Crossroads - Art exhibition with Japanese and Swedish artists 2019 by Eva Björkman

CROSSROADS 十字路/分岐点

Utställning med japanska och svenska konstnärer Art Exhibition with Japanese and Swedish artists 15.6–25.8 2019 Österbybruk, Sweden Nobumichi Achi Hiroshi Kakizaki Ikuo Watanabe Masako Suenaga Mitsue Sugita Shizuko Ono Kajsa Haglund Anders Rönnlund Sanne Sihm Narek Aghajanyan Katarina Jönsson Norling Johan Fremling

Crossroads

- En utställning av svenska och japanska konstnärer om möten, livet, generationsväxlingar och allas förgänglighet. Ett konstverk kommunicerar först när det har andra konstverk och rum att relatera till. I tomrummet som uppstår emellan rum och konstverk vibrerar en dialog – en gemensam kultur.

utställningen från alla aktörer som stöttat projektet på ett eller annat sätt. Bidragen har kommit från internationella fonder, stat, region, kommuner och stiftelser och jag är tacksam för att Region Uppsala fått vara med som en av alla pusselbitar för att möjliggöra utställningen.

Att kommunicera handlar lika mycket om att tala som att lyssna och ta tillvara. Att ge plats och att ge tillit. När detta sker uppstår ett respektfullt möte som berikar både konstverken, rummet och jag skulle till och med våga säga människan och livet.

Men mest av allt imponeras jag av konstnärerna Achi Nobumichi, Mitsue Sugita, Hiroshi Kakizaki, Shizuko Ono, Ikuo Watanabe, Masako Suenaga, Kajsa Haglund, Anders Rönnlund. Sanne Sihm, Narek Aghajanyan. Katarina Jönsson Norling och Johan Fremling vars enorma engagemang och arbete denna katalog försöker ge en bild av. Den visar att det går att samarbete och mötas bortom det talade språket – bara en vågar lyssna, respektera och ge tillit. Och kanske använda Google translate lite.

När detta skrivs har utställningen Crossroads precis avslutat sin utställningsperiod. Över 4 000 st. besökare har sett utställningen i det speciella utställningsrummet Ånghammaren på Österbybruks herrgårdsområde. Ånghammaren är ett stycke industriminne som med enkla medel gjorts om till ett rum för utställningar. En vacker och utmanande byggnad – inte alls givet att veta hur den ska bemötas. Men gång på gång har besökare kommenterat, ”Vad fint konstverken möter byggnaden” eller ”Plötsligt ser jag byggnaden”.

Johannes Ehnsmyr Konstkonsulent, Region Uppsala September 2019

Det är precis det som gjort utställningen Crossroads så lyckad. En stor samling konstnärer bygger installationer där allas konstverk och insats får ta lika stor plats och där allas del är lika betydelsefull för helheten. I Region Uppsalas Kulturplan står det skrivet att vår vision är ”Ett gott liv i en nyskapande kunskapsregion med internationell lyskraft”. Och att detta ska ske genom en attraktiv livsmiljö, en hög kulturell delaktighet och ett rikt konstliv. I utställningen Crossroads lyser visionen stark. Jag är imponerad av allt engagemang jag fått se under tillkomsten av

Crossroads

- An exhibition of Swedish and Japanese artists, about encounters, life, changing generations, and the transience of it all. A work of art needs to relate to other works of art and spaces in order to communicate. In the void that arises between the space and work of art a dialogue resonates – a shared culture.

Crossroads is illuminated by that vision. I was impressed by the commitment demonstrated by all the parties involved in creating the exhibition and supporting the project in various ways. Funding was provided by international organisations, the Swedish government, the County, the municipality and foundations, and I am grateful that Uppsala County could be included as one of the pieces in the great puzzle of enabling this exhibition.

Communication is in equal parts about speaking and listening and absorbing. Making room and sharing trust. When this happens, it gives rise to a respectful encounter that enriches both the art, the space, and, I dare say, the human beings and life itself.

Most of all, however, I am impressed by the artists Achi Nobumichi, Mitsue Sugita, Hiroshi Kakizaki, Shizuko Ono, Ikuo Watanabe, Masako Suenaga, Kajsa Haglund, Anders Rönnlund, Sanne Sihm, Narek Aghajanyan, Katarina Jönsson Norling and Johan Fremling, whose enormous dedication and efforts this catalogue seeks to convey. It demonstrates that it is possible to collaborate and meet beyond spoken language – if we only dare to listen, respect and trust. And with a little help from Google translate now and then.

At the time of writing, the Crossroads exhibition has just closed. It was seen by more than 4,000 visitors at the special venue Ånghammaren at Österbybruk Manor. Ånghammaren is an industrial memorial site which has been converted by modest means into an art space. A beautiful and challenging building – with no given way of how to deal with it. And yet, visitors repeatedly tell us “how well the works of art relate to the building”, or “suddenly, I see the building”.

Johannes Ehnsmyr Art consultant, Uppsala County September 2019

That is exactly what made the Crossroads exhibition such a success. A large group of artists build installations, where everyone’s works and input get the same recognition, and where everyone’s contribution plays an equal part in the whole. Uppsala County’s Arts Plan states that our vision is “A good life in an innovative and internationally prominent knowledge region”. And that this should be achieved with attractive living conditions, high participation in cultural activities and a lively art scene.

十字路/分岐点

－日本とスェーデンのアーティストによる人生，世代交流，儚なさの展示会。芸術は、他の作品と空間を共有する事により、コミュニケーションを取り始める。無の空間が作品によって動かされ、振動となって伝えてくれる－共通。コミュニケーションとは、話す事、聴く事、活用する事。それは人として、人生の中に場所を与え信頼を生み敬意に満ちた出遭いになる。この記事の執筆時点で、クロスロード展は展示期間を終えました。 4,000人を超える訪問者の方々が、オステルビーブリュークの大邸宅エリアにある、オングハンマル特別展示室での展示会に足を運んで下さいました。オングハンマルは、展示会場用にシンプルに改造された古い産業遺産です。シンプルかつ美しく難しい建物－魅力的があるゆえの展示者泣かせの空間。さることながら、訪問者の方々から何度も、「アートと建物の出会いが素敵だ。」「突然、建物自体が見えてきた。」という声を頂きました。沢山のアーティストが集まり、作品を作りながら力と時間を共有する。全てのアートが等しく重要であり、尊重しながら空間を分かち合う。－共鳴－これこそが今回の展示会を成功させた一大要素でしょう。ウップサラ県の地域文化計画のビジョンは「国際的な輝きを備えた革新的な知識地域での豊かな生活」です。そしてこれは、魅力的な生活環境、より高い文化と豊かな芸術を通して完成されます。クロスロード展では、このビジョンが鮮明に輝いています。展覧会の開催中に、何らかの形でプロジェクトに協力をして頂いたすべての方々の心に深く感動を受けました。寄付援助も国際芸術基金、州、地域、自治体、各財団等最多にわたり協賛して頂き、この展示会開催を可能に運んだ、重要なパズルのピースの一つとして、ウップサラ県も含まれていたことに感謝しています。しかし、私が何よりも感銘を受けたのは、アーティストのアチノブミチさん、小野静子さん、柿崎煕さん、末永正子さん、杉田光江さん、渡辺行夫さん、カイサ・ハグランドさん、アンダース・ロンランドさん、サンネ・シームさん、ナレク・アガジャニャンさん、カタリーナ・ヨンソン・ノーリングさんとヨハン・フレムリングさんの其々から伝わってくる強い想いでした。そして、それを少しでも伝えたいという思いでカタログに残しました。言葉を話せなくても協力し理解し合える－ほんの少し耳を傾ける勇気を出して、尊敬と信頼を見せ合う。たまに少しグーグル翻訳の力を借りたりして。２００１９年９月ウップサラ県アートコンサルタントヨハネスエンスミール

Svenska konstnĂ¤rsgruppen Trinus / Swedish artist group Trinus, NĂ¤stet / The Nest, 2019

Japanska konstnĂ¤rsgruppen / Japanese artist group, Tower of hope, 2019

näkergalens drill flyger över landskapen tonsätter bergen a warbling blackbird flying over the landscapoe makes the mountains sing ------den lilla droppen så stilla i bladets mitt en minigalax the tiny raindrop in the middle of the leaf a small galaxy -------vandring i solen min svarta skugga slukar allt den går förbi a walk in the sun my shadow is devouring everything we pass -------fullmånens spegling ryms precis i min balja jag tar fram en till the moon reflected right in my laundry bucket I take out one more --------

Teresa Wennberg Reflections of a Gardener En Trädgårdsmästares Tankar

Japanska konstnärsgruppen / Japanese artist group, Tower of hope, 2019

Tankar som färdas Att resa är att förändra våra tankar. I mötet med det främmande tar nya idéer plats. Förändrar oss samt förändrar den vi möter på vår väg. Idéer och tankar vandrar och utvecklas genom möten. Förändringen och intrycket av nya och oväntade idéer ger oss styrka. Resan blir ett motgift mot rädslan för det främmande. Vi är tillfälliga bärare av tankar som färdas genom människorna. Tanken styr oss. Kanske är det tankens behov av näring, av nya intryck och förändring som driver oss ut att resa. Resan för oss till möten med främmande människor och nya platser. Som ger möjlighet för tankarna och konsten att växa och utvecklas. Omärkligt och ändå mycket märkligt uppstår nya tankar genom mänskliga möten.

Travelling thoughts To travel is to transform our thoughts. When we face the unknown, new ideas emerge. Changing us - changing the one we encounter on our way. Ideas and thoughts wander and develops through meetings. The change and the appearance of new and unexpected ideas gives us strength. The trip will be an antidote to the fear of the unknown. We are temporary carriers of thoughts that travel through the people. The thought control us. Maybe it’s the need of nutrition for thoughts, of new impressions and change that forces us to travel. That will bring us to encounter new places and people. That gives opportunity for thought and art to grow and develop. Imperceptible and yet very strange, new ideas arise from human encounters.

思考の旅旅は私たちの思考を変えてくれる。異なる『もの』との出会いは新しいアイデアの源泉となり、自身も、そしてこれから出会う人達も変えてくれる。新しい出会いにより、アイデアと思考は成長し歩き出す。予想外の出会いと枠を超えたアイデアは私達に力をくれる。旅は異なる『もの』への解毒剤になる。私達は人間という体を一時的に借り、思考を伝える。『思い，考がえる』力は私達を次へと導く。思考が新しい印象や変化を栄養として欲する時、私達は旅に駆り立てられるのだろう。旅は、新たな出逢い，新たな場所，に導いてくれる。それは、心と芸術の成長と発展を与えてくれる機会となる。新しい出逢いは特別な事では無い。それでも不思議と思わせる人との出逢い。そして、それを通して新しい思考が生まれるという事実。

Nobumichi Achi

Hittills har jag utfört installationer med stora träkonstruktioner på museer och konstgallerier på temat "Platsen som inte används". Genom dessa och andra erfarenheter började jag arbeta med att förstå innebörden av "lokalitet". Under den här tiden deltog jag i utbytesutställningen i Städerna Gwangju och Daejeon i Korea. Där hade jag möjlighet att lära mig om olika kulturer och gemensamma sätt att tänka. Jag bearbetar "Egoist" som en symbolisk representation av mitt arbete. Detta innebär att den person jag är lever i rumtid såsom "område/gräns". Jag vill förkroppsliga en sådan situation. Det betyder inte att jag bara är självisk. Innebörden är att det definitivt finns en individ som är en individ i området eller gränsen och som lever fullt ut.

So far, I have been performing installations with huge wooden structures in museums and art galleries on the theme of "The domain which does not become useful". Through these and other experiences, I began to work on understanding the meaning of "locality". During that time, I participated in the exchange exhibition in Gwangju and Daejeon cities in Korea. There I had the opportunity to learn about different cultures and common ways of thinking. I use "Egoist" as a symbolic representation of my work. This means that the individual I am, living in space-time such as "area/boundary". I want to embody such a situation. It does not mean that I am merely selfish. The meaning is that there is definitely an individual who is an individual in the area or boundary and is living hard.

Jag visar här ett nytt verk som blickar ner på Ånghammaren och Österbybruk. Jag står på ett okänt ställe och letar efter min existens i livets vägskäl. Jag tror att detta är min "TRINUS".

Here I show a new work that looks down at the city of Ånghammaren and Österbybruk. I always stand in an unknown place. And I look for my existence in the crossroads of life. I think that is my "TRINUS".

Nobumichi Achi, Egoist, 2019

Hiroshi Kakizaki, Komorebi - Sunlight leaks trough the trees. Forest Sounds, akryl pĂĽ papper /acrylic on paper.

Hiroshi Kakizaki

30 years ago, I became intimate with the seasonal nature

För 30 år sedan blev jag förtrogen med naturens årsti-

and walked in the woods and forests.What a beautiful thing the song of a wild bird in the lush greenery. How brave of the migratory birds that fly several thousand kilometers in one jump across two hemispheres. The fresh impression caught my heart many times.

der och vandrade i skogarna. Så underbart med de vilda fåglarnas sång i all frodig grönska. Hur modigt av flyttfåglarna som flyger flera tusen kilometer. Detta fina intryck fångade mitt hjärta många gånger. Sedan länge har jag varit förvånad över mysteriet att växtfrön fortsätter att förmedla sina liv och styrkan av upprepad reinkarnation. Jag blev också attraherad av frönas underbara form.

Before long, I was shocked at the mystery that plant seeds continue to convey their lives, and the strength of repeated reincarnation. I was also attracted to the wonderful shape of the seeds.

Därefter har inspirationen från naturen, inklusive ekologi hos vilda fåglar och växter, varit drivkraften i mitt arbete. Inspirerad av de oändliga sätt på vilket allt levande lever. Skogens omfattande djup, en glädje att vandra i. Jag önskar uttrycka livets under genom mina skulpturinstallationer och målningar.

After that, the inspiration given by nature, including the ecology of wild birds and plants, has become the driving force of my work. Inspired by the way in which living things live, the days of thinking about the depth of life are endless. The depths of the forest are far, but wandering is fun. I would like to express the glitter of life through sculpture installation works and paintings.

Ikuo Watanabe,installation view from the exhibiton.

Ikuo Watanabe

Jag har huvudsakligen skulpterat med sten under en lång

I have sculpted mainly on stone for a long time.

Tillvägagångssättet för skulptur förändras. Jämfört med stenskulpturer är de bräckliga, lätta och snabba att slutföra. Jag tycker att dessa förutsättningar är mycket värdefulla.

The approach to sculpture changes. Compared to stone sculptures, they are fragile, light and fast to complete. I think these conditions are very valuable.

Dessa vilda växter växer rikligt runt omkring min bostad. Liksom mitt liv är dessa växter beroende av vatten, solen, luften och energin. När jag tänker på det sättet kan jag skapa det uttryck som jag har upplevt.

This wild plant grows abundantly in my place of residence. Like my life, it exists with the water, the sun, air and energy. Thinking that way, I can make the form I felt.

tid. Under de senaste åren har jag dock jobbat mycket med olika växtdelar. Det finns många skäl till det. En anledning är att jag kan minimera belastningen på naturen när jag arbetar. Vidare är de uttryckta temana mycket olika. Dessa material har gett mig många nya, friska uppslag.

However, in recent years, sculptures using plant stems are increasing. There are many reasons for that. For one thing, you can minimize the load on nature when you work. Furthermore, the themes expressed are very different. This material brings me many fresh stimuli.

Masako Suenaga, Fyra årstider / Four Seasons, olja på duk / oil on canvas, 2019

Masako Suenaga

Tidens flöde och årstidernas förändringar har de senaste

In recent years, the flow of time and the changes of

Hokkaido har fyra tydliga årstider med olika färg.

Hokkaido has four distinct seasons with various colors.

Under vintern fångar det tysta vita upp den kalla vinden och fåglarnas sång. Våren, fylld med rosa körsbärsblommor som skapar en fri, upplyftande atmosfär. Den korta sommaren gör sig tillkänna genom Otarus symboliska blå hav. Så ändrar bladen sin färg dag för dag till en perfekt höstschattering.

In winter, silent white swallow up birds singing or cold wind. Spring filled with pale pink of cherry blossoms makes free and expansive atmosphere.Otaru’s symbolic blue of sea shows the presence of summer even it’s quite short in the northern island.Leaves change their color day by day and finally materialize the perfect autumn gradation.

Alla dessa vackra föränderliga färger har tillsammans med specifika färger, former och linjer gett mig så mycket inspiration till att skapa mitt verk ”Fyra årstider”.

Those beautiful colors of each season here brought me so much imagination and ideas, and then I connected individual colors and shapes, lines and dots freely to create the world of “Four Seasons”.

åren kommit att bli temat för mina målningar. Jag är född och uppväxt i Otaru, Hokkaido och min konst är djupt relaterad till traktens klimat och naturliga egenskaper. Det är en stor lycka för alla de människor som bor här att kunna följa årstidernas förändring i naturen.

seasons became the theme of my painting.My artwork is deeply related to climate and natural features in Otaru, Hokkaido, Japan, where I was born and raised. It is blissful moment for people live here to see every changing in the nature.

Mitsue Sugita, FrĂśn Ă¤r liv som inte talar / Seeds are life, but do not speak, seeds and plant material, 2019.

Mitsue Sugita

”Frön är liv som inte talar”

"Seeds are life, but do not speak”

Jag använder frön i mina skapelser med en känsla av vördnad. Jag tror detta beror på att lkebana, det japanska sättet att arrangera växter, har varit centralt i mitt liv sedan jag var en liten flicka. lkebana använder blommor, blad och grenar avskurna vid roten. Jag har svårt att undvika en viss känsla av skuld när jag skapade ett lkebana arrangemang. Att skapa konst med hjälp av frön, som är källan till allt liv, är ett begrepp som är raka motsatsen till lkebana, och jag känner att det har varit min själs frälsning. Jag strävar efter att hitta en ordlös kommunikation med varje frö, att förstå deras inre styrka och önskan. När jag skapar ett arbete med frön, samlar jag ett oräkneligt antal frön, staplar upp dem och sprider ut dem. När jag når en punkt där jag inte kan höra deras röster, slutar jag arbeta och går tillbaka till ett läge där jag kan höra dem igen. Vart och ett av mina verk lever; de finns till som en form av liv och har total kontroll över det utrymme där de placeras.

I use seeds in my creations with a feeling of reverence. I think this is because lkebana, the japanese flower arrangement. lkebana uses flowers, leaves and branches cut off at the root. I could never avoid a certain sense of guilt whenever I created an lkebana work. Creating art using seeds, which are the source of life, is a concept that is the complete opposite of lkebana, and I feel it has been the salvation of my soul. I strive to find a wordless communication with each and every seed, to understand their internal strength and desire. When I create a work using seeds, I gather a countless number of seeds, pile them up and spread them out. When I reach a point where I cannot hear their voices, I stop working and go back to a situation where I can hear them again. Each of my pieces is alive; it exists as one form of life and has complete control over the space where it is placed.

Shizuko Ono, PLA-NET, mixed media, 2019.

Shizuko Ono

PLA-NET

Från och med 1 maj 2019 börjar den nya eran Reiwa i Japan. Jag önskar global fred i den nya tiden.

From today (May the 1st 2019) new Era Reiwa begins in Japan. I wish Global Peace in the new Era.

När jag går runt kusten finner jag alltid att stranden är täckt av många typer av plast som har korsat oceanerna. När plasten i havet med hjälp av strömmarna driver bildas många små pärlor av plast. Många fiskar äter plastpärlor och människan äter fisk.

Whenever I walk around the seashore, I always find that the beach is covered by many kinds of plastics which have CROSSED the oceans. Drifting in the current of the sea, the plastics become many small beads. Many fishes eat plastic beads and man eats fish. Plastics change ecosystem. Water and Fire and Plastics have become Global issues. Micro plastics beads man is appearing to our Wonderland in our Planet.

Plast i miljön förändrar ekosystemet. Vatten, eld och plast har blivit globala frågor.

Award; 1994 “Fuji Television Prize at the 12th Grand Prize Exhibition, Ueno Royal Museum, Tokyo, Japan. Permanent Collections; Ueno Royal Museum in Tokyo, Kanaya Museum in Chiba, 2017 Japanese Friendship Garden in San Diego CA, USA.

Kajsa Haglund, Jag reser i mina tankar/Travelling Thoughts, 2019. Nästa gång vägen svänger går jag min egen/Next time the roead turns I go my own / Loesje / 2019.

Kajsa Haglund

Jag tycker om tanken att konsten är en brygga mellan

I like the idea of art as a language and a bridge between

människor och kulturer, i alla samhällen.Viktigt i slutna samhällen, sekter och sammanhang där människor hotas och tystas. Där vill jag att konsten ropar högt. Pekar finger och vågar. Konsten måste få skava en smula och ställa frågor. Och vara snäll och följsam, bara för sin egen skull.

cultures in all kinds of societies. I find it most important in totalitarian societies and other communities where people are silenced. I believe art needs to be loud and allowed to pose difficult questions, especially in contexts where free expression is threatened. In my art I try to focus on human relations and sustainability in all forms.

Jag bor i Uppsala och har min ateljé i Ekeby bruk, Ateljé Fria Händer. Medlem i Kro och IAA. Ordförande i Konstnärernas riksorganisation region Uppland. Samarbeten med Japan och japanska konstnärer sedan många år.

I live in Uppsala and I have my studio at Ekeby Bruk. I am a member of Sweden Artists Association and IAA, International Artists Association. Cooperation with Japan and Japanese artists since 1998. 1998 2005 2007 2007 2012 2014

Tokyo Metropolitan Art Museum.,Tokyo Tokyo Ten, Japan. Art Museum, Bror Hjorths Hus Uppsala. National science museum Tokyo Linné anniversery. Art Plant Sayama national park. Art Miners, Nigata Japan. Curator Ikebana and Contemporary Plant art. Botanical Garden Uppsala. 2015 Kanaya Sweden Art Festival, Kanaya Art Museum. Japan 2017 Trinus Crossroads, Otaru Art Museum, Hokkaido Japan. 2019 Crossroads, Ånghammaren Österbybruk. www.kajsahaglund.com 31

Anders Rรถnnlund, Att odla vete/To grow wheat, mixed media, 2019.

Anders Rönnlund

ATT ODLA VETE

TO GROW WHEAT

”Redan mycket tidigt upplevde jag något vars förargelse jag aldrig kunnat övervinna. Upplevelsen kränkte mig djupt... den grundupplevelse som gång på gång förnyat sitt grepp om mig är upplevelsen av våra olika villkor... Ett obotligt missförhållande bestämmer vårt liv, ett missförhållande, vars korrumperande kraft ingen av oss kan dra sig undan. Missförhållandet ingår i våra villkor som människor. Det är ständigt närvarande. Det tar upphörligt ny ny gestalt.” Lars Ahlin

”Early on, I experienced something that resulted in a vexation that I have never managed to overcome. The experience violated me profoundly... the fundamental experience that time and time again reinforced its grip on me was the experience of our contrasting circumstances... An incurable incongruity dictates our lives, an incongruity, whose corrupting power no one can escape. This incongruity is an integral part of our conditions as human beings. It is everpresent, and constantly changing form.” Lars Ahlin, swedish author

Vi har jord, vi har vind vi har vatten som droppar Vi har frön som kan gro i en kamp på liv och död.

We have earth, we have wind We have water dripping We have seeds that can grow in a fight on life and death. Anders Rönnlund Born 1951. Lives and works in Uppsala, Sweden. www.roennlund.se

Sanne Sihm, Jordbrott/Earthcrime, 2019

Sanne Sihm

Mitt verk Jordbrott består av 4 målningar och en installation.Målningarna är 140 / 200cm och är målade med kol från min eld och oljefärg, i flera lager.

My work Earthcrime consists of four paintings and one

Då jag började med dem visste jag inte vad det skulle bli. Min känsla utgick från vanmakten av att vi inte har tagit hand om vår jord på rätt sätt. Min skam, varför har jag inte gjort mer? Försökte måla fram min egen styrka, min inre kamp.

When I started with them I didn’t know what it would be. My feeling was based on the distress that we did not take care of our earth properly. My shame, why haven’t I done more? Tried to paint my own strength, my inner struggle.

Titlar: 1. Gränsvakt 2. Räddningsräd 3. Växtverkan 4. Är det jag.....när världen kollapsade? 5. Installationen Skyddslera, som består av ca 50 små bostäder gjort av lera från min tomt. Tankarna handlar om tidens gång och människans behov av skydd. När har vi nått höjdpunkten på vår civilisation? Vem är jordens härskare?

Titles: 1. Limitgard 2. Rescueraid 3. Planteffect 4. Is it me ..... when the world collapsed? 5. Coverclay, which consists of about 50 small homes made of clay from my backyard. My thoughts are about the passage of time and the human need for protection. When have we reached the highlight of our civilization? Who is the ruler of the earth?

installation. The paintings are 140 / 200 cm and are painted with coal from my fire and oil paint, in several layers.

www.sanne-sihm.se

Narek Aghajanyan, INSIDE-OUT, mixed media, 2019

Narek Aghajanyan

Nu, när skaparprocessen är avslutad, försöker jag definiera och namnge innehållet i gruppen av porträttskulpturer. Detta är, ärligt talat, ingen särskilt angenäm uppgift. När man ska tolka och namnge ett verk kan det få till följd att föremålet trängs undan av en bokstavsbeteckning. Detta gör mig oftast frustrerad. Dessutom har jag svårt att återkalla de känslor och tankar som fyllde mig när skulpturerna blev verklighet. Jag minns bara att jag kände lust när föremålen danades; jag blev ett med leran medan skepnader och former växte fram.

I am trying to define a content and giving a name to

Därför är mitt enda ingivelse och vink till åskådaren att känna sig fri att relatera ömsesidigt till skulpturerna, om de väcker den känslan när de betraktas.

That is why my only suggestion and hint to the viewer is, to feel at home with his/her interrelations, that the pieces might give a rise to when observed.

Hur som helst, med ett ord, vill jag döpa dessa samspelande porträtt till ”Inside-out” - det in-och-utåtvända.

However, if I should give them a single name, I would call this ensemble of portraits “Inside-out”.

this group of portrait-sculptures now, when the creative process is over. Frankly, it is a hard and particularly not very pleasant task to do. Interpreting and baptising the piece often replaces the displayed object with the literal words, which usually frustrates me. Moreover, I hardly recall the feelings and thoughts I had that brought them into being. I remember only that I enjoyed the process of constituting those objects, I was becoming the same entity with the clay that grew into different shapes and forms.

www.narek.se

Katarina Jönsson Norling

Jag intresserar mig för de organiska strukturer och det kretslopp vi alla är en del av, individuellt och kollektivt. Genom olika material och tekniker gestaltar jag processer som pågår i och runt omkring oss alla.

My art is about the organic processes that we all are part

Verket ”Komposition till Österbybruk” är en installation av drygt tusen torkade bananskal. Här för första gången i 3D, tidigare visats som vägginstallation med femhundra skal: ”Familiar” på Gävle Konstcentrum 2002 och Galleri Furiren, Älvkarleby 2009, samt som ”Composition for Depthford” på ATP Gallery , London 2019.

The artwork “Composition for Österbybruk” is an installation with just over a thousand bananapeels. This is the first time in 3Dt, earlier exhibited as a wallpiece “Familiar” with five hundred peels at Gävle Konstcentrum, 2002 and Gallery Furiren, Älvkarleby, 2009 and as “Composition for Deptford” at ATP Gallery, London 2019.

Pia Kristoffersson, tidigare chef på Gävle Konstcentrum: ”Katarina Jönsson leker friskt med det familjära och vardagliga och ger det ny skepnad. I den vackra och ömsinta installationen med 500 torkade bananskal, ser vi resultatet av en tonårsmoders förmåga att omvandla vardagens irritationsmoment till något värdefullt att bevara till eftervärlden. Inget skal är det andra likt, även om individuella särdrag lätt försvinner i mängden.”

Pia Kristoffersson, former director Gävle Konstcentrum: “Katarina Jönsson plays with the familiar and everyday events and gives it new shape. In the beautiful and tender installation with 500 dried banana peels, we see the result of a teenage mother’s ability to transform everyday annoyances into something valuable to preserve to posterity. No shell is the other one alike, although individual features easily disappear in the crowd.”

Katarina Jönsson Norling, Älvkarleby, född 1959 i Södertälje

Katarina Jönsson Norling, Älvkarleby, born 1959 Södertälje.

of, individually and collectively. With various materials and techniques I shape and form processes that are going on in and around us.

www.akjn.se Katarina Jönsson Norling, Composition for Österbybruk, over thousand bananaskins, fishline and buttons, 2019.

Johan Fremling, Levitate, aluminiumkabel/cable, 2019

Johan Fremling

LEVITATE

Om att befinna sig på en föränderlig resa i ett svävande tillstånd av osäkerhet. En utsatt position mellan dröm och verklighet, skydd och oskydd, födelse och död. En temporär tillflykt undan en osäker tillvaro. Ett pågående skede.

About being on a changeable journey in an indeterminate state of uncertainty. A vulnerable position between dream and reality, protection and non protection, birth and death. A temporary refuge from an insecure existence. An ongoing phase.

Johan Fremling, konstnär bosatt i Uppsala, medlem i Trinus arbetar företrädesvis med teckning och skulptur. Jag är intresserad och nyfiken på såväl nationella som internationella samarbeten. Att mötas oavsett gräns är både stimulerande och utvecklande.

Johan Fremling, an artist from Uppsala, a member of Trinus, works mainly with sculpture and drawing. JF is interested and curious about national as well as international cooperations. To meet regardless borders is stimulating and developing.

Jag har upp till nu hunnit med fem resor till Japan för att delta i utställningar och har dessutom haft samarbeten och visat konst i bl.a. Kina, Marocko, Litauen. JF har bearbetat så skilda material som is vid Icehotel i Jukkasjärvi till järn i Uppland. Mina verk i denna utställning handlar om olika aspekter på möten, Crossroads.

I have so far been five times to Japan for participating in different exhibitions.Moreover I have been part of cooperations and exhibitions in for instance China, Morocca, Lithuania. I have processed such different materials as ice at the Icehotel to iron in Uppland. My work in this exhibition is about different aspects of meetings, Crossroads. www.johanfremling.se

CROSSROADS Art Exhibition with Japanese and Swedish artists 15.2-25.8 2019 Ånghammaren, Österbybruk, Sweden Exhibition Arrangör: Konstnärsgruppen Trinus i samarbete med Stiftelsen Österbybruks Hergård, Vänföreningen Österbybruks Herrgård. Kommunikation, press och grafisk form av Eva Björkman. Med stöd av Region Uppsala, Östhammars kommn, Kulturrådet, Scandinatian Sasakawa Foundation, Konstnärsnämnden och Kulturnämnden Uppsala kommun. Tack till /Thanks to Annexet Vandrarhem Österbubruk, Akademihotellet och William’s i Uppsala, Bror Hjorths Hus i Uppsala, Kulturhuset Storbrunn i Östhammar. Catalogue Editors: Johannes Ehnsmyr, Johan Fremling, Kajsa Haglund, Anders Rönnlund. Texts: Johannes Ehnsmyr, Trinus. Haiku-poems from Teresa Wennberg’s book Reflections of a Gardener. Graphic Design: Eva Björkman Photographer: Johan Fremling, Anders Rönnlund Translations: Johan Fremling, Nordén & Berggren HB, Yurika Rosengren (Swedish-Japanese). Print: Åtta.45 Tryckeri AB Cover: Scandia 2000 vit/white 350g Insert: Scandia 2000 vit/white 150g

Teresa Wennberg’s book Reflections of a Gardener • En Tradgardsmastares Tankar • HAIKU is a kind of a journey inward. Through the relation to small things we can begin to understand who we are. Since everything is happening in a garden and is described through a Haiku, the trip is more possible. Teresa has been active as an artist since the 1970´s: writing, painting, digital media and VR Virtual Reality and her art has been shown in many countries, including Japan. Teresa Wennbergs bok Reflections of a Gardener • En trädgårdsmästares tankar • HAIKU är en slags resa inåt. I vårt förhållande till de små tingen börjar vi kanske ana oss själva och förstå vilka vi själva är. Att allt sker i en trädgård, och med haikuns språk, gör resan möjligare. Teresa har varit verksam konstnär sedan 1970-talet framförallt inom måleri, digitala media och VR- Virtual Reality, hennes konst har visats i många länder, bland annat i Japan.

ISBN 978-91-519-3841-7 This publication was supported by Stiftelsen Längmanska kulturfonden