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A n dr e a mo n ta naro | Erw in b ukac z e k


PH OTOMO D E WELCOME

FOTÓGRAFO Negib Giha


photoMode PA RAG UAY


FOTO DE TAPA Fotografía Erwin Bukaczek Asistente de Fotografía Chelo Encina Producción Andrea Montanaro y Erwin Bukaczek Estilismo Andrea Montanaro Diseño de Vestuario Andrea Montanaro Modelo Anna Bravo Peinado y Maquillaje Paola Saffi La siguiente producción de moda fue realizada para la última campaña de Primavera Verano 2013 del evento de moda nacional Asunción Fashion Week.

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A ndrea mo nta naro - E rwin b u k acze k

® 2013 Universidad Americana

COORDINACIÓN EDITORIAL AnDREA MONTANARO EDICIÓN DE TEXTOS AnDREA MONTANARO DIRECCIÓN DE ARTE ERWIN BUKACZEK Diseño y diagramaCión ERWIN BUKACZEK IMPRESIÓN Artes gráficas zamphirolos IMáGENES Todas sujetas a derecho de autor ASUNCIón, paraguay


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Andrea montanaro - Erwin b uk ac zek


PH OTOMO D E CONTENT

CAPÍTULO 1 13 historia de la fotografía de moda

CAPÍTULO 2 43 Referentes internacionales

CAPÍTULO 3 71 Referentes nacionales

ANEXOS 123 Revistas Blogs Fotógrafos


PH OTOMO D E INTRO

La Fotografía de Moda es “la fotografía de la vestimenta” y como tal, tiene el deber de transmitir deseos, despertar envidias y hacer soñar a cualquier espectador, a través de las mismas prendas. Para ser considerada buena, está obligada a hablar de moda y narrarnos la situación del momento actual; desglosando tendencias, hábitos e incluso obsesiones colectivas pasajeras. Son éstos los elementos básicos que componen la creación artística de lo que conocemos acerca de la disciplina. Roland Barthes, “El Sistema de la Moda”.

FOTÓGRAFO Juergen Teller TÍTULO Vivienne Westwood AÑO 2009

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Referencias Iniciales Pictoralismo Modernismo Realismo Vogue harper's bazaar Surrealismo Década de los 40 Década de los 50 Década de los 60 Década de los 70 Década de los 80 Década de los 90


1 CAPÍTULO

Historia de la fotografía de Moda


PH OTOMO D E HISTORI A DEL aFOTO GRAFíad emoda

"una imagen vale más que mil palabras" Proverbio chino

1856

1901

1910

1920

1930

1934

Primera Modelo Condesa de Castiglione

Imágenes al aire libre Revista "Les Modes"

Pictorialismo

Modernismo

Realismo Surrealismo Movimiento Experimentación

Primera foto a página completa Revista "Harper's Bazaar"

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1935

1950

1960

1970

1980

1990

Primera fotografía a color Kodachrome

Cámaras réflex de menor tamaño y peso + lentes intercambiables + flash

Democratización de la Moda: David Bailey Bert Stern Yasuhiro Wakabayashi

Objetivo Ojo de Pez Flash estroboscópico

Boom Publicitario: Herb Ritts Bruce Webber Steven Meisel

Corinne Day Inez Van Lamsweerde David Sims

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Referencias Iniciales La Fotografía de Moda nace como retratismo durante la segunda mitad del siglo XIX; donde el francés Antoine Claudet es considerado el primer fotógrafo de moda, gracias a su particular labor dcomo retratista para mujeres de alta cuna que deseaban establecer claramente su posición. Le sigue, el compatriota Charles Reutlinger, quien posee dos estilos definidos: imágenes rígidas que acompañan la profesión o personalidad de la modelo; e imágenes volátiles con poses más teatrales y exageradas. Durante este periodo, las fotografías eran intervenidas con pintura, donde los detalles de la vestimenta eran pulidos puesto que la calidad de las imágenes no llegaba a mostrarlos fielmente. Roger Fenton construyó una serie de retratos a la Reina Victoria que son considerados el primer registro de moda de la historia, ya que la fuerza del vestuario opaca los rostros. Además, implementó a su obra posiciones de espalda y reducción de decorados como elementos distractores, potenciando una vez más el protagonismo de cada prenda de vestir. Durante este ciclo, la indumentaria se encontró presente influyendo indirectamente en la composición y la configuración de la imagen. No existió en ningún fotógrafo el deseo de vender moda. No obstante, en la década de los 80 aparecieron tarjetas personales que servían de promoción a sastrerías u otros tipos de establecimientos relacionados con la promoción y venta de objetos de moda.

FOTÓGRAFO Antoine Claudet TÍTULO Portrait of a Lady AÑO 1850

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PH OTOMO D E HISTORI A DEL aFOTO GRAFÍADE MODA

Pictorialismo Con la corriente pictorialista, los fotógrafos tuvieron que desarrollar nuevas técnicas y recursos para lograr que las imágenes gozaran del aspecto de pintura. Además, durante esta etapa se desarrolló un tipo de fotografía que sí iba dirigido a un auditorio específico y que cumplía una función dentro de la sociedad: el fotoperiodismo. El mundo de la Fotografía de Moda quedó estancado durante mucho tiempo, pero con el nacimiento de esta nueva corriente se desprendieron dos nuevas ideas: el de la dependencia de la función comercial que la misma poseía; y el de los aspectos de la apertura mental en cuanto a la idea de convertir las imágenes en una propaganda, y de hacer de la vida de las personas algo público y visivo. El Pictorialismo trajo consigo una valoración a la categoría de Fotografía de Moda, que a partir de ese momento

fue percibida y entendida como una ramificación artística más. Fue el francés Adolph de Meyer, con excelente dominio de técnica y buen gusto, el responsable de haber aplicado la corriente pictorialista dentro del mundo de la moda, siguiendo a los fotógrafos tradicionales que buscaban la aceptación del procedimiento fotográfico como arte. A pesar de la necesidad publicitaria de su trabajo fotográfico, hizo que las composiciones se simplifiquen utilizando como razón principal el completo enfoque del espectador. Lo que cobraba fuerza y protagonismo era la iluminación de la escena, que desdibujaba contornos y los volvía imprecisos, evitando contrastes y envolviendo a los personajes suavemente. Él no inventó la corriente, sin embargo fue la persona clave en descubrir la fuerza de sugestión que ella poseía dentro de la moda indumentaria, que demandaba imágenes cada vez más encaminadas hacia lo publicitario.

FOTÓGRAFO Adolph de Meyer TÍTULO Portrait of a Woman AÑO 1920-1930

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Durante este periodo, la influencia del arte sobre la fotografía estaba empezando a cambiar finalmente de dirección. Los nuevos fotógrafos buscaban valerse como artistas dentro de la disciplina fotográfica y no de la pintura. El Modernismo fue potencialmente influido por el arte japonés; por la importancia de las líneas de horizonte, la claridad, la sencillez, la delicadeza de sus tonos, la elegancia implícita, lo sutilmente decorativo y la sugerente atmósfera de ensueño que lograban transmitir con cada pieza. Fue así que la fotografía modernista se destaca por las líneas bien definidas y la nitidez, donde la simplificación práctica y funcional lo es todo. La Fotografía de Moda tardó cierto periodo en abandonar lo pictorialista y actualizar

sus obras a esta nueva corriente. Sin embargo, tiempo después la moda misma en cuanto a tendencias, adoptó este estilo más cubista y geométrico. La etapa modernista otorgó a la mujer una elevada importancia, haciendo de ella su principal musa, y creando un tipo concreto de mujer: soñadora, sensual, misteriosa, elegante y sofisticada en gestos, manera de vestir y peinar. Su elogio a la mujer y a lo femenino, no cae en prejuicios tradicionales y demuestra que la fotografía sí puede vender moda, sin perder el sentido decorativo y novedoso, ni caer en prejuicios tradicionales. Fue el ruso George Hoyningen-Huene, el primero en avanzar dentro del campo de Fotografía de Moda Modernista, añadiendo diferentes encuadres y puntos de vista a la composición, resultado que brinda a las imágenes un aspecto mucho más atrevido y osado para la época.

Modernismo FOTÓGRAFO G. Hoyningen-Huene TÍTULO Attery AÑO 1930

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PH OTOMO D E HISTORI A DEL afotograf íad emoda FOTÓGRAFO Martin Munkácsi TÍTULO Peignoir in Soft Breeze AÑO 1936

Realismo La corriente realista llegó a la Fotografía de Moda en la década de los 30, produciendo una gigantesca transformación. Ya habían pasado más de 10 años desde que los fotógrafos artísticos se habían iniciado dentro del Modernismo. Sin embargo, en el ámbito de la moda, el Realismo ingresó como doctrina a una nueva dimensión, a una era adelantada. El húngaro Martin Munkácsi, trató a las modelos y a los diseños como si ambos se tratasen de una noticia, de un suceso a ser contado. Ofrece al espectador una serie de actitudes informales donde las poses y la teatralidad de las corrientes pictorialistas y modernistas se pierden; pues las modelos parecen haber sido sorprendidas en algún juego o retratadas incluso sin que lo supieran, otorgando una sensación de naturalidad única. Asimismo, avanza en la liberación del encuadre, adquiriendo más movilidad y estilo fotográfico, sin disminuir la capacidad de narración de las imágenes. Al realizar la composición se pueden cortar cabezas, brazos o piernas como opción completamente válida. Durante esta etapa, la historia se centra al fin en el atuendo, y no en la persona. Los espacios, los ambientes y los objetos simbólicos desaparecen, dando pie a que la cámara sea la que se acerque a las modelos. Además, el estudio obsesivo de la luz, pierde aquí su importancia, utilizando espacios abiertos de iluminación en su mayoría de forma natural.

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Vogue Palabra francesa que en español significa “Moda”. Es una revista norteamericana de moda y estilo de vida, editada en alrededor de 19 países. De publicación mensual, está orientada a un público interesado en nuevas tendencias. La primera Vogue fue impresa en 1892. En el año 1909, la editorial norteamericana Condé Nast, se hace cargo de la revista, contribuyendo de forma directa al origen de la Fotografía de Moda, liderando el campo de la fotografía durante las décadas de los 20 y 30. Estas publicaciones empezaron con una pequeña tirada y un público bastante selecto, dedicadas exclusivamente a orientar el gusto de la élite, introduciendo siempre novedades en cuanto a tendencias de moda. El ensueño y las ansías de elegancia se convierten tanto en un derecho político como en una necesidad psicológica dentro de la sociedad, y es en esa época, donde la industria de la indumentaria empieza a elevarse económicamente.

FOTÓGRAFO Edward Steichen TÍTULO VOGUE AGOSTO AÑO 1936

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PH OTOMO D E HISTORI A DEL A fotograf íad emoda

Revista de moda norteamericana fundada en 1867 por Mary Louise Booth. Inicialmente fue publicada de forma semanal hasta 1901, año en el que fue adquirida por Hearst Corporation. Actualmente, la Harper’s Bazaar se publica en alrededor de 18 países al mes. Dentro de esta publicación, la modelo logra conectarse con el clasicismo griego; ordenado, proporcionado, objetivo y por sobre todo, real, alejándose completamente de la atmósfera pictorialista. Y es en este ambiente donde se encuentra a la mujer moderna, desinhibida y hasta en ocasiones, dinámica. Los escenarios recargados son tachados de anticuados, y no es permitido nada que pueda retrasar u obstruir los movimientos de las modelos. La pesadez se pierde puesto que transmitía una especie de sensación de prisión, o hasta incluso, cautiverio.

Harper’s Bazaar

ILUSTRADOR Erté TÍTULO HP FEBRERO AÑO 1931

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FOTÓGRAFO Man Ray TÍTULO Portrait Coco Chanel AÑO 1935

En Fotografía de Moda, el fundamento de esta corriente es la provocación, el llamado de atención que promueve la participación y que se fusiona con el carácter publicitario. Se introdujeron nuevas técnicas de distorsión y solarización, con lo que se logró la apertura de una dirección completamente nueva, donde imperaba el menosprecio de todas las reglas y los convencionalismos aprendidos anteriormente. Se defendió la novedad dentro del terreno creativo sobre todas las cosas, y ella incluía la experimentación con las técnicas, que permitieron alejarse de lo objetivo, para introducirse en una propia percepción de la realidad. Las mujeres surrealistas denotan un aire misterioso y simbólico, con una personalidad ausente. Con una tendencia lógica a la abstracción,

Surrealismo

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el género femenino siempre queda claramente definido. Como máximo expositor de la corriente, el estadounidense Man Ray muestra en las mujeres, un erotismo sofisticado, una realidad embellecida. Los aportes del movimiento dentro del área de Fotografía de Moda son grandes, ya que supusieron el triunfo de la creatividad, la visión individual y la aceptación; además de la búsqueda del carácter publicitario de las imágenes instaura el rompimiento de limitaciones y posibles barreras inventivas. Dentro de esta misma búsqueda, quedó consagrada la provocación, que aceptaba completamente cualquier tipo de elemento visual o mecánico como parte del proceso fotográfico, y los ponía de forma directa al servicio de los artistas.


PH OTOMO D E HISTORI A DEL A fotograf íad emoda FOTÓGRAFO Louise Dahl-Wolfe TÍTULO Ivy Nicholson para HB AÑO 1948

Década de los 40

Durante la totalidad de la década de los 40, la Fotografía de Moda se vuelve descriptiva y sobria, con contenidos que buscan transmitir una sensación de calma y serenidad, perdiendo los sentimientos de angustia y dramatismo. Cabe mencionar la diferencia entre Estados Unidos y Europa durante esta época. El primero no sufrió la carencia de materiales ni la destrucción o el cierre de estudios que sí se materializó en el viejo continente, por ello las imágenes obtenidas en ambos lugares son sumamente dispares en todos los aspectos.

Se destacó el trabajo fotográfico de moda de la estadounidense Louise DahlWolfe, quien además fue una de las primeras profesionales del área a utilizar el proceso Kodachrome en Fotografía de Moda. Creó imágenes de cuidadosa composición, donde las luces y las sombras se combinaban para dotar de intimidad cada toma. No existen ni los contrastes excesivos, ni teatralidad, ni toques surrealistas; pero sí, sensaciones psicológicas. Su trabajo se realizó fundamentalmente en estudio, utilizando iluminaciones artificiales que mostraban resultados atractivos para la publicidad dentro de medios especializados.

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Década de los 50 Con el avance continuo de la publicidad y la fotografía, la década de los 50 rechaza la búsqueda de la perfección e intenta adentrarse aún más para intentar descubrir posibles campos no conquistados. Los fotógrafos de moda desean la diferenciación, la oportunidad de convertirse en seres inmortales gracias a la longevidad de una sola fotografía. Gracias a la demanda de bienes de consumo y la nueva importancia otorgada a la publicidad, aumenta el número de revistas especializadas en moda y fotografía, donde los contenidos tienen cada vez más connotaciones artísticas. A partir de este fenómeno cultural, la fotografía queda al fin como móvil de expresión artística, habiendo adquirido su propio lenguaje a través de los años y definido su propia utilidad dentro

FOTÓGRAFO Louise Dahl-Wolfe TÍTULO Ivy Nicholson para HB AÑO 1958

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de la sociedad; la fuerza de comunicación. Se comenzó a trabajar dentro de una línea realista, espontánea y llena de movimiento. Esta nueva generación representó el cambio optimista, que se había perdido tras los desastres políticos durante de década del 40. Fue el estadounidense Richard Avedon, el que volvió a utilizar modelos reales: mujeres con las que se topaba en la calle, llenas de vida, coquetas, alegres, que se mueven a la luz del día con los demás; y no diosas situadas en ambientes cerrados esperando la contemplación y admiración de todos. Prevaleció la espontaneidad dentro de la toma, donde se trabaja mayoritariamente al aire libre y la modelo es libre de interactuar con su entorno. Gracias a Avedon la fotografía de moda se sitúa al mismo nivel de evolución e importancia que las demás ramas periodísticas y documentalistas.


PH OTOMO D E HISTORI A DEL A fotograf íad eMODA FOTÓGRAFO Bob Richardson TÍTULO Valentino F/W 1969 AÑO 1969

La época de los 60 fue la era de la introversión documental, un estilo que presta la propia vida del fotógrafo de manera confesional, revelando sus estados de ánimo, robando instantes psicológicos y mostrando la profunda intimidad en cuanto a sus relaciones con otras personas. La Fotografía de Moda reflejó un elevado grado de entusiasmo juvenil, mitificando la figura del fotógrafo, pasando a convertirse en símbolo de agitación, aventura, desafío a lo preestablecido, búsqueda de cambios, provocación, liberación sexual y vivencias intensas. La moda y los que la plasmaban fueron la pancarta de sus propias ventas y los portadores visibles del mundo que soñaban, transformándose en los nuevos arquetipos a ser imitados y emulados. El Neorrealismo Cinematográfico dejó también su huella dentro de la elaboración de imágenes de moda, puesto que penetró plenamente en la vida, la sociedad y en el sentido crítico de las situaciones expuestas. La manipulación del ambiente y la utilización de la óptica distorsionada acentúan la visión fotográfica y el establecimiento de un estilo definido, por lo que dentro de esta dirección fue considerado un gran avance. Esta década convirtió al fotógrafo de moda en un fotógrafo héroe, admirado y adorado por todos los sectores de la sociedad; y transformando a la vez la comprensión de lo efímero, de lo sorprendente, haciendo de esas situaciones, su forma de vida. La fotografía tradicional al fin va de la mano con la Fotografía de Moda, quedando estrechamente relacionadas e igualmente valoradas.

Década de los 60 34


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FOTÓGRAFO Guy Bourdin TÍTULO Untitled AÑO 1978

Década de los 70

Durante esta década, los fotógrafos intentaron sumergirse aún más dentro del mundo de los secretos, de la visión de la realidad individual. Las imágenes siguieron siendo utilizadas para denunciar aspectos de la sociedad, y al mismo tiempo se desarrollaron nuevas vías de expresión. Se buscó la auténtica participación del receptor, intentando hacerlo pensar a varios niveles, aumentando la capacidad narrativa de cada imagen. Los relatos a veces, se tornaron agresivos, ya que implicaron la visibilidad de las fantasías más ocultas de cada ser, hasta ese momento no aprobadas por la sociedad. El lema es inquietar, aunque moleste. La libertad sexual y la violencia característica de la época se presentaron dentro de la fotografía de moda, pretendiendo ésta siempre ser innovadora, e incluso beneficiándose de los escándalos y las manifestaciones como vehículo publicitario. La realidad se vuelve psicológica y adquieren fuerza los aspectos misteriosos e irónicos. Se destaca esencialmente, la variedad de

manifestaciones y estilos dentro del mismo campo; donde se aceptó lo figurativo y se rechazó la abstracción puesto que interrumpía el camino del mensaje. La importancia del contenido creció, y el público se encontró cada vez más capacitado para asimilar e interpretar las imágenes. El fotógrafo de moda ya no se limitó a informar sino que ofreció su visión de los hechos. El espectador aceptó sus gustos y los de la sociedad, comprendiendo la necesidad de vender, alejándose de las ideas anti consumistas impuestas por las décadas anteriores. La Fotografía de Moda ha madurado y avanza lentamente en los terrenos de la narración, la calidad de la técnica, la vanguardia y la imagen de autor.

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PH OTOMO D E HISTORI A DEL A FOTO GRAFÍAd eMODA

Década de los 80

Durante la década de los 80 el mundo se convirtió en un escenario publicitario donde la estética se superpuso sobre la ética y la Fotografía Artística recorre el mismo camino de la publicitaria. Surgió el fenómeno llamado espejismo, refiriéndose a lo contrario. Estos años marcaron el hedonismo, el egocentrismo, la frialdad y la desaparición de la seriedad. La característica principal es la variedad, en cuanto a técnicas, estética y mensaje. Se buscó la desinhibición, el triunfo de la vida nocturna y el paisaje urbano, la recreación de lo que las personas estaban viviendo en ese exacto momento, una versión poética de la realidad. Las fotografías tomaron el rol de mayor influencia, puesto que la gente quería formar parte de las historias que las mismas contaban y las recreaban

dentro de su cotidianeidad. Además, el lenguaje de la moda indumentaria se utilizó para anunciar diferentes productos, como perfumes, bebidas, entre otros. Se deleitaron con la idea de vender estilos de vida, por lo que la exageración, la teatralidad, y la falta de mesura estuvieron siempre presentes. Predominaron las imágenes dirigidas a las sensaciones y a los sentimientos; sorprender, arrancar una sonrisa o una lágrima dependiendo de la situación, placeres, miedos, o cualquier emoción que despertase al espectador de la indiferencia. Fue así que se produjo la tendencia a la concentración y simplificación de los mensajes finales, o incluso la posibilidad de ambigüedad o misterio para lograr un ambiente sugestivo.

FOTÓGRAFO Herb Ritts TÍTULO Versace, El Mirage AÑO 1989

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Década de los 90

Durante la década de los 80 el mundo se convirtió en un escenario publicitario donde la estética se superpuso sobre la ética y la Fotografía Artística recorre el mismo camino de la publicitaria. Surgió el fenómeno llamado espejismo, refiriéndose a lo contrario. Estos años marcaron el hedonismo, el egocentrismo, la frialdad y la desaparición de la seriedad. La característica principal es la variedad, en cuanto a técnicas, estética y mensaje. Se buscó la desinhibición, el triunfo de la vida nocturna y el paisaje urbano, la recreación del presente, una versión poética de la realidad. Las fotografías tomaron el rol de mayor influencia, puesto que la gente quería formar parte de las historias que las mismas contaban y las recreaban dentro de su cotidianeidad. Además, el lenguaje de la moda indumentaria se utilizó para anunciar diferentes productos, como perfumes, bebidas, entre otros. Se deleitaron con la idea de vender estilos de vida, por lo que la exageración, y la falta de mesura estuvieron siempre presentes. Predominaron las imágenes dirigidas a las sensaciones y a los sentimientos; sorprender, arrancar una sonrisa, una lágrima dependiendo de la situación, placeres, miedos, o cualquier emoción que despertase al espectador de la indiferencia. Fue así que se produjo la tendencia a la concentración y simplificación de los mensajes finales, ligada a la posibilidad de ambigüedad y así lograr un ambiente sugestivo.

FOTÓGRAFO David LaChapelle TÍTULO Kylie Minogue AÑO 2002

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helmut newton juergen teller annie leibovitz patrick demarchelier mario testino terry richardson


2 CAPÍTULO

REFERENTES INTERNACIONALES


PH OTOMO D E REFERENTESIN TERNACIO NAL ES

Helmut Newton

Si considerase lo que le gusta al público nunca sacaría una sola fotografía. Lo que hago es para complacerme a mí mismo. El romanticismo es muy bonito… Pero no lo quiero en mi trabajo.

Juergen Teller

Quiero mostrar el poder que uno tiene como fotógrafo y el lado difícil de ello. Debes ser precavido e intentar hacer que las circunstancias se den, caso contrario, el resultado termina siendo desagradable.

Annie Leibovitz

A veces encuentro interesante a la superficie. Todos decimos que la base de un buen retrato es intentar alcanzar el alma del fotografiado… Pero no creo que eso sea posible todo el tiempo. La fotografía te da licencia para explorar.

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Patrick Demarchelier

Aprendí casi todo lo que sé sacando fotografías, muchas fotografías. Cometí varios errores, sin embargo rescato que de ellos aprendí las lecciones más valiosas. Ser un fotógrafo es como ser un atleta, debes practicar y entrenar todos los días.

Mario Testino

Quiero mostrar mundos que nadie ha visto anteriormente, excepto en fotografía. Quiero que los espectadores logren conectarse y obtengan experiencias que no podrían haber tenido de alguna otra manera.

Terry Richardson

Mi regla radica en no pedir de nadie algo que yo no haría. Fue de esa manera que llegué tan lejos. Al principio, sólo quería practicar con unos cuantos desnudos, entonces también me quité la ropa.

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PH OTOMO D E REFERENTESIN TERNACIO NAL ES

Helmut Newton

Ap ellidado realmente N eustäder, Helmut Newton nació el 31 de octubre de 1920 en Australia y hoy es considerado uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. En 1948, abrió su primer estudio fotográfico en Melbourne, época en la que también conoció a su mujer June Browne, quien a partir de los setenta adoptó el pseudónimo de fotógrafa Alice Springs, influyendo notablemente en su obra. Al cabo de unos años, se marchó a Londres para completar su formación dentro del campo de la moda. Una vez finalizada esta etapa, partió para París, ciudad que se convirtió en su residencia fija. Allí, trabajó para importantes publicaciones como Vogue, Elle, Marie Claire, entre otras. Es aquí donde su carrera se disparó por completo. Dueño de un estilo tachado de fetichista y combinado de glamour, Helmut fue principalmente un contador de historias

que trajo lo mejor del aura del Berlín de los años 20 a la época contemporánea. Ha logrado crear a menudo reacciones extremas y controvertidas dentro del círculo que rodeaba su trabajo, así también como la más pura admiración. Su legado se divide en tres partes que corresponden a lis estilos fotográficos de: retrato, moda y desnudo. Representó mujeres que amaron y desearon ser amadas, que gozaron de sus atributos corporales, que carecían de reparos en enseñarlos o exhibirlos. Entre sus musas contamos con celebridades como Claudia Schiffer, Milla Jovovich y Naomi Campbell. En sus fotografías predominó el uso del blanco y negro con grandes contrastes de luz, que dieron un aire de sensualidad y atracción a cada toma. Falleció en el año 2004 a causa de un accidente automovilístico.

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CRÉDITOS Menacing Marais, HARPER'S & QUEEN, 1971

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CRÉDITOS Thierry Mugler, Montecarlo, 1988

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CRÉDITOS Yves Saint Laurent Rive Gauche, VOGUE PARIS , 1979

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PH OTOMO D E REFERENTESIN TERNACIO NAL ES

CRÉDITOS Celine Eyewear Spring Summer, 2013

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Juergen Teller

Nació en la ciudad alemana Erlanger, en 1964. Se trasladó a Londres, a mediados de los 80 porque no quería ingresar al servicio militar dentro de su país. Comenzó su carrera como fotógrafo en 1986, fotografiando a celebridades musicales como Elton John y Kurt Cobain. Allí, conoció a Venetia Scott quien lo empujó al mundo de la Fotografía de Moda. Más tarde, se casaría con ella. Con un enfoque bastante grunge , Juergen Teller se adentró al mundo de la moda sin saber absolutamente nada de ella. Realizó sus primeras editoriales para revistas vanguardistas como The Face o i-D. Para el comienzo de los noventa se había convertido ya en parte integral de la escena fashionista, donde editores y directores de varias publicaciones apreciaban su trabajo directo, abierto, junto con su manera de dialogar y elaborar las distintas escenas. Trabajó para medios editoriales y firmas como Dazed & Confused, Vogue, Comme Des Garçons, Marc Jacobs, Vivienne Westwood e Yves Saint Laurent.

La esencia de la obra de Teller recae en sus retratos, porque ante todo, él se considera un fotógrafo de personas, y por consiguiente, cree que uno debe lograr que los sujetos a ser capturados se relajen y actúen de manera natural ante su lente. Divide las obras publicitarias y su trabajo personal, aunque en ambos destaca el interés por los rostros, los gestos y la expresión psicológica de los retratados. En lugar de idolatrar a las modelos y hacerlas ver como seres aún más inalcanzables por medios de trucos digitales, se anima a enfatizar las imperfecciones de cada una de ellas. Cree en la contemplación directa y sincera de la fotografía, de la estética realista y objetiva. Además, sus composiciones cuentan con errores deliberados como reflejos de flash o poses simples; sin embargo, no debe juzgarse al fotógrafo por este comportamiento aparentemente naive, ya que cada toma que pareciera accidental, se consigue un resultado más que planeado, estudiado.

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CRร‰DITOS Bjรถrk Spaghetti Nero, Venecia, 2007

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PH OTOMO D E REFERENTESIN TERNACIO NAL ES

Annie Leibovitz

Anna-Lou Leibovitz, nación en la ciudad de Waterbury el 2 de octubre de 1949. Con 63 años, es la fotógrafa mejor pagada del mundo. Considerada una de las más influyentes dentro de la profesión, Annie Leibovitz es conocida principalmente por su trabajo de retratismo de celebridades de Hollywood. En 1977, la editorial Condé Nast la contrató para realizar fotografías documentales y paisajistas. En ese mismo periodo, se postuló para trabajar de manera independiente para la revista Rolling Stone. Al cabo de dos años fue ascendida a jefe del departamento de fotografía, cargo que ocupó por 10 años, realizando alrededor de 140 cubiertas.

En 1983, comenzó a trabajar como retratista para la revista Vanity Fair. Alrededor de 10 años después, empieza a colaborar con varias ediciones de la revistas Vogue, Life y Esquire. Además, fundó su propio estudio en Nueva York. Su trabajo hace énfasis en aspectos subjetivos de la persona a ser fotografiada – especialmente en el caso de que se trate con alguna celebridad. Utiliza el cuerpo entero del sujeto, capturándolo en medio de alguna acción física o movimiento, logrando unos efectos sin artificialidad aparente, y con un talento que la separa automáticamente del resto de los retratistas. Exhibe la cantidad adecuada de frescura, drama y atracción.

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CRÉDITOS Cate Blanchett, VANITY FAIR, 2004

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CRÉDITOS Scarlett Johanson, Disney World's Year of a Million Dreams, 2007

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PH OTOMO D E REFERENTESIN TERNACIO NAL ES

CRÉDITOS Dior Couture, VOGUE RUSSIA, 2011

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Patrick Demarchelier Oriundo de la ciudad francesa El Havre, Patrick Demarchelier nació el 21 de agosto de 1943. Ha vivido en Nueva York desde 1975, década en la que su fotografía comenzó a cobrar notoriedad. Desde esa época, su trabajo adorna páginas de publicaciones como Vogue, Rolling Stone, Glamour , Life y Elle. Entre los años 1992 y 2004, fue el fotógrafo principal de la revista Harper’s Bazaar. Además de su trabajo editorial, fue contratado en varias ocasiones para la creación de campañas de grandes casas de moda como Christian Dior , Louis Vuitton , Chanel e Yves Saint Laurent. En su obra, Patrick Demarchelier muestra una gran tradición pictórica con la utilización de la luz, además de la constante búsqueda de la armonía entre las líneas corporales y la composición.

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CRÉDITOS Le Chant des Sirènes, VOGUE PARIS, 2008

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CRÉDITOS Eniko Mihalik, VOGUE DEUTSCHLAND, 2012

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PH OTOMO D E REFERENTESIN TERNACIO NAL ES

Mario Testino

Mario Testino nació en la ciudad de Lima, Perú. En 1976 se mudó a Londres, donde comenzó a interesarse por la fotografía. El inicio de su carrera en el mundo de la moda fue humilde, puesto que prestaba sus servicios para la realización de portafolios a modelos, por 25 libras esterlinas, incluyendo producción, maquillaje, peluquería y estilismo. En la actualidad, cuenta con un currículum extenso y exitoso, mundialmente reconocido a causa de sus imágenes creativas y campañas publicitarias. Trabajó para publicaciones como Vogue y Vanity Fair, y además fotografió para grandes firmas como Yves Saint Laurent, Versace, Gucci y Burberry.

Mario Testino logra que las personas que él fotografía se vean de la mejor manera posible. Su estilo podría describirse como un realismo de lujo, dotado de una magia sin precedentes, pero él mismo se rehúsa a pensar demasiado o analizar en su totalidad el asunto. Además, demuestra en sus instantáneas, un aire de erotismo y elegancia que no denotan vulgaridad o explotación en absoluto. El trabajo de Mario es reconocido alrededor de todo el globo, y la crítica considera a sus fotografías como materiales audaces, y apasionadas. Afirma deber su éxito al cumplimiento de su profesión soñada y a la satisfacción personal que el propio vivir de ello le brinda.

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CRÉDITOS Emma Watson, VOGUE, 2011

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CRÉDITOS Brazilian Treatment, VOGUE, 2012

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CRÉDITOS Uptown & Down, V MAGAZINE, 2010

CRÉDITOS Sasha Piravova, ALLURE MAGAZINE, 2010

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PH OTOMO D E REFERENTESIN TERNACIO NAL ES

CRÉDITOS Kate Upton, HARPER'S BAZAAR, 2012

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Terry Richardson Ciudad de Nueva York, 1965. Nació el hijo del renombrado fotógrafo Bob Richardson, Terrence, o mejor conocido como Terry. Con adjetivos como transgresor, sucio, radical y hasta violento, sus fotografías rodean una atmósfera decadente que atrapa los ojos del que la mira, llenando la mente de sensaciones desagradables y a la vez maravillosas. Escenas cargadas de erotismo vulgar, ligadas con extrema crudeza una realidad que para él describe a la perfección su mundo de crianza hollywoodense. Ha trabajado para varias publicaciones como Vogue, Harper’s Bazaar, Penthouse, The Face, GQ y Spor ts Illustrated. También realizó campañas para casas de moda como Gucci, Levi’s, Miu Miu y Mango. Su visión mezcla elementos humorísticos, trágicos, provocativos y en raras ocasiones, hermosos.

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CRÉDITOS Sisley Spring Summer, 2011

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CRÉDITOS Lady Gaga, ROLLING STONE, 2010

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negib giha v铆ctor candia mart铆n crespo m贸nica matiauda javier medina laura mandeliki javier valdez la obra fot贸grafos


3 CAPÍTULO

REFERENTES NACIONALES


PH OTOMO D E REFERENTESNACIO NAL ES

Negib Giha

Víctor Candia

Martín Crespo

Mónica Matiauda

Revista LEVEL

Revista LAS ROSAS

Revista WILD

Revista HCBODAS

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Javier Medina

Laura Mandelik

Javier Valdez

La Obra Fotografos

Revista WILD

Revista ALACARTA

Revista VIDA

Revista VOS

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PH OTOMO D E REFERENTESNACIO NAL ES

CRÉDITOS Viuda Ramírez Primavera Verano, 2011

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Negib GihA Estudió diseño gráfico en la Universidad Católica de Asunción, y trabajó 7 años dentro del área. Fue dentro de la revista Wild, donde su interés por la fotografía se convirtió en algo tangible y certero. Al necesitar fotografiar entrevistados o productos para las distintas ediciones, Negib Giha se ofreció para realizarlas sin compromiso. Cuenta que el fotoperiodista Jorge Sáenz visitó en cierta ocasión la editorial y preguntó por una fotografía que él había tomado, diciéndole que poseía un buen ojo fotográfico. Con ese incentivo, ahorró para comprar su primera cámara réflex. Sus estudios dentro del campo son ante nada autodidactas, aprendiendo de libros, prácticas de trabajo con otros fotógrafos e internet. En cuanto a la definición de un estilo propio, se limita a mencionar que por el momento son los clientes los que dictan las coordenadas de sus trabajos, siendo él un simple intermediario. Se inclina más hacia el retratismo, con un carácter natural y espontáneo, evitando los retoques artificiales y la fotomanipulación. Por otro lado encuentra interesante la idea de realizar fotografía documental fusionada a la moda, para así obtener un resultado fresco y contemporáneo. Entre sus fotógrafos de referencia se encuentran Richard Avedon, Henri Cartier-Bresson , Helmut Newton y Annie Leibovitz. En escala nacional, admira trabajos de sus amigos y colegas; Víctor Candia y Javier Medina.

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CRร‰DITOS Respirรก Mientras Puedas, LAFACTORY, 2013

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CRÉDITOS Florencia, Buenos Aires, 2012

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CRÉDITOS !Ay Caramba!, LAFACTORY, 2012

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No esperar enseñanzas de alguien, la fotografía es práctica. No buscar copiar, siempre intentar ser auténtico a la hora de componer fotográficamente. Existen fotógrafos excelentes, pero muy influenciados por otros en cuanto a estilo; uno debe olvidarse de eso que tanto nos gustó en un comienzo y encontrar la voz propia.

Amar la luz. Aprender a utilizarla de todas las maneras. La fotografía es luz y esta es la técnica principal. No importa la cámara, no importan los lentes… Una vez que se domine a la luz y se la emplee como principal elemento, ahí uno empieza a preocuparse por los complementos técnicos.

CRÉDITOS Icónicas, LEVEL, 2013

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PH OTOMO D E REFERENTESNACIO NAL ES

Víctor CAndiA Su trabajo siempre estuvo ligado a las artes visuales, ya sea en diseño gráfico, dirección de arte, dentro de las ramas de publicidad o editorial; allí comenzó a trabajar cada vez más con fotógrafos y productores, dirigiendo el acting y creando los conceptos. Se compró una cámara réflex sin pretensiones de volverse fotógrafo, hasta que por circunstancias de trabajo, se vio en ese papel. De naturaleza empírica al principio, lidiando con profesionales del ambiente día a día, aprendió gran parte de lo que hoy sabe, observando y analizando todo a su alrededor, además de tomar él mismo sus propias fotografías. A mediados de los 90, el internet no era accesible y se arregló como pudo, suscribiéndose a revistas norteamericanas y comprando fascículos que hablaban por sobre todo de técnica. Años más tarde, cursó la carrera de Fotografía de Moda y Publicidad en el Instituto FotoDesign de Buenos Aires. En cuanto a estilo, describe a su fotografía como honesta y natural, siendo ésta última palabra, clave en sus trabajos. La franqueza ante todo, sin producciones exageradas o elementos que pudieran desviar la atención. La improvisación es siempre bienvenida, las ideas que surgen en el momento son las más lógicas y uno debe aprender a ir con la corriente. Admira a fotógrafos contemporáneos como Ryan McGinley, Juergen Teller, Terry Richardson y Corinne Day. Escogió trabajar en moda por cuestiones de libertad, donde todos los días se puede hacer algo diferente y experimentar varios roles y técnicas. Usualmente con otras ramas de la fotografía, el cliente ya tiene la idea estructurada y no puede alejarse en lo más mínimo de esas reglas, mientras que con moda todo es mucho más relajado y expresivo.

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CRÉDITOS Sola en su Casa, LAS ROSAS, 2009

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CRÉDITOS Ayelen, 2009

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CRÉDITOS Evanescence, LA FUGA, 2011

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Dentro de la fotografía prima la libertad. No seguir al pie de la letra todo lo que se enseña; sí, hay que escuchar todo, conocer, pero siempre es uno mismo el que debe explorar sus caminos, sacar sus propias conclusiones. Hace tiempo que todo es válido y no existen reglas. Se sabe que del supuesto error han salido expresiones fantásticas, y por ello, se debe desobedecer mucho.

La moda es innovación constante y la fotografía también. Se debe experimentar, romper el molde. El lenguaje deben hacerlo los modelos junto con la locación, creando ese deseo, la indumentaria es importante, pero no es lo único que quiere mostrarse. La moda no es sólo ropa, es comportamiento, asociación de ideas, comunicación. Es este el concepto que debe manejarse.

CRÉDITOS Siesta Encantada, LEVEL, 2011

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CRÉDITOS Oh! Sí Otoño Invierno, 2013

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PH OTOMO D E REFERENTESNACIO NAL ES

CRÉDITOS Acqua, WILD, 2004

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F otó g r a f o a r g e n t i n o r a d i c a d o e n Paraguay. Cursó las carreras de Ingeniería Electrónica en Telecomunicaciones y, Orientación y Opinión Pública de la Publicidad en Buenos Aires. El interés por la fotografía nace principalmente por amor a la pintura, generando el hábito de la observación y el análisis de las técnicas de iluminación. Aprendió a fotografiar empíricamente, aplicando conocimientos adquiridos dentro de talleres universitarios y con lecturas sobre el tema; pero por sobre todo mediante el estudio de la contemplación y el análisis exhaustivo de cada imagen o pintura. Define su estilo como ecléctico, ya que trabaja principalmente en publicidad y editoriales de moda, logrando adaptar su estética conforme las necesidades que se presenten. Sin embargo, existe un tipo de fotografía que le es más cercano y querido, siendo éste el campo urbano. Dentro de esta categoría radicaría su preferencia disciplinaria. Su trabajo de Fotografía de Moda le otorga la oportunidad de experimentar con la técnica, puesto que a nivel fotográfico siempre existe algo nuevo que mostrar. El concepto detrás de las editoriales es más que amplio y Martín Crespo entrelaza nociones y técnicas de otras ramas fotográficas por lo todo está permitido y se trabaja de manera más fluida. Sus principales influencias fueron, son y serán: Vermeer, para conocer exactamente cómo funciona la luz, Henri Cartier Bresson en todas sus instancias, Raoul Coutard en lo referente a secuencias cinematográficas, y narración, Astor Piazzolla como transmisor directo de imágenes a través de sus músicas.

Martín Crespo 87


CRÉDITOS Punta del Este, WILD, 2005

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CRÉDITOS Red, 2005

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CRÉDITOS Uptitude Primavera Verano, 2006

CRÉDITOS Last Supper, WILD, 2004

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Leer el manual de la cámara. Eso es lo principal, la guía. Cada cámara tiene su vuelta. Manejar lo básico, variables de exposición, diafragma, velocidad, ISO. Y además de mejorar la técnica, educar al ojo con cine y pintura. Aprender de los errores, leer las fotografías y analizar el procedimiento.

Un buen fotógrafo tiene una búsqueda, algo que decir y contar, que lo hace completamente único en su especie. La mirada fotográfica tiene que ser integral, debe incluir humor, drama, todo… Saber expresar emociones es lo más importante.

CRÉDITOS Kid, WILD, 2004

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PH OTOMO D E REFERENTESNACIO NAL ES

Mónica Matiauda Desde pequeña, Mónica tuvo una especie de fascinación por la imagen, donde se apoyó como medio principal de comunicación. A la corta edad de 10 años adquirió su primer cámara réflex, y comenzó a participar de clases, talleres y workshops sobre la disciplina. Cursó la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad Católica y Artes Visuales en el ISA (Instituto Superior de Arte), además de estudiar fotografía con Pedro Caballero. En el año 2004 viajó a Nueva York a realizar una especialización en el International Center of Photography. No define a su estilo como algo específico, puesto que actualmente divide su trabajo en múltiples áreas fotográficas, desde moda y retratismo, hasta publicidad y fotoperiodismo. Lo que si puede afirmarse es la constante búsqueda, el desconformismo y el no sentirse cómoda con lo de siempre formar parte de su filosofía laboral. De esta manera, se encuentra en constante estado de actualización y perfeccionamiento de técnica para cumplir de la mejor manera trabajos específicos. Entre sus principales influencias se encuentran Jorge Saenz, Javier Medina y Juan Carlos Meza. Su paso por el mundo de la fotografía de moda no fue una elección consciente, sino simplemente una ocupación más, encargada en su mayoría por terceros. Trabajando directamente dentro de la materia, comenzó a explorar el campo y comprendió que no es sólo cuestión de manejo de cámara y composición, más si una acción en conjunto junto con el lenguaje, la estética y el propio “entender moda” y ponerse al día con lo que pasa en el mundo.

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CRÉDITOS Doravera Otoño Invierno, 2012

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CRÉDITOS Pierrot Otoño Invierno, 2012

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CRÉDITOS Florencia Soerensen Otoño Invierno,2010

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Nunca deben perderse ni la curiosidad, ni las ganas de aprender. La fotografía es una disciplina que avanza constantemente, para nada estática, por ende hay que mantenerse actualizado e investigando al respecto la mayor parte del tiempo.

La técnica es importante, sobre todo para el trabajo en fotografía de moda. Es una herramienta que se utiliza para resolver lo que necesitas comunicar y transmitir. Uno debe conocer los principios de la luz y cómo ella funciona, por sobre todas las cosas.

CRÉDITOS Unicentro, HIGH CLASS, 2012

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CRÉDITOS Fiorella Migliore, LEVEL, 2012

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CRÉDITOS WILD, 2005

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Javier Medina

F otó g r a f o a r g e n t i n o r a d i c a d o e n Paraguay. Su interés hacia la Fotografía Artística y de Moda se desarrolla primariamente por una atracción hacia las artes visuales. Javier Medina participó de varios cursos y talleres tanto en Córdoba como en Asunción, pero asegura que la mayor parte de su formación es autodidacta. Leyendo sobre el tema, informándose y aprendiendo a interpretar las imágenes en todos sus formatos fue creciendo como fotógrafo. Su estilo es principalmente documental, donde no interviene ningún tipo de manipulación digital. Las tomas son lo más directas posibles, trabajando con luz ambiente en exteriores, aprovechando al máximo los elementos de la locación, el vestuario y la modelo. Entre sus influencias principales se encuentran Richard Avedon y Annie Leibovitz, por sus trabajos colmados de inspiración y técnicas de iluminación. Participó de muestras individuales y colectivas en Argentina, Paraguay y Francia; ganó dos años consecutivos el premio Henri Matisse (2007 y 2008, el primer y segundo lugar respectivamente). Sus trabajos han sido publicados por varias revistas nacionales como Wild, Vos y Clubber.

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CRÉDITOS WILD, 2004

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CRÉDITOS WILD, 2004

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CRÉDITOS WILD, 2006

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Se debe prestar mucha atención a la técnica, ya que cuando se conocen estos conceptos, puedes saber con certeza qué es lo que no está funcionando dentro de tu fotografía. Además, cada obra debe tener una intención, olvidando lo superficial, lo vacío.

La observación hace al fotógrafo. Y por ello, es clave poseer una buena cultura visual y no sólo conocer sobre fotografía, sino explorar otras artes visuales como la escultura o la pintura. Esto influye en tu formación, y por consecuencia, en tu criterio.

CRÉDITOS Chicas, 2003

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PH OTOMO D E REFERENTESNACIO NAL ES

El interés por la fotografía le llega en forma de Konica Pop roja a los 12 años, donde la primera foto que recuerda haber sacado fue la de un dibujo animado desde la TV. A partir de ese momento siempre tuvo una cámara presente. Estudió Diseño Gráfico en la Universidad Católica y simultáneamente realizó talleres con fotógrafos como Pedro Caballero y Jorge Sáenz. En el 2007, cursó clases de historia de la fotografía e iluminación en Buenos Aires. Trabajó para publicaciones de moda como Wild, Vos, Level, High Class, Revista Mariscal, Clubber y Alacarta (gourmet). Su estilo personal quizá esté dado por distintos puntos de vista, donde inconscientemente o no, cita lo que conoce sobre historia de arte, hacienda referencias de otros lenguajes como la pintura. El diseño gráfico también define gran parte de su visión, ya que posee una mirada bastante editorial a la hora de componer. Siente interés en los proyectos de moda cuando son desde cero y se comprende aquello que va a realizarse, sin perder de vista el motive o el concepto de los que se desea transmitir. Se debe proyectar, guionar y contar con la gente indicada dentro de cada rubro; productor, guionista, maquillador, asistente, etc. La fotografía de moda es una acción interdisciplinaria, donde muchas son las conexiones profesionales que se generan, donde se logra la fimagn buscada. Como fuente de inspiración, recurre a particularidades como; las conversaciones con los demás, los pensamientos propios, el cine y el poder mirar revistas.

Laura MaNDELIK 104


CRÉDITOS Invierno, LEVEL, 2008

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CRÉDITOS Andrea Stanley, LEVEL, 2007

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CRÉDITOS A través del Espejo, LEVEL, 2008

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Es imprescindible para alguien que está empezando, pasar por el rol de asistente de fotografía, siendo éste el oficio más práctico para entender a profundidad todos los ejes de la profesión. Pues de la práctica constante nace el fotógrafo.

Un fotógrafo debe saber ver. Debe tener intuición y curiosidad. Además de conocer todos los artefactos y herramientas con las que cuenta. Desde mi punto de vista, todos los aspectos de la fotografía son importantes… Desde la producción a la edición. Desde la iluminación a la técnica.

CRÉDITOS Imagen de Primavera, WILD, 2008

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CRÉDITOS Ana Chase, ALACARTA, 2008

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PH OTOMO D E REFERENTESNACIO NAL ES

CRÉDITOS Verónica Soria, 2008

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Javier Valdez

Su interés por la fotografía se desarrolla casi al azar, donde cuestionándose cuales eran sus posibles opciones laborales, queda en primer lugar. Cursó sus primeros estudios dentro del área en el IPAC (Instituto Profesional de Arte y Ciencias de la Comunicación), además de participar de talleres internacionales y exibiciones colectivas en países como Argentina, Brasil, Bolivia y Colombia. Su estilo se basa en la aplicación de la técnica pura, ya que todos sus conocimientos parten de ese punto. El entendimiento de la cámara como elemento principal de expresión le da la oportunidad de aplicar teoría a cualquier tipo de fotografía. Lo característico dentro de sus obras recae en la aplicación del color y la composición, donde se desprenden otras ramas que van desde lo más minimal hasta lo kitsch. Para Javier, la moda le permite no ceñir su trabajo a un estándar de ideas, puesto que el fotógrafo necesita libertad para elegir qué tipo de imagen crear. Entre sus principales influencias se encuentran grandes fotógrafos como Richard Avedon y Helmut Newton, quienes parten de una percepción más clásica; y Robert Mapplethorpe, Jan Saudek y Nan Goldin contando a los de índole más osada y experimental.

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CRÉDITOS Alice Park, 2008

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CRÉDITOS José Vargas, 2008

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CRÉDITOS Luana Sotelo, 2010

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Es importante el crear esa conducta de mirar fotografías, no sólo para obtener referencias sino para entender por qué ciertas imágenes fueron hechas por ciertas personas y qué nos quisieron decir con ellas. Es importante manejar esto del autor, para poder llegar a comprender en su totalidad el lenguaje fotográfico.

Todo en cuanto a técnica es importante. La relación entre diafragma y velocidad de obturación más la cantidad de luz que ingresa a la cámara, son aspectos que, aunque parezcan básicos, cuentan con un alto nivel de importancia.

CRÉDITOS Magdalena Bertoli, 2000

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PH OTOMO D E REFERENTESNACIO NAL ES

LA OBRA

FOTÓGRAFOS La Escuela La Obra se conformó en la ciudad de Asunción, en el año 2010. Está integrada por los fotógrafos: Andrea Ferreira, Iván Greco, Marko Nara, Raúl Villalba, Sebastián Taveira y Walter Miltos; todos ellos motivados por el mismo interés y cuestionamiento fotográfico que terminó por dar forma al colectivo fotográfico. Entre las actividades laborales realizadas por el equipo se cuenta con el desarrollo de trabajos comerciales, sociales y periodísticos, bajo los pedidos de clientes particulares o empresas y siempre dentro de los criterios establecidos por la Escuela La Obra. Abarcan una extensa área de actividades fotográficas, en la que participan todos los miembros accionistas según su habilidad y especialidad, ya que cada uno posee su propia área de trabajo e interés. Aun así, los clientes son todos considerados de La Obra, y es por este motivo que deciden firmar invariablemente los trabajos como tal, descartando cualquier tipo de propiedad individual. En cuanto a moda, este tipo de fotografía es divulgada usualmente en publicaciones netamente especializadas. El rango de clientes es bastante amplio, que incluye desde diseñadores particulares hasta eventos de moda nacional.

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CRÉDITOS Ana Chase, LAFACTORY, 2011

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CRÉDITOS Look Book CABURÉ, 2013

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CRÉDITOS AnaFabGirls, Chase, ALACARTA, FAB LIVING,2008 2013

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Lo importante es desarrollar la sensibilidad artística dentro de lo que es fotografía, más allá de lo meramente técnico, donde posea en verdad la habilidad de cambiar momentos o inmortalizarlos por completo.

La fotografía debe ser un disciplina combinada. Es un arte con reglas. Además de poseer la visión y perceptibilidad, se deben conocer a profundidad las pautas que establecen tanto la técnica como la estética.

CRÉDITOS Giovanna Poletti, 2013

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CRÉDITOS FAB LIVING, 2013

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revistas FOTĂ“grafos blogs


ANE XOS


PH OTOMO D E A NE XOs

FOTÓGRAFO Martín Crespo

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La fotografía es práctica, no hay duda de ello. Sin embargo, el ojo fotográfico es un componente que se forma, se educa. Para mejorar conceptos que van desde iluminación hasta estilismo, existen innúmeras fuentes de inspiración a las cuales acudir. Para ello, lo más recomendable es visitar sitios de revistas especializadas, trabajos de fotógrafos editoriales y distintos blogs de moda.

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Inez & Vinoodh inezandvinoodh.com

Art Department art-dept.com

Alessio Bolzoni www.alessiobolzoni.com

Jan Welters www.janwelters.com

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Alex Sainsbury alexsainsbury.com

Jason Kibbler jasonkibbler.com

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Andrew G. Hobbs www.andrewghobbs.com

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Ben Dunbar-Brunton www.bendunbarbrunton.com

Mariano Vivanco www.marianovivanco.com

Fashion Editorials www.fashioneditorials.com

Ben Hassett www.benhassett.com

Mario Testino www.mariotestino.com

Fashion Gone Rogue www.fashiongonerogue.com

Benjamin Alexander Huseby benjaminhuseby.com

Mario Sorrenti www.mariosorrenti.com

Fashion Served www.fashionserved.com‎

Conan Thai www.conanthai.com

Nick Knight nickknight.com

Fahion Squad www.fashionsquad.com

David LaChapelle www.davidlachapelle.com

Patrick Demarchelier www.demarchelier.net

Fashionising www.fashionising.com

Driu + Tiago driuandtiago.com

Peter Lindbergh www.peterlindbergh.com

Ffffound ffffound.com

Ellen von Unwerth www.ellenvonunwerth.com

Rankin rankin.co.uk

Le Fashion Image lefashionimage.blogspot.com

Emma Summerton www.emmasummerton.com

Sebastian Kim www.sebastiankim.com

Metal revistametal.com

Estevez & Beloso estevezandbelloso.com

Sharif Hamza sharifhamza.com

Miss At La Playa www.missatlaplaya.com/es/

Georges Antoni www.georgesantoni.com

Steven Klein kleinstudio.us

The Ben Trovato Blog bentrova.to

Giampaolo Sgura www.giampaolosgura.com

Terry Richardson terrysdiary.com

The Fashion Photography Blog fashionphotographyblog.com

Greg Kadel gregkadelstudios.com

Thierry Le Gouès www.thierrylegoues.com

Trend Hunter www.trendhunter.com

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FOTÓGRAFO Víctor Candia

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