Revista OEUVRE

OEUVRE LINA BO BARDI

A história da 18ª obra arquitetônica mais importante construída após a Segunda Guerra: Sesc Pompeia pelos olhos da arquiteta modernista

MIUCCIA PRADA & O LUXO

O nylon nas passarelas e a Miu Miu como precursora do movimento

OSCAR NÃO É A MEDIDA DE TUDO

Atriz demonstra otimismo da indicação mas é realista em relação às expectativas do público brasileiro CAPA

IMAGEM LINDA

OEUVRE Revista-laboratório do curso de Design Editorial da ESPM-SP Nº 1 - 2º semestre de 2024

Editor-chefe João Manoel Colaboradores Ana Carolina Granjo Duda Travalin Gabrielle Silveira Maria Luiza Pimentel Sophia de Marque Capa Gareth Cattermore (IMDb) Escola Superior de Propaganda e Marketing Rua Dr. Álvaro Alvim, 123, Vila Mariana São Paulo, SP (11) 5085-4600

Carol, acumuladora de playlists e filha do pop

Duda, kpoper obcecada por vampiros

E. EDITORIAL

>>> Muitas vezes silenciadas pela história e pelo patriarcado, as vozes de mulheres foram impedidas de explorar seu verdadeiro potencial no ambiente artístico e intelectual.

Diante disso, esta edição da OEUVRE busca discutir as diferentes formas de se fazer arte, sob o olhar daquelas reféns de padrões impostos em todas as suas vivências. Desde as vanguardas até movimentos contemporâneos, ao longo dessas páginas você, leitor, encontrará sete das onze artes produzidas por mulheres que carregam lutas e lutos sufocados.

Portanto, expandir a valorização da arte feminina é fundamental não apenas para o reparo histórico, mas também para construir repertório cultural e criativo na sociedade. Ao dar espaço a artistas mulheres, estamos contribuindo na elaboracão de uma narrativa mais inclusiva e representativa.

Boa leitura!

Gabi, esperançosa pela volta da Rihanna

Malu, amante de livros e tudo de terror

Sophia, apaixonada por games e histórias fictícias

ÍNDICE

página 11

“Ainda Estou Aqui” e o Oscar

Grande destaque do Festival de Cinema de Veneza, Fernanda Torres fala sobre o filme “Ainda Estou Aqui”, lançado dia 7 de novembro. Fernanda reflete sobre a importância de um filme brasileiro estar conquistando espaço e atraindo críticas, independente da decisão final do Oscar.

página 5

página 8

página 21

Uma das poucas artistas a conquistar espaço no meio artístico machista do século XVIII, Elisabeth-Louise Vigée Le Brun abriu portas em um periodo que todas estavam fechadas para as mulheres.

Yayoi Kusama transformou a maneira de se interagir e apreciar a estética do pop art com suas esculturas e instalações de tamanhos inusitados.

Lina Bo Bardi marcou a maneira de se pensar as construções a partir do legado já deixado no espaço. Nesta edição, a chamada arquitetura pobre de Bobardi levanta questionamentos quanto à memória deixada pela ditadura.

E o rococó?

Polka dots gigantes

Sesc Pompeia

página 26

página 19

Relembre os trabalhos da “anti-humanista” Diane Arbus durante a segunda metade do século 20. A fotógrafa registrava o que ninguém queria olhar e levantou questões importantes sobre quem faz uma sociedade.

Miuccia Prada comenta o processo de introdução do nylon em artigos e marcas de luxo, além de relembrar momentos marcantes para Miu Miu e seu impacto na indústria da moda.

Marginalizados e a memória

Miu Miu e a reestruturação do luxo

página 23

página 35

página 29

ComoMarina Abramovich se tornou referência no segmento da perfomance artística, junto com retrospectiva de suas principais intervenções.

A partir da arquitetura e do cinema, Abilio Guerra pensa como a essência da arte é manipular nossos sentidos e nossa apreensão da realidade.

Reunimos os principais centros culturais da cidade de São Paulo com o objetivo de introduzir, apresentar ou relembrar seus vistantes

A avó da perfomance

Crônica

Mapa

página 31

Guia

O guia conta com uma diversidade de exposições que enriquecem a experiência urbana pela cidade de São Paulo, dando destaque a artistas femininas.

Retratos de poder e elegância por Maria Luiza Pimentel

F

ilha de Louis Vigée, um pintor de retratos, e Jeanne Maissin, Elisabeth-Louise Vigée Le Brun nasceu em 16 de abril de 1755, em Paris. E desde jovem apresentava um talento precoce para pintura. A partir da influência do pai conseguiu ser aceita na Académie de Saint-Luc, uma das mais importantes academias de arte de Paris, onde começou sua formação. Além dos conhecimentos do pai, ela ainda foi aluna de Gabriel Briard e recebeu incentivo de artistas conhecidos como Joseph Vernet, Hubert Robert e Jean-Baptiste Greuze.

Por ser um prodígio da arte, aos 15 anos pintava retratos de família e amigos para sustentar ela e a mãe após a morte prematura de seu pai. E com o passar do tempo

conseguiu conquistar uma clientela fiel, estabelecer a sua fama e manter o próprio ateliê.

O sucesso também lhe possibilitou abrir uma escola de arte para moças, onde ensinava jovens interessadas em seguir uma carreira artística como a sua. Foi durante esse período que conheceu o negociante de arte Jean-Baptiste Pierre Le Brun, com quem se casou em 1776.

CORTE FRANCESA Aos 23 anos e já consolidada como uma das retratistas mais renomadas de Paris, Le Brun teve a oportunidade de ingressar na corte de Versalhes, onde conheceu a rainha Maria Antonieta, graças à 5

recomendação de sua cliente, a Duquesa de Chartres. Onde produziu suas obras mais conhecidas e características.

A artista encantou a corte de Maria Antonieta com suas pinceladas delicadas e a suavidade que transmitia com as obras.

A maioria de seus quadros possuíam influência do estilo Neoclassicista e durante seis anos, Elisabeth criou cerca de trinta retratos, tornando-se não apenas a artista oficial da rainha, mas também uma amiga íntima da monarca.

criticada, sendo considerada ousada, inapropriada e até imoral. Representar a rainha da França em uma chemise — uma peça vista por muitos como íntima — gerou um furor negativo tão intenso que Le Brun foi obrigada a retirar o retrato do Salão de Paris. Em seu lugar, ela exibiu outra obra, Marie-Antoinette à la rose, na qual a monarca aparecia em trajes formais, atendendo melhor às expectativas da época. O

POLÊMICAS ARTÍSTICAS Todos os seus sonhos de infância finalmente se realizaram quando em 1783, ela finalmente foi admitida por solicitação Real na Académie Royal. Sua estreia na Académie veio cheia de emoção por conta do quadro: La Reine en gaulle.

A pintura mostrava Maria Antonieta trajando apenas um leve vestido de musselina, refletindo a visão da artista de uma monarquia mais moderna e sofisticada.

No entanto, a obra foi duramente 6

PUBLI

Polka dots: Yayoi Kusama na revolução da escultura por Duda Travalin

A

arte contemporânea causa muitas dúvidas quanto ao seu valor artístico e cultural em seus espectadores, mas não há como negar o impacto de Yayoi Kusama na pintura e, principalmente, na escultura.

Enormes, coloridos e, o mais importante, cheios de bolinhas - os polka dots -, seu trabalho transcende dois dos mais importantes movimentos artísticos da segunda metade do século 20: o pop art e o minimalismo.

Nascida em Matsumoto, província rural do Japão, Yayoi Kusama vem de uma família tradicional que não aceitava sua vocação às artes. Suas experiências e contatos com outras maneiras de pensar a produção artística contribuíram para que

se tornasse um dos grandes nomes da arte contemporânea ao utilizar, desde os dez anos, círculos em suas esculturas de tamanhos e formas que chocam a quem vê. Resultado de um transtorno obsessivo compulsivo

A artista iniciou seus estudos em sua terra natal, com o Nihonga, mas sentia-se limitada pelas estruturas artísticas e sociais da técnica.

Sua ascensão, então, só pôde ocorrer nos Estados Unidos, onde teve contato com a contracultura emergente, como e x -

em sua produção.

Durante esse período, ela criou as chamadas “pinturas de rede infinita”, dando início a uma identidade marcante e obsessiva que acabou virando até coleção da Louis Vitton, a convite de Marc Jacobs, solidificando ainda mais seu status como uma das grandes mestras da arte contemporânea.

“Sou uma artista obsessiva. Considero-me uma herege do mundo da arte. Penso apenas em mim quando faço o meu trabalho”, descreve a si e a seu trabalho Yayoi.

(TOC), Yayoi encontrou na arte uma maneira de lidar com sua condição.

pressionismo, surrealismo, minimalismo, pop art e os movimentos Zero e Nul, influências notáveis

Além de sua habilidade técnica, o trabalho de Yayoi Kusama se destaca pela força emocional que transmite, tornando-se uma forma de terapia e, ao mesmo tempo, de 8

comunicação universal. As bolinhas, que são a característica mais reconhecível de sua produção, não são meros elementos decorativos. Elas representam a ideia da repetição obsessiva, que Kusama associa ao seu TOC, mas também carregam uma simbologia profunda ligada ao infinito e à transcendência. Para ela, a repetição das bolinhas é um meio de se conectar com uma sensação de infinito e de dissolução do ego, algo que reflete seu desejo de escapar das limitações do corpo e da mente, fundindo-se com o universo.

Suas “Infinity Rooms”, instalações imersivas que criam uma ilusão de espaço infinito por meio de espelhos e luzes, são um exemplo de como ela quebra as barreiras entre o público e a obra, convidando o espectador a se perder no espaço e a vivenciar uma experiência sensorial única. Essas obras desafiam as convenções da pintu-

ra e da escultura tradicionais, colocando a arte em diálogo direto com o corpo e a percepção do público.

Outro ponto crucial na obra de Kusama é sua exploração da sexualidade e da identidade de gênero. Ao longo de sua carreira, ela desafiou normas sociais e culturais, muitas vezes apresentando a sexualidade de forma explícita e provocadora. Em uma época em que poucas mulheres estavam em posição de destaque no mundo da arte, Kusama quebrou barreiras, tanto no sentido artístico quanto no social, criando um espaço próprio dentro de um mercado dominado por homens.

Apesar de todas as dificuldades que enfrentou ao longo da vida, Kusama nunca se deixou abater pela adversidade. Sua trajetória é um exemplo de resiliência e, paradoxalmente, de como a obsessão e a dor podem se transformar em uma fonte inesgotável de criatividade e inovação.

Em 2018, Yayoi era a artista mais vendida do mundo. Mas antes de chegar a essa posição de destaque, Kusama teve que superar a traumas infantis e assistir a suas ideias serem roubadas por colegas homens - episódios que agravaram um quadro de transtorno mental e tentativas de suicídio.

A obra de Yayoi Kusama é uma meditação sobre o caos, a repetição, a obsessão e a tentativa de encontrar uma conexão com o universo maior. Sua arte não é apenas um reflexo de sua luta pessoal contra a doença mental, mas uma maneira de transformar a dor em beleza, convidando os espectadores a mergulharem em um mundo de sensações, onde o infinito se faz presente em cada ponto e em cada forma. O 9

IMAGEM LINDA

Fernanda Torres sobre Ainda Estou Aqui: ‘Oscar não é a medida de tudo` por Carol Palermo

F

ernanda Torres muito grandes para Fernanda reforçou reflete sobre a im- ‘o tal’ do Oscar, que que, embora o Oscar portância de um parece a fronteira seja importante, “não filme brasileiro final, que teremos é a medida de tudo.” estar conqui- que atingir.” A atriz Ela também menciostando espaço demonstrou otimis- nou a indicação de e atraindo críti- mo em relação ao sua mãe, Fernanda cas, indepen- filme estar entre os es- Montenegro, ao Osd e n t e m e n t e trangeiros indicados car: “Quando as pesda decisão ao Oscar, mas enfati- soas falam do prêmio final do zou a importância de da mamãe, eu tento Oscar: “A reconhecer o signifi- explicar que um ator falando g e n t e cado que “Ainda Es- brasileiro e s t á tou Aqui” tem para português, só de ser n a o cinema brasileiro. nomeado, já gan“O filme existir e hou.” ocupar esses espaços já é uma porta de Fernanda Torres resentrada para o mun- salta que a presença do.” de “Ainda Estou Aqui” em uma preshort- Durante uma entrev- miação tão prestigialist de ista coletiva para di- da já é uma vitória c o i s a s vulgação do longa, para o cinema bra10

“O filme é sobre pensar o afeto num mundo de raiva e de ódio” sileiro, destacando o valor da representatividade e do reconhecimento internacional. Sua reflexão inspira uma visão de que, mais do que troféus, a conquista está em ocupar espaços globais e abrir portas para futuras gerações de artistas brasileiros.

O cartaz do de div ul gação do filme resume a personagem interpretada por Fernanda Torres. Enquanto Selton Mello e as crianças, no papel de Rubens Paiva e seus filhos, olham sorridentes diretamente para a câmera, a atriz, encarnando Eunice Paiva, está alerta, mirando o horizonte com um semblante distraído

e preocupado. Os tanques passando pela orla do Rio de Janeiro nos anos 1970 estão ferindo a paisagem e cap-

turando seu olhar.

A trajetória de “Ainda Estou Aqui” nas premiações internacionais reforça a importância do cinema bra-

sileiro alcançar visibilidade e reconhecimento global, e uma afirmação do valor cultural e da resistência criativa do

Brasil.

Com uma atuação complexa e um olhar que, em muitos momentos vale mais do que diálo-

gos inteiros, Fernanda Torres faz o público mergulhar na angústia e na resistência de uma figura que se recusa a sucumbir ao esquecimento. “Ainda Estou Aqui” serve como um poderoso lembrete dos horrores de um passado que não p o demos esquecer.

As cenas de Fernanda Torres e Fernanda Montenegro são avassaladoras.

Ali, o verdadeiro poder da arte e do cinema se manifesta, quando a emoção na tela transborda e se transforma em lágrimas quase impossíveis de serem contidas. O 12

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Miuccia Prada reiventa o conceito de luxo ao introduzir nylon na passarela 23.10.2024

por Claudia Croft para British Vogue

D

esde que ela consegue se lembrar, Miuccia Prada tem sido bastante independente, seja na mente ou no senso estético. Perfomar o básico simplesmente não é de sua natureza e a moda sempre teve papel importante em sua trajetória.

Quando tinha 14 anos, ela foi a primeira pessoa em sua escola a adotar o estilo hippie. Já na faculdade, onde estudou ciência política e engenharia de produção, ela se uniu ao Partido Comunista Italiano — porém,

enquanto seus camaradas vestiam jeans e tênis, Prada preferia saias e visitar manifestações na YSL. Será só rebeldia ou algo intencional?

“Seja visto, seja escutado” poderia ser o lema de Prada. Seu desejo em se destacar na multidão é uma forma de se posicionar no mundo. Moda é sua arma e ela sabe como virar rostos em sua direção.

Prada possui o hábito de resgatar o clássico e os clichês do “bom gosto” e transformar em algo estranho. O principal exemplo

desse “wrong chic” são os vestidos desenhados nos anos 1990, feitos de nylon industrial, um tecido nunca antes utilizado na alta costura. Devido a toda sua peculiaridade, houve uma certa provocação deliberada em seus designs. Uma mulher vestindo Prada não pode ser ignorada.

“Ser feminista nos anos 1970, você consegue imagina o quão inapropriado era falar sobre moda.

Mas eu amava tanto que eu não me importei”, ela admite.

No começo, Miuc-

cia relembra se sentir em conflito sobre sua profissão de fashion designer, porque, segundo ela, “pensava que estava fazendo um trabalho superficial”. O antídoto para isso, era seu processo criativo complexo.

Um dos seus primeiros e radicais atos veio em 1984, quando ela introduz a icônica mochila de nylon. Naquela época, em meio ao endinheirado e marcado por cabelos longos, fabricar uma bolsa de marca em nylon era, Miuccia diz, “relmente uma ideia”.

Foi de contramão

ENTREV 19

com tudo que, no gas propositalmente momento, era con- arregaçadas. siderado luxuoso.

Ela também está “Eu estava pesqui- muito ansiosa em sando”, explica, desmascarar a ideia “porque eu odiava de “vestir para todas as bolsas que matar”. “Você pode eu via. Elas eram tão se vestir com as peças formais, tão compor- mais chiques e não tadas, tão tradicio- conseguir sustentar nais e clássicas”. Le- esse papel. E você varia dez anos para pode se vestir como que o mundo seguisse uma garota bobinha a tendência da mo- e causar impacto”, chila Prada. Somente Prada comenta. “Ser em 1990, quando a sexy está na cabeça, recessão e o grunge não no que você fecharam nos anos veste. Pensando as80, que o acessório vi- sim, acho que roupas rou o queridinho das são somente que coisfashionistas. Assim, as que você usa, não o nylon de Miucchia que transformam desafiou o conceito uma pessoa”. que se tinha do que ela descreve como “a Ela acredita que ao ideia de luxo tradicio- invés de ignorar a nal e conservador”. moda como bobagens O luxo se permitiu efêmeras, ela deve tornar-se abstrato, ser considerada protransformar-se em duçao cultural e uma ideia. intelectual.

“Cultura deveria ser atraDesde então, o ny- tiva, senão ninguém lon fez presença em presta atenção”, cotodas as coleções de menta Miuccia PraMiucchia, mas para a da, a punk e penda primavera/verão sadora radical, que de 2018, o tecido foi sabe tudo sobre criar peça central em ca- referências e fazer sacos pretos masculi- com que elas sejam nos estilizados man- disseminadas. O

VISTA

Das fábricas à arte: o legado cultural do SESC Pompeia por Sophia de Marque

L

ocalizado na antiga fábrica alemã de tambores Mauser & Cia LTDA, a estrutura do SESC Pompeia foi repensado pela Lina Bo Bardi durante a década de 70. A arquitetura da fábrica era baseada em um projeto inglês típico do século XX e havia sido moldada com concreto armado do francês François Hennebique, que foi um pioneiro desse modo de construção.

Em 1977, o SESC pediu para que Lina projetasse uma nova arquitetura para o

local. Porém, ela decidiu que não iria destruir as instalações da antiga fábrica, e sim, adaptar o espaço. Por isso, o seu projeto manteve os tijolos não

revestidos, as tubulações aparentes e não instalar um forro, fazendo com que o teto da antiga fábrica fosse aparente, resultando em um ambiente que

ainda tem um estilo estavam acontecenindustrial muito pre- do, usando a sua arsente. quitetura como uma arma de atuação Durante a construção política que podedo projeto, o Brasil ria mudar o mundo. estava passando pela Por esse motivo, a ard i t a d u r a quiteta foi vista como mili- uma ameaça para o Brasil e precisou se mudar para a Itália durante sete meses, o que gerou uma pausa no projeto do novo SESC. tar, O SESC Pomc o m peia, originalmente tempos sombrios chamado de SESC e cautelosos para Fábrica Pompeia, a arte. Entretanto, foi inaugurado em Lina usava de suas 1982, mas após dois obras para marcar anos teve a adição de e apontar caminhos dois novos prédios, dos problemas que sendo um em cada 21

margem do córrego do rio Água Preta, que corta o bairro da Pompéia, em São Paulo.

Nos pés do prédio tem o Deck Solarium, que faz alusão a uma praia urbana e representa o correr do rio que corta o bairro.

Lina tem uma forte conexão com o nordeste porque morou em Salvador, Bahia, durante seis anos, e voltou com uma estética chamada de “arquitetura pobre”. Devido a paixão que teve por essa região, ela decidiu colocar elementos da cultura nordestina em suas construções, por exemplo, o espelho d’água, localizado no primeiro pavilhão do SESC Pompeia, é chamado de Rio São Francisco, mesmo nome do rio que corta alguns dos estados do nordeste do Brasil.

consultórios odontológicos, espaços de arte e tecnologia entre outros.

Devido a toda história que o ambiente carrega, ele foi indicado para diversos prêmios e honrarias, como por exemplo, a 18ª obra arquitetônica mais importante construída após o fim da segunda guerra mundial, pelo jornal “The New York Times” e 6º lugar na lista das dez melhores construções e estruturas em concretos do mundo pelo jornal “The Guardian”. Em decorrência a toda a sua fama e importância para a história do Brasil, o local hoje é um patrimônio cultural protegido pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (IPHAN) desde 2015. O

Atualmente, o local conta com aproximadamente 22 mil metros quadrados de área construída que englobam oficinas de arte, teatro, sala multiuso, 3 ginásios poliesportivos, vestiários, áreas para leitura, choperia, piscina coberta, solário, café, lanchonete, 22

Os ritmos excêntricos de Marina Abramovich por Carol Palermo

M

arina Abramovic é uma das artistas mais sensíveis e relevantes atuais artistas do mundo. Abramovic primeiro estudou pintura, mas descobriu que a mídia tradicional meramente atendia a espectadores passivos.

Ao atuar com seu corpo, ela é capaz de diminuir a distância entre ela e seu público, a artista sérvia performática é conhecida por usar a dor e os limites físicos como forma de expressão.

Em seu trabalho, explora a intimidade entre o artista e o público, os limites do cor-

po e o potencial da mente humana. Considerada a “avó da arte da performance”, a artista iniciou sua carreira na década de 1970 mostrando a sua relação consigo mesma e com os outros: brincadeiras com facas (Rhythm 5), deitar no meio de uma estrela de fogo (Rhythm 5), ficar sob o efeito de drogas controladas (Rhythm 2), se colocar à disposição dos espectadores (Rhythm 0).

De 1976 a 1988 foi parceira profissional do artista alemão Ulay. Em mais de uma década realizaram diversas obras em conjunto. Porém, de um jeito muito Abramovic, oficializaram 23

a separação através de uma performance, a “The Lovers”, na qual partiram de lados opostos da Grande Muralha da China, se encontraram e depois se despediram, seguindo cada um o seu caminho.

Em 2010, no Museu de Arte Moderna de Nova York, realizou uma exposição em retrospectiva sobre a carreira de 40 anos da artista, que ocupou os seis andares do prédio.

Durante três meses, executou a performance intitulada “The artist is present”: quem quisesse poderia sentar e passar um minuto olhando para a artista. Abramovic passou mais de 700 horas sentada sem se mexer. E foi na ocasião em que, após um processo judicial e anos sem comunicação, ela e Ulay se reencontraram. Ele sentou-se diante dela, deram as mãos e choraram.

A obra de Marina Abramovic transcende as barreiras tradicionais da arte e oferece uma experiência visceral e transformadora ao seu

público. Sua capacidade de explorar os limites do corpo e da mente, ao mesmo tempo em que estabelece uma conexão profunda com os espectadores, solidifica seu legado como uma das figuras mais importantes da arte contemporânea. Abramovic não apenas redefine o que é performance, mas também desafia cada um de nós a refletir sobre nossas próprias vulnerabilidades, emoções e relações com o outro. Sua trajetória e um testemunho da coragem e da intensidade com que vive a arte, deixando um impacto duradouro no cenário artístico mundial. O

PUBLI

Diane Arbus: fotógrafa dos renegados por Gabi Silveira

D

iane Arbus, norte-americana nascida no ano de 1923, foi uma fotógrafa ímpar no ramo da fotografia profissional. Criada em uma família judia de classe

alta, Arbus sempre sentiu incômodo a respeito de algo em sua classe social, pois dizia que a mesma “tinha algo de surreal e confinava a todos”. Diane costumava dizer que sua coisa favorita era ir em lugares que nunca esteve, pois sem-

pre aprenderia algo que ainda não sabe.

Sua carreira fotográfica começou após o início de seu relacionamento com Allan Arbus, jovem que trabalhava no departamento de artes da empresa de sua família, a loja de peles Russeks.

O interesse de Diane por fotografia começou quando o casal visitou a galeria de arte de Alfred Stieglitz, onde aprenderam sobre diversos fotógrafos da época. Allan foi convocado para ser fotógrafo dos Estados Unidos na Segunda Guerra e, em seu retorno, o casal decidiu fundar uma agência de fotografia

nomeada como Diane & Allan Arbus, onde o foco da agência seria no ramo de moda. Diane e Allan trabalharam para diversas revistas de sucesso como Vogue, Glamour e Harper ‘s Bazaar.

Entretanto, Diane não se contentou mostrando apenas o lado luxuoso. Queria retratar a vida e a sociedade real, sem filtros e não apenas a vida luxuosa em que fazia parte. Dessa forma, em 1959, deixou de ser assistente de seu marido e passou a dar foco em fotografias que retratavam a realidade da sociedade, sem romantização da mesma. Deu foco em fotografar mino26

Transvestite on a couch (1966)

Child with a toy-hand grenade in Central Park (1962)

A flower girl at a wedding (1964)

Identical Twins (1971)

rias e mais julgados da época, como pessoas com nanismo, prostitutas, portadores de Síndrome de Down e outros.

Por esta razão, Susan Sontag, autora de Diante da dor dos outros denominou-a de anti humanista, porque a fotógrafa mostra “pessoas que são patéticas, deploráveis, assim como repugnantes, mas não desperta compaixão”.

Ao longo dos anos, seu trabalho foi ganhando destaque e visibilidade, sendo a primeira fotógrafa a expor na Bienal de Veneza.

Em 1971, cometeu suicídio no auge de sua carreira. O

Two Friends in the Park (1965)

27

IMAGEM LINDA

mapa.

guia.

I.

MASP (Museu de Arte de São Paulo)

Exposições Leonilson: Agora e as oportunidades Lia D Castro: Em todo e nenhum lugar Arte, gênero e sexualidade: práticas estético-políticas como escrita da história Lina Bo Bardi Habitar: as revoluções do morar Corpos Eróticos: a potência do desejo em José Leonilson, Hudinilson Jr. e Rafael Acervo fixo Serviço Horário de funcionamento: quarta a domingo das 10h às 18h, terça das 10h às 20h Inteira: R$70,00; Meia: R$35,00; crianças até 11 anos não pagam II.

IV.

Exposições

Exposições

Horário de Funcionamento Aberto 24 horas Entrada Gratuita

V.

Beco do Batman

Paço das Artes

Beco Expandido: Uma experiência digital de realidade aumentada Passeio pelos murais de grafites que se espalham pelos muros,casas, bares etc.

Feira de artesanatos Sábado e Domingo: 9h até às 19h

Luciano Maia: Desejos guardados sob o rio Raquel Gandra: Entre tramas e labirinto Serviço: Horários de Funcionamento: Terça a sábados, das 11h às 19h Domingos e feriados, das 12h às 18h Ingressos: Grátis

Museu do Ipiranga Exposições

III.

Pinacoteca Exposições

Renata Lucas: domingo no parque Era uma vez: visões do céu e da terra Dan Lie: deixar ir Horários de Funcionamento De quarta a segunda: das 10h às 18h Sábados: Entrada gratuita Ingressos: Inteira - R$ 6,00 ; Meia - R$ 3,00

Onde há fumaça Uma história do Brasil Passados Imaginados Territórios em disputa Acervo fixo Serviço Horário de Funcionamento: terça a domingo, das 10h às 17h Inteira: R$30,00; Meia: R$15,00

VI.

Museu da Arte Sacra

Exposições Caminhos para Belém - o amor que flui como água Diálogos contemporâneos Iluminai - A luz na arte sacra Tradição e liturgia: A coleção de prataria e ourivesaria dos MAS-SP Arte Sacra através dos séculos Presépio Napolitano Serviço Horário de funcionamento: terça a domingo, das 9h às 17h Inteira: R$6,00; Meia: R$3,00

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VII.

Farol Santander

Exposições Narcizo - A Beleza Refletida São Paulo 3024 - arte digital imersiva Denise Milan - viagem ao centro da terra Acervo fixo Horário de funcionamento: terça a domingo, das 9h às 20h Inteira: R$40,00; Meia: R$20,00 VIII.

MIS

Exposições Exposições: Bruce Labruce sem censura Nova fotografia | Gui Marcondes Além do acervo fixo Horário de funcionamento: terça a sexta 10h às 20h, sábado das 10h às 21h e domingo 10h às 19h Inteira: 40R$; crianças de até 7 anos não pagam

IX.

Museu Afro

Exposições Fusão de Gustavo Magalhães Viajando com tapetes contadores Acervo fixo Horário de funcionamento: terça a domingo das 9h às 18h Entrada gratuita

X.

XIV.

Exposições Acervo fixa de obras abstratas de artistas diversos Horário de funcionamento: Segunda a sexta das 11h às 19h e sábado das 11h às 15h Entrada gratuita

Exposições Fusão de Gustavo Magalhães Viajando com tapetes contadores Acervo fixo Horário de funcionamento: terça a domingo das 9h às 18h Entrada gratuita

Galeria Raquel Arnaud

Caixa Cultural

XI.

Instituto Tomie Ohtake

Exposições Carlito Carvalhosa | A metade do dobro Mira Schendel – Esperar que a letra se forme Horário de funcionamento: Terça a domingo das 11h às 19h Entrada gratuita XII.

MAM

Exposições 38º Panorama da Arte Brasileira: Mil graus + Acervo fixo Horário de funcionamento: Terça a domingo das 10h às 21h Ingressos: Entrada gratuita XIII.

Museu da Arte Brasileira

Exposições Ancestral: Afro-Américas Acervo fixo Horário de funcionamento: terça a domingo das 10h às 18h Entrada gratuita

XV.

Museu da Diversidade Sexual

Exposições Produção de Quadrinhos LGBTQIA+ Letramento sobre diversidade Aprendendo PAjub Horário de funcionamento: terça a domingo das 10h às 18h Entrada gratuita

XVI.

Casa de Vidro

Exposições Lina e Zé: trans gerações Muita/s Lina/s Acervo fixo Horário de funcionamento: quinta a sábado, 10h, 11h30, 14h e 15h30 Inteira: R$58,00; Meia: R$29,00; entrada gratuita para crianças de até 10 anos

O QUEBRA NOZES 2024 Teatro Santader 19 - 23 dez

da manipulação 18.05.2017

por Abilio Guerra para vitruvius

D

izem amigos e alunos de Vilanova Artigas que ele adorava dizer que cabe ao arquiteto “fazer cantar os pontos de apoio”. Parece que a frase não é dele e sim do arquiteto francês Auguste Perret, mas para além da autoria o que mais causa controvérsia é o seu real significado. Conversando hoje com meus alunos do mestrado, que apresentaram seminário sobre o arquiteto, palpitei que a frase se refere à essência da arquitetura – ao menos na definição de Schopenhauer em seu livro O mundo como arte e representação – de estar fadada a se enfrentar com as forças e leis da natureza, como a gravidade, rigidez, fluidez, luz etc. Assim, à arquitetura na visão do mestre da Escola Paulista caberia o papel estético de contrariar a lei da gravidade fazendo com que o pesado flutue ou se equilibre em apoio estreito e reduzido.

A seguir, me lembrei de filme que assisti há décadas, quando fazia graduação, e que atribuí erroneamente a Marcel Duchámp, mas que pude constatar ao chegar em casa tratar-se de René Clair.

Em Entr’Acte, filme de 1924 onde as imagens são associadas de forma onírica, o cineasta modernista francês apresenta uma bailarina com tomadas de baixo. O ballet, que se vende ao público como o universo da leveza e agilidade, é subvertido com o domínio real do peso, revelado pelo impacto doloroso do corpo no solo, pelos músculos retesados, pela carne convulsionada. De forma insidiosa invadiu meu pensamento o depoimento de Alfred Hitchcock a François Truffaut – que comentei na última crônica publicada – que escondia de “forma premeditada a entidade que provoca o medo, pois a imaginação do público é infinitamente maior do que as feras, demônios ou fantasmas que ele poderia inventar”. E, como último elo na cadeia de insights, me ocorreu o quanto os grandes compositores nos enlevam, nos empolgam ou nos entristecem segundo suas próprias conveniências ao escolher o andamento moderato, vivace ou allegro ma non troppo.

A livre associação feita diante dos alunos desaguou em uma sentença desabonadora: a essência da arte é manipular nossos sentidos e nossa apreensão da realidade. O artista nos faz ver e sentir o que ele quer, criando um mundo alternativo onde a ilusão é a regra e a realidade se evapora como éter.

Nesse interim, quando professor e alunos conversavam animadamente sobre a natureza escusa da arte, nos chega as últimas notícias da ficção alucinada que se tornou a vida política nacional: o presidente golpista e o candidato derrotado da última eleição presidencial, igualmente golpista, estavam sendo escalpelados pelo Jornal Nacional da Globo.

Voltando para casa, eis que vejo pela janela do coletivo uma multidão se formando diante do Masp pedindo o impedimento do presidente, reagindo com extrema rapidez ao comando dado pela rede de televisão, que seguramente já tinha as informações e as divulgou na hora do seu interesse privado.

Não pude deixar de pensar que a vida imita a arte e, como um mágico fazendo sua prestidigitação com dedos ligeiros, a mídia golpista nos mostra com uma mão mais dois corpos no cadafalso enquanto com a outra nos surrupia algo na surdina da noite. Não sabemos ainda o quê, mas não tardará. O 35

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