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Armonía
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Aislamiento Termoacústico
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Diseño
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Diseños Exclusivos Somos fabricantes de piezas únicas y exclusivas, creamos diseños excepcionales y creativos con gran variedad de colores y texturas.
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El respaldo del líder a nivel mundial entre desarrolladores de ventanas de PVC, garantiza la durabilidad y resistencia de nuestros productos. La innovación, el diseño y la conciencia ecología nos distinguen.
Ventajas térmicas
La cantidad de cámaras de aislamiento determinan la capacidad de reducir los factores tanto del clima como del ruido, y nuestros productos están construidos con hasta seis de ellas para lograrlo.
Reconocimiento
Contamos con distintas certificaciones de calidad en nuestra gama de productos, como la PassivHaus que otorga el Passive House Institute, la Garantía internacional Solex, y también certificación ISO 9001, ISO 14001 y BS OHSAS 18001.
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INNOVACIÓN, ATENCIÓN Y PERSONALIZACIÓN EN LUMINARIAS EN MÉXICO, SIEC LED TE OFRECE ILUMINACIÓN Y SERVICIO A LA MEDIDA.
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Hemos participado con grandes despachos de arquitectura y lighting designers.
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Algunos proyectos han participado en premiaciones internacionales.
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on casi once años en el mercado, SIEC LED, empresa creada con el objeto de ofrecer a sus clientes productos LED de calidad y en constante innovación, se perfila en el mundo de la iluminación por su compromiso con las luminarias, fidelidad con los arquitectos y despachos, con quienes trabajan codo a codo en la planeación y desarrollo de sus obras para satisfacción de sus clientes. El catálogo de la marca se enfoca principalmente en las tiras LED, perfiles y drivers. En la actualidad han ampliado su oferta con gran éxito, extendiéndola a luminarios LED, control inteligente, empotrados para pisos dirigibles y reflectores, además de su servicio de luminarias personalizadas que los diferencia del resto, pues a través de él transmiten la identidad del despacho o lighting designer al proyecto. Entre sus ventajas competitivas, se encuentra su servicio totalmente a la medida, presente en toda la República Mexicana. Sus perfiles LED incluyen armado e instalación. A la par de ello, extienden su compromiso más allá de sus productos y atención al cliente, participando también en múltiples plataformas del medio, asociaciones y eventos, fomentando así la iluminación de calidad en México. Siempre a la vanguardia de la innovación, SIEC LED presenta para 2021 sus novedades, tiras LED con óptica, mangueras LED Flicker Free, Tiras LED COB con recubrimiento tipo difusor, fuentes atenuables DALI, nuevos sistemas de control inteligente para CCT y RGB, y mucho más.
Proyectos con las mejores marcas nacionales e internacionales.
Año 16 >>> Edición 56
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EDITORIAL
NEWS
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ATMÓSFERAS On-Off Studio Denisse Becerra
Por Mary Cruz Salazar
38 HÁBITAT Diego Yturbe Verea Once-11 Arquitectura
50 100 Por México DESIGN
44 RELIVING Serrano Monjaraz Arquitectos Juan Pablo Serrano
Por Aranza Sabina
FOCUS Color El Equipo Creativo
Por Dolores Garnica
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COLUMNA Historia entretejida Por Mariana Loaiza
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Año 16 >>> Edición 56
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110 PISOS Y MUROS
RELIVING C2D Andrés Padilla Buerón y Pablo Desvignes Pérez-Borja
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Por Selene Flores
116 PERFILES Fabián Escalante E Arquitectos Por Aranza Sabina
Roberto Ramírez Pizarro R79 Por Nadia Margarita
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134 146 CASAS Casa Ruiz LR Arquitectura
Por Patricia de la Rosa
COCINAS
Por Yaheli Hernández y Aranza Sabina
TAKERS MAAD Arquitectura y Diseño Mariano Aguirre
138 BAÑOS
Por Aranza Sabina y Yaheli Hernández
150 URBE Continuidad desértica
Por Aranza Sabina
Año 16 >>> Edición 56
STYLE IN AT Interiores Sofía Galán, Mónica González y Cristina Martínez
152 Por Selene Flores
156 PORTAFOLIOS DESIGN Hella Jongerius Camille Walala
180 186 198 Por Yaheli Hernández
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PERSPECTIVAS La casa como escultura Sonora Art Village
GALERÍA Visualidad a la medida Sodio
Por Aranza Sabina
Por Aranza Sabina
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ARTE Donald Judd Autonomía y claridad
Por Nadia Margarita
COORDENADAS ARGENTINA Estudio PK Arquitectos
ARTE PERFIL Renata Petersen Del neón evidente a la incógnita Por Yaheli Hernández
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CONCEPTOS La Muralla Roja Ricardo Bofill Taller de Arquitectura
DIRECCIÓN
COMERCIAL
ADMINISTRACIÓN
DIRECCIÓN GENERAL Rodrigo Noriega Sánchez
DIRECCIÓN COMERCIAL Patricia Noble San Román COMERCIAL Oscar Valdez Santos
DIRECCIÓN ADMINISTRATIVA John Campos Sánchez ADMINISTRACIÓN Alejandra Sánchez Garay LOGÍSTICA Y SUSCRIPCIONES Violeta Ramos RECURSOS HUMANOS Yarely Sánchez DISTRIBUCIÓN NACIONAL ABIERTA Distribuidora GBN S.A. de C.V.
EDITORIAL DIRECCIÓN EDITORIAL Patricia de la Rosa Murillo COEDICIÓN Yaheli Hernández REDACCIÓN Aranza Sabina EDITORIAL DIGITAL Selene Flores REDACCIÓN DIGITAL Paloma Sáenz ARTE Daniel López Gallegos DISEÑO Diana Arana Jiménez
COLABORADORES Dolores Garnica | Nadia Margarita Mariana Loaiza | Mary Cruz Salazar FOTOGRAFÍA Gerardo Noriega PORTADA Erick Millán Bolla Hiriart PUBLICIDAD Y COMUNICACIÓN Cerocuatro Motor Creativo
MERCADOTECNIA GERENCIA DE MERCADOTECNIA Marisa Benabib Rivera DIRECCIÓN CREATIVA Gonzalo Jaime Cepeda ESTRATEGA DIGITAL Oliver González
C O N TAC TO mexicodesign.com editorial@mexicodesign.com.mx
@MexicoDESIGN publicidad@mexicodesign.com.mx
@grupomexicodesign suscripciones@mexicodesign.com.mx
México DESIGN es una marca registrada, usada bajo licencia de uso a través de su licenciatario la empresa Grupo Editorial Xalisco Creativo, S.A. de C.V., en términos del artículo 136 de la ley de la propiedad industrial. Todos los derechos reservados. Publicación trimestral (ISSN 1870-3010). Oficinas en Herrera y Cairo 2590, colonia Circunvalación Guevara, C.P. 44680, Guadalajara, Jalisco, México. Tels. 3629-3775 / 3165-2429. Registro en trámite ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. El contenido de los artículos y anuncios es responsabilidad de los autores y de las empresas. México DESIGN no se hace responsable de la información en las pautas publicitarias. Impresa en Preprensa Digital, S.A. de C.V. calle Caravaggio 30-A, colonia Nonoalco, C.P. 03910, delegación Benito Juárez, Ciudad de México.
como perspectiva del
Si pensamos en la vastedad y lo infinito asociado a un color, ese sería el azul. Si se nos pide que retratemos una pasión, inmediatamente pintamos un corazón rojo. Las paredes blancas nos transmiten frescura, amplitud, limpieza. Para la edición 56 de México DESiGN, tomamos el color como bandera para el futuro, dirigimos la mirada hacia un panorama renovado y lleno de esperanza, una ofrenda ante las vicisitudes del actual mundo. Más allá de sus implicaciones psicológicas, en nuestro Focus nos dirigimos a los orígenes, que se remontan a los de la humanidad misma: ¿cómo se establecieron los colores que llamamos primarios?, ¿cómo se llegó hasta una determinada tonalidad?, ¿por qué los nombramos blanco isabelino y azul de Prusia? A través de esta búsqueda, elegimos proyectos y firmas que sobresalen por su excelente conocimiento y manejo de las tonalidades.
En un entorno expectante, apostamos por mostrar distintas facetas de los proyectos arquitectónicos: en reliving, nuestra nueva sección, presentamos la renovación de espacios con historia, cuyas funciones cambiaron con el transcurrir del tiempo, y a los que se les otorgó nueva vida. También pensamos las atmósferas, específicamente el papel primordial de la iluminación en el diseño de un proyecto, ya sea de vivienda, comercial o de contract. Desde una amplia paleta de color pintamos las páginas de esta edición, planteamos una ruta entre proyectos, piezas y novedosas propuestas de arquitectura, diseño e interiorismo, en donde el color tendrá el papel estelar, de la mano de la generosidad, optimismo y alegría con que miramos lo que viene. Con esta oda al color, nos plantamos fuerte y llenos de entusiasmo, ¡listos para brillar!
México DESiGN
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Retrato: Aveh Studio
LA PORTADA 56 DE
SE ELABORÓ EN EXCLUSIVA POR ERICK MILLÁN + BOLLA HIRIART Esta portada nació de la invitación a retomar los sueños que postergamos durante 2020. Piel Arcoíris se basó en un mural anterior en colaboración con el artista Bolla Hiriart. La cocreación fue inspirada en el árbol eucalipto arcoíris, que desde su noble corteza nos envuelve y resguarda para desplegar capa por capa sus maravillosas tonalidades. El eucalipto nos protege ofreciéndonos una morada desde la fortaleza de su tronco, para así resurgir con plena confianza. Cuando Bolla y yo trazamos las líneas, imaginamos la vida más allá de lo perceptible. Hicimos un blueprint de un jardín existente dentro de la misma corteza, es decir que vinculamos los paisajes del jardín con otro universo. Lo concebimos como un mundo natural aparte, una utopía verde. Y para plasmar el folclor mexicano, utilicé materiales complementarios como lentejuelas, chaquiras y textiles. Piel Arcoíris es la reflexión sobre el regreso a la vida después del confinamiento, una invitación a ver más allá de nuestra percepción y aplicar “todo color” en lo que somos y hacemos.
“SIEMPRE CRECÍ CON UNA PASIÓN, LA MADERA. CREYENDO QUE SI AMAS LO QUE HACES, EL RESULTADO ES EXTRAORDINARIO.” —SERGIO LUCAS GARCÍA Proyecto: Oficinas atxk
Proyecto: Oficinas atxk
industriasdcbs.com
Proyecto: Oficinas atxk
Oficinas: Lucio Blanco #67, Colonia La Era, Iztapalapa, CDMX Tel: 55 7095 3406 // 55 7095 5436
Proyecto: EY México
Proyecto: EY México
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cbs es una industria mexicana fundada por Sergio Lucas y Brenda de Paz. Su creación combina calidad, funcionalidad, estética y el desarrollo correcto de todos nuestros productos fabricados a gran escala, mezclando técnicas clásicas con herramientas modernas. La firma busca la satisfacción de nuestros clientes, siempre cuidando los más altos estándares de calidad. Gracias a nuestro calificado y capacitado gran equipo humano logramos realizar trabajos de excelencia. En cada mueble, cada proyecto y en todo momento ofrecemos lo mejor de cada uno de nosotros. Actualmente somos una de las empresas líderes en interiorismo corporativo. Creamos la idea de la arquitectura y construimos la calidad que distingue a nuestros socios comerciales. Hoy en día estamos presentes en CDMX, Monterrey, Querétaro y Guadalajara. dcbs está inspirada en ti, amigo Javier Serrano .
Fotografías: Hormigón Photo Architexture, Arely Medina y Anastacio Malacara
Proyecto: IEnova
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COLABORACIONES
DISEÑO
EVENTOS
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NOTICIAS
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RECOMENDACIONES
A ARTE
PRESENTAMOS NUESTRA SELECCIÓN DE NOTICIAS DEL MUNDO DEL DISEÑO Y ARQUITECTURA EN 2020-2021. >Imágenes: cortesía
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Foto: Dane Alonso
“Desde los perfiles de una bici de carreras hasta las grandes llantas de una bici de montaña.”
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DESLICE Y DETENGA Zeller & Moye
Pareciera una instalación de arte moderno, pero es otra forma de almacenamiento para bicicletas que combina la sencillez de sus materiales y la facilidad de su instalación. Bici es un proyecto de Zeller & Moye que se puede ver ya en el estacionamiento de los Departamentos Condesa en CDMX, lugar con uno de los mayores porcentajes de congestión vehicular. Esta innovadora estructura, con su variedad de colores y ángulos, ofrece un método práctico de almacenamiento que queda perfecto en lugares públicos y privados. Está hecha con un corte específico para que la llanta se deslice y detenga firmemente, además sus perforaciones a los lados permiten la colocación de candados. Instalarlos es tarea fácil, solo hacen falta un muro y piso firmes. zellermoye.com
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JUGANDO CON LOS LÍMITES DE LA CREATIVIDAD Qeeboo
A raíz de un frenético comienzo y este periodo desafiante, Qeeboo relanza su branding en colaboración con Elena Iv-skaya, fotógrafa de modas distinguida por su uso no convencional del color. El replanteamiento nace de la extrema iconicidad que comenzaban a tomar los productos de la marca por sí solos. Rabbit chair, Kong y Giraffe in love marcaron tres ferias de muebles en Milán, pero su fuerte concepto se sobreponía. La colaboración es una historia visual que captura toda la energía de la colección, traducida en imágenes de colores intensos combinando diseño y moda. La interacción modelo-objeto destaca el lado poético y surrealista de los productos, mostrando a la vez el espíritu de la marca en su nueva forma de describir el mundo. qeeboo.com
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news “Honramos a los ‘dones’, que con esfuerzo y resiliencia hemos impulsado el bienestar de nuestras familias.” —Ari Anderman
Stefano Boeri Architetti
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CON UNA FLOR, ITALIA VUELVE A LA VIDA
La marca más querida de tequila en México retribuye a su comunidad con el lanzamiento de una edición especial: Don Julio “se quita el sombrero”. Un gesto de agradecimiento y admiración a todos los dones y doñas, quienes adquieren ese título por su dedicación y pasión en lo que hacen. Dado el éxito de su preventa, Don Julio decidió rendir homenaje también a diez centros de consumo en CDMX y Guadalajara con 100 botellas pintadas a mano y un empaque especial. Ambas ediciones fueron diseñadas por Anagrama, con el objetivo de unir a los mexicanos a través del espíritu de reinvención que prevalece en la industria. @tequiladonjulio
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HOMENAJE EN UNA BOTELLA Don Julio
El arquitecto Boeri, junto con un equipo de consultores, han desarrollado el concepto de la campaña de vacunación anticovid-19. “Con la imagen de una flor, queríamos crear una arquitectura que transmitiera serenidad y regeneración. Vacunarnos será un acto de responsabilidad cívica, amor por los demás y el redescubrimiento de la vida, ahora volveremos a ponernos en contacto con la naturaleza que nos rodea”, sentencia el arquitecto Stefano Boeri, encargado del concepto arquitectónico y de comunicación de los pabellones que se levantarán en las plazas y espacios públicos en toda Italia para la aplicación de la vacuna. stefanoboeriarchitetti.net
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“Recoger la herencia cultural significa acogerla como incitación al movimiento.” —Clara Porset
En la segunda mitad del 2020, Alias Editorial, con el apoyo de Comex y el archivo Clara Porset Dumas, presentó la primera edición de los escritos de una figura fundamental del diseño moderno en México, Clara Porset. Compilados por Ana Elena Mallet, muestran una faceta desconocida de la diseñadora: su labor crítica en el diseño. En sus textos cuestiona el estado del diseño y su futuro; plantea escenarios donde sea herramienta que mejore la vida diaria. aliaseditorial.com
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DISEÑO MODERNO EN MÉXICO
La vida en el arte. Escritos de Clara Porset, Alias Editorial
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MANOS JÓVENES
Colección “Vente a México” por alumnos del Tec de Monterrey De la mano del diseñador Jorge Diego Etienne, esta colección de objetos fue construida bajo un único requisito: que fuera por dobleces de metal, en tamaño compacto, armable con facilidad, y que tuviera una función en los hogares. Es de vital importancia para la clase de diseño internacional —impartida por Etienne— que los estudiantes estén preparados para representar a nuestro país en el panorama mundial. El resultado es una familia de ocho objetos, todos llenos de elementos visuales representativos de México. jorgediegoetienne.com
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Zaha Hadid Architects
Equilibrio lúdico entre forma y escala, gracias a la experimentación con las proporciones.
Foto: Idea Cúbica
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MECANISMOS ROTATORIOS Zaha Hadid Design
Este centro dará atención a niñas y niños para que desarrollen habilidades que les permitan integrarse a un sistema de enseñanza regular.
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CATAM Centro de Autismo Tamaulipas
COLORIDA INCLUSIÓN
La casa de diseño de Zaha Hadid y la marca izé lanzaron NEXXA, un concepto único de manilla caracterizado por ser un gesto sin fisuras a través del espacio. El diseño surge de un enfoque particular en la presencia, impacto del usuario y su entorno. “Nuestro concepto inicial para la palanca se centró en cómo podíamos diseñar una manilla que tuviera continuidad para seguir una línea que no se rompa incluso cuando esta es girada”, explica Woody Yao, codirector de Zaha Hadid Design. zaha-hadid-design.com
IG: guillermotiradoglz_architects
Localizado en Ciudad Victoria, Tamaulipas, es el primer centro público escolarizado dedicado al autismo en México. Proyectado por la firma Guillermo Tirado Arquitectos, el diseño comprende cuatro áreas diferentes que operan aisladamente, sin dejar de funcionar al mismo tiempo como una sola. El concepto regidor fue “un juguete tipo lego” identificable por el uso del color.
Llegó el momento de escuchar a los que tienen algo que contar. Una charla entre amigos
Espera las próximas sesiones 2021 con expertos de la arquitectura y diseño ¡No olvides tu bebida!
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Casa Abadía
atmósferas
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PENSAR LA LUZ >>Entrevista: Mary Cruz Salazar >Fotos: César Béjar, Arce Estudio y Casablanca Fotografía
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atmósferas
Casa Chulavista
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ON-OFF STUDIO
DENISSE BECERRA On-Off Studio es un taller de iluminación fundado en 2015. Denisse Becerra, directora, confiesa que el interés principal de la firma es profesionalizar la iluminación en nuestro país. En exclusiva para México DESIGN, Denisse describe la trascendencia de la luz en su estudio. ¿Cuáles son algunas de las problemáticas al elaborar un proyecto de iluminación tanto en interiores como en exteriores y cómo las han resuelto? La respuesta es multidisciplinariedad. La luz es una herramienta poderosa de comunicación, salud, seguridad y servicio, al dejar fuera estos conceptos, hay una disociación entre luz y espacio. Asimismo, conocer el uso y la forma de vida que tendrá un espacio es vital, sin pistas es difícil decidir qué elementos incluir. Lo ideal es trabajar cuando se gesta la idea porque así las soluciones de iluminación son infinitas, la luz es otra piel del edificio.
¿De qué modo se integra la luz artificial en los diseños donde hay una gran presencia de la luz natural? Equilibrarlas es primordial. En Chulavista quisimos abarcar el concepto de transiciones, así que no sobreiluminamos el exterior, sino que decidimos iluminar desde lo alto y eso nos permitió crear una atmósfera que imita el proceso natural de la luz de luna. ¿Cómo rindes tributo a la luz natural? Tratas de imitarla. ¿Cómo conceptualizan sus proyectos? Háblame del caso del Restaurante Qin. Para este proyecto los arquitectos buscaron recrear la estética de la China comunista de los años 70. Nosotros equilibramos el contenido gráfico-visual, logrando una imagen con seguridad y dinamismo. Nos enfocamos en potencializar a través de una iluminación de
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atmósferas
alta calidad cromática la cual hace que los alimentos se perciban reales y agradables. Construimos la idea junto con el cliente, quien tenía deseos lumínicos muy claros que nosotros solo materializamos. Pensando en su trabajo para las Oficinas BerryMex, ¿cómo contribuye la iluminación para hacer más armonioso un espacio de trabajo? En BerryMex nos dimos a la tarea de que la iluminación tuviera un espíritu de independencia en cada estación de trabajo, no pudimos conocer a cada trabajador, pero buscamos hacer lo más flexible posible el espacio en relación con el uso, la tecnología y el control. La oficina es como una segunda casa, por ello debemos comunicar bienestar a través de la luz con puestos de trabajo bien iluminados, capaces de adecuarse a los distintos miembros de la empresa. ¿Cuál es el sello característico de su estudio, la razón por la que los clientes eligen trabajar con ustedes? Nos distingue la pasión que sentimos por los espacios y por la luz que transmitimos a otros. Somos inclusivos, trabajamos en equipo y valoramos las ideas de nuestros clientes, que se fusionan con las nuestras para crear soluciones. Nos interesan sus ideas, por más pequeñas o grandes las convertimos en proyectos.
Casa TC
On-Off Studio agradece a SiecLed por su participación en la creación de estos proyectos.
Oficinas BerryMex
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“Lo importante de la luz es el encuentro con el ser humano y cómo transforma su entorno.”
Restaurante Qin
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hábitat
DIEGO YTURBE VEREA ONCE-11 ARQUITECTURA >>Entrevista: México DESIGN >Fotos: Camila Cossio >retrato: Maria Yturbe Verea
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  Casa 3 Patios
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hábitat
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pasionado de la bioclimática y de la conexión íntima con los usuarios de sus espacios, en entrevista exclusiva con México DESIGN, Diego Yturbe Verea relata las claves de su quehacer arquitectónico, así como la visión futura de su labor. ¿Qué te motiva a hacer arquitectura? Mi principal motivación es conectar. Hago arquitectura para conectarme con lo que me apasiona, así como para unirme con los sueños de mis clientes, que siempre tienen algo de los míos. Mi motivación es que los usuarios finales de cada proyecto logren usar el espacio para conectar consigo mismos, con los demás y con la naturaleza. Un proyecto es más que solo arquitectura y diseño. ¿Qué otros intereses tienen como firma? En términos prácticos un proyecto es costo. Implica tiempo, durabilidad de los materiales, intensidad de mantenimiento, autonomía o dependencia energética, toneladas de carbono emitidas. Esto nos interesa porque también construimos, y es importante tener los pies en la tierra al momento de proponer. En términos intangibles, nos agrada lo que un espacio te puede hacer sentir con cambios de luz, temperatura, colores, vistas y materiales. Nos apasiona la
bioclimática, buscamos siempre usar criterios y estrategias para llegar al máximo confort térmico con el aprovechamiento de energías naturales. Llama la atención el juego de luces logrado desde el patrón de celosías en Casa 3 Patios. ¿Cómo se realizó? Primero el patio en su volumetría de gran cubo con cuatro de sus lados en piedra y dos en vidrio, así como un árbol al interior. Dada la cantidad de luz y la poca sombra que podía aportar el árbol, hicimos una celosía de otro material, el vidrio era indispensable para mantener el control de temperatura y aislamiento. Exploramos con herrería y desarrollamos un diseño con base en módulos triangulares para dar estructura, repetición y ligereza. Hicimos maqueta y modelo 3D, vimos que según la posición del sol se haría un juego de luces y sombras en las paredes de piedra, por lo que nos apoyamos de Javier Diaque, un gran diseñador industrial, para los dibujos técnicos y la fabricación en taller sin soldadura, de manera que solo llegáramos a instalarlo. Fue todo un reto, pero se logró y entró perfecto. Hoy, ese patio es un reloj que con sus juegos de luz y sombras marca la estación del año y la hora del día. Es una forma poética de conectar con la naturaleza.
Casa 3 Patios Año: 2019 Superficie construida: 800 m2 Ubicación: Lomas de Chapultepec, CDMX, México
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hábitat
“TRATAMOS DE SUPERAR EXPECTATIVAS NO IMPONIENDO NUESTROS SUEÑOS, SINO ENTENDIENDO LOS SUYOS Y HACIÉNDOLOS TAMBIÉN NUESTROS.”
¿Cómo es la relación de Once-11 Arquitectura con sus clientes? Siempre muy íntima. Entre más entendamos lo que quieren, cómo viven y quizás, cómo les gustaría vivir, tenemos más herramientas para proponer una solución hecha a la medida. Trabajamos de cerca con ellos, sobre todo al principio, que es la etapa divertida de conceptualizar. Somos muy respetuosos con sus ideas y buscamos plasmarlas. Creo que los clientes nos escogen y a la vez nosotros a ellos. Tratamos de superar sus expectativas no imponiendo nuestros sueños, sino entendiendo los suyos y haciéndolos también nuestros. ¿Qué ves en el futuro de tu trabajo? Queremos seguir haciendo arquitectura con pocos clientes con quienes podamos conectar. Buscamos continuar aprendiendo, nos interesa cada vez menos el uso intensivo de materiales como el concreto y acero, que tienen un impacto muy negativo en la huella de carbono. En su lugar queremos emplear materiales como la madera certificada, bambú, adobe y piedra, que son más suaves con el medio ambiente. Estamos desarrollando una serie de prototipos de cabañas de campo para vender a quienes ya tengan un terreno. Serán contemporáneas en diseño, rápidas de construir, prácticas, modulares, ecológicas y económicas, con el fin de atraer a cualquiera que tenga la opción de salir de las ciudades y conectar con el campo. Once-11 Arquitectura agradece a Avatara por su participación en la creación de este proyecto.
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SERRANO MONJARAZ ARQUITECTOS
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REHABILITAR
DESDE LA RAÍZ >>Entrevista: Aranza Sabina >Fotos: Jorge Guadarrama
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o debería existir otra forma de conciencia que no sea la sustentable. Esta premisa no reside únicamente en los cambios que hemos estado atravesando a escala mundial, sino que nos lo advierten quienes forman parte de la mejora del contexto urbano, los arquitectos. Ellos tienen “un compromiso que responde a un fragmento desarrollado en cada trazo urbanístico”, comenta Juan Pablo Serrano Orozco. Para Serrano Monjaraz Arquitectos, firma de la que forma parte, la sustentabilidad es una característica inherente en todas sus propuestas. Tanto él como su equipo se consideran expertos en la materia, y el compromiso que mantienen con el planeta y sus usuarios, sobrepasa los ya imprescindibles motivos de ahorro energético y económico. Sin comprometer el espacio, la firma rehabilitó el edificio JB5 desde sus raíces, pues el paso del tiempo, al igual que un sismo en 2017, habían cobrado factura en él. Juan Pablo relata cómo los ciclos de vida de los edificios oscilan entre los 20 y 30 años, y cómo toda instalación y acabados poseen una vida útil. Esta construcción, cumplidos ya sus 50 años, era para él “como un viejito que sufría de osteoporosis; su esqueleto estructural, columnas y trabes estaban gastadas. Remendarlo, reforzarlo y volverlo a vestir con una nueva
“Es como un viejito que ya sufría de osteoporosis, su esqueleto estructural, columnas y trabes estaban gastadas.”
Departamentos JB5 Construcción original: Serrano Serrano y Nava Ubicación: CDMX Superficie construida: 230m2
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piel, a la medida de las necesidades actuales, fue un reto y un sentimiento de felicidad por recuperar algo con tanta historia”. Renovadas sus articulaciones y estructura con pilotes, columnas y trabes, JB5 destaca al interior por una enmienda completamente sustentable, donde no faltan las fotoceldas para la transformación de energía, la recolección del agua pluvial, la eficiencia de tipo térmico y acústica, además de la instalación para coches eléctricos. Por otro lado, la adecuación armoniosa de materiales atemporales brinda calidez y personalidad al proyecto. “Si por fuera el cristal en su versión más digital sintetiza en parte el siglo XXI, ya en los detalles, el concreto reivindica al pasado siglo XX”, comparte el arquitecto. De nuevo, la conciencia sustentable se hace requisito fundamental, y ahora que “se avecina una época muy emocionante, un renacer”, Juan Pablo está listo para proponer ya no solo la rehabilitación de los espacios, sino nuevos edificios poscovid. Significa un reto, no obstante, él recurrirá a sus conocimientos de luz, ventilación e integración tecnológica para atender esta nueva normalidad y continuar aportando a la mejora urbana del territorio. Serrano Monjaraz Arquitectos agradece a Industrias dcbs por su colaboración en este proyecto.
>>Investigación: Dolores Garnica >Fotos: cortesía
COLOR
“Los colores son las ideas primordiales. Los hijos de la luz”, explicaba a sus alumnos de la Bauhaus el pintor Johannes Itten. Es de la luz de donde se despliegan los colores, y una manzana no es roja a menos que la manzana lo crea conveniente (por sus genes MYB10), y decida absorber las longitudes de onda necesarias para que la veamos colorada. De la luz son los infinitos tonos de la naturaleza y entonces, ¿cómo hacer un color? “De los blancos el de Melos; de los ocres el Ático; de los rojos el Sínope de Panto…” escribió Plinio el Viejo entre los años 23 y 76 después de Cristo. En la luz todos los colores son el blanco, al mezclarlos todos son el negro y he allí su grandeza y misterio. “El medio para ejercer influencia directa en el alma”, explicaba Vasili Kandinsky. El amarillo imperial con que solo era permitido colorear a la familia real en China. El blanco isabelino que rinde tributo a la espera del amado, como el tejido de Penélope. El rojo que se extraía solamente de la sangre de un dragón que había chupado dos o tres elefantes durante el verano, por el calor, claro. El bermejo que surgió del sudor de los pastores medievales sobre sus abrigos. El púrpura de Tiro en el que Julio César envolvió a su hijo cuando nació de Cleopatra. El azul que los pintores usaban solo si quien encargaba el cuadro lo pagaba aparte, por su rareza y precio. El rojo de la cochinilla, el color de las revoluciones, con el que se envolvió Túpac Amaru II antes de ser ejecutado. Cada uno creado por el ser humano contiene una historia, a veces accidentada, triste, trágica, divertida, extravagante o incluso salida de la ficción, del Mal de Montano en palabras de Vila-Matas. Este es un tributo que México DESIGN realizó para el alma del diseño, a los hijos de la luz.
*Varios textos de este reportaje se basaron en Las vidas secretas del color de Kassia St Clair. (Editorial Indicios. España, 2017).
Hexadecimal FEC700 RGB 254 199 0 CMYK 0 23 98 0 Pantone Solid Coated 7548 C
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MARILLO IMPERIAL Mucho de alquimia y de alegría. El amarillo es, para algunos, el tono que despierta, aviva y entusiasma. Es el color que recibe entre 574 y 582 nanómetros de luz, el que suena a trompetas según Kandinsky y el que Harvey Ball eligió en 1963 para crear la carita sonriente que hoy usamos hasta en nuestros mensajes por celular.
Comex Color Life Amarillo Banquete 034-07
CMYK 14 32 92 0
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Claudia Garibay COMEX Gerente Jr. Color
¿Qué valores distinguen a Comex? En los más de 70 años de Comex, la pasión siempre ha sido un valor que nos ha caracterizado. Cada día, como empresa y de manera individual, nos esforzamos por trabajar con intensidad, entusiasmo, energía y buen humor. Incluimos la ética e integridad en nuestra vida diaria, nos responsabilizamos por cada decisión y acción bajo un esquema de respeto y honestidad con nosotros mismos, así como con nuestros compañeros. ¿Qué acciones emprendieron como empresa para apoyar e inspirar a sus clientes este año? En mayo lanzamos Vinimex Antibacterial, un recubrimiento seguro e innovador; en las tiendas Comex se implementó la entrega a domicilio, fomentamos el “quédate en casa” y nos sumamos a campañas de meses sin intereses. Todas nuestras herramientas de inspiración, facilitación de color, guías de uso y aplicación las digitalizamos por completo. Nos emociona poder disfrutar de ColorLife Trends 2021 de Comex, ¿qué encontraremos en esta edición? Cuatro historias con las que conectaremos sin importar el momento en que nos encontremos, están ahí para hacernos sentir mejor. Son cuatro paletas de nueve colores cada una, con diferentes finalidades. Por ejemplo, Sombra es de colores vibrantes, juega con la luz y los altos contrastes. Milpa son colores tierra, marrones y arcillosos, ideales para el confort y calidez; Flora son tonos suaves, sutiles y curativos, su intención es bajar nuestra ansiedad y darnos paz mental. Alegra es muy armoniosa y feliz, con tonos casi como un arcoíris, es el aviso de que todo estará bien. Comex nos ha demostrado una actitud positiva y resiliente, ¿qué metas esperan lograr este próximo 2021 y cómo planean conseguirlas? Estamos enfocados en crear productos y servicios que cubran las necesidades de nuestros usuarios, pero sobre todo en fomentar y mantener su bienestar a través del embellecimiento y protección de sus espacios con productos innovadores de la más alta tecnología.
“OFRECEMOS SOLUCIONES PARA QUE LOS LUGARES SEAN ESCENARIOS DE MOMENTOS FELICES Y SIGNIFICATIVOS.”
Foto: cortesía de ColorLife Trends 2021 de Comex
COLOR DEL AÑO 2021 Banquete, el color del año del ColorLife Trends 2021, se desprende de Alegra, la tendencia más positiva de todas y que cuenta el final de este proceso pandémico, de cómo lo estamos viviendo. Se escogió Banquete porque es un amarillo orgánico, mineral, natural, que representa el dorado y los principios de luz de un amanecer. Surgiendo de la oscuridad, eso queremos comunicar, Banquete nos abre el camino hacia nuevos comienzos más brillantes, nuevas oportunidades, nuevos días. Apelamos al dinamismo único de los amarillos, a su energía, carga emocional y buena vibra que puede despertar en el ser humano.
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Amarillo Banquete 034-07
Headquarter Office of ViaBTC de ONEXN Architects Foto: Chao Zhang
Del maíz a la flor de calabaza. Del atardecer en la playa y el color de las guayabas o del nance. Este 2021, Comex declaró a su Amarillo Banquete 034-07 el color del año para expresar, según la marca, “resiliencia colectiva y positividad renovada”. Orgánico de tonos medios, fácil de combinar y perfecto para otorgar un detalle colorido a cualquier espacio. Para retomar el entusiasmo, nada mejor que comenzar con el “amarillo derecho” este año.
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7. 8. > 1. Hello Sunshine Neon Light Wall Sign de Lights4fun | lights4fun.co.uk > 2. Lemon Plates de Monday | mondayonline.co.uk > 3. Pure new wool waterproof picnic blanket - Mint Green & Yellow de Heating & Plumbing London | heating-and-plumbing.com > 4. Mini Almira Mustard Yellow Flocked Bust de Audenza | audenza.com > 5. Monocles de Essential Home | essentialhome.eu > 6. Yellow Garden Ulpia de Mindthegap | mindtheg.com > 7. 366 Rocking Chair de Józef Chierowski para Lime Lace | limelace.co.uk > 8. Pattee, yellow hand painted hanging pot de The Elephant Head | elephanthead.co.uk
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> 1. Trio de team form ag para COR | cor.de > 2. Dinosaur Bobo de Zuny | zuny.info > 3. Stunning Lemon Yellow Vase de Audenza | audenza.com > 4. Haipot Pendant Light de Dyberg Larsen para Lime Lace | limelace.co.uk > 5. Pegboard de Block Design | blockdesign.co.uk > 6. Colección “Four Couples Dining set” de LANZA Atelier | lanzaatelier.com > 7. Caruso de Paolo Cappello para Miniforms | miniforms.com
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Foto: Fernando Ocaña
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“Amarillo, color rico y luminoso que mantiene las cosas unidas, eleva el espíritu y suscita las visiones.” —B. N. Goswamy
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The Yellow Box. Ubicación: Vadodara, Gujarat, India. Arquitectura: TRAANSPACE. Fotos: Tejas Shah Photography | traanspace.com
TRAANSPACE, oficina dedicada a la venta de especias, logró simplicidad y alegría al proyectarse en amarillo, gris y las texturas de la madera.
The Yellow Box
Hexadecimal 183881 RGB 24 56 129 CMYK 100 82 1 16 Pantone Solid Coated 7687 C
A
ZUL COBALTO
¿Podremos separar al azul del melancólico blues? El azul tiene cuantiosos más compases que los doce del ritmo americano y más emociones que el periodo azul de Picasso. Azul es el manto de la Virgen María, imagen que dignificó el color en el siglo XII. De azul también los maravillosos cielos de Van Gogh, un poco tristes y melancólicos.
Little Giraffe, de Arne Jacobsen
Little Giraffe de Fritz Hansen | fritzhansen.com
Fritz Hansen rescató a Little Giraffe de los archivos del arquitecto y diseñador danés Arne Jacobsen. Nombrada así por su alto respaldo, fue diseñada para el restaurante del SAS Royal Hotel en 1959, pero no fue hasta 2018 que se comenzó a producir en serie. El diseño mantiene los ánimos de experimentación de Jacobsen, quien cambió varias veces la base de cuatro patas a otras funciones.
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> 1. Transylvanian Roots Folk Tiles de Mindthegap | mindtheg.com > 2. Rhinoceros Beetle de Mambo Unlimited Ideas para Micucci Interiors | micucci.co.uk > 3. Cyrcus Lavagna de In-es.artdesign | in-es.com > 4. Pluto de Rug’Society | rugsociety.eu > 5. Plant Box de Ferm Living | fermliving.com > 6. Riihitie Plant Pot B de Aino Aalto para Artek | artek.fi > 7. Castelle Chair de Eichholtz para Sweetpea & Willow® | sweetpeaandwillow.com
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“El azul no tiene dimensiones. Remite al mar y al cielo, a eso que después de todo es lo más abstracto en la naturaleza.” —Yves Klein
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> 1. Blue Mood No. 5 Canvas de Sweetpea & WillowŽ | sweetpeaandwillow.com > 2. Drops Persian Blue de Porcelain Superstore | porcelainsuperstore.co.uk > 3. Dean de Essential Home | essentialhome.eu > 4. Blow Away Vase de Front para moooi | moooi.com > 5. Sebra Häkelteppich gradient blau de TakaTomo.de | takatomo.de > 6. Color Box Highboard de Tom Tailor | tom-tailor-group.com > 7. Jellycat Medium Navy Bashful Bunny de Yellow Octopus | yellowoctopus.com.au > 8. Monochrome Blue Sideboard de Boca do Lobo | bocadolobo.com
ADIDAS x INSEP Space
ADIDAS x INSEP Space. Ubicación: París, Francia. Arquitectura: Ubalt Architectes. Fotos: Yohann Fontaine | ubalt-architectes.com
Ubalt Architects supo llevar la identidad de una marca a un nivel superior, al arte arquitectónico, en las nuevas oficinas de Adidas en París.
Hexadecimal 008C50 RGB 0 140 80 CMYK 100 1 85 9 Pantone Solid Coated 7725 C
V
ERDE ESMERALDA Crear el color verde resultó un verdadero dolor de cabeza: mezclar amarillo y azul estuvo prohibido durante años, y los materiales con los que se experimentó resultaban peligrosos. El color adoptó una fama medio malvada y misteriosa debido a los brebajes peligrosos donde se intentaba fabricar, y después por la “Fée Verte”, el hada verde que perdía a los franceses en la absenta.
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Zanotta Sacco Armchair de Piero Gatti, Cesare Paolini y Franco Teodoro para Zanotta | zanotta.it
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Zanotta Sacco Armchair Entre que si es un mueble o no. Entre silla o taburete. Aunque nos parezca relativamente nuevo y muchos se adjudiquen su diseño, lo que llamamos aquí puf se llama Silla Sacco y los diseñadores italianos Piero Gatti, Cesare Paolini y Franco Teodoro lo crearon para la marca Zanotta en Milán, en 1968.
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> 1. Elegant Brass Table Lamp Green Velvet Shade de Audenza | audenza.com > 2. Spirit Rug de Toulemonde Bochart para Chaplins | chaplins.co.uk > 3. Tealight Holder de Annabel James | annabeljames.co.uk > 4. Stonehenge Laponia de Boca do Lobo | bocadolobo.com > 5. Botanical Dresser in Amsterdam Green de Annie Sloan | anniesloan.com > 6. Green Mid Century Chair Painted In Chalk Paint de Annie Sloan | anniesloan.com > 7. Solvej Child Swing de Solvej | solvejswings.com > 8. Proyecto en Rising Talents Awards de Maison&Objet 2020 | maison-objet.com
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“El verde es el color principal del mundo, y del que surge su belleza.” —Pedro Calderón de la Barca
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> 1. Ceramic Praying Mantis de Mambo Unlimited Ideas para Micucci Interiors | micucci.co.uk > 2. Emerald 15 Piece Coffee Set de Vista Alegre para Micucci Interiors | micucci.co.uk > 3. Vitrina Tall Cabinet de Hierve para Case Furniture Ltd | casefurniture.com > 4. Carved Emerald de Boca do Lobo | bocadolobo.com > 5. Picasso de ACH Collection | achcollection.com > 6. Baker Sofa de Finn Juhl para House of Finn Juhl | finnjuhl.com > 7. Pendant Light AMA500 de Aino Aalto para Artek | artek.fi > 8. Gap dining table de Alain Gilles para Bonaldo | bonaldo.it
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Forest for Rest. Ubicación: Chongqing, China. Diseño: Leaping Creative. Fotos: Minjie WANG | leapingcreative.com
Inspirado en el escarabajo Hércules, este verde y terroso spa lleva el diseño de interiores para espacios de salud y belleza a otro nivel.
Forest for Rest
Hexadecimal E72C69 RGB 231 44 105 CMYK 0 92 33 0 Pantone Solid Coated 213 C
R
OSA ESCANDALOSO
¿Color rosa para las niñas y azul para los niños? Esto no fue así hasta entrado el siglo XX, antes los tonos dedicados a la masculinidad eran los rosados, considerados por los franceses como versiones jóvenes del rojo del uniforme militar. Despejado este supuesto, el rosa sin sus estereotipos se observa diferente: libre.
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> 1. DiseĂąo de Adrien Garcia en Rising Talents Awards de Maison&Objet 2020 | maison-objet.com > 2. Palm Springs Pink de Porcelain Superstore | porcelainsuperstore.co.uk > 3. Pink Planter de Monday | mondayonline.co.uk > 4. Yoko Eko de Mojow para Lime Lace | limelace.co.uk > 5. Echo Alarm Clock de Annabel James | annabeljames.co.uk > 6. Zambezi Duvet Cover de Emma Shipley | emmajshipley.com > 7. Teddy Bear de Vista Alegre | vistaalegre.com
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Pelican Chair, de Finn Juhl Un abrazo con inspiración surrealista. Esta legendaria creación de Finn Juhl, arquitecto y diseñador industrial a quien se le debe el boom internacional del diseño danés desde mediados del siglo XX, se llama Pelican por una excepción y debido a su forma, ya que él solía únicamente enumerar sus diseños. Es considerada una de las grandes obras maestras del diseño danés.
Pelican Chair de Finn Juhl para House of Finn Juhl | finnjuhl.com
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> 1. Fuchsia Pink Lamp de The French Bedroom Company | frenchbedroomcompany.co.uk > 2. Funky Undercover Antique Plate de Mineheart | mineheart.com > 3. Pompon Poodle de MYK | myk-berlin.com > 4. Reversible Glass Vase de Block Design | blockdesign.co.uk > 5. Stool 60 de Alvar Aalto para Artek | artek.fi > 6. Fuschia Pink Cockatoo de Ella James | ellajames.co.uk > 7. Waschbecken Neoclassica de Retrobad | retrobad.de > 8. Henry Hippo Little Pink Table Lamp de The French Bedroom Company | frenchbedroomcompany.co.uk > 9. The Curvarella Cherry Pink Velvet Chair de Audenza | audenza.com
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“Trato de aplicar colores como palabras que forman poemas, como notas que forman música.” —Joan Miró
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The Pink Zebra
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The Pink Zebra. Ubicación: Kanpur, India. Arquitectura: Renesa Architecture Design Interiors. Fotos: Saurabh Suryan – Lokesh Dang | studiorenesa.com
El rosa hasta sus últimas consecuencias. El despacho Renesa demostró en este hotel que el kitsch es un arte exclusivo.
Hexadecimal EC6428 RGB 236 100 40 CMYK 0 71 89 0 Pantone Solid Coated 7578 C
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ARANJA JENGIBRE
Dánae se llama en el cuadro. Está dormida, abraza telas y el oro con que Gustav Klimt redondeó su belleza. Color del Art Decó y del Golden Gate, de las zanahorias que no eran naranjas y que los holandeses tardaron más de cien años en colorearlas en honor a los ribetes de Guillermo I.
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> 1. Colección “Vente a México” de alumnos del Tec de Monterrey | jorgediegoetienne.com > 2. Stag Clock de Jan Morley para Annabel James | annabeljames.co.uk > 3. Children’s Orange Wooden Diplodocus Bedside Table Night Light de Lights4fun | lights4fun.co.uk > 4. Tube Dining Bench de Tom Tailor | tom-tailor-group.com > 5. Wall Coat Hook de Block Design | blockdesign.co.uk > 6. Jellybean Rug Mango de Sonya Winner Rug Studio | sonyawinner.com > 7. Laufrad de redtoys | redtoys.de
Panton Chair de Verner Panton | vitra.com
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Panton Chair, de Verner Panton La primera silla confeccionada en una sola pieza: un fabuloso mueble en forma de S que pudo fabricarse así hasta 1999 por Vitra. Partiendo de una línea orgánica, antropomórfica, el diseño es de Verner Panton. Hoy, Panton Chair no es solo uno de los grandes orgullos del diseño industrial danés, también es uno de los grandes iconos del Pop Art.
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“El sonido del naranja se asemeja al de una campana de iglesia llamando al Ángelus, o el de un barítono potente, o una viola interpretando un largo.” —Vasili Kandinsky
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8. > 1. Chair 69 de Alvar Aalto para Artek | artek.fi > 2. Inkaholic Rug de Rug’Society | rugsociety.eu > 3. Cushion Pacman Clyde Orange de Balvi Gifts SL | balvi.com > 4. Colección “Vitrina” de Hierve para Case Furniture Ltd | casefurniture.com > 5. Diseño de Rising Talents Awards de Maison&Objet 2020 | maison-objet.com > 6. Dukono de Brabbu Design Forces | brabbu.com > 7. Orange Zebra Plate de Audenza | audenza.com
Rustic Canyon Residence
Rodeada de eucaliptos, esta residencia rinde tributo al color de las hojas en otoño y a la enorme colección de arte de sus dueños.
Rustic Canyon Residence. Ubicación: Los Ángeles, California, Estados Unidos. Arquitectura: Conner + Perry Architects. Fotos: Taiyo Watanabe | conner-perry.com
El color
como lenguaje universal
>>Entrevista: Dolores Garnica >Fotos: cortesĂa de El Equipo Creativo
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Oliver Franz Schmidt, Natali Canas del Pozo y Lucas Echeveste Lacy forman El Equipo Creativo, estudio de Barcelona especializado en el diseño de espacios para la gastronomía y hospitalidad. Desde su fundación en 2010 ha obtenido varios de los más importantes reconocimientos internacionales por su trabajo. Son directores del Máster de Interiorismo del Instituto Europeo di Design de Barcelona.
Restaurante Disfrutrar
¿Qué puede aportar el color en la arquitectura y en la arquitectura de interiores? El color es vida, es cultura, es emoción. El color es básico para ayudar en el story-telling del proyecto, y por ese motivo que suele ser una herramienta fundamental en nuestros trabajos, que realizamos de forma muy conceptual. El blanco también es un color que puede transmitir varias cosas: luz, paz o pureza. Es tal vez por eso que parece imperar en muchos proyectos que buscan comunicar ese sosiego.
Puede transportarnos a un lugar. En nuestro diseño para el restaurante Disfrutar en Barcelona (noveno del mundo según el “World’s 50 Best Restaurants 2019”), el blanco nos lleva a la cultura mediterránea, que es precisamente lo que queríamos expresar. Entonces, el color se convierte en un lenguaje universal entendible para todas las personas, sea cual sea su procedencia, ayudándonos a expresar el concepto del proyecto.
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El diseño es también una solución a las necesidades de un cliente, ¿ha sido difícil para ustedes armonizar los gustos del cliente con sus propuestas? Normalmente nuestros clientes vienen a nosotros porque quieren un diseño especial, y nos dan mucha libertad para trabajar. Esto es muy importante para actuar con seguridad y crear espacios únicos y diferentes en cada propuesta. Por supuesto que el color siempre es un punto importante a acordar, pero cuando los clientes entienden el porqué de las decisiones, es decir, el significado que va a aportar el color al proyecto, les gusta más. Creo que es como cuando entiendes las motivaciones o el significado de una obra de arte, y te agrada más. Por lo regular, los espacios que trabajamos desde El Equipo Creativo son públicos en el sector del hospitality y comercial. En general se trata de una industria donde se valoran positivamente las propuestas arriesgadas y con personalidad propia. El color siempre es un aliado para diferenciarte y destacar. Tal vez hay diseños que encajan en el hospitality que serían difíciles de trasladar directamente a una vivienda particular, pero en este sector los gustos excesivamente personales quedan de lado, y entran en juego otros factores como el branding de marca.
Coctelería Blue Wave
Café Got
Un estilo, una firma. Ustedes mantienen un diferenciador muy interesante, ¿creen que tienen un estilo?, si es así, ¿cómo sería? Al abordar nuestros proyectos desde una perspectiva más conceptual y menos decorativa, no nos sentimos reconocidos con ningún estilo en concreto. Creemos que los espacios tienen que contar cosas, crear sensaciones y producir experiencias, y por supuesto, tienen que responder al concepto original de nuestro cliente, ya sea un concepto gastronómico o de lifestyle, o una marca con su branding específico. No necesitamos que nuestros proyectos sean necesariamente reconocidos como El Equipo Creativo, preferimos priorizar que se visualice la marca propia de ese espacio. Esto es muy valorado por nuestros clientes, ya que al final se sienten cómodos en el lugar que hemos diseñado, lo sienten propio, como un espacio que habla de ellos, y no tanto del diseñador. Supongo que es algo así como un traje hecho a medida.
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Restaurante OneOcean Club
Las Chicas, Los Chicos y Los Maniquís
Restaurante Ikibana
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Pero la realidad es que, al igual que cada maestrillo tiene su librillo —supongo que nosotros también lo tenemos— hay ciertas estrategias que se repiten en todo nuestro trabajo. Nos gusta la envolvente interior en todas sus caras, es decir, crear un elemento protagonista que nos envuelva, como los telares en el restaurante Pakta o la “ola” cerámica de la coctelería Blue Wave. También prestamos atención especial a los techos, que tratamos como una de las “fachadas” protagonistas del proyecto. Por ejemplo, el techo reflectante del restaurante OneOcean, o el techo orgánico del restaurante Ikibana.
El color es otro de nuestros recursos habituales, a veces por su propuesta arriesgada, como en el restaurante Las Chicas, Los Chicos y Los Maniquís, o por su propuesta claramente monocromática, como en blanco mediterráneo del comedor del restaurante Disfrutar o el azul marino de la Tunateca Balfego. Intentamos jugar con los contrastes, sorprender, trabajar con un punto irreverente, divertido o incluso surrealista, por supuesto cuando el proyecto así lo requiera. La realidad es que todas estas estrategias acaban creando un sello de El Equipo Creativo, aunque cada proyecto sea completamente diferente.
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Kimpton Vividora Hotel
Bala Perdida Club
¿Cómo son los colores de la cultura catalana?, ¿y de su gastronomía y arquitectura? Alguna vez hemos pensado en este tema. Por ejemplo, para el Hotel Kimpton Vividora de Barcelona, queríamos introducir los colores de la ciudad en las habitaciones del hotel. Nos dimos cuenta de que, aunque Barcelona es una ciudad llena de color, si tuviéramos que elegir tan solo dos colores serían el terracota-dorado de su arquitectura y el siempre azul del mar y el cielo. Estos fueron precisamente los colores que introdujimos en las habitaciones, creando una atmósfera muy chic, pero al mismo tiempo desenfadada, y sobre todo muy mediterránea.
En los tiempos que vivimos, ¿han pensado cómo serán los restaurantes del futuro?, ¿cómo cambiará la manera en la que nos relacionemos con el diseño de interiores? Parece una pregunta obligada en este momento y ojalá tuviéramos la solución a los grandes obstáculos que se están viviendo. Pienso que el trabajo de los diseñadores es encontrar soluciones a los problemas y circunstancias de cada proyecto, es parte del ADN del diseño. Ahora tenemos una nueva dificultad a la que enfrentarnos y lo haremos con las mismas ganas y actitud positiva y proactiva, como lo hemos hecho siempre. La misión de los arquitectos y diseñadores es crear espacios agradables, que hagan sentir bien a las personas que los utilizan, y tal vez ahora con más urgencia que nunca. Todos los acercamientos a este mismo objetivo son igual de válidos, tengan o no color.
Meister
>>Texto: Mariana Loaiza >Collage: Diana Arana
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n 1919, en la ciudad de Weimar, Alemania, se fundó la que tal vez sea la escuela de arte y diseño más famosa de la historia: la Bauhaus. Aunque solo estuvo operando hasta 1933 por presión del partido nazi, catorce años fueron suficientes para que legendarios artistas, diseñadores y arquitectos caminaran por sus pasillos. Walter Gropius, Mies van der Rhoe y Kandinsky formaron parte de su historia, y entre ellos surgió también una de las figuras más destacables para el diseño: Gunta Stölzl. La diseñadora escribió con su propio puño la palabra meister sobre su tarjeta de identificación de la Bauhaus en 1926. Meister, y no meinsterin, que es la palabra femenina para maestro. Meister Gunta Stölzl, así de simple. Fue electa por los estudiantes del taller textil, y después de algo de resistencia por parte de los demás maestros, Gunta se convirtió en la primera profesora de la Bauhaus. Hoy en día parece normal que una mujer dirija un departamento, pero antes, incluso en una institución tan disímil del resto, que una mujer tuviera un cargo de esa magnitud era un gran suceso. Su historia en el diseño se remonta a 1914, cuando se inscribió en la escuela de Artes Aplicadas de Múnich donde estudió cerámica y vidrio, que después abandonaría para ser enfermera voluntaria en la primera guerra mundial. Acabada la guerra Stölzl regresó a Múnich, pero pronto se mudaría a Weimar, a trabajar en los talleres de vidrio y mulares de lo que había escuchado era la escuela más revolucionaria de la época. El siguiente año fue admitida en la Bauhaus, y como era costumbre, fue asignada a una sección donde se enseñaban disciplinas aptas para mujeres, los textiles.
Tal vez hubiera estudiado alguna otra disciplina de haber tenido la oportunidad, pero pronto demostró sus capacidades en esta área, desarrollando así lo que hoy es conocido como el estilo textil Bauhaus. Al inicio, Stölzl estudió con Georg Munche, de quien aprendió a utilizar las técnicas y principios tradicionales de la pintura en textiles, hecho que marcaría su estilo único. Stölzl no solo manifestaba su dominio del color, sino una profusa experimentación con las técnicas de teñido, la composición y los nuevos materiales. Para 1926 tomó el control del taller de tejido y se dedicó a modernizarlo. Impulsó a sus alumnos a dejar los métodos de creación individuales y comenzar a diseñar con la producción industrial en mente, los animaba a experimentar con los teñidos, acabados y manufactura. Durante su dirección del departamento, y con ayuda de talentosas diseñadoras como Anni Albers, desarrolló nuevos métodos para probar la resistencia y durabilidad de los textiles. Tuvo que abandonar la institución en 1931 a causa del partido nazi, pero siguió produciendo por el resto de su vida. El trabajo de Gunta Stölzl pasa a la historia como algo más allá de un textil con composiciones impecables y un uso del color nunca antes visto. Cada pieza representa su lucha por llegar a dirigir el departamento de una de las escuelas más importantes de la historia, su capacidad para revolucionar por completo una disciplina y el impacto que sus métodos tuvieron en una industria entera. Claro, su obra es digna de admirarse por sus cualidades estéticas, pero entre sus fibras hay una gran historia entretejida.
Ey México
OXÍGENO
ARQUITECTURA EL FUTURO DEL DISEÑO CORPORATIVO >>Entrevista: Yaheli Hernández >Fotos: Víctor Castro, Anastacio Malacara y Arely Medina
E
n un contexto donde el entorno cambia vertiginosamente, para Jorge Armendáriz, pieza fundamental de Oxígeno Arquitectura, la reinvención es vital en los procesos de la firma. Este precepto queda asentado en proyectos como Ey México, donde se enfrentaron al reto de maximizar el espacio, ya que el área de las oficinas se redujo a la mitad. “Conseguimos crear un lugar democrático que los usuarios aprovecharan en función del tipo de trabajo que desempeñan y no en términos jerárquicos”, señala Jorge. La metodología de la firma tiene como eje principal al usuario. “El hilo conductor es un proceso de design thinking al que agregamos elementos desarrollados por nuestra área de Research & Development, que nos permiten reinterpretar los lugares de trabajo mediante la integración de sus componentes físico y virtual, para el óptimo aprovechamiento del entorno”, relata el arquitecto. Su trabajo no está exento de tecnología, pues “es un componente clave que permite estar a la vanguardia”, sentencia Jorge. En el caso de Roche Aulas, tuvo un papel protagónico: “Tiene un impacto contundente en el funcionamiento del training center, pues está automatizado a través de un sistema BMS (Building Management System) y cuenta con medidores hidrotérmicos, además de infraestructura eléctrica y control estático para asegurar el funcionamiento preciso de equipos de bioquímica clínica e inmunoensayo”.
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Roche Aulas
“Nuestro diseño de espacios comprende la raíz del problema para que la solución se ajuste con precisión.”
Para Oxígeno Arquitectura el esquema de colaboración es fundamental. “Conformar un equipo específico para cada proyecto nos coloca en la posición ideal para propiciar la colaboración a partir de los espacios que diseñamos”, dice el arquitecto, “nuestros ecosistemas productivos están pensados para fomentar la interacción entre los colaboradores de la empresa”. Jorge señala tres retos para el futuro de los espacios corporativos: flexibilidad, sustentabilidad e inteligencia. El primero debe “ayudar a las organizaciones a reaccionar ante condiciones variantes e inciertas”, el segundo, tratar de mitigar el impacto negativo de una obra en el ambiente, mientras que el tercero, ir más allá de las soluciones técnicas, y buscar “cambiar nuestra idiosincracia para valorar la relevancia de medir, generar información y hacer un análisis que norme nuestro proceder”.
Principal
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  Edificio Indianilla
C2D
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ARQUITECTURA
DE BALANCE >>Entrevista: Selene Flores >Fotos: Camila Cossio y Onnis Luque
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A
ndrés Padilla Buerón y Pablo Desvignes Pérez-Borja son codirectores y fundadores de C2D, firma localizada en la Ciudad de México que se dedica al diseño de proyectos de distintas escalas y usos. Al día de hoy, han destinado gran parte de su trabajo a la remodelación de edificios con valor histórico, con el propósito de rescatar y reintegrar espacios al entorno urbano. Su trayectoria comienza desde su paso por la Universidad Iberoamericana. “Hicimos cada uno nuestro proyecto de tesis dentro de la Cátedra Blanca, ambos fueron casos de reciclaje urbano. La premisa era encontrar inmuebles de valor histórico en donde se pudiera hacer un planteamiento integral de un proyecto inmobiliario que recuperara el edificio, además de agregarle un componente nuevo”, recuerdan. Con este mismo espíritu de conservación y sustentabilidad, en 2006 crearon su propio despacho. Para Andrés y Pablo, una metodología de trabajo estructurada y flexible es la clave de adaptación a los distintos retos que la restauración arquitectónica implica. Parten con la noción de que cada proyecto de esta clase apunte hacia un propósito último: encontrar el balance entre preexistencia, estructura, espacio y habitabilidad.
La elección de las mejores herramientas disponibles, una base BIM correctamente documentada y la comunicación efectiva con cada cliente son los elementos básicos con los que emprenden cada proyecto. “Nos gusta mucho el aspecto de restaurar lo que se hizo hace décadas. Te permite trabajar con ciertos materiales y mano de obra muy especial que rara vez se utilizan en las obras actuales”. Al final, sus esfuerzos resultan también en nuevos aprendizajes, y termina siendo un quehacer nostálgico. Uno de estos proyectos ha sido el Edificio Indianilla, que es el personal favorito de los arquitectos por los retos que su tamaño y complejidad supuso. “Fue el más grande de este tipo, con una intervención importante, y al ser de un estilo moderno de los años 50 fue diferente a las demás rehabilitaciones en las que habíamos trabajado”. Sin duda, el impacto de los trabajos de restauración de C2D nos invita a la creación de nuevos entornos urbanos con un enfoque de respeto y conservación. “Rehabilitar edificios es una forma de honrar a la zona y a la cultura local. Existe también un impacto estético y perceptual en cuanto a seguridad y bienestar que es casi optimista”, concluyen.
“Lo más satisfactorio es el proceso de reconfigurar lo que existe y ‘resolver’ el espacio para el nuevo uso.”
Edificio Marsella
Edificio Turín
ANDRÉS PADILLA BUERÓN Y PABLO DESVIGNES PÉREZ-BORJA
PISOS Y MUROS >>Investigación: México DESIGN >Fotos: cortesía
First Bloom Monochrome de Stacy Solodkin para Feathr | feathr.com
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> 1. Form Laney de Interceramic | interceramic.com > 2. Gold pleated Wall Clock de Audenza | audenza.com > 3. ESSEX de Brabbu | brabbu.com > 4. Pins Coat Hanger de Marioni para Florenceglam | florenceglam.com > 5. Harmony Grand de Interceramic | interceramic.com > 6. Nanda de Serena Confalonieri para Medulum | medulum.it > 7. EterniaÂŽ Azure Gray de Interceramic | interceramic.com > 8. Animal Rabbit de KARE | kare.es
Harmony Grand, Form Laney y Eternia Azure Gray de Interceramic | interceramic.com
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Soft Pop La nostalgia formará parte de las tendencias 2021. Aires curvilíneos que recuerdan a los frenéticos años 60 y 70.
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> 1. Gold faux-marble folding screen de Boca do Lobo | bocadolobo.com > 2. Colección “3 Marias” de Hommés Studio | hommes.studio > 3. Eccentrico small de Giorgio Ragazzini para VG | vgnewtrend.it > 4. Melvin Armchair de Sweetpea & Willow | sweetpeaandwillow.com > 5. Bologna Eco de Yorkshire Fabric Shop | yorkshirefabricshop.com > 6. Swoon Black de Porcelain Superstore | porcelainsuperstore.co.uk > 7. Bohemia de Joan Gaspar para Marset | marset.com > 8. Colección “Slash Limits” de Elena Georghiadou para Yo2 | yoyo-designs.com
Geometría
La luz es también una exploración del color, su posición genera distintas tonalidades creando a su vez un juego geométrico a la manera de Rothko o Turrell.
Adhesivo: CREST Gran Formato | crest.com.mx Serie Sten out de la colección “Esencia Natural” de Firenze Showroom de Vieyra Arquitectos en Design Week México 2020. Foto: ©Alejandro X. García S. y León García Echeagaray
AFINIDAD
NATURAL > Entrevista: Aranza Sabina
FABIÁN ESCALANTE
Casa MS. Foto: César Béjar
Rancho Sierra Allende. Fotos: Jorge Succar
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n ocasiones la pregunta obligada para los arquitectos es qué los llevó a elegir su profesión. Con Fabián Escalante la elección se remite a las vivencias de infancia, pues su padre es también arquitecto, y cuando pequeño disfrutaba acompañarlo a la obra y estar en el despacho, además de que siempre sintió gran afinidad por el dibujo. Llegada la hora de entrar a la universidad, sus alternativas crecieron, aunque no dejaban de estar ligadas al arte y al ser humano. Entre el cine, las artes plásticas, el diseño gráfico, la filosofía o la política, solo el pasar de los años le hicieron percatarse de que a todos esos gustos los conecta la arquitectura: finalmente esa fue su decisión. En un inicio, a la par de sus estudios, Fabián trabajaba con su padre. Luego formaron un despacho juntos que desembocaría con el tiempo en la decisión de apoyarse cada uno desde su trinchera. E Arquitectos es el resultado de largas experiencias, pues para Fabián “todas las ideas cambian”, por eso al salir de la universidad decidió aprender de otros profesionales y estudiar un máster en Arquitectura Bioclimática en Barcelona. Hoy en su andar ha aprendido de las más diversas fuentes, escuelas y disciplinas, que transfiere a la hora de resolver encargos, y que se complementan en su colectivo, donde “quizás lo más desafiante sea tratar de converger en una misma línea, y lo más valioso sea que las respuestas se enriquecen”. En los momentos claves del arquitecto, los concursos han representado para él ese entusiasmo e inquietud por seguir creando. Este año fue reconocido por el Rancho Sierra Allende dentro de la XVI Bienal Nacional de Arquitectura Mexicana. “Es muy gratificante, pues hay tantas situaciones que se viven en el transcurso y desarrollo para verlo materializado que en ocasiones uno se cuestiona si todo esto vale la pena”. Al ver sus construcciones finalizadas, cualquiera concordaría en que efectivamente valió el esfuerzo detrás, y es que en sus diseños se advierten las soluciones efectivas, que no contaminan. “Creo que hay que regresar y voltear a ver con detalle lo que la naturaleza nos otorga, y con ello cumplir nuestro sueño, sabiendo que se ha dejado un mejor lugar para nuestros hijos y las nuevas generaciones”, quienes quizás como Fabián encontrarán en la arquitectura su proyecto de vida.
Casa AB. Foto: Francisco Vázquez
NUEVOS RELATOS DESDE
LA IMAGINACIÓN >> Entrevista: Nadia Margarita >Fotos: Manolo R. Solís
El Pedregal
ROBERTO RAMÍREZ PIZARRO
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oder darle vida a lo imaginado”, responde el arquitecto Roberto Ramírez Pizarro cuando le pregunto por qué eligió su trabajo. “Ver una creación levantarse del papel y transformarse en algo tangible puede ser sumamente adictivo”. Su firma, R79, tiene diez años de trayectoria en Mérida. “Hemos tenido la dicha de realizar varios proyectos de diferente índole”, relata el arquitecto, “en ellos confirmamos la necesidad de tener una idea, ya sea formal, espacial o poética, que ayude a encaminar el proyecto, que por lo general no está en el programa de necesidades, pero es sumamente necesario”. Si R79 tuviera un manifiesto, este se dirigiría a llevar el diseño hasta sus últimas consecuencias, buscando el asombro del cliente. Sus proyectos se afincan en Mérida, escenario complicado a los ojos del arquitecto, puesto que carece de paisajes de ensueño, a diferencia del resto del país. No obstante, esta “falta de cuento”, los obliga a inventar una historia: “vencer las cotidianidades y darles un toque personal cargado de imaginación”. Mientras que para otros el cliente es ‘un mal necesario’, Roberto Ramírez encuentra en ellos amigos, que juegan un papel crucial en el desarrollo del proyecto, y con quienes siempre está agradecido. “Los vemos como ‘cómplices creativos’, que nos ayudan e impulsan en nuestras locuras”. Y es que, para el arquitecto no hay mejor carta de presentación que la satisfacción del cliente, que se convertirá después en recomendación. Es común pensar que, al terminar una obra, los arquitectos pasen a la siguiente y se olviden de la anterior. Sin embargo, una edificación está hecha para perdurar, y no deja de ser un ejercicio ver su evolución. Le pregunto a Roberto Ramírez si tiene una relación con sus obras terminadas. “Totalmente”, responde sin dudar, “siempre las tengo presentes y en el momento menos pensado, paso a visitarlas. Creo que se quedan en nuestra memoria y muchas veces no solo física, sino mentalmente, nos transportamos a ellas. Viven activas en el disco duro de nuestro cerebro, impregnadas en nuestro ADN, cobijadas en nuestro corazón”.
Hogsons
cocinas >>Investigación: Yaheli Hernández y Aranza Sabina >Fotos: cortesía
Gamadecor de Porcelanosa | porcelanosa.com
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cocinas
Proyecto San Polo de Abimis | abimis.com
Neu Picher de Ferm Living | fermliving.com
GILDA® Grinder de GILDA Kaffeemaschinen | gilda.swiss
Para una inspiración visual del siglo XX, los grifos de estética industrial funcionan a la perfección. Colección “Artesso®” de Brizo | brizo.com
Steel, Classic FS, Topos de LEICHT | leicht.com
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Cuchara gres glaseado de Zara Home | zarahome.com
Gamadecor de Porcelanosa | porcelanosa.com
Dale relieve a tu cocina con vajillas de color intenso y moldes irregulares de origen sustentable.
Ovni Bowl de SAMPERE | samperebarcelona.com
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cocinas
Colección “Ego” de Abimis | abimis.com
Tomo Kitchen Tools de Ferm Living | fermliving.com
Plato llano flores de Zara Home | zarahome.com
Globe Vaccum Jug de Eva Solo | evasolo.com Sensate® de KOHLER | la.kohler.com
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El vidrio, a través de diseños escultóricos que sigan siendo discretos y funcionales, es un must para reuniones en casa.
Colección “Tank” de Tom Dixon | tomdixon.net
Que el lugar donde nace la comida lleve recuerdos de tu ciudad favorita, quizás mediante toallas de patrones o ilustraciones coloridas, pero aún sutiles.
Copenhagen Tea Towel de Ferm Living | fermliving.com
Salzburg LC 75B de Lohberger | štedilniki.si
RESTAURANTE
VENENO >>Entrevistas: Aranza Sabina y Yaheli Hernández >Fotos: Sebastián Lara @sebastianlaraphoto LARA HNOS.
JUAN MONTEÓN
“La ligadura entre ambiente, personas, comida, materiales y música.” Una monumental obra de celosías apunta el lugar, una vez dentro, un piso exclusivo de centros de consumo te recibe como antesala de lo que será una experiencia holística. Una vez llegado a Veneno, sin más vidrios que los de las copas, la apertura del espacio te invita a tomar asiento. Desde tu lugar ves cómo se hace presente la relación entre naturaleza y ser humano; adobe, madera natural y el cuero de las sillas asoleado, lo que te rodea en Veneno está lejos de hacerte daño. Apenas te sientas, ya te acompaña el sunset, y una música e iluminación que se modulan conforme avanza el día. Hasta aquí el ambiente ha valido ya para una siguiente visita obligada, pero que la puesta de sol no te embelese al grado que olvides pedir de comer. ¿Un platillo?, el crudo del día, pescado de granja del Mar de Cortés llamado carpaccio. El solo hecho de ponerlo a tu mesa te llevará todo el aroma del mar. Mientras lo pruebas, ya has visto que una de las partes que más predomina es la barra. ¿Y de tomar?, un coctel en plato hondo de madera, hecho a base de un destilado conocido como sotol, agave que tiene
parentesco con el ajo y la cebolla, pero que además contiene veneno de víbora de cascabel. Eso sí, todo servido con sus respectivos jugos de cítricos naturales y las infaltables garnituras de media luna. ¿Qué hace esta combinación en mi cuerpo?, cuando se percate que ha entrado algo que le puede causar daño, empezarás a deshidratarte, te dará más sed y entonces pides otro. Entre la degustación quizás te entre la duda, ¿y los muros de adobe, y ese techo lleno de figuritas? Pues porque todo lugar nace de la inspiración, y en Veneno lo es México, pero una parte mítica de este: Paquimé. En Chihuahua, dentro del poblado Casas Grandes, hay una zona que se caracteriza por su energía. Se cuenta que los pobladores de la época vieron abrirse un portal por el que viajaron a través de los mundos. “Sus casas eran como las de ahorita, de techos planos y cuatro paredes, siendo que en esa misma época otros hacían pirámides”, te relatan al tiempo que te sirven otra bebida. De modo que se traslaparon los tiempos debido a esa máquina estelar, y en Veneno la versión de esta sería el plafón basado en sus ruinas, de ahí los muros erosionados. Para cuando pides la cuenta, no dejas de pensar en estas particularidades que te harán volver…
Concepto: Poncho Cadena y Juan Monteón Construcción: Monteón Arquitectos Asociados y PRAGMA Estudio Concepto, diseño y desarrollo de techo: Mauricio y Sebastián Lara LARA HNOS
LARA HNOS
“Fuimos invitados por los propietarios, Juan Monteón y el chef, Poncho Cadena. Previamente colaboramos para su primer proyecto en Guadalajara, el Hueso”, recuerdan Mauricio y Sebastián Lara, miembros de LARA HNOS, sobre los inicios de Veneno, ganador del Restaurant & Bar Design en las categorías Mejor Diseño de América y Mejor Techo, esta última en competición internacional. “Queremos un lugar que sea como el pueblo Tatooine, de Star Wars”, pidieron Monteón y Cadena, “y que ustedes trabajen el techo”. Al ver las imágenes, los Hermanos Lara trajeron a la memoria el pueblo de Paquimé, en Casas Grandes, Chihuahua. Los dueños quedaron fascinados: “¡Justo eso es lo que queremos hacer abajo!”, exclamaron. Y para el techo, querían que fuera similar a la estrella de la muerte, volviendo a Star Wars. Para iniciar, los Lara pensaron de qué manera el concepto de adobe de la parte inferior podría convivir con sus ideas. “Ahí se involucraron”, dicen, “los arquitectos Javier Monteón, de Monteón Arquitectos Asociados, y Juan Antonio Ángel Ramírez, de PRAGMA Estudio. Ellos aterrizaron las ideas de Juan y Poncho para el desarrollo de la arquitectura”.
“Diseñamos varias ideas de módulos, con tres conexiones arriba, en medio, a los lados y abajo, de manera que si los rotas pegan unos con otros. Lo que queríamos es que no se percibiera un patrón completo, sino como cuando ves un mapa de una ciudad”, relatan. Los Hermanos Lara desarrollaron nueve módulos distintos, fabricados en termoformado con plástico poliestireno. Unos de ellos tienen unas grecas o secuencias que parecen circuitos electrónicos, pero que en realidad están tomados de una síntesis de partes de la planta arquitectónica del pueblo de Paquimé. “Una vez que tuvimos todo el esquema, trabajamos con la planta arquitectónica y con la de iluminación y de sonido que nos pasaron los arquitectos. Con ese desarrollo, adaptamos nuestra secuencia de módulos para hacer coincidir, donde se requiriera, por ejemplo, una lámpara, a uno de los módulos que diseñamos: le cortas el centro y ahí empotras la lámpara. Fue como jugar Tetris”.
De mágico a mítico, y luego a natural.
ยกEs momento de inspirarte en nuestras redes! Espera nuevo material este 2021 donde un experto te darรก exclusivos consejos para realizar proyectos inigualables.
mexicodesign.com
TAKERS
MAAD ARQUITECTURA Y DISEÑO >Fotos: Aldo Gracia y Aldo Rada
Lope de Vega
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Me llamo Mariano Aguirre, soy fundador de MAAD Arquitectura y Diseño. Establecidos en enero de 2015, en MAAD hemos realizado de la mano de nuestros clientes más de treinta proyectos de manera exitosa, teniendo siempre en mente la satisfacción de cada uno de ellos. Para nosotros, lo más importante es que el cliente haga suyo el proyecto, por lo que no creemos en tendencias o modas. El estilo arquitectónico y de diseño de las propuestas es una respuesta al estilo de vida y personalidad de quien lo habita. Trabajando en conjunto, tomamos sus ideas y gustos para dar vida a un espacio que les haga sentido, que sea confortable y único. Tenemos la convicción de que quien vive en un espacio correctamente diseñado, que responde a sus necesidades y a su estilo de vida, lo aprovecha al máximo y desarrolla mejor cualquier actividad para la que haya sido pensado. Nuestra visión “Design as a Life Enhancer”, nos dice que la arquitectura y diseño, lejos de ser un lujo, son fundamentales para una vida en armonía.
Lope de Vega
  Rada
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TA K E O V E R ¿Cómo definirías la esencia de MAAD? Somos un despacho de arquitectura especializado en el diseño de interiores, donde escuchando y entendiendo las necesidades de nuestros clientes, damos forma a espacios que hablen de ellos.
¿Cuáles son tus tendencias y materiales favoritos? Las tendencias retro y los clásicos del diseño son mis favoritos. Mi material preferido es el mármol y las piedras en general, creo que se pueden utilizar en acabados y piezas de mobiliario dándoles mucho carácter.
¿Qué libros te han inspirado? Hay un libro en particular. Architect: The work of the Pritzker Laureates in Their Own Words de Black Dog y Leventhal Publisher. Me ayudó a entender cómo detrás de un gran proyecto siempre existe la inspiración, que es el usuario.
¿Qué consejo le darías a alguien que quiere comenzar su propia firma? Creo que el mejor consejo que les puedo dar es: arriésguense. Vale la pena. No es fácil y se requiere de mucho trabajo y esfuerzo, pero todos empezamos ahí. Si tienen algo que decir, díganlo. El diseño es eso, es muy personal. Sean propositivos y van a encontrar su marca y su camino.
Disfruta del Takeover completo escaneando este código
baños >>Investigación: Yaheli Hernández y Aranza Sabina >Fotos: cortesía
Colección “Las Dimensiones del Bienestar” de Kohler | la.kohler.com
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Organic Bath Towel de Ferm Living | fermliving.com
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Oman Basin de Apaiser | apaiser.com
Dale un toque de calidez al ambiente del baño con colores suaves, y por qué no, una planta aromática o esencia. Dos de Estudio Diario | estudio-diario.com
Colección “Happy D.2 Plus” de Sieger Design para Duravit | la.duravit.com
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Colección “Kelio 63” de Fir Italia | fir-italia.it
Colección “Veil” de Kohler | la.kohler.com
Con el actual —y posible a futuro— modelo de vivienda que persigue el bienestar desde un estilo más limpio, fresco y abierto, será un acierto elegir piezas de corte minimalista.
CROSS de Scarabeo Ceramiche | scarabeoceramica.com
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Katie Scott Wallpaper-Shells de Ferm Living | fermliving.com
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Colección “Frieze” de Marcante-Testa para Ex.t | ex-t.com
H_20 de Antrax | antrax.it Krion® de Porcelanosa | krion.com | porcelanosa.com
Las tendencias 2021 invitan a colorear los espacios que antes no nos atrevíamos a pintar: los accesorios en tonos suaves y pasteles estarán en boga.
Set de baño de Zara Home | zarahome.com Sampan Shower Bath de Apaiser | apaiser.com
Alfombra de baño de H&M HOME | 2.hm.com
Toilet Paper Holder de Ferm Living | fermliving.com
PORTOPICCOLO
SPA
Diseñado en Trieste por Studio Apostoli, solo un lugar como Portopiccolo Spa podía ganar el 2020 World Luxury Spa Awards, un verdadero oasis situado a la orilla del mar. Distribuido en tres niveles, el ground es un espacio más colectivo y coral. Con forma de abanico, la planta baja alberga salas de usos múltiples, estudios de peluquería y una piscina de entretenimiento. Escalando a la siguiente planta aumenta la intimidad y privacidad con piscinas aisladas que dialogan con el gran paisaje. Adicionalmente, la cueva de sal para inhalar yodo micronizado, el biosauna y el hamman otorgan a sus huéspedes una experiencia ultra de relajación. En el piso superior, el spa de belleza de múltiples cabañas ofrece variedad de tratamientos, con camino Kneipp, fachada de hielo, sauna, baño de vapor. Portopiccolo Spa es el centro del bienestar.
Una cáscara “verde” que reúne ritualidad y emoción.
VOLÚMENES: REFLEXIVOS Y HONESTOS Detrás de los proyectos de la firma LR Arquitectura, dirigida por los arquitectos Carlos Teodoro Rodríguez Laura Gutiérrez y Eduardo Lassala Orozco, hay un gran trabajo colaborativo y experimental, además de procesos de análisis, estrategia y producción. >>Entrevista: Patricia de la Rosa >Fotos: Horacio Virissimo
Casa Ruiz
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casas
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S Casa JE
e puede percibir una dualidad compuesta por dos volumetrías irregulares presentes en Casa Ruiz. Creemos que a través del diálogo entre ambos volúmenes es posible promover intenciones en cada ambiente dependiendo de la tensión generada por las irregularidades en sus dimensiones o cercanías. Por ejemplo, percibimos que ambos volúmenes se comportan de manera prudente en las áreas privadas para generar una relación de intimidad. Por su parte, en el núcleo central de la casa tenemos una relación de mayor complejidad para promover dinamismo y flexibilidad: mientras un volumen se limita al interior y otorga altura que desplaza hacia la terraza superior, el otro se limita a la planta baja, pero se extiende hacia el exterior para invitar a una apropiación de las áreas. Desde un principio identificamos la atemporalidad como el objetivo principal en Casa JE, entendiéndola como un testigo proyectado para acompañar a los habitantes durante el crecimiento y desarrollo de la familia. Consideramos que debíamos presentar la arquitectura con proporciones armoniosas y ornamentos mesurados para evitar la contaminación visual y permear en una relación amigable con sus habitantes. En los materiales encontramos la oportunidad para enfatizar el paso del tiempo y propusimos aquellos que cambian constantemente por la exposición al medio ambiente. En el exterior predominan dos materiales que también se perciben en el interior, ladrillo aparente rústico y enjarre pulido blanco, ambos contrastan en textura y tonalidad para delimitar proporciones y evidenciar de manera comparativa su maduración con el tiempo. Creemos que la inspiración está en la cotidianidad de la vida, es esencial desarrollar nuestra sensibilidad para profundizar en las experiencias e identificar cuáles son los elementos involucrados. Podemos encontrar inspiración en una comida familiar, ver cómo el funcionamiento de la cocina y el comedor facilitan un convivio, pero la iluminación, colores o materiales generan un ambiente lleno de emociones”.
Revisa a detalle la propuesta volumétrica de LR Arquitectura escaneado este código.
CONTINUIDAD DESÉRTICA >>Texto: Aranza Sabina >Fotos: Onnis Luque, cortesía de Elías Group
Ciudad Juárez, zona de industrialización, alta marginación y comunidad de migrantes, es una ciudad donde inevitablemente se producen encuentros, en la que los parques han funcionado como puntos de recreación, integración y de contacto con lo natural. Estas características se descubren en “La Duna Skatepark”, un proyecto de la Facultad de Arquitectura de la UNAM, estilizado por Valia Wright, Eduardo Peón y Francisco Elías en colaboración con Edgar Rico, así como urbanistas y sociólogos. A través del programa de Mejoramiento Urbano 2019, el Parque Municipal Oriente se rediseñó como la atracción del vecindario Tierra Nueva. Los referentes del equipo fueron el patinaje y los Médanos de Samalayuca, con la intención de reconocer los elementos constitutivos del paisaje desértico que los rodea, una exaltación del patrimonio natural. La pista, pieza continua de concreto terso y tonalidad arenosa, se segmenta en tres amplias secciones destinadas a las diferentes modalidades del skateboarding : bowling, estilo callejero y obstáculos para principiantes. A su vez, la zona rodeada por jardines y una ciclopista, conecta con el edificio de administración, aulas para talleres, un mirador de usos múltiples y un anfiteatro, dando capacidad para hasta cinco mil visitantes.
Entre obstáculos y sombras, la Duna se destinó para ser el punto que reúne afición por el deporte y el deseo de esparcimiento al aire libre.
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Sofía Galán, Mónica González y Cristina Martínez Con sello atemporal >>Entrevista: Selene Flores >Fotos: Pentaprisma >Retrato: Pamela Baxter
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ofía, Mónica y Cristina se unieron por la casualidad. Aunque tenían una amistad que venía de años atrás, nunca consideraron ser socias, cada una se desarrollaba de manera independiente, pero en las mismas áreas, como orbitándose. No fue sino hasta 2011 que coincidieron en el desarrollo de un proyecto, cuando se dieron cuenta de la química que existía entre las tres. “Hicimos una excelente mancuerna y trabajamos muy bien. Los resultados fueron mejores de lo que esperábamos, y así fue como decidimos abrir nuestro despacho: AT Interiores”. Mónica es arquitecta y se enfoca en el área técnica del proceso: acabados, iluminación y plafones forman parte de su área de expertise. Cristina y Sofía son diseñadoras. Cristina goza de un excelente ojo para escoger mobiliario, telas, tapices, luminarias, accesorios y demás, mientras que Sofía concentra su atención en el diseño de carpintería, acabados y detalles finos. Las tres conforman un equipo que combina sus fortalezas para conseguir resultados exitosos. “Nos involucramos de diferente forma en cada proyecto, pero siempre nos mantenemos enteradas de lo que está pasando y de lo que sigue para no perder el hilo.” Tras casi una década de trayectoria juntas, han logrado construir una esencia timeless en sus propuestas, como ellas mismas la describen. Sin dejar marca de ninguna época, AT es la abreviatura y filosofía de esta firma: atemporal.
Sin embargo, entienden la importancia de dotar cada espacio con lo que es más querido por sus clientes. Al final del día, aunque el estilo de las tres socias y de quienes van a habitar el lugar sean muy distintos entre sí, disfrutan superar estos retos para entregar resultados que les fascinen a ambos. “Nos hemos encontrado con clientes que conciben su residencia con un estilo muy diferente al nuestro, pero de cierta manera les gusta lo que hacemos. Tratamos de respetar el gusto del cliente combinándolo con nuestro sello. Al final, tenemos un resultado que les gusta tanto a ellos como a nosotras”. Asimismo, hay proyectos y momentos predilectos que las hacen explorar nuevas ideas y explotar su creatividad. “Los más divertidos son aquellos donde los clientes nos dan libertad de crear. Dejan todo en nuestras manos confiando plenamente en nuestro gusto y pasión, que es el interiorismo, eso nos hace sentir muy halagadas. Después, disfrutar el resultado final es algo muy satisfactorio. La experiencia de ver un proyecto terminado tal cual lo propusimos y diseñamos para el cliente, no tiene comparación”.
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“Crear un estilo que perdure por el resto de las vidas de nuestros clientes es en lo que nos enfocamos.”
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REINVENTAR EL COLOR >>Texto: Yaheli Hernández >Fotos: cortesía
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Vitra Colour Library
“Cada nuevo color está diseñado para acentuar las cualidades de la textura y la superficie del material.”
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Danskina
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HELLA JONGERIUS
Coloured vases series 3
as implicaciones del color son infinitas. Puede abanderar un movimiento, como la marea verde de quienes abogan por los derechos de las mujeres. O ser sinónimo de exclusión, como apunta Alice Rawsthorn al referirse a las zapatillas de ballet que fueron rosas hasta que el bailarín afroamericano Arthur Mitchell insistió en que todos los ejecutantes tuvieran medias y zapatillas personalizadas. Para Hella Jongerius, diseñadora neerlandesa, la búsqueda más importante radica precisamente en el color. En expandir su espectro. En probar sus límites. “El color toca muchísimos aspectos del diseño: palabras, formas, materiales, física, espacio, luz. Experimentar el color depende completamente de este contexto físico, visual, artístico y cultural”, sentenció en entrevista para el Design Museum de Londres. La obra de Hella combina técnicas manuales con nuevas tecnologías, lo tradicional con lo contemporáneo; persigue crear productos de carácter individual dentro de una producción industrial. Su vastísima obra es concebida por ella misma como inacabada, parte de algo más grande: en lo inconcluso, lo provisional y lo posible reside
el potencial de los materiales. Por ello, Jongerius celebra la importancia del proceso e invita al usuario y al espectador a ser partícipes de él. En 1993 fundó Jongeriuslab. En 2005 diseñó Polder Sofa para Vitra, cuyo éxito hizo que el gigante de la industria mobiliaria le pidiera al año siguiente hacer una investigación profunda a sus productos, colores y texturas. Para 2017, fue nombrada directora de arte de colores y materiales de Vitra. En ese mismo año fue reconocida con Sikkens Prize, premio de arte independiente de los Países Bajos otorgado a contribuciones especiales en el ramo del color.
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BREATHING COLOR La premisa principal para Breathing Color es una pregunta formulada por Hella: “¿De qué manera influye la luz a lo largo del día en los colores y materiales?” El comportamiento del color, sus formas, materiales, luces y sombras, cómo cada uno de estos elementos —básicos para el diseño— se relacionan y se superponen entre sí. Enfrentar al color con la forma. ¿Qué tan importante es el tamaño y el volumen para el color? ¿Cómo los objetos coloreados influyen unos sobre otros?, se pregunta Hella. Y, señala que ciertos colores pueden acentuar las formas horizontales, mientras que otros funcionan mejor en vertical. Si pensamos en cómo se desenvuelven e influyen en un espacio, eso dependerá de su luminosidad y temperatura. Hella es consciente de que no va a encontrar todas las respuestas. La investigación tiene muchas caras. No existe una única verdad. Los colores forman parte del reino de la subjetividad. Por ello, Breathing Color —expuesto en el Design Museum de Londres en 2017, en el Museum Boijmans Van Beuningen de Rotterdam en 2018 y en el Nationalmuseum de Suecia en 2019— apela a la experiencia del espectador con el color, sin caer en la enseñanza de la armonía. Como resistencia a la industria mundial del color, Hella crea un nuevo vocabulario de colores y celebra su potencial sin límites.
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“La última cualidad del color —el que veo en las pinturas y la naturaleza— es cómo reacciona a la luz.”
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I DON’T HAVE A FAVOURITE COLOUR Diez años después de iniciar Vitra Colour & Material Library, Hella Jongerius describió su método de trabajo para este sistema inteligente de colores en I Don’t Have a Favourite Colour (No tengo un color favorito), publicado en 2016 por la editorial berlinesa Gestalten. Dibujos de las teorías de color del químico francés Michel-Eugène Chevreul, proyectos de Jean Prouvé y Verner Panton, ambos hallazgos de los archivos de Vitra; colaboraciones con diseñadores contemporáneos como Ronan y Erwan Bouroullec o Jasper Morrison y sus propios experimentos con textiles en su estudio de Berlín.
Hella relata su fascinación por el enigma de los colores y la manera en que su comprensión del color, la luz y los materiales ha evolucionado con el transcurrir del tiempo. “Mi concepto para Vitra organiza todos los colores en cuatro mundos contrastantes de color. Los verdes, los rojos, los claros, se adaptan tanto a casas como oficinas. El sistema comprende todo el espectro de colores, mientras que los diferentes mundos de color clasifican su propósito específico. La luz natural y los tonos oscuros forman el fundamento básico. Veo el mundo verde como atmosférico, tranquilo y estable. Los rojos son vibrantes y expresivos, mejores para efectos y detalles.”
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“Honestamente no tengo un color favorito. Tengo solo una fuerte convicción y un consejo: cuando se trata de colores, confíen en su intuición.”
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“El fast fashion nos está generando pobreza del material mismo y la pobreza, así como el exceso, de las condiciones humanas. Por eso quiero tejer”.
INTERLACE, TEXTILE RESEARCH En una industria que pondera el fast fashion, donde los textiles pasan a ser producto de desecho rápidamente, Hella los retoma como centro de su investigación en Interlace, una exhibición-experimentación en París que tuvo lugar en el verano de 2019. La pregunta es de dónde provienen los textiles que alimentan nuestras industrias. Hella y su equipo transformaron el espacio de la galería —aprovechando las cualidades del edificio— en un enorme telar en continuo movimiento, un gigante estudio de textiles abierto al público. El proyecto de Jongerius se enfoca en dos áreas: tejido tridimensional y digital, con textiles desarrollados específicamente para esta exposición.
  Walala Mansions. Fotos: Julia Jomaa
DIVERSIร N URBANA >>Texto: Yaheli Hernรกndez >Retrato: Charles Emerson
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“Amo el arte público. Es importante en las ciudades llevar alegría a las personas.”
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CAMILLE WALALA
n un mundo que poco a poco empieza a vislumbrar un futuro diferente, en donde el aprendizaje obtenido durante los meses de oscuridad tendrá un papel fundamental, figuras como la de Camille Walala (Francia, 1975) emergen para colorear esta nueva forma de vida que, impacientemente, todos esperamos. Desde su infancia Camille conocería el estilo que definiría su trabajo —su madre tenía predilección por los prints africanos y su padre por las piezas de diseño con inspiración Memphis. La artista llegó a Londres a finales de los noventa, y luego de casi veinte años de sortear entre sus proyectos creativos y el trabajo para ganarse la vida, en 2015 el esfuerzo rindió frutos: fue invitada a pintar un mural de un edificio en Shoreditch, que inicialmente sería temporal, pero que permaneció. A partir de entonces, su nombre y su estilo comenzaron a reconocerse no solo en Londres, sino en el resto del mundo. Junto a su productora creativa, Julia Jomaa, han realizado ambiciosas instalaciones a larga escala en espacios públicos, que van desde murales, instalaciones 3D inmersivas, street art, hasta interiores y sets de diseño. Sus colaboraciones incluyen grandes marcas globales, la dirección creativa del concepto de un nuevo hotel, instalaciones a gran escala en WantedDesign y London Design Festival, además de un número creciente de iniciativas caritativas y sociales artísticas.
Para Camille, la inspiración proviene de cualquier persona que tenga la confianza suficiente para explotar el poder del color, marca vital de su trabajo, definido como visceral, inmediato e instintivo. Producto del recorrido por los aprendizajes de una vida. A finales del convulso año 2020, la artista comenzó a desarrollar un proyecto en Londres, una carta de amor a la ciudad que la acogió hace 23 años, una visión nueva, que ponga en primer lugar la salud mental y la felicidad de sus habitantes. Un pensamiento común es creer que los colores, relacionados fuertemente con el juego, no son un tema que se pueda tomar con seriedad. Para Walala, es un mantra: taking joy seriously, tomarse la alegría en serio.
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WALALA LOUNGE Junto al bullicio de Oxford Street se encuentra South Molton, una calle peatonal llena de cafés y boutiques. A pesar de tratarse de una vía soleada, popular y concurrida, no contaba con un espacio público para el descanso. Hasta la intervención de Camille. “Quería crear un lugar donde la gente se pudiera reunir, apreciar lo que le rodea y disfrutar”. Comisionada por Grosvenorn Britain & Ireland y en el marco de London Design Festival 2019, Walala Lounge es la segunda instalación pública a gran escala de la artista. Pensada como una enorme sala de estar urbana, que tanto resuelve un problema práctico como salpica de alegría a sus usuarios, está conformada por un conjunto de diez bancas esculturales, acompañadas de plantas y de una serie de banderas oversized instaladas desde los locales, con las que se completa un colorido pasaje. Los diseños de las bancas resultaron de una búsqueda creativa en la que la diseñadora-artista, luego de seleccionar una familia geométrica, trabajar la paleta de colores que devino en collage y llegar a una combinación particular, fusionó los patrones con las formas del mobiliario de las casas, culminando en un único y efectivo método de diseño escultórico urbano.
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  Fotos: Charles Emerson
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“Me encanta la idea de llevar diversión a la calle, tejer color y alegría en una ciudad que a veces carece de ambas cosas.”
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Fotos: Tekla Severin y Dunja Opalko
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HOUSE OF DOTS El trabajo más interactivo de Walala. La artista fue invitada a darle vida a una instalación artística que celebra la creatividad, la expresión personal y la accesibilidad, plasmadas a partir de colores vibrantes y patrones geométricos. House of DOTS es una fabulosa casa de cinco habitaciones distribuidas en ocho contenedores, en donde todo, desde las paredes, el suelo y las alfombras, hasta los muebles, fue personalizado en una mezcla de lego dots con el característico estilo de Camille. Resultado de una entrañable colaboración con 180 niños y la división LEGO DOTS, invita a los visitantes a recorrer la sala, el comedor, la cocina y el baño. En el camino, podrán crear su propio brazalete y diseñar sus propios patrones para decorar la casa. LEGO DOTS utiliza un concepto de juego consistente en azulejos 2D que se convierten en un lienzo para la expresión. Basado en una multiplicidad de formas y colores, se apoya de un portafolio de diferentes artículos, que incluyen también expresiones faciales, notas musicales, planetas, para regocijo de los pequeños creativos. Para Camille, es un placer crear un espacio donde tanto niños como adultos pueden expresar libremente su creatividad, y más en un lugar como House of DOTS, que captura toda la exuberancia y juego de su trabajo.
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VISUALIDAD
A LA MEDIDA >>Entrevista: Aranza Sabina >Fotos: cortesía
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iariamente recibimos alto contenido visual, pero no todos los detalles permanecen en nuestra memoria. El movimiento que hacemos al deslizar el feed de nuestras aplicaciones se asemeja al que se ejecuta dentro del cine, cuando el cambio de un plano a otro en la misma secuencia es tan rápido que nuestros ojos no consiguen ver más allá de un barrido. Aunque si algo, por mínimo que sea, despierta nuestra atención, entonces nos volvemos sobre el movimiento del dedo, pausamos la película, nos detenemos. El diseño es esa entrada al mundo de la visualidad, que a veces es más hipervisualidad. Lo encontramos en todas partes en las más profusas formas, y en ese marco queremos que se genere algo como el amor a primera vista, que “al entrar en contacto con cualquier tipo de diseño exista un placer”, explica Gabriela Bustillos, miembro del despacho de comunicación visual Sodio. El equipo, centrado en el diseño gráfico y branding, se forma a partir de esa necesidad de comunicación a la medida. Si las ideas agitadas producen imágenes y conceptos inconexos, en Sodio se comprenden y trabajan desde un colectivo interdisciplinario que permite dar un servicio enriquecido, proponer una imagen que logre ver materializado nuestro pensamiento. Toca pensar también en la tipografía, la estética, los colores, pero al mismo tiempo ser flexibles y entender el entorno. Incluso, frente a escenarios mundiales de temas de salud, comunicar “pensando globalmente y teniendo sensibilidad, pues nuestra realidad no es la misma que la de todos. Es importante ser compasivos e investigar la manera de aprender visualmente de a quien te quieres dirigir”, sentencia Gabriela.
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Remedios del Bosque Re-branding, diseño de aplicaciones y diseño web 2020
Arch Days Diseño de identidad 2018
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“La intención y búsqueda que tenemos como individuos y comunidades es de apropiarnos, pertenecer, comunicar.”
Zona Maco 2020 Diseño de identidad y herramientas de comunicación 2020
Cancún 4/20 Diseño de identidad y aplicaciones 2020
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perspectivas
  Sonora Art Village
>>Texto: Aranza Sabina >Fotos: cortesía
LA CASA COMO ESCULTURA
La casa que se duplicó hasta ser una villa de colorido resonante es el trabajo de Davit y Mary Jilavyan. En un principio la empresa consistió en crear una casa sencilla pero brillante para una familia en Sonora, por lo que ambos pensaron en combinar armoniosamente forma y color. Entre ventanas inusitadas, techos inclinados con sistema interno de canaletas y paletas de tonos brillantes, se perfiló Sonora House, una solución que permitía la entrada de luz en todo rincón, encajando de modo sutil en el escenario arenoso.
“Se trata de un concepto no comercial, tan solo una obra de arte. Un lugar libre de prejuicios que exalta la alegría y el amor.”
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Sonora House
Al poco tiempo el proyecto se suspendió, no sin dejar frutos: fue visto en múltiples plataformas internacionales y encontró lugar como fuente de inspiración en el trabajo de otros artistas, además adquirió fuerza suficiente para replicarse en una villa cuya sofisticación obedece a la inventiva que el aislamiento de los últimos meses trajo consigo. Sonora Art Village se aleja de la realidad gris para situarse en la tridimensionalidad del brillo, y por qué no, dentro de lo caricaturesco. Allí no existe un sistema claro, pues las casas se distribuyen caóticamente sobre los espacios de uso común; la piscina y la cancha se complementan con el juego de peldaños. Una extensa vegetación acompaña a la distinguida geometría de arcos semicirculares, pasadizos y volúmenes suspensos. Al apagarse el sol, todavía hay luces nocturnas en sus colores, una verdadera instalación lumínica.
DAVIT Y MARY JILAVYAN
“Es una especie de oasis pero con cactus. Grandes cactus. Nos encantan.”
Somos dos jóvenes armenios, visualizadores arquitectónicos y diseñadores 3D trabajando en Moscú. Nos conocimos hace tiempo en el hospital, somos hermanos. Por más de tres años hemos proyectado en conjunto. Enfrentamos el hecho de que la gente no percibe nuestras obras más rigurosas, pues al no tratarse de algo brillante, lo pasan por alto. Actualmente producimos nuestras propias lámparas, además estamos construyendo un estudio personal, que esperamos presentarles muy pronto.
Behance.net/davidjilavyan Behance.net/majig
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Argentina
ESTUDIO PK ARQUITECTOS >>Texto: Estudio PK Arquitectos >Fotos: Alejandro Peral
ARGENTINA
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Ubicaciรณn Puertos del Lago, Escobar Barrio Muelles, Buenos Aires
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Argentina
osotros, Ignacio Pessagno y Lilian Kandus, somos un estudio joven de arquitectura formado en Buenos Aires. Interpretamos las necesidades de los clientes mediante una visión global y creativa que resulta en propuestas eficientes y precisas, únicas. Casa Rampa, a pocos metros del Río de la Plata, es ejemplo de ello. A través de estrategias morfológicas, estructuramos un concepto: llenos y vacíos fueron las premisas. La obra es pensada como la totalidad, que gracias a distintas operaciones se vacía dando lugar a una comunicación más directa con el exterior. Está dentro de un entorno natural, por lo que se implanta y convive con este, al mismo tiempo que se comunica fluidamente con su interior. En sus varios patios internos generamos que el aire recircule de modo constante.
Área de construcción 315 m²
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Argentina
El vínculo con el exterior, reiteramos, fue estudiado puntualmente. Ese entorno permitió que la vivienda se deconstruyera. Partimos de un macizo puro, que dependiendo de su orientación genera múltiples vacíos en relación directa con lo externo. Tal vínculo fue considerado por nosotros para crear focos y captadores de luz en todos los sentidos espaciales, desde lo horizontal y cenital. Para su constitución nos basamos en materiales nobles y optamos por trabajar con un sistema de estructura independiente con losas de hormigón y mampostería. Ya en los vacíos, empleamos materiales porosos, permeables, que permiten el ingreso de la luz. Jugamos con la idea de filtrar y matizar el sol del oeste, de modo que se originaran varios efectos de luz y sombra. Hay también aberturas de aluminio, Doble Vidrio Hermético y ruptura de puente térmico que evita la condensación. En lo inferior, alineamos el estilo monocromático de la casa con pisos de concreto.
Desde el sistema de recorrido interno, se van develando múltiples escenarios. Al ingresar por la rampa, dejamos que el camino te lleve, ya sea que entres a la casa o continúes el recorrido para ese encuentro con el ambiente: los patios, luego la parte posterior de la fachada cuyo balcón ofrece una vista panorámica de la laguna. En suma, hicimos un estudio tipológico y comprendimos que la mejor forma de relacionarnos con el hábitat es acercándonos al exterior, trayéndolo al interior de la casa, y al mismo tiempo, produciendo filtros que permitan encontrar la privacidad. Además, priorizamos la orientación para un eficiente uso energético en invierno y verano. La flexibilidad de los ambientes, la fusión con el exterior y también la utilización de materiales regionales y nobles, junto con detalles simples y sintéticos, todo eso es Casa Rampa.
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DONALD JUDD
AUTONOMÍA Y CLARIDAD Judd, la retrospectiva más grande en treinta años del artista llega al MoMA con un formato también virtual, hasta enero de 2021.
>>Texto: Nadia Margarita >Fotos: cortesía de MoMA
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n 1964, Donald Judd escribió: “El desinterés por la pintura y la escultura es un desinterés por volver a hacerla”, y también, “el nuevo trabajo siempre implica objeciones a lo viejo, pero que solo son relevantes para lo nuevo”. Quienes llevan la batuta del nombramiento de las cosas dicen que Judd era el máximo exponente del minimalismo porque su obra es una búsqueda por la autonomía y claridad de lo construido en un espacio más bien anárquico. Pero quizá el artista estadounidense no estaría totalmente de acuerdo. Creo —porque no tengo las agallas para afirmarlo— que todo aquello que metemos en lo abstracto, donde también cabría, por qué no, lo minimalista, siempre es el resultado de un camino. Es complicado pensar en un artista cuyo primer pincelazo haya sido lejos del realismo. La obra, como los artistas, cambia, crece, muta: en 1957, Judd era expresionista. Para 1963 ya sabía lo que definiría su trabajo en los siguientes treinta años: cúmulos, cajas y progresiones. Un año después abandonaría definitivamente la pintura para dedicarse de lleno a la escultura. Y como marca de transición, escribió Specific Objects.
El método de trabajo que Judd adquirió a partir de entonces puede ser bastante cuestionable. Antes de 1964, él y su padre construían todo, pero al tomar una nueva dirección delegó la creación de sus piezas a artesanos y fabricantes, dejándoles sus dibujos como guías. Cabe preguntarse: ¿Quién es más artista, el de las ideas o el de las manos? Trabajar con las manos de otros no fue el único precepto artístico que Donald buscó desafiar. Para empezar, él mismo no afirmaba que su trabajo fueran esculturas, puesto que no había nada que esculpir. ¿Podríamos hablar, entonces, de que su trabajo era arte?, y si no, ¿eso cambiaría el panorama? En Specific Objects, texto que bien podría ser un manifiesto, Judd propone la indefinición como pilar fundamental, así como la negación a las convenciones. En sus trabajos más tardíos, ya en la década de los noventa, finalmente escaparía del minimalismo en que había sido encasillado: las obras en tres dimensiones se convirtieron en un lenguaje claro, fuerte. Dicen que a Judd no le encantaba el mundo del arte. Y más allá de eso, para él el arte no debía expresar nada necesariamente, sino solo existir.
Untitled, 1999 Aluminio anodizado claro y azul; plexigas, cuatro unidades 48 × 60 × 60” (121.9 × 152.4 × 152.4 cm) c/u, con 12” (30.5 cm) intervalos En conjunto: 48 × 276 × 60” (121.9 × 701 × 152.4 cm) Museo de Arte Saint Louis. Fondos dados por la Fundación Shoenberg, Inc. © 2020 Fundación Judd / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
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Vista de la exposición Judd, MoMA, Nueva York, 1 de marzo al 11 de julio de 2020 Imagen digital © 2020 The Museum of Modern Art, Nueva York Foto: Jonathan Muzikar
“La tridimensionalidad no es ni de cerca un simple contenedor, como la pintura y escultura parecen serlo, pero a eso tiende.” Specific Objects, 1964
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Untitled, 1989 Aluminio anodizado claro con hoja de acrílico ámbar 39 3/8 × 78 3/4 × 78 3/4” (100 × 200 × 200 cm) Museo Glenstone, Potomac, Maryland © 2020 Fundación Judd, Artists Rights Society (ARS), Nueva York Foto: © Tim Nighswander/Imaging4Art
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Untitled, 1991 Aluminio esmaltado 59” × 24’ 7 1/4” × 65” (150 × 750 × 165 cm) MoMA, Nueva York Legado de Richard S. Zeisler y regalo de Abby Aldrich Rockefeller (ambos por intercambio), y regalo de Kathy Fuld, Agnes Gund, Patricia Cisneros, Doris Fisher, Mimi Haas, Marie-Josée y Henry R. Kravis, y Emily Spiegel. © 2019 Fundación Judd Artists Rights Society (ARS), Nueva York Foto: John Wronn
“Ahora la pintura y la escultura son menos neutrales, menos contenedores, más definidas, no innegables e inevitables. Son formas particulares circunscritas que producen cualidades bastante definidas.” Specific Objects, 1964
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Untitled, 1960 Óleo sobre lienzo 70 × 47 7/8” (177.8 × 121.6 cm) National Gallery de Canada, Ottawa © 2020 Fundación Judd / Artists Rights Society (ARS), Nueva York
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Perfil
RENATA
PETERSEN >>Entrevista: Yaheli Hernández >Fotos: cortesía
DEL NEÓN EVIDENTE A LA INCÓGNITA
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e pregunto a Renata por qué eligió el arte. “Desde los 17 fui asistente de un pintor en Guadalajara. Estaba entre estudiar psiquiatría o arte”, me dice y se ríe, “rarísimo”. Renata Petersen (1993), artista radicada en Guadalajara, tuvo su primer encuentro con el arte contemporáneo en Florencia, mientras era asistente de un artista italiano y tomaba clases de historia del arte. Le gustaba, le gusta mucho el Renacimiento. Durante esa estancia asistió a una exposición de Dan Flavin en Austria. “Fue un shock: de estar viendo Dureros y decir que era lo máximo, que me llamara la atención el arte de neón de los sesentas… eso para mí fue un parteaguas”. Al volver a México entró a Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Salta a la vista la distancia que hay entre tu producción de esa época y las piezas que haces en la actualidad, le comento. “No encontré que estuviera diciendo absolutamente nada”, señala, “por lo que decidí ser menos formal”. “Una cosa es tener habilidad para algo, que sí la tengo, para la mímesis, y otra es si te sirve esa herramienta para decir lo que quieres decir. En mi caso corté relación total, y hasta la fecha no he vuelto. Algún día voy
a regresar de cierta manera, pero no ahorita”, afirma la artista. Su proyecto infinito son las cerámicas. Y a la par, su soporte favorito son los dibujos en tinta china. “Es un soporte barato, como si fuera un cómic. También parte de mi obra es llevar la baja cultura a la alta cultura, y el cómic, que por lo regular pertenece a otro tipo de lenguaje cultural y no necesariamente al del arte. Son territorios que me gusta explorar”. La pieza favorita de Renata es La fortaleza de la soledad, presentada en Premaco 2020: “Unos carritos de herrería con unas ciudades que mezclan entre figuras geométricas, dildos y butt plugs; es un seguimiento a una pieza de Mike Kelley sobre las ciudades de Kandor”, cuenta, “hice las mías en una versión mucho más femenina, y un poco me estoy burlando de esta forma de construir la ciudad a manera de las edificaciones enormes”. Renata tiene predilección por el desecho físico y el desecho cultural. Por ahondar en los malentendidos históricos globales. Le pregunto de qué va su producción actual. “Estoy haciendo modelos escultóricos de iglesias”, responde. Y ahí queda el misterio.
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De la serie “Doolittle”, 2018 Cerámica esmaltada
Glory Days, 2017 Letrero de neón
La fortaleza de la soledad, 2020 Cerámica esmaltada y herrería Dimensiones variables
conceptos Un caso aparte La Muralla Roja, Ricardo Bofill Taller de Arquitectura Romper con la división posrenacentista entre los espacios públicos y privados, para así reinterpretar la tradición mediterránea de Kasbah, todo a través de una exquisita geometría.
Conoce más sobre este proyecto en:
Foto: Daniel Rueda
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