ESCULTORES EUROPEOS DE ENTRE SIGLOS EN LA COLECCIÓN FRANCISCO SALMERÓN

Alejandro Galera Zamora *

BAREAU, Georges Marie Valentin (Paimboeuf, Francia, 11 de abril de 1866 – Nantes, Francia, 4 de enero de 1931) Formado desde muy joven por su padre en el oficio de carpintero, Bareau se traslada a la capital francesa para comenzar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de París, donde será instruido por artistas como Émile Thomas (1817-1882), Gabriel-Jules Thomas (1824-1905) o Charles Gauthier (1831-1891). A finales de la década de 1880 va a trabajar en la fundición parisina de Ferdinand Barbedienne, realizando modelos para la producción en serie de esculturas decorativas en bronce de inspiración clásica, destacando Vox Pacis (1891), David frente a Saúl (1893) o El ganador (1894), entre más de una quincena de modelos conocidos. En 1889 expone por primera vez en el Salón de la Société des Artistes Français de París, recibiendo en 1893 la medalla de bronce por su escultura La Muerte de Leandre y en 1895 una distinción por su yeso para el Monumento a los muertos de guerra de 1870. A lo largo de su carrera artística participará en varias Exposiciones Universales como la celebrada en 1894 en Lyon, donde consigue una medalla vermeil, la Exposición Universal de Bruselas de 1897 o la gran Exposición Universal de París de 1900, donde recibe su primera medalla de oro. A partir de este momento va a recibir grandes encargos de esculturas monumentales como El Despertar de la Humanidad, realizada en 1906 para el ayuntamiento de Baretin y por la que recibió la mención de honor en el Salón de ese mismo año. También va a realizar el Monumento a Julio Verne en 1910 para la ciudad de Nantes o La visión del poeta, altorrelieve homenaje a Víctor Hugo realizado en 1902 para la ciudad de París.

CIPRIANI, Adolfo (Florencia, Italia, 9 de septiembre de 1857 – Florencia, Italia, 10 de agosto de 1941) Escultor italiano con estudio en la ciudad de Florencia, donde desarrollará toda su carrera artística. En su producción, vinculada principalmente al estilo Floreale o Liberty –términos italianos para designar al Modernismo– va a destacar el uso de materiales como el mármol y el alabastro. En cuanto a la temática, Cipriani va a mostrar una particular predilección por el desnudo, especialmente femenino. Sin embargo también vamos a encontrar gran canti-

* Historiador del Arte.

dad de esculturas de inspiración clásica, donde la producción de figuras de atletas y deportistas se convertirá en una mera excusa para el estudio del desnudo masculino. También cultivará el género del retrato, representando a bellas y jóvenes mujeres como doncellas, en composiciones de temática pastoril o vestidas con lujosos y exuberantes ropajes de inspiración oriental. De igual modo, los retratos infantiles o los grupos de figuras costumbristas fueron algunas de las temáticas más demandadas, destacando obras como Angler (Pescadora), encargada en 1885 para los jardines de la Villa Stollwerck, en Bonn (Alemania). Fruto de su matrimonio con Emilia Pancani, nacerán nueve hijos, entre los que destacará el escultor Ugo Cipriani.

CIPRIANI, Ugo (Florencia, Italia, 13 de agosto de 1887 – París, Francia, 18 de junio de 1960) Será en el taller de su padre, el artista florentino Adolfo Cipriani, donde adquiera los primeros conocimientos de escultura, realizando posteriormente sus estudios oficiales en la Academia de Bellas Artes de Florencia. Allí conocerá de primera mano las obras de los grandes maestros del Renacimiento como Miguel Ángel o Giambologna. Su afinidad con el movimiento nacionalista italiano o irredentismo de principios del siglo XX va a quedar patente en la realización de esculturas monumentales como la de Guglielmo Oberdan en 1919 para su ciudad natal. Oberdan, considerado mártir de la causa nacional tras su ejecución por el intento de asesinato del emperador austriaco Francisco José en su visita a Trieste en 1882, fue uno de los principales impulsores del movimiento de unificación del Reino de Italia. Sin embargo, los convulsos cambios políticos de principios del siglo XX le llevaron a exiliarse a Francia en torno a 1925, como refugiado político ante el régimen fascista instaurado por Mussolini en su Italia.

Exposición Universal de París de 1900. Portada de la Encyclopédie du siècle. L’Exposition de Paris

Adolfo Cipriani, ca. 1900

Ugo Cipriani en su taller, ca. 1925 Instalado definitivamente en París, rápidamente conocerá a artistas como Irénée Rochard (1906-1984) o Demétre Chiparus (1886-1947), con los que trabajó realizando esculturas decorativas de pequeño formato en bronce, calamina o zinc, de temática de inspiración clásica y entroncadas con el movimiento Art Decó desarrollado durante las décadas de 1920 y 1930. Su situación le llevó a firmar las esculturas bajo seudónimos como Menneville, Uriano o, probablemente, “Jean de Roncourt”, aunque existen ciertas dudas sobre si este último es el nombre de otro artista, una marca comercial o el sobrenombre de Demétre Chiparus.

DARNY, G. (Francia, ? - ?) Apenas encontramos datos biográficos sobre Darny, el cual va a desarrollar su carrera artística en París. La comparación estilística de las obras de “G. Darny” con otras estatuillas decorativas de la época nos lleva a vincular esta firma con artistas como Demétre Chiparus (1886-1947) o a la producción de “Jean de Roncourt” –posible seudónimo de Chiparus–. Por el análisis de la producción artística conocida sabemos que trabaja el bronce y el “spelter”, una aleación de zinc y plomo cuyo envejecimiento natural –que en muchas ocasiones se acelera añadiendo una pátina– se asemeja al bronce. Su periodo de mayor actividad será la década de 1930, realizando esculturas en estilo Art Decó de temática clásica. El desnudo masculino va a tener un gran protagonismo en su obra a través de la representación de atletas y arqueros, iconografía más repetida por esta firma.

DOMMISSE, Johannes (Delft, Países Bajos, 1878 - ?, 1955) Escultor holandés afincado en Bruselas, donde va a desarrollar la mayor parte de su carrera artística. A través de materiales como el bronce o la terracota patinada en verde –imitación del bronce–, Dommisse va a destacar en la producción de esculturas

de pequeño formato inspiradas en los modelos franceses, llegando incluso a reproducir obras de artistas parisinos como Eugène Marioton (1857-1933). En su producción va a destacar la obra de temática religiosa –bustos en bronce y mármol de Cristo o la Virgen– y de inspiración clásica –escenas mitológicas, héroes, atletas o arqueros–. También serán recurrentes las escenas costumbristas y los retratos-busto, de gran realismo, movimiento y fuerza expresiva.

EICHBERG, Hermann (Alemania, ? - ?) Escultor nacido en Alemania en la segunda mitad del siglo XIX, desarrollando la práctica totalidad de su carrera artística en la ciudad de Berlín. Aunque apenas conocemos datos biográficos del artista, podemos ubicar cronológicamente su periodo de mayor producción artística entre 1892 y 1910, especializándose en el diseño de modelos para esculturas decorativas en serie de pequeño formato que posteriormente se fundirían en bronce. Los desnudos, tanto masculinos como femeninos, los atletas, arqueros e incluso la representación de héroes y dioses clásicos o alegorías serán los temas más recurrentes en su escultura, como la pareja El espíritu de la Victoria y La Justicia ciega (ca.1910). También es común encontrar escenas de la vida cotidiana o animales. Además de las estatuillas, Eichberg va a realizar llamativos modelos para empresas de artes decorativas entre los que van a destacar sus diseños modernistas o Jugendstil para lámparas, de líneas curvas y fluidas, inspiradas en la naturaleza y lo orgánico, las cuales se fundían en bronce, como su curiosa lámpara conocida como Gato aprendiendo a cazar (ca. 1900).

GENNARELLI, Amedeo (Nápoles, Italia, 1881 – París, Francia, 1943) Escultor italiano formado en la Academia de Bellas Artes de Nápoles, donde recibirá formación de Francesco Jerace (1853-1937). Con 28 años se traslada a París para continuar formándose como escultor. Allí desarrollará la mayor parte de su carrera artística. En 1913 se presenta por primera vez al Salón de la Société des Artistes Français, donde expondrá de forma continuada hasta 19361 . Durante las décadas de 1920 y 1930 va a destacar su producción de modelos para estatuillas Art Decó, fundidas en bronce en diferentes empresas parisinas como la de Arthur Goldscheider y posteriormente en Les Neveux de Jules Lehmann2, y distribuidas en las tiendas de artículos de lujo “Alfred Dunhill Limited” de Londres, París o Nueva York. Gennarelli también produjo esculturas en mármol o terracota, predominando la temática de inspiración clásica como los atletas, los arqueros o las escenas mitológicas. El desnudo, principalmente masculino, se convertirá en una excusa para el estudio del cuerpo humano, mediante la representación de personajes realizando esfuerzos físicos con los músculos en tensión, lo que proporciona gran realismo y plasticidad a las obras.

Vista del Pabellón de Italia en la Exposición Internacional de París de 1937. En el ángulo inferior izquierdo, El Genio del Fascismo, de G. Gori

Max Kruse, 1925 GORI, Georges (Italia, ca.1900 - ?) A pesar de ser citado por la prensa como un artista de origen italiano, Georges Gori se forma en París de la mano de escultores como Jean-Antoine Injalbert (1845-1933) o Henri Bouchart (1875-1960), ambos profesores de la Escuela de Bellas Artes de París. Allí desarrollará su carrera artística, realizando esculturas de pequeño y grande formato en materiales como mármol, terracota y, especialmente, bronce. Entre 1932 y 1939 formará parte de la Société des Artistes Français de París, en cuyo Salón había expuesto ya en 1929 y 1931, recibiendo en este último la medalla de bronce de escultura3 . En 1935 gana el primer premio del concurso de escultura organizado en la Casa de la Moneda de Roma por un relieve en bronce de Mussolini4. Aunque mantiene su residencia en París, a partir de este momento realizará diferentes encargos para el régimen italiano, entre los que destaca la monumental alegoría El Genio del Fascismo, una gran escultura ecuestre, de siete metros de altura y fundida en bronce, destinada a presidir la entrada principal del Pabellón de Italia en la Exposición Internacional de París de 19375 . En dicha exposición participa además con su grupo escultórico La Promenade (El Paseo), también conocida como Los Guardianes. Se trata de una escultura crisoelefantina, realizada en mármol y bronce en la fundición Champeaux, la cual fue galardonada con la medalla de oro.

KRUSE, Carl Max (Berlín, Alemania, 14 de abril de 1854 – Berlín, Alemania, 26 de octubre de 1942) Formado como arquitecto en la Universidad de Stuttgart entre 1874 y 1877, su gran interés por la escultura le lleva a matricularse en 1879 en la Academia de las Artes de Prusia, en Berlín, donde recibirá clases de Carl Conrad Albert Wolff (18141892) y Fritz Schaper (1841-1919).

En 1881 obtiene el Premio de Roma por su obra El Mensajero de Maratón, con el que costea un viaje a dicha ciudad italiana durante dos años, lo que le permite estudiar de primera mano la escultura clásica. Ya como artista consagrado en Berlín, Kruse realiza varias esculturas conmemorativas como el Busto de Friedrich Nietzsche en 1900 para el Viktoriapark de Berlín o el Monumento a Theodor Fontane en 1907 para la ciudad alemana de Neuruppin. Paradójicamente, en 1913 será nombrado miembro de la Academia de las Artes de Prusia, a pesar de formar parte de la Secesión de Berlín desde 1908, que rechazaba el arte oficial de marcado carácter conservador impartido en dicha Academia. Las últimas décadas de su vida las dedica a viajar por Europa con el fin de satisfacer sus deseos de conocimiento. Su experiencia, sus técnicas artísticas y algunas novedosas propuestas quedarán plasmadas en un libro escrito y publicado por Max Kruse en 1925.

LE FAGUAYS, Pierre (Rezé, Francia, 1892 – París, Francia, 1962) Escultor francés nacido Rezé, población del distrito de Nantes, que pronto se trasladará a la ciudad suiza de Ginebra, en cuya Escuela de Bellas Artes y Diseño recibió clases de James Vibert (1872-1942), escultor y discípulo de Auguste Rodin (1840-1917)6 . En 1920 viaja a París, año en que participa en el Salón de Otoño. Allí se instalará definitivamente, desarrollando una amplia carrera artística. Participa en 1922 en el Salón de la Société des Artistes Français, de la que más tarde fue miembro, presentando una serie de esculturas inspiradas en las Estatuas de Tanagra conservadas en el Louvre. En los salones de 1926 y 1927 recibirá mención de honor7 . Le Faguays va a formar parte de los grupos “La Stèle” y “L’Evolution”, fundados por Arthur Goldscheider para la producción, respectivamente, de esculturas en bronce y de artes decorativas en serie, presentando su trabajo bajo el título Art Decó en

Pierre Le Faguays, 1939

Portada de un catálogo de Arthur Goldscheider. En el centro la estatuilla La chica del harem, de Faguays

Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales, celebrada en París en 1925

Cartel publicitario de Les Neveux de Jules Lehmann (L.N.J.L.) la Exposición de Artes Decorativas e Industriales de 1925. Tras el cierre de la compañía en la década de 1930, trabajó con otras fundiciones como Etling, Max Le Verrier o Les Neveux de Jules Lehmann, donde coincidirá con artistas como Injalbert, Chiparus o Gennarelli. En 1937 participa en la Exposición Internacional de París con su escultura Aurore, además de realizar dos monumentales bajorrelieves para el Pabellón de la Aviación. Le Faguays se convirtió en uno de los escultores más prolíficos y demandados del Art Decó en Francia8, con obras de temática mitológica o alegórica, destacando la representación de atletas y desnudos masculinos realizados en bronce, bronce plateado, terracota, mármol o marfil y bronce –esculturas crisoelefantinas–, muchas de ellas firmadas bajo el seudónimo “Fayral”: Tras la Segunda Guerra Mundial, con 53 años, se instalará en la Place du Tertre del parisino barrio de Montmartre, como retratista y pintor al aire libre hasta su fallecimiento en 1962.

MELANI, Salvatore (Italia, 1902 - ?, 1934) Escultor italiano de gran éxito en las décadas de 1920 y 1930 por sus modelos para esculturas Art Decó, fundidas en bronce por “Arnova" o realizadas en terracota vidriada, destacando especialmente las estatuillas crisoelefantinas, donde combina bronce y marfil. Dentro de la escultura crisoelefantina van a destacar los grupos escultóricos formados por una figura femenina con dos galgos, de los que existen varias versiones. Las posibilidades plásticas del estilizado cuerpo de los galgos, las panteras o las gaviotas van a hacer que estos animales aparezcan de forma continuada en su producción escultórica, como vemos en Mujer corriendo con galgos, Ninfa con gaviotas o Dos panteras. Además de los temas de inspiración clásica, donde Melani va a presentar figuras de gran fuerza ex-

presiva a través de la tensión de la musculatura del cuerpo y los rostros, hay que destacar la numerosa producción, principalmente en barro cocido, de tema africano como La portadora de bananas.

MORET, Alfred (Francia, 1853 – ?, 1913) Escultor de origen francés, probablemente afincado durante un tiempo en Alemania, debido a la existencia de obra firmada por Moret y fundida en Alemania. La práctica totalidad de su obra conocida serán sus modelos para estatuillas decorativas, fundidas en bronce tanto en fábricas alemanas como francesas. Entre las temáticas más repetidas en su obra están las esculturas inspiradas en modelos clásicos, como soldados, atletas o arqueros, o de género costumbrista, representando a hombres, mujeres y niños con indumentaria de la época. La escultura de historia o los personajes bíblicos también van a tener gran protagonismo, como vemos en sus obras El caballero herido, El cruzado Parsifal o Salomé (ca.1900), escultura que junto con la Bailarina con aro (ca. 1905) se acercan más a la estética Art Nouveau extendida por toda Europa desde finales del siglo XIX.

NORGA, Sylvain (Etikhove, Bélgica, 1892 – Juan-les-Pins, Francia, 1968) Hijo del artesano belga Frans Norga, aprende el oficio de carpintero en el taller de su padre, dedicado a la producción de mobiliario para iglesias –altares, confesionarios, bancos–. Hacia 1910 Sylvain se matricula en la Escuela de Artes de Oudenaarde, trasladándose posteriormente a la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas9, donde pudo recibir formación de artistas como Jacques de Lalaing (1858-1917) o Victor Rouseau (1865-1954). Sylvain Norga se especializará en el trabajo en bronce, logrando un gran éxito comercial con sus placas

Sylvain Norga en el taller de escultura de la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas

Sello de la Fábrica de Cerámica de Holanda Meridional (Plateelbakkerij Zuid-Holland)

conmemorativas y funerarias, principalmente de temática religiosa y alegórica –bustos de Cristo, escenas de la Pasión, ángeles, palmas o jarrones para lápidas–, pudiendo encontrarse su obra en los principales cementerios belgas. Éste éxito se debió principalmente a la creación de una empresa de fundición por su hermano Pascal Norga en Maarkedal-Oudenaarde, donde se fundían en bronce y otros materiales los modelos en yeso de Syilvain, primero a través de la técnica de fundición en arena y posteriormente a la cera perdida, lo que suponía resultados de mayor calidad. Esto favoreció y acrecentó la demanda de este tipo de obras. A la muerte de Pascal, la Fundición Norga pasó a manos de su hijo Hermann Norga, y posteriormente a Geert y Johan Norga, hijos de este último.

PICAULT, Émile Louis (París, Francia, 24 de agosto de 1833 – París, Francia, 1915) Formado en el taller del pintor Henri Paul Royer (1869-1938), Picault desarrolló su carrera artística como escultor, especializándose en la creación de modelos para esculturas decorativas de pequeño formato que serían fundidas en bronce por la Société des bronzes de París o los talleres de fundición de Susse y Les Neveux de Jules Lehmann, entre otros. Aunque realiza obra religiosa, considerándose uno de los principales escultores neobarrocos de Francia, Picault va a destacar por su prolífico diseño para estatuillas de inspiración clásica, creando para las diferentes empresas de fundición en las que trabaja más de quinientos modelos en yeso de tema mitológico o alegórico con los que pretende ensalzar los valores patrióticos de Francia, acompañando las obras con lemas inscritos en cartelas. Héroes, atletas y guerreros que presentará a los salones de la Société des Artistes Français desde 1863 hasta 1914, recibiendo una mención de honor en 1883 por su obra Valentín. Gran parte de estas esculturas se conservan en los Museos de Bellas Artes de Chambéry y Troyes. Dentro de su producción también van a tener gran relevancia los retratos, pudiendo destacar algunos como los de Voltaire, Juana de Arco o El Cid, y la escultura conmemorativa, como el Monumento a Joseph Lakanal levantado en 1882 en la ciudad de Foix.

RIEDEL, Renate (Países Bajos, ? - ?) Escultor de origen holandés del cual desconocemos su formación. A principios del siglo XX se va a trasladar a la ciudad holandesa de Gouda, donde va a comenzar a trabajar diseñando y produciendo modelos escultóricos en estilo Art Decó para la Fábrica de Cerámica de Holanda Meridional –Plateelbakkerij Zuid-Holland–, fundada en 1897. El periodo de mayor actividad artística de Riedel podemos ubicarlo cronológicamente entre 1920 y 1949, momento en que realiza gran cantidad de estatuillas decorativas entre las que van a destacar las cabezas de niño, realizadas en cerámica o gres esmaltadas en color blanco o negro.

En su obra siempre aparece el sello de la fábrica de cerámica: “PLAZUID / Gouda-Holland” o cualquiera de sus variantes (Plazuid, Plazuid-Holland o Zuid-Holland, entre otras).

ROCHARD, Irénée (Villefranche sur Saône, Francia, 16 de enero de 1906 – París, Francia, 29 de marzo de 1984) Conocido como el “escultor de los animales”, Rochard se educa en una familia muy vinculada a las artes. Su madre le iniciará en la pintura, aunque pronto se decanta por la escultura, mostrando un gran interés por la representación animal10 . En 1924 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de París, concluyendo sus estudios en 1928, año en el que obtendrá un primer premio por la realización de una pantera a tamaño natural. En 1931 recibirá su primera medalla de oro en la Exposición Colonial de París. Su fascinación por el mundo animal le llevará a observar y analizar cada movimiento, postura y estado de diferentes especies, realizando bocetos y estudios que posteriormente trasladará a su obra escultórica. Rochard consideró su producción como un homenaje a los animales, creando infinidad de bronces con los cuales pretendía plasmar sus actitudes, la dulzura o la ferocidad, a través de escenas que parecen congeladas en un instante concreto. Compañero de otros escultores especializados en la representación animal como Edouard-Marcel Sandoz (1881-1971) o François Pompon (1855-1933), Rochard va a destacar por su obra de estilo Art Decó, presentando elegantes y estilizadas figuras en actitud de reposo o movimiento, realizadas en materiales como mármol, bronce o terracota. En 1938 ingresa en la Société des Artistes Français de París, recibiendo medalla de bronce en el Salón de 1941, de plata en 1948, de oro en 1952 y mención de honor en 1980. Desde 1965 formó parte del jurado de los salones. Gran parte de su obra fue adquirida por los ayuntamientos de las ciudades de París, entre 1937 y 1968, y Nueva York, en 1983.

ROUSSEAU, Víctor (Feluy, Bélgica, 15 de diciembre de 1865 – Forest, Bélgica, 17 de marzo de 1954) Aunque es iniciado por su padre en el oficio de cantero, su interés por el arte le llevará a ingresar en 1879 en la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas, en la especialidad de dibujo. Durante su estancia en Bruselas va a participar en las obras del monumental Palacio de Justicia, dirigidas por el arquitecto Joseph Poelaert (1817-1879). Allí conocerá al escultor Georges Houtstont (1832-1912), lo que le llevará a trasladarse tras la finalización de las obras en 1883 a su taller de la calle Veydt, donde colaborará en los proyectos decorativos de Houtstont. En 1887 ingresa nuevamente en la Academia de Bruselas, esta vez en la especialidad de escultura, asistiendo a las clases de Charles van der Stappen (1843-1910), impulsor de la recuperación de la escultura clásica mediante la realización de copias de esculturas griegas, romanas y renacentistas.

Victor Rousseau, 1950

Joseph Uphues, 1899 Su obra Tourmente de la pensée será galardonada con el primer premio en el concurso de escultura organizado por la fundación Godecharle en 1890, lo que le permitió realizar un viaje de cuatro años por Inglaterra, Francia e Italia. En París, donde permanecerá dos años, asimilará las novedosas formas del Art Nouveau o Modernismo, convirtiéndose a su vuelta a Bruselas en 1894 en un reconocido artista, de gran éxito comercial, gracias a sus estatuillas de temática clásica. En 1901 entra a formar parte del claustro de profesores de la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas, la cual dirigirá durante dos periodos: 1919-1922 y 1931-1935. Durante este periodo alternará su labor docente con la producción de obra escultórica, participando en diversos concursos, como el Premio de Roma que ganará en 1911, y numerosas exposiciones en Bruselas, Londres, Madrid o Estados Unidos. A su paso por España dejará obras como el Crucificado para la Catedral de Oviedo.

SCOTTE, A. J. (París, Francia, 1867 – París, Francia, 1925) Artista formado en París cuyo período de mayor actividad artística podemos ubicarlo cronológicamente entre 1885 y 1906, momento en que destaca su labor como escultor diseñando modelos para estatuillas en bronce de reminiscencia clásica. Trabaja para la fundición parisina “Fabrication Française”, fundada en 1892 y desaparecida al comienzo de la I Guerra Mundial, momento en que es intervenida por el gobierno francés. La práctica totalidad de la obra conocida de Scotte lleva impreso el sello de la fábrica, caracterizado por un crisol en llamas, el nombre de la empresa y el lugar de origen: “Made in Francia”. Además del bronce, para su obra Scotte utiliza el “spelter”, una aleación de zinc y plomo a la cual se añadía una pátina verde para imitar el bronce. En este material, algo más económico, se fundieron gran cantidad de esculturas decorativas de pequeño formato.

Entre los temas más comunes encontramos las alegorías –La Labor, La Cosecha o La fuerza protegiendo a la ley” –, la temática mitológica o bucólica – campesinas principalmente – y los temas infantiles como los pierrots o Caperucita Roja.

UPHUES, Joseph Johann Ludwing (Sassenberg, Alemania, 23 de mayo de 1850 – Berlín, Alemania, 2 de enero de 1911) Instruido primero como carpintero y, posteriormente en 1870, como aprendiz de cantero en la ciudad alemana de Wiedenbrück, Uphues va a ingresar en 1878, tras un periplo de dos años por Bélgica y Países Bajos, en la Academia de las Artes de Prusia en Berlín, donde aprenderá escultura bajo la tutela de artistas como Fritz Schaper (1841-1919) o Reinhold Begas (1831-1911). La alta politización de la formación oficial hizo que Joseph Uphues continuara su aprendizaje en el taller particular de Begas desde 1882 hasta 1891, periodo en que realiza algunas de sus principales obras como el busto del Emperador Guillermo I. Ese mismo año Uphues va a abrir su propio taller, recibiendo a partir de este momento gran cantidad de encargos oficiales, como los grupos escultóricos realizados en 1896 y 1899 para la decoración de la Avenida de la Victoria de Berlín, sufragada por el emperador Guillermo II. A pesar de trabajar al servicio del Imperio alemán, en 1899 ingresa en la recién creada Secesión de Berlín, fundada por un grupo de jóvenes artistas como reacción al arte imperial, donde se empapó de las nuevas corrientes artísticas, experimentando con el modernismo o “Jugendstil”, momento en que comienza a producir modelos para esculturas decorativas en bronce de formas estilizadas y fluidas inspiradas en la naturaleza. Las figuras serán producidas por la Fundición Gladenbeck, especializada en trabajos en bronce de alta calidad, fundada por Carl Gustav Hermann Gladenbeck (1827-1918). La industria, que va a estar activa entre 1851 y 1926 va a producir esculturas de pequeño formato de diversa temática, teniendo un gran protagonismo los temas de inspiración clásica y los desnudos masculinos, a través de sus arqueros, héroes o atletas tan demandados a principio de siglo. Además de estas estatuillas, Joseph Uphues va a continuar realizado encargos oficiales y para la alta burguesía alemana como el Monumento ecuestre de Federico III (1905), el Memorial a Bismark (1890) o el Monumento a Schiller (1905).

Notas

1. CATLEY, Bryan. Art Decó and other figures. Woodbrige: Antique Collectors’ club, 1995. 2. SHAYO, Alberto. Estatuettes of the Art Decó period. Woodbridge: Antique Collectors’ club, 2016, p.33. 3. Ibidem, p.114. 4. La Liberté. 14 de julio de 1935, p. 1. 5. La Revue des Ambassades. Junio, 1937, p. 31. 6. CATLEY, Bryan. Art Decó... 7. SHAYO, Alberto. Estatuettes..., p.140. 8. DUNCAN, Alastair. Encyclopedia of Art Decó. London: Headline, 1988. 9. PIRON, Paul. Diccionario de Artistas Visuales belgas de los siglos XIX y XX. Ohain-Lasne: Ediciones Arte en Bélgica, 2003, p. 232. 10. HACHET, Jean-Charles. Les bronzes animaliers. De l’antiquité à nos jours. Paris: Varia, 1986. Bibliografía

CATLEY, Bryan. Art Decó and other figures. Woodbrige: Antique Collectors’ club, 1995. DUNCAN, Alastair. Encyclopedia of Art Decó. London: Headline, 1988. HACHET, Jean-Charles. Les bronzes animaliers. De l’antiquité à nos jours. París: Varia, 1986. La Liberté. 14 de julio de 1935, p. 1. La Revue des Ambassades. Junio, 1937, p. 31. PIRON, Paul. Diccionario de Artistas Visuales belgas de los siglos XIX y XX. Ohain-Lasne: Ediciones Arte en Bélgica, 2003, p. 232. SHAYO, Alberto. Estatuettes of the Art Decó period. Woodbridge: Antique Collectors’ club, 2016.