Orquesta Sinfónica de Elgin Tchaikovsky Symphony No. 4 Programa

DIRECTOR DE ORQUESTA INVITADO El director de orquesta argentino-mexicano Alex Amsel se ha establecido rápidamente tanto como director de casa con un repertorio orquestal y de ópera, como educador de música para estudiantes de todas las edades. La esperanza de Amsel es integrar la música en las fibras de cada comunidad en la que el ha trabajado para transformar el cómo pensamos de nuestra sociedad y nuestro lugar en ella. Se une a La Gran Opera de Houston como director Residente durante la temporada 2022-2023 donde el dirigirá las presentaciones de La Trataviata de Verdi y estrenando Another City de Jeremy Howard Beck. Amsel paso 3 exitosas temporadas en la Orquesta Sinfónica de Fort Worth donde fue designado como director Asistente por Roberto Spano y dirigió la orquesta en una variedad de conciertos incluyendo conciertos sinfónicos, de cámara y conciertos de Educación/Difusión.

En alta demanda para las temporadas de verano tanto como artista y educador, Amsel ha dirigido la orquesta en el Festival Musical de Aspen, La Orquesta Nacional de Repertorio, El Festival de Música Round Top, y El Festival Internacional de Música de Philadelphia. En el verano del 2019, Amsel fue seleccionado como el director Asistente para La Orquesta Nacional de Repertorio en Breckenridge, Colorado, donde el dirigió la orquesta en múltiples conciertos de suscripción.

Un entusiasta educador, Amsel esta continuamente intentando promover lo que la música clásica puede hacer por la audiencia. Recientemente, el ha restructurado por completo el programa de educación en la Sinfónica de

Fort Worth con el fin de permitir que la música sea una ayuda para el crecimiento social y respeto al crear programas que enfatizan la inclusión de minorías y compositores y artistas subrepresentados, al igual que centrar los conciertos en torno a los temas de trabajo en equipo, inclusión, y aprender sobre diferentes culturas.

Su enfoque de crear programas que unifican el plan de estudios escolar de los estudiantes mientras los expone al mágico y maravilloso mundo de la música ha sido muy apreciado por las organizaciones artísticas y los educadores escolares por igual. Su deseo de ayudar a los estudiantes a través de la música con frecuencia se le ve como un clínico en escuelas de todos los niveles. Durante su tiempo en Peabody, sirvió a la comunidad de Baltimore de varias maneras a través de los programas de Inmersión en Liderazgo Creativo e Implementación de Desarrollo Social.

Estos programas ayudaron a conectar el conservatorio con la comunidad de Baltimore al ayudar a los programas de música emergentes en escuelas de bajos ingresos. Amsel apoyó a los estudiantes en la creación de composiciones originales que reflejen su vida cotidiana mientras discutían la importancia de la música y cómo puede complementar la vida de una persona joven a través de la comunicación, las discusiones abiertas y el liderazgo vocal.

La música contemporánea está a la vanguardia en el viaje musical de Amsel y ha estrenado obras como director e instrumentista. Ha dirigido sesiones de grabación de estrenos mundiales en el Conservatorio Peabody, así como en la Escuela de Música Shepherd de la Universidad de Rice. Continúa siendo un defensor de los compositores vivos, con énfasis en compositores subrepresentados que representan a cada comunidad en la que trabaja, y ha programado continuamente obras de Carlos Simon, Jessie Montgomery, Eleanor Alberga, Victor Agudelo y Carlos Zamora, entre otros. Amsel fue seleccionado para trabajar como Asociado en el Festival de Música de Cabrillo con Cristian Macelaru, y posteriormente fue invitado a regresar como director Asistente del festival para la temporada 2019.

ARTISTA INVITADO Ganador del Gran Premio en el Concurso Manulife de la Orquesta Sinfónica de Montreal 2016, Blake Pouliot es solista residente en la Orquesta Metropolitana con quien interpretó el Concierto para violín No. 5 de Mozart, dirigido por Yannick Nézet-Séguin, como parte de su serie digital el año pasado. 2021/22 culminó con su debut en la Orquesta de Filadelfia, uniendo fuerzas nuevamente con Nézet-Séguin en The Red Violin de John Corigliano (Chacona para violín y orquesta) en un concierto especial en el Centro Kimmel.

Los aspectos más destacados de la Orquesta Sinfónica 2022/23 incluyen un regreso a la Orquesta Sinfónica de Montreal, compartiendo escenario con Angela Hewitt en el Triple Concierto de Beethoven. Otras apariciones como invitados en los Estados Unidos incluyen actuaciones de los conciertos de Korngold, Paganini, Mendelssohn, Saint-Saëns, así como la Fantasía escocesa de Bruch con las orquestas sinfónicas de Madison, Milwaukee, Arkansas, Bangor, Elgin, Carolina del Norte, Oregón, Tacoma y Westmoreland. Compromisos de temporadas recientes incluyen su debut antes mencionado en la Orquesta de Filadelfia y compromisos con la Filarmónica de Boise, la Sinfónica de Omaha, la Sinfónica de Plano, la Orquesta de Sarasota y la Sinfónica de Winnipeg.

Como músico de cámara, Pouliot aporta su talento artístico al Koerner Hall de Toronto, así como a otras salas religiosas de Temecula, París y Boston. En este último, su programa presenta el estreno mundial de God of the Gaps de Derrick Skye para violín y electrónica. Pouliot completa esta temporada con su debut en la Sociedad de Música de

Cámara de Seattle y regreso a La Jolla Summerfest.

También regresa a la Orquesta Nacional Juvenil de Canadá (NYOC) para embarcarse en su segundo año como Artista en Residencia, después de la residencia inaugural de la temporada pasada en la que el NYOC le dio la bienvenida para cultivar un programa cuidadosamente seleccionado para estudiantes y profesores.

Pouliot lanzó su álbum debut de música francesa del siglo XX en Analekta Records en 2019. Con Tzigane de Ravel y Sonata para violín en sol, Sonata para violín en sol menor de Debussy y Beau Soir, la grabación recibió elogios de la crítica, incluida una calificación de cinco estrellas de BBC Music Magazine y una nominación al Premio Juno 2019 al Mejor Álbum Clásico.

Desde su debut orquestal a los 11 años, Pouliot ha actuado con las orquestas de Aspen, Atlanta, Detroit, Dallas, Madison, Montreal, Toronto, San Francisco y Seattle, entre muchas. A nivel internacional, ha actuado como solista con la Filarmónica de Sofía en Bulgaria, Orquestas de las Américas en su gira sudamericana, y fue el solista destacado para la primera gira conjunta de la Orquesta Juvenil de la Unión Europea y la Orquesta Nacional Juvenil de Canadá. Ha colaborado con muchas luminarias musicales, incluidos los directores Sir Neville Marriner, David Afkham, Pablo Heras-Casado, David Danzmayr, JoAnn Falletta, Marcelo Lehninger, Nicholas McGegan, Alexander Prior, Vasily Petrenko y Thomas Søndergård. Pouliot ha aparecido dos veces en las series What Makes it Great? de Rob Kapilow y ha sido Artista en Residencia Performance Today de NPR en Minnesota (2017/18 ), Hawái (2018/19) y en toda Europa (2021/22). Antes de eso, fue nombrado Primer Laureado del Banco de Instrumentos Musicales del Consejo Canadiense para las Artes 2018 y 2015.

Pouliot actúa en el Guarneri del Gesù de 1729 en generoso préstamo de un Donante anónimo.

NOTAS DEL PROGRAMA Fate Now Conquers El destino ahora conquista Carlos Simon (n. 1986) Nacido en Washington, D.C., el compositor Carlos Simon se crió en Atlanta. Descendiente de una larga línea de clérigos, fue fuertemente influenciado por la música góspel, pero ha desarrollado un estilo ecléctico que la ha incluido ocasionalmente mientras se extiende a muchas otras influencias también, desde Beethoven hasta el jazz, el hip-hop y las técnicas de los compositores clásicos contemporáneos. Tiene títulos de la Universidad Estatal de Georgia y el Colegio Morehouse, así como un doctorado de la Universidad de Michigan, donde sus maestros incluyeron al destacado compositor estadounidense, Michael Daugherty.

Actualmente compositor residente en el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas, Simon ha escrito para la Orquesta Sinfónica Nacional y el Washington National Opera, ambos con sede en el Kennedy Center. También ha recibido encargos y actuaciones de muchas otras organizaciones importantes, incluyendo la Filarmónica de Nueva York, la Filarmónica de Los Ángeles y la Sinfónica de Londres.

Fate Now Conquers se basa en el segundo movimiento de la Séptima Sinfonía de Beethoven, conocida como uno de los momentos más profundamente conmovedores y de búsqueda del alma en todo Beethoven. Al trabajar en la pieza, Simon ha dicho que quería explorar a Beethoven a nivel personal y, por lo tanto, se dedicó a estudiar los diarios del compositor. Al hacerlo, se encontró con la siguiente cita de la Ilíada, registrada en 1815: "Pero el destino ahora vence; Yo soy de ella; y, sin embargo, ella no compartirá / En mi renombre; que la vida se deja a todo espíritu noble / Y que alguna gran obra engendrará que todas las vidas hereden".

Simon ha descrito su enfoque de la siguiente manera: "Usando la estructura armónica bellamente fluida del segundo movimiento de la Séptima sinfonía de Beethoven, he compuesto gestos musicales que son representativos de las formas impredecibles del destino. Apuñaladas sacudidas, junto con un surco agitado con cada persona.

Arpegios frenéticos en las cuerdas que se transforman en una nube ambigua de pasajes que fluyen libremente representan la incertidumbre de la vida que se cierne sobre nosotros".

Aunque la obra de Beethoven está tan bien disfrazada que incluso los oyentes que la conocen tendrán dificultades para reconocerla, Fate Now Conquers es una obra breve pero efectiva en lenguaje musical contemporáneo que proporciona una mirada al alma de Beethoven. Sus sufrimientos, tanto físicos como emocionales, son bien conocidos, pero como Carlos Simón ha dicho: "Cualquiera que sea la razón específica para incluir este pasaje particularmente profundo de la Ilíada, al final, parece que Beethoven se entregó a sí mismo al destino. El destino ahora vence".

Concierto para violín n.o 3 en si menor, op. 61 Camille Saint-Saëns (1835-1921) Aunque Camille Saint-Saëns ciertamente ocupa un lugar en el panteón de los grandes músicos, podría decirse que el alcance total de su logro a menudo se ha subestimado. Para empezar, fue un niño prodigio de primer orden, escogiendo melodías a la edad de dos años y demostrando ser un pianista consumado y un músico completo a la edad de seis años, logros que rivalizan con los de Wunderkinder como Mozart y Mendelssohn.

Compañía rápida de hecho.

Como músico versátil, su facilidad y versatilidad eran tales que incluso un Leonard Bernstein, André Previn o Daniel Barenboim en nuestra propia era podría envidiar.

Músicos prominentes de su tiempo se maravillaron con su

fenomenal memoria musical, agudeza de oído y lectura a primera vista y capacidad de lectura de partituras, confirmando su estatus como una de las mentes musicales naturales más grandes de la música.

Tampoco sus intereses se detuvieron con la música.

Era la definición misma del hombre del Renacimiento, siendo también un escritor, lingüista, viajero del mundo y científico aficionado apasionado que una vez organizó una gira de conciertos para poder ver el Monte Aetna en erupción.

Su carrera musical abarcó toda la extensión del arte.

Como compositor, su gran producción alcanzó prácticamente todos los géneros, incluyendo, por cierto, una banda sonora de cine (en 1908) que lo convirtió en el primer compositor establecido en escribir para el nuevo medio. Como intérprete, fue director de orquesta y pianista, pero también parte de la gran tradición de maestros organistas titulares en las grandes iglesias de París, sirviendo como organista en la iglesia de la Madeleine durante casi dos décadas. Franz Liszt declaró que su órgano tocaba "no solo en la primera fila, sino incomparable ... Ninguna orquesta es capaz de producir tal impresión". Sus habilidades literarias y académicas lo convirtieron en un importante periodista musical y musicólogo, que editó gran parte de la música del siglo XVIII en un momento en que no era una parte muy conocida del repertorio.

Como compositor, uno de los mayores logros de Saint-Saëns fue su importante papel en revivir el interés por la música instrumental seria en Francia. El Segundo Imperio, que se derrumbó en el momento de la guerra francoprusiana de 1870-71, había sido conocido por una cierta superficialidad y frivolidad. La popularidad de la ópera y la nueva forma de opereta dejaron poco tiempo para la música instrumental. Bajo la rúbrica de Ars Gallica ("arte francés"), Saint-Saëns lideró un movimiento que desafiaría la supremacía alemana en la música. Entre otras cosas, esto

significaría escribir en géneros dominados por Alemania como sinfonías, conciertos y sonatas.

El Tercer Concierto para violín fue escrito en 1880 y dedicado al gran violinista español, Pablo de Sarasate, quien lo estrenó. La elegancia y la belleza formal de la obra ilustran la inclinación clásica del compositor, a pesar de que estaba escribiendo en el apogeo del período romántico.

Como era de esperar, el concierto está en la forma tradicional de tres movimientos rápido-lento-rápido, sin embargo, clasicista o no, el compositor se toma algunas libertades con las tradiciones del género. Al principio, por ejemplo, en lugar de una introducción orquestal extendida, el solista salta repentinamente sobre un trémolo de cuerda con el ardiente y dramático tema principal de clave menor.

Finalmente escuchamos un tema suavemente lírico en clave mayor que contrasta perfectamente con el material de apertura. En otra desviación de la tradición, el final del movimiento no deja tiempo para la cadenza solista habitual.

El don lírico de Saint-Saëns está en su mejor momento en el segundo movimiento, con su exquisita melodía de clave mayor en el movimiento suavemente oscilante de la barcarolle, una canción de barco de gondolero veneciano. El movimiento termina con un pasaje maravillosamente delicado en el que el solista toca armónicos altos etéreos doblados por un clarinete tocando octavas más bajas.

El final nuevamente rompe las reglas al comenzar con una cadenza breve, introductoria, similar a un recitativo del solista antes de lanzarse al primer tema, una melodía nerviosa y ardiente en si menor que tiene el sabor de la llamada música gitana. (Sarasate, que recientemente había escrito una famosa pieza solista basada en esa música, seguramente apreció el gesto). Otros dos temas finalmente se presentan: el primero, un tema ampliamente lírico en re mayor, y luego, a medida que el estado de ánimo cambia repentinamente, un tema nuevo, conmovedoramente suave, coral. El resumen de la

apertura es nuevamente anunciado por la cadenza solista que conduce nuevamente tanto al tema gitano como al siguiente tema de re mayor. Pero luego viene una sorpresa.

El tema coral reaparece, esta vez expresado no de manera suave, sino triunfalmente por la sección completa de metales. Una coda rápida conduce el movimiento a una conclusión frenética.

Sinfonía núm. 4 en fa menor, op. 36 Piotr Ilich Chaikovski (1840-93) Los escritores de notas de programa deben ganar su salario y probablemente, como se ha alegado ocasionalmente, pasan demasiado tiempo profundizando en la vida privada de los compositores. La biografía, particularmente del tipo más escandaloso, es más interesante para el público en general que el análisis técnico y proporciona muchas tentaciones para hacer conexiones injustificadas entre la vida privada y el trabajo de un compositor. Sin embargo, por válida que sea a veces tal crítica, claramente hay ocasiones en que existen tales conexiones entre el arte y la vida, e ignorarlas sería ridículo. Uno de los casos más llamativos es la Cuarta Sinfonía de Tchaikovsky. Aunque las extrañas circunstancias que rodean la composición de la obra pueden leerse como literatura barata, dan una idea no solo de las dificultades desgarradoras de la vida privada del compositor, sino también de su trabajo.

Chaikovski comenzó a trabajar en la sinfonía durante el invierno de 1876-77 en Moscú y la completó en enero de 1878 en San Remo, Italia. En el período intermedio experimentó varios de los eventos más trascendentales de su vida. Primero, comenzó su famosa relación, llevada a cabo enteramente por correspondencia, con su mecenas Mme. Nadezhda von Meck. La relación duraría unos trece años y produciría más de mil cartas, constituyendo uno de los testamentos más interesantes jamás dejados por un artista importante. Luego, a pesar de su homosexualidad y

en contra del consejo de sus amigos más cercanos, Chaikovski sucumbió tontamente a la presión social y entró en un matrimonio desastroso con un antiguo alumno a quien apenas conocía. El matrimonio duró apenas tres meses, llevando a Tchaikovsky a un colapso nervioso completo. Fue enviado a convalecer en Europa occidental, donde permaneció durante un tiempo en una pensión en Suiza y luego viajó a varios lugares, incluidos París y Venecia.

A medida que su condición mejoró, finalmente pudo volver a trabajar en la sinfonía, terminándola en Italia. La nueva obra fue dedicada a Mme. von Meck y recibió su primera representación en Moscú en febrero de 1878, menos de dos meses después de su finalización. El compositor no estuvo presente.

En cartas a Mme. von Meck, Tchaikovsky expresó sus sentimientos sobre su vida, así como sus pensamientos sobre su nuevo trabajo, que, por cierto, le describió como "nuestra sinfonía". De estas confesiones queda bastante claro que pretendía que la obra fuera una especie de "psicograma", como lo ha llamado un crítico, expresando algunos de los sentimientos turbulentos de este período de su vida. Las citas que siguen están tomadas directamente de la propia correspondencia de Tchaikovsky.

La sinfonía comienza con una figura de fanfarria en los metales que Tchaikovsky llamó el "pensamiento principal de toda la sinfonía" y una representación del "destino, el poder fatal que obstaculiza a uno en la búsqueda de la felicidad". Chaikovski fue bastante explícito al decir que tenía en mente la Quinta Sinfonía de Beethoven, supuestamente la sinfonía original "Destino", que comienza en una tonalidad menor oscura, pero termina en triunfante mayor.

Después de que el motivo introductorio del destino desaparece, Tchaikovsky comienza el movimiento sinfónico más grande que había escrito hasta entonces. El movimiento es en tiempo 9/8, un metro inusual para un movimiento sinfónico y uno que da la impresión de un vals melancólico. David Brown, el distinguido erudito de

Tchaikovsky, ha hecho un brillante trabajo de detective sobre el tema, deduciendo que está reconstruido a partir de dos temas de la ópera Carmen de Bizet, que Tchaikovsky había visto en París en 1876 y que lo abrumó por su propio concepto del destino.

Esperamos que un movimiento en forma sonata tenga un segundo tema contrastante y Tchaikovsky en realidad da dos. La importancia psicológica de estos temas es nuevamente explicada por el compositor. Si el primer tema expresaba la idea de que el destino es invencible y no se puede superar, estos nuevos temas proporcionan escape. "¿No es mejor alejarse de la realidad y sumergirse en ensoñaciones?" El primero de los temas comienza con un solo de clarinete en ritmo picante con comentarios de otros instrumentos de viento. El otro es un tema suave en ritmo rockero tocado por los violines, lo que significa la posibilidad de felicidad. "Todo lo sombrío, sin alegría se olvida". En pocas palabras, el resto de este vasto movimiento explora las posibilidades de estos temas contrastantes y sus implicaciones psicológicas. El motivo amenazante de Fate se escucha claramente en el latón varias veces.

El lento segundo movimiento con su expresivo solo de oboe evoca una melancolía más suave sobre la que el compositor escribe: "Esta es esa melancolía que viene por la noche cuando, cansado del trabajo, estás sentado solo.

Tomas un libro, pero se te cae de la mano. Viene una gran cantidad de recuerdos... Hubo momentos felices cuando la sangre joven hirvió, y la vida fue satisfactoria. También hubo momentos dolorosos, pérdidas irreparables. Es triste, pero de alguna manera dulce, sumergirse en el pasado".

El famoso scherzo del tercer movimiento marca un punto de inflexión en la sinfonía, introduciendo una nueva sensación de ligereza. Chaikovski orquesta de manera magistral, omitiendo la percusión, pero dividiendo la orquesta en las tres familias restantes. La sección de cuerdas de apertura con su novedoso efecto pizzicato presumiblemente es una imitación de la balalaika. La

familia de instrumentos de viento madera sigue con su alegre melodía, seguida por los metales. Los comentarios del compositor afirman que estamos escuchando imágenes inconexas que incluyen los sonidos de campesinos borrachos, una canción callejera y una procesión militar.

El jubiloso final comienza con una explosión en fa mayor, simbolizando, como el final de la Quinta Sinfonía de Beethoven, que la alegría finalmente ha triunfado sobre el destino. El comentario de Tchaikovsky afirma que la alegría se encuentra "entre la gente", una noción que puede haber tomado prestada de Anna Karenina de Tolstoi, que había sido publicada recientemente. Para su segundo tema, Tchaikovsky utiliza una conocida canción popular rusa llamada There Stood a Little Birch, que se repite varias veces. Finalmente, el amenazante tema de Fate proyecta su sombra melancólica una vez más cerca del final del movimiento, pero es vencido por otro estallido de alegría.

"Regocíjate en el regocijo de los demás", nos dice el compositor. "¡Vivir todavía es posible!"