ELEMENT 20 | DISEÑO

c u l t u r a C R E A T I V A

Vol. 20 | Diseño

Jose Isturaín El defensor del espacio público.

Hermès

La pareja ideal en la creación artística.

Bauhaus

Movimiento artístico para la eternidad.

Santiago Calatrava

Arquitecto de la posibilidad y la lógica.

BREITLING BOUTIQUE CENTRO COMERCIAL MULTIPLAZA

PANAMA

The Breitling Surfer Squad Sally Fitzgibbons Kelly Slater Stephanie Gilmore

SUP

LAND

EROCEAN HERITAGE

AIR

SEA

#SQUADONAMISSION

Vol. 20 D i s eñ o

c u l t u r a

ALFREDO SMITH Propietario y Editor alfredo@revistaelement.com LUIS REINIER GUERRA Director Asociado Relaciones Públicas reinier@revistaelement.com

C R E A T I V A

MICHAEL PRINCE BENT Coordinador Editorial michael@revistaelement.com

FOTOGRAFÍAS Alex Batista Alfredo Martiz Éric Poitevin Fernando Alda Jairo Coumelis José Daniel Urdaneta Nadine Sam Rafael Guillén - Articruz ________________________

MIGUEL ÁNGEL CANCHARI Retoque de Portada

AGRADECIMIENTOS Alfredo Martiz Emilia Chacón Fondation Louis Vuitton Jorge Martínez López Ingrid Pintado Lila Morais Maricel Méndez Monica Cuza Diaz Museo de Arte Contemporáneo Natalia Fábrega Ricardo Alcaide Santiago Calatrava Ximena Vallarino

________________________

________________________

CORRESPONSALES INTERNACIONALES Michael Prince Bent | Miami Sonia Dios | París

ELEMENT® Marca registrada.

Derechos reservados por ELEMENT Media Corp. Panamá, Casco Antiguo Selina CoWork, Piso 2 Oficina ELEMENT

________________________ CAMILO BAQUERO Director de arte y Diseño STEFANY RODRÍGUEZ Producción y Distribución LUIS GUILLERMO MARTÍNEZ Redactor

________________________ COLUMNISTAS Y COLABORADORES Carlos Cummings Smith Massiel Pinzón Mairena Briones Samuel Rumaldo Choy Sandra Castillo ________________________

PORTADA

ENTREVISTADO Jose Isturaín T. FOTOGRAFÍA Jairo Coumelis MENCIÓN ESPECIAL Obra de Cruz-Diez: El color haciéndose.

Exhibición presentada en el Museo de Arte Contemporáneo

Prohibida su total o parcial reproducción sin la autorización de ELEMENT Media Corp

________________________

ADN CONCIERGE Mercadeo y Ventas contacto@adnconcierge.com ________________________

El diseño no es solo cómo se ve y se siente. El diseño es cómo funciona.

STEVE JOBS

I n st ag r am: @ re vist a_e le me n t

-

Fa cebook: / revista element

www.revistaelement.com

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conta cto@revista element.com

8

ELEMENT

Sumario EL MUNDO CAMBIÓ | ALFREDO SMITH

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REPORT | QUÉ DESPERDICIO DE DISEÑO

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REPORT | L A PSICOLOGÍA EN EL DISEÑO DE IDENTIDAD DE MARCA...

COLABORADORES

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DISEÑO DE VIDA | MICHAEL PRINCE BENT

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FLUYENDO CON ORDEN | MASSIEL PINZÓN MÉNDEZ

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REPORT | EL STORY TELLING EN EL DISEÑO

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CURIOSA POR EL COLOR | MAIRENA BRIONES

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DESTINO | L A CIUDAD PINTADA

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SHORCUTS | LIBROS

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EN MEMORIA A CARLOS CRUZ-DIEZ

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DISEÑO | L A CRUZ GAMADA DE UN PUEBLO VALIENTE

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DISEÑO | L A PAREJA IDEAL EN L A CREACIÓN ARTÍSTICA

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ARQUITECTURA | FOUNDATION LOUIS VUITTON, UNA OBRA DE FRANK GEHRY

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NEGOCIOS CON ESTILO | SANTIAGO CAL ATRAVA

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PROYECTO LOCAL | L A BUENA ARQUITECTURA GUSTA

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KNOWHOW | JOSE ISTURAÍN, DEFENSOR DEL ESPACIO PÚBLICO

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BAUHAUS | UN SIGLO PARA L A ETERNIDAD

ELEMENT CON | L A PRAIRIE Y SU HOMENAJE A L A ETERNIDAD

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ELEMENT CON | RICARDO ALCAIDE

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OBJETO DE DESEO

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FOTOGRAFÍA | ALFREDO J. MARTIZ

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TRÓPICO | EL PUENTE DE CALIDONIA

SUMARIO

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El mundo cambió

por ALFREDO SMITH. Director de ELEMENT. @alfredosmithjr

Despertar es un logro y al mismo tiempo una oportunidad para descubrir, conectarnos, admirar y disfrutar todo lo que somos y lo que nos rodea. Habilidades basadas en nuestros sentidos, que nos revelan a quienes miramos todo o casi todo con incisiva curiosidad, que el tiempo es el maestro del cambio, el hilo que controla y diseña nuestro espacio, y ciertamente nuestro destino.

Cada edición se convierte en un nuevo reto, inspirado en la misión de compartir e intercambiar conocimientos; de registrar el trabajo y visión de talentos destacados en el diseño, arte, fotografía y la pluma, embajadores apasionados de la creatividad.

En mi caso, aparte del reto creativo, se me presenta como una ventana a una variedad abrumante de historias, que cualquier cosa lejos de aburrirme, despiertan más y más mi curiosidad geminiana. Una curiosidad que me desenfoca, pero que al mismo tiempo me conecta con todo e impulsa el deseo de descubrir el origen, el porqué o el cómo de la existencia de cada una de las piezas que pueden o no llegar a formar parte del contenido, pero que sin duda siempre quedan en mi memoria y en el camino llegan a ser el motor de conversaciones e intercambio de ideas.

Nuestras vidas están llenas de información, resultado de experiencias convertidas en piezas claves que nos transformaron en lo que somos en este momento. Cambiar es una constante, un proceso sin interrupción

que rige nuestras vidas. ¿Te has preguntado cuántas cosas están cambiando en este instante? O mucho más sencillo, detente y observa la ciudad y descubre las huellas que ha dejado el tiempo. En nuestros cuerpos vemos el pasar del tiempo por las marcas de la edad, pero en la ciudad ¿cómo podemos ver sus arrugas? Te invito a que observes lo que te rodea, busca esos detalles o edificaciones que no estaban ayer, o reconoce la ausencia de elementos que un día fueron colocados y que posiblemente hoy ya no están.

Por mi parte, he detectado estilos arquitectónicos impresionantes, ignorados cuando sólo veía edificios deteriorados y no obras de diseño; estilos que con este ejercicio me he permitido apreciar… hermosos balcones y elementos en ventanales o portones, materiales que ya no se utilizan u otros que se han incorporado ganando protagonismo.

Pude imaginar historias de aquellos que estuvieron antes, pensar en cómo eran sus vidas haciendo uso de los espacios públicos.

Al girar y seguir observando me encuentro con majestuosos proyectos que emergen en contraste con la desaparición de espacios verdes y edificaciones de menor escala, que de seguro en su momento cumplieron con otra necesidad, lo que me impulsa a meditar si esto es lo que realmente necesitamos en un nuevo esquema de vida.

que inspira al diseño, la motivación para la creación de espacios y objetos. El diseño debe ser funcional y responder a necesidades basadas en nuestra naturaleza y misión constante de evolución. El mundo cambió y seguirá cambiando, retomando viejas buenas costumbres y dando paso a nuevos métodos y pensamientos; es una invitación a usar el tiempo con sabiduría, valorar cada detalle y ser conscientes del efecto de nuestras decisiones, acciones y diseños...

Dedico esta edición a la memoria del maestro Carlos Cruz-Diez, a quien tuvimos la oportunidad de tener como portada de una de nuestras primeras ediciones.

Un artista que nos permitió conocer su capacidad de observar las cosas desde la percepción y de quién aprendí, por medio de sus obras, que con un sólo movimiento de nuestros cuerpos podemos ver un objeto en su constante rediseño. Y al arquitecto Jose Isturaín, defensor del espacio público, a quien debemos agradecer su auténtica pasión por el diseño y sobre todo por los muchos cambios positivos en pro de la movilidad y el balance de la ciudad de Panamá.

ELEMENT 20 es un conglomerado del trabajo de artistas que han diseñado con éxito objetos que disfrutamos en la actualidad, como descubrirás en los reportajes Hasta el cauce de un río es responsable sobre la escuela Bauhaus y las obras de de todo lo que lo rodea. Somos la musa Santiago Calatrava.

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Colaboradores

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CARLOS (CACO) CUMMINGS. @cacoc Fundador de Graffiti Comunicaciones, estudio de diseño, estrategia de negocios y marketing digital.

A lo largo de su carrera, Caco trabajó como Director Creativo en agencias internacionalmente reconocidas como Leo Burnett, Bozell, McCann y Publicis, donde ganó un sinnúmero de premios y reconocimientos en los festivales de publicidad más importantes del mundo. Estudió en la Escuela de Artes Plásticas del INAC. Es Licenciado en Comunicación Social de la Universidad Santa María La Antigua y Marketing Digital en la Universidad Latina de Panamá.

COLABORADORES

MICHAEL PRINCE BENT. @michaelbentofficial Licenciado en marketing, relaciones públicas y relaciones internacionales. Realizó un master en Retail & Luxury Management en el Istituto Marangoni. Ha trabajado en diversas áreas de la industria de la moda, desde modelo de pasarela, fotografía, escritor, blogger, estilista y productor de moda, editor.

Actualmente es Brand Ambassador de Revista ELEMENT, para el mercado norteamericano, CEO y Director Creativo de Michael Bent INC, agencia boutique de mercadeo, relaciones públicas y estrategias para negocios emergentes en la ciudad de Miami.

MASSIEL PINZÓN MÉNDEZ. @massielpinzonmendez Estudió Diseño de Interiores en la USMA y luego se muda a Europa para consolidar sus estudios musicales. Regresa a Panamá y ocupa el cargo de Gerente de Proyectos en Fusion Designer's Furniture, por más de 8 años, donde se especializó en diseño y distribución de mobiliario acumulando experiencia en project management, supervisión de obras y ejecución. En 2013 se independiza y se enfoca en el diseño residencial y comercial.

LUIS GUILLERMO MARTÍNEZ. @tambienluigi Como el doctor Juvenal Urbino de “El amor en los tiempos del cólera”, el tema de la música es casi una fórmula mágica que él usa para proponer una amistad.

Y lo mismo con las películas que consume a través de los vericuetos que le impulsa la curiosidad.

SANDRA CASTILLO. @sandracastillodesign Licenciada en mercadeo y publicidad, su creatividad la llevó a estudiar diseño gráfico, y actualmente continúa ampliando sus conocimientos estudiando Brand Management. Directora Creativa en Sandra Castillo Design, marca activa desde 2016, que ofrece servicios de diseño gráfico con estrategia mercadológica de imagen a emprendedores creativos; su estética de diseño es limpia y moderna, buscando crear conceptos que resaltan los atributos que hacen a cada marca diferente.

Luis ha trabajado en distintas ramas de la comunicación social y del periodismo en Caracas y en Panamá, y comparte con ELEMENT desde hace algunas ediciones ya, su pasión por contar distintas historias de las que él mismo aprovecha para descubrir que sus límites para la sorpresa no eran tan altos como solía pensar. Empezó su carrera haciendo radio y desde entonces ha ido coleccionando las plataformas que mejor le vengan, Se considera una "multi -passio- para mostrar con luz, con voz o nate artist", ya que aparte del letras aquellas cosas en las que diseño, es música y empresaria. él cree que a ti te puedan gustar.

Co-propietaria de la cooperativa moderna Plural Shops y agente de MAIREAN BRIONES. bienes raíces con licencia. @curiouse.studio @mairena_briones En 2018, motivada por el impacto Curiosa y entusiasta sobre todo lo que tuvo en ella la aplicación del relacionado al diseño y sus procesos método Konmari decide iniciar creativos. Su misión es ayudar a su proceso de certificación para nuevos marcas a conceptualizar convertirse en la primera y única y desarrollar identidades visuales panameña con licencia de conque comuniquen su valor y persultora en dicho método creado sonalidad de una manera única. por la "gurú de la organización" y autora de un NY Time Best Seller, Estudió Diseño Publicitario en la la japonesa Marie Kondo. universidad Veritas de San José, SAMUEL CHOY. @samyrum Artista visual y director creativo panameño. Su arte trata del consumo y la nostalgia popular, de objetos y comestibles del día a día. Ha expuesto en Inglaterra, Los Ángeles y en Panamá.

Co-Fundador del colectivo artístico PANACHINA (2014). Colabora con medios de comunicación, fundaciones y plataformas culturales. Está obsesionado con la comida. Inquieto.

Costa Rica y ha aplicado su talento en los estudios de diseño más destacados de Panamá. Ha participado en la Bienal Iberoamericana de Diseño en Madrid en 2008, 2010, 2014 y 2018 recibiendo el Premio BID en la edición de 2010.

Su trabajo ha sido publicado en el libro Latin American Graphic Design, de editorial Taschen y ha sido parte de Panamá Gráfico desde sus inicios y colaborado con Visualistmo en varias ocasiones.

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Diseño de vida por MICHAEL PRINCE BENT @michaelbentofficial

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¿Qué es diseño y qué es vida? Entre sus múltiples definiciones, diseño es la actividad creativa que tiene como propósito proyectar objetos estéticos y útiles. Mientras que vida es la propiedad o cualidad esencial del ser viviente, el cual evoluciona, se adapta a los medios, se desarrolla y reproduce. Si lo unificamos en una sola definición llegaría a la conclusión de que el diseño es la parte más importante que conecta y conduce nuestras vidas, llenas de actividades, situaciones, herramientas y objetivos.

En momentos donde luchamos por entender qué es una vida ideal, llegamos a pensar que este idealismo sólo se logra si aún nos basamos en los estatutos de la sociedad de élites y su manera de interpretar el éxito.

Lo cierto es que durante mi proceso de vida he logrado aprender que el éxito tiene una definición personal y emocional.

Vivo ejemplo es una vida llena de consumos. En términos de moda, mobiliario, arte, tecnologías, todos como individuos utilizamos referencias de personas que nos inspiran. Tenemos acceso a las compras y acceso al mismo inventario que otros, acceso a piezas útiles de marcas como Zara, IKEA, Amazon, galerías de arte comercial, marcas de auto, entre otros rubros; ¿pero todos hacemos o sentimos lo mismo con cada producto?

COLUMNA

En el mundo de la indumentaria, la moda es lo que se propone y estilo es lo que se hace con ello. Esto mismo es lo que se aplica en términos de diseño, ya que todas las materias, líneas, formas existen,

pero lo relevante es el ingenio del artista y cómo combina cada uno estos elementos para transmitir no sólo una visión y misión de vida, sino también la primera parte de lo que busca con su diseño: llegar a conectar con su legado tocando las vidas de todas aquellas personas que tendrán la oportunidad de interactuar con su visión.

Nuestras vidas, hoy por hoy, son dependientes y limitadas a objetos, sobre todo tecnologías, donde la mayor parte de la población está pendiente de cuándo sale el último dispositivo de Apple. Es como si todos hubiesen olvidado la importancia de la personalidad e individualidad.

“Lo pedí todo a fin de poder disfrutar de la vida, y se me dio la vida de manera que pudiese gozar de todo” -Desconocido.

Esta es una frase que nos deja pensando, de manera profunda, sobre nuestra existencia y sobre cómo realmente estamos diseñando nuestros procesos de vida.

Nuestras vidas son activos y la representación de todo lo que poseemos. Al poseer mucho o poco estamos obligados a vivir ese ciclo de vida como mejor nos parezca y de la mejor manera útil que nos permita adaptarnos a esos cambios constantes.

La preparación de una vida útil está basada también en las estrategias que le brindemos a las oportunidades, para un futuro con mejoras constantes para nuestro diseño ideal de vida.

El diseño puede ser arte. El diseño puede ser estético. El diseño es tan sencillo, por eso es tan complicado. -Paul Rand.

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Secciรณn de la revista

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Fluyendo con orden por MASSIEL PINZÓN MÉNDEZ. @massielpinzonmendez

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“Menos es más” dijo el arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe en 1947. Desde la primera vez que la escuché he tenido una relación romántica con esta frase del maestro que la hizo famosa en relación a la elegancia de la simplicidad en el diseño arquitectónico y de mobiliario. Siento que aplica para todo en la vida y por supuesto es la base del orden y de una vida con propósito.

ahora es la base de mi estilo de decorar también, dándole prioridad a los espacios abiertos, a la claridad, a elegir piezas decorativas con significado o propósito, a una elección de acabados más audaz y a siempre añadir plantas o flores a los ambientes. Pero sobre todo, a crear un espacio definido para cada cosa. Actualmente enseño el método a otras personas como filosofía de vida.

Sin decirlo textualmente en sus libros, los New York Times best sellers “La Magia del Orden” y “Spark Joy”, Marie Kondo, la gurú del orden y la organización más popular de la actualidad, le hace oda a esta frase a lo largo de toda la filosofía detrás de su famosa fórmula, el “Método Konmari”.

Un espacio ordenado es un espacio que nos permite fluir, que nos da paz, nos permite enfocarnos, nos facilita la vida y sobre todo nos deja libre de distracciones para poder vivir una vida con propósito y meterle alma y corazón a las cosas que realmente son importantes (las cuales en verdad no son cosas).

Dicen que el estado de tu casa es equivalente al estado de tu vida y de tu mente.

Y es que resulta imposible vivir una vida plena, práctica y enfocada en un ambiente desordenado y con acumulación de objetos, los cuales la mayoría no nos representan como persona en este momento ni tampoco añaden valor a nuestras vidas y mucho menos nos ayudan a convertirnos en la persona que queremos ser.

Marie Kondo ha dedicado su vida entera a entender y aprender a controlar el orden, pero sobre todo creó una sistema que permite llegar a la raíz del desorden y acomodar de un solo tiro y para siempre.

Debido al tratamiento de shock y de agitación de las cosas de nuestro hogar cambia la programación de tu mente.

COLUMNA

Hace más de dos años comencé a interesarme por el minimalismo como estilo de vida y fue por estos tiempos que aprendí Konmari y como diseñadora de interiores

Pero, por qué acumulamos? Al parecer como seres humanos tenemos esta característica intrínseca de placer momentáneo. Nos aburrimos rápido de nuestras pertenencias y siempre estamos listos para recibir algo nuevo en nuestras vidas. El método Konmari nos enseña a cambiar esta mentalidad y a apreciar lo que ya tenemos y a elegir mejor lo nuevo que entraría a nuestro espacio.

En una ciudad como Panamá, en donde los puntos de encuentro y la convivencia familiar se centra en los centros comerciales, ya sea por practicidad o por falta de opciones, debemos ser muy conscientes del ambiente de consumo en el que nos estamos moviendo. Lo bonito del método Konmari es que es una herramienta de bienestar disponible para cualquier persona, indistinta de género y clase social. Todos tenemos la capacidad de tomar el control sobre nuestro espacio y sobre nuestras vidas por medio del orden.

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Secciรณn de la revista

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Curiosa por el color por MAIRENA BRIONES. @mairena_briones

Desde pequeña siempre sentí una gran atracción hacia el arte. Más que dibujar, me encantaba pintar, jugar con combinaciones de colores y recortes de papel. No fue casualidad que unos años más adelante, termino estudiando diseño. Pero fue hasta hace poco, cuando comencé a tener una curiosidad diferente por el color. Quería ir un poquito más allá de la teoría y de los términos técnicos que aplicaba cada día.

Quería realmente entender cómo asociamos el color con nuestra cultura, nuestra historia, nuestra personalidad.

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El color es un fenómeno que siempre ha estado a nuestro alrededor. No nos damos cuenta que influye en todo lo que hacemos y que apenas estamos conscientes de solo un 20% de las decisiones que tomamos en base a él. Es el producto de cómo nuestros ojos interpretan la luz. Pero no se detiene allí.

Cuando la luz entra en nuestra ojos, inicia una conversación con el cerebro y eventualmente el hipotálamo, órgano que regula nuestro metabolismo, nuestro apetito, nuestra temperatura corporal, el sueño, nuestro sistema nervioso autónomo y hasta nuestras funciones sexuales y reproductivas.

Lo que significa, que el color no es solo un estímulo visual. También crea cambios fisiológicos dentro de nosotros. Por ende, en términos psicológicos, ofrece también una experiencia emocional. Sus diferentes efectos emocionales, dependen de su cantidad, su saturación y en especial de su contexto. Ya que en el mundo real nunca vemos el color de una forma aislada. Es por esto, que muchas veces respondemos mucho mejor a una paleta, que a un color individual.

COLUMNA

Su universo es amplio y de mucho significado. Lo vivimos y respiramos aunque no nos demos cuenta. Lo asociamos a nuestras experiencias personales o memorias de nuestra niñez; está arraigado a nuestra cultura

y a las simbologías inscritas por todas las generaciones antes que nosotros.

Cada cultura tiene colores con significados diferentes. Por ejemplo, en China, el blanco es el color que se usa para los funerales, ya que representa muerte y duelo, cuando en Occidente el blanco simboliza pureza, inocencia y paz, y lo vestimos al casarnos o ser bautizados. En Estados Unidos, el naranja es el color de la calabaza y lo asociamos a Halloween, cuando en India, es un color sagrado, que para los budistas, es el color de la espiritualidad y la paz.

Los colores también ayudan a conocer un país. ¿No les ha pasado que cuando viajan a una nueva ciudad, sus colores te hacen conectar inmediatamente con su cultura?

Hace poco, me pasó. Viajé a la ciudad de México, un país que siempre he relacionado con el color. Pero esta vez, los colores de sus calles, edificios, mercados y museos se conectaron conmigo de una manera más íntima y me hicieron sentir parte de su historia y cultura. Al llegar a Panamá, no podía dejar de observar mis alrededores con otros ojos, y cuestionarme, ¿cuáles son los colores de nuestro país. ¿Qué historias contamos con ellos? ¿Qué emociones se imprimen en las memorias de cada persona que nos visita? ¿Cuál es la paleta que nos representa y cuenta nuestras historias?

Diseñadores, amantes del diseño: los invito a entender el color, a tomar decisiones inteligentes sobre cómo lo aplicamos en nuestros espacios, objetos, vestimenta.

No pasen por alto el poder que tiene y el valor que puede ejercer sobre los demás.

También, cuestionen sus colores favoritos (y no tan favoritos) e investiguen qué dicen estos sobre ustedes. Comiencen su propia aventura de autodescubrimiento y a utilizar el color como herramienta de cambio positivo.

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Secciรณn de la revista

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s h o r t

C U T S

libros

Manuel Bergman de Pablo Herrán de Viu

18 Jorge, un joven aspirante a guionista, que busca casa, lleva dos años en Nueva York ocupando el piso de su novio Fabio y siente que allí ha perdido todas sus ambiciones. Debe empezar de nuevo, esta vez a solas y sin ayuda, hasta conquistar un lugar propio en la ciudad de las oportunidades.

S H O RT C U T S |

Jorge busca historias sobre las que escribir. Inicia amistad con Eve Sternberg, una exitosa y excéntrica dramaturga en el umbral de la ancianidad. Convive unos días con Sveta y otros días con Mila, dos inmigrantes ilegales, tristes y enemigas irreconciliables.

Se deja deslumbrar por Zhenia, un chapero capaz de convencer a cualquiera de las delicias de la prostitución. A través de las vicisitudes de estos personajes solitarios que reflejan la hostilidad de una metrópoli habitada por soñadores y expatriados, el protagonista vuelve a enfrentarse al papel en blanco. Se busca a

L I B RO S

por ELEMENT.

sí mismo y, durante quince días frenéticos, se ve forzado a hacerlo bajo una identidad falsa, la de Manuel Bergman...

El autor de esta novela es Pablo Herrán de Viu, quien nació en Mallorca en 1986. En su isla natal fue nombrado M ​ estre en Gai Saber tras ganar durante tres años consecutivos el premio de poesía catalana de E ​ ls Jocs Florals. Con veintiún años, recién licenciado en Comunicación Audiovisual, se trasladó a Nueva York para estudiar Realización de Cine. Allí ejerció como guionista, director y editor, y fundó el ​Screen Loud Film Festival,​centrado en la inmigración.

'Manuel Bergman' nos revela el talento de Pablo Herrán de Viu para narrar una sincera, emocionante y divertida historia de aprendizaje donde resuenan ecos de escritores como J. D. Salinger, John Fante o Paul Auster.

ELEMENT

libros la excelencia en el uso de la tipografía, las tipografías diseñadas a medida y las tipografías personalizadas en cerca de 30 revistas diversas. Laura Meseguer, conocida tipógrafa y profesora del Máster en Diseño Gráfico de ESdesign, nos guía sobre cómo aplicar con éxito la tipografía, sea cual sea la temática de la publicación y da muchas pistas para iniciarse en el diseño de revistas a nivel tipográfico.

CREATIVIDAD Y DISEÑO DIGITAL

luntarios, una organización sin precedentes. Design for Obama se basó en este espíritu. El póster "HOPE" del realista social de Shepard Fairey se convirtió en la imagen perdurable del 2008, inspirando decenas de diseños que aparecieron en las calles, hogares, oficinas, reuniones y campañas de registro en todo el país.

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Es una obra que nos ofrece una mezcla de arte, comunicación y tecnología como herramientas de apoyo al proceso creativo necesario para el mundo globalizado, resultado de la colaboración de los creativos Eusebio Ayala Torres, Jesús Sebastián García Álvarez, Virna Edith Gil Castro, Edith Aída Lozano Guzmán, Octavio Augusto Muñoz Román y Roberto Sobrado Taymani. Incluye ejercicios que ayudan a la reflexión divertida y dinámica, y muestra una concepción de los productos desde la ética del uso MILTON GLASER. de la información, hasta el desa- CONVERSACIONES CON PETER MAYER rrollo de la creatividad.

que constituye su dignidad, y de la relación entre creatividad y trabajo; sobre el papel del diseño en su contexto social; se habla de la relación y la distancia entre diseño y arte, de la importancia o no de tener un estilo y de las relaciones con los clientes. Un diálogo que enfrenta a cualquier diseñador, artista o creador con las mismas inquietudes que le habrán saltado a lo largo de su carrera; que ofrece respuestas, siempre lúcidas, y la rica perspectiva de uno de los grandes maestros.

DESIGN OBAMA

L I B RO S

por MICHAEL PRINCE BENT.

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De la editorial de Gustavo Gill, recoge tres conversaciones en tres momentos momentos puntuales (1973, 2000 y 2008).

Conversaciones entre el editor Peter Mayer, quien dirigió Penguin Books y actualmente preside The Overlook Press/ Peter Mayer y Milton Glaser, quien probablemente es el diseñador más popular del mundo por su cartel de Bob Dylan o su “I love NY”, piezas imprescindibles en la historia Desde sus inicios, la campaña de Obama estaba destinada a del diseño.

TYPOMAG hacer historia. Su mensaje de Está dedicado a la tipografía Presenta temas como el código inclusión y empoderamiento aplicada en revistas y se analiza no escrito del diseñador, de lo fue difundido por miles de vo-

Obra de Alina Wheelers, una edición revisada del kit de herramientas más vendido para crear y mantener una marca sólida.

Desde la investigación y el análisis a través de la estrategia de la marca, y el desarrollo del diseño a través del diseño de la aplicación; esta cuarta edición ofrece a los gerentes de marca, mercadólogos y diseñadores un proceso comprobado y universal de cinco fases para crear e implementar una identidad de marca efectiva. Enriquecida por nuevos casos de estudio y la actualización de las últimas tendencias en marcas, incluidas las redes sociales, dispositivos móviles, mercados globales, aplicaciones, videos y marcas virtuales.

S H O RT C U T S

Cientos de artistas gráficos y callejeros, incluyendo jóvenes promesas, expresaron su apoyo a Obama diseñando carteles y los enviaron a designforobama.org para su descarga gratuita. Una colección excepcional, curada y editada por el fundador de designforobama.org Aaron Perry-Zucker y el cineasta Spike Lee, sirve como documento histórico sin igual de la creatividad visual que ayudó a impulsar la victoria de Barack Obama.

DESIGNING BRAND IDENTITY

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E L E M E N T con CARLOS CRUZ-DIEZ

En memoria a Carlos Cruz-Diez, "El Maestro" (1923 – 2019)

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por SAMUEL RUMALDO CHOY

Y ELEMENT. fotografías por

RAFAEL GUILLÉN ARTICRUZ.

agradecimientos al

MUSEO DE ARTE

CONTEMPORÁNEO (MAC).

CON CARLOS CRUZ-DIEZ

RE

Una de las particularidades de tu obra es la extrapolación arquitectónica. No obstante, las ciudades son hostiles e incómodas. ¿Cómo sería tu ciudad perfecta?

CCD

Nada es perfecto y menos las ciudades, porque devienen en lo imponderable del comportamiento humano. El artista debe intentar trabajar para ese soporte que es profundamente social y comunicativo. Una obra de arte en el contexto urbano tiene la capacidad de dejar huellas mucho más gratas en el espíritu robotizado del transeúnte.

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Este especial de diseño, ELEMENT volumen 20, se la dedicamos a Carlos Cruz-Diez (CCD) , a quien con nostalgia y admiración recordamos por su legado, y hacemos memoria con un extracto de la entrevista que le realizamos y publicamos en ELEMENT (RE) volumen 4, especial de arte...

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"El arte no era expresarme y pintar bien, sino inventar un nuevo discurso".

¿Siempre has creado desde la paz y la serenidad? ¿Es probable que para desarrollar un discurso conceptual sea necesario este equilibrio?

CCD

No hay fórmula para ser artista. Hay quienes necesitan un clima de tormenta y angustia para crear e imaginar, otros no. Cuando ingresé a la escuela de arte, mis compañeros de arte de clases superiores decían que el arte es sufrimiento y angustia, lo cual me hacía dudar de mi vocación y condiciones de artista, porque yo me sentía feliz. Más tarde entendí que la angustia y sufrimiento constituyen un período, por el cual yo también pasé, durante el cual se busca un discurso propio. Personalmente, necesito paz espiritual para hacer mi trabajo, porque yo no me inspiro, yo reflexiono.

CON CARLOS CRUZ-DIEZ

RE

ELEMENT

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EL COLOR HACIÉNDOSE POR SIEMPRE. con instalaciones donde el público forma parte de los fenómenos cromáticos. El cuarto Hablar sobre "El Maestro" es recordar más emblemático, Cromosaturación (Desde a uno de los visionarios latinoamericanos 1965), donde el artista sumerge al visitante más sobresalientes del arte óptico y cinético en ambientes artificiales compuestos por mundial. Su investigación, obras y ense- tres cámaras de color en una situación de ñanzas cambiaron este mundo y la forma monocromía absoluta. en la que observamos nuestro entorno.

“Para el MAC tener a disposición esta Logró demostrar que el color, en interac- muestra de manera gratuita fue un privilegio, ción con el observador, se convierte en una una manera no sólo de honrar sus investirealidad autónoma que existe sin ayuda de gaciones tan relevantes para la humanidad, la forma o necesidad de un soporte. En sus sino de celebrar su espíritu colaborativo más de 70 años de carrera artística, Carlos y desprendido que lo mantuvo siempre Cruz-Diez abarcó ocho investigaciones dispuesto a compartir sus conocimientos sobre la autonomía del color; realizó más de cien integraciones de arte en el espacio público y sus obras forman parte de las colecciones permanentes del Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York; Tate Modern, Londres; Centre Pompidou, París; Museum of Fine Arts, Houston, entre otros.

Fundó tres talleres de arte en Caracas, París y Panamá; la Cruz-Diez Art Foundation en Houston. Recibió invaluables premios y reconocimientos, entre estos la Legión de Honor (Légion d’Honneur), la condecoración más importante que otorga el gobierno de Francia.

En el año 2019, junto a su hijo Jorge fundaron Articruz, más que un taller para crear las obras del maestro es un epicentro para el desarrollo técnico para otros artistas en Panamá. Desde su fundación ha sido una plataforma de intercambio creativo, donde el Maestro mismo fue mentor de muchos más artistas.

Previo a su partida, tuvimos el honor que Articruz preparara una exhibición para el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá (MAC), un recorrido didáctico sobre sus aportes a la comprensión del color. Donde se le permitió al visitante experimentar el color apareciendo y desapareciendo delante de sus ojos, modificándose en la realidad efímera del instante y en el soporte inmaterial del espacio. Es el color real, es el color luz: es el color haciéndose.

CON CARLOS CRUZ-DIEZ

El diálogo de la muestra fue diseñada como un recorrido de experiencias artísticas interactivas. Desde contenido educativo para comprender las propuestas teóricas sobre el color, obras de los años 1960 y 1990, para ver la continuidad y vigencia del discurso del Maestro. Obras producidas en Panamá a lo largo de la última década y su influencia con el trópico, su aporte al espacio urbano y la arquitectura de la ciudad. Y finalmente

con las nuevas generaciones, resaltando la importancia de que los artistas sean actores de su tiempo”, dijo Luz Bonadiez, Directora del MAC. La llegada del maestro al Istmo de Panamá inspiró y retó el arte local. Su aporte intelectual y familiar aportó tanto a la cultura que le dio otro nuevo color.

Su sencillez, su carisma y una visión única de observar la vida de “el abuelo” sigue vivo en sus nietos Marión y Gabo, quienes con su equipo seguirán compartiendo los colores únicos de Carlos Cruz-Diez a las próximas generaciones.

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diseño La cruz gamada de un pueblo valiente De cruces gamadas está repleta la antropología universal desde que el mundo es bola. Está en el milenario hinduismo, en el todopoderoso martillo de Thor de la mitología nórdica y, entre miles de otros ejemplos ancestrales, en la primera bandera de la otrora República Tulé, hoy comarca Guna Yala de Panamá.

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Ya sea como cruz gamada (por su parecido a la letra gama en mayúscula del alfabeto griego), o como esvástica (que viene del sánscrito y refiere a “algo que conduce al bienestar”), las referencias a este símbolo, y sus cercanas variantes, superan la cantidad y variedad de significados conferidos: la perpetuidad, la naturaleza, las estaciones del año, prosperidad, buena suerte y hasta aspectos tántricos de diosas hindúes.

Pero bastó que el nazismo la implementara en su aplastante maquinaria comunicacional, para que la buena fama que gozaba este símbolo por siglos quedara prácticamente fuera de combate.

S H O RT C U T S

Fortuna similar tuvo la primera de las banderas de Guna Yala. El caudillo y defensor de este pueblo indígena, Simral Colman (Olokintipipilele), le pidió un día de marzo de 1924 a su nieta de 11 años de edad que le hiciera el diseño de lo que sería la primera bandera que los unificaría como comunidad valiente.

| DISEÑO

“Mi abuelo me dijo un día que le confeccionara una bandera. Yo no sabía cómo hacerla. Así que

empecé a diseñar de acuerdo a mi imaginación. Luego se la mostré al abuelo Colman, quien aceptó”.

Así lo recuerda María Waga Ebinkili Colman en un testimonio levantado en 1992, y recopilado por Atilio Martínez, un investigador de la historia oral indígena, quien hizo una antología sobre las diversas banderas del pueblo Guna y su simbología.

Ella le presentó a su abuelo una bandera rectangular con tres franjas: blanca en el centro y las otras rojas. En el medio del pabellón, una cruz gamada negra cuyos brazos giran a la derecha.

Satisfecho, Simral Colman no tardó en darle significados a los detalles de la obra de su nieta: el color rojo por la sangre derramada por su pueblo; el blanco para representar la paz y pureza que reinaba en su paraíso; mientras que el negro de la cruz respondía a la sangre de aquellos que un día habían llegado a ser maltratados en su propia tierra.

A poco menos de un año de su creación, la bandera de María Waga había servido como estandarte de lucha de su gente durante los días de la Revolución Tule, a inicios de 1925, en donde se plantaron de frente a los intentos de occidentalización que pretendía el gobierno panameño sobre ellos. Si bien perdieron su institución republicana, logró resistir su anhelo por seguir siendo un pueblo indígena de identidad intacta.

Atilio Martínez también destaca que las referencias a una cruz gamada en el universo guna ya existían antes del ejercicio creativo de la pequeña María. El aggebandur es una planta ornamental que tiene forma de horqueta. Los gunas lo utilizan como medicamento

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diseño para contrarrestar los síntomas cuando el espíritu les aqueja.

“Al cortársele y confeccionar, se forma una cruz como la que lleva nuestra bandera de la revolución guna”, afirma el historiador Jesús Smith, también reflejado en la antología del profesor Martínez.

La cruz también está muy cerca en las artes y cultura de esta etnia; puede encontrarse plasmada y repetida en la cestería artesanal y el diseño de sus molas.

archipiélago o comarca. Y con el tiempo su uso devino a más discreto.

Al paso vino una (ni tan) nueva bandera a tomar el cargo. En el Congreso Guna de 1990, tras debate de sus miembros, acordaron que la de María Waga quedaría solo para la conmemoración de la Revolución Tule en cada febrero.

En su reemplazo vendría una bandera que casualmente había diseñado su mamá, Olo Ebinkili, prácticamente en paralelo, y que vino a ver la luz unos 65 años después de su creación.

Llegó entonces a oficializarse un nuevo pabellón, de franjas horizontales, verde, amarillo y rojo, con dos antebrazos cruzados en el centro: uno con un arco y el otro con la flecha, ambos encabezados con una línea arqueada de ocho estrellas negras, símbolos que engloban y mantienen un discurso de lucha, independencia y arraigo.

Es por ello que siempre toma a un turista por sorpresa cuando lo reciben en la primera puerta de entrada al paraíso de las 365 islas del archipiélago de San Blas.

Suelen llegar al punto de control de Nusagandi donde un guardia local y otro nacional, siguen el protocolo de bienvenida con una bandera a sus espaldas, que no ha trascendido fronteras y que en el centro tiene una cruz ligeramente parecida a la que Joseph Goebbels supo utilizar para unificar a una nación a favor del odio y la muerte, y cuya vigencia difícilmente ha diezmado.

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Mientras tanto, la esvástica que vino a usar el Adolf Hitler fue usada por primera vez con un sentido ario en 1907 y terminó siendo implementada oficialmente en 1935, dejando para siempre sus nocivos residuos en la cultura popular. Está inclinada 45 grados y sus brazos están doblados en sentido contrario a la que María Waga Ebinkili dibujó para su revolucionario abuelo.

Es así como la cruz que le daría una identidad de valentía a un pueblo, terminaría relegada a un segundo plano por acontecimientos tan lejanos en la interpretación que otros le darían.

Una suerte opuesta la tuvo la cruz cristiana, que devino en un significado masivo de salvación.

Antes del paso de Jesús por la historia, el símbolo era interpretado en la Roma Antigua como un emblema de tortura.

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por LUIS GUILLERMO MARTÍNEZ.

S H O RT C U T S

El proceso en el que los símbolos funcionan es llamado por la academia como semiosis, y la interpretación que a ellos les demos, es el factor implícito y clave que queda en nosotros mismos para darle vida a una referencia gráfica… o, como ya vemos, para darle la muerte.

La adversa reacción de quienes se sorprendían con esta bandera la han registrado historiadores desde que la bandera posa frente a las chozas de los indígenas de la revolución tule, en todo espacio en donde viviera un Guna dentro de su

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La pareja ideal en la creación artística

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La primera marca de lujo del mundo no se complica las cosas a la hora de desarrollar su creatividad. Con ingresos anuales por encima de los 6,600 millones de dólares (y subiendo) los directivos creativos de la Casa Hermès no se ponen nerviosos a la hora de soñar con el próximo objeto del deseo de la élite mundial, y hacerlo realidad.

por ELEMENT. fotografías cortesía de

HERMÈS

#HERMESHOME fotógrafo

ÉRIC POITEVIN

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Desde que nacieron en 1837 se han dedicado a hacer sillas de montar y toda la variedad exquisita del mundo de la equitación recreativa y profesional. Pero fue hasta inicios del siglo XX, en el período entre guerras, cuando abogaron por la diversificación en sus productos, algo que, hasta el sol de hoy, parece no encontrar algún esquema o límite a intramuros.

Ahora es fácil, tan solo para el que pueda, encontrar joyería fina, relojes, fragancias, zapatos y hasta productos para el recién nacido heredero de un vasto imperio. Todo con el sello de una marca que desde el primer día ha buscado trabajar con los mejores materiales y honrarlos en las manos de los mejores artesanos.

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De esa visión de diversificación nació una dupla algo atípica para comandar y co-crear elementos que hablan de sensualidad y funcionalidad, a la vez herencia y revolución.

Alexis Fabry, bisnieto de Thierry Hermès (el de la primera piedra), es arquitecto facultado y curador de galerías fotográficas en Latino América, así como creador de una editorial que publica libros que mezclan fotografía, diseño y literatura; es, también, el subdirector artístico de la Casa Hermès en París.

Tuvieron que pasar los años para que Fabry se diera cuenta que su pareja ideal en el baile de la creación artística a-la-Hermès lo iba a encontrar en su mejor amiga. Desde 2014 se le unió Charlotte Macaux Perelman, egresada de la Escuela parisina de Bellas Artes como arquitecto y diseñadora; una francesa que abraza una consistente experiencia en Nueva York, Miami, Buenos Aires y otras metrópolis, en donde ha rediseñando lugares icónicos, restaurantes y hoteles; y mientras dirige la firma de diseño (Studio CMP) que fundó 2005, también dirige con su viejo amigo el departamento de Hogar en la Casa Hermès.

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Juntos han engendrado a los protagonistas de las últimas ediciones de la Feria de Internacional del Mueble Milán, incluyendo la de 2019. Sus montajes son de espectáculo y marcan la tendencia que seguirán otros.

En su más reciente instalación, bufandas de seda muestran patrones caleidoscópicos y policromáticos, y alfombras decorativas son dueñas de una belleza que prohíbe ponerse encima de ellas, y obliga a admirarlas en paredes de un museo o galería especializada.

Lámparas de granito y porcelana de negros intensos y blancos traslúcidos, tapices

de patrones únicos y cestas de confección tradicional completan la última oferta en la expo de Milán. Todo inmerso en un laberinto de piedras grises y rectangulares que evocan civilizaciones de tiempos vikingos y el retorno a lo más básico y elemental. “Con mucha frecuencia es la materia la que determina el color”, aseguran los responsables de estos mundos surreales de la estimulación. Como siempre la apuesta de los materiales en el centro de esta fuerza.

Pero para pasar de la mesa de copas de tinto y buen queso a la de esquemas, ideas y proyecciones, Macaux y Fabry tuvieron que pensárselo un poco. “Nos conocemos desde que tenemos ambos 19 años”, le dijo Fabry a la revista The Nomad. “Y aún así, tuvimos nuestras largas discusiones sobre la amistad que arriesgaríamos si trabajáramos juntos para Hermès. Años después, puedo decir con confianza ¡que sí pudimos! Nos gusta seguir reuniéndonos en privado con la misma frecuencia de antes, sin la necesidad de hablar de la Casa cuando lo hacemos”.

La dupla ha formado un estilo de trabajo enfocado en la curaduría basada en la filosofía artística de la marca y la asociación con talentos que complementan y ejecutan la visión que surge de su experiencia e inspiración. Así se ahorran las estrictas verticalidades en el trato y garantizan el flujo de la capacidad creativa. Tomado de la escuela Bauhaus, los directores salen de sus estudios y se sientan en el taller de sus artesanos para entablar una conversación lineal y crear prácticamente lo imposible. “La mano y el ojo son uno solo, y la mirada guía a la técnica para realizar colecciones cuyas armonías complementan e interactúan juntas como una verdad única e irrefutable”, reza con tino esta frase en la web de Hermès.

Charlotte Macaux Perelman señala al Architectural Digest aquello que ve como su punto de partida para la colaboración en su (ya ni tan) nueva oficina. “Compartimos los mismos valores de Hermès, que son el rigor, la imaginación, el trabajo con materiales crudos y la artesanía (...) El ADN de Hermès no es la parte ornamental, sino el respeto por los materiales y la adición de pequeños detalles que hacen un objeto hermoso y refinado”.

Fabry también habla de la necesidad de tener una oficina-santuario para la creatividad. En la Calle de Sèvres de París está la principal sede de este emporio, en donde pasa tiempo prácticamente desde que tiene

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Imágenes de la colección para la casa presentada por Hermès en la feria Internacional del mueble en Milán. Desarrollado bajo la codirección artística de Charlotte Macaux Perelman y Alexis Fabry de Hermès Maison, la nueva colección para la casa, envueltas en luces, objetos, mobiliario y papel tapiz revelan la diversidad del trabajo con varios materiales.

memoria. “En mi oficina está la concentración del todo”, revela en el primer episodio de un podcast de la compañía. “Necesito venir aquí para sumergirme en el sueño y en la energía de Hermès. Esto es mi isla, en donde tomo mi inspiración de vuelta.

Como ven, tengo una tendencia de acumular objetos e imágenes., Mi oficina está cubierta de impresiones, pinturas y fotos.

Algunos objetos me los dio mi papá, otros los compré o conseguí. Algunos son incluso prototipos. Es mi cabinet de curiosité. Mi museo de la estimulación”.

Dejan así una base férrea para la expectativa que se nutre año a año y se sirve con frescura en la vitrina italiana de Milán.

“Mi primera responsabilidad en Hermès es trabajar con los equipos creativos, todos, para crear las condiciones, para que el espacio sea suficiente, para que los sueños se hagan realidad. Es mi deber mantener la mente abierta y prever lo que se anticipa.

Podemos reinventarnos año a año con un ángulo diferente. Así entendemos a Hermès profundamente y apuntamos a una proyección excitante del futuro”, culmina Fabry.

“Con mucha frecuencia es la materia la que determina el color” .

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Fondation Louis Vuitton, una obra de arte por Frank Gehry

por ELEMENT. fotografías cortesía de

Al irse alejando del centro de París uno podría pensar que el arte empezaría a pasar a otro plano. Uno menos protagonista, al menos.

Un plano en el que la capital del arte mundial no estira por completo sus tentáculos.

Donde las distintas disciplinas artísticas no logran abrazarse o entenderse del todo porque, como suele suceder al abandonar las cosmópolis, cada una lucha por su propia expresión y subsistencia.

enormes que no se conectan unas con otras pero que sí se entienden en un impresionante mensaje neo-abstracto. La mole también escribe un diálogo con la naturaleza que le circunscribe, dejando espacios para nuevas y reconfortantes experiencias biológicas (en Panamá) o artísticas (en París).

Desde sus inicios ha sido anfitriona de galerías y exhibiciones de arte moderno y contemporáneo con perspectiva histórica; conciertos de nuevos talentos de la música clásica, hasta viejos maestros de la vanguardia electrónica (ejemplo: las ocho fechas de conciertos de Kraftwerk en 2014).

Pero en París la historia es distinta. Al cruzar la frontera administrativa de la capital francesa, dentro del parque Bois de Boulogne (el segundo en tamaño de la ciudad) se erige, desde 2014, una cristalina nave que alberga todas las condiciones para que las Y dado a la genialidad de los espacios artes hablen entre ellas y subsistan para el internos del edificio de Gehry, el arte exgozo de quienes la abordan. puesto eleva su discurso al plantearse en un lugar que hace que las propias piezas se La Fondation Louis Vuitton (FLV) constru- expandan y vinculen con las altas paredes yó un enorme museo con el talento y firma inclinadas, altas o curvas de cualquiera de del canadiense (y universal) Frank Gehry. Su las 11 particulares galerías. Bernard Arnault, inauguración vino casi en paralelo con la del presidente de la FLV destaca que con el edificio del Biomuseo que dejó en la ciudad de nuevo edificio abren “un diálogo con un Panamá y sus similitudes saltan a la vista: pese amplio público, a la vez que le ofrecen a a plantear un lenguaje de materiales y colores los artistas e intelectuales una plataforma distintos, el arquitecto instaló distintas capas para el debate y la reflexión”.

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LOUIS VUITTON.

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Antiguamente llamada “Fondation d'entreprise Louis Vuitton pour la création”, ​es un museo construido por el grupo LVMH que tiene como objetivo promover el arte y la cultura accesible a todos y apoyar las acciones de mecenazgo emprendidas desde 1990 por el grupo. Las excepcionales colecciones de arte contemporáneo (permanentes y temporales) de la Fondation se exponen en un precioso entorno arquitectónico, creado por el canadiense Frank Gehry.

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El Grupo LVMH, que conglomera 75 marcas de primera línea (Givenchy, Marc Jacobs, Fendi, Christian Dior, Loewe, BVLGARI, Hublot, TAG Heuer y, desde luego, Louis Vuitton, entre tantas más) inició este episodio en su historia de mecenazgo con la creación de esta Fundación y cuya materialización más visual e impactante no se ha igualado desde que el edificio fue inaugurado.

Frank Gehry visitó el jardín descubriendo un lugar excepcional cargado de historia.

Concibió una arquitectura de vidrio inspirada en el Grand Palais, pero también en las estructuras de vidrio que decoran el Jardín de Aclimatación, como el invernadero.​Bajo la mano de Gehry, el edificio de vidrio tomó la forma de un velero con las velas infladas por el viento del oeste, que dan así ilusión de movimiento. Doce velas de vidrio translúcidas rodean el iceberg, una sucesión de formas blancas orgánicas revestidas de hormigón (compuestas por 19,000 paneles, todos ellos diferentes entre sí y colocados para crear, según la expresión de Frank Gehry, un motivo en «terremoto») con terrazas arboladas. Todo ello flotando sobre una cuenca de agua.

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La colección de arte de la fundación pone en valor a artistas contemporáneos como Gerhard Richter, Bertrand Lavier, Christian Boltanski, Olafur Eliasson, Thomas Schütte y Pierre Huyghe, entre otros muchos. La colección del museo, combinación de obras propiedad de LVMH y Bernard Arnault, incluye obras de Jean-Michel Basquiat, Gilbert & George y Jeff Koons.

La fundación también realiza pedidos a artistas. No es solamente un centro de arte contemporáneo. Es también un lugar donde se realizan debates, coloquios, seminarios, clases magistrales y un escenario que acoge espectáculos en vivo, cine, vídeo... La dirección artística de la Fondation Louis Vuitton está a cargo de Suzanne Pagé, antigua directora del Museo de Arte Moderno de París. El museo fue financiado por LVMH y lleva el nombre y logo de su marca insignia, Louis Vuitton.

Esta obra pasará a manos del Ayuntamiento de la ciudad después de 55 años.

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“Muchos de los museos privados creados por todo el mundo tienen bellos envoltorios arquitectónicos, pero no necesariamente la conciencia de lo que significa tener una institución, con una visión específica, un programa digno de este nombre y un papel pedagógico real. La Fondation Louis Vuitton va a ser un estimulante positivo para los otros”, afirmó Jérôme Sans.

Santiago Calatrava, el escultor de edificaciones de impacto y analogías

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NEGOCIOS CON ESTILO

por MICHAEL PRINCE BENT.

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fotografías cortesía de

SANTIAGO CALATRAVA.

Estudió en la Escuela de Bellas Artes y Oficios de Burjasot, donde comenzó formalmente su preparación como dibujante y pintor. Sus estudios universitarios los

NEGOCIOS CON ESTILO

De seguro, si eres amante de viajar por el mundo, has tenido la dicha de conocer alguna de las obras representativas de uno de los personajes más influyentes de la arquitectura contemporánea, Santiago Calatrava Valls. Español nacido en Valencia en 1951, quien además de ser arquitecto es ingeniero civil y escultor. Gracias a su trabajo en 1998 fue elegido como Oficial de la Orden de las Letras y las Artes en París. Ha recibido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1999, el Premio Nacional de Arquitectura en 2005, además de numerosos doctorados honoris causa.

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realizó en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Valencia.

En 1973, presentó un trabajo de fin de carrera sobre estudios urbanísticos y en 1974 se licenció con Premio Extraordinario de su promoción. Realizó un curso de posgrado en urbanismo, siendo discípulo del eminente arquitecto conquense Juan Carlos Jiménez.

La mayor parte de las obras de Calatrava las podemos encontrar en territorio español.

Sin embargo Santiago puede presumir de haber diseñado estructuras en medio mundo, siendo sus obras el centro de atención y un gran atractivo turístico para los visitantes de las ciudades donde se hallan.

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Entre algunas de sus creaciones tenemos a la Ciudad de las Artes y las Ciencias, ubicada en Valencia su ciudad natal y reconocida como una de sus más grandes obras. El puente del Alamillo, diseñado con motivo de la Expo celebrada en la ciudad de Sevilla en 1992, para facilitar el acceso a las instalaciones situadas en la isla de La Cartuja. La Estación de Oriente de Lisboa, uno de los centros ferroviarios más importantes de la capital y de todo Portugal es también obra de Calatrava. Creada para la Expo 98 y que es fácilmente reconocible como obra del arquitecto, gracias a su diseño llamativo y al entramado de su estructura. En Buenos Aires se encuentra su única obra en Sudamérica, el Puente de la Mujer, un puente peatonal de 170 metros que evoca a “una pareja bailando tango”, y dispone de tres secciones: dos fijas y una móvil, que permite el paso de embarcaciones. El Puente de La Paz, abierto para su uso en el año 2012 en la ciudad de Calgary (Canadá) y que une las orillas del río Bow, formado por una viga central de acero en forma de hélice, tiene 126 metros de largo y ocho metros de ancho, su construcción dispone de una zona peatonal y un carril bici central, que conecta el área residencial de Sunnyside con el moderno Eau Claire. La ampliación del Museo de Arte ubicado en Milwaukee, proyecto otorgado mediante concurso el cual fue ganado por Calatrava con su bellísimo diseño inspirado en la figura antropomorfa de un ave. Estas sólo son algunas de las obras que también forman parte del portafolio de diseños “calatravescos”.

En el hogar de la familia Calatrava se hablaba de arte de manera constante, y sobre cómo la visión del mundo de artistas como Gaudí y Goya es interpretada a través del arte.

Calatrava cree que el ojo humano es el centro del engranaje para alguien que puede ser un arquitecto. A partir de allí emerge un valor orgánico en la aproximación del arquitecto; todo pasa de una idea mental, para luego derivar en una imagen estructurada para la arquitectura, para el diseño de espacios y para los seres humanos.

Él toma ideas del renacentismo y el gótico y la novedad que ambos movimientos representaban en su momento, para hacer interpretaciones más industriales y modernas de los espacios, con el fin que no sean del todo natural pero que al apreciarlos se representen como algo natural sin tener que serlo.

Su planteamiento está basado también en cómo las estructuras espaciales pueden

Su naturaleza como su filosofía están sumamente vinculadas a su obra. Su arquitectura es reflejo del pensamiento y de las características sociales de la época que envuelve al desarrollo de su obra.

“Su naturaleza como su filosofía están sumamente vinculadas a su obra.

Su arquitectura es reflejo del pensamiento y de las características sociales de la época que envuelve al desarrollo de su obra.”

La filosofía por medio de la historia tiene una característica que la hace de especial notoriedad de ese tiempo. Lo que pasa en el entorno afecta directamente distintas dimensiones y la arquitectura es un reflejo de esto. La arquitectura cambia y se pasa al campo de la ingeniería, sobre todo la civil.

En cuanto a la teoría del color, es algo carente de necesidad, tanto en su arquitectura, como en los espacios interiores.

Algo que poseen todas las obras de Calatrava es que cuentan con una paleta de colores específicos en donde los tonos blancos son seguidos por elementos azules y grises. En ocasiones vemos la incorporación de detalles de madera, como hizo en el Auditorio de Tenerife. Otro de sus valores agregados es la integración del agua, como si este se convirtiese en la sangre que pasa por la estructura ósea humana.

En 1983 le fue adjudicado uno de sus primeros proyectos importantes, la Estación de Ferrocarril de Stadelhofen, situada junto al centro de Zúrich y su catapulta al reconocimiento global. Desde entonces su evolución ha sido exponencialmente mágica. Hemos visto cómo ha pasado de ir elaborando balcones para luego participar en concursos de nuevos proyectos.

Las edificaciones de este español representan un aporte a la arquitectura del siglo XXI que debe perdurar y lucir a sus anchas cuando todas las demás hayan sucumbido ante el paso del tiempo. Evoca, de hecho, la idea de un invasor que ha tomado tierra donde y como ha querido, sin dejar de pavonear acerca de su libertad. “No busco ser entendido, busco ser libre” - Santiago Calatrava.

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Y con todo, Calatrava logra ser el arquitecto de la posibilidad y la lógica. Su visión del organismo y su interacción con la fuerza, la belleza y la naturaleza, viven en un juego.

Cuando Santiago contempla las obras Antoni Gaudí, opina que éste cuenta con elementos en la estructura en donde los arcos son como pulmones; eso lo inspira a analizarlo en el lado de las proporciones de movilidad en el acto de la respiración. Planteamientos así se pueden encontrar en las desplegadas alas del Museo de Arte de Milwaukee, o en las estructuras, tanto del Centro de Servicios de Emergencia, como en la Galería Pfalzkeller, ambos en St. Gallen en Suiza.

La ambición del trabajo de Calatrava es que su diseño tenga un significado más allá de lo visual y de la crisis existencial fuera de las líneas.

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La escultura es un trabajo de meditación según el artista, creadas con el fin de causar confusión e impacto a primera vista. Sus bocetos son parte de esta espontaneidad que surgen de su libre reflexión mental. Es por eso que en cada obra de Santiago Calatrava hay un importante factor introspectivo que lo vincula personal y profesionalmente con el ejercicio de ser un diseñador.

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ser estructuras lineales. Este planteamiento al que es leal surgió como idea principal para su tesis de grado para la culminación de su carrera universitaria, y es lo que aún nos muestra en cada uno de sus proyectos.

La visión de Calatrava está reflejada en toda la parte del movimiento corporal humano y sus complejidades, al punto de buscar un entendimiento en la interacción de sus creaciones con otras personas. Por ejemplo, ¿cómo el despliegue de dos mártires puede terminar siendo la imagen perfecta para la creación de un puente? Son estas fusiones de elementos preciosos los que muestran el grado de pensamientos, que van desde la concepción de la estructura ósea del cuerpo, hasta cómo los materiales permiten hacernos ver estas estructuras como si fuesen radiografías.

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P ROY ECTO LO CA L

La buena arquitectura gusta Funcionalidad y equilibrio estético. por ELEMENT.

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Panamá y sus folklóricas contradicciones.

Van desde lo sublime hasta lo urbanamente desastroso. Por un lado vemos una urbe que abre sus fauces y devora zonas verdes para hacer urbanizaciones que nos permitan vivir la utopía del suburbio estadounidense… de los años sesenta. Mientras que por otro, aprovechan el centro de la ciudad para elevar un torre babilónica (en el menos peyorativo de los sentidos) que se pensó buscando la mayor eficiencia posible de su resumido espacio y que abraza los paradigmas que estamos por explotar en la década que estamos por estrenar.

La Torre Dovle es el más destacado ejemplo de los del segundo grupo en cuestión. Se presenta ante todos como una “Comunidad Próspera”, un lugar en donde la cantidad de sus amenidades apuntan a un plan de vida

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en el que se pueda vivir, disfrutar y trabajar, sin necesitar un carro, sin usar la tarjeta de metrobus o resolver en la bicicleta. Y para ello: un smart hall para dictar conferencias; una sala de grabación profesional especializada para la generación de contenido profesional o personal; una biblioteca equipada con una variada selección de libros para todos los gustos; y dos oficinas para impulsar la productividad grupal.

Los atributos urbanísticos también van en consonancia con esa idea de eficiencia, comunidad y sostenibilidad que la constructora The Velopers ha venido planteando con los años en su oficio y que destacan en este cónclave de la sofisticación, anclado en la Avenida Cincuentenario de Coco del Mar: estacionamientos soterrados, pasillos comunes con ventilación e iluminación natural, aceras de cinco metros, 15 pisos residenciales; y en ellos, apartamentos de 45 a 85 mts., todos con una altura de 4.5 mts y ventanas de piso a techo y balcón con vista al mar.

La responsable del diseño interior de los espacios y apartamentos de la torre es Mary Calvo quien, con más de dos

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Y detrás de Dovle están una mancuerna de embajadores de la creatividad, que afianzan y enaltecen el talento local. El panameño Gustavo Arango, gerente general de la firma Arango+ y responsable de otros edificios de gran impacto como el Victory, también de The Velopers, o Atrio Mall de Costa del Este y la Torre Argos del Santa María Business District, tuvo una premisa para este nuevo proyecto: “cada metro cúbico es parte del juego en el espacio a utilizar”.

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A un lado el trabajo y la vida privada, la experiencia de compartir entre amigos y familia, también puede complementarse con una oferta para divertirse con uno mismo. Hay para todos: una demo kitchen con espacios abiertos, con nevera y estufa de última generación; un escenario especial para hacer fogatas a cielo abierto; un jardín alrededor de la torre diseñado para conversar, pasear mascotas, o perderse en un libro; área para hacer yoga con elementos feng-shui y un buda enorme; un gimnasio de máquinas equipado con pantallas para calcular el desempeño de tu sesión; hotel para mascotas; un bar al aire libre; sala de videojuegos y, finalmente, imagina la sensación de la arena en tus pies con vista al océano, al disfrutar de la piscina sin fin de 32 metros en la azotea.

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décadas desarrollándose en el diseño de interiores, se encargó de perfeccionar el concepto de menos es más. “En Dovle, la funcionalidad y la estética se unen en una sinergia especial, que hace de este residencial una infraestructura única en la región”, argumenta, confiada.

El diseño creativo, el desarrollo de la identidad de marca, estrategia de promoción y mercadeo también son parte de la historia de éxito de esta torre, siendo ingredientes claves en la fórmula para activar las ventas e interés de la comunidad. PYB, agencia panameña y de alcance internacional, dirigida por Rafa Candanedo y Miguel Mejía, son los responsables del branding que engloba el espíritu de Dovle, iniciando con el concepto de marca, el diseño de experiencias, hasta los detalles de la papelería y señalética de los espacios. “Analizamos al grupo objetivo, sus necesidades, intereses, así como los nuevos estilos de vida, para poder crear un proyecto totalmente innovador y rentable, de la mano de talentos como la diseñadora Mary Calvo, el arquitecto Gustavo Arango, The Velopers y Jurgen Klaric”.

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Este último terminó siendo el flautista de Hamelin de entusiasmados compradores que optaron por tener este nuevo estilo de vida. Klarić, embajador de esta propuesta de concepto residencial, es uno de los principales influenciadores en positivo en español del mundo, arquitecto y experto en neuromarketing y comportamiento humano, así como entrenador de emprendedores y empresarios. Entre todas sus redes sociales amasa un número de seis millones de interesados en su mensaje.

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“Al momento de abordar el proyecto de DOVLE, entendíamos que la gente lleva un estilo de vida intenso, en donde el tiempo pareciera no alcanzar para el disfrute, socializar y mantenerse saludable.

Y a la par, nacen muchas inmobiliarias que no parecen enfocarse en estas necesidades esenciales”. Es allí donde entramos nosotros: creando un proyecto enfocado en su funcionalidad integral, destinado a esa persona que quiere un equilibrio entre comodidad y disfrute constante. Junto a The Velopers creamos un concepto que, si bien toma un modelo de vivienda ya usado, le dimos un giro necesario para hacerlo único, funcional y útil para aquellos que decidan vivir en él. La buena arquitectura gusta pero con doble altura en todos los apartamentos en dovlemente impactante, plantea Klarić... ”.

ecco_FlexuretcapA_B_A_revistaK_sept19.pdf

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9/3/19

2:04 p. m.

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KNOWHOW

JOSE ISTURAÍN. MARTÍNEZ.

por LUIS GUILLERMO

EL DEFERENSOR

1.

DEL ESPACIO

KNOWHOW

PÚBLICO.

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DIRECCIÓN DE ARTE: Alfredo Smith PRODUCCIÓN: Ingrid Pintado y Reinier Guerra FOTOGRAFÍAS POR: Fernando Alda | Nadine Sam | Jairo Coumelis

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Sus trabajos han llamado la atención en Alemania y Australia, a la vez que proyecta un diseño en Estonia, a orillas del Golfo de Finlandia. Usa mucho la palabra filosofía y le gusta acompañarla de “ética de trabajo”, “honestidad”, “reciclaje” y “sencillez”, para referirse a su estilo de hacer las cosas durante el tiempo que trabajó en la Alcaldía de Panamá, su oficina, su estudio, el salón de clases y su propia casa.

KNOWHOW

Y detrás de la imagen de un municipio que quiso hacer las cosas distintas a favor del espacio público, está Jose Isturaín, un precoz arquitecto quien ya sus 24 años dirigía el departamento de museografía y curaduría del Museo del Canal para, años después, caer en la subdirección de Planificación Urbana de la ciudad de Panamá.

En paralelo, fundó su firma de arquitectura (JiA), una agencia consultora de diseño urbano (Giro Urbano) y, luego de egresar como arquitecto de la Universidad de Panamá, se especializó en Barcelona (España) en temas como exteriorismo, espacios efímeros, diseño, arte y sociedad: un pensum que le “cambió el chip” a favor de generar espacios, e incluso ciudades, en donde la gente se sienta incluida y cómoda.

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Hay una revolución a la que parece apuntar Jose. Que los edificios que se construyan se recuerden no por su nombre autor o figura, sino por lo que suceda adentro y alrededor de ellos. Desde el bureau hasta la academia, habla de la sostenibilidad en el diseño de nuestras experiencias. Panamá es una ciudad que ha sido planificada por todos aquellos que quisieron incrustar un edificio, una plaza de comercios o un conjunto de casas, sin pensar en aquello que se saliera de los márgenes de su plano.

| JOSE ISTURAÍN

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LGM

JI

¿Cómo llegaste al sector público?

Giro Urbano empieza a trabajar en pequeños proyectos ad honorem. Allí planteamos una propuesta que llegó a ver Bosco Vallarino cuando era alcalde en el gobierno Martinelli-Varela. Uno de sus asesores era José Isabel Blandón y ahí nos conocimos. Pero se cortó esa alianza y se perdió la oportunidad. Mientras, yo seguí en contacto con Blandón, una persona muy inteligente y que se involucra. Esa relación nos llevó hasta 2014, cuando ganó la alcaldía y me invitó a formar parte de su equipo.

LGM

¿Ahora que saliste del municipio, qué es lo que esperas del nuevo equipo?

JI

Para nuestro equipo era un “top” la planificación, en paralelo al tema cultural. No sé si eso va a suceder ahora. Ojalá me equivoque, pero lo que quiero es que la ciudad evolucione. En la Dirección de Planificación Urbana no tuvimos que convencer al alcalde para hacer los proyectos de aceras, porque ya estaba convencido.

LGM

¿Y hacia dónde evolucionará la ciudad?

JI

Panamá debe apuntar hacia una ciudad sostenible y mucho más amigable con el peatón. Puedes invertir miles millones en el Metro, pero eso no funciona si no hay por dónde caminar, si la gente no se siente cómoda dejando el auto y haciendo el recorrido de su casa al bus, y del bus al Metro y al trabajo. Pero es difícil. Tenemos 40 años invirtiendo en calles y carros. En nuestra gestión comenzamos a luchar contra el carro para devolver un poco el espacio al peatón.

Tratamos de invertir esa pirámide, que es lo que han hecho todas las ciudades.

No estamos inventando la rueda. Hay miles de ejemplos donde el peatón es la prioridad: Madrid, París, Roma, son ciudades viejas; pero Guatemala ya está teniendo intervenciones. Eso sucede cuando las alcaldías despiertan y empiezan a generar políticas para el espacio público.

¿Qué cosas aprendiste?

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Ahí es donde empieza lo interesante.

Una cosa es hacer las cosas desde afuera y otra es estar dentro de la vida política.

Mucha gente habla desde afuera y está bien porque se necesita ese balance con gente que se involucre y aporte. Ya no estoy en la alcaldía y el aprendizaje fue enorme. Pero lo más importante para mi fue haberle podido devolver el conocimiento adquirido a la ciudad. Estoy subiendo un montón de fotos, comparando lo que se ha hecho hasta ahora. Ver el antes y después es impactante.

LGM

JI

¿Qué alcance crees que tengan estos años que estuviste en la Alcaldía?

KNOWHOW | JOSE ISTURAÍN

Lo primero es escalar en el top-of-mind del panameño el tema del espacio público. Eso antes no sucedía. Hablabas del espacio público y se pensaba en el parquecito, con la canchita y el gazebo. Ahora la dinámica es distinta. La participación ciudadana ha sido esencial. La alcaldía hizo muchos procesos consultorios. Es imposible que encuentres a todos a favor, pero al final tienes que ir con la justicia a favor de la mayoría. Eso es vital. Lo otro es la planificación: Panamá no tenía una planificación muy clara y estos cinco años dejaron muchísimos documentos que la gente puede tomar y exigirle a la nueva administración que continúe: Plan de Ordenamiento Territorial de San Francisco, Plan Distrital General de la ciudad, Plan de Acción del BID (Banco Interamericano de Desarrollo) y el Programa de Ciudades Emergentes y Sostenibles. La nueva administración tiene la obligación, digo yo, moral, de seguirlos.

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¿Y qué hay de los nuevos barrios con bajísima densidad?

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Ese es el otro problema de Panamá. Y eso es lo que el Plan de Ordenamiento Territorial Distrital toca. Ese plan prohíbe esas barriadas. Porque son caóticas para la ciudad.

LGM JI

¿Y por qué siguen haciéndose?

Ese plan lo tiene que firmar el nuevo consejo municipal. Y creo que no va a pasar porque hay muchos intereses. Si hay algo que aplaudiré de la pasada administración, es que no se pusieron los intereses de privados por encima de lo público. Mi percepción es que no lo van a aprobar porque toca muchos temas sensibles. Decirle a un inversionista “¿te acuerdas de ese terreno que compraste y querías hacerle un poco de casitas?, bueno eso ahora no va”.

Nadie se va a meter a eso.

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Nadine Sam Fotos #2,3,5 José diseñando en su estudio Jairo Coumelis Foto #1 José Isturaín, apreciando la obra de Carlos Cruz-Diez.

Foto #4 Bella Vista, zona renovada por José Isturaín

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¿Y cómo ves la perspectiva hacia la planificación urbana a nivel nacional?

JI

Mientras las alcaldías de todo el país no tengan la fuerza que deben tener a nivel urbano con una dirección de planificación urbana, con personas especializadas que puedan estudiar el territorio y hacer beneficio al ciudadano, eso terminará recayendo en el Ministerio de Vivienda y Ordenamiento Territorial.

Es donde encuentras los problemas, porque las aproximaciones son muy macro. La influencia de la Alcaldía de Panamá es enorme, porque lo que se hace aquí va a querer replicarse, y espero que eso pueda suceder en los próximos 5 años. De repente en David, Chitré. Eso requiere muchos condicionantes: dinero, buen equipo, y un político alineado.

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“Una cosa es hacer las cosas desde afuera y otra es estar dentro de la vida política…”

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¿En dónde se quedaron cortos?

El tema del espacio público nunca va a ser suficiente en la ciudad. Siempre

| JOSE ISTURAÍN

¿Existe algo como “ya hay suficientes parques en Panamá”?

KNOWHOW

Hablando por mi, creo que pudimos implementar más fuerte las políticas de recuperación del espacio público. No por excusarme, pero siento que cuando llegamos no había nada. Estuvimos un tiempo generando eso y realmente cinco años en ciudad no es nada. Dedicas uno y medio en crear, ya te quedan solo 3. En términos políticos creo que 10 años hubiese sido lo ideal. Me hubiese encantado que Blandón hubiese continuado y que lo hubiesen escogido.

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va a hacer falta. Lucho porque donde sea que puedan hacer espacios públicos se hagan. Porque es el único lugar en donde puedes hacer democracia real, donde cualquier persona de cualquier estrato va a estar en la misma línea.

Todo el mundo en el parque es gente. La democracia de una ciudad depende del espacio público. Si quieres ver la calidad de vida de una sociedad tú miras el espacio público. Vas a Barcelona y siempre verás que encuentran nuevos espacios.

Panamá es una ciudad súper hostil, con muy poca calidad de vida, porque si ves a las personas con discapacidad no hay manera de que puedan desplazarse para ir a un parque. Los abuelitos aquí están en una cárcel: sus propios hogares. Me encantó de Europa que ves en la calle a los abuelitos en parques agarrados de mano, algo muy difícil ver aquí. Eso debe ser el norte de todas las administraciones.

Por otro lado, el tema ambiental y de sostenibilidad debe rescatarse. Hemos sembrado árboles que podrán verse en cinco años. Sembramos más de mil árboles urbanos. Hay muchos estudios que destacan la importancia de un árbol en el espacio público. Por otro lado los espacios públicos se revitalizan con actividades; tienen que tener activadores.

Desde el “man” que vende la paleta, hasta el kioskito de revistas y la empanada.

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¿Qué hay de tus otros proyectos en la ciudad?

Seguí teniendo mi oficina con mis proyectos, que no son muchos. Tengo mi filosofía y ética de trabajo. No hago algo que vaya a afectar a la ciudad por un poco de plata. No estudié arquitectura pensando en hacerme rico. Recuerdo una clase cuando discutí con un profesor que decía que “si la norma lo permite”, yo podía hacer algo que no estaba correcto. Él argumentaba que, por estar en contra, me iba a morir de hambre. Y aquí estoy.

Por eso tengo cuatro trabajos. Así me he mantenido como profesional estos 12 años, tratando de hacer lo mejor posible las cosas que pueda. ¿Cuál es tu estética y visión de diseño?

En mi carrera he ido madurando mucho el tema estético. Me gusta analizar cómo resolvieron el tema del clima los estadounidenses cuando construyeron el Canal.

Ellos lograron muchísimas soluciones que

se pueden aplicar hoy y adaptarlas a las nuevas tecnologías. Por otro lado, no me gusta que el edificio aparente algo que no es. Cuando uno estudia arquitectura la imagen de lo estético es la del cubo prístino blanco. Y sí, es bonito, ¿pero funciona aquí? Me gusta trabajar con aleros, techos grandes, ventilación cruzada, bloques ornamentales, ventanas de paleta. No me gusta la arquitectura ostentosa. Para mi, el reto es diseñar algo bueno y que funcione, con pocos recursos: arquitectura elemental, esencial, natural.

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¿Qué crees que se necesita mejorar en Panamá, a nivel de diseño arquitectónico?

Hay varias aristas, pero el tema legal es fundamental. La ley de contrataciones públicas relega el Diseño Arquitectónico a algo secundario, detrás de la construcción. Es urgente separar el Diseño y la Construcción. Una de las cosas que hace que un país eleve su nivel de diseño arquitectónico es poder tener apertura en la arquitectura pública. España, Francia, tienen ejemplos de buenos proyectos públicos. Aquí parece que solo hay un manojo de arquitectos capaces de diseñar los proyectos públicos. Y eso es falso.

Compitamos en igualdad de condiciones.

Oficinas grandes y pequeñas, y veamos quién ofrece el mejor producto de diseño.

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Si pudieras rescatar algo del movimiento Bauhaus ¿qué sería y cómo lo aplicarías en Panamá?

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La Bauhaus buscaba el equilibrio entre lo estético y lo funcional. Aquí necesitamos diseñar para nuestro clima y alejarnos de esta idea de tratar de replicar arquitecturas que funcionan en otras latitudes, pero en la nuestra son un desastre. Edificios herméticos de vidrio desde la planta baja hasta el techo. Lo siento, pero eso aquí no funciona. El Comosa, por ejemplo, es uno de mis edificios favoritos.

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¿Qué opinas sobre el método fast-track building?

Es una práctica riesgosa. Quizás funcione mejor para lo privado, pero para lo público es lo peor. Es la forma más fácil de corrupción. ¿Cómo construyes un hospital, que tienen muchísimos detalles de diseño, bajo este sistema? Buscamos ejemplos de proyectos que se han hecho así, y la mayoría termina mal.

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Fernando Alda Fotos #6,7,9 Casa Mirasol El Valle Jairo Coumelis Foto #8 José Isturaín, apreciando la obra de Carlos Cruz-Diez.

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¿Y qué piensas de la metodología design-bid-build versus vs design-build?

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Igual, creo que para las obras del estado, la metodología adecuada es la del design-bid-build (diseño, licitación, construcción). Es la manera en la que el Estado puede garantizar: que el diseño sea de mejor calidad; que la licitación no tenga sobreprecios, porque el plano ya estaría terminado y sabes qué te están cotizando, y al momento de construir, puedes presionar a que se cumplan con lo establecido en los planos. En tanto, diseñar y construir (design-build) no es lo mismo, ya que no garantiza que se usará al mejor diseñador, sino que la empresa traerá al más económico dejando a un lado la calidad. Y en la construcción, los materiales siempre serán los más baratos porque el constructor está solo pensando en ganar más. La mayoría de los proyectos de Estado se hacen con esta metodología.

También hay una fase importante que creo que es donde siempre falla el Estado: la inspección. Puedes tener el mejor diseño, un plano bien desarrollado, pero si no se inspecciona bien, la construcción puede ser un desastre.

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“…lo que quiero es que la ciudad evolucione.”

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Respeto mucho los movimientos que buscan incentivar el concepto “verde” en los proyectos. Sin embargo, hay temas básicos que no se cumplen. Hay edificios que tienen premios en sostenibilidad pero ninguna de las ventanas se puede abrir. ¿Qué les pasará el día que falle la electricidad? Este tema debe verse a detalle. Como todo en este mundo

| JOSE ISTURAÍN

¿Cómo se puede incentivar la implementación del concepto verde en las nuevas edificaciones y cómo reforzar las ya existentes?

KNOWHOW

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capitalista, los intereses se aprovechan y ven un nicho donde vender un producto, les da igual si funciona o no. Creo más en la sostenibilidad de los indígenas y sus soluciones elementales para luego darle paso a las tecnologías. Hay cosas básicas, como colocar un alero a una ventana, algo que hoy muchos arquitectos no utilizan.

La arquitectura en Panamá en los años 70, 80 tiene bueno ejemplos de lo que sí funciona en nuestro clima. Muchos clientes, por “ahorrar”, hacen cambios al proyecto durante la construcción, que al final son elementos que le sirven al edificio para defenderse de las inclemencias de nuestro clima.

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¿Como profesor logras transmitir esta visión?

Tengo 6 años dando clases. Ha sido como una de las mejores cosas que me ha pasado, porque es una especie de retorno del conocimiento para mi y de impacto para esos chicos. Doy clases en la UP, y en una privada haciendo talleres. Hay chicos con un nivel socio económico bien bajo.

Que estudian sin computadora, que no tienen espacio en su casa y les toca hacer los planos en sus camas. Poder plasmar en ellos estas visiones de otras ciudades, me hace sentir como un catalizador de toda esa formación que sí pude tener. Y no es que yo venga de un estrato alto. Mis padres son de clase media trabajadora.

Pero me fui a estudiar con un préstamo del IFARHU y sigo pagándolo. Siento que la mejor forma de ayudar al país es que los que están estudiando ya salgan con aquello con lo que tú no saliste cuando estabas en pregrado. ¿Qué tipo de novedades quieres llevarles?

KNOWHOW | JOSE ISTURAÍN

Trato de hacer talleres con ellos donde no les pongo restricciones. Usualmente los profesores son muy académicos y le cortan las alas. Yo no. Quiero que la imaginación vaya primero. Obvio que los de 4° y 5° tienen la obligación de saber. Pero al inicio tienes que dejar a los pelaos se vuelen la cabeza y después vemos si se cae.

Disfruto mucho transmitir conocimiento de lo que no es lo común, como hablar del espacio público en arquitectura. Trato que el estudiante entienda que su trabajo no es solo diseñar edificios, sino hacer el contexto. Si lo que tú hagas va a afectar el entorno entonces debes hacerlo bien.

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Nadine Sam Fotos # 10, 11, 12 Cabaña 192 Altos del María

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“La democracia de una ciudad depende del espacio público.”

¿Y tu papel ahora fuera del sector público?

Ahora me tocará hacer mis aportes desde lo civil. ¿Tenemos un parque abandonado? Vamos a hacerlo, buscando el financiamiento por otro lado. Hay muchos inversionistas que temen dar su dinero a políticos. Prefieren hacerlo con organizaciones civiles para lograr objetivos. Es importante entender la función de cada político. Aquí el diputado pide dinero para hacer ferias de mascotas.

Poco a poco siento que la ciudadanía se va a despertar. Tomará tiempo, pero así pasa con las revoluciones.

¿Con qué arquitectos te gustaría colaborar en un futuro y por qué?

| JOSE ISTURAÍN

Hay muchísimos que admiro y respeto.

Algunos desde que era estudiante y otros que he ido conociendo a lo largo de mi vida. Por darte nombres, Alberto Kalach de México, me parece muy claro con su discurso y su obra. Carme Pinos de Barcelona, es una referente de mi trabajo, principalmente por su filosofía; recuerdo en un congreso de arquitectura que dijo algo que siempre recuerdo: “Hacer arquitectura no es hacer edificios, es hacer contexto”. Esa frase

KNOWHOW

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Hay un proyecto familiar en Altos del María súper especial. La casa de mis padres junto a tres cabañas para cada hijo.

Una de las chiquitas ya está construida.

Han pasado cosas buenas porque lo publicaron en una revista alemana digital.

También me contactaron de Australia por el permiso para usar ese proyecto en un network que vende publicidad de buena arquitectura a nivel mundial.

Les gusta el tamaño pequeño, la escala y que no es ostentoso. Reciclé todos los pinos (que no dan sombra) para poner árboles autóctonos. Las estructuras son de metal con madera de esos pinos. Mi filosofía de arquitectura también tiene que ver con una más económica y no tan ostentosa. Hacer arquitectura con mucha plata no es tan difícil, pero hacer LGM una buena con poco, es la línea que se está tomando mundialmente. También estamos haciendo varios proyectos en JI Bocas del Toro, Isla Colón, de cabañas con una torre mirador de 360°. Será un hostal/hotel. No tumbaremos ni un solo árbol. Y tengo otro que está en proceso: es una cabaña en Estonia. Mi mejor amiga de la maestría me escribió diciendo que tenía un lote y que no podía resolver sola. Le dije que no le cobraba nada si me prometía construirlo. Estamos en fase de diseño y espero ir cuando empiece la construcción. El lugar tiene enfrente a Finlandia y al mar del Golfo. Mientras, voy a mantenerme full entre la oficina, la 14. academia y Giro Urbano para recuperar los cinco años que solo rendía acá de noche, sábados y domingo.

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Alfredo Martiz Fotos # 13, 14 Cabaña 192 Altos del María

¿Y la arquitectura con tu firma?

me gusta siempre recordarla, para no alejarme de mi filosofía. La colaboración en la arquitectura es fundamental para mantenernos en constante cambio y actualizar nuestras propias ideas.

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Busco sacarlos del salón de clase e involucrarlos en procesos y debates.

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BAUHAUS

UN SIGLO PARA

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A LA ETERNIDAD La escuela Bauhaus: un movimiento artístico para la eternidad, a la que el mundo tiene incontables razones para agradecerle su perenne vigencia.

BAUHAUS

por LUIS GUILLERMO MARTÍNEZ.

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Cien años atrás, en una pequeña ciudad del centro de Alemania, ubicada a unas dos horas de Berlín, nacía el fenómeno más importante y significativo del período entre guerras y cuya influencia salta, desde un imponente rascacielos en Chicago, hasta el dispositivo “inteligente” que llevamos ahora siempre en nuestras manos. La Bauhaus, escuela multidisciplinaria responsable de los más influyentes arquitectos, diseñadores, pintores y artesanos de esta mitad del mundo (y buena parte de la otra), germinó en Weimar tras el descalabro existencial, político, económico y social que recién había dejado la primera guerra mundial algunos meses atrás.

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Un siglo después, la utopía y trascendencia que inició Walter Gropius se palpa en ejemplos y disciplinas que escapan a la vista y que trasciende cualquier tipo de fronteras, desde lo más etéreo hasta lo más comercial. Desde unas escalinatas eléctricas que atraviesan el corazón de la comuna 13 una barriada conflictiva en Medellín Colombia, hasta el diseño del primer iPod y todo lo que le siguió a la compañía de la manzana mordida en Cupertino, California. La Bauhaus es como hablar de cocina sin mencionar al fuego, aseguran los más entendidos.

"Todavía recuerdo cuando volví de la guerra. De pronto vi claramente que yo era parte de un nuevo comienzo que cambiaría totalmente mis condiciones de vida. Cuando pienso en mi juventud se tenían ideas utópicas pero nadie creía que se pudieran convertir en realidad. Hoy en día lo son”, recuerda Walter Gropius en una pieza documental, sobre los días en los que Alemania buscaba reponerse de su penosa participación bélica y lo incorporan a él en la escuela de Artes y Oficios, para dirigir una institución que buscará plantear las bases para un nuevo mundo.

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Con ello, Gropius sentó todo precedente con la creación de un manifiesto: “El fin último de toda arte visual es el edificio en sí mismo. Hoy las artes existen en aislamiento, y su rescate sólo puede venir desde el esfuerzo cooperativo y consciente de todos los artesanos.[...] Arquitectos, escultores, pintores, todos debemos volver al oficio, puesto que el arte no es una profesión. No existe una diferencia esencial entre el artista y el artesano. Creemos un nuevo gremio de artesanos sin la distinción de clases que elevaron una arrogante barrera entre el artista y el artesano. Deseemos, concibamos, creemos la nueva estructura del futuro, la cual abrazará a la arquitectura, la escultura y la pintura en una unidad y que un día se

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elevará al cielo desde las manos de millones de trabajadores como el símbolo cristalino de una nueva fe”. Y así, el taller se convirtió por primera vez en un salón de clase.

Con una visión social demócrata, aunada a una praxis artística de ciencia visual, Gropius armó las bases para incluir a una vasta y diversa pléyade de instructores en la Bauhaus: el pintor suizo Johannes Itten, el pintor germano americano Lyonel Feininger, el diseñador alemán Oskar Schlemmer y el pintor ruso Wassily Kandinsky, quien hacía de puente entre lo que devino en Bauhaus y el paralelo Constructivismo de Rusia. Una diversidad que se respalda también con la inclusión de mujeres en la academia. Señalaba el fundador que todo artesano que quería inscribirse podía hacerlo, sin consideraciones especiales, beneficiándose con una apertura ideológica y de géneros. De ellas quedan el legado de Anni Albers y Ottis Berger, alemanas que hicieron arte con telas; las fotos editoriales de arquitectura de Lucia Schulz; Marianne Brandt, quien dirigió el taller de metal y plasmó su nombre en piezas de producción en masa trascendentales como sus juegos de tetera y cafetera.

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Y así, las fronteras entre las disciplinas se difuminan con la finalidad de dar al urbanismo y a la arquitectura orden y belleza, en un mundo acostumbrado a un arte decorativo anticuado y a una arquitectura de ventanas pequeñas, techos a dos aguas y ornamentas tradicionales. Es el momento de una evolución en las viviendas sociales de los años 20 en donde se premiarán cosas tan básicas como la luz, el aire y la limpieza; el momento de decirle adiós a la monarquía y sus maneras de expresarse. Pero esa misma capacidad de difuminar los límites permitieron a esta escuela crear obras maestras desde la arquitectura, el muralismo y los vitrales, el diseño y la impresión gráfica,

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Inició entonces un proceso artístico que, junto a las necesidades de aquellos días, la industria figuraba como un eje esencial para los fines de esta empresa. Gropius, que había estado en las trincheras de la Gran Guerra, soñó con un mundo en el que las máquinas de la destrucción fueron subyugadas en beneficio del hombre. Buscó que sus estudiantes se integrarán a la máquina sin perder su aura creativa; y de la misma forma buscó hacerle justicia a las máquinas industriales con el desarrollo de un nuevo vocabulario formal, basado en la experimentación en los procesos de manufactura, con la intención de beneficiar a un mercado de gran escala.

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la fotografía, la cerámica, el metal, las artes plásticas, el ensamblaje, la tejeduría y hasta la música y el teatro.

Muchas de las creaciones de estos años decoran lobbys, salas, estudios y comercios, 100 años después. Las reacciones de los incautos van desde ¡qué moderna vajilla!, hasta ¡qué vanguardista y místico sillón!. La geométrica y balanceada Lámpara Bauhaus de Wilhelm Wagenfeld, de 1924; la revolucionaria y funcional silla B3, rebautizada como “la Wassily” (por honrar a Kandinsky), de Marcel Breuer, se fabricó en 1926 y hoy en día está en el hall de la fama de las luchas por derechos de autor; los relojes de pulsera para la marca Junghans que hizo Max Bill, que siguen siendo relanzadas; o el tablero de ajedrez de Josef Hartwig, quien hizo para Gropius la tarea completa: práctico, durable, económico y visualmente atractivo.

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Por las calles de la ciudad de Weimar corrían libre toda una cofradía de maestros y estudiantes, amigos, parejas y colegas que rompían el esquema al que acostumbraban vivir los provincianos de esta ciudad de 80 kilómetros cuadrados y menos de 60 mil habitantes. La extrema derecha, representada por el nacional socialismo, ganaba terreno y empotraba a la Bauhaus y sus miembros en el esquema bolchevique. La incipiente crisis económica usaba a su chivo expiatorio preferido: la cultura. No tardaron en asfixiar a la escuela con menos fondos para su desarrollo, poniendo en jaque a un proyecto trascendental que apenas cumplía cuatro años de existencia.

A mitad de la ruta que conecta la ciudad de Weimar con Berlín se encuentra Dessau, hogar de las nuevas oportunidades y del período más influyente y fructífero de la Bauhaus. El gobierno socialdemócrata era el nuevo anfitrión quien facilitó la reapertura de la escuela, tras una pausa de dos años, proporcionó las condiciones para que Walter Gropius elevará la mayor referencia que tiene este movimiento de la Nueva Arquitectura: la sede de su propia escuela. Una cristalina catedral de la funcionalidad, que parecía más laboratorio de ciencias que escuela de arte.

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En los primeros años de esta nueva era, Gropius puso a un lado el alma artística para volcar la enseñanza más hacia el diseño y la producción industrial. El mundo moderno pedía nuevos métodos y materiales: ¡adiós, madera! ¡hola, metal!; ¡chao pegamento!, ¡tanto gusto, soldadura! La estética empezaba a definirse por lo que las máquinas podían hacer.

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Su intensa militancia y su efervescencia en los alumnos hizo que Gropius, quien no veía mermada su influencia en la Bauhaus, lograra que Hanes Meyer finalizara su directriz, a dos años de haberla iniciado. Mies van der Rohe, un teórico católico, vendría a lograr lo que la facultad y el gobierno de Dessau esperaban: suavizar los radicalismos a intramuros. Pero por más mediadora que fuera su figura, con los nazis no hay finales felices. Los de Hitler lograron que la facultad cerrará, una vez más, mientras que los Bauhaus lograron, al menos, que el edificio no quedara en ruinas. Algo que miles de estudiantes y turistas siguen agradeciendo hasta este día.

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Desgastado por las presiones y las discusiones políticas, Gropius se distancia de la directiva para nominar y dejar en el cargo a Hanes Meyer, un arquitecto y urbanista suizo, en 1928, quien ya tenía un año dirigiendo la recién instalada facultad de arquitectura.

Meyer, un comunista confeso y profeso, pedía a sus pupilos que estudiaran los procesos de la vida de quienes ocuparían los lugares y espacios que ellos crearan. De igual forma, abogó por el abaratamiento de los costos, tanto de los objetos como de las construcciones para alcanzar a más personas: “¡Las necesidades de la gente en vez de la necesidad del lujo!!

Entonces Van der Rohe encabezó la caravana de maestros y estudiantes rumbo a Berlín-Steglitz, donde se instalaron en lo que quedaba de una abandonada fábrica de teléfonos, en octubre de 1931. Pero la infecciosa influencia de Adolf Hitler era incontestable y los dos años que siguieron a la escuela fueron los últimos que vio actividad como una amalgama creativa. Hasta 32 estudiantes Bauhaus habían sido arrestados por el régimen. De todo esto resultó lo obvio: sus integrantes se esparcieron por el mundo y, con ellos, la nueva pedagogía que edificó el manifiesto de Walter Gropius.

Tan solo Josef y Anni Albers, van der Rohe, Marcel Breuer, Ludwig Hilberseimer, Walter Peterhans, Herbert Bayer y el mismo Gropius se fueron a Estados Unidos, mientras que muchos otros continuaron por el resto del mundo llevando el mensaje de mejorar la vida de muchos con creatividad, valor y buen diseño.

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La ciudad de Chicago fue el terreno más fértil. Mientras Gropius daba clases en Harvard, László Moholy-Nagy, un húngaro exiliado y pionero en cine, fotografía y diseño multimedia, así como ex profesor de la

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Bauhaus en Alemania durante 5 años, fue el indicado para fundar y dirigir en 1937 La Nueva Bauhaus, una escuela de postgrado que transformaría el diseño, la fotografía, y la educación en las artes de EEUU y que continúa hasta nuestros días funcionando bajo otro nombre. Con sus enormes rascacielos, la ciudad de los vientos mantuvo ese elemental espíritu de cómo queríamos vivir en el futuro.

Antes que fuera la distintiva Ciudad Blanca de Tel Aviv, hoy patrimonio de la humanidad de la UNESCO, esta fue el hogar de muchos germano-judíos que escaparon a tiempo de Alemania nazi. Erigieron entonces este complejo de más de 4 mil edificios y cuyo Centro, que aboga por el resguardo de su herencia y estilo internacional, es conocido por todos los israelíes como “el Bauhaus”.

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Por su parte, Hannes Meyer, el más radical de los directores, fue asignado por el gobierno mexicano como director del recién fundado Instituto de Desarrollo Urbano y Planificación del Instituto Politécnico Nacional de Ciudad de México desde 1939 hasta 1941, donde diseñó planos para casas y conjuntos residenciales, así como hospitales y escuelas.

El caso de Venezuela retumba por su cercanía e importancia. Carlos Raúl Villanueva, el más influyente arquitecto del país caribeño, construyó a mediados de los 50’s la Ciudad Universitaria, de más de 160 hectáreas, catalogada por la UNESCO como patrimonio de la humanidad: todo un complejo universitario, hospitalario, botánico, deportivo y urbano, inspirado en los diseños arquitectónicos de la Bauhaus y su filosofía de integración de todas las partes en una sola.

En cuanto a Panamá, el ejercicio de encontrar algo de Bauhaus parece difundirse un poco a “todo aquello que te apetezca moderno”, o algo como “todo eso que vino después de la arquitectura bellavistina (ya sabes, ese estilo neocolonial que empató con la expansión de la capital en el período 1915-40 y que se ancló en barrios tan exclusivos como Bella Vista y La Exposición)”.

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Haciendo un ejercicio fortuito habría que señalar la sede del Banco General de la Avenida Cuba, el complejo hospitalario de la Caja del Seguro Social Arnulfo Arias, el Campus de la UP, o algún trabajo del linaje Mallol que se esparce en tres generaciones. Pero, por fortuna, Panamá sí tiene

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personajes que se educaron de primera mano con genios de esta constelación de creadores. Al menos, dos.

Calvin Stemple, quien es el padre del primer edificio de apartamentos de la Avenida Balboa, estudió y colaboró a finales de los 40 con Frank Lloyd Wright: uno de los más grandes arquitectos norteamericanos de todos los tiempos, adalid del Modernismo en los años 20, y quien figura en los anales de la Bauhaus como una inspiración para Gropius, la escuela y sus pupilos. Stemple tomó sus enseñanzas y colocó el Atalaya, una torre vanguardista de 13 pisos, en la Balboa con 32, cuando todo a su alrededor “no le alcanzaban ni los talones”. Por este, obtuvo el premio a mejor edificio del año por el Colegio de Arquitectos en 1964.

Otros trabajos de Stemple con la plástica del Modernismo y ciertos detalles germanos son la sede del IDAAN de Vía Brasil, la Torre Fomol en Campo Alegre, el Edificio Matussi de La Cresta, o la casa que le hizo a su padre Max en 1953 (ya demolida).

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Y mientras tanto, el mundo celebra el centenario del nacimiento de esta cofradía de genios de las artes, la innovación y la valentía recordando, exhibiendo, discutiendo y debatiendo su legado, tanto en Europa, Estados Unidos como en algunos lugares en Sudamérica (Argentina, Uruguay). En Panamá queda la opción de bajarse del carro, caminar por sus contadas aceras e imaginar, cuestionar o intuir que algunos detalles de nuestros primeros edificios estirados podrían haberse influenciado, directa o indirectamente, por estos curiosos que lo cambiaron todo en el pequeño poblado teutón de Weimar.

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Cuando Walter Gropius se encontraba siendo él mismo, sin trabas ni amenazas políticas, impartiendo clases y dándole una nueva vida al manifiesto Bauhaus, un panameño estaba en esas aulas de Harvard escuchándole atento. Octavio Méndez Guardia hacía su maestría en la reputada facultad en 1943 y al volver a casa hizo un sinnúmero de obras, tanto en su país como en la región. Sus aprendizaje de una arquitectura post-industrial e interdisciplinaria le sirvieron para cosechar premios y homenajes por su trabajo. Méndez Guardia puso su rúbrica en los planos del Hotel El Panamá (junto a Harold Sander y Edward Stone), la primera sede de la Caja de Ahorros de la Avenida Central, el estadio Revolución (ahora Rommel Fernández) y decenas de casas, edificios residenciales y de oficinas.

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E L E M E N T con LA PRAIRIE

La Prairie y su homenaje a la eternidad. por ELEMENT.

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“Vivir para contarla” decía García Márquez, y “vivir para influirla”, diría la escuela Bauhaus, quien luego de cumplir cien años de haber nacido y cambiado el diseño, la arquitectura y la forma de hacer arte para siempre, sigue sumando quien le profesa su amor, reconocimiento y honra.

La Prairie, que nació a los pocos años que la escuela fundada por Walter Gropius en Alemania, se empeñó por distintos menesteres en Suiza, pero con similares intenciones: que las cosas finitas duren lo más posible y con el aspecto que confiere la prístina belleza.

Es por eso que se tomó la misión en 2019 de explorar su vinculación con la Bauhaus. Encontraron que sus cajas, frascos y tarros son inspirados bajo los códigos que dictaron la cuna de los arquitectos más audaces en la Europa que descansaba un poco entre dos guerras.

CON LA PRAIRIE

Y así, crearon un producto limpio, con líneas mínimas, formas abstractas y tonos puros y llamativos: todos coexistentes en una armonía que es complementaria. Cuando la formulación avanzada lo requiere, ciertos frascos cuentan con sistemas de activación tecnológica para elevar el nivel de la experiencia; en otros, toma precedencia un diseño discreto y elegante en su simplicidad.

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CON LA PRAIRIE

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Un creador en constante negociación entre el color y la forma

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por MICHAEL PRINCE BENT.

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fotografías de Ricardo Alcaide por

ALEX BATISTA. fotografías de las obras cortesía del artista.

Ricardo Alcaide (RA) es un artista que desde temprana edad aprendió a vivir y mirar por medio de la arquitectura, las formas y los colores modernistas en Caracas. Esta mirada le ha permitido experimentar con la imaginación de un futuro mejor.

Luego de más de una década en Londres, donde aprendió a sobrevivir sin perder el foco de su verdadera vocación en las artes, reinventó su propio destino por medio de sus ideales y la reconexión con el lenguaje del arte contemporáneo en su regreso a Latinoamérica.

CON RICARDO ALCAIDE

Realizar su carrera internacional como un artista multicultural le ha permitido ampliar y enriquecer su entendimiento del mundo que le rodea, aceptando cada reto contrario para convertirlo en oportunidades. Así ha llegado a mantenerse activo en el territorio de las artes hoy día, un mundo complejo donde las sutilezas y el equilibrio del lenguaje estético y conceptual cumplen un papel fundamental.

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E L E M E N T con RICARDO ALCAIDE

63 CON RICARDO ALCAIDE

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RA

¿Qué te llevó a convertirte en quién eres hoy?

años. Más que primeras obras, pienso en primeros procesos, aquellos que demostraban mis obsesiones, como las que se han manifestado a través de mis trabajos continuamente a partir del inconsciente y de las cuales he podido aprender a seguir.

Además del destino y los años de innumerables experiencias en las diferentes ciudades donde he vivido -Caracas, Londres, Madrid y actualmente Sao Paulo- soy el resultado de la constancia y perseverancia en lo que siempre creí y soñé.

Comencé con la fotografía en blanco y negro e inmediatamente después comencé a experimentar con la tridimensionalidad, ya que el medio fotográfico se me hacia limitado para expresarme. Al principio traté temas relacionados con la soledad desde una visión autobiográfica y que luego se fueron extendiendo a otros temas que me inquietaban en la juventud, y muchos años después, tuve la suerte de redescubrir mis vínculos con los recuerdos de mi infancia en relación con el modernismo. Es quizás uno de los únicos puntos en común que se han mantenido constantes desde el comienzo, que siempre han influenciado mi punto de vista y mi percepción del mundo.

Estudié Artes en la Universidad Central de Venezuela y continué con Técnicas de Impresión en el Centro de Enseñanza Gráfica CEGRA en Caracas, allí también realicé talleres de fotografía y escenografía que me ayudaron a enriquecer y ampliar mis primeros lenguajes para desarrollar las inquietudes estéticas y conceptuales como Artista Plástico, comprometido con el arte contemporáneo desde entonces.

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En esos comienzos, conseguí experimentar en las artes participando en los salones de arte joven y exponiendo individualmente mientras trabajaba paralelamente con la fotografía. Cuando me mudé a Londres a mediados de los noventa por mi propia iniciativa, me tocó dejar mi trabajo como artista a un lado para dedicarme a trabajar a tiempo completo durante años como fotógrafo profesional para poder sobrevivir.

Fueron años de aprendizaje y tuve la oportunidad de conocer y conocerme… las exigencias plantearon nuevos retos y las necesidades se convertieron en nuevas oportunidades. Siempre tuve muy claro que quería regresar a mi verdadera vocación, a las artes, y poco a poco fui recuperando y reordenando mis ideas en una transición que duró años. Fue como comenzar de cero, pero fue muy gratificante y liberador poder pasar por ese proceso, retomando mi carrera como artista plástico hace ya quince años, con otra cabeza y nuevas perspectivas.

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CON RICARDO ALCAIDE

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¿Cuál fue la primera obra que creaste y qué sientes ahora sobre esa pieza?

No creo tener una primera obra como tal. Algo que pudo haber sido creado sin intención puede que adquiera una cierta relevancia con el tiempo o, al contrario, algo que pude haber pensado como obra, puede que haya perdido vigencia y significado a través de los

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¿Cuál es el mensaje que buscas enviar como misión y visión de tu negocio como artista plástico?

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Mi trabajo gira libremente alrededor de temas que me conciernen profundamente, relacionados con el idealismo modernista y la observación de la realidad en el presente mediante un lenguaje visual, estético y conceptual propio.

Para mi, el arte no es un negocio, es un estilo de vida y un compromiso, además de ser una necesidad para comunicarme y expresarme a través de la manifestación de mi práctica. Las galerías son las que se dedican a hacer el resto, comercializan el trabajo hacia el coleccionismo privado o público, teniendo como prioridad el de los museos e instituciones, que son los que revaloran la obra y carrera del artista.

Lo que más valida nuestro trabajo son las colecciones de los museos e instituciones, luego el coleccionismo privado también nos avala y en el conjunto total nos ayuda a mantenernos activos. Aun si las galerías comercializan el arte, no se trata de un simple negocio, es algo mucho más sutil y complejo, tratamos con arte y no con productos, aunque pienso que hoy día existe mucha espe-

culación, productos bajo el concepto de arte y el arte como producto, pero eso es otro tema en sí muy extenso y debatible.

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¿Cuánto es lo más que te has tardado en la creación de una pieza?

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El tiempo no es necesariamente relevante para mi obra, quiero decir, no es un factor que le otorgue o le reste valor. Los procesos varían, desde horas, días hasta meses o lo que sea necesario, todo depende de los materiales, logísticas, locación donde será expuesto el trabajo, etcétera. Muchas veces envuelve viajar para producir específicamente en la ciudad donde será exhibido, y en este caso hay que planificar una rigurosa producción con meses de anticipación.

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¿Alguna vez has deseado que tus trabajos pudieran ser apreciados por más tiempo que la duración de una exposición?

El tiempo que una obra esté expuesta al público nunca me ha preocupado, las exposiciones tienen un periodo de tiempo determinado y es mejor así, pues creo que todo trabajo necesita ser apreciado en ciclos. El tiempo es un factor fundamental y a veces define la validez o relevancia de las obras, nos da una mejor perspectiva. ¿Quiénes son tus genios o referencias artísticas?

Admiro y respeto muchos trabajos de muchos artistas radicalmente diferentes, conocidos y no conocidos, pero también de muchos arquitectos, cineastas y otros creadores que a lo largo de mi vida me han inspirado o influenciado con sus ideas y lenguajes, como por ejemplo la obra y estética del arquitecto Gio Ponti, quien influenció con sus ideas revolucionarias la historia de la arquitectura, y de muchos otros que ni siquiera recuerdo sus nombres, no sigo a nadie específicamente. Es curioso cómo puede variar el impacto de apreciación dependiendo de nuestro estado momentáneo, no siempre estamos preparados para verlo todo, y mucho menos entenderlo. Sí puedo reconocer que he visto cosas en momentos claves y que me causaron un impacto en particular. Toda aproxima-

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¿Cómo es tu proceso de inspiración?

Presto atención a lo que me rodea y lo contextualizo en base a mis experiencias, intereses e inquietudes. Generalmente mi trabajo gira alrededor de temas vinculados con la memoria del modernismo en Latinoamérica y sus desvíos en el contexto actual, analizando constantemente mi entorno y traduciendo esa información a un lenguaje plástico y estético en forma de abstracción. Usualmente utilizo materiales encontrados o me inspiro en situaciones relacionadas con la deconstrucción estructural y simbólica de la ‘malinterpretada’ herencia latinoamericana. Son temas recurrentes que se reflejan en mi búsqueda constante por la armonía y la perfección a través de técnicas y materiales burdos, como por ejemplo, el uso de pinturas industriales de poliuretano sobre paneles de MDF (de fibra de densidad media, por sus siglas en inglés), utilizando procesos de construcción-deconstrucción para obtener un resultado estético a partir de un conflicto del material; o en mis composiciones donde utilizo materiales nobles como el bronce y formas elaboradas junto a objetos encontrados como desechos de demoliciones urbanas. ¿Cuáles son los elementos principales que siempre encontraremos en tus piezas?

Abstracción geométrica, orden y conflicto, elementos rigurosamente acabados al lado de un pedazo de escombro.

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Una de las primeras obras que me impresionaron mucho fue una instalación titulada Verde por Fuera, Rojo por Dentro (1993), de Meyer Vaisman. Luego más recientemente obras extremadamente simples, pero pensando su importancia en referencia al año en que fueron concebidas, como Silver Gray Cord Trapezoid (1967), de Fred Sandback, expuesta en el Kunstmuseum en Basel, o Smoke (1967), de Tony Smith, expuesta en el Museo Lacma de Los Ángeles.

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¿Cuáles obras de otros artistas son las que más te han tocado?

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ción, cualquiera que sea su índole, me define, me reafirma y me forma.

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¿Qué materiales te gustan utilizar?

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En mi trabajo no tengo restricción de técnicas o medios, los materiales pueden variar entre compensado MDF, pintura industrial de poliuretano, muebles de metal, concreto, ladrillos, cartón, objetos encontrados, desechos de demoliciones, madera, fórmica, bronce, etcétera.

Siempre dependiendo de lo que quiero proyectar en una exposición específica o instalación, manteniendo siempre el diálogo dentro de mi narrativa.

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Explícanos por favor un poco más sobre tu práctica como Artista Plástico…

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equilibrio que particularmente me ha atraído siempre, el uso de los colores impuros, suaves y junto a los tonos neutros para complementarse entre sí. No es sólo relevante en mi trabajo sino también en mi entorno, mi casa, mi estudio y es un constante ejercicio que me hace pensar donde yo quiera que esté. Para mí el color, y en especial en orden cromático, está alineado a la espiritualidad, mientras que los tonos neutros están más relacionados con la racionalidad, siendo ideal la presencia de ambos.

En cuanto a forma, la geometría y su relación con el espacio se hacen fundamentales en mis piezas. Me gusta trabajar con formas comunes y formas sugeridas por la arquitectura y la construcción en general, que aparecen reiterativamente en mis composiciones.

Tengo mucha pasión por lo que hago y soy sumamente exigente con mi trabajo, pero a veces dejo espacio para la intuición e improvisación, intentando llegar a un balance que me haga sentir emoción. Trabajar como artista exige mucho más que producir obra, yo trabajo solo y sin asistentes, esto envuelve mil tareas alrededor de la práctica, hay que saber lidiar con la parte administrativa y de logística, producción y organización para cumplir con los requerimientos de una exposición, y a veces me toma la mayor parte del tiempo.

El material cumple un papel importante, es el medio para proyectar las ideas de color y forma. Casi siempre utilizo materiales de bajo costo como MDF, madera compensada, cartón, ladrillos y concreto como algunos de mis preferidos por ser materiales relativamente simples y que carecen de ‘estatus’ como materiales nobles, que también utilizo a veces, como el bronce, para crear contrastes entre los materiales como parte del discurso. El material en sí tiene un significado fundamental en casi todos mis trabajos, y está en constante negociación entre el color y la forma.

¿Cómo descubriste tu vocación?

Creo que siempre lo tuve muy claro, aunque de adolescente dudé un poco por desconocer bien el camino a seguir, pero tuve la suerte de ser bien guiado en esos momentos de duda. Desde muy temprana edad, mis intereses eran bastante inusuales, siempre me interesaban los materiales en general y como estaban hechas las cosas, siempre quise hacer cosas manuales, con una percepción estética muy particular y mucha sensibilidad con las formas, luz y color. ¿En tus obras, qué representan el color, la forma y material?

El color es parte fundamental, proporciona ritmo y armonía, complementando la forma y composición.

El color en mi trabajo ha pasado por varias etapas, partiendo fundamentalmente de la estética de las décadas 50’ y 60’, donde el color aporta ampliamente en la lectura espacial, en el diseño, en las artes y la arquitectura con un

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¿Cuáles son tus herramientas inseparables?

Lápiz y papel, reglas, cuchilla, sierra eléctrica, taladro inalámbrico, lijadora, brochas… ¡lo más importante son las manos!

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Qué desperdicio de diseño

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por CACO CUMMINGS SMITH.

Los maravillosos edificios de le Corbusier o de Zaha Hadid, el más deseado de los Mercedes, el 300SL Gullwing, unas adidas Superstar, la añorada Birkin de la casa Hermès y hasta la icónica botella de Coca-Cola de Earl R. Dean.

Pero a nuestro alrededor ha habido manifestaciones del diseño ya sea en la arquitectura, la industria automotriz o de entretenimiento, que pese a sus buenas intenciones, hoy incluso nos está costando la existencia del mundo en que vivimos.

Y ya que hablamos de torres, podemos mencionar la controversial F&F Tower, para muchos uno de los edificios más emblemáticos del skyline de Panamá, pero según Architectural Digest el primero en la lista de los 31 rascacielos más feos del mundo.

Bajemos de esas torres y sentémonos en varios autos. En 1957, Ford invirtió $ 400 millones en el Edsel, un modelo de automóvil, de gran tamaño que introdujo para el mercado con igual grandes expectativas en ventas. Pero los estadounidenses literalmente no lo estaban comprando, porque querían vehículos más pequeños y asequibles. Expertos culpan de su fracaso a los ejecutivos de Ford Motors que nunca definieron realmente el nicho del modelo en el mercado automotriz. El precio y el objetivo del mercado de la mayoría de los modelos Edsel estaban en algún lugar entre el Ford más alto y el Mercury más bajo. Fue retirado del mercado en 1960.

Cuando el tamaño sí importa. ¿Alguien recuerda la guerra entre JVC-VHS y el Sony Betamax? Los años setenta fueron testigo de una guerra de formatos domésticos como nunca se había dado en el pasado, con dos formatos de tecnología que en teoría hacían exactamente lo mismo.

Podríamos decir que el Betamax cambió la forma de ver televisión en los Estados Unidos, porque antes de su lanzamiento, los televidentes estaban obligados a ver el programa cuando se transmitía o se volvía a retransmitir. Pero al final del camino, Betamax perdió la batalla ante el formato VHS. Primero, era mucho más liviano, casi 10 libras menos de peso, una gran diferencia en la producción y distribución de un objeto hecho para las masas. Además, el factor precio: un VHS era mucho más barato que un Betamax de Sony. Y como si esto no fuera suficiente, las cintas de Betamax tenían una hora de duración y las de VHS duraban dos horas, tiempo perfecto para ver la película entera y creando, gracias a este formato, la industria de alquiler de películas en casa (Blockbuster Video) y adiós cines.

Y qué decir de la Air Force 1, la zapatilla que NIKE diseñado para celebrar “El Día de Puerto Rico” con diseños de molas de los grupos indígenas Gunas de Panamá. Este diseño fue acusado de incorporar la sagrada ¨MOLA” originaria de los Gunas en los panales y talón de la zapatilla, lo que ocasionó

Y no hay mejor forma de concluir con la creación del plástico. El primer polímero sintético fue creado en 1869 por John Hyatt en un concurso donde el primer premio se lo ganaría aquel que fuera capaz de crear un material en reemplazo del marfil. Sí, marfil que provenía de elefantes.

Pero que no se malinterprete que al crear este material se detendría la matanza de elefantes, no. La gran popularidad que tenían los juegos de billar de esa época, obligó a los comerciantes a buscar nuevas formas de embalar los productos ya que la demanda de marfil era tanta que había que utilizar todos los cuernos de los elefantes para este popular deporte.

Y es que con un colmillo de elefante solo se producían tres bolas. Todo lo demás, al cementerio animal.

Regresando al plástico, el descubrimiento fue revolucionario. El hombre ya no tenía que depender de la madre naturaleza para embalar nada. No más cuernos, maderas, cueros, metales, o piedras. En su momento, este material hasta se convirtió en la materia salvadora de elefantes y tortugas en todo el mundo. Quién diría que hoy es una de las principales causas de su destrucción. Y es que según National Geographic, cada año acaban en el océano más de ocho millones de toneladas de plástico. ¿Menudo gran invento no?

Como conclusión, si bien es cierto, lo que se considera buen diseño es subjetivo, para el éxito de un buen producto es importante entender que, si el consumidor no es involucrado desde las primeras etapas, este corre el riesgo de ser rechazado. Pero nada asegura el éxito de un buen diseño.

Lo que todos los expertos coinciden es que el buen diseño es el que incluye desde su marco teórico la perspectiva del diseñador centrada en la estética del producto, la perspectiva del consumidor en torno a su experiencia con el producto, la perspectiva semiótica sobre el significado simbólico del producto y por último su satisfacción como el elemento clave del éxito.

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Y ya que estamos mencionando a una de las marcas más explosivas de la industria automotriz, podemos recordar la explosión del Ford Pinto y la seguridad de sus pasajeros. Producto de un diseño defectuoso

¿Y qué decir de la famosa inspiración de Daewoo Racer del Opel Kadett en los años ochenta? El Opel Kadett fue un modelo lanzado por la casa alemana en 1984. El mismo tuvo una buena aceptación gracias a su diseño más aerodinámico. Al año siguiente, fue nombrado el Auto del Año en toda Europa. Viendo una oportunidad de introducir al mercado un modelo de igual diseño, pero costo mucho más asequible, la desaparecida Daewoo Motors decidió lanzar en julio de 1986 el modelo Daewoo Racer. Fueron tan osados, que en su lanzamiento hacían una comparación me too entre los dos modelos. El Daewoo Racer se convirtió en el caballo de batalla de esta marca hasta 1998.

el rechazo y una posible demanda judicial de la comunidad Guna Yala en Panamá si no se reconocía la autoría de este grupo indígena. Como consecuencia, la marca NIKE extendió un comunicado oficial: “Pedimos disculpas por la representación inexacta del origen del diseño para la Nike Air Force 1, Puerto Rico 2019, como resultado, este producto ya no estará disponible”.

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Empecemos por lo básico. Una torre cuyo error en su diseño y construcción la convirtió en el símbolo de todo un país. Y es que el diseño de la Torre Inclinada de Pisa, era imperfecto desde su comienzo provocando que su construcción cesó durante más de un siglo. Luego entre 1990 y 2001 se estabilizó el suelo y la inclinación fue parcialmente fija. Hoy la Torre Inclinada de Pisa recibe a más de un millón de visitantes por año.

en el sistema de combustible, se llevaron a debate muchos temas, la mayoría centrados en el uso por parte de Ford de un análisis costo-beneficio y la ética que rodeó su decisión de no detener y actualizar el modelo a tiempo.

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Cuando pensamos en la palabra diseño, usualmente nos viene a la mente las manifestaciones artísticas más relevantes del siglo XX.

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La psicología en el diseño de Identidad de marca: evocando emociones en el consumidor

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por SANDRA CASTILLO.

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El diseño nos rodea cada día de nuestras vidas, desde ese local que te encanta para disfrutar tu café favorito por su ambiente acogedor, íntimo e iluminación cálida hasta ese lugar que por su arquitectura nos transporta a los salones más clásicos y elegantes creados durante el período barroco; lo cierto es que todo es diseño, aunque suene cliché, y cada uno de estos ambientes fue estructurado con todos los elementos necesarios para evocar ese tipo de sensaciones en las personas; de la misma forma sucede en diseño gráfico, específicamente en el diseño de identidades de marca.

Pero, ¿cómo se logra, específicamente en diseño gráfico, que la identidad de una marca evoque en su audiencia determinada sensación o emoción y los ayude a interpretar si se trata de una marca de lujo, exclusiva, elegante o divertida, hilarante y positiva?

Es a través del uso de varios aspectos de la psicología en el diseño. Al trabajar en el desarrollo de una identidad, tomamos la personalidad de marca como uno de los puntos de partida para saber qué es lo que se quiere evocar en la audiencia y entonces ir desarrollando conceptos y definiendo qué elementos usar.

Cada fuente o tipo de letra tiene una personalidad y un propósito únicos, mientras se trabaja en un proyecto, es necesario saber qué fuente coincide con el tono de comunicación deseado. Los diseñadores conocen las emociones provocadas por los diferentes tipos de fuentes que existen, así es que, sans serif evoca un estilo moderno, limpio y geométrico, la serifa o serif es clásica, tradicional y formal, mientras que las fuentes tipográficas en negrita son dominantes e impactantes; y la cursiva es decorativa, femenina y elegante.

El color es otro elemento bastante importante, por lo que los diseñadores han investigado mucho para descubrir qué colores asocian los humanos con diferentes estados de ánimo. Hagamos un ejercicio y cambiemos los colores de cualquier marca que nos guste, definitivamente sentiremos que algo no está del todo bien. Ese es el impacto que tiene el color en nuestro sentido de la vista. Dependerá nuevamente de qué desea evocar la marca en el consumidor. Así se exploran muchas opciones siguiendo la psicología del color: el azul en su tono oscuro ofrece una sensación de seguridad, seriedad y honestidad, por eso lo encontramos a menudo como parte de la identidad de muchas empresas corporativas que usan este color para transmitir un sentido de confiabilidad.

Como los colores, los humanos asocian diferentes formas con ciertas emociones, la

psicología de las formas se reduce a muchos años de investigación y pruebas que han ayudado a los profesionales a definir qué significado aporta cada forma y cómo puede influir en la percepción humana.

Y así, cada uno de los elementos que forman parte de una composición gráfica es cuidadosamente seleccionado, ya que el concepto correcto con los elementos de diseño incorrectos puede enviar señales mixtas a la audiencia. Se utiliza la psicología para tomar decisiones más acertadas, asegurando que los diseños no solo sean atractivos sino también efectivos, siempre pensando en el público objetivo, en la emoción positiva que se desea evocar y también en el negocio y la marca que se está construyendo.

Es importante mencionar que estos principios no son reglas estrictas e inflexibles, sino que, deben usarse como herramientas y pautas para desarrollar identidades de marca que sean más claras, más atractivas, memorables y significativas, pero lo más importante: que tengan el impacto deseado en el consumidor. Es conveniente decir que, aunque el diseño es fundamental, no es el único factor que influye en la percepción del consumidor, sino también, su interacción con el producto y su experiencia cada vez que se relaciona con determinado negocio.

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Los colores, imágenes, tipografía, estructura de estilo que utilizan las marcas que amamos, no son casualidad, sino el resultado de un proceso de investigación y desarrollo de un estilo característico por el cual cada marca quiere ser reconocida y diferenciarse de las demás. El producto o servicio, cada acción y experiencia que la marca desarrolla para sus consumidores, además de la manera cómo interactúa con ellos, junto a su representación visual, en mi opinión, son los aspectos más importantes en la construcción de cada marca.

El color, tipo de letra, forma y estructura utilizados en una pieza gráfica comunican un mensaje subconsciente a los espectadores, ya que, al visualizar o interactuar con todos estos elementos combinados dentro de una composición, los asociamos con distintos estados de ánimo, sensaciones o pensamientos.

En la siguiente ocasión que nos encontremos en un lugar que nos evoque una sensación de exclusividad, elegancia y lujo o conozcamos una nueva marca que percibamos como amistosa, empoderadora y divertida, sepamos que todo fue pensado cuidadosamente por un equipo de trabajo y diseñadores, para brindar a los consumidores una experiencia que evoque un puñado de sensaciones, emociones y conexión con esta marca en particular.

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El storytelling en el Diseño El diseño no es solo cómo se ve y se siente.

El diseño es cómo funciona.

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por MICHAEL PRINCE BENT.

Todos somos seres aspiracionales, buscamos la mejora constante y sobre todo anhelamos el buen vivir. Un ejemplo claro que podemos utilizar es la aspiración y los deseos de poseer un hogar. ¿Cuántos no hemos ido a ferias y empresas inmobiliarias a conocer sus propuestas? La industria inmobiliaria conoce que no sólo basta con diseñar y construir una bonita casa o apartamento, y que en ocasiones es la narrativa que transmite una buena decoración o la manera en que se ha creado la historia sobre la casa o el apartamento, las que logran esa conexión especial con aquellos detalles y puntos focales, que al final se convierten en los verdaderos beneficios al que aspira cada individuo.

En el plano personal y profesional, el diseño para mi es la base de todo, ya que aprecio todo lo que es bello y útil.

Valoro la funcionalidad y la utilidad. Es algo que tengo en común con todos los seres humanos y por esto también es importante la comunicación de las acciones, lo que permite que la audiencia comparta y promueva nuestro contenido. Pero cuidado, para poder hacer esto debemos asegurarnos que el producto o servicio, sobre todo su historia, sean dignos de ser compartidos.

La edificación ya contaba con elementos como madera, mármol y algunos detalles victorianos. Así que optamos por hacerlo lucir algo sencillo, ecléctico y, sobre todo, misterioso apoyados en el mobiliario, paleta de los colores, arte, luces y velas. En la fachada hicimos dos ventanales grandes que permitiera la vista desde afuera para seducir con el interior y la decoración.

Un punto focal que quisimos mantener fueron las cercas bajas que mostraban el exterior del balcón para que, con la ayuda de chimeneas portátiles, algunos comensales pudieran disfrutar el espacio durante otoño e invierno. Por su parte, el jardín con su naturaleza aportaba su magia durante los meses de primavera y verano, un espacio ideal para que el cliente se conecte, comparta y cree sus propias historias, mientras disfruta de la tradicional sangría española.

Pero el reto más grande, más allá del diseño, fue el de crear una línea histórica sobre la identidad del restaurante y lo abordamos desde la elaboración del menú.

La cultura variada a la que pertenecían la pareja de propietarios, era de una mezcla entre europeos, norteamericanos y latinos.

Recuerdo que uno de ellos mencionó que

En cada visita, los comensales sabían que no iban a repetir la misma experiencia. Este no buscaba ser el restaurante tradicional para ir a comer siempre un antojo específico. Vendríamos a ser un restaurante boutique con una esencia de bipolaridad, respetando las tendencias, tanto del clima, como de lo que producía la tierra en cada una de las estaciones del año. Esto nos ayudó en la selección de las frutas para nuestras refrescantes bebidas y sangrías. Las bebidas eran exóticas para la temporada que corría. Los meseros le daban un tratado especial, siempre había de 7 a 10 opciones que les permitía hacer de “sommeliers”, aconsejando qué tipo de cocktail o vino maridan mejor con los alimentos seleccionados en cada visita.

Sin duda no sólo fue un detalle el que nos permitió alcanzar los objetivos, fue la suma de elementos basados en una estrategia que buscó dar lugar destacado al diseño y el “storytelling”; y con esto fuimos fieles a nuestra misión en la consultoría, que es cultivar marcas bellas y reales.

En muchos sectores, la ejecución para lograr diseños exitosos es complicada. El “know-how” requiere de un conocimiento especial que, con frecuencia, poseen empresas exitosas que valoran más el resultado, por su elaboración y acabados.

Estoy seguro que ellos también saben que la decisión de compra depende tanto de un buen diseño, como de lo que se comunica.

Todas las empresas que no le den la importancia a su “storytelling” corren el grave riesgo de extinción. Su importancia es creciente en un mundo marcado por la ampliación del conocimiento al que cada persona tiene acceso frente a la toma de una decisión de compra.

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Como consultor de negocios tengo que estar preparado para entender e identificar cuáles son los valores, objetivos, misión y visión del producto o servicio que el cliente busca ofertar. Así puedo ayudarles a entender que el contenido

Quiero compartirles una experiencia con uno de mis clientes. El emergente restaurante The Noble, en la ciudad de Milwaukee, quienes buscaban crear una experiencia íntima, cálida, boutique, con un toque de misterio y que, además, mostrará una evolución constante. Ya mucho ayudaba el estar ubicados en la nueva zona “hip” de Milwaukee, la National Avenue, rodeada de edificios con influencias de “chalets” holandeses y edificaciones industriales. La constante evolución del mismo entorno urbano era otro argumento a favor, algunos años atrás el barrio no tenía la misma reputada fama por ser una de las zonas más concurridas por la comunidad LGTBQI; en sus alrededores ya había restaurantes que se establecieron previamente y con facilidad, por ofrecer a esta comunidad una comida práctica para el antes y el después de la fiesta. Con The Noble, buscamos ser únicos y con un concepto que permitiese destacar en dicha avenida.

la forma en la que querían transmitir una sensación casera iba a ser a través de la bipolaridad, inspirados en el hecho de que la abuela de uno de ellos era bipolar, por lo que de inmediato quisimos conocer su historia. Mencionaron que siempre le preguntaban cuál era el menú de la noche, para saber con qué vino llegar a la casa.

Estudiaban bien la opción para maridar con el menú de la nonna, para que, al llegar al encuentro encontrarse con un plato totalmente distinto servido en la mesa.

Ella anunciaba un estofado de carne y encontraban una barbacoa. Y así creamos un menú que cambiaba todos los días.

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Una buena línea de historia está conformada por elementos esenciales como: detalles sobre la inspiración del diseño, personalización, utilidad, cronología, participación de acciones y el tono del relato.

Cada uno de estos elementos aportan una explicación a la audiencia, ansiosa por un producto ofertado que sea útil para ellos. El diseño y el "storytelling" tienen algo en común: ambos deben resolver un problema que están experimentando (o que aún no saben que lo harán) para conectarse con sus clientes.

no puede ser genérico y aburrido. Al contrario, aquello que han ofertado en la mesa debe entregar una personificación que pueda hablarle directamente al actual y al posible nuevo cliente.

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La línea de historia o el “storytelling” juega un papel crucial en el mundo del diseño. Es un mecanismo de mercadeo que crea un significado a través del relato, contando detalles para interconectar emociones y aspiraciones. No es más que el arte de contar una historia con el fin de despertar la empatía.

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La ciudad pintada por LUIS GUILLERMO

MARTÍNEZ.

agradecimientos a

COMISIÓN #MURAL500 @ciudadpanama500

PROYECTO

#CANVASURBANO500 @canvasurbano

74 Es de noche en la Avenida Frangipani y los pocos carros que pasan después de la hora del tranque corren sin freno y con sus ventanas herméticas. En un par de horas, la calle y sus aceras se vuelven solo para los más aptos y aquellos que no viven con el terror que impone la penumbra en su barrio.

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Es una escena acostumbrada, pareciera incluso impuesta, con el olvido que gritan las fachadas de sus edificios y galpones, los malos servicios públicos y la desidia de un barrio alegre que se las ingenia por sobrevivir. Pero todo parece encontrar el rumbo de un cambio. No a través de las luces (de más necesarios postes). Tampoco a través de mejores desagües. Menos con la presencia de más ley y mejor orden. Los cambios vienen con letras y color.

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Lo que fue una fachada derruída y olvidada, ahora es el lienzo en donde se plasma un cuento infantil. Caminas un par de cuadras más y encuentras la coraza de un edificio que nunca cambió de paleta, convertido en la base de una genialidad cromática que arranca suspiros, estrecha pupilas y genera cientos de reacciones en redes sociales.

Los murales artísticos en Panamá no son algo nuevo. La Avenida de Los Mártires es el corredor de la reflexión para todos aquellos que se atascan en su tranque. La ciudad despide a quien le huye con un último mensaje cargado memoria patriótica, en donde recuerdan a los estudiantes que pusieron su vida por su bandera. Y es así, al menos desde enero del año 2000. En El Chorrillo, las paredes siguen llorando con murales que recuerdan el sonido y el ardor de las ráfagas de plomo y fuego que por allí llovieron una noche decembrina de 1989.

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Con el tiempo han crecido en número y tamaño estos murales. Los mensajes, los estilos y sus métodos maravillan siempre por su variedad, ingenio, técnica e intención.

Han representado una variedad del arte urbano, distinta a la del “tag”, o etiqueta, en donde un grafitero estampa su estilizada firma o un mensaje personal, en el sitio que dicten sus clandestinos deseos.

Pero con la llegada del cumpleaños 500 de la fundación de la ciudad de Panamá, todo un proyecto intersectorial se ha propuesto hacer de esta metrópolis de incómodos contrastes un museo entero de puertas abiertas, en cada cuadrante cardinal.

Para llegar a esto, la alcaldía Panamá concentró a una decena de instituciones que empujaron durante un año la creación de 26 murales en cada corregimiento de la capital. De estos, destacan el Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo (PNUD), quien aportó sus destrezas administrativas, logísticas y técnicas, la autoridad del Canal de Panamá, el Instituto Nacional de Cultura y la Asociación de Antropología e Historia, entre otros quienes lograron convocar a 26 artistas y 16 aprendices para llevar adelante la plásticidad de toda esta empresa.

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Ellos fueron: Insano, Lauri Prechi, Ise, Cisco Merel, Pape Ink, Sumo, Caso 3, Genaro Rodríguez, Remedios, Jaime Guillén, Elías Gil, Martanoemí Noriega, Evade, Karineth Guardia, Chacha, Amir Lucky, Jorge Ja-

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ramillo, Gabriela Esplá, SM Sanz, Teks, Amir Lucky, Andi Soto, Sinless y Rolo de Sedas.

Todos de distintos estilos y formaciones con el objetivo de no solo inyectarle vida a paredes muertas, sino promover el arte con un fin educativo y cultural.

Con esto, todos dieron pie a Mural 500: una dinámica en la que burócratas, empresas privadas, artistas plásticos y comunidades con sus líderes, se sentaron en una mesa redonda para conversar sobre cómo elevar la identidad autóctona del espacio que ellos reconocen haber visto por años en el olvido.

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“En principio nos acercamos a la comunidad con una selección inicial de cuentos cortos, leyendas y cuentos infantiles de la literatura panameña, con los cuales se hicieron activaciones culturales, donde los propios niños de la comunidad decidieron qué cuentos iban a ser los que dieran color a sus paredes”, explica Evade (Evelyn de Ycaza), fundadora de Canvas Urbano, un colectivo de artistas urbanos con trayectoria en lo de magnificar espacios perdidos con pintura y genio. Ellos son los responsables del mural “Todos nacemos iguales”, a un costado de la Vía Israel, diagonal al Multiplaza, en donde 42 muralistas se reunieron para mandar un mensaje con rostros anónimos, surreales y heterogéneos a favor de los derechos humanos.

Evade y su grupo, conformado por otros 6 artistas, dejaron en una vía de edificios ignorados, toda una galería de seis murales que ahora invitan a reducir la velocidad, bajar los vidrios y disfrutar de la creación artística urbana.

“También se realizaron talleres y exposiciones de arte para que los chicos conocieran un poco más de quiénes eran los artistas responsables de intervenir sus calles; exposiciones de Arte y Ciencia con el Colectivo Endémico, en conjunto con el Parque Metropolitano y el Biomuseo; una pequeña muestra de cine con la fundación Mente Pública; juegos que destacaban la importancia de la cultura cívica gracias al equipo de Praxis, y actividades deportivas con voluntarios de la YMCA”, detalló Evade.

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Lyan Leguisamo, gestora cultural, relata en un video en el que busca el apoyo de terceros para el proyecto, que “movimientos como Canvas Urbano están ocurriendo alrededor del mundo y están funcionando”.

Agrega que “ciudades como Lisboa, Medellín, Barcelona y Sao Paulo están obteniendo

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los resultados de haber invertido en cultura; porque la violencia reduce, las zonas que nunca se visitaban se están volviendo centros turísticos, se generan empleos y se mejora la actividad económica en zonas deprimidas”.

A unos nueve kilómetros de la mencionada Avenida Frangipani, a un costado de la Vereda Afroantillada de Río Abajo, se estira un mural en donde desfilan los retratos de algunos de los residentes más emblemáticos de uno de los barrios más autóctonos de la capital. “Tierra de etnias bellas, buenas y emprendedoras”, reza sobre los rostros de Emma Botello, la primera maestra del corregimiento; Sidney Young, un jamaiquino quien fue periodista e inició su propio periódico llamado “The Panama Tribune”; la arquera Yenith Bailey, quien ganó el Guante de Oro en el Premundial Femenino de fútbol de la CONCACAF de 2018. Otros diez personajes de este corregimiento le dan a sus vecinos un motivo más para destacar y representar su tierra con esfuerzo y dignidad.

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“Es nuestro pequeño homenaje a estas mujeres y hombres que en un momento de sus vidas hicieron de Río Abajo una tierra donde realizar sus sueños, hechos que hoy en día lo vemos en los saludos, sonrisas y abrazos de su gente”, dice Ologwagdi en la publicación de Facebook donde celebra haber terminado su mural el pasado marzo.

“Hoy, nos satisfacen sus gestiones porque fue para bienestar y gloria de la comunidad, para hacer de Río Abajo un corregimiento de gente alegre, honesta, emprendedora y necesaria. Y este mural es de vida, para la vida y contra el olvido”, destaca este muralista con más de cinco décadas de trayectoria haciendo murales vinculados al activismo político.

Los ejemplos se expanden por toda la ciudad hasta el extremo noreste de la ciudad: un corazón antropomórfico color tierra germina un árbol que da frutos en un costado del gimnasio de San Martín, uno de los últimos recónditos del noreste de la ciudad; una hermosa reina congo, con una bandeja de mazorcas, acompaña una vista eterna de montañas y lomas suaves en Chilibre, una de las últimas poblaciones al norte de Panamá, antes de llegar a Colón.

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¿Y qué vendrá después? ¿Representa esto la domesticación de un oficio que tiene a la clandestinidad como parte de su brújula?

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“El graffiti siempre sucederá, por como lo veo, ya que sus raíz está en la protesta contra el sistema y ese statement de “yo también existo”; al igual con el muralismo organizado, espero que inspire a nuevas olas en cuanto a la calidad del arte y su nivel de originalidad”, respalda Evade al respecto.

Por su lado, Mónica Mora, coordinadora del proyecto Mural 500 por el PNUD, señala que “desde las instituciones, empresas y colectivos se impulsa el muralismo, que es también una expresión artística urbana en la que los dueños o personas responsables de las fachadas de los edificios son consultados y se solicita previamente su aprobación. (Junto al graffiti) ambas son expresiones culturales legítimas que seguirán coexistiendo, cada una desde sus ámbitos particulares, aportando valores y reflexiones al público que las consume”.

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“El graffiti (...) al igual con el muralismo organizado, espero que inspire a nuevas olas en cuanto a la calidad del arte y su nivel de originalidad.”

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“No es una ‘nueva forma’, sino que simplemente las instituciones por su naturaleza están obligadas a abordar el arte urbano desde la legalidad, reconociéndolo como una expresión cultural legítima y aprovechando su potencial para embellecer los espacios públicos y crear sentido de pertenencia y apropiación entre la ciudadanía”, agrega Mora en tono de reflexión.

Le queda entonces a la ciudad una cara mucho más colorida. Una oportunidad de mostrarle a sus residentes y visitantes, qué hay en esa fibra de quienes la hicieron. Y un ejemplo genuino que sirve para desmitificar y unir a sectores improbables a favor de la comunidad. Toca, pues, agarrar un mapa, trazar una ruta y salir a disfrutar de estos testimoniales coloridos.

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Mural 1 (página 74 y 75) #Mural500 | Calidonia Artista: @temym Obra: “En Calidonia hay esperanza”

Mural 2 (página 76 y 77) #CanvasUrano500 | Curundú Artistas: @sm.sanz y @ sinlessoner Basados en los cuentos: “Las Aventuras del Sol” de Luisita Aguilera y “El pintor del Arco Iris” de Raúl Leis"

Mural 3 y 6 (página 78 y 79) #CanvasUrano500 | Av. Frangipani Artista: @hey_teks Obra basada en el cuento “Alegría” de Chery Lewis

Mural 4 (página 78) #CanvasUrano500 | Av. Frangipani Artista: @amirluckyart Basado en el cuento: “El viaje del Caracol” de José Ávila Castillo”

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Mural 5 (página 78) #mural500 | Parque Urracá Artista: @gabrielaespal Obra: El Centavo de Urracá

Mural 7 (página 79) #CanvasUrbano500 | Av. Frangipani Artista: @rolodesedas Basado en el cuento “El gallo Vicente” de Teresa López de Vallarino

Mural 8 (página 79) #mural500 | San Francisco Artista: @rolodesedas Obra: Mami Panamá “Feliz Cumpleaños 500”

Mural 9 (página 80 y 81) #CanvasUrbano500 | Av. Frangipani Artista: @andimacka Basado en la leyenda: “El Chorro de las Mozas”

DESTINO

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OBJETO DE DESEO

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OBJETO DE DESEO

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Gabrielle Chanel, un diseño excepcional Luego de cinco años de trabajo, Sylvie Legastelois logró un diseño capaz de representar el carácter innovador, rebelde y ese gusto por los detalles de Coco. “Mi obsesión ha sido aligerarlo hasta el punto de que el vidrio, casi invisible, dé la ilusión de que el perfume está en suspensión"...

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Sin duda es un diseño pensado y ejecutado de forma excepcional.

Un frasco cuadrado aparentemente sencillo, un prisma que evoca las líneas puras de los perfumes icónicos de Chanel, con un cristal tan fino que hace resplandecer el jugo. Y es ahí donde reside la complejidad y el lujo. Detalles como la información que normalmente va grabada en la base del frasco en esta ocasión la encontramos muy discreta detrás de la etiqueta, casi oculta. Cada frasco tiene su propia numeración, que lo hace una pieza única.

De perfil apreciamos como las paredes de cristal convergen hacia el centro del frasco donde la etiqueta cuadrada, del mismo tamaño que el tapón, está colocada de forma que cada faceta revele la luz. Cada frasco está pulido a mano. La base es muy fina, no tiene ese montículo grueso de vidrio que vemos en otros perfumes.

Un diseño depurado y totalmente innovador, pues lo normal en alta perfumería es desarrollar frascos muy pesados.

“El lujo es aquello que no se ve” -Gabrielle Chanel. por ALFREDO SMITH.

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Memorias, emociones y la esencia del universo Chanel, son incluídos en la decisión del color lamé mate del tapón, entre oro y plata, que también viste el estuche, inspirado en los tejidos de alta costura de La Maison y en una caja que le regaló el duque de Edimburgo a Coco.

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1.

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Purificación García, Origami.

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BREITLING, reloj de colección “Superocean Heritage Ocean Conservancy”.

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Salvatore Ferragamo, bolso “Boxyz”.

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Gianvito Rossi (Bellagio), sandalias “Flexi leopard”.

5.

Jeffrey Campbell (Bellagio), zapatillas de vinilo.

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TAG HEUER, colección “Autavia”.

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MONTBLANC, funda para libreta colección “mixtapes”.

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MONTBLANC, llaveros colección “mixtapes”.

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MONTBLANC, portatarjetas colección “mixtapes”.

10.

CASIO, reloj clásico cuadrado “G-SHOCK”.

11.

MONTBLANC, mochila colección “mixtapes”

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FOTOGRAFÍA

RITMO Y CADENCIA 90

La ciudad de Panamá, a través de la lente de Alfredo J. Martiz

Su obra fotográfica posee un carácter documental en su mayoría; sin embargo, su particularidad radica en el “enfoque sentimental” de la composición. Sus viajes constituyen uno de los pilares fundamentales en la creación de historias, encuentros con personajes e interpretación de una realidad que se traduce en imagen. El escenario se usa en su forma pura, constituyendo la fotografía un proceso de investigación que parte de las sensibilidades del artista, más allá de las narrativas a su alrededor. El tiempo, la memoria, el espacio, la gente, la arquitectura, el urbanismo, la ciudad y los objetos que la componen, los seres que a su paso encuentra, son algunos de los tópicos que aborda este arquitecto y fotógrafo en su obra.

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Cada ciudad tiene su ritmo y cadencia, una serie de elementos y actividades que le caracteriza y a los cuales respondemos.

a adaptarnos y reaccionar, definiendo nuestros patrones de comportamiento individual y social.

Como seres humanos hemos creado las ciudades para beneficio nuestro, concebidas como centros de intercambios e interacciones, siempre en constante evolución.

Desde las entrañas de la ciudad se tejen una multiplicidad de historias y rutinas, un inagotable flujo de comunicación e información que construye nuestra memoria y forja nuestra identidad.

Una vez creada, la ciudad desarrolla su propio carácter y modifica nuestro comportamiento, su ritmo nos obliga

Cada ciudad tiene su ritmo y cadencia, un amplio espacio negativo que da forma a nuestra figura.

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Chasing shadows (2015)

Mercado del marisco (2018)

Los atrevidos (2017)

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Nombre desconocido

5.

The daily commute routine (2016)

6.

The daily commute routine (2018)

7.

Paisaje pirata (2017)

Surround system (2017)

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1.

Salsipuedes (2017)

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Muelle fiscal (2017)

11.

Cinta costera 3 (2018)

12.

El carrito del amor (2018)

13.

¿Qué jugó en el sorteo?

(2019)

14.

Se ponen * pulsos, pines y baterías ** de relojes * (2019)

15.

Fonda zaydi.

Comidas para llevar. Ya (2015)

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Dios bendiga y prospere este negocio (2018)

17.

Salsipuedes (2015)

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9.

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17.

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T RÓ P I C O

El puente de Calidonia

100 Construido en la década de 1880, para comunicar el Casco Viejo y la Avenida Central, ubicado cerca de donde hoy día encontramos la Asamblea Nacional y la Plaza 5 de mayo.

Agradecimientos a www.panamaviejaescuela.com

por ELEMENT. Este es un puente poco conocido en la actualidad, pero el papel que jugó en los primeros años de crecimiento de la ciudad de Panamá fue de mucha importancia. A mediados de siglo XIX, cuando la ciudad se proyectaba entre el Casco Antiguo y la Avenida Central, la capital necesitaba conectarse con el puerto comercial caribeño en Colón.

adineradas. Pero fue hasta la década de 1880 cuando finalmente construyeron un puente propiamente pavimentado.

T RÓ P I C O

Entre tanto, sobre él y en sus alrededores sucedió la Batalla del Puente de Calidonia, en el marco de la Guerra de los Mil Días, en tiempos cuando Panamá estaba anexada a Colombia. Desde el ahora país vecino la En 1855 el tren llegaba hasta un costado lucha la centraban dos partidos políticos: de la Plaza 5 de Mayo, dando vida a toda Conservadores y Liberales. una nueva dinámica comercial. A finales de esa década ya habían elevado un camino de A inicios de 1920 el puente fue derrumbado. tierra en lo que hoy es el cruce de la Avenida Quedó obsoleto por la implementación del 3 de Noviembre y la Central. Su principal uso flamante tranvía y por el crecimiento de una era para conectar a la ciudad con las zonas ciudad que empezaba a prolongarse hacia La de haciendas y casas de campo de familias Exposición, Bella Vista y La Cresta.

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