs / Charla 15.30 hrs a 18.00 hrs / Performances

FIESTAS FREE MIND EN EL LIVING ROOM

El Averno / 19.00 Entrada liberada, cupos limitados

JUEVES 6

Música Dance / de 18.00 a 20.00 Prat 592 $2.000 / Barra Abierta

MARTES 4

Artistas del Acero / 20:00 hrs G $2.000 y C $1.000

MOSTRAR EL CINE EN DICTADURA NOSTALGIA DE LA LUZ/ Cine

CLÁSICOS DEL ROCK & ROLL

CICLO DE CINE DEL ARCHIVO DE CULTURA TRADICIONAL

CONCIERTO FALLA ELÉCTRICA /Música

Sala de espetáculos Artistas del Acero / 19:00 hrs Entrada liberada

BA C (ENCUENTRo PRELIMINAR PERFoRMANCE) INTERNACIoNAL CoNCEPCIóN ToME CHILE 2012

MARTES CHILENEROS

11.00 hrs / Charla 15.30 hrs a 18.00 hrs / Performances

El Averno Entrada liberada, cupos limitados

STROMBOLI, TERRA DI DIO / Cine Clásico Sala Andes /16.00 hrs Entrada liberada

BA C (ENCUENTRo PRELIMINAR PERFoRMANCE) INTERNACIoNAL CoNCEPCIóN ToME CHILE 2012 11.00 hrs / Presentación BA C 15.30 hrs a 18.00 hrs / Performances

JUEVES SERÁ /Literatura Artistas del Acero / 19:00 hrs Entrada liberada

MOSTRAR EL CINE EN DICTADURA I LOVE PINOCHET/ Cine Marcela Said Alianza Francesa / 19:30 hrs Entrada liberada

NOCHE DE JAZZ Y VINO / TRIBUTO A SADE

Música Dance / de 18.00 a 20.00 Prat 592 $2.000 / Barra Abierta

MOSTRAR EL CINE EN DICTADURA ESTADIO NACIONAL/ Cine Carmen Luz Parot Alianza Francesa / 19:30 horas Entrada liberada

CONCIERTO FABIOLA GONZÁLEZ “LA CHINGANERA” / Música Artistas del Acero / 20:00 hrs G $ 3.000

TROBA CONCE / Música Sala Andes / 20:00 hrs Entrada liberada

CHICO TRUJILLO /POR LA RAZON O LA FUERZA Suractivo / 20:00 hrs G $ 6.000

JASON BONHAM`S, LED ZEPELLIN EXPERIENCE La Tortuga / 21:00 hrs $ 30.000, $ 25.000, $ 20.000,

SABADO 8

Suractivo / 20:00 hrs G $ 12.000

ENCUENTRO CIMAPE / Magia

VIERNES 7

PAJARO DE CHILE / Teatro

Del Aire Artería 11.00 hrs / Charla “Gestión Cultural” Expone Rosa Valdivia 15.30 hrs / Performances Entrada Liberada

MANUEL GARCIA SINFONICO / Música

MIERCOLES 5 FIESTAS FREE MIND EN EL LIVING ROOM

Patricio Guzmám Alianza Francesa / 19:30 horas Entrada liberada

BA C (ENCUENTRo PRELIMINAR PERFoRMANCE) INTERNACIoNAL CoNCEPCIóN

ESTRENO PAJARO DE CHILE / Teatro Cía. Reconstrucción Dir. Rodrigo Pérez Artistas del Acero / 20:00 hrs G $3.000 y C $2.000

Sala Andes / 12:00 hrs Entrada liberada

Cía. Reconstrucción Dir. Rodrigo Pérez Artistas del Acero / 20:00 hrs G $3.000 y C $2.000

Teatro UdeC / 20:00 horas G $10.000, C $ 6.000, E $ 5.000

CAFE TACUBA / Música Suractivo / 21:00 horas $ 22.000, $ 11.000

30 G General / E Estudiantes / TE Tercera Edad / C Convenios / A Actores / PA Platea Alta / CL El Sur Socios Club Diario El SUR

MBRE DOMINGO 9

PAJARO DE CHILE / Teatro

LA LECCIÓN DE PINTURA / Martes Cinematográficos

FIESTAS FREE MIND EN EL LIVING ROOM

Cía. Reconstrucción Dir. Rodrigo Pérez Artistas del Acero / 20:00 hrs G $3.000 y C $2.000

Teatro UdeC / 15:00, 19:00 y 21:30 hrs G $1.000 y E $5.000

MARTES CHILENEROS

Música Dance / de 18.00 a 20.00 Prat 592 $2.000 / Barra Abierta

MI FIESTA PATRIA Cía. La Otra Zapatilla.

La Nueva Concepción / 16:00 hrs G $ 1.500 Reserva al 2798441(cupos limitados)

HAPPY FEET 2/ Cine Infantil

El Averno Entrada liberada, cupos limitados

PAJARO DE CHILE / Teatro

ENCUENTRO DANZA TRIBAL Sala Andes /20.00 hrs Entrada liberada

Cía. Reconstrucción Dir. Rodrigo Pérez Artistas del Acero / 20:00 hrs G $3.000 y C $2.000

VINILOS PSICODÉLICOS CON DJ MAURICIO MELO

MIERCOLES 12

SABADO 15

Del Aire Artería / 19.00 hrs Entrada Liberada

Sala Andes /15.00 hrs Entrada liberada

OBRA DE TITERES COMPAÑIA PIRIMPIMPILO Sala Andes / 12:00 hrs Entrada liberada

LUNES 10 LOS PELAGATOS Sala Andes / 20:00 hrs Entrada liberada

FIESTAS FREE MIND EN EL LIVING ROOM Música Dance / de 18.00 a 20.00 Prat 592 $2.000 / Barra Abierta

Cía. Reconstrucción Dir. Rodrigo Pérez Artistas del Acero / 20:00 hrs G $3.000 y C $2.000

VOCES DE CHILE / Canciones Chilenas en Voz Coral, UBB

ANATOMIA DEL DESEO Dir. Juanita Paz Saavedra

Sala Andes / 19.30 hrs Entrada liberada

CLÁSICOS DEL ROCK & ROLL El Averno / 19.00 Entrada liberada, cupos limitados

DE L’AUTRE CÔTÉ DU MUR / Cine Alianza Francesa / 19:30 horas Entrada liberada

FIESTAS FREE MIND EN EL LIVING ROOM Música Dance / de 18.00 a 20.00 Prat 592 $2.000 / Barra Abierta

LA VIOLETERA / Cine Clásico Sala Andes /16.00 hrs Entrada liberada

MAMA MIA / Cine Sala Andes /19.00 hrs Entrada liberada

Living Romm Prat 592 G $2.000

CLÁSICOS DEL ROCK & ROLL

JUEVES 13 JAZZUP / Espectáculo de jazz ARGENTINA-CHILE Quinteto Cavalli/Cruz (Argentina) y Ensamble Quintessence (Chile) Teatro UdeC / 20.30 horas G $13.000, B $ 5.000, E $ 7.000

JUEVES SERÁ /Literatura Artistas del Acero / 19:00 hrs Entrada liberada

PAJARO DE CHILE / Teatro

MARTES 11

PAJARO DE CHILE / Teatro

Cía. Reconstrucción Dir. Rodrigo Pérez Artistas del Acero / 20:00 hrs G $3.000 y C $2.000

El Averno / 19.00 hrs Entrada liberada, cupos limitados

LUNES 17 CLÁSICOS DEL ROCK & ROLL El Averno / 19.00 Entrada liberada, cupos limitados

MARTES 18 CICLO DE CINE DEL ARCHIVO DE CULTURA TRADICIONAL Sala de espetáculos Artistas del Acero / 19:00 hrs Entrada liberada

NO / Martes Cinematográficos

VIERNES 14

Teatro UdeC / 15:00, 19:00 y 21:30 hrs G $1.000 y E $5.000

Cía. Santobordel Sala Andes / 20:00 hrs Entrada liberada

MARTES CHILENEROS

CARMEN TIZON / Teatro

El Averno Entrada liberada, cupos limitados

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MIERCOLES 19

FIESTAS FREE MIND EN EL LIVING ROOM Música Dance / de 18.00 a 20.00 Prat 592 $2.000 / Barra Abierta

JUEVES 20 JUEVES SERÁ /Literatura

E.P.I. ENCUENTRO INDEPENDIENTE DE PERFORMANCE Lota 2012 Entrada liberada

HUGO / Cine Contemporáneo Sala Andes /19.00 hrs Entrada liberada

Artistas del Acero / 19:00 hrs Entrada liberada

PASAJE 8 / Danza Cía. INSINU Artistas del Acero / 20:00 hrs G $1.500

LA GRAN VARIETE / Teatro Sala Andes / 20:00 hrs Entrada liberada

LUNES 24 INAUGURACIÓN DE EXPOSICIÓN LUIS ALBERTO HIDALGO BASTIEN / Pintura con música en vivo de Johana Hitschfeld.

Del Aire Artería / 19:30 horas Entrada Liberada

GLADYS / TEATRO EN EL TEATRO

Cía. INSINU Artistas del Acero / 20:00 hrs G $1.500

Dir: Elisa Zulueta Teatro UdeC / 21.00 hrs G $ 12.000 / C $ 9.000 / B $ 8.000 / E: $ 5.000

BRUNO / Teatro infantil Sala Andes / 12.00 hrs Entrada liberada

SABADO 22

EXHIBICION DE PLIPOS 3/ Serie Animada Preescolar Sala Andes /12.00 hrs Entrada liberada

GABRIEL ALCAYAGA en VIVO Del Aire Artería / 19:00 hrs.

Adhesión $1.000.- c/cover

CLÁSICOS DEL ROCK & ROLL El Averno / 19.00 Entrada liberada, cupos limitados

CHARLA PLUS 2012 Sala Andes / 11.00 hrs Entrada liberada

E.P.I. ENCUENTRO INDEPENDIENTE DE PERFORMANCE Lota 2012 Entrada liberada

CARMEN TIZON / Teatro Cía. Santobordel Sala Andes / 20:00 hrs Entrada liberada

FIESTAS FREE MIND EN EL LIVING ROOM Música Dance / de 18.00 a 20.00 $2.000 / Barra Abierta

E.P.I. ENCUENTRO INDEPENDIENTE DE PERFORMANCE Lota 2012 Entrada liberada

ENCUENTRO UNIVERSITARIO DE FOLCLORE

VIERNES 21

PASAJE 8 / Danza

MIERCOLES 26

MARTES 25

MARTES CHILENEROS

Sala Andes / 19.30 hrs Entrada liberada

JUEVES 27 TRASBAMBALINAS / Banda de Música Puerta Roja / 20.00 hrs Entrada liberada hasta las 22:00 después $3500 Con Cover

E.P.I. ENCUENTRO INDEPENDIENTE DE PERFORMANCE Lota 2012 Entrada liberada

VIERNES 28 FLORIDA / Música Artistas del Acero/ 20:00 hrs G $ 2.000

FIESTAS FREE MIND EN EL LIVING ROOM Música Dance / de 18.00 a 20.00 Prat 592 $2.000 / Barra Abierta

E.P.I. ENCUENTRO INDEPENDIENTE DE PERFORMANCE Lota 2012 Entrada liberada

El Averno Entrada liberada, cupos limitados

DOMINGO 23

MI FIESTA PATRIA Cía. La Otra Zapatilla.

La Nueva Concepción / 16:00 hrs G $ 1.500 Reserva al 2798441(cupos limitados)

TOY STORY 3/ Cine Infantil Sala Andes /15.00 hrs Entrada liberada

OBRA DE TITERES COMPAÑIA PIRIMPIMPILO

INAUGURACIÓN DE EXPOSICIÓN EVELYN ROSAS Artistas del Acero/ 19:00 horas Entrada Liberada

E.P.I. ENCUENTRO INDEPENDIENTE DE PERFORMANCE Lota 2012 Entrada liberada

SABADO 29 UP, UNA AVENTURA EN ALTURA / Cine Infantil Sala Andes /12.00 hrs Entrada liberada

CONCIERTO DE CÁMARA Nº 7 Orquesta Sinfónica Universidad de Concepción Teatro UdeC / 19.00 hrs G $5.000 / E $2.000 / B $2.500 / C $3.000

Sala Andes / 12:00 hrs Entrada liberada

32 G General / E Estudiantes / TE Tercera Edad / C Convenios / A Actores / PA Platea Alta / CL El Sur Socios Club Diario El SUR

DANZA CLÁSICA DE INDIA / Danza

EXPOSICIONES / SEPTIEMBRE

Artistas del Acero/ 20:00 hrs G $ 3.000 / C $ 2.000

SANTIAGO ESPINOZA

ANATOMIA DEL DESEO Dir. Juanita Paz Saavedra

Sala exposiciones Artistas del Acero / del 28 de agosto al 21 de septiembre de 10:00 a 20:00 hrs Entrada liberada

Living Romm Prat 592 G $2.000

CARMEN TIZON / Teatro Cía. Santobordel Sala Andes / 20:00 hrs Entrada liberada

DOMINGO 30

MI FIESTA PATRIA Cía. La Otra Zapatilla.

La Nueva Concepción / 16:00 hrs G $ 1.500 Reserva al 2798441(cupos limitados)

OBRA DE TITERES COMPAÑIA PIRIMPIMPILO Sala Andes / 12:00 hrs Entrada liberada

LOS AMORES DE CARMEN / Cine Clásico

SALA DE EXPOSICION UCSC de 10:00 a las 13:00 horas y de 15:00 a 19:00 horas Entrada liberada

PLUSS 2012 / Muestras de Diseño Sala Andes / del 02 al 26 de septiembre / de 10:00 a 12:30 horas / 15.00 a 19.00 hrs Entrada liberada

EVELYN ROSAS Sala exposiciones Artistas del Acero / del 28 de septiembre al 21 de octubre de 10:00 a 20:00 hrs Entrada liberada

EXPOSICIONES EN CASA DEL ARTE Sala Tole Peralta ( ex Sala 1): Maestros Fundadores de la Pintura Chilena.

Sala Grandes Maestros (ex – Sala 2): Maestros de la Pintura Chilena.

Sala Marta Colvin: ( ex Sala-4): Exposición Fuego y Mar. (esculturas gres) Del 14 de agosto al 23 de septiembre.

Exposición Generación del Trece. de 10:00 a 18:00 hrs Entrada liberada

Sala Andes /16.00 hrs Entrada liberada

BATMAN EL CABALLERO DE LA NOCHE / Cine Contemporáneo Sala Andes /19.00 hrs Entrada liberada

INAUGURACIÓN EXPOSICIÓN SANTIAGO ESPINOZA Artistas del Acero / 19.00 hrs Entrada liberada

SALAS Y TEATROS Corporación Cultural Artistas del Acero O`Higgins 1255 Teléfono 041 - 295 44 82

Teatro Universidad de Concepción

Del Aire Artería Lincoyán 40 Teléfono 09 - 786 39 138

La Puerta Roja Rengo1634 esquina Argentina

O`Higgins 650 Teléfono 041 - 222 71 93

Living Room

Alianza Francesa

Auditorio Balmaceda Arte Joven

Colo-Colo 1 Teléfono 041 - 322 05 25

Colo Colo 1855

Aula Magna UCSC

Diagonal Pedro Aguirre Cerda 1054 Teléfono 041 221 12 56

Caupolicán 491 Teléfono 041 - 234 50 00

El Averno Janequeo esquina Maipú

Centro Cultural La Nueva Concepción Janequeo 629 Teléfono 041 - 279 84 41

Prat 592

Sala Andes

Rukalihuen Cochrane 971 Teléfono 041 224 74 55

Casa del Arte Chacabuco esquina Paicaví Teléfono 041 223 90 07

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GYROS PIZZA Paicavi 165 Plaza Perú

GYROS

Plaza Perú 133

CHOCOLATE San Martín 685 Local 14