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Nigun, from Baal Shem (Three Pictures of Chassidic Life) (1923)


03 04 05

Sonata No. 1 for violin and piano (1920) Agitato Molto Quieto Moderato

11’38 9’12 7’55


Arvo Pärt (1935°) Fratres (version for violin and piano, 1980)





Ernest Bloch (1880-1959) Sonata No. 2 for violin and piano, Poème mystique (1924) Andante moderato – Animato – L’istesso tempo – Animato

— Total time 64’52

Elsa Grether, violin Ferenc Vizi, piano



« À Henri Guillot et Christiane Riedel, en pensée »

Recording: 28-31 July 2012, Flagey (Studio 4), Brussels (Belgium) – Recording engineer, recording producer, editing, mastering: Aline Blondiau – Cover picture: © Jean-Baptiste Millot – Design: mpointproduction – Proofreading: Charles Johnston – Executive producer: Frederik Styns


This recording is the result of a genuine passion for the sonatas of Ernest Bloch, which made an intense impact on me when I discovered them. I was deeply moved by their humanism, their sincerity, their generosity. The sentiment of universality that imbues the Poème mystique underpins the whole programme of the disc, and has even given it its name. The meditative atmosphere of Bloch’s Poème mystique reappears in Arvo Pärt’s Fratres, though it has now become crepuscular. Over and above the great differences of style and language between the two composers, their works are linked by the same fervour. They constantly transport us beyond ourselves, thereby touching on something essential and universal – a heritage shared by all Humanity. It is that fervour, that flame, sometimes blazing, sometimes brightly glowing, that I hope I have expressed and conveyed to others as faithfully as possible through this recording. Elsa Grether

Elsa Grether


Ce disque est né d’un véritable coup de cœur pour les Sonates d’Ernest Bloch, pour lesquelles j’ai éprouvé un choc intense et dont l’humanisme, la sincérité et la générosité, m’ont profondément bouleversée. Le sentiment d’universalité qui imprègne le Poème mystique sous-tend tout le programme du disque, lui donnant même son nom. En regard du Poème mystique d’Ernest Bloch, une même atmosphère méditative dans Fratres d’Arvo Pärt, mais crépusculaire. Et par-delà les grandes différences de style et de langage des deux compositeurs, une même ferveur qui pourtant relie ces œuvres – celles-ci nous portant toujours au-delà de nous-mêmes et touchant par là, à quelque chose d’essentiel et d’universel ; un patrimoine commun à l’Humanité entière. Aussi est-ce cette ferveur, cette flamme-là, tantôt brûlante ou incandescente, que j’espère exprimer et traduire sur cet enregistrement le plus fidèlement possible.


ENGLISH Nowadays, Ernest Bloch is mainly remembered for his triptych for violin and piano Baal Shem, Three Pictures from Chassidic Life (1923), whose central movement Nigun (included in the present CD) is a popular encore in every violin recital, and for Schelomo, a ‘Hebrew Rhapsody’ for cello and orchestra (1916), a major piece in that instrument’s not very large concerto repertoire. Both are part of his ‘Jewish Cycle’, which also includes such masterpieces as the Israel Symphony and the Sacred Service (Havodath Hakodesh), and indeed Bloch stands as the most celebrated exponent of a specifically ‘Jewish’ musical style, though he seldom borrows traditional tunes. But Jewish pieces represent little more than one-fifth of an extensive catalogue of some seventy pieces, including the opera Macbeth, five symphonies, concertos for violin, piano, and viola, and above all a vast output of chamber music, perhaps the most valuable part of his heritage. This encompasses five string quartets, two piano quintets, a Suite for viola and piano (also with orchestra), and the two violin sonatas presented on this CD, in addition to a substantial number of smaller pieces. They add up to a body of work second to none in the first half of the twentieth century, and worthy to stand comparison with Bartók, Schoenberg, Martinu° or Enescu. Born in Geneva in 1880 of Jewish parents, Bloch studied music in Brussels, Frankfurt, Munich, and finally Paris. Whilst his style, true to his Swiss origins, blends Germanic and Gallic influences, it is above all the utterance of a fiercely independent


creator, standing aloof from all fashionable trends, giving priority to individual expression rather than theoretical systems. Using microtones or (late in life) twelvenote structures when necessary, he nevertheless remained faithful to tonal (or rather modal) bases, inherited formal structures (even if these are extended and modified), and the principles of thematic development and cyclic form. This allows him to edify impressive large-scale structures: his immense String Quartet no.1 of 1916 lasts almost a full hour. His life story breaks down into four main periods: his young manhood in Switzerland (after the completion of his studies abroad in 1905); his first stay in the United States (1916-30), when he was successively director of the Cleveland Institute of Music and the San Francisco Conservatory and eventually took American citizenship; his second period in Europe (Ticino in Switzerland and Haute-Savoie in France) from 1930 to 1938; and his final return to California and Oregon, where he died in 1959. The two violin sonatas, composed four years apart, belong to his Cleveland years and form a sharply contrasting, in fact complementary pair of works, to such an extent that Bloch considered they should be performed together. The First Sonata is the third in a series of four major chamber masterpieces, beginning with the First String Quartet mentioned above (1916) and the Viola Suite (1919). Then comes the present violin sonata (1920), and the series reaches a final climax with the First Piano Quintet of 1923. Aside from the Second Violin Sonata (Poème mystique) of 1924, there was to be no major chamber music work until the Second String Quartet more than twenty years later (1945), which marks the opening of his final creative period. With its three extended movements lasting over half an hour in all, the First Violin Sonata shows Bloch at his most uncompromising and radically extreme, in a paroxysm of ruthless violence; it is one of his very few mainly atonal works, with only


the final catharsis asserting E major. In this respect it holds a position comparable to Bartók’s First Violin Sonata, completed less than a year later (Bartók was the younger of the two by just a year), and the parallel extends to their respective Second Violin Sonatas, both of them shorter and more relaxed. The First Sonata was begun in New York in February 1920, and its first two movements were completed there by April. Then came Bloch’s appointment in Cleveland, where he arrived in September, and where the sonata’s final movement was completed on 20 November. The world premiere was given at the Aeolian Hall in New York on 20 February of the following year by the outstanding Polish team of violinist ´ ski and pianist Artur Rubinstein, both well known for their perforPawel Kochan mances of Szymanowski’s music. As might have been expected, the reception was a mixed one, and this was also the case with subsequent performances both in the United States and abroad: critics and audiences were taken aback or even appalled by the music’s ruthless violence. The composer himself called it ‘tormented’, written ‘shortly after the terrible war and the terrible peace’, for he could foresee the seeds of a future, even more devastating second world war in the uneasy compromises reached at Versailles. He also shared with the equally lucid Charles Ives a sense of bitter disillusionment at America’s turn to isolationism when the country preferred Harding to Wilson in the 1920 presidential election (Ives expressed his feelings in his virulent song An Election). The opening Agitato, a brutal and aggressive piece, repeats with almost manic obsessiveness its short motif of only three adjacent notes in the violin’s low register, a motif systematically frustrating any attempt to escape towards the most impassionate rhapsodic improvisation, within the just recognisable framework of a free sonata form. After this nightmare vision comes a Molto quieto of ‘Tibetan’ calm (the composer’s own expression), an evocation of another, remote world, as indicated by the movement heading molto misterioso, which expresses a desire to escape rather than a real reconciliation, and reaches a powerful central climax

With so extreme a work, Bloch felt he had overtaxed his audiences and performers. And after it had once again met with incomprehension, he decided to write a second sonata that would be at once more relaxed and more peaceful. Between 11 November and 29 December 1924, he stayed at Santa Fe, New Mexico, in order to rest and compose in peace, and the decision proved to be so beneficial that he produced no fewer than six new works within that brief period and almost completed what would become his popular Concerto Grosso no.1. The new sonata was written in ten days (he finished it on 20 November), to the composer’s own amazement: never before had he produced a large piece lasting some twenty minutes in so short a time. The title Poème mystique (in French) more or less chose itself, and perfectly defines the work’s mood. Bloch said that the First Sonata had shown ‘the world as it is, the frantic struggle of blind and primordial forces’, whereas the new work shows ‘the world as it should be: the world of which we dream . . . full of idealism, faith, fervour, hope’. In contrast to the firmly structured three-movement form of its predecessor, this is a much freer and more rhapsodic one-movement piece, precisely more of a poème than a sonata, and the presence of some Jewish melodic idioms alongside quotations of Gregorian chant (parts of the Credo and almost the entire Gloria from the Mass Kyrie fons bonitatis) stresses its spiritual dimension and in a sense foreshadows the later Sacred Service. It was first heard in a private New York home on 24 January 1925, played by the Swiss violinist André de Ribaupierre, one of Bloch’s oldest and closest friends, with Beryl Rubinstein at the piano. The public premiere,


before falling back to an uneasy calm. The finale, Moderato, opens with a heavy, barbaric march theme that treats the piano as a percussion instrument, gradually rising to a peak of intensity. But a reminiscence of the opening movement is needed before the music can finally liberate itself in a Lento assai epilogue of real tenderness, its tranquil E major expressing peace that is no longer ‘Tibetan’, but that of an authentic inner reconciliation.


by the same performers, followed in Cleveland on 24 April, at the very Institute of Music from which Bloch was brutally dismissed just two weeks later. The Poème mystique did not enjoy a happy career. Bloch assigned it to the German publisher Leuckart of Munich, who had published his very first symphony, but when Hitler seized power in Germany all copies were destroyed as ‘degenerate’ Jewish music, and for a long period the work was not available. Many years later, Bloch sent his own manuscript copy to Jascha Heifetz, who eventually recorded it. Bloch had come to realise that in its original form the work showed some slight weaknesses: occasional ‘sugary’ harmonies, and overuse of octaves in the violin part and tremolos in the piano. These he corrected towards the end of his life, but it seems the revised version was never published. Nigun (‘Improvisation’ in Hebrew), by far Bloch’s most popular piece, is the second of the three pieces for violin and piano that make up the cycle Baal Shem, Three Pictures of Chassidic Life. This is a product of the fruitful years in Cleveland. The first piece, Vidui (Contrition), was written on 13 May 1923, and premiered almost immediately on 24 May by the faithful André de Ribaupierre, with the composer at the piano. Nigun followed on 21 October, and the concluding Simchas Torah (Rejoicing in the Law) exactly one week later. The complete cycle was first heard with the same performers at the B’nay Jeshurum Temple in Cleveland on 6 February 1924. As one might expect, this attractive and approachable music enjoyed immediate and lasting success, although Nigun has overshadowed not only its two neighbours but also Bloch’s remaining ‘Jewish’ pieces for the same combination, such as Abodah or the late Suite hébraïque. The title Baal Shem refers to the Polish rabbi Baal Shem Tov (‘The Master of the Holy Name’), who lived from 1698 to 1780 and founded the Chassidic movement of Judaism, still very much alive today, which aimed at reaching God through the joy of song and dance. The work, which Bloch dedicated to the memory of his mother, ‘who would have loved it’, is also popular in its version with orchestra,

Our programme is completed by one of the best-known pieces of Arvo Pärt (born in 1935), Fratres, composed in 1977 and disseminated in a variety of transcriptions. Pärt is a major exponent of the eastern European brand of minimalism, meditative and mystical in its expression (alongside his Polish contemporary Gorecki and, to a certain extent, his British counterpart Tavener, whose conversion to the Greek Orthodox Church established a link with eastern spirituality). After an early wouldbe ‘avant-garde’ phase using serial techniques, he quickly established his own style, defined as ‘tintinnabulation’, an allusion to the harmonies of church bells. Harry Halbreich, December 2012


written much later in August 1939. Baal Shem, and especially Nigun, is far removed from the radical style of the sonatas and deliberately seeks to touch a popular audience. While it is clearly in a quite different artistic category, Bloch always thought highly of it, even though he was sometimes irritated by its success at the expense of more important works.


ELSA GRETHER The charismatic young violinist Elsa Grether, noted for her passionate and intensely poetic playing, was born in Mulhouse, France. She was awarded a Premier Prix in the violin by unanimous decision of the jury at the Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris on her fifteenth birthday. Her lively curiosity prompted her to continue her training abroad, with Ruggiero Ricci at the Salzburg Mozarteum and then in the United States with Mauricio Fuks at Indiana University Bloomington and Donald Weilerstein at the New England Conservatory in Boston. She subsequently received guidance from Régis Pasquier in Paris. She was joint winner with the pianist Delphine Bardin of the Prix International Pro Musicis 2009 by unanimous decision of the jury. In 2012 she made recital debuts at Carnegie Weill Hall in New York and in Boston. She has performed numerous concertos with orchestra, among them works by Bach, Vivaldi, Mozart, Haydn, Beethoven, Bruch, Brahms, Tchaikovsky, Shebalin, Dvoˇrák, Prokofiev, and Ravel (Tzigane). Elsa Grether has been heard as a recitalist at many festivals and other venues in France and abroad, including the Menton, Polignac and Toulon festivals, the Musica Festival in Strasbourg, Le Printemps des Arts de Monte-Carlo, Bozar in Brussels, the Salle Cortot in Paris, Les Musicales de Bagatelle, Les Rencontres Musicales de Savoie, Musiciennes à Ouessant, Avery Fisher Hall in New York, the Myra Hess Concert Series in Chicago, the Indianapolis Art Museum, the Radio Nationale in Algiers, Schloss Mirabell in Salzburg, and the Palais des Festivals in Santander. She has held scholarships from a number of foundations, among them the Fondation Safran pour la Musique, Natixis-Banque Populaire, the Fondation de France (Prix Oulmont), the Fondation Cziffra, the Fondation Bleustein-Blanchet pour la Vocation, the Fondation Alliance, and the AJAM. In 1993 she was a prizewinner at the Young Soloists’ Competition organised by the RTBF in Brussels. She was the

subject of a programme in Alain Duault’s television series Toute la musique qu’ils aiment (France 3) and has often been a guest on the radio stations France Musique, France Culture, Musiq3, and RTS Suisse.

Forthcoming concerts will take her notably to the Festivals de Musique Sacrée of Monaco and Perpignan, where she will appear with the actor Daniel Mesguich in a programme based on her CD ‘Poème mystique’, and to the Salle Flagey in Brussels. She performs regularly with the pianists Ferenc Vizi, François Dumont, and Delphine Bardin, and with such artists as Régis Pasquier, Ronald van Spaendonck, Marc Grauwels, Johan Schmidt, Marielle Nordmann, Pascal Contet, Geoffroy Couteau, and Nicolas Stavy.

FERENC VIZI Born in Transylvania, Romania, in 1974, Ferenc Vizi studied with András Körtesi in his home town of Reghin and later with Gérard Frémy at the Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. He has also received guidance from Cyril Huvé, Jacques Rouvier, and Françoise Thinat at the École Normale de Paris. As a prizewinner at the prestigious Rubinstein Competition in Tel Aviv and ARD Competition in


Her appearances in 2012 included recitals in Venice at the Palazzetto Bru-Zane; in Switzerland for Radio Suisse Romande and at the Cully Classique Festival; in France at the Musicora Salon in Paris (Grand Auditorium du Palais Brongniart), the Festival des Forêts, Lille Clef de Soleil, Présences Féminines in Toulon, Saoû chante Mozart, and the Uzerche Festival; in Belgium at Bozar in Brussels, the Classissimo and Stavelot festivals, and the Ostbelgien Festival; and at the Scène Nationale de Martinique.


Munich, he received engagements in South America, Japan, and several European countries, and recorded Bartók’s Second Concerto for Bavarian Radio in Munich in 2003 with the Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks under the direction of Peter Rundel. His guest appearances in France have taken him notably to the Nohant Festival, La Folle Journée in Nantes, the Festival de La Roque d’Anthéron, where he performed Beethoven’s Diabelli Variations, and the Festival de La Chaise-Dieu, where he played Liszt’s Totentanz with the Orchestre National d’Île de France conducted by Yoel Levi. The Hungarian composer was once again on the agenda at Les Lisztomanias in Châteauroux, where he premiered the programme ‘Rhapsodies – Liszt et les Tziganes’ with the Hungarian folk ensemble Cifra. This production was subsequently heard on tour in France during the 2012/13 season, notably at the prestigious Théâtre de la Ville in Paris. In November 2012 Ferenc Vizi toured the south of France as soloist in Tchaikovsky’s Concerto no. 1 and Grieg’s Concerto with the Târgu-Mures State Philharmonic Orchestra (Romania). He has recorded two CDs, the first (Beethoven’s Sonata op.111 and Schumann’s Fantasy op.17) for the Æon label, and the second, entitled ‘Voyage’ and featuring works by Schubert, Liszt, and Wagner, for Satirino Records.

Elsa Grether 15

Š Jean-Baptiste Millot


FRANÇAIS De nos jours, Ernest Bloch est surtout connu pour son triptyque pour violon et piano Baal Shem, trois Images de la vie chassidique (1923), dont le volet central (d’ailleurs inclus sur le présent CD) est un bis populaire dans les récitals de violon, et pour Schelomo, Rhapsodie hébraïque pour violoncelle et orchestre (1916), page majeure du répertoire concertant relativement restreint de cet instrument. Ces œuvres font parti de son Cycle juif, qui inclut également des chefs-d’œuvre comme la Symphonie Israël et le Service Sacré (Avodath Hakodesh). De fait, Bloch est connu comme représentant le plus célèbre d’un style musical spécifiquement « juif », bien qu’il ne fasse pratiquement jamais appel à des mélodies traditionnelles. Mais ces pages « juives » représentent à peine un cinquième d’un catalogue de quelque soixante-dix opus, dont l’opéra Macbeth, cinq symphonies, des concertos pour violon, piano, alto, et surtout un vaste ensemble de musique de chambre, peut-être la partie la plus précieuse de sa production. On y trouve cinq quatuors à cordes, deux quintettes avec piano, une suite pour alto et piano (également avec orchestre), et les deux sonates pour violon et piano présentées ici, sans compter les nombreuses pages plus brèves. Ces grandes œuvres constituent un ensemble qui ne le cède à aucun autre dans la première moitié du vingtième siècle et qui est digne de soutenir la comparaison avec ° ou Enescu. Bartók, Schoenberg, Martinu Bloch, né à Genève en 1880 de parents juifs, fit ses études musicales à Bruxelles, Frankfurt, Munich et enfin Paris. Si sa musique, conformément à ses origines

Ses deux sonates pour violon et piano, écrites à quatre ans d’intervalle, appartiennent aux années de Cleveland, et constituent un diptyque fortement contrastant, et en fait complémentaire, au point qu’il considérait qu’elles devaient être jouées à la suite l’un de l’autre. La Première Sonate est la troisième d’une série de quatre chefs-d’œuvre majeurs de musique de chambre, inaugurée par le Premier Quatuor à cordes mentionné cidessus (1916), suivi de la Suite pour alto (1919). Puis vient notre Sonate (1920), et la série culmina avec le Premier Quintette avec piano de 1923. A l’exception de la Seconde Sonate pour Violon et Piano (Poème mystique) de l’année suivante, il n’y eut plus de grande œuvre de musique de chambre avant le Deuxième Quatuor à cordes plus de vingt ans plus tard (1945), qui inaugure sa dernière période créatrice. Avec ses très vastes mouvements dépassant de peu la demi-heure au total,


suisses, fait la synthèse d’éléments germaniques et latins, elle est avant tout l’expression d’un farouche indépendant, hors de toute tendance à la mode, donnant la priorité au message individuel plutôt qu’aux systèmes théoriques. Faisant appel parfois à la microtonalité ou (à la fin de sa vie) à des structures dodécaphoniques si nécessaire, il demeura néanmoins fidèle à des bases tonales (ou plutôt modales), à des structures formelles héritées, même si élargies et modifiées, aux principes du développement thématique et des retours cycliques. Cela lui permit d’édifier des architectures d’une ampleur impressionnante : son immense Premier Quatuor à cordes de 1916 dure tout près d’une heure. Sa vie se divise en quatre périodes principales : sa jeunesse en Suisse (après ses études à l’étranger terminées en 1905), son premier séjour aux États-Unis (1916-1930), où il dirigea les Conservatoires de Cleveland et de San Francisco et où il adopta la nationalité américaine, son retour en Europe (Suisse italienne, puis Haute-Savoie) de 1930 à 1938, et enfin son retour définitif en Californie et en Oregon, où il mourut en 1959.


la Première Sonate pour violon montre Bloch sous son aspect le plus radical et le plus extrême, sans aucun compromis, au paroxysme d’une violence impitoyable, et c’est l’une de ses très rares œuvres en prédominance atonales, seul le catharsis final affirmant Mi majeur. De ce point de vue, elle occupe chez Bloch un position comparable à celle de la Première Sonate pour violon de Bartók, son cadet d’un an seulement, composée moins d’un an plus tard, et ce parallèle s’étend même à leurs secondes sonates respectives, toutes deux plus brèves et plus détendues. La Première Sonate fut commencée à New York en février 1920, et ses deux premiers mouvements y furent achevés en avril. Puis vint la nomination de Bloch à Cleveland, où il arriva en septembre, et où le Finale de la Sonate fut terminé le 26 novembre. La création de l’œuvre eut lieu à l’Æolian Hall à New York dès le 20 février suivant, par deux éminents artistes polonais souvent associés, notamment dans la musique de Szymanowski, le violoniste Pawel Kocha´nski et le pianiste Artur Rubinstein. Ainsi qu’il fallait s’y attendre, l’accueil fut plutôt mélangé, et ce fut également le cas lors des exécutions suivantes, tant aux États-Unis qu’ailleurs, critiques et public étant choqués, voire épouvantés par la violence impitoyable de la musique. Le compositeur lui-même la qualifiait de « tourmentée, écrite peu après la terrible guerre et la terrible paix ». En fait, il pressentit clairement la menace d’un second conflit mondial pire que le premier dans le compromis boiteux de Versailles, tout comme il partageait avec Charles Ives le sentiment d’amère désillusion causé par le virage des États-Unis vers l’isolationnisme lorsqu’ils préférèrent Harding à Wilson lors de l’élection présidentielle de 1920 (Ives, tout aussi lucide, exprime ses sentiments dans sa mélodie révoltée An Election). L’Agitato initial, brutal et agressif, ressasse de manière presque maniaque l’obsession de son thème tournant sur trois notes contiguës dans le grave du violon, thème qui viendra interrompre toutes les tentatives d’évasion vers l’improvisation rhapsodique la plus passionnée, dans le cadre tout juste reconnaissable d’une forme sonate. A cette vision de cauchemar succède un Molto quieto, d’un calme

Avec une œuvre aussi extrême, Bloch sentit qu’il avait dépassé les limites de son public et de ses interprètes. Et après qu’elle eut une fois de plus rencontré l’incompréhension, il décida d’écrire une Seconde Sonate à la fois plus détendue et plus paisible. Du 2 novembre au 29 décembre 1924, il séjourna à Santa Fe, au Nouveau Mexique, pour s’y reposer et composer en paix. Cette décision s’avéra si bénéfique qu’il produisit non moins de six œuvres nouvelles durant cette brève période, achevant presque ce qui allait devenir son populaire Concerto Grosso n° 1. La nouvelle sonate fut composée en dix jours et achevée dès le 20 novembre, à la stupéfaction de son auteur : jamais encore il n’avait pu mener à bien une grande pièce de quelque vingt minutes en un temps si court. Le titre (en français) de Poème mystique s’imposa de lui-même, et en définit parfaitement l’atmosphère. Bloch disait que la (Première) Sonate avait dépeint le monde tel qu’il était, comme la lutte frénétique de forces conflictuelles primaires et aveugles, alors que l’œuvre nouvelle le montre tel qu’il devrait être et que nous le rêvons, une expression d’idéalisme, de foi, d’espérance et de ferveur. Au contraire de la forme fortement structurée en trois mouvements de son aînée, c’est une œuvre d’un seul tenant, beaucoup plus libre et rhapsodique, réellement plus Poème que Sonate, et la présence de certaines tournures mélodiques juives, comme de citations de plain-chant grégorien (parties du Credo


« tibétain » selon l’auteur lui-même, évocation d’un autre monde lointain, définie par l’indication liminaire molto misterioso, et qui exprime plutôt une volonté d’évasion qu’une réconciliation véritable, culminant en un puissant sommet d’intensité avant de refluer vers une paix encore troublée. Le Finale, Moderato, commence par un thème de marche, pesante et barbare, qui traite le piano en instrument de percussion, et s’élève graduellement à un nouveau sommet. Mais il faudra le passage par le souvenir du premier mouvement pour que la musique se libère enfin en un épilogue Lento assai d’une grande douceur, se terminant en Mi majeur et exprimant une paix non plus « tibétaine », mais celle, authentique, de la vie intérieure.


et Gloria presque complet de la Messe Kyrie fons bonitatis) souligne sa dimension spirituelle et annonce en quelque sorte le futur Service Sacré. La première audition eut lieu dans une maison privée de New York le 24 janvier 1925 par le violoniste suisse André Ribaupierre, l’un des vieux amis les plus proches de Bloch, avec Beryl Rubinstein au piano. La première exécution publique, par les mêmes interprètes, suivit à Cleveland le 24 avril, dans ce même Conservatoire dont il devait être si brutalement renvoyé à peine deux semaines plus tard. Le Poème mystique ne connut pas une carrière heureuse, Bloch l’ayant confié à l’éditeur allemand Leuckart de Munich, qui avait publié sa toute première Symphonie, mais lorsque Hitler prit le pouvoir en Allemagne, tous les exemplaires furent détruits comme musique juive « dégénérée », et pendant longtemps l’œuvre ne fut plus disponible. Bien des années après, le compositeur envoya une copie de son propre manuscrit à Jascha Heifetz, qui en fit alors un enregistrement. Il s’était rendu compte que dans sa rédaction originale l’œuvre présentait quelques menues faiblesses : des harmonies parfois un peu « sucrées », un abus d’octaves dans la partie de violon et de trémolos dans celle de piano. Il les corrigea vers la fin de sa vie, mais il semble que ces changements ne furent pas publiés. Nigun (Improvisation en hébreu), de loin la page la plus populaire de Bloch, est la deuxième des trois pièces pour violon et piano constituant le cycle Baal Shem, trois images de la vie chassidique. C’est un produit de ses fécondes années de Cleveland. La première pièce Vidui (Contrition) fut terminée le 13 mai 1923 et créée presque immédiatement le 24 par le fidèle André de Ribaupierre avec le compositeur au piano. Nigun suivit le 21 octobre et Simchas Torah (Réjouissance dans le Torah) une semaine plus tard. Le cycle complet fut interprété pour la première fois par les mêmes exécutants au Temple B’naï Jeshurum de Cleveland le 6 février 1924. Comme on pouvait s’y attendre, cette musique séduisante et accessible connut un succès immédiat et jamais démenti depuis, bien que Nigun ait relégué dans l’ombre

Notre programme est complété par l’une des pièces les plus connues d’Arvo Pärt (né en 1935), Fratres, composée en 1977 et connue dans de nombreuses transcriptions. Pärt est un représentant majeur de la variante est européenne du minimalisme, d’expression méditative et mystique (de pair avec son contemporain polonais Gorecki et, dans une certaine mesure, avec le Britannique Tavener, que sa conversion à l’église orthodoxe grecque rapproche de la spiritualité d’Orient). Après une phase précoce proche de l’avant-garde d’alors, faisant appel à des techniques sérielles, il établit rapidement son propre style, qualifié de « tintinnabulation », par allusion aux harmonies des cloches d’église. Harry Halbreich, Décembre 2012


non seulement ses deux voisines, mais les autres pages « juives » de Bloch pour la même formation, comme Abodah ou la tardive Suite hébraïque. Le titre Baal Shem se réfère au rabbin polonais Baal Shem Tov (« Le Maitre du Saint Nom » ou « Celui qui accomplit des miracles en invoquant le Nom de Dieux »), qui vécut de 1698 à 1780 et fonda le mouvement chassidique du judaïsme, toujours très actif de nos jours, et qui voulait atteindre Dieu par la joie du chant et de la danse. L’œuvre, que Bloch dédia à la mémoire de sa mère, « qui l’aurait adorée », est également populaire dans sa version orchestrée, écrite beaucoup plus tard, en août 1939. Baal Shem, et particulièrement Nigun, est très éloigné du style radical des sonates, et vise délibérément une audience populaire. Bien qu’il relève d’une tout autre catégorie esthétique, Bloch en fut toujours fier, même si parfois il fut agacé par son succès aux dépens d’œuvres plus importantes.


ELSA GRETHER Jeune violoniste charismatique au jeu passionné et d’une intense poésie, Elsa Grether, née à Mulhouse, France, obtient un Premier Prix de violon à l’unanimité du jury au CRR de Paris le jour de ses quinze ans. Poussée par une grande curiosité, elle poursuit sa formation à l’étranger, au Mozarteum de Salzbourg avec Ruggiero Ricci, puis aux Etats-Unis avec Mauricio Fuks à l’Université d’Indiana, Bloomington et Donald Weilerstein au New England Conservatory de Boston. Elle bénéficie ensuite des conseils de Régis Pasquier à Paris. Lauréate du Prix International Pro Musicis 2009 à l’unanimité du jury avec la pianiste Delphine Bardin, elle fait en 2012 ses débuts en récital au Carnegie Weill Hall de New York ainsi qu’à Boston. En soliste avec orchestre, elle a interprété de nombreux concertos (Bach, Vivaldi, Mozart, Haydn, Beethoven, Bruch, Brahms, Tchaïkovski, Chébaline, Dvo^rák, Prokofiev, Tzigane de Ravel…) On a pu l’entendre en récital dans de nombreux festivals et salles en France et à l’étranger : Printemps des Arts de Monte-Carlo, Festival de Menton, Bozar de Bruxelles, Salle Cortot à Paris, Musicales de Bagatelle, Festival Musica à Strasbourg, Festival de Polignac, Festival de Toulon, Rencontres musicales de Savoie, Musiciennes à Ouessant, Avery Fisher Hall de New York, Chicago Myra Hess Concert Series, Indianapolis Art Museum, Alger Radio Nationale, Salzbourg Schloss Mirabell, Santander Palais des Festivals…). Elle est lauréate de diverses fondations: Safran pour la Musique, Natixis-Banque Populaire, Prix Oulmont (Fondation de France), Cziffra, Fondation BleusteinBlanchet pour la Vocation, Fondation Alliance, AJAM. En 1993, elle est lauréate du Concours des Jeunes solistes organisé par la RTBF de Bruxelles. Alain Duault lui a consacré une émission dans «Toute la musique qu’ils aiment» (France 3) et elle a été invitée à diverses reprises sur France Musique, France Culture, Musiq3 et la RTS Suisse.

En 2012 on a pu l’entendre en récital à Venise au Palazzetto Bru-Zane, en Suisse à la Radio Suisse Romande et au Festival Cully classique, en France au Salon Musicora à Paris (Grand Auditorium du Palais Brongniart), au Festival des Forêts, Lille Clef de Soleil, Présences féminines à Toulon, Saoû chante Mozart, Festival d’Uzerche, en Belgique notamment au Bozar de Bruxelles, Festival Classissimo, Festival de Stavelot, Ostbelgien Festival, à la Scène Nationale de Martinique.

Elle joue régulièrement avec les pianistes Ferenc Vizi, François Dumont, Delphine Bardin ainsi qu’ avec Régis Pasquier, Ronald van Spaendonck, Marc Grauwels, Johan Schmidt, Marielle Nordmann, Pascal Contet, Geoffroy Couteau, Nicolas Stavy…

FERENC VIZI Né en 1974 en Transylvanie, Roumanie, il se forme dans sa ville natale de Reghin auprès d’András Körtesi et plus tard au CNSM de Paris avec Gérard Frémy. Il reçoit également les conseils de Cyril Huvé, Jacques Rouvier et de la pianiste Françoise Thinat à l’École Normale de Paris. En tant que lauréat des prestigieux concours Rubinstein à Tel-Aviv et de l’ARD à Munich, il bénéficie d’engagements en Amérique du Sud, au Japon, dans plusieurs pays d’Europe et enregistre en 2003 pour la Radio de Munich le 2e Concerto de Bartók avec l’orchestre de la Bayerischer Rundfunk, sous la direction de Peter Rundel. En France, il est l’invité du Festival de Nohant, de la Folle Journée de Nantes, du Festival de La Roque d’Anthéron où il donne les Variations Diabelli de Beethoven,


Ses prochains concerts la mèneront notamment aux Festivals de musique sacrée de Monaco et de Perpignan, où elle collaborera avec le comédien Daniel Mesguich autour du programme du CD « Poème mystique », ainsi que Salle Flagey à Bruxelles.

du Festival de La Chaise-Dieu où il interprète le Totentanz de Liszt avec l’Orchestre National d’Île de France dirigé par Yoel Levi. On le retrouve dans Liszt encore aux « Lisztomanias» de Châteauroux où, avec l’ensemble de musique traditionnelle hongrois Cifra, Ferenc Vizi crée le programme « Rhapsodies - Liszt et les Tziganes », qui sera repris en tournée en France pendant la saison 2012 -2013, notamment sur la prestigieuse scène du Théâtre de la Ville à Paris.


En novembre 2012 il effectue une tournée dans le Sud de la France avec l’Orchestre Philharmonique d’ Etat de Târgu-Mures (Roumanie) au cours de laquelle il interprète le Concerto no. 1 de Tchaïkovski et le Concerto de Grieg. Deux CD sont parus, l’un comprenant la dernière Sonate de Beethoven et la Fantaisie opus 17 de Schumann, pour le label Æon, et l’autre, intitulé « Voyage », incluant des œuvres de Schubert, Liszt, Wagner, pour le label Satirino Records.

Ferenc Vizi Š Adrien Alleaume


Studio 4 - Flagey

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FUG 711


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The labels of the Outhere Group: Outhere is an independent musical production and publishing company whose discs are published under the catalogues Æon, Alpha, Fuga Libera, Outnote, Phi, Ramée, Ricercar and ZigZag Territoires. Each catalogue has its own well defined identity. Our discs and our digital products cover a repertoire ranging from ancient and classical to contemporary, jazz and world music. Our aim is to serve the music by a relentless pursuit of the highest artistic standards for each single production, not only for the recording, but also in the editorial work, texts and graphical presentation. We like to uncover new repertoire or to bring a strong personal touch to each performance of known works. We work with established artists but also invest in the development of young talent. The acclaim of our labels with the public and the press is based on our relentless commitment to quality. Outhere produces more than 100 CDs per year, distributed in over 40 countries. Outhere is located in Brussels and Paris.

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Bloch, Pärt : Poème Mystique  
Bloch, Pärt : Poème Mystique  

Elsa Grether, Ferenc Vizi