Exc! #10

FIRMA Juan Valbuena

PROGRAMA

BECA ROBERTO VILLAGRAZ 2021

SELECCIÓN Proyectos Máster 21-22/A

Máster de Fotografía de Autor y Curso Experto en Gestión de Proyectos Visuales

exc! #10

exc!

EXC! es una publicación del Máster de Fotografía de EFTI con la que, desde 2012, se pretende un acercamiento al trabajo realizado cada año por el profesorado y el alumnado.

A su vez es la presentación del programa del Máster de Fotografía de Autor y el Curso de Experto en Gestión de Proyectos a desarrollar en 2022-23.

EFTI, Modos de Mirar.

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04 Si siempre decimos que el tiempo es el mejor editor, ¿por qué no le dejamos hacer su trabajo?

Juan Valbuena Profesor Curso Experto 21-22/B

24 Doble Axel Marcos Afonso Alumno seleccionado Máster 21-22/A

08 Maldormir María Blázquez Alumna seleccionada Máster 21-22/A

32 El vuelo de la falda Thiago Sutir Alumno seleccionado Máster 21-22/A

16 ¿Qué va a ser ésto?

Alba Ruiz Alumna seleccionada Máster 21-22/A

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Í N D I C E 56 Programa Máster de Fotografía de Autor y Curso Experto en Gestión de Proyectos Visuales

40 Lourdes Alba Serrra Alumna seleccionada Máster 21-22/A

62 Ganadora de la Beca Roberto Villagraz 2021 Clara Marconato

64 Perfil Gisela Volá Profesora Máster 21-22/B

72 Créditos

48 Las flores mueren dos veces Cristóbal Ascencio Alumno seleccionado Máster 21-22/A

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F I R M A

Si siempre decimos que el tiempo es el mejor editor, ¿por qué no le dejamos hacer su trabajo?*

Prisa mata, amigo Autor. Aunque cueste creerlo, hay cosas que no se pueden hacer rápido si se quieren seguir haciendo bien: gestar, dormir, leer… Editar y publicar serían otras de ellas.

Convertir un proyecto en un objeto es una aventura colectiva que requiere de un lento proceso de comunicación óptima, comprensión mutua y toma de decisiones por consenso. Toda persona que hace imágenes se encuentra perdida en su propia historia, por ello busca un refugio seguro en el que ser entendida. Esa es la función principal del Editor: tejer una red que anime a saltar y, desde ella, mediar entre el Autor y su potencial Comprador.

El punto cero Las condiciones iniciales para un primer encuentro entre un Autor y un Editor pueden ser tres: 1) El conjunto de imágenes está cerrado y existe una idea de proyecto.

2) El conjunto de imágenes está cerrado pero no existe una idea de proyecto.

3) El conjunto de imágenes no está cerrado.

Yo creo que el Editor debería aceptar trabajar únicamente desde el primer punto de partida, aunque el segundo supuesto resulte tentador, pues da a este la posibilidad de convertirse casi en Autor. Lo que parece claro es que el tercer caso es una fuente de errores que nos va a llevar a jugar de farol, a manchar papel y a añadir ruido al mundo.

Así que, si somos honestos y dejamos de lado nuestro ego y nuestro bolsillo, la decisión está clara: solo haremos libros de proyectos bien trabajados y pensados previamente por sus autores o autoras.

Como puede suponerse, es habitual que el Autor piense que ya está en el punto 1) y el Editor sienta que no es así. Está en nuestra mano decir la verdad y, en lo que atañe al la cuestión del tiempo, responder: 1) Vamos allá, tardaremos al menos nueve meses.

2) Dale una vuelta y volvemos a hablar en, al menos, nueve meses.* 3) Sigue haciendo imágenes y volvemos a hablar en, al menos, nueve meses.* (aplíquense las dos últimas reiterativamente cuantas veces sea necesario)

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Los primeros meses En el mejor de los mundos al Editor le gustan el proyecto y el Autor e, incluso, ve que el libro que ambos se traen entre manos puede tener cierto interés para una posible audiencia, siempre modesta. ¿Cuáles son los siguientes pasos? ¿Por qué necesitarán, al menos, nueve meses? Porque, para empezar, el Autor y el Editor van a tener que verse a menudo. Tres o cuatro intensas reuniones separadas por unas tres o cuatro semanas no se las quita nadie. Se establecerá un necesario combate entre ellos que hará que, como resultado final, salga un proyecto de libro mejor que el que hubiera hecho el sabio Editor solo y, por supuesto, también más interesante que el que hubiera propuesto el ensimismado Autor. No será ni uno ni otro y ambos tendrán la sensación de haber renunciado a algo. Cuando encuentren ese punto de equilibrio estable podrán buscar al siguiente eslabón de la cadena: el Diseñador.

Habrán pasado tres meses y ya estarán seleccionadas las imágenes. Además Editor y Autor habrán esbozado una secuencia, un orden aproximado para las fotos y habrán delimitado el campo de juego: un tamaño, un formato y un número de páginas que correspondan a ese objeto capaz de guardar la esencia del proyecto sin traicionarlo. Aunque los tríos siempre son complicados, esa imparidad sobrevenida va a ayudar a despejar dudas, a acabar de tomar algunas decisiones y a cerrar ciertos asuntos pendientes.

Habrán transcurrido otros tres meses más, con lo que ya llevan trabajando juntos medio año. Tras la maquetación y puesta en página, la selección de imágenes puede haber sufrido alguna modificación y suele ocurrir que también la secuencia ha sido alterada para primar la narrativa del libro. No obstante, el proceso ha sido dialogado y los cambios han sido aceptados por las partes. Se manda hacer un prototipo y todo el mundo está feliz.

La lista de los Reyes Magos en el mundo editorial se llama pliego de imprenta o pliego técnico.

Un documento en el que el Diseñador, con el comprensible entusiasmo del Autor y el bueno-yaveremos del Editor, pide usar ocho tintas y dos barnices, el papel más bello del universo y una tela de encuadernación que hay que traer resma a resma en noches de luna llena desde algún lugar más allá de los Urales. Y claro, el presupuesto de impresión y encuadernación se dispara y hay que llamar al malo de la película: el Publicador. Esa persona puede que sea la misma que ha hecho de Editor o puede que no; si lo es, para vencer el dos contra uno en banda que le están haciendo, sólo puede tirar del voto de calidad que le da ser el pagador del libro. Si no lo es, y es un nuevo agente en la trama, casi que también usará los mismos argumentos.

Con la imprenta hemos topado El tiempo pasa, ya van siete meses y hay que darse cuenta de que la maqueta no es el libro y que no cumple su función. Publicar es hacer público, producir un objeto de comunicación destinado a ser vendido, algo que debe funcionar en ausencia del Autor y trasladar a la vida del agente Comprador una nueva historia, una cierta emoción. Por tanto, no está pensado para quedarse en el almacén ni para ser numerado y firmado con la idea de generar escasez o exclusividad, de hecho, debería reeditarse una y otra vez siempre que las cuentas estuvieran bien echadas y quedara algún Comprador en la sala.

En este octavo mes hay que sacar la calculadora: el objeto-prototipo gusta a todos pero el precio de su fabricación en serie en la era de la reproductibilidad técnica hace inviable el proyecto-libro.

Los presupuestos se negocian con dificultad en parte por la opacidad de las artes sumatorias de las imprentas, en parte porque es difícil renunciar a lo que se ha tenido tan cerca. Autor, Editor, Diseñador y Publicador deben asumir que van a lanzar un producto que está sometido a las normas básicas del capitalismo: sólo hay dos maneras de ganar dinero vendiendo cosas, bien por margen, bien por volumen. Una vez descartado el volumen, ya que el Comprador de fotolibros es un bien escaso, hay que intentar no estrellarse con los márgenes.

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Puede ocurrir que algunos de los agentes implicados en el asunto actúen como si no hubiera correlación alguna entre el coste por unidad de fabricación de un objeto y su PVP. Dicen querer lo mejor para el proyecto: seducir con un libro caro en producción y barato en comercialización, aunque eso sea suicidarse. Es justo en este punto donde se producen un conjunto de anomalías que hace que el mercado del fotolibro no sea un territorio fácil de comprender: autores pagándose sus propios libros, incluso bajo sellos editoriales; producciones dopadas que generan confusión en los precios; especulación a partir de supuestos sold-out prematuros; así como algunos agentes Distribuidor o Vendedor que liquidan raro y pagan tarde o nunca las escasas ventas.

El Salvaje Oeste, vamos.

Un panorama que hace que haya bastantes primeros libros de autores o editoriales, algunos segundos y muy pocos terceros y cuartos. La esperanza de vida del sector es corta y la mortalidad infantil muy alta, pero puede que eso sea otra historia... ¿Lo hacemos o no lo hacemos?

No nos distraigamos ahora. Noveno mes. El presupuesto es finalmente aceptado. El proceso industrial es supervisado con interés e intención. Se minimizan errores aplicando fiables mecanismos de control y aparecen guardianes de la calidad por todas partes. Gracias.

El resultado no es perfecto, pero es. Autor, Editor, Diseñador y Publicador han conseguido crear un objeto que comunica de modo óptimo un proyecto interesante a un precio razonable a la espera de un Comprador. La suerte está echada. Ha sido libro.

Mea Culpa ¿Se puede hacer todo esto en menos de nueve meses? ¿Cómo se puede evitar que algo salga mal en el laberinto antes descrito si no se tiene espacio de reflexión ni de reacción? Es cierto que hay publicaciones magníficas realizadas sin tiempo e incluso sin dinero ni equipo, pero no lo es menos que hay muchos fotolibros que hubieran sido mejores si el Autor hubiera aguantado un poco, trabajado más, buscado ayuda, gestionado mejor sus recursos y pensado de verdad en el Comprador.

Pero no voy a caer en eso tan nuestro de hacerle la autocrítica a los demás, así que aprovecho para reconocer no haber cumplido siempre con mis propias palabras: confieso haber entrado en algún proceso sin tiempo suficiente y temiéndome lo peor, afirmo haber confiado en poder salvar proyectos en los que no creía, encajo mi derrota ocasional ante la pinza hecha por Autor y Diseñador, asumo que alguna vez he prescindido, por premura o por precio, de agentes para determinadas tareas, acepto que algún libro en el que he participado ha resultado caro o incomprensible (o ambas cosas) y, sobre todo, me arrepiento de haberme dejado llevar por el entusiasmo y haber sido parte activa del proceso de banalización de una tarea tan profunda y compleja como la de editar y publicar.

He escrito este texto para tenerlo siempre presente a partir de ahora, para poder seguir haciendo libros y para que después del “boom” no llegue el “crash”.

Juan Valbuena Profesor del Curso Experto en Gestión de Proyectos Visuales 2021-22B www.juanvalbuena.es www.phree.es

* Versión mejorada del texto publicado en LUR el 25/03/2019. www.e-lur.net

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Maldormir María Blázquez Alumna seleccionada Máster 21-22/A

El proyecto trata de dar un nuevo significado a una historia que quedó clavada en el linaje familiar y resulta ser la reacción a un suceso traumático que, en un entorno rural del interior de Córdoba y en época franquista, generó emociones dolorosas relacionadas con la iglesia católica. Como un quejío que brota, se construyen autorretratos en la piel de su antepasada Manuela y se representan recuerdos contados por las mujeres de la familia para rebajar el peso ejercido sobre ellas.

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“Y en ese sentido pues hay que pensarlo muy bien porque es muy delicado y el demonio aprovecha mucho estas ocasiones.”

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“Tenemos que hacer el bien. De cara a Dios.

De cara a tu conciencia.”

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¿Qué va a ser esto?

Alba Ruiz Alumna seleccionada Máster 21-22/A

El proyecto parte de una pregunta retórica que se hacía mi abuela cuando veía algo que, aún encontrándose dentro de lo familiar, no acababa de entender. El resultado es una colección de situaciones en las que lo absurdo y la extrañeza son protagonistas. Mediante la reconstrucción de escenas observadas e imaginadas, conduce al espectador a un mundo que, a pesar de ser el suyo, le resulta extraño. A partir de un conjunto de ficciones, reflexiona sobre el estado del mundo actual, desdibujando los límites entre realidad y ficción. Las imágenes resultantes, podrían compararse con fotogramas de películas que no existen y que eliminan cualquier posibilidad de narración por sí mismas.

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Doble Axel Marcos Afonso Alumno seleccionado Máster 21-22/A

El proyecto surge a partir de la memoria corporal, un registro de información del cuerpo guardado en el inconsciente.

Del dolor nace la belleza, de la disciplina nace la creatividad.

Se exploran la automatización de códigos corporales y su belleza, ambos imprescindibles en el patinaje artístico, mediante elementos como el movimiento, la torsión, la repetición y la tensión.

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El vuelo de la falda Thiago Sutir Alumno seleccionado Máster 21-22/A

El proyecto es el resultado de una exploración sobre el género y el descubrimiento de necesidades hasta entonces retraídas.

En el mismo se crea una figura de alteridad como herramienta para definir la posible identidad: un individuo con falda como símbolo de una conexión-ánima, inmerso con sus semejantes en un viaje místico en busca de la integración del ser con el entorno que le rodea. El contacto con el paisaje remite a la idea de un cuerpo queer como cuerpo natural, volviéndose uno con la naturaleza, ambos siempre en flujo.

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Lourdes Alba Serra Alumna seleccionada Máster 21-22/A

El proyecto es una aproximación documental a un territorio donde todas las imágenes se sitúan en los márgenes de lo extraordinario.

Esta ciudad, situada en los Altos Pirineos Franceses, ha sido visitada por millones de personas que llegan buscando la gruta donde, en 1858, una niña tuvo 18 visiones. Es en este territorio donde se desarrolla un ejercicio fotográfico que asume lo incierto, lo imperfecto de nuestro contexto y del propio medio fotográfico, donde se tensionan las relaciones entre realidad y representación.

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Las flores mueren dos veces Cristóbal Ascencio Alumno seleccionado Máster 21-22/A

El proyecto trata sobre una reconciliación narrada en primera persona: Mi padre, de nombre Margarito era jardinero y murió por primera vez a mis 15 años. 15 años después, supe que su muerte había sido un suicidio y fue entonces cuando murió por segunda vez.

En su carta escribió sobre plantas y se despidió diciendo: “Perdóname y comunícate conmigo.” Este proyecto es mi respuesta a sus últimas palabras. La fotografía sirve como punto de partida para cuestionar el relato personal y crear un jardín digital compuesto por imágenes que establecen un diálogo entre la fotografía, la memoria corrompida, el mundo digital y lo orgánico.

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M Á ST E R D E FOTOG RAF Í A D E AUTOR 2022-23 El Máster de Fotografía de Autor suma un total de 322 horas lectivas y 76 horas tutoriales a lo largo de 10 meses de duración.

Además de adentrarse en la fotografía y los usos creativos de la imagen desde una conciencia crítica y plenamente contemporánea, el alumno/a desarrollará a lo largo del Máster un proyecto individual formalizado en una autoedición de carácter experimental que se presentará en el evento Moka EFTI. Si lo deseas, puedes complementar tu formación con el Curso de Experto en Gestión de Proyectos Visuales de 4 meses de duración con 122 horas lectivas y 27 horas tutoriales.

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MÁSTER DE FOTOGRAFÍA DE AUTOR ¿QUIÉNES SOMOS? Primer encuentro con la directora y los tutores del Máster 3 horas GLOBOS, ASTRÓNOMOS, MENTIRAS Y DEMOCRACIA (UNA AVENTURA FOTOGRÁFICA) María Santoyo (Lda. en Historia del Arte, gestora cultural y comisaria independiente) 3 horas DESVELAR LA FOTOGRAFÍA: DESDE LOS PRE-ORÍGENES HASTA LA KODAK NO. 1 Martí Llorens (Fotógrafo) 9 horas EL ESPACIO DE LA IMAGEN Y LA IMAGEN COMO ESPACIO Rebecca Mutell (Fotógrafa e investigadora en fotografía) 9 horas HISTORIA Y REVOLUCIÓN DE LA FOTOGRAFÍA Jesús Micó (Dr. en Bellas Artes, teórico y comisario independiente) 28 horas

UNA CALLE, UN COCHE, UN ÁRBOL: EJERCICIOS PRÁCTICOS SOBRE FOTOGRAFÍA URBANA Ricardo Cases (Fotógrafo) Invitados: Antonio M. Xoubanova, Óscar Monzón (Fotógrafos) y Federico Paladino (Fotógrafo y diseñador) 20 horas TÉCNICAS AVANZADAS EN FOTOGRAFÍA DIGITAL Jorge Salgado (Fotógrafo) 16 horas EL CONTROL DEL ESPACIO: ARQUITECTURA Y PAISAJE URBANO CON CÁMARA DE MEDIO Y GRAN FORMATO Eduardo Nave (Fotógrafo) 16 horas MASTERCLASS I 4 horas Encuentro en el aula con Cristina García Rodero (Fotógrafa, Premio Nacional de Fotografía)

TORMENTA DE IMÁGENES Beatriz Martínez (Lda. en Bellas Artes, fotógrafa) 8 horas EL OJO INTERIOR: POÉTICA DE LA MIRADA Esther Ramón (Poeta y profesora de escritura creativa) 12 horas CIUDAD Y PERIFERIA María López (Dra. en Historia del Arte, docente e investigadora) 6 horas

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P R O G R A M A M Á S T E R

M Á ST E R D E FOTOG RAF Í A D E AUTOR 2022-23 LEER LAS IMÁGENES: SIMBOLOGÍA, ICONOGRAFÍA Y ESTÉTICA Carmen Dalmau (Lda. en Historia del Arte) 12 horas

FRONTERAS Y LUGARES DE CONFRONTACIÓN. ACERCAMIENTOS A UN PAISAJE GLOBALIZADO Xavier Ribas (Artista visual) 9 horas

SOSIAS. LA ILUSIÓN DEL DOBLE Jesús Madriñán (Fotógrafo) 9 horas

IMAGEN E IDEOLOGÍA: CONFLICTOS Y AFECTOS DE UNA REALIDAD PACTADA Ixone Sadaba (Artista visual e investigadora) 9 horas

IMÁGENES: REGISTROS, AMPLI(FIC)ACIONES Y DESBORDAMIENTOS. DE LAS EXPERIENCIAS DE VANGUARDIA A LA POSTMODERNIDAD CRÍTICA Jesús Alcaide (Crítico de arte y comisario independiente) 12 horas POP LIFE: CULTURA POPULAR E IMAGEN FOTOGRÁFICA David Trullo (Artista visual) 9 horas OTRAS POSIBILIDADES EN LO VISUAL: PRÁCTICAS ARTÍSTICAS FEMINISTAS Y QUEER Semíramis González (Comisaria independiente especializada en feminismo) 6 horas LA IMAGEN COMO HERRAMIENTA DE TRANSFORMACIÓN SOCIAL Yolanda Domínguez (Artista visual, experta en comunicación y género) 9 horas EL MUNDO EXTERIOR. TALLER DE REPORTAJE FOTOGRÁFICO Domenico Chiappe (Escritor, autor multimedia) 12 horas

CON LA MIRADA A CUESTAS: UNA PERSPECTIVA CONTEMPORÁNEA SOBRE EL VIAJE FOTOGRÁFICO Lurdes R. Basolí (Fotógrafa) 9 horas CONSTRUIR EL MUNDO CON LA MIRADA David Jiménez (Fotógrafo) 12 horas MASTERCLASS II 4 horas Encuentro en el aula con Isabel Muñoz

OPEN EVENT < EXC! Presentación de la revista Exc!, una publicación plural y variada que muestra lo excelente, lo excepcional y lo más excitante de los proyectos desarrollados en EFTI por los alumnos/as de la anterior edición del Máster.

Una ocasión para conocer a ex alumnos/as y a algunos de nuestros profesores/as, todos ellos/as profesionales en activo que exponen, publican, diseñan, gestionan, comisarían…

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LA FOTOGRAFÍA COMO PRÓLOGO Christian Lagata (Fotógrafo) 9 horas HISTORIAS DE LA (RE)PRESENTACIÓN: DE LA CRISIS A LA IMAGEN SINTÉTICA Jon Uriarte (Fotógrafo e investigador) 12 horas PROYECTO INDIVIDUAL/ AUTOZINE Ricardo Cases (Fotógrafo) 15 horas AQUÍ HAY VOZ. ESCRITURA O RUMOR DE LAS IMÁGENES Esther Ramón (Poeta y profesora de escritura creativa) 12 horas MASTERCLASS III 4 horas Encuentro en el aula con Laia Abril (Fotógrafa)

OPEN EVENT < MOKA EFTI (PROJEKTE CABARET) Morgen Kino: Matinal de presentaciones exprés proyectadas y narradas por los alumnos/as.

Cabaret: Feria editorial alternativa.

TRANSATLÁNTICA Talleres online desde el otro lado del charco DAVID SCHÄFER (Artista visual e investigador en fotografía) 12 horas GISELA VOLÁ (Fotógrafa, docente y gestora cultural.

Co-fundadora de la cooperativa Sub) 12 horas

TUTORÍAS Y VISIONADOS Los alumnos y las alumnas tendrán 16 tutorías grupales periódicas para ser asesorados/as desde el punto de vista teórico, práctico y creativo.

Una vez al mes, se realizarán unos visionados individualizados con la directora, los tutores y un invitado relevante del panorama nacional o internacional.

OPEN EVENT < GALA FIN DE MÁSTER Entrega de diplomas y de los premios de fin de máster: Premio Al Betrayal y Premio Primero de Promoción.

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EXP ERTO EN G ESTI ÓN D E PROY ECTOS VISUALES 2023 El Curso de Experto en Gestión de Proyectos visuales suma un total de 122 horas lectivas y 27 horas tutoriales a lo largo de 4 meses de duración.

Además de adentrarse en los distintos formatos de producción y las estrategias de promoción de los proyectos visuales, el alumno/a desarrollará a lo largo del Curso de Experto en Gestión de Proyectos visuales: • Una pieza expositiva • Una instalación audiovisual colectiva • Una acción colectiva Los trabajos de los alumnos/as se presentarán en diversos eventos organizados por la escuela para promover su visibilización pública.

EXPERTO EN GESTIÓN DE PROYECTOS VISUALES POSTPRODUCCIÓN: CODIFICACIÓN, OPTIMIZACIÓN, PREIMPRESIÓN Y GESTIÓN DE ARCHIVOS Eduardo Nave (Fotógrafo) 9 horas PAUTAS DE DISEÑO PARA FOTÓGRAFOS/AS Jaime Narváez (Diseñador) 6 horas EL FOTOLIBRO Juan Valbuena (Fotógrafo y editor) 20 horas IMPRESIÓN DE AUTOR DE ALTA CALIDAD, PAPELES Y ACABADOS José Quintanilla (Fotógrafo, experto en impresión) 4 horas NUEVAS FORMAS DE NARRACIÓN, PLATAFORMAS DIGITALES Y DIFUSIÓN EN EL CONTEXTO INTERNACIONAL Mónica Allende (Comisaria, consultora en fotografía, editora de proyectos) 9 horas INSTALACIONES AUDIOVISUALES Y VIDEOCREACIÓN Cynthia González (Lda. en Comunicación Audiovisual, diseñadora audiovisual y artista multimedia) 16 horas ACCIÓN COLECTIVA Y DIFUSIÓN MULTICANAL Yolanda Domínguez (Artista visual, experta en comunicación y género) 16 horas

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ESTABLECIMIENTO PROFESIONAL Y LEGISLACIÓN DEL SECTOR DE LA IMAGEN Javier González (Abogado especializado en derechos de autor) 6 horas

TUTORÍAS Y VISIONADOS Los alumnos y las alumnas tendrán 6 tutorías grupales periódicas para ser asesorados/as desde el punto de vista teórico, práctico y creativo.

ESPACIO EN OBRAS: DISEÑO EXPOSITIVO, MUSEOGRAFÍA Y MONTAJE Fernando Muñoz (Arquitecto) 16 horas

Una vez al mes, se celebrarán unos visionados individualizados con la directora, los tutores y un invitado relevante del panorama nacional.

ESTRATEGIAS DE AUTOPROMOCIÓN Veronika Marquez (Artista visual) 6 horas INSTAGRAM PARA FOTÓGRAFOS/AS Pollobarba (Fotógrafo) 6 horas MASTERCLASS I 4 horas Encuentro en el aula con Rubén H. Bermúdez (Fotógrafo) MASTERCLASS II 4 horas Encuentro en el aula con Víctoria del Val (Touring Exhibitions Manager en Fundación MAPFRE)

OPEN EVENT < SPACE INVADERS Exposición colectiva de los alumnos/as.

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P R O G R A M A C U R S O E X P E R T O

GANADORA BECA ROBERTO VILLAGRAZ 2021 Clara Marconato

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B E C A R O B E R T O V I L L A G R A Z

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Perfil Gisela Volá Profesora del Máster de Fotografía de Autor 21-22/B

Gisela Volá (Mercedes - Argentina,1978) es profesora en EFTI desde el curso 2017-18 y se multiplica en diversos frentes como fotógrafa, docente y gestora cultural.

En este Perfil repasamos su trayectoria y deja traslucir su cualidad principal: la mezcla de energía e inteligencia que le permite estar siempre cuestionando todos los roles y todas las dicotomías, desde la de fotógrafa-otro, a la de profesora-alumnado pasando, obviamente, por la de individuocolectivo y la de hombre-mujer.

Empezamos la charla a distancia, saltándonos el Atlántico entero, hablando de los amigos y amigas comunes y añorando la ingenua vitalidad de algunos eventos colectivos en los que ambos hemos participado. También de la dificultad de la escucha en unos momentos en los que el tiempo y la atención son los bienes más preciados. Empezamos, soy todo oídos…

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P E R F I L

“De modo que creo que todo lo que estudié, lo utilicé en realidad para buscar mi propia manera.”

Proyecto “Quince”

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Proyecto “Deseos”

¿Cómo empezaste?

Los 15 años para una mujer en Argentina, como para muchos países de latinoamérica, es todo un ritual de iniciación, hay “fiesta” o hay “plan B” y pides con suerte un regalo.

Fue mi oportunidad para salir de los mandatos familiares y pedir una videocámara, para entonces, la década de los´90 me regalaron una Sony 8 mm. Eran las primeras cámaras caseras para filmar en el hogar y con ella comencé a filmar todo, las salidas a la noche, caminatas hasta la escuela, profesores, a mi padre y a mi madre, mi hermana, mis amigas, conciertos, cualquier lugar donde iba.

En ese momento era bastante tímida y la cámara me ayudó a pensar y sentir distinto las cosas que vivía, todo era un ejercicio de juntar retazos en movimiento, habilitar un espacio de inspiración y pregunta a las cosas que me causaban miedo o me generaban curiosidad. Era un impulso vital y lúdico... también creo que comencé a confiar en lo que había dentro de mí, a descubrirme, a entender lo que quería decir y sobre todo a preguntarme, ¿qué iba a hacer con todo ese material?

¿Dónde te formaste?

Siendo adolescente estudié en un polivalente de artes, dibujo, pintura y escultura.

Luego la carrera de comunicación audiovisual y finalmente una maestría en periodismo documental en cine. Pero soy fotógrafa y trabajo en un colectivo desde hace dos décadas.

De modo que creo que todo lo que estudié, lo utilicé en realidad para buscar mi propia manera. Me gusta experimentar el espacio de aprendizaje, lo interpelo y muchas veces no me he sentido cómoda en las aulas, por la manera en que se comparte o se genera el conocimiento. Por eso creo que me fui convirtiendo poco a poco en docente.

Porque creo en las utopías y entonces no queda otra que caminarlas. Si no te sientes cómoda en una clase, tendrás que armar la tuya. Crear el espacio que quisieras que haya existido para ti para luego compartirlo con otres.

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Proyecto “Gilda, la Milagrosa”

¿Qué importancia le das a la formación?

La palabra formación siempre me generó una sensación de cierta rigidez, algo que forja.

En lo personal me interesa la idea de quitar la forma, desmoldarse, jugar, expandir y problematizar. Acompañar el proceso creativo en un sentido que se pierda un poco la idea de lo que está dado por sentado me importa y mucho. Salir del lugar de confort es una tarea enorme porque implica el vértigo, abrir a la imaginería personal también porque implica un compromiso. Ejercer la escucha no se puede activar si solo hablan algunes. El arte no es algo que está desligado de la vida, de manera que en un espacio de clases lo que me importa es generar herramientas que nos hagan compartir, debatir, intercambiar, reflexionar en grupo para aprender de todos los conocimientos, tanto del docente como del grupo y que luego cada quien se lleve a su molino lo que le sirva.

Una investigación en la misma práctica que nos lleve a todo aquello que llamamos concepto, teoría y creación de conocimiento.

¿Cuál fue tu primer proyecto?

Mi primer proyecto autoral e individual fue “Deseos”, es un ensayo compuesto por 50 retratos con rostros de diversas mujeres donde veía paisajes e historias.

A cada una de ellas las entrevistaba y luego les hacía un retrato con un fondo de tela que llevaba en mi bolso y luz natural. Fue una práctica sencilla pero metódica, que me obligó a viajar por cinco países y armar algo parecido a una cartografía del deseo de varias mujeres de Bolivia, Ecuador, Cuba, Chile y Argentina.

La maravilla del encuentro y de nutrirme del diálogo era el motor, en una especie de entrevista existencial. La pregunta era ¿cuál es tu deseo? Y en el transcurso de los viajes iba sacando hipótesis, ¿hay un deseo cultural? ¿es la maternidad un mandato? ¿qué significa ser felices? En ese momento no pensaba en el carácter feminista del trabajo, y aunque hoy lo veo como algo muy genuino, creo que tiene esa escencia. Yo acababa de ser madre y en esos viajes me estaba preguntando ¿qué tipo de mujer quiero ser?

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Exposición del proyecto “Cabalgata Nocturna”

Es un trabajo que valoro mucho por su raíz, y creo que cuando se revela la necesidad aparente del porqué en cada trabajo, se cierra un ciclo. Yo tardé mucho tiempo en valorar ese proyecto y en entender el ejercicio que estaba haciendo, fue una maestra que me lo hizo ver, por eso valoro que alguien acompañe la búsqueda creativa. Porque nos ayuda a ver. ¿Desde cuándo tu vida gira en torno a la imagen?

La imagen aparece con la necesidad de crear otros mundos posibles, otras significancias y eso creo que sucedió de muy chica, con la pintura y luego con el cine, con la necesidad de sumergirme en nuevas historias, en otros relatos que abran nuevos sentidos de vida.

Posiblemente con el aburrimiento. Yo vivía de niña en una provincia donde no pasaban tantas cosas y tenía mucho tiempo libre para pensar, imaginar y me llené de imágenes. Ahora no busco necesariamente imágenes para pensar, prefiero buscar climas, sensaciones, cada vez me interesa menos el campo visible, y cada vez más lo que no se ve, como punto de partida.

¿Cuál es tu relación con el otro a través de la imagen?

La imagen siempre es con otro, como disparador o como enunciación creo que se tiene que manifestar una cuestión ética.

Hay sujetos, personas y en principio coexiste una empatía, una complicidad, un intercambio y un acuerdo. A mí no me interesa visibilizar al otro, me interesa que se implique conmigo, porque la imagen que trabajo se construye de a dos, quien fotografía y quien está del otro lado. En mi último proyecto decidí que la persona también obtenga beneficios económicos con la circulación de las imágenes.

Es una co-autoría, ambos ponemos el cuerpo, uno delante de la cámara y el otro detrás.

Así me siento cómoda trabajando. ¿Cuál es tu relación con la realidad a través de la imagen?

Me interesa ante todo el punto de vista, aquella subjetividad desde donde se construye un relato, ya sea desde la realidad o desde la ficción, representación de lo que llamamos realidad. Considero que hay narrativas que

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parten de la realidad y que necesitan su cuota de representación para ser narradas, e imaginarios que parten de la ficción o fantasía que necesitan un anclaje de la realidad para generar empatía con quien mira. Siento que están entrelazadas no es una cosa u otra.

Mi relación con la realidad intento que sea poética y política en iguales cantidades. ¿Cuál es tu relación con lo colectivo a través de la imagen?

Dejé el cine por dos razones, primero porque era muy costoso y porque además me sentía incómoda con la idea de que las personas trabajen exclusivamente para las ideas de una sola persona, la que dirigía. Consideraba que cada quien tenía que hacer las propias y siempre trabaja con codirecciones.

Cuando me uní al colectivo Sub, cooperativa de fotógrafos, sentí que podía resolver estas dos aristas y trabajar de una manera más horizontal. Éramos un equipo cada quien con su cámara y podríamos generar historias visuales, con imágenes fijas.

Me apasiona la acción colectiva y/o colaborativa basada en producir proyectos desde un cúmulo de experiencias poniéndolos en común y potenciando el gesto colectivo desde diferentes perspectivas y para encontrar una nueva forma, una nueva lectura ampliando la visión y expandiendo las miradas.

Es un proceso de investigación, de reflexión pero también de conversación, de encuentro.

Eso es lo que más me convoca, lo que surge de una experiencia creativa, de lo nuevo juntando las partes y creando algo distinto.

Es un trabajo enorme, pero encuentro allí un enriquecimiento que en mi trabajo individual no lo consigo. Además hoy creo que ya existe cada vez menos quien trabaja en soledad. Necesitamos de editores, escritores y crear multicipliciarmente.

Aprender a trabajar en equipos es una nutrición y un ejercicio necesario para estos tiempos exitistas, me parece.

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“Creo que ser fotógrafo hoy en día es ser una persona capaz de despertar preguntas con imágenes.”

¿Cuál ha sido el proyecto que más ha marcado tu forma de entender el mundo?

Ha sido más bien un proceso y determinadas escenas a las que tuve acceso con una cámara más que un proyecto específico para observar cómo funcionan las cosas a nivel social.

Ver el extractivismo minero a cielo abierto y el impacto ambiental que eso conlleva, ver cómo viven las familias más privilegiadas en relación al resto del país, entrar a las cárceles, ver represiones, muerte y desapariciones, observar las estrellas en el desierto de Atacama y tratar de entender cómo se trabajaba la agricultura andina, por poner algunos ejemplos. ¿Te defines como fotógrafa? ¿Por qué sí o no?

De manera empírica me gusta llamarme narradora visual o trabajadora visual. Porque trabajo con imágenes contando o creando historias/ relatos.

De manera formal sí, todavía me siento fotógrafa aunque siento que queda apegado a un tecnicismo que no me representa, (a pesar de trabajar con una cámara de fotos), quizás porque no soy fetichista de los aparatos.

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Proyecto “Ariel”

¿Qué crees que es ser fotógrafo en 2022?

Una persona capaz de despertar preguntas con imágenes. ¿En que proyectos estás trabajando ahora?

Me gusta trabajar en muchas cosas a la vez y voy intercalando: Estoy haciendo mi primera película en coautoría con el personaje principal, sobre la identidad no binaria. Un proyecto sobre el amor y los vínculos en coautoria con mi pareja, que será a futuro un fotolibro.

Y como gestora estoy trabajando en la dirección de ECO/22, un encuentro de proyectos colaborativos que parte de una beca de creación sobre temáticas de género que se lanza este mes con la fundación Vist Projects.

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2021—2022/A

Máster Internacional de Fotografía y Gestión de Proyectos

Grupo 2027

Ainoa Juan Etiennemare Alba Ruiz Lafuente Alba Serra Ferrer Ana Prieto Fuentes Andre Aragonés Miró Quesada Bernardo Sancho Pérez Catarina Rego Abrarira Cristóbal Ascencio Ramos Elisa Ciappi Ciabatti Héctor de Miguel Agelan Javier Talavera Moraga José Riofrío Herranz Lucas Marcelo Sánchez Madelaine Ekserciyan Marcos Afonso Guzmán María Belén Kruppa Robelo María Blázquez Morales Marta Lara Pérez Myriam Escudero Polo Pau Lozano Casasayas River Claure Lizarazu Sofía Obregón Moncada Thiago Henrique Sutir Rosa

Directora Máster MARÍA SANTOYO Tutores y coordinadores BEATRIZ M. BARRIO JUAN VALBUENA

Selección y edición BEATRIZ M. BARRIO MARÍA SANTOYO JUAN VALBUENA

Diseño EFTI

Foto de Portada MARCOS AFONSO

Impresión ARTES GRÁFICAS PALERMO

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Depósito Legal M-25278-2012