Semanal
Viernes 6 de junio de 2025
Pantalla pop
de Star Wars
Julio Cuevas Romo
Lucila Gutiérrez Santana Literatura
Semblanza de la obra
Cielo Cruel
Yunuén Sánchez Calvillo
Fotografía de Jorge Alejandro Farías López
Reseña fílmica
La Sustancia 2024
Gustavo Alejandro Toscano Ramírez Licenciatura en comunicación, 6o. A Asignatura: Seminario de análisis de la actualidad
Desde su estreno, “La Sustancia” (2024) se convirtió en una de las experiencias cinematográficas más impactantes del año y, sin duda, en una de las mejores propuestas de terror moderno. La visión de Coralie Fargeat trajo consigo una obra audaz, crítica y visualmente fascinante que, más allá del horror corporal, es un espejo brutal de la sociedad contemporánea. La cinta, protagonizada de manera sublime por Demi Moore y Margaret Qualley, no solo cautiva por su historia inquietante, sino por el análisis profundo de temas como la autoestima, la presión social, el culto a la imagen y la superficialidad de la industria del entretenimiento.
Uno de los mayores aciertos de “La Sustancia” es su manera de abordar la obsesión por la juventud y la belleza, temas más vigentes que nunca en una era donde las redes sociales y las industrias de la moda y el entretenimiento han impuesto estándares inalcanzables. La película no solo expone cómo estas presiones afectan a las personas, sino que lo hace desde la perspectiva de una mujer madura que lucha por mantenerse relevante en un mundo que constantemente la descarta. En este sentido, el personaje de Demi Moore se convierte en un símbolo de resistencia y desesperación, una actuación que no solo le valió el reconocimiento de la crítica, sino que también consolidó su legado en el cine.
La historia de una mujer que recurre a un suero rejuvenecedor para recuperar su lugar en la industria del espectáculo es una alegoría potente que responde de manera casi directa a la reciente contro-
versia sobre el uso de tratamientos como el Ozempic en Hollywood. La idea de modificar el cuerpo para encajar en los estándares de la sociedad no es nueva, pero la manera en que “La Sustancia” lo presenta, con una crudeza desgarradora y una estética impactante, la convierte en una de las mejores críticas a la superficialidad contemporánea.
Otro de los puntos fuertes de la película es cómo retrata la necesidad de validación y el miedo al rechazo. La protagonista, pese a tener a alguien que la valora genuinamente, decide no creer en ello, un reflejo de cómo la inseguridad puede cegarnos ante el amor y el apoyo real. La historia nos recuerda que, en medio de una sociedad que impone estándares inalcanzables, aún hay personas que nos aprecian por lo que realmente somos, pero el problema es que muchas veces somos incapaces de aceptarlo.
Más allá de su mensaje, “La Sustancia” es una obra maestra en términos cinematográficos. La dirección de Coralie Fargeat es excepcional, logrando que cada encuadre tenga un propósito narrativo. El guion está cuidadosamente estructurado, presentando giros inesperados y diálogos contundentes que refuerzan la crítica subyacente. La fotografía, con su juego de luces y colores, aporta una atmósfera opresiva y surrealista que recuerda a los clásicos del género, mientras que el maquillaje y el diseño de personajes son una verdadera joya del cine de terror corporal.
El trabajo de Demi Moore es sobresaliente y merecidamente reconocido en la temporada de premios. Sin embargo, resulta incomprensible que Margaret Qualley no haya recibido una nominación al Oscar por su actuación. Su entrega en el papel complementa a la perfección la
evolución de la historia, aportando una profundidad emocional que pocas veces se logra ver en este tipo de cine. Su interpretación merecía no solo la nominación, sino el premio a Mejor Actriz de Reparto.
Además de sus impresionantes efectos especiales, la película hace múltiples referencias a clásicos del terror, lo que enriquece aún más la experiencia para los amantes del género. Estas influencias no se sienten forzadas, sino como homenajes bien integrados que elevan el nivel de la producción.
En conclusión, “La Sustancia” es una obra que trasciende el simple terror y se convierte en un comentario social feroz y necesario. Su éxito comercial y el reconocimiento de la crítica no solo consolidan su impacto inmediato, sino que también sugieren que, con el tiempo, será recordada como una pieza fundamental del cine de terror moderno. Estamos ante una película que marcará una pauta en la industria y que, con el paso de los años, será mejor comprendida y valorada como lo que es: una obra maestra del género.
Julio Cuevas Romo
Pantalla pop.
Andor de Star Wars.
El rebelarse con y para otros: poder, ética y esperanza en tiempos (muy) oscuros.
Dentro de un universo tan grande narrativamente hablando como el de Star Wars, donde las espadas láser y las profecías de los elegidos solían acaparar la atención, Andor, la última serie presentada de esta saga se distingue por mirar hacia otro lado, contarnos lo que sucede en las periferias de quienes no buscan lo heroico, pero que terminan dándolo todo por algo mayor. La serie, pero sobre todo esta segunda y conclusiva temporada, ha sido recibida por la crítica y la audiencia como una obra bien escrita y adulta en lo que concierne a la ciencia ficción televisiva, ahora de streaming. No apuesta por la espectacularidad visual, aunque sí tienen momentos con estas características, pero su eje central es lo político, lo que nos une o nos termina fracturando como sociedad.
La premisa no es nueva. Estamos ante una resistencia que se enfrenta a lo que parece inevitable. Brotan destellos de dignidad en medio de una opresión asfixiante y se elige actuar cuando el miedo ha obligado a permanecer en silencio. Esto no es contado desde una fantasía épica, sino desde lugares complejos, más cercanos a la experiencia humana y sus contradicciones. ¿Cómo se puede construir esperanza cuando una estructura de poder ahoga hasta los espacios más íntimos? ¿qué significa una rebelión que no tiene certezas de triunfo? ¿qué sentido tiene sacrificarse por un colectivo sin nombres que queden grabados para la posteridad? Preguntas como éstas nos sirven para ver más allá de lo que ya conocemos de esta saga, pues nos hacen pensar desde un panorama ético y filosófico, el tipo de re-
laciones que pueden llegar a establecerse bajo condiciones extremas de violencia, desigualdad y vigilancia permanente. La serie aparece como una oportunidad para reflexionar sobre imaginarios contemporáneos del poder y las acciones colectivas que lo resisten.
Este texto no pretende entonces, “comprender” la serie desde su trama, sino detenerse en lo que evoca, lo que nos invita a cuestionarnos. Como espectadores podemos darnos la oportunidad de tener otras formas de leer nuestra realidad, reconociendo que, en ocasiones, una rebelión no es la que tiene como objetivo destruir al enemigo, sino la que se atreve a cuidar de las y los otros, incluso en medio de un derrumbe, físico o emocional.
La negativa de Andor de presentar la lucha como un espectáculo, algo común en este universo narrativo, es también una de sus cualidades más sobresalientes. Evita caer en la tentación de un heroísmo que suele estar acompañado de recompensa y gloria, pues aquí los personajes toman las decisiones en las calles, en las plazas públicas, en pasillos y ascensores oscuros. Decisiones rodeadas de tensión, de discordancias, donde no siempre es claro lo que es correcto. Surge otra pregunta. ¿Qué caso tiene dar la vida por una causa que aún no tiene forma? Las reflexiones y dudas de quienes participan se construyen a partir de su cotidianidad, pues no son figuras mesiánicas o elegidas por decreto. Estamos viendo personas asustadas, cansadas, inseguras y en la mayoría de los casos, contradictorias. No tienen planes perfectos, sino que improvisan, se equivocan, dudan y vuelven a replantearse su rol.
El ser rebelde se presenta como una sucesión de esfuerzos y decisiones difíciles
en donde lo colectivo no aparece como una suma de voluntades, sino como una construcción difícil y que da a quienes se involucran una sensación de constante fragilidad. En este sentido quisiera recomendar un texto sobre el poder y la ética en El señor de los anillos, escrito por Alejandro Rosillo, donde se sostiene que el verdadero peligro del poder no está únicamente en su ejercicio autoritario, sino en el pretender justificar todo por la obtención de resultados. Igual que el anillo en esa historia, en Andor se nos presentan personajes que deben resistirse también a la tentación de atajos o “ganar” a cualquier costo.
En una lógica donde la eficiencia se convierte en un valor supremo, también en nuestro mundo real, la narrativa nos brinda otra lectura. Puede haber acciones que no busquen la inmediatez, sino preservar algo ante la opresión, pues no se trata de ganar, sino de no perderse a uno mismo en el trayecto, reproduciendo el mismo orden que se está cuestionando. Frente a discursos tan actuales centrados en el éxito individual: ¿cómo cuidar a quienes ni siquiera conocemos? ¿cómo apostar por un resultado que muy probablemente no llegaremos a ver? ¿cómo sostener el ánimo sin promesas de futuro?
Ciencia ficción en clave política.
En otros espacios he tenido la oportunidad de plantear, partiendo de argumentos dados por algunos de los divulgadores más reconocidos como Sagan o el propio Hawking, el cómo la ciencia ficción no sólo nos ofrece entretenimiento, sino que nos abre puertas a representaciones de lo posible, muchas veces oscilando entre utopías y distopías. Andor nos coloca en un contexto ficticio, pero sumamente reconocible. Aunque nos lleva a una ga-
laxia muy muy lejana, nos habla desde un aquí y un ahora, en nuestro mundo actual. Vigilancia constante, desigualdad estructural, alianzas económicas, construcción del miedo a través de los medios de comunicación, desplazamientos forzados, son algunos de los elementos muy identificables y que no son periféricos o sutiles, son parte principal de la narrativa.
Los personajes no se enfrentan a criaturas fantásticas o seres con superpoderes, sino a sistemas de dominación muy sofisticados que operan en nombre de la legalidad y el orden. Se combate un sistema que normaliza la opresión y una vez más, las batallas no se libran entre dos guerreros con sables láser, sino en controles migratorios, en planetas agrícolas, en la represión administrativa mimetizada como política pública o la manipulación mediática. Mención aparte merecen los antagonistas, que lejos de ser presentados como super villanos con máscaras intimidantes, voces imponentes o rostros deformados, se les ve como personas funcionales,
eficientes en sus tareas y que obedecen órdenes sin cuestionamientos éticos, características mucho más identificables, comunes y, por lo tanto, aterradoras en nuestra realidad. También son personas rotas y con muchos matices.
En este punto me parece importante señalar que no estoy idealizando la serie o volviéndola panacea de algo. Recordemos que, a fin de cuentas, sin profundizar mucho en la temática que sería oportuno en otro espacio, es producida por Disney, con todas las implicaciones que nos vengan a la mente al escuchar nombrar a esta corporación. Pero precisamente en los productos hegemónicos y sus discursos, que llegan a grandes audiencias, también podemos encontrar puntos de partida para construir reflexiones que los desafíen. Al respecto, llamó mi atención el tipo de discusiones que durante estos días se generaron en redes sobre la serie, en particular las obvias referencias a los regímenes fascistas, pero hubo quienes, en la escena referente a la plaza pública,
vieron referencias a los hechos de Tlatelolco en 1968. ¿Coincidencia, sutileza o intencionalidad? Recomiendo ver el episodio 8 de esta segunda temporada y sacar propias conclusiones. Como dato adicional, no sólo Diego Luna, el protagonista, es mexicano, también lo es Alonso Ruizpalacios, director de los últimos tres episodios y Damián García, responsable de la fotografía en la serie.
Ruizpalacios nos entrega un final abierto en el último episodio que conecta directamente con la película Rogue One Aunque quienes seguimos la saga sabemos que hay cierta certeza reconfortante y esperanzadora, para los personajes presentados en esta serie no la hay. Su historia específica nos lleva a reflexionar lo que estamos dispuestos a realizar por los demás cuando no somos vistos. Nos invita a pensar en los valores que se sostienen cuando hay miedo, dolor o indiferencia. Podemos explorar e imaginar cómo mantenemos nuestra ética cuando los discursos autoritarios parecen ganar
terreno y nuestras luchas diarias parecen pequeñas frente a los enormes problemas mundiales.
A manera de reflexión final, creo que la serie no plantea una lucha entre el bien y el mal absolutos, pues tanto en el orden imperial como en la aún incipiente y desorganizada resistencia hay muchísimas zonas grises, decisiones difíciles, tentaciones y dilemas morales. Aquí aparece la ética de la rebelión, pues no se trata de justificar los medios por los fines, sino de construir un sentido desde la colectividad, insistiendo una y otra vez que la acción no está en el sacrificio glorioso sino en la renuncia a lo individual, el resistir, aunque posiblemente nadie lo sepa o lo recuerde en el futuro. No se busca el reconocimiento, sino la transformación: priorizar una ética que no se mide en función de quién o quiénes sobresalen, sino en ser fieles a ciertos principios.
Julio Cuevas Romo, profesor-investigador de la Universidad de Colima. Miembro del Sistema Nacional de Investigadores de CONAHCYT.
Líneas de investigación: Procesos de enseñanza y aprendizaje de ciencias y matemáticas en contextos de diversidad, uso de narrativas audiovisuales para la enseñanza.
Correo: jcuevas0@ucol.mx
Sitio: https://www.researchgate. net/profile/Julio-Cuevas/research
Directorio
Christian Jorge Torres Ortiz Zermeño Rector
Joel Nino Jr Secretario General
Jorge Martínez Durán Coordinador General de Comunicación Social
Jorge Vega Aguayo Director General de Prensa
El Comentario Semanal
José Ferruzca González Director del periódico
El Comentario
Miguel Ángel Ávila García
Coordinador de edición y diseño
Al profesorado, con cariño
Lucila Gutiérrez Santana
La figura del docente se ha representado de diversas maneras en el cine, siendo una inagotable fuente de inspiración para todo tipo de películas. Desde distintos rincones del mundo se ha retratado la compleja, apasionante y a menudo desafiante labor de enseñar; más allá de las fronteras, la docencia se convierte en un tema universal que conecta historias, culturas y generaciones. La imagen del profesor se encuentra en innumerables películas de la historia del cine, podemos hacer un recorrido por películas emblemáticas de diversos países, en las que la educación y los maestros son el centro de la narrativa.
Si bien algunas películas se mencionan cada año para el día del maestro, son muchas más las que tocan el tema de la docencia y que no son tan conocidas como las que se mencionan a continuación: “Adiós, Mr. Chips” (1939), “Los cuatrocientos golpes” (1959), “Al maestro, con cariño” (1967), “El Profe”(1972), “Con ganas de Triunfar” (1988) “La sociedad de los poetas muertos” (1989), “Apóyate en mi” (1989), “Los chicos del coro” (2000), ), “La sonrisa de Mona Lisa” (2003), “Escuela de rock” (2003) o “Escritores de la libertad” (2007) entre otras que nos presentan a diferentes tipos de profesores.
Como podemos ver en las películas mencionadas arriba, la figura del profesor ha estado presente en el cine desde hace muchos años, además de que se encuentran representadas diferentes nacionalidades, pues hay películas de Francia, México y sobre todo de EEUU, pero los profesores están presentes en cintas de muchas más partes del mundo, a continuación, algunas de ellas:
La sociedad de los poetas muertos
La sociedad de los poetas muertos quizá sea la más conocida de todas (Dead Poets Society, 1989) pues se ha convertido en un clásico que se revisita año con año; muestra a un docente que desafía las normas del colegio en el que entra a trabajar y despierta la pasión por la vida y la poesía en sus alumnos, en este caso se trata de un profesor de literatura, John Keating, quien anima a sus alumnos a pensar por sí mismos, a desafiar las normas y a perseguir sus sueños. Se centra en el lema “carpe diem”.
La Clase
Desde Francia, “La clase” (Entre les murs, 2008) nos ofrece una visión realista y cruda de los desafíos de la enseñanza en un instituto multicultural donde el diálogo y la empatía son herramientas clave. François, un joven profesor de francés, se enfrenta a lo largo del curso a intensos debates verbales con sus alumnos, él
intenta inculcarles valores democráticos pero las diferencias culturales y de actitud generan conflictos y ponen a prueba tanto la ética del profesor como la capacidad de los estudiantes para aceptar sus métodos.
Profesor Lazhar
Canadá nos trae al “Profesor Lazhar” (Monsieur Lazhar, 2011) cinta que cuenta con una escena introductoria en la que un estudiante presencia una tragedia escolar, pues una maestra se suicida en el aula, Bachir Lazhar, un inmigrante argelino, se ofrece como sustituto mientras los alumnos procesan el trauma; la película explora el duelo y la integración cultural.
Al
frente de la clase
De nuevo en los EEUU corresponde mencionar “Al frente de la clase” (Front of the Class, 2008). Cinta basada en la vida de Brad Cohen, quien sufre del síndrome de Tourette y está decidido a ser profesor, uno de los mejores profesores. La película nos muestra su lucha desde la infancia,
enfrentado al rechazo y la incomprensión, hasta conseguir su objetivo de convertirse en maestro de primaria.
Los coristas
Francia nos presenta a un profesor que no quería serlo en “Los coristas” (Les Choristes, 2004) Clément Mathieu, un músico que debe entrar a trabajar como profesor en un internado para niños en riesgo social, utiliza el canto coral como herramienta de transformación. Con su método logra motivar y cambiar la vida de los estudiantes.
Maestros que rompen moldes y desafían sistemas
Así como hay quienes no buscaron a docencia, hay historias de profesores que dejan todo por dar clases, este es el caso de Jaime Escalante en “Con ganas de triunfar” (Stand and Deliver1988) un ingeniero que deja todo por dar clases en un barrio con altos índices de pobreza y delincuencia, enfrenta el escepticismo
de todo mundo y lugar que sus alumnos aprueben un examen de cálculo avanzado (AP Calculus); Es tan increíble el logro que las autoridades sospechan fraude y hacen que los alumnos vuelvan a presentar dicho examen. La cinta es un homenaje a los profesores que creen en el potencial de sus alumnos, y lo mejor es que se trata de una historia real.
“La lengua de la mariposas”, Película española de 1999, está ubicada en un pequeño pueblo de Galicia en1936, justo antes de la Guerra Civil Española. Cuenta la historia de Moncho, un niño de ocho años que tiene miedo de ir a la escuela porque cree que los maestros le van a pegar, pero Don Gregorio, su maestro, es un hombre amable que está convencido de educar con libertad, amor por la naturaleza y la literatura. La cinta también refleja las tensiones de la época, mismas que afectan directamente la vida de Moncho, su familia y su maestro; Es una reflexión sobre la educación y el impacto de la guerra en las infancias.
Otras películas en las que encontramos maestros que cambian vidas, para bien o para mal son “La ola” (Die Welle, 2008) cinta alemana que a partir del experimento de un profesor acerca de los regímenes totalitarios demuestra el poder de la influencia docente y los peligros de la manipulación grupal, el intento de demostrar a sus alumnos cómo es el totalitarismo se sale de control y se convierte en un movimiento real. La cinta israelí “La profesora de parvulario” (Haganenet, 2014) nos muestra hasta dónde puede llegar una docente fomentar el talento de un joven alumno, cruzando límites que van más allá de las aulas.
Por su parte El alumno de primer grado “The First Grader” (Reino Unido/Kenia, 2010) cuenta la lucha de un hombre mayor por acceder a la educación básica, basada en hechos reales, narra la historia de Kimani Maruge, un agricultor keniata de 84 años que decide inscribirse en la escuela para aprender a leer, tras el anuncio del gobierno de educación primaria gratuita.
En “Capitán Fantástico” (2016) conocemos la historia de Ben Cash, un padre que cría a sus seis hijos en plena naturaleza, lejos de la sociedad y la tecnología. Allí, les imparte una educación basada en la autosuficiencia, la lectura de grandes obras literarias y el pensamiento crítico. Al morir su esposa, la familia debe enfrentarse al mundo exterior y a las convenciones sociales
Mientras que “Ni uno menos” (China, 1999), muestra como una maestra sustituta hace todo lo posible por regresar a la escuela a uno de sus alumnos que deja de estudiar porque debe trabajar, la profesora se enfrenta a la adversidad y demuestra la importancia de la educación en el medio rural, en “Estrellas en la tierra” (India, 2007) podemos ver a un profesor que utiliza el arte y la comprensión individualizada para ayudar un niño con dislexia.
¿Y el cine mexicano?
En nuestro país se ha abordado el tema de la educación en diferentes cintas, algunas de ellas son;
Protagonizada por María Félix, “Río Escondido” (1947) es la historia de una maestra rural a quien envían a un pueblo apartado para reabrir una escuela, convertida en caballeriza por el cacique local. En esta cinta vemos el sacrificio de la docente, capaz de morir por defender su escuela y a sus alumnos.
Otro profesor entrañable es Domingo Soler en “Corazón de niño” (1939) película basada en la novela de Edmundo D’Amicis, presenta a un maestro ejemplar que encarna valores espirituales y familiares, reflejando la ética y dedicación del maestro mexicano.
“Simitrio” (1960) Nos presenta a un profesor rural, encarnado por José Elías Moreno, que no quiere dejar la docencia a pesar de que se está quedando ciego, circunstancia que aprovechan sus alumnos para jugarle diversas bromas y culpar de todas ellas a “Simitrio”, un niño que ni siquiera asiste a clases.
Me atrevería a decir que la más conocida es “El profe” (1971) donde Mario Moreno Cantinflas encarna a Sócrates García, un maestro que deja la comodidad de la ciudad para enseñar en el pueblo del Romeral, donde debe enfrentarse al cacique local. Ayudado por el párroco, una joven y los niños del pueblo, Sócrates lucha llevarles educación a los niños del Romeral.
También podemos mencionar algunas más recientes, como), “El estudiante” (2009), “No manches Frida” (2016), misma que tiene una segunda parte (2019), “El último vagón” (2023) y “Radical” (2023), en ellas está presente la figura del docente, son cintas que abordan la problemática que se presenta en las aulas
del país con géneros como la comedia o el drama.
Esta revisión, aunque amplia, apenas nos permite asomarnos al tema del profesorado en el cine, la escuela y sus problemas se abordan desde diferentes perspectivas, la lista es inmensa y no definitiva, quedaron fuera algunas cintas como “La novicia rebelde”, “Enseñando a Rita”, “Mi bella dama”, “Cero en conducta”, “Una mente brillante”, “Música del corazón”, “Seis grados de separación”, “Mentes peligrosas”, “Matilda” y un largo etcétera. Aquí están los nombres, le corresponde al docente o al alumno verse reflejado en estas películas, buscarse y encontrarse en la pantalla grande.
Mesografía:
https://www.infobae.com/ mexico/2024/05/15/esta-es-laalcaldia-de-cdmx-donde-se-grabosimitrio-la-historia-de-un-maestrorural-que-sufre-travesuras-de-susalumnos/
https://www.videocine.com.mx/ noticia/10-peliculas-mexicanas-congrandes-profesores/
https://www.procine.cdmx.gob.mx/ comunicacion/nota/la-figura-delprofesor-en-el-cine-6-peliculas-paraconmemorar-el-dia-del-maestro
https://correcamara.com/la-figuradel-maestro-en-el-cine-mexicanoparte-1/
https://www.procine.cdmx.gob.mx/ comunicacion/nota/dia-del-maestro6-peliculas-que-abordan-la-figuradel-profesor-en-el-cine
https://oem.com.mx/diariodelsur/ gossip/peliculas-que-no-tepuedes-perder-por-el-dia-delmaestro-13215813
https://abcnoticias.mx/ tendencia/2025/5/15/dia-delmaestro-profesores-del-cinemexicano-que-nadie-olvidaradurante-este-dia-249168.html
https://oem.com.mx/diariodelsur/ gossip/peliculas-que-no-tepuedes-perder-por-el-dia-delmaestro-13215813
https://mexico.unir.net/noticias/ educacion/peliculas-educaciondocentes/
https://www.educaciontrespuntocero. com/recursos/peliculas-figura-deldocente/
https://psicologiaymente.com/cultura/ peliculas-educativas-para-jovenes
https://www.akdemia.com/blog/89peliculas-sobre-educacionpreferidas-por-profesores
https://www.educaciontrespuntocero. com/recursos/peliculas-figura-deldocente/
https://chile.unir.net/revista/educacion/ las-89-peliculas-sobre-educacionpreferidas-de-los-profesores/
https://scoonews.com/news/10unforgettable-films-that-celebrateinspiring-teachers/
https://www.educaciontrespuntocero. com/recursos/peliculasimprescindibles-docentesestudiantes-educacion/
https://www.kimche.co/10-peliculassobre-educacion-y-profesores-quete-haran-reflexionar/
https://decine21.com/listas-decine/lista/las-100-mejorespeliculas-sobre-la-educacion-y-laensenanza-93442
Reseña fílmica
El brutalista
Película: El Brutalista (The Brutalist)
Director: Brady Corbet
Elenco: Adrien Brody, Felicity Jones, Guy Pearce, Joe Alwyn, Stacy Martin, Raffey Cassidy, Alessandro Nivola, Emma Laird
Año: 2024
Duración: 215 minutos
País de origen: Estados Unidos / Reino Unido / Hungría
Existen diferencias entre una película con un gran presupuesto que se siente imponente por eso, y otra que realmente transmite esa sensación de grandeza; “monumental” es el término que varias personas han usado para describir esta película, un adjetivo que se aplica desde los primeros diez minutos, lo cual si lo es, algo monumental y brutal. La manera en que se presenta el sueño americano en esos primeros diez minutos, con la imagen de la Estatua de la Libertad y el impactante score, te permite sentir la magnitud de esta historia con una duración de tres horas y treinta y cinco minutos.
Brady Corbet nos sumerge en la vida de László Tóth, un arquitecto húngaro que, tras sobrevivir a los horrores de la Segunda Guerra Mundial, busca refugio y redención en los Estados Unidos, a la vez que está igualmente en busca de nuevas oportunidades y del tan famoso “sueño americano”. La película se puede sentir como una biografía aunque no lo sea; y no solo es un drama épico, sino una exploración visceral de la ambición, la identidad y las cicatrices que deja el exilio. Corbet construye la película como un edificio brutalista: imponente, frío, pero a la vez, profundamente humano. La historia narrativa es fragmentada y elíptica, y nos
obliga a reconstruir la vida de Tóth a partir de sus recuerdos, sus obsesiones y sus fracasos.
La dirección de Corbet se caracteriza por su meticulosidad y su audacia; cada plano está cuidadosamente compuesto, cada encuadre tiene un propósito; Corbet utiliza la arquitectura como un lenguaje, como un reflejo del estado mental de Tóth y de la sociedad que lo rodea.
La película no se limita a narrar una historia, sino que crea una atmósfera opresiva y claustrofóbica, que nos atrapa y nos obliga a confrontar los demonios internos de su protagonista.
A nivel guión es un laberinto de diálogos afilados y reflexiones existenciales; las conversaciones entre Tóth y los personajes que lo rodean son como duelos verbales, donde se debaten ideas sobre el arte, la política, las relaciones interpersonales y la condición humana. El guión no busca respuestas fáciles, sino que plantea preguntas incómodas sobre el precio del éxito, la naturaleza de la creatividad y la búsqueda de la identidad en un mundo en constante cambio.
Un aspecto técnico que de verdad amé es la cinematografía. Un ejercicio de virtuosismo visual impresionante. Los planos a menudo estáticos y contemplativos nos invitan a observar los detalles, a descubrir las texturas y los matices de cada escena; sumandole a el diseño de producción y el vestuario son impecables, recreando con precisión la atmósfera de la posguerra y la evolución de la arquitectura brutalista. La banda sonora compuesta por Daniel Blumberg complementa la narrativa con una partitura inquietante y melancólica. Adrien Brody funde con el personaje de László Tóth, entregando una actuación compleja que oscila entre la genialidad y
la autodestrucción; una mirada, cargada de dolor y obsesión, nos guía a través de los laberintos de una mente atormentada. Brody no solo interpreta a Tóth, lo habita, lo sufre y lo humaniza. Guy Pearce y Felicity Jones igualmente son tan magnéticos y sutiles a la vez, Pearce mostrando a un personaje enigmático, carismático y a la vez vil y soberbio; mientras que Jones representa en su personaje fortaleza, humanidad y vulnerabilidad; lo que hace que para mi en conjunto con este trío actoral (Brody, Pearce y Jones) den las mejores actuaciones de sus carreras. El resto del elenco, lejos de ser mero acompañamiento, construye un mosaico de personajes interesantes y multifacéticos; cada uno aporta una pieza esencial al rompecabezas de la vida de Tóth, revelando las múltiples capas de su personalidad y las contradicciones que lo definen. En conclusión, El Brutalista es una película que desafía las convenciones del cine épico; no busca glorificar a su protagonista, sino que lo muestra en toda su complejidad y contradicción. Es un retrato crudo y honesto de un hombre que lucha por encontrar su lugar en el mundo, pero que se pierde en el laberinto de sus propias ambiciones.
Año: 2024
Clasificación: B15
Reseña fílmica
Nosferatu 2024
País: República Checa, Estados Unidos
Duración: 2h 12m
Dirección: Robert Eggers, Guion: Robert Eggers, Henrik Galeen, Bram Stoker
Elenco: Lily-Rose Depp, Nicholas Hoult, Bill Skarsgård, Willem Dafoe, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin
Idiomas: Inglés, Alemán, Rumano, Ruso
Género: Terror gótico, Vampiros
AResumen
mbientada en la Alemania de 1838, la trama sigue a Thomas Hutter (Nicholas Hoult), un joven agente inmobiliario que recibe el encargo de viajar a Transilvania para cerrar la venta de una propiedad en la ciudad de Wisborg a un misterioso aristócrata, el Conde Orlok (Bill Skarsgård). Desconociendo la verdadera naturaleza del conde, Hutter emprende su viaje, dejando atrás a su esposa, Ellen (Lily-Rose Depp), una mujer sensible y atormentada por extrañas pesadillas que parecen presagiar un peligro inminente.
Cuando Hutter llega a los Cárpatos, es recibido con temor por los habitantes de la región, quienes le advierten sobre el peligro que representa Orlok. Ignorando las advertencias, se dirige al castillo del conde, un lugar lúgubre y decadente que parece desvanecerse en las sombras. Allí, Hutter es recibido por Orlok, una criatura de aspecto cadavérico, con largos dedos huesudos y ojos penetrantes que reflejan una insondable maldad.
A medida que pasan los días, Hutter comienza a notar comportamientos inquie-
tantes en su anfitrión. Orlok muestra un morboso interés en Ellen, obsesionándose con su imagen tras encontrar un retrato suyo en las pertenencias de Hutter. Pronto, el joven agente descubre la verdad: Orlok es un vampiro ancestral que se alimenta de la sangre de los vivos. Hutter intenta escapar del castillo, pero es aprisionado por el vampiro, quien parte en un barco rumbo a Wisborg, llevando consigo un cargamento de ratas y muerte.
Mientras tanto, en Wisborg, Ellen se siente cada vez más perturbada por visiones de una presencia oscura que se acerca a la ciudad. Su creciente inquietud la vincula psíquicamente con Orlok, quien finalmente llega a la ciudad, desatando una ola de terror y pestilencia. Con su llegada, la peste se propaga, y la población comienza a sucumbir a una muerte inexplicable.
Hutter logra escapar del castillo y regresa a Wisborg, solo para descubrir que el vampiro ya ha sembrado el caos. Desesperado por salvar a Ellen ya la ciudad, busca una manera de acabar con Orlok, pero su esposa comprende que el vampiro solo puede ser destruido si es retenido hasta el amanecer.
En un último y desesperado acto de valentía, Ellen se sacrifica atrayendo a Orlok hacia su lecho, manteniéndolo distraído con su pureza y resistencia hasta que los primeros rayos del sol lo alcanzan. Al ser expuesto a la luz, el vampiro se desintegra, poniendo fin a su maldición.
Estilo y Temas:
• Atmósfera: Eggers utiliza una paleta de colores oscuros y sombríos, combinada con una cinematografía detall ada y un diseño de producción meti-
culoso, para crear un ambiente opresivo y gótico.
Terror psicológico: La película explora el miedo a lo desconocido, la corrupción moral y la obsesión, con un enfoque en la tensión psicológica más que en el gore explícito.
• Simbolismo: Se utilizan elementos del cine expresionista, como sombras alargadas y ángulos extraños, para enfatizar la naturaleza alienígena y amenazante de Orlok.
Personajes principales
• Conde Orlok: Interpretado por Bill Skarsgård, es una figura aterradora y grotesca, con un diseño que combina lo clásico y lo moderno.
• Thomas Hutter: Nicholas Hoult interpreta al protagonista, un hombre que se enfrenta a su propia vulnerabilidad y corrupción.
• Ellen Hutter: Lily-Rose Depp da vida a la heroína trágica, cuya pureza y sacrificio son clave para la trama.
Opinión
Personalmente disfruté la película, pero creo que tiene puntos que mejorar. Si bien la primera tercera parte de la película es espectacular, la introducción del Conde Orlok y su presentación me parecen exquisitas. Sin embargo, hay momentos en la película que se pudieron haber omitido para evitar que resultara larga y un poco tediosa en la sala de cine. Me refiero, por ejemplo, a las constantes recapitulaciones y explicaciones, ya que había cosas que el espectador pudo haber deducido por sí mismo.
En cuanto a lo actoral, Lily-Rose Depp me dejó esperando un poco más de su interpretación. Creo que pudo haber dado más que un par de convulsiones y “ataques” en su personaje. En particular, la escena de confrontación con Thomas, donde le confiesa quién es Orlok para ella y por qué está presente en su vida, pudo ser mucho más emotiva y llena de ira. Sin embargo, se siente muy manipulada y falsa.
Por otro lado, Nicolas Hoult hace un trabajo espectacular al interpretar a un hombre común y corriente, no en el mal sentido, sino que siento que muchos espectadores pueden sentirse identificados con este personaje en la toma de decisiones o en su forma de reaccionar a los eventos sobrenaturales del entorno.
Me hubiera encantado que se explorara más acerca de la gente del pueblo donde se hospeda Thomas la primera noche que llega a Transilvania, y que se indagara más en las costumbres y rumores del Conde. Era un punto muy interesante que pudo haber sido explotado con mayor profundidad.
Referencias
Brodersen, D. (2025, January 2). “Nosferatu”: el vampirismo nunca muere. PAGINA12. https://www.pagina12.com.ar/794056nosferatu-el-vampirismo-nunca-muere
Colaboradores de Wikipedia. (2025, February 26). Nosferatu (película de 2024). Wikipedia, La Enciclopedia Libre. https://es.wikipedia.org/wiki/ Nosferatu_(pel%C3%ADcula_de_2024)
Morris, W. (2024, December 29). Reseña de ‘Nosferatu’: Drácula ha vuelto, chupando sangre y almas. The New York Times. https://www.nytimes. com/es/2024/12/29/espanol/cultura/ nosferatu-resena-robert-eggers.html
Nosferatu (2024) 7.3 | Fantasía, terror, misterio. (2025, January 1). IMDb. https://www.imdb.com/es/title/ tt5040012/
Vázquez, P. (2024, December 25). Crítica de “Nosferatu”, la nueva película del director de “La bruja” y “El faro” para amantes del terror gótico. Fotogramas. https://www.fotogramas.es/peliculascriticas/a63278736/nosferatu-criticapelicula-robert-eggers/
Semblanza de la obra
Cielo Cruel
Maritza M Buendía
Yunuén Sánchez Calvillo
Buenas tardes, espero que se encuentren muy bien, antes de comenzar, quisiera saludar con mucho gusto a nuestras autoridades y agradecer la oportunidad del día de hoy. Muchas gracias la Dirección General de Publicaciones y a su Director, el Maestro Adolfo Álvarez González, por permitirme el día de hoy, traer a la vida algunas palabras que estoy segura, nos darán mucha luz.
Agradezco al rector de nuestra Universidad, al Doctor Christian Jorge Torres Ortiz Cermeño, por abrir de nuevo una oportunidad para que las y los estudiantes nos expresemos a través del uso del lenguaje, de este fenómeno que es tan nuestro.
Gracias de igual manera a quiénes nos acompañan desde sus asientos.
Por último, gracias y felicitaciones a la autora Maritza Buendía, por ser el motivo de este encuentro, por haber creado un libro fértil que fue capaz de gestar la magia tan certera que es el coincidir.
Hoy nos encontramos homenajeando a un cuerpo celeste disfrazado de libro, Cielo cruel, la novela galardonada que fue capaz de crear un conjuro de lo que es el deseo, por eso me parece pertinente comenzar por ahí.
Si tratamos de conceptualizar que es el deseo, debemos regresar al origen mismo, al primer impulso por respirar, por mover las piernas y nombrar al mundo.
El deseo es una fuerza antigua, tan antigua que tiene ojos de instinto y boca de destino. Muy poca razón aparece cuando esta fuerza se asoma, pues hace elástico al cuerpo y vuelve chiste a la cordura.
Por eso pareciera que el cuerpo entra en combustión cuando se le anida el deseo, pero sólo se trata de la frontera entre el cuerpo y el mundo desgarrándose, ardiendo para dejar a la piel dispuesta a desear.
Cielo Cruel es evidencia de algo que Gilberto Owen escribió alguna vez: “por la carne también se llega al cielo”. A través de las palabras la novela llega a una utopía celestial, donde la carne no obedece a la culpa, sino al instinto, cosa que provoca que los sentidos se hagan nudo. En sus páginas, Maritza Buendía dibuja y recorre cuerpos ajenos a través de las
letras, como pieza de barro esperando a los dedos. Maritza no sólo nos ofrece una historia bien narrada, sino que abre un tapiz generacional donde tres mujeres, separadas por el tiempo, se encuentran en la carne, cada una de ellas existiendo y descubriendo el deseo de manera íntima y distinta. Abuela, madre e hija, cada una de ellas siendo el eco de un latido que demuestra que el deseo no envejece.
En esa carne conjugada en familia, conocemos a Mar, la hija, un personaje que carga con una culpa desdibujada, con una aparente maldición a causa de su nombre
de villana de radionovela, en ella la redención toma cuerpo y rostro cuando le abre la puerta a un deseo que le enseña a conocer el mundo a través de la piel y las palabras.
Gloria, la madre, re-descubre el placer y desafía lo establecido como amor, decide amar en plural, reconoce en ella la cualidad de tener un corazón que se expande a la par del placer, su cuerpo es ritual y taller que encuentra en el deseo la posibilidad de construir un amor hecho a mano, como quien raja ocote para encender el fuego.
Belén, la abuela, vive en la novela a través de recuerdos, su memoria dicta que por medio del placer se desaparece el nombre y se recupera al cuerpo, y al mismo tiempo su historia nos recuerda que a veces el deseo duele, pero que ese dolor también es una forma de existir, tan válida y sincera como quien busca regresar al umbral.
Mar, Gloria y Belén, van trazando su propio camino, viven en una misma historia de manera simultánea, orientadas por el sentir y la capacidad de experimentar y reconocer al mundo a través de la piel, de esa frontera que nos permite migrar y conocer otro cuerpo en los encuentros piel con piel.
Por eso, Cielo Cruel no es sólo la historia de tres mujeres, es la cartografía de un deseo que se escribe sobre la piel. Una bitácora del deseo y las maneras de vivirlo en tres formas distintas.
Maritza en este sentido nos recuerda que el cuerpo es territorio, que en él el placer y la sexualidad se contraponen sin pedir permiso y que este enfrentamiento salvaje también nos concede humanidad.
Cielo Cruel no es sólo literatura: es atmósfera viva, un espacio suspendido donde el deseo se vuelve aire. Leer Cielo Cruel es entregarse a un lenguaje donde cada palabra, imagen y gesto narrativo en lugar de explicar, encarna una experiencia que también es compartida. Sus páginas no son sólo argumento, sino clima donde existe un mensaje que se dijo con el cuerpo antes que con la voz.
La prosa de Maritza es precisa, sugerente, profundamente sensorial. Cada palabra tiene peso, cada escena está construida desde el tacto, desde la mirada, desde el temblor del cuerpo cayendo como agua. No hay derroche, pero sí una constante combustión poética. Leerla es como ir acariciando un génesis que desafía el silencio. Maritza sabe que la literatura no está para domesticar lo salvaje, sino para alumbrarlo.
Por eso Cielo cruel no se lee con distancia, sino con los sentidos en alerta. Nos recuerda que la piel también es una forma de leer, y que hay verdades que sólo el cuerpo puede comprender. En definitiva, siempre existe un deseo silenciado, esperando a que una historia lo llame por su nombre.
Gracias Maritza por recordarnos que el deseo, muchas veces, se trepa en el cuerpo para convertirse en palabra.
POEMAS
Yunuén Sánchez es estudiante de 8vo semestre de la Licenciatura en Letras Hispanoamericanas por parte de la Universidad de Colima. Su formación se ha dirigido de manera intuitiva a los estudios del cuerpo y a la producción de poesía con esta temática.
Desde agosto de 2023 ha impartido el Taller de poesía “Versos a Mordidas” como parte de la oferta cultural de la Universidad de Colima. Gracias a su taller y a sus integrantes, el año pasado fue publicada una antología por parte de la Dirección General de Publicaciones, antología que recopila los escritos producidos en “Versos a Mordidas”, siendo Yunuén una de las compiladoras.
Actualmente es productora de un programa de radio en AltavozRadio 102.9 FM, donde busca crear una conjunción entre la poesía y elementos de la cotidianidad.
vivo en un velorio ya anunciado por un eco de rosarios que me recorre el cuerpo, eso pasa cuando ni el fuego purifica.
los silencios de mi madre se pueden saborear desde el miedo, desde el reclamo incesante de que hizo las cosas mal,
desde los augurios que estaban enfrente… de día a noche, de colmillos a muelas, de lengua a garganta.
el augurio siempre negado, pero presente, encarnado en las mejillas, imperceptible para quien lo porta, aviso discreto para quien mira, e invisible ante el espejo, porque siempre he sido de las que eligen no ver.
y hoy que las pestañas se volvieron ataúd, me pregunto si algún día habrá lugar donde habitar, ¿esperar es lo único que me queda?
¿o de plano nada?
ni migajas de recuerdos que adornen un lugar al que ya no pertenecen, atemporales,
recuerdos que son piezas incorrectas pero que caben en sitios siniestros, los que arrancan a mordidas todo lo que con terquedad quieres conservar.
se sabe que a este mundo vienes sin nada, y del mismo modo te vas, desnuda de miedos y empapada de culpas.
las visiones un día se volvieron recurrentes, y las instrucciones más precisas. la certeza que vivía en mis huesos era aviso de lo irremediable del futuro.
no hubo desestabilización cuando llegó el momento, los sonidos me iban embriagando en sueños.
las piedras privadas de ruido iban disimulando su daño entre las aguas, el llamado se me encarnaba cada vez más en los oídos.
en medio de lo ajeno que me sabía el cuerpo, iba flotando con lucidez hacia el agua, saboreando los silencios que vendrían después, cuando los dedos de los pies se sumergieran en la certidumbre del río.
mi propósito nunca fue nadar.
Las no dignas
Alexandra Villa Rodríguez
cercaba los días; la contención era certeza, el silencio el trabajo diario mantener, nutrir, purificar.
lo sacro de los días residía en ese silencio que se escurre, inabarcable, siempre silencio.
no había necesidad de estructurar espacios; vivir bastaba con pocas palabras, pocas cosas a las que dar nombre. era sencillo sólo señalar donde dolía.
pero las estrellas se desprendieron, y la luz, esa luz, debía nacer, apresarse en algún lado de esta nada. dejé que el cielo se escurriera, que el mar se decantara en cada ola, mientras los restos de la niebla se aferraban a la orilla.
tenía que hacerse la luz abrirse paso, interponerse. y así me llegó la misericordia: en destellos desprendidos de mis lunares, pequeñas brasas de piel. encendí la hoguera. se hizo la luz. la alimenté con mi carroña con sacrificio puro.
nunca supe si el precio a pagar fue justo. por ser mujer nunca he visto una balanza nivelada. así, con ese fuego desigual, todo en mí nació.
Son tantas las palabras, tantas las frases que se quedaron en una caja esperando ser usadas. Son tantas las cajas, tantas las muertes de “palabras de rancho” llamadas no dignas por un blanco. Son tantas las veces que he sido “incivilizada”; No digna, pero identificada. No correcta, pero recuperada. No apropiada, pero en mi tierra. Son tantas las palabras, tantas las frases que me vuelven a mi territorio. Son nativo quelite en jardín hegemónico.
