Extravaganza N87

juLio 2011 // DistRibuci贸n gratuita

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CUT COPY /fernando milagros / katerine gierak / tom谩s nazal / tom morello

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extravaganza nº 87

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Durante su paso por chile, Don Whitford y Ben Browning conversaron con Nico Castro sobre la escena australiana, el éxito de Zonoscope, las expectativas sobre lo que viene y la hospitalidad chilena.

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Tomás Nazal

Aprovechando la salida de Red to Violet, el esperado primer disco de Howlers, el guitarrista habló con Rolando Inostroza sobre sus primeros pasos por la música y el camino recorrido hasta ahora.

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Fernando Milagros

Tras su pasó por Primavera Sound, Fernando Milagros volvió a Chile a terminar de grabar San Sebastián, su próximo álbum. Andrés Panes lo entrevistó para el Reporte Estudio de este mes.

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extravaganza nº 87

José Antonio Sepulveda El clásico Mente Zero vuelve a las páginas de Extravaganza! después de trece años, para compartir todo su conocimiento y buen gusto. Luego de un fructífero paso por Europa, este múltifasético músico regresó al país para sacar su propia marca de poleras, una productora de fiestas y un fanzine.

Entremedio de todo esto, se da el tiempo de escribir para nosotros.

El gusto es nuestro.

Javiera lópez Esta estudiante de quinto año de periodismo de la Universidad Diego Portales, llegó a la revista en busca de su práctica profesional.

Actualmente está escribiendo para el sitio web y debutó en nuestra edición en papel en el número de junio. Por otra parte, se encuentra haciendo un documental sobre música nacional y espera continuar por este camino una vez que egrese.

director Fernando Mujica Maureira Representante Legal Francisco Mujica Maureira Gerente Comercial Rodrigo Mahana Editor Víctor Hugo Carvallo Diseño Isidora Garcia Lisette Jorquera Producción Periodística Javiera Tapia Colaboradores Andrés Panes Rodolfo García Aníbal Valenzuela Rodrigo Salinas Rolando Inostroza Gabriel Reyes Jorge Rubio Miguel Ángel Castro Felipe Arratia Luis Felipe Fuentealba Carol Bravo Mauricio Aravena José Antonio Sepúlveda Sebastián Soto

Martín De Mussy Sebastián Amado Manuel San Martín Andrés Venegas Diego Huenchur Manuela Ovalle Cristián Carrasco Jean Parraguez Carlos Torrejón Pamela Palma Juan Fco. Guzmán Andrea Von Dessauer Sofía Villanueva Javiera López

Fotografía Ignacio Gálvez Diego Maya Wladimir Rojas Daniela León JULIO 2011 // DISTRIBUCIÓN GRATUITA

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impresion Quebecor World Chile S.A.

CUT COPY /new young pony club / diego peralta / tunacola / casa joven

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Julio 2011 Edición 87 Fotografía *Diego Maya

CONTACTO Nueva de Lyon 105 local 12A, Providencia, Santiago // Teléfono: 335-0741 www.extravaganza.cl contacto@extravaganza.cl twitter:@EXTRAVAGANZAmag

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3 01 Speaker Boombox 3 Parte de la nueva línea de TDK, que entrega una mezcla de calidad, versatilidad y potencia.

Inspirado en modelos de los ochentas, funciona con doce pilas ‘D’ e incorpora tres parlantes con tono profundo. Tiene un subwoofer de seis pulgadas con una salida de 35 watts, y dos canales que dan un sonido claro con agudos nítidos. Posee diversas opciones de entrada para conectar dispositivos de audio en formatos mp3, WMA y Apple. www.tdkperformance.com 08 //

02 Harman Kardon MAS 102 El nuevo sistema acústico de la compañía Harman Kardon busca llevar al hogar un sonido de calidad envolvente en un equipo de tamaño reducido. Para asegurar ese nivel de fidelidad, MAS 102 consta de dos parlantes con bass-reflex de 65W de potencia. Además, posee reproductor de CD y radio FM, entradas de audio análoga y digital, dos puertos USB en el frente y uno en la parte posterior, y conexión a iPod e iPhone. www.harmankardon.com

03 Party Cube Este parlante

es compatible con los diversos modelos de Apple, como iPhones e iPod Touch. Su diseño cuadrado, compacto, con toques minimalistas, brinda comodidad y estilo. Puede ser transportado a diferentes lados fácilmente.

Cuenta con altavoces multidireccionales, que dan un sonido de alta calidad, baterías recargables de litio, que soportan entre cuatro y seis horas de uso, y un mango plegable que permite una manipulación fácil. www.memorex.com

04 JVC RV-NB70 La nueva JVC Kaboom con forma cilíndrica y un woofer en cada extremo -basada en la esencia del diseño original de 1998-, llega actualizada y con una serie de funciones a su ya reconocida calidad de sonido. Incorpora entradas para guitarra y micrófono junto al control de nivel y un conector dock de iPod e iPhone. Cuenta con 40 watts de potencia y es compatible con el formato MP3 y WMA mediante su conexión USB y el reproductor de CD. www.jvc.com

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05 Polaroid GL10 La impresora instantánea portátil de Polaroid retoma una idea del pasado para renovarla con lo mejor del presente. Sin necesidad de tinta, el modelo GL10 es capaz de imprimir fotografías en alta calidad de 3 x 4” en 45 segundos con su tecnología ZINK Imaging. Tiene conexión Bluetooh para impresiones desde smartphones como Blackberry o Android y otra USB para cámaras digitales, PC o Mac. Puede realizar un máximo de 35 imágenes. www.yamaha.cl

06 Stanton SCS 4DJ Este sistema de audio ofrece modos de mezcla que están pensados para expertos y principiantes. Integra software y controladores que no hacen necesario contar con un computador. Esa ventaja permite que sólo baste con dispositivos de almacenamiento como discos duros para trabajar sobre la música desde una conexión USB. Posee una pantalla LCD para visualizar las frecuencias y dos discos touch para hacer scratch, retroceder o avanzar la pista. www.stantondj.com

07 Maschine Este nuevo controlador de sampling combina lo mejor de una groovebox, más lo innovador, práctico y versátil de las actuales plataformas. Cuenta con un arsenal de sonidos increíbles, además de varios kits de afamados artistas y una gran sonoridad final de los tracks. Funciona como instrumento virtual compatible con cualquier software de audio apto para esta modalidad. Posee cerca de 15.000 samples, entre los que se incluyen más de 700 bombos y 250 cajas, entre otros. www.djstore.cl

08 Traktor Kontrol X1 Entrega un control súper intuitivo frente a los loops, sincronización y efectos. Con perillas diseñadas a precisión y funcionalidad plug & play, este elegante hardware es el controlador para todas las versiones de Traktor en cualquiera de las formas. Sus perillas rotatorias son robustas y cómodas, con sensación de peso y botones retro iluminados que entregan precisión visual y táctil, permitiéndote profundizar sin tocar tu computador. www.djstore.cl

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09 DXG 3D Por su precio y opciones, esta cámara fotográfica es ideal para quienes recién están experimentando con el formato 3D. El equipo tiene una pantalla LCD de 1.44”, balance de blancos y utiliza tarjeta SD para almacenar los archivos. Por medio del doble lente captura las imágenes en tres dimensiones.

Las fotografías pueden imprimirse desde cualquier impresora con el estándar del papel fotográfico 4 x 6 y ser vistas con el visor 3D. www.dxgusa.com

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DataTraveler Ultimate G2 El dispositivo de almacenamiento de Kingston es ideal para transferir y respaldar archivos de gran tamaño. El nuevo pendrive de la gama DataTraveler incorpora el soporte de la tecnología USB 3.0, por lo que el rendimiento del trabajo se optimiza con la capacidad de alcanzar velocidades de transferencia de 100MB/s de lectura y 70 MB/s de escritura. Es compatible con USB 2.0 y el tamaño de la memoria va desde 16GB hasta 64 GB. www.kingston.com

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RELOJ MuteWatch: El nombre indica su principal función. Este reloj permite recordar ciertas situaciones del día, sin emitir sonido alguno, porque avisa las alarmas mediante la vibración de su correa. Está equipado de una pantalla LED táctil que se activa ante cada toque para ver la hora. Dentro del menú tiene distintas opciones vibrato. Además, está disponible en colores rojo, blanco y gris. www.mutewatch.com

12 Ucube Speakers Los parlantes compactos Ucube funcionan mediante el puerto USB. Desde esa conexión consiguen alimentarse de energía y recibir los datos, para procesar las señales digitales con el sistema DPS que reproducirá el audio con 30 watts de potencia entre ambos altavoces. De igual forma, posee entradas analógicas y su estructura cuenta con una base que tiene una inclinación de 170°, lo que permite una mejor recepción del sonido. www.ufiproducts.com

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Panasonic DMC-G3K Body La nueva cámara fotográfica de Panasonic destaca por contar con un sensor de 16 megapíxeles, un soporte de grabación de vídeo AVCHD de 1080p en audio estéreo y flash integrado más una zapata para flashes opcionales. Además, puede capturar imágenes en 3D y 2D al mismo tiempo; mientras que con la pantalla LCD táctil de 3 pulgadas se tiene acceso al menú para controlar opciones de disparo, reproducción, enfoque y efectos. www.panasonic.com

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tdk headphones WR700 Wireless Los audífonos WR700 Wireless brindan al usuarios un sonido insuperable, de alta calidad, con nítidos y grabes profundos, garantizando una experiencia única al momento de escuchar cualquier tipo de música. Cuentan con un innovador diseño que aísla los ruidos externos, lo que permite escuchar de manera más alta y perfecta. Todo esto a un volumen adecuado que no daña los oídos. www.tdkperformance.com

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Marshall Headphones Major La actualización de los audífonos Marshall añade mayor compatibilidad con más dispositivos de audio y accesorios que aumentan sus opciones.

Gracias a su adaptador, pueden ser utilizados con cualquier reproductor de música con conexión de 3.5 o 6.5 mm. Además, incorpora un micrófono y control para escuchar y pausar, a la vez que permite contestar y terminar llamadas desde móviles. www.marshallheadphones.com

16 Genius Ring Mouse Aunque el modelo pueda resultar algo extraño, el anillo-mouse de Genius es bastante sencillo y atractivo. Se trata de un dispositivo inalámbrico con forma de argolla que incorpora un panel táctil para controlar el PC con el movimiento del pulgar. El control es manejable y de baja fricción debido a su sensibilidad de 1000 ppp; el sistema 2.4 GHz reduce la interferencia y permite trabajar a una distancia de hasta 10 metros; mientras que la batería del ratón se carga vía USB. www.geniusnet.com

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01 Arte y Papel En esta tienda ubicada en Avenida El Rodeo -en Lo Barnechea- ofrecen una papelería delicada con fines decorativos y regalos de diseño internacional. Poseen una gran variedad de productos importados, dentro de los cuales se destacan libretas de diferentes tamaños, tarjetas para personalizar obsequios, adornos de pared y juegos para niños, que estimulan la imaginación y el aprendizaje. Además, existe un espacio reservado para artistas nacionales, donde pueden vender sus diseños de fabricación artesanal y exclusiva.

www.arteypapel.cl

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02 Ropa de Género Maria Eugenia comienza el 2006 diseñando con su nombre y hoy es dueña de su propia marca: Ropa de Género, ubicada y abierta al publico en la tienda Engracia de la galería Cine Arte Tobalaba. Su inspiración es el presente, que en tendencias actuales se encuentra directamente relacionado con el pasado. La colección otoño - invierno 2011 es una muestra de esto: patrones y textiles del pasado combinados a la perfección con técnicas como el Jacquard o la superposición de telas, que en un contexto moderno, no deja de lado la historia con la que ha ido tomando forma.

www.ropadegenero.cl

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03 Becker Becker ha decidido facilitarte el camino para la elección de la cerveza más helada, con una revolucionaria creación. La marca presenta su nueva etiqueta con un indicador de frío que cambia de color cuando la cerveza se encuentra con la temperatura ideal para que la disfrutes. Esta innovación está en el extremo superior izquierdo de la etiqueta y deja ver una “B”, cuando alcanza menos de seis grados. La impresión del mecanismo está hecha con la última tecnología en tintas termo sensibles que garantizan su precisión www.becker.cl

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04 Cold Stone Creamery Una fábrica de helados rusa quiso innovar este verano sacando a la venta una línea que rompía este tradicional mercado: diseños basados en diez paletas de figuras icónicas de la cultura mundial, incorporando sus imágenes, con un sabor especial. Expertos estudiaron a estos personajes con diversos experimentos, para determinar el sabor que más se les asemejaría en la realidad. Para más información: www.coldstonecreamery.com 05 Mala Racha Con la idea de crear prendas de vestuario y accesorios femeninos basados en conceptos nostálgicos como el naif y vintage romántico, nace el 2009 Mala Racha, tienda que hoy se ubica en el clásico paseo del diseño, Drugstore Providencia. Este año nos presenta tres colecciones donde la mezcla de telas y colores desembocan en un solo concepto, aportando prendas que, además de ser exclusivas, dan muestra de buen gusto y tendencias extranjeras de revival, a las que para acceder ya no será necesario acudir a tiendas de segunda mano. www.malaracha.cl

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06 Urban Outfitters Lo que muchos estaban esperando, ya llega a Chile. Urban Outfitters, la multitienda unisex norteamericana con más fans en el mundo por calidad, precio y selección de diseñadores, hace envíos a nuestro país desde hace unos meses. Con un valor de shipping que parte desde los US $ 30, podrás adquirir desde prendas de Malababa hasta joyas de Laura Lombardi a la puerta de tu casa. Y lo mejor, antes de temporada. www.urbanoutfitters.com 07 Bicicletas Gama Es una empresa chilena joven y dinámica, que busca incentivar y potenciar el uso de la bicicleta como medio de transporte urbano, que posee beneficios como ser un medio no contaminante, económico y saludable. Gama Bikes proporciona una excelente alternativa para aquellos que comparten esta pasión y que buscan los más altos estándares de calidad.

La línea está compuesta por cómodos y atractivos diseños que apuntan a satisfacer los distintos estilos de quienes a diario se mueven por la ciudad. www.gamabikes.com

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08 Seco Ésta es la única marca de indumentaria para la lluvia de Argentina que parte del concepto de aportar originalidad y colores para el invierno a través de prendas funcionales. La Casa Seco está ubicada en el barrio de Palermo Soho, cercana a las boutiques y espacios de diseño más visitados de la ciudad. Sus colecciones se complementan con vibrantes accesorios como paraguas, botas y sombreros. Para más información visita: www.secorainwear.com.ar

09 Skate Decks Skate Decks es el nombre del proyecto entre Alien Workshop y la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales, en donde se dio creación a diversas tablas de skate, impregnadas con el diseño y la solidez del Pop art.

La mantención vigente de este arte en la calles es una de las pretensiones iniciales que potencia este proyecto, que llegará a Chile el próximo otoño. El precio aún no ha sido revelado. www.alienworkshop.com

10 KI Es la nueva propuesta del diseñador gráfico Cristóbal Landa, quien esta temporada nos trae su nueva creación: un elemento cubre encendedor, de diferentes formas y colores. En diversos tamaños y diseños, los porta encendedores KI, son piezas únicas e irrepetibles que pretenden darle un estilo más divergente a un objeto común. Los monitos serán lanzados al mercado en unos meses más. Para más info, visita: www.facebook.com/PIMP.cl

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12 11 A.Y. Not Dead Noel Romero es el cerebro tras A.Y. Not Dead, marca con ocho tiendas en Argentina que fue presentada recientemente en la feria de diseño Ropero Paula y ya tiene lugar físico en la calle Tegualda del Barrio Italia. El rock y el arte son su fuente de inspiración, por lo que no se hace difícil imaginar el resultado, sabiendo, además, que una de sus escuelas fue el Saint Martins of Art & Desing de Londres. Cuero, pieles, remaches, jeans y estampados de bandas se mezclan en un look irresistible.

www.aynotdead.com.ar

12 Absolut Wild Tea Es la nueva variedad de Absolut, que mezcla té negro Oolong y flor de saúco escandinavo, dando como resultado un vodka muy suave, cítrico y natural, con notas a manzanas rojas y flores blancas. Este nuevo brevaje es perfecto para acompañar un café, té, menta, vino blanco e incluso a la limonada tradicional.

Tan sólo unas gotas significan un upgrade a los cócteles tradicionales. www.absolut.com

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MY PANDA SHALL FLY Una computadora cargada de ruidos y una barba gigante. Los dos elementos básicos con que este músico nacido en Sri Lanka recorre Europa en busca de nuevas sensaciones. Su nombre real es Suren Seneviratne y ya ha generado cierto ruido por su relación con la gente del sello Witchita para su subsidiaria Growing. Improvisación futurista, mucho de lo que hoy denominan future bass y paciencia india tiene este prodigio de apenas 23 años. Un puñado de remezclas, trabajos junto al productor Throwing Snow y colaboraciones con Dam Mantle -el cerebro de la compañía que lo fichó-, se transforman en

Suena como: Gold Panda, Fying Lotus, Toro y Moi. www.myspace.com/mpsf

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Vibraciones del Asia meridional un currículo esquivo en logros, pero sumamente atractivo para quienes logran degustar sus propias recetas pro dubstep. El pasado 11 de abril editó oficialmente su primer epé titulado Sorry I Took So Long. Apenas tres canciones (‘Injury’, ‘Xerox’ y ‘Yoyo’) y algunas complejas reversiones de su propio universo. De lo poco bueno, como versa el refrán popular. Hoy, My Panda Shall Fly, que comenzó siendo un trío, se prepara para grabar un nuevo mini álbum. Percusión, teclados, Gameboy e hyperdub. Un nuevo lenguaje asiático Fernando Mujica

nuevos sabores

PARENTHETICAL GIRLS Distinta ciudad. Distinta formación. Distinto nombre.

Primero fue The Swastika Girls, una iniciativa colectiva surgida en Everett, Washington y fundada el 2002 por Zac Ennington, quien entonces estaba acompañado por Jherek Bischoff -de The Dead Science- y Jamie Stewart -de Xiu-Xiu-. Luego, el 2004, la renovación. El proyecto es rebautizado, Stewart se retira de la banda y Ennington se reubica en Portland, Oregon. Desde entonces, integrantes van, integrantes vienen, y en el intertanto surgen más y más canciones. ¿El resultado? La discografía actual de Parenthetical Girls, editada casi en su totalidad a

Pop de a momentos través de Slender Means Society -su propio sello- incluye más de una decena de lanzamientos, entre discos y epés. Y entre ellos, tres de las cuatro ediciones limitadas que compondrán Privilege -sí, una idea digna de Billy Corgan-, el cuarto álbum de este conjunto dueño de un pop barroco impredecible y ajeno a los lugares comunes de ese estilo. A ratos iluminado, a ratos oscuro. A ratos experimental, a ratos casi gótico. Como este grupo, que a ratos existe y a ratos no.

Sebastián Amado C.

Suena como: Xiu-Xiu, Casiotone for the Painfully Alone, The Dead Science www.myspace.com/parentheticalgirlsband

nuevos sabores

molly sweeney A veces, una canción basta para encasillar, consciente o inconscientemente, a un artista. En ocasiones, aún menos que eso. Generalizaciones, facilismos, malos hábitos cuyas explicaciones son muchas y, en esta ocasión, poco relevantes. Lo importante aquí es abstenerse de todas esas definiciones de tres minutos. Callarse y dejar que la música fluya, aunque sea por una vez. Sólo así, por ejemplo, se puede apreciar como corresponde la voz de la canadiense Molly Sweeney y su timbre, propio de alguien con décadas de historias en el cuerpo, inusual para una veinteañera. O sus canciones, que en cuestión de segundos transforman el rasgueo de guitarra

Travesía sonora electroacústica en un trance hipnótico difícil de resistir.

Su ópera prima -como no podía ser de otra forma con estos factores de por medio- es un disco conceptual: Gold Rings and Fur Pelts, recién lanzado en junio por el sello Syren Songs, es una oscura cruza entre lo simple y lo denso, con momentos tan improbables como el tango/folk/chanson del tema que le da nombre a este trabajo. Sí, es cierto, hay compositores a los que se les puede descifrar en cuestión de minutos, pero éste no es el caso. Para entender a esta chica, hay que estar dispuesto a viajar con ella.

Sebastián Amado C.

Suena como: Tori Amos, Joanna Newsom, Land of Kush www.myspace.com/mollysweeney

nuevos sabores

the details The Details es una banda de gente feliz. El año pasado lograron lanzar un EP llamado The Original Mark (Parliament of Trees, 2010), una colección de canciones inéditas recopiladas con lupa y oreja limpia, reencontradas desde el año 2007. Fue un trabajo de joyería, pues de todos los temas, sólo dos quedaron seleccionados para ser parte de un larga duración producido por Stephen Carroll -The Weakerthans- y Brandon Reid -The National-. Con un sonido noventero, estos canadienses se presentan como una nueva agrupación inspirada en los sones del grunge, de la mano de un indie rock ordenado y pulcro. Al oírlos, es difícil no recordar a

Perfeccionismo independiente Leonard Cohen, con canciones que cuentan la historia de un veterano de guerra que choca con la realidad o amores perdidos en una nebulosa de desesperanza. A pesar de esto, suenan plácidos y alegres, con cuerdas y cintas que rememoran a esos villancicos de antaño. Se recomienda darles una oportunidad, pues estos muchachos de Winnipeg tienen un nuevo álbum títulado Lost Art (Parliament of Trees, 2011), un disco que plasma en sus sones algunas de las melodías que, con anterioridad, cautivaron a sus seguidores. El cuarteto está contento.

Motivos tienen de sobra.

Jorge Rubio

Suena como: Counting Crows, Collective Soul, R.E.M. www.myspace.com/thedetails

nuevos sabores

TIMBER TIMBRE En los recuentos de fin de año del 2009, una plétora de medios destacaban a un proyecto con nombre casi de trabalenguas. Algunos, incluso, no dudaban en señalar su homónimo tercer álbum como el mejor disco de ese lustro. Una pequeña ola de loas y congratulaciones, impulsada por el impacto que causó la canción ‘Magic Arrow’ en la banda sonora de la serie norteamericana Breaking Bad. Y lo cierto es que de esa entrega -por esos días la más reciente de este trío canadiense-, casi todos los tracks hubieran servido para propósitos similares: riffs hipnóticos, pequeñas obras de arte en las que el folk rock es la base, pero los aderezos son los que crean la

Folk a la Scorsese magia. Blues, surf rock, garage, en dosis brillantes y bien cuidadas, a ratos bordeando el rupturismo. Ahora, su más reciente entrega, titulada Creep On Creepin’ On (Arts & Crafts, 2011), continúa con esta senda sonora en base a capas y capas de melodías. Inquietantes por lo general, a momentos incluso perturbadoras. No sólo es buena música: es oscura y memorable, tal como ‘Save Somebody’ de Dylan o ‘Tweedle Dee’ de LaVern Baker.

Si Tarantino o Scorsese sacan algo de aquí en un tiempo más, no digan que nadie les avisó.

Sebastián Amado C.

Suena como: Antony and The Johnsons, Bill Callahan, Crystal Stilts www.myspace.com/timbertimbre

nuevos sabores

hunx and his punx Seth Bogard es un personaje mediático, agudo, y visionario. Fue parte de un proyecto de electro rock llamado Gravy Train, llevó adelante su postura pro gay por años y se encantó con la música garage de los sesentas. Con la misión de provocar, hacer rock & roll y pasarlo bien, armó este combo. Shannon Shaw, Michele Santamaría, Erin Emslie y Amy Blaustein se sumaron al experimento punk surfer con la suciedad necesaria como para apenas coquetear con sellos de bajo presupuesto. Lo primero, tocar y resumir sus precarias grabaciones bajo el nombre de Gay Singles (True Panther/Matador, 2009).

Con cierta tribuna y las canciones necesarias, Hunx -en

Hazlo a tu manera realidad, Seth Bogard-, continuó con su cruzada gay y logró conquistar audiencias en decenas de tugurios de la costa este y oeste de Estados Unidos. Con la consistencia punk de Redd Kross o la histeria absurda de Richard Hell, los Punx continuaron carrera y decidieron grabar un primer álbum oficial. Too Young To Be In Love (Hardly Art, 2011) es el resultado del trabajo junto a Ivan Julian en perillas y semanas de concentración en Nueva York.

Power pop que se viste de desgano e imperfecciones, pero que esconde una fresca y provocadora fórmula de pop reciclado casi perfecto.

Fernando Mujica

Suenan como The Ramones, The King Khan & BBQ Show, Black Lips www.myspace.com/hunxsolo

Tom Morello:

“Éste es nuestro disco más rockero.

Nuestro mejor álbum”

Corría el año 1999 y Rage Against The Machine estaba en la cúspide de su carrera. Su éxito comercial no interfirió su discurso y esto les permitió ganarse el respeto tanto del público como de la industria. Además, acababan de lanzar el que es, hasta la fecha, su último álbum, The Battle of Los Angeles (Epic, 1999). En una entrevista exclusiva, Francisco Mujica habló con el guitarrista, sin duda uno de los personajes centrales del rock de los noventas.

¿Cómo te desconectas de la presión que pueda existir previa a la edición de un nuevo disco?

“No me importa. Me preocupo sinceramente de hacer un gran disco y, si existe tal presión, trato de sacar mis ideas adelante.

Probablemente, los otros miembros de la banda tengan una opinión diferente con lo que significa lidiar contra ella, pero yo, por lo menos, siempre estoy preocupado de salir bien parado de ese proceso”.

Trabajaron con Brendan O’Brien como productor. ¿Por qué volvieron a él?

“Estuvimos trabajando con Brendan, quien ya produjo nuestro álbum anterior, Evil Empire (Epic, 1996), y nos encantó el sonido que logró y su manera de trabajar. Él es muy eficiente y por lo mismo se hace muy práctico, porque cuando tienes algo reciente en términos de ideas -de material-, él está siempre dispuesto a grabar inmediatamente. Además de su gran disponibilidad, es un hombre muy ocupado”. ¿La manera en que trabajaste este material es muy similar a la fórmula que ya experimentaste en los otros dos discos?

“No. No exactamente. Siempre siento que lo hacemos de manera distinta. Esta vez, durante tres meses, Timmy (Commer-

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edición nº 55 / octubre- noviembre de 1999

ford, bajista), Brad (Wilk, baterista) y yo nos juntamos a trabajar y a escribir canciones. Luego, Brendan se unió al equipo durante un mes y juntos logramos algo concreto. Después fuimos y grabamos la música, la que quedó lista desde el primero de octubre del año pasado. Más tarde vino el proceso de Zack, en que tomó gran parte de ese material y trabajó sobre esas grabaciones en textos”.

Haciendo un poco de historia, ¿qué recuerdos tienes del tiempo en que tocaste en Lock Up? ¿Hay algo de aquella época que te sirva ahora en Rage Against the Machine?

“Desde luego. Tuve que pagar una serie de errores en aquella época.

Tocamos muchas veces y en frente de poca gente. Caímos en un período de congelamiento, una especie de estancamiento. Imagínate: ir y subirse a una camioneta tocando por todos lados con muy poca retroalimentación del público. Todas esas experiencias desde luego que me han servido para apreciar desde otra perspectiva el éxito de Rage Against the Machine”.

Te vimos, previo a todo esto, trabajando en el soundtrack de The Faculty junto a grandes músicos. Ese tipo de ventanas y proyectos sirvieron para el disco nuevo, me imagino…

“Generalmente contemplo proyectos como la música para The Faculty cuando tenemos algo de tiempo libre en Rage Against the Machine. Como te conté, la música quedó lista el primero de octubre pasado, y es obvio que hubo tiempo de hacer algo mientras Zack se ocupaba de las letras del nuevo disco. ¿Por qué no aventurarse en proyectos como éste? Me dio la oportunidad de trabajar con grandes músicos como Stephen Perkins y Layne Staley. ¿Cómo contribuyó eso a mi música? Me ayuda a tener ideas más frescas.

Principalmente me ayuda a conservar una buena actitud durante el período en que Rage está menos activo, porque, además, tengo tiempo para aventurar aún más con mi guitarra”. ¿Sientes libertad absoluta de ocuparte de otros proyectos aparte de todo lo que tenga que ver con la banda?

“Totalmente. Trato de sacarle provecho a ese tiempo libre que a veces me deja el grupo”.

Musicalmente hablando, ¿te sientes atraído por alguna banda en especial? ¿Algo importante que esté sucediendo actualmente?

“Me considero un gran admirador de The Prodigy. También amo el trabajo de algunos raperos, como DMX o Jermaine Dupri”.

Ya que hablaste de admiración, ¿cuál es tu opinión sobre la devoción que existe acá en Latinoamérica por ustedes como banda?

“Es un sentimiento extraordinario, me siento muy bien. He estado esperando durante mucho tiempo ir a tocar allá y reunirme con nuestros seguidores. Es importantísimo el apoyo y el soporte a nivel de fan club que recibimos diariamente de Sudamérica”.

flashback

des ofrecer algún día en Latinoamérica, ¿estás interesado en nuestra historia, en nuestra cultura y en los problemas existentes en estos países del tercer mundo?

“Absolutamente. Yo estudié mucho acerca de Sudamérica cuando estuve en Harvard y me siento muy comprometido e interesado por el desarrollo político y cultural existente allá. Por lo mismo, me preocupa la manera en que Estados Unidos y algunas corporaciones multinacionales han tratado de manipular ese desarrollo”. ¿Cómo conservan el buen equilibrio entre un alto nivel de crítica político-social dentro de sus contenidos, con la importancia que tienen dentro del negocio musical?

“Justamente eso ha sido una gran sorpresa para nosotros. El que nuestras canciones siempre tengan una carga política y al mismo tiempo sean un éxito en términos comerciales. Estoy seguro de nunca haber tenido que acomodar o darle importancia a la parte comercial porque nuestro carácter revolucionario es obvio y no se ajusta a nuestras políticas internas”.

Me imagino que este nuevo álbum debiera demostrar una evolución en tu carrera. ¿Podrías describirlo? ¿Cuáles serían esos elementos que lo hacen distinto?

“El primer disco lo escribimos en un periodo aproximado de un mes y no nos conocíamos muy bien entre nosotros. El segundo lo hicimos basándonos en nuestras diferencias artísticas y terminó por convertirse en una combinación de ideas muy variadas. Este último contempla una cohesión mayor entre los integrantes de la banda y eso lo hace nuestro trabajo más heavy y funk a la fecha. Definitivamente, éste es nuestro disco más rockero... nuestro mejor álbum”. ¿Han seguido involucrándose con ciertas producciones a beneficio? ¿No han dejado de ser un grupo definitivamente activista?

“Siempre hemos tenido algo de ese perfil. Nos interesa captar cierta atención a través de causas importantes. Recientemente estuvimos tocando en un concierto a beneficio en New Jersey para tratar de salvar la vida de Mumia Abu-Jamal, el periodista y activista prisionero por el asesinato del policía Daniel Faulkner -luego de ser condenado tras un juicio injusto-, ya que su sentencia de muerte está en manos del Gobernador de Pennsylvania en estos momentos. Estamos orgullosos de haber levantado una gran cantidad de dinero para su defensa gracias a un concierto. Defendimos la causa tibetana en el pasado Tibetan Freedom Concert. En el Tíbet, ahora la injusticia y la violencia están penetrando en contra de la gente de esa región. Hay mucha injusticia y violencia perpetrada en contra de las mujeres y de los pobres. Es como una sociedad feudal.

Y creo que toda la gente que colaboró en esa causa buscaba la justicia e igualdad para ellos. Por nuestra parte, siempre nos opondremos a todo tipo de opresión, sea cual sea su forma”.

Suena grandioso, pero más allá de los conciertos que pue-

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CUT COPY Más música que luces

Algo que abunda hoy en Australia son las bandas de pop electrónico. Gran parte de ellas le debe mucho a Cut Copy, quienes antes de tocar en Santiago por segunda vez en menos de seis meses, nos contaron sobre la difícil tarea de allanar el camino en su país, sus deseos de perdurar y evolucionar y de su relación ya casi familiar con Chile.

Por Nicolás Castro Fotografía * Diego Maya

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Por Rodolfo Garcia FotografĂ­a * Javiera Tapia

En los tiempos que corren actualmente, seis meses pueden ser una eternidad. Esa premisa se aplica aún con más fuerza para la industria de la música. Durante ese lapso, un grupo puede haberse formado, subido sus canciones a Internet, dado sus primeras entrevistas e incluso haber obtenido una portada. Ahora, si los ojos del mundo ya están puestos sobre ti, seis meses pueden ser cruciales. Un paso en falso y desapareces del mapa; un acierto y te consagras para la posteridad. En esa encrucijada recibimos a Cut Copy en la madrugada del primero de enero. En una decisión que no sólo sorprendió acá, sino también en varios medios internacionales, el cuarteto australiano decidió viajar varias horas para presentarse en Chile y festejar el año nuevo junto a nosotros. Y vaya que han cambiado las cosas para ellos desde entonces.

Pero vamos por parte. Esa primera visita fue tan corta como intensa.

Sin siquiera poder sacudirse el cambio de horario, llegaron y probaron sonido. Almorzaron, descansaron, cenaron. Se abrazaron a las doces, tocaron a eso de las dos y media de la mañana, pusieron música en la fiesta y se fueron al aeropuerto.

Por cosas del destino, los orígenes de esta entrevista se remontan a esas fugaces 36 horas. Alejado de mi labor de periodista, me vi como improvisado chofer durante el día del show. Un almuerzo que parecía tedioso, dejó de serlo gracias a un enorme barros luco que sirvió para romper el hielo y ver el lado humano de estos músicos que, no mucho tiempo atrás, tenían trabajos de oficina como cualquier otra persona.

Luego, una caminata por una desierta avenida Providencia y el posterior camino en auto hacia el hotel, sirvieron para saber que su banda

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actual favorita era Deerhunter y que estaban más emocionados por girar con ellos durante enero y febrero que por lanzar su tercer disco.

Un regreso consagratorio Efectivamente, muchas cosas pasaron en estos seis meses con Cut Copy; y el anuncio de su regreso esta vez fue distinto. Cinco semanas después de su debut en Chile, el sucesor del celebrado In Ghost Colours (Modular, 2008) demostraba ser un paso arriesgado en su carrera. Un claro matar o morir. Pero Zonoscope (Modular, 2011) rindió, cosechando elogios y desprendiendo dos o tres hits que no han parado de sonar desde entonces. Y, como consecuencia, llegó la extenuante gira de promoción.

Por eso, esta segunda visita fue diferente. El ritmo era otro. A pesar de llevar una semana en un huso horario similar, sus caras delataban el desgaste propio de un show intenso tras otro. Pero, para sorpresa de todos quienes estuvimos con ellos en enero, el reencuentro se dio de forma natural. “¡Hey, nuestro chofer!”, me dijo Dan Whitford, líder y vocalista, cuando me vio la noche previa al show. Al día siguiente, justo antes de la entrevista propiamente tal, los sorprendidos fueron él y Ben Browning, el bajista, cuando me vieron con la grabadora. “Sí, el chofer les va a hacer unas preguntas ahora”, dije, mientras respiraba aliviado al haber sorteado el tradicional momento en el que el hielo se rompe.

La primera pregunta obligada era sobre sus percepciones del antes

y después. “Nuestro viaje para año nuevo fue increíble. En tan poco tiempo pudimos recorrer parte de la ciudad, comer rico, conocer gente simpática y dar un concierto que disfrutamos mucho. Tenemos muy lindos recuerdos y estamos felices de estar acá otra vez”, comienza Whitford. ¿Por qué eligieron pasar su año nuevo en Chile?

DW: “Porque nunca habíamos tocado y nos pareció una buena idea.

Los productores mostraron mucho interés y la opción de venir a un lugar del que no sabíamos nada nos pareció la más emocionante de todas. Habíamos estado en Colombia, así que decidimos volver a esta parte del mundo. Estamos felices de haberlo hecho”. ¿No sabían nada de Chile?

BB: “No, nada. Leímos sobre los mineros, que fue una gran noticia alrededor del mundo, pero eso es todo. Nuestra experiencia cultural acá fue muy parecida a lo que vimos en Europa. Esperábamos ver cosas parecidas a las que conocimos en Colombia y México, pero nos encontramos con algo totalmente distinto. Tal vez la arquitectura o lo relajada que es la gente, no sé”.

DW: “Nuestra primera vez en Sudamérica fue en Colombia y nos pareció que algunas cosas eran un poco primitivas. Acá encontramos que era mucho más fácil moverse por la ciudad. Nos sentimos muy a gusto, porque además la gente se pudo comunicar con nosotros más fácilmente”.

BB: “Sí, y nos cuidaron tan bien la primera vez, que volver ha sido definitivamente como reencontrarse con viejos amigos o familia”.

Australia, del rock al baile Algo debe tener el agua en Australia. Durante los últimos años, uno levanta una piedra y salen bandas nuevas que toman como referencia el sonido new wave y la música disco, para fusionarlos con rock. Y algo de eso definitivamente ha tocado una tecla en nuestro país, ya que todos los que han venido desde allá -Miami Horror, Bag Raiders y Midnight Juggernauts-, se han ido con ganas de querer volver. “Suponemos que sí, que existe esa escena que usa sintetizadores y que nosotros somos parte de eso. Pero desde que salió In Ghost Colours, estamos tan poco en casa que ya no lo vemos desde adentro como antes”, explica Whitford.

No es algo que digan ellos, pero cronológicamente Cut Copy tuvo la difícil misión de abrir el camino para los sintetizadores en un país que seguía una tradición rockera, sobre todo a principios de la década pasada. Bandas como Jet o The Vines eran los encargados de llevar la bandera australiana al resto del mundo, por lo que el cuarteto de Melbourne tuvo mucho trabajo que hacer para ser aceptado. “Creo que Australia siempre ha tenido una escena activa, pero ésta es la primera vez en que hay un conjunto de bandas haciendo electrónica en vivo que la gente quiere ver. Antes de eso, lo único que había era un DJ jugando con los efectos y eso no es muy interesante para el público.

Por lo mismo, el hecho de que hayan grupos que lo hagan en vivo ha llamado la atención y los jóvenes que han crecido con eso lo han adoptado como su propio sonido”, cuenta el cantante. ¿Fue muy difícil introducir ese sonido en una escena rockera?

DW: “Sí, porque cuando empezamos había mucha gente que pensaba que la música electrónica era más bien patética. Y como no existían muchas bandas como nosotros, teníamos que tocar con grupos de rock o punk. Había una cierta actitud despectiva de parte de los más puristas, que no creían que tocáramos nuestros instrumentos.

Pero nunca lo vimos como competencia. Simplemente éramos felices haciendo nuestra música y tratando de que la gente lo pasara bien.

Nos costó un poco más, pero estamos satisfechos de haber hecho algo distinto”.

“

Australia siempre ha tenido una escena fuerte, pero ésta es la primera vez en que hay un conjunto de grupos haciendo electrónica en vivo que la gente quiere ver

”

Extraña nostalgia por el futuro Crear su segundo disco debe haber sido mucho más fácil que Zonoscope, el tercero y el que vinieron a mostrar. Con mucho más público pendientes de su siguiente paso, era vital no repetirse para salir airosos. Después de ver los resultados, queda claro que la apuesta rindió sus frutos. ¿Sintieron mucha presión al hacer Zonoscope?

BB: “Sí, pero no en el sentido de que nos fuera mejor o de conseguir más éxito, sino que, más que nada, queríamos hacer algo que nos dejara contentos y que se sintiera como una progresión”.

Da la impresión de que In Ghost Colours era mucho más pop y que en Zonoscope experimentaron con nuevos sonidos y estructuras. ¿Sienten que ya probaron todo y que ahora están en la posición de hacer lo que se les ocurra?

DW: “Siempre va a haber algo que probar. Si no es a otras personas, al menos a nosotros mismos. Lo bueno es que cada cual tiene su propia impresión del disco. Creo que éste también es muy bailable, pero de una forma distinta. Ahora elegimos explorar algo diferente, con menos estructuras de coro-verso-coro y más sonidos repetitivos como los de la música house, que de igual modo sirven para la pista, pero en un momento en el que la gente ya está entregada al baile”. ¿Y cómo sienten que funcionan esos experimentos en vivo?

DW: “Algunas definitivamente son más entretenidas. Al ser más largas, nos dan la oportunidad de darle variaciones cada vez que las tocamos. Eso pasa, por ejemplo, cuando hacemos ‘Sun God’”. ¿Sienten que esta evolución y esos experimentos son cruciales para mantenerse vigentes?

BB: “Sí, porque además escuchamos muchos géneros distintos, incluido el rock. No creemos en los límites y nos gusta integrar distintos sonidos. La música dance es lo que finalmente une todos esos elementos y los convierte en nuestro estilo propio”.

DW: “Nos inspira mucho lo que hace Deerhunter, porque se ve que no tratan de ser una banda de rock convencional. A pesar de que tienen esas influencias, hacen algo muy único. Nosotros también nos sentimos así. Nos gusta música electrónica antigua, rock también, disco, funk y soul, pero la gracia está en cómo reinterpretas esas cosas. Además, mucha gente vive pendiente de lo último y lo más nuevo, pero eso no siempre es lo más interesante. Dura un rato y se va”.

BB: “Queremos hacerlo todo. Ser lo más productivos y creativos posible. Como grupo queremos sacar muchos más discos y perpetuarnos durante los próximos cinco a diez años. Sacar ese gran album que sea catalogado como una obra completa y madura. Estamos emocionados de dar el siguiente paso, aunque no tengamos idea de cuál va a ser. Primero esperamos terminar esta gira sin perder la cabeza y sin querer matarnos el uno al otro”.

El tiempo permitido se acaba y es el momento de cambiar el switch de nuevo. Unas horas después, Cut Copy cerró el Festival de Otoño de Club Fauna ante más del doble de público que los fue a ver en enero. “¡Ahora súbete al auto y llévanos a comer!”, grita Whitford con una carcajada. Los australianos echan de menos un barros luco. Bueno, después de todo, hay cosas que no cambian.

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entrevista

TomĂĄs Nazal

Lecciones de la Gran Manzana Por Rolando Inostroza FotografĂ­a * Daniela Leon

Es el encargado de guitarrear en Howlers. Sus riffs y carisma forman parte del pentagrama esencial en la composición de este cuarteto, que con influencias del garage y el punk busca hacerse cargo del nuevo sonido de exportación. Es bajo esta realidad que Tomás tiene algo claro: las fronteras para su música no existen ¿La fórmula? En una palabra: experiencia.

De aspecto juvenil pero con un discurso y tono que parece derrochar vivencias en el mundo del rock n’ roll, se presenta Tomás Nazal. La lucidez de sus palabras mientras fuma y conversa no hace sospechar de sus tímidos inicios antes de Howlers. “En mi familia no hay una gran historia de músicos. Mi viejo tocaba guitarra acústica, aprendí con él. Nunca toqué demasiado bien. Cuando realmente me metí a todo esto fue a los trece.

Hacía música electrónica en el PC, programaba pistas y todo eso. Unos años más tarde me llegó toda la onda punk. Estaba rodeado de amigos que eran músicos, del tipo jazzeros y cosas así, entonces me daba la sensación que tenía que tener mucho conocimiento teórico para acercarme a cualquier tipo de instrumento. Pero me animé y le pedí la guitarra eléctrica a un amigo. De ahí en adelante me puse a hacer canciones. Lo que más me gusta de todo esto es componer, además que tengo mala memoria para las partituras y ese tipo de cosas”, cuenta Tomás.

Fue durante ese trayecto que se encontró con The Velvet Underground y “un montón de rock setentero”, como lo llama él. De ahí en adelante, ya hace tres años, llegó el turno de Howlers, su primera banda. “Tuvo mucho que ver con la escena incipiente de esa época. Yo era amigo de dos de los Cindy Sisters, que eran como el ‘espermio de avanzada’ de casi todas las bandas que hay ahora en la escena rockera. Ellos conocían al César, nuestro vocalista. Con él y los demás chicos nos juntamos antes en un carrete y vimos que estábamos vestidos parecidos, ahí parece que enganchamos de una”. Una anécdota que habla de lo que vendría después, con Howlers, donde los códigos de indumentaria quedan bastante claros, más allá de la música. Un aspecto controversial para algunos, al igual que su tendencia a escribir las letras en inglés, lo que ha generado críticas y comentarios. “Los Ganjas cantan en inglés, en parte eso nos dio el pase para hacerlo sin tapujos. Nos dieron mucho jugo cuando comenzamos con eso. Las canciones que hice estaban así y las del César también. Siempre he pensado que el código natural de esta música es en ese idioma. No es que algún género esté tachado para una lengua en particular, pero me parece que el rock latino tiene un camino propio y suena de una manera. Entonces, poner letras en español sobre el tipo de música que hacemos puede llegar a funcionar, pero a mi me suena más natural en inglés”, explica.

COLLAGE ROCK Para Tomás es difícil hablar de sí mismo, tiende a enredarse para explicar su posición dentro el grupo, pero tiene bastante claro lo que quiere generar para Howlers. “Me interesa tratar de innovar. Sé que suena cliché y es una estupidez hablar de la originalidad del artista, pero me gusta la idea de juntar influencias y unir cabos culturales que terminen por sorprender, o que no sea lo primero que se venga a la cabeza. Rescatar electrónica cincuentera por ejemplo, utilizar elementos que saquen lo que hacemos del formato plástico del rock, en el cual es re fácil caer una y otra vez en el mismo sonido”.

residiendo desde hace ocho meses. “Me gusta el disco un montón. Aún así ya tenemos maquetas para otro álbum. Tengo la impresión de que esto es un collage. Hay cosas que son muy de nuestro comienzo, muy garage y experimentos más actuales. Por eso se llama Red to Violet, es un espectro de colores”.

Una de las particularidades de Howlers es que durante su corta carrera ya han logrado salir de Chile para mostrar su trabajo. Primero una mini gira por Buenos Aires que de forma casual les dejó vivencias que jamás esperaron. “Nuestra manager en ese momento nos llevó. Eso estuvo muy entretenido, fue la primera experiencia de fantasía rockstar por una semana.

Habíamos tenido pocas entrevistas y nos tocó ir a la radio. Además, estar en el hotel, andar todos juntos como banda, fue muy divertido. Parecía que estábamos viviendo todo eso de sexo, drogas y rock n’ roll, aunque no sé si tanto… bueno sí, hubo, pero no a niveles tipo The Rolling Stones en los setenta”, cuenta el guitarrista entre risas.

Luego de cruzar la cordillera tuvieron un paso por la gran manzana gracias al concurso organizado por el diseñador John Varvatos, donde lograron tocar en su tienda, lugar donde se encontraba el mítico CBGB’s, quedando en segundo lugar y recibiendo la venia del público. “Pensábamos que lo habíamos pasado como rockstars en Buenos Aires pero Nueva York fue revelador. Tuvimos la suerte de entrar al certamen, nos fue bien y vivimos el sueño del pibe. Yo me quedé dos meses completos. Más que los otros chicos que estuvieron sólo uno. Durante ese período tuvimos un manager, hicimos tocatas y nos alimentamos de esa gigantesca y retorcida teta que es esa ciudad. Fue espectacular. Tuvimos la suerte de entrar por la puerta grande gracias a Varvatos; conocimos a The Horrors, Björk y pasamos por un montón de situaciones más. Allá se tiene la sensación de que está todo al alcance de la mano, como si pudieses llegar a tocar el estrellato pero a la vez dormir en el metro un par de noches -como nos sucedió-. Pasar por eso y al otro día estar en una galería con Aranofsky, así es Nueva York”.

De lo aprendido, Tomás tiene claro un par de cosas: “Yo creo que el mercado latino es difícil para Howlers, por el mismo hecho de cantar en inglés, y de alguna forma también lo pensé para que fuera así. La industria musical del continente es cerrada, es viable solamente en la zona, y los ejemplos de gente que ha triunfado (cantando en español) con creces en el extranjero está reservada para estrellas pop que nada tienen que ver con nosotros, todas encasilladas a sí mismas como ‘la atracción latina’.

Entonces, lo que se puede sacar en limpio es eso, que se deben utilizar más canales normalizadores para la apertura. Pasa con bandas como Sinergia, que tienen códigos muy locales; funcionan súper bien acá, pero al tratar de salir les cuesta mucho. En realidad, la gran lección es dejar de pensar a nivel local, que es muy propio de nuestra generación, donde nos sentimos menos lejos del mundo y más capacitados para competir con el resto”.

Actualmente se encuentra promocionando junto a su banda Red to Violet, primer LP de su carrera, que lo hizo volver desde Argentina, donde estaba

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FERNANDO MILAGROS

EFECTO DOMINÓ Por Andrés Panes Fotografía * Ignacio Gálvez

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reporte estudio

Está en los lugares indicados, a la hora precisa y con la gente correcta. Tocó en Estados Unidos y España, grabó con Caravana y Christina Rosenvinge, musicalizó dos películas y convenció a Cristián Heyne de producir su nuevo disco. Bajo el sello Quemasucabeza y con edición en vinilo asegurada, Fernando Milagros alista la salida de San Sebastián.

Fernando Milagros tenía que tocar a las diez de la noche del pasado jueves 26 de mayo, en el festival Primavera Sound. Pero nueve horas antes el cantautor estaba recién llegado a Barcelona y aún no lograba encontrar su hotel. En la espera de la van que lo llevaría a la dirección correcta, unos estadounidenses en iguales circunstancias le dijeron que se relajara, le contaron que era la quinta vez que ellos tocaban en España y que el desorden era la tónica de todos sus viajes. Eran Of Montreal, fogueados donde el santiaguino era un novato y tranquilos, pese a que debían presentarse dos horas antes que él.

“No teníamos prueba de sonido y yo estaba nervioso porque era un concierto muy importante”, recuerda. “El show lo partimos con muy poca gente, unas cincuenta personas. Pero hay tránsito permanente y automáticamente empieza a llenarse, al tercer tema teníamos cien y al final terminamos con unas seiscientas. Pasaban y se quedaban mirando el concierto. Es como tocar en la calle, tratas de llamar la atención de gente que no te va a ver a ti. Pensaba que iba a ser peor y al final, todo bien”.

Pasar antes por otro festival prestigioso, el South by Southwest (SXSW) en Texas, ayudó a Milagros a comprender dónde estaba y cuál era su rol en el certamen ibérico. “Hay que tener expectativas aterrizadas para no devolverse achacado”, asegura, “finalmente el viaje estuvo muy positivo y ahora la idea es no romper el vínculo con ese público”. De paso en Madrid, el cantautor afianzó el nexo con España al compartir escenario con Christina Rosenvinge y Nacho Vegas, para tocar el clásico ‘Death Is Not the End’ en un tributo a Bob Dylan a propósito de su cumpleaños número 70.

“Después de eso, nos fuimos a ver a Bill Callahan”, cuenta Fernando Milagros. La amistad entre él y Rosenvinge floreció pocos días antes, en Santiago, gracias a la invitación que el músico recibió para telonearla.

Ambos simpatizaron al punto de que el solista fue convocado a tocar dos temas suyos en el concierto de la madrileña en Amanda y luego a parchar a Charlie Bautista -miembro de la banda de apoyo que tuvo que dejar Chile antes que sus compañeros- en la guitarra.

“Antes de irse, ella misma me ofreció colaborar”, afirma el cantautor. “Le mostré todos los temas que tenía para el nuevo disco y se fijó especialmente en dos, entonces vino la idea de grabarlos y también de tocarlos en vivo juntos en su despedida. Quedó bastante interesante. Son dos canciones acústicas: en una ella sólo hace coros y en la otra, participa con todas las de la ley. Me gusta su último disco -La Joven Dolores (Warner, 2011)-, lo tengo en mi iPod, pero antes también escuchaba sus singles taquilleros de los noventas. Son un poco nuestros, por una cosa generacional, yo tenía 14 años cuando estaban de moda.

Para alimentar la espera por su venidero tercer álbum, titulado San Sebastián, Fernando Milagros compartió en la red un video, a modo de sinopsis, en que él y Rosenvinge aparecen trabajando en el estudio mientras suena el fruto de esa labor, ‘Pedazos (Niño Bomba)’. Lo difuso del registro vocal y la quietud que imprime la guitarra acústica empañan, en cierta

medida, la primera impresión sobre el nuevo material del santiaguino, que en sus propias palabras es “oscuro, religioso y raro”.

“Estoy pegado con las imágenes apocalípticas. Las fotos del Volcán Puyehue que publicó Times parecen sacadas en Marte, pero son de acá, del sur de Chile. Fantaseo con ese tipo de ideas, como la de que algo está cambiando. El disco es una visión en torno a eso. Casi todas las letras están escritas desde el lugar de alguien que está como el personaje de Viggo Mortensen en The Road (John Hillcoat, 2009), buscando algo para comer”.

El productor de San Sebastián es Cristián Heyne, arquitecto de los discos chilenos que gustan en España, es decir, los últimos de Gepe, Dënver y Javiera Mena. “Yo sabía que me faltaba una visión externa. Podía perfectamente hacerme cargo yo, pero era más interesante ponerme en conflicto con otra mirada”, apunta Milagros, “quise que chocara lo que yo hago, que es algo austero, contra lo que hace Cristián. Llegué con veinte maquetas a su oficina y ahora sólo quedan diez. Hay una tensión interesante, las guitarras están tratadas de una manera distinta, pero no será un disco de pop”.

“Con quién trabajar fue un tema que pensé mucho, hasta que junto a Heyne llegamos a la conclusión de que yo tenía que hacer la mayor cantidad de cosas posibles –detalla-. Aunque no me guste reconocerlo, estoy cada vez más quisquilloso con las canciones, si puedo resolver un arreglo, prefiero encargarme que explicarle a otra persona. Además, es la mejor opción para un disco como éste, que es bien íntimo y autobiográfico.

Sólo aparece Gepe en batería y algunos aportes de Felipe Ruz y Sebastián Orellana de Philipina Bitch”.

Tras lanzar su debut por el desaparecido sello Neurotyka en 2007 y dos años después su sucesor por Oveja Negra, Fernando Milagros recaló en Quemasucabeza, donde el año pasado presentó -en lo que él mismo denomina “una edición de batalla”- el registro en vivo En Estudio Elefante.

Y así como los últimos trabajos de la etiqueta -llámese Gepe, Pedropiedra y Caravana-, San Sebastián será editado en vinilo. “No hay que pensar en el disco como única vía para escuchar música, sino como merchandising.

Es un fetiche que puede tener varios formatos”, sentencia. “Igual rezo por la gente que pelea contra esa tendencia, pero creo que su forma de ver las cosas no va más”.

“El 2011 ha estado muy movido. No sé cómo me alcanza el tiempo.

Compuse la música para el documental Hija de María Paz González y con Cristóbal Carvajal grabamos los incidentales de la película Mi Último Round de Julio Jorquera. Eso sí, hay que tener cuidado de no acabronarse ni repetirse porque la gente se aburre. Por eso ahora estoy probando otro sonido, casi había olvidado que mi idea como Fernando Milagros era tener una onda medio desarmada y opuesta a la de las bandas que tocan rock de cuatro cuartos, porque ese esquema ya lo encuentro un poco fome. La gracia de ser solista es reinventarse todo el rato”.

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entrevista

Katerine Gierak Lisura punzante

Por Javiera Tapia Fotografía * Daniela Leon

No habla español, y aunque tuvo la oportunidad de aprenderlo, eligió estudiar italiano. Ahora dice que se arrepiente, porque no existen muchas ocasiones para utilizarlo. Es extremadamente alta. Llega a una habitación y su impronta se nota: botas, chaqueta de cuero y pelo desgarbado. Pero a pesar de esa faz dura, saluda y se sienta en el sofá con ojos expectantes, como esperando a ver qué le depara su primera visita a Chile.

Katerine Gierak aterrizó en el país junto a su banda para realizar una concierto en el marco de La Fête de la Musique, un festejo que nació en Francia en 1982 para los solsticios de invierno y verano, y que actualmente se celebra en más de cien países. “Ya hemos visitado otros lugares de América Latina, y la verdad es que nos ha sorprendido la respuesta de los países que no son francoparlantes”. Pero la experiencia no terminó acá.

Después del show en Centro Cultural Amanda, la agrupación se presentó en el festival Ciudad Emergente, de la ciudad de Buenos Aires. “La verdad es que nunca he tenido una relación directa con Latinoamérica. Me fascina el idioma, como suena, pero no sé hablarlo”, confiesa. Además, a modo de anécdota afirma que luego de leer Tristes Trópicos de Claude Lévi-Strauss -un relato etnográfico del autor durante su experiencia en Brasil entre 1935 y 1938- escribió ‘Sioux’, una canción sobre los indígenas, track diez de su última publicación. “Me llama mucho la atención todo lo que pasa acá. Particularmente, yo soy de izquierda, y a medida que avanzo reafirmo la idea de que el capitalismo es algo asqueroso, que ha provocado mucho daño y bajo ese contexto, creo que es extraordinario que Brasil, siendo un país tan grande y rico, sea gobernado por una persona de izquierda”, declara. “No sé qué es lo que tiene este continente que nos llama tanto la atención a los europeos. Tengo una amiga que vive en Bolivia. Creo que es algo desde el punto de vista humano, la energía”, remata.

Con tres discos bajo el brazo, la banda siempre se ha movido en las arenas del rock, aunque variando intensidades en cada entrega. La diferencia se hace patente entre su debut Ça Me Vexe (EMI, 2006), el rockero Jamais la paix (EMI, 2008) y su último larga duración Jouer Dehors (EMI, 2011), un disco potente, pero al mismo tiempo, de sonidos algo más calmos y tersos. “Ahora quería más melodías, a diferencia del primero, donde

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Katerine y su banda Mademoiselle K visitaron Chile en junio, en el marco de La Fête de la Musique, ciclo realizado por el Centro Cultural Amanda y la Embajada de Francia. Este fue su primer acercamiento con el país. “El primero de muchos”, espera.

deseaba más ruido. Generalmente, cuando termino un álbum, ya sé para dónde voy con el siguiente. En el caso del tercero, el concepto central era, si mañana nos quedamos sin electricidad y estoy sola en la pampa, quiero ser capaz de poder tocar mis canciones sólo con una guitarra”. Instrumento con el que profesa una comunión de años. “Yo fui durante mucho tiempo guitarrista clásica. Componía canciones pero creía que les faltaba energía. Necesitaba que tuvieran más movimiento, que se pudieran bailar también. Entonces compré una eléctrica y la encontré mucho más lúdica, sencilla y divertida. Cuando enciendes el amplificador a todo volumen, el sonido es increíble. Es algo que con la clásica no puedes obtener”.

Además, la inquietud por esa sonoridad punzante llegó de la mano de los discos que escuchaba. “Soy fanática de Radiohead, The Clash y de las bandas inglesas en general. En el tiempo en que comencé a componer, creo que Radiohead me acercó a investigar y descubrir su discografía como ningún otro grupo lo ha hecho. Soy muy asidua a escuchar los singles de las radios, también. Nunca me he limitado a un tipo de música. He mezclado clásica y rock, me he ido nutriendo”, asegura. Por otra parte, Gierak lleva un camino curtido en este mundo desde diferentes esferas. Es compositora, intérprete y durante seis años habitó las aulas de la Sorbonne-París IV, realizando estudios de musicología. Y como oyente, cuenta que no puede despegarse de The Kills, David Bowie y Arcade Fire.

“Siento que The Suburbs (Merch, 2010) es música muy actual, además de épico. Creo que traduce por completo el mundo en el que estamos viviendo”.

Katerine es una artista desenmarcada completamente de la chanson. A ella le viene bien el ruido y ese descaro al escribir, junto a su estampa en el escenario, lo comprueban. En sus letras, constantemente presenta cuestionamientos, incluso de su propia sexualidad. “¿Y yo mamá? ¿Mamá?/ En una escala de X a Y/ ¿Quién soy yo?”, se puede escuchar en ‘Maman XY’. Al conocerla, escucharla hablar y verla interpretando con tal fortaleza, da la impresión de que todo importara mucho, pero al mismo tiempo, nada es trascendental ni tan grave como para callar todas aquellas preguntas que rondan día a día en su cabeza.

reportaje

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ur discos ba na

GusGus

Arabian Horse (Kompakt)

En el trabajo anterior de GusGus, 24/7 (Kompakt, 2009), se hizo patente la experimentación de esta banda, con un disco más bien difuso. En esta ocasión, los islandeses nos entregan una placa que suena más auténtica y cercana a los sonidos y ritmos que nos embelesaron alguna vez, hace ya varios años. ‘Selfoss’, el instrumental que marca el comienzo de Arabian Horse, nos presenta sintetizadores líquidos y atmosféricos y un inesperado final gitano. De ahí en adelante, se reinaugura la pista de baile, con aires de himno de los noventas embelesado por voces suaves y profundas. Así se sitúan ‘Be with Me Now’, ‘Over’ y ‘Arabian Horse’. Se destaca también ‘Magnified Love’, una vuelta en el tiempo que rescata el sonido de Attention (Underwater Records, 2002).

Estamos frente a un regreso digno, con un manejo arquitectónico del espacio sonoro, que comprueba que menos es mucho más.

Juan Francisco Guzmán myspace.com/gusgus

Sondre Lerche

Sondre Lerche (Mona Records) Con seis discos de estudio y una banda sonora compuesta casi en su totalidad por él, hablar de Sondre Lerche como una promesa del songwriting es completamente irrisorio. A estas alturas, el noruego es un experto en la materia, un joven que se mueve con aires y matices propios y que no teme probar cosas nuevas. En Sondre Lerche, su más reciente placa, queda absolutamente demostrado que, de ahora en adelante, Lerche ya no podrá ser mirado como un novato ni una apuesta. Mezclas de tempos, subidas y bajadas de tonos, rock y baladas; todo en una fusión absolutamente bien ejecutada. Este nuevo material, sin duda, se encuentra dentro de lo más destacado de su carrera. Quizás un poco menos digerible que sus anteriores álbumes, pero lleno de talento, versatilidad y experimentación. De aquí a donde quieras, estimado Sondre.

Diego Huenchur myspace.com/sondrelerche

Tape

Ford & Lopatin

Death Cab For Cutie

EMA

Revelationes (Häpna)

Channel Pressure (Software)

Codes And Keys (Atlantic Records)

Past Life Martyred Saints (Sou Terrain Transmissions)

El trío de Estocolmo registra el quinto disco de su carrera, continuando con la marca cinemática que se ha transformado en su característica principal. Pasajes instrumentales que varían entre la ambientación electrónica y la inclusión de elementos más cercanos a la música de cámara y al jazz, conforman su perfil esencial. Percusiones suaves, punteos de guitarras pausados y teclados taciturnos son parte de los elementos que se van conjugando para lograr este sonido, que se le ha asimilado a lo que vendría siendo un cruce entre Tortoise y Dirty Three, junto a la fase más intimista de Yo La Tengo. Aunque sin grandes variaciones, resulta ser una grata compañía de sobremesa. Esa falta de pretensiones grandilocuentes, por una parte se aprecia como un signo saludable, pero por otra les resta reconocimiento a lo hecho en estos once años de trayectoria.

Rodrigo Salinas

Daniel Lopatin (Oneohtrix Point Never) y Joel Ford (Tigercity) se hicieron conocidos por un EP bajo el nombre de Games el año pasado y por problemas legales no pudieron seguir con ese apodo.

Este año vuelven como Ford & Lopatin con un disco conceptual basado en las aventuras de un anti-heroe virtual llamado Roger, que lucha contra un súper ordenador y sus ejércitos de robots que controlan la industria musical del futuro.

Para eso han creado Channel Pressure, la banda sonora ideal para esta historia.

Elaborado con equipos de los ochentas y plagado de ritmos sintéticos, pop retro futurista y soft rock, el álbum contó con la presencia de Scott Herren (Prefuse 73) como productor. Con hits inmediatos como ‘Emergency Room’, la nueva apuesta de este dúo se materializa en un trabajo fresco, capaz de dejar con una grata sensación vintage.

José Antonio Sepúlveda

Luego de tres años, los chicos de DCFC vuelven con un disco de estudio que es, quizás, su trabajo más innovador. Con Codes and Keys los códigos musicales cambian y la clave característica de la banda ya no se concentra en la envolvente voz de Ben Gibbard, sino que forma parte de una exquisita gama de sonidos constituidos por pianos, teclados, violines y diversos elementos electrónicos que, administrados con sutileza, hacen de esta placa una propuesta realmente fresca. Las guitarras y bajos no se quedan atrás y se entregan completamente al nuevo estilo de canciones como ‘Monday Morning’, ‘Portable Television’ y ‘Underneath the Sycam’, que suenan ligeras, libres y alejadas de los oscuros tiempos de desamor que, atendiendo al gusto de sus seguidores más conservadores, reaparece en un intenso y perfecto ‘Stay Young, Go Dancing’.

Pamela Palma

Desde la sureña Dakota estadounidense se ha levantado una verdadera polvareda musical con la aparición de Erika M. Anderson. EMA, como se hace llamar, colma su trabajo con la superposición de sonidos que acompañan su voz, que puede ser delicada, desgarradora o potente, dependiendo, claro está, hacia qué sentimiento o sensación nos quiere acercar. A esto se le suma una excelente interpretación en guitarra y sintetizadores, los que hacen sentir que al disco no le falta nada. En este sentido, ‘The Grey Ship’, ‘California’ y ‘Anteroom’ son un poderoso triunvirato que nos lleva a un camino lleno de capas que superponen sonidos folk, pop, rock y electrónicos. No son pocos los que han saltado a compararla con PJ Harvey y es que su talento la acerca a esta musa del sonido; aunque, claramente, tiene mucho camino por recorrer para equipararla.

Andrés Venegas.

myspace.com/tapesthlm

softwarelabel.net

myspace.com/deathcabforcutie

www.souterraintransmissions.com

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OKKERVIL RIVER

I am Very Far (Jagjaguwar) ¿Cómo causar impacto sin cambiar la fórmula? ¿Cómo llamar la atención sin traicionar aquello que es natural?

Tal vez no haya respuesta universal para estas preguntas, pero Okkervil River se dio maña para encontrar la manera de hacerlo; y a fines de marzo, cuando lanzaron el primer sencillo de este álbum, ‘Wake and Be Fine’, quedó clara cuál era la apuesta. Aquel sonido folk que les es tan propio ahora está sazonado con kilos de intensidad, bordeando la fina línea que separa la ambición de la pretensión sin jamás cruzarla. El resultado, pues, refleja a una banda tan honesta como en sus inicios, pero con la sapiencia del camino recorrido. El combo de Austin maneja las sutilezas con maestría, llenando de pequeños arreglos y detalles cada rincón de I Am Very Far. Y al final, no deja de ser curioso cómo un disco con ese título se mete con tanta facilidad bajo la piel.

Sebastián Amado C. myspace.com/okkervilriver

Tune-Yards

Stephen Marley

Mick Harvey

VARIOS ARTISTAS

WHOKILL (4AD)

Revelation Part 1: The Roof of Life (Universal Republic)

Sketches From The Book Of The Dead (Mute)

Stockholm Belongs To Us: A Labrador Records Compilation (Labrador)

De entrada, ésta es música lúdica y con ganas de entretener. Atrás de este patchwork de sonidos, loops, voces y locura está la genialidad de Merril Garbus, una artista que, en base a ukuleles y sintetizadores, logra una experimentación musical con aires de afrobeat narcótico. Un revoltijo que termina siendo único y persuasivo. Y esa es la verdadera gracia: el ejercicio de mixturas vocales, bases y repeticiones con los que trabaja Garbus conquista desde los inicios, porque suena sencillamente infantil y profundamente desestructurado. W H O K I L L es un paso más acabado y atrevido en la corta historia de esta investigadora poseída por Fela Kuti, luego de BirdBrains (4AD, 2009), el debut que sirvió para prender luces de alerta sobre lo que aquí podría pasar. Ahora, lo que importa es no perderla de vista para seguir pasándolo bien.

Martín De Mussy

Sin duda es uno de los discos más esperados y que ha generado más expectación dentro de la escena del reggae/hip hop. Luego de un tremendo debut con Mind Control (Tuff Gong, 2007), muchos estaban ansiosos por saber cómo superaría la barrera que él mismo había dejado bastante alta. Revelation Part 1: The Roof of Life es un disco que se desmarca desde el primer minuto de su exitoso antecesor, ya que casi no hay tintes de hip hop, en cambio hay mucho más reggae melódico, lo que genera una extraña simbiosis con las canciones de su padre, ya que para muchos es el hijo de Marley que tiene el registro vocal más parecido a él. Revelation..., como su título lo dice, es la primera parte del triunfal regreso del hijo pródigo. Ojalá no tengamos que esperar tanto tiempo para escuchar su continuación.

Por Aníbal Valenzuela

La muerte como balada ya es un género en sí mismo. Varios se han puesto en disposición lúgubre para retratar las historias de la guadaña, partiendo por el propio Johnny Cash, a veces un Dylan espirituado e incluso un bizarro Sting; aunque a quienes siempre les ha quedado mejor el traje oscuro ha sido a Nick Cave y sus semillas. Pero hoy, cuando Cave está dedicado al blues explosivo de Grinderman, el puesto de narrador fatal parece haber quedado vacante. Quien mejor entonces para tomar la posta que Mick Harvey, el antiguo comandante de los Bad Seeds, que desde su último álbum decide cantarle a la muerte con pianos tristes y arreglos sentidos. Son canciones como `The Ballad Of Jay Givens´, `That´s All, Paul` o `Famous Last Words` los mejores ejemplos de que ese último momento en donde se termina la vida puede también ser retorcidamente maravilloso e inspirador.

Martín De Mussy

Con más de una década de historia y nombres claves del pop actual en su catálogo, resulta imposible pasar por alto la importancia que tiene el sello sueco Labrador. Fundado por Johan Angergård -integrante de Club 8, Acid House Kings y The Legends-, hoy agrupa a una serie de artistas que reflejan a la perfección aquellos elementos que caracterizan a esta disquera. Ensalzando los sonidos amables, la dulzura y calidez de sus discos, ya se sabe, es inconfundible. Stockholm Belongs to Us... viene a reconfirmar todo esto con un muestrario delicioso de colores y melodías. A los ya mencionados se suman The Radio Dept. -quizás los únicos que salen un poco del molde-, Sambassadeur y varios más, y el resultado son 21 caramelos auditivos que, si no te vas con cuidado, te harán adicto. Aunque el único efecto secundario de esta droga es dejarte con una sonrisa permanente, en los labios y en los oídos.

myspace.com/tuneyards

myspace.com/stephenmarley

myspace.com/mickharvey

myspace.com/paulsimon

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Sebastián Amado C.

ur discos ba na

Looptroop Rockers

Professional Dreamers (Bad Taste)

Una de las buenas sorpresas que nos ha dado este 2011 es Professional Dreamers: un disco verdaderamente redondo. Si bien en lo estricto podría considerarse enteramente dentro del hip hop, tiene aires de reggae y hasta dubstep en algunos minutos, lo que lo transforma en una suerte de híbrido perfecto para los adictos a los bajos. Pero lo mejor de todo es que en su sonido hay tintes futuristas que aportan frescura a un estilo que muchas veces se queda pegado en lo mismo, repitiendo fórmulas que han dado resultado universalmente o que simplemente se pasa a la vereda del rap comercial, que hasta se confunde con el reggetón de turno. No es el caso de Looptroop Rockers, un trío que suena exactamente como tiene que sonar. Estamos frente a la evolución de un grupo con sus influencias claras y capaz de adaptarse a los sonidos contemporáneos.

Aníbal Valenzuela myspace.com/looptrooprockers

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Garage a Trois

Bon Iver

Always Be Happy, But Stay Evil (Royal Potato Family)

Bon Iver (Jagjaguwar)

El Nu-jazz ya no es nuevo, pero siempre es fuente de excelentes noticias.

En este caso, el quinto disco de este cuarteto de Nueva Orleáns nos presenta distintos sabores que nos recuerdan a ratos a Jaga Jazzist o a Pink Freud, entre otros. El viaje comienza con ‘Omar’ y una melodía optimista, con los excelentes teclados de Marco Benevento, que aporta con la atmósfera de Funk precisa a una pieza de jazz fusión. Entre tanto, temas como ‘Swellage’ y ‘Babby Mamma Drama’ podrían ser sacados de películas de detectives con una cuota de humor.

También destaca ‘Earl Harvin’, que en apenas cuatro minutos nos mueve entre varios estados diferentes. Este el segundo trabajo con Benevento, reemplazo de Charlie Hunter, quien tocaba una guitarra de ocho cuerdas. El pianista, por su parte, ayuda al flujo creativo de la banda, que se consolida en esta placa.

Juan Francisco Guzmán

Revirtiendo el agudo pero sutil grito de dolor de uno de los discos más sinceros de la escena indie, For Emma, Forever Ago (Jagjaguwar, 2007), Justin Vernon vuelve a desnudarse, pero esta vez al compás de un evolucionado y homónimo segundo disco. Y es que, junto a la compañía de los multiinstrumentistas Mike Noyce y Sean Carey, más que abandonar el estilo melancólico de su primera producción, lo transforma y hace de esta nueva placa un producto rehabilitador, sustituyendo lágrimas y tortuosos cuestionamientos por el suave eco de voces, guitarras y tambores de guerra que deciden hacer el amor. Un disco que se constituye desde la nostalgia, con canciones que llevan el aroma de ciudades que Vernon alguna vez recorrió, como ‘Preth’ o ‘Wash‘ que, si bien mantienen la carga de experiencias y recuerdos profundos, hoy placenteramente ya no duelen.

Pamela Palma

www.garageatrois.net

myspace.com/boniver

KAISER CHIEFS

Paul Simon

The Future is Medieval (B-Unique Records)

So Beautiful or So What (Hear Music)

Tres años de espera para el cuarto álbum de Kaiser Chiefs, el cual desarrolla una nueva estrategia –u opción- para llegar sus fans y al público en general: desde su sitio web, se pueden elegir entre los veinte temas que pone a disposición la banda para así, crear un orden a criterio personal. ¿Un nuevo camino para el futuro de la música? Ayuda, pero no es la solución a la alicaída industria. The Future is Medieval muestra a la banda con un sonido más maduro y lleno de matices que en sus anteriores trabajos, siempre manteniendo la energía que los caracteriza; como en ‘My Place is Here’. Las influencias de los cincuentas y sesentas afloran en cada melodía de órgano y riff de guitarra. Destacan la delicada ‘Coming Up For Air’ y ‘Heard It Break’.

Y si bien no posee éxitos como ‘I Predict a Riot’, tal vez su valor agregado radique en esto mismo.

Cristián Carrasco

Quien piense que Paul Simon siempre vivió a la sombra de Dylan, que sólo tuvo importancia cuando fue parte de un dúo o que hace tiempo que está añejo, puede darse una vuelta por So Beautiful Or So What y arrepentirse de sus palabras. El último trabajo del de Brooklyn es un ejercicio precioso de folk con raíces del mundo africano que no es empalagoso ni forzado, sino más bien preciso en su mezcla, tal como lo hizo años atrás con su maravilloso Graceland (Warner,1986). Son 38 minutos de canciones llenas de historias cálidas y detalles precisos que hacen recordar el impresionante talento melódico que tiene Simon y que sólo otros cuantos genios en la historia de la música han podido demostrar (léase Brian Wilson, Lennon/McCartney o Stephen Merritt).

Un verdadero retorno en forma de nuestro trovador más sencillo, iluminado y capaz.

Martín De Mussy

myspace.com/kaiserchiefs

myspace.com/paulsimon

Belong

Wild Beasts

Sun Glitters

Achira

Common Era (Kranky)

Smother (Domino)

Everything Could Be Fine (Edición independiente)

Disco Imaginario (Mundo Nativo)

A finales de 2006 apareció October language bajo el alero del sello Carpark Records; un disco bastante intenso, lleno de capas de ruido blanco y guitarras que gritaban influencias de Fennesz, Loop o Flying Saucer Attack.

Cinco años después, el dúo de Nueva Orleans vuelve con Common Era, esta vez apadrinados por la etiqueta Kranky. Un elepé marcado por un giro en su sonido, que los lleva a ejecutar estructuras más poperas en sus canciones, pero que también trae de vuelta lo denso y lo ambiental, de la mano de teclados ceremoniales y una buena dosis de shoegaze, en un trabajo con altas influencias de My Bloody Valentine -como ejemplo está el tema ‘Come see’-; pero también se nota algo de Slowdive, Main o incluso Joy Division. Belong nos entrega música fresca y melancólica, un disco que desde ya estará en los listados de lo mejor del año.

Jose Antonio Sepulveda

Este cuarteto inglés, proveniente de la ciudad de Kendal, sabe cómo hacer las cosas bien sin caer en el camino fácil. Luego del éxito de la crítica que provocó su antecesor Two Dancers (Domino, 2009) el paso lógico era dar en el pulso un tanto más comercial que ya estaba explotando su krautrock funkeado, pero en vez de eso decidieron probar suerte en la construcción de atmósferas musicales que vuelven a alimentar el espíritu sonoro alemán de nombres como Neu y en especial del Bowie berlinesco. La voz inconfundible y aguda de Hayden Thorpe funciona como la mejor conducción en cada una de las canciones que van dando forma a este gran disco del 2011, desde la intensidad de los teclados de `Lion´s Share`, el aire siniestro de `Bed Of Nails` hasta la propuesta desestructurada de la gigantesca `Albatross`. Al final, un disco brillante por donde se le mire.

Martín De Mussy

Entre beats arrastrados y finas voces sugiriendo delicias, está el eje sonoro de lo que Víctor Ferreira, músico y fotógrafo luxemburgués, propone en este sabroso disco de ejercicios compositivos tras perillas y teclas.

Las referencias inmediatas remiten a Burial, aunque en este caso, con un halo que dista del espesor y oscurantismo de éste. Más bien, los dardos apuntan hacia un blanco sexy con una ambientación misteriosa y ácida que, cual doncella árabe tras un velo, deja entrever las formas que la componen, sugiriendo en vez de enseñar directamente. La reiteración de sampleos es su principal elemento que, entrecortando voces y sonidos de atmósferas tenues, va conformando esta suerte de perfume narcótico, capaz de despojar al oyente de ciertos apegos para transportarlo a una realidad insulsa. Un álbum para dejarse embobar.

Rodrigo Salinas

Desde el valle interior de la Quinta Región, específicamente de Quilpué, nos llega este dúo que juega con la trova, agregándole claras inspiraciones personales, vivénciales, de la calle, de la resaca y del volátil pasar por la vida. Canciones con toques latinos que se pasean por lo progresivo y el jazz, con un dejo de folclore que le da una sutileza característica de los músicos de la región: fusionados entre el cielo y el mar, entre la locura y la cordura, entre las lágrimas y la risa fácil. La elocuencia que posee este disco es tal, que sólo basta reconocer en sus letras una poética simple y cotidiana, proveniente de un hablar normal y claro, y capaz de darse a entender con acordes. Sin duda, una placa que provoca, incita y cautiva desde la delicada forma en que la naturaleza nos hipnotiza hasta la manera en que sus historias llegan al corazón.

Jorge Rubio

myspace.com/belongmusic

myspace.com/wildbeasts

Babasónicos

A Propósito (Universal Music/ Crack) Veinte años de carrera no los cumple cualquier banda. Babasónicos los tiene y para celebrarlos nos regalan A Propósito, un álbum a la altura y que marca un nuevo remezón. Diez son las canciones que en el papel dejarán a varios viudos en el camino; trece, incluyendo las ocultas, son las que realmente demuestran la completa evolución. Ya no queda mucho de la insolencia explícita que contenían sus letras. Hoy están más cautos, sutiles, selectos y maduros. Héroes urbanos que mecánicamente han mutado y mejorado a lo largo del tiempo. Se nota que disfrutan el placer de contradecirse: ‘Deshoras’ y ‘Muñeco de Haití’ son los mejores ejemplos. Un premio para los fans que, luego de tres años, morían de hambre tras Mucho (Universal, 2008). Pero por fin llegó el pedido y no hay que confundirse... pues la arrogancia no se les quitará jamás.

Mauricio Aravena Z. www.babasonicos.com

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www.sunglitters.com

myspace.com/grupoachira

BLACK COUNTRY COMMUNION

The Death Set

Ada

Matthew Cooper

2 (Mascot)

Michel Poiccard (Counter Records)

Meine Zarten Pfoten (Pampa Records)

Some Days Are Better Than Others (Temporary Residence Ltd.)

Glenn Hughes, Joe Bonamassa y Jason Bonham traen de vuelta al ruedo del rock a Black Country Comunión, con una segunda placa sencillamente titulada 2. Y en la simpleza de este título se podría apreciar la dura honestidad con que ellos ven la música. Es decir, una mirada de rock puro y sin adornos innecesarios; aunque esto, a veces, limite su propuesta. ‘The Outsider’ es el tema de entrada y nos recibe con un gancho directo a la mandíbula; luego ‘Man in the middle’ y ‘Smockestack woman’ nos recuerdan que el viaje continúa y no hay tiempo para descansar. Pero no sólo de guitarras pesadas y cabezas agitadas vive BCC, porque en canciones como ‘Little Secret’ y ‘Cold’ también son capaces de variar. Un disco interesante y bien logrado, de la mano de un grupo que debe tener cuidado en no convertirse en rehén del concepto que usa como estandarte.

Andrés Venegas

Desorden, fiesta y actitud emanan de un disco que se porta muy mal y poco le importa. Mezclando sonidos electrónicos vintage y guitarras punketas, la segunda entrega de The Death Set -ahora trío- es un punto medio entre Bad Brains, JAMC y Ringo Deathstarr.

Se trata de 17 temas llenos de energía, letras sin demasiado contenido y una atmósfera de día de playa quinceañero. Destacan de esta placa las canciones ‘I Miss You Beau Velasco’ –el tema más largo, con cuatro minutos y fracción-, ‘It’s Another Day’ -que se levanta como el himno que todos podrían corear-, y ‘I Been Searching For This Song Called Fashion’ –con un aire al sonido de los Kaiser Chiefs-.

‘Can You Seen Straight’ nos muestra el lado emotivo del disco, pero no deja de lado una explosión de energía y desenfreno.

Juan Francisco Guzmán

Ada es una chica de Colonia que fundó hace algún tiempo un sello llamado Areal. En 2004 lanzó Blondie, un disco que trajo aires fresco a una escena alemana un poco sobre agitada con el fenómeno minimal house. Este año vuelve con Meine Zarten Pfoten, una mezcla de canciones estructuradas de forma folk, que dejan de lado la pista de baile. El álbum parte con ‘Faith’, un cover de Lucious Jackson, donde Ada ejecuta el tema con guitarra acustica y una delicada base; de ahí en adelante la placa se interna en sonoridades llenas de melancolía, que a ratos transporta a una vida rural alejada la noche y su cultura de club. Ada a creado una obra femenina, donde deja ver su admiración e influencia por un montón de mujeres como Laurie Anderson, sin olvidar ese lado robótico en las melodías que la caracterizaron en un principio.

José Antonio Sepúlveda

Matthew Cooper lleva varios años formándose un camino dentro de lo que es el ambient y la música experimental. Sin embargo, parece un completo desconocido cuando ocupa su nombre de pila, pues es más familiar al adoptar su apodo Eluvium.

Su último proyecto es este sundtrack elaborado para Some Days Are Better Than Others, primer film de Matt McCormick, quien ha hecho carrera como director de videoclips y cortometrajes. En la cinta –protagonizada por la voz de The Shins, James Mercer, y la ex Sleater Kinney, Carrie Brownstein-, la música de Cooper nos transporta a lugares inusitados, capaces de recorrer diversos estados de la vida humana, pero mostrando una desventaja. Al ser parte de algo más englobado, depende mucho del film. Empero, los trece tracks que conforman este opus motivan a conseguir los medios para verla.

Jean Parraguez

myspace.com/bccommunion

myspace.com/thedeathset

myspace.com/wwwmyspacecomada

myspace.com/eluviumtaken

DANGER MOUSE & DANIELE LUPPI

Rome (Capitol) Debe ser, por lejos, uno de los proyectos más bullados de este 2011.

Una apuesta atractiva de por sí, en el mero papel, y más aún tras las ansias generadas por meses de espera en base a una dieta de breves muestras.

No era para menos, con el cónclave de nombres involucrados en este material: Danger Mouse como productor y Daniele Luppi como compositor, las mentes creativas tras esta placa. Jack White y Norah Jones, las voces invitadas que le otorgan aún más estilo a composiciones grabadas por perennes instrumentistas italianos, con el lujo de tener a la mítica Cantori Moderni en los coros, la misma que grabara con Ennio Morricone en los ‘60. Así, después de escuchar por primera vez los 35 minutos que componen Rome, podemos estar tranquilos, sonrientes y prestos a darle repeat una y otra vez a esta joya atemporal, perfecta para cualquier clima.

Sebastián Amado C. myspace.com/romealbum

CITY AND COLOUR

The Lonely Island

Little Hell (Vagrant Records)

Turtleneck & Chain (Universal Republic)

Dallas Green, guitarrista de la banda canadiense de post hardcore Alexisonfire, desarrolla en su proyecto paralelo, City and Colour, toda su faceta Folk, la cual desborda sentimiento y una delicadeza que se aleja considerablemente de su banda de cabecera. En éste, su tercer disco de estudio, los temas recorren un camino puro y sin mayores problemas en la senda de letras llenas de historias conmovedoras y experiencias, donde Green deja en claro que lo suyo es la sencillez de la guitarra sureña, en canciones como ‘Grand Optimist’ o ‘We Found Each Other in the Dark’, hasta llegar a himnos del tamaño de ‘Fragile Bird’ o ‘Weightless’. La piedra angular de City and Colour es la voz, pero en esta entrega se aleja en parte de sus anteriores trabajos, ya que da espacio a mas instrumentos, pero sin perder el alma que lo caracteriza.

Cristián Carrasco

Luego de un exitoso y altamente divertido Incredibad (Universal Republic, 2009), Akiva Schaffer, Jorma Taccone y Andy Samberg vuelven a la carga con una nueva dosis de hip hop burlesco y descarado. Acá, nuevamente, The Lonely Island, banda creada de las entrañas del mítico programa estadounidense Saturday Night Live, se encarga de cantar sobre cosas cotidianas en compás de burla. Y en esta nueva placa nadie se salva: ni Rocky ni Jack Sparrow.

Acá se dispara a todos por igual. En esta nueva aventura, las rimas, los sonidos y la calidad musical asombran, sobre todo para un disco que nace de la comedia. Además, ¿quién se da el lujo de tener a Santigold, Beck, Snoop Dogg, Akon, Justin Timberlake y al incónico Michael Bolton sólo para mofarse un rato? Larga vida a The Lonely Island y que la comedia esté con ustedes.

Diego Huenchur

myspace.com/dallasgreen

myspace.com/thelonelyisland

Dominik Eulberg

Red Snapper

Diorama (Traum Schallplatten)

Key (V2 Records)

Buscando sonoridades frescas, cercanas al techno, minimal y ambient, Eulberg pretende mostrarnos los paisajes y experiencias que ha tenido con la naturaleza (fue guardabosques y estudia Biología) y, en su cuarto álbum, nos entrega once tracks sumamente melódicos. ‘TaeuschungsBlume’ marca la apertura: una pieza que coquetea con el downtempo y el leftfield. Mientras ‘Echomaus’, ‘H2O’ y ‘Das Neunauge’, están orientadas a la pista de baile, sin dejar la evolución y los sonidos aletargados propios de esta placa. En la otra esquina nos encontramos con ‘Die 3 Millionen Musketiere’ y ‘Aeronaut’, ambos con baterías irregulares y complejas -propias del IDM-. Destaca ‘Islandmuschel 400’, de delicada manufactura, con dejos de mantra sagrado.

Recomendable para los amantes de las cuatro variantes de la electrónica nombradas anteriormente.

Juan Francisco Guzmán

Esta banda vio la luz en Warp records, tres discos atrás, con Prince Blimey (Warp, 1996), siempre cultivando un acid jazz que se caracterizaba por el uso duro de los efectos en la composición.

Hoy nos trae un álbum muy completo, libre en sub estilos, pero muy compacto como mensaje; que nos brinda paseos en clave de rock con temas como ‘Loveboat’ y ‘Off Balance’ y también coquetea con melodías más negras en ‘Biffa Bacon’, ‘Great First Touch’ o ‘Eye Liner Stab’, este último lleno de soul y blues. El guiño a sus raíces experimentales viene con ‘Chimee’, ‘Jack’ y ‘Architectronic’, donde hacen uso masivo de elementos electrónicos para dar vida a estas creaciones. Se trata de un trabajo que reconoce sus orígenes, consciente de los recursos de nuestro tiempo y que logra dar vida a la búsqueda de los espíritus inquietos de estos músicos de jazz.

Juan Francisco Guzmán

myspace.com/dominikeulberg

www.myspace.com/redsnapperofficial

discos perdidos Hunger Strictly from Hunger (Public! Records, 1969)

Esta banda de Portland y el álbum que nos convoca pasaron, como tantos otros de la zona, sin pena ni gloria entre los representantes de los sesentas. De hecho, entraron tarde y por lo mismo no sonaron a novedad. A pesar de esto, para muchos seguidores de la década, este disco está entre los favoritos. ‘Mind machine’, octavo tema de la lista, es de aquellas que se transformaron en hit con el paso del tiempo.

No por haber sonado lo suficiente para quedarse en las mentes de las personas, sino porque la misma banda editó en tres oportunidades un 7’’ con esta canción en uno de sus lados. Como es de esperar, hoy esta rareza sube de valor y encontrarlo en el comercio no es una tarea fácil.

Sofía Villanueva

Schtum Grow (WORK/Sony Music, 1995)

En su momento, Grow recibió las peores críticas que un grupo pudiese esperar, lo tildaban de una mala copia de Fugazi, reiterativo en sus líricas y melodías e inclusive atonal. Sony lo regalaba en las disquerías para que al menos lo escucharan, pero nada. En retrospectiva, el álbum sobrevive gracias a su potencia, con un sonido que lo acerca a los temas más acelerados de Faith No More y a la intensidad de Black Flag, pero con una voz que recuerda a Lou Reed y Van Morrison. Con doce canciones que casi no superan los tres minutos y medio, este elepé, lejos de aburrir, se convierte en un disco querible y de fácil escucha, inclusive de factura superior a algunos superventas de la época.

Carlos Torejón

The Lucksmiths A Good Kind Of Nervous (Candle Records, 1997)

El cuarteto oriundo de Melboure no tuvo una carrera muy popular.

No por falta de calidad, si no por mala oreja universal, cosa que ha pasado en más de una ocasión con una que otra banda fabulosa.

Con A Good Kind Of Nervous, su cuarta placa de estudio, los australianos completan un círculo perfecto de calidad sonora y emotividad singular ligada al brit y al twee pop. Acá las guitarras convergen con sonidos vivos, la voz precisa de Tali White y una esperanzadora emotividad que, lejos de entristecer el ambiente, lo prende y suaviza. Si hubieran nacido en Inglaterra y formado parte de la ola junto a Gene, Pulp o Blur; la historia hubiese sido muy diferente.

Diego Huenchur

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audiovisual

El Buen Tiempo

Carrera de éxitos

Christopher Murray e Ignacio Rojas se conocieron en la Universidad Católica estudiando Dirección Audiovisual. Precisamente en esa época nace El Buen Tiempo, que desde un comienzo ha sido entendido por sus fundadores como un equipo de trabajo, más que como una productora o una compañía.

Sus primeras incursiones en el formato videoclip vinieron de la mano de los disueltos Teleradio Donoso; de hecho fue Cristobal Fredes –bajista de la agrupación- quien les prestó la primera cámara, para realizar un documental que nunca vio la luz. Al final, terminaron rodando el video de ‘Gran Santiago’ y recibiendo un montón de elogios por él. Luego vino ‘Mi Persona Favorita’ y de ahí la cosa se profesionalizó, “Pero entre comillas”, como explica Christopher Murray: “Lo que pasa es que el ambiente del videoclip siempre ha sido muy precario. No es una gran industria. Lo que sí, nos llamó mucha gente. Pero como nosotros estábamos estudiando y la idea era no apelar a la producción masiva, fuimos bastante selectivos”. Así vinieron nuevos trabajos para Francisca Valenzuela, Gepe, y Leo Quinteros, entre otros. Por su parte, cada uno ha hecho lo suyo por separado: Ignacio grabó varios clips para el segundo álbum de Teleradio y uno de Jirafa Ardiendo.

Christopher, algunas cosas para Leo Quinteros, Doctor Robinson y Pebre, además de estrenar su primera película el año pasado, titulada

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Por Víctor Hugo Carvallo Fotografía * Daniela Leon

Manuel de Rivera, y dirigida en conjunto con Pablo Carrera.

Pero actualmente, lo que más ocupa el tiempo de estos realizadores es Mapa Fílmico, un ciclo de micro documentales online que esperan estrenar a fin de año. “La idea es crear un sitio de contenido autoral en web, basado en un formato que nosotros llamamos ‘Película de Tiro Único’. Éstas no superan los dos minutos de duración, en un plano fijo observacional que muestra fragmentos de la realidad nacional. Cosas que van de lo íntimo a lo público, formando una especie de mapa fílmico de este país, construido en base a estas imágenes que muestran desde una protesta hasta un niño abriendo un regalo en navidad”, cuenta Murray.

Sin embargo, siguen haciendo videoclips juntos. Su última producción fue el video de ‘Que Sería’ para Fran Valenzuela. Ignacio Rojas declara: “El video clip siempre ha sido un espacio privilegiado para experimentar y jugar con ideas. Son proyectos relativamente cortos, que toman un mes y tienen un canal de difusión dado. Es distinto a embarcarse en algo más largo que involucra más esfuerzo. Es un espacio lúdico donde puedes probar ciertas ideas visuales y tramas más breves. Y bueno, todo unido con la música, que también es algo que nos gusta mucho”.

vitrina

Construir un Nido es Apropiarse de un Lugar Las artistas visuales Carolina Bellei y Nancy Cila exhiben su más reciente obra, en la que reflexionan sobre su quehacer en la enseñanza del arte. De acá nace el concepto de nido como imagen sugerente que se condensa con relación a la educación. El proyecto reutiliza los trabajos realizados por los jóvenes en el Centro Cultural Balmaceda 1215, en una instalación que se construye desde lo precario a lo simbólico.

www.salacero.cl

Cabeza de Ratón El Museo de Artes Visuales abrió la convocatoria al VI concurso de arte joven Cabeza de Ratón, con el objetivo de crear una ventana para los nuevos artistas nacionales y difundir la creación entre un público más amplio. Desde su origen –seis años atrás- la exposición ha reunido más de 4.500 trabajos provenientes de todos los rincones del país, que demuestran la gran cantidad de talentos emergentes que buscan un espacio. En esta versión, el jurado estará integrado por cinco representantes de las artes visuales actuales: María Irene Alcalde, curadora Colección MAVI; Rodrigo Quijano, curador independiente; Cristián Silva Soura, artista; Jorge González- Lohse, artista y Alicia Villarreal, artista. Las postulaciones están abiertas hasta el 25 de septiembre. www.mavi.cl

Sobrecaras

La galería AMS Marlborough recibe la exposición del pintor nacional Cristóbal Anwandter, quien enseña una galería de rostros en grandes formatos e invasivos close ups que van ilustrando una suerte de retrato de un tipo facial en Chile. Acercamientos precisos y monumentales a los modelos en un repertorio que se remite a caras estereotipadas por la publicidad y las páginas de la vida social. Usando colores saturados –con mucha influencia pop-, el artista experimenta con códigos neo expresionistas abstractos e informalistas, en donde prevalecen texturas, manchas, chorreos y veladuras; una estrategia donde los planos son a la pintura misma. Sobrecaras llega en un momento de cambio del autor, tras un largo período sin presentaciones. www.amsgaleria.cl

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Amigos Imaginarios Cristina Arancibia, Gabriel Garvo, Sol Díaz, Alberto Montt y Patricia Aguilera son algunos de los artistas que integran la muestra Amigos Imaginarios, organizada por PLOP! Galería. Monstruos encantadores, figuras inquietantes, criaturas salidas de los sueños o compañeros de aventuras fantásticas han llenado las largas tardes de la infancia de los autores, por lo mismo siguen latentes en sus memorias como vestigio de una edad en que las fronteras entre la realidad y la ilusión están apenas delineadas. Los trece exponentes mezclan diversos estilos y técnicas que dan vida a personajes y mundos ficticios, los que recorrerán desde julio a diciembre las distintas sedes de la Biblioteca Viva. www.plopgaleria.com

Trazo mi ciudad

Cada uno de los capítulos de este programa -que se transmite por Canal 13 Cable- muestra a un escritor y la configuración física de sus afectos y desagrados en distintos puntos de la ciudad. Ya han trazado su camino literatos como Pedro Lemebel, Pía Barros y Álvaro Bisama. Con dos temporadas y financiado por el Fondo del Libro del Consejo de la Cultura, Trazo Mi Ciudad fue emitido entre marzo y mayo, con la conducción de Luis Miguel Méndez. Si no pudiste ser parte de estos relatos, tienes la posibilidad de verlos durante las repeticiones de junio hasta agosto. Para mayor información visita www.trazomiciudad.cl

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vitrina

World Press Photo La famosa exposición itinerante regresa a la Sala de Fundación Telefónica con la presencia de la ganadora del certamen de 2010, la sudafricana Jodi Bieber, la autora de la reproducción de Aisha Bibi, joven mujer afgana a la que le fueron amputadas las orejas y nariz por no obedecer a su marido que la mantenía en condición de esclavitud. Como cada año, el jurado internacional independiente elige las imágenes ganadoras del concurso en diez categorías, las que podrán apreciarse en esta exposición. Además, en el marco de esta versión, se llevarán a cabo una serie de actividades, donde destacan la conferencia de Bieber junto a Micaela Pereira, talleres de fotografía y un seminario de Fotografía y Crisis. www.fundaciontelefonica.cl

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liv e

Madmoiselle K Miércoles 15 de junio Centro Cultural Amanda Fotografía * Diego Maya

femicidio Jueves 9 de junio Bar Uno Fotografía * Daniela Leon

Spinetta Viernes 13 de junio Teatro Nescafé de las Artes Fotografía * Daniela Leon

la fria logica Miércoles 15 de junio Naveluna Fotografía * Daniela Leon

liv e alex celler + atom & pink elln Sábado 4 de junio Teatro la Cúpula Fotografía * Hernán Pérez

guido schneider + djuma soundsystem Viernes 20 de mayo Industria Cultural Fotografía * Hernán Pérez

liv e Mecánico Martes 28 de junio Sala SCD Bellavista Fotografía * Diego Maya

Colectivo Etéreo Sábado 2 de julio Bar Loreto Fotografía * Javiera Tapia

Matanza Viernes 24 de junio Industria Cultural Fotograf铆a * Daniela Le贸n

liv e

Pacific!

Martes 14 de junio Industria Cultural Fotografía *Ignacio Gálvez

fakuta Miércoles 22 de junio Bar Loreto Fotografía * Diego Maya

liv e Latin Bitman MiĂŠrcoles 29 de junio Teatro Mori Bellavista (Sesiones Zero) FotografĂ­a * Diego Maya

Chinese Cookie Poets Miércoles 15 de junio Naveluna Fotografía * Daniela Leon

Armada Nights Viernes 24 de junio Teatro la Cúpula Fotografía * Maximiliano Allendes

liv e New Young Pony Club Martes 14 de junio Industria Cultural FotografĂ­a * Wladimir Rojas

diez canciones iiSon sicodélicos y lo aceptan, jóvenes y se les nota.

Desde San Diego, debutan con Chimera y en él prueban que la música está hecha de detalles y de transportaciones a lugares inexistentes.

THE CLASS CLASS CANOE CANOE –– FIRST FIRST IDEAS IDEAS

DUCKTAILS DUCKTAILS––KILLING KILLINGTHE THEVIVE VIVE Con cinco años de actividad, Ducktails III: Arcade Dinamics debe ser el único disco de Matthew Mondanile con un single que podria convertirse en hit: la sencilla y amorosa ‘Killing de Vibe’.

KNOW Productividad a flor de piel, un reciente vinilo ediWATCH OUT! – WISH YOU KNOW tado en Blow Your Mind Records y el single ‘Wish You Know’ circulando en varios medios, nos obliga a ponerle ojo a esta banda.

Cuando el dub, el punk y el lo-fi se mezclan a la perfección, aparece Peaking Lights. A paso lento pero seguro, comenzaron con un humilde cassette en 2008 y hoy se codean con los grandes gracias a este hit.

PEAKING LIGHTS –– ALL ALL THE THE SUN SUN THAT THAT SHINES SHINES

STEVE BUG STEVE BUG ––LIFE LIFEININCIRCLES CIRCLES Parte del compilatorio Japanease, ‘Life in Circles’ es un track

inédito del músico y productor alemán. Hipnosis, frescura, teclados, ritmo. Esto es lo que hace que Bug no baje la guardia y madure como el mejor vino.

De cómo el punk desencadena pasiones y libera endorfinas. Cero pulcritudes musicales y simpleza garage para un álbum que sabe bien, pero que en ‘Bad Boy’ se hace inesperadamente clásico.

HUNX HUNX && HIS HISPUNX PUNX––BAD BADBOY BOY

Su álbum circula este mes y se titula Secret Ballroom. Batero cantando, acompañado de guitarra acústica y saxo. Blues pop desordenado que juega con la pasión y los tiempos, reinventándose con los años.

THE TOO THE JOKER JOKER&&THE THETHIES THIES– I–DO I DO TOO

CHICOS DE DE NAZCA NAZCA––IT’S IT’SEASY EASYTO TOBE BEHERE HERE CHICOS A días de su gira por Europa, el grupo chileno liderado por Francisco Cábala nos deja su primer LP, Far and Close. Teclados, batería, bongos y guitarras se mezclan en un sonido no muy explorado por ninguna banda nacional.

Cults –- You You Know KnowWhat WhatI IMean Mean.. Con la melodía de sus versos inspirada nota-

blemente en ‘Where Did Our Love Go’ de The Supremes, este es uno de los tracks más destacados del debut de la banda neoyorkina.

Handsome HandsomeFurs Furs- –What WhatAbout AboutUsUs Este es el primer single de Sound Kapital, tercer álbum del dúo de Montreal formado por Dan Boeckner (Wolf Parade) y Alexei Perry, quienes dejaron las guitarras y las cambiaron por teclados, entregándose completamente a la pista de baile.

tres videos LA REINA MORSA – NAVEGAR El dúo de pop chileno regresa con el tema ‘Navegar’, extracto de su álbum debut ¿Dónde Están las Jugueterías? La historia de un fugaz romance entre dos adolescentes es el hilo conductor de este episodio con un final muy inesperado, pero a la vez, feliz.

KURT VILE – BABY’S ARMS El músico de Philadelphia presenta parte de su trabajo titulado Smoke Ring For My Halo. El clip muestra la vida de una pareja de Los Ángeles, un relato común y corriente que torna atractivo al estar grabado completamente por un teléfono móvil y ser dirigido por uno de los fotógrafos de moda, Todd Cole.

GEPE – ALFABETO Un bosque del balneario de Papudo fue el escenario elegido por el cantante nacional para rodar el clip de ‘Alfabeto’, tercer single de Audiovisión. Un video multicultural que muestra historias crípticas de asesinatos, con los toques característicos del joven director Bernardo Quesney.

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