FAQ#49

FAQ Österreichische Post AG, PZ 10Z038511 P factory29 ltd., Mariahilfer Str. 76/3/31, A-1070 Vienna

fashion | design | music | film | ar t | culture

N°49

Oktober/November 2018 € 5,00

SOAP&SKIN I LADY GAGA I ALICE ROHRWACHER VIENNALE I HELEN LEVITT I RYAN GOSLING

HELEN LEVITT

nlöK ,rednaZ samohT eirelaG ysetruoC/CLL stnemucoD mliF © CLL stnemucoD mliF ;3791 ,kroY weN ,ttiveL neleH

12. 10. 2018 BIS 27. 1. 2019

I N HALT

36

44

64

FRONT

P

08

NEWS Trends, Tipps und Neuigkeiten aus Mode, Beauty, Kunst, Kultur, Film und Musik

I NTER VI EW

P

36

LADY GAGA „A Star is Born“: Die Sängerin beeindruckt in ihrer ersten Filmrolle.

MUSIC

P

44

SOAP&SKIN Nach sechs Jahren veröffentlicht Anja Plaschg ihr drittes Album.

PH OTO GRA PH Y

P

48

HELEN LEVITT Die Albertina widmet der Pionierin der Straßenfotografie eine umfangreiche Retrospektive.

FI L M

P

56

VIENNALE Das erste Programm von Neo-Direktorin Eva Sangiorgi im Überblick.

INTER VIEW

P

64

ALICE ROHRWACHER Die Regisseurin über ihren Ausnahmefilm „Lazzaro felice“

D ESI GN

P

72

HARTLEY CYCLES Fahrradschmiedin Caren Hartley fertigt Bikes nach Maß.

TRAVEL

P

78

AMSTERDAM Eine fotografische Reise in die niederländische Metropole

PH OTO GRA PH Y

P

90

CIERRA Fashion Photography by Kailas

FA SHI ON

P

10 0

DENIM IN GRÜN Junge Modelabels setzen auf umweltschonende Jeans-Produktion.

ART

P

104

JEAN-MICHEL BASQUIAT Zum 30. Todestag: ein XXL-Band zu Leben und Werk des US-Künstlers.

FI L M

P

110

FIRST MAN Ryan Gosling in Damien Chazelles Astronautendrama

B AC K

P

114

REVIEWS Musik, Bücher, Filme, Liveacts, Kunst

110

FAQ | 3

E DITO R IA L

„YOU HAVE TO BE UNIQUE, AND DIFFERENT, AND SHINE IN YOUR OWN WAY“ Lady Gaga

Viel Vergnügen mit der Ausgabe!

Mitko Javritchev Herausgeber

4 | FAQ

M A S T H E A D

PUBLISHER

PUBLISHING HOUSE

Mitko Javritchev

factor y29 ltd.

Mariahilfer Straße 76/3/31 1070 Vienna, Austria T +43 1 920 20 08-11 F +43 1 920 20 08-13 mail@faq-magazine.com www.faq-magazine.com www.facebook.com/faqmagazin

P U B L I S H I N G D I R E C TO R Magdalena Błaszczuk, mb@faq-magazine.com

CREATIVE DIRECTOR, EDITOR Mitko Javritchev, mj@faq-magazine.com

EDITOR IAL DIRECTION Oliver Stangl, os@faq-magazine.com Jörg Schiffauer, js@faq-magazine.com Carmen Jessner, cj@faq-magazine.com

© FAQ Magazine, all rights reserved Reproduction in whole or in part without written permission is strictly prohibited.

EDITOR S- AT-L ARGE

MARKETING, ADVERTISING

Günther „Bus“ Schweiger

Mitko Javritchev, mj@faq-magazine.com Magdalena Błaszczuk, mb@faq-magazine.com

FASHION & BEAUT Y Lena Style, lenastyle@faq-magazine.com

DISTRIBUTION

C OPY-EDITOR

Morawa Pressevertriebs-Ges.m.b.H. Hackinger Straße 52, 1140 Wien

Oliver Stangl

WRITERS Jenny Davis, Jakob Dibold, Pamela Jahn, Carmen Jessner, Paul Lohberger, Bert Rebhandl, Jörg Schiffauer, Roland Schöny, Günther „Bus“ Schweiger, Oliver Stangl, Lena Style, Bartłomiej Szatkowski, Lena Style, Michael-Franz Woels

PHOTOS Magdalena Błaszczuk, Simon Emmett, Ioan Gavriel, Marisa Gesualdi, Eliot Lee Hazel, Mitko Javritchev, Kailas, Lisbeth Kovacic, Poly Maria, Ralf Metzler, Gin Müller, Stefan Seelig, Alexandra Thompson, Wolfgang Volz 20th Century Fox, Albertina, blickfang, brut Wien, Filmladen, Lunafilm, Österreichisches Filmmuseum, Polyfilm, Sony Pictures, Stadtkino, Taschen Verlag, Thimfilm, Universal Pictures, Viennale, Warner Bros.

PRINT Wograndl Druck GmbH Druckweg 1, 7210 Mattersburg Gedruckt nach der Richtlinie "Druckerzeugnisse" des Österreichischen Umweltzeichens , UW-Nr. 924

SUBSCRIPTIONS FAQ Magazine is published five times a year Austria € 20, Europe € 38 T +43 1 920 20 08-14 F +43 1 920 20 08-13 abo@faq-magazine.com FAQ Magazine ist jetzt auch als E-Paper bei www.go.readly.com erhältlich.

FAQ Österreichische Post AG, PZ 10Z038511 P factory29 ltd., Mariahilfer Str. 76/3/31, A-1070 Vienna

fashion | design | music | film | ar t | culture

N°49

Oktober/November 2018 € 5,00

6 | FAQ

SOAP&SKIN I LADY GAGA I ALICE ROHRWACHER VIENNALE I HELEN LEVITT I RYAN GOSLING

COVER Photography by KAILAS Model: Cierra Blankenship Styling: Rose Gerin Wardrobe: Vintage by Misty Top: Dior, Skirt: Toga Pulla Bag: Whiting & Davis

H E A LT H CLUB COME TO FEEL GOOD

COME TO FEEL GOOD TUN SIE SICH SELBST ETWAS GUTES. B E G O O D T O Y O U R S E L F. D O I T W E L L .

Vienna Marriott Health Club täglich, 07 bis 22 Uhr | daily, 07 am until 10 pm Parkring 12a, 1010 Vienna | Tel.: +43 (0)1 515 18 6699 viennahealthclub@marriott.com | Gutscheinshop.at

AUFREGEND UNAUFGEREGT Was entsteht, wenn eine Wiener Kunsthistorikerin beschließt, ein Modelabel zu gründen?

Die perfekte Alltagsgeschichte namens Etaro.

D A S W O R T „unaufgeregt“ schreiben sich die Designer heutzutage nicht sehr gerne aufs Etikett. Mode muss heute doch das Gegenteil sein: aufregend, spektakulär oder wenigstens schrill. Bei den großen Modemarken geht es heute mehr denn je darum, aus der Masse hervorzustechen – und das in kleinst-möglichen Abständen. Jede Saison muss etwas auf den Laufsteg, das die Zuschauer dazu bringt, vom Smartphone-Display aufzublicken. Nur um sie gleich danach wieder an eben dieses Smartphone zu fesseln, denn dann soll fleißig gepostet, geliked und geshared werden. Und das funktioniert eben besonders gut, wenn die gezeigte Mode so laut wie möglich ist. Das, was zwischen all diesen Herzchen und hochgestreckten Daumen aber immer zu kurz kommt, ist die Tragbarkeit. Denn das ist es, was Kleidung ursprünglich sein sollte – tragbar.

Jemand, der dieses Konzept der Zweckmäßigkeit derzeit wunderschön umsetzt, ist Julia Stricker mit ihrem österreichische Modelabel Etaro. Dass es eine wahre Kunst ist, solchen unkomplizierten Looks das gewisse Etwas zu verleihen, weiß sie wohl am besten. Denn vor ihrer Karriere als Modedesignerin war Julia Stricker als Kunsthistorikerin in Wien tätig. 2015 folgte dann der Schritt zum eigenen Label samt Store, der sich in der Lerchenfelder Straße 7 befindet und Anfang des Jahres eröffnet wurde. Bei Etaro gibt es nicht hunderte neue Entwürfe pro Monat, sondern gut kuratierte Ready-to-wear-

8 | FAQ

Kollektionen, zweimal jährlich. Gearbeitet wird ausschließlich mit Qualitätsstoffen, hochwertig verarbeitet in Europa. Alle Strickwaren werden sogar lokal in Österreich hergestellt. Bei den Entwürfen hat die Designerin meist die Vergangenheit vor Augen, vergisst dabei aber nicht den Blick auf das Heute. Sie schafft eine moderne Balance zwischen verschiedenen Stilen aus mehreren Jahrzehnten und trifft somit dennoch den Zeitgeist. Denn was bei Etaro im Vordergrund steht, ist das Unkomplizierte. Ein Outfit soll von morgens bis abends, vom Business-Meeting bis zum Dinner mit Freunden, entspannt tragbar sein und gleichzeitig die Persönlichkeit unterstreichen.

Auffallend viele Elemente aus der Männerbekleidung sieht man in ihrer aktuellen Herbst-Winter-Kollektion. Gut geschnittene Hosen, Hosenanzüge und Mäntel spielen die Hauptrolle. Feine Farbwelten und selbst entworfene, grafische Prints lockern das Ganze ein wenig auf. Leichte Seide trifft dicke Wolle, gedeckte Tonklassiker wie Grau und Beige gehen Hand in Hand. Gemacht ist ihre Mode laut Julia Stricker wie „für die urbane, selbstbewusste Frau, die mit ihrem Stil nicht laut nach Aufmerksamkeit schreit, damit aber ihren ausgeprägten Sinn für Mode zur Geltung bringen möchte.“ Und damit lässt sie wie nebenbei das Wort „unaufgeregt“ in einem ganz neuen Licht erstrahlen. www.etaro.at

FA S H I O N

Fotos: © Stefan Seelig

TEXT LENA STYLE

Schmuck Fritz and Rose Ring und Ohrstecker ab 119 EUR, blickfang Bern, Wien, Zürich & Onlineshop

Kleid KOMANA ab 229 EUR, blickfang Wien & Zürich

Begegnen Sie aufstrebenden Designern und entdecken Sie neue Lieblingsstücke mit Kanten, Charakter und Suchtpotential.

Lampen Schneid ab 219 EUR, blickfang Hamburg & Onlineshop

Denn auf der internationalen Designmesse blickfang und im zugehörigen Onlineshop finden Sie genau die Möbel-, Mode- und Schmuckentwürfe, nach denen sich Stilliebhaber, Individualisten und Designliebhaber die Finger lecken und in Kaufhäusern vergeblich suchen. Zwischen 100 und 250 ausgewählte Designer warten persönlich auf Sie, um Ihnen neue Lieblingsstücke zu präsentieren und zu verkaufen – mit Kanten, Charakter und Suchtpotential. Und wer schon heute haben will, was morgen jeder gerne hätte, besucht einfach gleich den blickfang Designshop unter www.blickfang-designshop.com.

Regal Johanenlies ab 775 EUR, blickfang Hamburg

MAK Wie n

Kissenhüllen Manufaktur Fink ab 52 EUR, blickfang Zürich

26.– 28.10.

Hyazintenglas Glaslabor ab 77 EUR, blickfang Zürich

Save the Date!

Hannah Zenger Porzellan Studio ab 150 EUR, blickfang Stuttgart

blickfang Wien | MAK | 26.–28. Oktober 2018 blickfang Bern | Bernexpo | 16.–18. November 2018 blickfang Zürich | StageOne | 23.–25. November 2018 Designers Market by blickfang | imm cologne | 18.–20. Januar 2019 blickfang Hamburg | Deichtorhallen | 01.–03. Februar 2019 blickfang Stuttgart | Liederhalle | 15.–17. März 2019 blickfang Basel | Messe Basel | 26.–28. April 2019 Kaufen Sie Ihr vergünstigtes Ticket auf: www.blickfang.com

DIE SHIRT BOYS

Das klassische Hemd, neu und kreativ interpretiert? Dafür kennt die Modewelt derzeit nur zwei Namen: Levi Palmer und Matthew Harding.

E I N K R A G E N , zwei Ärmel und eine Knopfleiste: Sieht man ein klassisches Hemd, dann scheint es nicht allzu viel Raum für Neuinterpretationen zu geben. Der Kragen variiert je nach Anlass, Farbe und Stoff verändern sich häufig, aber das Grundprodukt bleibt dennoch immer gleich. Für die Briten Levi Palmer und Matthew Harding war der Schlüssel zum großen Erfolg aber eben dieses Kleidungsstück. Die 2012 aus der Star-Designerschmiede des Central Saint Martins College hervorgegangenen Modedesigner zeigen ihre Kollektionen zweimal jährlich im Rahmen der Londoner Fashion Week und machten durch die immer wiederkehrenden Hemden-Designs von Anfang an auf sich aufmerksam. Presse und Käufer nannten die beiden fortan liebevoll „the shirt boys“. Innovative Schnitte, die die Silhouette verändern, Muster, die dem Stil ganz neue Richtungen geben oder Drapierungen, die man bis dato noch nie an einem Hemd gesehen hatte, brachten die Zuschauer immer wieder zum Staunen.

Oft sind es nur kleine Kniffe, die große Wirkung entfalten. Gleichzeitig ist jedes Hemd durch exquisite Verarbeitung ein Kunstwerk für sich und bleibt dennoch immer tragbar. Das geschulte Auge merkt, dass die beiden Designer ihr Handwerk beherrschen. Nicht-traditionelle Techniken auf einem traditionellen Männerhemd anzuwenden ist allerdings nichts Neues mehr. Vor allem in den letzten zwei Jahren sah man bei so gut wie jedem großen Modehaus mindestens eine Version des dekonstruierten Hemdes auf dem Laufsteg. Dennoch

10 | FAQ

kreierte das Duo daraus eine ganz eigene, unverkennbare Ästhetik und hat bis heute großen Erfolg damit. Ein beeindruckender Werdegang, wenn man bedenkt, dass er mit einem fast schon langweiligen Kleidungs-Basic begann.

Für eine Renaissance des Hemdes wurde es auch höchste Zeit, denn kaum ein anderes Stück Stoff begleitet den Menschen bereits so lange Zeit im Alltag. Im Althochdeutschen bedeutete das Wort Hemd so viel wie Haut und hatte auch genauso viel Bedeutung.

Um 1000 vor Christus war das einfache, bodenlange Hemd ohne Knöpfe allgegenwärtig, sowohl bei Männern als auch bei Frauen und Kindern. Nachdem es viele Jahrhunderte sein Dasein im Verborgenen fristete, kam das Hemd im 18. Jahrhundert als Oberbekleidung wieder zu neuem Ruhm. Nun wurde auch zwischen dem männlichen Hemd und der weiblichen, viel körperbetonteren Bluse differenziert, woran die an unterschiedlichen Seiten angebrachten Knopfleisten noch heute rudimentär erinnern. Und jetzt? Da wird das klassische Hemd gerne von beiden Geschlechtern in allen Farben und Varianten getragen. Man merkt, die Chance, ein gut geschnittenes Hemd zu erwerben, das irgendwann völlig aus der Mode kommt, ist gering. Ein Faktum, das sicher auch für den großen Erfolg von palmer//harding verantwortlich ist. www.palmerharding.com

FA S H I O N

Foto: Press

TEXT LENA STYLE

New Art

on Stage

COLONIA ARTIST

Acqua di Parma, die Symbolmarke für italienischen Lebensstil, setzt für eine einzigartige Interpretation der Duftikone Colonia auf die Kreativität des britischen Künstlers Clym Evernden.

TEXT LENA STYLE

I N E I N E R W E L T , die nicht selten von Mühsal regiert wird, darf es auch an Leichtigkeit und Eleganz nicht fehlen. Gut also, dass das Lifestyle-Unternehmen Acqua di Parma seine künstlerischen Projekte fortsetzt: 2018 beauftragte man den renommierten Künstler Clym Evernden damit, die Geschichte des Hauses in märchenhafter Sprache und mit feinem Pinsel neu zu erzählen. Die Zusammenarbeit zwischen der italienischen Traditionsmarke und dem Briten ergibt die Colonia Artist Edition 2018.

Der 39-jährige Clym Evernden ist längst kein Unbekannter mehr: Zu den vielen Medien, in denen er zu Hause ist, gehören Zeichnung, Bühnenbild, Video, Installationen und Multimedia-Arbeiten. Um die Jahrtausendwende sorgte der Künstler mit selbstproduzierten T-Shirts, deren Oberfläche er mit dem Tintendrucker gestaltete, für Aufsehen, worauf Marken wie Valextra, Orlebar Brown oder Veuve Cliquot die Zusammenarbeit suchten. Weitere globale Brands klopften an, und Evernden schuf in der Folge Animationen, Markenkampagnen und besondere Auslagendekorationen für Samsung, Louis

12 | FAQ

Vuitton, Audi, Net-A-Porter oder Moët Hennessy. Zu weiteren illustren Kunden wurden schließlich Tiffany & Co., das New York City Ballet, Michael Kors und Fenwick. Besonders markant und verspielt geben sich die Zeichnungen des mehrfach preisgekrönten Künstlers, der in London Mode studierte und am liebsten zu den Klängen von Musik arbeitet: Sie erinnern an alte Kinderbuchillustrationen. Passend, da Evernden das Zeichnen schon als Kind für sich entdeckte, um seine Fantasien zu Papier zu bringen. Everndens Strich hat einen eigenen Stil zu bieten, doch wenn man nach Vergleichen in der Kunstwelt sucht, könnte man etwa an die frühen Werke Andy Warhols denken, der sein erstes Geld mit Zeichnungen von Schuhen verdiente.

Mit einem schwarzen Stift – ein Markenzeichen des Künstlers – hat Evernden sich nun also der berühmten Kreation Colonia angenommen. Geschichtsbeflissene wissen, dass dieser 1916 von Baron Carlo Magnani entwickelte Duft das erste italienische Eau de Cologne war. Colonia steht seit über 100 Jahren für Eleganz und hohe Handwerkskunst.

DESIGN

Die limitierte Colonia Artist Edition verkörpert den besonderen Stil Italiens und glänzt mit der Ausstrahlung der Frutti d’Oro und dem Spiel mit drei ikonischen Farben. Eine wundervoll inspirierte Erzählung voller Lebensfreude und ein Teil jener neuen Ära, in der das Traditionshaus Acqua di Parma die Verbindung zwischen Ursprung und Zukunft neu erschafft. In Clym Evernden fand Acqua di Parma einen einzigartigen Künstler, der den Stil, die Botschaft und die schlichte Eleganz Colonias sofort begriff und in einer lebendigen kleinen Illustrationsnarration neu interpretiert hat.

Der Duft – der aus den Früchten Zitrone, Bergamotte und süßer Orange kreiert, mit Lavendel, Verbana und bulgarischen Rosen kombiniert und mit Edelholztönen verfeinert wurde – ist ab Oktober in seinem neuem Kleid erhältlich. Auf die Weihnachtsedition darf man sich ebenfalls freuen: Dafür hat Evernden eine neue, originelle Verzierung geschaffen, die von festlichen Silbertönen geprägt ist. www.clymdraws.com www.acquadiparma.com

DESIGN

FAQ | 13

LICHT INS LEBEN

Cat Power kehrt mit dem neuen Album „Wanderer“ zurück und bricht mit alten Gewohnheiten.

TEXT GÜNTHER „BUS“ SCHWEIGER

E S I S T E I N E R der Widersprüche im gesamten Kulturbetrieb, dass einerseits natürlich alles künstlich erschaffen wird, andererseits geradezu eine verzehrende Gier nach dem „Echten“ herrscht. Eine Sucht nach dem echten Leiden, den echten Schmerzen, dem echten Wahn- und Irrsinn. Und natürlich sind wir als Zuseher und Zuhörer immer auch Voyeure und sensationslüsterne Mittäter. Konzertbesucher erzählen sich Heldengeschichten von besoffenen Musikern, die den Abend einzigartig machten, weil die Spannung, ob das jetzt daneben geht oder doch nicht, zur eigenen Kurzweil beiträgt. Das Showbusiness ist grausam. Dabei geht es immer nur darum: Was macht der Künstler mit seinen Eindrücken, wie verarbeitet er sie, kommt ein Lied dabei heraus, das noch nicht geschrieben wurde und das der Kunstform Song etwas abringt, das bewegt und Gefühle – egal ob Mitleid, Freude oder was auch immer – auslöst In diesem Zwiespalt zwischen tief empfundenem Schmerz und Gafferei bewegt sich auch die Karriere von Cat Power. Es gibt hunderte Geschichten von Konzerten am Rande des Abbruchs, von immer nur angespielten Songs und einer Künstlerin, die gerade nicht im Vollbesitz ihrer Orientierung war, von Trennungen, Drogen, Geldproblemen und Spitalsaufenthalten. Und es gibt ihre Songs, ihre unglaublichen Coverversionen und ihre Stimme, die aus dem

14 | FAQ

Meer der Mittelmäßigkeit herausragen und sie zu einer der Großen der Gegenwart machen. Die persönlichen Turbulenzen wird man vergessen, aber die Songs ihres Lebens begleiten jetzt schon fast eine Generation, die sie aus sicherem Abstand verehrt.

Mit „Wanderer“ kehrt Cat Power nun sechs Jahre nach ihrem letzten Album mit eigenen Songs auf die große Bühne zurück – und es ist so ziemlich der leiseste Paukenschlag, den man sich vorstellen kann.

Auch die letzten Jahre waren kein Spaziergang, aber am Cover zeigt sie uns zwei Säulen, an denen sie sich festhalten kann: ihren Sohn und die Gitarre. Und auch wenn der Angel of Death einmal um die Ecke blickt, so zeigen doch Zeilen wie „The doctor said I was not my past / he said I was finally free“, in „Woman“, einem Duett mit Lana Del Rey, dass auch neue Lebensentwürfe abseits von permanenten Abstürzen auf einmal als ernste Möglichkeit ins Auge gefasst werden. Die Songs auf „Wanderer“ lassen ahnen, dass sie dabei ist, den Kampf zu gewinnen. Auf einen Produzenten wurde verzichtet und damit eine hochpersönliche Klangumgebung erschaffen, die Schlankheit zulässt und der Stimme viel Platz gibt. „Wanderer“ ist eine wesentliche Wegmarke für diese singuläre Songwriterin.

Cat Power: Wanderer (Domino Records)

MUSIC

Fotos: Eliot Lee Hazel

Casper, Foto: Stephan Flad

HUAWEI P20 TWILIGHT Smartphone-Fotografie auf einem neuen Level Das Smartphone aus dem Hause Huawei überzeugt nicht nur mit seinem edlen Design, sondern auch mit perfekter Fotografie dank Leica Dual-Kamera. Sie sorgt für detailreiche Fotos in Profiqualität, die auf dem 5,8 Zoll FullView Display gestochen scharf begutachtet werden können. Das Design des Huawei P20 Twilight ist vom Licht inspiriert: Durch mehrere optische Schichten unter der Glasrückseite, bricht das Licht an der Smartphone-Oberfläche und sorgt für eine Veränderung des Farbtons - von auffallend Blau zu einem farbenfrohen Effekt.

Profi-Fotografie mit künstlicher Intelligenz Die AI-gestützte (Artificial Intelligence) Szenen- und Objekterkennung hat die Fähigkeit 19 verschiedene Szenarien und Objekte zu identifizieren und passende Modi automatisch auszuwählen.

Weiters gibt es die „AI-Assisted Composition“, die intelligente Vorschläge für Gruppenaufnahmen und Landschaften liefert. Die Huawei AI-Bildstabilisierung ermöglicht es, durch die Verwendung des Nachtmodus, selbst bei schlechten Lichtverhältnissen, gestochen scharfe Aufnahmen zu machen – selbst ohne Stativ. Videoaufnahmen in Superzeitlupe mit 960 fps ermöglichen es, die wertvollsten Augenblicke in besonders intensiver Geschwindigkeit zu erleben.

Huawei P20 Twilight trumpft mit Produktivität im Alltag Für mehr Produktivität gibt es die unkomplizierte Projektionsfunktion „Easy Projection“, um die Huawei P20-Serie mit einem Bildschirm zu verbinden – so wir das Huawei P20 mit nur einem Kabel zum PC-Ersatz. Die Smart-Screen-Funktion sorgt für eine intelligente Split-Screen-Schnittstelle, um zwei Apps parallel auszuführen.

Zusätzlich verfügt das Huawei P20 über einen enorm leistungsstarken Akku, der schnelles und sicheres Aufladen ermöglicht und deutlich energiesparender ist. Mit Huawei SuperCharge kann der mächtige Akku mit 3.400 mAh für maximalen Komfort sehr schnell aufgeladen werden.

Das Huawei P20 Twilight kann zum Richtpreis von 549,- Euro in der 64 GB-Version ergattert werden.

ADVERTORIAL

FAQ | 15

EWIGES GRAUEN

Mit „Suspiria“ und „Halloween“ erfahren zwei Kultklassiker ambitionierte Neuauf lagen.

T E X T J Ö R G S C H I FFAU E R

I N P R Ä C H T I G E M Karmesinrot strahlt die Fassade der renommierten Ballettschule der jungen Amerikanerin Suzy Banyon entgegen, als sie in einer dunklen, stürmischen Nacht an jener Institution ankommt, an der sie ihre Ausbildung fortsetzen möchte. Dass eine ihrer zukünftigen Kommilitonen gerade ziemlich verstört das Gebäude verlässt, sorgt für eine erste Irritation. Bald schon fällt die Studentin einem unheimlichen Mörder zum Opfer, das ebenso leuchtend rote Blut tropft von ihrem toten Körper, der im Flur jenes pittoresken Hauses, in dem sie Zuflucht gesucht hat, an einer Galgenschlinge hängt. Von all dem weiß Suzy jedoch noch nichts, als sie ihr Studium aufnimmt, doch es wird nicht lange dauern, bis sie der merkwürdigen und höchst bedrohlichen Vorgänge an der Ballettschule gewahr wird.

Mit Suspiria setzte Dario Argento 1977 den ultimativen Repräsentanten des „Giallo“, jenes in Italien entwickelten Subgenres, das in visuell höchst effektvoller Stilistik Thriller- und Horrorelemente

16 | FAQ

zu kombinieren versteht, in Szene. Narrative Konventionen spielen in der Geschichte, die zwischen mythischen Elementen wie einem Hexenkult und einer Mordserie, der vor allem junge Frauen zum Opfer fallen, changiert, nur eine untergeordnete Rolle. Mit leuchtenden, geradezu glühenden Farben – der expressionistische Gestus ist dabei ein konstituierendes Element – ist Suspiria in Verbindung mit dem psychedelischen Score der Prog-Rock-Band Goblin vor allem eine geradezu orgiastische Erfahrung in Sachen (Spannungs-) Kino, deren suggestiver Wirkung sich der Zuschauer nicht entziehen kann.

Ein Muster an erzählerischer Ökonomie ist wiederum John Carpenters Halloween (1978). Die Geschichte um Michael Myers, den Killer mit der charakteristischen weißen Maske, der eine idyllische Kleinstadt im Herzen Amerikas heimsucht, besticht durch narrative Präzision, die ihresgleichen sucht und erprobte Genremuster zu perfektem Spannungskino von unvergleichlicher Intensität verdichtet.

FILM

Foto: Polyfilm, UPI

Suspiria

Halloween

Halloween

Suspiria

Suspiria

Angesichts der Reputation, die beide Filme auch weit außerhalb der Fangemeinden genießen, scheint es ein mutiges Unterfangen, sich an einer Wiederauflage bzw. Fortschreibung zu versuchen. Überraschend sind auf jeden Fall die Namen der Regisseure, die das Wagnis einer Neuinterpretation zweier Genre-Klassiker eingehen: Luca Guadagnino, der sich mit A Bigger Splash und dem Coming-of Age-Drama Call Me by Your Name einen Namen machte, setzt nun seine Version von Suspiria in Szene – mit 154 Minuten gleich einmal eine Stunde länger als Meister Argentos brillante Schreckensvision.

Noch ungewöhnlicher scheint auf den ersten Blick die Wahl von David Gordon Green für Halloween. Green, der sich bislang seine Meriten vor allem als Proponent des US-amerikanischen Independent–Kinos verdiente, schreibt die Saga, die schon eine Reihe an Sequels erfuhr, fort, indem er direkt an Carpenters Klassiker anknüpft – vierzig Jahre danach sieht sich Laurie Strode, Überlebende der Schreckensnacht, wieder mit Michael Myers konfrontiert. Jamie Lee

Curtis, seit ihrem Auftritt als Laurie von 1978 eine Ikone des Genres, hat wieder diese Rolle übernommen, John Carpenter fungierte als Berater – da kann eigentlich nicht mehr viel schief gehen.

SUSPIRIA Horror/Thriller, Italien/USA 2018 Regie Luca Guadagnino Drehbuch David Kajganich Mit Dakota Johnson, Tilda Swintom, Mia Goth, Chloë Grace Moretz Kinostart 15. November HALLOWEEN Horror/Thriller, USA 2018 Regie David Gordon Green Drehbuch Jeff Fradley, Danny McBride, David Gordon Green Mit Jamie Lee Curtis, Judy Greer, Will Patton, Virginia Gardner Kinostart 25. Oktober

FILM

FAQ | 17

BACK TO THE ROOTS

Die Designmesse blickfang wird am letzten Oktoberwochenende im Wiener MAK wieder eine bunte Besucherschar erwarten. Geboten werden Produkte mit Charakter und Geschichte, denn das Publikum setzt derzeit mehr denn je auf Wertigkeit und Handwerk.

TEXT LENA STYLE

Rruna

D I E B L I C K F A N G I S T nun seit fast 25 Jahren das größte DesiShopping-Event in Österreich, Deutschland und der Schweiz, mit jährlich mehr als 70.000 Besuchern und über 650 teilnehmenden Designern. Dennoch fühlt sich ein Besuch immer noch wie ein intimer Einkaufsbummel an. Denn die Messe bietet eine einzigartige Mischung aus Einkaufserlebnis und direktem Kontakt mit den Machern der Produkte und das scheint immer mehr den Geschmack der modernen Konsumenten zu treffen. Obwohl Millennials und Co. gerne alles sofort mitnehmen wollen, wird ihnen immer wichtiger, wo das Produkt herkommt, unter welchen Bedingungen es hergestellt wurde und vor allem: von wem. Auch weil heute kein Monat mehr vergeht, in dem nicht verheerende Missstände in Fabriken und Minen aufgedeckt oder Medienartikel über giftige Ausdünstungen von Möbeln und Textilien veröffentlicht werden. Verunsicherung und Skepsis gehen um, man hat als Käufer heutzutage einfach bereits zu viel Negatives erlebt. Deswegen schießen gerade Begriffe wie Nachhaltigkeit, Minimalismus oder Entschleunigung durch die sozialen Netzwerke.

Was heute cool sein will, muss entweder vegan oder umweltfreundlich sein. Die glorreichen Zeiten von billiger Massenware „Made in China“ scheinen zum Glück erstmal vorbei. Gefragt sind Authentizität, Liebe zum Handwerk und die Geschichte, die das Produkt erzählt.

18 | FAQ

Room no.9

Obwohl, auf der blickfang erzählen nicht die Produkte, sondern ihre Hersteller alles über sich – vorausgesetzt, man will es überhaupt wissen. Die Chance auf den direkten Kontakt sollte man aber auf jeden Fall ergreifen. Denn wann bekommt man schon die Gelegenheit, ein Produkt zu kaufen und gleichzeitig alles darüber zu erfahren, was sich der Designer dabei gedacht hat? Eben. Also: Jutebeutel und veganen Energie-Riegel einpacken und zwischen 26. und 28. Oktober auf ins Museum für Angewandte Kunst.

Storyline Zum Geschichtenerzählen sind auch dieses Jahr wieder viele neue Gesichter eingeladen. Da wäre zum Beispiel das italienische Label Rruna. Die beiden Designerinnen Virginia Colonna und Martina Fortuni hatten die Idee, zeitgenössische Künstler mit erfahrenen Handwerkern zusammenzubringen. Kunst trifft Mode, neue Ideen treffen solide Tradition. Für die aktuelle Kollektion engagierte das Duo die türkische Künstlerin Gozde Ilkin. Farbenfrohe Seidenprints verweisen auf ihre kulturellen Wurzeln, während handgestickte Details auf die politische Situation in der Türkei Bezug nehmen. Einen zeitgemäßen Zugang zu einem der ältesten Handwerks-Materialien fand das Team von Additive Addicted. Das Label mit dem zungen-

DESIGN

Kreisverkehr

Rudolf Vienna

brecherischen Namen fertigt Porzellanbecher- und schalen, indem Keramik via 3-D-Drucker schichtweise aufgebaut wird. Eine altertümliche Technik in neuen „Händen“ – dadurch entsteht eine ganz neue, charakteristische Haptik und Struktur. Zu guter Letzt überrascht auch das Tiroler Label Almut mit seiner modernen, klaren Handschrift. Denn die Lampenschirme, die es produziert, sind aus sorgsam gepresstem Almheu gefertigt und haben dennoch nichts mit schwülstiger Heimatfilm-Romantik gemeinsam. Die minimalistischen Lampen machen sich gut in rustikalem Ambiente, passen sich zugleich auch an sehr moderne Raumkonzepte an.

Hamburger Ästhetik in Wien Die blickfang versteht sich aber nicht nur als Messe, sondern als Plattform für Design, wofür auch die vielen Sonderformate sprechen.

Neben Designworkshops und -preisen mit namhafter Jury zählt der

Kurator des Jahres zu den wichtigsten Fixstartern des jährlichen Events. Oder besser gesagt, die Kuratoren des Jahres, denn in diesem Jahr übernehmen gleich zwei Kreative diese wichtige Aufgabe. Wie ihre Vorgänger sind auch Marcel Besau und Eva Marguerre keine unbekannten Gesichter in der Design- und Architekturszene. Die Inneneinrichtung der skandalumwitterten Elbphilharmonie in ihrer Heimatstadt Hamburg ließ den Namen ihres Designstudios Besau Marguerre erstmals durch alle wichtigen Medien gehen. Aber auch mit Messe-Inszenierungen der tonangebenden Möbelmarke Vitra oder mit Produktentwürfen für E15, Petite Friture oder Fürstenberg erlangten sie Bekanntheit. Die Tischtuch-Kollektion „drop“, die sie letztes Jahr im Rahmen der blickfang entwarfen, veranschaulicht vielleicht am besten ihre einzigartige Herangehensweise: Für das blaue, zerfließende Muster schrieben die beiden eigens ein Computerprogramm. Es übersetzt die Prinzipien von Aquarellmalerei und der japanischen Falttechnik Shibori in ein digitales Handwerk.

Traditionelle, zeitaufwändige Techniken werden so in unser digitales Zeitalter geholt. Mit innovativen Ideen wie diesen begleiten die zwei nun die blickfang-Macher eine ganze Saison lang. Es wird also wieder viel Aufregendes zu sehen geben, vor allem für jene, die sich im stressigen (Shopping-)Alltag nach ein bisschen mehr Wertigkeit sehnen. Aber trotz aller „Back to the roots“-Statements hat man auch an alle gedacht, die Schönes am liebsten rund um die Uhr shoppen.

Im Onlineshop auf www.blickfang-designshop.com kann man auch dieses Jahr von der eigenen Couch aus einkaufen. Netflix and shop, wie es die Jugend von heute nennen würde. blickfang Wien 26. bis 28. Oktober 2018 MAK, Stubenring 5, 1010 Wien www.blickfang.com

DESIGN

FAQ | 19

ERFOLGSGESCHICHTE

Wang Fei, Huaweis Country Manager für Österreich, über die Stärken des Technologieunternehmens, das mit der Huawei P20-Reihe gerade den Smartphone-Markt aufmischt.

I N T E R V I E W O L I V E R S TA N G L

P A S S E N D Z U M H E R B S T legt das Technologie-Unternehmen mit dem Huawei P20 Twilight eine neue Farbvariante vor. Der Name, der sich auf den ebenso ungewöhnlichen wie abwechslungsreichen Look bezieht, wurde dabei vom Polarlicht inspiriert: Mehrere optische Schichten auf der Glasrückseite brechen das Licht an der Smartphone-Oberfläche. Kräftiges Blau wandelt sich dadurch je nach Lichteinfall zu einem breiten Farbspektrum von Violett bis Kobaltgrün. Der neueste Streich des Unternehmens dürfte der Huawei P20-Serie, die sich bereits jetzt eindrucksvoll verkauft, noch größere Prominenz bescheren.

Dass das Huawei P20 und das Huawei P20 Pro den Smartphonemarkt in diesem Frühjahr geradezu im Sturm eroberten, liegt vor allem an zwei großen Trümpfen: herausragende Kameras und ein Quantensprung in Sachen künstliche Intelligenz. Die Kooperation mit Leica war dabei ein kluger Schachzug – während das Huawei P20 über eine Leica Dual-Kamera verfügt, ist es beim Huawei P20 Pro

2 0 | FAQ

sogar eine Triple-Camera. Beide Geräte sorgen für scharfe und detailreiche Fotos in Profiqualität; künstliche Intelligenz ermöglicht es, mittels Bildstabilisierung auch bei schlechten Lichtverhältnissen scharfe Bilder zu machen. Sogar Nachtaufnahmen ohne Stativ sind dank AI kein Problem mehr. Die Fachpresse staunte und das Unternehmen erschloss sich in kurzer Zeit jede Menge Fans. Nicht zuletzt durch den Erfolg mit der Huawei P20-Serie konnte der Konzern seinen Marktanteil in Sachen Smartphone-Verkauf stark ausbauen; weltweit ist man mit 50 Millionen verkauften Geräten bereits die Nummer zwei hinter dem Konkurrenten Samsung. Und man hat weitere große Dinge in der Pipeline: Demnächst erscheint mit dem AI Cube ein besonders ausgereifter Lautsprecher mit künstlicher Intelligenz.

FAQ hat mit Wang Fei, dem für Österreich zuständigen Country Manager der Huawei Consumer Business Group, gesprochen und ihn nach dem Erfolgsgeheimnis des Unternehmens befragt.

INTERVIEW

Fotos © HUAWEI

Country Manager der Huawei Consumer Business Group, Mr. Wang Fei

Herr Fei, wie ist es, für Huawei Österreich zu arbeiten?

Ich bin seit 2010 bei der Huawei Consumer Business Group beschäftigt. Meine aktuelle Position als Country Manager der Consumer Business Group in Österreich ist für mich persönlich etwas ganz Besonderes und gibt mir die Möglichkeit, meine Kompetenzen in diesem wunderschönen Land und zeitgleich äußerst spannendem Consumer Business Markt einzubringen. Es macht mir viel Freude, Huawei Österreich in den kommenden Jahren mit einem Top-Team noch weiter zu bringen.

Huawei ist der größte Hersteller in Sachen Telekommunikationstechnologie und beschäftigt weltweit 180.000 Angestellte. Seit 2006 ist Huawei auch in Österreich vertreten. Was sind die Spezifika des hiesigen Markts?

Im Consumer Bereich sind wir in Österreich mittlerweile sehr stark aufgestellt. Wir haben mit unseren beiden Smartphone-Serien, der P- sowie der Mate-Serie, zwei wirklich starke Marken etabliert. Dazu kommt, dass wir erst im Sommer unser neues Notebook, das Huawei MateBook X Pro auf den Markt gebracht haben, welches neue Standards gesetzt hat. Mit unserer Tablet-Marke, MediaPad mit dem aktuellen Modell M5, runden wir unser mobiles Angebot ab. Wir sind auch immer bestrebt, neue Innovationen zu etablieren und haben hier auch erst kürzlich auf der IFA unseren neuen Kirin 980 Prozessor mit AI-Funktionen (Artificial Intelligence) und einem smarten Lautsprecher, den AI Cube vorgestellt. Dieses Gesamtkonzept macht uns wettbewerbsfähig und zeichnet uns aus.

Weltweit ist Huawei mit 50 Millionen verkauften Geräten bereits die Nummer zwei hinter Samsung. In Österreich liegt man mit einem Marktanteil von 28 Prozent ebenfalls an zweiter Stelle. Das Unternehmen existiert zwar schon seit 1987, war aber bis vor ein

oder zwei Jahren hierzulande so gut wie unbekannt. Wie ist Huawei ein solcher Aufstieg gelungen?

Huawei ist in Österreich vor rund zehn Jahren mit einem Team von grob fünf Personen gestartet. Heute haben wir über 100 Angestellte hierzulande. Und ja, wir wollen weiter wachsen, zum Beispiel in den Bereichen Marketing, Service und Verkauf. Ich persönlich bin davon überzeugt, dass wir die Wünsche und Bedürfnisse der Konsumenten in Österreich erkannt und unsere Produkte perfekt darauf eingestellt haben. Das hat uns so erfolgreich gemacht, wie wir heute sind.

Was sind die Ziele, die Sie mit Huawei in Österreich verfolgen?

Unser höchstes Ziel ist, nach wie vor die Nummer eins zu werden – weltweit und selbstverständlich auch in Österreich. Aber über all das stellen wir unseren hohen Anspruch, außerordentlich gute Produkte anzubieten, die unseren Nutzern einen echten Mehrwert bieten.

Huaweis größte Mitbewerber sind Samsung und Apple. Was unterscheidet Huawei von diesen Unternehmen?

Selbstverständlich unterscheiden wir uns in vielerlei Hinsicht von unseren direkten Konkurrenten. Mit unseren innovativen Produkten auf der einen und unserer Strategie auf der anderen Seite. Ein wichtiger Bestandteil unserer Strategie in Österreich ist die starke Zusammenarbeit mit unseren Partnern. Mit MediaMarktSaturn zum Beispiel haben wir in mehr als 30 Filialen eigene Bereiche für unsere Geräte. Diese Experience Areas sind wichtig für uns, auch um den Kunden die Möglichkeit zu geben, unsere Geräte vor dem Kauf auszuprobieren. Die Eröffnung des Huawei Service Shops im Jahr 2017 im ersten Wiener Bezirk ist ebenfalls ein starkes Zeichen für den Standort Österreich. Zudem arbeiten wir sehr eng mit den lokalen Mobilfunkern zusammen.

INTERVIEW

FAQ | 21

Das Huawei P20 und das Huawei P20 Pro sind Bestseller. Was schätzen die Konsumenten an diesen beiden Modellen?

Mit unserer P20-Serie haben wir uns ganz stark auf die Key Selling Points wie leistungsstarke Hardware und attraktives Design aber allem voran, Fotografie fokussiert. Die weltweit erste Leica Triple-Kamera war für den Erfolg unserer Smartphone-Serie jedenfalls ausschlaggebend. Hinzu kommen innovative Funktionen, die unseren Nutzern im Alltag helfen konnten, effektiver zu werden. Das einzigartige Design und die Farbe Twilight haben ebenfalls entscheidende Impulse gesetzt und eine ganz neue Zielgruppe angesprochen.

Die Huawei P20-Serie hat ausgezeichnete Besprechungen erhalten. Die Fachpresse lobte besonders die Kamera und das AI-System. Wie wichtig ist Forschung und Entwicklung für Huawei?

Innovation durch Forschung wird bei uns sehr großgeschrieben.

80.000 Mitarbeiter im Bereich Forschung und Entwicklung in weltweit 14 Forschungszentren arbeiten täglich daran, neue Innovationen und technische Errungenschaften zu entwickeln. Wir investieren jährlich große Summen in unsere Research Center, um im bestehenden Markt weiter wettbewerbsfähig zu sein und unseren Nutzern immer die neuesten Trends bieten zu können.

Huawei bietet High-End-Qualität zu einem guten Mittelklassepreis. Werden die Preise in Zukunft steigen?

Mit all unseren Marken und Produkten möchten wir selbstverständlich viele unterschiedliche Zielgruppen ansprechen. In Österreich haben wir bemerkt, dass vor allem das Interesse an High-End-Produkten sehr groß ist. Wir verfolgen weiterhin die Strategie, uns mit den Produkten in mehreren Preisebenen zu bewegen.

2 2 | FAQ

In Europa gibt es die Sorge, dass die großen Konzerne die Daten missbrauchen, die sie von den Konsumenten erhalten. Was entgegnen Sie diesen Bedenken?

Das ist eine Frage, die auf globaler Ebene andockt. Aber was ich sagen kann, ist, dass wir Datenschutz- und Sicherheit sehr ernst nehmen.

Und zwar Land für Land: Wir halten uns ganz klar und streng an die gesetzlichen Vorgaben der einzelnen Länder. Das aktuelle Thema GDPR (Datenschutz-Grundverordnung) hat für uns oberste Priorität.

Künstliche Intelligenz (AI) ist ein großes Thema. Huawei veröffentlicht nun einen neuen Lautsprecher namens AI Cube und einen neuen Chipsatz, den Kirin 980. Was können Sie dazu schon verraten?

Als Branchenführer sind wir bestrebt, unseren Nutzern intelligente und vernetzte Erfahrungen zu ermöglichen. Aus diesem Grund haben wir unser Produktportfolio heuer um den Huawei AI Cube erweitert. Ein AI-Lautsprecher, der führende Telekommunikationstechnologie von Huawei optimal mit der intelligenten Amazon-Plattform verbindet. Der neue Kirin 980 Prozessor wurde drei Jahre lang entwickelt und ist nun der fortschrittlichste Smartphone-Prozessor, den es bis dato gegeben hat. Er bietet mehr Effizienz und mehr Leistung, was wiederum unseren Nutzern zu Gute kommt.

Interkonnektivität scheint Huawei besonders wichtig zu sein – Smartphones, Laptops und TV-Geräte können interagieren.

Das ist richtig. Wir versuchen, uns laufend weiterzuentwickeln und unsere Nutzer im Alltag zu unterstützen. Die reibungslose Verbindung unterschiedlicher mobiler als auch stationärer Geräte gehört für uns bei dieser großen Vision dazu.

INTERVIEW

Funktion, Ästhetik, Nachhaltigkeit Im MAK Wien erwartet Sie auf 3.000 m2 Ausstellungsfläche eine inspirierende Designschau.

Außergewöhnliche Designtrends animieren zum Angreifen, Spüren und Ausprobieren.

Freuen Sie sich auf eine facettenreiche DESIGN 2018.

DIEPRESSE .COM/DESIGN18

TECH NEWS

T E X T C A R M E N J E S S N E R , B A R T Ł O M I E J S Z AT K O W S K I

EAMES RADIO

BEYERDYNAMIC AMIRON WIRELESS

Wer sich für die Re-Edition des vom Designerpaar Charles & Ray Eames vor mehr als siebzig Jahren entworfenen Tischradios interessiert, sollte schnell sein. Das auf 999 Stück limitierte Gerät in elegantem Nussbaumholz bietet sich mit zeitgemäßer Technik als zeitloses Designobjekt an.

Die deutsche Kopfhörerschmiede Beyerdynamic hat ein neues High-End Bluetooth-Flagschiff im Sortiment. Die ohrumschließenden Kopfhörer liefern nicht nur besten Klang, dieser lässt sich auch mit der der hauseigenen App MIY („Make it yours“) personalisieren und verfeinern. Das alles bei einer Akkulaufzeit von mehr als 30 Stunden.

360FLY 4K

Für das perfekte VR-Erlebnis braucht man die entsprechende Kamera. Die staub- und schockgeschützte 360fly liefert reibungslose Aufnahmen in 4K mit einem 360° horizontalen und 240° vertikalen Sichtfeld. Mittels Live-Stream-Funktion kann man die Videos via Facebook mit der ganzen Welt teilen.

IPHONE XS

Die zweite Generation der X-Serie steht im Zeichen der Face ID. Nach der Speicherung unserer Fingerabdrücke geht es jetzt an unsere Falten. Außerdem wurde im Zuge des All-Screen-Konzepts das bislang größte iPhone-Display verbaut – völlig ohne Rand. One more thing: Dual-SIM!

NIKON Z7

Das Spiel mit dem Licht hebt die Nikon Z7 auf ein neues Level: Das spiegellose System verfügt über den größten Bajonettanschluss aller Vollformatkameras. Dadurch erreicht mehr Licht den Sensor und man erhält mehr Details, mehr Tiefe und mehr Farben. 45,7 Megapixel, 4K Videoaufnahme und bis zu 9 Bilder pro Sekunde runden das State-of-the-Art-System ab. Einziger Wermutstropfen: Alte Objektive sind nicht mehr kompatibel.

2 4 | FAQ

BEOSOUND EDG

Bang & Olufsen, bekannt für minimalistisches Design, setzt mit einem Rundum-Soundsystem neue Maßstäbe in Sachen innovativer Bedienung und Audiowiedergabe. Mithilfe von Sensoren erkennt es, wenn sich jemand nähert und blendet das Bedienfeld auf dem Aluminiumgehäuse ein. Die Lautstärke wird dabei durch kurzes Anrollen des Geräts gesteuert.

GADGETS

YOU DESERVE PERFECTION Weil es dein Abenteuer ist.

Neu

Jetzt erhältlich bei:

Stiftgasse 21 1070 Wien www.digitalstore.at

*Mit optionalem EF-Mount-Adapter

Die neue spiegellose Systemkamera. > Entdecke die Auswahl an kompakten EF-M-Objektiven. > Zusätzlich kompatibel mit allen EF- und EF-S-Objektiven*

EF-M 11-22

EF-M 22

EF-M 28 Makro EF-M 55-200

Mehr unter canon.at/cameras/eos-m50/

Live for the story_

SWEET HOME TEXT CARMEN JESSNER

LONDON BENCH

A R M C H A I R 41 P A I M I O

ORIENT

Die Sitzbank London des Dänen Morten Georgsen für BoConcept bietet Komfort nach Maß. Ein minimalistischer schwarzer Metallrahmen, der zu jeder Einrichtung passt, bildet die Grundlage. Für die gepolsterte Auflage stehen über hundert Stoffe und Leder zur Auswahl.

1932 entwarf Alvar Aalto den Armchair 41 für die Ausstattung eines Tuberkulose-Sanatoriums in der südfinnischen Stadt Paimio. Heute gilt der Sessel, der für Artek produziert wird, als das Meisterwerk des Designers, das noch immer durch seine leichte, organische Interpretation des Clubsessels besticht.

www.boconcept.com

www.artek.fi

2 6 | FAQ

Die Leuchte zählt zu den bekanntesten Stücken aus Jo Hammerborgs Œuvre. 55 Jahre hat Orient schon auf dem Buckel, jedoch nichts von ihrer Aktualität eingebüßt. Die Neuauflage wird von der dänischen LeuchtenSchmiede Lightyears für Fritz Hansen hergestellt. www.fritzhansen.com

NANTES

Aufgrund der hohen Seitenund Rückwände bezeichnet Designer Henrik Pedersen das für BoConcept gestaltete Sofa als „Raum im Raum“. Das kokonähnliche Design von Nantes vermittelt ein Gefühl von Geborgenheit und schafft einen idealen Rückzugsort in allen Wohnbereichen. www.boconcept.com

DESIGN

MESH

Die Devise des Münchner Unternehmens Piure lautet: In den Feinheiten steckt der Zauber eines Möbels. Die individualisierbaren Systemmöbel sind in Funktionalität und Design bis ins kleinste Detail durchdacht: Perforiertes Lochblech und getöntes Glas kreieren bei Mesh spannende Lichtspiele. www.piure.de

K 11

PH 5

Auch sechzig Jahre nach ihrer erstmaligen Vorstellung ist die PH 5 die meistverkaufte Leuchte im Portfolio von Louis Poulsen.

Wie schon zum Neunziger der Stehleuchte PH 3,5, ist auch diese limitierte Jubiläumsedition in elegantem Kupfer und Weiß ausgeführt. www.louispoulsen.com

Unter K11 ist für alle Füße Platz. Durch die smart konzipierte Unterkonstruktion aus zarten Edelstahlformrohren wird maximale Beinfreiheit gewährleistet. Der für palatti gestaltete Tisch des Österreichers Christian Kröpfl wurde unter anderem mit dem reddot design award ausgezeichnet.

NEPHELE

Ursprünglich 1978 von Angelo Mangiarotti & Chiara Pampo entworfen und ausschließlich in einer exklusiven Kleinstauflage produziert, wird der extravagante Solitär aus Leder und Eiche anlässlich des 100. Geburtstages des Unternehmensvisionärs Philip Rosenthal neu aufgelegt. www.rosenthal.de

www.massivholz-design.at

DESIGN

FAQ | 2 7

ERIC BOMPA RD

D A S B E R Ü H M T E französische Kaschmir-Label Eric Bompard, seit über 30 Jahren für höchste Qualität, enorme Farbenvielfalt sowie außergewöhnliche Strickmuster und Schnitte bekannt, produziert nicht nur Kaschmirstrickwaren. In der aktuellen Herbstkollektion finden sich zeitlose Klassiker wie etwa Seidenblusen mit Blumenprints. Das Design mit Mohnblume, Dornröschen und Aquarellmuster wird neu interpretiert, die edle Verarbeitung zeichnet die Liebe zum Detail aus. Im Flagship Store in der Wiener Innenstadt erhältlich und selbstverständlich Made in France. www.eric-bompard.com

HAPPY BIRTHDAY! D E R S T A R der Saison heißt Mickey Mouse. Faltenfrei und gut in Form feiert Mickey heuer seinen 90. Geburtstag.

Um das nicht nur bei Disney World zu feiern, haben sich viele Labels angeschlossen und limitierte Editionen zusammengestellt. Bei Swarovski gibt es Mickey und seine Freunde aus Kristallglas für Sammler und Liebhaber zu erwerben. Für den Alltag hat Nixon für eine kleine Uhrenkollektion gesorgt. Happy Birthday! www.swarovski.com www.nixon.com

BROOK S ENGL A ND S E I T 1 8 6 6 entwirft die britische Firma Brooks, berühmt für ihre Ledersättel, alles für den Radfahrer. Der Pickwick ist ein vielseitiger Rucksack aus Leder im Roll-Top-Style, sein Design verkörpert die Unkompliziertheit des urbanen Radfahrens. Er verfügt über ein Laptopfach und eine versteckte Tasche auf der Rückseite. Der Pickwick wurde von Andree Klauser in England entworfen und wird von Kunsthandwerkern in der Toskana gefertigt. Übrigens, Pickwick ist auch in Leinen erhältlich. www.brooksengland.com

2 8 | FAQ

FA S H I O N

L OUIS V UI T T ON G R A C E C O D D I N G T O N , die ehemalige Kreativdirektorin der amerikanischen Vogue, hat ihre beiden Katzen Pumpkin und Blanket auf ikonischen Louis-Vuitton-Taschen verewigt. Das entzückende Muster trägt den Namen „Catogram“.

Darüber hinaus entwarf Coddington auch eine „Cats on Leather“-Handtaschenkollektion in Form von Katzen und Hunden sowie Schuhe und Kleidungsstücke. Eine Capsule Collection für Tierfreunde. www.louisvuitton.com

Carré 90 Lettres au carré © Tim Elkaïm

Carré 90 La Serpentine de Pierre Charpin © Tim Elkaïm

HERMÈ S A U C H I M H A U S E Hermès gibt es eine lange Tradition der Zusammenarbeit mit internationalen Künstlern und Designern. Für die Herbstkollektion engagierte man den Franzosen Pierre Charpin: So ist mit La Serpentine de Pierre Charpin ein moderner Entwurf mit abstrakten Formen und leuchtenden Farben entstanden.Wie bei allen Seidentüchern aus dem Hause Hermès –die Carrés werden seit 1937 hergestellt – ist auch dieses Kunstwerk vielseitig einsetzbar. www.hermes.com

E VA BL U T I N D I V I D U E L L , eigensinnig, kreativ, durchdacht, architektonisch, vielseitig, tragbar: Das wäre eine kurze Beschreibung der Taschendesigns von Eva Buchleitner, die seit langem unter dem Labelnamen Eva Blut internationale Erfolge feiert. Denn die saisonalen Modelle sind nicht nur im Herzen Wiens zu erwerben, sondern weltweit unterwegs: in ausgewählten Boutiquen in London, New York und Tokyo. Man darf sich auf den Herbst freuen. www.evablut.com

FA S H I O N

FAQ | 29

IN KOOPER ATION MIT

t AMOUAGE Imitation Woman EdP 100 ml von Christopher Chong € 335 t t HUAWEI P20 TWILIGHT mit 5,8* Zoll RGBW-Bildschirm ab € 549 t

3 0 | FAQ

P H O T O S H O T W I T H H U AW E I P 2 0 S E R I E S

IN KOOPER ATION MIT

t PENHALIGON’S Mr. Sam, aus der Serie Portraits EdP 75 ml, € 235 t 5 Couleurs DIOR En Diable No 087 Volcanic t t SENSAI Blooming Blush No. 05 Blooming Beige t Sonnenbrille von DIESEL t

P H O T O S H O T W I T H H U AW E I P 2 0 S E R I E S

FAQ | 31

IN KOOPER ATION MIT

t ETRO Udaipur EdP 100 ml, € 160 t JOY by DIOR – der erste neue Duft seit 20 Jahren im Hause Dior EdP 50ml, € 94 t t GUERLAIN Moon Guerlain EdT 50 ml, € 95 t Kompaktpuder von Guerlain, No 02N Clair/Light Lingerie De Peau t t Rouge DIOR Ultra Rouge Lippenstift t

3 2 | FAQ

P H O T O S H O T W I T H H U AW E I P 2 0 S E R I E S

IN KOOPER ATION MIT

t Terre d’Hermès Eau Intense Vétiver 100 ml, € 106 t t AZZARO Wanted By Night EdP 100 ml, € 85 t

P H O T O S H O T W I T H H U AW E I P 2 0 S E R I E S

FAQ | 33

IN KOOPER ATION MIT

t ROJA Elysium Parfum Cologne 100 ml, € 270 t Les 4 Ombres, Eyeshadow von CHANEL No. 312 Quiet Revolution t t WACKELWASSER EdP aus dem Hause MEMO Paris 50 ml, € 100 t FABER CASTELL Loom Metallic Füller t t GUERLAIN Lippenstift No 78 in Exotic Safarilook mit Spiegel t

3 4 | FAQ

P H O T O S H O T W I T H H U AW E I P 2 0 S E R I E S

IN KOOPER ATION MIT

t SERGE LUTENS Le Participe Passé 100 ml, € 180 t t ACQUA DI PARMA Colonia Sandalo 100 ml, € 187 t

P H O T O S H O T W I T H H U AW E I P 2 0 S E R I E S

FAQ | 35

SHOO TING STAR I N T E R V I E W J E N N Y D AV I S T E X T J A KO B D I B O L D

L ady Gaga hat f ü r i h re L eist u ng i n „ A St a r is Born“, d e r b e i d e n F i l m f e s t s p i e l e n i n Ve n e d i g u r a u f g e f ü h r t wurde, durchwegs begeisterte Kritiken erhalten. Am Lido sprach sie über die Arbeit mit Regisseur und Schauspieler Bradley Cooper und ihre Erfahrungen im Musikbusiness.

FAQ | 37

„Als ich selbst losgelegt habe und in meine Musik karriere gestartet bin, als ich also entschieden hatte, professionelle S ä n g e r i n z u w e r d e n , w a r i c h u n g e f ä h r 19 J a h r e a l t .“

A

Star is Born ist nicht nur Bradley Coopers Erstling als Regisseur – die als Schauspieler ja bereits in hohem Maße profilierte Größe übernahm auch die männliche Hauptrolle an der Seite von Popstar Lady Gaga (bürgerlicher Name: Stefani Joanne Angelina Germanotta).

Die Geschichte, die sich zwischen ihren beiden Figuren entwickelt, ist nicht neu: A Star is Born ist das mittlerweile dritte Remake der gleichnamigen, siebenfach oscarnominierten Technicolor-Romanze aus dem Jahr 1937. Lady Gaga und Bradley Cooper treten somit nicht nur in Fußstapfen von Janet Gaynor und Fredric March, sondern auch in jene von Judy Garland und James Mason (1954) beziehungsweise Barbra Streisand und Kris Kristofferson (1976). In der OriginalVersion ist es noch der Traum der weiblichen Hauptfigur, Schauspielerin zu werden, der im Mittelpunkt steht. Die erste Neuauflage rückte bei der Figur der aufstrebenden Actrice bereits Musik und Gesang ebenso in den Vordergrund und ging vor allem deshalb als Musical-Triumph der großen Judy Garland in die Filmgeschichte ein. In der dritten Version wurde der Branchen-Wechsel schließlich vollständig vollzogen: Eine Schlüsselszene der Story spielt sich nicht mehr bei einer Oscar-Verleihung, sondern bei den Grammy Awards ab, taucht Streisand doch anfangs an der Seite eines alternden Rock ’n’ Roll-Stars in die Welt der Musikindustrie ein. Heuer können wir wieder einen Musikfilm erwarten, der in die Jahre gekommene Musiker ist diesmal Country-Sänger. Das Genre ergab sich aus den intensiven musikalischen Vorbereitungen Coopers auf die Rolle. Zusätzlich zu den Songs aus Lady Gagas und seiner Feder konnte man unter anderem CountryIkone Willie Nelson für den Soundtrack gewinnen.

3 8 | FAQ

Zwar weichen die vier Filme voneinander ab, die Grundstruktur ist jedoch eine ähnliche: Eine junge, aufstrebende Künstlerin, die davon träumt, ein Star zu werden, trifft durch Zufall auf einen dem Alkohol verfallenen älteren Profi, dessen Karriere sich am absteigenden Ast befindet. Natürlich entwickelt sich mehr als nur professionelles Interesse zwischen den beiden. Anfangs geht alles gut, doch je besser es für den weiblichen Part läuft (der 2018 erstmals nicht den Namen Esther sondern Ally trägt), desto größer werden die Probleme des männlichen Partners.

Bei den Filmfestspielen von Venedig gab es viel Lob für den Film, nicht zuletzt für die Performance Lady Gagas. Diese kam auf dem Seeweg in Venedig an und versprühte im Vorfeld des Films in einer ganzen Reihe atemberaubender Outfits wahren Hollywood-Glamour. Ein Gespräch.

Lady Gaga, was war das Herausfordernde daran, die Figur der Ally zu spielen?

Es war herausfordernd, weil sie sich am Anfang des Films komplett aufgegeben hat. Als ich selbst losgelegt habe und in meine Musikkarriere gestartet bin, als ich also entschieden hatte, professionelle Sängerin zu werden, war ich ungefähr 19 Jahre alt. Ich und mein Klavier zogen von Spelunke zu Spelunke. Ich habe versucht, ein Engagement zu bekommen, damit ich vor Publikum singen und performen kann. Und ich habe wirklich fest an mich geglaubt. Ally glaubt anfänglich nicht an sich selbst. Erst ihre Beziehung mit Jack, die gemeinsame Liebe und sein starker Glaube an sie erwecken sie richtig zum Leben.

FAQ | 39

Wurden Sie am Anfang Ihrer Karriere auch manchmal dazu gedrängt, ihren Look oder Ihre Erscheinung zu ändern, so wie Ihre Figur im Film?

Ich habe es schon immer geliebt, mich zu verwandeln und verschiedene Charaktere zu verkörpern. Das ist Teil meiner künstlerischen Praxis,Teil meiner Musik. Was so wunderbar an der ganzen Erfahrung mit Bradley war, und was ihn zu so einem unglaublichen Regisseur macht, ist, dass er mich total ohne all das sehen wollte. Ich erinnere mich noch sehr, sehr gut: Ich ging die Treppen vor meinem Haus hinunter, bevor wir einen Screentest filmten – und er hatte auf einmal ein Abschminktuch in der Hand. Er wischte mir damit übers Gesicht, auf dem ein bisschen Make-up war und sagte: „Ich will kein Make-Up auf deinem Gesicht.“ Er hat mich dazu gebracht, mich auch verwundbar zu zeigen. Für mich als Person, die sich dabei nicht immer sicher fühlt, war das eine besondere Erfahrung. Er gab mir das Gefühl, frei zu sein. Gleichzeitig ist er bei der Arbeit so unfassbar fokussiert und visionär, dass ich wirklich meinen Traum leben konnte.

Ich wollte immer schon auch Schauspielerin sein, und da können von 100 Leuten 99 nicht an dich glauben – du brauchst du einen, der an dich glaubt. Und das war er. Ich bin sehr glücklich, da zu sein, wo ich jetzt bin.

Im Film gibt es eine berührende Szene, in der Ally zum ersten Mal ihre eigene Musik vor Publikum spielt. Ich denke, das ist ein unvergesslicher Moment für jeden Musiker und Songwriter. Was haben Sie gefühlt, als Sie diesen Part gespielt haben?

Ich muss sagen, dass ich und Bradley dermaßen in die Charaktere vertieft waren, dass sich dieser Moment beim Filmen sehr echt angefühlt hat, sehr lebendig. Wir hatten da Live-Publikum, das uns zusah. Wir haben den ganzen Film live gesungen. Weil ich davor noch nie als Schauspielerin einen Film gemacht hatte, war es sehr leicht für mich, mir selbst zu sagen: „Okay, ich habe das noch nie gemacht. Das ist mein erstes Mal für einen Film.“ Es war leicht mich in diesen Zustand zu bringen und dann hinauszugehen und zu spielen, so wie sie es tut. Ally hat sich ein bisschen Mut angetrunken, wirft die Shot-Gläser zu Boden, geht da raus und gibt alles. Daran erinnere ich mich sehr gut, ich glaube, es war der letzte Take der Performance. Wir haben viele Takes gemacht, das war der letzte. Bradley kam unmittelbar davor noch einmal zu mir und sagte: „Okay, bei diesem Take möchte ich einfach nur, dass du Spaß hast.“ Ich habe einfach performt und ich werde ich es nie vergessen. Es halt sich wirklich so angefühlt, als würde ich meinen eigenen Song zum ersten Mal spielen. Es war sehr, sehr besonders.

Und Sie haben vorgeschlagen, dass Bradley in dem Film auch singen soll?

Er ist ein großartiger Sänger. Wirklich, ein klasse Sänger. In dem Moment, als er den Mund aufgemacht hat – wir saßen an

FAQ | 41

„Ich war zum Glück immer sehr stark am Anfang meiner Karriere, ich musste immer ein bisschen manövrieren: Egal, was sie mir aufgetragen haben, ich musste immer sichergehen, d a s e s a u f m e i n e We i s e g e m a c h t w u r d e “ Können Sie über den Druck in der Musikindustrie sprechen, der herrscht, wenn man versucht, sich zu profilieren, besonders als Frau?

Und wie Sie damit umgegangen sind?

Am Anfang meiner Karriere habe ich sehr oft „Nein“ gesagt.

Ich schreibe meine eigene Musik und arbeite mitunter auch mit anderen Songwritern. Als ich begann, war ich nicht die schönste Frau im Raum, wie man so sagt, und es gab viele Frauen, die ihre Songs nicht selbst schrieben. Viele Vertreter von Plattenfirmen wollten meine Stücke hernehmen und sie anderen Frauen zu singen geben. Ich hielt meine Musik wie mit kalten, toten Fingern fest umklammert und sagte: „Ihr werdet mir

Foto: Greg Williams

meinem Klavier im Wohnzimmer – und zu singen begann, hielt ich inne und sagte: „Oh mein Gott, Bradley. Du hast eine unglaubliche Stimme.“ Er singt aus dem Bauch heraus, aus der Seele. Ich glaube, das kommt sehr stark in Jacksons Charakter heraus. Was ich so an der Arbeit mit Bradley liebte, war, dass da ein echter Austausch passiert ist. Er akzeptierte mich als Schauspielerin und ich akzeptierte ihn voll und ganz als Musiker. Er verbrachte viel Zeit im Studio und mit den Musikern und hat alles regelrecht studiert: die Musik, was dahintersteckt, alles, was in der Musikindustrie so passiert.

Es war eine unglaubliche Sache, das mit anzusehen und ein Teil davon zu sein.

meine Songs nicht wegnehmen.“ Sie machen auch dauernd Vorschläge, wie man aussehen soll. Ich habe mit Tänzern gearbeitet, weil ich ja eigentlich als Pianistin angefangen habe, sie mich aber tanzen sehen wollten. Ich hatte ja auch in der Schule getanzt. Ich musste also schon oft geschickt da durchnavigieren. Ich war zum Glück sehr stark am Anfang meiner Karriere: Egal, was sie mir aufgetragen haben, ich musste immer sichergehen, das es auf meine Weise gemacht wurde. Ich wollte nie sexy wie andere Frauen sein, ich wollte nie wie andere Frauen gesehen werden. Ich wollte meine eigene Künstlerin sein, ich habe meine eigene Vision. Bei Ally ist das das Gleiche, denke ich. Sie nimmt das Karriere-Ruder selbst in die Hand und versucht, während sie sich verändert, ihren Platz zu finden.

Wie fühlt es sich an, die Premiere Ihres ersten Films hier in Venedig zu erleben?

Ich bin sehr, sehr stolz, hier zu sein. Teile meiner Familie kommen aus Venedig, also ist das ein absoluter Traum. Mit die größte Herausforderung war wie gesagt, dass Bradley nicht wollte, dass ich Make-Up trage. Ich war also total verwundbar und entblößt, aber er hat es geschafft, dass ich mich wohl gefühlt habe. Er arbeitet sehr präzise, jedes Bild sitzt perfekt, aber gleichzeitig gibt es Raum für Spontaneität. Er hat es also geschafft, das Gefühl der Verletzlichkeit aus mir hinauszubekommen, alleine wäre ich dazu vielleicht nicht in der Lage gewesen. Ich war sehr ängstlich bei der Vorbereitung auf die Rolle, aber ich hatte meinen Freund an meiner Seite. Ich glaube, es gilt für alle Bereiche, dass man immer mit Leuten arbeiten sollte, die besser sind als man selbst.

Bradley ist besser als ich und ich habe jeden Tag etwas von ihm gelernt. Ich habe ihn bei der Arbeit beobachtet, wenn ich auf meine Szenen gewartet habe, ich habe ihm zwischen Set-

Umbauten dabei zugesehen, wie er Kameras verschiebt, das Licht verändert. Das ganze Setup, alles geschah mit großer Selbstverständlichkeit. Er ist einfach unglaublich in dem, was er tut. Also ja, ich hatte ziemliche Angst. Aber wenn man mit jemandem ins Wasser geht, der wirklich gut darin ist, der sich sehr gekonnt über Wasser hält und mit hohem Tempo darin schwimmen kann, ist es okay.

Das ist das dritte Remake des Original-Films, warum, glauben Sie, hat diese Geschichte 80 Jahre überdauert?

Ich glaube, es ist so, dass wir gerade weil wir so viele Inkarnationen dieses Films kennen, wissen, dass diese Story sich bewährt hat. Es ist eine schöne Geschichte, und ich denke, dass überall auf der Welt Leute von ihr berührt sein werden.

Es ist eine Geschichte über Liebe, eine Geschichte, die das behandelt, was Bradley als die generelle menschliche Notlage und Abhängigkeit bezeichnen würde. Alles daran ist eine erstaunliche Erfahrung für mich und ich freue mich sehr darauf, dass sie alle sehen werden.

Interview: Jenny Davis / The Interview People Übersetzung: Jakob Dibold A STAR IS BORN Drama/Musical, USA 2018 – Regie Bradley Cooper Drehbuch Eric Roth, Bradley Cooper, Will Fetters Kamera Matthew Libatique Schnitt Jay Cassidy Production Design Karen Murphy Kostüm Erin Benach Mit Bradley Cooper, Lady Gaga, Andrew Dice Clay, Dave Chappelle, Sam Elliott, Bonnie Sommerville, Anthony Ramos, Michael Harney Verleih Warner Bros., 135 Minuten Kinostart 5. Oktober

FAQ | 43

GRENZENLOSES HERZ Nach sechs Jahren veröffentlicht Soap&Skin ihr drittes Album. Die grandiose Rückkehr einer Ausnahmekünstlerin.

4 4 | FAQ

Foto: Poly Maria

TEX T GÜNTHER „BUS“ SCHWEIGER

FAQ | 45

Still: Ioan Gavriel

Wartezeit Es ist einer der immensen Fortschritte der Gegenwart, dass Herkunftsorte von Künstlern immer unwichtiger werden. Niemand assoziiert mit Elfriede Jelinek die Stadt Mürzzuschlag, auch wenn sie sich irgendwann einmal gegen ein Denkmal nicht mehr wehren kann. Wobei hier seit Thomas Bernhards Testament und seinen sich schelmisch widersprechenden Wünschen natürlich auch für die Nachwelt einiges geregelt werden kann. Und auch Anja Plaschg alias Soap&Skin wird eher nicht in einem Atemzug mit ihrem Herkunftsort Gnas genannt werden. Ein Ort in der Oststeiermark, eingebettet zwischen der Seniorentherme in Bad Gleichenberg, ein Ort, in dem die Zeit stehengeblieben ist, mit dem harmonischen Vulkankegel von Straden und den Weingärten von Klöch, das auch die Vorlage für jene Backhendlstation beherbergt, die Privatdetektiv Brenner im „Knochenmann“ von Wolf Haas beinahe zum Verhängnis wird. Die harmonisch hügelige Landschaft erstaunt und beruhigt die Besucher, die die Buschenschänken stürmen.

Damit die Preise stimmen und der Schein gewahrt bleibt, muss hinter den Kulissen gehackelt werden. Der Schinken schneidet sich schließlich nicht von alleine, die Mischungen wollen serviert, die Arbeitnehmer zum Wohle des Gastes angetrieben und die Säue geschlachtet werden. Und hier schließt sich der Kreis, denn Anja Plaschgs Vater war Schweinezüchter. Die Tochter hatte ein Herz für die Tiere, das diese durchaus verdient haben.

Wenn man in so einem Ort heranwächst und schon früh erkennt, dass einen Bilder, Töne oder Sätze erfüllen, dann erkennt man auch schnell, dass die gleichaltrige Umwelt andere Prioritäten setzt. Wie überall ist der Initiationsritus der erste Vollrausch und dieser Brauch wird dann Wochenende für

4 6 | FAQ

Wochenende aufs Neue gepflegt. Mopeds, Motorräder und Autos kommen dann dazu, um den Mädls zu imponieren und um sie in die Landdiscos und zu den Feuerwehr- und Landjugendfesten zu transportieren, mit der Hoffnung, auch den Rückweg bestreiten zu können. Das endet dann meist mit der Erfahrung des ersten Toten der eigenen Generation, denn Kraftproben auf Straßen mit klingenden Namen wie „Sterzautobahn“ enden nicht immer vor der Haustüre, sondern in manchen Fällen auch tragisch. So tragisch, dass Familien an den Langzeitfolgen zerschellen.

All das führt dazu, dass die eigene Geisteswelt verteidigt werden muss. Stete Verteidigung führt zur Stärke, seinen Weg zu suchen und letztendlich auch zu finden.

Sechs Jahre sind seit dem letzten Soap&Skin Album „Narrow“ vergangen, das im Zeichen der Verarbeitung des Todes von Plaschgs Vater stand. Schon seit ihrer ersten Veröffentlichung vor zehn Jahren war klar, dass die Gepflogenheiten des Musikgeschäfts und die üblichen Veröffentlichungsrituale wie Interviews am laufenden Band von ihr gewissenhaft ignoriert werden, dafür sorgten schon der Wille, nur das an die Öffentlichkeit dringen zu lassen, das auch den Vorstellungen der Urheberin entspricht sowie die ihr eigene sehr bestimmte und doch zerbrechliche Ausstrahlung.

Untätig blieb Plaschg in dieser Veröffentlichungspause nicht. In Ruth Beckermanns Film Die Geträumten begeisterte sie als Rezitatorin von Ingeborgs Bachmanns Briefen an Paul Celan und auch in der Reflexion dieser Briefe mit CoHauptdarsteller Laurence Rupp. Im letzten Jahr startete auf Netflix die deutschsprachige TV-Serie Dark, zu der sie die Titelmusik schrieb. Ein seltener Fall einer wirklich durchdachten Auswahl der Komponistin.

Erfüllung Das alles führt nun zu Soap&Skins drittem Album „From Gas To Solid / You Are My Friend“, das Ende Oktober erscheint. Sucht man einen Produzenten, wird man nicht fündig. Das entspricht nicht der Arbeitsweise von Plaschg, denn das würde bedeuten, die eigenen Klangwelten, die eigenen Worte zur Diskussion stellen zu müssen. „Ich sammle seit über zehn Jahren akustische Aufnahmen verschiedener Instrumente und Klänge. Fast alles was hörbar ist, basiert auf Samples. Selbst wenn Musiker involviert sind, sample ich einzelne Töne und Schläge und arrangiere sie so neu. Die Arbeitsweise gleicht eher dem Prozess des Malens auf einem offenen Raster am Bildschirm. Ich kann so aus meinen technischen Fähigkeiten hinaustreten und mich allein darauf fokussieren, was ich höre. Das gibt mir die Freiheit.“ Und diese Freiheit nützte Anja Plaschg auf eine Weise, die einen staunen und gleichzeitig jubilieren lässt. Sie, die immer mit Begriffen wie Schwere, Dunkelheit, Tod oder Verzweiflung in Zusammenhang gebracht wurde, gewährt der Sonne, der Versöhnung, der Hoffnung und dem Lachen zarten Eingang in ihre Songs. Das war nach Veröffentlichung der Vorabsingle „Heal“ zu erahnen, denn an Vince Clarke (Yazoo, Erasure) angelehnte Synthesizermelodien führen nicht in die dunkle Unterwelt, sondern lassen zumindest die Möglichkeit der Leichtigkeit des Lebens offen. Über den meisterhaften Sounds thront dann die Stimme und diese vermittelt schlicht und einfach Einmaligkeit. Sie verbindet Kontrolle, das Wissen um das eigene Können und diese spezielle individuelle Sensibilität, die sie unverwechselbar macht. Man könnte von Songs wie „Italy“ lange schwärmen und die Ebenen aufzählen, auf denen sie funktionieren, man könnte Superlative wie „Klassiker der Moderne“ oder „Album des Jahres“ auspacken, in Wahrheit werden diese Prädikate den Songs von „From Gas To Solid“ nicht gerecht. Sicher ist nur, dass diese Musik und diese Lieder noch lange bleiben werden.

Das letzte Lied Ganz am Schluss ist dann eine der vielen Überraschungen versteckt, mit denen wirklich niemand gerechnet hat. Plaschg nimmt sich „What A Wonderful World“ an, jenem Song, der Ende der Sechziger für Louis Armstrong geschrieben wurde, schon mit seinem Anfang „I See Trees Of Green / Red Roses Anja Plaschg und Laurence Rupp in Die Geträumten, Foto: Stadtkino

Foto: Poly Maria

Too“ Millionen in seinen Bann zog und seither u. a. von Roy Black, Rod Stewart, Joey Ramone und Robert Wyatt gecovert wurde. Es ist auch ein Lied, das von der Filmindustrie geliebt wird und spätestens seit Good Morning Vietnam immer wieder eingesetzt wird. Um so einen Song zu interpretieren, braucht man Chuzpe, aber davon hat Anja Plaschg eine Menge.

Wer „Pale Blue Eyes“ live in neue Sphären heben kann, der schafft auch hier das Kunststück, nicht nur eine eigene Spur zu hinterlassen, sondern das Lied einzugemeinden und zum Teil des eigenen Universums zu machen.

Und sollte jetzt jemand mit dem Spruch, dass der Prophet im eigenen Land nichts gelte, daherkommen, dem sei ins Stammbuch geschrieben, dass der Kunst von Soap&Skin Ländergrenzen ziemlich egal sind. Und dass die Immunität der meisten Österreicher und der Wiener im Besonderen gegen Berühmtheiten aller Art auch ein Glücksfall ist, denn dieser Zustand ermöglicht es, weiter aus der Ruhe des Stadtrands zu schöpfen, zu samplen, Songs zu schreiben und diese uns, wenn die Zeit reif ist, zu schenken.

Soap&Skin „From Gas To Solid / You Are My Friend“ (Play It Again Sam / Hoanzl / Rough Trade)

FAQ | 47

4 8 | FAQ

Helen Levitt, New York, 1945, Silbergelatinepapier, Albertina, Wien. Dauerleihgabe der Österreichischen LudwigStiftung für Kunst und Wissenschaft © Film Documents LLC/Courtesy Galerie Thomas Zander, Köln

SURREALE MAGIE DER RÄNDER TEX T ROL AND SCHÖNY

D a s D o k u m e n t a r i s c h e i n d e n f r ü h e n A u f n a h m e n d e r U S - Fo t o g r a f i n Helen Levitt aus der Zeit der Großen Depression ist mit absurden Momenten und surrealen Gesten aufgeladen. Die Albertina in Wien w id met der Pion ier in der St ra ßenfotog ra f ie eine g roße Ret rospekt ive.

FAQ | 49

Walker Evans, Helen Levitt, 1938, Filmnegativ, Walker Evans Archive, 1994 © Walker Evans Archive, The Metropolitan Museum of Art

B

emerkenswert, wie bekannt doch manche der Aufnahmen erscheinen. Ihnen haftet etwas Magisches an, wirken viele von Ihnen in all der festgehaltenen Spontaneität doch beinahe theatralisch. Dabei sind es häufig Kinder, die vor der Fotokamera agieren und manchmal ins Mysteriöse übergehende Bewegungen ausführen. Dass sie sich wie selbstverständlich an der Schwelle zu einer anderen, zunächst schwer begreiflichen Sphäre bewegen, macht diese Fotografien so fesselnd. Viele der festgehaltenen Szenen haben sich mittlerweile ins kollektive Gedächtnis eingeschrieben.

Man hat daher das Gefühl, zumindest einige dieser Bilder einmal schon gesehen zu haben. Ihre Schauplätze liegen in den Straßen der sozial benachteiligten Quartiere im New York der 1930er Jahre. Die Fotografien führen nach Brooklyn, an die Lower East Side und – weiter im Norden – nach Spanish Harlem. Das Alltagsleben in diesen ohnehin schon armen Vierteln wirkt durchzeichnet von den Nachwirkungen des Wall Street Crash von 1929, die Stadtlandschaften trostlos und stellenweise wirklich heruntergekommen.

Dies ist die oft bedrückende Folie im Hintergrund, in der sich der Niedergang der wirtschaftlichen und industriellen Entwicklung widerspiegelt. Die Stadtumgebung legt die dem Kapitalismus immanente Krise offen, welche die Gegensätze zwischen den irgendwo anders lebenden Reichen und der teils unerträglichen Armut an den Peripherien der Metropole weiter verschärft. Die Darsteller im Vordergrund aber, auf dem vernachlässigten Sidewalk, vor Feuertreppen und

5 0 | FAQ

schäbigen Hauseingängen, auf abgenützten Fensterbänken sitzend oder in zerschlissenen Kleidern vor Rohziegel-Hausfassaden posierend, sind zumeist Kinder. Diese durchgängige Präsenz von Kindern wurde geradezu typisch für die frühen, bald berühmten Arbeiten der Fotokünstlerin Helen Levitt.

Als leidenschaftliche Beobachterin des New Yorker Straßenlebens rückte Helen Levitt sie in der für ihre Fotografie signifikanten Art in den Fokus: in einem Zwischenspiel aus Dokumentarischem und Inszenierung. 1913 in Brooklyn geboren, hat Levitt sich sehr früh dem Medium der Fotografie verschrieben und sich mit dessen Eigenheiten und Möglichkeiten von ihren Jugendjahren an auseinandergesetzt.

Im Zuge ihrer Tätigkeit für einen Porträtfotografen stieß sie bereits mit 22 auf Henri Cartier-Bresson, der sich spätestens nach dem Zweiten Weltkrieg als eine der große Leitfiguren des Genres erweisen sollte. Bald im Besitz einer eigenen Leica, begann Levitt mit ihren ersten Aufnahmen des Lebens in den Straßen des multiethischen Viertels Bensonhurst im südwestlichen Brooklyn. Ihr Interesse, das soziale Leben draußen ins Bild zu setzen, führte schnell zur Begegnung mit dem Schriftsteller und Fotografen Walker Evans, der mit seinen Aufnahmen einen formal präzisen Sozialrealismus etabliert hat. Levitt arbeitete ab 1938 als dessen Assistentin.

Heute gilt sie als eine der wichtigsten Figuren der Straßenfotografie. Zudem positionierte sie sich mit Streifen wie „In the Street“ oder mit der in der Rubrik Dokumentarfilm für einen Oscar nominierten Produktion „The Quiet One“ über einen

FAQ | 51

Helen Levitt , New York, 1940, Silbergelatinepapier, Albertina, Wien. Dauerleihgabe der Österreichischen LudwigStiftung für Kunst und Wissenschaft © Film Documents LLC/Courtesy Galerie Thomas Zander, Köln

Helen Levitt New York, 1980, Dye-Transfer-Print, Privatsammlung © Film Documents LLC/Courtesy Galerie Thomas Zander, Köln

stillen, verhaltensgestörten afro-amerikanischen Jungen, als Filmemacherin. Seit den späten 1950er Jahren ist sie – mit Ausbreitung des damals noch neuen Mediums – eine der frühesten Vertreterinnen der New Color Photography.

Nach ersten relevanten Veröffentlichungen in Zeitschriften hatte die erst 2009 verstorbene Jahrhundertfotografin schon 1943 ihre erste Einzelausstellung im New Yorker MOMA. 1959 erhielt sie ein Guggenheim Stipendium und wurde, nach zahlreichen Retrospektiven in den USA, von Catherine David auf der documenta X speziell dem europäischen Publikum wieder in Erinnerung gerufen.

Allerdings ist noch wenig gesagt mit dem Verweis auf die sichtlich von Leben an der sozialen Peripherie gezeichneten kindlichen Protagonisten in den Fotoarbeiten der Helen Levitt. Unwillkürlich können sie ihr Publikum zum Schmunzeln

5 2 | FAQ

bringen. In den seltensten Fällen jedoch wegen irgendeiner Art Heiterkeit, die darin vielleicht zum Ausdruck kommen könnte. Dafür rückt die Kamera viel zu oft an prekäre Lebensbedingungen heran. Was innehalten lässt, stutzig machen oder wirklich zum Lachen verführen kann, sind eher die oftmals wiederkehrenden absurd bis komisch wirkenden Gesten; oder generell: eigentümliche Konstellationen und theatralisch wirkende Anordnungen, welche der Zufall oft besser zu schreiben scheint als jedes Drehbuch. Wenn einige Buben etwa vor der Kamera posieren, als würden sie für ein Shakespeare-Stück proben, wenn eine Gruppe maskierter Kinder im Begriff ist, vor einem Hauseingang fast majestätisch die Treppe herab zu schreiten oder andere Maskierte so ernsthaft lässig dalehnen, als wäre deren seltsames Outfit nun – ganz selbstverständlich – der neue Style.

Helen Levitt New York, 1973, Dye-Transfer-Print, Film Documents LLC © Film Documents LLC/Courtesy Galerie Thomas Zander, Köln

Anderswo spielt ein als Bühnenelement auf dem Gehsteig aufgestellter Rahmen mit einem kleinen Radfahrer im Sichtfeld dahinter eine tragende Rolle, während auf einem weiteren Bild ein Kind höhnisch in die Kamera lacht, als dessen Mutter suchend im Kinderwagen herumkramt und darin fast verschwindet. Gelegentlich verunsichert das Auftauchen von Waffen den Gesamtzusammenhang oder es kommt zu sexuellen Anspielungen, wenn Buben Mädchen den Rock hochheben oder einfach mit freiem Auge, demonstrativ voyeuristisch, die Zonen darunter zu erkunden suchen.

Damit transformiert die relativ junge Helen Levitt mehrere traditionelle Zuschreibungen. Zu dieser Zeit noch außergewöhnlich, begibt sie sich als Frau in die Rolle der bald frei arbeitenden Künstlerin in einem technischen Medium. Dabei wendet sie sich von den Einflüssen des noch vorhandenen

Piktorialismus, der die Fotografie in Konkurrenz mit der Malerei durch ausgeprägten Naturalismus zu einem vollwertigen künstlerischen Ausdrucksmittel erheben möchte, völlig ab. Stattdessen erkundet sie die Möglichkeiten des Sozialrealismus wie er unter dem Einfluss der Kommunisten von der engagierten „Film and Photo League“ vertreten wird.

Aufmerksam geworden auf die konzeptuelle Arbeit des Walker Evans und nachhaltig inspiriert von der surrealistischen Bildwelt des Henri Cartier-Bresson löst sich Helen Levitt jedoch schnell aus der Rahmung einer rein kritischen und politischen Blickrichtung auf die gesellschaftlichen Verhältnisse.

Entgegen jenem Zeitgeist, der die dokumentarische Übersetzung der Klassengegensätze intendiert, bricht sie aus einem allzu linearen Verständnis von sozialem Engagements aus und setzt dem eine körperbezogene visuelle Lyrik entgegen.

FAQ | 53

5 4 | FAQ

Helen Levitt, New York, 1940, Silbergelatinepapier, Albertina, Wien. Dauerleihgabe der Österreichischen LudwigStiftung für Kunst und Wissenschaft © Film Documents LLC/Courtesy Galerie Thomas Zander, Köln

Helen Levitt New York, ca. 1940, Silbergelatinepapier, Film Documents LLC © Film Documents LLC/Courtesy Galerie Thomas Zander, Köln

Helen Levitt New York, 1940 Silbergelatinepapier, Sammlung Martin Z. Margulies © Film Documents LLC/Courtesy Galerie Thomas Zander, Köln

Mit dieser Hinwendung zu Ausdrucksformen des Surrealismus innerhalb des Themenfelds sozialer Lebenszusammenhänge betont sie ihre künstlerische Unabhängigkeit.

Schauplatz ihrer Arbeit bleibt zwar der urbane Raum, doch bezieht sie die Dimension des Spiels, das Theatralische und Performative ein. Die Eckpfeiler der fotografischen Arbeit von Helen Levitt, „Poesie“ und „Realismus“, führen aus der starren Theorie politischen Engagements hinaus. Das konzeptuelle Terrain, auf dem sie sich nun bewegt, erweist sich in mehrfacher Weise als subversiv.

Denn das freie Spiel der Kinder, dessen Erfindungsreichtum mit seinen Gesten und Rollen bewegt sich abseits der Verwertungszusammenhänge des Kapitalismus. Es ist für Helen Levitt in den 1930er Jahren ein Gegenmodell zur gesellschaftlichen Logik der bürgerlichen Moderne; und zwar auch dann, wenn unter den Beteiligten grausame Momente zu Tage treten. Stets bleibt es außerhalb jener Zusammenhänge, die das Individuum formatieren und instrumentalisieren.

Von hier aus zieht der Kurator der großen Helen-LevittRetrospektive in der Wiener Albertina, Walter Moser, einen Bogen zur Körpersprache des Charlie Chaplin. „Die Hinwendung zum Gestischen in der Fotografie steht mit einer breiten Aufarbeitung des Stummfilm- beziehungsweise SlapstickKinos in Zusammenhang, die in den späten 1930er-Jahren einsetzte. Sowohl in ihrer Betonung des Physischen als auch durch ihre expressiven Verformungen des Körpers erinnern Levitts Fotos an Auftritte von Helden dieser Filme, die Levitt seit ihrer Jugend verfolgte.“ Levitt, die Chaplin in höchstem Maße bewunderte, eignete sich in vielen Aufnahmen Chaplins Strategien an. Dabei zeigen Untersuchungen des foto-

Helen Levitt New York, 1938 Silbergelatinepapier, Sammlung Martin Z. Margulies © Film Documents LLC/Courtesy Galerie Thomas Zander, Köln

grafischen Rohmaterials, also der Negativstreifen aus heutiger Sicht, dass viele der veröffentlichten Aufnahmen Serien entstammen, in der die kindlichen Protagonisten unterschiedliche Stellungen einnehmen und sich in einem kommunikativen Prozess mit der Fotografin befinden. Theoretiker Duncan Forbes bezeichnet das Ergebnis solcher Interaktionen als „Sozialen Surrealismus“.

Angeregt vom französischen Surrealismus, der versuchte, die Synapsen zum Unbewussten zu öffnen und das sogenannte Reale zu unterlaufen, erschloss Helen Levitt im Resonanzfeld dieser Einflüsse eine kritische und zugleich humorvolle, phantasmatische Bildsprache, die sie explorativ und lyrisch weiterentwickelte, stets jedoch als Antithese zur standardisierten Konsumgesellschaft formuliert hat.

HELEN LEVITT Die Ausstellung ist von 12. Oktober 2018 bis 27. Jänner 2019 zu sehen.

Kuratorenführung Mittwoch, 12. Dezember, 17.30 Uhr mit Dr. Walter Moser Katalogbuch: Helen Levitt Herausgeber: Walter Moser, Albertina, Wien Texte: Duncan Forbes, Astrid Mahler, Walter Moser, Christina Natlacen, Bert Rebhandl Design: Manuel Radde ISBN 978-3-86828-876-6 2018

FAQ | 55

Le livre d’image, Jean-Luc Godard, CH 2018 © Casa Azul Films/Ecran Noir

5 6 | FAQ

BLÄTTER AUS DEM BUCH DER BILDER TEXT BERT REBHANDL

Unter der neuen Di rektor i n Eva Sa ng iorg i w i rd die Vienna le sich nicht radi k a l verändern – stärkere politische Ak zente sind aber deutlich zu erkennen.

FAQ | 57

3 Faces/Se rokh, Fafar-Panahi, Iran 2018

D

er Dokumentarfilm Eine eiserne Kassette von Nils Olger beginnt, wie es der Titel schon ankündigt, mit einer eisernen Kassette. Sie enthält fotografische Negative, die der Großvater des Künstlers und Filmemachers im Zweiten Weltkrieg gemacht hat. 1944 war er in Italien, als Sanitäter bei der SS, die auf ihrem Rückzug vor den Amerikanern immer wieder Massaker an der Zivilbevölkerung verübte. Nils Olger begab sich für seinen Film auf die Spuren des Großvaters, er geht in die Dörfer, in denen zum Teil noch dieselben Häuser stehen wie damals, er nimmt die fotografische Perspektive von damals ein, stellt aber die Fragen von heute. In einem der Gespräche mit einem Zeitzeugen fällt ein Name, der bei dieser Viennale einen besonderen Klang haben wird: Sangiorgi.

Es ist dabei nicht von Belang, ob die Sangiorgis in Nils Olgers Film in irgendeiner Weise in einer auch nur entfernten Verbindung mit der neuen Direktorin der Viennale stehen: Eva Sangiorgi stammt aus der Gegend von Ravenna, kommt also aus einer Gegend weiter östlich als die, in der Olger unterwegs war. Eine eiserne Kassette hätte wohl auch so einen Platz im Programm der diesjährigen Viennale verdient, und doch ist das ein Film, der der neuen Direktorin ein wenig näher stehen wird als die vielen anderen, die sie zeigt. Denn er steht eben für einen Aspekt der vielschichtigen historischen

5 8 | FAQ

Verbindungen zwischen Italien und Österreich. Zu diesen Verbindungen gehört nun eben auch, dass eine Weltbürgerin aus der oberitalienischen Provinz das Filmfestival in der österreichischen Hauptstadt leitet. Sie ist die Nachfolgerin des vor einem Jahr unerwartet verstorbenen Hans Hurch. 2018 wäre seine letzte Viennale geworden. Bei einem Blick auf das Programm könnte man zugespitzt sagen: Eva Sangiorgi hat ein Festival kuratiert, das durchaus noch viel vom Geist ihres Vorgängers verspüren lässt.

So hätte man sich Lazzaro felice von Alice Rohrwacher (siehe Seite 64) in jedem Fall als Eröffnungsfilm vorstellen können – mit einer italienischen Direktorin bekommt die Wahl aber noch einmal eine spezifische Note, und man geht vermutlich nicht fehl, wenn man in der politischen Ästhetik dieses Films auch eine Richtschnur für das sieht, was Eva Sangiorgi am Kino interessiert. Sie kann bei ihrer allgemeinen Auswahl aus dem Vollen einer Jahresproduktion mit vielen Höhepunkten schöpfen. Etablierte Künstler wie Nuri Bilge Ceylan aus der Türkei (mit Ahlat Agaci, einem berührenden Generationendrama) oder Jafar Panahi aus dem Iran (mit Se rokh, einer brillanten Reflexion auf Starwirkung und gesellschaftliche Hemmungen) sind mit reifen Meisterwerken vertreten. Dazu kommt mit Le livre d’image von Jean-Luc Godard ein alles überragender Filmessay, der allein für ein ganzes

Premières solitudes, Claire Simon, F 2018

Dead Souls, Wang Bing, CHN 2018

FAQ | 59

Climax, Gaspar Noé, F 2018

Festival reichte, wenn man sich mit seinen überreichen Bezugswelten beschäftigen würde. Der chinesische Dokumentarist Wang Bing hat mit dem riesigen Dead Souls ein Werk über die Kulturrevolution geschaffen, das manche schon mit Shoah verglichen haben. Godard und Wang Bing könnte man als die beiden Leuchtürme bezeichnen, um die sich alles andere gruppiert, was auf der Viennale 2018 zu sehen sein wird.

Das europäische Großthema der Integration von heterogenen Gesellschaften taucht an vielen Stellen auf, zum Beispiel in Claire Simons Dokumentarfilm Premieres Solitudes, in dem eine Klasse französischer Jugendlicher aus einer Kleinstadt unweit von Paris sich ganz großartig persönlich kennenlernen lässt. Man sieht hier, dass eine sogenannte multikulturelle Gesellschaft ganz selbstverständlich sein kann, denn sie drückt im Grunde ja nur aus, dass ein Land sich nicht von der Welt isolieren will (oder kann). Die Viennale, die als Weltkinofestival schon immer für Freiheit in Krähwinkel stand (um Nestroys berühmte Provinzposse zu bemühen), ist im Grunde vom Prinzip her ein Festival vor allem gegen die geistige Abschottung. Und mit einer italienischen Nachfolgerin für den weltfrommen Katholiken Hurch bekommt das Grundfaktum einer globalen Filmauswahl noch einmal ein paar eigene Akzente.

Das zeigt sich vor allem an dem umfangreichsten der angekündigten Spezialprogramme: In Visual Justice kommen deutlicher denn je die politischen Aufgaben des Kinos zum

6 0 | FAQ

Ausdruck. So hat zum Beispiel die Marokkanerin Mounir Fatmi mit Les ciseaux (2003) die zensurierten Liebesszenen aus dem Film einer Kollegin zu einem eigenen Film zusammenmontiert, mit dem sie einem wichtigen Aspekt „visuelle Gerechtigkeit“ verschuf – der freien Begegnung von Menschen in einer Gesellschaft, die dafür viel zu viele religiöse und andere Regeln festsetzt. Von Ken Jacobs bis zu GodardMitarbeiter Paul Grivas, von Raoul Peck bis zu der großen iranischen Rebellin Bani Koshnoudi reicht das Spektrum von Visual Justice.

Bei den anderen Specials verzichtet Sangiorgi auf einen der großen Namen, um die Hurch sich Jahr für Jahr bemüht hat, weil er wohl meinte, das Festival bräuchte für seine Legitimation auch etwas für den roten Teppich (von Lauren Bacall bis Harry Belafonte). Für Jean-Francois Stevenin werden die Menschenmassen vermutlich nicht im selben Maß in Gartenbau pilgern wollen, dabei ist dieser französische Ab-und-zuRegisseur und Manchmalschauspieler eine höchst originäre Figur, und sein geheimnisvolles Meisterwerk Passe-montagne, in dem es einen Pariser in einen entlegenen Winkel des Jura verschlägt, wird mit neuen Untertiteln vielleicht die eine oder andere Bedeutungsschicht erkennen lassen, die man bisher nicht so verstanden hat. Stevenin ist eines der Specials gewidmet, wie auch dem Italiener Roberto Minervini, dem Argentinier Jorge Acha und dem Türken Gürcan Keltek – in allen

Zimna Wojna, Pawel Pawlikowski, PL/GB/F 2018

What You Gonna Do When the World’s on Fire?, Roberto Minervini, I 2018

FAQ | 61

Gun Crazy, Joseph H. Lewis, King Bros. 1950. Bild: Österreichisches Filmmuseum

Narrow Margin, Richard Fleisher, RKO 1952. Bild: Österreichisches Filmmuseum

Ride Lonesome, Bud Boetticher, Columbia 1959. Bild: Österreichisches Filmmuseum

The Face behind the Mask, Robert Florey, Columbia 1941. Bild: Österreichisches Filmmuseum

6 2 | FAQ

Murder by Contract, Irving Lerner, Columbia 1958. Bild: Österreichisches Filmmuseum

Detour, Edgar G. Ulmer, RKO 1945. Bild: Sammlung Österreichisches Filmmuseum

Fällen könnte man, mit einem Schlüsselbegriff der neueren Filmgeschichtsschreibung, von einem minoritären Kino sprechen. Selbst ein relativ differenziertes Festival wie die Viennale übersieht immer wieder viel, und kann dann gelegentlich mit Specials wieder die eine oder andere Lücke schließen.

Eine etwas ausgeprägtere Tendenz zu minoritären Künstlern, Ästhetiken und Kontexten als in den Jahren unter ihrem Vorgänger lässt Eva Sangiorgi schließlich auch in der Retrospektive erkennen, mit der das Filmmuseum sich an der Viennale beteiligt: Die Auswahl zu The B-Film. Hollywoods Low Budget-Kino 1935-1959 hat Haden Guest im Alleingang verantwortet. Als Direktor des Harvard Film Archive hat er eine gute Ausgangsposition für die Erschließung dieser Parallelwelt zu dem glamourösen offiziellen Hollywood. Der Kritiker Manny Farber sprach mit Blick auf Filme von Phil Karlson oder Joseph H. Lewis einmal von „underground film“, er meinte damit eine untergründige Strömung im kommerziellen Betrieb, eine Bewegung, in der das Populäre in Eigensinn umschlagen kann, weil der geringere Erwartungsdruck bei B-Filmen eine dialektische Form von Freiheit in die Produktion von Dutzendware bringt.

Um abschließend auf Godards Filmtitel zurückzukommen: „Buch der Bilder“ könnte über der Retrospektive wie über der ganzen Viennale als Leitmotiv stehen. Das Festival öffnet ein Buch aus Bildern (und Tönen). Auslesen wird man es nie können, aber auch als unendlicher Text kann die Viennale eine Richtung vorgeben, nämlich zumindest ein paar Schritte hin zu einer „curatorial justice“ – in die Repräsentation der Welt durch Filme gehen auf diese Weise die Bemühungen um größere Sichtbarkeit dessen ein, was sich nicht in die Gehirnwäsche der „kontrollierten Botschaften“ und der Propaganda illiberaler Demokratien (oder ganz einfach buchstäblich in eiserne Kassetten) sperren lässt.

VIENNALE 2018 25. Oktober bis 8. November www.viennale.at

FAQ Magazine verlost 3 Viennale Taschen und einen Viennale-Zehnerblock Gewinnspiel auf: www.faq-magazine.com

FAQ | 63

6 4 | FAQ

T E X T U N D I N T E R V I E W PA M E L A J A H N

MEINE RELIGION IST DIE DES GLAUBENS AN DIE MENSCHLICHKEIT Die italienische Regisseurin Alice Rohrwacher ist ein Glücksfall für das Kino.

Ihr dritter Spielf ilm „La zza ro fel ice“ zä h lt zu den Ausnahmeerscheinungen des Jahres.

FAQ | 65

„Ich bin eine sehr treue, loyale Seele, und solange mich jemand nicht enttäuscht, bleibe ich bei ihm. Das gilt auch für das Filmmaterial. Es hat mich bisher nie im Stich gelassen, also sehe ich auch keinen Grund, warum ich plötzlich zu Digita l wechseln sol lte“

L

azzaro (Adriano Tardiolo) spricht nicht viel, lieber tut er, was man ihm sagt. Lazzaro hier, Lazzaro dort, heißt es von allen Seiten, doch der schmächtige junge Mann mit dem kindlich-staunenden Blick folgt den permanenten Anweisungen seiner Familie mit einer Engelsgeduld, die ihresgleichen sucht. Und auch sonst ist Lazzaro anders als alle anderen. Das gütige Lächeln auf seinen Lippen verrät, das er keiner Fliege etwas zu Leide tun kann. Der einfältige Tölpel, für den ihn auf dem abgeschiedenen Gutshof in der süditalienischen Provinz Inviolata alle halten, ist er deshalb jedoch noch lange nicht. Vielmehr scheint ihm eine sonderbare Kraft innezuwohnen, die herrschende Ungerechtigkeit und Ausbeutung auf Erden nicht nur zu ertragen, sondern sie fortwährend zu überdauern, komme, was da wolle – und zwar selbst dann noch, wenn ihm der Tod eigentlich sicher ist. Ähnlich wie in ihrem Regiedebüt, dem aufwühlenden Pubertätsdrama Corpo celeste, rückt Alice Rohrwacher in Lazzaro felice erneut eine sensible Hauptfigur in den Mittelpunkt des Geschehens, die sich im Rahmen einer bewusst offen gestalteten Dramaturgie bewegt und darum bemüht ist, der Wucht ihrer gewaltigen Verlorenheit im Hier und Jetzt zu entgehen. Doch mehr noch als in ihren bisherigen beeindrukkenden Arbeiten zeigt sich die italienische Regisseurin in ihrem dritten Spielfilm in erster Linie einem magischen Realismus verpflichtet, der sich selbst über Wunder, Fantasie und Zeitsprünge hinwegsetzt, ohne auch nur für den Bruchteil eines Augenaufschlags an Glaubhaftigkeit zu verlieren. Die

6 6 | FAQ

elegante Vermischung zweier konträrer Gesellschaftsformen – einer längst vergangen geglaubten mit der unsrigen modernen Welt – gehört dabei ebenso so zu den eigenwilligen Stärken des Films wie die sanfte, unaufdringliche Art, mit der die heute 36-jährige Autorenfilmerin alle ihre Geschichten inszeniert. Ihr stets mit präziser Genauigkeit beobachtender Blick unterstreicht diesmal vor allem im ersten Teil des Films ihren ausgeprägten Sinn fürs Fantastische, ohne dass er jemals die Oberhand zu gewinnen versucht. Erst nachdem die Leibeigenen aus der Knechtschaft befreit und folglich an die soziale Randzone der Großstadt geschwemmt werden, zieht sich das Kameraauge etwas enger zusammen, um aus der Perspektive von Lazzaro und dem, was von seiner Familie nach dem Bruch mit dem bäuerlichen Leben übrig blieb, von den bitteren Wahrheiten des ökonomischen Wandels zu erzählen.

War Rohrwachers Vorgängerfilm Le meraviglie noch ein zeitloses, oftmals humorvolles Porträt vom alternativen Leben in Italien, fällt Lazzaro felice bei aller Märchenhaftigkeit und Magie in seiner Wirkung umso bestürzender aus.

Frau Rohrwacher, Ihr Film steckt voller mythologischer Referenzen.

Das fängt schon bei der Namensgebung der Figuren an. Was hat es damit auf sich?

Ich stamme aus einem von Mythen und Legenden stark beeinflussten Land und ich denke, es ist ein Teil unsere Identität – oder zumindest meiner Identität. Wir Italiener leben in einer Mischung aus Realität und Mythologie, und die

FAQ | 67

Grenzen sind oftmals fließend. In unserem Land werden die kleinsten Fakten nicht selten zu Legenden und die größten Abenteuer zu Märchen. Was konkret die Namen der Figuren angeht, lege ich Wert darauf, dass sie einen gewissen Bezug zu mir, zu meiner Persönlichkeit haben. Oftmals handelt es sich dabei um literarische Referenzen, wie Gelsomina in Le meraviglie oder Lazzaro hier. Namen sind meine Glücksfälle.

Aber sie nehmen auch jeweils Bezug auf die Welt, aus der sie stammen. Sie spiegeln einen gewissen Hintergrund wieder, ohne zu viel vorweg zu nehmen, und das ist mir sehr wichtig. Im Grunde kommt es der Geburt eines Kindes gleich.

Da macht man es doch auch so. Keiner würde auf die Idee kommen, seinem Kind einen Namen zu geben, den man nicht mag. Und für mich ist dabei eben immer auch ein Stück Mythos und Realität im Spiel. Es ist mein Erkennungsmerkmal – und das meiner Heimat.

Sie drehen Spielfilme, dennoch wohnt Ihrem Blick immer auch eine gewisse dokumentarische Qualität inne. Ist das eine bewusste Vorgehensweise?

Es war immer mein Traum, Dokumentationen zu drehen, aber ich traue mich nicht. Ich hadere zu sehr mit mir selbst.

Ich könnte niemals Menschen in ihrem wirklichen Leben filmen und sie damit gewissermaßen ans Kreuz schlagen.

6 8 | FAQ

Dagegen erscheint mir die Vorstellung, jemandem die wundervolle Möglichkeit zu geben, sein eigenes Leben hinter dem einer fiktiven Gestalt zu verstecken, als eine reizvolle Alternative. Zum Beispiel handelt es sich bei den Protagonisten in Lazzaro felice größtenteils um echte Bauern und Landwirte. Aber natürlich leben sie heute nicht mehr in einer Großfamilie, abgeschottet von der Welt, wie man es im Film sieht.

Das heißt, sie spielen eine Rolle, die nicht unbedingt ihrer unmittelbaren Lebenssituation entspricht. Trotzdem hätte ich mich nicht getraut, auch nur eine Aufnahme zu stehlen.

Was ich damit meine ist, dass wir stets um Erlaubnis gefragt haben, ob wir das Material verwenden dürfen. Darüber hinaus ist jede Einstellung bis ins kleinste Detail vorab geprobt und vorbereitet worden, auch wenn es im Film eher den Anschein hat, als sei vieles improvisiert. Aber in Wirklichkeit hat das alles eher mit meinem persönlichen Anspruch als Mensch zu tun und weniger mit meiner Herangehensweise als Regisseurin.

Wie bereits in Ihren früheren Filmen ist auch „Lazzaro felice“ stark von religiösen Motiven geprägt.

Und das, obwohl ich selber nie eine Kirche betreten habe.

Kein einziges Mal. Vielleicht werden sie mir dafür irgendwann einmal ein Denkmal errichten.

Die Frage ist, warum es trotzdem so wichtig für Sie ist? Was ist Ihre persönliche Beziehung zu Religion und Glauben?

Ich stamme nicht aus einer religiösen Familie. Ich wurde nie getauft und, wie gesagt, habe in meiner Kindheit nie auch nur einen Fuß in eine Kirche gesetzt. Mittlerweile hat sich das geändert, allerdings nur aus arbeitstechnischen Gründen. Für meinen Film Corpo celeste musste ich zwangsweise in die Kirche, um zu sehen, wie Religion heutzutage gelehrt wird. Und ich musste an einem Katechismus teilnehmen. Aber privat kriegen mich auch heute keine zehn Pferde in ein Gotteshaus.

Trotzdem stamme ich aus einem katholischen Land und habe durchaus auch ein inniges Gefühl für Religion, wobei dieses Gefühl ausschließlich auf einem prähistorischen Glauben beruht, nicht auf einem dogmatischen. Meine Religion ist die des Glaubens an die Menschlichkeit.

Wie schwer war es, den richtigen Lazzaro zu finden?

Ganz ehrlich, die größte Herausforderung war es, den richtigen Wolf zu finden. Wir haben ewig und überall gesucht, bis wir schließlich in Frankreich fündig wurden.

Und Lazzaro?

Es war kaum möglich, sich auch nur vorzustellen, wie Lazzaro sein sollte, welche Wesenszüge er haben sollte. Ich muss ge-

stehen, dass ich beispielsweise zunächst nicht davon ausging, dass er so hübsch sein würde wie Adriano. Einzig von vornherein fest stand, dass er ein gewisses Licht ausstrahlen musste.

Aber wie erklärt man das? Man kann schließlich nicht sagen, dass man nach leuchtenden Personen sucht. Und deshalb wurde uns bald klar, dass wir so nicht weiter kamen. Auch der echte Lazzaro würde natürlich niemals zu einem offiziellen Vorsprechen erscheinen. Und so blieb uns nichts anderes übrig, als selbst auf die Suche zu gehen – nicht auf der Straße, aber in Schulen. Wir streiften durch unzählige Klassenzimmer, bis mein Casting Director Chiara Polizzi irgendwann Adriano entdeckte. Das Problem war jedoch, dass er unser Angebot, im Film mitzuspielen, zunächst dankend ablehnte. Er meinte, er wüsste nicht, ob er die Rolle übernehmen könne, weil er keine Ahnung hatte, worauf es uns ankam, geschweige denn, was für einen Job er da überhaupt annehmen würde. In dem Moment überkam mich eine schreckliche Angst, weil ich wusste, dass ich mich ihm gegenüber zu beweisen hatte. Er stellte mich auf die Probe. Wir gingen den kompletten Film von Anfang bis Ende gemeinsam durch. Einen ganze Monat lang haben wir mit ihm an der Rolle gearbeitet in der Hoffnung, dass er sie am Ende annimmt. Und Gott sei Dank tat er es auch. Aber er entschied sich für mich, nicht umgekehrt. Es war eine nervenaufreibende Zeit und eine extrem wichtige Lektion für mich.

FAQ | 69

Alice Rohrwacher

Inwiefern?

Unser Beruf wird heute allzu leicht überbewertet. Die allgemeine Auffassung ist, das ein Regisseur stets bekommt, was oder wen er will, weil man meint, dass jeder, der das Angebot bekommt, in einem Film mitzuspielen, sich automatisch darauf stürzt. Und meine Erfahrung mit Adriano hat mir gezeigt, dass wir eben nicht die Macht und die Kontrolle haben, die uns so oft nachgesagt wird. Das war ein echter Reality check für mich, der mich am Ende in die richtige Position rückte, um den Film zu drehen.

Sie drehen bis heute alle Ihre Filme auf 16mm. Sind Sie gar nicht versucht, wie so viele Ihrer Kollegen letztendlich auch auf Digital umzuschwenken?

Ich bin eine sehr treue, loyale Seele, und solange mich jemand nicht enttäuscht, bleibe ich bei ihm. Das gilt auch für das Filmmaterial. Es hat mich bisher nie im Stich gelassen, also sehe ich auch keinen Grund, warum ich plötzlich zu Digital wechseln sollte. Ich finde das Drehen auf Film großartig, es ist eine unheimlich kraftvolle, reale und verlässliche Methode. Ich kann damit wunderbar arbeiten. Außerdem ist es sehr handwerklich und greifbar, das mag ich sehr. Zum Beispiel die Tatsache, dass man am Ende des Tages dailies hat, die man noch einmal durchschauen muss. Ich brauche diese lebendige Art des Filmemachens. Und ich glaube an die Kraft der Bilder, weil sich darin so vieles finden lässt, dass einem im Alltag sonst vielleicht abhanden gehen. Das Bild bringt

7 0 | FAQ

alles zusammen und gibt den Dingen eine andere Gestalt, eine andere Form, die sich nicht von außen beeinflussen lässt.

Aber es gibt noch etwas anderes, dass mich am Filmmaterial fasziniert, und zwar ist das seine Eigenwilligkeit und Unberechenbarkeit. Es hat, wenn sie so wollen, seinen eigenen Kopf im Entstehungsprozess des Films. Und es muss atmen können. Im Wesentlichen kommt es auf drei Dinge an: Auf die Schauspieler, auf uns, die Filmemacher, und auf das Material.

Der Film entsteht im Prozess des Drehens. Und ich kann mir beim besten Willen nicht vorstellen, jemals in einem kleinen Studio vor einem Greenscreen zu sitzen, um im Nachhinein an irgendwelchen imaginären Welten zu basteln. Das ist einfach nicht meine Art zu filmen. Mir ist es viel wichtiger, den Bezug zum Material aufrechtzuhalten, mich ins Material und damit schließlich in den Film einzufühlen. Und daran wird sich so schnell auch nichts ändern.

LAZZARO FELICE / GLÜCKLICH WIE LAZZARO Drama Italien/Schweiz/Frankreich/Deutschland, 2018 Regie/Drehbuch Alice Rohrwacher Kamera Hélène Louvart Schnitt Nelly Quettier Production Design Emita Frigato Musik Piero Crucitti Kostüm Loredana Buscemi Mit Adriano Tardiolo, Agnese Graziani, Alba Rohrwacher, Luca Chikovani, Tommaso Ragno Verleih Filmladen, 130 Minuten

FGN *1 <=; )( *()0 | NA=FF9 l`

l`

www.thishumanworld.com

FIT MY RIDE T E X T PA U L L O H B E R G E R F OTO S M A G D A L E N A B Ł A S Z C Z U K

E i n e a d ä q u a t e Te s t f a h r t i s t d i e s m a l nicht möglich. Nicht weil Caren Hartley in London lebt und arbeitet. Die gelernte G old sch m ied i n fer t ig t Fa h r r äder nach Ma ß.

Die Rahmen sind immer aus Stahl. Das a n d e r e s t e h t z u r D i s p o s i t i o n . We r vo m idealen Rad träumen möchte, kann sich nach diesem Artikel etwas länger hinlegen.

7 2 | FAQ

FAQ | 73

953 Stainless Steel Disc Equipped Gravel Road Bike Foto: Sebastien Klein

P

ersönliches Planungsgespräch, 500 Pfund Anzahlung, 18 Monate Wartezeit, Termine zum Messen und Anpassen – es gibt wohl Autos, die mit weniger Aufwand fahrbereit zu haben sind. Andererseits werden RetroRennräder vielfach über ihrem Wert gehandelt, wie Fachleute behaupten. Aber das sind unsinnige Vergleiche. Zumal Autos, die einen solchen Grad an Individualisierung aufweisen, dann nochmal in einer ganz anderen Preisklasse spielen. Eine so genaue Anpassung an den Körper erfolgt bei Autos wohl ohnehin nur im Profisport …

Tatsächlich ist die Idee des Rades nach Maß naheliegend: Rahmen und Komponenten selber zusammenzustellen, ist schon lange üblich. Fahrräder sind mittlerweile in allen Designs und Preisklassen erhältlich, sie liegen mehr denn je im Trend, wobei in der Stadt drei Arten von Zielgruppen parallel existieren: Sportler, Fahrer und Styler. Für alle gibt es Argumente fürs Rad nach Maß: Bessere Performance, mehr Komfort – und mehr Style! Wie man vom braven Besuch diverser Fachevents weiß, produziert die urbane Kultur ständig neue Geschäftsideen in Design und Handwerk, und manche halten sich auch. Dass dies in London umso mehr gilt, wird auch niemanden überraschen.

74 | FAQ

Persönliche Motive Die Firmenidee ergab sich in diesem Fall recht pragmatisch: Die leidenschaftliche Radlerin Caren Hartley hatte ganz einfach das Problem, dass sie relativ groß gewachsen ist, und es daher schwer war, ein passendes Rad zu finden.

Die Goldschmiedin konnte mit Metall umgehen und hatte mit Skulpturen bereits Erfahrung im größeren Maßstab gesammelt – warum also nicht gleich Räder bauen, das sind doch auch Skulpturen! Mittlerweile ist sie über zehn Jahre im Geschäft und an Abnehmern mangelt es nicht, wie die Wartezeit zeigt. Die erwähnten 500 Pfund stehen für einen Minimalwert der Anzahlung, die ein Viertel des Gesamtpreises ausmacht. Der Vorschuss sichert den Platz in der „Produktionsschlange“. Die gibt es, denn auch wenn Caren Hartley die Rahmen selber baut, ist sie an externe Abläufe gebunden: Komponenten müssen bestellt werden, und die Dokumentation des Arbeitsfortschritts über Social Media ist nicht die einzige digitale Prozedur. Aber eines nach dem anderen: Welche Bedürfnisse das Rad erfüllen soll, klärt die Meisterin im persönlichen Gespräch. Dieses wird protokolliert, gegen-gecheckt und per Anzahlung bestätigt. Dann geht es zum Bike Fitter, um die genauen Maße zu ermitteln.

FAQ | 75

Austins Ex Machina Foto: Sebastien Klein

Juliet's Fiery Fixed Crit Race Bike Foto: Sebastien Klein

76 | FAQ

Eine zwingende Entwicklung?

Hier hat die technologische Entwicklung vieles vereinfacht. Auch in Österreich bieten Fahrradhändler bereits den „Körperscan ohne Berührung“ an, um ein vorhandenes Rad ideal abstimmen zu können. Für das geschmiedete Rad nach Maß muss es dann doch ein wenig genauer sein. Fotos vom Bike Fitter Le Beau Velo in London (mit denen arbeitet Caren Hartley vorrangig) vermitteln einen Eindruck von der digital unterstützten Mess-Prozedur, die einem BelastungsEKG ähnelt – nur dass hier die Körperhaltung in Abgleich mit einem verstellbaren Rad gemessen wird. Dadurch erledigen sich viele Fragen der Rahmen-Geometrie – lange ein zentraler technischer wie philosophischer Knackpunkt im Fahrradbau – durch die persönlichen Maße. Was dann noch offen bleibt, löst Caren Hartley auf Basis ihrer Erfahrung – und das persönliche Gespräch am Anfang liefert ja auch Anhaltspunkte.

High-End-Handwerk Aus Überzeugung verarbeitet Caren Hartley nur Stahl (in zwei Qualitätsstufen – Steel Frames gibt es ab 1690 Pfund, Full Stainless Steel Frames ab 2290 Pfund). Wenn der Rahmen fertig ist, bietet die Lackierung ein weiteres Feld zur persönlichen Verwirklichung, dem lediglich finanzielle Grenzen gesetzt sind („Custom paint starts at £450“). Scrollt man sich durch die Galerie auf ihrer Seite, findet man allerdings eine Menge Argumente für ein Investment in diesem Bereich. Bekanntlich entwickelt sich ja auch der Wert von Sportwägen in Zuckerlfarben wesentlich besser als der desselben Typen in Schwarz oder Weiß – ein blöder Vergleich? Keineswegs, zuletzt präsentierte sich Caren Hartley auf der Homo Faber Ausstellung der Michelangelo Foundation in Venedig im Umfeld von Yachten und Luxuswagen. Für „Workshop Exclusives“ war sie eingeladen, ihr Handwerk live zu zelebrieren.

Menschliche Perspektiven?

Unter dem Motto „Crafting a More Human Future“ versammelt Homo Faber Kunstobjekte und Handwerk, imaginäre Architektur, Mode und so weiter … die Initiatoren erklären Kunst, Kreativität und Handwerk zu einer menschlichen Bastion, die nicht von Robotern ersetzt werden kann wie viele andere Jobs – man müsse nur die digitalen Mittel nützen, um dieses Potenzial wirtschaftlich zu stärken. Spannend. Ob Homo Faber nun einfach eine Luxus-Designmesse ist oder mehr, wäre an anderer Stelle zu klären. Fakt ist, dass

die Handwerkerin Caren Hartley schon jetzt alle digitalen Mittel für ihre Geschäfte zu nutzen weiß. Ein Erstgespräch wäre über Skype möglich. Dann müsste ein greifbarer Bike Fitter identifiziert werden und die Daten übermitteln. Zur Feinabstimmung wäre aber wohl doch eine Reise nach London nötig – ohne realen Kontakt kein Handwerk, das hat ja auch seinen Reiz. Wichtig wäre dann noch die Frage nach dem sicheren Fahrrad-Parkplatz. Lange Zeit pendelte Caren Hartley mit dem Rad zwischen Wohnung und Arbeit, eine Stunde pro Richtung, quer durch London. Aus Angst vor Diebstahl und Unfällen fuhr sie nicht auf ihrem individuellen, sondern mit einem alten Rad. Mittlerweile ist sie übersiedelt, Arbeit und Wohung sind nun näher aneinader, und Caren Hartley betreibt eine zweite Firma: Isen Workshop stellt auch Räder her, nicht individuell nach Maß, aber mit sehr präzisen Möglichkeiten zur Abstimmung. Dafür wurden ein paar Standard-Rahmen entwickelt, die je nach Größe der Kundschaft zum Einsatz kommen. Das Know-how aus der Maßarbeit dürfte hier wohl in die Geometrie eingeflossen sein. Auch alles sehr fein, doch bei weitem nicht so exklusiv. Während Caren Isen Workshop nebenbei betreut, arbeitet sie immer nur an einem Hartley Cycles Projekt. www.hartleycycles.com www.homofaberevent.com

FAQ | 77

кёкЂr кЂкЂ┼Ї 1 кЃr кёкѓ┼Ї (

AMS TERDAM кЕкАкекГкекакФ кџкЕкАк▓ кЏк▓ кдкЂ

7 8 | FAQ

FAQ | 79

8 0 | FAQ

FAQ | 81

8 2 | FAQ

FAQ | 83

8 4 | FAQ

FAQ | 85

8 6 | FAQ

FAQ | 87

8 8 | FAQ

FAQ | 89

ƩơƨƭƨƠƫƚƩơƲ Ŋ ƤƚƢƥƚƬ @Ƥ ƚƢƥ ƚƬƦƢƜơƚƞƥ

CIERRA Ƭ ƭ Ʋ ƥ Ƣ Ƨ Ơ Ŋ ƫ ƨ Ƭ ƞ Ơ ƞ ƫ Ƣ Ƨ @ ƫ Ơ ƞ ƫ Ƣ Ƨ Ƭ ơ ƨ ư ƫ ƨ ƨ Ʀ Ŋ ƚ ƥ ƥ ư ƚ ƫ Ɲ ƫ ƨ ƛ ƞ Ɯ ƨ Ʈ ƫ ƭ ƞ Ƭ Ʋ ƨ Ɵ Ư Ƣ Ƨ ƭ ƚ Ơ ƞ ƛ Ʋ Ʀ Ƣ Ƭ ƭ Ʋ ƥ ƨ Ɯ ƚ ƭ ƞ Ɲ Ƣ Ƨ Ƭ Ɯ ƨƭ ƭ Ƭ Ɲ ƚ ƥ ƞ ƚ ƫ Ƣ Ƴƨ Ƨ ƚ @ Ư Ƣ Ƨ ƭƚ Ơƞ ƛ Ʋ Ʀ Ƣ Ƭ ƭ Ʋ ơƚƢƫ ƚƧƝ ƦƚƤƞ ƮƩ Ŋ ƝƢƚƧƞ ƚƢƞƥƥƨ @ƝƢƚƧƞB ƚƢƞƥƥƨ Ʀ ƨ Ɲ ƞ ƥ Ŋ Ɯ Ƣ ƞ ƫ ƫ ƚ ƛ ƥ ƚ Ƨ Ƥ ƞ Ƨ Ƭ ơ Ƣ Ʃ @ Ɯ Ƣ ƞ ƫ ƫ ƚ ƛ ƥ ƚ Ƨ Ƥ ƞ Ƨ Ƭ ơ Ƣ Ʃ ư Ƣ ƭ ơ ƭ ơ ƞ ƚ Ơ ƞ Ƨ Ɯ Ʋ ƚ ƫ Ƣ Ƴ ƨ Ƨ ƚ @ ƚ Ơ ƞ Ƨ Ɯ Ʋ ƚ Ƴ Ƭ Ʈ Ƣ ƭ 0 $ 5 & %< 0 $ 5 & - $& 2 % 6

9 0 | FAQ

FAQ | 91

9 2 | FAQ

ƭ ƨ Ʃ - ( $ 1 3$8 / * $8 /7 , ( 5 Ʃƚ Ƨ ƭ Ƭ 9 , 1 7$* ( ( 6 & $ '$

FAQ | 93

ƭƨƩ +(/(1$ 0 $ 1= $ 12 Ʃƚ Ƨ ƭ Ƭ - $& 4 8 ( 0 8 6 ƞ ƚ ƫƫƢƧƠ ƧƞƜƤ ƥ ƚƜƞ < 9 ( 6 6$ ,17 / $85(17

9 4 | FAQ

FAQ | 95

9 6 | FAQ

ƭ ƨ Ʃ - $& 4 8 ( 0 8 6 Ʃƚ Ƨ ƭ Ƭ & + $ 1 ( / ƛ ƚ Ơ : + , 7 , 1 * '$9 , 6

FAQ | 97

Ɯ ƨ ƫ Ƭ ƞ ƭ 5 2 % ( 5 72 & $9$ / / , Ƭ Ʈ Ƣ ƭ 0 $ 5 & %< 0 $ 5 & - $& 2 % 6

9 8 | FAQ

FAQ | 99

DENIM IN GRÜN Öko = bieder? Das war gestern.

Junge Modelabels mit neuen Ideen nehmen sich gerade des Umweltproblemk inds Nummer eins an: der Blue Jeans.

TEXT LENA STYLE

10 0 | FAQ

Foto: Kings of Indigo

FAQ | 101

Kuyichi

E

s war eine Revolution in der Modewelt, als Levi Strauss und Jacob Davis 1873 die erste Blue Jeans patentieren ließen. Heute, fast zwei Jahrhunderte später, wäre es höchste Zeit für eine weitere. Eine Revolution vonseiten der Konsumenten nämlich, die mit ihrer Kaufentscheidung mitbestimmen könnten, ob es in Zukunft bessere Umweltstandards und Menschenrechte bei der Kleiderproduktion geben kann. Denn das, was wir kaufen, hat großen Einfluss darauf, was wir angeboten bekommen. Will der Kunde billige Massenware, bekommt er sie auch. Derzeit scheint es jedoch, dass es nicht immer die günstige Wegwerf-Mode sein muss. Denn noch nie zuvor schossen so viele Marken aus dem Boden, die sich Nachhaltigkeit und Umweltschutz verschreiben. Und auch die Mär vom unleistbaren Fair-Fashion-Produkt gehört schon lange der Vergangenheit an. Junge Modedesigner mit neuen Ideen, die so gar nichts mit gängigen Öko-Klischees zu tun haben, machen es immer schwerer, Ausreden zu finden. Denn leider gilt die Jeans nicht umsonst als „schmutzigstes Kleidungstück“, gemessen an ihrem Einfluss auf Mensch und Umwelt.

Um das zu verstehen, müssen wir gedanklich in die Tropen reisen. Dort wäre der Jeans-Rohstoff Baumwolle eigentlich beheimatet. Die Natur hätte damit bereits den idealen Standpunkt gewählt, da die Pflänzchen zum Wachsen sehr viel Regenwasser benötigen. Weil die zarte Baumwolle bei der Ernte aber nicht nass sein darf, da sie sonst verfaulen würde, könnte niemals so viel in so kurzen Abständen geerntet werden, wie

10 2 | FAQ

ULLAC

in der heutigen Industrie gebraucht wird. Aus diesem Grund baut man heute in Trockengebieten an und bewässert künstlich. Für ein Kilo Baumwolle werden dazu 10.000 bis 17.000 Liter Wasser verwendet. Und das in Zonen, wo Wasser ein Luxus ist. Der Ausgangsstoff einer Jeans ist also eine kleine Diva und muss großteils per Hand gepflückt, mit Chemikalien vor Insekten geschützt und chemisch gedüngt werden, damit er so schnell wie möglich wächst. Moderne Maßnahmen, die dem Anbauboden und der Gesundheit der BaumwollBauern ordentlich zusetzten. Um die wattebausch-ähnliche Baumwolle zu einem tragbaren Stück Kleidung zu machen, reisen wir weiter nach China, genauer gesagt nach Xintang.

Der Ort gilt nämlich als Welthauptstadt der Blue Jeans. 260 Millionen Stück verlassen die Fabriken der Stadt pro Jahr – nicht ohne Folgen, wie ein Bericht von Greenpeace herausfand. Denn nirgends sonst wurden so gefährlich hohe Schadstoffwerte in Boden und Abwasser gefunden wie rund um die Denim-Fabriken.

Materialkunde Zahlen, die einem die Shoppinglust ein wenig verderben, aber auch zeigen, dass die Jeans in all ihren Formen und Farben in jedem Haushalt der Welt zu finden ist. Wo wir schon beim Reisen waren, könnten wir doch einen Stopp in Amsterdam machen: Dort findet sich nämlich ein junges Label, das den umweltschädlichen Zyklus beenden möchte. Kings of Indigo spezialisieren sich, wie der Name schon sagt, auf die

Everlane

E.L.V.

Blue Jeans. Angefangen hat alles mit dem Triple-R-Prinzip, dem sich das Label verschworen hat: Recycle, Repair und Re-Use. Aus alten Denim-Stoffen wurden neue gemacht, Nähte aufgetrennt und wieder neu zusammengesetzt. Der dadurch sichtbare Farbunterschied wurde ins Design eingebaut, statt versteckt. Mittlerweile ist das Sortiment auf andere Kleidungsstücke und Stoffe erweitert, die aus Recyclingmaterial oder Biobaumwolle bestehen. Letztere verbraucht zwar nicht minder Wasser, kommt aber ohne Chemie aus, was sowohl den Boden als auch die Gesundheit der Arbeiter schont.

Moderate Preise und zeitgemäße Kampagnen machen das Amsterdamer Modelabel auch bei der breiten Masse immer beliebter. Ein Vorreiter in Sachen nachhaltiger Jeans ist das Label Kuyichi. Sie brachten die erste „Organic Denim“ Jeans bereits im Jahr 2001 auf den Markt. Die direkte Zusammenarbeit mit den Baumwoll-Bauern steht im Vordergrund, denen das Unternehmen sogar Anteile als Shareholder anbietet.

gewogener Preispolitik und umweltschonender Produktion sei Dank. Auffallend viel tut sich auch im hippen London.

ULLAC heißt das Modelabel rund um ein Designerkollektiv, gegründet erst letztes Jahr und schon in aller Munde. Produziert werden die Denim-Stoffe ausschließlich von einem italienischen Familienbetrieb, alle weiteren Fragmente stammen ebenfalls von unabhängigen Produzenten, die für ihre Arbeit fair bezahlt werden. Nach 300 Tagen kann man seine Jeans übrigens gegen eine brandneue eintauschen, damit weniger Kleidung ungenutzt auf dem Müll landet. Das Label E.L.V. fertigt derzeit die begehrtesten Vintage-Jeans der ganzen Stadt: Aus je zwei recycelten Jeanshälften entstehen völlig neue Unikate. Denn Vintage-Kleidung gehört immer noch zur nachhaltigsten Alternative beim Shoppen – mit einer Ausnahme. Denn seit 2013 bietet ein Unternehmen namens MUD Jeans sogar Hosen zum Leasen an. Nach einem Jahr mit monatlicher Mietgebühr, kann man sich für den Kauf entscheiden, oder gegen ein neues Paar eintauschen. Die alte Hose wird dann vom Label selbst auseinandergenommen und wiederverwertet. Das Schweizer Label Freitag setzt bekanntlich noch einen drauf (FAQ berichtete) und produziert Jeans, die man gleich komplett kompostieren kann, sobald die Lebensdauer des guten Stückes abgelaufen ist.

Im Moment ist die Modeindustrie der zweitgrößte Umweltverschmutzer weltweit. Vielleicht gehört das bald der Vergangenheit an, ein paar „grüneren“ Kaufentscheidungen sei Dank.

Von Vintage-Unikaten und Leasing-Modellen Eine der beliebtesten Fair-Fashion-Marken, wenn es ums Online Shoppen geht, ist Everlane. Kunden haben hier die Möglichkeit, sich völlig transparent über Herkunft, Herstellungsweise und die genauen Kosten ihrer neuen Jeans zu informieren. Daten, die sonst lieber unter den Tisch gekehrt werden. Die kalifornische Online-Marke muss sich im Gegensatz zu den meisten Fast-Fashion-Anbietern aber für nichts verstecken. Fairer Bezahlung der Zulieferer, aus-

FAQ | 103

KURZ IST DAS LEBEN, LANG DIE KUNST D e r Ta s c h e n Ve r l a g w i d m e t d e m e b e n s o g e f e i e r t e n w i e u m s t r i t t e n e n U S - K ü n s t l e r J e a n - M i c h e l B a s q u i a t (19 6 0 –19 8 8) z u m 3 0 . To d e s t a g e i n e n X X L - B a n d , d e r L e b e n u n d We r k pla st isch her vort reten lässt .

T E X T O L I V E R S TA N G L

10 4 | FAQ

FAQ | 105

Jean-Michel Basquiat in his Crosby Street studio, New York 1983. Photo: Roland Hagenberg Š The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

W

Untitled (Two on Gold), 1982. Acrylic and oilstick on canvas, 203 x 317.5 cm / 80 x 125 inches © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

ährend seines viel zu kurzen Lebens feierte JeanMichel Basquiat (1960–1988) herausragende Erfolge, von denen Gleichaltrige nur träumen konnten. Die Metapher vom kometenhaften Aufstieg, sie passte perfekt zum gebürtigen New Yorker mit puertoricanisch-haitianischen Wurzeln: Er war mit 21 der (bis heute) jüngste Teilnehmer an der documenta in Kassel, zierte mit 22 das Cover des New York Times Magazine, arbeitete mit Pop-Art-Ikone Andy Warhol zusammen, stellte in renommierten Galerien aus und erzielte beträchtliche Erlöse beim Verkauf seiner Werke. Und doch fühlte er sich, dem als ersten Schwarzen der Durchbruch in die von Weißen dominierte Kunstwelt gelungen war, oft wie ein Exot – gerade wegen seiner Hautfarbe. Vielleicht war dies mit ein Grund, warum er die Existenz einer „Kunstwelt“ an sich nicht anerkannte: „I don’t think there really is an art world. There’s a few good artists and then everything else is extra.“ Auch die Einordnung als Graffiti-Künstler behagte ihm nicht, eher sah er sich als Autor. Basquiats Werk polarisierte zu Lebzeiten und darüber hinaus, wurde von Anhängern als komplex gesehen und von Gegnern als banal verdammt (Hilton Kramer, Kritiker der „New York Times“, bezeichnete Basquiat etwa als „talentlos“ und schrieb dessen Erfolg bloßem Hype zu).

Dreißig Jahre nach Basquiats Tod wirft nun ein XXL-Band aus dem Hause Taschen einen erhellenden Blick auf Leben und Karriere des Künstlers. Text und Bild ergänzen einander dabei prächtig: Man erfährt im Detail von Basquiats Anfängen als Graffiti-Künstler SAMO, von seinen musikalischen Unternehmungen in der No-Wave-Szene New Yorks und von ersten

10 6 | FAQ

Freundschaften in der Kunstszene, darunter mit dem ebenfalls früh verstorbenen Keith Haring. Aus Mangel an einem Studio bemalt Basquiat, was er findet, vom Kühlschrank bis zur Häuserwand. Der Kritiker Jeffrey Deitch war begeistert und stellte sich ausdrücklich gegen jene Stimmen, die von einem „primitiven Wunderkind“ sprachen: „Er ist mehr wie ein Rockstar.

Scheinbar wild, aber er hat alles vollkommen unter Kontrolle.“

Trademarks Die Bedeutung von Schrift – Basquiat wurde bereits 1979 in einer TV-Sendung als „probably the most language-oriented of all graffiti artists in New York“ bezeichnet – spielt in vorliegendem Band eine wesentliche Rolle, dazu gibt es den schönen Essay „The Art of Storytelling“ von Eleanor Nairne. Die renonmmierte Kuratorin spürt darin Einflüssen von Basquiats Kindheit auf sein Werk nach – Bilder von AutoZusammenstößen könnten auf einen schweren Unfall in jungen Jahren hindeuten, Flugzeuge lassen sich als Erinnerungen an die Flugschneisen über Brooklyn lesen. Doch ist das alles natürlich mehrdeutig: So könnten die „car crashes“ für den damaligen Finanzcrash stehen und die Flugzeuge als mit Atombomben beladene Kampfflieger verstanden werden.

Anschaulich arbeitet Nairne das umfangreiche künstlerische Vokabular Basquiats heraus, macht deutlich, in welch komplexem Verhältnis Text (Wörter, zum Teil auch durchgestrichen, weisen über das Bild hinaus), Symbole (Kreuze, Kronen, Totenköpfe, Pfeile) und Zeichen (besonders prominent: © und ™) zueinander stehen. Biblische Allusionen treffen auf HipHop-Texte, Archaisches wird mit dem

Untitled (Skull), 1981. Acrylic and oilstick on canvas, 207 x 175.5 cm / 81 1/4 x 69 inches © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

FAQ | 107

Untitled, 1981. Acrylic and oilstick on canvas, 127 x 302 cm / 50 x 119 inches © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

Black, 1986. Acrylic, oilstick, photocopy collage, and wood collage on panel, 127 x 92 x 21.5 cm / 50 x 36 1/4 x 8 1/2 inches © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

Anthony Clarke, 1985. Acrylic, oil, oilstick, and photocopy collage on wood, 244 x 139 cm / 96 x 54 3/4 inches © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

10 8 | FAQ

Self-Portrait, 1982. Acrylic and oilstick on linen, 193 x 239 cm / 76 x 94 inches © The Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

amerikanischen Kapitalismus kurzgeschlossen; schnell hingeworfene Linien verweisen auf die urbane Dynamik und Hektik. Und immer gibt es Ambivalenz: Steht das Wort AARON für einen schwarzen Baseballspieler oder für eine Figur aus Shakespeares „Titus Andronicus“? Auch bei Material und Stil zeigt sich eine enorme Vielfalt, die von der Spraydose bis zur Collage reicht. Dass Kunstkritiker afro-karibische Elemente und Einflüsse von Cy Twombly in seinen Arbeiten sehen, quittiert Basquiat mit der Bemerkung, dass er niemanden kenne, der Kunstkritiker brauche, um zu wissen, was Kunst sei. Und: „Ich denke nicht an Kunst, wenn ich arbeite. Ich versuche, an das Leben zu denken.“ In vielen Arbeiten wird auch die Herausforderung eines „schwarzen“ Lebens in den USA offenbar. Eine Herausforderung, gegen die Jean-Michel Basquiat sich in Selbstporträts als „Krieger“ wappnete.

Basquiats Werk – darunter auch die Gemeinschaftsarbeiten mit Andy Warhol – wird bald überall auf der Welt gezeigt, darunter in der Galerie Bruno Bischofsberger in Zürich oder der Akira Ikeda Galerie in Tokio. Auch an André Hellers damals aufsehenerregendem Jahrmarktsprojekt „Luna Luna“ in Hamburg nimmt er teil – und befindet sich dabei in illustrer Runde mit Größen wie David Hockney, Joseph Beuys oder Georg Baselitz. Seine Galerien wechselt Basquiat öfter, er will weg von seinem Ruf als „junger Künstler“ respektive „street artist“. Was zur Folge hat, dass er manchmal ganz ohne Galerie dasteht.

Sein produktives und intensives Leben, dem auch Beziehungen nicht standhalten, ist dabei nicht zuletzt von einem Drogenkonsum geprägt, der sich stetig steigert. 1988 trägt

Basquiat sich mit dem Gedanken, Schriftsteller zu werden. Er will auf Entzug gehen und von den Drogen loskommen, doch ein Rückfall macht diese Pläne zunichte. Jean-Michel Basquiat stirbt am 12. August in New York an einer Überdosis.

Das Interesse an Basquiats Arbeit ist bis heute rege geblieben, was nicht zuletzt auch das prächtige Buch aus dem Taschen Verlag zeigt. Das XXL-Format ist bestechend und lädt zu eingehendem Studium seiner Werke ein – nicht nur in diesem Sinn ein großes Buch, mit dem man den Künstler neu- und wiederentdecken kann.

Wer es noch größer will, sollte sich nach Paris begeben: Die Fondation Louis Vuitton stellt dort von 3. Oktober 2018 bis 14. Jänner 2019 selten gezeigte Bilder aus Pariser Privatsammlungen aus.

Ausstellung Jean-Michel Basquiat 3. Oktober 2018 bis 14. Jänner 2019 Fondation Louis Vuitton

Hans Werner Holzwarth, Eleanor Nairne JEAN-MICHEL BASQUIAT TASCHEN Verlag, Köln 2018 Erhältlich in den Sprachen Deutsch, Englisch, Französisch Hardcover, 500 Seiten, € 150

FAQ | 109

WELTALL, ERDE, MENSCH T E X T PA M E L A J A H N

Ob „La La Land“ oder Mondlandung, Damien Chazelle trif ft stets den richtigen To n . M i t „ F i r s t M a n “ i s t i h m e r n e u t e i n Tr i u m p h g e l u n g e n .

110 | FAQ

E

s gibt für alles ein erstes Mal: Erste Liebe, erster Job, erstes Eigenheim. Natürlich, ließe sich jetzt einwenden, sind derart private Erfahrungen nicht gleichzusetzen mit einem so einschneidenden, ja epochalen Ereignis wie etwa der ersten Mondlandung. Und doch kommt der gewählte Vergleich nicht von ungefähr. Als erster Mann auf dem Mond und Inbegriff des amerikanischen Traums vom Sieg des Stärkeren, von der Eroberung der Welt und schließlich auch des Weltalls, war Neil Armstrong am 20. Juli 1969 mit einem winzigen Schritt auf staubigem Boden vom Kommandanten der Apollo-11Mission zum Nationalhelden der Sonderklasse befördert worden: Ein Entdecker, der gemeinsam mit seinen Astronauten-Kollegen Edwin „Buzz“ Aldrin und Michael Collins und vor den Augen über einer halben Milliarde Menschen am Fernseher zu bisher unerreichbaren Ufern aufbrach und auf dem neu eroberten Erdtrabanten die amerikanische Flagge hisste, ohne dafür auch nur einen Funken des Ruhms zu beanspruchen, der ihm nicht nur nach Ansicht seiner stolzen Landsleute zweifelsohne gebührte. Denn Armstrong war kein Mann der großen Worte – nicht vor der Mondlandung und erst recht nicht danach. Deshalb kündigte der stille Ingenieur nicht lange nach der Rückkehr zur Erde seinen Job

bei der Weltraumbehörde NASA und zog sich weitestgehend aus dem öffentlichen Leben zurück, tüftelte im Stillen weiter, lehrte vor Studenten und verbrachte seine letzten Lebensjahre im abgeschiedenen Cincinnati im US-Bundesstaat Ohio, wo er im Juni 2012 verstarb.

Tatsächlich ist es genau diese Weltverbundenheit und Nähe zum Menschlichen, die Damien Chazelles First Man zu einer so trefflichen Versuchsanordnung über Neil Armstrong, seinen Werdegang und seine Verdienste macht. Ebenso wie sein Protagonist verzichtet auch der Regisseur im Film gewissermaßen von Natur aus auf Glanz, Gloria und Superlative und sieht sich vielmehr darum bemüht, die Inszenierung weitestgehend auf dem Boden der Tatsachen zu halten. Denn wenn für Armstrong alles von drei simplen Komponenten – der Technik, einem klaren Verstand und starken Nerven – abhing, um auf dem Mond zu landen, warum sollte ein Biopic über ihn dann nach den Sternen greifen? Für Chazelle, der vor zwei Jahren mit seinem technicolorfarbenen Musical-Hit La La Land im Grunde genau das Gegenteil von Zurückhaltung auf die Leinwand zauberte, scheint dem vorliegenden Ergebnis zufolge jene zutiefst persönliche Herangehensweise, auf die sich Josh Singers exzellentes Drehbuch stützt, eine willkommene Herausforderung gewesen sein. Dennoch

FAQ | 111

blieben nach der Premiere des Films in Venedig erwartungsgemäß auch die Stimmen nicht aus, die genau das fehlende Spektakel und vor allem einen Mangel an Pathos auf der Leinwand zu beanstanden hatten. Doch Mäßigkeit hat Hollywood bekanntlich noch in den seltensten Fällen geschadet, und man muss sich nur ansehen, mit welcher Hingabe und Fertigkeit Ryan Gosling sich in die introvertierte armstrongsche Seele einfühlt, um zu begreifen, wann genau weniger eben mehr ist.

Goslings Darstellung des Raumfahrtspezialisten vermittelt dessen technische und geistige Kompetenz und Intelligenz, ohne dabei die emotionalen Resonanzen und Defizite zu unterbinden, die eine Arbeit am Rand des menschlich Möglichen mit sich bringt. Sein Leben als Familienmann an der Seite seiner Frau Janet (Claire Foy) und ihrer gemeinsamen Kinder war, so viel suggeriert der Film, für Armstrong immer mindestens genauso wichtig wie der Versuch, zum Mond zu fliegen. Nur zeigen konnte er es nicht – selbst ein von Janet angeordnetes Gespräch mit den beiden Söhnen am Abend vor dem Mondflug lässt der verkopfte Astronaut wie eine unbequeme Pressekonferenz über sich ergehen. Allein der Tod seiner dreijährigen Tochter Karen, die 1962 an einem Gehirntumor starb, vermochte den ansonsten stets messerscharfen Geist des Stoikers aus dem Gleichgewicht bringen, wenn auch nur flüchtig und immer nur dann, wenn er nicht als Pilot im Cockpit eines Raketenflugzeugs saß. Dennoch

112 | FAQ

saß die Wunde tief. Offen bleibt, inwieweit Schuldgefühle, Schmerz und die Trauer um den Verlust des Kindes tatsächlich Zeit seines Lebens an Armstrong nagten, ihn ins All trieben und in der fatalistischen Besonnenheit resultierten, die ihm im Laufe seiner Karriere bei der NASA immer wieder zu neuen Aufstiegschancen verhalf – zunächst im Rahmen des Gemini-Programms und später als Mitglied der ApolloMissionen, bis eines Tages feststand, dass er dem ersten bemannten Versuch einer Mondlandung vorstehen sollte.

Auch First Man tastet sich langsam durch die einzelnen Stationen des NASA-Raumfahrtprogramms vorwärts, inklusive misslungener Fehlstarts, vermasselter Tests, öffentlicher Proteste gegen die Finanzierungspläne der Regierung und dem Kabinenfeuer 1967 vor dem Start von Apollo 1, bei dem die drei Besatzungsmitglieder Roger Chaffee, Ed White and Gus Grissom ums Leben kamen. Dabei gelingt es Chazelle in wenigen prägnanten Szenen zugleich auch die ambivalente Beziehung Armstrongs zu seinen Astronautenkollegen in Houston herauszustellen, die angesichts privater Ambitionen stets in einer feinen Grauzone zwischen Empathie und Konkurrenz miteinander agierten. Vor allem Jason Clarke beeindruckt hier als der Armstrong vielleicht am nächsten stehende Ed White, doch weder ihrer Freundschaft noch Armstrongs Ehe zu Janet gelang es jemals, sich über die beklemmende Tatsache hinwegzusetzen, dass der nächste Start ins All immer auch der letzte sein könnte.

EBENSO WIE SEIN PROTAGONIST VERZICHTE T AUCH DER REGISSEUR IM FILM AUF GL ANZ, GLORIA UND SUPERL ATIVE UND SIE H T SICH VIELMEHR DA RUM BEMÜHT, DIE IN S ZENIE RUNG WEITE S TGEHEND AUF DEM BODEN DER TATSACHEN ZU HALTEN Die Gewissheit, dem Tod mehr oder weniger direkt ins Auge zu sehen, gehörte in den Jahren des ideologischen Wettlaufs der USA und der Sowjetunion zum Mond zum Alltag eines amerikanischen Astronauten, und ein einziger Blick ins Innere der ersten Apollo-Maschinen von damals genügt, um jeden Laien davon zu überzeugen, dass das unerbittliche Streben der Menschen ins All vorzudringen weniger einer glorreichen Entdeckungsreise als einem wahnsinnigen Risikounternehmen gleichkam. Indem Chazelle sich konkret auf die praktischen Aspekte der Vorbereitung auf die Mondlandung konzentriert, erzeugt er ein Narrativ der technischen Faszination und Machbarkeit, das anders als etwa Ron Howards Apollo 13 von vornherein auch die enormen Gefahren und begrenzten technischen Möglichkeiten der ersten Weltraumflüge ins Blickfeld rückt. Sein kühner Ansatz deckt sich insofern mit dem unbedingten Erfolgswillen der NASA als auch Chazelle nur einer einzigen Mission zu folgen scheint: Das greifbarste, möglichst körperlich spürbare aller Weltraumflugdramen zu drehen, anstatt die Handlung bequem in den einen glanzvollen Moment der Mondlandung einzubetten und seinen Helden links und rechts davon auf den Schwingen des Erhabenen zu tragen.

Wenn Armstrong und seine Crew in First Man den Erdentrabanten betreten, hat auch der Film sein Ziel erreicht. Dann braucht er für einen Augenblick nicht mehr als ein einziges Bild, stumm, weit und von so ergreifender Schönheit, dass einem direkt warm ums Herz wird. Mit dem fünfzigsten Jubiläum des historischen Großereignisses im Anflug kommt Chazelles spannende Geschichtsstudie gerade recht, um der Welt dessen Bedeutung für die Menschheit erneut ins Gedächtnis zu rufen – mit allen Risiken, Nebenwirkungen und einem Mann im Zentrum des Geschehens, der auf Erden wie im All nichts weiter als seinen Job tat.

FIRST MAN Drama USA, 2018 – Regie Damien Chazelle Drehbuch Josh Singer, nach dem Buch „First Man: The Life of Neil A. Armstrong“ von James R. Hansen Kamera Linus Sandgren Schnitt Tom Cross Production Design Nathan Crowley Musik Justin Hurwitz Kostüm Mary Zophres Mit Ryan Gosling, Claire Foy, Jason Clarke, Kyle Chandler, Corey Stoll, Ciarán Hinds, Christopher Abbott, Patrick Fugit, Lukas Haas Verleih UPI, 141 Minuten Kinostart 8. November

FAQ | 113

FAQ

L I V E

AC T S

Britta © Ralf Metzler

Peter Hook & The Light © Promo

Die Frauen und der Bass

W

enn trotz Klimawandel die Nachsaison in die Zielgerade einbiegt und die Saisonbetriebe die Türen absperren, dann haben die Konzertveranstalter gut vorgearbeitet und die einschlägigen Veranstaltungsorte mit einem dichten Programm ausgestattet.

So wird am 20. Oktober im Fluc und der Fluc Wanne am Wiener Praterstern das „Gib-Laut! Festival aus der Taufe gehoben. Mit Herzblut programmierte Festivals im Zeichen der Vielfalt kann es nicht genug geben, und genau diese Vorgabe löst „Gib Laut“ ein. Die Post-Punk-Veteranen The Ex aus Amsterdam stehen ebenso auf dem Programm, wie das erste Wien-Konzert der wieder tourenden Britta, der Band, die aus der Asche der Lassie Singers entstand, der wohl einflussreichsten deutschen Band, die niemand mehr kennt. Es ist an der Zeit, dass Songs wie „Ir-

114 | FAQ

gendwas ist immer“ von Chistiane Rösinger & Co. wieder auf den Bühnen zu hören sind und eine neue Generation diese Band entdecken kann. Weiter am Programm: B. Fleischmann & Band, Le Millipede und Sonotanotanpenz.

K

ommen wir zu einem Klassiker der Moderne: Es ist der Bass von Peter Hook, der auf Joy Divisions „Love Will Tear Us Apart“ oder auf New Orders „Blue Monday“ zu hören ist. Bei New Order war er der unberechenbare Rock ’n’ Roller, der den Ausgleich zu den braven Bandkollegen herstellte. Nach einer hochemotionalen Trennung nahm sich Hook vor, seine Songs so zu spielen, wie er es für richtig hält – und sie nicht allein der Verwertungsmaschine, die unter dem alten Namen tourt zu überlassen. Und so kommen Peter Hook & The Light am 11.

November ins Wiener Flex, wo sie alle Hits der beiden Bands im Gepäck haben und so einen ziemlich individuellen Blick in die Weiten des Popmuseums zulassen.

D

rei Tage später, am 14.

November beehrt Kylie Minogue mit ihrer aktuellen Show die für sie vergleichsweise bescheidenen Räumlichkeiten des Gasometers. Das Lächeln der frischgebackenen 50-Jährigen verzaubert wie eh und je. Ihr unschuldiger Gute-Laune-Pop mit Grandezza darf zwar als pflegleicht bezeichnet werden, aber keine verkörpert die dem Pop eigene Künstlichkeit so charmant wie die Australierin. Die Setlist reicht vom aktuellen Album „Golden“ bis weit zurück zu „Locomotion“ oder gar „ I Should Be So Lucky“. Für die große leichte Muse muss sich niemand schämen.

TEXT GÜNTHER „BUS“ SCHWEIGER

A

.

m 15. November kommen die wiedervereinten Breeders rund um Kim und Shelley Deal nach einer umjubelten Tour im Frühjahr auch nach Wien und werden ihre Gitarren im Flex schultern. Als Seitenprojekt der damaligen Pixies-Bassistin Kim Deal gegründet, gelang mit „Cannonball“ so etwas wie ein Welthit in aufgeklärten Haushalten und seither gelangen ihnen wenige, aber immer mehr als hörenswerte Alben. Dazu kommt noch, dass „Gigantic“, das Kim Deal für die Pixies geschrieben hatte, natürlich ihr gehört und in jedem Konzert seinen Platz bekommt. Live verstärkt in der aktuellen Besetzung die einzigartige Josephine Wiggs die Band, die in der Geschichte der Stoiker am Bass einen absoluten Spitzenplatz einnimmt und die Band zu neuen Höhen führt.

FAQ

L I V E

AC T S

Kylie Minogue © Darenote Ltd. 2018, Photography by Simon Emmett

Breeders © Marisa Gesualdi

FAQ | 115

FAQ

M U SIC

Anna Calvi, Hunter (Domino)

Villagers, The Art Of Pretending To Swim (Domino)

Bella

W

enn der düstere Barde Nick Cave pausiert, haben seine Musiker Zeit, sich anderen Aufgaben zu widmen. Im Fall von Martin Casey bedeutet das, dass er sich und seinen Bass in den Dienst von Anna Calvi stellt, die nach einem hochdekorierten Start in ihre Karriere auf dem dritten Album“Hunter“ (Domino) aufs Ganze geht.

Geschlechterrollen, mögliche sexuelle Abgründe und vieles mehr verarbeitet Calvi in Songs voller Ambition. Genau diese Ambition ist allerdings auch ein zu schwerer Rucksack für einige Songs, daran kann auch der hohe emotionale Einsatz von Calvis Stime nichts ändern. Trotzdem gelingen große Momente wie der Refrain von „Don’t Beat The Girl Out Of My Boy“, oder die Ballade „Swimming Pool“, in der sie zu beeindruckender Form aufläuft.

116 | FAQ

D

Ciao

ie Villagers aus Irland verdienen schon aufgrund des Albumtitels „The Art Of Pretending To Swim“ (Domino) einen Sympathiebonuspunkt. Die Mannen rund um Songwriter, Sänger und Bandvorsteher Conor O’Brien lassen diesmal ihre Vorliebe für akustische Sounds in der Bandgarage liegen und setzen auf einen sanft angelegten Breitwandpop, der auch viel Platz für die gerade wieder in Mode gekommenen Keyboardflächen lässt. Dieser Kniff hat sich bereits jetzt ausgezahlt, denn nicht nur die Konzerte auf der grünen Insel, sondern auch in England sind bestens gebucht oder ausverkauft.

O’Briens Songs entstammen der klassischen irischen Schule mit Lehrern wie Glen Hansard oder Mundy, aber es ist ihnen nicht vorzuwerfen, dass O’Brien sie auf Festivalkompatibilität

Element of Crime, Schafe, Monster und Mäuse (Universal)

forever

.

trimmt, denn am Ende des Tages dürfen die Fans von Mumford & Sons auch Bands wie die Villagers entdecken. Diese Platte gibt ihnen mit Songs wie „Fool“ eine blendende Gelegenheit dazu.

tritt hat. Die Virtuosität von Regener bestätigt leicht erwartbar auch „Schafe, Monster und Mäuse“ (Universal), denn er ist und bleibt der Meister der grauen Zwischentöne des Gefühlslebens. Die Überraschung jeder neuen EOC-Veröffentlichung ist, dass sie es immer wieder schaffen, neue Stimmungen, neue Augenblicke einzufangen und gültige Songs daraus zu machen. Dass die Herren einen Song wie „Immer noch Liebe in mir“ sogar in Richtung Mariachi deuten, beweist, dass das Feuer wie immer brennt – und so soll es auch bleiben. Wir freuen uns auf 2021, wenn der Schuster uns wieder seine neue Kollektion präsentiert.

E

ines der Geheimnisse für ein gelungenes Leben ist der stete Rhythmus. Manche mögen jetzt laut „Gleichförmigkeit!“ oder „Abwechslung!“ rufen, aber wenn ein Schuster bei seinen Leisten bleibt, dann hat das oft den Grund, dass er darin gut ist. Der Schuster hier ist Sven Regener, der fast alle drei oder vier Jahre einen Roman veröffentlicht und im Folgejahr genug Songs für seine Band „Element of Crime“ beisammen hat. Dann wird ausgiebig durch den deutschen Sprachraum getourt, und dann kommt wieder ein Roman, in dem sein Alter Ego Herr Lehmann zumindest einen Gastauf-

TEXT GÜNTHER „BUS“ SCHWEIGER

M

arc Ribot blieb sich und seiner Gitarre auch immer treu, egal ob der New Yorker mit immer grantiger Grundstimmung

FAQ

Marc Ribot „Songs of Resistance” (ANTI-Records)

sie als Sideman in den Dienst von Tom Waits, John Zorn oder Norah Jones stellte oder seine eigenen Projekte damit befeuerte.

Ribot ist im besten Sinn ein barrierefrei denkender Musiker und legt mit „Songs of Resistance 1942–2018“ (Anti Records) eine der Platten des Jahres vor. Ribot nimmt sich Lieder des Widerstands vor und interpretiert sie mit befreundeten Sängern in einer vielfältigen Geradlinigkeit, die man ihm nicht zugetraut hätte. Man muss gehört haben, welch abgrundtiefe Traurigkeit Ribot mit Tom Waits aus dem italienischen Klassiker „Bella Ciao“ herausholt, der schon unzählige Male verstümmelt und missbraucht wurde. Hier zelebrieren zwei Könner die Essenz dieses Erbes der Menschheit.

Zwischen den Klassikern streut der Meister auch eigene neue Songs ein, die sich mustergültig

Mile Me Deaf, HDD Backup (Siluh Records)

einfügen. Als leidender Amerikaner schleudert er uns nicht blinde Wut entgegen, sondern Zeilen wie „Come back Rosa Parks / From the back of the bus / Take the wheel from this idiot / Steer us back on the road“. Weitere Gastauftritte haben unter anderem Steve Earle und Fay Victor.

E

in echter Tausendsassa ist auch Wolfgang Möstl. Unermüdlich schreibt er Songs für seine eigene Band Mile Me Deaf oder werkt im Hintergrund mit dem Nino aus Wien, Voodoo Jürgens und einer Vielzahl von Bands als der Mann, der Soundideen auch umsetzen kann. „HDD-Back Up“ (Siluh Records) ist nun auf vier Plattenseiten die erste Rückschau auf das überbordende Schaffen seines Projektes Mile Me Deaf, und am Ende stellt sich die Frage, warum dieser Mann nur in Österreich weltbe-

M U SIC

Sigrid Horn, Sog I Bin Weg, Foto: Magdalena Blaszczuk

rühmt ist? Seine Songs und sein Gefühl für Melodien sind makellos, er ist im akustischen Setting genauso zuhause wie im primitiv manischen Garagenrock oder im Krautrock, aber auch dort verliert er sich nicht in abstrakten Klanggebilden, sondern stellt immer den Song in den Mittelpunkt. Wenn Möstl kurz vor der Pension stünde, wäre diese Sammlung ein beeindruckendes Lebenswerk, aber in Wahrheit kommen da noch Jahrzehnte der freudigen Überraschungen auf uns zu.

B

leiben wir bei Überraschungen und wechseln von der universellen Popsprache Englisch in den Dialekt. „Sog I Bin Weg“ (bader molden recordings) ist das Debüt von Sigrid Horn, das von Ernst Molden spartanisch produziert wurde. Statt der allgegenwärtigen Gitarre greift

Horn zur Ukulele, die von Zeit zu Zeit von Klavier und Harfe ergänzt wird. Wem jetzt der Begriff Esoterik einfällt wird eines besseren belehrt. Instrumente sagen nichts über die Kraft der Lieder von Horn aus, die uns den Gefallen tun auf Selbstbespiegelung zu verzichten. Nach Anfängen auf Poetry Slam Bühnen und mit der Band Wosisig hat Horn nun ihre Stimme und das Vertrauen in ihr Songs gefunden. Eine Tirade gegen den Wahnsinn des Häuslbauens hat seit Arik Brauer gefehlt und das herausragende „Zombies“ verdient jetzt schon das Prädikat Entdeckung des Jahres. Und wer die bei Ihren Konzerten erlebt hat wie sie sich Johnny Cashs „Man In Black“ aneignet, der hat keinen Zweifel daran, dass Horn gekommen ist um zu bleiben.

FAQ | 117

FAQ

F I L M

Venom (Sony Pictures)

Gewalt und Leidenschaft

Z

u den eigenwilligsten Figuren des Marvel-Universums zählt mit Sicherheit Venom, der nun im gleichnamigen Film zum zentralen Charakter einer weiteren Comic-Adaption wird.

Dabei geht Eddie Brock, ein investigativer Journalist, den Gerüchten über eine Forschungseinrichtung namens Life Foundation nach, deren Chef Carlton Drake angeblich fragwürdige Experimente anstellt, bei denen sogar Menschen zu Schaden kommen. Im Zuge seiner Nachforschungen entdeckt Eddie, dass bei der Versuchsreihe eine neue, symbiotische Lebensform entstehen soll. Doch er gerät selbst in Kontakt mit einem der „Symbionten“, der in seinen Körper eindringt und sich dort einnistet. Diese neue Koexistenz verschafft Eddie

118 | FAQ

zwar außergewöhnliche Kräfte, denn er verwandelt sich dabei in Venom. Doch der Vorgang birgt Gefahren, denn die dunkle Seite dieses Wesens droht die Oberhand zu gewinnen und die Persönlichkeit des Journalisten in den Hintergrund zu drängen. Tom Hardy hat die Rolle des zwiespältigen (Anti-)Helden Venom übernommen, mit Michelle Williams konnte Regisseur Ruben Fleischer zudem eine ganz großartige Schauspielerin verpflichten.

I

n einem kleinen, beschaulichen Küstenstädtchen irgendwo im Süden Italiens könnte Marcello eigentlich ein zufriedenes Leben führen. Mit einem Hundesalon, in dem er sich liebevoll um die Pflege seiner tierischen Klienten kümmert, hat er sich

sein eigenes Geschäft aufgebaut.

Dieses betreibt er mit Hingabe, auch weil der betont langmütige und stets freundliche Mann mit allen Arten – auch durchaus schwierigen Charakteren – von Hunden umzugehen versteht.

Mit seinen Nachbarn pflegt Marcello ein betont freundschaftliches Verhältnis, für seine Tochter, die bei seiner Ex-Frau lebt, ist er bei ihren Zusammentreffen stets ein vorbildlich liebevoller Vater. So stört es auch niemanden, dass Marcello sich einen kleinen Nebenverdienst durch gelegentliches Dealen mit Kokain verschafft. Doch einer seiner Kunden wird zunehmend zum Problem: Der bullige Simone, der dank seiner enormen physischen Kräfte den ganzen Ort terrorisiert, bringt Marcello immer wieder in Schwierig-

TEXT JÖRG SCHIFFAUER

.

keiten. Ungeachtet einer Reihe von Einschüchterungen und Demütigungen bleibt der sanftmütige Marcello Simone gegenüber stets amikal und versucht immer wieder, dessen Ausbrüche abzumildern. Simone jedoch treibt es immer schlimmer, er zwingt Marcello sogar, ihm seinen Hundesalon nächtens zu überlassen, um von dort einen Einbruch beim benachbarten Juweliergeschäft orchestrieren zu können. Das hat jedoch katastrophale Folgen: Marcello wird verdächtigt, an dem Verbrechen beteiligt gewesen zu sein. Weil er sich jedoch in einem Gemenge aus Angst und Loyalität beharrlich weigert, den währen Täter zu nennen, muss er ins Gefängnis. Obwohl jedermann weiß, dass Simone der Drahtzieher ist, gerät Marcello nach seiner Haftentlassung

FAQ

F I L M

Dogman (Thimfilm)

Dogman (Thimfilm)

FAQ | 119

FAQ

F I L M

Bohemian Rhapsody (Centfox)

auch in seinem sozialen Umfeld ob der Tat immer mehr ins Abseits – sein Leben droht vollends auseinanderzubrechen. Als er von Simone wenigstens eine bescheidene finanzielle Entschädigung fordert, reagiert der wie gewohnt ablehnend und aggressiv.

Doch diesmal, zum allerersten Mal, nimmt Marcello nicht mehr alles hin, was eine unfassbare Eskalation nach sich zieht. In Gomorra, der auf der bekannten Buchvorlage von Roberto Saviano basiert, hat sich Regisseur Matteo Garrone bereits höchst eindrucksvoll damit auseinandergesetzt, welchen Einfluss das organisierte Verbrechen – in Gestalt der Camorra – auf das alltägliche Leben und damit auf die Gesellschaft Italiens hat.

Mit Dogman widmet sich Garrone erneut diesem Topos, doch seine neue Regiearbeit tut dies in Form einer grimmigen Parabel.

Geradezu archetypisch erscheinen dabei die Protagonisten, die Gestalt Simones wirkt in ihrer Urgewalt fast wie das personifizierte Böse schlechthin. Marcello Fonte liefert dagegen in der Verkörperung des malträtierten Marcello eine schauspielerische Tour de Force ab, die einem

120 | FAQ

noch lange im Gedächtnis bleibt und in Cannes verdientermaßen mit dem Darstellerpreis belohnt wurde. Das kleinstädtische Milieu mit seinen Verfallserscheinungen zeichnet Garrones Inszenierung dagegen in der Tradition neorealistischer Direktheit, die dabei streckenweise an Pier Paolo Pasolinis Schilderung der „borgate“ erinnert und gerade durch ihre Reduziertheit besondere Eindringlichkeit erreicht. Mittels dieser kontrastierenden Elemente gelingt es Garrone in Dogman eine bedrückend intensive Atmosphäre zu generieren, die verdeutlicht, wie stark rücksichtslose Gewalt und Macht – ob durch Individuen oder eine Organisation wie die Mafia ausgeübt – auch den kleinsten Bereich einer Gesellschaft durchdringen kann.

E ine lange und nicht unkomplizierte Entstehungsgeschichte liegt hinter Bohemian Rhapsody.

Im Verlauf der Dreharbeiten musste Regisseur Bryan Singer – die Hintergründe liegen immer noch ein wenig im Dunklen – zwischenzeitlich durch Dexter Fletcher ersetzt werden. Die Aufgabe war aber auch nicht ein-

The Guilty (Luna Film)

fach, beleuchtet doch Bohemian Rhapsody das Leben von Freddie Mercury, legendärer Frontmann von „Queen“ und eine ikonische Figur der Popkultur. Von der Gründung der Band, über ihren Aufstieg bis hin zu Mercurys Umgang mit seiner Krankheit, als er sich mit seiner HIV-Infektion konfrontiert sieht, rückt das Biopic markante Stationen in den Blickpunkt. Höhepunkt ist dabei der berühmte Auftritt der Band im Wembley-Stadion, der im Rahmen von Live Aid 1985 stattfand. Gespielt wird Freddy Mercury von Rami Malek, der sich etwa durch die Serie Mr. Robot einen Namen machen konnte.

M

inimalistisch ist hingegen das Setting des Thrillers The Guilty. Der spielt nämlich ausschließlich in der Notrufzentrale einer Polizeistation von Kopenhagen, wo Asger Holm Dienst tun muss. Der Polizeibeamte wurde nach dem Gebrauch seiner Dienstwaffe, der tödlich endete, bis zur Klärung der Angelegenheit in den Innendienst versetzt. Zunächst läuft die Nachtschicht in gewohnt langweiligen Bahnen, doch als

TEXT JÖRG SCHIFFAUER

eine Frau anruft, die offenbar gerade entführt wurde, spitzt sich die Lage schlagartig zu.

Immer wieder meldet sich die Anruferin, aus den bruchstückhaften Gesprächen, muss Holm zu klären versuchen, was eigentlich genau passiert ist – denn ganz so klar stellt sich die Situation im Verlauf des Geschehens nicht mehr dar. Skandinavien hat sich in jüngerer Vergangenheit als fruchtbarer Boden für Krimi- und Thrillerspannung von hoher Qualität erwiesen, die dänische Produktion The Guilty, ein psychologisch ausgefeiltes single-location-Kammerspiel, wie man es in dieser Dichte lange nicht gesehen hat, knüpft da nahtlos an.

Venom Kinostart 5. Oktober Dogman Kinostart 19. Oktober Bohemian Rhapsody Kinostart 31. Oktober The Guilty Kinostart 1 November

VIENNA INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

25. OKTOBER BIS 8. NOVEMBER PROGRAMM ONLINE AB 16. OKTOBER, 20 UHR TICKETS AB 20. OKTOBER, 10 UHR

FAQ

DV D

Eine Frage der Schuld

E

dward Kennedy erschien 1969 als neuer Hoffnungsträger einer einflussreichen Familie, die in den Jahren davor durch die Mordanschläge auf Präsident Robert F. Kennedy und seinen Bruder Bobby zwei Schicksalsschläge hatte erleiden müssen.

Doch in der Nacht des 18. Juli eingangs erwähnten Jahres verlor Edward Kennedy, der als Senator mittlerweile ein hohes politisches Amt bekleidete, auf Chappaquiddick, einer kleinen Insel vor der Küste Massachusetts, die Kontrolle über sein Auto, das ins Meer stürzte. Kennedy konnte an Land schwimmen, doch seine Mitfahrerin, die 28-jährige Mary Jo Kopechne, konnte sich nicht aus dem Wageninneren befreien und ertrank. Und von da an begannen die Dinge unscharf zu werden. Edward Kennedy ließ zehn Stunden verstreichen, ehe er bei der örtlichen Polizeibehörde mit einer dürren Erklärung vorstellig wurde. John Curran rollt in Chappaquiddick mit nüchterner Präzision den Unfall und die Folgen auf, als der Kennedy-Clan all seinen Einfluss geltend macht, um Edward zur Seite zu stehen. Eine Armada von Anwälten, und Politik-Beratern

122 | FAQ

tritt schon bald auf den Plan, um sowohl seine juristischen Probleme aus dem Weg zu räumen als aber auch seine politische Laufbahn zu retten. Parallel dazu entwickelt Curran aber auch ein höchst stimmiges psychologisches Drama, das den enormen Druck, der auf Edward Kennedy – großartig verkörpert von Jason Clarke – lastet, nachvollziehbar macht. Immer wieder versucht Edward, die Ränke- und Machtspiele des Establishments nicht mehr mitzumachen. Doch im entscheidenden Moment bedient er sich genau dieser Mechanismen, um die kritische Situation nach dem Unfall zu überstehen.

Chappaquiddick erweist sich als beeindruckende Innensicht über die Macht und ihren Preis.

D

avid Cronenberg gelang 1983 mit Videodrome ein verstörender Ausblick auf die Entwicklung einer Medienlandschaft, die Entertainment um jeden Preis betreibt. Der Betreiber eines auf reißerische Programme spezialisierten TV-Senders stößt auf den titelgebenden UndergroundKanal, dessen Sendungen trotz ihrer extrem gewalttätigen und sadistischen Inhalte eine unheim-

liche Faszination auf ihn ausüben. Bei dem Versuch, Kontakt zu dem mysteriösen Sender aufzunehmen, versinkt er in einem Alptraum, bei dem die Grenzen zwischen Wahn und Wirklichkeit zusehends verschwimmen.

Cronenberg setzt mit Videodrome eine grimmige Dystopie in Szene, die immer noch durch ihre suggestive Kraft besticht, wie man sich auf der vorliegenden Special Edition überzeugen kann.

E

in brisantes Kapitel Zeitgeschichte griff Stanley Kramer 1961 mit Das Urteil von Nürnberg auf. Vier deutsche Juristen finden sich auf der Anklagebank eines Tribunals der Alliierten wieder, weil sie sich in ihren Ämtern an den Verbrechen des NSRegimes mitschuldig gemacht haben. In den Angeklagten manifestieren sich exemplarisch jene Verdrängungsmechanismen, die in Deutschland und Österreich über Jahrzehnte den Diskurs über die Zeit des Nationalsozialismus unheilvoll prägten. Da finden sich der unbelehrbaren Überzeugungstäter ebenso wie der unerbittliche Pflichterfüller und der willfährige Mitläufer, der von nichts gewusst haben will.

TEXT JÖRG SCHIFFAUER

.

Nur der ehemalige Richter Ernst Janning (grandios von Burt Lancaster gespielt) stellt sich schließlich seiner Verantwortung und macht die verhängnisvolle Faszination von Macht und Gewalt, die zu unfassbaren Verbrechen führten, deutlich. Neben Lancaster konnte Kramer mit Spencer Tracy, Richard Widmark, Montgomery Clift, Marlene Dietrich, Judy Garland und Maximilian Schell Darsteller der Extraklasse gewinnen. Judgement at Nuremberg, so der Originaltitel (erhältlich als 2-Disc Limited Collector’s Edition im Mediabook [Blu-ray + DVD] und als Single-DVD), erweist sich als Klassiker des Message-Kinos, mit dem Hollywood gesellschaftspolitisch relevante Themen breitenwirksam aufzubereiten verstand.

Das Alibi / Chappaquiddick Ascot Elite Entertainment, 102 Minuten Bereits erschienen Videodrome Koch Media, 89 Minuten Bereits erschienen Das Urteil von Nürnberg Capelight Pictures, 190 Minuten Erscheint am 26. Oktober

GE WINNSPIELE

F R E I TA G F155 CLAPTON ist der Halbprofi unter den FREITAG Bike-Messenger-Rucksäcken. Dabei bezieht sich das „halb“ nur auf das Volumen, das auf pendlergerechte 18 Liter reduziert wurde. Was Komfort und Funktionalität angeht, ist er mit der gesamten FREITAG Profi-Velokuriertaschen-Erfahrung der vergangenen Jahrzehnte vollgestopft: wasserabweisend, volumenvariabel, tragkomform, gepolstertes Fach für den Laptop. Außen mit verschiedenen Andockstellen für Velohelm, ULock oder Schlüsselbund sowie einem gut unter der ausgezogenen Gurtmittellinie versteckten Schnellzugriffsaußenfach. Mit Rundum-Nachtsichtbarkeit sticht er dank der reflektierenden Konturmarkierung wie ein LKW auf der Autobahn jeder drohenden Gefahr gleich warnend ins Auge. www.freitag.ch

FAQ Magazine verlost einen Rucksack F155 CLAPTON in silber von FREITAG. Senden Sie bis 15. November eine E-Mail mit dem Betreff „Freitag“ an gewinnspiel@faq-magazine.com Der Rechtsweg ist ausgeschlossen!

BROOKS Der Team Professional ist ein klassischer Brooks Sattel, der speziell für die Bedürfnisse von Radsportlern designt wurde. Dieses Modell wurde über ein halbes Jahrhundert entwickelt, angefangen beim guten alten B17 Competition. Dieser Sattel hat ein ansprechend einfaches Design, wodurch er die Bezeichnung als „zeitloser Klassiker“ redlich verdient. Auf beiden Seiten ist der Titel Team Professional eingraviert, direkt über einem präzise von Hand ausgehobelten Streifen entlang der Seitenkanten, wo ein wenig von der glänzenden Lederoberfläche entfernt wurde, um den Blick auf die Textur und den etwas helleren Ton des darunterliegenden Wildleders freizugeben. Große, von Hand angebrachte Kupfernieten runden den Look ab.

Die Ladies Version mit Titan wird Finesse genannt. www.brooksengland.com

FAQ Magazine verlost einen TEAM PRO Titanium Sattel in schwarz von Brooks.

Senden Sie bis 15. November eine E-Mail mit dem Betreff „Brooks“ an gewinnspiel@faq-magazine.com Der Rechtsweg ist ausgeschlossen!

FAQ | 123

FAQ

P E R F O R M A NC E

Marissa Lobo in Ghost Times © Gin Müller

The Queering Theatre Project – Ghost Journeys © Lisbeth Kovacic

Das Dorf und die Zeit der Geister

D

er urban kompetente Großstädter sucht im herbstlichen Wien nach kulturellen Möglichkeiten, um seine AntiFragilität zu stärken. Fündig werden könnte er in einem der renommiertesten Häuser der freien Performance-, Tanz- und Theaterszene im deutschsprachigen Raum. Es handelt sich um das Neutrum brut. Die Gründungsintendanten von brut waren Thomas Frank und Haiko Pfost, deren Intendanz für die Umstrukturierung in ein international agierendes Koproduktionshaus stand. Seit Herbst 2015 ist Kira Kirsch, bis dahin leitende Dramaturgin beim steirischen herbst in Graz, Künstlerische Leiterin und fokussiert nun stärker auf prozessorientiertes Arbeiten, temporäre Spielorte und Kooperationen mit Institutionen aus benachbarten Disziplinen.

Was heißt das konkret für diesen Oktober und November?

Der Saisonstart am 11. Oktober

12 4 | FAQ

beginnt mit der Uraufführung der Performance-Serie Ghost Times – A Queer Journey Through Theatre in der temporären Spielstätte studio brut in der Zieglergasse 25. In Ghost Times führen zwei erzählende Geisterfiguren das Publikum auf eine episodenhafte Zeitreise in die Untiefen der Theatergeschichte. Verschiedene Performancekünstler und politische Aktivisten eignen sich ikonische Momente des klassischen Theaterkanons durch queere und dekoloniale Sicht an und bringen sehr persönliche Perspektiven ein.

Sie holen überraschende Themen, Figuren und Ideen hinter den „großen Erzählungen“ ans Tageslicht und präsentieren ein kritisches und ironisches Stück Selbstermächtigung. Für das zweijährige Queering Theatre Project vom Wiener Performancekünstler und Aktivisten Gin Müller, der bereits zahlreiche Projekte im brut realisierte, haben sich

Performancekünstler, Aktivisten und Theoretiker aus mehr als 15 Ländern der Welt zusammengeschlossen, um den klassischen Kanon der Theatergeschichte als auf- und ausschlussreiche kulturelle Konstruktion des Westens zu hinterfragen.

Weiter geht es mit einer Galapremiere im Stadtkino. Die Welturaufführung der Stadt-Performance-Fernsehserie NACHTWACHE steht am 19. Oktober auf dem Programm. Basierend auf Jonathan Crarys Essay 24/7: Late Capitalism and the Ends of Sleep erzählt irreality.tv von einer schlaflosen Welt, in der die Widerstandsorganisation NACHTWACHE für die Wiederkehr des Schlafens kämpft. Das Szenario einer Welt des 24/7 war vor allem eine Einladung, fiktive Geschichten im eigenen Alltag zu imaginieren und im Zuge der Dreharbeiten tatsächlich zu erleben.

Dabei waren unter anderem eine Nachtwanderung mit einer Ver-

T E X T M I C H A E L- F R A N Z W O E L S

.

folgungsjagd durch Drohnen, eine Schlaf-Jodel-Performance, ein Konzert im Liegen, ein Boxkampf riesiger Eulen und vieles mehr.

Zahlreiche Beteiligte brachten sich und ihre Ideen in das Projekt ein, denn ein Drehbuch gibt es bei irreality.tv nicht. Im Zentrum steht bei den ortsspezifischen und partizipativen Fernsehprojekten die Frage, was passieren sollte oder könnte, wenn das Leben eine Fernsehserie wäre. Über den Sommer wurde die Serie fertig geschnitten und mit Musik von Lukas Kranzelbinder verfeinert. Nach intensiven Dreharbeiten im Mai und Juni feiert die humorvolle Science-FictionDystopie NACHTWACHE des Performance-Fernseh-Kollektivs irreality.tv ihre glamouröse Galapremiere im Stadtkino: Alle Beteiligten werden über den roten Teppich flanieren und gemeinsam mit dem Publikum die Serie im kollektiven Binge Watching

FAQ

P E R F O R M A NC E

irreality.tv – NACHTWACHE Galapremiere © irreality.tv

begutachten. In Koproduktion mit brut realisierte irreality.tv übrigens in der Spielzeit 2016/17 bereits die vierteilige Serie DER RING DES NIBELUNGENVIERTELS. Ein performatives Stadtabenteuer der besonderen Art bietet ab 25. Oktober die Gruppe Nesterval. Schlagwörter dazu: Gesellschaftskritik meets Heimatfilm, Theaterabenteuer, in vino veritas. Nesterval entführen bei Das Dorf auf ein immersives Theaterabenteuer in einen Wiener Nesterval – Das Dorf © Alexandra Thompson

Heurigen, die Buschenschank Stift St. Peter in Hernals. Hier verstrickt das Performancekollektiv sein Publikum in eine dramatische Hochzeitsgeschichte und remixt feministische Literatur des 19. Jahrhunderts mit österreichischen Heimatfilmen und trostlosem Bergbauern-Realismus. Voller Spiellust können sich die Besucher auf die Suche nach der Magie des Sehnsuchtsorts Heimat begeben und große Fragen nach Fremde, Gewalt, Liebe und Schuld ergründen.

Bauerstochter Anna-Lisa befindet sich gerade in den Vorbereitungen ihrer Hochzeit mit dem Knecht Johannes, als sie von ihrer Vergangenheit eingeholt wird. Zwei ungebetene Gäste erscheinen im Ort und mit ihnen das Wissen um ein grauenvolles Verbrechen. Die Idylle zerfällt nach und nach, das generationenlange Schweigen bricht in Form von Gewalt und Hass über die Bewohner herein. Und was mit einer Hochzeit enden sollte, beginnt mit einem Leichenschmaus. Wie konnte es soweit kommen? Die Teilnehmer finden sich mitten in der Handlung wieder und werden in der Gruppe ihre eigene Wahrheit suchen.

Wollen sie Teil der Gemeinschaft werden oder finden sie sich auf der Seite der Ausgestoßenen und Leibeigenen wieder? Fremdenhass und Selbstverachtung liegen in dem kleinen Dorf abseits der Welt eng beieinander.

Figuren und Handlungselemente basieren auf den Werken der humanistischen Autorin Marie von Ebner-Eschenbach („Krambambuli“, 1885) und

der finnischen Autorin und Frauenrechtlerin Minna Canth (1844–1897). Die literarischen Vorlagen aus dem 19. Jahrhundert treffen im Setting des Heimatfilms („Krambambuli“-Verfilmung Ruf der Wälder, 1965 von Franz Antel) aufeinander. In ihrem neuen Abenteuer durchmischen Nesterval Geschlechterrollen sowie Rollenbilder und öffnen den Heimatbegriff für eine pluralistische Gesellschaft. Das Ensemble von Nesterval besteht aus Performern, Drag Artists, Amateur- und Profischauspielern, die in unterschiedlichen Formationen die Geschichte der Familie Nesterval erzählen. In einer Mischung aus klassischen Spielmethoden und immersivem Theater kreieren Herr Finnland und sein Team performative Abenteuer, in denen die Teilnehmer zu handlungsleitenden Mitspielern des Stücks werden.

brut-wien.at Saisonstart 11. Oktober

FAQ | 125

FAQ

T R AV EL

Room Mate in Rotterdam

D

ie spanische Kette Room Mate Hotels, die in nur dreizehn Jahren 23 Hotels in sechs Ländern aufgemacht hat, expandiert weiter, und zwar mit der Eröffnung des ersten Designhotels in einem der wichtigsten Wirtschaftszentren Europas: Rotterdam.

Room Mate Bruno, das sich in einem am Hafen liegenden Gewürzlager aus dem 19. Jahrhundert befindet – hier wurden Säcke voller wertvoller Pflanzen, die aus Fernost nach Europa kamen, aufbewahrt –, erweckt eines der wenigen historischen Gebäude im Stadtteil Kop Van Zuid (das niederländische Manhattan) zum Leben. Dieses maßgeschneiderte Viertel hat die wichtigsten kulturellen Aktivitäten der Stadt

126 | FAQ

zu bieten und sich zu einem architektonischen Bezugspunkt in Nordeuropa entwickelt.

Bruno teilt sich dieses prachtvolle Gebäude mit einem der neuesten kulinarischen Angebote der Stadt: im unteren Stockwerk angesiedelte Foodhallen, die mit bis zu 15 traditionellen und thematische Essensständen für reiche gastronomische Vielfalt sorgen.

Das schon rein äußerlich eindrucksvolle Room Mate Bruno wurde von der renommierten italienischen Architektin Teresa Sapey entworfen, die es verstand, Tradition und Avantgarde in einem Gebäude zu vereinen, das seine ursprüngliche Struktur bewahrt und den Besucher auf eine historische Reise durch die

niederländischen Kolonien mitnimmt. Farben, nautische Elemente und flämische Gemälde spielen hier eine wichtige Rolle.

Room Mate Bruno zeichnet sich durch die Linearität seiner Formen, die geometrischen Figuren, die es umgeben, und eine überschwängliche Chromatik aus.

Jede Etage hat eine einzigartige Farbkombination und erzählt eine andere Geschichte.

Bruno hat auch ein Geheimnis in seinem Inneren: einen herrlichen „gefrorenen“ Garten. In ihm treffen die Farben Blau und Orange aufeinander und werden zu einer eisigen Insel, die in der Mitternachtssonne einen spektakulären Orangenbaum umhüllt. Eine Atmosphäre, die jedes Reiseerlebnis einzigartig macht.

TEXT LENA STYLE

.

Neben dem besten Design und der einzigartigen Lage kann jeder Gast, der bei Bruno wohnt, die innovativen Dienstleistungen von Room Mate genießen, wie zum Beispiel Frühstück bis Mittag (denn niemand will im Urlaub früh aufstehen) und WiMate – kostenloses Wi-Fi nicht nur im Hotel, sondern in der ganzen Stadt.

Room Mate ist derzeit mit 23 Hotels weltweit vertreten: New York, Miami, Mexico City, Amsterdam, Mailand, Florenz, Istanbul, Rotterdam, Madrid, Barcelona, Malaga, Granada und Salamanca. Geplant sind elf weitere Hotels, unter anderem in Rom, Paris, Neapel, auf den Kanarischen Inseln, Mallorca oder Lissabon. www.room-matehotels.com

FAQ

T R AV EL

FAQ | 12 7

FAQ

BOOK

Christo, Photo: Wolfgang Volz

Christo and Jeanne-Claude, The London Mastaba, Serpentine Lake, Hyde Park, 2016-2018 Photo: Wolfgang Volz

Unfassbar

C

hristo (*1935 in Gabrowo, Bulgarien) und JeanneClaude (*1935 in Casablanca, Französisch-Marokko; † 2009 in New York City) haben mit ihren Arbeiten Menschen auf der ganzen Welt verzaubert und in Erstaunen versetzt. Der „Verhüllte Reichtstag“ (1995) etwa demonstrierte, wie sehr die Fantasie durch etwas angeregt wird, das man eben nicht sieht. Doch schuf das Duo mit dieser Intervention auch politische Kunst am Puls der Zeit: Nicht wenige interpretierten die Verhüllung als Reflexion über den Neuanfang Deutschlands nach der Wende (Christo und Jean-Claude selbst verwehrten sich allerdings gegen politische Implikationen ihrer Arbeit). Apropos Zeit: Für Christo zentral ist der temporäre Charakter der Werke, die sich so der Vereinnahmung widersetzten, wie er im Buch „Christo und Jeanne-Claude“ (Taschen Verlag, 2001) ausführt: „Niemand kann diese Projekte kaufen, niemand sie besitzen, niemand kommerzialisieren (...) Unser Werk handelt von Freiheit, und Freiheit ist der Feind allen Besitzanspruchs.“ Dabei hielt sich das Künstlerpaar auch immer an die eigenen mo-

128 | FAQ

ralischen Grundsätze: Obwohl Projekte wie „The Gates“ (der New Yorker Central Park wurde 2005 mit tausenden Stoffbahnen gesäumt) oder „The Floating Piers“ (2016 verlegte man künstliche Stege am italienischen Iseosee) 21 bzw. 15 Millionen Dollar kosteten, nahmen Christo und Jeanne-Claude keinerlei Sponsorengelder an, sondern finanzierten die Projekte selbst. Im Fall von „The Gates“ spendeten sie gar sämtliche Einnahmen an eine Naturschutzorganisation.

Nach Jeanne-Claudes Ableben im Jahr 2009 entschied Christo, auch weiterhin unter dem Namen Christo und Jeanne-Claude zu arbeiten. Ein berührendes Zeichen der Verbundenheit über den Tod hinaus.

Nun wurde endlich ein Projekt realisiert, an dem das Künstlerpaar seit dem Jahr 1977 gearbeitet hatte: „The Mastaba“.

Eine Mastaba (arabisch für Steinbank) ist ein Grabbau der altägyptischen Kultur mit einem Flachdach – oder anders gesagt: eine Pyramide ohne Spitz. Das Paar wollte damals eine solche Mastaba aus 410.000 gestapelten Ölfässern (das Material lässt sich naturgemäß politisch-öko-

monisch lesen, obgleich auch dieses Projekt „unpolitisch“ intendiert wurde) in Abu Dhabi errichten, was zur größten Skulptur der Welt geworden wäre. Erst 2018 wurde das Projekt in im Londoner Hyde Park umgesetzt, wo die Mastaba von 18. Juni bis 23. September am Serpentine See schwamm und tausende Menschen anzog. Obwohl das Kunstwerk im Vergleich zum Abu-Dhabi-Projekt auf ein Siebtel verkleinert wurde, waren die 7506 bunten Ölfässer in rot, weiß, blau und violett, die auf markante Art die altägyptische Architektur spiegeln, immer noch eindrucksvoll genug. Bei Maßen von 20 x 30 x 40 Metern auch nicht weiter verwunderlich.

Begleitet wurde das Projekt von einer umfassenden Ausstellung in der Serpentine Gallery, die Arbeiten des Paars aus 60 Jahren zeigt. Übrigens hat Christo den Plan mit Abu Dhabi nicht aufgegeben: Falls sich das Projekt doch noch realisieren lässt, soll es zum einzigen dauerhaften Werk von Christo und JeanneClaude werden.

Wer die Londoner Mastaba verpasst hat, kann nun zu Taschens großartigem Bildband „Christo

TE X T OLIVER STANGL

. and Jeanne-Claude. Barrels and The Mastaba 1958–2018“ greifen. Gestaltet wurde das Buch von Lorenza Giovanelli und Christo selbst. Es gibt einen Überblick zur Arbeit des Künstlerduos mit Fässern und dokumentiert auch die Genese des Londoner Projekts. Skizzen, Pläne, Karten und technische Hintergründe ergeben mit den Fotografien des Deutschen Wolfgang Volz ein faszinierendes Making-of. Viele der Bilder wurden bisher nicht veröffentlicht und machen das Buch so zu einem Kunstkatalog der besonderen Art. Dass Aufmachung und Druckqualität hervorragend sind, versteht sich im Fall von Taschen ja von selbst. Die Londoner Mastaba mag verschwunden sein, doch das Buch bleibt.

Christo and Jeanne-Claude: Barrels and the Mastaba 1958–2018 Taschen Verlag, Köln 2018.

208 Seiten, EUR 40

BOOKS

FAQ ABO

Ihr Abo-Geschenk!

FAQ fashion | design | music | film | ar t | culture

â&#x20AC;&#x153;This album is about my journey up to this point. Wanderer, the album, represents the course my life has taken in this journey - going from town to town, with my guitar, telling my tale; with reverence to the people who did this generations before me. Folk singers, blues singers, and everything in between. They were all wanderers, and I am lucky to be among them.â&#x20AC;? - Chan Marshall alias Cat Power, 2018 Das neue Album â&#x20AC;&#x201C; das 10. in der Cat Power DiskograďŹ e â&#x20AC;&#x201C; erschien am 5. Oktober. In den letzten Jahren in Miami und Los Angeles geschrieben und aufgenommen, ist â&#x20AC;&#x17E;Wandererâ&#x20AC;&#x153; die bemerkenswerte RĂźckkehr einer legendären amerikanischen Stimme. Selbst produziert und von Rob Schnapf (Elliott Smith, Beck) abgemischt, bietet das Album Auftritte von langjährigen Freunden sowie die Gaststimme von Lana Del Rey.

Ă&#x2013;sterreichische Post AG, PZ 10Z038511 P factory29 ltd., Mariahilfer Str. 76/3/31, A-1070 Vienna

CAT POWER â&#x20AC;&#x201C; â&#x20AC;&#x17E;WANDERERâ&#x20AC;&#x153; (CD)

N°49

Oktober/November 2018 â&#x201A;Ź 5,00

SOAP&SKIN I LADY GAGA I ALICE ROHRWACHER VIENNALE I HELEN LEVITT I RYAN GOSLING

Fotos: Julien Bourgeois

CAT POWER â&#x20AC;&#x201C; â&#x20AC;&#x17E;WANDERERâ&#x20AC;&#x153; Ab 5. Oktober erhältlich!

FAQ Magazine â&#x20AC;&#x201C; Jahresabo (fĂźnf Ausgaben) Ă&#x2013;sterreich â&#x201A;Ź 20,- / Europa â&#x201A;Ź 38,E-Mail: abo@faq-magazine.com; Fax: +43 1 920 20 08 13; Mariahilfer StraĂ&#x;e 76/3/31, 1070 Vienna, Austria Abonnements enden automatisch, eine KĂźndigung ist nicht erforderlich.

ONLINE BESTELLEN AUF WWW.FAQ-MAGAZINE.COM FAQ Magazine erhältlich als E-Paper bei www.readly.com

www.facebook.com/faqmagazin

FAQ | 129

FAQ

K A LENDER

P R O G R A M M A U S W A H L O K T O B E R / N O V E M B E R 2 018

MC50, Foto: Barracuda Music

The Nightingales, Foto: Promo

02.-13.10

UNSAFE+SOUNDS FESTIVAL ¯ Wien

09.11.

DER NINO AUS WIEN ¯ Arena, Wien

10.10.

SPAIN ¯ Chelsea, Wien

09.11.

PHARMAKON ¯ Arena, Wien

14.10.

PROCOL HARUM ¯ Gasometer, Wien

10.-25.11.

KLEZMORE FESTIVAL VIENNA

15.-23.10.

SALAM ORIENT FESTIVAL 2018 ¯ Wien

11.11.

PETER HOOK AND THE LIGHT ¯ Flex, Wien

17.10.

BORIS BUKOWSKI ¯ Chelsea, Wien

15.11.

ANNA CALVI ¯ Simm City – Festsaal Simmering, Wien

19.10.

GO BY OCEAN NERUDA ¯ Wien

15.11.

THE BREEDERS ¯ Flex, Wien

22.10.

CONNER YOUNGBLOOD ¯ Rhiz, Wien

15.11.

FATHER JOHN MISTY/BEDOUINE ¯ Arena, Wien

23.10.

TAMIKREST ¯ Chelsea, Wien

18.11.

STEVE COLEMAN & FIVE ELEMENTS ¯ Porgy, Wien

26.10.

FRANK TURNER & THE SLEEPING SOULS ¯ Gasometer, Wien

19.11.

HOLLY GOLIGHTLY ¯ Chelsea, Wien

22.11.

STEVE WYNN & CHRIS CACAVAS ¯ Chelsea, Wien

02.11.

STEAMING SATELLITES ¯ Arena, Wien

22.-24.11.

BLUE BIRD 2018 ¯ Porgy, Wien

03.11.

COEUR DE PIRATE ¯ Theater Akzent, Wien

25.11.

MC50 ¯ Flex, Wien

03.11.

SAINT AGNES ¯ Rhiz, Wien

25.11.

SCHMIEDS PULS ¯ WUK, Wien

04.-07.11.

JOHN ZORN: MASADA-PROJEKT ¯ Porgy, Wien

25.11.

5/8ERL IN EHR’N ¯ Porgy, Wien

05.11.

THE NIGHTINGALES ¯ Chelsea, Wien

28.11.

05.11.

JORIS ¯ WUK, Wien

STIMMGEWITTER AUGUSTIN / KOLLEGIUM KALKSBURG ¯ Chelsea, Wien

07.11.

MOURN ¯ Fluc, Wien

29.11.

RAT BOY ¯ Grelle Forelle, Wien

08.11.

DAVID EUGENE EDWARDS & ALEXANDER HACKE ¯ Flex, Wien

30.11.

HOT PANTS ROAD CLUB ¯ WUK, Wien

130 | FAQ

BY MAGDALENA B Ł ASZCZUK

WIEN NORD

SOUND. IN JEDEM RAUM.

Kaufen Sie einen Multiroom-Lautsprecher und erhalten Sie als Geschenk den Beoplay M3*. * Angebot umfasst Beosound 1, Beosound 2, Beosound 35, Beoplay A9, Beosound Shape. Pro Kauf gibt es nur einen kostenlosen Beoplay M3 (€ 299). Nur solange der Vorrat reicht. Produkte, die online gekauft wurden, können nur gemäß den gesetzlichen Vorgaben zurückgegeben werden.

Es muss eine Rückgabe beider Produkte erfolgen. Das Angebot gilt vom 14. September 2018 bis 31. Dezember 2018 in teilnehmenden Bang & Olufsen Stores und auf beoplay.com/multiroomoffer.

Ihren nächstgelegenen Bang & Olufsen Fachhändler finden Sie unter bang-olufsen.com/store-locator b e o p l a y. c o m /m u l t i r o o m o f f e r