Revista de arquitectura + diseño del Tolima

SILUETA

Número 1 Agosto 2021

Revista de arquitectura+diseño del Tolima

Un especial de los mejores arquitectos de los últimos años Marianela D’Aprile ¿Odias la arquitectura contemporánea?

Zaha Hadid

La gran dama de la arquitectura

Santiago Calatrava

El arquitecto que crea estructuras neofuturistas

Especial de los mejores arquitectos de los últimos años

Universidad del Tolima, Colombia Arquitectura Elaborado por: Edgar Giowany Arias Sanchez Primera Edición Agosto de 2021 Ibagué, Tolima

2 Revista de arquitectura

ÍNDICE 01 Reflexión arquitectura contemporanea 02 Zaha Hadid: Biografía 02.1 Obra destacable: Centro Heydar Aliyeb 03 Santiago Calatrava: Biografía 03.1 Obra destacable. World Trade Center Transportation Hub

¿Odias la arquitectura contemporánea?

Culpa a la economía, no a los arquitectos Escrito por Marianela D’Aprile | Traducido por Isadora Stockins

Marianela D’Aprile es una trabajadora, escritora y educadora de arquitectura instalada en Chicago. Su trabajo aborda la intersección de la política y la arquitectura, con un enfoque en América Latina, movimientos de Izquierda, violencia estatal y espacios públicos.

D

esde el principio, los autores utilizan el término “arquitectura contemporánea” como una manta que cubre SESC Pompéia de Lina Bo Bardi, un edificio brutalista terminado en 1982, y la sede de Morphosis en 2004 de Caltrans: dos edificios muy diferentes que operan en diferentes tradiciones intelectuales, políticas y contextos históricos.

Esta definición flexible revela la naturaleza completamente ahistórica de su argumento. En una instancia, hacen una comparación diagonal entre Beacon Hill de Boston (un barrio construido en el siglo XIX, en su mayoría por bostonianos ricos), el Guggenheim de Frank Lloyd Wright (terminado en 1959 en la ciudad de Nueva York) y el Tour de Montparnasse (París, 1969).

El tratamiento de estos edificios como equivalentes y comparables revela que a pesar de todos sus esfuerzos para argumentar enraizados en la teoría de la izquierda, los autores han ignorado por completo las condiciones históricas y materiales que varían en torno a la creación de cualquiera de los edificios a los que se refieren.

Museo Guggenheim Bilbao Arquitecto: Frank Gehry

Mientras los autores llevan a sus lectores en un Tour de las Maravillas de la Arquitectura de Todos los Tiempos, difícilmente se puede decir que su viaje sea histórico.

En su núcleo, el argumento que hacen es estético. Pero, incluso según esos estándares, se queda corto. Los autores renuncian a cualquier análisis visual o formal, cometiendo el error de decir en lugar de mostrar (“Este edificio es feo porque tiene elementos malos” vs. “Estos elementos hacen que este edificio sea feo por estas razones”), en intentos de presentar una acusación contra la apariencia de lo que ellos llaman “arquitectura contemporánea”. Rennix y Robinson también suscribieron la teoría de la historia del Gran Hombre, mitificando a arquitectos conocidos hasta el punto de que tratan sus ideas como el evangelio. Según los autores, estos “edificios antiguos”, independientemente de dónde se hayan construido, son hermosos. Cada uno de ellos es una obra de arte, y deberíamos crear más edificios que se

Estadio Nacional de Beijing. Arcquitecto: Herzog & de Meuron, ArupSport, China Architectural Design & Research Group. parezcan a ellos. No importa que la construcción gótica de Venecia, que los autores insisten en que deberíamos “construir más”, haya sido patrocinada en gran parte por la élite veneciana y las clases dominantes; o que cada edificio que citan como innegablemente “bueno” y “hermoso” se ajusta cómodamente al canon de la historia de la arquitectura, una construcción formada en los últimos tres siglos por personas con poder y dinero.

Estas ideas aterradoramente simplistas de lo que hace una “buena” arquitectura llenan la pieza de Rennix y Robinson. En una instancia particularmente preocupante, los autores ofrecen una regla general para los arquitectos: “el lugar más verde y más exuberante, más bonito se vuelve” y usan los Jardines Colgantes de Babilonia como evidencia para apoyar esta regla. (No está claro si los autores saben que no hay evidencia de que este último ejemplo haya sido construido alguna vez). Los autores presentan a los arquitectos muchos modelos para emular, pero aún luchan por articular una definición clara de belleza, a pesar de su insistencia. que la belleza es categórica y objetiva, y que la razón por la que no hacemos lugares hermosos es porque no hemos desarrollado un lenguaje para hablar de belleza. Me pregunto cómo J.J. Winckelmann, o Immanuel Kant, o Umberto Eco, o Edmund Burke, quienes dedicaron gran parte de sus vidas a cuestiones de estética, reaccionarían ante la afirmación de que simplemente no hemos pasado el tiempo suficiente pensando en formas de hablar sobre la belleza.

Desafortunadamente, los autores no comparten esta curiosidad particular y en su lugar hacen la ridícula proposición de que, para determinar si un edificio es

hermoso, deberíamos preguntar qué sonido haría si pudiera hablar.

Dejando de lado las metodologías cuestionables, incluso según las propias normas de los autores, la belleza es definible pero aún subjetiva y variable, y depende enteramente de las normas culturales ligadas a los sentimientos vacilantes y fugaces que evoca: felicidad, alegría, curiosidad, asombro. Sin embargo, dejaré este tema en particular y me concentraré en el hecho de que los autores afirman que la arquitectura construida hoy en día no es hermosa de ninguna manera.

“Es difícil decir cómo sería el trabajo de estos arquitectos si las presiones del capitalismo no fueran un factor en su diseño”

Esto es una implicación de que la arquitectura está en crisis. En eso estamos de acuerdo. Pero está en crisis no porque los edificios hechos hoy en día no sean simétricos, o porque sus diseñadores teman a la belleza o al ornamento. Está en crisis porque la arquitectura, y aquí uso este término para referirme a edificios que han sido diseñados para la construcción en el mundo físico, no encaja como una mercancía en las estructuras económicas capitalistas. No hay ningún valor, en el sentido marxista de la palabra, que se extraiga de un ornamento adicional, de una planta equilibrada y artísticamente compuesta, de una belleza imponente, excepto en el caso de edificios concebidos como monumentales. Los arquitectos cuyo trabajo citan, Zaha Hadid, Frank Gehry, Peter Eisenman, solo resultan ser unos de los pocos cuyo trabajo ha sido lo suficientemente irreverente como para atraer inversiones, o al menos una posición de ostentación en los enrarecidos salones de las escuelas de arquitectura de la Ivy League.

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ZAHA HADID La gran dama de la arquitectura

La primera mujer que ganó el Premio Pritzker de Arquitectura fue un torbellino que labró su prestigio a contracorriente de un oficio dominado por los hombres.

“

Quiero hacer edificios que produzcan un nuevo tipo de paisaje, que fluyan junto a las ciudades contemporáneas y las vidas de sus habitantes.

”

Nacida en Bagdad, Irak el 31 de octubre de 1950, Zaha Hadid realizó un master en matemática en Beirut y se formó profesionalmente en la Asociación de Arquitectura de Londres entre 1972 y 1977, año en que recibe su diploma. Luego se convierte en parte de la Office for Metropolitan Architecture (OMA), se desempeña como docente en la AA junto con Rem Koolhaas y Elia Zenghelis de la OMA, y posteriormente dirige su propio estudio en la AA hasta el año 1987.

Más recientemente, se desempeñó en la cátedra de Kenzo Tange en la Graduate School of Design (Universidad de Harvard), la cátedra Sullivan en la School of Architecture de Chicago (Universidad de Illinois) y como invitada en la Hochschule für Bildende Künste (Hamburgo), la Knolton School of Architecture (Ohio)

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y Masters Studio (Universidad de Columbia, Nueva York). Además, fue nombrada miembro honorario de la American Academy of Arts and Letters, integrante de la American Institute of Architecture y mandataria del British Empire en el 2002. Actualmente se desempeña como profesora en la University of Applied Arts (Viena, Austria) y profesora invitada de Eero Saarinen en la Architectural Design (Universidad de Yale) para el próximo semestre del corriente año. Ha sido galardonada con el Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea Mies van der Rohe 2003 por su obra Terminal Hoeinheim, estación de tranvía y estacionamiento de autos en Strasbourg, Francia.

Hadid se da a conocer como una arquitecta que impulsa consistentemente las fronteras de la arquitectura y el diseño urbano. Su trabajo experimenta nuevas concepciones del espacio, intensificando el paisaje urbano en la búsqueda de una estética visionaria que circunscriba todos los campos del diseño, desde la escala urbana hasta interiores y mobiliario. Sus preocupaciones centrales involucran un compromiso simultáneo con la práctica, la docencia y la investigación.

Zaha Hadid falleció el 31 de marzo de 2016 en Miami, Florida, Estados Unidos producto de un ataque al corazón en un hospital de Miami, mientras estaba siendo tratada por un cuadro de bronquitis.

l La oficina de Zaha Hdid Architects con sede en Londes, Inglaterra fue premiada con el RIBA Stirling Prize en 2010 y 2011.

l Zaha Hadid fue nombrada en 2015 la primera arquitecta en solitario en ser galardonada con el máximo honor de la arquitectura en el Reino Unido, recibió la RIBA Gold Medal en una reciente ceremonia.

Obra destacable Centro Heydar Aliyev

ARQUITECTO: ZAHA HADID, PATRICK SCHUMACHER, SAFFET KAYA BEKIROGLU AÑO: 2007-2012 UBICACIÓN: BAKÚ, AZERBAIYÁN

C

omo parte de la antigua Unión Soviética, el urbanismo y la arquitectura de Bakú, la capital de Azerbaiyán, en la costa occidental del Mar Caspio, fue fuertemente influenciado por la planificación de la época. Desde su independencia en 1991, Azerbaiyán ha invertido fuertemente en la modernización y desarrollo de la infraestructura y arquitectura de Bakú, partiendo de su legado de Modernismo Soviético.

La oficina Zaha Hadid Architects fue nombrada para el diseño del Centro Heydar Aliyev tras un concurso en 2007. El centro, diseñado para convertirse en el edificio principal de los programas culturales de la nación, descansando de la arquitectura soviética rígida y a menudo monumental tan frecuente en Bakú, aspirando a expresar la sensibilidad de la cultura azerí y el optimismo de una nación que mira hacia el futuro.

Concepto de Diseño El diseño del Centro de Heydar Aliyev establece una relación continua y fluida entre su plaza circundante y el interior del edificio. La plaza, como la superficie del suelo, al alcance de todos como parte del tejido urbano de Bakú, se eleva para envolver un espacio igualmente público interior y definir una secuencia de espacios para eventos dedicados a la celebración colectiva de la cultura contemporánea y tradicional azerí.

Elaborando formaciones tales como ondulaciones, bifurcaciones, pliegues e inflexiones, modifica esta superficie de la plaza en un paisaje arquitectónico que lleva a cabo una multitud de funciones: la bienvenida, el cobijo, y la dirección a los visitantes a través de diferentes niveles del interior. Con este gesto, el edificio difumina la distinción convencional entre objeto arquitectónico y el paisaje urbano, construyendo una

envolvente y una plaza urbana, como figura y fondo, interior y exterior.

La fluidez en la arquitectura no es algo nuevo en esta región. En la arquitectura islámica histórica, filas, rejillas, o secuencias de columnas hasta el infinito como los árboles en un bosque, establecen un espacio no jerárquico.

Patrones de flujo continuos caligráficos y ornamentales, desde las alfombras a las paredes, de las paredes a los techos, de los techos a las bóvedas, estableciendo relaciones sin costura y borrando las distinciones entre los elementos arquitectónicos y la tierra donde habitan.

Nuestra intención era referirse a la comprensión de la historia de la arquitectura, no a través de la utilización de la mímica o una adhesión limitante a la iconografía del pasado, sino más bien mediante el desarrollo de una interpretación contemporánea con firmeza, lo que refleja una comprensión más matizada. En respuesta a la topografía escarpada caída que antiguamente dividía el sitio en dos, el proyecto presenta un paisaje de terrazas precisas que establecen conexiones y rutas alternativas entre la plaza pública, la construcción, y un estacionamiento subterráneo.

Geometría, estructura, materialidad Uno de los elementos más críticos y desafiantes del proyecto fue el desarrollo de la arquitectura de la piel del edificio. Para lograr nuestra ambición de lograr una superficie continua que parezca homogénea, se requiere una amplia gama de funciones diferentes, lógicas de construcción y sistemas técnicos que tuvieron que ser reunidos e integrados en la cubierta del edificio. La computación avanzada permitía el control continuo y la comunicación de estas complejidades entre los numerosos participantes en el proyecto.

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SANTIAGO CALATRAVA El arquitecto que crea estructuras neofuturistas

Gracias a sus edificaciones y puentes de estilo neofuturista, Santiago Calatrava es uno de los arquitectos españoles con mayor renombre internacional.

“

La arquitectura es el arte que determina la identidad de nuestro tiempo y mejora la vida de las personas.

”

Nació el 28 de julio de 1951 en Valencia, España. Considerado como uno de los arquitectos más creativos del momento, los diseños de Calatrava se caracterizan por un aire futurista y la innovación técnica y estética. Sus amplios conocimientos de ingeniería le han permitido especializarse en el diseño de grandes estructuras, entre las que destacan sus puentes, muchos de ellos célebres.

Tras asistir a clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes y Oficios de Burjasot, Santiago Calatrava inició en 1969 la carrera de Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia, donde se graduó en 1973. Al poco tiempo se trasladó a Suiza, para estudiar Ingeniería civil en la célebre Escuela Politécnica Federal de Zúrich (ETHZ, por sus iniciales en alemán), considerada una de las mejores universidades científico-tecnológicas del mundo. Entre 1979 y 1981 se doctoró allí en Ciencias Técnicas con la tesis Acerca de la plegabilidad de las estructuras y ejerció asimismo la actividad docente.

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En 1981 abrió su primer estudio de arquitectura e ingeniería civil en Zúrich. Afiliado en 1987 a la Unión de Arquitectos Suizos (BSA), recibió el premio Auguste Perret UIA (Unión Internacional de Arquitectos) de París; en esta ciudad estableció un segundo estudio en 1989, mientras se realizaba la primera exposición monográfica de su obra en la Universidad de Columbia, en Nueva York, a la que seguiría una serie interminable de muestras similares en instituciones de todo el mundo.

Uno de los primeros proyectos que le mereció el reconocimiento internacional fue el de la estación ferroviaria de Stadelhofen, en Zúrich. Construida entre 1983 y 1990, Calatrava contó para su diseño con la colaboración de Arnold Amsler y Wener Rüeger. El prestigio de Calatrava se fue acrecentando con sus sucesivas obras.

Una de sus grandes especialidades es la construcción de puentes, que concibe como un fenómeno cultural; los ha construido en Basilea, Mérida, Lérida, Barcelona (Bach de Roda, premio FAD de las Artes Plásticas), Valencia (sobre el Turia) y Sevilla (La Cartuja y el Alamillo, con motivo de la Expo-92).

También proyectó el aeropuerto de Sondica (Vizcaya), la torre de comunicaciones del Anillo Olímpico de Montjuïc (Barcelona), las estaciones ferroviarias de Lyon, Zurich, Berlín, Lisboa y Lieja, así como el “Hemisfèric” (planetario) de la Ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia y el Palacio de Congresos de Tenerife. l La Ciudad de las Artes y las Ciencias es un gran centro lúdico de difusión científica y cultural que comenzó su andadura en abril de 1998 con la inauguración del Hemisfèric, obra con la que es conocido Saniago a nivel mundial.

l Con 20 demandas en su haber, el constructor Santiago Calatrava ha enfrentado distintos pleitos judiciales por sobreprecios, trabajos inacabados, fallas técnicas y baja funcionalidad.

Obra destacable World Trade Center Transportation Hub AÑO: 2016 UBICACIÓN: NEW YORK, ESTADOS UNIDOS

E

l Transportation Hub (Centro de Transporte) es concebido en el nivel calle como una estructura aislada situada sobre el eje a lo largo del borde del sur “Wedge of Light” plaza. Como fue descrito en el plan general de Daniel Libeskind para el sitio, la plaza es limitada por las calles Fulton al Norte, Greenwich al Oeste y Church al Este, respectivamente y la calle Tower 3 al sur. Esto une la procesión de espacios verdes, urbanos que se extienden a lo largo de de la línea del City Hall Park al patio de St. Paul’s , hasta los jardines del Memorial WTC y Battery park a lo largo del Río Hudson.

ta al público Hub y ofrece conexiones de peatones al Transportation Hub de Fulton por el Este, al PATH Hall y Brookfield place al Oeste, además de la calle Liberty al sur. Del nivel de Confluencia -40 m abajo del ápice de los 83 m con la claraboya operable del Oculus- los visitantes serán capaces de alzar la vista en un palmo sin columna, despejado. Aunque sugestivo de adornos de muchas tradiciones (mandorla Bizantina, las alas de querubín encima del Arca de la Alianza, las alas que se abrigan sobre urnas canópicas egipcias), la forma puede ser resumida, según Calatrava, por la imagen de un pájaro liberado de las manos de un niño.

La estructura arqueada, elíptica - el Oculus - tiene aproximadamente 88 m de largo, 29 m en su punto más ancho y se eleva a una altura 24.8 m encima del grado en su ápice. Las costillas estructurales de acero que forman el Oculus se extienden hacia arriba, como alas extendidas, para formar un par de baldaquines que se elevan a una altura máxima de 42.6 m encima del grado.

La línea 1 del MTA divide el sitio bajo la calle Greenwich. Al Oeste de la 1 Línea y 2 m bajo el nivel de Confluencia, los visitantes llegan al nivel de Entresuelo, el lugar es dominado por los 6.000 m2 del PATH Hall.

Los largos 73 m de costillas de acero abovedadas atraviesan 8 m encima del piso que recibe encima los jardines WTC Conmemorativos. A lo largo del borde norte del nivel de Entresuelo, debajo de la Calle Fulton, los 82.5 m de calle Concourse conectan el Hub con Brookfield place. Las costillas saltadas a lo largo de la confluencia se elevan 7.6 m encima del embaldosado y son una extensión de la estructura del PATH. Los pasajeros que se mueven por el PATH descienden 4 m al cuarto 139 m plataformas del PATH de abajo. Las plataformas todavía disfrutan de la luz natural transmitida desde arriba por aperturas de piso generosas en el entresuelo.

El acceso al Oculus es proporcionado por dos entradas localizadas en los nodos Este y Oeste del eje central del edificio por las calles Church y Greenwich respectivamente. Las entradas se abren en aterrizajes de escalera simétricos con elevadores cilíndricos de cristal. Desde este nivel, los visitantes bajan aproximadamente 5.5 m al nivel de Confluencia Superior donde el espacio elíptico interior abre sus máximas dimensiones (aprox. 10 m x 54), y donde los visitantes tienen el acceso al MTA 1, la R y las líneas de metro de E, Tower 2, 3 y 4, así como galerías de venta al público.

De la Confluencia Superior, los visitantes bajan otros 5 m vía escaleras mecánicas, elevadores y escalera al nivel de Confluencia. Este nivel es el nivel principal de ven-

La forma escultural del proyecto es alcanzada por la repetición modulada de las costillas estructurales de acero que unifican la composición compleja, y proporciona la dignidad y belleza a los niveles de subsuelo del edificio y pasos peatonales. Entre las costillas, el cristal permite entrada a la luz natural para inundar el lugar.

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