Billions of Suns - Elisa Balmaceda by Elisa Balmaceda

Introduction / Introducción Julia Scher

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FULL SPECTRUM EQUINOCCIO

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EL CIELO QUE CAE CÁMARA SOLAR

119 And then it is night / Y de pronto anochece Raúl Zurita & Elisa Balmaceda

145 THE NATURE OF THINGS 165 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO 203 VICTORY OVER THE SUN 237 TAYPI. 10000 soles 275 Biography / Biografía 287 Acknowledgments / Agradecimientos

Billions of Suns

Elisa Balmaceda utilizes time, architecture and physics to perform specific episodes that are particular to the universe. The focus of her work is finding, organizing and transposing light, energy, experience and the poetics of the sun. These episodes involve the peculiarities of the landscape and all of its histories within art, night, day, and the in-between worlds that permeate the energy of their systems. The issues that concern her are raised side by side with an attention to gender equanimity and equivalence. She approaches them with the tactics that are unfamiliar to a normative lens of gender, and that as such transcend it. The circulation and variations of light and landscape become key players in a world of degrees and metrics for bodies to be attuned to. Luminosities become mixed, electrical discharge between body and sun bring recombination; and invisible architectures are formed between the two. There is a search for new questions of human prosperity and the universe itself. It is a work that beckons us to the fact that there are billions and billions of suns. Within the different sections of her oeuvre, we are presented perhaps with a new syntax for art, one that explores a world in which all of these suns are made immediately present in our lives. The System For Balmaceda, the experience of the system might be the most important and valuable when making art. Her art signals a co-existence of entities, a dialogue that is not just a video or projection of physicality in the space. There is a tension, both neural and psychic, between the networked landscape and the natural one; the man-made infrastructure upon the land and urban space, which in turn is interfered with and determined from natural infrastructures. Chroma An idea of origin and beginning, the source for building upon and identifying surrounding environments. The body moves through color, both manifest and invisible, and is as elemental as fire, water, air, earth. It is also primal, and to the body is its charms, auras, from shared spiritual histories that combine across a spectrum the identities of east / west,

north / south relationships. Chroma is the exposure of bodies to time. Bodies become the constellation of chroma over space. Blue – Screens and Skies In her work she recognizes the capacity of blue to include all contradictions, and therefore include all problems and solutions. Cyanotypes and their peaceful images provide enough space for the desert and the burning, bountiful sun to reflect upon each other, to learn from each other, to gift each other. Videos demonstrate vocabularies of mixed formats. In language, as blue as it is, a woman alone is not connected to any male hierarchy, but is connected to light, to energy itself. 8

Black The physical worlds of math run throughout the practice. It is an energy that is postulated between waves and frequencies, an interstitial event space, in which elements combine and affect each other. It is a market that allows for research to be bartered with the cosmos, allowing collaboration between a roaming and layering of topologies, opening corridors for a new humanitarianism. She aims towards social and psychic reform, and battles for energy and community. The Archive In her research, there is an archive. Conjuring from this, we may call it evidence production, the archive becomes the art. There is a pursuit to make solar studies less fragmented than what is traditionally found within academia. The viewer remains in diagram and dialogue with her research, which is made real and substantial—removed from its restraints of information-heavy didacticism—by close engagement with the natural processes of the sun and its chromatic spectrum. The archive, like light, is an invisible architecture that binds bodies and histories together. Power Where else does it reside but in the sun, from origin to energy, with the plural possibilities of phasing in and out of dreams, recorded and transformed, reordered and reformed. Light is the guiding instance in the work. Looking at the sky and finding a loss of control, but looking in and finding a chromatic expansion of history that brings connection, discovery, and revelation.

Billones de soles

Elisa Balmaceda utiliza el tiempo, la arquitectura y la física para representar episodios específicos que son únicos en este universo. Su trabajo se enfoca en encontrar, organizar y transponer la luz, la energía, la experiencia y la poética del sol. Estos episodios involucran las particularidades del paisaje y todas sus historias dentro del arte, como el día, la noche, y los mundos intersticiales que permean la energía de sus sistemas. Los temas que le interesan son presentados a la par de una atención a la ecuanimidad y equivalencia de género. Los aborda con tácticas que le son desconocidas a la mirada normativa de género, y como tal consiguen trascender a esta. Los circuitos y variaciones de la luz y el paisaje se vuelven actores clave en un mundo de gradaciones y mediciones a los que los cuerpos se ajustan. Las luminosidades se mezclan, la descarga eléctrica entre el cuerpo y el sol genera una recombinación; y entre ambas se forma una arquitectura invisible. Hay una búsqueda de nuevas preguntas sobre el porvenir de la humanidad y el universo mismo. Es una obra que nos invita a apreciar el hecho de que existen billones y billones de soles. Dentro de las distintas secciones de su trabajo nos entrega quizás una nueva sintaxis para el arte, una que explora un mundo en el cual todos estos soles se hacen presentes en nuestras vidas de forma inmediata. El sistema Es posible que para Balmaceda la experiencia del sistema sea la más importante y valiosa a la hora de hacer arte. Su obra apunta a una coexistencia de entidades, un diálogo que no es tan solo un video o una proyección de lo físico en el espacio. Hay una tensión, tanto neural como síquica, entre el paisaje en red y el paisaje natural; la infraestructura que el hombre ha impuesto sobre territorios y espacios urbanos, que a su vez es determinada e interferida por las infraestructuras naturales. Chroma Una idea del origen y el comienzo, la base sobre la cual construir e

identificar a los elementos circundantes. El cuerpo se mueve a través del color, tanto del manifiesto como del invisible, y es algo tan elemental como el fuego, el agua, el aire o la tierra. También es algo primario, y es para el cuerpo como sus hechizos, sus auras, que vienen de historias espirituales comunes que combinan, a través de un espectro, las identidades y relaciones este / oeste, norte / sur. Chroma es la exposición de los cuerpos al tiempo, y estos se vuelven la constelación del chroma sobre el espacio.

Azul – Pantallas y cielos Su obra reconoce la capacidad del azul para incorporar a todas las contradicciones, y por ende a todos los problemas y soluciones. Los cianotipos y sus pacíficas imágenes entregan espacio suficiente para que el desierto y el sol ardiente y abundante se reflejen entre sí, aprendiendo el uno del otro, entregándose. Los videos demuestran vocabularios de formatos mixtos. En el lenguaje, por azul que se vea, una mujer sola esta conectada no a alguna jerarquía masculina, sino que a la luz, a la energía misma. Negro Una arquitectura de la invisibilidad. Los mundos corpóreos de la matemática recorren toda esta práctica. Es una energía que se postula entre las ondas y las frecuencias, un espacio intersticial de eventos, en donde los elementos se combinan y afectan entre sí. Es un mercado que permite que la investigación regatee con el cosmos, permitiendo así la colaboración entre el deambular y la estratificación de las topologías, abriendo caminos para un nuevo humanismo. Balmaceda apunta a una reforma síquica y social, y batalla por la energía y la comunidad. El archivo En su investigación hay un archivo. A partir de este podemos conjurar una producción de evidencia, el punto en el que el archivo se vuelve arte. Hay un afán de hacer de los estudios solares algo menos fragmentado de lo que han sido tradicionalmente en el mundo académico. El espectador se mantiene en el diagrama y el diálogo dentro de la investigación de Balmaceda, pues esta se vuelve real y sustancial—liberada de las cadenas del didacticismo saturado de información—mediante la interacción cercana con los procesos naturales del sol y su espectro cromático. El archivo, como la luz, es una arquitectura invisible que une y conecta a los cuerpos y a las historias. Poder Dónde más reside sino en el sol, desde el origen a la energía, con una pluralidad de posibilidades de aparición y desaparición en los sueños, registrado y transformado, reordenado y reformado. La luz es el principio guía de la obra. Mirar al cielo y dar con una pérdida del control, pero mirar hacia adentro y encontrar una expansión cromática de la historia que trae conexión, descubrimiento y revelación.

FULL SPECTRUM

p. 15-17, 28-29, 30-31, 42 SPECTRAL CORRIDOR

Holographic plastic film, curtain tracks, window, sunlight, plexiglass mirror Cologne, 2014

Película plástica holográfica, rieles de cortina, luz solar, ventana, espejo de plexiglass Colonia, 2014

p. 18-19 ANDROMEDA M31 (Mise-en-Abyme)

HD video, sound 09:40 minutes Cologne / Berlin, 2015

Video HD, sonido 09:40 minutos Colonia / Berlín, 2015

p. 22-25 AURA PORTRAIT SERIES

Large format camera, Instant 4x5 inch Polaroids, holographic film, light-box Cologne, 2015

Cámara de gran formato, Polaroids instantáneas de 4x5 pulgadas, película holográfica, caja de luz Colonia, 2015

p. 26-27 PARANAL (VLT)

HD video, digital sound 09:30 minutes Atacama / Cologne, 2014

Video HD, sonido digital 09:30 minutos Atacama / Colonia, 2014

p. 32-33 THE LIGHT BETWEEN US

Found seats, plants, self-made lamp that simulates sunlight Cologne, 2014

Asientos encontrados, plantas, lámpara de fabricación artesanal que simula la luz del sol Colonia, 2014

p. 34-35 SPIRIT PHOTOGRAPHY

Series of photograms where the light emanated by everyday electronic devices was exposed onto photographic paper Cologne, 2014

Serie de fotogramas en los que se expuso sobre papel fotográfico la luz que emiten algunos aparatos electrónicos cotidianos Colonia, 2014

p. 34 (bottom), 36-37 LIQUID CRYSTALS

Thermochromic film, metallic box, halogen spotlight and flashlight 80x20x130 cm Cologne, 2014

Película termocrómica, caja metálica, foco halógeno y linterna 80x20x130 cm Colonia, 2014

p. 38, 40-41 AUS DER LUFT

Risograph and digital print on paper Cologne, 2014

Risografía e impresión digital sobre papel Colonia, 2014

p. 39 AURA PORTRAIT SERIES (Photobook)

Photographic paper, cardboard Cologne, 2015

Papel fotográfico, carton Colonia, 2015

Cologne, 2014 – 2015 Full Spectrum brings together a series of artworks that emerged from an exchange project between visual artists and astronomers in Cologne, Germany, between 2014 and 2015. During this period of time, I visited laboratories, observatories and sites with astronomical instrumentation both in Germany and in the north of Chile. From this experience, using found materials, discarded objects, video recordings, and 3D models, I created a series of site-specific installations and objects for the exhibition space that sought to explore the relationship between human body and light (both natural and artificial), and the sun’s influence over our sense of time / space both within and outside the architectural space. In turn, the videos present in the exhibition alluded to the pictorial tradition of landscape representation in astrophotography and popular outer space imagery to reflect on the inexhaustible scientific effort to visualize the invisible, capture the unknown, and that which still remains unseen. Curated by Georg Elben and Julia Höner, Full Spectrum took place in a temporary gallery space within the premises of the insurance company, Generali AG. Given this context, the show sought to create a dialogue between the corporate, scientific and spiritual, incorporating the company’s workers in two of the installations.

Full Spectrum was curated by Julia Höner and Georg Elben for EG Null: Raum für Junge Kunst in Cologne between 2014 and 2015. The exhibition was commissioned by EG Null: Raum für Junge Kunst and the Academy of Media Arts Cologne.

Colonia, 2014 – 2015

Full Spectrum reúne una serie de obras que surgen de un proyecto de intercambio entre artistas visuales y astrónomos en Colonia, Alemania, entre 2014 y 2015. Durante este periodo de tiempo visité laboratorios, observatorios e instrumentación astronómica en Alemania y también en el norte de Chile. A partir de esta experiencia, utilizando materiales encontrados y descartados, registros en video y modelos 3D, creé una serie de instalaciones y objetos específicos para el espacio de exposición, a través de los cuales me interesó explorar la relación del cuerpo humano con la luz (tanto natural como artificial), y la influencia del sol sobre nuestro sentido del tiempo / espacio, dentro y fuera del espacio arquitectónico. A su vez, los videos presentes en la muestra aludían a la tradición pictórica del paisaje y la representación en la astrofotografía y al imaginario espacial, reflexionando sobre el inagotable esfuerzo del desarrollo científico y su maquinaria por visualizar lo invisible, lo oculto y desconocido. Full Spectrum, curada por Georg Elben y Julia Höner, se llevó a cabo en una galería temporal de exposiciones en las instalaciones de la compañía de seguros Generali AG en Colonia, Alemania. Considerando este particular contexto, la muestra tuvo por objetivo generar un diálogo entre elementos corporativos, científicos y espirituales, contemplando la interacción y el tránsito de los trabajadores de la empresa en algunas de las instalaciones creadas para este particular espacio de exhibición.

Full Spectrum fue curada por Julia Höner y Georg Elben para EG Null: Raum für Junge Kunst en Colonia entre 2014 y 2015. La exposición fue comisionada por EG Null: Raum für Junge Kunst y la Academy of Media Arts de Colonia.

A video featuring the astrophysicist Dr. Volker Ossenkopf, who scientifically analyzes the wallpaper or desktop image of an Apple Macbook Pro laptop; an astrophotography depicting the Andromeda galaxy M31.

Video que registra al astrofísico Dr. Volker Ossenkopf mientras analiza científicamente el fondo de pantalla o imagen de escritorio de un ordenador portátil Apple Macbook Pro, el cual muestra una astrofotografía de la galaxia Andrómeda M31.

Aura Portrait Series In collaboration with Kiril Nikolov

The Aura Portrait Series consists in shooting portraits of people standing and posing in front of a camera while being behind a curtain made out of holographic or spectral film that resembles a prism. Thus, the visitor creates a kind of interference within this optical apparatus, projecting their silhouette surrounded by colors or what is commonly called an aura: an atmosphere or invisible emanation or field of energy believed to radiate from a person or object.

Shootings: #1 Museum Ludwig, Cologne, 2015. #2 Art Cologne - International Art Fair, Cologne, 2015. #3 EG Null - Raum für Junge Kunst, Cologne 2015.

Aura Portrait Series En colaboración con Kiril Nikolov

La serie Aura Portrait consiste en fotografiar retratos de personas de pie y posando ante la cámara mientras están detrás de una cortina hecha de una película plástica holográfica o espectral que funciona como un prisma. La persona retratada crea así una especie de interferencia dentro de este aparato óptico proyectando su silueta rodeada de colores o lo que se llama popularmente un aura: una atmósfera, emanación invisible o campo de energía que se cree irradia de una persona u objeto.

Sesiones: #1 Museo Ludwig, Colonia, 2015. #2 Art Cologne - International Art Fair, Colonia, 2015. #3 EG Null - Raum für Junge Kunst, Colonia, 2015.

The night of the exhibition opening, a simulation of daylight was created from the outside as is done in film sets, in this case to illuminate the installation inside the gallery.

Durante la inauguración de la exposición (noche), la instalación fue iluminada desde el exterior del espacio, creando una simulación de luz diurna que toma como referencia la técnica utilizada en sets de cine.

In a geodesic dome, chairs and plants found in the gallery building were re-positioned, creating an artificial environment around a lamp designed to allow visitors and workers to have exposure to daylight in the darker months of the year. The lamp was built in order to reach the closest artificial configuration to the spectrum of the sun. This environment was set up as an exploration of optical stimuli in human psychology to explore with exhibition visitors.

En una cúpula geodésica, sillas y plantas del edificio de la galería fueron re-organizadas, creando un entorno artificial alrededor de una lámpara que simulaba luz diurna y en donde los visitantes y trabajadores podían “exponerse” en los meses más oscuros del año. La lámpara fue creada con luz artificial cercana al espectro del sol, con el fin de explorar los estímulos ópticos y físicos de la luz en la psicología humana por medio de los visitantes.

A metal base covered with a material sensitive to temperature reacted to the light-exposure from one of the gallery’s spotlights. This surface could also be touched by exhibition visitors, thus making visible their fingerprints on the material for a while. Una base metálica cubierta con un material sensible a la temperatura reaccionaba al calor de uno de los focos de la galería, y también a la interacción de los visitantes al tocarlo.

Aus der Luft (which literally translates as “from the air” yet also translates to “out of the blue” in its colloquial usage) is a publication containing a dialogue / collage with astronomer Michael Geffert. Aus der Luft (“del aire” en alemán literal y también “de la nada” en alemán coloquial) es una publicación que contiene un diálogo / collage realizado junto al astrónomo Michael Geffert.

EQUINOCCIO

p. 47-49, 54-57 EQUINOCCIO (installation)

p. 47-49, 54-57 EQUINOCCIO (instalación)

Holographic plastic film, sunlight, paper, mirror film, 3D renders, calendar Santiago, 2017

Película plástica holográfica, luz solar, papel, película espejo, reproducciones en 3D, calendario Santiago, 2017

p. 50-53 EQUINOCCIO

3D renders by Przemek Trznadel Santiago, 2017

Renders 3D por Przemek Trznadel Santiago, 2017

p. 58 EQUINOCCIO (calendar)

p. 58 EQUINOCCIO (calendario)

Color pencils and ink on paper Santiago, 2017

Lápices de colores y tinta sobre papel Santiago, 2017

p. 64 EQUINOCCIO

Digital collage (sun path and 3D render of the gallery space) Santiago, 2017

Collage digital (recorrido del sol y renderización en 3D del espacio de la galería) Santiago, 2017

Santiago 17:02 h, September 22, 2017 Equinoccio is an invitation to explore our daily relationship with a larger planetary geometry. The equinox is the moment in the year when the sun is located directly above the equator, its light falling perpendicular to the Earth’s axis, making the length of day and night equal across the planet. This phenomenon occurs twice a year when transitioning from summer to fall and in between winter and spring. Many pre-Hispanic cultures erected buildings, observatories, and ceremonial sites that took into account the sun’s position during the annual solstice and equinox. In the Andean worldview, the equinox is a celebration of harvest, the moon and female spirit, and sets in motion a process and ritual of purification. Inspired by this celestial phenomenon, the exhibition began precisely at the start of the Southern Hemisphere’s vernal equinox (September 22 at 17:02 h), and presented a minimal, site-specific intervention based on the conditions that characterized Galería Tajamar’s space: its geometry, transparency, and the relationship between its interior and exterior. For this, one of the larger windows in the gallery was partially covered with a clear holographic plastic that, like a prism, diffracted light entering the space making a spectrum of colors, that constitutes sunlight, visible within the exhibition space. From then until October 27, this glass pavilion was transformed into an instrument of light observation that revealed the constant and cyclical movement of the Earth. Inspired by astronomical instrumentation present in the Atacama Desert and bringing in ancestral notions of sun observation, the exhibition had a laboratory feel; one seeking to develop a study of the gallery’s coordinates to generate a calendar that, just as an astronomical sighting event, would reveal the date and time of its appearance.

Equinoccio was developed for Galeria Tajamar and commissioned by Fundación Tajamar.

Santiago 17:02 h, 22 de septiembre, 2017

Equinoccio es una intervención que busca explorar nuestra relación cotidiana con una geometría planetaria mayor. El equinoccio es el momento del año en que el sol se encuentra sobre el ecuador, formando un eje perpendicular con la tierra y haciendo que la duración del día sea igual a la de la noche en todo el planeta. Este fenómeno ocurre dos veces al año, marcando el cambio de estaciones entre verano y otoño, y entre invierno y primavera. Diversas culturas erigieron construcciones, observatorios y centros ceremoniales que consideraban la posición del sol durante solsticios y equinoccios. En la cosmovisión andina, el equinoccio es una celebración de la cosecha, la luna y el espíritu femenino, y establece un proceso y ritual de purificación. Alineada con este fenómeno celeste, la exposición comenzó en el preciso momento del inicio del equinoccio de primavera del hemisferio sur (22 de septiembre de 2017 a las 17:02 h), proponiendo una intervención mínima y específica basada en las condiciones que caracterizan el espacio de Galería Tajamar: su geometría, su transparencia y la relación entre su interior y su exterior. Para ello, uno de los grandes ventanales de la galería fue cubierto parcialmente con un plástico holográfico transparente que, a modo de prisma, difractaba la luz que entraba en el espacio de exposición y hacía visible el espectro de colores que constituye la luz solar. Desde entonces, y hasta el 27 de octubre, el pabellón de vidrio de la galería fue transformado en un instrumento de observación lumínica, dando cuenta del movimiento constante y cíclico de la Tierra. Tomando como referencia instrumentación astronómica presente en el desierto de Atacama y buscando generar un cruce con nociones ancestrales de observación del sol, la muestra tuvo un carácter de laboratorio, desarrollando un estudio de las coordenadas de la galería para generar un calendario que, tal como un evento de avistamiento astronómico, iba revelando la fecha y hora en que sería posible observar la proyección de luz al interior del espacio.

Equinoccio fue desarrollado en Galería Tajamar y comisionado por la Fundación Tajamar.

Calendar that revealed the date and time in which it would be possible to observe the light projection inside the space. Calendario que iba revelando la fecha y hora en que sería posible observar la proyección de luz al interior del espacio.

Sketch of the geographical coordinates and sun alignment of the gallery space during the spring equinox in Santiago (2017).

Boceto de las coordenadas geográficas y la alineación solar del espacio de la galería durante el equinoccio de primavera en Santiago (2017).

Satellite view of the sun in relation to the gallery space during the equinox in Santiago (Chile) at 17:02 on 22 September 2017.

Vista satelital del sol en relación al espacio de la galería durante el equinoccio en Santiago (Chile) a las 17:02 del 22 de septiembre de 2017.

Digital collage of the sun’s path (spring equinox) and a 3D render of the gallery space seen from above.

Collage digital de la trayectoria del sol en el equinoccio de primavera junto a una representación en 3D del espacio de la galería visto desde arriba.

EL CIELO QUE CAE

p. 69-75 EL CIELO QUE CAE (video installation)

p. 69-75 EL CIELO QUE CAE (video-instalación)

50 reflective thermal blankets (210x160cm each), found stones documented in digital photography and HD video (color, sound, 04:45 minutes) Atacama Desert / Cologne, 2015

50 mantas térmicas reflectantes (210x160cm cada una), piedras encontradas documentado en fotografía digital y video HD (color, sonido, 04:45 minutos) Desierto de Atacama / Colonia, 2015

p. 76-79, 82 EL CIELO QUE CAE

p. 76-79, 82

Photographs taken during a residency in the Atacama Desert, 2015

EL CIELO QUE CAE Fotografías tomadas durante una residencia en el desierto de Atacama, 2015

p. 80-81 (top) EL CIELO QUE CAE

p. 80-81 (superior) EL CIELO QUE CAE

Series of 10 cyanotype prints and artist book Atacama Desert, 2015

Serie de 10 cianotipos y libro de artista Desierto de atacama, 2015

p. 81-86, 94-95 EL CIELO QUE CAE

Artist book that collects photographs, sketches, texts and found images Cologne, 2016

Libro de artista que recoge fotografías, bocetos, textos e imágenes encontradas. Colonia, 2016

p. 86-87 EL CIELO QUE CAE

Digital photography Berlin, 2016

Fotografía digital Berlín, 2016

p. 88-91 EL CIELO QUE CAE (object)

p. 88-91 EL CIELO QUE CAE (objeto)

Wood, mirror, white fluorescent light, programming interface 90x110x90cm Cologne / Berlin, 2016

Madera, espejo, luz fluorescente blanca, interfaz de programación 90x110x90cm Colonia / Berlín, 2016

p. 92-93 EL CIELO QUE CAE (installation)

p. 92-93 EL CIELO QUE CAE (instalación)

Detail of installation view at Matjö – BBK Gallery on the occasion of the Academy of Media Arts, Women Artist Award 2016. Cologne, 2016

Detalle de la instalación en la Galería Matjö - BBK con motivo del Premio de Mujeres Artistas de la Academia de Artes Mediales 2016. Colonia, 2016

Cologne / Atacama, 2015 – 2016 El cielo que cae was an exhibition of photographs, a video installation and an artist book created following an artist residency in Quillagua, a former oasis in the Atacama Desert. The artworks sought to generate a dialogue between the “earthly” and the “celestial”, bringing together scientific and popular discourses with light and energy phenomena related to the sun and extractivism, inherently present in this territory. The main piece was a video installation that documented an intervention that took place inside a large crater called the Valle de los Meteoritos. The action partially covered the crater’s inner surface with “emergency foil blankets”, a silver material that reflects the blue sky, thus creating a kind of mirage or metallic pool that changed according to the viewpoint. The video installation was accompanied by a wooden cube that hung from the ceiling of the room, within which visitors could contemplate an automated programming of an infinite and distorted sky: an illusion created by an “infinity mirror” effect and artificial light, thus proposing a reversal of the illusion shown on the video. The exhibition also contained a series of cyanotypes that had been created in the desert by exposing found objects, astronomical photographic glass plates and satellite views of the area to the radiation of the sun on paper. The images were fixed with water extracted from the Loa River, which runs through the Quillagua oasis and is polluted with various minerals from the mining industry of the region (the biggest producer of copper in the world), thus generating variations in the result. These images, together with photographs taken during the residency, research material and sketches of the process, make up a handmade artist’s book that also was included within the exhibition.

El cielo que cae was exhibited at MATJÖ – BBK Gallery Cologne for the Academy of Media Arts, Women Artist Award 2016; Gallery Mario Kreuzberg, Berlin; and Q18 Atelierhaus Quartier am Hafen, Cologne. The work was commissioned by the Academy of Media Arts Cologne and the SACO Artists in Residence program in collaboration with FONDART (2015).

Colonia / Atacama, 2015 – 2016

El cielo que cae surge a partir de un proyecto de residencia artística en Quillagua, un antiguo oasis en el desierto de Atacama. La exposición reúne una video-instalación, fotografías y un libro de artista, y busca generar un diálogo entre lo “terrenal” y lo “celeste”, haciendo confluir discursos científicos y populares con fenómenos lumínicos y energéticos relacionados con el sol y la extracción, propios del desierto. La pieza principal de la muestra documenta una intervención realizada dentro de un cráter en el llamado Valle de los Meteoritos. La acción interviene parcialmente la superficie interior del cráter con “mantas de emergencia”, un material plateado que refleja el azul del cielo, creando así una suerte de espejismo o poza metálica, que cambiaba de acuerdo al punto de vista. El video es acompañado por un cubo de madera suspendido en el centro de la sala, dentro del cual es posible contemplar la programación automatizada de un cielo infinito y distorsionado: una ilusión creada por un efecto inmersivo de espejos y luz artificial que genera un contrapunto a lo observado en el video. El proyecto incluye una serie de cianotipos creados en el desierto, en donde objetos encontrados tales como piedras, desechos, placas fotográficas astronómicas y vistas satelitales del lugar han sido expuestos a la radiación del sol sobre la superficie del desierto. Las imágenes fueron fijadas con agua extraída del río Loa, el cual atraviesa el oasis de Quillagua y está contaminado con diversos residuos de la industria minera de la región (la mayor productora de cobre del mundo), generando así variaciones en el resultado. Estas imágenes, junto a fotografías realizadas durante la residencia, material de investigación y bocetos realizados en el proceso, conforman un libro de artista hecho a mano que acompaña la muestra.

El cielo que cae fue exhibido en: MATJÖ - BBK Gallery Cologne con motivo de la entrega del Premio de la Academia de Artes Mediales para Mujeres Artistas 2016; Gallery Mario Kreuzberg, Berlín; y Q18 Atelierhaus Quartier am Hafen, Colonia. La obra fue comisionada por la Academy of Media Arts Cologne y el programa SACO Artists in Residence en colaboración con FONDART (2015).

An intervention that took place inside a crater in a former oasis, whereby the crater’s inner surface was covered with a silver material that reflected the sky, thus creating the illusion of water, silver, or a mirage. The action, recorded on video, documents its “deconstruction”: the moment when a group of people made it disappear from the desert landscape.

Intervención realizada en un cráter en el oasis de Quillagua, en donde la superficie interior del cráter fue cubierto parcialmente con un material reflectante que al reflejar el cielo, creaba la ilusión de agua o de un espejismo. La acción, registrada en video, muestra el proceso de “deconstrucción”: el momento en que un grupo de personas lo hace desaparecer del paisaje del desierto.

Found objects, photographic glass plates, and satellite views of the area were exposed to the desert sun and printed onto paper. The images were fixed with water extracted from the Loa River, which runs through the Quillagua oasis and is contaminated with various minerals from the mining industry of the region (the biggest producer of copper in the world), generating a variation in the result.

Objetos encontrados, placas fotográficas de vidrio y vistas satelitales de la zona fueron expuestos sobre papel al sol del desierto. Las imágenes capturadas con esta técnica (cianotipia) fueron fijadas con agua extraída del río Loa, el cual atraviesa el oasis de Quillagua y está contaminado con diversos minerales de la industria minera de la región (la mayor productora de cobre del mundo), lo que generó una variación en el resultado.

A wooden cube hung from the ceiling of the room, which visitors could get into and contemplate the illusion of a cloudy sky. This illusion was created by combining warm and cold fluorescent light, and an “infinity mirror” effect.

Un cubo de madera suspendido desde el techo de la sala permitía a los visitantes entrar en él y contemplar al interior la ilusión de un cielo nublado, creado combinando tubos de luz fluorescente junto a un efecto de “espejo infinito”.

Self-made artist book that brings together photographs, sketches, texts and found images.

Libro de artista hecho a mano que reúne fotografías, bocetos, textos e imágenes encontradas.

CÁMARA SOLAR (Inversión)

p. 101, 108-116 CÁMARA SOLAR

Wood, found stone, mirror, sunlight Viseu, 2019

Madera, piedra encontrada, espejo, luz solar Viseu, 2019

p. 102-103, 107 CÁMARA SOLAR

3D renders by Luis Balmaceda Viseu, 2019

Renders 3D por Luis Balmaceda Viseu, 2019

p. 103 (bottom), 104, 107 CÁMARA SOLAR

p. 103 (inferior), 104, 107 CÁMARA SOLAR

Digital photography Viseu, 2019

Fotografía digital Viseu, 2019

p.111 Aymara ethnomodel of the day-night cycle

p.111 Etnomodelo aymara del ciclo día-noche

Illustration reproduced from Grebe, M. 1990. La concepción del tiempo en la cultura aymara: representaciones icónicas, cognición y simbolismo. Revista Chilena de Antropología 9: Santiago, 63-81.

Ilustración tomada de Grebe, M. 1990. La concepción del tiempo en la cultura aymara: representaciones icónicas, cognición y simbolismo. Revista Chilena de Antropología 9: Santiago, 63-81.

Viseu, 2019 – 2021 In collaboration with architect Luis Balmaceda Cámara solar (inversión) is a site-specific observatory that takes its inspiration from the ancient archaeoastronomy sites of the Americas. It seeks to rescue the connection between the cyclical, cosmical and ritual aspects of the human with its surroundings, in order to situate and reconnect the body with the local landscape and the global sphere in times of ecological crisis and environmental degradation. This temporary construction was built in the woods of Fontenlo Park (Viseu), and has an exterior platform from which to gaze upon the immediate surroundings, whilst also looking down into the chamber’s interior space where a stone, found in the park, has been placed. The stone is covered by a mirror and used as a means to reflect the sky and invert the sun; enabling a visitor to observe down within the chamber as if one was standing in the Southern Hemisphere, thus creating an apparent “inversion”. The chamber is also aligned with one of the most important astronomical events and rituals since ancient times: the June 2020 solstice. This marks the moment at which the sun reaches its highest altitude (in the North) to then begin its return to the Southern Hemisphere, a time in which many Andean cultures celebrate, to this day, the beginning of a new year. On June 21, at 12:30 h the sunlight projects fully into the space.

Cámara solar (inversión) was created for and commissioned by POLDRA – Public Sculpture Project Viseu, Portugal, 2019.

Viseu, 2019 – 2021 En colaboración con el arquitecto Luis Balmaceda

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Cámara solar (inversión) es un observatorio efímero que se inspira en construcciones de observación arqueoastronómica y busca rescatar el vínculo de lo humano con lo cíclico y ritual del entorno, para situar y reconectar el cuerpo con el paisaje local y global en tiempos de crisis planetaria. La obra propone una arquitectura temporal de observación en el bosque de Fontelo (Viseu) y cuenta con un mirador exterior para observar el paisaje circundante, y una apertura o cámara hacia el interior, en donde una piedra encontrada en el parque es utilizada como soporte para reflejar el cielo e invertir el sol, el cual es contemplado con el cuerpo orientado hacia el norte, como si estuviéramos mirándolo desde el hemisferio sur. La construcción está a su vez alineada con uno de los hitos astronómicos y rituales más importantes desde tiempos remotos, el solsticio de junio 2020, momento en que el sol alcanza su mayor altitud en el hemisferio norte para luego retornar al sur, en donde muchas culturas ancestrales celebran el comienzo de un nuevo año y ciclo solar. El 21 de junio, a las 12:30 h se pudo observar la proyección total del sol entrar por la apertura al interior de la cámara.

Cámara solar (inversión) fue creada y comisionada por POLDRA - Proyecto de Escultura Pública Viseu, Portugal, 2019.

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Sun studies and 3D renders for the creation of the solar chamber.

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Estudios solares y renders 3D para la construcción de la cámara solar.

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Poster created in collaboration with Luis Balmaceda for POLDRA 2019.

Afiche creado en colaboración con Luis Balmaceda para POLDRA 2019.

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AND THEN IT IS NIGHT

A conversation between Raúl Zurita and Elisa Balmaceda

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SPECTRA Something that has caught my attention about your work is the way in which you work with measurements from a technological and a strict contemporaneity standpoint, with the observatories of the north, in the Atacama, that record spectra. You put an entire conceptual and practical array of instruments to take a look at this sort of world that has emerged in the post-industrial landscape, in those abandoned places that suddenly emerge, the ones you have called…

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Post-natural?

Yes, it’s quite mesmerizing. And you also maintain a certain continuity with previous pursuits. For example, the Mayas dug holes to look at the stars more effectively. They wouldn’t climb up a tower, but when they wanted to take these measurements, they would dig a hole and from it gather coordinates...

Holes in the ground?

Yes. So, what sustains your work and makes it fascinating is, I feel, that your exploration is done with great nostalgia. What I would like to do—and this is how I see it—is to ultimately return to certain types of knowledge that have been lost to technology, which has been a triumph of reason as signified by the expulsion of poets from the Republic, as was Plato’s desire. There was a time in which these human beings felt a certain closeness with the universe. For the Mapuche, the stars are the spirits of their forefathers. As a matter of fact, we do gaze at a defunct sky, for we know that many of the stars we see are already extinguished and it is only their light that reaches us. So, suddenly I get the feeling that this almost obsessive trait of your work, that precision and exactitude… is, in the end, something deeply nostalgic. Why do we launch probes into space? Why do we try to inquire into or reach the depths? We do it in order to be able to feel the universe as something close once again, to feel at home once more. Because in the end, scientific knowledge aspires to make us feel closer to things. Do you feel it? It is an unconscious aspiration, as if we were all making a long return back. The misnamed “primitive” peoples had a relationship with light that seems strangely naive to us, but that explained their world, sometimes as a menace and sometimes as a companion, the cosmos, the light. I don’t know why we do all these things. To feel again in intimacy with the universe. Today our distance is infinite.

EB I marvel at the way you put it into words. That intimacy with the universe that you mention is something I relate to the spectral and ghostly, which is something that is always going through my mind. RZ

Auras. EB Auras represent that energy and spirit dimension that we cannot see…

I very much liked when you captured the spectra of people. I found that to be beautiful. Tell me a bit more about that.

EB That was quite curious, because I made an installation called Corredor espectral with two holographic “curtains”, through which you were able to walk. But, the “aura” appeared as a sort of accident that I was only able to witness once I saw people interacting with the installation. It was then that all layers of the work materialized, as if everything had condensed in that accident. And since the gallery was located inside an office building in which people came and went, I decided to take portraits of the workers that passed by each day. So, in a way, it ended up condensing the scientific with the esoteric and the corporate. Returning to the spectrum, it’s interesting how that word means the diffraction of light; and spectre means ghost.

It’s the image of a memory or a dream. That’s what spectra are. These visions in holographic paper produce a classic effect. That gaze is rather a grand painting, one in which there are no brushstrokes, none of that; but it’s an image that is backed up by a history of portraits. All of history is behind them. And it’s also a photograph, for it has thickness.

It’s interesting that you mention that relation to painting. To me, the origin of that work had a lot to do with windows. One of my concerns was to have the window connecting with the exterior be the source of light, for it had a very large picture window that allowed me to use the sun and the constantly changing atmospheric aspect of the sky—the portraits are also backlit by this sunlight. The installation is actually inspired by an astronomical instrument, a “spectroscope”. It’s something I found in a laboratory in Germany during a collaborative project with astronomers. I find this inaccessibility of science, this “black box” aspect of it to be highly irritating. So when I saw this space, I thought about transforming this apparatus into a spatial installation, in order to break the instrument’s black box and turn it into something that could be traversed, with

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people becoming interference inside of it, as an element that interacts with this optical mechanism. When I saw this holographic accident or “aura” I thought that there it was this density that you speak of, these layers, yet I was still struggling to find the words to describe it. It’s curious that this is the only one of my works in which the human body can be fully appreciated and in which I work with it as an image. I think that, in general, what I do deals with the human, but it does so indirectly through, for example, the natural landscape or infrastructure. When working with light and space, and particularly with the sun, you inevitably end up making the passage of time visible or material. This installation (and photographs) is something I also relate to something you once said that I really like: “the monumentality of an instant.”

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Everything is an instant. Everything passes. EB There’s something really powerful in that phrase, and I think that these kinds of works, which are very minimalistic and last only for an instant, since they are ephemeral and specific to their time and place, speak of something greater and vaster.

An instant is an instant, but, at the same time, it contains everything. Sunlight is connected to everything, to the universe. They are instantaneous, ultra-contemporary hours that give way to post-truths, where whether a story is true or not doesn’t matter, but at the same time they touch upon all human history.

ART AND RESISTANCE EB There’s a phrase of yours that has been coming up quite strongly as of recent: “the art of political resistance has to be an art that acts against property structure, for this is the nucleus upon which capitalism rests.”

I believe that all societies rest upon the unquestioned concept of property. So, if art really wants to access the nuclei of a political art, it would have to be a type of art that deals with it, that sets out to show it and make it evident. But what you do is connected to that, it examines social structures, it deals with, for example, issues such as pollution.

Yes, maybe in a way that is quieter and less explicit than that of other artists. Lately I have immersed myself more and more into this space and I have wondered about EB

what it means to work from those spaces of resistance, which is what the space of art and activism have in common. Tell me about this project where you filmed activists in Germany...… (Victory Over the Sun)

That was in a forest I started frequenting on the outskirts of Cologne, where I was studying. It’s an area that concentrates a number of phenomena that I was interested in researching and connecting, which surrounds the largest open pit coal mine of Europe. This mine ended up “devouring” a millennial forest, of which only a tiny fraction is left, and it is there that a group of activists has lived, as a means of resistance, to protect it, for more than 6 years. They have built houses on the treetops. These are trees of over 10 meters high, a setting that looks like something taken out of a science fiction movie. All of this got me thinking both in the future of the energetic and territorial conflict of communities, as well as in their colonial past. Also, next to one of the side’s of this large “black hole” are the grounds of what would be Europe’s equivalent of NASA, where I filmed the largest “artificial sun” or solar simulator there is. Finally, it all became a sort of investigative and relational art process that inquiries on the connection between the human and the non-human, particularly in the forest, coal and the sun (from all of which we depend for the production of heat and energy), landmarks that I cross-referenced with certain associations to iconographic references of the Andean culture.

There is a novel, The Baron in the Trees, by Italo Calvino, in which a child is punished because he would not eat his soup. The boy goes out to the garden, climbs a tree and never comes back down. He lives his whole life up in the trees. And it is up there that he sees a girl in a garden, and the girl climbs up too. It’s an amazing novel, because the universe becomes just a definition. That kid decided that the treetops would be the universe...

That’s lovely. I remember that some months ago I came across one of your texts in an exhibition with photos of the mines in Lota where you spoke of the relationship between coal and darkness. And lately that relationship has resonated with my work while working on this and other projects that deal with environmental degradation, extractivisim and sacrifice zones.

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PRESENT TIME EB There’s something you mentioned and that I find really interesting, and it is this relation between physics and mathematics with poetry.

I had a German teacher, he was Jewish and escaped from Germany. He was an eminence. He once taught us math, he came to this theorem and wrote it down. He said: “I’m not going to waste time explaining to you the beauty of this, its symmetry, its elegance, its synthesis. You are too clumsy to understand this.” And what do you know, I understood. He was very important to me. Mathematical theory is a perfect language, round, self-sufficient. In math the most dazzling of theories, the most incredible one, needs but one counterexample to fall apart. Unlike art, in which everything is a counterexample. You can’t do what other 18 people do, there are no formulas. And if you apply a formula, it fails. There is only one Neruda, you cannot read three or four Nerudas. But the structure of mathematics is similar to that of the poem, although it is more similar to that of music, really; poetry is dirty mathematics, spent through experience, tainted by life.

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That’s so true! Talk to me a bit more about this you have said of the moment of creation occuring when life stops.

When someone is ill and there is the concern of having to buy medicine that costs millions, there is nothing you can really do, you can’t write nor create anything. In order to do so you have to suspend life, but once you suspend life, death is also suspended. It is actually a limbo. And in that limbo is everyone: Shakespeare, you; everyone in the same instant.

When I heard you say that, I felt a sort of liberation, because there is always that pressure from the outside world, of having to pay the bills, all of that capitalist demand for production; and then there is this creative space in which one needs to be free from all that to be able to create. I see it as a ritual that is becoming more complex and precious.

The moment in which you start to create a piece, everything else is suspended. One cannot create something while thinking of something else. RZ

You have to be one hundred percent in it.

And it’s not even a matter of will: you are in it one hundred percent. It is not a matter of intending to be in it, you are.

Absolutely. That is why I admire so much the work of Juan Downey, whom you met. He worked a lot with this idea of consciousness and the present, something that, to me, is also connected to that space of art and creative endeavors. EB

I always remember the video that he made of Las Meninas.

EB The one in which he uses mirrors and speaks about the dimensions of time, right? RZ

Yes, it’s very nice. I really like his work. I think he was a visionary. His exploration of the invisible energies and forces, the connection between technology and humanity, the spiritual and natural, is very powerful and ahead of his time. His Trans América project and the video he filmed with the Yanomami in the Amazon is mind-blowing. And, in a way, he was my starting point for this conversation, because as I was digging through everything I could find of his work I found by accident an interview you made of him in 1984. I took this as a sign and inspiration for this conversation we are having, perhaps with the fantasy of invoking him (laughs). It was there that I found out that he filmed your writings in the sky, right?

Yes. I called for many people to come, and everybody else failed. Only he came, carrying his camera!

EB That’s incredible! There’s a moment that I really like in that conversation when you talk about exploring the real, those spaces that are “between things”. He filmed, drew, painted; and you told him that in the dialogue that is established between the different pieces, it is where that which is behind it all is revealed. I found that to be a revelation, and I identified with that. Downey spoke a lot about “invisible architectures”, of the mechanisms and energies by which the universe binds things, which is something that truly obsesses me.

The art of video always has that. It sees the inner workings. Of course, you didn’t get to meet him… he was very restless, quite crazy. Incredibly smart, brilliant. One of the most intelligent people I have met in my entire life. A quick mind.

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EB Really? (laughs). I would have loved to meet him. You spoke, regarding his work, of that which seems to be more real than reality in that state of consciousness that is like daydreaming. I feel like he was looking to enter that space by means of a symbiosis between the human, the natural and the technological, something that still seems like utopia. There’s that famous phrase mentioned in one of those videos, and that I find quite powerful: “I want to enter in the blank space of my empty consciousness.” Something to which, I believe, many of us artists aspire when connecting to that creative space.

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Yes, he was brilliant, but also very crazy (laughs). But he could function like that. He was quite the character.

EB For me he is both a great inspiration and at the same time a kind of myth, because many of the things I research lead me to him, but I have had few chances to actually see his work. He’s like a spectral figure, always hovering around me.

LANDSCAPES EB Reading a poem in which you mention el cielo que cae (the falling sky), I remembered this experience, an intervention I did in a crater in the Atacama Desert… RZ

Is it an intervention on paper? EB It’s actually a metallic film or blanket that is used to cover up the body in emergencies: one side is gold and absorbs light or heat, and the other is silver and reflects it. I used it with the intention of reflecting the sky on the ground and creating a sort of mirage. I’m obsessed with the tension between the earth and the sky in the Atacama Desert, a territory that hosts a large number of the planet’s astronomical observatories and is at the same time a place of mining exploitation and extraction. And that was a sort of exercise or reflection around that. I like to call these ephemeral interventions “exercises” because they are ultimately experiences that activate a specific time and place.

And what would be the end? How do you imagine the ending of this? And if it is an exercise, where is its limit?

EB I think that in the end, what remains is the experience and observation, the vision and the way in which it constructs reality. I think that many times what is fascinating about these types of exercises or experiments is the

occurrence of fortuitous accidents that take you to see unexpected things and make unexpected connections; and so it was in this case. I was obsessed with reflecting the sky on the ground, and I was also interested in the fact that there is not a definite certainty as to how the crater was formed. There are scientific versions and popular versions. The popular version says that it is the product of a meteorite fall; and the scientific narrative postulates that it was formed by the passage of underground waters. The fortuitous accident was that the fabric I used had this golden film, and so in the video documentation of the intervention (which actually, due to another fortuitous matter, ended up registering the moment in which this “mirage” on the ground disappears by human action) that other side appeared, the counterpart to the mirrored blue of the sky, the gold, the “mineral”. For me, these are all explorations, both material and poetic, with the landscape. This is why I’m so interested in the way in which you connect landscapes to the human component through your material writings. Landscapes are a sum of all the eyes that have gazed upon them. When one is moved by the desert, in a way one is being moved by all those who have crossed that desert. In order to say “mountain”, someone else had to say “mountain” before. In other words, “mountain” is the sum of all the eyes that have gazed upon it. That is why when one looks at a sunrise, all past generations that have seen that sunrise come to look back at you, and that’s how you get caught in their gaze.

And when you look at a landscape you also find your own body. EB

To put it simply: where do you begin and where does the landscape end? The world is that shared space. You look, listen, but where does the other end? Where does the thunder end? Ultimately, it ends in you. There is no universe without witnesses.

EB It’s a beautiful thing to think of it as a meeting place, as that shared space that only becomes real when there are witnesses.

Did you make the one pool? Or did you make more of them?

EB I only made that one, which was actually pretty big (we used several blankets) and it took a large number of us to create it. What I also did during this arts residency project is a series of cyanotypes, which are solar photographs. I used this to expose some objects I found: rocks, trash,

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astronomical photographic plates, among other things. First, the paper is prepared by hand with a sun-sensitive emulsion and then you set it and develop it with water. Obviously, in the desert water is extremely scarce and we were in a place that had once been an oasis, and where the Loa River runs, so with a bit of that water, less than a liter, I managed to take these photographs. RZ

The Loa River is but a tiny stream. Nothing remains. And besides being almost dry, the water composition is very polluted by the mining industry, so the communities that live there can’t use it, not even for their crops or other uses. Using that water, with that particular composition, also left an imprint on the pictures, something I was interested in, which added to the use of the sun to develop them, since that place has one of the highest indexes of radiation in the planet. These are all atmospheric and material elements from the environment that I seek to capture, which are interconnected with the human trace. The other day I thought about how in your work there’s a presence of writings in the sky, and that you also have writings over the ground in the desert, and then there’s also those projections on cliffs, interstitial spaces where these two “worlds” or landscape dimensions meet. EB

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That dream will probably linger in dreams, in the cliffs of the North, a work of that magnitude…

It would be truly monumental!

In order to project something that is more or less on that scale of things, it has to be done from the sea. It would have to be almost from an aircraft carrier, since the sea is very turbulent over there and it has to be done from quite a distance. So I’m beginning to look into other locations that have cliffs.

EB Is it a conscious gesture to have an intervention on the ground, another one in the sky, and then a third one in this piece of land which is in between the two?

Yes, I have thought about it. Besides, the sky and the ground are day projects, and the cliff is a night project, for it will only be visible during the night and it will be erased during the day. At dawn, the last phrase will be “and you will weep”. It is a succession of verses to be projected over that rock wall: “you will see that you see/ you will see not see/ and you will weep”, this last verse will remain as a fixed image at 3 a.m. After that, at dawn with the camanchaca, the morning mist, it will begin to fade. Light upon light will

be projected, and then the only thing left will be the sea. I see this as a metaphor for death. There is only the sea all around, the only thing left is the sound of the sea. That’s beautiful. The camanchaca is also something that is so characteristic of that territory, and specially of the desert. And also, the light projected over the camanchaca will allow that for a few moments the projection and the trajectory of light become visible in the particles of water in the clouds (as it happens with mist, too). EB

That’s right! This idea of projections also reminds me of when they projected the face of Camilo Catrillanca, the Mapuche that was murdered a few weeks ago, onto the side of a building.

Yes, that was a very powerful and moving action, with your phrase alluding precisely to the horizon. EB

Yes, I feel close to that sensitivity of the desert and the sky. I find that your work is also very monumental, but not an obvious kind of monumentality. You play with the large elements, the mega-elements: the sun, the things that constitute reality.

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I also thought of two poems while looking at your work: Every one stands alone over the heart of the earth suspended from a ray of light and then it is night.

It’s by Salvatore Quasimodo, “Ed é subito sera”. The other one, is one that moves me deeply, specially its ending. It’s by Eugenio Montale and it’s called “Xenia”: 130

By your arm I have descended at least a million flights of stairs and now that you are gone every step is a void. So brief it was our long journey, mine still goes on, yet I no longer need the transfer, the saved seats, the entrapments, the reproach of someone who believes that what we see is reality. Holding your arm I descended a million flights of stairs and not just because four eyes can see more than two but because I knew that out of the two of us, the only true pupils, although very fogged, were yours.

What he’s saying is that the only eyes that can see the real are those that are clouded, veiled by tears. That which is real is real because light has gone through the prism of tears. We can only access the world from the brink of tears, when these diffract light into the colors of its spectrum. The only thing that is real is that which we see through the tears. Reality is nothing more than that layer of tears that reflects the light. Part of what fascinates me about your work is that you show, by means of technology, what the eye can see. At your side, a tearful humanity sees the same things. It is reality that weeps. I feel that your work is fundamental (and monumental) and startling. Fundamental in the old sense of the term, since your inquiries posit once more the question that runs throughout the whole history of art when facing the biblical “let there be light, and there was light”: Why was light polishing the surroundings of things instead of the invisibility of nothingness? Your work is startling because the defeat of light is not darkness, it is death. That dead man, that dead woman, my father, my mother, they are the true, definite and eternal defeat of the sun. Suspended from a ray of light we float one day above the earth, and full of anger and tears we disappear by dusk. I feel that the limits of your work are the limits that condemn us to the human, death does not use holographic paper, it does not project auras… Ed è subito sera. And then it is night.

Y DE PRONTO ANOCHECE

Conversación entre Raúl Zurita y Elisa Balmaceda

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ESPECTROS Lo que me llama la atención de tu trabajo, es que, desde las tecnologías, desde la estricta contemporaneidad, tu trabajas con mediciones, con los observatorios del norte, en Atacama, que registran los espectros. Utilizas todo un instrumental, tanto práctico como conceptual, ves esta especie de mundo que ha emergido de esos paisajes post-industriales, en esos paisajes abandonados que aparecen de pronto, esos que tú llamas…

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¿Post-naturales?

Eso, es muy alucinante. Al mismo tiempo tiene una continuidad con las búsquedas más hacia atrás. Por ejemplo, los mayas hacían un hoyo para mirar las estrellas efectivamente. No subían a una torre, sino que cuando querían hacer mediciones hacían un hoyo y este les daba las coordenadas…

¿Hoyos en la tierra?

Sí. Entonces, lo que sostiene tu trabajo y lo que lo hace fascinante es que siento que exploras en una gran nostalgia. Lo que quisiera hacer –esto es visión mía– es, en el fondo, volver a ciertos saberes que se han perdido con la tecnología, que es un triunfo de la razón, es la expulsión de los poetas de la República que deseaba Platón. Hubo un momento en que estos seres humanos sintieron en el universo algo más cercano. Para los mapuche las estrellas son los espíritus de sus antepasados. De hecho, miramos un cielo difunto, sabemos que muchas de las estrellas que miramos están extinguidas y solo nos llega la luz. Entonces, de pronto tengo la sensación de que esa especie de casi obsesión que se ve en tu trabajo, esa precisión, la exactitud… es, en el fondo, algo profundamente nostálgico. ¿Por qué lanzamos sondas al espacio? ¿Por qué intentamos indagar, llegar a los confines? Lo hacemos para volver a sentir el universo cercano, para volver a sentirnos como en nuestra casa. Porque el conocimiento científico aspira finalmente a acercar las cosas ¿Tú la sientes? Es una aspiración inconsciente, como si todos diéramos una tremenda vuelta. Los pueblos mal llamados “primitivos” tenían una relación con la luz que nos parece extrañamente ingenua, pero que explicaba su mundo y lo hacía como algo amenazante o como una compañía, el cosmos, la luz. No sé por qué hacemos todas estas cosas. Para volver a sentirnos en intimidad con el universo. Hoy la distancia es infinita.

EB Qué maravilla cómo lo pones tú en palabras. Esa intimidad con el universo que mencionas la conecto también con lo espectral y fantasmagórico, que es algo que siempre me está rondando. RZ

Las auras. EB Las auras representan esa dimensión energética y espiritual del cuerpo que no podemos ver…

A mí me gustó mucho cuando a las personas le sacabas el espectro. Lo encontré muy bello. Cuéntame un poco más sobre eso.

EB Eso fue muy curioso, yo hice una instalación titulada Corredor espectral con dos “cortinas” holográficas a través de las cuales podías caminar. Pero el “aura” que apareció fue una suerte de accidente que solo pude visualizar una vez que vi a la gente interactuando con ella. Y ahí se materializaron todas las capas de la obra, como si todo se hubiese condensado en ese accidente. Y como la instalación estaba en una galería dentro de un edificio de oficinas en donde transitaba gente, decidí hacer estos retratos de los funcionarios que pasaban por ahí a diario, entonces de algún modo se terminó condensando allí lo científico con lo esotérico y lo corporativo. Volviendo al espectro, es interesante también cómo la misma palabra tiene un doble significado: se refiere a la luz y al fenómeno físico pero también al fantasma.

Es la imagen de un recuerdo, o un sueño. Esos son los espectros. Estas visiones en papel holográfico lo que producen es un efecto clásico. Esa mirada es una gran pintura, una pintura donde no hay pinceles, no hay nada de eso, pero es una imagen que está respaldada por toda la historia de los retratos, toda la historia del retrato está detrás de eso. Entonces, también es una fotografía porque eso tiene espesor.

EB Es interesante esa conexión con la pintura que mencionas. Para mí, el origen de ese trabajo se vincula mucho con la ventana. Me interesaba que la fuente de luz fuese la ventana que conecta con el exterior, pues había un ventanal que era muy grande, y entonces me permitía usar la luz del sol y el carácter atmosférico y cambiante del cielo – y los retratos están también retroiluminados por ella. La instalación misma se inspira en realidad en un instrumento astronómico, un “espectroscopio”, algo que encontré en un laboratorio durante un proyecto en colaboración con astrónomos en Alemania. A mí me irrita esta cosa tan inaccesible de la instrumentación científica y tecnológica,

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la llamada “caja negra”. Entonces, cuando vi este espacio, pensé en transformar este aparataje en una instalación espacial, para romper esa caja negra del instrumento y transformarla en algo que se pudiera recorrer y así las personas se tornaran una suerte de interferencia; un cuerpo que interactúa dentro de este mecanismo óptico. Al ver este accidente o “aura” holográfico me pareció que ahí estaba esa densidad que tú dices, sin poder nombrarlo muy bien. Es curioso porque es el único trabajo que tengo en que aparece directamente el cuerpo humano como imagen. Creo que en general lo que hago habla de lo humano, pero lo hace en forma indirecta, a través, por ejemplo, del paisaje y la infraestructura. Por otra parte, al trabajar con la luz y el espacio, y en especial con el sol, inevitablemente terminas haciendo visible o materializando el paso del tiempo. Esa instalación (y las fotografías) la conecto también con una frase que alguna vez tú dijiste que me gusta mucho: la “monumentalidad de un instante”.

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Todo en un instante, todo pasa. EB Hay algo muy potente en esa frase, y creo que este tipo de trabajos que son muy mínimos y duran solo un instante, porque son efímeros y específicos a ese espacio y momento, hablan de algo mucho más grande y extenso.

Un instante es un instante, pero al mismo tiempo en él está contenido todo. La luz del sol está conectada con todo, con el universo. Son horas instantáneas, ultra contemporáneas y que dan paso a las posverdades, donde un relato da igual que sea verdad, pero al mismo tiempo tocan toda la historia humana.

ARTE Y RESISTENCIA EB Hay una frase tuya que aparece con mucha fuerza ahora último: “el arte de resistencia política tiene que ser un arte que atente contra la estructura de la propiedad, porque este es el núcleo sobre el cual descansa el capitalismo”.

Creo que todas las sociedades descansan en la idea incuestionada de la propiedad. Entonces si un arte quisiera tocar realmente los núcleos de un arte político, tendría que ser un arte que se metiera en eso, que se proponga mostrarlo y hacerlo evidente. Pero lo que tú haces también tiene que ver con eso, toca las estructuras sociales, se mete, por ejemplo, en los temas de la contaminación.

EB Sí, de manera más silenciosa y menos explícita quizás que otros artistas. Últimamente me he metido más en este tema y me he preguntado mucho qué significa trabajar desde esos espacios de resistencia, que es lo que tienen en común el espacio del arte y el activismo.

Cuéntame sobre este proyecto donde filmaste a activistas en Alemania… (Victory Over the Sun).

EB Eso fue en un bosque al que empecé a ir en Alemania, a las afueras de Colonia, donde estaba estudiando. Es un área que concentra varios fenómenos que me interesó explorar, los cuales rodean a una mina de carbón a tajo abierto, la más grande de Europa. La mina se fue devorando un bosque milenario, del cual queda solo una pequeña fracción, y ahí es donde activistas han vivido a modo de resistencia para protegerlo por más de 6 años, construyendo casas arriba de los árboles –árboles de 10 metros o más, un escenario que parece sacado de una película de ciencia ficción, y que de algún modo me hizo pensar tanto en el futuro del conflicto territorial y energético con las comunidades, como en nuestro pasado colonial–. También a un costado de este gran “hoyo negro”, se encuentran las instalaciones de lo que vendría siendo la NASA en Europa, en donde filmé en el “sol artificial” o simulador solar más grande que existe. Finalmente, se armó una suerte de proyecto de arte investigativo y relacional que indaga el vínculo de lo humano con lo no humano, particularmente el bosque, el carbón y el sol (todos estos sustentos de los cuales dependemos para la generación de energía y calor), hitos que fui a su vez entrecruzando con ciertas asociaciones a referencias iconográficas de la cultura andina.

Hay una novela, El barón rampante, de Italo Calvino, que se trata de un niño al que castigan porque no se quiso comer la sopa. El niño sale al jardín, se sube a un árbol y no baja nunca más, vive toda su vida arriba de los árboles. Y allá arriba en los árboles ve a una niña que está en un jardín, y la niña también sube. Es una novela increíble porque el universo es solo una definición, ese niño decidió que la copa del árbol era el universo...

Qué bonito. Me acuerdo que hace algunos meses me encontré con un texto tuyo en una exposición de fotografías sobre las minas de Lota en donde hablabas de la relación del carbón y la oscuridad. Y últimamente esa relación me ha hecho mucho eco trabajando en este y otros proyectos vinculados a la degradación ambiental actual, el extractivismo y las zonas de sacrificio. EB

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EL TIEMPO PRESENTE EB Hay algo que tú mencionabas y que me interesa mucho, y es esta relación entre la física y la matemática con la poesía.

Yo tenía un profesor alemán, un tipo que era judío y arrancó de Alemania. Era una eminencia. Una vez nos hizo unas clases de matemáticas, llegó a un teorema y lo escribió. Dijo: “No voy a perder el tiempo explicándoles la belleza de esto, la simetría, la elegancia, la síntesis. Ustedes son demasiado torpes para entender esto”. Y fíjate que yo lo entendía. Ese tipo fue muy importante para mí… La teoría matemática es un lenguaje perfecto, redondo, autosuficiente. En matemáticas la más rutilante de las teorías, la más increíble, necesita un solo contraejemplo para que se derrumbe. A diferencia del arte, en donde todo son contraejemplos. Tú no puedes hacer lo mismo que otros 18 tipos, no hay fórmulas. Y si se aplica una fórmula, cae. Neruda hay uno solo, uno no lee tres o cuatro Nerudas. Pero la estructura de las matemáticas es semejante a la estructura del poema, mucho más a la música en realidad; la poesía son matemáticas sucias, pasadas por la experiencia, ensuciadas por la vida.

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¡Qué cierto eso! Cuéntame sobre esto que decías el otro día sobre el momento de la creación que es cuando se detiene la vida.

Cuando alguien está enfermo y hay preocupación porque hay que comprar remedios que valen millones, en realidad no puedes hacer nada, no puedes escribir ni crear nada. Para hacerlo tienes que suspender la vida, pero al suspender la vida se suspende también la muerte. En realidad, es un limbo. En ese limbo están todos, está Shakespeare, estás tú, todos en el mismo instante.

EB Cuando te escuché decir eso sentí algo liberador, porque está siempre esa presión y aceleramiento del mundo de afuera, de pagar las cuentas, de toda esa demanda productiva y capitalista. Y luego está este espacio en el que uno necesita liberarse de todo eso para poder crear. Yo lo veo como un ritual que se hace cada día más complejo y preciado.

En el momento en que tú empiezas a hacer una obra todo lo demás se suspende. Uno no puede crear una obra y estar pensando en otra cosa.

Tienes que estar cien por ciento en ella.

Y ni siquiera es un problema de voluntad: estás en cien por ciento. No es que te lo propongas, estás.

EB Totalmente. Yo por eso soy admiradora del trabajo de Juan Downey, a quien tú conociste. Él trabajó bastante con esta idea de la conciencia y el tiempo presente, algo que para mí se vincula también con ese espacio del arte y el quehacer creativo.

Yo de él recuerdo mucho el video que hizo de Las Meninas.

EB En el que usa los espejos y habla de las dimensiones del tiempo, ¿no? RZ

Sí, es muy bonito eso. EB A mí me gusta mucho su trabajo. Creo que fue un visionario. Toda su exploración en torno a las fuerzas y energías invisibles, al vínculo de la tecnología con lo humano, lo espiritual y la naturaleza son muy potentes y adelantadas a su época. Su proyecto Trans América y el video que filmó junto a los yanomami en el Amazonas es muy alucinante. Y de algún modo él es para mí el punto de partida de esta conversación, ya que escarbando sobre su trabajo encontré por accidente esa entrevista que tú le hiciste en 1984, y lo tomé como una señal e inspiración para este diálogo –con la fantasía, quizás, de invocarlo (risas). Ahí me enteré de que él además fue quien registró tus escritos en el cielo, ¿no?

Sí, convoque a varias personas y todos los demás fallaron ¡Él apareció con su cámara!

EB ¡Increíble! Un momento que me gusta mucho en la conversación es cuando ustedes hablan de explorar lo real en esos espacios que hay “entre las cosas”. Él hacía videos, instalaciones, dibujos, y tú dices que en el diálogo que se genera entre las piezas aparece lo que hay detrás. Eso me pareció muy revelador, y de algún modo me identifica. Downey hablaba mucho también de las “arquitecturas invisibles”, de los mecanismos y la energía del universo que une las cosas, algo que me obsesiona mucho.

El arte del video siempre tiene eso, ve los engranajes. Tú por supuesto no lo conociste... era muy acelerado, muy loco. Inteligentísimo, brillante. Una de las personas más inteligentes que he conocido en mi vida. Rapidísimo.

EB ¿En serio? (risas). Me hubiese encantado conocerlo. Ustedes hablaban, a propósito de sus obras, de eso que parecía más real que lo real en ese estado de conciencia

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que es como soñar despierto. Yo creo que él buscaba mucho entrar en ese espacio por medio de la simbiosis de lo humano, la ecología, y la tecnología, algo que aún parece una utopía. Esa famosa frase que menciona en uno de sus videos: “Quiero entrar en el espacio blanco de mi conciencia vacía”, es algo a lo que creo que aspiramos muchos artistas al momento de conectar con ese espacio creativo. Sí, era brillante, pero era muy loco (risas). Pero él funcionaba así. Era un personaje.

EB Para mí es una gran referencia y al mismo tiempo una suerte de mito, muchas cosas que investigo me llevan a él, pero he tenido pocas oportunidades de ver su trabajo. Es como una figura fantasmagórica que de algún modo siempre me está rondando.

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EL PAISAJE Leyendo un poema en que hablas del cielo que cae, me acordé de esta experiencia, una intervención que hice en un cráter en el desierto de Atacama…

¿Es una intervención con papel? En realidad es un film o manta metálica que se ocupa para cubrir el cuerpo en emergencias: por una cara es dorado y absorbe luz o calor, y por la otra es plateado y la refleja. Lo usé con la intención de reflejar el cielo en el suelo y crear una suerte de espejismo. Me obsesiona esa tensión que se genera entre suelo y cielo en el desierto de Atacama, un territorio que concentra gran parte de los observatorios astronómicos del planeta y es al mismo tiempo lugar de gran explotación y extracción minera. Y eso fue una suerte de ejercicio o reflexión en torno a eso. Me gusta llamarle ejercicios a estas intervenciones efímeras porque finalmente son experiencias que activan un momento y espacio en particular. EB

¿Cuál sería el final? ¿Cómo te imaginas que sería el término de esto? Y si fuera un ejercicio, ¿hasta dónde puede llegar?

EB Creo que al final lo que queda es la experiencia y la observación, la visión y la forma en que esta construye la realidad. Muchas veces lo fascinante es el accidente fortuito en este tipo de ejercicios o experimentos, que te llevan a ver y relacionar cosas inesperadas, y así fue en

este caso. Yo estaba muy obsesionada con reflejar el cielo en el suelo, y también me interesó mucho el hecho de que no hay certeza de cómo se formó este crater, ya que hay versiones científicas y populares contrapuestas. La versión popular dice que sería un meteorito y la científica postula que se formó por el paso de aguas de napas subterráneas. El accidente fortuito es que este material tenía por el otro lado esa capa dorada, y entonces en el registro de la intervención (que documenta el momento en que este “espejismo” o construcción sobre el suelo desaparece por acción humana) apareció ese otro lado, la contraparte del azul del cielo espejado, el dorado, el “mineral”. Para mí estas son exploraciones tanto poéticas como materiales con el paisaje. Por lo mismo, me interesa mucho la forma en que tú relacionas el paisaje y lo humano a través de los escritos materiales que haces. Los paisajes son la suma de las miradas que los han visto. Si a uno le emociona el desierto, de alguna manera también le emocionan todos los que han cruzado ese desierto. Para decir “montaña”, otro tuvo que haber dicho “montaña” antes. O sea, “montaña” es la suma de las miradas que la han visto. Por eso cuando uno mira un amanecer, todas las generaciones que han visto un amanecer vuelven a mirarte, y por eso uno se queda pegado con sus miradas.

EB Y al mirar un paisaje también te encuentras con tu propio cuerpo.

En forma bien simple: ¿dónde comienzas tú y dónde termina el paisaje? El mundo es ese espacio compartido. Tú miras, oyes, pero ¿dónde termina el otro? ¿El trueno dónde termina? Finalmente termina en ti. El universo sin testigos no existe.

EB Es bonito eso de pensarlo como un espacio de encuentro, como ese espacio compartido que se vuelve real cuando hay testigos. RZ

¿Y tú hiciste esa sola “poza”? ¿O hiciste varias? EB Hice sólo esa, que en realidad era bastante grande (usamos muchas mantas) y la armamos entre varios. Pero hice también, durante ese proyecto de residencia artística, una serie de cianotipos, que son fotografías solares. Ahí expuse cosas que fui encontrando: piedras, basura, placas fotográficas astronómicas, entre otros. El papel se prepara en forma artesanal con una emulsión sensible al sol y luego se fija y se revela con agua. Obviamente en el desierto el agua es extremadamente escasa, y estábamos en un lugar

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que alguna vez fue un “oasis” por donde pasa el río Loa, entonces con un poquito de esa agua, no más de un litro, me las ingenié para hacerlas. RZ

El río Loa es un hilo de agua. No queda nada. EB Y además de estar casi seco, la composición del agua del río está muy contaminada por las mineras, por lo cual ni siquiera les sirve a las comunidades que viven allí para cultivos u otros fines. Usar esa agua con esa composición para revelar las fotos también dejó huella en ellas, algo que me interesaba, sumado al uso del sol del lugar para exponerlas, que tiene uno de los índices de radiación más altos del planeta. Son elementos atmosféricos y materiales del entorno que me interesa rescatar y que están interconectados con la huella humana. Me quedé justamente pensando el otro día también como en tu trabajo está la escritura en el cielo y luego tienes esta escritura sobre el suelo en el desierto, y después vienen esas proyecciones en los acantilados, que son también un espacio del medio, donde se encuentran estos “mundos” o dimensiones del paisaje.

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Es probable que ese sueño quede en los sueños, en los acantilados del norte, una obra tan grande…

¡Eso sí que es monumental!

Solamente para proyectar algo que esté más o menos a la escala tiene que ser desde el mar. Y tendría que ser casi desde un portaaviones porque el mar es súper bravo y hay que hacerlo desde mucha distancia. Entonces estoy empezando a indagar en otros acantilados.

¿Habías pensado eso de tener una intervención en el suelo, otra en el cielo y luego esta fracción de tierra que está entre los dos?

Sí lo he pensado. Además, el suelo y cielo son proyectos diurnos, pero el acantilado es un proyecto nocturno, porque solamente se va a ver de noche, y se va a borrar en el día. Al amanecer, la última frase va a ser “y llorarás”. Son una sucesión de versos que se proyectarán sobre ese paredón: “Verás que verás/ verás no ver/ y llorarás”, quedando la última fija a las 3 a.m. Después, al amanecer con la camanchaca, comenzará a borrarse. Se proyectará luz sobre luz, entonces finalmente lo único que queda es el mar. Eso yo lo veo como una metáfora de la muerte, solamente hay mar alrededor, lo único que queda es el ruido del mar.

EB Qué maravilla. La camanchaca es además algo tan característico de este territorio y en especial del desierto. De todos modos, la luz proyectada en la camanchaca

permitiría por algunos momentos que la proyección y el trayecto de la luz se hagan visibles en las partículas de agua de las nubes (lo mismo que pasa con la niebla). ¡Claro! A mí el tema de la proyección me recuerda el momento en que hicieron visible la cara del mapuche asesinado hace unas semanas, Camilo Catrillanca, sobre un edificio.

Sí, fue muy potente y emocionante esa acción con tu frase aludiendo precisamente al horizonte.

Sí, me siento cercano a esa sensibilidad con el desierto y con el cielo. Encuentro que tu trabajo también es súper monumental, pero no de una monumentalidad obvia. Juegas con los elementos grandes, los megaelementos: con el sol, con las cosas que constituyen la realidad.

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También me acordé de dos poemas viendo tu trabajo: Cada uno está solo sobre el corazón de la tierra suspendido de un rayo de sol y de pronto anochece.

Es de Salvatore Quasimodo, “Ed è subito sera”. El otro es uno que también me emociona mucho, sobre todo su final. Es de Eugenio Montale y se llama “Xenia”: 144

Del brazo tuyo he bajado por lo menos un millón de escaleras y ahora que no estás cada escalón es un vacío. Así de breve fue nuestro largo viaje, el mío todavía dura, mas ya no necesito los trasbordos, los asientos reservados, las trampas, los oprobios de quien cree que lo que vemos es la realidad. Cogido de tu brazo bajé un millón de escaleras y no porque cuatro ojos puedan ver más que dos sino porque sabía que de ambos las únicas pupilas verdaderas, aunque muy empañadas, eran las tuyas.

Lo que está diciendo es que los únicos ojos que pueden ver lo real son los que están empañados, velados por las lágrimas. Lo real es real porque la luz ha pasado por el prisma de las lágrimas. Solo podemos acceder al mundo desde el borde del llanto, cuando las lágrimas descomponen la luz en los colores de su espectro. Lo único real es lo que vemos a través de las lágrimas. La realidad no es más que esa capa de lágrimas que refleja la luz. Parte de lo que me fascina de lo que haces es que tú muestras usando las tecnologías lo que los ojos pueden ver. A tu lado una humanidad llorosa ve lo mismo. Es la realidad que llora. Siento que tu obra es fundamental (y monumental) y sobrecogedora. Fundamental en el sentido antiguo del término, porque su indagación replantea la pregunta que frente al bíblico “hágase la luz y la luz fue hecha” recorre toda la historia del arte: ¿Por qué fue la luz puliendo los contornos de las cosas y no la invisibilidad de la nada? Y es sobrecogedora porque la derrota de la luz no es la oscuridad, es la muerte. Ese hombre muerto, esa mujer muerta, mi padre, mi madre son la verdadera, definitiva y eterna derrota del sol. Suspendidos en un rayo de sol flotamos un día sobre la tierra y llenos de ira y llanto desaparecemos al atardecer. Siento entonces que el límite de tu trabajo es el límite que nos condena a lo humano, la muerte no usa papeles holográficos, no proyecta auras… Ed è subito sera. Y de pronto anochece.

The Nature of Things

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p. 152-153 THE NATURE OF THINGS (fieldwork)

p. 152-153 THE NATURE OF THINGS (trabajo de campo)

Digital photography Bochum, 2013

Fotografía digital Bochum, 2013

p. 154-165 THE NATURE OF THINGS (intervention)

p. 154-165 THE NATURE OF THINGS (intervención)

6 LED spotlights, electricity, man-made hill Bochum, 2013

6 focos LED, electricidad, monte artificial Bochum, 2013

p. 153, 166 THE NATURE OF THINGS (collage)

Digital print on paper Bochum, 2013

Impresión digital sobre papel Bochum, 2013

Bochum, 2013 In collaboration with Sina Seifee At night, a hill located on a wasteland in Bochum is lit up as an architectural landmark. The green hill is covered with trees and bushes that at first glance appear natural, but upon closer inspection one realizes that this landscape in fact originates from the industrial ruins and waste material left by the Thyssen Krupp steel mill, once located there. As time passed, the hill was wildly “taken over” by nature, alongside a further 20 hectares of land that citizens now use as an open park. 147

The Nature of Things was conceived as part of the exhibition “Searching for the White Cube”, developed at the FKT (Freies Kunst Territorium) in Bochum and commissioned by the Academy of Media Arts Cologne in collaboration with C60 Collaboratorium Berlin.

Bochum, 2013 En colaboración con Sina Seifee

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Un monte ubicado sobre escombros en Bochum es iluminado de noche como un hito arquitectónico. El monte verde, cubierto de árboles y arbustos, parece natural a primera vista pero a medida que uno se acerca comienza a percibir que este paisaje se origina a partir de ruinas industriales y materiales de desecho de la fábrica de acero Thyssen Krupp, que antiguamente operó allí. Con el paso del tiempo, estas ruinas han sido ampliamente “tomadas” por la vegetación, al igual que el conjunto de 20 hectáreas que conforman este terreno y que los ciudadanos hoy ocupan como un parque abierto.

The Nature of Things fue concebido como parte de la exposición “Searching for the White Cube”; se desarrolló en el FKT (Freies Kunst Territorium) de Bochum, y fue financiado por la Academy of Media Arts Cologne en colaboración con C60 Collaboratorium de Berlín.

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When lighting the hill, the color projected on to it changed according to a programmed set-up. Although this change was very subtle and almost imperceptible to the human eye, it created the sensation that when observing the hill, it was the color of the sky that was changing. Al iluminar el monte, la intensidad y el color de la luz proyectada variaba según una configuración programada. Aunque el cambio era muy sutil y casi imperceptible para el ojo humano, creaba la sensación de que al observar el monte, era el color del cielo el que iba cambiando.

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Collage (leporello) that pictures the project findings and sketches, which were exhibited on a table and afterwards scanned and printed as a publication.

Collage (leporello) que recoge los hallazgos y bocetos del proyecto, los cuales fueron exhibidos sobre una mesa y posteriormente escaneados e impresos en una publicación.

PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO

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p. 179-183, 191 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (fieldwalks)

p. 179-183, 191 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (caminatas de campo)

Digital photography Valparaíso, 2018

Fotografía digital Valparaíso, 2018

p.190 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (map)

p.190 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (mapa)

Cyanotype on paper Valparaíso, 2019

Cianotipo sobre papel Valparaíso, 2019

p. 194 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (exhibition view)

p. 194 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (vista de la exposición)

Digital photography Valparaíso, 2019

Fotografía digital Valparaíso, 2019

p. 196, 199 (top) PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (installation)

p. 196, 199 (superior) PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (instalación)

Paper, wood, stones, plants, minerals, among other found objects and sketches collected during the project Valparaíso, 2019

Papel, madera, piedras, plantas, minerales, entre otros objetos encontrados y bocetos recogidos durante el proyecto Valparaíso, 2019

p. 193, 198 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (installation)

p. 193, 198 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (instalación)

Copper, wood, fluorescent light and vira-vira wild medicinal herb Valparaíso, 2018

Cobre, madera, luz fluorescente y hierba medicinal silvestre vira-vira Valparaíso, 2018

p. 199 (bottom) PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (object)

p. 199 (inferior) PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (objeto)

Water, concrete, wooden frame Valparaíso, 2019

Agua, hormigón, marco de madera Valparaíso, 2019

p. 200-201 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (plant association)

p. 200-201 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (asociación de plantas)

Plants, artificial light Valparaíso, 2019

Plantas, luz artificial Valparaíso, 2019

p. 197 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (installation)

p. 197 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (instalación)

PVC gutters, steel, wood, fluorescent light, water, micro-algae Valparaíso, 2018

Cañerías de PVC, acero, madera, luz fluorescente, agua, microalgas Valparaíso, 2018

p. 204-212 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO (workshop)

Workshop at FLORA Ars + Natura, as part of the exhibition “Energ(ética): arte y sustentabilidad”, curated by José Roca and Isaac Dyner Bogotá, 2017

Workshop en FLORA Ars + Natura, como parte de la exposición “Energ(ética): arte y sustentabilidad”, curada por José Roca e Isaac Dyner Bogotá, 2017

In collaboration with Cristian Espinoza Bogotá, 2017 / Valparaíso, 2018 Paisajismo electromagnético is an experimental cartography, a collection of maps, models, photographs, objects, videos and sound recordings from a series of field trips taken within the Valparaíso region; looking for clues in order to see and understand its dark ecology. “Dark ecology” is a term borrowed from the philosopher Timothy Morton, which considers the coexistence of the human and the non-human, a concept that we utilized as a starting point to study the indissoluble and entagled relationship between an industry’s energy and technological infrastructure, and a landscape and its inhabitants. This entanglement generates conflicts that often remain invisible – the result of a material reality that is largely hidden and obscured. The project aimed to explore this by means of observing, mapping, drifting, and gathering, as well as creating an interpretative assembly of said findings. The project was comprised of a series of guided walks and dialogues with local individuals and communities, visiting places such as the Laguna Verde thermoelectric plant, the La Campana Peñuelas Biosphere Reserve, the so-called “sacrifice zone” of Quintero and Puchuncaví, the Natural Sanctuary Acantilados Federico Santa María, and the city of Valparaíso and its surrounding localities.

Paisajismo electromagnético was exhibited at Parque Cultural de Valparaíso (PCdV) and supported by FONDART – Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio del Gobierno de Chile (2018).

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En colaboración con Cristian Espinoza Bogotá, 2017 / Valparaíso, 2018

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Paisajismo electromagnético es un proyecto que presenta evidencias materiales, mapas, maquetas, fotos, videos y objetos; una cartografía analítica resultante de un conjunto de viajes por la región de Valparaíso en búsqueda de pistas para ver y tratar de comprender su ecología oscura. “Ecología oscura” es un concepto acuñado por el filósofo Timothy Morton que aborda la compleja coexistencia planetaria de lo humano y lo no-humano, concepto que hemos tomado como punto de partida para estudiar el entramado indisoluble de la industria e infraestructura energética y tecnológica con el paisaje y sus habitantes en la región. De este entramado surgen una serie de conflictos socio-ambientales que permanecen mayormente invisibilizados, y que para nosotros reflejan una realidad material en gran medida oculta e invisible que hemos decidido explorar por medio de la observación, la deriva, el diálogo, el mapeo, la recolección y el ensamblaje interpretativo de los hallazgos encontrados. Paisajismo electromagnético comprendió visitas grupales y diálogos con diversos actores y comunidades locales, por medio de caminatas en lugares tales como la Termoeléctrica Laguna Verde, la Reserva de la Biosfera de La Campana-Peñuelas, la llamada “zona de sacrificio” en Quintero y Puchuncaví, el Santuario de la Naturaleza Acantilados Federico Santa María y la ciudad de Valparaíso.

Paisajismo electromagnético fue exhibido en el Parque Cultural de Valparaíso (PCdV) y contó con el apoyo de FONDART – Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio del Gobierno de Chile (2018).

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The invisibility of evil By Pedro Donoso

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“Ours is indeed an age of extremity. For we live under continual threat of two equally fearful, but seemingly opposed, destinies: unremitting banality and inconceivable terror.” Susan Sontag: “The Imagination of Disaster”

The dominant distribution of the sensible allows us to perceive an important part of the human-induced alterations to the natural environment around us. The siege we have systematically set upon nature for over 2000 years is a mirror for the face of humanity imposed over the landscape: deserts of waste, islands of plastic floating on the ocean, gases dispersing in the atmosphere, altering the temperature and threatening the lives of millions of species. To gaze upon the natural environment is to look to our latest work: the rarified atmosphere of our existence. And yet we do not see its darkest aspect, that which remains invisible. Paralleling this disaster, the work of Elisa Balmaceda and Cristian Espinoza eludes the visible image. The possibility of raising, once more, an eco-critical flag is not in the service of the repetition of a common place. Instead of insisting on the evident environmental crisis, Paisajismo electromagnético is an exhibition that delves into the deep mystery of the structures for the distribution and flow of energy that are dispersed all over the land, through which human settlement advances across the planet, over-running natural ecosystems. Fundamentally the investigation that this exhibition presents examines the most intimate material base of our global sociocultural and economic system: its power sources— electricity supply and the distribution of the energy networks that keep this system functioning. Invisible is the darkest of powers. Upon entering the room, darkness prevails. The setting plays with our memories of the large oil refineries that shine in the night with their chimneys and toxic flames; gothic cities and structures that sustain large neon signs on interstellar highways. The shape

that the energy distribution assumes traverses countless structures over crop fields, mountains and villages. The bucolic aspect of the landscape turns into an electrified grill, in which the pulse of a system of relentless energetic consumption can be felt. Every material present in the exhibition is a reminder of this: carbon, the soot that is present in a number of compositions in which water, neon light, plastic and carbon are distributed as primal vestiges of our Anthropocene era; or as the direct translation of the costs involved in the way of life assumed by millions and millions of users that depend on the interconnected electrical grid. We live in this blissful disaster of a persistent exploitation of materials in order to achieve progress, materials which threaten the extinction of thousands of species as a preamble to our own defeat. Once in the room, we close our eyes and the electrical buzz of the tubes reminds us of the flow of electric light. Paisajismo electromagnético operates as a sample of 10 pieces where some defining elements produced by the irreconcilable contrast between industry and natural environment have been treasured. These hybrid materials, residues, and endangered species provide with a testimony of the overlapping systems that are opposed to death in a “sacrifice zone” of Valparaíso1. The placement of cardboard miniatures made of egg cartons creates a series of miniature landscapes that reproduce the topographical features and electrical connections of a particular place. These cartons are, in everyday life, an already reused material that has become inert: they are not even accepted for recycling. Likewise, this simile extends to the layers of soil that the contaminating industry turns into a barren, denaturalized material. Dead earth. Further down the room, we are greeted by a large plant pot that concentrates a vegetal micro-ecosystem comprised of five interdependent wild plants: through a benign symbiosis they secure each other’s life conditions. How can we understand, then, the maximum stress that humanity places on natural entropy? Are we facing a slow and inevitable disaster or are we simply going to carry on altering life on this planet until we turn it into an industry forged by the requirements of a market that absorbs us all? As explorers of a late age, digital archeologists in the postindustrial era, Elisa and Cristian dedicate themselves to explore the routes that connect the circulatory system that traverses the different locations of a region. Somehow, their investigation anticipates a future that seems so close that it feels like a chronicle

(1) The term “sacrifice zone” came recently into use by Chilean civil society to designate areas that concentrate highly polluting industries along the country and that provoke severe health problems for local communities.

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of an inevitable collapse. In each each location they peer into the evidence of unsustainable energy abuse, which contrasts with the thousands of millennia required to develop systems such as Chile’s Sclerophyll woodlands with its dryland tree species spread through the ravines of Parque La Campana. If in the Ventanas industrial complex they are faced with a dark homage to the polluting industrial development that began over 60 years ago, in the La Campana Park they glimpse the inexorable threat of a thermoelectric plant under construction that is capable of annihilating the balance present in a natural forest system that is over 2,000,000 years old. This overwhelming clash shows the contrast between the remarkable persistence over millions of years of a series of ecosystems, and their fragility when in the face of the pressure of high voltage towers. The maximalism of this conflict sets a timebomb. We do not know when it will go off: we only know who is behind it. With appropriate subtlety, Elisa Balmaceda and Cristian Espinoza gather a few species and materials in order to create an archipelago of situations within the room. Instead of resorting to data, images or veiled warnings, they simply confront us with the residues from our own industrial survival exercises. Life in the human sphere is not possible without high voltage towers, without the electricity that invisibly surrounds us, without a series of waves travelling through the air. Our electromagnetic condition is the base of our most basic social processes – from preserving food to reading these words in an electronic publication. The question that the work of Elisa and Cristian raises is, then, deep and fundamental. It reaches the roots of the industry that invisibly sustains us. The identity sign of our species is the transformation of the material connections that create a great accumulation of mutations, paradoxes, anomalies and problems. A nameless piece stands put in the middle of the Laboratorio room in the Parque Cultural de Valparaíso: a twig with lichen embedded onto an aluminum tripod, like a natural prothesis – an authentic prototype of the new material forms that proliferate in these electromagnetic landscapes.

La invisibilidad del mal

Por Pedro Donoso

[La nuestra es, sin duda, una época extrema. Vivimos bajo la amenaza continua de dos destinos igualmente temerosos pero aparentemente opuestos: banalidad incesante y terror inconcebible.] Susan Sontag: “The Imagination of Disaster”

La distribución dominante de lo sensible nos permite percibir una parte importante de las alteraciones introducidas por la acción antrópica en el medio natural que nos rodea. El asedio al que hemos sometido a esta naturaleza que sistematizamos hace algo más de 200 años, se muestra como un espejo en el que podemos ver repetido nuestro rostro humano sobre el paisaje: campos desiertos sembrados de desechos, islas de plásticos flotando en los océanos, gases dispersos que alteran la temperatura en la que se desarrolla la vida de miles de especies. Mirar el entorno natural es mirar nuestra obra más cercana: el ambiente enrarecido de nuestra existencia. Pero no vemos lo más oscuro, lo que permanece invisibilizado. Justamente, el trabajo de Elisa Balmaceda y de Cristian Espinoza no recae en la imagen visible. La posibilidad de volver a levantar una bandera ecocrítica no sirve aquí para repetir una consigna. Antes que reiterar lo evidente, la muestra Paisajismo electromagnético se adentra en el profundo misterio de las estructuras repartidas en el territorio para el avance y asentamiento de una especie que domina el planeta mediante la distribución y flujo de cargas de energía. La radicalidad de la investigación que plantea esta exposición sondea la más íntima base material del sistema sociocultural y económico en el que nos desarrollamos, en la medida que llega a sus fuentes de poder: la distribución eléctrica y la diseminación de redes energéticas que mantienen el funcionamiento de este sistema. Invisible es el más oscuro de los poderes.

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Al entrar a la sala, predomina la oscuridad. La ambientación juega con el recuerdo de las grandes refinerías que brillan en la noche con sus tubos y llamaradas tóxicas. Ciudades góticas y estructuras para mantener encendidos los grandes anuncios de neón en las carreteras interestelares. La forma que toma la distribución energética recorre un sinnúmero de estructuras repartidas entre campos sembrados, montañas y aldeas. Todo el aspecto bucólico del paisaje se transforma ahora en una parrilla electrificada donde se siente el pulso de un sistema de consumo energético inagotable. Lo recuerdan aquí en la exposición todos los materiales presentes; el carbón, el hollín que se reparte entre una serie de ensamblajes donde el agua, la luz de neón, el plástico y el carbón, organizados como restos primigenios de nuestra era antropocénica. O como traducción directa de los costos involucrados en la forma de vida que asumimos los millones y millones de usuarios que dependemos del servicio interconectado. Vivimos el desastre gozoso en la persistencia de esos materiales que explotamos para progresar y que amenazan de muerte a numerosas especies, como preámbulo de nuestra propia derrota. Cerramos los ojos en la sala y el zumbido eléctrico de los tubos nos recuerdan el paso de la luz eléctrica. Paisajismo electromagnético funciona, en realidad, como un muestrario de 10 piezas donde se han atesorado algunos elementos definitivos producidos por el contraste irreconciliable hasta ahora entre industria y entorno natural. Estos materiales híbridos, residuos y especies amenazadas, se combinan como testimonios de dos sistemas que se contraponen a muerte en el entorno de una “zona de sacrificio” de Valparaíso. La disposición de maquetas de cartón hechas en bandejas para huevos, remite a una serie de paisajes en miniatura que reproducen las distintas cotas topográficas de un lugar y sus conexiones electrificadas. Esas bandejas son, en la vida diaria, un material ya reutilizado que se ha vuelto inerte: ni siquiera son aceptadas para su reciclaje. De igual forma, el símil se extiende para las capas de tierra que la industria contaminante del sector parece tornar en un material desnaturalizado, yermo. Tierra muerta. Avanzando un poco por la sala nos sale al paso un gran macetero que concentra un micro ecosistema vegetal de cinco plantas silvestres interdependientes: entre ellas se aseguran la vida mediante una simbiósis benéfica. ¿Cómo entender entonces la máxima tensión que la humanidad supone a la entropía natural? ¿Nos enfrentamos a un desastre lento e inevitable o simplemente alteraremos la vida en el planeta hasta convertirlo en una industria labrada por la imposiciones del mercado en el que todos y todas nos encontramos inmersos? Como exploradores de una época tardía, arqueólogos digitales en la era postindustrial, Elisa y Cristian se preocupan de recorrer las rutas que conectan el sistema circulatorio que se extiende por distintos parajes de una misma localidad. De alguna manera, sus investigaciones leen un futuro tan próximo que parece la crónica

de un colapso inevitable. En cada lugar se asoman a las evidencias de un abuso energético insostenible que contrasta con los milenios de evolución que han sido necesarios para el desarrollo de sistemas como el bosque esclerófilo, que distribuye las especies arbóreas por las quebradas. Si en el complejo industrial de Ventanas se encuentran con un homenaje negro al desarrollismo industrial contaminante iniciado hace 60 años; en el Parque la Campana, vislumbran la amenaza incorregible de una central termoeléctrica en construcción capaz de aniquilar el equilibrio de un sistema bioforestal datado en más de 2.000.000 de años. El contraste entre la admirable evolución de una serie de ecosistemas desarrollados a lo largo de milenios contrasta con su fragilidad a la hora de verse sometidos a la presión de las torres de alta tensión. El maximalismo de este antagonismo dibuja una bomba de tiempo que no sabemos en qué momento explotará, cuanto tiempo demorará: solo sabemos quién está detrás. Con la debida sutileza, Elisa Balmaceda y Cristian Espinoza reúnen una pequeña colección de especies y materiales para formar un archipiélago de situaciones dentro de la sala. En lugar de recurrir a los datos, las imágenes o las amenazas veladas, solo nos enfrentan con los restos de nuestros ejercicios industriales de subsistencia. La vida en el planeta humano no es posible sin las torres de alta tensión, sin la electricidad que nos rodea, sin una serie de ondas que viajan por el aire. Nuestra condición electromagnética es, por otra parte, la base de nuestros procesos sociales más básicos –desde mantener los alimentos a contar con la corriente para poder leer este artículo alojado en una publicación electrónica. La pregunta planteada por Elisa y Cristian en su trabajo es, entonces, más profunda y radical y llega a las raíces de aquella industria que nos sostiene de manera invisible. El signo de identidad de nuestra especie es la transformación de las conexiones materiales que crean una gran acumulación de mutaciones, paradojas, anomalías y problemas. Una pieza sin título sobresale en mitad de la sala Laboratorio del Parque Cultural de Valparaíso: una rama con líquenes incrustada como una prótesis natural a un trípode de aluminio. Todo un prototipo de las nuevas formas materiales que proliferan en estos paisajes electromagnéticos.

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Map of the human and non-human energetic corridors overlapping in the Valparaíso region, traced during the project.

Mapa de los corredores energéticos humanos y no humanos superpuestos en la región de Valparaíso según los mapeos realizados durante el proyecto.

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Study of the sensitivity of a medicinal herb to human-generated electromagnetic fields. Estudio de la sensibilidad a los campos electromagnéticos generados por el humano de una hierba medicinal.

Previous page: Exhibition view at Parque Cultural de Valparaíso. Findings and material artifacts that explored the relationship between vegetation and anthropogenic pollution.

Página anterior: Vista de la exposición en el Parque Cultural de Valparaíso. Hallazgos y artefactos materiales que exploran la relación entre la vegetación y la contaminación antropogénica.

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Micro-algae (chlorella) cultivation extracted from a cleaning plant that captures CO2/SO2 gases emitted by AES Gener’s thermoelectric plant in Ventanas (Quintero-Puchuncaví).

Cultivo de microalgas (chlorella) obtenidas en una planta descontaminante que captura gases de CO2/ SO2 emitidos por la termoeléctrica a carbón de AES Gener en la llamada “zona de sacrificio” de Ventanas (Quintero-Puchuncaví).

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Association of five interdependent wild and native plants: pata de guanaco, chupalla, chamiza, colliguay and salvia blanca (common names). Asociación de cinco plantas silvestres y nativas interdependientes: pata de guanaco, chupalla, chamiza, colliguay y salvia blanca (nombres comunes).

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WORKSHOP

PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO Bogotá, 2018

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The workshop Paisajismo electromagnético held at FLORA Ars + Natura, consisted of a field study for which the group created some DIY tools (electromagnetic microphones and amplifiers) to use to observe, experience, and collectively map the electromagnetic landscape of the neighborhood of San Felipe; a place where multiple aerial cables and antennas coexist with trees and nonhuman species. The experimental walk ended at an electronic waste disposal district, where the group collected some discarded appliances or “zombie media” (mostly antennas). The aim was to bring these objects back to life by mounting and amplifying electromagnetic frequencies, thus randomly capturing electromagnetic waves as sound in front of the Los Heroes monument, where the “Energ(ética): arte y energía sostenible” exhibition was being shown, the context of which we were invited to conduct this workshop. After this action took place, the objects were left in front of the monument, which promptly returned to their place of origin when a scrap metal collector (an occupation widely seen in the San Felipe area) collected them, turning this action into a “circular” event.

TALLER

PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO Bogotá, 2018

El taller Paisajismo electromagnético realizado en FLORA ARS + Natura, consistió en un estudio de campo para el cual el grupo creó algunas herramientas DIY –hágalo usted mismo– (micrófonos y amplificadores electromagnéticos) para observar, experimentar y mapear colectivamente el electromagnetismo presente en el paisaje del barrio de San Felipe; un lugar donde múltiples cables aéreos y antenas coexisten con árboles y especies no humanas. La caminata finalizó en un depósito de chatarra de desechos electrónicos, donde recogimos aparatos en desuso o “medios zombies” –la mayoría antenas– con el objetivo de volverlos a la vida por medio de ensamblaje y amplificación de frecuencias electromagnéticas para capturar con ellos, de forma aleatoria, los sonidos errantes frente al monumento Los Héroes donde se exhibía en forma paralela la exposición “Energ(ética): arte y energía sostenible”, a partir de la cual fuimos invitados a realizar este taller. Al finalizar el taller por medio de esta acción, dejamos los objetos frente al monumento, los cuales volvieron prontamente a su origen, cuando un recolector de chatarra, una ocupación muy extendida en esta zona, los recogió – convirtiendo así a esta acción en un evento “circular”.

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VICTORY OVER THE SUN

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p. 209 VICTORY OVER THE SUN

Digital photograph Cologne, 2018

Fotografía digital Colonia, 2018

p. 210 VICTORY OVER THE SUN (intervention)

p. 210 VICTORY OVER THE SUN (intervención)

3D render by Przemek Trznadel Cologne, 2018

Render 3D por Przemek Trznadel Colonia, 2018

p. 212 VICTORY OVER THE SUN

DIY electromagnetic field (EMF) measuring device Cologne, 2017

Dispositivo de medición de campos electromagnéticos DIY Colonia, 2017

p. 214-215, 216 (top) VICTORY OVER THE SUN (field studies)

p. 214-215, 216 (superior) VICTORY OVER THE SUN (estudios de campo)

Digital photograph Cologne, 2018

Fotografía digital Colonia, 2018

p. 216-217 (bottom), 226 VICTORY OVER THE SUN (RWE Archive)

p. 216-217 (inferior), 226 VICTORY OVER THE SUN (Archivo RWE)

35 mm analog photography Essen, 2018

Fotografía analógica de 35 mm Essen, 2018

p. 218-223 VICTORY OVER THE SUN (stills)

p. 218-223 VICTORY OVER THE SUN (fotograma)

HD video Cologne, 2020

Video HD Colonia, 2020

p. 224-225 VICTORY OVER THE SUN (field research)

p. 224-225 VICTORY OVER THE SUN (estudio de campo)

Digital photography Cologne, 2018

Fotografía digital Colonia, 2018

p. 228-231 VICTORY OVER THE SUN (artist book)

p. 228-231 VICTORY OVER THE SUN (libro de artista)

Photographs, sketches and archive material collected during the artistic research Cologne, 2020

Fotografías, bocetos y material de archivo recogido durante la investigación artística Colonia, 2020

p. 232-238 ELECTRIC FIELDS (TINKU)

Photographs, sketch, HD video Atacama, 2015

Fotografías, bocetos, video HD Atacama, 2015

Victory Over the Sun Cologne / Santiago, 2016 – 2020 Victory Over the Sun is an ongoing artistic research project that explores the relationship between the human and the various natural and artificial energy fields; looking at both past and future understandings of a technological coexistence with landscapes. The project was originally conceived as an intervention for a seemingly public space in Cologne: a neon text was to be installed under the power lines in the outskirts of the city, that would be powered and lit by the energy emanating from the high voltage cables above (a phenomenon also known as “electrosmog”). The idea was inspired by a demonstration that took place in Germany, for which protestors held neon tubes in their hands under the power lines. The neon tubes would glow as the invisible flowing energy in the air was connected with the earth, making the invisible visible to the human eye. Proposals for the installation received a negative response from various energy companies who refused permission for the intervention to take place under their structures. As a result, the project became a long-term exploration of the energy industry and landscape near to Cologne. This location hosts both the world’s largest artificial sun and Europe’s most infamous open-pit coal mine, which is located right beside a forest currently occupied by eco-activists as a means of resistance. This place has become iconic in the struggles against the extracting and exploitation of coal in these current times of energy transition. The title of the project refers to Victory Over the Sun, a futurist opera written in 1923 by Aleksei Kruchenykh. In the piece, the sun is captured and brought from heaven to Earth to be locked in a concrete bucket (symbolized on stage by Kazimir Malevich’s famous ‘Black Square’). The opera celebrated the dystopian independence of humankind from the sun and its cyclical system, made possible by the energy generated from man-made sources and technologies. Bringing this reference to the present time, the project hoped to create a crossover between the symbology of Russian futurism from the 1920s, the ancient cosmology of the Andean cultures in South America, and future visions as seen from eco-activists in the face of the ecological crisis we are currently living.

Victory Over the Sun is an artistic-research project commissioned by the VISIT – Artist in Residence program of the Innogy Stiftung, Germany.

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Victory Over the Sun Colonia / Santiago, 2016 – 2020

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Victory Over the Sun es un proyecto de investigación artística que indaga la relación de lo humano con diversos campos de energía tanto naturales como artificiales; explorando miradas pasadas, presentes y futuras de nuestra coexistencia tecnológica con el paisaje. Originalmente, Victory Over the Sun fue concebido como una intervención en el espacio público que consistía en la instalación temporal de un texto de neón bajo las líneas de alta tensión del tendido eléctrico en el campo a las afueras de la ciudad de Colonia, Alemania. El texto se encendería gracias a la energía que emanan de los cables de alta tensión y que escapa de las líneas de electricidad (un fenómeno también conocido como “electrosmog”). Debido a la recepción negativa de diferentes empresas energéticas a permitir la instalación de la construcción bajo su infraestructura, el proyecto se convirtió en una exploración a largo plazo sobre el paisaje y la industria energética en las cercanías de Colonia. En este lugar, las instalaciones del sol artificial más grande del mundo conviven con la mina de carbón a cielo abierto más grande de Europa y los restos de un bosque milenario hoy tomado por activistas y ecologistas, el cual se ha convertido en un ícono mundial en la lucha contra el extractivismo y la degradación ambiental en tiempos de transición energética. El título del proyecto hace alusión a la primera ópera futurista escrita en 1923 por Aleksei Kruchenykh. En Victory Over the Sun, el sol es capturado y traído del cielo a la Tierra, para ser encerrado en un cubo de concreto (simbolizado en el escenario por el famoso cuadrado negro del pintor Kazimir Malevitch). La obra celebraba la distópica independencia del ser humano del sol y su sistema cíclico, gracias a la energía generada por las fuentes creadas por el hombre. El proyecto busca entrelazar diversos entendimientos del cosmos, generando un cruce entre la simbología del futurismo ruso, la cosmovisión de las culturas andinas en Sudamérica y las visiones futuras de activistas frente a la crisis ecológica en que nos encontramos.

Victory Over the Sun es un proyecto de arte investigativo comisionado por VISIT - Artist in Residence Program de la Innogy Stiftung, Alemania.

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Previous page: 3D render of a neon light installation under power-lines near Cologne.

Página anterior: Render 3D que visualiza una instalación con luces de neón bajo las líneas de alta tensión en las cercanías de Colonia.

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DIY electromagnetic field (EMF) measuring device made by the artist.

Dispositivo de medición del campo electromagnético (CEM) hecho por la artista.

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Field studies and tests for a neon light installation in a public space.

Ensayos y estudios de campo para una instalación lumínica en el espacio público.

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Video stills of Victory Over the Sun.

Fotogramas del video Victory Over the Sun.

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Documentation of the visit and research carried out by the artist at the archive for occult knowledge, at the IGPP (Institut für Grenzgebiete der Psychologie und Psychohygiene) in Freiburg. Documentación de la visita e investigación realizada por la artista en el archivo de conocimientos ocultos del Instituto IGPP de Friburgo.

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As part of this artistic research, the following locations were visited: Synlight DLR – artificial sun in Jülich (Germany); the occupied forest in Hambach and the brown coal pit mine located next to it (Germany); an archive of Occult and Ancestral Knowledge in Freiburg (Germany); the RWE Group Historical Archive (RWE Energy Company), amongst others.

Como parte de la investigación artística del proyecto fueron visitados los siguientes lugares: Synlight DLR – simulador solar en Jülich (Alemania); el bosque en toma en Hambach y la mina de lignito situada junto a él (Alemania); el Archivo histórico del Grupo RWE (compañía energética), el archivo de conocimientos ocultos del Instituto IGPP en Friburgo (Alemania), entre otros.

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Artist Book that compiles photography, sketches, dialogues and archive material collected during the artist’s research.

Libro de artista que compila fotografías, bocetos, diálogos y material de archivo recopilado durante la investigación artística.

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HAMBACHER FORST, AUGUST 2018:

For two, three years I have been living up on this tree for extended periods. Right now, I have actually been here again for just two weeks. I had not been here for six months. I have only just returned, and then the information that this would come to an end sooner than expected; everything feels very much like saying goodbye. I have a very bad feeling this year. I think that they are really going to clear the place. Last year, it was very strange indeed when they didn’t come in the end. Because of the clearance stop – which was super cool. For this year, I don’t have much hope. I hope that many more people are going to come to join the large number of people who are already here. And that we all jointly defend together the whole project. And that maybe a few influential people will start thinking again after all: namely that it is absolute nonsense to still destroy the forest–and all the countryside–everything now. The whole world, the Fiji Islands, for instance, are going under, everything is destroyed for a huge hole in the forest countryside. We could replicate this experiences in other places. For example, there is the Treburer Forest near Frankfurt right now, where an airport is supposed to be extended. A forest is also being occupied there. And you can build houses on almost all the trees. And that’s exactly what’s going to happen.

Transcription of a dialogue with a woman living in a tree house in the occupied forest one month before the clearance.

Transcripción de un diálogo con una mujer que vive en una casa en un árbol en el bosque ocupado un mes antes de su desalojo, en el que expresa su preocupación sobre este lugar llegando a su fin y la futura destrucción de otros bosques como Treburer Forest en Frankurt.

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ELECTRIC FIELDS (TINKU)

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Electric Fields (Tinku) documents an intervention in a public space, in which tubes of fluorescent light make visible the energy circulating in the air, flowing from high voltage power line cables that are spread over areas that are powered by artificial light. The light comes on at the touch of a person holding the tube, who becomes a “ground wire” for the system between the energy and the earth. The video recording is accompanied by a voiceover: a reading of the song “Tinku”, an Aymara concept that refers to a time / space where opposite worlds and dimensions meet and collide. The original song, written by an Aymaran composer, was recovered by singer-songwriter Víctor Jara and later revisited by the musical group Inti-Illimani. The song’s lyrics have become incomprehensible due to the successive reinterpretations of artists who did not know the original language, thus eroding its meaning and becoming mere noise.

ELECTRIC FIELDS (TINKU)

Electric Fields (Tinku) documenta una intervención en el espacio público, en la que un tubo de luz fluorescente hace visible la energía que circula por el aire y que fluye de los cables de las líneas eléctricas de alto voltaje que se extienden por zonas iluminadas artificialmente. La luz se enciende con el contacto de una persona que sostiene el tubo, convirtiéndose en un “cable de tierra” para el sistema. El video es acompañado de una voz en off que parafrasea el texto de una canción titulada “Tinku”, un concepto aymara que se refiere al tiempo / espacio donde se encuentran y chocan mundos y dimensiones opuestas. La canción original, escrita por un compositor aymara, fue recuperada por el cantautor Víctor Jara, y posteriormente fue reinterpretada por el grupo musical IntiIllimani. La letra de la canción se ha vuelto incomprensible debido a las sucesivas reinterpretaciones de los artistas que no conocían el idioma original, desgastando así su significado literal y convirtiéndose en mero ruido.

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Sketch for a walk recorded on video. Boceto del recorrido y caminata registrada en video.

Long-exposure photograph taken during the walk. Fotografía de larga exposición capturada durante la caminata y recorrido.

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Video stills from Electric Fields (Tinku). Fotogramas del video Electric Fields (Tinku).

TAYPI. 10000 Soles

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p. 243, 246-247 Colony (Quillayes)

HD video, recycled video monitor, 20 specimens of Quillaja saponaria endemic trees Santiago, 2019

Video HD, monitor de video reciclado, 20 ejemplares de árboles endémicos de Quillaja saponaria Santiago, 2019

p. 244-243, 241 TAYPI. 10000 SOLES

Debris, pieces of soil, stones and minerals from excavations found in the deposit of the Municipality of Santiago, mirrors, artificial light strips, coins Santiago, 2019

Escombros, trozos de tierra, piedras y minerales procedentes de las excavaciones encontradas en el yacimiento de la Municipalidad de Santiago, espejos, tiras de luz artificial, monedas Santiago, 2019

p. 245 TAYPI. 10000 SOLES

Cyanotype print on paper Santiago, 2019

Impresión de cianotipos sobre papel Santiago, 2019

p. 240-241 TAYPI. 10000 SOLES

HD video, recycled video monitor 04:12 minutes Santiago, 2019

Video HD, monitor de video reciclado 04:12 minutos Santiago, 2019

p. 244-271 TAYPI. 10000 SOLES

Analog 16 mm film in a continuous loop, and film-projector powered by an off-grid solar power supply 01:51 minutes Jülich/Santiago, 2019

Película analógica de 16 mm en bucle continuo, y proyector alimentado por energía solar sin conexión a la red 01:51 minutos Jülich/Santiago, 2019

p. 274-276 SANTIAGO INCA (walk)

p. 274-276 SANTIAGO INCA (caminata)

Digital photography Santiago, 2019

Fotografía digital Santiago, 2019

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10.000 suns = dis/orientation 10.000 suns = 2.148.334,49 Chilean pesos 10.000 suns = 2,77 k Co2 10.000 suns = 310 Kw (310.000 watts) 10.000 soles = des/orientación 10.000 soles = 2.148.334,49 pesos cl 10.000 soles = 2,77 k Co2 10.000 soles = 310 Kw (310.000 watts)

Santiago, 2019 / Curatorial text by Catalina Valdés Taypi. 10000 soles explores the relationship between energy, landscape and technology; it seeks to juxtapose current environmental degradation with a rescuing of coexistence between different types of nature. The project was presented at the gallery Posada del Corregidor, an emblem of a certain colonial culture and patrimonial fiction, which became a point of convergence between Andean culture and Occidental extractivist culture. Images of a laboratory in Germany, where more than a hundred lamps form Synlight–the largest artificial sun in the world that generates a radiation equivalent to 10,000 suns–were brought together with the notion of taypi chi’ixi, recovered by the Bolivian sociologist Silvia Rivera Cusicanqui from Aymara textile art patterns. This diagram is used to invoke the ritual space of an “in-betweenness” which unfolds in the dualities of time-space, the here-now, and multiplies its dimensions. Colonial dynamics are thus revealed as an order that still rules over our social and material relationships. By folding and unfolding this order, the exhibition paves the way for alternative histories, for a circular time in which opposite forces and different worlds coexist. The pieces in this body of work are the result of a series of walks through landscapes with various degrees of human intervention. Walking allows for one to relate experiences, documents and objects. To walk and connect, acknowledged as acts of making, are strategies to decolonize history and disable the binary logics that force distance between science, art and activism; between the natural sciences and the human sciences; between technologies and energy sources; between endangered habitats and their regeneration. Taypi. 10000 soles was part of “El cuarto mundo”, the 14 Biennial of Media Arts, and was made possible by the Premio Municipal de Arte Joven 2018 and sponsored by companies associated with energy efficiency, such as Solinet and Signify from Philips. Each work was made with materials that were either reused, recycled or acquired by means of exchange: a circular economy aligned with the exhibition’s proposition for ways of making. The electronic devices within the exhibition were powered solely with solar energy obtained in the gallery, thus offering a carbon footprint equal to zero where the exhibition was only open to the public when the sun rays hit the gallery.

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Santiago, 2019 / Texto curatorial por Catalina Valdés

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Taypi. 10000 soles explora la relación entre energía, paisaje y tecnología, y busca contraponer la actual degradación ambiental con el rescate de la convivencia entre naturalezas diversas. La Posada del Corregidor, emblema de una cultura colonial y ficción patrimonial, se convierte en un punto de cruce entre la cultura andina y la cultura extractivista occidental. Confluyen así las imágenes de un laboratorio en Alemania, donde más de cien lámparas forman Synlight, el mayor sol artificial del mundo, que genera una radiación equivalente a 10.000 soles. También la noción de taypi ch’ixi, recuperada por la socióloga boliviana Silvia Rivera Cusicanqui a partir de patrones del arte textil andino. Con este diagrama se invoca al espacio ritual del entre medio, lugar de encuentro y coexistencia que al desplegarse entre el espacio-tiempo y el aquí-ahora, va multiplicando sus sentidos. Las dinámicas coloniales se revelan entonces como un orden aún vigente que rige nuestras relaciones sociales y materiales. Desdoblando y replegando este orden, la obra de la artista Elisa Balmaceda abre acceso a otros relatos posibles para una historia de tiempo circular al que llegan a confluir fuerzas y mundos opuestos. Las piezas de esta muestra resultan de una serie de caminatas por paisajes con distintos grados de intervención humana. Caminar permite relacionar experiencias, documentos y objetos. Caminar y conectar, reconocidas como un hacer, son estrategias para descolonizar la historia y desactivar las lógicas binarias que fuerzan la distancia entre ciencias, artes y activismo, entre ciencias naturales y humanas, entre conocimientos ancestrales y pensamiento contemporáneo, entre tecnologías y fuentes diversas de energía, entre paisajes amenazados y regeneración. Esta muestra formó parte de “El cuarto mundo“ de la 14 Bienal de Artes Mediales, y fue realizada en el marco del Premio Municipal Arte Joven 2018, contando con el auspicio de empresas asociadas al uso energético eficiente como Solinet y Signify de Philips. Los objetos e instalaciones que conformaron cada obra fueron realizados con materiales reutilizados, reciclados, y/o adquiridos por medio de canje, poniendo en práctica una economía circular que complementa la reflexión en torno al hacer que se plantea en la exposición. Los aparatos electrónicos fueron alimentados únicamente de la energía solar obtenida en el lugar, generando así una muestra de huella de carbono igual a cero, que funcionaba únicamente durante las horas en que el sol iluminaba la galería.

Taypi. 10000 soles was exhibited at Galería Posada del Corregidor in collaboration with the 14° Media Arts Biennale of Santiago 2019 and it was shown and commissioned for the Premio Municipal de Arte Joven 2018 award, granted by the Santiago Municipality.

Taypi. 10000 soles fue exhibida en la Galería Posada del Corregidor en colaboración y dentro del programa de la 14º Bienal de Artes Mediales de Santiago 2019. La muestra fue realizada y comisionada con motivo de la entrega del Premio Municipal de Arte Joven 2018 otorgado por la Ilustre Municipalidad de Santiago.

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Video installation that consisted of twenty specimens of Quillaja saponaria (endemic trees) borrowed from the Santiago Municipality greenhouse, and a video that recorded a hike up the La Campana hill (Biosphere Reserve), following a route that ended at the site of the Los Rulos thermoelectric plant.

Video-instalación que reúne veinte ejemplares de Quillaja saponaria (quillayes) tomados en préstamo del Invernadero Municipal de Santiago, exhibidos junto a un video que registra la subida al Cerro La Campana (Reserva de la Biosfera), siguiendo una ruta que concluye en el sitio en donde se proyecta la Termoeléctrica Los Rulos a los pies del cerro.

Taypi (Rezo cósmico)

What I want to tell you is that I get a lot of inspiration from rituals, because I believe that rituals are the only space where the philosophical dimension of Aymara thought has been kept. Today the pragmatic uses of words predominate and practically all metaphorical levels have been destroyed.

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The ritual is a place where this metaphorical dimension is recovered. So the first metaphor of this diagram is that it is a microcosm that replicates the cosmos, the totality. The totality is incorporated in an order that is based on a first duality, which is above and below, but that duality finds an intermediate space which is the taypi, where a moment of collision and contradiction is created between the two spaces. At the same time this taypi is also divided in two, the Aka Pacha and Kä Pacha, that is, the here-now and the world of the unknown. Then the walk, the sarnaqawi, which is a metaphor for living, also takes place in this here-and-now, in the space of the now. And this space is always linked to doing and walking. Doing and walking are the two poles of the here-now. It is a prayer that invokes the cosmos, and it is based on the movements that the Yatiris (shamans) make when praying over the coca leaf.

Text transcribed from the videocollage Taypi (Rezo cósmico), based on a dialogue between the artist and the sociologist Silvia Rivera Cusicanqui, 2019.

Taypi (Rezo cósmico)

Lo que quiero decirte es que yo me inspiro mucho en el ritual, porque yo creo que el ritual es el único espacio en donde se ha mantenido la dimensión filosófica del pensamiento Aymara. Predominan hoy día los usos pragmáticos de las palabras y se han destruido prácticamente todos los niveles metafóricos. El ritual es un lugar en donde se recupera esta dimensión metafórica. Entonces la primera metáfora de este diagrama es que es un microcosmos que replica el cosmos, la totalidad. La totalidad está incorporada en un orden que se basa en una primera dualidad, que es arriba y abajo, pero esa dualidad encuentra un espacio intermedio que es el taypi, donde se crea un momento de choque y contradicción entre los dos espacios. Y a su vez este taypi se desdobla también en dos, el Aka Pacha y Kä Pacha, es decir el aquí-ahora y el mundo de lo desconocido. Entonces el caminar, el sarnaqawi, que es una metáfora del vivir, también transcurre en este aquí y ahora, en el espacio del ahora. Y este espacio esta siempre vinculado al hacer y al caminar. Hacer y caminar son los dos polos del aquíahora. Es un rezo que se invoca al cosmos, y está basado en los movimientos que hacen los Yatiris (chamanes) al rezar encima de la hoja de coca.

Texto transcrito del video-collage Taypi (Rezo cósmico), realizado a partir de un diálogo sostenido por la artista con la socióloga Silvia Rivera Cusicanqui, 2019.

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Video stills from Taypi, a video-collage based on a conversation between the artist and the sociologist Silvia Rivera Cusicanqui. Rivera Cusicanqui describes the notion of Taypi in the Andean worldview, an Aymara concept that refers to a center or meeting point between the positive and negative forces of the universe, where differences can coexist. The video was accompanied by an installation where debris, pieces of soil, stones and minerals that had been found in excavations, were piled and mirrored in four directions from one corner of the exhibition room.

Fotogramas de Taypi, un video-collage basado en una conversación de la artista con la socióloga Silvia Rivera Cusicanqui, quien describe la noción de Taypi en la cosmovisión andina, un término Aymara que refiere al centro y punto de encuentro donde fuerzas opuestas pueden coexistir. El video es acompañado por una instalación de espejos y escombros que se reflejan en las cuatro direcciones desde una esquina de la sala.

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Solar panel and mobile off-grid powering kit, created in order to power the whole exhibition by capturing the solar energy from outside of the gallery space in real time.

Panel solar y kit energético móvil independiente de la red, creado para alimentar las piezas electrónicas presentes en la exposición, captando la energía solar al exterior del espacio de la galería en tiempo real.

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Studies of the solar radiation present in the exhibition’s geolocation.

Estudios de la radiación solar incidente en la geolocalización de la galería.

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10.000 Suns records the light and heat projected from the lamps of the world’s largest artificial sun, melting a small metal plate in real time.

10.000 Suns registra la luz y el calor proyectados por las lámparas del sol artificial más grande del mundo, derritiendo una pequeña placa metálica en tiempo real.

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Looped 16mm film projection that circulated throughout the exhibition space; powered by a cable that entered the room directly from the solar kit outside the exhibition space.

Película de 16 mm proyectada en loop que circulaba por el espacio de exhibición, utilizando un proyector que era alimentado por un cable que entraba desde el panel solar situado al exterior de la galería.

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WALK

Santiago Inca

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The day of the exhibition’s opening a group walk was conducted, led by the archaeastronomist Patricio Bustamante and the artist. A drift that rescued hidden and forgotten milestones of indigenous territory that remain within the foundations of the city’s downtown. The walk ended on an elevated site of the city, which allowed for the group to adapt their gaze, and perceive the landscape as an instrument for the recognition of all the dynamic energies of nature.

Caminata

Santiago Inca

El día de la apertura de la exposición se realizó una caminata grupal guiada por el arqueoastrónomo Patricio Bustamante en colaboración con la artista, una deriva al rescate de hitos ocultos y olvidados del territorio indígena que permanece sumido bajo las fundaciones del centro de la ciudad. La caminata culminó en un punto alto de la capital que permitía adaptar la mirada y percibir al paisaje como instrumento de reconocimiento de las energías dinámicas de la naturaleza.

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Biography

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Elisa Balmaceda

Santiago, Chile (*1985)

EDUCATION 2012-2015

Academy of Media Arts Cologne (KHM), Postgraduate Studies (Diplom II)

2011-2012

KHM, Academy of Media Arts Cologne, DAAD Fellowship

2003-2007 PUC, Universidad Católica de Chile, Bachelor of Fine Arts (BFA)

GRANTS AND RESIDENCIES 2021 TSONAMI Residency, Valparaíso, Chile 2020 MAR ADENTRO Foundation - Bosque Pehuén Residency, Araucanía, Chile 2019 POLDRA – Public Sculpture Project Viseu, Portugal 2018 Premio Municipal de Arte Joven 2018 Municipalidad de Santiago, Chile 2017 NRW Kunststiftung, Germany 2017 KHM Award for Women Artists Academy of Media Arts Cologne, Germany 2017 1st Price: Art + Architecture Contest (Team: Philipp Drebber, Thomas Schmidt), University of Cologne, Germany 2016-2017 VISIT – Innogy Foundation for Energy and Society, Germany 2015 The Driest Place in the World, Artist in Residence Program, Atacama, Chile 2015 St. Moritz Academy, Switzerland 2014 MICHAEL HORBACH Stiftung, Germany 2011-2012 DAAD Scholarship, Germany 2008-2009 FONDART Grant, Arts Council, Chile 2008-2009 GLOGAUAIR Artists in Residence Program Berlin, Germany

SOLO EXHIBITIONS 2019 TAYPI. 10000 SOLES, 14. Bienal de Artes Mediales Premio Municipal de Arte Joven, Galería Posada del Corregidor, Santiago, Chile 2018 EQUINOCCIO, Galería Tajamar, Santiago, Chile 2017 KHM- WOMEN ARTIST AWARD, Gallery Matjö Raum für Kunst (BBK), Cologne, Germany 2016 INVISIBLE ARCHITECTURES, Q18 Kunstraum, Atelierhaus Quartier am Hafen, Cologne, Germany 2015-2014 FULL SPECTRUM, curated by Georg Elben and Julia Honer. EG Null Raum für Junge Kunst, Generali Deutschland AG, Cologne, Germany 2010 HUNTERS IN THE SNOW, Espacio Eduardo Vilches, Universidad Católica, Santiago, Chile 2008 BAD ROBOT, Centro Cultural de España (CCE), Santiago, Chile

GROUP EXHIBITIONS 2019 PROYECTO ECLIPSE, Centro Cultural Matucana 100, Santiago, Chile 2019 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO, Parque Cultural de Valparaíso, Chile 2019 BEFRIENDING HYPEROBJECTS, Navel Art Space, Los Angeles, USA 2017 ENERGÉTICA: ARTE Y ENERGÍA SOSTENIBLE, curated by José Roca and Isaac Dyner at FLORA Ars + Natura, Monumento Los Heroes, Bogotá, Colombia 2017 CHINESE WHISPERS, U10 Art Space, Belgrade, Serbia 2017 THERE WILL COME SOFT RAINS, curated by Merlina Rañi and Gallery MK, Berlin, Germany 2016 DON’T LOOK NOW, Kunsthaus Rhenania, Cologne, Germany 2016 QUILLAGUA SPACE, Galería Gabriela Mistral, Santiago, Chile 2016 FALLING SKY, Q18 - Raum für Junge Künst, Cologne, Germany 2015 AURA PORTRAIT SERIES, Kunstnacht organized by the Jungekunstfreunde, Museum Ludwig, Cologne, Germany 2015 AURA PORTRAIT SERIES, Art Cologne International Art Fair, Stand of the Academy of Media Arts Cologne, Germany 2015 DIALOG DER STERNE, Walzwerk, Puhlheim, Germany 2014 FULL SPECTRUM, solo exhibition at EG Null: Raum für Jünge Kunst, Generali, Cologne, Germany 2014 KARUKINKA, experimental film, 17th Environmental Filmfestival Cineambiente, Torino, Italy 2014 EIN BUCH IST KEIN BEHÄLTER, Moltkerei Köln, Cologne, Germany 2013 KARUKINKA, experimental film, Film Festival DocLisboa 13, Portugal 2014 RUNDGANG, Kunsthochschule für Medien Köln, Cologne, Germany 2013 THE NATURE OF THINGS at Searching for the White Cube exhibition, Bochum, Germany 2013 RUNDGANG, Academy of Media Arts Cologne, Germany 2013 LANGUAGE IS AN INVISIBLE LANDSCAPE, A project by Marta Leite, Altes Finanzamt, Berlin, Germany 2012 RUNDGANG, Academy of Media Arts, Cologne, Germany 2012 SECHS MINUS, Bundeskunsthalle, Bonn, Germany 2012 ACHT BRÜCKEN MÜSIK FÜR KÖLN, John Cage Academy of Media Arts, Cologne, Germany 2011 NORDART, Kunstwerk Carlshütte, Büdelsdorf, Germany 2011 JUGARRETA, Cultural Center Palacio La Moneda, Santiago, Chile

2011 MEHR LICHT, Glogauair Artists in Residence Programme, Berlin, Germany 2010 solo HUNTERS IN THE SNOW, Eduardo Vilches Art Space, PUC, Santiago, Chile 2010 1993: A NIGHT OF EKPHRASIS, Altes Finanzamt, Berlin, Germany 2010 WE BELONG HERE, Back Gallery Project, Santiago, Chile 2010 CLÁSICO UNIVERSITARIO, CCU Art Gallery, Santiago, Chile 2010 NO NOS CONOCE NADIE, La Perrera Arte, Santiago, Chile 2009 SOUVENIR, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien Berlin, Germany 2009 ESPACIO COMPARTIDO, Balmaceda Arte Joven Gallery, Santiago, Chile 2009 FOCUS CHILE, Latin American House in Brussels, Belgium 2008 OPEN STUDIO, Glogauair Artists in Residence Program Berlin, Germany 2010 1993: A NIGHT OF EKPHRASIS, Altes Finanzamt, Berlin, Germany 2010 WE BELONG HERE, Back Gallery Project, Santiago, Chile 2010 CLÁSICO UNIVERSITARIO, CCU Art Gallery, Santiago, Chile 2010 NO NOS CONOCE NADIE, La Perrera Arte, Santiago, Chile 2009 SOUVENIR, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Berlin, Germany 2009 ESPACIO COMPARTIDO, Balmaceda Arte Joven Gallery, Santiago, Chile 2009 FOCUS CHILE, Latin American House in Brussels, Belgium 2008 OPEN STUDIOS, Glogauair Artists in Residence Program Berlin, Germany 2008 CONTEMPORARY ART FESTIVAL IN BARCELONA, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), Spain 2008 CRUCES, Museum for Contemporary Arts of Valdivia, Chile 2008 solo BAD ROBOT, Centro Cultural de España (CCE), Santiago, Chile 2007 ON/OFF, Casona Ernesto Pinto Lagarrigue 56, Santiago, Chile 2007 DUPLEX POWER, Constitución 153, Santiago, Chile 2007 BAD ROBOT (B.A degree project), Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile

ART IN PUBLIC SPACE UNIVERSITY OF COLOGNE, Cologne, Germany POLDRA - PUBLIC SCULPTURE PROJECT VISEU, Viseu, Portugal

Biografía

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Elisa Balmaceda

Santiago de Chile (*1985)

ESTUDIOS 2012-2015

Academy of Media Arts Cologne (KHM) Magíster en arte y tecnología

2011-2012

Academia de Artes Mediales de Colonia (KHM) Becaria DAAD, beca de profundización en artes visuales

2003-2007

Universidad Católica de Chile Licenciatura en Artes Visuales

BECAS, PREMIOS Y RESIDENCIAS 2021 2020 2018 2018 2017-2019 2017 2016-2017

Residencia: Base TSONAMI, Valparaíso, Chile Residencia: Bosque Pehuén - Fundación Mar Adentro, Araucanía, Chile Premio Especial Concurso Arte Joven 2018, Municipalidad de Santiago, Chile Beca de creación: FONDART (Artes Visuales, Ambito de Nuevos Medios, Proyecto en co-autoría con Cristian Espinoza), Alemania Beca de creación: NRW KunststiftungJunge Szene, Alemania Premio: Primer Lugar, Concurso de Arte Público, Universidad de Colonia, Alemania Beca de Creación y Premio: VISIT Artist in Residence Program, RWE Foundation for Energy and Society, Alemania

2O16 2015 2015 2014 2011-2012 2008-2009 2008-2009

Premio: KHM - AWARD FOR WOMEN ARTISTS 2016 (Academia de Artes Mediales de Colonia, Alemania) Beca de creación: FONDART + SACO 5 “EL LUGAR MÁS SECO DEL MUNDO”, Chile Beca de pasantía: ST. MORITZ ACADEMY, Suiza Beca de residencia artística: MICHAEL HORBACH Stiftung, Alemania Beca de estudios de postgrado: DAAD (Servicio de Intercambio Alemán) Beca de residencias y pasantías: FONDART, Chile Proyecto de Residencia: GLOGAUAIR Artists in Residence Program Berlín, Alemania

EXPOSICIONES INDIVIDUALES 2019 TAYPI, 10000 SOLES, Premio Municipal de Arte Joven / 14. Bienal de Artes Mediales, Posada del Corregidor, Santiago, Chile 2018 EQUINOCCIO, Galería Tajamar, Santiago, Chile 2017 KHM AWARD FOR WOMEN ARTISTS 2016: ELISA BALMACEDA, Matjö - Galería de la BBK (Asociación de Artistas Profesionales), Colonia, Alemania 2016 FALLING SKY, Galería Q18, Colonia, Alemania 2014 FULL SPECTRUM, Curada por Georg Elben y Julia Höner, EG - Null: Raum für Jünge Kunst, Colonia, Alemania 2010 HUNTERS IN THE SNOW, Espacio Vilches, Facultad de Artes UC, Santiago, Chile 2008 BAD ROBOT, Centro Cultural de España (CCE), Santiago, Chile

EXPOSICIONES GRUPALES 2019 PROYECTO ECLIPSE, curada por Ximena Moreno (CL) y Lydia Körndörfer (DE), Centro Cultural Matucana 100, Santiago, Chile 2019 PAISAJISMO ELECTROMAGNÉTICO, Parque Cultural de Valparaíso, Chile 2019 BEFRIENDING HYPEROBJECTS, curada por Judith Sonnicken (DE), The Meeting Room, Los Angeles, EE.UU. 2018 PHOTONICS, curada por Martina Mongrovius (AUS), Center for the Holographic Arts, Nueva York, EE.UU. 2017 ENERG(ÉTICA): ARTE Y ENERGÍA SOSTENIBLE, curada por José Roca e Isaac Dyner (COL), FLORA Ars+Natura, Bogotá, Colombia 2017 CHINESE WHISPERS, curada por Ignacio Szmulewicz y Ana Rosa Ibañez, U10 Art Space, Belgrado, Serbia 2016 QUILLAGUA SPACE: Residencia Interdisciplinaria organizada por el CNCA, Galería Gabriela Mistral, Santiago, Chile 2015 AURA PORTRAIT SERIES (Kunstnacht XII), Museum Ludwig, Colonia, Alemania 2015 AURA PORTRAIT SERIES, Art Cologne International Art Fair 2015, KHM Booth, Colonia, Alemania 2015 DIALOG DER STERNE, Walzwerk, Puhlheim, Alemania 2014 KARUKINKA, 17th Environmental Filmfestival Cineambiente, Torino, Italia

2014 EIN BUCH IST KEIN BEHÄLTER, Espacio de Arte Moltkerei Köln, Colonia, Alemania 2014 RUNDGANG, Academy of Media Arts, Colonia, Alemania 2013 KARUKINKA, Film Festival DocLisboa 13, Lisboa, Portugal 2013 THE NATURE OF THINGS, exposición “Searching for the White Cube“, Bochum, Alemania 2013 LANGUAGE IS AN INVISIBLE LANDSCAPE, un proyecto de Marta Leite, Altes Finanzamt, Berlín, Alemania 2012 RUNDGANG, Academy of Media Arts, Colonia, Alemania 2012 SECHS MINUS, Bundeskunsthalle, Bonn, Alemania 2012 ACHT BRÜCKEN MÜSIK FÜR KÖLN, John Cage Academy of Media Arts, Cologne, Alemania 2011 NORDART, Kunstwerk Carlshütte, Büdelsdorf, Alemania 2011 JUGARRETA, Cultural Center Palacio La Moneda, Santiago, Chile 2011 MEHR LICHT, Glogauair Artists in Residence Programme, Berlín, Alemania 2010 1993: A NIGHT OF EKPHRASIS, Altes Finanzamt, Berlín, Alemania 2010 WE BELONG HERE, Back Gallery Project, Santiago, Chile 2010 CLÁSICO UNIVERSITARIO, CCU Galería de Arte, Santiago, Chile 2010 NO NOS CONOCE NADIE, La Perrera Arte, Santiago, Chile 2010 1993: A NIGHT OF EKPHRASIS, Altes Finanzamt, Berlín, Alemania 2010 WE BELONG HERE, Back Gallery Project (Canadá), Santiago, Chile 2009 SOUVENIR, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien, Berlín, Alemania 2009 ESPACIO COMPARTIDO, Galería Balmaceda Arte Joven, Santiago, Chile 2009 FOCUS CHILE, Casa del Arte Latinoamericano en Bruselas, Bélgica 2008 OPEN STUDIOS, Glogauair Artists in Residence Program Berlín, Alemania 2008 BAC 08: FESTIVAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB), España 2008 CRUCES, Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia, Chile 2007 BAD ROBOT (Proyecto de Licenciatura), Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile

ARTE PÚBLICO UNIVERSIDAD DE COLONIA, Colonia, Alemania POLDRA - PUBLIC SCULPTURE PROJECT VISEU, Viseu, Portugal

Contributors’ Biographies

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Raúl Zurita Chilean poet. National Literature Prize 2000 and Queen Sofia Prize for Ibero-American Poetry 2020. His books include Purgatorio (Ed. UDP, 2007), Anteparaíso (Ed. UDP, 2010), La vida nueva (Lumen, 2018) and Zurita (Ed. UDP, 2011). In 1979 he creates, along with other artists, the Colectivo de Acciones de Arte (C.A.D.A.), carrying out actions of political resistance. In 1982 he traces over the sky of New York the poem “La vida nueva”, and in 1993, permanently, the phrase “ni pena ni miedo” south of Antofagasta, in the Atacama Desert, which can only be seen from the heights. Emeritus professor of Universidad Diego Portales, where he currently teaches. His poems have been translated into twenty languages.

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Julia Scher Visual artist that grew up in Hollywood California. In the last 30 years, her research has explored social control dynamics in the public sphere. Scher’s work has been included in several exhibitions including: The Venice Biennale; The Whitney Biennial; The Wexner Center for the Arts in Columbus, Ohio; The Walker Art Center in Minneapolis, Minnesota; Tapias Museum, Barcelona, Spain; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain, among others. She has taught and lectured at a number of institutions including MIT, The Academy of Media Arts Cologne, The Cooper Union for Art and Science, Hartford University Art School, UCLA, USC, Harvard University, Columbia University and The Institute for Advanced Study at Princeton.

Catalina Valdés With an interdisciplinary background in art history, literature and cultural studies, Catalina Valdés has worked as a teacher, researcher, curator and manager of cultural projects. Her areas of interest are the history of art and culture in Latin America, mainly from the 19th and 20th centuries and, more recently, contemporary art and culture. In her research, she addresses issues that link the history of art, natural sciences and nature, with special interest in the ways in which American cultures have constructed their landscapes, from crafts and formal arts to cartography and virtual modeling. Her approach to these themes seeks to contribute to a culture that is more aware of and committed to the challenges of the ecological crisis that marks our time.

Pedro Donoso M.Phil in Comparative Literature, University of Cambridge (1998), who works as an editor, translator and curatorial assistant in visual arts projects. Professor at the Faculty of Philosophy and Humanities of the Alberto Hurtado University since 2013, he has contributed as a curator in various exhibitions in Chile and internationally. In 2017 he organized the exhibition “Earthworks: art and nature” at the National Museum of Fine Arts in Santiago with artists such as Hamish Fulton, Cecilia Vicuña and Patrick Steeger. He is currently responsible of the Visual Arts Program at the Extension Center of the Ministry of Cultures, Arts and Heritage in Valparaiso.

Biografías de los autores

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Raúl Zurita Poeta chileno. Premio Nacional de Literatura 2000 y Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana 2020. Entre sus libros destacan Purgatorio (Ed. UDP, 2007), Anteparaíso (Ed. UDP, 2010), La vida nueva (Lumen, 2018) y Zurita (Ed. UDP, 2011). En 1979 crea con otros artistas el Colectivo de Acciones de Arte (C.A.D.A.), realizando acciones de resistencia política. En 1982 traza sobre el cielo de Nueva York el poema “La vida nueva”, y en 1993, de forma permanente, la frase “ni pena ni miedo” al sur de Antofagasta, en el desierto de Atacama, que solo puede verse desde las alturas. Profesor emérito de la Universidad Diego Portales, donde actualmente enseña. Sus poemas han sido traducidos a una veintena de lenguas.

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Julia Scher Artista visual de Hollywood, California. En los últimos 30 años, su investigación ha explorado las dinámicas de control social en la esfera pública. La obra de Scher ha sido incluida en varias exposiciones, entre ellas: la Bienal de Venecia; la Bienal del Whitney; Wexner Center for the Arts en Columbus, Ohio; Walker Art Center en Minneapolis, Minnesota; Museo Tapias en Barcelona; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, España, entre otros. Ha impartido clases y conferencias en diversas instituciones, como el MIT, la Academia de Artes Mediales de Colonia, la Cooper Union for Art and Science, la Escuela de Arte de la Universidad de Hartford, la UCLA, la USC, la Universidad de Harvard, la Universidad de Columbia y el Instituto de Estudios Avanzados de Princeton.

Catalina Valdés Con una formación interdisciplinaria en historia del arte, literatura y estudios culturales, ha trabajado como profesora, investigadora, curadora y gestora de proyectos culturales. Sus ámbitos de interés son la historia del arte y de la cultura de América Latina, principalmente de los siglos XIX, XX y, más recientemente, el arte y cultura contemporáneas. En su investigación aborda temas que vinculan la historia del arte, de las ciencias naturales y de la naturaleza, con especial interés en los modos en que culturas americanas han construido sus paisajes, desde la artesanía y las artes formales a la cartografía y el modelado virtual. Su aproximación a estas temáticas busca contribuir a una cultura más consciente y comprometida con los desafíos de la crisis ecológica que marca nuestro tiempo.

Pedro Donoso Master en Literatura Comparada en la Universidad de Cambridge (1998), trabaja como editor, traductor y asistente curatorial en proyectos de artes visuales. Profesor en la Facultad de Filosofía y Humanidades de la Universidad Alberto Hurtado desde 2013, ha contribuido como curador en diversas exposiciones en Chile e internacionalmente. En 2017 organiza la exposición “Movimientos de tierra: arte y naturaleza” en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago con artistas como Hamish Fulton, Cecilia Vicuña y Patrick Steeger. Actualmente trabaja como responsable de Programación en Artes Visuales en el Centro de Extensión del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio en Valparaíso.

Acknowledgements

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Acknowledgments to all those who have participated and contributed to this book and the projects published in it: NRW Kunstiftung, FONDART (Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio), Marco Ugolini, Objectif London, Julia Scher, Raúl Zurita, Pedro Donoso, Catalina Valdés, Mario Gomes, Leonardo Villaroel, Cristian Espinoza, Celeste Rojas, Luis Balmaceda, Sina Seifee, Kiril Nikolov, Paz Balmaceda, Holly Willats y Maya Errázuriz. And special thanks to my family.

© 2021 Elisa Balmaceda, the artists and the authors www.elisabalmaceda.com Texts © the authors, 2021 Artworks © the artists unless otherwise stated Images © p. 82 © Celeste Rojas Mugica p. 84 © Meteoritics, Vol. 12, Nº1, March 31, 1977 p. 92-93 © Sara Hoffman / Matjö - Raum für Kunst Kulturwerk des BBK Köln e.V. p.103, 112, 115 © POLDRA p. 111 © Grebe, M. 1990. La concepción del tiempo en la cultura aymara: representaciones icónicas, cognición y simbolismo. Revista Chilena de Antropología 9: Santiago, 63-81. p. 216, 217, 226 © Historisches Konzernarchiv RWE p. 243-271 © Benjamín Matte / Corporación Chilena de Video y Artes Electrónicas All other images if not indicated belong to the artist.

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Agradecimientos

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Agradezco a todos quienes han participado y contribuido con este libro y los proyectos publicados en él: NRW Kunstiftung, FONDART (Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio), Marco Ugolini, Objectif London, Julia Scher, Raúl Zurita, Pedro Donoso, Catalina Valdés, Mario Gomes, Leonardo Villaroel, Cristian Espinoza, Celeste Rojas, Luis Balmaceda, Sina Seifee, Kiril Nikolov, Paz Balmaceda, Holly Willats y Maya Errázuriz. Y en especial a mi familia.

© 2021 Elisa Balmaceda, los artistas y autores www.elisabalmaceda.com Textos © los autores, 2021 Obras © los artistas, salvo que se indique lo contrario Imágenes © p. 82 © Celeste Rojas Mugica p. 84 © Meteoritics, Vol. 12, Nº1, March 31, 1977 p. 92-93 © Sara Hoffman / Matjö - Raum für Kunst Kulturwerk des BBK Köln e.V. p.103, 112, 115 © POLDRA p. 111 © Grebe, M. 1990. La concepción del tiempo en la cultura aymara: representaciones icónicas, cognición y simbolismo. Revista Chilena de Antropología 9: Santiago, 63-81. p. 216, 217, 226 © Historisches Konzernarchiv RWE p. 243-271 © Benjamín Matte / Corporación Chilena de Video y Artes Electrónicas Todas las demás imágenes si no lo indica son de propiedad del artista.

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BILLIONS OF SUNS

BILLONES DE SOLES

Graphic Design: Marco Ugolini, objectif.co.uk

Diseño gráfico: Marco Ugolini, objectif.co.uk

Text: Julia Scher Raúl Zurita Pedro Donoso Catalina Valdés

Textos: Julia Scher Raúl Zurita Pedro Donoso Catalina Valdés

Translation: Leonardo Villaroel, Elisa Balmaceda

Traducción: Leonardo Villaroel, Elisa Balmaceda

Proofreading: Maya Errázuriz

Corrección de estilo: Maya Errázuriz

Printed in London by F.E. Burman Ltd, 2021

Impreso en Londres por F.E. Burman Ltd, 2021

This publication was supported by:

Esta publicación fue financiada gracias a:

Proyecto Financiado por el Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes, Convocatoria 2021

ISBN 978-3-00-069348-9

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ISBN 978-3-00-069348-9