AGOSTO 2011 // DISTRIBUCIÓN GRATUITA
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CARAVANA
adrianigual // c-funk // david bowie
index
extravaganza nº 88
28 Rodrigo Santis El ex Congelador vuelve a los escenarios con Caravana, su nuevo proyecto solista que, además, tiene tintes de súper grupo. En la entrevista central de este mes, el músico y productor habló con nosotros.
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David Bowie En 1997, Bowie vino a Chile a dar un concierto en un Estadio Nacional mitad vacío. Lo bueno de todo esto fue que Marisol García logró entrevistarlo para nuestra revista.
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Adriánigual
El dúo nacional repasa su historia y analiza el buen momento que está viviendo en la actualidad, en una entrevista con Luis Felipe Fuentealba.
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staff
extravaganza nº 88
SOFÍA VILLANUEVA Es una melómana de aquellas; su especialidad es la sicodelia y el underground de Brooklyn, aunque sus amores platónicos son Iggy Pop y Alan Vega. Actualmente trabaja como productora audiovisual y ha colaborado en sitios como potq.cl y Especial 35.
DIRECTOR Fernando Mujica Maureira REPRESENTANTE LEGAL Francisco Mujica Maureira GERENTE COMERCIAL Rodrigo Mahana EDITOR Víctor Hugo Carvallo DISEÑO Isidora Garcia Lisette Jorquera
ÁNGELA SANTELICES Estudió en la Escuela de Foto Arte y ha participado en Revista Cáñamo. De todas maneras, confiesa que su gran pasión es la fotografía de denuncia y los registros de tocatas. Es fanática de las antiguedades, la foto análoga, y su sensación de nostalgia.
PRODUCCIÓN PERIODÍSTICA Javiera Tapia COLABORADORES Andrés Panes Rodolfo García Aníbal Valenzuela Rodrigo Salinas Rolando Inostroza Gabriel Reyes Jorge Rubio Miguel Castro Felipe Arratia Felipe Fuentealba Carol Bravo Mauricio Aravena José Antonio Sepúlveda Sebastián Soto
Martín De Mussy Sebastián Amado Manuel San Martín Andrés Venegas Diego Huenchur Martín Manríquez Cristián Carrasco Jean Parraguez Carlos Torrejón Pamela Palma Juan Fco. Guzmán Andrea Von Dessauer Sofía Villanueva Javiera López
FOTOGRAFÍA Ignacio Gálvez Diego Maya Wladimir Rojas Daniela León PRÁCTICA PROFESIONAL Javiera Rojo - Periodista
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IMPRESION Quebecor World Chile S.A.
CARAVANA
adrianigual // c-funk // david bowie
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Agosto 2011 Edición 88 Fotografía * Daniela León
CONTACTO Nueva de Lyon 105 local 12A, Providencia, Santiago // Teléfono: 335-0741 www.extravaganza.cl contacto@extravaganza.cl twitter:@EXTRAVAGANZAmag
tecno logía por sebastian soto & luis felipe fuentealba
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01 SRH940 HEADPHONE Los audífonos de Shure dan una respuesta fiel con frecuencias altas y bajos controlados. Pesan sólo 320 gramos, tienen un rango de frecuencia de 5 Hz a 30 kHz y su respuesta minimiza la distorsión. El diseño plegable y ligero ofrece una comodidad superior. Incluye dos cables desmontables: planos y espiral; almohadillas de velludillo de gran duración, un estuche rígido para los viajes y un adaptador con chapa de oro. www.shure.com
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02 META WATCH El nuevo smartwatch con tecnología Bluetooth ofrece la modalidad de recibir notificaciones de correo electrónico, mensajes de redes sociales como Facebook y Twitter, hasta mantener actualizada la temperatura mediante la sincronización con tablets o celulares inteligentes Android de Google. El reloj tiene una correa de cuero, pantalla OLED, seis botones para controlar el menú de opciones y su batería es recargable a través de la conexión USB. www.metawatch.org
03 CLICKFREE C6, DISCO DURO Frente a la importancia que ha cobrado la información y los datos que todos tienen en su PC, este nuevo disco duro se presenta como una alternativa para respaldar de forma fácil y segura. Basta con conectarlo vía USB y configurarlo para que comience a crear copias de seguridad según la necesidad: sistema operativo, programas, archivos o de todo el computador. La versión portatil está en 500GB y 1TB, y el modelo de escritorio se encuentra disponible en 1TB y 2TB. www.clickfree.com
04 BOSS MICRO BR 80, GRABADOR PORTATIL Con este nuevo artefacto será posible registrar el audio desde el lugar que sea. El transportable equipo digital de 13,8 cm. de largo y 8.6 cm. de ancho permite registrar simultáneamente dos pistas y la reproducción de hasta 8 de los 64 tracks disponibles para mezclar y editar. Las horas de grabación desde la entrada de sonido, guitarra, micrófono pueden ser guardadas en formato WAV o MP3 en tarjetas de memoria SDHC de 32 GB. www.bossus.com
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05 NUMARK CDN77USB Es pora y, además, porque puede
un reproductor dual USB y CD de MP3 diseñado para DJs profesionales. Permite incorporar toda tu biblioteca musical de forma digital desde discos compactos o cualquier unidad que posea conexión USB. Posee funciones como tempo master, scratching, seamless loops, pitch control, efectos de frenos y un controlador automático de BPM, que la transforman en una unidad con altas características a un precio accesible. Ideal para quienes usan sus ordenadores como fuentes musicales por las entradas que incor-
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alcance de 10 mts. En modo de conversación dura once horas, mientras que escuchando música hasta diez y su batería se recarga vía USB en menos de tres. www.veho-world.com
nuevo modelo de fonos fabricado por Veho con sistema Bluetooth incorporado no tan sólo sirve para escuchar música sin cables, sino también puede utilizarse de forma inalámbrica con variados equipos y smartphones a través de su control para contestar o terminar una llamada. Para conversaciones con manos libres incluye micrófono y tiene un
07 MEZCLADOR XONE: DB4 Este mixer analógico de hasta cinco canales se presenta como el producto más avanzado que ha desarrollado la empresa inglesa Allen & Heat. Brinda un motor de efectos Quad FX Core DSP, delays, reyerbs, moduladores, resonadores y herramientas de construcción sonora, las cua-
cargar dos canciones desde una misma unidad al mismo tiempo. www.numark.com
les pueden ser ajustadas en tiempo real. Una función que destaca es el Loop Recorder: un sampler integrado en cada uno de los canales, los que permiten grabar directamente al mezclador una muestra de los distintos compases para remezclar de forma analógica, sin necesidad de software. www.allen-heath.com
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08 IOMEGA STORCENTER IX4-200D Esta personal cloud conecta dispositivos con capacidad de red de Iomega con otros equipos de PC, Mac, iPhones, iPad, entre otros, vía Internet. La gran diferencia con las nubes públicas o privadas es que esta terminal de memoria se gestiona de manera automática, por eso el contenido y accesibilidad están bajo el control del usuario. Es de fácil uso e instalación, se puede ampliar la capacidad del disco duro y entrega un soporte UPS con alto nivel de protección. www.iomegacloud.com
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09 SONY CMT-G1BIP La re-
10 AKG Q-701 HEADPHO-
novación de la Serie G de micro sistemas de audio de Sony presenta una consola con diseño de metal pulido, un panel frontal de aluminio y dos parlantes de calidad que potencian la alta fidelidad, favoreciendo la nitidez y claridad de bajos y voces. Lo interesante es que el equipo de 60W es sólo un reproductor USB, nada de CDs o formatos del pasado, y de ahí su compatibilidad con dispositivos MP3, iPod y iPhone. Incluye radio digital DAB y posee sintonizador de radio AM y FM. www.sony.co.uk
NES Estos audífonos profesionales están diseñados en honor al compositor norteamericano Quincy Jones. Son auriculares de diadema circum-aural de alta definición, con membranas exclusivas de la tecnología Varimotion y una estética que combina tres colores: negro, blanco y verde. Posee un alto rendimiento gracias a los imanes de neodimio, que producen muy baja distorsión y un realismo puro en las frecuencias más bajas. www.akg.com
11 PANASONIC FZ47 La actualización de las cámaras de la serie Lumix de Panasonic trae una pantalla LCD de 3” y un lente Leica con un potente zoom óptico de 24x, que puede aumentarse a 32x en función inteligente para no afectar la calidad de la imagen, incluso usando el zoom digital. También integra modo de fotografía en 3D y grabación de video full HD. Su procesamiento de imagen, Venus Engine FHD, y la tecnología Intelligent Resolution, proporcionan calidad para la captura de imágenes y videos. www.panasonic.com
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12 ACER AC700 CHROMEBOOK No sólo Samsung puede jactarse de tener dentro de sus series el primer modelo de netbook fabricado en conjunto con Google. Su principal novedad es contar con el nuevo sistema operativo Chrome. Dentro de sus cualidades, tiene un procesador de doble núcleo de 1.66 GHz, disco duro de 16 GB de capacidad y conexión HDMI. No sólo cuenta con WI-FI sino que también incluye conectividad 3G, haciéndose cargo de la movilidad de este tipo de dispositivos. us.acer.com
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XTREAMER PRODIGY A simple vista parece un equipo de DVD, pero es mucho más. Se trata del primer reproductor multimedia full HD con tecnología 3D. Puede ocuparse con discos duros de 3TB, posee conexión Wifi, HDMI, USB 3.0 y lector de tarjetas de memoria. El modo de navegación en internet ofrece una experiencia completa con soporte Flash, HTML5 y una serie de aplicaciones como YouTube XL, Facebook, Last Fm, Google, Grooveshark, entre otras. www.xtreamer.net
14 ZOOM H2N El micrófonograbadora de Zoom promete un registro a la altura de una grabación de estudio. Para asegurar la calidad del sonido, posee cuatro modos diferentes para grabar, dependiendo la situación. Tiene una pantalla LCD de 1.8”, conexión USB, de micrófono, audífonos y entrada de audio. El equipo captura alrededor de 50 horas en MP3 y 555 horas en formato WAV que guarda en tarjetas de memoria SDHC de hasta 32GB. Con dos pilas AA puede durar 20 horas continuas. www.samsontech.com
15 SOUND STEP SFQ-02 Un potente sistema de audio con subwoofer pensando para la mayoría de los dispositivos móviles es el nuevo reproductor de Soundfreaq. Por su conector dock es de fácil uso con iPad, iPhone o iPod para escuchar la lista de canciones, videos o la radio vía internet. También es compatible con equipos Android y Blackberry para Bluetooth. Mientras el receptor inalámbrico funciona como parlante, carga los celulares inteligentes conectados por USB. www.soundfreaq.com
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01 JASMIN CHEBAR La diseñadora argentina sabe perfectamente cuáles son las prendas y los colores que la gente quiere usar cada temporada. A diferencia de otros en el rubro, la marca aprovecha muy a su beneficio el que nuestro verano e invierno lleguen después que el de las urbes que marcan tendencias. Ubicada en el mall Parque Arauco, Jasmin lanza su nueva colección durante este mes, donde la superposición de texturas y cortes en vestidos y blazers son los protagonistas. www.jasminchebar.com.ar 02 BJORG Esta marca de joyería noruega publicó su
catálogo anual, en donde encontramos espaldas desnudas con columnas pronunciadas, alas de mariposa y piedras tratadas en bruto. Con imágenes etéreas, esta colección se centra en la idea de la búsqueda del Jardín del Edén. Una especie de viaje hacia otro mundo, en donde el hombre vive en un estado más primitivo, básico y en paz. Pero Bjorg no se queda sólo en el misticismo que pueden otorgar las imágenes. Las creaciones siguen una línea de diseños atrevidos y colores brillantes. www.bjorgshop.com
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03 MISTER CHENG Kongyiu Cheng es un recién gra-
duado de Artez -un renombrado instituto europeo- que estrena su primera colección de calzados. El diseñador ha reinterpretado los clásicos modelos como el Derby, los Oxford y el Monk, dándoles terminaciones imperfectas a cada una de las piezas. Sus creaciones nacen de la reflexión de que los zapatos de vestir deben aportar a la expresividad y distinción de los atuendos. www.mistercheng.com 04 ABSOLUT Absolut Vodka junto a los artistas suecos
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Skogsber & Smart y los artesanos de Reijmyre, que trabajan a mano el cristal, desarrollaron esta botella que destaca por su diseño y calidad. Cada una de las piezas está firmada, numerada y acompañada por dos finos vasos del mismo material soplado a mano y protegidos por una caja de piel negra de Swiezh & Co. En Chile se exhibirá la botella número 79, en la Joyería Mosso de Luis Pasteur 5846, desde el 12 de agosto. www.absolut.com
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05 SNOG Una de las tiendas online más inte-
resantes del último tiempo abrirá una sucursal en Santiago y el Barrio Italia es el sector escogido para este debut, específicamente, en Avenida Italia 1149, piso 2. El equipo de Snog realiza constantes búsquedas y selección de productos de diversos diseñadores, tanto en Latinoamérica como en Estados Unidos y Europa, entregando piezas originales y de calidad muy difíciles de conseguir en el mercado local. www.tiendasnog.com
06 SIBLING Esta es una marca relativamente
nueva que año a año va mejorando sus creaciones. En un inicio destacó por una línea de prendas de lana vanguardistas, lo que luego se transformó en objetos más osados, que la han posicionado como líder en tendencia en ropa de hombre deportiva. Ésta brilla por su técnica, sus detalles y el lujo. www.siblinglondon.com
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07 ALBA PRAT Digitalized es el nombre de la última colección de Alba Prat. La diseñadora española creó esta mágica línea como proyecto final de su último año de carrera en la Universidad de Artes de Berlín, y fue inspirada por la estética de Tron. Las piezas se destacan por su corte minimalista, colores neutros y materiales sintéticos de diversas texturas. www.albaprat.com
08 NANNA VAN BLAADEREN La última colección en lana de esta diseñadora se llama More or Less y está inspirada en las formas orgánicas, en los animales y la naturaleza en general. La artista usó hebras gruesas en tonalidades pálidas y combinó técnicas de tejido con trenzado. Cada una de las piezas se destaca por suaves texturas y crudas estructuras. www.nannavanblaaderen.com
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BEATAUCUE En el mundo real, Alex y Mederic son inofensivos y casi ñoños; dos muchachos franceses que gozan con su trabajo de productores y DJs, que tienen apenas 20 años y ya se codean con los más grandes. Juntos son Beataucue y pierden esa inocencia del día a día detrás de sus máquinas. Remezclas para Boys Noize, Brodinski, Kyle Minogue, Yelle, Two Door Cinema Club y Major Lazer, dieron la confianza necesaria para construir una carrera sólida en la electrónica europea. Sus primeros aciertos están ligados al sello Kitsuné, destacando su epé Cha Cha Cha editado en mayo de 2010. Tintes propios,
Suena como Steve Aoki, Brodinski, Punks Jump Up. www.myspace.com/beataucue
LA CARIDAD EMPIEZA POR CASA beats apurados, electroclash y un french touch categórico. Eso quedó plasmado en el álbum compilatorio Kitsuné Maison. Vendría ‘Disque Oh’, single intenso y de gran factura que pavimentaría el camino a Falcon Punch, su actual producción. Intensidad y destape explosivo que contrasta con su apariencia de novatos. Imagen errónea para unos Beataucue que se codean con Diplo, Erol Alkan y Armand Van Helden, y que paso a paso se convierten en grito de guerra nocturno para este nuevo “toque francés”. Fernando Mujica
nuevos sabores
WHEN SAINTS GO MACHINE Este cuarteto danés se ha convertido en uno de los fetiches preferidos del synth pop europeo y pinta como favorita para varias listas de lo mejor del 2011. Todo esto gracias al abrazado Konkylie (EMI, 1011), su tercer trabajo, que se enmarca en una depuración de su sonido electropop que tiene tanto de trance, como de jazz y psicodelia en su cosecha. Luego del debut Ten Makes A Face y del aplaudido epé Fail Forever, ambos editados por !K7, este combo de Copenhaguen se lanzó por la conquista del oído mundial con sonidos que se permiten todas las licencias y libertades de lo que significa hacer
electrónica sin presiones, experimental y low fi. ¿El resultado? Música para el espacio, compleja y profunda, acompañada por sintetizadores olvidados y guiada por la voz aterciopelada de Jonas Kenton; algo así como lo que habría hecho Antony Hegarty en el mundo de los beats si hubiese decidido no acompañar a Hercules & Love Affair. Un verdadero encanto de las máquinas para ponerle firma a una de las joyitas de la temporada y además un ejemplo humilde de lo que hoy significa ser contemporáneo. Martín De Mussy
Suena como: Royksopp, Aphex Twin, White Noise, Antony Hegarty www.myspace.com/whensaintsgomachine
EL ENCANTO MECÁNICO
SARAH MACDOUGALL A pesar de haber vivido casi toda su vida en parajes fríos, la voz de Sarah MacDougall pareciera entregar el calor de una fogata hecha a puro pulmón y guitarra. Y esto se debe, en gran parte, a que esta mujer mitad sueca y mitad canadiense ha pasado su vida cruzando el atlántico, extrayendo de sus innumerables viajes las experiencias para crear canciones que se ubican dentro de lo mejor que ha entregado el buen indie folk que se está escuchando en América del Norte, en los últimos tiempos. Sus letras hablan de amor y desamor, pero también de alegrías y buenos recuerdos. Aunque claramente en lo que mejor destaca Macdougall es en la forma en
LA FUERZA DE LA SENCILLEZ que interpreta las situaciones menos afortunadas, entregándoles un sello conmovedor que sólo la sencillez de su propuesta es capaz de reflejar: Ella sola frente a una audiencia, con su guitarra y un montón de historias por contar. Este estilo sobrio y ejecutado perfectamente la ha llevado a ganar el reconocimiento con su disco Across the Atlantic (Copperspine Records, 2009), al que sumará un segundo trabajo, que se titulará The Greatest Ones Alive -que verá la luz durante este mes-, con el que quiere seguir relatando vivencias en ambos lados del Gran Charco. Andrés Venegas
Suena como: Sharon Van Etten, Lucinda Williams, Mariee Sioux www.myspace.com/sarahmacdougall
TASSEOMANCY Según los libros de esoterismo, la Taseomancia es un método adivinatorio que consiste en la interpretación de patrones simbólicos en hojas de té, granos de café y manchas de vino. Es también el nombre del dúo compuesto por las mellizas Romy y Sari Lightman, nacidas en Toronto, quienes comenzaron a hacer música juntas el 2008. Desde antes ya figuraban como vocalistas para la banda electrónica Austra, y luego bajo el pseudónimo de Ghost Bees, editaron un elepé titulado Tasseomancy (Youth Club, 2008). El año pasado rebautizaron al dúo con el nombre de ese disco, y es así como lanzan el single Healthy Hands (Diamond Rings, 2010), y anuncian
ÉRASE UNA VEZ... su debut, Ulalume, para el 30 de este mes a travéz del sello Out Of This Park. Con un par de guitarras bucólicas, voces que suenan como una versión dulce de las hermanas Bianca y Sierra Casady, más cierta influencia en el Neo Folk ritualista de los ochentas y temáticas ancestrales, Tasseomancy logra un sonido que resulta mágico y fantasioso. Encantadas con cuentos heredados de su tatarabuela -quien fuera una inmigrante rusa judía y lectora de las hojas de té-, Romy y Sari suenan como mediums intentando traducir los secretos de los bosques y de antiguas leyendas. Gabriel Reyes
Suena como: CocoRosie, Death in June, Joanna Newsom www.myspace.com/tasseomancy
NIKKI LANE Saber condimentar con country, soul y pop una canción, es tarea compleja para muchos. Nikki Lane (Nicole Lane Frady) lo hace y cada día saca más provecho de su receta. El 2010 apareció en el mundo de la música alternativa americana con acento de vaquera y look vanguardista. Acá los prejuicios no cuentan. De hecho fue un integrante del grupo Fool’s Gold -que venía de producir a los Best Coast- quien estuvo a cargo de su reciente epé Gone Gone Gone para IamSound, un sello discográfio que no es precisamente una compañía de banjos y tejanos. En ese mundo se mueve esta chica guapa y de inquietante actitud. “No me dedico sólo a la música. Estoy a cargo de una empresa que trabaja
Suena como Johnny Cash, Duffy, Flamin Groovies. www.myspace.com/nikkilane
MUJER MARAVILLA con productos vintage, eso me relaciona constantemente con el pasado”, aclara esta norteamericana que se crió con guitarra en mano y el cancionero completo de gente como Waylon Jennings, Loretta Lynn, John Prine y Merle Haggard. Oriunda de Greenville, Carolina del Sur, vagó muchos kilómetros hasta aceptar un trabajo en Nueva York. Saboreó el mundo de la música, se contagió con el cómo se hacen las cosas en la gran manzana y convencida de sus capacidades volvió a Nashville para tomarse aún más en serio su carrera. “Estoy terminando mi álbum Walk Of Shame y estoy muy confiada en lo que puedo lograr”. Fernando Mujica
nuevos sabores
THE JOKER & THE THIEF Por los bares de Londres pululan un sinnúmero de bandas que luchan por ser algo más que un proyecto de grupo musical underground. En este contexto, aparece un trío de amigos que desde la infancia se ven atraídos por la música y que en algún momento deciden lanzarse bajo el nombre de The Joker & The Thief. Escucharlos es una experiencia entretenida, pues sus canciones no son hechas con un molde que apunta a la masificación, lo que abre un espacio para lo lúdico. Como si todo fuera una broma, mezclan rock, blues y sicodelia de la forma más extravagante. Pero esto no es un caos sin sentido, la interpretación de Dan Grabiner, Josh Elliott
UNA BROMA EXPLOSIVA y “Guitar-Tree” Justin es perfecta, tal como se puede esperar de tres personas que se conocen desde niños. En su disco debut, Secret Ballroom (Mess Around Productions, 2011), muestran que ven la música como un todo, en donde las influencias crean una amalgama difícil de catalogar. Esa es su columna vertebral y mayor virtud, porque las sorpresas y capas sonoras que progresan entrelazándose hacen de este grupo una aventura. Y esto no es broma ni se lo han robado a nadie, es puro talento explosivo. Andrés Venegas
Suenan como: Morphine, Bourbon Princess, A.K.A.C.O.D. www.myspace.com/thejokerandthethiefmusic
David Bowie
“No hay nada que aprender del éxito” Fotografía * Gonzalo Donoso
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edición nº 38 / noviembre de 1997
En 1997, David Bowie visitó Chile en el marco de la gira promocional de Earthling g, tal vez su mejor disco en los últimos veinte años. A pesar de la buena racha, sólo 5.000 personas asitieron al concierto. Marisol García aprovechó la ocasión para entrevistarlo. Transcurridos treinta minutos exactos de la primera conferencia de prensa de David Bowie en Chile, la serie de grabadoras dispuestas enfrente suyo se hacen cargo de denunciar la urgente necesidad de atención de parte de sus usuarios: stop… stop… stop… stop… stop; alegan una a una de su muy particular manera. “Esto parece una composición de John Cage”, dice Bowie entre risas ante el espectáculo desplegado sobre la mesa. Y, como para sí mismo, comienza a reflexionar en voz alta: “Si las cintas se apagan solas, la última en grabar a las demás apagándose será la clave para la perfomance total. Ahora, si no hay casette para grabar los demás casettes apagándose, ¿será aún una performance?”. Bowie termina la última frase y mira con una sonrisa triunfal a los presentes. Pocos han entendido la genial analogía. Parecen más preocupados de dar vuelta con prontitud los únicos casettes que han traído al encuentro, que responder desvaríos artísticos que poco y nada tienen que ver con lo que más tarde tendrán que redactar. La pregunta que sigue es decidora: “Tú que has experimentado tanto con drogas y sexo, ¿cuál crees que es la mejor manera de prevenir el SIDA?”. Bowie responde con elegancia y pleno dominio lo que sea se le proponga. Impertinentes o no, las consultas son justificaciones para que el inglés despliegue su opinión sobre temas diversos: su matrimonio con la modelo Iman (“puso mi ánimo muy arriba”), su fama de vanguardista (“yo no trato de anticiparme a nada sino que reflejar acuciosamente mi tiempo”), su actual etapa artística, un híbrido entre rock y tecno (“siento que nuestra combinación es única, excitante y la hemos escogido porque creemos que es ahí donde podemos encontrar real valor en la música moderna”) y la ineludible melancolía presente en el total de su obra (“por muy positivo que sea como persona, y lo soy, parece que mi escritura refleja los aspectos más oscuros o negativos de mi psiquis. Y perdón por eso, no puedo hacer nada al respecto”). Aliviana con risas las respuestas que, por su nivel de profundidad, puedan parecer densas aproximaciones hacia una vida que ni medio siglo le ha ayudado a enfrentar con menos inquietud. Y ríe constantemente, como asombrado ante sus propias ideas, frescas y espontáneas muestras de un genio que es humano y legendario a la vez. Que agradece cada acercamiento con un “it´s my pleasure” y
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modestamente integra su trabajo al de su banda hablando siempre de “nosotros”. Pero que, al mismo tiempo, sabe del inevitable encanto que produce su famosa mirada semidilatada, y esquiva con el gancho seductor de su estatus de gloria británica los prejuicios que bien podrían interpretarse como afrenta. Lo de camaleón ya no le viene. Bowie es más bien un pájaro, quizás ese halcón de una de las muchas películas para las cuales compuso música. Observa con la perspectiva del planeador un mundo que, si no lo venera, tampoco le despega atención, pues lo siente permanentemente encima y listo para un aterrizaje escandaloso. Con la comodidad del vuelo irrestricto que sabe tiene asegurada una pista cuando lo desee, David Robert Jones se maneja con hiperkinética inquietud entre códigos comunes que se transforman en afirmaciones existenciales por obra y gracia suya. Así de lúcida y profunda es su mente curiosa. Cuando los críticos han analizado tus más recientes discos, siento que se olvidan del profundo involucramiento emocional que has mostrado en esos trabajos. El análisis de la música tecno se ha vuelto tan formal y técnico. ¿Estarías de acuerdo en que separar tu sonido actual de lo que dice tu vida personal es limitar el significado de esos álbumes? “Es un asunto muy complejo determinar cuánto de la vida personal uno finalmente pone en la música. Estoy de acuerdo contigo en que la complejidad de la crítica hacia la música tecno e industrial ya se ha vuelto casi bizarra y pienso que nosotros preferimos evitar esa situación asegurándonos que nuestra música no sea estrictamente tecnológica. Somos una banda muy orgánica. Pienso que la combinación de instrumentos con tecnología produce una especie particular de música que no se presta tan fácilmente para un análisis técnico o formal”. Mi pregunta apuntaba un poco al contenido que puede encontrarse en tus discos. A nivel emocional, espiritual o lo que sea. “Pienso que es probablemente un error confundir las necesidades técnicas de hacer música y el estilo con el contenido. El contenido es la prioridad del porqué compongo mi música. Utilizo el estilo y los atributos técnicos como un armazón en el cual pongo lo que quiera decir. El estilo en sí no es lo que me intriga. Es un medio para un fin. Y el fin es mi escritura íntima; lo que yo siento”. ¿Cómo caben las letras en este esquema? “Las letras son sólo parte de lo que se trata la música. Son meramente otro color. El vocabulario y las palabras dejan tanto sin decir… Las palabras muy rara vez explican cómo uno realmente se siente. Al final, lo que se dice es una combinación de estilo, letras y música. Todos esos elementos son los conductores y el contenido es el pequeño pasajero que se sienta encima”.
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Se ha vuelto casi un cliché hablar de David Bowie como un artista ‘experimental y arriesgado’. Desde ese punto de vista, ¿cuál es la relación que mantienes hacia elementos tales como el error o el fracaso? ¿Son algo que tratas de evitar o los consideras inevitables dentro del desarrollo de tu búsqueda artística? “No hay nada que aprender del éxito. Pienso que todo se aprende del fracaso, así es que me equivoco lo más posible”. De alguien como tú, quizás, podría esperarse una relación más cómoda con el tema del éxito. “Siempre he tenido claro que el verdadero éxito es aquel que se produce cuando yo he alcanzado una cierta plenitud en la composición e interpretación de un trabajo. Cuando ese trabajo es, para mí, artísticamente vibrante siento que he alcanzado el único tipo de éxito por el que vale la pena luchar. Cualquier éxito material es algo secundario o, supongo, una especie de bono de consideración. El real es artístico y espiritual”. ¿Es ésa una inquietud que has tenido siempre? “Parece que me ha preocupado siempre. Supongo que ahora me doy más cuenta porque cuando uno va envejeciendo desarrolla una mayor perspectiva respecto de lo que está tratando tu propia vida. Para mí es bastante evidente que siempre he estado buscando… Soy una suerte de cristiano tardío o algo así (sonríe). Y tengo una fuerte afinidad hacia la idea de una vida espiritual. Pero personificar esa vida espiritual es algo que siempre he evadido”. ¿Cómo conectas esa búsqueda con el arte? Porque imagino que va más allá de una cosa religiosa. “No me gusta usar la palabra religiosa porque, para mí, la religión es parte de una codificación de ideas. Es demasiado política. No me siento particularmente cómodo con la idea de contener la vida espiritual en un cuerpo político, como una religión. Me siento más atraído por la búsqueda individual del hombre de su propia vida espiritual”. Alguna vez leía un comentario de Earthling en el que se indicaba que lo mejor de escuchar tus discos era cuánto confiabas en la inteligencia del auditor. ¿Crees que los seguidores del pop actualmente son subestimados? “Pienso que a la audiencia usualmente se le trata en su nivel más bajo. Ahora, creo que la responsabilidad del artista es componer para su propio nivel de comprensión y, luego, presumir que existe una audiencia para lo que escribe. En mi caso personal, pienso que nunca estoy contento cuando me siento cómodo creando música. Debo sentirme incómodo, sentir que estoy en una zona que no controlo. Es en esa situación que la música resulta mejor que cuando me siento satisfecho con el área en la que me encuentro. Es así como han sucedido mis cosas más interesantes”. Como el título de tu disco Outside (afuera), ¿aún crees que lo más interesante ocurre en los márgenes? “Siempre. Resisto lo más posible la tiranía del mainstream. En la mayoría de las artes que me interesan, prefiero buscar en la periferia, cualquiera sea el arte: visual, cinematográfico, teatro, música. Tiendo a encontrar la real esencia de la creatividad innovadora y excitante, fuera de la sociedad convencional, de la cultura convencional. Y creo que mucha otra gente siente lo mismo”.
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RODRIGO SANTIS RETORNO A LA RAÍZ Demasiado tiempo tuvo que pasar para volver a tener noticias de Rodrigo Santis. A pesar de esto, su trabajo al frente del sello Quemasucabeza lo ha mantenido como una figura siempre presente en el panorama cultural de nuestro país. Hoy regresa a los escenarios con Caravana –su nuevo proyecto solista- y, bajo el brazo, uno de los discos más conmovedores del año.
Por Víctor Hugo Carvallo Fotografía * Daniela León
No muchos imaginarían que el cuartel general de Rodrigo Santis, figura clave del noise en Chile, tiene la forma de una acogedora morada de dos pisos, donde los juguetes de colores y los peluches decoran con ternura la vida de una familia feliz. Un gato gordo y querendón completa la escena, mientras el anfitrión regresa de la cocina con un par de tazas de té. “Antes, trabajaba mucho en la casa, sobre todo en las noches. Aún sigo componiendo acá, pero este nuevo álbum lo hice por completo en el estudio”, cuenta refiriéndose a Caravana (Quemasucabeza, 2011), su última creación. Y el detalle no es menor: ésta es la primera vez que Rodrigo graba un elepé de manera completamente profesional, dejando de lado toda esa cuota de DIY y lo-fi que han caracterizado su trayectoria. “He grabado varias veces en estudio, pero siempre, en algún minuto del proceso, el disco salía de ahí y llegaba a mi computador. Esta vez, me fui todas las mañanas sin saber muy bien que pasaría. Tenía las ideas en mi cabeza y las tocaba. Trabajé así todos los días, logrando una dinámica casi de oficina”. Caravana, también, es el seudónimo del nuevo proyecto de Santis: una especie de alter ego solista y súper grupo, donde lo acompa-
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ñan músicos del calibre de Gepe, PedroPiedra, Fernando Milagros y Felicia Morales. “La suerte es que todo se ha dado de modo muy relajado. Es tan simple como juntarme a tocar con amigos, pero a raíz de mi trabajo en Quemasucabeza, mis amigos son tipos secos y conocidos. La parte difícil es hacerlos coincidir en un ensayo, porque todos están ocupados con sus propias cosas”. Cuando se le pregunta sobre la verdadera naturaleza de esta nueva fase, el músico responde: “Caravana es un proyecto personal. Es mío. Pero en vivo actuamos como ensamble. Siempre he compuesto en paralelo. Cuando era adolescente, Congelador empezó a ser mi banda, mi trabajo más concreto. Pero también hice cosas aparte”. Entre éstas se encuentran Paranormal, Barco y un disco firmado con su nombre. El primero vio la luz en la forma de un álbum lanzado en 2001, donde las composiciones -y descomposiciones- navegan por océanos de ruido con descaro, pero también con una alta dosis de experimentación sónica, propia de un artista que ha encontrado en estos elementos su propia voz. La segunda, Barco, según el propio Santis es “el que tiene más onda con Caravana. Incluso hay un par de temas que son de esa época y los reformé para incluirlos en el álbum nuevo”. A pesar de esto, el único registro oficial que quedó de ese momento específico en la carrera del guitarrista, es la can-
“Es tan simple como juntarme a tocar con amigos, pero a raíz de mi trabajo en Quemasucabeza, mis amigos son tipos secos y conocidos”
ción ‘Crece’ en el compilado Panorama Neutral (Quemasucabeza, 2011). Y el tercero es Campos de Hielo (Quemasucabeza, 1999), la única placa que ha lanzado como Rodrigo Santis; altamente instrumental y muy ligada a los sintetizadores. Por su parte, Caravana debutó en la web hace algunos meses y fue presentado al público en concierto el 9 de agosto en la sala SCD de Bellavista. “El disco fue lo primero, de hecho los temas nunca habían sido tocados como banda, excepto en los ensayos para el lanzamiento oficial. En las grabaciones pareciera que sí, pero todo lo registramos por separado. Incluso, muchos de los arreglos los trabajé solo”. De todas formas, cada uno de los integrantes que colaboran en Caravana aparecen en el álbum, tocando diversos instrumentos y aportando sendos granos de arena a toda esta aventura. Además, será editado en vinilo, algo que Santis ya había gestionado para otros artistas, pero nunca para él. “Será la primera vez que algo mío sale en este formato. Ya no son muchas las cosas que estamos sacando en CD con Quemasucabeza. Lo último que hicimos fue el de Pánico, más que nada por la urgencia, porque se venía la gira que ellos tenían acá. En cambio, los vinilos los mandamos hacer a México y es un proceso más largo, que por lo menos se demora un par de meses”, cuenta Santis, en su rol de director del sello. “En realidad, está orientado a la gente que le gusta el objeto. Nuestra idea no es imponer el formato y hacer que todo el mundo compre vinilos. Hacemos ediciones chicas, de 500 copias, porque hay harta gente que está interesada en comprarse un long play más que un compact. Yo creo que es el disco físico que tiene mayor valor en este minuto. Entre que la carátula es grande y muestra mejor el arte, y que tiene la magia de la mecánica y ese sonido especial de la aguja. Es un sistema que no tiene nada que ver con las descargas. El mismo CD ha perdido bastante porque mucha gente tiene uno y lo primero que hace es pasarlo a mp3. Se ha transformado en algo bien fome”.
Un hombre de Historia Quemasucabeza nació con el simple anhelo de una banda independiente que quería editar sus propios discos. Corrían los finales de la década de los noventas y Congelador (Quemasucabeza, 1998), el primer elepé de la banda conformada por los hermanos Santis y Walter Roblero, marcaría un antes y un después en la escena indie chilena. En éste, quedaron registradas algunas de las composiciones más furiosas
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y melancólicas que, hasta esa fecha, se habían escuchado de un grupo local. “Siempre se catalogó como post rock, aunque nunca fue nuestra intención. Pero tampoco nos íbamos a poner a alegar, si de verdad, justo en esa época, empezaron a salir muchas bandas con un sonido similar a las que se les puso esa etiqueta”, reconoce. “De los Congelador, yo soy el único que sigue en Quemasucabeza. Ahora estoy asociado con otra gente, pero en la primera etapa, como hasta el 2003, trabajábamos Walter, mi hermano y yo”. Ésta fue, sin duda, la época más productiva del grupo. “En ese momento estábamos en la universidad y teníamos tiempo de juntarnos, pero desde que tuvimos que empezar a trabajar, siempre nos ha costado ponernos de acuerdo y eso ha sido un problema”. Así y todo, se las arreglaron para lanzar varios discos de nombres inolvidables, como Día 14, Griz y Mostro. Todos ellos, parte de una escena que hoy casi no existe. “Cuando iniciamos el sello tuvimos que hacer el trámite legal. Teníamos amigos que tocaban y los invitábamos. Nosotros ya conocíamos el resto de la pega y la hacíamos con gusto, pero no habían muchas aspiraciones más que eso. Estábamos todos juntos y tocábamos. También sacamos los proyectos míos y los trabajos de Congelador”. Pero, con el tiempo, esta pequeña empresa discográfica empezó a abarcar un terreno inesperado. Un punto clave fue el lanzamiento del compilado Panorama Neutral, una suerte de guía del indie nacional, que mostraba con éxito lo que había y, sobre todo, lo que estaba por venir. “El 2004 empezó a funcionar de manera más normal; antes era sólo una forma de autoeditar lo nuestro. Con el Panorama Neutral comenzamos a ser realmente un sello independiente de música y nos pusimos a trabajar de una forma más productiva. Ahí salió Gepe y la Javiera Mena y la cosa empezó a agarrar vuelo”. De hecho, uno de los primeros pasos de la internacionalización que hoy vive la música criolla fue dado por Santis y sus secuaces de Congelador. Fue durante una mini gira que hicieron por España, presentando el disco Cuatro (Quemasucabeza, 2002), el que editaron al poco tiempo bajo la etiqueta madrileña Astro. También fueron los primeros chilenos en ser destacados por la revista española Rockdelux, lo que para muchos adeptos nacionales significó un hito. “Yo me encontraba con amigos y estaban todos muy emocionados. Gente en varios lados, incluso en Argentina. Fue como un suceso aparecer ahí, en esa época. Ahora ya no es tan poco común, porque los ojos están puestos acá”, reflexiona y luego con-
fiesa: “Tiene que ver, también, con el hecho de que yo le escribía a los tipos de la revista y ni siquiera me contestaban los correos. Ahora ya nos conocemos y hay muy buena onda. Ha habido un crecimiento que tiene que ver con un montón de cosas. Con artistas como la Javiera Mena, Gepe y Dënver. Es un trabajo de hormiga que está rindiendo frutos ahora y hay que aprovechar el interés, porque música buena hay”.
DESCONGELANDO EL MITO De los últimos días de Congelador, nace Caravana. Rodrigo y su hermano, Jorge, trabajaban de noche y difícilmente podían ponerse de acuerdo con Walter para tocar. Pero las ganas siempre estuvieron y por lo mismo, Santis empezó a componer mucho de lo que hoy da forma a uno de los mejores álbumes de su carrera. “Después de sacar Abrigo, no pudimos concordar nuestros tiempos. Estábamos todos muy ocupados y teníamos horarios diferentes. Por lo mismo empecé con esto de hacer cosas por mi cuenta. Yo estaba con muchas ganas de tocar y como decidimos parar con Congelador empecé a armar lo que hoy es Caravana. Quería darle forma a un grupo, más que a un proyecto solista, pero empecé a trabajar solo. A diferencia de lo que era Barco, donde preponderaba la guitarra y la voz, traté de concebir que este nuevo proyecto tuviese más arreglos, por lo general acústicos, aunque con más formación de banda”. Pero esto no es todo, pues además de seguir con Caravana, Santis cuenta la buena noticia del regreso de Congelador: “Hace muy poco decidimos volver. Estamos ensayando y vamos a grabar un disco nuevo, el que queremos tener listo para el próximo año”. Así mismo, Quemasucabeza se apronta a lanzar un disco en vivo de la banda, que registra el imborrable concierto que dieron junto a Damo Suzuki -el primer vocalista del legendario grupo alemán Can- en el Cine Arte Normandie, en junio de 2009. A pesar de esto, Santis no duda un minuto en responder sobre sus prioridades, las que actualmente están muy claras: “De alguna manera, siento que hoy Congelador es mi proyecto paralelo a Caravana. Me gusta mucho el formato canción en el que se basa y es más acorde a la música que escucho ahora. Sin duda, Caravana es donde tengo puestas todas mis energías”.
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DISCOGRAFÍA SELECCIONADA Por Rodolfo García.
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Aquí, un recorrido por lo más destacado de la discografía de este músico, ingeniero en sonido y productor, quien ya lleva 15 años de música en el cuerpo, luego de debutar con Congelador en el mítico subterráneo de la disquería Background en 1996, ocasión en la que también estuvimos presentes.
CONGELADOR (Quemasucabeza, 1998) Crudo y ruidoso, el debut de Congelador se remite a una experiencia descarnada de la música, en la que lo rítmico y lo granular se mezclan a ratos con melodías y una atmósfera enrarecida. En este aplaudido debut aparecen, también, algunos temas etéreos y una que otra canción pop.
CAMPOS DE HIELO (Quemasucabeza, 1999) Firmado bajo su propio nombre, este disco reagrupa composiciones solistas que el músico creó en paralelo a la primera época de Congelador. En él, el intérprete ejecuta todos los instrumentos y procesa las pistas por computador, obteniendo y manipulando loops de guitarras y teclados, además de incorporar voz. El resultado es experimental y aislacionista.
PARANORMAL (Quemasucabeza, 2001) Bajo este seudónimo, Santis se adentra en los territorios del noise, con una aproximación densa y escalofriante del género. En clave de manipulación electrónica y manual de pistas pregrabadas, el músico superpone y disuelve capas sonoras en un escenario de pesadilla auditiva.
ICEBERG (Quemasucabeza, 2001) Tal vez el mejor disco de Congelador, Iceberg es el único esfuerzo instrumental del grupo y logra una ecuación perfecta de ambientes, distorsión y melodía en crescendos concebidos para expandir cuerpo y mente. La banda sonora ideal para subir cerros con un sol radiante y las pupilas dilatadas.
GEPINTO (Quemasucabeza, 2005) El álbum debut de Daniel Riveros como solista -más conocido como Gepe-, acompañado por Las Aves de Chile, marca un giro trascendental en la expansión del catálogo de Quemasucabeza y de su llegada a un público más amplio. Santis participa aquí como ingeniero en sonido.
PANORAMA NEUTRAL (Quemasucabeza, 2005) Este disco es fundamental por plasmar en sus surcos gran parte de lo mejor de la movida independiente chilena en esa época, aportando material inédito de lo más interesante que se podía escuchar en vivo. Desde Familea Miranda a Congelador, este álbum presenta material de Mostro, Dizzlexico, Barco (único registro editado del embrión de lo que sería Caravana) y Dormitorio, entre otros. Rodrigo Santis participa como gestor principal del proyecto, además de músico e ingeniero de sonido en algunos temas.
CARAVANA (Quemasucabeza, 2011) Una fuerte base acústica, ligada a hermosos arreglos de cuerdas, teclados, vientos y percusiones hacen de esta última entrega una de las experiencias más accesibles del artista. Un álbum preciosista y desgarradoramente honesto.
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entrevista
IGNACIO RODRIGUEZ A MI MANERA
Es responsable de que en Chile se haya vuelto a prensar vinilos. Es quien está detrás del sello local BYM y su ansiosa mirada por la música, contagia. Les presentamos a Ignacio Rodríguez. Él es parte de una generación que quiere hacer las cosas a su manera. Aunque tenga que ser a mano. Por Fernando Mujica Fotografía * Ignacio Gálvez
lo hacen todas las bandas, yo estaré a la cabeza, pero somos un equipo”. Así se transformó oficialmente en BYM, una compañía discográfica que, cómo se hacía antiguamente, edita su repertorio en compacto y vinilo. “Queremos abrirnos a la descarga, pero siempre debe haber un apoyo físico real. Lo que no quiero es que sea sólo algo virtual, eso no me lo creo. Pierde peso como trabajo. Debe ser tangible, a mi juicio. Como compañía debes tener una línea editorial y nosotros vamos por la sicodelia y la experimentación, pero con los limites muy claros”. Con sus últimas producciones todavía bajo el brazo, un vaso de jugo servido y sin probar, exclama: “Este semestre hemos tenido cinco lanzamientos, ¡ha sido una bomba!” y ríe con la complicidad de un apasionado por su locura.
Lo primero que hace Ignacio Rodriguez antes de sentarse en un café de Providencia, es mostrarme como trofeo los nuevos títulos de su sello BYM. “Éste lo terminé hoy. Como sabía que nos veríamos quería dejarte al día con todo lo más nuevo”. Ignacio tiene apenas 24 años, ya es parte del negocio local y es uno de los responsables de que en Chile se vuelvan a prensar vinilos. “¡Es que míralos, es otra cosa! No tengo problemas con los otros formatos. Con lo digital, con los CDs; pero prefiero los vinilos”, asienta con gran interés. Su pasión por la música llega con sus primeros pasos: “Siempre he estado relacionado con esto, mi mamá ha trabajado en los conciertos desde hace mucho. He visto esto toda la vida”. Su madre es Beatriz Guiñez de DG Medios y su padre, Arturo Rodríguez, tiene una larga y respetada trayectoria. “Mi viejo además tocaba. Tengo recuerdos de muy chico. Música por todas partes. Imposible haberme dedicado a otra cosa”.
El disco es cultura
Como el mejor de los artesanos, optó por el prensaje. Suena revolucionario, pero su idea fue traer el sistema hasta acá y ocuparse personalmente de cada uno de sus títulos. “No es algo como importar una cafetera y tirarse a producir. No, esto es mucho más complejo. El Cote, un amigo que tocaba en Compiuters, estaba interesado en el tema. Trajimos la máquina a Chile y yo fui a Alemania a perfeccionarme para aprender a usarla, porque es compleja y hay que bancársela”. Para Ignacio, el salto de la autogestión vino tras un tiempo largo de relacionarse con la música. “Estudié Sonido en el DUOC, pero creo que no están los tiempos para hacerlo cinco años. Ahora los conocimientos los tomas en el ruedo”, afirma con la seguridad de cualquier cuarentón experimentado. “Terminé la carrera y me convertí en el sonidista de los Compiuters. Grabé con los Ganjas e hice cosas para mi sello. Al primer año de carrera ya estaba perillando”.
Para Ignacio, su razón de ser hoy tiene que ver con un universo paralelo en el que el artista graba una canción, prensa algunos pocos singles y si funciona eso hay opciones de mini álbumes o larga duraciones. “En Chile hay gente que edita discos, como los de Río Bueno. Ayudaron a Gepe, Volodia y a varios. Pero a mi me satisface más el manufacturar los vinilos acá en vez de mandarlos a hacer a otra parte. Nosotros somos los únicos que estamos prensando acá, eso es algo comprobado 100%”, dice con orgullo.
La vida de este busca talentos no sólo se centraría en el trabajar para otros. “No, yo siempre toqué. Siempre tuve lo mío. Tocaba mucho pero nunca tuve algún proyecto serio. A cargo de la batería y full shoegazer. Debe haber grabaciones por ahí incluso”. Eso y su estrecha relación con amigos de gustos afines terminarían por transformarse en algo sólido, una micro empresa. “Mi primera banda fue La Hell Gang, en el 2008. Mi hermano estaba en Follakzoid y luego se sumó un amigo de The Cindy Sisters y la armamos de una. Además, ya conocía a los Watch Out y había estado involucrado en el primer disco de Vuélvete loca”. Así, y casi como una comunidad, esta nueva sicodelia chilena comenzaba a escribir un capítulo en el que Rodríguez tenía mucho de responsabilidad. “Estaba con toda la energía en ese minuto. Imagínate, eran tres proyectos al mismo tiempo. La hicimos corta y agrupamos todo como Blow Your Mind. El sello
Ya hace varios años que la prensa viene publicando artículos del revival del uso de los discos de acetato en Chile, formato que siempre ha estado, pero que hoy, con el desgaste de la industria musical, pareciera instalarse con más fuerza. “En lo que he hecho, hay sellos que admiro mucho. Ve lo que hace Jack White de los White Stripes. Tiene ese proyecto que me alucina: Third Man Records. Autogestión increíble. Debe tener buenas espaldas para armar todo eso. Ellos tienen su propio estudio, sacan todo en vinilo. Son consecuentes con lo que piensan”, dice con respeto y luego continúa: “Obvio que Matador, Sub Pop y Creation, con sus catálogos interminables, han sido una gran influencia también. Son los gigantes de lo indie. La hicieron muy bien. Desarrollaron proyectos y supieron cómo resolverlos”.
Y antes de partir a buscar máquinas y especialización en Europa, el diseño de su proceder estaba claro. “Lo visualicé y ya es una realidad. De hecho tengo planes de tirarme con una fábrica como en Brasil, aunque no creo que sea algo tan industrial”. Así como el lema que dejaron los vinilos prensados en Chile hace tres décadas, la frase ‘El Disco es Cultura’ vuelve a sentirse al dialogar con el cerebro de BYM. “Es alucinante el proceso. Hacer un vinilo depende mucho de la música. Cada disco que saco es un master, porque no se prensan en cantidades, los hago por unidades. El diamante corta los surcos uno por uno”. Un sistema que lo obliga a tener un stock cuya grabación puede venir de CD, cassette o cinta. “El de La Hell Gang, por ejemplo, fue romántico y análogo en su totalidad. No se tocó nada digital” y su mirada se pierde como si se tratara de un desafío a los demás. Rodríguez tiene logros y metas. Una vida singular, próspera y que pareciera ir contra la corriente. “Pero si es lógico, ¿para qué desgastarse? Vas de a poco. Lo ideal para las carátulas es la serigrafía, así no mandas a imprimir cientos de tapas”. Y vuelve a calmar su ansioso discurso: “Hay mucho que hacer, pero tampoco es que me quiera estresar. También me interesa estar tranquilo mirando como el viento mueve los árboles”.
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C-FUNK
E S T I LO I N T E R NAC I O NA L En San Francisco, Estados Unidos, C-Funk está viviendo su propia lectura de lo que significa internacionalizarse. Una interpretación personal que opta por abrirse camino a través de méritos propios, más que buscar el sueño americano creado por la mañosa y obsoleta industria discográfica.
Por Andrés Panes Fotografía * Ignacio Galvez
Cristián Moraga, C-Funk para el mundo, saca su celular apenas termina la entrevista, para mostrar unos videos, grabados por él, que registran una escena envidiable. Decenas de personas en una playa, bailando al sazonado ritmo de un ensamble multitudinario y cosmopolita de músicos que parecen estar pasándolo casi mejor que su público. “Se llaman Bayonics”, comenta. “Son increíbles. El vocalista se está quedando ciego, pero tiene una onda impresionante. Míralo”. En efecto, el grupo transmite la idea de que caer en su influjo y mover el cuerpo son las únicas opciones posibles mientras ellos estén sobre el escenario.
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Según C-Funk, las bandas en California, donde vive hace cinco años, son distintas a las nacionales. “La diferencia está en que ellos no le dan color”, resume, mientras aprovecha de recomendar a The Park, otro de los conjuntos con los que ha entablado amistad y admiración durante su residencia en San Francisco. “Tengo mil historias. Cuando voy a Oakland, a veces toco bajo con Flipsyde, que hacen rap y lo mezclan con varios estilos más, y que ensayan en la misma sala de Testament, los metaleros. Ellos nos prestan sus equipos, con su logo, para que los usemos y nadie se hace problemas. Lo mismo pasó la vez que teloneamos con mi banda (Joya) a Raphael Saadiq en el auditorio Fillmore y él nos pasó sus instrumentos”, cuenta. Llegar a tocar en aquel histórico recinto (un ícono de la contracultura en los sesenta), donde los únicos chilenos que se habían presentado antes eran La Ley, destaca entre los logros más importantes de la reseteada trayectoria del guitarrista y cantante. “Allá me va bien, pero claro que no al nivel de acá. Allá soy un artista de pocos años, acá tengo casi veinte. Sin embargo, ya me he hecho un nombre en el medio local de San Francisco, todos los músicos me conocen a mí y a mis colegas, al (bajista) Chicho y al (batero, ex Los Tetas) Pepino. Saben que nosotros somos un grupo de latin funk. Les gusta, cuando nos ven en vivo disfrutan, bailan”, contextualiza Moraga. Su carrera, iniciada en los noventa como miembro de Los Tetas y en plena actividad solista desde su debut en 2006 con el disco Joya, recibió en el extranjero la oxigenación que necesitaba. “Antes de irme, nadie me estaba llamando para tocar, porque pensaban que cobraba muy caro”, confiesa. En Estados Unidos, además de renovar su stock de amigos, audiencia y colaboradores, el chileno ha podido afinar su sentido del funk, la música que toca y la filosofía que pregona. “Con todo el respeto
reporte estudio
que le tengo a Chancho en Piedra, la gente aquí los considera un grupo funk y yo no estoy de acuerdo. Ellos mezclan funk con rock, como los Chili Peppers, que en Estados Unidos son un grupo de rock. El funk es algo negro, del ghetto, donde están los huevones vacilando a todo ritmo. En Chile lo ven como algo más relacionado a la onda que al sonido. Dicen, ‘si me visto así o asá, listo, soy funk’ en vez de investigar sobre las bandas que dieron origen al movimiento”, afirma. “Lo digo con respeto y con cariño, porque adoro a mi público y porque yo mismo, cuando empecé, confundía las cosas en mi búsqueda porque no entendía bien el estilo”. “Ahora no sólo hago funk”, aclara. “En Estados Unidos volví a ser sesionista, acompañante, y a tocar de todo; algo que me encanta. Allá no pasan a los desafinados porque hay muchos tipos secos. El nivel es súper alto, están acostumbrados a eso y no aceptan nada inferior. Hay una cultura, eso los hace la potencia musical que son. Igual viniendo acá he notado que las cosas están creciendo. Hay artistas tremendos, todas las nuevas generaciones, los pendejos”. ¿Pendejos? Moraga ya no es el colegial de pelo teñido que conocimos en Los Tetas: ahora tiene canas. “Aunque no trabajo de lunes a viernes en una empresa, preocupado de los números, estoy más viejo. Llevo hartos años en esto”. Justamente, de oficio y manejo se trata el próximo material de CFunk. También de saber qué se busca y cómo conseguirlo. “Estoy trabajando en un epé, llevo el setenta por ciento avanzado. Después vendrá un disco. He tomado este momento de forma diferente, más relajado y tranquilo. Antes, con Joya, estaba nervioso porque era mi debut solo”, explica. “Los coros de los temas nuevos son más fáciles, en vivo los cantaron al tiro en el show que di en Amanda. Igual yo soy un convencido de que, cuando uno dice ‘hagamos un hit’, las canciones no funcionan bien. Cada vez que lo he intentado,
ha salido algo muy penca. Decidí abandonar esas intenciones en 1999, en el tiempo en que todavía estaba con Los Tetas. Además, es todo muy subjetivo. Lo que para mí puede parecer un éxito, para ti puede que no lo sea”. “Yo estoy haciendo la música que me gusta y tal como me nace, la única diferencia es que ahora estoy cantando más en inglés, pero no lo hago porque me crea la raja, sino porque vivo en un país donde hablo y pienso en ese idioma. He traducido varias letras de Los Tetas y mías porque necesito que las personas de allá también me comprendan”, comenta Moraga. “Tengo muchísimas canciones para el segundo álbum y todas me gustan”, adelanta, “no me es tan difícil componer, grabar, mezclar y armar. Lo que me cuesta es quedar convencido de que suena rico, porque voy a sacar temas pensados en cosas como bailar, pololearse a una minita en el verano, estar cómodo en la casa o salir a caminar con el iPod”. “Aunque siempre me lo preguntan, la verdad es que no siento que haya pasado tanto tiempo desde la edición de Joya hasta ahora. Pero el mercado está tan cambiado que eso de los discos, como formato, ya no me atrae mucho. Sólo son una muestra. A veces pienso que sería mejor sacar un sencillo cada dos meses. Eso sí, no creo en los sellos y le tengo muy poca fe a las radios. Me gusta la idea del DJ que va y pone lo que le gusta, no así la reunión con el ejecutivo para pedirle favores y que me diga ‘mejor cambia el single’. ¡Tapa! Si te gusta, bien. Y si no, filo. Si estás en el juego de la discográfica, te ponen plata y alguien hace lobby por ti, todo bien, pero yo no quiero lidiar con eso. A la gente le va a llegar igual lo que hago. La música es mucho más poderosa de lo que la industria cree”.
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entrevista
ADRIANIGUAL CAMINO AL ÉXITO Por Luis Felipe Fuentealba Fotografía * Wladimir Rojas
Lo que para Diego Adrián e Ignacio Aedo comenzó como una frase improvisada para nombrar su último álbum, se ha ido transformando en un proceso que podría terminar siendo realidad. Hace no mucho, ambos pensaban en su nuevo trabajo y buscaban conceptos o palabras al azar que luego desembocaron en una lluvia de ideas e incoherencias, dando como resultado final un título que poco tiene de humilde: Éxito Mundial. Un nombre positivista y contradictorio a la hora de escuchar su contenido, cargado de una crítica social propia de las grandes metrópolis consumistas. El disco, que ya vio la luz en su versión digital, acaba de ser editado en formato físico y representa uno de los pasos más importantes de un largo camino. Uno que comenzó hace no muchos años atrás y que, curiosamente, parece conectarse a momentos plagados de situaciones extrañas, instantes de colapso y episodios de buena suerte. El inicio es común y corriente, como el de la gran mayoría de los grupos. Diego lo refleja en su relato, de la misma forma que contaría cualquier acontecimiento de su vida: “Todo parte con un demo de cinco temas que grabé -Demostración (2005)-. Hice que Nacho lo escuchara porque necesitaba a alguien para tocar en vivo. Dos años después, el proyecto tomó ritmo y sacamos nuestro primer elepé -Baila Baila Canta (Edición independiente, 2007)-, donde integramos a Gonzalo Vargas para que nos ayudara en nuestras presentaciones. Él se salió cuando estábamos en el proceso del segundo álbum. Pero no por mala onda, sólo porque se fue del país”. Este sereno comienzo se topa con un primer traspié: a finales de 2009 deciden parar y no se suben a un escenario en casi un año. Sentirse estancados, sin ver resultados en lo hecho y con la impresión de haber agotado todos los recursos fueron las razones del porqué. Así pasan meses sin ser Adrianigual. Pero ésta fue una época que sirvió para otras cosas: nuevos trabajos, ideas musicales, pensar en qué estuvo mal y repasar los detalles a mejorar. Ignacio siguió ligado a la música tocando con Teleradio Donoso y Odisea, mientras que Diego, por su parte, no dejó de componer, con el deseo de volver algún día. El tiempo sirvió para tomar la decisión. “Mi mayor preocupación, cuando volvimos con Nacho, era que no pasara lo mismo que antes: parar por agotamiento y por no tener qué más hacer. Había que profesionalizar la banda para tocar en locales buenos y donde todo funcionara. Hasta el momento, todo va dependiendo de la promoción que hacemos. No quiero regresar a los bares chicos con mal sonido. Eso lo hemos mejorado y se ha reflejado en nuestro éxito. Por el momento, la publicidad y difusión son nuestra prioridad”. Pero el camino también tiene altos que compensan los momentos bajos. Uno de estos es la oportunidad de contar con la experiencia de Alex Anwandter, quien ayuda al dúo en la producción musical desde hace ya un
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Buenos y malos momentos, hechos inesperados y pequeñas jugarretas del destino ensalzan la historia de dos amigos que ven en la música pop algo más que las típicas frases clichés. Simples, extravagantes y directos, pasaron de ser un grupo emergente a una de las grandes apuestas de la escena nacional del 2011.
buen tiempo. Otro acierto ha sido el entrar a las filas del sello Cazador, lo que Diego ve como un refuerzo al trabajo que hacen. “Veníamos hablando con ellos hace mucho tiempo atrás; como del 2008. En ese entonces todavía no terminábamos el disco, no teníamos qué ofrecer y decidimos esperar. Cuando ya estaba listo ingresamos. Vivimos toda la evolución con ellos. Tuvimos contacto en sus comienzos y ahora somos parte de él. Que pasaran varios años desde eso, nos convenció de que es un proyecto serio y confiable”.
Éxito Mundial, por otro lado, es una placa en donde las canciones hablan sobre la vida en la cuidad y cómo ésta gana espacios sobre la naturaleza. Temáticas que giran en un disco que mezcla los ritmos bailables con contenidos que hacen referencia a las drogas, los vicios, la evolución y la destrucción urbana. Un conjunto de ideas que hablan de vivir en una urbe como Santiago, la misma que recorren a diario y que en un momento de sus carreras les jugó una mala pasada por no tener más espacios para tocar. Todo fusionado con electro, punk y pop, que dan la esencia al grupo. Diego lo ve así: “Los problemas están en todas las cosas, como en el dinero y en una serie de intereses innecesarios que nos mueven día a día. Es crítica social. No nos gusta hacer canciones de amor, las típicas frases cursis del indie pop que tratan de cosas del corazón. Es música que llega fácil a la gente, que se baila. Poner letras con sentido me pareció una buena oportunidad de decir algo, aunque no produzca ningún cambio. Es sólo la intención de cantar lo que pienso, nada más”. En la actualidad, la historia del dúo tiene un punto transversal con tintes de flahsback. Ésta tiene nombre y apellido: ‘La Mística Espiral’, una canción -de Baila Baila Canta- que llama la atención de muchos, no sólo en Chile; también ha sonado en lugares tan recónditos como Filipinas o Estonia. Estados Unidos se suma a la lista. “Hasta el día de hoy nos piden el tema, siguen pelando el cable con él. Hace poco lo mandamos para un nuevo programa del MTV Tr3s . Nos llamaron harto de México y dimos algunas entrevistas. Es un clip viejo del 2007. No sabemos cómo lo encontraron, pero gracias a eso nos conocen”, dice Diego, que con una sonrisa y cara de asombro cuenta que éste será parte del CD promocional de la Conferencia de Música Latina Alternativa (LAMC), una gran oportunidad que podría abrir puertas en el mercado internacional. Curiosa casualidad o cosas del destino, cualquiera de las dos es acorde al estilo de Adrianigual, banda que se siente parte de un género pero a la vez se ve distinta, según su vocalista: ”Representamos a una tradición, no somos los primeros. Quizás otros se quejan de puras tonteras, qué se yo… Nos da lo mismo eso. Tratamos de ser auténticos, buscar una vía diferente, pero sabemos que estamos dentro de un conjunto: el pop”.
discos
ELEONOR FRIEDBERG
Last Summer (Merge Records)
Luego de una intensa y muy prolífica carrera con The Fiery Furnaces, donde compartía escenario con su h hermano, E Eleal nor Friedberg decidió dar un paso adelante y comenzar una carrera como solista. Acá, la artista oriunda de Illinois se pasea por tempos acelerados y melodías bastante precipitadas, que hacen contraste con su personal -y bastante melancólico- timbre de voz. En esta ocasión no hay máscaras de por medio, no hay temores y no hay escapismos. Cada una de las canciones que contiene Last Summer son una oda a los demonios internos, a esos que desean ser liberados, pero no sin antes ser bien golpeados. La oscuridad en esta placa es tan negra como la noche. Por suerte para nosotros, cada ocho o diez minutos se asoma una estrella, que hace brillar el lugar para no sentirnos tan desolados. Diego Huenchur www.eleanorfriedberger.com
Brookes Brothers
The Caretaker
Brian Eno/Rick Holland
Lewis Parker
Brookes Brothers (Breakbeat Kaos)
An Empty Bliss Beyond This World (History Always Favours the Winners)
Drums Between The Bells (Warp)
Dangerous Adventures (Dusty Vinyl/Kingunderground)
El dubstep está, hace unos años, ganando popularidad y el debut de Dan y Phil Brookes nos muestra algunas razones para que esto suceda. Una placa limpia, bien trabajada, con mucho de Funk y Pop. Abre ‘Beautiful’ -el single del disco- con una intro tranquila de 1:40 min., que es la antesala de la energía que poseen estos estilos. Los momentos altos van de la mano de ‘Good Burger’, ‘Tear You Down’ y ‘The Big Blue’. Con una fuerte dosis de acordes y voces. ‘Souvenir’ es la canción que más se agradece dentro de este disco. Un regreso al Jungle, donde todo comenzó. ‘Corpse Bride’. ‘DayBreak’ e ‘In Your Eyes’ son los temas no bailables de este álbum que, con exquisita musicalidad, se pasean por estados distintos a la euforia que impera en el resto de la colección. Un excelente comienzo para un dúo que tiene todas las de ganar. Juan Francisco Guzmán
La escena que aparece instantáneamente al oír este disco es aquella de El Resplandor en la que Jack Nicholson se encuentra en la barra del bar con un camarero imaginario, quien lo traslada a otras épocas. Precisamente sobre los recuerdos trata esta obra extraña y encantadora, pues Leyland Kirby se dedicó a investigar cómo los pacientes con Alzheimer sí tienen el recuerdo de la música que oyeron años atrás. Hurgueteando en su colección de discos viejos, el inglés pasea en el tiempo usando samplers, pianos desafinados, orquestas espectrales y silencios inquietantes que se entrelazan para hacer de todo esto una experiencia fascinante más allá de lo musical. El gusto por lo pasado se huele en pistas de baile abandonadas, vitrolas desgastadas, reliquias oxidadas y recuerdos que son los últimos que quedan en mentes que abandonan de a poco la vida. Rodrigo Salinas
Después de unirse a Warp y lanzar el año pasado el genial Small Craft on a Milk Sea, parece ser que la capacidad creativa del ex Roxy Music está entrando en una nueva etapa de fertilidad, poniendo ahora sobre la mesa el interesante ejercicio que significa Drums Between The Bells, un álbum doble en donde su música acompaña y envuelve las letras del poeta Rick Holland, leídas por diferentes cantantes y personajes. No podemos pedirle a una de las mentes más innovadoras del siglo pasado que se dedique hoy a editar trabajos cómodos y tradicionales. Nunca ha sido lo suyo y menos ahora, cuando la historia comienza a reconocerlo como un gran generador cultural. Y es ahí entonces donde Drums... cobra mayor sentido y oportunidad; cuando se entiende como una obra completa que va mucho más allá que un simple disco de música. Martín De Mussy
El más Americano de los beatmakers de Inglaterra, y probablemente el más ecléctico, vuelve para subir su propia vara luego del Exquisito International Summers (Proyect Mooncircle/HHV, 2010). En esta pasada deja dos joyas de antología con olor a clásico absoluto: ‘Big Impact’, en la que se gasta la mayor parte del presupuesto destinado a las colaboraciones -Sav Kills, Killa Sha, John Robinson & T.R.A.C- y donde rebalsa precisión y elegancia en cada uno de los muestreos. La otra es la que bautiza el álbum y sigue la misma línea de samples orquestados y amplias instrumentalizaciones a modo de cuna para el agil flow de Planet Asia, entre otros. Tiempo atrás, el propio T.R.A.C en una entrevista se refirió a Parker llamándolo el Scorsesse del rap. A decir de este disco, algo de acierto tuvo con la honorable comparación. Miguel Angel Castro
myspace.com/brookesbrothers
www.brainwashed/wm.com
www.brian-eno.net/drums-between-the-bells.com
myspace.com/lewisparker
FUCKED UP
Destry
High Llamas
Portugal The Man
David comes to life (Matador )
Waiting On An Island (Independiente)
Talahomi Way (Drag city)
In the mountain in the cloud (Atlantic Records)
Para reventar paredes y tímpanos llega la propuesta de Fucked Up y su tercer trabajo de estudio, David Comes To Life, de 18 temas llenos de frenesí en clave hardcore-punk. El álbum es potencia pura y no da descansos, pero esto no es sinónimo de monotonía o de repetición de fórmulas, porque estos canadienses se las arreglan para viajar por distintas capas del rock, tal como se aprecia en ‘Let Her Rest’, ‘The Other Shoe’ y ‘Remember My Name’. Aunque tal vez hay momentos en que la imponente voz de Damián Abraham (Pink Eyes) se vuelve predecible. Un ejemplo que podrían replicar es ‘Turn the Season’, que incluye coros femeninos que le dan un respiro a la exigida garganta del intérprete. Este disco no está hecho para ser digerido fácilmente, pero precisamente por esto no deja indiferente, pues sirve para sacudir neuronas. Andrés Venegas
Encabezados por Michelle DaRosa, ex Straylight Run, los oriundos de Boston se lanzan nuevamente al vacío con un álbum de estudio sin sello discográfico de por medio. Al parecer, la confianza es algo que se ha llevado bien en la corta, pero intensa carrera de Destry. Con su segunda placa de estudio, titulada Waiting On An Island, el a veces cuarteto y a veces dúo intenta romper los esquemas del pop tradicional, agregando a la mezcla toques de soul y pequeños viajes al pasado sonoro. Juegos de voces, guitarras bien ejecutadas y arreglos para nada pomposos son la tónica preliminar de esta muestra. Ojo con ‘Don’t Break My Heart’, ‘Into the Rain’ y ‘Stand Where You Stand’. Un trabajo donde la sencillez es un arma que cala hondo y funciona perfecto en su cometido, tal como un bisturí de cirujano. Nada ostentoso, pero bastante efectivo y certero.
‘Allá, donde todo es orden y belleza. Lujo, calma y voluptuosidad’, escribía Baudelaire y tal parece ser la mejor descripción para la música plácida y sofisticada de este nuevo High Llamas, que se adentra una vez más en los placeres distendidos y elegantes del easy listening de los años cincuentas y sesentas. El jazz y la bossa nova proveen el ritmo y los acordes para una travesía de ensueño por la costa azul del mediterráneo, con Anna Karina, la musa de Jean Luc Goddard, recostada en la proa, bajo un cielo radiante y sobre un mar calipso. El mundo exótico de Sean O’Hagan y compañía es amplio y apto para la indolencia y la recreación, para beber una copa sin preocupaciones y con estilo. Talahomi Way es un destilado intenso de pop perfecto hecho con amor y clase. A estas alturas, Brian Wilson ya debería empezar a ponerse celoso.
Los colores, la psicodelia y el coqueteo con el rock es algo que en algún momento perdió Portugal The Man. Pero en esta nueva placa nos devuelven la esperanza y en ciertos tracks logran retomar el camino perdido sin dejar de lado su cara mas pop. El sexto trabajo de estudio de este grupo es un grito que dice: “aun estamos acá y seguimos buscando como sorprenderlos”. Claramente cuesta recobrar la luminocidad que nos entregaron en sus dos primeros discos,. Sin embargo, en esta entrega aparecen nuevas formas, buenas atmósferas y delicados coros que a veces se van hacia el trip hop, mezclados con el soul y otras consiguen equilibrar el pop y el rock sin sonar asquerosamente comerciales. John Baldwin y compañía recuperan el desgarro, la experimentación y la belleza, en pequeñas dosis, pero concentradas. Martin Manriquez
Diego Huenchur
Rodolfo García
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DEEPCHORD
Hash-Bar Loops (Soma Recordings, 2011) Una prolongada estadía en Amsterdam es la inspiración tras Hash-Bar Loops, el nuevo trabajo de Rod Modell, uno de los productores más emblemáticos de la electrónica de Detroit, con sus proyectos DeepChord y Echospace. Entre los 12 tracks que componen el álbum, es muy fácil perderse en una especie de letargo noctámbulo dictado por la atmósfera única de Modell. El dub, la ambientación y el techno más espeso son usados para retratar de manera surrealista y narcótica la experiencia de una capital holandesa deshinibida y misteriosa. La vida nocturna expresada en el hachís, el barrio rojo y los oscuros canales fluviales de la ciudad, los cuales son protagonistas en temas cómo ‘Black Cavendish’, ‘City Centre’ y ‘Sofitel’. Un disco hecho para escuchar de noche y sentir el espíritu urbano. Apagar las luces, soplar humo y cerrar los ojos. Gabriel Reyes www.soma20.tv/deepchord-hash-bar-loops
PATRICK WOLF
THE HORRORS
PLANNINGTOROCK
CHEER ACCIDENT
Lupercalia (Mercury)
Skying (XL Recordings)
W (DFA)
No Ifs, Ands or Dogs (Cuneiform)
Patrick Wolf no le hace el asco al pop en ninguna de sus fórmulas. En Lupercalia, su cuarto álbum, retoma la senda de la ambigüedad sexual, el eclecticismo de cámara y los arreglos barrocos para lograr canciones que hablan brillantemente y con alguna autenticidad sobre el amor y las relaciones perdidas. Eso sí, para construir este nuevo trabajo, el de Londres tomó sin vergüenza algunos referentes de peso que de seguro le nutrieron de buenas ideas y algo más, ya que al terminar la fiesta de este excelente nuevo trabajo deWolf, lo que queda resonando en la cabeza es algo así como una cruza entre el clásico Paris 1919 (Reprise, 1973) de John Cale y la gracia plástica y ochentera de Orchestral Manoeuvers In The Dark. No se puede negar que al menos ese es un buen logro. Martín De Mussy
Lejos, muy lejos quedó el punk. Mas aún la violencia y rebeldía simplemente porque sí. Ya en Primary Colours (XL Recordings, 2009) se notó evolución, pero aún se mantenían viejas estructuras. Hoy abrazan otras melodías y temáticas, que hacen de este disco “aquella” tercera placa. La que es buena, después de una segunda de experimentación. El disco parte con ‘Changing the Rain’, donde se nota el uso de secuencias y sonidos filtrados, además del uso de drones y guitarras bañadas en reverberación. ¡Shoegaze y Psycodelia, señores! Temas como ‘I Can See Through You’, ‘Monica Gems’ y ‘Dive In’, nos muestran el lado soleado y rítmico de este álbum. Todas las demás piezas son una mezcla entre Echo and the Bunnymen, Cocteau Twins y Peter Murphy. Quizás el mejor disco de la banda. Juan Francisco Guzmán
La excéntrica músico y artista audiovisual británica Janine Rostron lanzó su primer elepé, Have it All (Chicks On Speed, 2006), hace cinco años; pero se hizo conocida al colaborar con los maestros suecos The Knife y con Mt. Sims en la ambiciosa ópera indie Tomorrow In A Year (Rabid, 2010). W es su segundo largaduración y, sin duda, su mejor obra hasta la fecha. Si antes se le reconocía más por su registro vocal operático, en este álbum toma un rol igualmente dramático, pero adhiriendo a la fórmula una producción más refinada y una mezcla más arriesgada de experimentación sinfónica y synth pop extravagante. El notable single ‘Doorway’ suena misterioso y estimulante, mientras que el pop retro de ‘Living It Out’ te invita a una pista de baile donde música y performance se fusionan. PlanningToRock es una artista viviendo su propio sueño. Gabriel Reyes
La banda liderada por Thymme Jones vuelve a sorprendernos con un disco excepcional. Sin salirse del parámetro del rock bizarro, lleno de contratiempos y coros desquiciados, estos seniors de Chicago entregan una nueva versión de sí mismos con una obra digna de estar en cualquier reproductor musical. No existe la estrofa clara ni el coro entrañable, acá lo importante es la estructura que sirve para rememorar momentos traumáticos y pesadillas. Veinte años ya llevan en escena, metiendo bulla y causando taquicardias. Por lo mismo, en su disco número 21, se muestran más seguros en realizar esta alocada apuesta musical. Con canciones de nombres graciosos como ‘Cynical Girl’, ‘Trial of Error’ o ‘Salad Dies’, nos demuestran un constante coqueteo con un sentido del humor ácido e incoherente, pero al mismo tiempo cotidiano y crítico.
myspace.com/patrickwolf
www.thehorrors.co.uk
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myspace.com/cheeraccident
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Jorge Rubio
discos
WIZ KHALIFA
The Dream MIixtape
¿Qué tiene de particular y reseñable la última -dentro de tantas- de las mixtapes que llevan el nombre b d de Wi W Wiz Kh K Khalifa h lif en la portada? En honor a la verdad, no mucho; sin perder el que sean un gran grupo de canciones, mezcladas y armadas con maestría. Lo notable es la forma en que el de Pennsylvania está vislumbrando y construyendo sin descanso una nueva manera de entender la producción musical, la cual deja en evidencia el cómo los formatos y las canciones mutan y se afectan recíprocamente. Mas que un refrito, The Dream es una lección de negocios, que agrega material a las decenas de virales en Youtube, fumeteríos con los fans, suvenires varios y otra serie de estrategias que continúan trabajando en silencio y sin cesar. Si es que algún día las canciones fuesen principalmente códigos -si es que ya no lo son-, Wiz Khalifa tendría mucho que decir. Miguel Angel Castro www.wizkhalifa.com
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MOSTRO
BATTLES
Libre Para Regurgitar la Intemperie (Quemasucabeza)
Gloss Drop (Warp)
El dúo de Los Andes, integrado por los hermanos Reinoso, esgrime su tercer disco en diez años de existencia, propagando una electrónica primitiva e infecciosa de carácter sicótico. Con una obsesión por la matemática y las texturas densas, éste se presenta como un disco sólido y enigmático. Temas como ‘D’ evocan una rave distorsionada, donde se nota la influencia de Silver Apples y Trans Am. Otros, como ‘G’, pasan de lo lúdico a lo enfermizo, de la euforia a la paranoia y viceversa. Con instrumentos simples procesados con efectos en tiempo real, Mostro demuestra ser una de las apuestas más interesantes de la escena local, más cerca del ruidismo que del indie rock capitalino. Desafiante y avantgarde, este disco es como una noche de pánico y locura en ácido, en medio de un club de house music. Delirium tremens para las masas. Rodolfo García
Battles vuelve a la carga y esta vez en tonos bailables, más digeribles y menos extravagantes. Ya no está el elemento que le daba la experimentación y los contratiempos. Éste era el guitarrista Tyondai Braxton, quien se retiró de la banda en búsqueda de nuevas aspiraciones artísticas. Sin embargo, Ian Williams -ex Don Caballero- y Dave Konopka -ex Lynx-, continuaron con la senda. En realidad, no es un disco que esté muy cercano al rock matemático que solían hacer y puede que no haya demasiada originalidad de por medio, pero lo destacable es que de alguna manera la esencia no se ha perdido. ‘Ice Cream’ es el tema que más llama la atención, con un loop interesante, además de la participación de Matías Aguayo. Una obra que no rescata el sonido anterior, pero que mantiene en boga a Battles como una de las bandas más entretenidas de la zona sónica.
www.quemasucabeza.com
myspace.com/battlestheband
TOM MORELLO
THE GLITCH MOB
Union Town (New West Records)
We can make the world stop (Glass Air)
El guitarrista de Rage Against The Machine reaparece en la escena musical con este nuevo EP en solitario. Mezclas de rock, folk y country al más puro estilo norteamericano son los sonidos que dan forma a este disco que -como cada trabajo en el cual Morello está presente- destaca por la inigualable guitarra cargada de riffs, delays, wah wah’s y efectos varios, los que ya son una marca registrada del músico. En velocidades de rock acústico -‘Union Town’- o en baladas bluseras -‘Tons’-, el disco deja el ya clásico espacio para relacionar al ex Audioslave con artistas como Bob Dylan y Bruce Springsteen. Eso sí, independiente de cualquier comparación, Morello sigue en lo suyo: el discurso político. Letras con fuerte referencia a lo social transforman a Union Town en una obra de autor, donde el mensaje y la música son uno. Luis Felipe Fuentealba
Después de su disco debut - Drink the Sea (Glass Air, 2010)- y unos buenos remixes, el trío del sur de california nos presenta un EP que continúa con el sonido gigantesco y sucio en quince distorsionados pero disfrutables minutos. ‘We can make the World Stop’ sorprende con una melodía recordable a cargo de muchos samples trabajados con maestría. ‘Warrior Concerto’ es un tema de combustión lenta, que se resuelve en un coro poderoso. ‘Palace of the Innocents’, al final, es el encargado de cerrar esta fiesta con una dosis de tranquilidad entre arpegios distorsionados y una batería de compleja manufactura, donde además destaca el uso de efectos que a ratos recuerdan el Windowlicker (Warp, 1999) de Aphex twin. Un trabajo que es, a su vez, un buen augurio para esta agrupación, que poco a poco consolida más su sonido. Juan Francisco Guzmán
myspace.com/thenightwatchman
www.theglitchmob.com
Jorge Rubio
DJ RAFF
Collage Binario (Mutante Discos) Probablemente haya pocos discos con nombres tan acertados como la nueva entrega del multifacético DJ Raff. Su trabajo es, efectivamente, un collage lleno de sonoridades que viene cultivando hace algún tiempo y que, luego de su productiva estadía en Barcelona, les ha sacado brillo para armar su última obra, la más vanguardista a la fecha. Poco queda ya del Raff de TTBA o Raffolution y de las tornamesas y beats hiphoperos. Ahora, la idea es poder hacer música con cualquier cosa: desde una consola Wii hasta la reactable que hizo popular Björk. Eso sí, siempre fiel a una estética elegante y futurista. Con Collage Binario, Rafael Pérez encuentra su nuevo rumbo -con el que venía coqueteando desde sus Travelling Parners vol.1 y 2- y se calza su nuevo estatus: el de figura musical a nivel internacional. Aníbal Valenzuela www.ritmonauta.com
EVERY SILVER LINING HAS A CLOUD
COM TRUISE
NAZKA
PEAKING LIGHTS
Every Silver Lining Has A Cloud (Projekt Records)
Galactic Melt (Ghostly International)
Far and Close (BYM Records)
936 (Not Not Fun)
Los franceses de Every Silver Lining Has A Cloud debutan con un álbum colmado de un exquisito, emocional y atmosférico post rock, de ese que nos hace detenernos y pensar en todo lo que nos rodea, sin una visión muy optimista, pero encontrando la belleza en las cosas más simples. Hablar de capas sonoras se hace poco entre las vivas melodías que recorren cada uno de sus diez temas. ‘Against All Odds’, de apacibles sonidos del mar y la poesía de una mujer, es la bienvenida a esta joya. Delicadamente intenso es ‘The Leaden Sky’ y sombrío ‘The Sun Is Already Gone’, donde el cello entrega el nebuloso espíritu a este cuarteto, quienes continúan con el legado post rockero de encontrar el climax en relampagueantes riffs shoegazer, calmados por dulces armonías. Gran acierto del sello Projekt, más ligado al gothic. Cristián Carrasco
Com Truise es uno de los pseudónimos de Seth Haley, quien lleva casi una década cambiando de nombres y estilos. Es así como después de dos EPs bajo este pseudónimo, nos deleita con los sonidos aletargados de su synth-wave retrogaláctico, que podría ser el resultado de un choque violento entre Roxy Music y Boards of Canada. ‘Terminal’ nos empuja hacia el pasado con arpegios y la clásica voz de computadora, dando una bienvenida tan fantasmal como científica. Luego, nos deja a merced de temas como ‘VHS Sex’, ‘Hyperlips’ o ‘Air Cal’. Lentos y eficaces, pero sin caer en el lo-fi (el mismo Haley opina que su música es mid-fi). ‘Brokendate’, ‘Glawio’ y ‘Flightwave’ se encargan de la parte más enérgica del disco, sin dejar nunca de lado los sintes dulces y las baterías ochenteras. Un trabajo melancólico, de una belleza extraña e hipnótica.
La escena nacional suma un nuevo lanzamiento y esta vez, lo hace en manos de los chicos de Nazka y su primera producción: Far and close. El proyecto iniciado a principios de 2010 por KB -vocales, guitarra y composición- y al que luego se incorporan Wambo -bajo-, Orlando -bateria- y Cederosky -sintes y programación-, se transforma en una de las apuestas locales más interesantes del año. Y es que el estilo libre de esta banda permite que cada track alcance una mixtura de sonidos instintivos, suaves y adictivos, con toques de pop, jazz, psicodelia y toda la energía que puede fluir de una verdadera sesión de jam. Un disco experimental, que da espacio a la imaginación gracias al lúdico, y a ratos, esquizófrenico juego de sintetizadores y efectos, sumergiéndonos en una misteriosa, profunda y agradable dimensión. Pamela Palma
Futurismo pop, dub, krautrock y new age se mezclan para dar a luz uno de los proyectos más novedosos de estos últimos meses. Los responsables son Aaron Coyes y Indra Dunis, un matrimonio de San Francisco que crea un sonido sicodélico en sí, pero lo potencia con otros estilos hasta generar una explosión de sensaciones auditivas que sólo es posible encontrar en un bosque nativo o en los ruidos de una urbe en horario peak -de ahí el nombre-. Not not fun es el sello que los acoge desde 2009, cuando arriesgó una versión en cassette de Imaginary Falcons, reeditado este año. Como la mutación del inabarcable sonido de Sun Araw, 936 cumple con todas las características de un disco que a pesar de tener influencias en el underground estadounidense y alemán, prolifera rápidamente en las listas de los mejores discos del 2011.
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Juan Francisco Guzmán
Sofía Villanueva
RICARDO VILLALOBOS & MAX LODERBAUER
WASHED OUT
Re:ECM (ECM Records)
Within and Without (Sub Pop)
De Villalobos y Loderbauer sabíamos que sorprenderían apenas anunciaron que remixarían composiciones originales de artistas como Christian Wallumrød, Arvo Pärt, John Abercrombie, Paul Motian, Louis Sclavis, Arve Henriksen y Alexander Knaifel. El trabajo se escapa de la línea de Villalobos en lo que a minimal y house para pistas de baile se refiere, pues este es un dúo que se potencia en la transformación de la música clásica y el jazz hacia momentos sublimes, con ciertos episodios que parecen recorrer un camino antiguo, mirado con los ojos de un niño. Sin duda, esta reinterpretación del catálogo del sello ECM es elaborada desde la admiración y sin pretenciones, lo cual trae como resultado la reconstrucción, a veces tediosa como la vida, pero también con momentos de gran lucidez y profunda experimentación. Martín Manríquez
El debut en larga duración de Washed Out resulta ser una especie de estructura, donde cada pieza que la compone tiene un lugar bien establecido, con una belleza que radica en los apacibles sonidos electrónicos que rozan delicadamente con el dance. Ernest Greene es el cerebro de este proyecto, el cual cuenta en producción con Ben Allen (Deerhunter y Animal Collective). Si a esto sumamos que el álbum fue lanzado bajo el alero de Sub Pop, no hay mucho que temer. Within and Without, nos entrega nueve atractivos temas, que bien podrían servir como una agradable compañía en un largo viaje, o de fondo en una seductora reunión. La reposada voz de Greene se diluye en los rever, llegando a transformarse en una dulce neblina en cada canción. Todas destacables, pero ‘Echoes’ y ‘Far Away’ tienen la esencia necesaria para ser escuchadas una y otra vez. Cristián Carrasco
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discos perdidos
por Carlos Torrejón
LOVE BATTERY DAYGLO (SUB POP, 1992) El mito cuenta que, de no mediar Geffen Records y Nirvana, hubiera sido Love Battery el grupo destinado al estrellato y a ser la cabeza del movimiento grunge. Pero la historia dijo otra cosa y este disco lleno de sucia potencia punk, medios tiempos y guitarras distorsionas, pasó a un lamentable segundo plano. Dayglo, es un álbum simple, que representa fielmente el sonido de las camisas leñadoras y su furia ante el sistema imperante. Cómo los Sex Pistols en su época, Love Battery deja claro que los que dieron el primer grito fueron ellos.
APRIL’S MOTEL ROOM BLACK14 (EPIC, 1994)
EVELYN CORNEJO
PRISCILLA AHN
Evelyn Cornejo (Sello Azul)
When You Grow Up (Blue Note)
Si bien el arte del cedé junto con las canciones -que incluyen una versión de ‘Versos por la Niña Muerta’- sitúan a Violeta Parra como la madre de todo lo expuesto, Evelyn Cornejo está lejos de ser un simple personaje reproductor de significados. Su uso del lenguaje es algo que llama la atención y aporta frescura dentro de tantas líricas que intentan hablar de la dimensión social y el descontento, últimamente. No existe ninguna cantautora en la actualidad que dispare con tanta gracia y aplomo frases como “No tengo salud, no tengo remedios/ Se llevan el cobre con bajos impuestos” en ‘País de Cobre’ y que en canciones siguientes, como ‘Los Ratones’ hable del amor como un verdadero lamento, crudo y compungido. Son trece temas que juegan como un relato personal y a la vez como una radiografía al estado actual de la sociedad. Javiera Tapia
Sus canciones han sido usadas en spots publicitarios e incluso fue invitada a participar en un disco tributo al maestro Frank Sinatra. Quizás no diga mucho de su sonido, pero sí de su calidad. En When You Grow Up, su segunda placa de estudio, la oriunda de Georgia juega con los matices delicados y perseverantes de su voz, un instrumento que, ejecutado de esta manera, encanta a cualquiera en sólo un par de tracks. Baladas pop, dulces y tiernos arreglos compuestos por piano, ukelele, xilófono y guitarra, más unas líricas que juegan al doble estándar -entre coquetonas e ingenuas-, hacen de Priscilla una de las cantantes más sofisticadas de este año. Sin duda éste es uno de esos discos que, para no pasar desapercibidos, merecen un público dispuesto a darse el tiempo de enternecerse con tonadas de calidad. Diego Huenchur
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Black 14, es el único disco que editaron estos chicos de California. Aquí derrochan calidad y creatividad, con letras inteligentes y melodías rockeras que los emparentan a grupos como Dig, Sugartooth y a los pasajes más fuertes de REM; a pesar de todo esto, no lograron destacar ante una oleada de bandas que apelaban a canciones más digeribles. Lo de April’s Motel Room era un rock más sesudo y profundo, adelantado a su época.
CRITTERS BUGGIN GUEST (LOOSEGROOVE, 1994) Escuchar a Critters Buggin es entrar a un torbellino de sensaciones y espasmos alucinantes. El combo de Seattle, formado a comienzos de los noventa, rompió los esquemas de lo que se entendía como la movida grunge. Compuesto por músicos que en algún momento formaron parte de grupos como Pearl Jam o Satchel, nos entregan en Guest, una cátedra de free y acid jazz, rítmos sincopados y locura ambient. Apadrinados por Stone Gossard como uno de los productores, Guest es definitivamente un disco que debes escuchar.
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audiovisual
LUCIANO RUBIO
Con dinero o sin dinero A las seis de la mañana, un tipo cualquiera se prepara para cantar en pleno paseo Ahumada. Serán pocos los asistentes al show. Y en realidad, basta sólo con que esté una persona para que sea un espectáculo perfecto. El coraje lo tiene, el grito ronco desafinado, también. Y del dolor, mejor no hablar. Para eso está la canción que viene como uno más de los anillos que lleva en sus dedos: ‘Reina Japonesa’ de Fernando Milagros. Lo que sigue, hay que verlo en Youtube. “Trabajar con Luis Dubó -actor chileno de cine y televisión- fue espectacular. La iniciativa que tomó él para interpretar a este personaje, hace que la idea original se asemeje al resultado que obtuvimos”, dice Luciano Rubio, director de 33 años, publicista del Duoc y adicto al portal Cuevana, relatando cómo fue la grabación del último video que ha publicado. Previo a éste, realizó dos clips del disco Audiovisión de Gepe -‘Por la Ventana’ y ‘Un Día Ayer’-. También trabajó con Nano Stern en ‘Necesito una Canción’ y con Dënver en ‘Los Menos’, sólo por nombrar algunos. Todos los ha hecho gracias a la ayuda de Santo -la productora donde participa- y un muy precario presupuesto: “La plata está en otro
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Por Mauricio Aravena Z. Fotografía * Javiera Tapia
lado. El videoclip sigue siendo algo tan personal que lo ocupo como linea curatorial”. La producción previo lo realiza sin consultar al músico. Escucha tantas veces la canción que tiene la independencia para proponer una historia y filmarla con lo que haya. Así ha logrado notoriedad, gracias a su participación en el Festival del Videoclip Chileno y la abultada lista de músicos que completan su obra. “Mis videos son una historia que ocurre en el mismo lugar. Hay recursos como ‘la vuelta de tuerca’, que tienen algunos finales; algo que no me gusta hacer. Prefiero que ocurra una situación, en un espacio determinado y que su narración sea abierta, con una poética simple y un lado naif. Así evito que el clip se coma a la canción”. Actualmente edita ‘Carnaval’, filmado en la Tirana y que corresponde al primer sencillo de San Sebastían, lo nuevo de Fernando Milagros. También prepara el debut de Caravana, el proyecto de Rodrigo Santis, ex Congelador. Pues de Luciano hay para rato, sólo basta darse una vuelta por internet para comprobarlo.
vitrina
COMPROMISO Y TRANSFORMACIÓN La muestra compuesta por una selección de 50 obras de artistas iberoamericanos pone en valor los conceptos de identidad y memoria a través del arte, que sacan a la luz la trascendencia histórica y simbólica de esta colección sociocultural, no sólo por la época en que se genera, sino también por la importancia de los artistas que la componen. Una revisión de procesos históricos que dejan ver los sectores culturales y acontecimientos con los protagonistas de los diferentes hechos, desde la perspectiva de las artes visuales. Una puesta en escena de destacados creadores iberoamericanos de las últimas cuatro décadas del siglo XX: Matilde Pérez, Eusebio Sempere, Josep Grau Garriga, Claudio Tozzi, Julio Le Parc, entre muchos más. La estructura de trabajo usada es en base a tres núcleos, donde se comienza por la transformación del entorno ideal, pasando por el gesto comprometido, para finalizar con el archivo y testimonio. www.mavi.cl
UNDERBALL Sebastián es un artista colombiano que publica sus ilustraciones bajo el nombre de Underball. Con diferentes técnicas, la que más resalta es la del collage. “Creo que la calle es un lugar donde puedo ver muchas emociones, actitudes y sensaciones. Mi trabajo se caracteriza por utilizar rostros femeninos en la mayoría de las pinturas, las cuales son intervenidas por collages fotográficos y trazos de pintura”, indica. www.facebook.com/underball
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EL OFICIO DEL GRABADO Una muestra que reúne a talentosos nombres de las artes visuales marca la reapertura de Galería Blanc, tras una intensa remodelación. Comienza un nuevo período para este espacio y esta vez el grabado será el protagonista. Durante todo el mes será posible apreciar trabajos de Nemesio Antúnez, Roser Bru, Ricardo Irarrázabal, Gonzalo Cienfuegos y Beatriz Leyton, entre otros. Para más información visita:
www.galeriablanc.cl
INVERNADERO Desde el 9 de agosto al 3 de septiembre estará abierta al público esta muestra del pintor Federico Infante, compuesta por diez pinturas trabajadas en distintos formatos, elaboradas con acrílico sobre tela. La serie está basada en una representación pictórica del paisaje del invernadero de Quinta Normal. Para Infante, la idea de estas obras está centrada “en buscar, por medio de un proceso de múltiples capas de pintura, la profundidad y la especialidad de los espacios. Estas capas van revelando, a su vez, el paso del tiempo y la oxidación del material, entregándole a cada imagen una variación distinta en su atmosfera y temperatura”.
www.galeriaanimal.com
SANTO ANIMAL Es la muestra que invadirá las puertas de Galería Animal con diferentes intervenciones realizadas por la artista Aurora. “La idea principal fue trabajar sobre la ciencia de la Heráldica, campo de expresión artístico, un elemento del derecho medieval y de las dinastías reales hasta nuestros días, que representa principalmente el término de linajes. En este caso, la idea es llevada a familias de animales. La composición del Santo Animal simboliza como emblema de poder divino un máximo representante, una criatura extraída de la fantasía o un ser majestuoso, en el cual se personifica todo ser vivo animal”, cuenta. Su obra siempre está ligada a la idea de lo sublime y a la unión de lo terrenal con lo celestial y esta vez no será la excepción. La exposición estará abierta al público desde el 9 de agosto al 3 de septiembre en Galería Animal. www.salacero.cl
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vitrina
BETTER DAYS TATTOO Este estudio de tatuajes nació a principios de 2009 y se instaló en el corazón de Santiago, en el barrio Bellas Artes. Con el tiempo, sus trabajos han sido bastante reconocidos, tanto por sus pares nacionales como por la escena sudamericana. Además, han tenido entre sus filas a tatuadores invitados de distintas partes del globo, lo que le da la oportunidad a sus clientes y amigos de tatuarse con algunos de los mejores profesionales del rubro a nivel internacional. www.betterdaystatto.com
XS Una nueva plataforma de arte llega al barrio de Alonso de Córdova. Ésta busca introducir y comercializar las obras de nuevos talentos en el ámbito nacional, alejándose del formato tradicional de una galería. Está ubicada en el segundo piso de la galería AMS Marlborough y pretende transformarse en un espacio móvil que estará presente, por ejemplo, en Chavo 2011. El desarrollo de un espacio virtual, permite al proyecto tomar fuerza al tener una vitrina constante de exhibición.
www.xsgaleria.cl
LA FARSA CONTINÚA Luego de seis años sin tocar juntos en vivo, Fulano realizó dos conciertos seguidos la noche del 10 de julio de 2009, en el Teatro Oriente. Este retorno al escenario, que al mismo tiempo, celebraba los 25 años de carrera de la agrupación, fue registrado en un DVD titulado La Farsa Continúa, frase tomada de uno de los versos de ‘Lamentos’, canción parte de El Infierno De Los Payasos de 1993. Este es el primer testimonio audiovisual en extenso de la banda, que la muestra recorriendo en vivo su amplio repertorio, que va desde Fulano (1987) hasta Vivo (2004). www.myspace.com/fulanolabanda
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VIOLETA SE FUE A LOS CIELOS Violeta Parra es un ícono de la música popular chilena. Constructora de canciones imperecederas e influencia directa para muchos compositores actuales, goza, además, de una imagen enigmática y compleja. Andrés Wood (Machuca, El Desquite, La Buena Vida) fue el encargado de dirigir la biopic de la artista, basada en el libro escrito por Ángel Parra ‘Violeta Se Fue A Los Cielos’. El largometraje, de casi dos horas de duración, está protagonizado por Francisca Gavilán y muestra a una Violeta en diferentes momentos de su vida. Su niñez, el matrimonio que contrajo con Luis Arce en el año ‘49 y la muerte de la menor de sus hijas, Rosita Clara, durante su viaje a Polonia en 1952. En el relato también se incluyen las travesías que realizó junto a su hijo, movida por la pasión hacia la búsqueda y el registro de las raíces musicales criollas, además de la exposición de sus arpilleras en Louvre y el montaje de la Universidad del Folclor, también conocida como La Carpa de La Reina. Acá podemos ver a una Viola enardecida, apasionada y rigurosa. Pero, quizás, es su historia con Gilbert Favre la que retrata con mayor contraste sus luces y sombras. De todqs formqs, cada uno de los temas tratados en la cinta son capaces de tocar fibras y remover conciencias. Durante mucho tiempo fue posible leer de Violeta y también escucharla. Esta es la oportunidad para conocerla de otra forma. Desde verla cuando niña en el cementerio de San Carlos comiendo moras, hasta desafiando todos los patrones establecidos para una mujer a mediados del siglo XX. Javiera Tapia
liv e LIMP BIZKIT Jueves 21 de julio Movistar Arena Fotografía * Daniela León
ANATHEMA Domingo 31 de julio Teatro Caupolicán Fotografía * Ignacio Gálvez
GEORGE CLINTON Sábado 23 de julio Teatro Caupolicán Fotografía * Ignacio Gálvez
PUBLIC ENEMY Domingo 24 de julio Teatro Caupolicán Fotografía * Ignacio Gálvez
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THE DT S Miércoles 27 de julio Niceto Club (Buenos Aires) Fotografía * Diego Maya
CHARLIE 3 Sábado 16 de Julio Sick Club, (Buenos Aires) Fotografía * Diego Maya
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HOME ELEFANTE Sábado 30 julio Espacio Isla Tortuga Fotografía * Daniela León
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JON SPENCER Miércoles 27 de julio Niceto Club (Buenos Aires) Fotografía * Diego Maya
ANNEKE VAN GIERSBERGEN Domingo 31 de julio Teatro Caupolicán Fotografía * Ignacio Gálvez
“Muchos artistas actuales sienten que están inventando la rueda y quizás no saben que están construyendo sobre los hombros de otros. Son parte de una historia”. Con esta frase, Vicente Sanfuentes resume la idea principal de Corona Clash, en donde artistas de diferentes estilos y épocas se juntan para rendir tributo al cancionero nacional. “Uno de los temas que nos pareció interesante fue el de fortalecer la relación entre los músicos actuales y sus pares de antaño. Generar la sensación de continuidad en la música popular chilena y homenajear a las canciones que alguna vez fueron las protagonistas en las radios y que hoy aún remecen las fiestas cuando suenan”, comenta Sanfuentes. Del mismo modo, en el siguiente track by track, el destacado productor criollo nos cuenta un poco de cada uno de los temas del disco que este mes acompaña a una nueva edición de revista Extravaganza! Por Rolando Inostroza
VILLA CARIÑO, FRAN VALENZUELA Y CARLOS CABEZAS:
“Estrechez de Corazón” “Una de las canciones chilenas más recordadas, amadas, bailadas y reinterpretadas de nuestra historia de la música pop. La electrónica inmediatamente cierra las orejas de muchos puristas de lo acústico, quienes con este tema ni se percatan que están bailando house del más puro. Una joya. Para nuestra versión decidimos tirar todo a la parrilla: el rey del rock, la princesa del pop y los choros del barrio”.
ASTRO: “Mírame Sólo una Vez”
PICNIC KIBUN: “Toda la Noche”
El clásico de Cristianes es el encargado de abrir el disco en las manos de Astro. “Algo nos decía que esta combinación funcionaría. El registro y timbre vocal de Andrés Nusser, la psicodelia y colorido de ambas bandas”, comenta el productor.
“Hay un minuto en que una canción pop es tan pop que salta hacia otro nivel y se vuelve algo maravilloso y clásico. Ahí el placer deja de ser culpable”. Original de Supernova.
NANO STERN: “Freebola”
C-FUNK: “Niña Engreida”
“Este ejercicio fue uno de los más macabros y teóricos. Exponer la superficialidad y contingencia del pop al virtuosismo y elegancia del folk. Pudo haber sido al revés, Glup! cantando una de Stern y también creo que habría resultado”.
El clásico de una de las canciones más recordadas de grupo Viena, en clave funk. “Ésta la eligió C-Funk. Fue su sugerencia, y nos pareció tan excéntrica la combinación que aceptamos inmediatamente”.
THE GANJAS: “Nuestra Fiesta”
DENVER: “Humedad”
“En el fondo, ambas bandas le cantan a lo mismo: ‘Este año, tendrás una fiesta de mayor tamaño’, pregonan. Aparte, tamaño rima con caño”. Original de Tiro de Gracia.
“Me imagino que Parra y Henríquez perseguían algo similar que Milton y Mariana: canciones pop de alta calidad. Simples y efectivas”. Original de Javiera y Los Imposibles.
MAKARONI: “La Medicina”
GEPE: “Doble Opuesto”
Original de Los Tetas. “En Chile se ha hecho mucho funk, disco y rap de buena calidad. Los Makaronis, Odiseas, Adrianiguales de hoy no son tan distintos a los Juan Antonio Labras, De Kiruzas y Los Tetas de antes”.
Original de La Ley. “Gepe ya había versionado este tema y por algún motivo parecía apropiado. ‘Te vas de lado y vas dejando cosas’, suena a algo que él mismo pudo haber escrito”.
diez canciones STEPHEN MALKMUS AND THE JICKS - TIGERS El irónico músico de Stockton vuelve con un adelanto de su quinto disco como solista, Mirror Traffic. Éste sería su primer álbum desde Real Emotional Trash -de 2008-, y marca el regreso de The Jicks luego de la extensa gira que hizo con Pavement.
No te vayas a aburrir mientras - Colombina Parra mdkfdrfnrtog COLOMBINA PARRApor – NO TE VAYAS A ABURRIR POR MIENTRAS Es la canción más sombría dentro del nuevo disco solista de Colombina Parra. Guitarras secas mezcladas con la voz susurrante de la vocalista, destacan dentro de los ocho temas que componen el álbum. The THE Pack PACKA.D. A.D.– –Sirens SIRENS El dúo de chicas vuelve oscuro, melódico y con más poder que antes. Un rock directo y sin negociaciones previas. Monótono, pero acertado. Adelanto de su reciente álbum Unpersons. ELEANOR FRIEDBERGER – MY MISTAKES La musa de Franz Ferdinand y mitad de The Fiery Eleanor Friedberger – My Mistakes
Furnaces adelanta su primer disco solista con este single que brilla por su simpleza, honestidad y actitud. Confesional hasta los huesos, pero brillantemente alegre. Foster The People – Pumped Up Kicks FOSTER THE PEOPLE – PUMPED UP KICKS Contagioso beat pop electro con voces que pa-
recieran desafinar de forma voluntaria. Un guiño al futuro en manos del exitoso trío de Los Ángeles, California. Melódico, básico y de gran carácter. Loney Dear – My Heart LONEY DEAR – MY HEART Por fin ya circula Hall Music, el esperado nuevo álbum de Loney Dear. Su adelanto es ‘My Heart’ y en ella se conserva la melancolía atorada del gran disco Dear John. Épico, sobrio y con destellos operáticos inesperados. Ladytron – White Elephant LADYTRON – WHITE ELEPHANT Casi en la saga de Abba vuelve Ladytron, con un dream pop de terciopelo delicado y de ensueño. Teclados y voces en una sicótica y delicada balada sesentera, que en su monotonía atrapa, es el adelanto de su nuevo Gravy The Seducer. MIGUEL MIGS – EVERYBODY Miguel Migs – Every body Los sellos OM y Salted se unen para dar la bienvenida al soul housero de Miguel Migs, esta vez de la mano de Evelyn “Champagne” King (la misma del hit ‘disco Shame’). Deep soul funky y sensual como en los mejores días del acid jazz.
ALPINES – COCOON (REMIX) Electro vintage. Ya se habla de este dúo como la cruza entre Alpines - Cocoon (Remix) Portishead y Zola Jesus. Aquí suenan con un beat que huele a minimal, pero que abiertamente es pop de máquinas oscuras y épicas. Una sorpresa. JAY JAY ZZ&&KANYE KANYEWEST WEST––OTIS OTI Una mezcla entre el sonido cálido y nostálgico de Kanye, el estilo límpio de Jay Z y un simple de Otis Redding, dan vida al primer single de el disco Watch the Throne que trabajaron en conjunto. Un disco muy experimental, cuyo adelanto, si gustas del hip hop de estos artistas, debes escuchar.
tres videos SBTRKT - WILDFIRE
Este año fue publicado el debut de Aaron Jerome como SBTRKT, que mezcla dubstep con otros sonidos más cercanos al indie y al pop. En ‘Wildfire’, single y primer video, se mezclan los ritmos y las texturas con un escenario sepia. VIVIAN GIRLS - TAKE IT AS IT COMES
Las chicas parecen sacadas de Sixteen Candles, una cinta ochentera dirigida por John Hughes y que retrataba la vida de una adolescente cuya familia había olvidado su cumpleaños. Esto, mezclado con los ya usuales tintes de bandas de mujeres de los años sesenta. PORTUGAL - NUESTRO MOMENTO
La banda, parte de los ganadores de la sexta generación de Sello Azul, hizo ruido el último mes con esta lograda metáfora: dos estudiantes, en su primera protesta, dándose el primer beso.
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