MACHALA - ECUADOR 2022
Encuentro Internacional de Artes Visuales
Encuentro Internacional de Artes Visuales
DÉCIMA PRIMERA EDICIÓN
Premio Internacional de Pintura Huaylá Centro Municipal de Arte y Cultura Luz Victoria Ribera de Mora Machala - Ecuador 2022
salonmachala@gmail.com
ING. Darío Macas Salvatierra
Alcalde de Machala
Periodo 2019-2023
Enrique A. Madrid Director del Salón Machala
Stefany Guzmán Morales
Asistente de Dirección
Sara B. Madrid Arcos
Curadora Pedagógica del Salón Machala
Lilia García
Mediadora artística
Museografía Enrique A. Madrid
Fotografía Guissela Jadán
Archivos de Enrique Madrid
Montaje
Lorena Villagómez
Andrés Loayza
André Guzmán Morales
Edición Enrique Madrid Roy Sigüenza
Revisión, control y aprobación de edición: Sub Dirección de Cultura y deportes del GAD Municipal de Machala
Traducciones
Enrique A. Madrid
Sara B. Madrid Arcos
Tiraje
1000 Ejemplares
Diseño
Angélica Chacón
Impresión Grafisum
Machala
Señoras y Señores:
La cultura es parte inherente de los seres humanos, es el cúmulo de valores de una sociedad, las creencias religiosas, las leyendas y tradiciones, la arquitectura, el uso de la tierra, es la ciencia, la literatura, la música y el arte. Ese arte que hoy mostramos a ustedes simbolizado en las obras pictóricas de artistas machaleños, orenses, ecuatorianos y extranjeros que tienen su espacio en el Salón Machala en su Décima Primera Edición.
Hoy, después de sortear una pandemia por el Covid-19, que indudablemente, afectó todos los ámbitos del quehacer humano y que lógicamente, impidió organizar el Salón Machala en los años 2020 y 2021, venimos con más fuerza que nunca a recuperar el tiempo perdido, y me es altamente satisfactorio, volvernos a encontrar para inaugurar y premiar el Salón Machala en la edición número 11.
Yo creo firmemente en que una ciudad debe crecer a la par, tanto en su desarrollo urbanístico como en su desarrollo cultural, porque un pueblo sin cultura, es un pueblo sin alma, sin identidad, abocado al olvido y fácilmente sometido.
Ladies and Gentlemen:
Culture is an inherent part of human beings, it is the accumulation of values of society, religious beliefs, legends and traditions, architecture, the way we use our land, it is science, literature, music and art. Today we show you all this art in the paintings of machaleños, orenses, ecuadorians and foreign artists who have earned their space in the eleventh edition of the Salon Machala.
Today, after overcoming the Covid 19 pandemic, which undoubtedly affected all areas of human endeavor and that logically, prevented the organization of the Salon Machala in the years 2020 and 2021, we return stronger than ever to recover the lost time. It is highly satisfactory for me, to meet again to open and award the Salon Machala in its 11th edition.
I firmly believe that a city must grow, both in its urban and cultural development, because a people without culture, is a people without soul, without identity, doomed to oblivion and easily subdued.
Una de las contadas obras destinadas al fomento cultural que se haya realizado, es este Centro de Arte denominado Luz Victoria Ribera de Mora, que hoy cumple 12 años y se ha constituido en patrimonio de la ciudad.
También celebramos la Décima Primera Edición del Salón Machala, que ha tenido a lo largo de esta década, la participación de 1200 obras de 800 artistas, de los cuales 30 corresponden a igual número de países.
Mi reconocimiento al maestro Enrique Madrid Ortega, artista nuestro de amplia trayectoria a nivel nacional e internacional y que hoy dirige el Salón Machala con total profesionalismo y conocimiento, estimulando en cada acción, la creatividad artística para encontrar nuevos talentos que dejen en alto el nombre de nuestra ciudad.
También quiero expresar el reconocimiento de la ciudad a una talentosa artista de ancestros machaleños como es María Verónica León Veintemilla, hija del ex alcalde Luis Alberto León León, quien ha desarrollado una exitosa trayectoria en el quehacer cultural, exponiendo su obra en las galerías y museos más importantes del mundo, lo que sin duda, nos llena de orgullo.
La cultura y el arte tuvieron un espacio preponderante en las fiestas de Machala, esa es una pequeña muestra de que nuestra administración municipal está encaminada a fomentar las diferentes manifestaciones artísticas como fuente inagotable de creatividad y como fundamento para evolucionar el cambio de actitud en la búsqueda del nuevo ciudadano machaleño.
Expreso nuestro compromiso de seguir trabajando por la cultura, de seguir apoyando las expresiones artísticas y ofreciendo espacios para estimular el arte en todas sus manifestaciones.
Agradezco a los 104 participantes de la Décima Primera Edición del Salón Machala y aplaudo a las 120 obras presentadas, al jurado de selección y premiación, integrado por Arturo Duclós, Susan Rocha y Dan Cameron y felicito a los ganadores. Gracias por el apoyo a los gestores culturales y a la Dirección de Desarrollo Social, Cultura y Productivo por la organización de este magno evento. Con estas palabras, me permito declarar inaugurado el Salón Machala Décima Primera Edición.
One of the few public projects that have been carried out and destined to cultural promotion, is this Art Center called Luz Victoria Ribera de Mora, which today celebrates 12 years and has become the patrimony of our city.
We also celebrate the Eleventh Edition of the Salon Machala, which has had throughout this decade, the participation of 1200 works by 800 artists, of which 30 correspond to the same number of countries.
My recognition goes to the great artist Enrique Madrid Ortega, our artist with extensive experience nationally and internationally and who today directs the Salon Machala with total professionalism and knowledge, stimulating in each action, artistic creativity to find new talents that leave the name of our city high.
Furthermore, I want to express the city’s recognition of a talented artist of machaleño ancestry such as María Verónica León Veintemilla, daughter of former mayor Luis Alberto León León, and who has developed a successful career in culture, exhibiting her works in the most important galleries and museums in the world, which undoubtedly fills us with pride.
Culture and art had a preponderant space in the festivities of Machala, that is a small sample that our City Hall´s Administration is aimed at promoting the different artistic manifestations as an inexhaustible source of creativity and as a basis to evolve the change of attitude in the search for the new citizen of Machala.
I express our commitment to continue working for culture, to continue supporting artistic expressions, and offering spaces to stimulate art in all its manifestations.
I thank the 104 participants of the Eleventh Edition of the Salon Machala and I applaud the 120 works presented, the selection and award jury, composed of Arturo Duclós, Susan Rocha and Dan Cameron, and congratulate the winners. Thank you for the support to the cultural managers and the Direction of Social Development, Culture and Production for the organization of this great event. With these words, I would like to declare the Eleventh Edition of the Salon Machala inaugurated.
El
Salón Machala
Premio Internacional de Pintura Huaylá
The Salon Machala Huaylá International Painting Prize
El Salón Machala, inicialmente llamado Salón de Junio Machala, en homenaje a las fiestas de cantonización de la ciudad, tuvo su primera edición en el año 2010, por iniciativa de la Alcaldía de Machala, acogiendo una propuesta que inicialmente fue llevada a sesión del Concejo Cantonal por el Concejal y artista plástico machaleño Marlon Arévalo Guzmán, en el año 2006. El Salón de Junio, que en su edición inicial acogió obras de ciento cincuenta artistas entre nacionales y extranjeros, aspiraba únicamente a empezar a una colección de pintura, que eventualmente constituya un patrimonio de la ciudad.
A partir de la sexta edición, en el año 2015, el Salón Machala tomó un giro importante, operación gestionada por el director de esa edición, el artista, curador y gestor cultural Enrique Madrid, con quien el proyecto asumió una oferta cultural institucional sin parangón en el medio, en ese momento, buscando suplir la falta de inversión institucional en planificación y pertinencia en el ámbito cultural en la ciudad de Machala. Con la nueva reformulación propuesta, el evento fue provisto por la institución municipal de un presupuesto adecuado para nutrir la agenda de actividades con calidad y protocolo internacional, que afectaba positivamente también el entorno local.
Como consecuencia de esto, para bien de la ciudad, el Salón Machala dejó de ser sólo un concurso nacional y buscó interactuar con el movimiento del arte contemporáneo a nivel internacional, convirtiéndose en Salón Machala, Encuentro Internacional de Artes Visuales, que tenía como parte central el concurso internacional de pintura, llamado desde 2016 hasta 2019 Premio Internacional de Pintura Musa Paradisíaca, bello nombre sugerido por el brillante diseñador y publicista quiteño Juan Lorenzo Barragán, de Azuca, Comunicación Visual.
The Salon Machala, initially called Salon de Junio Machala, in homage to the cantonization festivities of the city, had its first edition in 2010, on the initiative of the City Hall of Machala, hosting a proposal that was initially brought to the Cantonal Council session by the Councilman and fine artist from Machala Marlon Arévalo Guzmán, in 2006. The Salon de Junio, which in its initial edition hosted works by one hundred and fifty artists between nationals and foreigners, aspired only to start a collection of paintings, which eventually constitute a heritage of the city.
From the sixth edition, in 2015, the Salon Machala took an important turn, an operation managed by the director of that edition, the artist, curator and cultural manager Enrique Madrid, with which the project assumed an unparalleled institutional cultural offer to the local context, at that time, seeking to make up for the lack of institutional investment in planning and relevance in the cultural field in the city of Machala. With the proposed reformulation, the event was provided by the municipal institution with an adequate budget to be able to nourish the agenda of activities with quality and international protocol, therefore also positively affecting the local environment.
As a consequence of this, for the good of the city, the Salon Machala ceased to be only a national competition and sought to interact with the contemporary art movement at an international level, becoming an International Encounter of Visual Arts, which had as a central part the international competition of painting, called from 2016 to 2019, Musa Paradisiaca International Painting Prize, beautiful name suggested by the brilliant designer and publicist from Quito Juan Lorenzo Barragán, from Azuca, Visual Communication.
El Salón desde entonces se convirtió en un mega evento multi-disciplinario con muchos eventos complementarios colaterales que matizan la oferta dentro de la cultura artística alrededor, incluyendo conversatorios, conferencias magistrales, master classes, workshops, una reflexiva línea editorial bilingüe y exposiciones internacionales paralelas al concurso de pintura, con artistas de distintos países, de reconocida trayectoria. Además, un ambicioso programa de Curaduría Pedagógica, que enlaza de una manera activa a la comunidad con el Salón y viceversa, para construir públicos, con excelentes resultados obtenidos en la edición del 2017 y ahora en la edición del presente año, en las que se pudo ejecutar a plenitud y con el equipo profesional que se requiere.
El Salón Machala, Encuentro Internacional de Artes Visuales, ha llegado a constituirse hoy en día en uno de los eventos culturales importantes del país. Su Premio Internacional de Pintura Huaylá, renombrado así por la institución municipal desde el año 2019, en homenaje a nuestra cultura marina y su brazo de mar llamado estero Huaylá, en el sur de Puerto Bolívar, cuenta en cada edición con una abundante y creciente participación de artistas de países de casi todo el mundo. Muchos de ellos, especialmente aquellos que han sido seleccionados, suelen viajar a Machala cuando les es posible, para asistir a la inauguración y participar en los eventos ofertados, enriqueciendo así una atmósfera cultural muy propicia y nutritiva para los artistas locales.
La colección Premio Internacional de Pintura Huaylá, del GAD Municipal de Machala constituye un importante repositorio de pintura contemporánea de artistas nacionales y extranjeros para nuestra ciudad, en la que el componente nacional es protagónico, por obvias razones.
Since then, the Salon has become a multidisciplinary mega event with many complementary collateral events that nuance the offer within the surrounding artistic culture, including lectures, master classes, workshops, a thoughtful bilingual editorial line, and international exhibitions parallel to the painting contest, with artists from different countries, of recognized trajectory. In addition, an ambitious Educational Program has been implemented, which actively links the community with the Salon and viceversa, to build audiences, with excellent results obtained in the 2016 edition and now in this year’s edition, was fully executed and with the professional team that is required.
The Salon Machala, International Encounter of Visual Arts, has become today one of the important cultural events in the country. Its Huaylá International Painting Prize, renamed by the municipal institution since 2019, in tribute to our marine culture and its arm of the sea called Estero Huaylá, in the south of Puerto Bolívar, counts in each edition an abundant and growing participation of artists from countries almost all over the world. Many of them, especially those who have been selected, usually travel to Machala, when possible, to attend the inauguration and participate in the events offered, thus enriching a very propitious and nutritious cultural atmosphere for local artists.
The collection of the Huaylá International Painting Prize, of the Municipal Goverment of Machala constitutes an important repository of contemporary painting by national and foreign artists for our city, in which the national component is the protagonist, for obvious reasons.
La colección estuvo constituida por un fondo de 30 obras de pintura con características museables, conjunto de piezas artísticas obtenido durante las diez ediciones del Salón, desde el año 2010 hasta el año 2022, mediante el procedimiento de premios adquisición a través de una convocatoria internacional abierta.
En este año, el Municipio de la ciudad de Machala ha premiado en su décima primera edición tres obras más, (primer premio adquisición 10 000 USD; segundo premio adquisición: 5000 USD; tercer premio adquisición: 3000 USD), como es usual. Estas obras han pasado a formar parte de la colección, constituyéndose en un fondo de 33 obras premiadas hasta la presente edición. En el lapso de 13 años (2010-2022), el Salón Machala ha realizado 11 convocatorias anuales, todas ellas exitosas -las del 2020 y 2021 no se pudieron realizar por la pandemia-, logrando una presencia ineludible en el contexto del arte contemporáneo nacional, y un prestigio claro en el ámbito internacional. La propuesta creativa de gestión cultural descentralizada, la calidad técnica y visión curatorial profesional del evento, han sido objeto, sobre todo desde su reformulación en el año 2015, de importantes artículos y reportajes en publicaciones especializadas a nivel nacional e internacional.
Parte de su prestigio también consiste en que personalidades descollantes del ámbito internacional de la escena artística y cultural, han apoyado generosamente el proyecto. Como en el caso del artista norteamericano James Clover (+2021), que generosamente donó en el año 2016 la cantidad de 1500 USD como como un reconocimiento al mejor artista orense, designación adjudicada por el jurado internacional respectivo a la obra del artista huaquillense Andrés Izquierdo.
The collection had 30 works of painting with museum quality characteristics, set of artistic pieces obtained in ten editions of the Salon, from 2010 to 2022, through the procedure of acquisition awards in an open international call.
In this year, the Municipality of the city of Machala has awarded in its eleventh edition three more works, (first prize acquisition 10 000 USD; second prize acquisition: 5000 USD; third prize acquisition: 3000 USD), as usual. These works have become part of the collection, constituting a collection of 33 works awarded up to the present edition. In the span of 13 years (2010-2022), Salon Machala has made 11 annual calls, all of them successful -those of 2020 and 2021 could not be held due to the pandemic-, achieving an unavoidable presence in the context of national contemporary art, and a clear prestige in the international arena. The creative proposal of decentralized cultural management, the technical quality and professional curatorial vision of the event, has been the object, especially since its reformulation in 2015, of important articles and reports in specialized publications at national and international level.
Part of its prestige also consists in the fact that outstanding personalities from the international arena of the artistic and cultural scene have generously supported the project. As in the case of the American artist James Clover (+2021), who generously donated in 2016 the amount of 1500 USD as a recognition for the best Orense Artist, a designation awarded by the respective international jury to the work of the Huaquillense artist Andrés Izquierdo.
En el transcurso de estas once ediciones, resulta ya larga e interesante la lista de artistas y personajes de la cultura internacional involucrados en el Salón Machala, que avalan la trayectoria profesional del evento. A continuación, nombramos algunos de ellos, más de medio centenar de personajes gravitantes en la cultura contemporánea, muchos de los cuales tienen trascendencia universal:
-El artista peruano, reconocido internacionalmente Daniel Manta.
-Marie Elena Ditrén, Directora del Museo de Arte Contemporáneo de Santo Domingo, República Dominicana.
-Dulce Moreno Ruvalcaba, historiadora del arte mexicana.
-El investigador y escritor estadounidense Carlos Jáuregui Didyme.
-El investigador argentino, especializado en temas poscoloniales David Solodkow.
-El crítico de arte dominicano Carlos Acero.
-Patrick Mahon, artista y decano de la escuela de Artes Visuales de la Universidad de Western, Ontario.
-Gu Xiong, destacado artista chino.
-Gautam Garoo, artista hindú.
-Esteban Peña, artista colombiano.
-Adam Miller, artista estadounidense.
-Tim Okamura, destacado artista japonés-estadounidense.
-Pablo Lobato, destacado videoartista brasileño.
-Maya Watanabe, videoartista peruana.
-Sebastián Díaz Morales, videoartista argentino.
-Saidel Brito, artista cubano.
-Tomás Ochoa, destacado artista ecuatoriano.
-Ulises Unda, artista multidsciplinar ecuatoriano.
-Danny Narváez, uno de los más notorios artistas machaleños.
During these eleven editions, the list of artists and international culture characters involved in the Salon Machala is already long and interesting, endorsing the professional trajectory of the event. Below, we name some of them, more than fifty gravitating characters in contemporary culture, some of them with universal transcendence:
-The internationally recognized Peruvian artist, Daniel Manta.
-Marie Elena Ditrén, Director of the Museum of Contemporary Art of Santo Domingo, Dominican Republic.
-Dulce Moreno Ruvalcaba, Mexican Art Historian.
-The American researcher and writer Carthe Jáuregui Didyme.
-The Argentinian researcher, specialized in postcolonial issues David Solodkow.
-Dominican art critic Carlos Acero.
-Patrick Mahon, artist and Dean of the School of Visual Arts, University of Western, Ontario.
-Gu Xiong, prominent Chinese artist. -Gautam Garoo, Indian artist.
-Esteban Peña, Colombian artist. -Adam Miller, American artist.
-Tim Okamura, prominent Japanese-American artist. -Pablo Lobato, prominent Brazilian video artist.
-Maya Watanabe, Peruvian video artist.
-Sebastián Díaz Morales, Argentine video artist. -Saidel Brito, Cuban artist.
-Tomás Ochoa, prominent Ecuadorian artist.
-Ulises Unda, Ecuadorian multidisciplinary artist.
-Danny Narváez, one of the most notorious artists from Machala. -Virgil Elliot, American, one of the living legends of Western painting. International authority in oil painting techniques and materials. -Cuban filmmaker Orisel Castro.
-Virgil Elliot, estadounidense, una de las leyendas vivas de la pintura occidental. Autoridad internacional en técnicas y materiales de pintura al óleo.
-La cineasta cubana Orisel Castro.
-Eduardo Villacís, artista ilustrador, director de la Escuela de Artes Contemporáneas, Universidad San Francisco de Quito.
-Jenny Jaramillo, artista ecuatoriana, Premio Mariano Aguilera a la Trayectoria Artística, 2022.
-Cristóbal Zapata, poeta, crítico y curador de arte. Director Ejecutivo de la XIII y XIV Bienal de Cuenca.
-La culturóloga, curadora y crítica de arte cubana Guadalupe Álvarez Pomares.
-El antropólogo visual, artista e investigador ecuatoriano Manuel Kingman.
-El cineasta alemán Neudel York.
-Romina Muñoz, Directora del MUNA (Museo Nacional de Arte), Quito.
-Lucas Ospina, artista, crítico y curador colombiano, de gran importancia para el arte contemporáneo latinoamericano.
-Marcio Tavares, historiador, curador de arte y gestor cultural. Curador adjunto de la décima edición de la Bienal de Mercosur.
-Juan Francisco Benavides, docente y crítico de arte ecuatoriano.
-Paula Barragán, destacada artista ecuatoriana.
-Alexandra Pacula, artista pintora norteamericana.
-Diego Ponce, artista y curador ecuatoriano.
-Jorge Velarde, uno de los pintores figurativos más importantes de Guayaquil.
-El reconocido pintor zarumeño Servio Zapata.
-Rachel Rosalen, artista brasileña de video instalaciones.
-Marcelo Aguirre, uno de los más grandes artistas contemporáneos ecuatorianos.
-Madeleine Hollaender-Obrecht, galerista destacada de origen Suizo, radicada por muchos años en Ecuador.
-Patricio Ponce Garaicoa, importante artista multidisciplinar quiteño.
-Sonia Kraemer, curadora ecuatoriana
-Eduardo Villacís, illustrator artist, director of the Escuela de Artes Contemporáneas, Universidad San Francisco de Quito.
-Jenny Jaramillo, Ecuadorian artist, Premio Mariano Aguilera a la Trayectoria Artística, 2022.
-Cristóbal Zapata, poet, art critic and curator. Director of the XIII and XIV Bienal de Cuenca.
-Cuban culturologist, curator and art critic Guadalupe Álvarez Pomares.
-Ecuadorian Visual Anthropologist, artist and resercher, Manuel Kingman.
-German filmmaker Neudel York.
-Romina Muñoz, Director of MUNA (National Museum of Art), Quito.
-Lucas Ospina, Colombian artist, critic and curator, of great importance for Latin American contemporary art.
-Marcio Tavares, historian, art curator and brazilian cultural manager. Curator of the Tenth Edition of Mercosur Biennial.
-Juan Francisco Benavides, Ecuadorian professor and art critic.
-Paula Barragán, outstanding Ecuadorian artist.
-Alexandra Pacula, American fine artist.
-Diego Ponce, Ecuadorian artist and curator.
-Jorge Velarde, one of the most important figurative painters in Guayaquil. -The renowned Zarumeño painter Servio Zapata.
-Rachel Rosalen, Brazilian video installation artist.
-Marcelo Aguirre, one of the greatest Ecuadorian contemporary artists.
-Madeleine Hollaender-Obrecht, prominent gallerist of Swiss origin, based for many years in Ecuador.
-Patricio Ponce Garaicoa, important multidisciplinary artist from Quito.
-Sonia Kraemer, Ecuadorian curator.
-Eduardo Relero, Argentine artist.
-Patricio Palomeque, Ecuadorian contemporary artist.
-José Luis Corazón, Spanish curator and art critic.
-María Verónica León, Guayaquileña artist of Machaleño upbringing.
-Enrique Tábara (+2021), one of the most important Ecuadorian modern artists.
-Eugenia Calvo, outstanding Argentine multidisciplinary artist.
-Eduardo Relero, artista argentino.
-Patricio Palomeque, artista contemporáneo ecuatoriano.
-José Luis Corazón, curador y crítico de arte español.
-María Verónica León, artista guayaquileña de ascendencia machaleña.
-Enrique Tábara (+2021), uno de los más importantes artistas modernos ecuatorianos.
-Eugenia Calvo, destacada artista multidisciplinar argentina.
-Dan Cameron, uno de los curadores norteamericanos más importantes a nivel internacional.
-Arturo Duclos, chileno, uno de los artistas contemporáneos clave en el espectro del arte latinoaméricano.
-Susan Rocha, importante curadora ecuatoriana, directora del MUCE, Museo de la Universidad Central del Ecuador y cofundadora de la revista de arte conteporáneo Paralaje.xyz.
-Cecilia Lenardón, destacada artista argentina.
-Hernán Cueva Velásquez, uno de los más importantes artistas grabadores ecuatorianos.
-Juan Castro y Velásquez (+2018), curador y crítico de arte ecuatoriano.
-Xavier Patiño, destacado artista guayaquileño. Exrector del ITAE y director de la Escuela de Artes Visuales de la Universidad de las Artes, Guayaquil.
-David Pérez-Mac Collum, galerista y coleccionista de arte ecuatoriano.
-Ileana Viteri, galerista ecuatoriana.
-Diego Ponce, curador ecuatoriano radicado en Nueva York.
-Marcela Ormaza Acevedo, artista y docente mexicana de ascendencia ecuatoriana.
-Luis Javier Guerrero, coleccionista de arte de Nextindio, Mining Corporation, Canadá.
-Pablo Calero, presidente en Global Transportes Ltda. Quito.
-Sol Gómez y Paola Viteri, del colectivo Ludomentis especializado en educación artística. Quito.
-Sara Madrid, curadora pedagógica, especialista en educación artística, Universidad de California, Los Ángeles UCLA. Consultora para la UNESCO en educación artística.
-Dan Cameron, one of the most important American curators internationally.
-Arturo Duclos, Chilean, one of the key contemporary artists on the spectrum of Latin American art.
-Susan Rocha, important Ecuadorian curator, director of the MUCE, Museum of the Central University of Ecuador and co-founder of the contemporary art magazine Paralaje.xyz.
-Cecilia Lenardón, outstanding Argentine artist.
-Hernán Cueva Velásquez, one of the most important Ecuadorian printmaking artists.
-Juan Castro y Velásquez (+2018), Ecuadorian curator and art critic.
-Xavier Patiño, outstanding artist from Guayaquil, who was the Principal of ITAE and director of the School of Arts Visuales of the Universidad de las Artes, Guayaquil.
-David Pérez-Mac Collum, Ecuadorian gallery owner and art collector.
-Ileana Viteri, Ecuadorian gallery owner.
-Diego Ponce, Ecuadorian curator based in New York.
-Marcela Ormaza Acevedo, Mexican-Ecuadorian teaching artist.
-Luis Javier Guerrero, Nextindio Corporation. Art Collector from Canada.
-Pablo Calero, President of Global Transports Ltda. Quito
-Sol Gómez y Paola Viteri, Collective Ludomentis, specialized in artistic education. Quito.
-Sara Madrid Arcos, Teaching Artist and Theater Arts, from University of California, Los Angeles (UCLA). UNESCO consultant specialized in artistic education.
-Liliana Porter, perhaps the most important Latin American living artist of our days, agreed to come to the eleventh edition of the Salon, after thoroughly reviewing the trajectory of the event. Unfortunately, a resurgence of COVID in New York prevented his arrival at the last minute. In any case, the artist began to follow with interest the activities of the Salon, and promised to come in future editions, if conditions allow. For the Salon Machala, this background is a pride, since only the fact of acceptance of the invitation by this artist, is an event unparalleled in Ecuadorian art.
-Liliana Porter, tal vez la artista viva latinoamericana más importante de nuestros días, aceptó venir a la décima primera edición del Salón, después de revisar minuciosamente la trayectoria del evento. Lastimosamente, un rebrote de COVID en Nueva York, impidió su venida a última hora. De todas maneras, la artista empezó a seguir con interés las actividades del Salón, y se comprometió a venir en futuras ediciones, si las condiciones lo permiten. Para el Salón Machala es un orgullo este antecedente, ya que sólo el hecho de aceptación de la invitación por parte de la artista, es un acontecimiento sin parangón en el arte ecuatoriano.
-Hernán Pacurucu, curador y crítico de arte ecuatoriano, de relevancia internacional. Curador de la Bienal Internacional NÓmade.
-María Fernanda Chica, integra la organización de Bienal NÓmade.
-Voltaire Medina Orellana, ilustre historiador de la ciudad de Machala. -Roy Sigüenza, poeta portovelense de la provincia de El Oro, uno de los más importantes del Ecuador.
-Hernán Pacurucu, Ecuadorian curator and art critic, of international relevance. Curator of the NÓmade International Biennial.
-María Fernanda Chica, organizer of the Bienal Internacional de Arte Contemporáneo NÓmade.
-M. Voltaire Medina Orellana, outstanding local historian.
-Roy Siguenza, Portovelense poet, from El Oro province, one of the most important of Ecuador.
De estos tres eventos internacionales en el país, el Salón Machala ocupa un lugar importante por su prestigio, su complejidad organizativa, la calidad de la obra participante, el alto nivel del jurado de admisión y premiación y demás personalidades involucradas, en adición al impacto del evento en el contexto local y nacional, ejemplo de gestión cultural descentralizada. Con estos antecedentes, y con el aval cultural de todas los involucrados, que incluye también universidades como la Western Ontario University, el Colegio de Comunicación y Artes Contemporáneas de la Universidad San Francisco de
From these three international events in the country, the Salon Machala occupies an important place for its prestige, its organizational complexity, the quality of the participating work, the high level of the admission and award jury and other personalities involved, in addition to the impact of the event on the local and national context, an example of decentralized cultural management. With this background, and with the cultural endorsement of all those involved, which also includes universities such as Western Ontario University, The College of Communication and Contemporary Arts of the San Francisco University of Quito, The International
Quito, La Bienal Internacional de Cuenca; la organización Cueva, Casa de Autor; Global Art; Galería Ponce-Villar, Contemporary Art; Hostal Solar del Puerto; Alianza Francesa; Fundación de Waal; Fundación Guayasamín; Galería El Gato, Bogotá; Embajada de la República Federal de Alemania; TAME; Banco del Pichincha; Centro de Cultura Casa Lam; Museo de Arte Moderno República Dominicana; Hotel Oro Verde Machala; Museo Casa de la Bola, México. Es clara la relevancia del evento internacional Salón Machala y su gestión.
Los machaleños debemos estar conscientes y orgullosos de la calidad de este evento, y manejar un protocolo alrededor que nos permita mantener el nivel que el Salón y la ciudad merecen. En cada edición, las obras seleccionadas que optan para el Premio Internacional de Pintura Huaylá, constituyen, sin ninguna duda, un cuerpo de obras de altísima calidad que tocan el pulso al desarrollo de la pintura contemporánea del país. Con mayor énfasis, la colección de las pinturas premio adquisición del Salón Machala, debe ser manejada de una manera absolutamente profesional, tanto en su trato y circulación, como en su almacenamiento, sistematización y conservación. La mayor parte de los artistas premiados en este Salón son ahora grandes representantes de las artes visuales a nivel nacional e internacional. Por lo tanto, la colección Premio Internacional de Pintura Huaylá tiene, además de un gran valor cultural-artístico, un insoslayable valor económico. Desde su reformulación, el evento empezó a llamar la atención de espacios especializados de arte contemporáneo, tanto del país como de fuera, llegando a tener reportajes y artículos en espacios como Informarte, España; Art Nexus, de cobertura en Latinoamérica y Estados Unidos, revista cultural Cartón Piedra, Guayaquil; página cultural de El Telégrafo, Guayaquil; El Comercio, Quito, entre otros.
La apertura de un diálogo cultural colaborativo ha sido otra característica del Salón, pues en su proceso se han creado acuerdos, convenios y trabajo en equipo con otras instituciones. Como cuando el Salón trajo a Virgil Elliot desde los Estados Unidos y la Universidad San Francisco de Quito, una de las universidades más prestigiosas del Ecuador, se interesó en concretar un convenio que permitía facilitar desde sus instalaciones un instructor, docente de dicha institución, materiales para pintura al óleo de técnicas tradicionales y modelos profesionales para los cursos
Biennial of Cuenca; the organization Cueva, Casa de Autor; Global Art; Ponce-Villar Gallery, Contemporary Art; Hostal Solar del Puerto; Alliance Française; De Waal Foundation; Guayasamín Foundation; El Gato Gallery, Bogotá; Embassy of the Federal Republic of Germany; TAME; Bank of Pichincha; Casa Lam Culture Center; Museum of Modern Art Dominican, Republic; Hotel Oro Verde, Machala; Casa de la Bola Museum, Mexico. The relevance of the International Salon Machala event and its management is clear. Machaleños should be aware and proud of the quality of this event and manage a protocol that allows us to maintain the level that the Salon and the city deserve. In each edition, the selected works that opt for the Huaylá International Painting Prize, establish, without any doubt, a body of works of the highest quality that touches the pulse of the development of contemporary painting in the country.
The collection of the award paintings, acquired by the Salon Machala, must be handled in an absolutely professional manner, both in its treatment and circulation, as well as in its storage, systematization and conservation. Most of the artists awarded in this Salon are now great representatives of the visual arts nationally and internationally. Therefore, the Huaylá International Painting Prize collection has, in addition to a great cultural-artistic value, an unavoidable economic value. Since its reformulation, the event began to attract the attention of specialized spaces of contemporary art, both in the country and abroad, getting to have reports and articles in spaces such as Informarte, Spain; Art Nexus, covering Latin America and the United States, cultural magazine Cartón Piedra, Guayaquil; cultural page of El Telégrafo, Guayaquil; El Comercio, Quito, among others.
The opening of a collaborative cultural dialogue has been another characteristic of the Salon, since in its process, agreements and teamwork with other institutions. For example, when the Salon brought Virgil Elliot from the United States and the University of San Francisco de Quito, one of the most prestigious universities in Ecuador, was interested in signing an agreement that allowed to provide an instructor, a professor from that institution, materials for oil painting of traditional techniques and professional
dictados en el Salón, a cambio de que en la agenda del maestro invitado, se incluya una gira a Quito, en donde Virgil Elliot dió un taller intensivo de una semana en la Escuela de Artes Contemporáneas de dicha Universidad. De la misma manera, el Salón ha trabajado en acuerdos con los estudiantes de la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Técnica de Machala, dándoles cupos de prioridad para que participen en las master classes, las conferencias y los cursos de capacitación, involucrando a algunos de ellos en actividades laborales en cada edición, luego de una capacitación pertinente para que sean parte del Programa de Curaduría Pedagógica del Salón o como parte del equipo de montaje u otros aspectos de la producción del evento.
Los artistas que han sido seleccionados para optar por los premios a lo largo de todas las ediciones del Salón Machala, son artistas que en su mayoría han logrado un espacio de legitimación en el contexto del arte nacional, más aún aquellos que han sido premiados y cuya obra por lo tanto forma pate de la colección Premio Internacional de Pintura Huaylá. Nombres ya conocidos que han ganado espacios en el campo artístico ya sea nacional o internacional como el de Juan Caguana, Catalina Carrasco, David Celi, Juan Carlos Fernández, Pedro Gavilanes, Jimmy Lara, Lenin Mera, Wilbert Piscoya, Rosy Revelo, Emilio Seraquive, Billy Soto, Raymundo Valdez, Nancy Vizcaíno, Javier Gavilanes, Roberto Jaramillo, Stéfano Rubira, Doina Vieru, Ariel Dawi, Patricio Dalgo, Gonzalo Fernández, Jorge Jaén, Dennys Navas, Mayra Silva, Efraín Zúñiga, César Simbaña, William Hernández, Danny Narváez, Pablo Cabrera, Roger Pincay, Mazhyx Orellana Calle, Andrés Velásquez Dután, Christian Proaño P., Rafael Díaz Recalde, Joaquín Serrano Macías, Julio Mosquera, Daniel Coka Pizarro, Luis Chenche Loor, Leandro Pesantes, Wilson Paccha, Diego Muñoz, Mónica López, Kelver Ax (+2016), Leonardo Moyano, Joel Ramírez Gallegos, Alexander Tongombol, Milton Alajo, Jorge Luis Vilca, Geovanny Verdezoto, Daniel Martínez Sánchez, Pamela Hurtado, María Gabriela Loayza, Lanner Díaz, Ilowasky Ganchala, entre otros.
models for the workshops taught in the Salon, in exchange for including in the special guest’s agenda a tour to Quito, where Virgil Elliot gave an intensive one-week workshop at the University’s School of Contemporary Arts. In the same way, the Salon has worked in agreements with the students of the local School of Visual Arts of the Technical University of Machala, giving them priority quotas to participate in the master classes, conferences and training courses, involving some of them in work activities in each edition, after relevant training to be part of the Salon’s Educational Program or as part of the mounting team or other aspect of the event’s production.
The artists who have been selected to opt for the awards throughout all the editions of the Salon Machala, are artists who have mostly achieved a space of legitimation in the context of national art, even more so those who have been awarded and whose work therefore forms part of the Huaylá International Painting Prize Award Collection. Well-known names that have gained spaces in the artistic field, whether national or international, such as Juan Caguana, Catalina Carrasco, David Celi, Juan Carlos Fernández, Pedro Gavilanes, Jimmy Lara, Lenin Mera, Wilbert Piscoya, Rosy Revelo, Emilio Seraquive, Billy Soto, Raymundo Valdez, Nancy Vizcaíno, Javier Gavilanes, Roberto Jaramillo, Stefano Rubira, Doina Vieru, Ariel Dawi, Patricio Dalgo, Gonzalo Fernández, Jorge Jaén, Dennys Navas, Mayra Silva, Efraín Zúñiga, César Simbaña, William Hernández, Danny Narváez, Pablo Cabrera, Roger Pincay, Mazhyx Orellana Calle, Andrés Velásquez Dután, Christian Proaño P., Rafael Díaz Recalde, Joaquín Serrano Macías, Julio Mosquera, Daniel Coka Pizarro, Luis Chenche Loor, Leandro Pesantes, Wilson Paccha, Diego Muñoz, Mónica López, Kelver Ax (+2016), Leonardo Moyano, Joel Ramírez Gallegos, Alexander Tongombol, Milton Alajo, Jorge Luis Vilca, Geovanny Verdezoto, Daniel Martínez Sánchez, Pamela Hurtado, María Gabriela Loayza, Lanner Díaz, Ilowasky Ganchala, among others.
La existencia del Salón Machala en más de una década en el contexto de la cultura ecuatoriana, ha contribuido a la activación y movilidad de bienes artísticos, circulación de ideas y saberes alrededor de la creación artística, nociones de artisticidad y rotación de artistas y personalidades del ámbito cultural de todo el país y del exterior. Todos estos factores confluyen a través del Salón, en un escenario cultural ávido de ese intercambio, como es la ciudad de Machala, una de las cuatro ciudades más importantes del país.
En la presente edición, hay que destacar también, sobre todo considerando la exigencia con la que ha operado el jurado internacional, que cuatro artistas orenses, tres de ellos machaleños, forman parte de una rigurosa selección final a nivel internacional, lo que da cuenta del nivel de desarrollo de los lenguajes y propuestas artísticas de creadores locales formados en otras latitudes, representándonos y apoyando como referentes, al desarrollo del campo artístico en nuestro medio. En esta edición se ha reinsertado el Premio Estímulo para Artistas Orenses, reconocimiento económico de 1500 USD que no constituye una adquisición, sino un reconocimiento y estímulo económico al desarrollo de la calidad del artista local en su proceso de edificar su carrera en el contexto de un evento internacional, como es el Salón Machala.
Para esta edición, retomamos una propuesta que puso al Salón Machala, a la altura de las corrientes más contemporáneas del pensamiento relacionadas con el rol del museo y las instituciones culturales dentro de la comunidad. La sección de CURADURÍA PEDAGÓGICA y mediación artística, es un programa especialmente diseñado para el Salón Machala por Sara B. Madrid, una especialista en el campo de la educación artística de la UNIVERSITY OF CALIFORNIA UCLA, es una propuesta que responde a esa necesidad de estrategias educativas alrededor del Salón y que indudablemente, sobre todo basados en la experiencia de la séptima edición del Salón, donde originalmente se empezó con este programa como parte de la reformulación del Salón, vuelve a tener una incidencia importante en la manera de ver y abordar las relaciones entre las instituciones públicas y el consumidor cultural.
The existence of the Salon Machala in more than a decade in the context of Ecuadorian culture, has contributed to the activation and mobility of artistic goods, circulation of ideas and knowledge around artistic creation, notions of artisticity and rotation of artists and personalities of the cultural field throughout the country and abroad. All these factors converge through the Salon, in a cultural scenario eager for this exchange, such as the city of Machala, one of the four most important cities in the country.
In this edition, we must also highlight, especially considering the exigency with which the international jury has operated, that four artists from El Oro province, three of them from Machala, are part of a rigorous final selection at an international level, which accounts for the level of development of the languages and artistic proposals of local creators trained in other latitudes, representing and supporting us as references, to the development of the artistic field in our environment. In this edition, the Stimulus Prize for Orenses Artists has been reinserted, an economic recognition of 1500 USD that does not constitute an acquisition, but a recognition and economic stimulus to the development of the quality of the local artistin the process of building his or her career in the context of an International event, such as the Salon Machala.
For this edition, we take up a proposal that put the Salon Machala, at the height of the most contemporary currents of thought related to the role of the museum and cultural institutions within the community. The section of PEDAGOGICAL CURATORSHIP and artistic mediation, is a program specially designed for the Salon Machala by Sara B. Madrid, a specialist in the field of artistic education at the UNIVERSITY OF CALIFORNIA UCLA. This proposal responds to a need for educational strategies around the Salon and that undoubtedly, especially based on the experience of the seventh edition of the Salon, where this program was originally started as part of the reformulation of the Salon, it has had a major impact on the way we see and approach the relationship between cultural institutions and the cultural consumer.
La acción de la curaduría pedagógica expande el Salón hacia la comunidad y le confiere más sentido a este importante hecho cultural, pues uno de los objetivos es proveer a la comunidad un abanico de posibilidades interactivas y de educación, que además de acercarlos al Salón, fortalezca en ellos un sentido de pertenencia y pertinencia con relación a este gran evento en la ciudad de Machala.
El Salón Machala agradece el firme apoyo e interés del GAD Municipal de Machala, bajo la administración del Ing. Darío Macas, por mejorar y fortalecer este evento cultural que, sin duda, constituye parte importante de la identidad de nuestra ciudad, que contribuye al ejercicio pleno de los derechos culturales de nuestros ciudadanos.
Áreas del Salón Machala
1.-Premio Internacional de Pintura Huaylá: Es un premio internacional de pintura contemporánea de tipo adquisición, es decir que el municipio entrega premios económicos y las obras ganadoras pasan a ser parte de una colección de arte que se ha ido formando con el mismo premio. El concurso ya lleva 11 ediciones, por lo tanto, existen 33 obras premiadas que forman la colección internacional de pintura contemporánea Huaylá. El concurso es de carácter internacional y se lo realiza anualmente. Un jurado de prestigio reconocido a nivel internacional en el ámbito de las artes contemporáneas evalúa y otorga premios a los artistas inscritos al concurso. Participan artistas de todos los países del mundo, con mayor concurrencia los países latinoamericanos.
-Primer premio adquisición: 10 000 USD
-Segundo premio adquisición: 5000 USD
-Tercer premio adquisición: 3000 USD
-Premio Estímulo para Artistas Orenses (no adquisición) 1500 USD
The action of the pedagogical curatorship expands the Salon towards the community and gives more meaning to this important cultural event, since one of the objectives is to provide the community with a range of interactive and educational possibilities, which in addition to bringing them closer to the Salon, strengthens in them a sense of belonging and relevance in relation to this great event in the city of Machala.
The Salon Machala appreciates the firm support and interest of the Municipal Government of Machala, under the administration of Eng. Darío Macas, to improve and fortify this cultural event that, without a doubt, institutes an important part of the identity of our city, which contributes to the full exercise of the cultural rights of our citizens.
Areas of the Salon Machala
1.-Huaylá International Painting Prize:
It is an international prize of contemporary painting of acquisition type, that is to say that the municipality gives economic prizes and the winning works become part of an art collection that has been formed with the same prize. This contest has already 11 editions, therefore, exist 33 award-winning works that make up the international collection of contemporary painting Huaylá. The competition is international in nature and is held annually. A prestigious jury recognized internationally in the field of contemporary arts evaluates and awards prizes to the artists registered for the contest. Artists from all over the world participate, specially from Latin American countries.
-First prize acquisition: 10 000 USD
-Second prize acquisition: 5000 USD
-Third prize acquisition: 3000 USD -Stimulus Prize for Orenses Artists (no acquisition) 1500 USD
2.- Eventos paralelos alrededor del Premio Internacional de Pintura Huaylá: En el año 2015, el artista y gestor cultural Enrique Madrid propuso reformular el Salón para que vaya más allá del concurso de pintura, insertando en la programación una serie de eventos que constituyen una oferta cultural desde la institución municipal que busca palear los vacíos de una actividad cultural sostenida y planificada desde las instituciones públicas en la ciudad de Machala. Los eventos propuestos son con la posibilidad de aumentar o disminuir, de acuerdo a las circunstancias, los siguientes:
a.- Personaje invitado especial: En cada edición, el Salón invita a un personaje descollante de la cultura contemporánea internacional a vincularse al Salón, dando conferencias, talleres y compartiendo sus obras, en el caso de ser artista visual. El personaje invitado especial pasa una semana en Machala asumiendo diferentes actividades propuestas e involucrándose con los artistas locales. El Salón Machala y el Municipio de Machala otorgan una placa de reconocimiento al o la invitada especial por su aporte al desarrollo de las artes y la cultura en nuestra ciudad.
b.- Exposición paralela internacional: El Salón Machala, desde su reformulación en el año 2015, bajo la dirección del artista y experto en políticas culturales y gestión de las artes, Enrique Madrid, organiza una exposición paralela internacional de alto nivel, de tipo referencial, en donde se despliegan una serie de herramientas profesionales sobre curaduría, museología y museografía, para poner en escena una selección de artistas de diversas partes del mundo que han destacado por la potencia creativa de sus propuestas artísticas.
Esta muestra debe servir como ejemplo de calidad de las obras, que reflexionan sobre el arte como sujeto y temas pertinentes a los procesos de desarrollo cultural en territorio. Sirve también como referente de los procesos de circulación y exhibición de obras de arte con todos los parámetros profesionales de recursos exhibitorios, como museología, museografía y recursos de montaje, para alimentar una cultura de circulación , puesta en escena y consumo crítico del producto artístico.
2.- Parallel Events Around the Huaylá International Painting Prize: In 2015, the artist and cultural manager Enrique Madrid proposed to reformulate the Salon to go beyond the painting contest by inserting in the program, a series of events that constitute a cultural offer from the municipal institution that seeks to fill in the gaps of a sustained and planned cultural activity from public institutions in the city of Machala. The following proposed events have the possibility of increasing or decreasing, according to the circumstances:
a.- Special guest: In each edition, the Salon invites an outstanding character from the international contemporary culture field to join the Salon, giving academic lectures, workshops and sharing their artistic production, in the case of being a visual artist. The special guest character spends a week in Machala taking on different proposed activities and getting involved with local artists. The Salon Machala and the Municipality of Machala awards a plaque of recognition to the special guest for his or her contribution to the development of arts and culture in our city.
b.- International Parallel Exhibition: The Salon Machala, since its reformulation in 2015, under the direction of the artist and expert in cultural policies and management of the arts, Enrique Madrid, organizes a high-level international parallel exhibition, a referential type of event, where a series of professional tools on curatorship, museology and museography are deployed, to stage a selection of artists from different parts of the world who have stood out for the creative power of their artistic proposals.
This exhibition should serve as an example of the quality of the works of art, which reflect on art as a subject and themes pertinent to the processes of cultural development in the territory. It also serves as a reference for the processes of circulation and exhibition of works of art with all the professional parameters of exhibition resources, such as museology, museography and mounting resources, to feed a culture of circulation, staging and critical consumption of the artistic product.
Para esta edición, la exposición referencial internacional es la Muestra Panorámica Internacional de Grabado, de la magnífica colección gráfica de Cueva, Casa de Autor, una colección de 85 grabados de grandes artistas de Ecuador, Latinoamérica y el mundo, que se exhibe por primera vez al público, por gentileza del maestro Hernán Cueva Velásquez, dueño de la colección y uno de los artistas insignes del grabado ecuatoriano.
c.- Conferencias magistrales: El Salón Machala busca crear una atmósfera de libre circulación de las ideas alrededor de las artes en un clima de debate y espíritu crítico desde la academia, pero abierto al pensamiento empírico de manera que se cree un intercambio ciudadano en el que los criterios se vayan formando alrededor de los lenguajes y los legados ideáticos del arte y sus conexiones con otras áreas de conocimiento. Con este objetivo, el Salón se siente impelido a organizar sendas conferencias magistrales con conferencistas calificados involucrados en los debates de las artes y la cultura contemporánea.
d.- Programa de Curaduría Pedagógica: Es una propuesta compleja de tipo educativo e investigativo que se desarrolla a la par con los eventos que oferta el Salón durante toda su actividad, y acompaña a la agenda propuesta desde la inauguración hasta la clausura del Salón, que usualmente dura un mes calendario. El objetivo es trabajar en la relación arte-artistas–audiencia, para ampliar la posibilidad de lectura de los contenidos de las obras de arte circulando en el Salón, y explorar un contexto de ideas y de formas culturales en las audiencias para ayudar a construir sentidos a partir del encuentro arte- espectador. Mediante una serie de herramientas y recursos pedagógicos, desplegados a través de diferentes actividades, se busca vincular activamente al espectador en los procesos creativos. El programa también apunta a la capacitación profesional de los artistas locales con talleres específicos que apunten a áreas diagnosticadas como necesarias para el fortalecimiento creativo y técnico de los artistas profesionales, emergentes y noveles.
For this edition, the international exhibition is the International Panoramic Exhibition of Printmaking, of the magnificent graphic collection of Cueva, Casa de Autor, a set of 85 prints of artists from Ecuador, Latin America and the world, which is exhibited for the first time to the public, as courtesy of the master Hernán Cueva Velásquez, owner of the collection and one of the distinguished printmaking artists of Ecuador.
c.- Master Lectures.- The Salon Machala seeks to create an atmosphere of free circulation of ideas around the arts in a climate of debate and critical spirit from the academy, but open to the empirical thinking as to create a citizen exchange in which the criteria is formed around the languages and the ideological legacies near art and its connections with other areas of knowledge. To this end, the Salon feels compelled to organize master conferences with qualified speakers involved in the debates of contemporary arts and culture.
d.- Pedagogical Curatorship Program. It is a complex educational and investigative proposal that is developed along with events offered by the Salon throughout its activity, and accompanies the proposed agenda from the opening to the closing of the Salon, which usually lasts a calendar month. The objective is to work on the relationship between art-artist-audience, to create the opportunity of expanding the possibility of reading the contents of the works of art circulating in the Salon, and to explore a context of ideas and cultural forms in audiences to help build senses from the art-spectator encounter. By the means of a series of pedagogical tools and resources, deployed through different activities, we seek to actively involve the spectator in the creative processes. The program also aims at the professional training of local artists with specific workshops that target areas diagnosed as necessary for the creative and technical strengthening of professional, emerging and novice artists.
Actividades programadas dentro de las estrategias de curaduría pedagógica:
1.-Visitas guiadas y Mediación artística: Lilia García, artista y gestora cultural local, entrenada en procesos de capacitación previos como guía artística y mediadora, ofreció recorridos a los visitantes a las muestras del Salón, que usualmente son dos: la exposición de los artistas seleccionados al Premio Internacional de Pintura Huaylá y la exposición internacional paralela, que en esta edición fue la muestra Panorámica Internacional del Grabado. Las visitas guiadas también son agendadas para grupos de estudiantes de escuelas, colegios y universidades, organizaciones sociales, grupos vulnerables, minoritarios. Se crearon recorridos para diferentes tipos de grupos en los que se abordaron técnicas, contenido y contexto de las obras, de manera que genere un vínculo directo y empático con el visitante.
2.-Estación creativa: Este componente es un lugar abierto a los visitantes para investigar y experimentar de primera mano la creación artística, después de sus visitas guiadas y durante los mini talleres. Se implementó un rango de materiales y herramientas que se vinculen con las obras del Salón. Las personas que acudieron a las visitas guiadas, tuvieron la opción de poner en práctica, con materiales de arte, los lenguajes que se han visto y explicado en los recorridos durante las visitas guiadas. La estación creativa es un taller equipado con materiales de arte para aprender activamente sobre los procesos artísticos y sus lenguajes; sobre todo sobre los lenguajes de las obras exhibidas.
3.-Recorridos teatralizados: Para variar contenido y medios de aproximación
Activities programmed within the pedagogical curatorship strategies:
1.-Guided tours and artistic mediation: Lilia García, local artist and cultural manager, trained in previous training sessions as an artistic guide and mediator, offered tours to visitors to the exhibitions of the Salon, which are usually two: The exhibition of the artists selected for the Huaylá International Painting Prize and the parallel international, which in this edition was the Panorámica Internacional de Grabado. Guided tours are also scheduled for groups of students from schools, colleges and universities, social organizations, vulnerable and minority groups. Tours were created for different types of groups in which the techniques, content and context of the works are addressed, so that it generates a direct and empathetic link with the visitor.
2.-Creative Station: This component is a place open to visitors to investigate and experience first-hand artistic creation, after their guided tours and during the mini workshops. A range of materials and tools that are linked to the works of the Salon was implemented. The people who attended the guided tours had the option tu put into practice with art materials, the languages that had been seen and explained during the guided tours. The creative station is a workshop equipped with art materials to actively learn about the artistic processes and their languages; over all about the languages of the works exhibited.
3.-Dramatized tours: To vary content and means of approach to the community, with Angel Vélez Torres, professional actor and director of the theater group.
a la comunidad, con Ángel Vélez Torres, actor profesional y director del grupo de teatro El Telón, se trabajó una obra o estrategias narrativas dramatizadas, con el objetivo de evidenciar lúdicamente la relación de las artes visuales con las artes vivas de una manera dinámica y atractiva para el público.
4.- Mini talleres dictados por artistas locales: Se convocó a artistas locales activos para que impartan 8 mini-talleres, para que así compartan sus conocimientos con su comunidad y la fortalezcan a través de un medio creativo. Los artistas locales seleccionados para dictar los mini talleres fueron: Dayana Palma, Jonathan Ulloa, Cristina Enderica, Jairo Bustamante, Ricardo Arias, Pamela Betancourt, Druman Martínez, Danny Pingos, con quienes se manejó tres ejes temáticos: Vive la acuarela, Mas allá de la pintura, Nuestra cultura, Nuestra voz, Desarrollo de la creatividad.
5.- Master classes: Una de las maneras con las que el Personaje Invitado Especial se relaciona con la comunidad artística local y nacional es con las master classes. En esta edición, Eugenia Calvo, con la asistencia de Cecilia Lenardón, dictó un taller intensivo de tres días, para artistas locales llamado Detrás del Movimiento, un curso multidisciplinar que apuntó a explorar y fortalecer el pensamiento creativo en las artes desde una perspectiva multidiscuplinar. El curso tuvo un cupo para 15 artistas de la provincia de El Oro, de diferentes ramas de las artes.
6.- Catálogo memoria reflexivo.
7.- Guía educativa: Se elaboró una guía de las actividades de clase basadas en las obras del Salón, que puedan servir como experiencia lúdica pre y post visita al Salón. Las actividades estuvieron divididas por niveles y fueron entregadas a varias escuelas y colegios en la zona.
8.- Ciclo de cine-foro: Bajo la curaduría y coordinación de Juan Andrés Vélez, del Proyecto Cinegamia, se desarrolló el cine-foro. Se proyectaron 8 películas, una semanal durante el transcurso de un mes que duraron las actividades del Salón Machala y sus muestras. Las películas proyectadas están relacionadas con las artes visuales o temáticas de las obras expuestas.
9.- Gira Educativa: 2 colegios y 2 escuelas de la ciudad de Machala recibieron visitas en sus instalaciones, donde se llevaron a cabo actividades lúdicas para despertar el interés de las instituciones educativas y de los estudiantes en visitar el Salón y agendar visitas guiadas. Las actividades realizadas en las escuelas se relacionaron directamente con el contenido de las obras del Salón, a un nivel introductorio.
El Telón, we worked on dramatized narrative strategies, with the objective of playfully demonstrating the relationship between the visual arts with the performing arts in a dynamic and attractive way for the public.
4.- Mini workshops taught by local artists: Active local artists were called to teach 8 mini-workshops, so that they share their knowledge with their community and strengthen the community through a creative medium. The local artists selected to dictate the mini workshops were: Dayana Palma, Jonathan Ulloa, Cristina Enderica, Jairo Bustamante, Ricardo Arias, Pamela Betancourt, Druman Martínez, Danny Pingos, with whom three thematic axes were handled: Live the watercolor, Beyond painting, Our culture, Our voice, Development of creativity.
5.- Master classes: One of the ways in which the Special Guest Character relates to local and national artistic community is with the master classes. In this edition, Eugenia Calvo, with the assistance of Cecilia Lenardón, gave an intensive threeday workshop for local artists called Detrás del Movimiento, a multidisciplinary workshop that aimed to explore and strengthen creative thinking in the arts from a multidisciplinary perspective. The course had a quota for 15 artists from the province of El Oro, from different branches of the arts.
6.- Reflective memory catalogue.
7.- Educational guide: A guide of the class activities based on the selected artworks of the Salon, which can serve as a playful experience pre and post visit to the Salon. The activities were divided by levels and were delivered to several schools and colleges in the area.
8.- Film cycle-forum: Under the curatorship and coordination of Juan Andrés Vélez, from Cinegamia Project, the cinema-forum was developed. Four films were screened, one weekly during a month that lasted the activities of the Salon Machala. The films screened are related to the visual arts or themes of the exhibited works.
9.- Educational tour: 2 elementary schools and 2 high schools in the city of Machala received visits in their facilities, where artistic-educational activities were carried out to awaken the interest of educational institutions and students in visiting the Salon and schedule guided tours. The activities carried out in the schools are directly related to the content of the works in the Salon, at an introductory level.
Enrique A. Madrid Ortega
(Machala, El Oro, 1964).
Director del Salón Machala
Radicado desde el 2016 en la ciudad de Guayaquil. Vivió en Machala hasta finales de 1983 y luego se mudó a Quito, donde permaneció hasta el año 2000 formando parte de un movimiento de artistas que empezaron a redireccionar las artes visuales en el país. Madrid asistió a la Escuela de Artes de la Universidad Central del Ecuador (Quito). Allí obtuvo una licenciatura en artes con especialización en pintura y grabado.
En 1994, viajó a Cuba como delegado ecuatoriano a una muestra internacional en la Casa de las Américas y realizó estudios independientes sobre teoría de la cultura con la crítica y curadora cubana Lupe Álvarez Pomares, en La Habana. Del 2000 al 2009 vivió en Berkeley (California), realizando estudios de dibujo de figura humana, acuarela y grabado en diferentes centros de estudios superiores. En 2003 realizó un viaje de investigación artística por algunos países de Europa. Fue miembro fundador y coordinador de proyectos del CEAC (Centro Ecuatoriano de Arte Contemporáneo).
Entre 1995 y 2000 fue artista exclusivo de La Galería de Quito. Como parte de delegaciones ecuatorianas ha expuesto en la Casa de las Américas (La Habana), en el Instituto Italo-Latinoamericano de Cultura (Roma), en la exposición LatinAmerican Contemporary Art (Providence, Rhode Island), entre otras. Ha obtenido el premio “Coloma Silva” a la mejor obra de artistas egresados de la Escuela de Artes de la Universidad Central; fue premiado en el Primer Salón de Pintores Noveles en Quito (con un jurado integrado por Villacís, Kingman y Oswaldo Guayasamín); tuvo una mención especial y el PRIMER PREMIO en dos convocatorias del Salón Nacional de Acuarela “Pedro León”; en 1994 ganó el PREMIO ÚNICO Salón Nacional de Pintura “Luis A. Martínez” y la PRIMERA MENCIÓN en el Salón “Mariano Aguilera”.
En 2014 la Casa de la Cultura Núcleo de El Oro lo distinguió como “Pintor del Año”. A su retorno de los Estados Unidos en el 2009, se instaló en Machala para continuar el registro de la transformación del paisaje urbano y rural de Machala y el impacto negativo de las políticas públicas en el patrimonio inmueble urbano y natural del área, a través de periódicas sesiones de pintura plein air, registro ambicioso que constituye una narrativa visual y reflexión escrita con una cobertura de más de treinta años. En el 2015 representó al Ecuador en la Residencia Internacional de Artistas Zaruma - Portovelo, que aborda temas sobre el paisaje, el agua y el impacto de la minería en el medio.
Ha sido Director de cuatro ediciones del Salón Machala Encuentro Internacional de Artes Visuales (2015, 2016, 2019 y 2022). En 2017, fue invitado a la IX Feria Internacional del Libro (FIL) Quito, en calidad de conferencista académico. En 2012 fue seleccionado por el Banco Promerica para su ciclo de catálogos anuales, con la publicación del libro La Erosión del Sentido. En el 2014, la Casa de la Cultura Núcleo del Azuay y el Núcleo de El Oro, organizaron una muestra panorámica de su obra, en Cuenca y en Machala, respectivamente, bajo la curaduría del ecuatoriano Cristóbal Zapata. 2021, diseñador y coordinador general del Evento CULTURA VIVA DE MI CIUDAD, GAD Municipal de Machala. En el 2022, proceso de titulación, maestría en Políticas Culturales y Gestión de las Artes en la Universidad de las Artes, Guayaquil, Ecuador.
En el año 2022 recibe de la Alcaldía de Machala una placa de reconocimiento por su trayectoria internacional como artista y por su gestión cultural, especialmente como Director del Salón Machala.
(Machala, El Oro, 1964).
Salon Director
Enrique Madrid was born in Machala, 1964. Then he moved to Quito in 1984, where he remained for about sixteen year, before he moved to the United States. During his staying in Quito, he became part of an interesting movement of contemporary art that started to change the direction of Ecuadorian art. Madrid attended the School of Fine Arts at the Universidad Central del Ecuador, in Quito, where he obtained a degree specialising in Painting and Printmaking.
In 1994, Madrid traveled to Cuba and exhibited with a group of selected Ecuadorian artists at the Casa de las Américas in La Havana, where did independent studies on contemporary art with Lupe Álvarez Pomares, La Havana based curator and art critic.
From 2000 to 2009, he lived in Berkeley, California, attending art studies on print making, drawing and watercolor. He has also represented his country at international shows like Latin-American Gathering of Contemporary artists in Providence, Rhode Island; the Italo-Latinoamerican Institute of Culture, Art BA, International Art Fair, Buenos Aires.
During 2015, represented Ecuador for the international artist residency ZarumaPortovelo, organized by the Western Ontario University. He has been the Director of Salon Machala. International Gathering of Visual Art during four editions (2015, 2016. 2019. 2022).
In 2017, he was invited as an academic lecturer to the 9th Quito International Book Fair. In 2012, was selected by Banco Promérica to make a book on his art production for the editions on great ecuadorian artists, publishing one chosen artist every year. The book on his artwork was named “The erosion of Sense”.
In 2014, a wide panoramic show on his artwork held in Cuenca y Machala organised by Casa de la Cultura Núcleo de Azuay y El Oro and curated by the Ecuadorian Cristóbal Zapata. 2021, project designer and general coordinator of the 30 days online event CULTURA VIVA DE MI CIUDAD, sponsored by the City Hall of Machala. 2022, finishing master studies on Culltural Politics and Art Management, Universidad de las Artes, Guayaquil. 2022, received from the mayor of Machala, a plate with a public recognition honoring his international trajectory as an artist and his outstanding work as a cultural manager, especialy for the direction of Salon Machala.
In 2003 traveled to Europe to develop independent studies and research on contemporary art. Enrique Madrid has obtained several national and international prizes like the Coloma Silva Award, granted every year by the School of fine Art of the Universidad Central to the best art student; was also an award winner at the first Salon de Pintores Noveles de Ecuador, prize granted by Kingman, Villacís and Oswaldo Guayasamin , jurors of the contest. From 1995 to 2000 he was an exclusive artist for La Galería, one of the best galeries in Ecuador at that time. He was funding member and projects coordinator at Ecuadorian Center for Contemporary Art (C.E.A.C.).
Obtained a special honorable mention and the PRIZE TO THE WINNER at the National Contest of Watercolor, “Pedro León”, Quito, Ecuador. In 1994, Enrique Madrid won the FIRST PRIZE SALON NACIONAL DE PINTURA LUIS A. MARTÍNEZ and the FIRST HONORABLE MENTION at the SALON NACIONAL DE PINTURA MARIANO AGUILERA. In 2014, The casa de la Cultura de El Oro designated him as the best artist of the year.
Miembros del jurado de Selección y Premiación de la Décima Primera Edición
Premio Internacional de Pintura Huaylá
Selection and Awarding Jury Members. Eleventh Edition
Huaylá International Painting Prize
Actualmente es directora del Sistema Integrado de Museos y Herbarios y docente de arte y estética de la Universidad Central del Ecuador. Ganadora de fondos de investigación Senior 2019 en la Universidad Central. Máster en Historia, DEA en Estética, Valores y Cultura, Diplomada Superior en Estudios del Arte. Curadora, crítica e historiadora del arte. Cofundadora del espacio de escritura crítica de arte Paralaje.xyz. Ha dirigido varios museos y ha sido jefa de curaduría e investigación en varios espacios culturales. Consultora en proyectos museales y de gestión cultural en historia, arte y curaduría.
Autora de libros como Inhumano, el cuerpo social en el arte ecuatoriano, coordinadora del libro Jaime Andrade: escultura, murales y obra gráfica 1925-1989, ha publicado múltiples artículos, catálogos y capítulos de libros sobre arte ecuatoriano, entre los que se destacan De la representación científica colonial a la costumbrista republicana: rutas de transferencia de la imagen en América Andina (1782-1906).
La crítica alrededor de Camilo Egas, Luis A. Martínez, Representaciones artísticas y culturales de los siglos XIX y XX, Nobody de Vinicio Bastidas, Joaquín Pinto de lo excéntrico a lo típico, El pesebre quiteño del siglo XVIII: Un documento de la vida social y una forma de representación de la cultura. Entre sus curadurías se destaca: Presentes Transtemporales de María José Argenzio, Jaime Andrade, trayectoria artística 1925 - 1989, Mauricio Bueno, Horizontes variables, Testimonia Rock, Nelson Román, el ojo del jaguar, Rafael Troya entre el neoclasicismo y el romanticismo, Artefacto del tiempo, huellas de un imaginario, Memoria, ciudadanía y territorio en la gráfica actual y ponente en eventos académicos internacionales.
She
Got a Master Degree in History and DEA in Aesthetic, Values and Culture. Susan also obtained a Higher Diploma in Art Studies. Curator, art Critic and Art Historian. Co-founder of Paralaje.xyz.
She has directed several museums and has been head of curatorship and research in various cultural spaces.
Consultant in museum projects and cultural management in History, art and curatorship. Author of books such as Inhuman, the social body in Ecuadorian art, coordinator of the book Jaime
Andrade: sculpture, murals and graphic work 1925-1989, she has published multiple articles, catalogs and book chapters on Ecuadorian art, among which From the colonial scientific representation to the republican costumbrista: transfer routes of the image in Andean America (1782-1906).
Criticism around Camilo Egas, Luis A. Martínez, Bography and cultural artistic representations of the 19th and 20th centuries, Nobody de Vinicio Bastidas, Joaquín Pinto from the eccentric to the typical, The eighteenth-century Quito manger: A document of social life and a form of representation of culture. Her curatorships include: Transtemporal Presents by María José Argenzio, Jaime Andrade, artistic career 1925 - 1989, artistic career, Mauricio Bueno, Variable Horizons, Danilo Vallejo, Rock Testimonial, Nelson Román, the eye of the jaguar, Rafael Troya between neoclassicism and romanticism, Artifact of time, traces of an imaginary, Memory, citizenship and territory in current graphics and speaker at international academic events.
Ha exhibido en más de 200 exposiciones colectivas en galerías, museos y exposiciones internacionales, entre otras: Ultrabarroque (8 museos de Estados Unidos y Canadá), Crisisss (Palacio Bellas Artes, Ciudad de México), Anteamérica, (7 museos e instituciones de Latinoamérica y los Estados Unidos), Watt (Witte de With y Kunsthalle de Rotterdam), la muestra itinerante: The Disappeared que ha circulado por 11 instituciones en los Estados Unidos y Latinoamérica.
Ha sido docente de pregrado y postgrado en la Universidad de Chile y en la Universidad del Desarrollo de Santiago, donde fue Director de la Escuela de Arte y Cultura Contemporánea. Ha sido profesor visitante en la Universidad de Michigan, y en la Universidad de Cuenca, en programas de postgrado en Arte.
Ha sido panelista en la Fundación Getty y el Museo de Arte Latinoamericano de los Ángeles, CA y en la Universidad de Harvard. Se desempeña además como presidente de Creaimagen, sociedad de gestión de derechos de autor de imagen fija.
Arturo Duclos
Santiago de Chile, Chile. 1959
Licenciado en Arte 1984, Universidad Católica de Chile. En 1992, obtuvo la Beca de la Fundación Guggenheim, recibió el Fondo Nacional de las Artes en 1993, 1994, 2014 y 2017. También recibió el Premio para las Artes y Ciencias de la Comunicación de UNIACC 1996 y Primer Premio Latinoamericano de Arte Enersis 2001. Ha participado en eventos internacionales como la Bienal de París de 1982, Bienal de La Habana, 1991 y 1997, Bienal de Lima 1997, Bienal de Sao Paulo y Bienal de Cuenca 1998, y la Bienal del Mercosur 1997 y 1999.
Desde 1985 ha realizado más de 50 exposiciones individuales de sus obras en museos y galerías de Santiago, París, Milán, Roma, Londres, Nueva York, Miami, Houston, Caracas, Lima, Sao Paulo, Bogotá, Buenos Aires.
Arturo Duclos
Santiago de Chile, Chile. 1959
Bachelor degree in Arts from Universidad Católica de Chile. In 1992, he received the Guggenheim Foundation Scholarship and the Fondo Nacional de las Artes in 1993, 1994, 2014 and 2017. He also received the Premio para las Artes y Ciencias de la Comunicación de UNIACC 1996 and the Primer Premio Latinoamericano de Arte Enersis 2001.
He has been part of several international events such as the 1982 Paris Biennial, the 1991 and 1997 Havana Biennial, the 1997 Lima Biennial, the 1998 Sao Paulo Biennial and the 1998 Cuenca Biennial, and the 1997 and 1999 Mercosur Biennial.
Since 1985, he has had more than 50 one person exhibitions of his works at important museums and galleries in Santiago, Paris, Milan, Rome, London, New York, Miami, Houston, Caracas, Lima, Sao Paulo, Bogotá, Buenos Aires.
He has exhibited in more than 200 collective exhibitions in galleries, museums, and international exhibitions, among others: Ultrabaroque (8 museums in the United States and Canada), Crisisss (Palacio Bellas Artes, Mexico City), Anteamérica, (7 museums and institutions in Latin America and the United States), Watt (Witte of With and Kunsthalle of Rotterdam), the traveling exhibition: The Disappeared that has circulated through 11 institutions in the United States and Latin America.
He has been an undergraduate and postgraduate teacher at the Universidad de Chile and at the Universidad del Desarrollo de Santiago, where he was the Director of the Art School and Contemporary Culture. He has been a visiting Professor at the University of Michigan, and the Universidad de Cuenca, in postgraduate art programs.
He has been a panelist at the Getty Foundation and in the Museum of Latin American Art in Los Angeles, CA. and at Harvard University. He also serves as president of Creaimagen, a still image copyright management company.
Además, este reconocido curador de arte internacional, ha sido director Artístico de la octava Bienal de Estambúl (2003), cocomisario de la 5ª Bienal de Taipei (2006-2007), co-organizador de la 10ª Bienal de Taipei (2006), fundador y comisario jefe de la Bienal Prospect de New Orleans (2008-2009), y, más recientemente, comisario de la California-Pacific Triennial (2013), en el Orange County Museum of Art - OCMA, en Newport Beach (California).
Recientemente, su monografía sobre las pinturas de Nicole Eisenman fueron publicadas a finales del 2021 por Lund Humphries. Algunos catálogos y libros han sido publicados desde finales del 2020 sobre los artistas Flavio Cerqueir, John Willenbecher, Sigfredo Chacón, SITE:LAB, Mathew Kolodziej, and the Jacksonville Museum of Contemporary Art’s Atrium Project Series.
Una investigación sobre la escultura de Leandro Erlich, organizada por Dan Cameron se abrirá en PAMM en Miami en diciembre del 2022, junto con la primera publicación ampliada en inglés sobre el trabajo del artista.
Estados Unidos, 1956
Es un curador independiente, escritor de arte y educador independiente de Nueva York. Fue Curador de la XIII Bienal de Cuenca 2016 en Ecuador, una de las más veteranas e importantes de toda Latinoamérica, que cerró en febrero de 2017.
Además de la ciudad de Cuenca, se extendió por las ciudades de Guayaquil y Quito, bajo el título y el tema “Impermanencia, la Mutación del Arte en una Sociedad Materialista”, y contó con 47 artistas de 20 países. Ha sido comisario jefe del OCMA - Orange County Museum of Art en California, entre noviembre de 2011 y marzo de 2015; director de artes visuales del Contemporary Arts Center, en New Orleans, de 2007 a 2010; y comisario senior del New Museum de Nueva York, entre 1995 y 2006.
He is a freelance curator, art writer, and educator from New York. He was curator of the XIII Bienal de Cuenca 2016 in Ecuador, one of the oldest and most important in all Latin America, which ended in February 2017.
In addition to Cuenca city, it spread through Guayaquil and Quito cities, under the title and theme “Impermanence, the Mutation of Art in a Materialistic Society”, and featured 47 artists from 20 countries. He has been chief curator of the OCMA - Orange County Museum of Art in California, between November 2011 and March 2015; visual arts director at the Contemporary Arts Center, in New Orleans, from 2007 to 2010; and senior curator of the New Museum in New York, between 1995 and 2006.
In addition, this renowned international art curator has been Artistic Director of the eighth Istanbul Biennial (2003), co-curator of the 5th Taipei Biennial (2006- 2007), co-organizer of the 10th Taipei Biennial (2006), founder and chief curator of the New Orleans Prospect Biennial (2008-2009), and, most recently, curator of the California-Pacific Triennial (2013), in the Orange County Museum of Art - OCMA, in Newport Beach (California).
Most recently, her monograph on Nicole Eisenman’s paintings was published in late 2021 by Lund Humphries. Some catalogs and books have been published since the end of 2020 on the artists Flavio Cerqueir, John Willenbecher, Sigfredo Chacón, SITE:LAB, Mathew Kolodziej, and the Jacksonville Museum of Contemporary Art’s Atrium Project Series.
An Inquiry into Leandro Erlich’s sculpture, organized by Dan Cameron, will open at PAMM in Miami in December 2022, along with the first extended publication in English about the artist’s work.
Acta solemne del jurado
Premio Internacional de Pintura Huaylá Salón Machala. Décima Primera Edición, 2022
Comparecen como jurados: Dan Cameron, Susan Rocha, Arturo Duclos.
En Machala, el 15 de junio de 2022, el jurado ha realizado la selección final de obras y la premiación de los artistas ganadores. Las obras seleccionadas para para el Premio Internacional de Pintura Huaylá del Salón Machala, son las siguientes:
Obra
Autorretrato
Autor/a Origen
Juan Pablo Zambrano Romero
Portovelo, El Oro
Dios habita en el lenguaje Guayaquil Stéfano Andrés Rubira Nieto
Mi jardín secreto Guayaquil Pamela Catalina Hurtado Wedler
Hydriam Belli “Estrategia el Lanzador” Guayaquil Andrés Mauricio Velásquez Dután
Lost Paradise Machala Danny Xavier Narváez Paz
Daguerrotipos
Quito Héctor David Cely Echeverría
Secuencia Random (Cuando el don del habla ha fallado) Loja Emilio Antonio Seraquive Valarezo
Cenizas_2019 Machala Enrique Vicente Núñez Endara
Dos figuras (losing ourselves in possibility) Quito Francisco Javier Galárraga Carrillo
1.- Dicen que los espejos atrapan almas 2.- Ausencia Machala María Gabriela Loayza Aguilar
Libertad
La Fuga Constante
Girón, Azuay Galo Andrés Mosquera Mora
Cuenca Joaquín Esteban Pérez Solís
El test de Rorschach ha fallado Guayaquil Homero Joel Ramírez Gallegos
Lupus-prácticas neofascistas
La masa, el populacho altivo y soberano tiene hambre de poder
Cuenca Jonathan Fabricio Mosquera Calle
Guayaquil Jorge Enrique Velasco Granizo
Monumento al progreso -La inutibilidad del objeto Guayaquil Nikita Samantha Félix Galarza
El primer lugar ha sido adjudicado al artista Danny Narváez por su obra Lost Paradise.
El segundo lugar ha sido adjudicado a la artista Pamela Hurtado por su obra Mi jardín secreto.
El tercer lugar ha sido adjudicado al artista Jorge Velasco por su obra La masa, el populacho, altivo y soberano, tiene hambre de poder. Premio estímulo al artista orense, María Gabriela Loayza por su obra Dicen que los espejos atrapan almas.
El jurado en decisión unánime concedió el primer lugar a la obra Lost Paradise del artista Danny Narváez por su coherencia en el tratamiento de los materiales de trabajo, la imagen y el sentido de cuidado por la naturaleza. El significante material deviene en el elemento protagónico de la obra por su presencia en textura y la imagen de un paisaje desolado por el extractivismo.
El segundo lugar Mi jardín secreto de la artista Pamela Hurtado, refiere a una visión personal y autobiográfica que devela una honestidad en su lenguaje y remonta a las imágenes de una infancia relacionada con la naturaleza. La orquídea ha sido un signo constante en su trayectoria.
El tercer lugar La masa, el populacho altivo y soberano tiene hambre de poder de Jorge Velasco, ofrece una imagen de un assemblage imposible y precario dentro de en un espacio doméstico, entregando un tratamiento dimensional con la incorporación de un contexto paradójico.
El Premio Estímulo al Artista Orense para la obra Dicen que los espejos atrapan almas de la artista María Gabriela Loayza, recupera la antigua tradición de la pintura sobre soportes metálicos para incorporar el bronce como significante material, connotando la pintura en una relación espacial a través de los reflejos y la especularidad, al mismo tiempo que incorpora al espectador.
También el jurado entregó tres menciones honrosas a los siguientes artistas:
Juan Pablo Zambrano por su obra Autorretrato. Stéfano Rubira por su obra Dios habita en el lenguaje.
Jonathan Fabrizio Mosquera por su obra Lupus-prácticas neofascistas.
El nido de los condenados Guayaquil Omar Ernesto Bereche Briones Forma y color de nuestra tierra
Cuenca Darío Román Fuela
Jury Act
Premio Internacional de Pintura Huaylá Salón Machala. Eleventh Edition, 2022
In Machala, on June 15th, appear as members of the Jury: Dan Cameron, Arturo Duclos, and Susan Rocha in order to make the final selection and the deliberation process for granting the prizes.
The selected artworks for the Salon Machala, Huaylá International Painting Prize are the following:
First Prize, Danny Narváez for Lost Paradise.
Second Prize, Pamela Hurtado for Mi jardín secreto.
Third Prize, Jorge Velasco for La masa, el populacho, altivo y soberano, tiene hambre de poder.
The special Stimulus Prize for Orenses Artists was granted to María Gabriela Loayza, from Machala for the artwork Dicen que los espejos atrapan almas.
The members of the jury made the unanimous decision to grant the first prize to the artwork Lost Paradise, by Danny Narváez, due to its coherence when dealing with the materials used on his artwork, the image propposed and the sense of care about nature. The meaningful use of materials becomes a leading element in making image and textures of a bleak landscape devastated by extractivism.
The second prize, Mi jardín secreto by the artist Pamela Hurtado Wedler refers to a personal and autobiographical vision that unveils honest language and take us to the images of a childhood related to nature. Orchid has been a constant sign in her trajectory.
The third prize, La masa, el populacho altivo y soberano tiene hambre de poder, by Jorge Velasco, gives an image of an imposible and precarious assemblage within a domestic space, delivering a dimensional treatment with the incorporation of a paradoxical context.
The special Stimulus Prize for Orenses Artists goes for the work Dicen que los espejos atrapan almas by the artist María Gabriela Loayza, which retrieves the ancient tradition of painting on metallic grounds such as bronze as a meaningful material, connoting painting in a spatial relationship through the reflects and specularity while incorporating the viewer.
The jurors also granted three honorable mentions to the following artists:
-Juan Pablo Zambrano with his artwork Autorretrato.
-Stéfano Rubira for his piece Dios habita el lenguaje.
-Jonathan Fabrizio Mosquera for his painting Lupus-prácticas neofacistas.
Obras seleccionadas Premio Internacional de Pintura Huaylá Décima Primera Edición 2022
En Lost Paradise me planteo el material plástico como recurso pictórico dentro de una obra de arte. Recurso de gran relevancia que conlleva una fuerte carga simbólica, donde se apuesta por la experimentación desde el reciclaje plástico por un proceso de calor controlado; así alternativas ético-ecológicas para diluirlo sobre lona, relacionando nuestros hábitos con la basura plástica que se produce en la actualidad.
Esta propuesta se plantea una metáfora visual sobre la contaminación y un posible caos ambiental que pone en riesgo nuestro futuro humano.
Una utopía o distopía quizá, que se manifiesta como una fuerte crítica al estilo de vida actual, intentando despertar un estado de conciencia en el espectador.
Para evitar prevenir, en un futuro no muy lejano, el caos ambiental y la creciente simbiosis en nuestro ecosistema que se afianza cada vez más en la contemporaneidad.
In Lost Paradise, I use plastic material as a pictorial resource within the works of art. Resource that carries a strong symbolic load, where recycling has an important role through experimental process of reusing plastic applying controlled heat in order to melt it on the canvas. In this way, using alternative ethical -ecological means, I build my artistic language while including the waste produced by our nowadays bad habits of generating plastic trash.
This artistic proposal develops a visual methaphor about a chaotic environment pollution that geopardize any posibility of hope in the future. A utopia, or perhaps a dystopia, that is displayed as a very sharp criticism to our contemporary life style, in order to awaken in the viewer a state of consciousness.
Narváez PazSEGUNDO PREMIO
Mi jardín Secreto
Öleo y acrílico sobre lienzo 2022
Pamela Hurtado Wedler Guayaquil, 1962
Desde niña aprendí a cultivar los valores de dos culturas que se unieron cuando mi padre, ecuatoriano, se casó con mi madre, alemana. Fueron muchas las mezclas que se fundieron en esa unión: los paisajes, el color del mar, la exuberancia de la vegetación del Ecuador terrestre y las frías y hermosas tierras del invierno alemán, narrado por mi madre, quien en este trópico excesivo trató de reencontrar, en los diseños florales del papel tapiz, una parte de sus recuerdos juveniles.
Ese conocimiento sensible sobre otra historia, otra luz y otros colores, fueron la base para crear este Jardín secreto, como llamo a mi nueva etapa de producción. Ambas sensibilidades me integran y se reflejan, como un lago-espejo, en este jardín donde también se unen los colores psicodélicos y alucinantes de las flores exóticas y la tranquila frialdad del agua quieta. Una vez más mi reflexión se dirige, o atraviesa, los lazos íntimos, familiares, la referencia inmediata; lo terrible, pero también lo sublime de las relaciones.
Since I was a child, I learned to cultivate the values of two cultures that came together when my father, an Ecuadorian, married my mother, a German. There were many mixtures that merged in that union: the landscapes, the color of the sea, the exuberance of the vegetation of terrestrial Ecuador and the cold and beautiful lands of the German winter, narrated by my mother, who in this excessive tropic tried to rediscover, in the floral designs of the wallpaper, a part of her youthful memories.
This sensitive knowledge of another history, another light and other colors, were the basis for creating this Secret Garden, as I call my new stage of production. Both sensibilities make me and are reflected, like a mirror-lake, in this garden where the psychodelic and hallucinating colors of the exotic flowers and the calm coldness of the still water also come together. Once again, my reflection is directed, or goes through, the intimate, familiar ties, the reference to the immediate; the terrible, but also the sublime of relationships.
Pamela Hurtado WedlerTERCER PREMIO
La masa, el populacho altivo y soberano tiene hambre de poder
Acrílico sobre canvas 2022
Jorge Chay Velasco Guayaquil, 1985
El propósito de la presente propuesta pictórica, por más que parezca una proposición de análisis sobre un tema arquitectónico, es reflejar un problema social o, para ser más específico, un corte de complejidad socioeconómica.
La obra tiene como objetivo representar un acercamiento, alrededor de una de las variantes acerca de las prácticas de ejercer el poder y cómo puede ser mostrada o reflejada en circunstancias locales y latinoamericanas; por lo tanto, trato de expresar por medio de ilustraciones y objetos que se van encontrando y amontonando desesperada y desordenadamente -a manera de andamios vernaculares-, su función como herramientas estratégicas para formar plataformas y así lograr subir o escalar.
De esta manera intento reflejar, visualmente, una circunstancia de comportamiento de roce social donde se ensaya a alcanzar una meta que demuestre que la masa es también altiva y soberana cuando se lo propone.
También intento mostrar sarcásticamente, de manera muy azarosa, el modo para alcanzar, a como dé lugar y en cualquier circunstancia, un propósito de lo deseado; en este caso ascender para tener, cambiar, alcanzar y poseer, por medio del objeto modificado, interpretado o adaptado como arma, lo que supuestamente es difícil o inalcanzable.
The purpose of the present work, even though it may seem to be a proposal of analysis on an architectural theme, is to reflect a social problem or, to be more specific, a matter of socioeconomic complexity.
The work aims to represent a close up, around one of the variants about the practices of exerting power and how it can be shown or reflected in local and Latin-American circumstances; therefore, I try to express through illustrations and objects that are found and piled up desperately and disorderly -like vernacular scaffolds-, its function as strategic tools to form platforms and thus achieve progress or at least climb up.
In this way, I try to reflect, visually, a moment of a behavior, result of social friction, where the common majority tries to reach a goal that demonstrates that the mass is also haughty and sovereign when it sets its mind to it.
I also try to show sarcastically, in a very haphazard manner, the way to reach, by any means and in any circumstance, the desired; in this case to ascend, to acquire, change, reach and possess, through the modified object, interpreted or adapted as a weapon, which supposedly is difficult or unattainable.
Chay VelascoPREMIO
Óleo y ácido sobre bronce 2021
María Gabriela Loayza A. Machala, 1987. Vive en Quito.
Dicen que los espejos atrapan almas
ESTÍMULO PARA ARTISTAS ORENSES
Esta propuesta está inspirada en la magia y el misticismo que generan los espejos.
Se creía que los espejos atrapan almas y por eso en los funerales se cubrían todos los espejos para que el alma del muerto no se quedara.
Otra creencia es que los espejos se guardaban, para sí mismos, las imágenes para utilizarlas en otro momento.
Eran conectores con otros mundos y del futuro.
Los egipcios los relacionaban con “Hata”, deidad de la belleza, magia y fertilidad.
En China los utilizan para capturar la energía de la luna.
En la cultura Azteca, el Dios de la noche lo utiliza para cruzar el inframundo. En mi obra representé una figura femenina con un vacío en su interior que tiene un espejo donde se reflejan sus manos.
El espejo representa esa búsqueda interior que tenemos cada persona y esa realidad que no terminamos de entenderla y conocerla.
Y, por otro lado, el reflejo es una imagen distinta de cómo nos ven las otras personas, y esa distorsión de la realidad que existe.
Vivimos en un mundo de constante transformación y búsqueda de la verdad. Como dentro de un espejo.
This proposal is inspired by magic and mysticism generated by mirrors.
It was believed that souls were trapped within mirrors and for that reason all the mirrors were covered, so the soul of the dead would not remain.
Another belief was that mirrors kept for themselves, the images to use at some other time.
They were gates with other worlds and with the future.
Egiptians thought mirrors were related to “Hata”, deity of beauty, magic and fertility.
In China, people used to believe to be useful to catch the energy of the moon.
In the Azteca Culture, the God of Night uses mirrors to get into the infraworld.
In this piece, I represent a female human figure with a hollowed inner self that contains a mirror were her hands are reflected.
The mirror symbolizes that inner searching that everyone has and that reality which we do not get to know and understand to the end.
And, on the other side, reflection is an image different than how other people see us and the distortion of reality that exist through reflection of mirrors.
We live in a world of continuous transformation and searching of true.
Like inside of a mirror.
María Gabriela LoayzaAutorretrato MENCIÓN HONORÍFICA
Óleo sobre gabardina 2020 Juan Pablo Zambrano Portovelo, 1984.
Vive en Piñas, provincia de El Oro.
El objetivo principal de mi trabajo está enfocado en comunicar el yo interno, el sentir, la espiritualidad; siempre lo he realizado de una manera inconsciente basado en la experimentación y sin dejar de lado la manera intuitiva. Me sustento en la percepción, en el conocimiento de los sentidos, procesos y actividades que me estimulan para reflejar esa expresividad enérgica; la psiquis interna poco conocida.
El autorretrato expresa situaciones del momento, mi vida, la esencia interior; es el motivo por el que me retrato, que no se quede como una simple reproducción técnica, sino que vaya más allá; que las imágenes transmitan energía, contemplación, emociones que reflejen el aspecto esencial, primordial del ser. Es una especie de ejercicio terapéutico para trasladar a la obra todo el potencial interior que se tiene oculto, aspectos psicológicos; tratando de interpretar de manera creativa y artística, sin caer en un simulacro de representación de la pura realidad, el trabajo se convierte en un tema de interés personal.
Es un intento de comprender cómo funciona nuestra parte inconsciente, los comportamientos emocionales, siempre me planteo desarrollar y expresar mi propia identidad, personalidad tratando de mostrar esa expresividad innata de mi ser; es decir, mi originalidad.
The main objective of my work is focused on communicating the inner self, the feeling, the spirituality. I have always done it in an unconscious way, based on experimentation and without leaving aside the intuitive way.
I rely on perception, on the knowledge of the senses, processes and activities that stimulate me to reflect that energetic expressiveness, the littleknown inner psyche.
The self-portrait expresses situations of actual moments, my life, the inner essence; it is the reason why I portray myself, so it does not remain as a simple technical reproduction, but rather goes beyond; so, the images transmit energy, contemplation, emotions that reflect the essential, primordial aspect of being. It is a kind of therapeutic exercise to transfer to the work all the inner potential that is hidden, psychological aspects; trying to interpret in a creative and artistic way, without falling into a simulacrum of pure reality representation, the work becomes a subject of personal interest.
It is an attempt to understand how our unconscious part works, the emotional behaviors. I always try to develop and express my own identity, personality, trying to show my innate expressiveness; that is to say, my originality.
Resina, acrílico y lápiz 2021-2022 Stéfano Rubira Nieto Guayaquil, 1978
Dios habita en el lenguaje MENCIÓN HONORÍFICA
Mis trabajos recientes bordean conceptos como el abandono y la secularización de lo sagrado. Me interesa señalar el vínculo: teología y doctrina de Estado, como dispositivos que proporcionan el sustrato que da forma al sujeto moderno.
Busco asociar relatos hegemónicos a mi propia experiencia de vida, a través de elementos cotidianos y simples.
Por lo tanto, Dios habita en el lenguaje, es una aproximación a estas ideas, donde el mundo del texto y el mundo del lector-espectador se intersectan, al disponer de frases populares como: La voz del pueblo, es la voz de Dios. Señalando así (de una manera) la autocomprensión narrativa que tenemos de nosotros mismos.
My recent artwork goes around concepts like abandonment and secularization of the sacred. I am interested in pointing at the link between theology and doctrine of the State, as devices that give the substratum that shapes the modern individual.
I am looking for the way how hegemonic narratives are related to my own experience of life, through daily life, simple elements. Therefore, God inhabits language is an aproximation to these ideas, where the world of the text and the world of the reader-viewer intersect by displaying popular phrases like Folk´s voice is God´s voice. Making evidente (somehow) the self understanding narrative that we have of ourselves.
Stéfano Rubira NietoLupus MENCIÓN HONORÍFICA
Acrílico sobre lienzo 2022
Jonathan Mosquera Calle Cuenca, 1992
Mi obra asocia determinados elementos con el fin de generar un discurso que despliegue especulaciones de orden histórico político y perverso.
La imagen presentada, una fotografía alterada por la pintura, es de una Peluquería & Barbería tomada en el sector El Vado de la ciudad de Cuenca, donde las peluquerías tradicionales están siendo reemplazadas y desplazadas por las barbershop que han ido proliferando a lo largo y ancho de la ciudad, generando un cambio estético y cultural.
LUPUS está enunciado desde un doble significado; por un lado, un extracto de la frase homo hominis lupus, que significa El hombre es un lobo para el hombre; y, por otro lado, desde la medicina, la enfermedad autoinmune Lupus. Estos dos conceptos que evocan el poder, están representados por medio de una escena aparentemente pasiva.
El sentido de la especulación se da cuando, en un espacio (peluquería), de carácter cotidiano, un espacio de limpieza y corrección se despliega como un escenario donde el espectador, inconscientemente, es dotado de cualidades estéticas e históricas que permean y devienen en una estética y sensibilidad neofascista.
My work gathers certain elements pursuing to achieve a speech that displays perverse speculations of historical and political order.
The featured image, a photograph altered by layers of paint, is of a Hairdresser & Barbershop taken in El Vado area of the city of Cuenca, where traditional Ecuadorian barbershops are being replaced and displaced by the modern american-like barbershops that have been proliferating throughout the city, generating an aesthetic and cultural change.
Lupus is stated from a double meaning: from one side, comes from the phrase homo hominis lupus, which means a man is a wolf to another man; on the other side, comes from medicine: Lupus, the autoinmune disease. These are two concepts that evoque power, and are represented in this painting through an aparently passive scene.
The sense of speculations appears when in a given daily life space( a barbershop), a space of cleaning and neatness, is used as an scenary where the viewer is unconciously granted with aesthetic and historical qualities that permeate meaning, becoming a sensitivity with a neofascist aesthetic.
Ausencia
Óleo y ácido sobre bronce 2021 María Gabriela Loayza A. Machala, 1987. Vive en Quito.
La obra Ausencia fue realizada durante esta pandemia, en una etapa de mucho miedo, incertidumbre e impotencia. Quería expresar tantos sentimientos encontrados de lo que estaba viviendo.
Representa esa ausencia física, esa pérdida de un ser querido. El personaje está abrazando esos recuerdos, y la persona a la que abraza está transformándose; desapareciendo. Él intenta retener con fuerza, aferrándose.
Por otro lado, representa ese abrazo que tanto quisimos y añorábamos con el alma, y que al no poder tenerlo lo valorábamos más.
El personaje tiene una cruz en su brazo (es la Cruz de Santiago). Con eso quería representar esa parte espiritual, religiosa, esa fe, lucha, defensa y protección que representa la espada de la Cruz de Santiago.
The work Ausencia was made during this pandemic, at a time of great fear, uncertainty and helplessness. I wanted to express so many mixed feelings of what I was going through.
It represents that physical absence, the loss of a loved one. The character is embracing those memories, and the person he is embracing is transforming, disappearing. He is trying to hold on tightly, clinging.
On the other hand, he represents that embrace that we wanted so much and longed for with our souls, and that when we could not have it, we valued it more.
The character has a cross on his arm (Santiago‘s Cross). With that I wanted to represent that spiritual, religious part, that faith, struggle, defense, and protection that the sword of the Cross of Santiago represents.
María Gabriela LoayzaLa fuga constante
Acrílico y espray sobre lienzo 2022 Joaquín Pérez Solís Cuenca, 1987
“...fue un momento de mucho tiempo de aislamiento, las paredes se volvieron parte del paisaje por un año o más, junto al miedo, la muerte se hizo cotidiana y mi fuga fue la música y la pintura de paisajes imposibles, de ver temporalmente por la pandemia… el color de los personajes está oscuro mientras todo alrededor va cobrando color; el tercer personaje se aleja de la cromática, brilla pero hay algo en su postura que me recuerda estos tiempos...”
Obra de carácter pictórico concebida en el encierro.
El autor fija su mirada en los puntos de escape y la lejanía, retratando lo íntimo y las personas.
La música se ve reflejada en sus cuadros, representa la figura humana en una técnica expresionista.
“...it was a long isolation time, the walls became part of the landscape for a year or more; together with fear, death became daily and my escape was music and painting landscapes, temporarily impossible to see because of the pandemic... the color of the characters is dark while everything around is gaining color; the third character moves away from the chromatics, he shines but there is something in his posture that reminds me of these times...”
A pictorial work conceived in confinement. The author fixes his gaze on the points of escape and remoteness, portraying the intimate and people.
Music is reflected in his paintings; he represents the human figure in an expressionist technique.
Joaquín Pérez Solís
Hydriam Belli “Estrategia del lanzador”
Acrílico y grafito sobre lienzo 2022
Andrés Velásquez Dután Guayaquil, 1990
Hydriam belli (en latín, estrategia del lanzador o lanzador de guerra) se trata de una composición pictórica que conjuga visualmente elementos simbólicos de poder.
Un águila real, posa encima de un tablero de juegos de azar que también alude a la ruleta para lanzar cuchillos donde se coloca una modelo que debe resultar ilesa en el juego.
El águila personifica el poder encima del tablero, a la vez que, se encuentra en peligro y tensión.
A sus costados se encuentran dos estatuas que simbolizan la justicia, pero en la mano de una de ellas, se encuentra un péndulo para hipnotizar; frente a ellas dos gárgolas vigilan su accionar.
Los elementos se encuentran sobre un campo pictórico de texturas que han sido creadas tomando como referencia texturas de tapizados y alfombras de políticos que he conocido. La pintura se enmarca en un soporte circular que busca deformar la imagen de manera selectiva.
Hydriam belli (in Latin means strategy of the war spear thrower). This piece is a pictorial composition that deals with the visual conjugation of symbolic elements of power.
A real Eagle poses standing over a gambling board, which also alludes to a knife throwing roulette, where a model, that supposedly must survive after the game, has been placed.
The eagle impersonates the power over the board, while it is exposed to danger and tensión. Besides it, we can see two statues that symbolize justice, one of them is holding a hipnotizing pendulum. In front of them, two gargoyles watch their moves.
All the elements in this piece are displayed on a pictorial field of textures that have been created as reference of wall paper textures and carpets from politicians that I have met. This artwork has been painted on a circular surface, looking for a way to distort the image in a selective way.
Andrés Velásquez DutánForma y color de nuestra tierra
Óxidos cerámicos, engobes cerámicos y esmalte cerámico sobre cerámica 2022
Darío Román Fuela Girón, provincia del Azuay, 1995. Vive en Cuenca.
Herederos de un apego geófago -de comer tierra-, recurrimos instintivamente a la tierra en búsqueda de materiales que nos sean familiares y que nos permitan fijar y preservar nuestras ideas a través del tiempo, desde la más simple y primitiva expresión hasta el más sofisticado tecnicismo; encontrando en la arcilla, una gama cromática de colores fríos y cálidos que dependen de su grado de mezcla o pureza; material que por su plasticidad adopta una variedad de formas y colores que nos resultan familiares, una forma empleada como bastidor y un recuerdo codificado en cada trazo, graba en aquella figura nuestro pensamiento.
La cromática de los materiales térreos resulta celosa de revelarse, necesitando de la acción del fuego para exponerse y preservarse. Con el calor abrazador va adquiriendo su verdadera cromática, hasta lograr un equilibrio de temperatura, preservando un grafismo, ansioso de ser redescubierto como ya, hace siglos, lo hicieron nuestros antepasados.
Heirs to a geophagous attachment - of eating earth - we instinctively turn to the earth in search of materials that are familiar to us and that allow us to fix and preserve our ideas through time, from the simplest and most primitive expression to the most sophisticated technicality; finding in clay, a chromatic range of cold and warm colors that depend on their degree of mixture or purity; material that by its plasticity adopts a variety of shapes and colors that are familiar to us, a form used as a frame and a memory encoded in each stroke, thus recording in that figure, our thoughts.
The chromatic of the earthy materials is jealous to reveal itself, needing the action of fire to expose and preserve itself. With the embracing heat it acquires its true chromatics, until it achieves a balance of temperature, preserving a graphism, eager to be rediscovered as our ancestors did, centuries ago.
Darío Román
Fuela
Cenizas_2019
Cenizas de neumáticos de las manifestaciones de octubre/2019 con aceite de linaza sobre lienzo 2021
Enrique Núñez Endara Machala, 1987. Vive en Cuenca.
Dentro del marco del levantamiento social más importante del Ecuador de la segunda década del siglo XXI suscitado en octubre de 2019, se han desarrollado a la par nuevas reflexiones acerca de los dispositivos del poder y los ejercicios de las artes contemporáneas en torno a un panorama inserto en las contradicciones propias de la democracia.
Dichas reflexiones no atañen únicamente a una postura social en un medio fragmentado por sus múltiples derivaciones políticas, sino que responden a una necesidad estética de representación de la realidad que busca generar procesos relacionales capaces de vincularse dialógicamente con el medio.
En este sentido, la extracción de materias como el caucho carbonizado (llantas quemadas durante las protestas de octubre) para utilizarlo como elemento constitutivo en esta obra bidimensional, genera un diálogo íntimo entre el medio y la obra, conjugando así las significaciones del espacio social y el medio pictórico.
Respondiendo a estas necesidades, Núñez Endara ha utilizado la estética del glitch (error) para traducir una interferencia social ejercida durante un ritual democrático como es la protesta colectiva. Mediante la superposición de fragmentos extraídos de la realidad inmediata, entreteje un panorama múltiple atravesado por diferentes simbolismos y significaciones tanto políticas como identitarias y filosóficas.
Cenizas_2019 se desvela como un medio crítico para el ejercicio de la reivindicación social, usando para ello lenguajes plásticos que construyen comunidad dentro del mismo panorama disruptivo como son las democracias latinoamericanas.
Within the framework of the most important social uprising in Ecuador in the second decade of the 21st century that took place in October 2019, new reflections on the devices of power and the exercises of contemporary arts surrounding a panorama inserted in the contradictions of democracy have been developed.
These reflections do not only concern a social stance in an environment fragmented by its multiple political derivations, but also respond to an aesthetic need for the representation of reality that seeks to generate relational processes capable of dialogically linking with the environment.
In this sense, the extraction of materials such as carbonized rubber (tires burned during the October protests) to use it as a constituent element in this two-dimensional work, generates an intimate dialogue between the medium and the work, thus combining the meanings of the social space and the pictorial medium.
Responding to these needs, Núñez Endara has used the aesthetics of glitch to translate a social interference exercised during a democratic ritual such as collective protest. By superimposing fragments extracted from the immediate reality, he weaves a multiple panorama crossed by different symbolisms, as well as political identity and philosophical meanings.
Cenizas_2019 reveals itself as a critical medium for the exercise of social vindication, using visual languages that build community within the same disruptive panorama of Latin-American democracies.
Enrique Núñez EndaraMixta sobre lona 2022 Omar Bereche Briones Guayaquil, 1996
El nido de los condenados
Por medio de El nido de los condenados represento parcialmente las estructuras de Göbekli Tepe -un antiguo santuario que se levanta en el punto más alto de una extensa cadena montañosa situada a unos 15 kilómetros al nordeste de la ciudad de Sanliurfa (antigua Urfa/Edesa), en el sudeste de Turquía-, enfocándome en la relación de sus mitos con mi investigación actual.
Se especula que esta construcción es el primer templo construido por el hombre donde se origina el sentido humano hacia lo sagrado, el gusto por la escenificación y el comportamiento para dar nacimiento a la civilización. Estas interpretaciones se tornan relevantes al vincularlo con mis análisis sobre el comportamiento del ser humano desde una etapa primitiva y ciertos instintos semejantes al de los animales.
Como resultado, desarrollo este espacio en mi obra como un punto de inflexión en donde el humano a partir de su instinto esencial sobre la espiritualidad, junto a la asimilación de mitos colectivos y la evolución del razonamiento, agrupa estas bases para determinar ciertos comportamientos alrededor de sus ideales del orden y juicio (cultura), mientras restringe sus conductas naturales por actos artificiales.
El nido de los condenados (The nest of convicted), partially represents the structures of Göbekli Tepe, an ancient sanctuary thas has been built on the highest spot of a long mountain chain, located 15 kilometers far from the northeast of de Sanliurfa (the ancient city Urfa/Edesa), southeast of Turkey, focusing on the relationship between their myths and my recent researching.
It has been said that this construction is the first temple built by humans, where human sense towards the sacred took shape, the taste for staging and behaviors that started civilization. These interpretations turn relevant to me when linked with the analysis I make on human being behavior since a primitive stage, or certain humans instincts similar to the ones from animals.
As a result of this, I develop this space in my artwork as an inflection point, where human beings, starting from our essential instinct on spirituality, along with the asimilation of colective myths and the evolution of rationality, group these bases in order to determine certain behaviors around their ideas of order and judgement (culture), while restricting their natural behavior, replacing them with artificial acts.
Omar Bereche Briones
Daguerrotipos
Mixta 2022 David Celi Echeverría Quito, 1976
La representación de paisajes naturales extraídos de los muros, veredas, paredes y demás construcciones urbanas, al darse las condiciones adecuadas, empiezan a manifestarse como lo que son o serían: frágiles imágenes de la memoria.
The representation of nature landscapes, grasped from walls, sidewalks and other urban constructions, when given the proper conditions, they beging to manifest themselves as they are or as they would be: fragile images from memory.
David Celi EcheverríaEl test de Rorschach ha fallado Óleo, acrílico y collage sobre lienzo 2022
Joel Ramírez Gallegos Guayaquil, 1984
El test de Rorschach o prueba de Rorschach es una técnica y método proyectivo de psicodiagnóstico creado por Hermann Rorschach, para el análisis de la personalidad del paciente en diez láminas, a través del cual se transparenta la personalidad del sujeto.
Sicariato, narcotráfico, sangrientos motines en cárceles, robos: Ecuador está sufriendo una ola de violencia que ha generado un profundo temor en la población; en mi obra abordo esta dura realidad desde la construcción de una hipotética fábrica, que en su estética superficial nos da la sensación de abandono y en su estructura física la apariencia de una cárcel o reclusorio en estado de descomposición, relacionando a las cárceles como fábricas del delito y su proyección hacia la sociedad.
El fenómeno de la violencia está enraizándose en nuestra sociedad, dañando la psiquis colectiva. Estamos fallando como sociedad, a tal punto de copiar acciones narcoterroristas mexicanas y colombianas; las cuales describo en las 10 piezas a modo de láminas del test de Rorschach, hechas con una base de collage de los diarios locales donde recogen estos acontecimientos; sobre ellas pinto las figuras para este test fallido.
The Roscharch test is a technique and projective method of psychodiagnosis, created by Herman Roscharch for analyzing personalities of patients through ten sheets containing images that reveal the personality of the individual.
Contract killing, drug traffiking, bloddy prison riots, robberies: Ecuador is suffering a wave of violence that has caused deep fear in the population. In my artwork, I reflect this hard reality by using the image of the construcction of a hypothetical factory that appears to be abandonned at the first sight, but on a deeper observation, its physical structure reveals the apparience of a decaying prison, that relates jails as factories of crime projected on to society.
The phenomenon of violence is taking roots in our society, damaging colective psyche. We are failing at the point of copying narco-terrorist actions as role models from Mexico and Colombia, which I describe in the ten pieces emulating the sheets of Rorschach´s test, collages made out of the crimes section of local newspapers. Over this collage, I Paint the figures for this failed test.
Joel Ramírez Gallegos
Óleo sobre MDF 2022 Francisco Galárraga Carrillo Quito, 1985
Dos figuras (Losing ourselves in possibility)
La expresión está determinada en gran medida por la fuerza de los cuerpos de las mujeres que predominan en el espacio de la composición. La mujer, que está recostada por completo, está distraída por la luz que emana de su tablet; la otra chica, sentada de rodillas con una pierna sosteniendo la cabeza de la primera, regresa a ver al espectador en forma de invitación, o simplemente, con un sentido de vínculo que se vuelve más notorio cuando nos fijamos que, dos de sus manos, están entrelazadas evocando la posibilidad de que el vínculo va más allá de la amistad.
La luz de la pantalla y del ambiente crea fuertes sombras que se proyectan en el ambiente, un juego de iluminación color urbano-tecnológico -la calidez del neón mezclada con la luz fría de la pantalla led.
The expression is largely determined by the strength of the women’s bodies that dominate the compositional space. The woman, who is lying down completely, is distracted by the light emanating from her tablet; the other girl, sitting on her knees with one leg supporting the head of the first one, looks back at the viewer in a form of invitation, or simply, with a sense of bonding that becomes more noticeable when we realize it, two of their hands, are intertwined evoking the possibility that their bond goes beyond friendship.
The light of the screen and the environment creates strong shadows that are projected in the environment, a game of urban-technological color lighting - the warmth of neon mixed with the cold light of the led screen.
Francisco Galárraga CarrilloLibertad (bailar)
Látex sobre lienzo 2022 Galo Mosquera Mora Girón, provincia del Azuay, 1988
Oh, once again I am a child I let it all go (go)
Of everything that I know And nothing hurts anymore, I feel kinda free.
We’re still the kids we used to be I put my hand on the stove, to see if I still bleed Yeah, and nothing hurts anymore, I feel kinda free.
“Ghost Town”, Kanye West
Según datos de El Comercio, el 2021 se cerró con el doble de homicidios que el 2020 –2.646 hasta el 30 de diciembre– sólo en enero del 2022 hubo 122 crímenes. La pintura “Libertad (bailar)” sin el recurso de la metáfora crea un momento utópico relacionado con la situación actual que vivimos en Ecuador, la relación con la naturaleza, explotación, inseguridad; un fotograma donde la comunión necesaria se expresa mediante el acto libertador de bailar.
*Edición del 7 de febrero 2022.
Oh, once again I am a child I let it all go (go) Of everything that I know And nothing hurts anymore, I feel kinda free.
We’re still the kids we used to be I put my hand on the stove, to see if I still bleed Yeah, and nothing hurts anymore, I feel kinda free.
“Ghost Town”, Kanye West
According to data from El Comercio, 2021 closed with twice as many homicides as 2020 - 2,646 until December 30 - only in January 2022 there were 122 crimes. The painting “Libertad (bailar)” without the use of metaphor creates a utopian moment related to the current situation we live in Ecuador, the relationship with nature, exploitation, insecurity; a frame where the necessary communion is expressed through the liberating act of dancing.
*Edition of February 7, 2022.
Galo
Mosquera Mora
Monumento al progreso - la inutibilidad del objeto
Acrílico sobre lienzo 2022
Nikita Félix Galarza Guayaquil, 1993
La obra Monumento al progreso - la inutibilidad del objeto, deviene de reflexiones sobre una cotidianidad influenciada por estructuras jerárquicas que predominan durante el proceso de construcción y formación del individuo.
A través de paisajes en los que prima una cromática contrastante, busco remitir a las estructuras antinaturales que constituyen un orden amoldado a políticas establecidas desde perspectivas que realzan el privilegio de la existencia humana sobre la existencia de objetos no humanos; en este caso, la naturaleza.
Siendo así, esta propuesta influenciada bajo una mirada ontológica orientada a objetos, busca crear un diálogo que, desde lo visual, plantea un imaginario casi onírico que busca representar el efecto destructivo de estas construcciones que se apropian del entorno.
The work Monumento al progreso, la inutibilidad del objeto, becomes from reflections on daily life, influenced by hierarchical structures that predominate during the process of construction and training of individual.
Through landscapes in which contrasting colors are predominant, I try to evoque the unnatural structures that build an order adjusted to established politics, from perspectives that highlight privileges of human existence over the existence of non-human objects, in this case, Nature.
Being like this, my proposal, influenced by an ontological look, searches for the possibility of creating a dialogue from the visual field, that formulates an almost oneiric imaginary trying to represent the destructive effect of these constructions taking over the surroundings.
Nikita Félix GalarzaSecuencia Random/(Cuando el don del habla ha fallado)
Mixta: acrílico, grafito, plastilina y silicón sobre lona y cartulina 2022
Emilio Seraquive Valarezo Loja, 1981
Secuencia Random (Cuando el don del habla ha fallado) es un ejercicio visual planteado desde el recurso pictórico, retomando como referente las gráficas y fotogramas de la serie y videojuego Rabbit Invasion, ambientada en un mundo ficticio y distópico, en donde se identifica una misteriosa raza de criaturas parecidas a los conejos que causan estragos y desorden. La propuesta hace referencia al trato de una sociedad autoritaria y dominada por los mass-media, en donde se evidencia la falta de comunicación interpersonal y el fallo de la palabra como una forma de poder, mudando la vida del ser humano hacia un futuro incierto.
Ambientada dentro del género del cartoon, la obra proyecta imágenes sarcásticas que cuestionan y reflejan una sociedad contemporánea subyugada por la tecnología, en la cual se evidencia una serie de actitudes y conductas absurdas propias del comic, pero que tienen una cercana relación con este estado del tiempo, asociando estas escenas fuera de lo común que suceden en este espacio simulado, donde se construyó un sketch violento con algunos personajes animados que, de alguna forma, les encuentro un parentesco con ciertas conductas del ser humano en la vida real (estrés, miedo, conductas agresivas, asesinatos, etc.).
Coligado a todo esto, se articula de una forma sardónica, la visibilización de un comportamiento humano con niveles de violencia, con altos índices delincuenciales, que atraviesa la sociedad ecuatoriana y son noticia del diario vivir. Todo esto encaja en un imaginario certero y punzante para desarrollar un discurso sensorial cromático y grotesco que pone en tela de duda el bienestar común de cada individuo de esta colectividad.
“Secuencia Random (When the gift of speaking has failed), is a visual excercise formulated from the field of painting, retaking as a reference the graphics and frames of the serie and videogame Rabbit Invasion, set up on a fictitious and dystopic world, where a mysterious race of creatures resembling rabbits, create chaos by messing up the order of things and causing havoc. The proposal refers to the way an authoritarian society, dominated by the mass-media, deal with the lack of interpersonal comunication skills and the failure of words as a way of power that lead human life to a mutation where human future is uncertain.
Placed within the gender of cartoon, my artwork projects images full of sarcasm that questions the contemporary society subdued by technology, in which we can find a series of behaviors propers of characters from comics, but having a close relationship with the situation in this time we live in. I vinculate these uncommon scenes happening in this simulated space, where some animated characters have been built starting from violent sketches, with behaviors we find in real life. Somehow, I see similarity with certain human behavior and emotions (Stress, fear, aggressiveness, murderous behavior, etc.)
Colligated to all this, is aticulated in a sardonic way the visibiization of human behavior with levels of violence, with high criminal rates that goes through ecuadorian society and are the daily life news. All this fits in an accurate and sharp imaginary that triggers a sensorial speech, chromatich and grotesque that casts doubt the common wellbeing of every individual in our society.
Emilio Seraquive Valarezo
Panorámica Internacional de Grabado International Panoramic Printmaking Exhibition
Colección de obra gráfica Cueva, Casa de Autor Cueva, Casa de Autor Graphic Art Collection Tumbaco, Ecuador.
Artistas expositores: Featured artists: Oswaldo Guayasamín, Oswaldo Viteri, Oswaldo Moreno, Bruno Palialonga, Pablo Picasso, Jaime Naranjo, Ronald Paris, Munera, Nelson Román, Roberto Calle, Carlos Rosero, Wilson Paccha, Mónica Alomía, Mauricio Jácome Periguenza, Antonio Roda, Gerard Bancal, Giangrandi, Jorge Espinosa, Vladimir Trejo, Xavier Tufiño, Paula Barragán, Patricio Vélez, Lucy Tejada, Marcelo Aguirre, Nicolás Svistoonoff, Pilar Flores, Joan Miró, Enrique Madrid, Daniela Solórzano, Susana Panches, Gabriel Garcia Karolys, Hernán Cueva, Hernán Zúñiga, Fauver, Jaime Zapata, Danilo Zamora, Carlos Víver, Carlos Revelo, Luigi Stornaiolo, Jaime Andrade, Miguel Varea, María Paz Jaramillo, Washington Iza, Wilfrido Acosta, Karlomán Villota, Santiago Fernández, Estuardo Maldonado, Ramiro Jácome, Enrique Tábara, José Luis Cuevas.
Cocuraduría: Hernán Cueva Velásquez y Enrique Madrid
El grabado como técnica de original múltiple surge en la cultura occidental en el Quattrocento en Italia, como un descubrimiento de una rama del arte aplicado a la orfebrería, con la “talla dulce”, grabado directamente sobre el cobre, mediante la utilización de buriles, puntas, rascadores, bruñidores. Esta innovación es recogida por los grandes artistas, pintores, dibujantes, escultores, arquitectos y aplicada su técnica para la ilustración de imágenes ligadas al mundo religioso en la reproducción de estampas de vírgenes, santos y relatos bíblicos. Así también, enriquece los textos literarios con la aparición de la imprenta de Gutemberg, que permite la elaboración de textos acompañados de imágenes xilográficas y posteriormente imágenes calcográficas derivadas del aguafuerte, aguatinta, barniz blando, dando continuidad en el tiempo con la reproducción múltiple a partir de nuevas técnicas como la litografía, y la serigrafía.
La ciencia y el arte han ido históricamente de la mano, en la confección de textos científicos que muestran imágenes gráficas correspondientes a las diferentes áreas del saber humano, ya sea en la medicina, la anatomía, la cartografía, las ciencias naturales, la botánica, o en la representación del paisaje y la construcción narrativa del “Otro”. De esta manera, el grabado se constituye en un vínculo de expresión y comunicación; de interrelación cultural universal, enriqueciendo el pensamiento en diferentes épocas. En el mundo del grabado hay varias alternativas técnicas; muchas maneras de hacer. El grabado calcográfico, por ejemplo, es una técnica de impresión en el que las imágenes son resultado de la estampación, mediante una prensa o tórculo, de una plancha o lámina metálica en la que se han realizado incisiones para contener la tinta que se fijará al papel. Una vez obtenida dicha matriz, puede repetirse la operación un número más o menos determinado de veces mientras no se gaste la plancha.
Printmaking as a technique of multiple originals arises in the western culture in the Quattrocento in Italy, as a discovery of a branch of the art applied to the goldsmith, with the “sweet carving”, engraving directly on the copper, by means of the use of burins, and points. This innovation was taken up by the great artists, painters, draftsmen, sculptors, architects and applied for the illustration of images linked to the religious world by reproducing images of virgins, saints, and biblical stories. It also enriched literary texts with the appearance of Gutenberg’s printing press, which allows the elaboration of texts accompanied by woodblock printing images and later intaglio images derived from etching, aquatint, soft varnish. Therefore this become an important technique to give continuity in time with multiple reproduction from new techniques such as lithography and serigraphy.
Science and art have historically gone hand in hand, in the making of scientific texts that show graphic images corresponding to the different areas of human knowledge, whether in medicine, anatomy, cartography, natural sciences, botany, or in the representation of the landscape and the narrative construction of the “Other”. In this way, printmaking becomes a link of expression and communication, of universal cultural interrelation, deepening thought in different epochs. In the world of printmaking there are several technical alternatives, many ways of doing. Chalcographic etching, for example, is a printing technique in which the images are the result of the stamping, by means of a press, of a metal plate or sheet in which incisions have been made to contain the ink that will be fixed on the paper. Once the matrix is obtained, the operation can be repeated a determined number of times as long as the plate is not used up.
El grabado calcográfico es un oficio manejado actualmente dentro del dominio de las artes visuales, su producto es la estampa o imagen impresa seriada con procesos técnicos de larga tradición. En diversas culturas encontramos que el grabado tuvo un gran impacto en la conservación de una cultura visual y en la elaboración del libro impreso, incluso mucho antes del siglo XV. Gran parte de las referencias visuales e ideas de otras épocas que conocemos en nuestros días, han sido transmitidas y preservadas gracias al grabado.
Las improntas y huellas indelebles de culturas ancestrales nos han llegado a través del tiempo en forma de sellos en nuestra cultura precolombina y civilizaciones antiguas de Europa y Asia. Tenemos un gran bagaje de grabados que nos ilustra como era el mundo; de este bagaje también nos hemos alimentado para configurar nuestra idea de realidad sobre el pasado. En este sentido, el grabado tiene mucho de testimonio, de memoria, y, por lo tanto, de representación. La condición de original múltiple confiere al grabado una característica democratizadora que impacta directamente en la circulación y difusión de la imagen artística en la comunidad, y pone en entredicho la condición aurática de exclusividad de la obra de arte única.
El préstamo y exhibición de parte importante de la colección internacional de grabados de Cueva, Casa de Autor, acá en la ciudad de Machala, es una gentileza del maestro Hernán Cueva Velásquez, uno de nuestros insignes artistas grabadores del país, constituye un evento sin precedentes para nuestro medio en cuanto a gráfica se refiere. Especialmente por la trascendencia, variedad temática y técnica de los expositores y el cuerpo de obra expuesta, que constituye mayormente un testimonio de un tramo importante de producción del arte moderno.
Chalcographic etching is a craft currently handled within the domain of visual arts, its product is the stamp or serial printed image with technical processes of long tradition. In several cultures we find that engraving had a great impact in the preservation of a visual culture and in the elaboration of the printed book, even long before the 15th century. Many of the visual references and ideas of other eras that we know today have been transmitted and preserved thanks to printmaking.
The indelible imprints and traces of ancestral cultures have reached us through time in the form of stamps in our pre-Columbian culture and ancient civilizations of Europe and Asia. We have a wealth of engravings that illustrate what the world was like; we have also fed on this wealth to shape our idea of reality about the past. In this sense, the engraving has much of testimony, of memory, and, therefore, of representation. The condition of multiple originals confers on printmaking a democratizing characteristic that has a direct impact on the circulation and dissemination of the artistic image in the community, and calls into question the auratic condition of exclusivity of the unique work of art.
The loan and exhibition of an important part of the international collection of printmakings of Cueva, Casa de Autor, here in the city of Machala, is a courtesy of the master Hernán Cueva Velásquez, one of our country’s distinguished engraving artists, and constitutes an unprecedented event for our city in terms of graphics. Especially for the transcendence, thematic and technical variety of the exhibitors and the body of work on display, which is mostly testimony of an important stretch of production of modern art.
Uno de los objetivos centrales de abrir al público esta colección en la ciudad de Machala, un medio en donde el grabado no es parte de una tradición artística, es generar el deleite por el grabado y cultivar un gusto por sus procedimientos; saber de qué manera fue hecho, qué técnicas se aplicaron para la elaboración del mismo; qué funciones cumple la estampa en la sociedad, y así generar opiniones que vengan tanto de la observación como de la admiración por el arte del grabado. Es nuestro interés incidir en la práctica y producción de estampas a través de talleres en nuestro país, especialmente en la ciudad de Machala, en donde se expone esta colección por primera vez al público y desde donde empieza un periplo por diversas ciudades a nivel nacional e internacional.
Hernán Cueva Velásquez Enrique MadridCuradores de la muestra
One of the main objectives of opening this collection to the public in the city of Machala, an environment where printmaking is not part of an artistic tradition, is to generate delight for printmaking and cultivate a taste for its procedures; to know how it was made, what techniques were applied for its elaboration; what functions printmaking fulfills in society, and thus generate opinions that come both from observation and admiration for the art of printmaking. It is our interest to influence the practice and production of engraving through workshops in our country, especially in the city of Machala, where this collection is exhibited for the first time to the public and from where it begins a journey through various cities nationally and internationally.
Hernán Cueva Velásquez Enrique MadridCurators of the exhibition
Gonzalo Endara Crow
Paisaje Urbano Técnica: Xilografía 36.5 x 54 cm.
Ecuatoriano
Patricio Vélez
Paisaje tropical 1996 Técnica: Aguafuerte 15 x 20 cm. Ecuatoriano
Miguel Varea
Tres personajes y nube Social Técnica: Aguafuerte 27 x 17 cm. Ecuatoriano
Jaime Zapata
París Social 1984 Técnica: Aguafuerte 23,5 x 29 cm. Ecuatoriano
Joan Miró
Abstracto Técnica: Litografía 27 x 33 cm. Español
Kurt Muller
Símbolos 1977 Técnica: Aguatinta 24,5 x 32 cm. Alemán
Washington Iza
Cochasquí Ritual Técnica: Aguafuerte / aguatinta 1985 31 x 39,5 cm. Ecuatoriano
Paula Barragán
Los tres Naturaleza muerta Técnica: Aguatinta 20 x 20 cm.
Ecuatoriana
Kurt Muller
Constructivista Técnica: Aguatinta 1980 25 x 32 cm.
Alemán
Marcelo Aguirre
Figura humana Técnica: Aguafuerte 1986 23,5 x 29 cm. Ecuatoriano
Gerard Bancal
L’ Entrée De Carigas Paisaje Técnica: Aguafuerte 1987 24 x 33 cm. Francés
Pablo Picasso
Personajes Técnica: Serigrafía 60 x 46 cm. Español
Giangrandi
Obertura de Samba Intimista Técnica: Barniz blando 1990
50 x 37 cm. Ítalo colombiano
Bruno Paglialonga
Abstracto Técnica: Aguafuerte 1981 41 x 27 cm. Italiano
Nelson Román
Figuración Técnica: Aguafuerte 50 x 39 cm. Ecuatoriano
Ronald Paris
In Memorian P P Passolini Social Técnica: Litografía 1981 60 x 47 cm. Alemán
Oswaldo Viteri
Abstracto Técnica: Serigrafía 50 x 70 cm. Ecuatoriano
Gabriel García
La Cantera Social Técnica: Xilografía 1987 45 x 50 cm. Ecuatoriano
Leonilda Gonzáles
Novias IV Social Técnica: Xilografía 75,5 x 60 cm.
Uruguaya
Oswaldo Guayasamín
Personaje Técnica: Punta seca 27 x 24 cm. Ecuatoriano
Nicolás Svistoonoff
Penúltimo Piso Social Técnica: Aguafuerte 28,5 x 35 cm.
Chino - ruso
José Antonio Roda
Flora - 1 1983 Naturaleza Técnica: Aguatinta / aguafuerte 64 x 79 cm. Colombiana
José Luis Cuevas
Homenaje a Allende 2008 Técnica: Aguafuerte / aguatinta 29,5 x 59 cm. Mexicano
Luigi Stornaiolo
Pareja desnudo 2008 Técnica: Serigrafía 72 x 50 cm. Ecuatoriana
Enrique Madrid
Paisaje 1992
Técnica: Aguafuerte 30 x 40 cm. Ecuatoriana
Hernán Cueva
Alas del deseo Desnudo 1992
Técnica: Punta Seca 58 x 114 cm. Ecuatoriana
El curso Detrás del movimiento, de la artista argentina Eugenia Calvo con la asistencia especializada de Cecilia Lenardón, esta direccionado a potencializar la creatividad en los lenguajes artísticos enfatizando en la conexión sensorial entre cuerpo, espacio y movimiento. Durante tres intensos días, creadores de la Provincia de El Oro de diferentes ramas de las artes como el teatro, la música, la literatura y las artes visuales, se dieron cita en este taller de carácter multidisciplinar. En la foto, Pamela Betancourt N., teatrista y emprendedora cultural local, atendiendo uno de los impresionantes ejercicios durante el taller.
Detrás del Movimiento Behind the movement
Taller de Arte Contemporáneo de Eugenia Calvo Eugenia Calvo Contemporary Art Workshop
Con la asistencia especializada de Cecilia Lenardón. With the specialized assistance of Cecilia Lenardón.
Eugenia Calvo
Personaje Invitado Especial a la Décimo Primera Edición, 2022
Rosario, Argentina. 1976
Participó de las Residencias Gasworks, Londres, Galería DPM en Guayaquil y fue seleccionada para realizar una residencia en Camargo Foundation, Francia. Recibió becas del Fondo Nacional de las Artes; Lipac, Centro Cultural Rojas; Nuevo Banco de Santa Fé; Beca de viaje Oxenford para investigación de campo (París) y Pollock Krasner Foundation.
Entre otros reconocimientos obtuvo Premio Konex al mérito (2022); Salón Nacional Palais de Glacé, Buenos Aires (2003,2019, 2021), Premio 8M (2021); Finalista del Premio EFG Bank Artnexus Latin America (2015); Segundo Premio Fundación Andreani (2015); Mención especial en la Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador, donde representó a la Argentina (2011); CIFO Grants and Commission Program to Emerging Contemporary Artists from Latin America (2010); Mención en Salón Federico Klemm (2007); Primer Premio arteBA Petrobrás (2006); Premios y Menciones en el Salón Nacional Rosario (1998/2005). Participó de exhibiciones individuales y colectivas, entre 2012 y 2022 se destacan: Dormir Vestida, Fundación Fortabat, Buenos Aires (2022); Espacios inesperados, Bienalsur, Casa Argentina en Roma (2021); Adentro no hay más que una morada, Museo de arte Moderno, Buenos Aires (2021); De confines y confinamientos, Muestra virtual Bienal de
Special Guest Character. Eleventh Edition, 2022
Rosario, Argentina. 1976.
She was part of several art residencies, such as Gasswork, Londres; Galería DPM. Guayaquil, Ecuador and Camargo Foundation , France. She received scholarships from the National Endowment for the Arts; Lipac, Rojas Cultural Center; New Bank of Santa Fe; Oxenford Travel Grant for Field Research (Paris) and Pollock Krasner Foundation.
Among other recognitions, she received the Konex Award for Merit (2022); Palais de Glacé National Exhibition, Buenos Aires (2003,2019, 2021), 8M Award (2021); EFG Bank Artnexus Latin America Award Finalist (2015); Second Prize Andreani Foundation (2015); Special mention at the International Biennial of Cuenca, Ecuador, where she represented Argentina (2011); CIFO Grants and Commission Program to Emerging Contemporary Artists from Latin America (2010); Mention in Salón Federico Klemm (2007); First Prize arteBA Petrobras (2006); Awards and Mentions at the Rosario National Exhibition (1998/2005).
Fuga
Instalación sitio específico Hierro, espejo y armario
7 x 16 metros aprox. Eugenia Calvo, 2016
Cuenca, Cuenca (2020); El inicio del movimiento, Intervención en la casa del arquitecto Hilarión Hernández Larguía (con el apoyo de Pollock Krasner Foundation), Rosario (2019); Lunds konsthall Ute – Videokonst från Argentina, Suecia (2017); Desarme, Fundación F. Klemm, Buenos Aires, Argentina (2017); La mirada en el límite, Fundación Klemm, Buenos Aires (2017); El dominio del mundo, Instituto Di Tella, Buenos Aires (2017); Argentina Plataforma Arco 2017/ Sede: Pantalla de Callao, Madrid (2017); Consternaciones / Constelaciones, Casa Fernandini, Lima (2016); My Buenos Aires, La Maison Rouge, París; Hacer con lo hecho, Museo de Arte Moderno de Cuenca (2015) Collection Josephh Kouli, Collector Studio, Paris (2015); Segundo piso por escalera, Fundación Proa, Buenos Aires (2014); Performatón, el objeto, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires (2014); Doble Fondo, Centro Cultural Haroldo Conti, Buenos Aires (2014); Soberanía de Uso, Fundación OSDE, Buenos Aires (2014); Raw material, Centre Pompidou, París (2013); Collective Fiction, Palais de Tokio, París (2013); Premio Braque UNTREF, Buenos Aires (2013); Últimas tendencias II, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, The Wave, MOLAA, Los Ángeles (2012).
Trabajó en diferentes experiencias pedagógicas; dictó clases en la Cátedra de Graciela Carnevale en el Taller de Pintura I (4º año de la Escuela de Bellas Artes. UNR); coordinó el Área de Educación del Museo Macro (Museo de Arte Contemporáneo de Rosario) llevando adelante proyectos como Curador Polimodal (2005-2007); coordinó el Área de Residencias y otros Programas en la misma institución, trabajando en proyectos como Un día y Puente Colgante (2007-2017). Actualmente es docente del proyecto para artistas Escuela Prestada que se realiza en la Escuela Municipal de Artes Plásticas Manuel Musto de Rosario. Junto con el equipo del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro) curó la muestra Ejercicios. Formación, aprendizaje e intercambios en el arte contemporáneo (2017); Mínimo teatral (Junto a Irina Garbatzky y Fernanda Pinta. 2017) y ¿Quiénes somos? (2019).
She participated in individual and collective exhibitions, between 2012 and 2022 they stand out Sleep Dressed, Fortabat Foundation, Buenos Aires (2022); Unexpected spaces, Bienalsur, Casa Argentina in Rome (2021); There is only one dwelling inside, Museum of Modern Art, Buenos Aires (2021); Of confines and confinements, Virtual Biennial Exhibition of Cuenca, Cuenca (2020); The beginning of the movement, Intervention in the house of the architect Hilarión Hernández Larguía (with the support of the Pollock Krasner Foundation), Rosario (2019); Lunds konsthall Ute – Videokonst från Argentina, Sweden (2017); Disarmament, F. Klemm Foundation, Buenos Aires, Argentina (2017); The look at the limit, Klemm Foundation, Buenos Aires (2017) ; The domain of the world, Instituto Di Tella, Buenos Aires (2017); Argentina Arco Platform 2017/ Venue: Callao Screen, Madrid (2017); Consternations / Constellations, Casa Fernandini, Lima (2016); My Buenos Aires, La Maison Rouge, Paris; Do with what is done, Museum of Modern Art of Cuenca (2015) Collection Josephh Kouli, Collector Studio, Paris (2015); Second floor by stairs, Fundación Proa, Buenos Aires (2014); Performatón, the object, Museum of Modern Art, Buenos Aires (2014); Double Fund, Haroldo Conti Cultural Center, Buenos Aires (2014); Sovereignty of Use, OSDE Foundation, Buenos Aires (2014); Raw material, Center Pompidou, Paris (2013); Collective Fiction, Palais de Tokyo, Paris (2013); Braque UNTREF Award, Buenos Aires (2013); Latest Trends II, Museum of Modern Art of Buenos Aires, The Wave, MOLAA, Los Angeles (2012).
She worked in different pedagogical experiences; taught at the Graciela Carnevale Chair in the Painting Workshop I (4th year of the School of Fine Arts. UNR); coordinated the Education Area of the macro Museum (Museum of Contemporary Art of Rosario) carrying out projects such as Polimodal Curator (2005-2007); coordinated the Residencies Area and other Programs at the same Institution, working on projects such as Un día and Hanging Bridge (2007-2017). She is currently a teacher of the Borrowed School Project for artists that is carried out at the Manuel Musto Municipal School of Plastic Arts in Rosario. Together with the team from the Museum of Contemporary Art of Rosario (macro) she curated the show Exercises. Training, learning and exchanges in contemporary art (2017); Theatrical minimum (Together with Irina Garbatzky and Fernanda Pinta. 2017) and Who are we? (2019).
Este taller empieza por lo más primario: Una mano, un pulso, un trazo.
A través de ejercicios precisos e inusuales, que tienen como protagonista el carácter vital y propio del gesto, se despliegan consignas que trabajan con el cuerpo como motor y materia.
Una experiencia que deja de lado por un rato la propia obra y vuelve a ella de manera tangencial.
Salir y volver, salir y volver, salir y volver.
Aceitar ese mecanismo para despertar el movimiento. Porque cuando uno se mueve también lo hacen las ideas.
Un modo de promover la aparición de las preguntas acerca de las motivaciones y los enlaces singulares que mantenemos con nuestro trabajo.
This workshop begins with the most basic: A hand, a pulse, a stroke.
Through precise and unusual exercises, whose protagonist is the vital and distinctive character of gesture, work with the body as a motor and matter is prompted and displayed.
An experience that leaves the work itself aside for a while and returns to it tangentially.
Out and back, out and back, out and back.
Lubricate that mechanism to wake up the movement. Because when you move, so do your ideas.
A way to promote the emergence of questions about the motivations and unique links that we maintain with our work.
Programa de Curaduría Pedagógica Pedagogical Curatorial Program (Educational and community outreach program)
Diseño y coordinación general: Sara B. Madrid Design and general coordination: Sara B. Madrid Theater Arts & Teaching Artist, University of California, Los Ängeles. UCLA
Mediadora artística: Lilia García. Artistic mediator: Lilia García.
El Programa de Curaduría Pedagógica es el complemento educativo de las exposiciones del Salón Machala. Su estructura contempla una serie de componentes para, desde diversas disciplinas artísticas, acercar al público de la ciudad a las artes en cuanto a entenderlas, apreciarlas y vivirlas de una manera orgánica que tome en cuenta audiencia con diferente familiaridad con las artes. Para cumplir con esta visión, en esta edición se implementaron y modificaron diferentes componentes utilizados en la edición 2016. Antes y después de la inauguración del Salón, se realizó una serie de conferencias con todas las personalidades artísticas que visitaron en calidad de jurado e invitados. También se realizó un taller de 3 días con la invitada especial, Eugenia Calvo.
Para promover el trabajo artístico de los artistas orenses y compartir saberes con miembros de su comunidad, se convocó a los mini talleres, donde se escogieron ocho propuestas. Con el objeto de explorar la relación arte-artistacreación, parte del grupo artístico “El Telón” realizó un recorrido teatralizado donde de manera interactiva se jugó con el dramatismo y las artes visuales. El Cine Foro con el Colectivo CINEGAMIA, se indagó obras audiovisuales en relación con las temáticas de las obras y las mismas obras.
Como segunda parte de este programa, está el programa de mediación, en el cual consta en primer lugar las visitas mediadas y en segundo, la gira educativa. En las visitas guiadas se diseñó un recorrido y una actividad práctica dedicada a grupos como estudiantes y familias, también para público general. En la gira educativa se visitaron establecimientos educativos con actividades prácticas promocionando el Salón.
The Pedagogical Curatorial Program is the educational complement to the exhibitions of the Salon Machala. Its structure contemplates a series of components that, from different artistic disciplines, bring the spectator closer to the arts in terms of understanding, appreciation, and experience, exposing the audience to art languages considering their different levels of familiarity with art in an organic way. In order to fulfill this vision, different components used in the 2016 edition were implemented and modified in this edition. Before and after the opening of the exhibitions, a series of lectures were held with all the artistic personalities who visited the Salon as jurors and guests. A threeday workshop was also held with special guest, Eugenia Calvo.
For the purpose of promoting the artistic work of local artists, and share knowledge with members of their community, mini-workshops were held, for which eight proposals were chosen. As a mean to explore the relationship artartist-creation, part of the theatre company “El Telón” made a dramatized tour where they interactively played with various theatrical and visual arts elements. The Film Forum with CINEGAMIA Collective, explored films in relation to the themes of the works and the works themselves.
The second part of this program is the mediation program, which consisted firstly of the mediated visits and secondly of the educational tour. In the guided visits, a tour and a practical activity was designed for groups such as students and families, as well as for the general public. In the educational tour, educational establishments were visited with practical activities promoting the Salon.
Objetivos y propósito:
• Continuar un proceso activo de integración de la comunidad y el Salón por medio de una oferta estratégica de actividades.
• Aumentar la asistencia del público e interés por el Salón.
• Dar la oportunidad a la comunidad de crear una experiencia estética con su realidad que afirme su sentido de pertenencia, identidad e inclusión comunitaria a través de los mini-talleres y el uso de múltiples actividades en la estación creativa.
• Fomentar un diálogo abierto en la comunidad artística a través de actividades que induzcan al desarrollo del pensamiento crítico y apreciación del arte desde lo familiar a través del cine-foro, recorrido teatralizado, actividades en la estación creativa y mini talleres.
• Establecer una conexión entre arte y educación a través de una gira educativa y una guía de actividades para colegios y escuelas.
Objectives and purpose:
• To continue an active process of integration of the community and the Salon through a strategic offer of activities.
• To increase public attendance and interest in the Salon.
• To give the community the opportunity to create an aesthetic experience with their reality that affirms their sense of belonging, identity and community inclusion through the mini-workshops and the use of multiple activities in the creative station.
• Encourage an open dialogue in the artistic community through activities that induce the development of critical thinking and appreciation of art from what is familiar to the audience through the film forum, theatrical tour, activities at the creative station and mini-workshops.
• Establish a connection between art and education through an educational tour and a guide of activities for schools.
Awarding
Tema:
Lugar:
Conferencia Magistral: Master Lecture
Hernán Cueva nació en Quito en 1957. Recibió su formación técnica en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Central y la complementó con la especialización en grabado calcográfico en Italia y Francia (1983-1984). Ha realizado exposiciones individuales en su país natal, en Italia, Francia, Perú, Suiza y Austria, además de participar en numerosas exposiciones colectivas. Entre los galardones que ha obtenido destacan los Primeros Premios en Salón de Grabado Municipio de Quito (1983), XXVI Salón Nacional de Grabado (Guayaquil 1984), Premio Nacional de Grabado Municipio de Quito (1989), Salón Nacional de Escultura y Grabado, Casa de la Cultura (Quito 1990) y Segundo premio para extranjeros en la V Bienal Internacional de Grabado en Barna (Bulgaria 1989). Hernán Cueva es Miembro de la Asociación Internacional de Grabadores (Roma). Fundó y dirige el Taller de Grabado “Signo Gráfico” de Quito. Su obra se caracteriza por una enorme libertad expresiva y por la utilización de técnicas experimentales; así, combina soportes varios como metal, madera e incluso otros materiales como el plexiglass, sustituyendo a las tradicionales planchas de zinc. Su producción lleva la impronta de Miró (formas biomórficas y orgánicas) y de Lam (sentido metamórfico). Desde 1988 centra su trabajo en la pareja humana, con una carga erótica imaginativa, que luego enriquecerá con elementos decorativos de la vegetación.
1975-1980 Licenciado en Artes, Mención en Pintura y Grabado, Facultad de Artes, Quito Universidad Central del Ecuador. 2016 Magister en Estudios del Arte, Universidad Central del Ecuador.
1983-1985 Becario en Grabado Calcográfico en la Accademia di Bell’ Arti “Pietro Vannucci”, Perugia – Italia. Pasantía en el Lavoratorio d’ Incizione de María Elena Scavizzi, Gubbio-Italia. Pasantía en el Atelier du Gravure “Gerard Bancal”, Foix-Francia. Ha realizado exposiciones individuales en múltiples ciudades del país, con una actividad intensa de productor artistico y docente. Y en Suiza, Perú, Colombia, Japón, Argentina, Chile, España, México, Cuba, Estados Unidos, Alemania, Austria, Bolivia, Italia, Brasil, Alemania.
Premios
2016 Mención Especial Universidad Central del Ecuador, modalidad Artes Plásticas y Arquitectura.
2015 Primer Premio Universidad Central del Ecuador, modalidad Artes Plásticas y Arquitectura.
2001 Segundo Premio, Salón Nacional del Municipio, Quito-Ecuador.
Hernán Cueva was born in Quito in 1957. He attended the Fine Art School at the Universidad Central del Ecuador, Quito and was granted with a scholarship to study Engraving in Italy and France (1983-1984). His artwork has been featured in several one-person shows in Ecuador, his home country and many other countries such as Italy, France, Peru, Switzerland, Austria, Colombia, Mexico, besides group shows around the world. Among many art prizes and acknowledgments he has won, you can count on the first prizes on printmaking granted by the Quito City Hall (1983), the XXVI National Print making Salon (Guayaquil, 1984), the National Prize on Printmaking, Quito (1989), the National Salon on Sculpture and Printmaking, Casa de la Cultura Quito (1990), and the Second Prize for Foreign Artists at the V International Printmaking Biennial in Barna (Bulgary, 1989). Hernán Cueva is a member of the International Asociation of Printmakers based in Rome. Cueva is the founder and Director of Signo Grafico, a permanent printmaking workshop in Quito. His artwork has enormous expressive freedom and experimental techniques that combine different kinds of printing plates such as metal, wood, and even plastic, substituting the traditional zinc plate. His work carries the influence of Joan Miró (biomorphic and organic shapes) and Wifredo Lam (metamorphic sense). Since 1988, his creativity has been focused on human couples, giving them an imaginative, erotic load that is enriched with decorative elements from vegetation.
1975-1980 Bachelor of Arts, Mention in Painting and Engraving, Faculty of Arts, Quito Central University of Ecuador. 2016 Master in Art Studies, Central University of Ecuador.
1983-1985 Scholar in Intaglio Engraving at the Accademia di Bell’ Arti “Pietro Vannucci”, Perugia – Italy. Internship at the Laboratory of Incizione of María Elena Scavizzi, GubbioItaly. Internship at the Atelier du Gravure “Gerard Bancal”, Foix-France. He has held individual exhibitions in many cities of the country, with an intense activity as an artistic producer and teacher in Switzerland, Peru, Colombia, Japan, Argentina, Chile, Spain, Mexico, Cuba, United States, Germany, Austria, Bolivia, Italy, Brazil and Germany.
Prizes
2016 Special Mention Central University of Ecuador, modality Fine Arts and Architecture.
1990 Primer Premio Salón Nacional de Escultura y Grabado, Casa de la Cultura Quito – Ecuador.
1989 Primer Premio, Salón Nacional de Grabado, Municipio de Quito– Ecuador.
Segundo Premio, V Bienal Internacional de Grabado, Varna´89- Bulgaria.
Primer Premio Nacional en Grabado, Salón de Octubre, Guayaquil– Ecuador. 1985
Primer Premio Nacional en Grabado, Salón de Octubre, Guayaquil– Ecuador.
Segundo Premio Nacional en Grabado, Salón Asociación Humboldt, QuitoEcuador.
Segunda Mención, I Exposición Latinoamericana de Grabado, Casa de la Cultura. Quito-Ecuador.
Segundo Premio Nacional de Grabado, Salón Municipio de Quito. Tercer Premio Nacional en Tempera, Salón Municipio de Quito – Ecuador.
1984 Mención Especial, “Exlibris Città di Cortona”, Italia.
Segundo Premio Nacional en Grabado, Municipio de Quito.
1983 Primer Premio Nacional de Grabado, Salón Municipio de Quito.
Distinciones
2017 Coordinador de la Primera Bienal de la Pequeña Estampa RIAA Universidades de Latinoamérica.
Miembro del Jurado de admisión y premiación Primera Bienal “Pequeña Estampa” de Universidades de Latinoamérica RIAA.
2010 - 2017 Coordinador del Área de Grabado.
2008 - 2010 Presidente de la Fundación Estampería Quiteña. Quito – Ecuador.
2010 Jurado “Residencias en México”, Embajada de México, Quito – Ecuador.
Jurado “Fondos Concursables” Ministerio de Cultura del Ecuador, Quito.
2009 Jurado “Fondos Concursables” Ministerio de Cultura del Ecuador, Quito. Jurado “Terminemos el Cuento” Unión Latina, Quito – Ecuador.
2009 Invitado especial “II Encuentro Latinoamericano de Grabadores”. La Serena – Chile. Miembro del “Colectivo Cienfuegos”, Quito – Ecuador.
2008 Jurado “Cuentos Infantiles del Ferrocarril” Ministerio de Cultura del Ecuador”
2007 Jurado “Premio Coloma Silva” Universidad central del Ecuador, Quito.
1994 Crea el Taller SUHR, Tumbaco – Ecuador.
1989 Miembro de la Sección Académica de Artes Plásticas, Casa de la Cultura Ecuatoriana, Quito.
1987 Huésped de honor, Trienal de Grabado, Inter-Grafik’87, invitado por la Unión de Artistas Alemanes, Berlín- RDA. Visita, Calcografía Nacional, Madrid-España. Visita, Calcografía Nacional, Roma–Italia. Intercambio de experiencias, Centro de Arte Gráfico Massana, Barcelona–España.
1985 Fundador, Taller Signo-Gráfico. Quito–Ecuador.
1984 Miembro de la Asociación de Grabadores, Roma-Italia. Ayudante de Cátedra d’ Íncizione, Accademia Pietro Vannucci, Perugia - Italia. Estadía y visita a la Trienal de Grabado Intergrafik 84 Visita Academia de bell Arte de Toulouse
1982 Fundador, Taller de Grabado “Unaypac”. Docencia 1988 – 2018
Entre otras múltiples actividades artisticas.
2015 First Prize Central University of Ecuador, modality Fine Arts and Architecture.
2001 Second Prize, Salón Nacional del Municipio, Quito-Ecuador.
1990 First Prize National Exhibition of Sculpture and Printmaking, Casa de la Cultura, Quito - Ecuador.
1989 First Prize, Salón Nacional de Grabado, Municipality of Quito –Ecuador. Second Prize, V International Printmaking Biennial, Varna’89- Bulgaria.
First National Prize in Printmaking, Salón de Octubre, Guayaquil – Ecuador.
1985 First National Prize in Printmaking, Salón de Octubre, Guayaquil –Ecuador.
Second National Prize in Printmaking, Salón Asociación Humboldt, QuitoEcuador.
Second Mention, I Latin American Printmaking Exhibition, Casa de la Cultura. Quito, Ecuador. Second National Printmaking Prize, Salón Municipio de Quito. Third National Prize in Tempera, Salón Municipio de Quito – Ecuador.
1984 Special Mention, “Exlibris Città di Cortona”, Italy. Second National Prize in Printmaking, Municipality of Quito.
1983 First National Printmaking Prize, Salón Municipio de Quito. Distinctions
2017 Coordinator of the First Biennial of the Small Print RIAA Latin American Universities.
Member of the Admission and Award Jury First Biennial “Small Print” of Latin American Universities RIAA 2010 - 2017 Coordinator of the Engraving Area. 2008 - 2010 President of the Estampería Quiteña Foundation. Quito, Ecuador.
2010 Jury “Residences in Mexico”, Embassy of Mexico, Quito – Ecuador.
Jury “Competitive Funds” Ministry of Culture of Ecuador, Quito.
2009 Jury “Competitive Funds” Ministry of Culture of Ecuador, Quito.
Jury “Let’s Finish the History” Latin Union, Quito - Ecuador.
2009 Special guest “II Latin American Printmakers Meeting”. La Serena –Chile. Member of the “Cienfuegos Collective”, Quito – Ecuador.
2008 Jury “Railway Children’s Stories” Ministry of Culture of Ecuador.
2007 Jury “Premio Coloma Silva”, Central University of Ecuador, Quito. 1994 He creates SUHR Workshop, Tumbaco - Ecuador.
1989 Member of the Academic Section of Plastic Arts, Casa de la Cultura Ecuatoriana, Quito.
1987 Guest of Honor at the Engraving Triennial, Inter-Grafik’87, invited by the Union of German Artists, Berlin-GDR. Visit, National Chalcography, Madrid Spain. Visit, National Chalcography, Rome-Italy. Exchange of experiences, Massana Graphic Art Center, Barcelona-Spain.
1985 Founder, Sign-Graphic Workshop. Quito–Ecuador.
1984 Member of the Association of Printmakers, Rome-Italy. Assistant to the Professorship d’ Íncizione, Accademia Pietro Vannucci, Perugia - Italy. Stay and visit to the Triennial of Printmaking Intergrafik 84. Visit Toulouse Academy of Bell Art.
1982 Founder, “Unaypac” Printmaking Workshop. Teaching 1988 – 2018
Among many other artistic activities.
Conferencia Magistral: Master Lecture
Tema:
Doctorante en Educación Superior, Master en Estudios de la Cultura con mención en Arte y Diseño, Master en Estudios Latinoamericanos con mención en Pensamiento Latinoamericano, Diplomado Superior en: “Diseño y evaluación de proyectos de investigación”, Diplomado en Crítica de Arte. Licenciado en Artes Visuales. Trabajó como profesor de pregrado en la Universidad de Cuenca y en la Universidad San Francisco de Quito, como profesor de posgrado en: Maestría en Gestión Cultural (UPS), Maestría en Comunicación (UNIANDES), Maestría en Estudios de la Cultura (UDA), Maestría en Estudios Latinoamericanos y profesor invitado de la Maestría en Artes (Universidad de Cuenca) de la cual fue además el Coordinador Académico y uno de sus mentores. Cátedras asignadas: Critica de arte, Historia de arte y filosofía del arte. Autor de: 30 libros sobre arte, critica de arte, teoría del arte y filosofía del arte, además de ser colaborador de 16 revistas especializadas en arte contemporáneo y un sinnúmero de artículos para catálogos individuales de artistas, así como escritos críticos para prensa. Director Académico del Congreso Internacional de Crítica, Teoría y Filosofía del Arte Contemporáneo y del Salón de Gráfica Contemporánea. Publicaciones traducidas al polaco, sueco, inglés y portugués.
Hernán Pacurucu
PhD candidate on Higher Education, Master degreee in Cultural Studies, mention in Art and Design; Master in Latin-American Studies with mention in Latin-American Thinking; Higher Diploma in: “Design and evaluation of research projects”, Higher Diploma in Art Criticism. Bachelor of Visual Arts. He worked as an undergraduate professor at: Universidad de Cuenca and at Universidad San Francisco de Quito, also as a postgraduate professor at: Master’s in Cultural Management (UPS), Master’s in Communication (UNIANDES), Master’s in Cultural Studies (UDA), Master’s in Latin American Studies and visiting professor of the Master of Arts (Universidad de Cuenca) of which he was also the Academic Coordinator and one of its mentors. Some of the assigned classes as a profesor have been: Art Criticism, Art History and Art Philosophy. Author of: 30 books on art, art criticism, art theory and art philosophy, as well as being a contributor to 16 magazines specializing in contemporary art and countless articles for individual artist catalogs, as well as critical writings for the press. Academic Director of the International Congress of Criticism, Theory and Philosophy of Contemporary Art and the Salon of Contemporary Graphics. Publications translated into Polish, Swedish, English and Portuguese.
Como curador ha trabajado en mas de 300 curadurías a nivel de museos y galerías del mundo, entre ellas Curador de la de la 1ra y 2da Feria AQ de Quito, del 1er, 2do y 3er Salón Internacional de Gráfica Contemporánea. Curador de bienales como: 22 Trienal de Gráfica Grenchen (Suiza), XI Bienal de Cuenca (Ecuador), Bienal Internacional de Video Arte y animación VEA (México), Curador adjunto del proyecto “Pandemia”, para la Bienal Sur (2021). I Bienal Nómade Gigantes y Derivas (Cuenca-Ecuador), BIM: Bienal de la Imagen en Movimiento (Buenos Aires-Argentina), II Bienal Nómade: Factores de Expulsión (Polonia), ECUAUIO I Bienal de Arte Visual Contemporáneo, III Bienal Nómade Polo Negro (Upsala-Suecia), XXI Bienal de Santa Cruz de la Sierra (Bolivia), VI Bienal Nómade: Capital Bruto (Santiago de Chile), V Bienal Nómade Diagnostico Terminal (Cuenca). Bienal Nómade: Pedacito de Cielo (Valdivia Chile), teórico de I Trienal de Performance Deformes (Santiago 2021), Bienal Nómade Capitulo Guayaquil (g 42°) Bienal Nómade: Burning up, Museo Castillo de Mata, Islas Canarias, Nómade En defensa propia, Brasil-Fortaleza, próximas bienales: Nómade Gdansk-Polonia 2023, Cuenca C 4+1, y Kosovo 2024.
Ha dictado ponencias, seminarios y ha elaborado proyectos curatoriales en universidades, centros culturales, galerías y museos como: Casa D´Alva (Fortaleza), Casa del Artista (Cuenca), Museo Castillo de Mata, ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria; Fundación Francis Naranjo (Islas Canarias), Casa Márquez (Cuenca), Presley Norton (Guayaquil), Universidad y Museo San Marcos MASM (Lima), ARCITEC (Perú), Galería N24 (Quito), Casa de las Posadas (Cuenca), Universidad los Andes de Cali (Colombia), Universidad Central del Ecuador (UCE Quito), Galería Sala Adentro (Cuenca), Universidad de las Artes (Guayaquil).
Universidad Austral de Chile UACH, MAC de Valdivia (Programa MAC en Tránsito) Galería del Centro de Extensión los Canelos (del departamento de Vinculación de la UACH), Galería de la Casa Central (Universidad Austral de Chile-Valdivia), Galería Replica (Valdivia), Sala Anexo MMAMM (Mendoza).
As a curator, he has worked in more than 300 curatorial projects at museums and galleries around the world, including Curator of the 1st and 2nd AQ Fair in Quito, the 1st, 2nd and 3rd International Exhibition of Contemporary Graphics. Curator of biennials such as: 22nd Grenchen Graphic Triennial (Switzerland), XI Cuenca Biennial (Ecuador), VEA International Video Art and Animation Biennial (Mexico), Associate Curator of the “Pandemia” project, for the South Biennial (2021). I Biennial Nomad Giants and Drifts (Cuenca-Ecuador), BIM: Biennial of the Moving Image (Buenos Aires-Argentina), II Biennial Nomad: Factors of Expulsion (Poland), ECUAUIO I Biennial of Contemporary Visual Art, III Biennial Nómade Polo Negro (Upsala-Sweden), XXI Biennial of Santa Cruz de la Sierra (Bolivia), VI Biennial Nómade: Gross Capital (Santiago, Chile), V Biennial Nomadic Terminal Diagnosis (Cuenca). Biennial Nómade: Pedacito de Cielo (Valdivia Chile), theoretician of the I Deformed Performance Triennial (Santiago 2021) Nómade Chapter Guayaquil (g 42°) Biennial Nómade: Burning up, Castillo de Mata Museum, Canary Islands, Nómade In self-defense, Brazil -Fortaleza, upcoming biennials: Nómade Gdansk-Polonia 2023, Cuenca C 4+1, and Kosovo 2024.
He has given talks, seminars and has developed curatorial projects in universities, cultural centers, galleries and museums such as: Casa D’Alva (Fortaleza), Casa del Artista (Cuenca), Castillo de Mata Museum, Las Palmas de Gran Canaria City Council; Francis Naranjo Foundation (Canary Islands), Casa Márquez (Cuenca), Presley Norton (Guayaquil), University and Museum San Marcos MASM (Lima), ARCITEC (Peru), Gallery N24 (Quito), Casa de las Posadas (Cuenca), University Los Andes de Cali (Colombia), Central University of Ecuador (UCE Quito), Sala Adentro Gallery (Cuenca), University of the Arts (Guayaquil).
Universidad Austral de Chile UACH, MAC de Valdivia (MAC in Transit Program) Los Canelos Extension Center Gallery (of the UACH Liaison Department) Gallery of the Central House (Universidad Austral de Chile-Valdivia), Replica Gallery (Valdivia), MMAMM Annex Room (Mendoza).
Nave Cultural, Parque Central, (Mendoza), Centro Cultural Paco Urondo (Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires), BIM -Bienal de Imagen en Movimiento- Centro de Arte Contemporáneo (Buenos Aires), Escuela de Artes Visuales (Victoria entre Ríos, Argentina), Espacio 0 (Santiago), Alianza Francesa de Buenos Aires, Centro Cultural Ayekantún (Rary Chile), Museo Nahím Isaías (Guayaquil), CAC Centro de Arte Contemporáneo de Quito. Centro cultural Köttinspektionen (Upssala, Suecia). Crítico invitado para el proyecto IMAGO MUNDI, Benetton (Italia) Kobro Gallery at Academy of Fine Arts in (Lodz in Polonia), Akademia Sztuk Pieknych, Jadite Galeries (Manhattan NY). Galería Proceso (Cuenca), Centro de Arte for Comtemporary Art Laznia in (Gdansk/ Polonia), Centro Pluricultural de arte Santa Cruz de la Sierra, (Bolivia) UNIANDES, UDA, Universidad de Cuenca, Universidad San Francisco de Quito. Universidad autónoma de Oaxaca, UNARTE de México, Universidad Técnica de Machala, Universidad Católica de Guayaquil (UCSG), Museo UPAEP, Universidad de Palermo, UBA (Buenos Aires), Universidad de Chile, UPAEP, MAM de Cuenca, UESS, Museo de Artes Visuales MAVI (Santiago), Museo de Arte Moderno MMAM (Mendoza), Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla, Centro Cultural de la PUCE (Universidad Católica de Quito), Casa Matony (La Paz), Universidad Técnica particular de Loja UTPL, Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi MAC (Brasil), Museo Pumapungo, Fototeca Juan Méndez (Puebla). MAAC de Guayaquil, MAC de Santiago, Universidad de Chile, Universidad de Viña del Mar, Universidad Playa Ancha, Universidad ARCIS, Museo Municipal de Guayaquil, MAC de Santa Cruz de la Sierra (Bolivia), Bienal Internacional de Cuenca y festivales como: Festival de Cinema de Douarnez, (Bretaña- Francia), Festival de Cine de Cuenca, Festival de cortos de la Escuela de Artes de Hamburgo (Alemania) entre otras.
Nave Cultural, Central Park, (Mendoza), Paco Urondo Cultural Center (Faculty of Philosophy and Letters of the University of Buenos Aires), BIM -Moving Image Biennial- Contemporary Art Center (Buenos Aires), School of Visual Arts (Victoria entre Ríos, Argentina), Espacio 0 (Santiago), Alianza Francesa de Buenos Aires, Ayekantún Cultural Center (Rary Chile), Nahím Isaías Museum (Guayaquil), CAC Contemporary Art Center Quito. Köttinspektionen Cultural Center (Upssala, Sweden). Guest critic for the IMAGO MUNDI project, Benetton (Italy) Kobro Gallery at Academy of Fine Arts in (Lodz in Poland), Akademia Sztuk Pieknych, Jadite Galeries (Manhattan NY). Process Gallery (Cuenca), Art Center for Contemporary Art Laznia in (Gdansk/Poland), Santa Cruz de la Sierra Pluricultural Art Center, (Bolivia) UNIANDES, UDA, University of Cuenca, University of San Francisco de Quito. Autonomous University of Oaxaca, UNARTE of Mexico, Technical University of Machala, Catholic University of Guayaquil (UCSG), UPAEP Museum, University of Palermo, UBA (Buenos Aires), University of Chile, UPAEP, MAM of Cuenca, UESS, Museum of Arts Visuals MAVI (Santiago), Museum of Modern Art MMAM (Mendoza), Popular Autonomous University of the State of Puebla, Cultural Center of the PUCE (Catholic University of Quito), Casa Matony (La Paz), Private Technical University of Loja UTPL, Museum of Contemporary Art of Niteroi MAC (Brazil), Pumapungo Museum, Juan Méndez Photo Library (Puebla). MAAC of Guayaquil, MAC of Santiago, University of Chile, University of Viña del Mar, Playa Ancha University, ARCIS University, Municipal Museum of Guayaquil, MAC of Santa Cruz de la Sierra (Bolivia), Cuenca International Biennial and festivals such as: Festival de Cinema de Douarnez, (Britain-France), Cuenca Film Festival, Short Film Festival of the Hamburg School of Arts (Germany) among others.
Artistas seleccionados Décima edición del Premio Internacional de Pintura Huaylá. 2019
Armas Diana
Título: La Parca y la diabloa
Pablo Eugenio Cabrera Zambrano
Título: Geografía de la conciencia III
Nikita Samantha Félix Galarza Título: No Place
Morocho Capa Marco Antonio Título: Hiancia
Galo Andrés Mosquera Mora Título: Silvio Mora
Danny Xavier Narváez Paz Título: Mangrove Swamp Plastic
Emilio Antonio Seraquive Valarezo Título: Psycho Pass
Andrés Mauricio Velásquez Dután Título: La afirmacion de la apariencia
Jean Carlo Guizado Rubio
Título: Toothless All Star
Pedro Jaime Gavilanes Sellán
Título: Luctus exterminatur
Patricio Javier Dalgo Toledo Título: au plain air
Raymundo Rafael Valdez Alamo Título: Torres de Control I (de la serie Garitas)
Mario Alejandro Fegan Espinosa Título: Valle de Collanes
José Eduardo Morán Castillo
Título: Estructuras Frágiles
Dennys Felipe Navas la Rosa Título: El destronamiento de las bestias
Harold Iván Maridueña Alvarado Título: Long Lost
Juan Carlos Alvarado Salvatierra Título: Arquitectura arqueológica ittle
Joel Homero Ramírez Gallegos Título: Receptores
Francesca Palma Terán Título: Retratos Anónimos
Mónica Alexandra López Gordillo Título: St ( Conversión de datos a 6,8 ml en 4,2 s de expansión)
Geovanny verdezoto Sánchez Título: Migración y la poética de la flora salvaje
Wilson José Guamán Correa Título: Memoria de un paisaje Wilson José Guamán Correa Título: Estudio de suelo para construir un futuro
Wilson Richar Paccha Chamba Título: Tangelo
Pedro Antonio Sánchez Quimi Título: Into the eye
Premio Internacional de Pintura Huaylá Salón Machala. Décima Edición, 2019
Reunido en la ciudad de Machala, el sábado 13 de julio de 2019, el jurado de selección y premiación de la Décima Edición del Salón Machala y su Premio Internacional de Pintura Huaylá, 2019, conformado por Manuel Kingman, Cristóbal Zapata y María Guadalupe Älvarez, luego de una ardua jornada de discusión y reflexión, que supuso a su vez, múltiples consideraciones sobre la calidad formal, pertinencia y profundidad conceptual de las obras, decide por unanimidad otorgar los siguientes premios:
Primer Premio
A la obra “Mangrove Swamp Plastic” del artista machaleño Danny Narváez por afrontar la pintura como un desafío metodológico, convirtiéndola en un ejercicio procesual, donde se enfrentan lugares y problemáticas pertinentes para el contexto local y global; como por su adecuado aprovechamiento del material plástico que adquiere al mismo tiempo una dimensión estética simbólicamente eficaz. (texto del acta de premiación)
Felicitaciones al artista Danny Narváez por un gran logro, histórico en el proceso del Salón Machala y para las artes machaleñas que posiciona una vez más a la creación artística seria y constante de nuestra ciudad en el panorama del arte ecuatoriano, con argumentos artísticos de pertinencia local, nacional e internacional.
Segundo Premio
A la obra “El destronamiento de las bestias”, del artista Dennys Navas por el notable despliegue del lenguaje pictórico para construir un abigarrado escenario en el que se superponen diversas capas narrativas y temporalidades, subvirtiendo la lógica y el orden de la racionalidad moderna, mostrando la contradicción de sus instituciones canónicas. (texto del acta de premiación).
Tercer Premio
A la obra “ST. Conversión de datos a 6.8 ml en 4.2 s de expansión”, de la artista Mónica López, por la complejidad metodológica de un procedimiento experimental donde conjuga las posibilidades de la pintura con el procesamiento de información estadística para llevar a cabo un oportuno comentario sobre el propio devenir de este salón, a manera de un site specific.
Menciones del Premio Internacional de Pintura Huaylá, 2019
Mención de honor Pedro Jaime Gavilanes Sellán Luctus exterminatur 2019
Óleo, pintura sintética, resina, y madera enmarcada. 125 x 195 cm.
Mención de honor Pedro Antonio Sánchez Quimí Into The Eye 2019 Óleo sobre lienzo 145 x 200 cm.
Mención de honor Harold Iván Maridueña Long Lost 2019 Acrílico y óleo sobre tela 200 x 110 cm.
Huaylá International Painting Prize
Salón Machala. Tenth Edition, 2019
Gathered in the city of Machala, on Saturday, July 13th, 2019, the selection and award jury of the Tenth Edition of the Salon Machala and its Huaylá International Painting Prize, 2019: Manuel Kingman, Cristóbal Zapata, and María Guadalupe Álvarez, after an arduous session of discussion and reflection, which in turn involved, multiple considerations on the formal quality, relevance and conceptual depth of the works, unanimously decides to award the following prizes:
First Prize
To the work Mangrove Swamp Plastic, by the Machaleño artist Danny Narváez for facing painting as a methodological challenge, turning it into a procedural exercise, where places and problems pertinent to the local and global context are confronted; as well as for its adequate use of the plastic material that acquires at the same time a symbolically effective aesthetic dimension.
Congratulations to the artist Danny Narváez for a great achievement, historic in the process of the Salon Machala and for the arts of Machala, which once again positions the serious and constant artistic creation of our city in the panorama of Ecuadorian art, with artistic arguments of local, national and international sense of belonging.
Second Prize
To the work The dethronement of the beasts, by the artist Dennys Navas for the remarkable display of pictorial language to build a motley scenario in which various narrative layers and temporalities are superimposed, subverting the logic and order of modern rationality, showing the contradiction of its canonical institutions.
Third Prize
To the work ST. Conversion of data to 6.8 ml in 4.2 s of expansion, by the artist Mónica López, for the methodological complexity of an experimental procedure where it combines the possibilities of painting with the processing of statistical information to carry out a timely comment on the very future of this room, in the form of a site specific.
Honorable Mentions Huaylá International Prize
Honorable Mention
Pedro Jaime Gavilanez Sellán Luctus exterminator
2019
Oil, synthetic paint, resin, framed wood. 125 x 195 cm.
Honorable Mention Pedro Antonio Sánchez Quimí Into the Eye
2019 Oil on canvas 145 x 200 cm.
Honorable Mention Harold Iván Maridueña Long Lost 2019 Acrylic and oil on canvas 200 x 110 cm.
Durante una campaña de limpieza de las playas de la zona, me encontré con un paisaje desolador en el manglar, en esta zona cerca de la isla Jambelí se decidió incursionar con la basura que deviene desde la ciudad.
Dentro de esta campaña de limpieza se acoge al reciclaje plástico como punto de partida y se analiza el problema ambiental en relación con el objeto de estudio de la ecología. Se intenta enfocar la situación de la vida en la actualidad, el caos ambiental a causa de la industria y el consumo desmedido en un mundo globalizado, optando por la experimentación con el material plástico reciclado diluido como alternativa artística.
A partir de esta postura, por medio del registro fotográfico y la experimentación con la basura plástica del lugar se procedió a crear una metáfora visual sobre la contaminación plástica denominada Mangrove Swamp Plastic.
During a campaign to clean up the beaches in the área, I decided to dabble with the garbage that comes from the city.
Within this cleaning campaign, plastic recycling is used as a starting point and the environmental problem is analyzed in relation to the object of study of ecology. I try to focus on the situation of life today, the environmental chaos caused by industry, and excessive consumption in a globalized world, opting for experimentation with diluted recycled plastic material as an artistic alternative.
From this position, through the photographic record and experimentation with the plastic garbage of the place, a visual metaphor about plastic pollution called Mangrove Swamp Plastic was created.
Danny Narváez PazSEGUNDO PREMIO
El destronamiento de las bestias
Dennys Felipe Navas La Rosa 2019 Mixta sobre lienzo 200 x 200 cm.
El destronamiento de las bestias pone en escena parte de la historia natural mediante una pintura de gran formato. Se puede observar un aparatoso y caótico montaje dentro de un museo, el cual alberga todo tipo de esqueletos y vestigios de diferentes especies habitantes del planeta tierra (animales, plantas y objetos), en este espacio se archiva la historia de éxitos y fracasos de la experimentación humana creando un nuevo habitar después de…
Me interesa poner en evidencia el dialogo entre el dibujo y la pintura, lo acabado y lo inacabado, de la misma manera insinuar el “avance” de la civilización, la humanidad recreando ecosistemas y paisajes del pasado, proyectando ecosistemas del futuro, “El destronamiento de las bestias” genera una convivencia de aquellos fragmentos de naturaleza que posiblemente añoramos hoy o mañana.
El Destronamiento de las Bestias brings over the scene part of the natural history through a huge format painting. We can see the chaotic and spectacular mounting within the museum, which includes all kinds of skeletons and vestiges from different species, inhabitants of earth planet (animals, plants, objects). In this space, stories of success and failure of human experimentation are filed, creating a new dwelling after….
I am interested in making evident the dialog between drawing and painting; the finished and unfinished and, in the same way, insinuates the “development” of civilization, and humanity, recreating ecosystems and landscapes from the past, projecting ecosystems from the future. El Destronamiento de las bestias (Dethronement Of The Beasts) generate a coexistence of those fragments of nature that we, perhaps miss today and tomorrow.
Dennys NavasTERCER PREMIO
ST (conversión de datos a 6.8 ml. en 4.2 s de expansión)
Mónica López Gordillo 2019 Óleo sobre papel 200 x 140 cm.
La obra pertenece a un cuerpo de trabajo de investigación de obras in situ. Para su realización se siguen los siguientes pasos:
1. Hacer una investigación de las obras expuestas en determinada plataforma de exhibición (en este caso las obras expuestas en las nueve ediciones pasadas del Salón).
2. Hacer una cuantificación de datos de dichas pinturas (tamaño, color, tema, medio, etc.)
3. Organizar los datos en estadísticas donde se visualizan modelos standard y porcentajes de pinturas derivadas del Salón. (display en la tablet)
4. Mediante un algoritmo se traducen esos datos en cantidades de ml. de pintura. (los datos en la tablet procesados en el Arduino con sistema de goteo)
5. Los ml. de pintura pasan por un proceso químico de separación de substancias, el óleo a base de aceite sobre agua provoca la separación y fragmentación de la pintura (“efecto browniano”) que da como resultado un minucioso entramado de líneas y puntos expandidos en la superficie del papel. El tiempo de esparcimiento de la pintura para la formación de la imagen es de tan solo unos segundos. El efecto browniano o “caminata aleatoria” son aquellos movimientos randómicos de las partículas cuyas observaciones fueron organizadas por el matemático Louis Bachelier en fórmulas matemáticas de probabilidad, que se utilizan en los modelos de fluctuación de los mercados financieros para hacer predicciones probabilísticas. Es decir, los datos de las pinturas del salón se traducen a una representación pictórica del efecto que precede a los estudios probabilísticos de mercado. Algunas características de los mercados son predecibles precisamente porque son aleatorias, se puede usar el modelo de Bachelier para hacer predicciones probabilísticas que, debido a la ley de los grandes números, vinculando probabilidad con frecuencia nos dan información sobre cómo se comportarán los mercados a largo plazo. Mi intención con este ejercicio es hacer un comentario sobre cómo diferentes tipos de imágenes y obras circulan según diferentes plataformas expositivas. La exhibición de una imagen depende de una serie de procesos y criterios de selección, tanto de los artistas que producen según las lógicas de determinados espacios, como los gestores o jueces que determinan qué imagen es seleccionada, aceptada y finalmente expuesta. Utilizamos lenguajes cuantitativos para describir obras de arte de la misma forma que en otras industrias, y en esta obra trazo un paralelismo en esos procesos: la investigación química para la fabricación de materiales, la racionalidad técnica, la producción en serie, los productos standard que dependen de la aceptación de los consumidores y la cuantificación del tiempo de trabajo en una industria enfocada en la mano de obra intensiva. Vinculando la pintura a fórmulas matemáticas y económicas, esta queda suspendida entre sus cualidades matéricas, la tradición formalista de la historia del arte y la industria de su manufactura: desde la manipulación de su composición química hasta su eventual circulación.
This proposal belongs to a body of in situ research work. To be done, the following steps should be accomplished:
1. Do some research on the exposed artwork from a chosen exhibition platform (in this case, the artwork selected and exhibited during the nine past editions of Salon Machala).
2. Make a quantification of data of all the paintings (size, color, subject, media, etc.)
3. Organize data using statistics so you can visualize standard models and the percentage of paintings derived from the Salon (displayed on the tablet).
4. With the use of an algorithm, we can translate the obtained data into quantities on ml. of painting (the data on the tablet are processed using Arduino with a dropping system).
5. The milliliters of paint go through a chemical process of substances separation. The oil paint base on flax oil reacts to water, causing the separation and fragmentation of paint (“Brownian effect”), obtained as a result of a thorough structure of lines and points expanded on the surface of the paper. It takes just a few seconds for the pigments to cover all the paper while giving shape to the final image. The Brownian effect or “random walk” are those random moves of particles, a phenomenon which was registered as mathematic formulas of probability by the mathematician Louis Bachelier through systematized observations. These formulas are used in models of fluctuation for the financial markets so they can make predictions of probabilities. Some of the features of the markets are unpredictable, precisely because they are random. Bachelier´s model can be used to make probabilistic predictions that, due to the law of the big numbers, linking probabilities with frequency, can give us more information on how the markets behave in the long term. My intention with this excercise is to make a comment on how different kind of images and artwork circulate according to differents platforms of art exhibitions. The selection of an artistic image for purposes of exhibiting depends on a serie of processes and selection criteria, both of the artists who produce according to the logic of certain spaces, as well as the managers or judges who determine which image is selected, accepted, and finally exhibited. We used quantitative language to describe works of art in the same way other industries do, and in this work, I trace a parallelism in those processes: chemical research for the manufacturing of materials, technical rationality, massive production, the standard products that depend on the consumers’ acceptance and the quantification of work time in the industry, focused on intensive hand on labor. Linking painting to mathematic and economic formulae, remains suspended between its material qualities, the formalist tradition of Art History, and the industry of its manufacturing process: from the manipulation of its chemical composition until its eventual circulation.
Mónica López
Mención de honor
Pedro Jaime Gavilanes Sellán Luctus exterminatur 2019
Óleo, pintura sintética, resina, y madera enmarcada. 125 x 195 cm.
Mención de honor
Pedro Antonio Sánchez Quimí Into The Eye 2019
Óleo sobre lienzo 145 x 200 cm.
Mención de honor
Harold Iván Maridueña Long Lost 2019
Acrílico y óleo sobre tela 200 x 110 cm.
