OLD Nº 77

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expediente

revista OLD #número 77

equipe editorial direção de arte texto e entrevista

Felipe Abreu e Paula Hayasaki Tábata Gerbasi Angelo José da Silva, Felipe Abreu e Paula Hayasaki

capa fotografias

Catalina Juger Catalina Juger, Cristóbal Olivares, Diego Bresani, Marlene Freniche e Naira Mattia

entrevista email facebook

Rosalind Fox Solomon revista.old@gmail.com www.facebook.com/revistaold

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índice

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livros prêmio brasil fotografia exposição

catalina juger por tfólio

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cristóbal olivares por tfólio

naira mattia por tfólio

rosalind fox solomon entrevista

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diego bresani por tfólio

marlene freniche por tfólio

reflexões coluna

carta ao leitor

Com esta edição comemoramos mais um aniversário. O oitavo. Muita coisa mudou nesses anos de trabalho, mas a missão da OLD segue a mesma: dar espaço ao melhor da fotografia contemporânea, produzida por autores emergentes, sempre buscando inovar em seus processos, linguagens ou resultados. Já são mais de trezentos artistas apresentados desde 2011 e temos muito orgulho deste número que seguirá crescendo a cada nova edição.

Em nossa septuagésima sétima, trazemos cinco artistas de imenso talento, além de uma entrevista especial.

Catalina Juger assina a capa do nosso novo número com seu ensaio Útera, que registra mães e suas filhas em retratos de união e força. Há um poder

imenso em cada uma das imagens apresentadas.

Seguimos com A-MOR, de Cristóbal Olivares, que encara o feminicídio de maneira direta, com profunda atenção e respeito. Naira Mattia apresenta sua recente produção e sua maneira de unir corpo e formas de maneira surpreendente. Diego Bresani e Marlene Freniche fecham esta edição com trabalhos de imagens e processos de criação de grande potência.

No meio destes poderosos trabalhos está uma entrevista com Rosalind Fox Solomon. Com mais de cinquenta anos de carreira, a fotógrafa americana gentilmente cedeu seu tempo para a entrevista que marca a comemoração de um ano de vida da OLD. por Felipe Abreu

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livros

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APORIA de Andrew Waits

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ossas cidades estão cada vez maiores, a terra cada vez menos receptiva. Já sabemos que o cinza domina o verde em espaços cada vez mais verticais, com mais gente, menos espaço. Este crescimento urbano desordenado e que impacta a vida de todos é o tem de Aporia, de Andrew Waits. Livro ganhador do concurso de bonecos organizado pela Fiebre Books na Espanha, a publicação propõe a construção de uma narrativa ficcional entre cidades e personagens em transe, numa criação que não se propõe documental, mas explora um problema de extenso impacto social.

O livro carrega sua mensagem com fotografias que fogem do óbvio. Mais que grandes imagens de denúncia, Waits busca construir sua narrativa através dos detalhes, de maneira sugestiva.

Disponível no site da Dalpine valor R$160 112 páginas 6

livros

COMO LA CASA MÍA de Laura C. Vela

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sentimento de pertencimento é o que guia esta narrativa. Uma espanhola e uma chinesa convivem em Madrid. As duas em busca de seu lugar no mundo. Laura C. Vela registra sua convivência e amizade com Xirou Xiao ao longo de três anos e sua busca por se encontrar. O registro carinhoso de Xiao dá uma leveza ao trabalho, que confia muito em seus retratos como eixo narrativo para o trabalho. Em tempos de movimentos e mudanças geográficas profundas, o afeto presente neste registro de um dos grandes efeitos da globalização se livra do ar de frieza que muitos trabalhos sobre o tema podem ter. Esta é uma história sobre proximidade, carinho e uma busca sobre o melhor lugar para se estar, sobre o que te faz pertencer ou não ao lugar em que se vive.

Disponível no site da Dalpine valor R$125 176 páginas 7

exposição

8 Detalhe de ABC da Cana, de Jonathas de Andrade.

COM OS OLHOS VOLTADOS AO NORDESTE Exposição no SESC 24 de Maio reúne obras de mais de uma centena de artistas e apresenta suas interpretações para a ideia de estar À Nordeste.

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artista Yuri Firmeza lança a provocação que rege a proposta da nova exposição no SESC 24 de Maio: “A Nordeste de que?”. A partir deste questionamento de conexão geopolítica, o trio de curadores Bitu Cassundé, Clarissa Diniz e Marcelo Campos iniciou o processo de criação para À Nordeste, que reúne obras de mais de 150 artistas e reflete sobre esta condição de espaço e de vida, que busca romper com os estereótipos construídos sobre a região Nordeste do país.

Apostando em obras dos mais diversos suportes, a mostra busca manter

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um ritmo pulsante em todas as criações apresentadas. Se nota a força na produção de cada artista, uma pulsão que mantém uma intensidade invejável ao longo de toda a exposição.

A heterogenia das obras trabalha a favor de À Nordeste que pode assim apresentar a pluralidade do cenário artístico no qual se centra, além de romper limites sobre o espaço de circulação de determinados tipos de criação, como os memes, que entram na mostra com o coletivo Saquinho de Lixo. Pela sua extensão e complexidade temática, a exposição foi dividida em oito núcleos, que agrupam

temáticas e processos, facilitando a visita ao espaço: Futuro, Insurgência, (De)colonialidade, Trabalho, Natureza, Cidade, Desejo e Linguagem.

Acima de tudo, a sensação de transformação e indagação política é o que rege esta poderosa e extensa mostra, que conta com trabalhos comissionados especialmente para a mostra, além do incrível acervo já citado.

O SESC 24 de Maio recebe À Nordeste até o dia 25 de Agosto e fica na Rua Vinte e Quatro de Maio, 109, no centro de São Paulo.

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CATALINA JUGER Útera

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corpo é assunto da fotografia desde seu início. Dentro desta história o feminino foi usado em longos momentos de maneira sexualizada e vazia, criando um protagonismo torto para as mulheres presentes nestas imagens. Em Útera, Catalina Juger busca transformar a relação da fotografia com a nudez de mulheres e meninas, criando imagens de força, afeto e construção de laços entre mães e filhas. São imagens que colocam as pessoas fotografadas no centro das atenções, em um protagonismo muito bem vindo, que abre espaço para uma relação mais potente para o corpo dentro da imagem fotográfica.

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Ter uma imagem com sua filha, nuas em frente à câmera, seria um Catalina, como começou seu interesse pela fotografia?

Começou como uma exploração. Eu estudei música no conservatório e durante este período de estudos encontro uma câmera analógica na minha casa, com a qual começo a fotografar. Retratei amigos, a rua, minhas férias, entre outras coisas. Assim me dei conta que sempre tive uma fascinação pelo aparato fotográfico e pela imagem. Abandono os estudos formais em música e começo a estudar fotografia. Neste ponto começa um desenvolvimento e começo a encontrar mais valor neste campo e em mim mesma, senti que aprendia algo que tinha muito sentido e que foi muito importante para mim.

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Nos conte sobre o processo de criação de Útera.

Foi um processo longo, que começou em 2013 enquanto estudava fotografia. Naquele momento tinha um grande interesse em como nós mulheres nos relacionávamos através da maternidade y como se constroem vínculos familiares. Em 2012 tinha feito um projeto no qual documentava toda a gravidez e parto de uma mulher que optou por ter seu filho em casa. Útera é, de certa forma, a continuação deste processo de busca por nós, mulheres. Comecei a escrever a várias mulheres que acreditava que teriam interesse no projeto.

De todas elas, apenas uma me respondeu. Deste contato sai o primei-

processo de aceitação e cura. ro retrato da série e com ele corre a história e logo começam os contatos. Cheguei às mulheres retratadas quase por boca a boca. Chegava nos lugares e logo alguém me dizia “tenho uma amiga que quer ser retratada com as filhas” e assim o projeto foi ganhando corpo. Foi um processo muito bonito, no qual conheci muitas mulheres e suas visões pessoais sobre o que estavam fazendo. Muitas queriam ser retratadas porque sentiam que era algo importante para elas. Por exemplo, uma delas me disse que queria ser fotografada porque sempre sentiu que seu parto tinha

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sido muito frustrante - por ter sido uma cesárea - e que ter uma imagem com sua filha, nuas em frente à câmera, seria um processo de aceitação e cura.

Como as retratadas participaram na construção das imagens? Quanto delas está em cada foto e quanto de você está nelas?

Há muito delas nas minhas imagens.

No momento de fazer as fotos, não dizia para elas como posar, sempre tentei que fosse o mais natural possível, por mais que já tivesse visitado o espaço e visto o melhor local para fazer as fotos. Acredito que tem muito delas e muito de mim em cada fotografia. Vejo o processo como um diálogo entre todas as que participaram dele.

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Qual a importância política de dar protagonismo a estas mulheres e seus corpos? É de grande importância mudar a percepção e interpretação que temos do corpo e da nudez feminina. Houve durante muito tempo um monopólio destas imagens, sobre quem comunicam e como o fazem. Neste processo os homens tiveram o poder. É urgente deixar de supersexualizar um corpo nu, principalmente o de mulheres e meninas, e dar a ele interpretação de acordo com seu contexto. Eu uso a nudez de mulheres e meninas para falar de outras coisas, como o vínculo, o gesto, o tato e tudo isto que não é perceptível apenas pelo olhar, que nos fala da conexão entre mulheres de uma mesma família. Este ato já tem em si próprio uma grande importância política.

Porque você escolheu a fotografia para lidar com este tema? Você acredita que a precisão da imagem técnica era fundamental para trazer estar mulheres a este papel de protagonismo?

Uso a fotografia porque é o meio no qual me desenvolvi, o que me é mais confortável e no que mais me divirto.

Uso a fotografia como uma dualidade entre o descritivo e o poético e este trabalho me deixa com um pé na realidade e outro na sugestão. Este é um projeto no qual há mais perguntas que respostas e o fato de poder mostrar um tema complexo de captar em um aparato técnico ajuda a equilibrar esta dualidade. 

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CRISTÓBAL OLIVARES A-MOR

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feminicídio é um tema tristemente atual. As estatísticas de mulheres assassinadas por questões de gênero e violência doméstica são estarrecedoras.

Ao se aproximar d0 tema, Cristóbal encontrou um caminho de pesquisa e respeito, de contato constante com as famílias das vítimas, criando um problema sério, que traz necessária atenção ao tema, reforçando este debate tão atual. Em AMOR, Cristóbal fotografa espaços ligados aos cri-mes, objetos e locais importantes para as vítimas e traz imagens de arquivo que não só ajudam a dar potência ao trabalho como mostram a atenção pública dada a estes casos.

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Cristóbal, como começou seu interesse pela fotografia?

Meu avô por parte de mãe era um fanático da fotografia e levava uma eternidade para fazer os retratos de família. Este ritual sempre foi um grande evento. Também, enquanto meus pais estavam no trabalho, costumava pegar a câmera da família (uma de bolso dos anos 90) sem autorização e fotografar pela casa com meu irmão. Fazíamos só algumas fotos, para não usar todo o filme (que sempre foram caros na América Latina) e evitar de ser descobertos até que o filme já estivesse revelado.

Nos conte sobre o processo de criação de A-MOR. Comecei este projeto em algum mo-

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mento de 2012, primeiro investigando e tentando fazer alguns contatos, na sua maioria com familiares de vítimas de feminicídio. Este é um termo utilizado para tratar de um “assassinato de uma mulher” relacionado a um conflito de gênero. A cada ano acontecem mais de 50 feminicídios no Chile. Sua maioria por cônjuges das vítimas. Uma das primeiras coisas que despertou esta ideia foi que em 2012 mais de 6 mulheres morreram como vítimas de seus esposos em uma semana. Logo, durante o processo de realização do trabalho pouco a pouco me dei conta de que minha história familiar era uma razão para fazê-lo. Venho de uma família separada, acostumado às brigas dos meus pais, normalizava este

Acredito que a fotografia sempre tem um peso político importante, ainda que seja uma fotografia muito pessoal e introspectiva. tipo de relação com muita violência psicológica. Busquei os lugares relacionados aos crimes, lugares comuns e de conexão pessoal com cada uma das vítimas. Também fotografei suas roupas favoritas, diários, cartas, objetos, etc. Tudo o que me falasse da identidade de cada mulher e que me afastasse de um simples número ou estatística com as quais costumam ser tratadas as mulheres que sofrem violência doméstica. Mais tarde, em 2015, publiquei um livro (com direção de arte de Aribel González, diretora da editora Buen Lugar) sobre o projeto e inaugurei uma exposição

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no Museu de Arte Contemporânea de Santiago, no Chile. Em 2016 também retratei algumas mulheres que sobreviveram a episódios extremos de violência doméstica.

Este projeto tem como forma final um livro publicado pela Buen Lugar. Porque você sente que o livro é o melhor formato para apresentar esta história?

Não sei se é o melhor, acredito que todas as plataformas de publicação e realização tem suas vantagens e desvantagens. A-MOR foi publicado como livro, exposição e como site dedicado ao projeto. Para mim, o mais importante foi o livro porque é ao que me dedico na editora e porque gosto muito deste formato. É algo que divido com Aribel, que também é minha companheira, então de alguma

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maneira tudo me leva ao desejo de querer imprimir. Também está a importância do objeto, o tato, seu odor, seu desgaste é algo que nem uma exposição nem um site te podem dar.

Entregar o livro aos familiares das mulheres não é o mesmo que enviar um link para o site ou convidá-los a uma exposição. Acredito firmemente que as coisas podem se complementar e ao mesmo tempo ter uma identidade própria. Dominar o formato de publicação é o importante.

O tema deste trabalho tem um peso político e social super forte. Qual é a importância de investigá-lo como fotógrafo? Você vê este trabalho como um manifesto político, além de sua função artística?

Acredito que a fotografia sempre tem um peso político importante, ainda

que seja uma fotografia muito pessoal e introspectiva. Agora, este trabalho mais do que uma denúncia é uma forma muito pessoal de me aproximar do tema, tentar entender e refletir sobre ele e as histórias pessoais ao seu redor. Em um segundo passo, se descobrem grandes negligências por parte do governo, experiências que são compartilhadas por pessoas que conheci neste caminho. Portanto, é inevitável não ter uma opinião, não fazer uma declaração e a tornar pública. Buscar a criação de mais diálogo é uma forma justa de vê-lo. Ainda estou aprendendo com esta experiência, é um processo lento para romper o que você acredita que significa ser homem e o comportamento que está associado a esta crença. Sigo cometendo erros, mas sempre tentando mudar. 

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ores, formas e gestos são os pontos centrais da fotografia de Naira Mattia. Mais do que apostar em técnicas tradicionais de retrato, os corpos apresentados são recortados e iluminados para que suas formas sejam o principal elemento comunicador dentro da imagem. A integração entre os formatos de espaços, objetos e pessoas dá uma notável unidade às fotografias que apresentamos a seguir, em um processo no qual, mais que criar uma série, se busca a construção de um estilo visual.

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O corpo na fotografia não vem pra Naira, como começou seu interesse pela fotografia?

Cheguei na fotografia pelo desenho.

Era uma adolescente bem solitária, então passava horas e horas do meu dia desenhando e procurando referências. Apesar da dedicação, era difícil evoluir. Por ser de um interior meio afastado, tinha muita dificuldade de acesso a cursos e informação. Não existia nada relacionado a Arte por lá. Não tinha museu, centro cultural… E o que chegava, fosse livro de culinária dos anos 70 (meu pai teve uma livraria nessa época, então era o que tinha na biblioteca de casa) ou revista de coluna social do interior, eu lia e guardava. Até que comecei a descobrir algumas coisas na Internet. Foi pesquisando

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referências pra desenhos que comecei a acompanhar o trabalho de algumas fotógrafas gringas, pesquisar também sobre câmeras e processo fotográfico. No meu tempo livre ia a sebos e lia guias técnicos de fotografia analógica. Fui pegar uma câmera DSLR na mão só anos depois, já com 19 e fazendo faculdade em São Paulo. Na teoria sabia tudo, rs, mas ainda demorou pra sair algo bom disso.

Você encontrou um equilíbrio muito marcante entre sua produção comercial e autoral. Quais são os pontos chave neste processo? Que códigos estéticos você busca construir nas suas fotografias?

De tudo que produzo, divulgo o que tem mais a ver com a personalidade

mim como um retrato, como uma identidade individual. do meu corpo fotográfico, fazendo com que as propostas comerciais, que chegam em sua maior parte pelo Instagram, já venham filtradas pela minha proposta estética. Segundo, as limitações da produção. Na real, é quase incontrolável esse processo de equilíbrio entre os dois universos porque, tanto no autoral quanto no comercial, sou eu quem fala, sou eu quem traduz usando os códigos que conheço e descubro. Tem momentos em que meu autoral está muito ativo, gerando bastante substrato e é isso que uso pra destravar ideias em trabalhos de clientes. Em outros

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momentos, como o que estou agora, o autoral silencia; mas, quando vejo, sou eu falando nas entrelinhas dos trabalhos comerciais. O que busco construir nessas duas frentes do meu trabalho têm muito a ver com a harmonia. Gosto de limpar uma cena até chegar no mínimo necessário, e que as linhas todas trabalhem a favor do que eu quero mostrar ou dizer.

Como você busca trabalhar a cor e a direção de arte nas suas imagens?

Acho que sou muito mais uma fotógrafa de revelação do que de fotografia, apesar de trabalhar com digital, rs. Na hora do clique, sou muito espontânea. Costumo lidar com o que tiver disponível pela frente. Consigo tirar leite de pedra. Meu processo autoral acontece mais na pós-produção do que no planejamento. É quando

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sento com todas as imagens e começo a procurar harmonia entre tudo.

Já fotografo pensando na pós, no que pode sair de cada foto, e é meu momento de prazer.

O corpo e suas formas tem um papel importante dentro do seu trabalho. O que te atrai ao campo do retrato? Você sente uma aproximação com a escultura?

Não sei muito bem por que comecei a fotografar pelo retrato. O corpo na fotografia não vem pra mim como um retrato, como uma identidade individual. Na verdade, ele é uma forma, um recipiente. Penso as cenas como formas, linhas e volumes, e é nesse jogo de composição que o corpo aparece pra mim. Meu desejo, ao fotografar, é ver o corpo sem a camada social que nele se impõe. Abaixo dessa camada,

o corpo é neutro. Independente do seu tipo social, formato ou gênero, ocupa o espaço da forma mais harmônica que conseguir. E é essa harmonia que eu busco. Daí que vem a associação com a escultura, que parece fazer bastante sentido. 

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ROSALIND FOX SOLOMON OLD entrevista

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Rosalind Fox Solomon tem produzido incríveis fotografias, livros e exposições ao longo dos últimos cinquenta anos. Suas imagens, muito centradas no retrato como ferramenta de expressão e questionamento político, enfrentaram diversos temas e processos marcantes, entre elas a segregação racial nos Estados Unidos e o impacto da AIDS nos anos oitenta. Nas últimas duas décadas, Solomon voltou sua atenção para o universo dos fotolivros, publicando grandes obras com Steidl e MACK, reforçando o potencial narrativo de sua extensa produção visual. A OLD teve a grande honra de poder entrevistar Fox Solomon por email no início deste ano. A conversa revela sua precisa visão sobre seu importante trabalho e sua capacidade como veículo para transportar histórias adiante.

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Você tem uma produção prolífica e de sucesso no campo da fotografia. Você pode nos contar o que te levou a esta área?

Entendo que a fotografia me mostrou um caminho para a auto-expressão.

Me deu a oportunidade de interpretar o que estava vendo.

Seu trabalho é baseado principalmente em retratos. O que te levou para este caminho? O que te aproxima das pessoas que você retrata?

A fotografia me permite cruzar barreiras onde quer que eu esteja. Todos nós temos pensamentos e sentimentos interiores. Costumo ir além do espaço social para me aproximar das pessoas. Espero revelar algo interno daqueles que fotografo. Sempre trabalho em silêncio e não tento deixar meus retratados à vontade.

Você tem uma habilidade para encontrar personagens marcantes para fotografar. Seus projetos são pensados ao redor destas pessoas ou de tópicos/ conceitos que possam unir as imagens?

Tenho muitas áreas de interesse e temas que se repetem nas minhas fotografias, mas muitas vezes voltei a visitar as fotografias que fiz ao longo de distintos períodos de tempo e trabalhei com conceitos no momento de editá-las e criar a sequência visual do trabalho. Liberty Theater é um exemplo desta prática, com todas as suas imagens feitas no sul dos EUA. Quando fiz Portraits in the Time of AIDS, o conceito chegou primeiro.

Fotografei indivíduos com HIB que não tinham traços visíveis do vírus e outros com sarcoma de Kaposi.

Você produziu uma extensa lista de li-

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vros ao longo das últimas décadas. O que te faz voltar a este formato para o seu trabalho?

O que amo no processo de criação de um livro é o fato de que uma sintaxe visual pode ser criada através da edição e da sequência. Através da linguagem visual o leitor pode entender as imagens e o que a sequência estão dizendo. É recompensador poder ter tempo para fazer as imagens, aproveitar este longo processo. É excitante estar na gráfica e ver o livro emergir e o mais gratificante de tudo é segurar o livro pronto em suas mãos. É uma grande emoção.

Quais são os desafios no momento de editar um trabalho com imagens tão poderosas? O fato de que seus projetos são compostos primordialmente de retratos faz o trabalho ser mais fácil ou

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mais difícil?

Não saberia te responder. Também faço muitas fotografias sem pessoas.

Nos meus livros quero que as relações entre as imagens se mantenham fortes e com significado. Os retratos cumprem esta função para mim.

Você trabalhou com Steidl e Mack, dois dos maiores editores na atualidade. Como foi esta experiência? O que você sente que eles trouxeram para seus projetos e livros?

Chapalingas foi publicado em 2003 pela Steidl junto a uma exposição de mesmo nome no Photographische Sammlung em Colônia. As placas para o livro foram feitas a partir de cópias de 15 por 15 polegadas feitas para a exposição, feitas no meu estúdio. A já famosa perfeição de um livro produzido pela Steidl é impressio-

nante e trabalhar com Gerd Steidl foi uma experiência memorável. Estar na gráfica em Gottingen foi fantástico, é uma estrutura enorme que funciona dia e noite. A MACK publicou Them, Got to Go e Liberty Theater. As imagens para a impressão destes livros foram criadas sob minha supervisão, no meu estúdio. Elas foram enviadas para a MACK como arquivos digitais mas, antes de enviá-las, para estar certa de que elas sairiam exatamente como eu queria, até 3 ou 4 provas de cada arquivo foram feitas até serem aprovadas e estarem prontas para o livro. Trabalhar com Michael Mack tem sido extraordinário. Ele visitou meu estúdio para acompanhar as o processo de edição de cada livro. Ele é prestativo, mas busca sempre encorajar a criatividade do fotógrafo.

Usando uma imagem de cada livro,

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Mack e seu time de designers criaram a capa para as publicações. O sucesso dos livros – por dentro e por fora – é fruto de uma colaboração.

Seu trabalho pode ser tanto biográfico quanto documental. Porque você sente que é importante conectar sua história pessoal com sua produção fotográfica?

Desde o início da minha produção como artista tinha claro como minha vida pessoal influenciava meus sentimentos e forma de expressão. Apesar disso, só anos depois comecei a comentar estas conexões. O que quero dizer é que muito do que motivou a produção destas imagens é pessoal e privado. Em um certo ponto, passei a ser mais aberta. Uma das primeiras vezes em que comentei esta relação foi no momento em que fotografei

áreas nos Andes do Peru devastadas por um terremoto. Naquele momento o terremoto atuava como uma metáfora para eventos na minha vida pessoal Você foi “celebrada pelo seus retratos e conexões com o sofrimento humano, seus rituais, sobrevivência e luta” de acordo com a descrição da MACK em seu livro Got to Go. Porque você escolheu estes tópicos? Porque é importante fotografar estas situações?

Eu fotografei rituais porque estava interessada em como pessoas que estão em uma situação de dificuldade lidam com problemas que não podem ser resolvidos. Sentia que fotografar pessoas com AIDS seria importante em um momento em que elas estavam sendo isoladas e muitas vezes levadas ao ostracismo por suas

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famílias e amigos, que achavam que podiam “pegar” o vírus por estar no mesmo quarto. Muito é revelado pela luta e pela sobrevivência.

Você também lida com tópicos complexos como a segregação racial no sul dos EUA. Quais foram os principais desafios para abordar este tópico? Quais são suas preocupações ao representar as pessoas envolvidas neste tema?

Acredito que todos nos EUA estão envolvidos. Segregação e discriminação não estão limitados ao Sul. Não escrevi textos para Libery Theater.

Os expectadores irão trazer suas próprias interpretações para as imagens, o livro e suas sequências. Entendo muito bem as suas ótimas perguntas sobre como busco navegar culturas diferentes, histórias e status sociais.

Não quero criar barreiras que irão

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Desde o início da minha produção como artista tinha claro como minha vida pessoal influenciava meus sentimentos e forma de expressão. Apesar disso, só anos depois comecei a comentar estas conexões.

me inibir e me impedir de dizer aquilo que tenho que dizer de uma forma que não permite às pessoas serem complacentes. Faço o melhor que posso com a minha voz.

Você acredita que a fotografia nos aproxima ou nos afasta? Qual seria o papel do retrato dentro desta oposição?

Para mim, a fotografia pode ser um meio de expressão, como a pintura.

Não tento oferecer soluções para os

problemas, mas permitir que os expectadores vejam o que eu vi. Quero, então, que eles tragam suas próprias experiências de vida para aquilo que estão vendo e que tirem suas próprias conclusões. 

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DIEGO BRESANI Raparigueiros

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aparigueiros é o bloco de carnaval mais violento de Brasília. Realizado no Plano Piloto, o evento coloca em choque as realidades do centro da capital federal e dos frequentadores do bloco, que vem de diversos bairros periféricos da região. Para fazer os retratos, Diego montou um processo performático: sempre de câmera em vista, só fotografou quem pediu, da maneira como lhe fosse pedido. Assim, se cria um jogo de interesses estéticos e autoimagem em um processo no qual o retratado tem tanto domínio quanto o fotógrafo sobre sua representação visual.

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Ficar com a câmera na mão. EsNos conte sobre o processo de criação de Raparigueros.

O Bloco de carnaval “Raparigueiros” reúne, no centro do Plano Piloto, área nobre de Brasília, milhares de pessoas da periferia do Distrito Federal. Sempre fiquei muito intrigado com o bloco. É muito comum escutar nos blocos de carnaval de classe média/classe média alta do Plano Piloto que o “Raparigueiros” não se deve frequentar. Ano passado decidi ir e ficou claro para mim como Brasília é segregadora não apenas na sua disposição urbanística, mas também nos blocos de carnaval. As classes não se misturam. Existe o carnaval-branco-elitista do Plano Piloto e existe o carnaval negro, periférico no Plano Piloto: o “Raparigueiros”.

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Com todas essas reflexões na cabeça, resolvi levar a câmera e em vez de ficar procurando e criando imagens interessantes daquelas pessoas decidi ficar com a câmera na mão e esperar que as pessoas me solicitassem para fazer o retrato. Elas me viam fotografando e assim um retrato “puxava” outro, que “puxava” outro, que “puxava outro”.

Você teve uma abordagem bastante específica para a criação destes retratos, mais dirigida pelos retratados. Como este processo impactou as imagens finais? O que te levou a esta abordagem?

Ao fotografar o bloco me coloquei essa condição. Ficar com a câmera na mão. Esperar que me pedissem o

perar que me pedissem o retrato.

Fotografar o que desejassem. retrato. Fotografar o que desejassem.

E assim segui por horas. Fotografando grupos, casais, cabelos, tatuagens, roupas, drogas... Tudo o que me pediam para ser fotografado. Acabei me tornando o retratista no bloco, era solicitado incessantemente, e percebi que a força do trabalho estava justamente em me deixar levar por quem me chamava. É justamente o inverso de como estou acostumado a trabalhar. Eu não escolhia a pessoa que eu queria fotografar, eu era escolhido pela pessoa que queria ser fotografada. E isso faz toda a diferença.

Essa colaboração fotografo / fotogra-

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fado(a) foi a forma que encontrei de sair desse lugar do fotógrafo que apenas registra o outro com um distanciamento, para me tornar coautor dos retratos dirigidos pelos retratados.

O retrato sempre lida com a representação e a visão do outro. Como este fato é transformado ao envolver mais o retratado do que em uma produção usual?

O que percebi nestes retratos é que as poses, expressões faciais, postura corporal se repetiam muito. Talvez já influenciados pelas selfies. As pessoas fazem selfies e já sabem a sua melhor pose para um retrato, como inclinar a cabeça, a forma como mexer a boca, os gestos.Existem alguns padrões que são reproduzidos de acordo com a época. E percebi diferença de um ano para o outro.

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Fica claro, no decorrer da sequência de imagens, que muitos dos retratados queriam destacar um aspecto de seu corpo ou identidade. Como foi o processo de descoberta desta simbologia?

Como isto marca as imagens da série?

Quando eu falava para as pessoas que eu estava ali para fotografar o que elas quisessem, as reações eram parecidas. Pessoas sozinhas pediam em geral para fotografar o corte do cabelo ou da sobrancelha, tatuagens ou até mesmo um rosto ralado em uma briga. Os casais heterossexuais se abraçavam, o homem normalmente atrás da mulher. Os grupos, na maioria de homens, se juntavam e faziam gestos com os braços, expressões sérias, como se quisessem mostrar força. E de fato estavam. Por ser um encontro de várias cidades da periferia de Brasília, “Raparigueiros” é também o en-

contro de grupos rivais. Percebi que essas fotos de grupos, que mobilizavam muita gente, eram também uma demonstração de força para as outras pessoas que viam o retrato sendo feito na hora. Estavam todos sempre performando. Os retratos eram uma demonstração de poder. Em uma das fotos que considero mais importante do projeto, um garoto me mostrava um pouco de maconha que tinha, ao perceber que eu estava fotografando, seus amigos começaram a tirar dos bolsos seus celulares e numa velocidade impressionante fizeram carreiras de cocaína e colocaram ao lado da maconha para “fortalecer” a foto, como um deles disse. Importante dizer que estávamos rodeados de policiais. Fazer essas fotos, para eles, me pareceu uma prova de força. 

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X fala de isolamento, de um processo de migração e adaptação a um novo espaço. Para fazê-lo, Marlene Freniche traz parte de sua biografia para o trabalho, unindo retratos de pessoas próximas a imagens de migrantes e da aspereza da zona desértica no sul da Espanha. Com uma narrativa aberta, este trabalho convida o espectador a vagar por este espaço, construindo breves relações formais e de sentido entre as imagens, juntando as peças deste história que pode ser tanto pessoal quanto universal. EX é uma jornada aberta pelas incertezas que uma vida em movimento costuma causar.

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Tento descrever a aspereza do deMarlene, como começou seu interesse pela fotografia?

Sempre tentei imaginar o rosto do meu pai e da minha mãe quando eram pequenos, já que nunca tiveram a oportunidade de ser retratados. Algo tão corriqueiro hoje em dia era um luxo naquela época, inalcançável para uma família humilde do sul da Espanha. A fotografia é um instrumento mágico que nos faz viajar no tempo e no espaço, é grande parte da memória de tudo que nos rodeia e da nossa própria existência.

Graças a uma fotografia do meu pai em 1960, posso ver como são parecidas as suas mãos e as do meu filho.

Para mim, isto é sublime. A fotografia me comove como nenhuma outra disciplina artística, como nenhum

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outro instrumento visual.

Nos conte sobre a criação de EX. EX nasce de forma fortuita, como cada uma das imagens que fazem parte dele. Imagens captadas sem grandes intenções, anotações de objetos que chamavam minha atenção e de retratos de familiares e amigos.

Ao unir umas com outras elas iam adquirindo certo significado e encanto visual. No princípio não me interessava realizar um projeto fotográfico pessoal, fugia desta ideia, mas estas imagens, desinteressadas, me marcaram o caminho. Não tive opção, nasceu a necessidade de descubrir o que queria contar com elas.

Este trabalho tem uma narrativa bas-

senraizamento emocional e físico que vivemos como exilados tante pessoal, que exige uma sensibilidade da parte de quem o vê. Como você pensou a construção desta narrativa? Qual foi o papel da edição neste processo?

As imagens foram buscando seu lugar no projeto, foi um exercício de intuição que tentamos simplificar em um fio narrativo conduzido pela linha do tempo. Selecionamos um número de retratos de imigrantes estrangeiros na Espanha e outros de minha família próxima, que iam interpretando a realidade deles e a minha, as que coincidem de forma verdadeira, misturadas com a bela e

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desoladora paisagem da zona desértica de Almería.

Gonzalo Golpe, editor e figura influente na universo dos fotolivros, esteve comigo durante todo o caminho de seleção das imagens. Ele foi meu guia, não somente na edição do livro mas também em todo o processo criativo. Foi um imenso privilégio ter contado com seu profissionalismo e sensibilidade. Meu apego sentimental ao projeto não me deixava analisar de forma objetiva tudo o que ele englobava. EX é uma obra arriscada, com códigos bastante atuais mas difíceis de descifrar, na qual tento descrever a aspereza do desenraizamento emocional e físico que vivemos como exilados que regressam ao seu local de origem.

EX está publicado como livro, pelos

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Cadernos de Kursala. O que te marcou neste processo? Quais são os principais desafios na criação de um livro?

Muitas coisas me marcaram durante o processo de criação deste fotolivro, mas o apoio incondicional da Kursala foi importantíssimo para poder concluir meu projeto fotográfico.

A temática do trabalho se mostrou desafiadora. Tentar materializar em imagens um sentimento tão universal me dava muita pausa e dúvidas.

Tive que confiar em mim e deixar que minha experiência como exilada fluísse e fosse contando esta história.

Você criou um equilíbrio delicado entre espaços e retratos, que se complementam muito bem. Como você buscou criar estas conexões?

Existem três grupos de imagens dentro do universo EX. O primeiro

apresenta a a viagem, a incerteza e a despedida. O segundo nos convida a viver sensações de solidão, nudez, falta de adaptação e perda. O último nos mostra o caminho perdido, as feridas e a adaptação a um novo ciclo.

Na introdução do livro me posiciono e estabeleço uma relação com as imagens, tentando transmitir ao espectador a ideia de estar contemplando um trabalho autobiográfico. Ao descrever a definição de EX, dou a chave principal que acompanha cada fotografia do resto do livro. Tento falar em silêncio, de forma por vezes particular e universal, criando uma atmosfera com um caminho narrativo aberto e enigmático no qual paisagens e pessoas interpretam sentimentos como a ternura, a beleza e a aspereza, em uma conexão direta com as múltiplas facetas da vida. 

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SOBRE PAREDES E CAVERNAS DE SI

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endo sobre histórias arquetípicas encontrei a ideia de que nosso corpo e espírito se alteram significativamente quando ouvimos esse tipo de narrativa ancestral. Como se fossemos tomados pelo contexto e embalados para um mundo diferente, aquele dos sonhos, das memórias que afloram em nós, mediados pelo ritmo do contador de histórias, de sua voz, das imagens narradas que se tecem com as nossas próprias memórias, experiências e

Angelo José da Silva é professor de sociologia na Universidade Federal do Paraná e fotógrafo. Suas pesquisas mais recentes focam o espaço urbano e o grafite.

ritmos. Algo parecido com um mergulhar nas cavernas de nós mesmos, com um vaguear observando as paredes com suas pinturas rupestres sobre a pele de pedra das cidades e as montanhas com seus tons coloridos a ferro, fogo e sangue. Um insight ganhou espaço dentro de mim naquele momento. As imagens desenhadas, inicialmente, e as fotografias, depois, como que evocam aquele estado de espírito alterado pela narrativa da voz. Difícil não lembrar de Flusser e sua caixa preta. Vendo o mais recente trabalho de Alec Soth, senti essa alteração do estado de consciência à medida que navegava pelas imagens.

A narrativa visual produziu um deslocamento em mim, nas minhas memórias, que foi significativo. Retratos

de pessoas e olhares, pontos de observação cotidiana dos fotografados.

Personificação de espaços, objetos, vazios. No texto no final do livro o autor comenta que o lugar ocupado pelo fazer retratos fotográficos, “usar” os retratados e coisas assim mudou profundamente. Me marcou a realização de que a narrativa visual altera nossa forma de percepção e, muitas vezes, nos permite cavalgar diferentes formas de compreensão de um tema, de uma técnica ou de si mesmo. A narrativa dos livros de fotografia contém em si esse potencial de reativação de memórias, afinal a fotografia pode ser tomada como uma relação íntima entre tempo e luz, alquimia que faz nossos pensamentos e memórias brilharem. 

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reflexões

Me marcou a realização de que a narrativa visual altera nossa forma de percepção e, muitas vezes, nos permite cavalgar diferentes formas de compreensão de um tema, de uma técnica ou de si mesmo.

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MANDE SEU PORTFÓLIO revista.old@gmail.com Fotografia da série Fragmentos de um boêmio isolado, de Erick Peres. Ensaio completo na OLD Nº 78.