TEORIA DEL COLOR
El color es una de las herramientas más poderosas para transformar los espacios. Puede influir en nuestras emociones, estado de ánimo y comportamiento. Por eso es importante que los diseñadores seleccionen cuidadosamente los colores.
Se conoce como Teoría del color a un conjunto de reglas básicas que rigen la mezcla de colores para conseguir efectos deseados, mediante la combinación de colores o pigmentos. Es un principio de gran importancia en el diseño gráfico, la pintura, la fotografía, la imprenta y la televisión, entre otras áreas visual.
No existe una única Teoría del color, sin embargo, sino un conjunto de aproximaciones al color y a sus dinámicas. Muchas de ellas forman parte de la historia del arte o de la física (óptica), y poseen diferentes autores.
Por ejemplo, el poeta y científico alemán prerromántico Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832) en su libro
Teoría de los colores de 1810 proponía ya un círculo de color, basándose en los estudios de la materia del propio Isaac Newton.
Uno de los principales insumos de toda Teoría del color es el círculo cromático. Se trata de una representación circular de todos los colores del espectro visual, organizados de manera tal que los colores contrarios se enfrenten y los colores complementarios estén próximos el uno al otro.
Uno de los principales insumos de toda Teoría del color es el círculo cromático. Se trata de una representación circular de todos los colores del espectro visual, organizados de manera tal que los colores contrarios se enfrenten y los colores complementarios estén próximos el uno al otro.
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TEORIA DEL COLOR
Colores primarios
Los colores primarios son aquellos que no puedes crear desde cero al combinar dos o más colores. En eso se parecen mucho a los números primos: no pueden formarse al multiplicar otros dos números juntos. Existen tres colores primarios:
Piensa en los colores primarios como tus colores base: anclan tu diseño a un esquema general. Uno solo o la combinación de estos colores pueden darte una guía al explorar otros tonos y matices.
Cuando diseñas con colores primarios no te sientas restringido solo a los tres mencionados arriba. El naranja no es un color primario, por ejemplo, pero ciertamente es usado por las marcas como su color dominante.
Cuando sabes cuáles colores primarios crean el naranja puedes identificar los colores que podrían llevarse bien con él, dependiendo del matiz o tono correcto. Esto nos lleva a nuestro siguiente tipo de color.
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TEORIA DEL COLOR
COLORES SECUNDARIOS
Los colores secundarios son los que se forman al combinar dos de los tres colores primarios listados arriba. Revisa el círculo cromático: ¿ves cómo cada color secundario es compatible con dos de los tres colores primarios?
Existen tres colores secundarios: naranja, púrpura y verde. Estas son las reglas generales para crearlos:
• Rojo + Amarillo = Naranja
• Azul + Rojo = Púrpura
• Amarillo + Azul = Verde
Ten en mente que las mezclas de color ya mencionadas solo funcionan si usas la forma más pura de cada color primario. Esta forma pura es conocida como el tono del color, y verás cómo estos tonos se relacionan con las variantes de cada color en el círculo cromático que viene después.
Colores terciarios
Los colores terciarios surgen cuando mezclas un color primario con otro secundario.
Lo más importante de los colores terciarios es que no todos los colores primarios coinciden con uno secundario para darle vida a un terciario. Por ejemplo, el rojo no se mezcla armónicamente con el verde, y el azul no lo hace tampoco con el naranja; ambas combinaciones resultarían en un color ligeramente marrón (a menos que, por supuesto, eso sea lo que estás buscando).
En realidad, los colores terciarios surgen cuando un color primario se mezcla con un secundario que le sigue en el orden del círculo cromático que puedes ver abajo. Tenemos seis colores terciarios que cumplen este requerimiento:
• Rojo + Púrpura = Magenta
• Rojo + Naranja = Bermellón
• Azul + Púrpura = Violeta
• Azul + Verde = Turquesa
• Amarillo + Naranja = Ámbar
• Amarillo + Verde = Cartujo
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TEORIA DEL COLOR
Teoria del color en el marketing aplicacion de la psicologia del color
Al igual que en el diseño, la teoría del color es fundamental para el trabajo del marketing. En especial a través de la psicología del color, ya que es una de las bases sobre las que se despliegan los contenidos, que ayudarán a complementar el mensaje y el significado que se quiere transmitir.
Por ejemplo, puede servir para definir estrategias de posicionamiento de marca, en función de las características del producto promocionado o lanzado al mercado.
Asimismo, si lo que quieres es desarrollar una estrategia de branding, el color siempre será el punto central para la creación del logotipo. Esto te ayudará a darle personalidad y apariencia para que conecte y genere identificación con la audiencia que perciba la marca, siempre alineado a la visión de la compañía o el producto al que se quiera posicionar.
A partir de la idea de que los consumidores buscan satisfacer ciertas necesidades, los colores se encargan de hacerles sentir que en determinado producto está eso que buscan; los sentimientos más evocados a través del color son: calma, deseo, poder, alegría, fuerza, pasión y elegancia. Precisamente para ello existe una teoría psicológica del color que se entrelaza con lo que ya hemos mencionado. Aquí te presentamos algunos significados:
• Azul: es un color que evoca profundidad, seriedad, confianza y solemnidad.
• Verde: es un color asociado a la tranquilidad y sugiere la esperanza, la salud, la paz y el cuidado.
• Rojo: es el color de la pasión, la vitalidad, la excitación, la fortaleza y la agresividad.
• Amarillo: refleja el optimismo, la claridad y la transparencia. También se asocia con la juventud.
• Naranja: es dinámico, amigable y da confianza.
• Morado: es el color de la creatividad, la imaginación y la sabiduría.
• Gris: representa el equilibrio, la solemnidad, la calma y seriedad.
• Blanco y negro: en la mayoría de los casos se utilizan juntos y transmiten claridad.
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TEORIA DEL COLOR
TIPOGRAFIA
La tipografía es el conjunto de técnicas para crear gráficamente letras y caracteres. Su nombre hace referencia a las huellas (o tipos) que quedan impresos cuando escribimos. Esta disciplina se centra en establecer reglas de composición para el diseño y uso de símbolos escritos.
Por otro lado, comprende la disposición de los caracteres cuando aparecen en grupo, así como la selección del tamaño de los puntos, la longitud de las líneas y el espaciado, tanto en un solo renglón como en toda la página.
La tipografía es más que solo el diseño de las letras. Conocer los conceptos básicos de la tipografía, te permitirá diseñar la disposición de encabezados, párrafos, entre otros, de una manera atractiva y convincente, tanto en el plano físico como en la web.
Para que sirve la tipografia
La tipografía conforma uno de los elementos pilares del diseño visual. En sí misma, es un arte que sirve para expresar sensaciones con las formas de letras para diversos estilos de comunicación. Por esto, su utilización siempre será relevante en la creación de tus contenidos, como lo son los colores o las fotografías. Con la tipografía, también puedes generar emociones que influyan en el público receptor de tus mensajes.
Asimismo, la tipografía funciona para darle forma a nuestros mensajes, algo esencial en las áreas de publicidad, el marketing, el diseño, el arte y todas las que involucran una parte visual. En el diseño gráfico, específicamente, la tipografía es un elemento fundamental, por ejemplo, en la creación de logos.
Su relevancia es tal que un cambio o mal uso en el tipo de fuente podría dar un mensaje contrario al que queremos emitir, sin importar el medio en el que se difunda y su contexto. De ahí el valor de elegir la que mejor se adapte a tu marca, tus contenidos y lo que quieres suscitar en tus clientes.
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TIPOGRAFIA
Como se clasifica la tipografia
1 - Serif
2- Sans Serif
Las dos clasificaciones de tipos principales son serif y sans serif. Otras incluyen modern, slab serif, blackletter, script y decorativa. Por ahora, solo explicaremos los dos más comunes.
Serif
Las tipografías serif comunes incluyen Times New Roman, Georgia y Garamond. Si estás leyendo una novela, es posible que identifiques que el cuerpo del texto es serif. Esto se debe a que un serif es mucho más fácil de leer en trabajos impresos largos, debido a la distinción entre letras.
Sans Serif
En francés, la palabra «sans» significa «sin». Entonces, el término «sans serif» significa literalmente «sin serif». En la imagen de abajo, notarás que las palabras carecen de serifas, como señalan las flechas rojas.
Las tipografías sans serif comunes incluyen Arial, Verdana y Futura. Por lo general, se utilizan muchos sans serif en publicaciones de blogs y documentos en la web porque reflejan modernidad y se ven muy bien, incluso con resoluciones de pantalla bajas.
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TIPOGRAFIA
logotipo
Un logotipo es un símbolo gráfico que identifica visualmente a una marca, producto, proyecto o empresa, para facilitar su reconocimiento, diferenciarse y transmitir información.
Pero, quizás, no sepas realmente qué son los logos, ya que, como te he comentado, un logotipo no es solo cualquier dibujo gráfico representativo de una marca. Sino que encontramos diferentes elementos que identifican cada proyecto, y no necesariamente tiene por qué ser un logotipo.
La representación visual no se basa solo en un logotipo, ya que éste solo está compuesto por las palabras o textos, sino que existen las partes de un logo o elementos que componen la identidad visual de la marca, como es el isotipo (dibujo), imagotipo (símbolo + palabras sin agrupar) y el isologo (símbolo + palabras agrupados).
REPRESENTACION
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LOGOTIPO
GRAFICA DE UNA MARCA
TIPOS DE LOGOs
Como acabas de ver, existen diferentes tipos de logos, o mejor dicho, de elementos que componen la representación visual de la marca.
Por ello, explicaremos qué es un imagotipo, qué es el isologo y qué es el isotipo, para que puedas diferenciarlos siempre a partir de ahora.
LOGOTIPO (PALABRAS)
Un logotipo se define como la representación gráfica de las letras o tipografías que componen el nombre principal de la marca.
Por ello, un logotipo tan solo serán las palabras o algún elemento legible.
Imagotipo (sImbolo + palabras sin agrupar)
Estamos muy acostumbrados a ver un isotipo y un logotipo juntos, sin saber que eso no se trata de un logo, sino que se trata de un imagotipo.
Por lo tanto, un imagotipo se define como la unión que forma el texto de la marca con su símbolo o dibujo, es decir, la unión del logotipo y el isotipo.
Es una parte legible (que se puede leer) con el nombre de la marca y otra parte visual que identifica y transmite información a los usuarios. Ambos pueden separarse para identificar a la empresa, pero lo normal es verlos juntos.
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LOGOTIPO
Isotipo (dibujo o simbolo)
Un isotipo es el dibujo o representación gráfica de una marca, es decir, es la figura o imagen por la que se representa la marca para que los usuarios la recuerden e identifiquen.
El isotipo solo está compuesto por el dibujo, sin nada de texto, por lo que si lo ves, deberás recordar de qué marca se trata.
Muchas empresas han hecho un buen trabajo con el reconocimiento del isotipo de la marca, como es el caso de Apple. Cuando vemos la manzana, todos sabemos de qué marca o empresa se trata.
El isotipo es una parte esencial en una imagen corporativa, por ello es imprescindible hacer una investigación previa de ejemplos de isotipos de la competencia o empresas que están utilizándolo de forma muy profesional.
Isologo (sImbolo + palabras agrupados)
Al igual que en el imagotipo, en el isologo tenemos el nombre y el símbolo agrupado, solo que en este tipo de logo forman un elemento que no se puede dividir.
Por lo tanto, un isologo se define como la coexistencia o unión de un isotipo y logotipo en un mismo elemento llamado isologo.
Los isologos son menos típicos en el mundo del logotipo, pero son una fantástica idea para diferenciarnos de la competencia si lo trabajamos bien. Por ello, te dejo unos ejemplos de isologos para que puedas coger ideas
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LOGOTIPO
diseno editorial
El diseño editorial es una rama perteneciente al diseño gráfico cuya función principal consiste en diseñar y componer de forma óptima distintos tipos de publicaciones. Se trata de programar, clasificar y estructurar todo el contenido de revistas, libros, periódicos, catálogos, etc. Podríamos afirmar que se encarga de la arquitectura de las publicaciones. Tal y como define el prestigioso director de la revista Speak Magazine, Martín Venezky, el diseño editorial moderno es el marco por el que una determinada historia se lee, se transmite y se interpreta.
Una misma publicación puede transmitir diferentes sensaciones a cada lector, por eso resulta tan importante conocer bien las características específicas de cada proyecto. Un diseño editorial moderno resaltará las cualidades propias de cada publicación y hará que resulte más atractiva.
ELEMENTOS DEL DISENO EDITORIAL
Todas las publicaciones, a pesar de sus diferencias, comparten una serie de rasgos que debe conocer a la perfección un buen diseñador editorial.
El formato
Esta característica hace referencia principalmente a la forma y el tamaño. Se relaciona con su manifestación física o digital. Es fundamental evaluar cuál va a ser el formato óptimo para cada publicación; un error aquí podría echar por tierra todo el trabajo anterior de redacción.
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DISEÑO EDITORIAL
lA RETICULA
Es la caja tipográfica donde se sitúa el texto. Aunque sea invisible para el espectador, es de suma importancia en el diseño, ya que estructura y da coherencia a los distintos contenidos. Además, equilibra la composición de las páginas. Sus componentes son:
Márgenes Columnas Módulos Zonas espaciales Medianil Líneas de flujo
LA TIPOGRAFIA
La tipografía es la expresión visual de las ideas. Abarca todo lo relacionado con las letras, los números y los símbolos de un soporte físico o digital. La elección de una determinada fuente vendrá condicionada por tres factores: el mensaje que desea transmitir, el lector al que va dirigido y, por último, el formato del libro.
EL COLOR
El color aporta alegría, activa la atención y estimula los sentidos. Multitud de estudios confirman la capacidad de los colores para transmitir sensaciones y emociones. La elección del color es un factor fundamental para conseguir una buena adecuación entre el contenido y su marco visual.
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DISEÑO EDITORIAL
Elementos Graficos
Una imagen vale más que mil palabras. De nada sirve un gran texto si no viene acompañado de la imagen adecuada. En la actualidad, el diseño editorial moderno se compone de multitud de elementos gráficos. Mapas, tablas, gráficas, dibujos o infografías complementan el texto y le dan sentido.
caracteristicas de un buen disenador editorial
El primer y principal objetivo del diseñador editorial debe ser lograr captar la atención del lector entre un inmenso mar de libros, periódicos y revistas a su disposición.
Es por esta razón que el diseñador editorial debe enfocar su trabajo hacia ese objetivo, desarrollando la creatividad y activando la imaginación. Una excelente portada puede hacer triunfar a un libro incluso antes de que sea leído.
Si quieres ser un buen diseñador gráfico y editorial no olvides las siguientes variables a la hora de realizar tus maquetas y diseños, ya que de ellas dependerá que tu trabajo logre captar la atención del cliente.
Legibilidad
Una característica esencial de cualquier texto es que sea agradable y fácil de leer. Si cansamos pronto al lector, no lograremos nuestro objetivo. Para ello hay que elegir una tipografía legible, sencilla y específica para cada tipo de publicación.
En la actualidad contamos con modernos y sofisticados procesadores de textos, los cuales poseen completos portafolios donde encontrar la tipografía ideal.
Tipografia limitada
El uso de muchos tipos de tipografía distintos en el mismo texto no es aconsejable, ya que genera confusión y puede llevar al agotamiento visual.
Color y cuerpo
Como ya hemos comentado anteriormente, estamos ante un apartado fundamental del diseño editorial moderno. Debemos evitar la monotonía. Un método efectivo consiste en combinar el color del fondo y el contenido utilizando colores complementarios. De este modo no se quitarán visibilidad.
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DISEÑO EDITORIAL
Interlineado
Debemos usar un interlineado que facilite la lectura (un interlineado demasiado corto hace que las líneas se mezclen al leer). Se suele utilizar la regla del veinte por cien. Esta regla indica que el tamaño del interlineado debe ser un 20 % mayor que el tamaño de la fuente.
Interletraje
También denominado densidad visual, el interletraje hace referencia al espacio entre cada una de las letras que componen el texto. Aunque parezca una característica más estética que funcional, el diseñador editorial debe tener en cuenta este aspecto.
Si buscamos un texto más elegante y sofisticado aumentaremos el interletraje. Si por contra buscamos un texto con más continuidad debemos disminuir el espacio entre las letras (aunque esto puede afectar a la legibilidad del texto).
DISEÑO EDITORIAL 22
COMPOSICION FOTOGRAFICA
La composición fotográfica es la capacidad de observar, seleccionar, reunir y ordenar elementos de la realidad en el encuadre de una cámara fotográfica para capturarlas con la finalidad de armonizarlas unidas en un tema y generar en el observador una reacción esperada.
El fotógrafo utiliza variados elementos de expresión plástica que ordena con total conocimiento y siguiendo las leyes de la percepción visual, para dirigir de forma consciente la mirada de quien está frente a la imagen. Todo esto con la finalidad de transmitir de forma coherente un mensaje, contar una historia y despertar sentimientos en el espectador. Así es, la emoción será tu motor creador como artista de la imagen así como la emoción de quien se deleita frente a ella.
REGLAS DE LA COMPOSICION FOTOGRAFICA
Partiendo de tu sensibilidad innata para escoger escenas y realizar tomas con tu cámara, es imprescindible conocer las reglas, leyes o normas de composición que te ayudarán a dar con ese resultado de impacto en tus fotografías. Las reglas de composición fotográfica son aquellas que guiarán tu proceso creativo al servicio de la historia que quieres contar, de la emoción que quieres transmitir en total conjugación con la reacción esperada de quien observa tus trabajos.
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FOTOGRAFÍA
En primera instancia la observación, el saber mirar, será esa sensibilidad creativa que debes entrenar para escoger aquellas escenas que se develan frente a ti para ser capturadas. Tu cerebro inmediatamente las procesa y las ordena siguiendo leyes asociadas a la percepción visual. Con habilidad decidirás como dispondrás de los elementos visuales en el encuadre, partiendo de destacar el motivo elegido como centro de interés antes de accionar el disparador. En torno a éste las demás formas junto con los elementos expresivos de composición fotográfica se ordenarán para darle unidad a la imagen, armonía y sentido estético.
El centro de interés es aquella forma, motivo, sujeto u objeto que se convierte en protagonista de tu imagen. En torno a él se ordenarán los demás elementos compositivos y se dispondrán de tal manera que lo destacarán. Se convertirá en lo primero que vea el observador, lo destacarás de tal forma que será su primer contacto visual para que luego su mirada viaje por el resto de la fotografía. Estos acentos y pausas es lo que se conoce como ritmo en la composición y te permitirá llevar de la mano la percepción del espectador sirviéndote de las reglas compositivas.
ESTABLECE EL CENRO DE INTERES
En cuanto a las reglas de la composición fotográfica debemos comenzar por saber donde posicionar el centro de interés en el encuadre una vez escogido. Menuda situación, más sin embargo parece que se nos facilita el trabajo porque su denominación nos da pista para su ubicación: el centro de la imagen. Déjame decirte que no todo el tiempo funciona esta lógica porque todo dependerá como lo resaltarás, que formas utilizarás para complementar la composición, los estados de ánimo que quieres transmitir.
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regla de los tercios
Para ello existe la regla denominada Ley de los Tercios, una de las más utilizadas para ordenar y resolver los problemas de ubicación de los objetos o formas en el encuadre. Para ubicar las zonas o «puntos fuertes» del cuadrado de la toma, a donde se dirigirá en primera instancia la mirada del espectador, debemos dividir en igual proporción el espacio en una cuadrícula con dos líneas horizontales y dos verticales.
El encuentro de convergencia de las líneas o los cuatro puntos resultantes definen esa zona de forma natural y por donde debes comenzar para entrenarte en el arte de la composición fotográfica. Algunas cámaras tienen incorporada esta cuadrícula como opción para darte en el encuadre los puntos de ubicación del centro de interés.
Esta regla es muy usada en la fotografía de retrato, en la fotografía de naturaleza y en la fotografía de producto. Una vez que hayas experimentado aplicando esta regla lánzate a composiciones más osadas. En muchas ocasiones su abuso suele presentar fotografías de composición simples y estáticas. Combínala con otras normas o leyes que también resuelven problemas de composición y que explicaremos a continuación
espacio negativo
El espacio negativo, la ley de «menos es más» o la ley de la «unidad en la unidad«, explora las posibilidades de una composición minimalista. Rodear al motivo con un gran espacio vacío ayuda a resaltar el protagonismo de lo que decidiste sea el centro de interés. Ese espacio plano, ausente o con mínimos elementos visuales arropa al motivo sin competir con él, resaltándolo.
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FOTOGRAFÍA
ley de la mirada
Existe otra regla que aplica sobre todo para el retrato. Es lo que se conoce como ley de la mirada y consiste en dejar espacio en la dirección a donde se dirige la mirada del sujeto retratado. Este recurso tornará interesante a la imagen y despertará curiosidad en el espectador tratando de ubicar o imaginar en el plano lo que observa el individuo retratado. Esta regla puede saltarse conscientemente si se busca expresar sentimientos de opresión o agobio. Colocar al protagonista cerca del marco de la foto sin espacio donde la mirada no respira y con falta de direccionalidad es válida siempre que se justifique con lo narrado.
ley
Existe otra norma utilizada sobre todo para la fotografía de paisaje como es la ley del horizonte visual. Divide el encuadre en tres partes iguales por medio de líneas horizontales imaginarias. Ocuparás dos de las terceras partes del encuadre el lugar a destacar sea el cielo o la tierra.
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del horizonteda
Laura Amador / Duvan Rodriguez
