Programme L'Outre-rêve

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L’Outre-rêve

Récits initiatiques transfrontaliers

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19 H 30

SALLE PIERRE-MERCURE

JEUDI 9 SEPTEMBRE 2021


Récits initiatiques transfrontaliers

Jeudi 9 septembre 2021 | 19 h 30 Salle Pierre-Mercure, Montréal

L’Outre-rêve

Salle Pierre-Mercure

300 Boulevard Maisonneuve Est, Montréal

September 9 septembre 2021 | 7:30 p.m. En webdiffusion en direct | Livestream

Du 11 septembre au 9 octobre 2021

September 11 to October 9, 2021 En webdiffusion en différé | Webcast 2

L’Outre-rêve

September 9 septembre 2021 | 7:30 p.m.


PROGRAMME | PROGRAM Concert de 90 minutes sans entracte | 90-minute concert without intermission

L’Outre-rêve Véronique Lacroix et Symon Henry, direction artistique | Artistic direction ECM+, 9 musiciens - Véronique Lacroix, chef | ECM+ 9 musicans - Véronique Lacroix, conductor Sarah Albu, soprano Émilie Girard-Charest, scie musicale et violoncelle | musical saw and cello Matti Pulkki, accordéon | accordion Lucie Vigneault, danse | dance

---------Prélude 1 : Le chant de Vieux Clown à Nour d’Outre-rêve L’amour des oiseaux moches 2, Symon Henry Pour soprano, accordéon, scie musicale et ensemble de 9 musiciens | For soprano, accordion, musical saw and ensemble of 9 musicians

---------Interlude : Cantique de Louve que j’aime Pour soprano, accordéon et scie musicale | For soprano, accordion and musical saw

Recommencement 2, Myriam Boucher

Pour vidéo et bande électroacoustique | For video and electroacoustic tape

---------Interlude : La parole dansée de Djin l’éphémère Pour soprano, accordéon et scie musicale | For soprano, accordion and musical saw

Peripheral exploder 2, Annesley Black

Pour danseuse 3 et ensemble de 9 musiciens | For dancer and ensemble of 9 musicians

---------Interlude : Murmurations Pour soprano, accordéon et scie musicale | For soprano, accordion and musical saw

Inverted Light 2, Snežana Nešić

Pour soprano, accordéon et ensemble de 9 musiciens | For soprano, accordion and ensemble of 9 musicians

---------Épilogue Prélude, interludes et épilogue ont été composés par Symon Henry | Composed by Symon Henry Création, commande de l’ECM+ | Premiere, commissionned by the ECM+ 3 Lucie Vigneault danse et chorégraphie, en collaboration avec Marie-Josée Chartier | Lucie Vigneault dance and choreography, in collaboration with Marie-Josée Chartier 1 2

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UN MOT DE

VÉRONIQUE LACROIX L’Outre-rêve…. le concert rêvé ! Je rêve depuis longtemps, d’un univers créatif, multiple, sans limites… La conception de cet Outre-rêve amorcée il y a près de 4 ans est la réalisation même de ce vœu, en droite ligne avec toutes les productions multidisciplinaires de l’ECM+ qui l’ont précédée sur plus de 30 ans. Spectacle d’art total à grand échelle, celui-ci réunit créations orchestrales et électroacoustique, danse, chant, arts visuels et dramatiques, poésie en français, comme en anglais… Attendez-vous à être surpris ! Empruntant la voix et la forme d’un récit initiatique écrit par Symon Henry, poète et compositeurice, artiste « multiple » par excellence qui assume aussi la codirection artistique du projet – ce texte explore la mise en relation des mémoires, des corps et des identités, au-delà des frontières en tout genre. Dans une langue envoûtante et déliée, ces thèmes sont portés par quatre personnages-archétypes inspirés de ses origines combinant Orient et Occident et par trois solistes : Sarah Albu au récit et au chant, Émilie Girard-Charest à la scie musicale et au violoncelle et Matti Pulkki à l’accordéon. Ainsi, les Vieux Clown, Louve que j’aime, Djinn l’éphémère et Nour d’Outre-rêve s’interpellent au fil d’Interludes introduisant tour à tour les quatre œuvres nouvelles commandées par l’ECM+, pour ce spectacle. Après une mise en bouche a capella de l’émotion forte de sa poésie, la pièce principale d’Henry, L’amour des oiseaux moches, fait tout d’abord appel à l’imagination des musiciens de l’ECM+ pour révéler l’expression vive de ses tableaux projetés sur écran, telles des partitions graphiques. Avec Le Cantique de Louve que j’aime qui suit, les 3 solistes entament une série de 3 interludes qui conduiront chacun vers l’œuvre principale suivante : Recommencement, de Myriam Boucher qui conjugue audio et vidéo pour plonger au cœur du territoire envoutant de la Louve, à la fois sauvage et protectrice. Peripheral exploder d’Annesley Black qui fait littéralement exploser les conventions et l’espace musical en confiant à la danseuse Lucie Vigneault le soin de déclencher les sonorités impromptues de cette pièce. Inverted Light de Snežana Nešić, une ascension quasi mystique s’appuyant sur des textes poétiques inspirants de Nicolas Masciandaro et Rainer Maria Rilke pour approcher le divin… En bref, depuis une scène (post?) pandémique nouvellement retrouvée, ces quatre compositrices, les 4 solistes, les 9 musiciens de l’ECM+ et moi-même vous emmènent pour une envolée créative aussi énigmatique qu’imprévisible. Merci à toute cette équipe formidable, ainsi qu’à tous les autres précieux collaborateurs du spectacle dont la metteure en scène et chorégraphe Marie-Josée Chartier, la scénographe Marie-Eve Fortier, la costumière Marilène Bastien et le concepteur lumières Cédric Delorme-Bouchard qui ont accepté le défi d’Outre-Rêver… Bonnne soirée à tous ! Véronique Lacroix, directrice artistique de l’ECM+ 4


A WORD FROM

VÉRONIQUE LACROIX L’Outre-rêve….the concert of my dreams! I have long dreamt of a creative, multiple, limitless universe... The conception of L’Outre-rêve, which began nearly four years ago, is the fulfillment of this wish and perfectly dovetails with all of ECM+’s multidisciplinary productions over the past 30 years. A performance of total art on a grand scale, L’Outre-rêve combines orchestral and electroacoustic creations, dance and vocal art, visual arts, and poetry in French and English... Expect to be surprised! In the voice and form of an initiatory narrative written by poet, composer and multitalented artist Symon Henry, who also serves as the project’s artistic co-director, L’Outrerêve explores the relationship between memories, bodies and identities, beyond borders. In a mesmerizing and unrestrained voice, these themes are conveyed by four archetype characters, steeped in the mixed Eastern and Western cultural heritage of their author, and by three soloists: Sarah Albu, vocal art; Émilie Girard-Charest, musical saw and cello; and Matti Pulkki, accordion. The Vieux Clown, Louve que j’aime, Djinn l’éphémère and Nour d’Outre-rêve engage with one another in short interludes that, in turn, present the four new works for ensemble commissioned by ECM+ for the occasion. Following an a capella foretaste of the intense emotion of the composer’s poetry, Henry’s main piece, L’amour des oiseaux moches, first summons the imagination of the ECM+ musicians to unveil the vivid expression of his paintings projected on screen, like graphic scores. Le Cantique de Louve que j’aime follows, and the three soloists launch into a series of three interludes that lead into each of the next main works: Recommencement, by Myriam Boucher, combining audio and video, plunges into the heart of the mesmerizing territory of the both wild and protective She-Wolf. Peripheral exploder, by Annesley Black, literally explodes conventions and musical space by entrusting dancer Lucie Vigneault with the task of triggering the impromptu sounds in this piece. Inverted Light, by Snežana Nešić, offers an almost mystical ascent based on inspirational poetic texts by Nicolas Masciandaro and Rainer Maria Rilke to draw closer to the divine. In short, from a newly reopened (post-?) pandemic stage, these four composers, four soloists, nine musicians of the ECM+ and I will take you on a creative journey as enigmatic as it is unpredictable. Thank you to this incredible team and to all the show’s other talented collaborators, including director and choreographer Marie-Josée Chartier, set designer Marie-Eve Fortier, costume designer Marilène Bastien and lighting designer Cédric DelormeBouchard, who accepted the challenge of making the dream of L’Outre-rêve a reality. Enjoy the show! Véronique Lacroix, Artistic Director of ECM+

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ENSEMBLE CONTEMPORAIN DE MONTRÉAL (ECM+)

ECM+ : plus qu’un ensemble... Fer de lance parmi les orchestres de chambre canadiens, l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM+) a créé plus de 275 œuvres depuis sa fondation en 1987, dont trois opéras et une majorité d’œuvres pour grand ensemble. Dans le prolongement de cet engagement face à la création musicale, l’ECM+ intègre régulièrement celle-ci dans des événements musicaux multidisciplinaires d’envergure remarqués par la critique qui évoque « une expérience artistique de haut niveau, méticuleusement construite et raffinée » (Wolfgang’s Tonic, 2015). Son concours national de composition Génération qui, depuis 25 ans fait connaître et récompense les plus beaux fleurons de la jeune création musicale canadienne, culmine chaque deux ans dans une grande tournée d’une dizaine de concerts propulsant la carrière de quatre compositeurs-lauréats à travers le pays. Sa directrice artistique fondatrice, Véronique Lacroix, reconnue pour son flair et son audace, communique sa passion autour de fortes interprétations et « dresse le portrait d’un paysage effervescent en perpétuelle mutation » (La Scena Musicale, 2018). En résidence au Conservatoire de Montréal depuis 1998, l’ECM+ a enregistré 11 disques compacts - dont deux consacrés à la compositrice Ana Sokolović - et de multiples concerts diffusés sur Radio-Canada. L’ECM+ participe régulièrement à des Festivals internationaux (Cervantino (Mexique), Montréal/ Nouvelles Musiques (MNM), Ottawa Chamberfest, World New Music Days de la ISCM) et sera prochainement au Festival Ars Musica en Belgique.

ECM+: more than an ensemble... A leading Canadian chamber orchestra, the Ensemble contemporain de Montréal (ECM+) has premiered more than 275 works since its founding in 1987, including three operas and a majority of works for large ensembles. As an extension of its commitment to musical creation, the ECM+ regularly integrates new works into major multidisciplinary musical events that have garnered critical acclaim: “...a high-art experience, rich in content, meticulously constructed, and sophisticated” (Wolfgang’s Tonic, 2015). Its national Generation composition competition, which has showcased and recognized the brightest young stars of Canadian musical creation for 25 years, culminates every two years in a major tour of about ten concerts that launch the careers of four selected composers across the country. Renowned for her flair and audacity, founding artistic director Véronique Lacroix communicates her passion through daring performances, painting “a portrait of an effervescent landscape in perpetual mutation.” (La Scena Musicale, 2018). In residence at the Conservatoire de Montréal since 1998, the ECM+ has released 11 CDs, two of which are dedicated to composer Ana Sokolović, and its concerts are frequently broadcast on Radio-Canada. The ECM+ regularly participates in international festivals, including Cervantino (Mexico), Montreal/New Music (MNM), the Ottawa Chamberfest and ISCM World New Music Days, and will soon be heading to the Ars Musica festival in Belgium. 6


VÉRONIQUE LACROIX

DIRECTRICE ARTISTIQUE | ARTISTIC DIRECTOR

Lauréate de plusieurs prix de direction d’orchestre, Véronique Lacroix fonde l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM+) en 1987 pour travailler de près avec les compositeurs avant d’occuper, pendant quelques années, la direction artistique de plusieurs formations symphoniques au Québec et en Ontario. Passionnée par la création canadienne, elle s’y consacre désormais entièrement et découvre, au fil des ans, des dizaines de jeunes compositeurs qu’elle révèle au grand public par le biais du projet Génération de l’ECM+. Les spectacles thématiques qu’elle intègre en premier lieu à la programmation de l’Ensemble constitue le cœur de cet orchestre visant à faire connaître la musique contemporaine au public le plus large possible. Dans une approche multidisciplinaire qui présente la création musicale dans un concept proche de « l’art total », le spectateur vit une expérience immersive multi sensorielle propice à la réception d’idées et de sonorités nouvelles. Parallèlement à son travail avec l’ECM+, Véronique Lacroix dirige avec plaisir depuis 22 ans les jeunes virtuoses du Conservatoire de musique de Montréal où ses qualités de pédagogue sont reconnues. De plus, elle rejoint chaque été l’Académie d’Orford Musique au Québec, pour y diriger le stage de musique contemporaine.

The recipient of multiple conducting awards, Véronique Lacroix founded the Ensemble contemporain de Montréal (ECM+) in 1987 to work closely with composers, and, for several years, served as artistic director for a number of symphonic ensembles in Quebec and Ontario. Now wholly dedicated to her passion for new Canadian works, over the years, she has discovered and showcased dozens of emerging composers through the ECM+ Generation project. The thematic concerts that Lacroix has integrated into the programming since the beginning of the Ensemble are at the heart of the orchestra’s mission and aim to bring contemporary music to as wide an audience as possible. The ECM+ takes a multidisciplinary approach, presenting music with other art forms into total artworks so as to create for audiences an immersive and multi-sensorial experience appropriate for appreciating new ideas and sounds. In addition to her work with ECM+, Véronique Lacroix has enjoyed 22 years conducting the young virtuosos at the Conservatoire de musique de Montréal, where her contributions as a teacher are highly regarded. Every summer, she leads the New Music workshop at the Orford Music Academy, near Magog (Québec).

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COMPOSITEURS ET ŒUVRES | COMPOSERS AND WORKS

Symon Henry (1985 - ) La pratique artistique de Symon Henry se fonde sur l’interaction de trois axes majeurs dans ses créations, à savoir la musique de concert, les arts visuels et la poésie. Cette démarche transdisciplinaire se reflète tout particulièrement dans ses tableaux sonores — partitions graphiques instrumentales ou performatives, interprétées ici et ailleurs par des musicien·nes et artistes aux parcours aussi sinueux que possible. Son premier recueil de poésie, son corps parlait pour ne pas mourir, ainsi que son premier livre de partitions graphiques, voir dans le vent qui hurle les étoiles rire, et rire, sont parus en 2016 aux Éditions de la Tournure. Le recueil poético-sonore L’amour des oiseaux moches (2020, finaliste aux Prix littéraires du Gouverneur Général) a représenté un aboutissement important dans son parcours, ayant fait l’objet d’une publication aux éditions Omri et d’une production majeure de l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM+). Son travail visuel a fait l’objet d’expositions chez Gham & Dafe, au Livart, à la Maison de la culture du Plateau-Mont-Royal, à la Chapelle historique du Bon-Pasteur ainsi qu’au Palazzo Ducale di Lucca. Symon travaille présentement à la mise en opéra du roman Le désert mauve de Nicole Brossard, qui l’accompagne dans cette démarche.

Symon Henry (1985 - ) Symon Henry’s artistic practice is based on the interaction between three major axes in their creations, namely concert music, visual arts and poetry. This transdisciplinary approach is particularly reflected in their sound paintings—instrumental or performative graphic scores, interpreted here and there by musicians and artists with as sinuous a journey as possible. Their first collection of poetry, son corps parlait pour ne pas mourir, as well as their first book of sound paintings, voir dans le vent qui hurle les étoiles rire, et rire, were published in 2016 at Éditions de la Tournure. The poetry and sound paintings collection L’amour des oiseaux moches (2020, finalist for the Governor General’s Literary Awards) represented an important culmination in their journey, having been the subject of a publication by Omri editions and a major production of the Ensemble contemporain de Montréal (ECM+). Their visual art work has been exhibited at Gham & Dafe, at Livart, at the Maison de la culture du Plateau-Mont-Royal, at the Chapelle historique du Bon-Pasteur and at the Palazzo Ducale di Lucca. Symon is currently working on an opera based on Le desert mauve, a novel by Nicole Brossard, who supports them in this process. 8


L’amour des oiseaux moches (création) Pour soprano, scie musicale, accordéon et orchestre de chambre

Il y a des mémoires pour creuser les mots sans souiller les tombes. Je ne peux tutoyer personne. Il n’y a pas d’altérité, seulement une alternance dans l’apparence. J’ai besoin de souplesse et de tension. Il ne faut pas qu’Albuquerque explose dans ma tête. Nicole Brossard, Le Désert mauve Je dessine le son. Pour qu’il puisse être interprété par des musicien·nes en concert, mais aussi pour qu’il puisse être entendu par tout un chacun, dans l’intimité de son écoute intérieure. En effet, je ne compose qu’avec des fusains, de l’encre ou des pastels en main, quelques règles simples en tête : un trait foncé correspond à un son fort, pâle à un son plus doux ; en haut de page il est aigu, plus bas il est grave ; chaque couleur correspond à un instrument ou groupe d’instrument, etc. L’amour des oiseaux moches correspond à l’aboutissement d’une décennie de démarche de ce type. Jusqu’à ce jour, je n’avais encore jamais mis en partition graphique mes propres textes. Or les démarches qu’on dit « individuelles » sont toujours, à mes yeux, le produit d’une communauté et c’est donc sous l’impulsion de Véronique Lacroix, directrice musicale, artistique et chef d’orchestre de l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM+), et avec le support immense et bienveillant de mes proches, que j’ai trouvé le courage d’assumer l’étendue des possibles de ma propre transdisciplinarité. Et par le fait même de ma propre identité — métisse égypto-québécoise, queer, amoureuse du bruit du monde. Personnages : Vieux clown, corps-mémoire Nour d’Outre-rêve, corps-aspiration Louve que j’aime, corps-continent Djinn l’éphémère, corps-emportement Mot-personnage : Mâ’lesh « Mâ’lesh est un égyptianisme […]. On peut traduire l’expression par “ce n’est pas grave !”, “ça ne fait rien !” […] Une personne bute sur une pierre ou dans un trou du trottoir, quelqu’un vient la soutenir en lui disant mâ’lesh : entraide, solidarité humaine sans médiation autre que la marque d’une sympathie, exactement d’une empathie, directe ; mâ’lesh permet à l’autre... qui passe… de se mettre à la portée de celui qui est en difficulté. Un enfant tombe, se fait réellement mal, un mâ’leshi infantilisé vient reconnaître la souffrance et la soulager, la porter avec l’enfant. » Irène Fenoglio

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L’amour des oiseaux moches (premiere) For soprano, musical saw, accordion and chamber orchestra

There are memories for digging into words without defiling graves. I cannot get close to any you. There is no otherness, only alternation in appearance. I need flexibility and tension. Albuquerque must not explode in my head. Nicole Brossard, Le Désert mauve (Trans. Susanne de Lotbinière-Harwood) I draw sound. So that it can be interpreted by musicians in concert, but also so that it can be heard by everyone, in the privacy of their inner listening. Indeed, I compose only with charcoals, ink or pastels in hand, a few simple rules in mind: a darker element corresponds to a loud sound, paler to a softer one; at the top of the page it is high-pitched, lower is lower-pitched; each colour corresponds to an instrument or group of instruments, etc. L’amour des oiseaux moches is the culmination of a decade of this type of approach. Until now, I have never put my own texts in graphic scores. Besides, the approaches that we call “individual” are always, in my eyes, the product of a community and it is therefore under the impulse of Véronique Lacroix, musical, artistic director and conductor of the Ensemble contemporain de Montréal (ECM+), and with the immense and benevolent support of my loved ones, that I found the courage to assume the extent of the possibilities of my own transdisciplinarity. And thereby of my own identity—a mixed-race Egyptian-Quebecer, queer, in love with the noise of the world. Characters: Old clown, memory-body Nour from beyond-dream, aspiration-body She-wolf I love, continent-body Djinn the ephemeral, rapture-body

“word” character: Mâ’lesh “Mâ’lesh is an Egyptianism [...]. We can translate the expression by ‘it doesn’t matter!’ […] A person stumbles on a stone or in a sidewalk hole, someone comes to support them by saying mâ’lesh: mutual aid, human solidarity without mediation other than the mark of sympathy, exactly of empathy, direct; mâ’lesh allows the other … who passes … to be within reach of the one in difficulty. A child falls, is really hurt, an infantilized mâ’leshi comes to recognize the suffering and relieve it, to carry it with the child.” Irène Fenoglio (trans. Symon Henry)

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COMPOSITEURS ET ŒUVRES | COMPOSERS AND WORKS

Myriam Boucher (1982 - ) Compositrice sonore et visuelle, Myriam Boucher vit et travaille à Montréal, Canada. Son travail sensible et polymorphe porte sur le rapport organique entre la musique, le son et l’image. Fascinée par la nature, elle crée de la musique visuelle inspirée du paysage et du rapport que l’être humain entretient avec celui-ci. Sa création est orientée vers des œuvres de musique visuelle, de performance audiovisuelle, de projets immersifs et du VJing. Les compositions de Boucher prennent forme au sein d’oeuvres de vidéomusiques et de performances audiovisuelles solos, collaboratives et pour ensembles. La liste de ses commandes, aussi variée que distinguée, inclut des commanditaires tels que l’Orchestre symphonique de Montréal (OSM), l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM+), Ars Nova, le Nouvel ensemble moderne (NEM), Magnitude6, collectif9 et Architek Percussion. Ses œuvres se sont placées dans plusieurs sélections officielles et ont entre autres été récompensées aux concours de composition électroacoustique Jeu de Temps 2015 et 2016 (premier prix), LUFF 2017 (meilleur court-métrage expérimental), au concours de composition électroacoustique des JIM 2015 et de la bourse Euterke 2015 en vidéo. Son travail a été présenté dans plus d’une centaine d’évènements et de festivals internationaux, dont Mutek (CA, AE), Kontakte (DE), Igloofest (CA), Rendez-vous du cinéma québécois (CA), Musée d’art moderne et contemporain de Strasbourg (FR) et Akousma (CA). Elle est professeure adjointe en composition et création sonore à la Faculté de musique de l’Université de Montréal.

Recommencement (création) Pour vidéo et bande électroacoustique

Louve que j’aime, sous mon dos arqué tu revêts un manteau de peau une écorce mon double insupportable la violence tu en renifles l’intimité en échange de signes en blanc continents friables - Symon Henry, L’amour des oiseaux moches

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Myriam Boucher (1982 - ) Myriam Boucher is a video and sound artist based in Montreal (Canada). Her sensitive and polymorphic work concerns the intimate dialogue between music, sound and image, through visual music, audiovisual performance, Vjing and immersive projects. Fascinated by the natural environment, she creates audiovisual compositions from the landscape and the relationship that human maintains with it. Her work, « evocative in its dynamism, brings its audience close to something akin to feeling multiple emotions all at once » (The Link). Boucher’s compositions range from works for orchestra, ensemble, collaborative and solo A/V featuring DJ and VJ techniques fully notated and integrated into a concert music setting. Her commission list is varied and distinguished and includes the Orchestre Symphonique de Montréal (OSM), Ensemble Contemporain de Montréal (ECM+), Ars Nova, Nouvel Ensemble Moderne (NEM), Magnitude6, Collectif9 and Architek Percussion. Her work has won prizes in the 2015 and 2016 (first prize) JTTP awards, the LUFF 2017 (best experimental short-movie award), the 2015 JIM Electroacoustic Compositions Competition and the Bourse Euterke 2015, and has been presented at many international events and places, including Mutek (CA, AE), Kontakte (DE), Igloofest (CA), Rendez-vous du cinéma québécois (CA), Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg (FR), and Akousma (CA). She is adjoint professor in composition and digital music at the Faculté de musique of Université de Montréal.

Recommencement (premiere) For video and electroacoustic tape

She-wolf I love, under my arched back you put on a coat of skin a bark my unbearable twin you sniff out violence intimacy in exchange for signs in white brittle continents - Symon Henry, L’amour des oiseaux moches (trans. Keren Penney)

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COMPOSITEURS ET ŒUVRES | COMPOSERS AND WORKS

Annesley Black (1979 - ) Annesley Black est une compositrice canadienne basée en Allemagne. Ses œuvres vont de la musique instrumentale aux performances électroniques et vidéos, en passant par la musique d’orchestre et de chambre, le théâtre, les performances solo et les installations. Elle s’est produite en tant qu’improvisatrice et réalisatrice sonore au Canada, en Autriche, en Suisse et en Allemagne. Elle collabore avec des artistes de renom dans des productions cinématographiques, de danse, de théâtre et dans le cadre d’installations et de performances artistiques multimédias. Tout en explorant un éventail extraordinaire de concepts, de thèmes et de cadres novateurs, elle parvient à leur donner une forme concrète grâce à un langage musical complexe, expressif et distinct. Black a reçu de nombreuses distinctions pour son travail, notamment le Prix Busoni de l’Académie des arts de Berlin (2008), le Kompositionspreis der Landeshauptstadt Stuttgart (2009) et le prix du compositeur de la Fondation Ernst von Siemens (2019) Black a étudié la composition avec Brian Cherney, York Höller et Mathias Spahlinger, à l’Université McGill, à la Hochschule für Musik und Tanz Köln et à la Hochschule für Musik Freiburg. Elle enseigne la composition à la Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main.

Periperal exploder (création) Pour danseuse solo et orchestre de chambre

Notes de mon journal alors que je composais Peripheral exploder (08/19 à 02/20) Duo virtuose entre la contrebasse et la mandibule d’un âne. Blalalalala… les joues frémissent. Continuer 123 123 chkchkchch... glitchy backmasking. Éruption violente. Une silhouette dansante entre en scène – bizarrement, peut-être au sol. Va-et-vient, ensemble, à distance. Brefs grognements, mouvement dans l’espace. Fuir, fuir, fuir, tangage et roulis. Transformant l’énergie en matière, puis en énergie, se déployant comme des amants éconduits. Se faufilant à travers le silence, entraînée sur une pente glissante par les membres et les doigts. Cachés dans les ronces devant mon bureau, des yeux humides et fuyants me défient de les regarder. Jamais un clignement. Changer l’angle, affronter l’imprévu une fois de plus, ne pas les laisser entrer. Répétitions, interruptions. Les cordes repoussent les touches, frottement d’archet. Un frénétique patron rythmique plonge vers la transe. Pizzicato et ricochet. Je fais tout de travers – l’hystérie est dangereuse, sinueuse et mélismatique. Elle lui arracha son visage et le changea jusqu’à ce qu’elle en trouve un qu’il aimerait, puis elle le transforma en un chien qui pouvait se métamorphoser en un vieil homme. À son arrivée, il était content de son chien. Il bavait du pus jaune et ses yeux étaient vides. Des solos de plus en plus délirants, des points dans l’espace. Dans cette section, le percussionniste joue du cuíca. 13


Annesley Black (1979 - ) Annesley Black is a Canadian composer based in Germany. Her works span from instrumental music, to electronics and video performances from orchestra and chamber music to theatre, solo performances and installations. She has appeared as an improviser and sound-director in Canada, Austria, Switzerland and in Germany. Her collaborations with renowned artists range from film, dance and theatre productions to multi-media art installations/ performances. While exploring an extraordinary breadth of innovative settings, themes and concepts, she persists in embodying these in an intricate, expressive and distinct musical language. Black has received many honors for her work including the Busoni Award from the Academy of the Arts, Berlin (2008), the Kompositionspreis der Landeshauptstadt Stuttgart (2009) and the Ernst von Siemens Musikstiftung Composer Prize (2019). Member of the Academy of the Arts, Berlin and the Canadian Music Centre (2018). Black studied composition with Brian Cherney, York Höller, and mathias spahlinger, at McGill University, the Hochschule für Musik und Tanz Köln and Hochschule für Musik Freiburg. She teaches composition at the Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main.

Periperal exploder (premiere) For dancer and chamber orchestra Notes from my journal while writing Peripheral exploder (August 2019 to Feb.2020) Virtuostic duet between the contrabass and a donkey’s jaw. Blalalalala cheek shake. Keep 123 123 chkchkchch... glitchy backmasking. Violent outburst. Enter dancerstrangely, maybe on the floor. Comes and goes, together, apart. Short groaning sounds, movement in space. Evade, evade, evade, rattle and roll. Transforming energy to matter to energy, expending it like unrequited lovers. Slinking in and out of silence- down a slippery slope lead by limbs and digits. Hidden in the brambles outside my study are shifty, watery eyes daring me to stare back. They never blink. Change the angles, transfer the wildcard again, don’t let them in. Repetitions, interruptions. Strings pushing off fingerboards, rattling bow. A seething rhythmic scheme plummeting towards a trance. Pizz and ricochet. I’m doing this all wrong- hysteria is dangerous, sinewy, melismatic. She pulled off his face and kept changing it until she found one he would like, then she turned him into a dog that could transform into an old man. He arrived, and was pleased with his dog. He was drooling yellow puss out of his mouth and his eyes were blank. More and more outrageous solos, points in space. During this section, the percussionist plays a cuica.

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COMPOSITEURS ET ŒUVRES | COMPOSERS AND WORKS

Snežana Nešić (1972 - ) Snežana Nešić est une compositrice et accordéoniste serbe basée en Allemagne. Après ses études à Académie de musique Tchaikovski de Kiev et à l’Université de musique, d’art dramatique et des médias de Hanovre, elle y est devenue professeure de composition et de musique moderne. Depuis 2018, elle enseigne également à l’Université de musique de Leipzig (Allemagne) et en 2015 elle était professeure invitée en composition à l’Université de Skopje (Macédoine). Elle a remporté le concours international de compositeurs du Quatuor Molinari, a reçu une bourse d’études du DAAD (Deutsche Akademische Austauschdienst), une bourse prestigieuse de l’Académie allemande de Rome et a été compositrice en résidence à la Maison Wilhelm-Kempff, à la Maison Goethe de Rome, au Centre académique allemand de Venise et à Montréal en 2017. Parmi les commandes d’œuvres, on peut citer celles du Gewandhaus zu Leipzig, de la Philharmonie Luxembourg, de l’Opéra d’État de Hanovre, de l’Ensemble New Babylon et de l’Opéra de chambre de Cologne. Ses compositions ont été jouées entre autres à la Biennale de Salzbourg, à la Klangwerkstadt de Berlin et à la Musik der Jahrhunderte Stuttgart.

Inverted Light (création) Pour soprano, accordéon et orchestre de chambre Le texte de ma composition Inverted Light est fondé sur des extraits du cycle de poèmes pNEuMenOn de Nicola Masciandaro et sur Paradiso de Dante Aleghieri. Tout comme Masciandaro dans sa poésie et Dante dans la dernière partie de son voyage poétique dans l’au-delà, Divine Comédie, je suis attirée ici par le concept d’« obscurité divine » du philosophe chrétien médiéval, Pseudo-Denys l’Aréopagite, qui explique dans son ouvrage La théologie mystique : « Les mystères immuables de la Vérité divine sont cachés dans l’obscurité translumineuse de ce silence qui se révèle en secret, surpassant la brillance avec l’intensité de l’obscurité. Par cette renonciation continue et absolue du soi et de toutes choses, il te faut, dans la pureté, mettre toutes choses de côté, être libéré de tout et t’élever vers les rayons de l’obscurité divine, dépassant toute existence.» Dans ma composition Inverted Light, j’interprète le « rêve » comme une forme de contemplation mystique et une métaphore pour la renonciation du « soi » dans la réalité nouménale (ontique). Je suis très reconnaissante à Nicola Masciandaro de m’avoir permis d’utiliser des parties de son poème dans ma musique. 15


Snežana Nešić (1972 - ) Snežana Nešić is a Serbian composer and accordionist based in Germany. After her studies in the P.I. Tschaikowsky, Kiev and at the University for Music, Drama and Media Hannover she became university lecturer in composition and modern music there. Since 2018, she’s also been teaching at the University of Music in Leipzig. In 2015 she was visiting professor of composition at the Skopje University (Macedonia). She won, inter alia, the Molinari Quartet’s international Composer Competition, was awarded a scholarship from the DAAD (German Academic Exchange Service), a prestigious scholarship from the German Academy Rome and was composer in residence at the Wilhelm-Kempff House, the Goethe-House Rome, the German Academic Center in Venice and also in Montreal, in 2017. Past composition commissions include those from the Gewandhaus zu Leipzig, Philharmonie Luxembourg, Hanover State Opera, Ensemble New Babylon and Chamber Opera Cologne. Her compositions have been performed, inter alia, at the Salzburg Biennale, Klangwerkstadt Berlin and the Musik der Jahrhunderte Stuttgart. She also directs ensembles ur.werk and incontri, which are specialized in contemporary music.

Inverted Light (premiere) For soprano, accordion and chamber orchestra The text of my composition “Inverted Light” is based on the excerpts by Nicola Masciandaro’s poem cycle ”pNEuMenOn“ and Dante Aleghieri’s «Paradiso». Like Masciandaro in his poetry and Dante in the final part of his poetic journey in the otherworld, “Divine Comedy”, I feel here attracted to the concept of “Divine Darkness” by the medieval Christian philosopher, Pseudo-Dionysius Areopagita, who explains in his work “The Mystical Theology”: “(These) unchangeable mysteries of heavenly Truth lie hidden in the dazzling obscurity of the secret Silence, outshining all brilliance with the intensity of their darkness. […] For, by the unceasing and absolute renunciation of thyself and all things, thou shalt in pureness cast all things aside, and be released from all, and so shalt be led upwards to the Ray of that divine Darkness which exceedeth all existence”. In my composition “Inverted Light” I am interpreting a “dream” as a form of mystical contemplation and as metaphor for the renunciation of the “self” with the noumenal (ontic) reality. I am also very grateful to Nicola Masciandaro for permission to use the parts of his poem in my music!

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SOLISTES INVITÉS | GUEST SOLOISTS

Sarah Albu, soprano Sarah Albu est une chanteuse expérimentale ainsi qu’une interprète-créatrice. Son expérience en théâtre et son obsession de la sciencefiction alimentent des mondes imaginaires excentriques et comiquement noirs. Elle a été artiste-invitée au Centre des arts de Banff, au Centre national des Arts du Canada, au Koumaria Residency en Grèce, et dans des séries et festivals internationaux au Canada, en Europe, aux ÉtatsUnis et au Mexique. Active comme improvisatrice libre, soliste de musique nouvelle et chanteuse de musique balkanique, elle prête volontiers sa voix dans toutes sortes de contextes : de la polyphonie du 15e siècle au bruit en passant par le rock psychédélique. Son premier album solo est paru indépendamment en 2013. Elle est membre fondatrice du collectif vocal expérimental Phth et elle collabore fréquemment avec des artistes travaillant dans la vidéo, l’installation, l’art textile, la danse contemporaine et l’art numérique. Tricoteuse avide et danseuse folklorique, son travail récent explore les effets du développement rapide de la technologie sur nos corps et nos vies à travers un mélange de curiosité et de nostalgie.

Sarah Albu, soprano Sarah Albu is an experimental vocalist, composer and performance-maker. Her background in theatre and obsession with science fiction feed quirky and darkly comedic imagined worlds. She has been an invited artist at the Banff Centre for the Arts, the National Arts Centre of Canada, the Koumaria Residency in Greece, and international series and festivals across Canada, Europe, the US and Mexico. Active in free improvisation, new music and Balkan folklore, she is comfortable lending her voice to settings ranging from 15th century polyphony to noise and psychedelic rock. Her first solo album was released independently in 2013, featuring 8 commissions for solo voice. She is a founding member of the experimental voice collective Phth and frequently collaborates with artists working in video, installation, contemporary dance, textiles and digital media. An avid knitter and folk dancer, her recent work explores the effects of rapidly developing technology on our bodies and lives through a mix of curiosity and nostalgia.

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Émilie Girard-Charest, violoncelle et scie musicale Émilie Girard-Charest est violoncelliste, compositrice et improvisatrice. Tant comme soliste qu’au sein de différents ensembles, elle se consacre activement aux musiques nouvelles. Elle se produit régulièrement en concert, tant au Canada qu’en Europe et en Amérique du Sud. Émilie a plusieurs enregistrements à son actif, dont Enthousiasme viscéral (en duo avec Sergio Castrillón, 2019, Mikroclimat), Uncanny Valley (en duo avec Marc Vilanova, 2017, audiotalaia), Émilie préfère le chant (2016, Ambiances Magnétiques), Race with time (en duo avec Mart Soo, 2016, Improtest Records), Avec (2016, Kohlenstoff Records) et Musica in camera (Quatuor d’occasion, 2014, &records). Elle est diplômée du Conservatoire de musique de Montréal et de la Hochschule für Musik und Theater Hamburg. Émilie poursuit ses études au Conservatoire National Supérieur Musique et Danse de Lyon et à l’Université Jean Monnet de Saint-Étienne, où elle a entrepris en septembre 2016 un doctorat portant sur le développement d’une écriture ergonomique de la microtonalité au violoncelle.

Émilie Girard-Charest, cello and musical saw Émilie Girard-Charest is cellist, composer and improviser Émilie Girard-Charest is actively involved in new music both as a soloist and in various ensembles. She performs regularly in concert in Canada, Europe and South America. She has recorded several albums, including Enthousiasme viscéral (duet with Sergio Castrillón, 2019, Mikroclimat), Uncanny Valley (duet with Marc Vilanova, 2017, audiotalaia), Émilie préfère le chant (2016, Ambiances Magnétiques), Race with time (duet with Mart Soo, 2016, Improtest Records), Avec (2016, Kohlenstoff Records) and Musica in camera (Quatuor d’occasion, 2014, &records). Émilie is a graduate of the Conservatoire de musique de Montréal and the Hochschule für Musik und Theater Hamburg and is enrolled at the Conservatoire National Supérieur Musique et Danse de Lyon and at the Université Jean Monnet in Saint-Étienne, where she began a doctorate in September 2016 on the development of ergonomic microtonal writing for the cello.

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Lucie Vigneault, danse Lucie Vigneault poursuit sa formation professionnelle à l’Université du Québec à Montréal où elle obtient un baccalauréat en interprétation en 2001 ainsi qu’un diplôme en enseignement de la danse en 2008. Elle travaille à différents projets artistiques en tant qu’interprète, enseignante, répétitrice et chorégraphe. Elle a dansé sous la direction de Johanne Madore et d’Alain Francoeur (Cirque Éloize), ainsi qu’avec Roger Sinha, Hélène Langevin, Tony Chong, Peter James, Frédérick Gravel, Danièle Desnoyers, Manuel Roque, Stéphane Gladyszewski, Daniel Léveillé et Louise Bédard. En 2003 elle remporte le prix Gemini pour sa performance dans Cirque Orchestra du Cirque Éloize et en 2015 le Prix interprète de la danse de Montréal. Elle danse pour la Compagnie Marie Chouinard en tant qu’interprète pigiste de 2009 à 2014. Parallèlement à sa carrière d’interprète, elle endosse le chapeau de chorégraphe et celui de directrice des répétitions pour différents projets artistiques.

Lucie Vigneault, dance Lucie Vigneault pursues advanced training at Université du Québec à Montréal, where she obtained a B.A. in dance performance in 2001 as well as a dance teaching diploma in 2008. She has worked on a number of artistic projects as a dancer, teacher, rehearsal director or choreographer. She has danced for Johanne Madore and Alain Francoeur (Cirque Éloize), as well as Roger Sinha, Hélène Langevin, Tony Chong, Peter James, Frédérick Gravel, Danièle Desnoyers, Manuel Roque, Stéphane Gladyszewski, Daniel Léveillé and Louise Bédard. In 2003 she received a Gemini Award for her performance in Cirque Orchestra by Cirque Éloize and in 2015 the Price « interprète de la danse de Montréal ». She danced for the Compagnie Marie Chouinard as a freelance artist from 2009 to 2014. In conjunction with her performing career, she has also been a choreographer and rehearsal director for various projects.

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Matti Pulkki, accordéon L’accordéoniste finlandais Matti Pulkki se produit fréquemment en musique de chambre avec différents ensembles et en tant que soliste dans le monde entier. Récemment, il s’est concentré sur la collaboration avec différents compositeurs pour renouveler le répertoire de l’instrument à travers l’expérimentation. S’il se concentre principalement sur la musique originale écrite pour accordéon, Pulkki aime également arranger, transcrire et interpréter de la musique de styles variés dans le cadre de projets allant de la production interdisciplinaire, au théâtre musical et à l’opéra. Pulkki est titulaire d’une maîtrise de l’Académie Sibelius de l’Université des arts d’Helsinki et poursuit actuellement son doctorat à l’Université de Toronto où il étudie avec le professeur Joseph Macerollo.

Matti Pulkki, accordion Finnish accordionist Matti Pulkki performs frequently with different chamber groups and as a soloist around the world. Recently he has focused on collaborating with composers on renewing the soundscape of the instrument through experimentation. Pulkki primarily concentrates on original music written for accordion, and also arranges, transcribes, and performs music from a wide range of styles and works as a creative artist and musician on diverse projects from interdisciplinary productions to music theatre and opera. Pulkki holds a Master’s degree from the Sibelius Academy of the University of the Arts Helsinki and is currently pursuing his doctorate at the University of Toronto, studying with professor Joseph Macerollo.

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COLLABORATEURS | COLLABORATORS

Marie-Josée Chartier, mise en scène et chorégraphie Artiste polyvalente dont les talents franchissent les limites de la danse, de la musique, de l’opéra et du multimédia, Marie-Josée Chartier se meut avec aisance entre ses fonctions de chorégraphe, d’interprète, de metteure en scène, de vocaliste et d’éducatrice. Sous l’influence de la musique, de la littérature et des arts visuels contemporains, sa chorégraphie explore et déconstruit les vulnérabilités de l’être humain. Ses œuvres, applaudies par la critique, ont figuré au programme de nombreux festivals prestigieux partout au Canada, en Europe et en Amérique latine. Depuis 2003, Chartier met en scène des œuvres d’opéra et de multimédia pour Gryphon Trio, Toca Loca, Queen of Puddings Music Theatre, Tapestry Opera, Arraymusic et Theaturtle. Depuis 2005, elle collabore régulièrement avec l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM+) où elle signe la mise en scène et la chorégraphie de nombreuses productions entre autres Les Aventures de Madame Merveille et Hockey Noir, l’Opéra. Chartier est récipiendaire du prix Jacqueline Lemieux (2015) ; K.M. Hunter Artist Award (2001) ; en lice à neuf nominations du prix Dora Mavor Moore, remportant deux Doras pour œuvres chorégraphiques. Elle fonde Chartier Danse en 2003, afin de soutenir sa création et d’ancrer de futurs partenariats de grande envergure.

Marie-Josée Chartier, staging and choreography A versatile artist, whose talents transcend the boundaries of dance, music, opera and multi-media, Marie-Josée Chartier moves easily between her roles as choreographer, performer, director, vocalist and educator. Her choreography is influenced by contemporary music, literature and the visual arts as she explores and deconstructs the vulnerabilities of human beings. Her acclaimed pieces have been presented at major festivals and by dance companies across Canada, Europe and Latin America. Since 2003, Chartier directs/stages opera and multi-media productions for: Gryphon Trio, Toca Loca, Queen of Puddings Music Theatre, Tapestry Opera, Arraymusic and Theaturtle. Since 2005, she has worked regularly with l’Ensemble contemporain de Montréal (ECM+), directing and choreographing numerous productions including Les Aventures de Madame Merveille and Hockey Noir l’Opéra. Chartier has received the following awards: Jacqueline Lemieux Prize (2015); K.M. Hunter Artist Award (2001), 9 Dora Mavor Moore Award nominations; recipient of 2 Doras for choreography. She formed Chartier Danse in 2003 to support her projects and create a cornerstone for large scale productions and partnerships in Canada and abroad. 21


Marie-Eve Fortier, scénographie Marie-Eve Fortier a terminé une maîtrise en arts visuels et médiatiques à l’UQAM en 2009 sur la matérialisation de la textualité en installation. Sa pratique l’a menée à créer des espaces pour les arts vivants et à poursuivre ses études en scénographie à l’École Nationale de théâtre. Elle travaille, entre autres, avec Matériaux Composites (Album de finissants et Home Dépôt : un musée du périssable, m.e.s : Anne Sophie Rouleau), Théâtre INK (Faire la leçon, m.e.s. : Annie Ranger), Alexia Burger (Pulvérisés + La Terre tremble), Quitte ou Double (Bluff, m.e.s. : Mireille Camier), Soleil Launière (Sheuetam), la Roulotte (Astéroïde B613, m.e.s : Simon Traversy), Geneviève Blais (Unité B1717) et Jocelyn Pelletier (Hamlet Machine, De l’instant et de l’Éternité, etc.) Elle a collaboré à Corps Titan (m.e.s. : Philippe Cyr), l’Énéide (m.e.s. : Olivier Keimed), Britannicus (m.e.s. : Florent Siaud), Chapitres de la chute (m.e.s. : Catherine Vidal et Marc Beaupré) et à Furioso (m.e.s. : Simon Boudreault). Elle a enseigné au collégial, a été scénographe invitée à l’ÉNT et au Conservatoire, présenté plusieurs ateliers de médiation, fait de la maquette, illustration et modélisation pour des artistes et galeristes en arts visuels et présenté ses créations personnelles dans différents lieux et événements.

Marie-Eve Fortier, scenography Marie-Ève Fortier obtained a master’s degree in Visual and Media Arts from UQAM in 2009 with a focus on the materialization of textual references through installation. She eventually began to design spaces for the performing arts and then went on to study set design at the National Theatre School. She has designed sets for Matériaux Composites (Album de finissants and Home Dépôt : un musée du périssable, directed by Anne Sophie Rouleau), Théâtre INK (Faire la leçon, directed by Annie Ranger), Alexia Burger (Pulvérisés + La Terre tremble), Productions Quitte ou Double (Bluff, directed by Mireille Camier), Soleil Launière (Sheuetam), la Roulotte (Astéroïde B613, directed by Simon Traversy), Geneviève Blais (Unité B1717) and Jocelyn Pelletier (Hamlet Machine, De l’instant et de l’Éternité, etc.), among others. Marie-Ève Fortier worked on the productions of Corps Titan (directed by Philippe Cyr), L’Énéide (directed by Olivier Keimed), Britannicus (directed by Florent Siaud), Chapitres de la chute (directed by Catherine Vidal and Marc Beaupré) and Furioso (directed by Simon Boudreault). She has taught at the college level, was a guest set designer at NTS and the Conservatoire, led several mediation workshops, created maquettes, illustrations and modeling for visual artists and gallery owners, and has presented her personal creations in various venues and events. 22


Marilène Bastien, costumes Marilène Bastien œuvre comme conceptrice de décors et de costumes dans le milieu du théâtre, du cirque et de la danse. Elle collabore avec plusieurs chorégraphes de renom dont Louise Bédard, Virginie Brunelle, Hélène Langevin, Alan Lake, Ginette Laurin, Ismaël Mouaraki, Anne Plamondon, Jacques Poulin-Denis et Manuel Roque. Marilène signe également les costumes de plusieurs spectacles de cirque, parmi eux deux productions du Cirque du Soleil (Le monde est fou et Tout écartillé, m.e.s. de Jean-Guy Legault) ainsi que pour la récente création du Cirque Éloize (Serge Fiori Seul Ensemble, m.e.s. de Benoit Landry). Au théâtre, elle participe récemment à des créations aux côtés des metteurs en scène Michel-Maxime Legault Les inventions à deux voix de Sébastien Harrisson et Ce que nous avons fait de Pascal Brullemans, Catherine Vidal Je disparais de Arne Lygre, Nini Bélanger Petite sorcière de Pascal Brullemans et Kristian Frédric Camille ainsi que La vraie vie de Gennaro Costagiola de François Douan et Jaz de Koffi Kwahulé. Au printemps 2018 elle signe la création des costumes pour l’opéra Fando et Lis musique de Benoît Menut d’après l’œuvre de Fernando Arrabal, livret et m.e.s. Kristian Frédric, Opéra de St-Etienne, France. En 2015 Marilène est nommée protégée d’Anick La Bissonnière, gagnante du prestigieux prix Siminovitch.

Marilène Bastien, costumes Marilène Bastien works as a set and costume designer for theater, circus and dance. She has collaborated and continues to work with many renowned choreographers including Louise Bédard, Virginie Brunelle, Hélène Langevin, Alan Lake, Ginette Laurin, Ismaël Mouaraki, Anne Plamondon, Jacques Poulin-Denis and Manuel Roque. Marilène also designed the costumes for many circus shows, including two productions by Le Cirque du Soleil Le monde est fou and Tout écartillé, dir. Jean-Guy Legault along with the latest creation from Cirque Éloize Serge Fiori Seul Ensemble, dir. Benoit Landry. On stage, she has created in partnership with directors such as Michel-Maxime Legault Les inventions à deux voix by Sébastien Harrisson, Ce que nous avons fait by Pascal Brullemans, Catherine Vidal Je disparais by Arne Lygre, Nini Bélanger Petite Sorcière by Pascal Brullemans and Kristian Frédric Camille along with La vraie vie de Gennaro Costagiola by François Douan and Jazz by Koffi Kwahulé. In spring 2018, she created costumes for the opera Fando et Lis music by Benoît Muet based on Fernando Arrabal’s work, booklet and dir. Kristian Frédric, Opera of St-Étienne, France. In 2015, Marilène was named as the protégé of Annick La Bissonnière, winner of the prestigious Siminovitch Prize.

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Cédric Delorme-Bouchard, lumières Concepteur lumière, scénographe et metteur en scène, Cédric Delorme-Bouchard a signé plus d’une centaine de conceptions pour le théâtre, la danse et l’opéra. Ses conceptions ont été présentées dans plus d’une quinzaine de pays entre l’Amérique du Nord, l’Amérique du Sud, l’Europe et l’Asie. Sur la scène montréalaise, on peut noter sa collaboration récurrente avec des metteurs en scène de renom dont Eric Jean, Sylvain Bélanger, Philippe Cyr, Angela Konrad, Florent Siaud, Alice Ronfard, Geoffrey Gaquère, Sébastien David, Alix Dufresne et Marc Béland. Sa signature artistique a été soulignée par une nomination pour meilleure conception lumière (Gala des Cochons d’or 2015) et Outstanding Lighting Design (META Awards 2017 et 2019). Sa conception lumière pour Candide (TNM, 2018) a aussi été sélectionnée pour représenter le Québec lors de la Quadriennale internationale de scénographie de Prague (2019) et à l’EXPO-SCÈNE Montréal (2019). Parallèlement à sa pratique de concepteur, Cédric Delorme-Bouchard a été coach, maitre de stage et conférencier pour différents établissements d’enseignement dont l’École nationale de théâtre du Canada, l’École des arts visuels et médiatiques de l’UQAM, l’École supérieure de théâtre de l’UQAM, l’Université Concordia, l’École du Show Business ainsi que le programme Arts et lettres du Cégep de Brébeuf et du Cégep de Lanaudière à l’Assomption. Il est présentement artiste en résidence à l’Usine C.

Cédric Delorme-Bouchard, lighting Lighting designer, set designer and stage director Cédric Delorme-Bouchard has over a hundred designs for theatre, dance and opera to his credit. His creations have been presented in more than fifteen countries in North America, South America, Europe and Asia. On the Montreal scene, he has collaborated with such renowned directors as Eric Jean, Sylvain Bélanger, Philippe Cyr, Angela Konrad, Florent Siaud, Alice Ronfard, Geoffrey Gaquère, Sébastien David, Alix Dufresne and Marc Béland. His distinctive artistic style has been recognized with a nomination for Best Lighting Design (2015 Gala des Cochons d’or) and Outstanding Lighting Design (2017 and 2019 META Awards). His lighting design for Candide (TNM, 2018) was also selected to represent Quebec at the Prague Quadrennial of Performance Design and Space (2019) and at EXPO-SCÈNE Montréal (2019). In addition to his design practice, Cédric Delorme-Bouchard has been a coach, instructor and lecturer for various educational institutions including the National Theatre School of Canada, UQAM’s École des arts visuels et médiatiques and École supérieure de théâtre, Concordia University, the École du Show Business, and in the Arts and Literature programs at Cégep de Brébeuf and Cégep de Lanaudière in L’Assomption. He is currently the artist in residence at Usine C.

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MUSICIENS ET ÉQUIPE ECM+ | MUSICIANS AND ECM+ TEAM Chef | Conductor Véronique Lacroix Musiciens | Musicians Jeffrey Stonehouse, flûte | flute Martin Gauvreau, clarinette | clarinet Mary Chalk, basson | bassoon Laurence Latreille-Gagné, cor | French Horn Olivier Maranda, percussion | percussion Hubert Brizard, violon | violin Marie-Lise Ouellet, alto | viola Julie Trudeau, violoncelle | cello Pierre-Alexandre Maranda, contrebasse | double bass

ÉQUIPE ECM+ Véronique Lacroix Natalie Watanabe Flore Bailly Kevin Gironnay Jean-Baptiste Demouy Rodolphe St-Arneault Geneviève Jacob Martin Gauvreau Conserve Media

Directrice artistique | Artistic Director Directrice générale | General Manager Responsable des communications | Communications Manager Sonorisation | Sound engineering Sonorisation | Sound engineering Direction technique | Technical Director Régie | Regie Gérant des musiciens | Director of musicians Captation Vidéo | Video captation

CONSEIL D’ADMINISTRATION Président | President Bernard Descôteaux

Président, Centre d’études sur les médias

Vice-président | Vice president Sébastien Leblond Chef des opérations globales, RainMKRS Capital Trésorier | Treasurer Farès Khoury

Président, Étude Économique Conseil

Secrétaire | Secretary Jean-Bernard Parenteau Directeur, comm. et dév. stratégique, Groupe Altus Administrateurs | Administrators Vincent Castellucci

Professeur émérite, Faculté de médecine, U. de Montréal

Véronique Lacroix

Directrice artistique, ECM+

Michelle Mercier

Expertise conseil en philanthropie

Étienne Morin

Coordonnateur du service des relations de travail, APTS

Membre honoraire | Honorary member André Vincent PDG sortant, Assomption Vie

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REMERCIEMENTS | ACKNOWLEDGMENTS PARTENAIRES DE L’ECM+ PARTNERS Conseil des arts et des lettres du Québec Conseil des arts du Canada Conseil des arts de Montréal Fondation SOCAN Foundation Conservatoire de Montréal Le Devoir L’ECM+ remercie la Fondation ernst von siemens du soutien financier pour les oeuvres d’Annesley Black et de Snežana Nešić. ECM + thanks the ernst von siemens Foundation for the financial support for the works of Annesley Black and Snežana Nešić. L’ECM+ tient également à remercier ses bénévoles et ses généreux donateurs. ECM+ wishes to thank its volunteers and its generous patrons L’ECM+ est en résidence au | ECM+ is in residence at the Conservatoire de musique de Montréal

L’ECM+ est membre de | is a member of: Conseil québécois de la musique, Culture Montréal, Orchestres Canada | Orchestras Canada, Réseau canadien pour les musiques nouvelles (RCMN) | Canadian New Music Network (CNMN), Société québécoise de recherche en musique, Groupe Le Vivier.

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