DJ Mag ES #157

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Despedimos un febrero —contra todo pronóstico— bastante soleado y caluroso y nos adentramos de pleno en marzo, que al parecer trae consigo un poquito del invierno que no hemos disfrutado estos primeros meses del año.

¡Un poco de frío siempre va bien para recibir el verano con más entusiasmo!

Este mes tenemos el placer de recibir en portada a uno de los artistas con más carisma y buena vibra de la industria: Reelow. El DJ, productor y propietario de Reecords, su sello discográfico, nació en Hungría y actualmente se encuentra afincado en Barcelona. Los últimos años de su carrera han sido tremendamente fructíferos y ahora Reelow nos presenta Reeborn, su último trabajo de estudio, del que nos habla largo y tendido con motivo de su portada en esta casa.

En clave nacional, este mes entrevistamos, por una parte, al valenciano Fran Hernandez. Después de casi una década de trabajo duro y de una gira que le ha llevado al otro lado del charco, charlamos con él de su momento vital en la industria, de sus recuerdos pasados y del futuro de ZIUR Records. Por otra parte, invitamos a nuestras páginas a Victor Fernandez, también conocido como Inner Ray. No solo nos cuenta lo que hay detrás de su segundo EP Keep It Real, lanzado en ANAØH el pasado febrero, sino que también nos comparte los entresijos de un fascinante proyecto paralelo que ha visto la luz de la mano del sello de Laurent Garnier, Cod3 QR .

En clave internacional tenemos el placer de hablar con el DJ y productor Nico Moreno, uno de los artistas más consolidados en la escena hard techno contemporánea. Conversamos con él sobre su proyecto de más de un año de producción, las motivaciones detrás del álbum, su sello discográfico Insolent Rave y sus futuros planes. A continuación, invitamos a Félicia Atkinson, una de las protagonistas de la tercera edición del proyecto independiente Mostra. Atkinson combina grabaciones de campo, instrumentación MIDI y fragmentos de lenguaje ensayístico en francés e inglés y utiliza la composición como una forma de procesar la vida imaginativa y creativa.

Cambiamos de tercio para introducir nuestra reseña sobre el libro Génesis; el libro coral que pone en valor la Valencia clubber postbakala. A continuación, y siguiendo nuestra interesante charla con Cathy Guetta sobre su proyecto más ambicioso, os introducimos a la aplicación Djaayz, o lo que sería lo mismo: el agente digital de los talentos emergentes.

En cuanto a crónicas, este mes os traemos dos de gran interés. Por una parte, asistimos a Pacha Barcelona para disfrutar la fiesta dominical SIGHT con Loco Dice, Andre Buljat y Kesia como protagonistas. Por la otra, experimentamos en primera persona el nuevo concepto 100% club de Human, Torax, una nueva propuesta donde la premisa es clara: crear un refugio donde la música sea lo único importante.

En nuestra nueva entrega de tendencias, y con motivo de la llegada del día de la mujer este mes de marzo, os introducimos a la jornada gratuita de música y feminismo digital 8M: Música y tecnología en las gradas celebrada en el Canòdrom. Y como siempre, os traemos las mejores secciones y críticas musicales.

Gracias, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes.

DIRECCIÓN

Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es

REDACCIÓN

Patricia Pareja Casalí | patricia@djmag.es

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COLABORADORES

Eduardo Carbonell, Bruno Garca, Sergio Parrado, Sergio Bifeis, Victor Fernández, Willy Alcocer, Salvatore Maldera, Luís V. Kali, Victor Santana, Alejandro Serrano.

EDICIÓN

Revista DJ Mag España SL

Passatge Carsi, 16 08025 - Barcelona (España)

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CONTENIDO

DJ MAG 157 / MARZO 2024

Secciones

06 BREVES

08 60 SEGUNDOS – RINDEAU

10 MIS FAVORITOS – ENAI

11 OFF THE RECORD – SILVA BUMPA

12 FOCUS ON – FIGURE MUSIC

14 5 TRACKS – JAY DE LYS

16 ELECTRÓNICA & ROLL – NOSTALGIA

18 COCINAMOS CON – KLAPS

20 LUCKY 7 – DE LA SWING

22 MI HOGAR – VIDALOCA

24 TENDENCIAS – 8M: MÚSICA Y TECNOLOGÍA

26 CÓMO PRODUZCO – XENIA

28 EL RINCÓN DE KALI

96 TECH - ARTURIA KEYSTEP PRO CHROMA

46 32

Artículos

32 REELOW

46 FRAN HERNANDEZ

52 VICTOR FERNANDEZ

60 DJAAYZ

64 GÉNESIS

66 NICO MORENO

72 FÉLICIA ATKINSON

Crónicas

80 AAA – TORAX @ RAZZMATAZZ

84 AAA – SIGHT @ PACHA BARCELONA

Críticas

88 ÁLBUMES – BRUNO GARCA

91 TECHNO – VICTOR SANTANA

92 UK GARAGE – BORJA COMINO

93 HOUSE – ALEJANDRO SERRANO

94 DRUM&BASS– DANIEL PANIAGUA

95 BREAKS – EDUARDO CARBONELL

72 66 52

Breves

GESAFFELSTEIN REVELA SU PRIMER ÁLBUM EN CINCO AÑOS: ‘GAMMA'

El icono francés de la música electrónica ha anunciado hoy el nuevo álbum mediante un escalofriante tráiler audiovisual, que incluye una lista de canciones y adelantos de la música. GAMMA incluirá 11 temas, según el vídeo. El lanzamiento de GAMMA está previsto para el 29 de marzo de 2024. Es el primer álbum de larga duración de Gesaffelstein desde el influyente Hyperion de 2019, que incluyó su tema favorito de los fans ‘Lost in the Fire’, una colaboración con The Weeknd. Con nuevas colaboraciones de artistas como Pharell Williams y HAIM, Hyperion, de tendencia más pop, supuso una ligera divergencia de los sonidos electro oscuros y distorsionados de trabajos anteriores de Gesaffelstein, como Aleph, de 2013. Sin embargo, el nuevo vídeo de Gesaffelstein indica que GAMMA verá a la leyenda de la producción sumergirse de nuevo en sus travesuras dance vanguardistas.

+ info: instagram.com/gesaffelsteinchannel/

PRINTWORKS PODRÍA REABRIR EN 2026

Printworks podría reabrir en 2026, con los desarrolladores de bienes raíces presentando planes para un "lugar cultural" dentro del antiguo club nocturno. Los planes enviados por British Land y AustralianSuper al Consejo de Southwark esbozan planes para transformar el club con capacidad para 6,000 personas, consistiría en espacios de oficina, un espacio de exposiciones y un lugar de música en vivo. Los desarrolladores de bienes raíces están actualmente en conversaciones exclusivas con los antiguos operadores de Printworks, Broadwick Live, sobre la operación de un lugar de música planificado dentro de la antigua imprenta. El desarrollo del edificio verá la preservación de su estética original, como su estilo industrial y prensas de impresión. A pesar de que parte de la arquitectura existente permanecerá intacta, se ha presentado un nuevo techo en los planes como un espacio para presentaciones, ensayos, lanzamientos de productos y charlas curadas.

+ info: printworks.com

PACHA Y DESTINO IBIZA ARRANCAN LA TEMPORADA 2024 CON

UN EVENTO DOBLE Prepárate para el verano de Ibiza 2024 con el gran pistoletazo de salida a cargo de nada menos que el embajador mundial italiano del techno, el maestro detrás de 'Music On', Marco Carola. De vuelta a su Ibiza natal, Carola encenderá el fin de semana inaugural en Pacha Ibiza el viernes 26 de abril con un set que promete ser espectacular. Empezando a medianoche con Ale de Tuglie b2b Calvin Clarke tomando el mando de la cabina de DJ, sentando las bases para una noche que quedará grabada en tu memoria, prepárate para sumergirte en una celebración de principios de verano con el legendario embajador italiano de la música techno-house, Marco Carola. Mantén viva la euforia del fin de semana de apertura, únete a Marco Carola b2b PAWSA para la apertura de la temporada en Destino el 28 de abril, asegurándote de que tus planes de escapada a Ibiza están perfectamente preparados para el fin de semana.

+ info: pacha.com

CHARLOTTE DE WITTE PRESENTA ‘ÉPOQUE’, UN NUEVO SELLO ENFOCADO A

REVISAR LA HISTORIA DANCE BELGA

Tras el éxito arrollador de la marca KNTXT, la DJ y productora de Gante lanza un nuevo sello discográfico. ‘Époque’, que así se llama, verá la luz a finales de enero y dirigirá todos sus esfuerzos a revisar y remezclar los grandes clásicos de la escena dance belga, especialmente los más aclamados en los 90 y principios de los 2000. El primer lanzamiento cuenta con un remix de la propia Charlotte de Witte del Push ‘Universal Nation’, cuyo original es de 1998. Con esta primera entrega, la belga deja muy claras sus intenciones: evocar emociones pasadas a través de una mirada actual. ‘Époque’ pretende ser a la vez un proyecto de investigación de la cultura y el patrimonio clubbing que atesora Bélgica. El sello Époque remezcla temas icónicos, recupera clásicos del dance y bebe de recuerdos y estéticas de club antiguas para traducirlos en nuevos temas únicos producidos por la escena electrónica actual”, reza el post de presentación.

+ info: instagram.com/charlottedewittemusic/

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Hola Rindeau, un placer saludarte. Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías?

Hola, un saludo para todxs. Me considero un artista multifacético: selector musical y productor como también diseñador e ilustrador.

Estoy involucrado con la música desde el 2011, en mis sesiones me gusta ser impredecible y darle al público algo diferente, dependiendo de la vibe de la pista puedo hacer desde una fusión de house, techno y electro hasta momentos más chill, también hip-hop y downtempo. Todo esto también se ve reflejado en mis producciones.

Eres argentino, pero vives en Barcelona. ¿Cómo ves la escena electrónica de tu país? Y, ¿qué destacarías de la barcelonesa?

En general es muy buena, hay excelentes DJs, productores y support del público. También hay algunas disqueras, sellos planchando discos y haciendo fiestas increíbles como PRYMA, INTERDANCE y POT, o venues como Avant Garden que dan lugar a DJs nacionales e internacionales de calidad, y eso aporta mucho. De Barcelona destaco tener la posibilidad de escuchar a DJs de todo el mundo cada fin de semana, la mezcla de culturas hace que la escena sea muy rica en contenido, además de la cantidad de disqueras que hay y la fácil conexión con otros países. Es un placer total.

¿Cuales son tus principales influencias? ¿Cómo llegaste a ellas?

Más allá de lo electrónico, lo principal ha sido por una parte el HipHop como A Tribe Called Quest, J-Dilla, Wu-Tang, etc. Me inspiran sus vidas, su forma de hacer música, el groove y la fusión de instrumentos con máquinas de ritmo. Por otra parte, la música clásica —y específicamente Chopin— es algo que me acompaña todos los días. Cuando no sé qué escuchar es lo que me trae a tierra y llegué a esto gracias a mi profesor de piano en Argentina, que también ha sido una gran influencia musical. En lo electrónico se resume todo en Kraftwerk, las tendencias y los gustos cambian a lo largo de los años, pero su música siempre estará actualizada.

RINDEAU

Has lanzado tu primer álbum LP. ¿Qué te inspiró a la hora de hacerlo?

Es un proceso que viví los últimos dos años y se ven reflejados muchos estados de ánimo, momentos e influencias diferentes, al hacerlo me inspiré netamente en el momento de cambio que estaba viviendo como migrar del país. Fueron producidos entre Buenos Aires, Valencia y Barcelona y podemos encontrar 10 tracks, 9 dirigidos a la pista de baile, una fusión de house, techno y electro que aún no sabría cómo definirlo, y el track restante es HipHop con sintetizadores inspirados en el electro.

Algunos de tus lanzamientos han sido planchados. También sabemos que tus DJ sets suelen ser en este formato. ¿Por qué en un mundo digital sigues apostando por el vinilo?

El hecho de estar varias horas en una disquera diggeando le agrega un valor emocional muy importante al formato, además de poder encontrar gemas que no están en ningún lado. Pero no me gusta cerrarme 100% en el vinilo, lo importante a la hora de pinchar es que suene el track correcto en el momento justo. En digital puedes tener música unreleased propia y de colegas, eso hace que las sesiones sean más entretenidas y únicas. Según la ocasión y las condiciones de la cabina, estarás más cómodo pinchando un formato u otro.

Eres el dueño del colectivo y label Strain. ¿Qué nos puedes contar acerca de este proyecto?

Strain es un proyecto que comenzó hace 6 años como una fiesta con Stefano Andriezzi, Desiree Falessi y Erika Halliday. Buscamos un espacio para poder crear sin límites y dar lugar a un sonido que no estaba dentro de la escena en ese momento. Pudimos hacer muchos eventos y collabs con DJs referentes para nosotros plantando una pequeña semilla en el país. Hoy estamos enfocados en el label, preparando releases en vinilo y digital y en los podcast mensuales. ¡Esto nos llevó a trabajar con más de 40 artistas el último año! Os invito a escuchar más de 30 horas de música en nuestro SoundCloud.

¿Qué podemos esperar de Rindeau en 2024?

Al menos cuatro lanzamientos en vinilo, presentaciones en Barcelona, París, Italia y otras que aún están trabajándose :) Apuesto a que será un gran año con mucho trabajo y dedicación.

Finalmente, Rindeau, pedimos a los invitados de 60 segundos que planteen una pregunta al siguiente. La última fue de Volpe “¿Cómo logras encontrar el equilibrio entre tu carrera musical y tu vida personal?”

El equilibrio lo encuentro haciendo que mi vida personal sea un reflejo de mi carrera artística y viceversa, van de la mano y repercuten la una a la otra.

Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente… ¿Qué consideras que es lo más importante para remontar una pista de baile difícil o una fiesta donde hay poca gente?

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Mis Favoritos

Enai

TRACK

Anohni–‘4Degrees’

Esta canción está bastante lejos de lo que yo hago normalmente, pero es un track que, desde que escuché Anohni Live en Sonar 2016, siempre me transmite algo muy diferente a otras canciones. En general todo lo que hace me gusta mucho.

ÁLBUM

Skin–Flume

Cuando escuché por primera vez a Flume por el 2012 era tan diferente a lo que había que ya me marcó para siempre (y en ese momento aún no era muy conocido). El álbum de Skin fue como la culminación de todo el trabajo que estuvo haciendo esos años y recuerdo escucharlo en directo desde un Live que hizo en Youtube junto a todos sus cantantes y colaboradores. Además, la estética del disco me encanta.

PELÍCULA

Interestellar–ChristopherNolan

Es un poco NPC/típico, pero creo que es de las películas que más me ha impactado, supongo que es porque todo lo que relaciona el espacio-tiempo se escapa mucho de lo que soy capaz de comprender a día de hoy y me fascina todo lo relacionado con nuevos planetas, galaxias y vida fuera de la Tierra.

SERIE DE TV

HowIMetYourMother

La puedo ver en bucle y no importa si pongo un capítulo sin contexto, que me va a gustar igual. Está muy bien hecha y me sirve para desconectar. Aquí añadiría Friends y/o Suits, que a mi parecer van de la mano.

SERIE DE TV

Editarfotosyvideos

De manera autodidacta durante la pandemia, empecé a mirar tutoriales de edición de videos y a trastear con el Photoshop. Para no haber tenido formación previa, se me da bastante bien y se me pasan las horas volando editando cosas solo para pasar el rato, y a veces salen cosas muy interesantes.

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Off The Record

Silva Bumpa

¿Cuándo mentiste por última vez y por qué?

Soy la persona menos conflictiva del mundo, así que no me verás diciéndole a mi madre que no creo que su asado del domingo esté demasiado bueno.

¿Lo que siempre has querido que te pregunten pero nadie te ha preguntado?

No creo que nadie me lo haya preguntado, pero ¿cuál es mi venue favorito? Tengo que decir que Hope Works en Sheffield, ya que tengo muy buenos recuerdos de haber tocado allí.

¿Qué es lo primero que te gusta hacer cuando llegas a un club?

No me juzgues, pero probablemente me beba un Red Bull.

¿Cuál es tu comida favorita para la resaca?

Tiene que ser un Full English, te juro que los Hash Browns son lo único que realmente alivia.

¿Qué tema no puede faltar en tu set ahora mismo?

Ahora mismo hay un tema de Instinct llamado ‘Bassline Track’. Es una combinación de géneros de locos y es el tipo de pista que encaja en cualquier set que he estado tocando.

¿Cuál ha sido el mejor momento de tu carrera hasta ahora?

Diría que mi actuación en la Boiler Room de este año fue lo más destacado. Tocar para tanta gente en la ciudad en la que estudié (Liverpool) fue increíble. Muchos de mis antiguos compañeros de universidad estaban allí y me vieron pinchar por primera vez hace unos años.

El momento más embarazoso de tu vida... Una vez me resfrié mientras pinchaba y no pude parar de estornudar.

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FOCUS ON FIGURE MUSIC

Autor: Sergio Parrado

En esta edición de Focus On nos adentramos en la historia y el legado de Len Faki, conmemorando los 20 años de su influyente sello Figure Music. Desde los inicios marcados por la búsqueda de independencia creativa hasta la evolución del sello hacia nuevas fronteras musicales, descubriremos cómo el artista ha liderado una revolución sonora en la escena techno.

Acompañadnos en este viaje, donde revelaremos cómo el compromiso con su visión artística ha llevado a Figure Music a convertirse en un bastión de la innovación, con proyectos audaces como la serie Open Space o su ultimo álbum Fusion. Pero, ¿quién mejor que el propio Len para que nos cuente un poco más?

DJ MAG MINI TEST

¿Una ciudad? Berlín

¿Una comida? Bowl de açaí

¿Un lugar para perderse? Berghain

¿Un libro?

Der kleine Prinz (El Principito)

¿Una película? Seinfeld

¿Figure Music? Mi sello

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AHola Len, feliz 20 aniversario de Figure Music. Para empezar, retrocedamos en el tiempo. ¿Cómo fueron los inicios del sello y cuál era la visión que tenías en mente al crearlo?

Inicialmenrte, la idea básica detrás de Figure era lanzar mi propia música y también ser creativo e independiente en el diseño. Pasé mucho tiempo en los primeros discos, por ejemplo, recortando el logo y cubriéndolo con materiales como terciopelo en las promos de vinilo. Pasé días con esto y me encantó. Cada disco era único; fueron grandes experiencias cuando pienso en ellas hoy.

Después del primer lanzamiento, el feedback de amigos y también de artistas desconocidos fue extremadamente bueno. Muchas personas me escribieron y me enviaron demos con las que tuve que lidiar. Esto fue súper agradable y estaba orgulloso, pero fue un giro completamente nuevo de eventos que no esperaba. Me hizo replantearme y cuestionar toda mi primera idea detrás del sello, y al final comencé con una nueva visión que se desarrolló a lo largo de los años, pero se mantuvo igual en sus ideas centrales hasta hoy.

Tuve dificultades para entrar en sellos en los primeros años de mi carrera, me gusta trabajar con artistas jóvenes y motivados y ofrecer una plataforma con una visión musical que está cerca de mi corazón, así que al final Figure se trata de eso: buena música, productores apasionados y talentosos y la posibilidad de apoyar a artistas jóvenes y desconocidos. En definitiva, puedo ofrecer una plataforma para el talento y también devolver algo a nuestra escena.

BA lo largo de tu carrera has sido una figura influyente en la escena del techno. Figure ha desempeñado un papel crucial en ese camino. ¿Cómo describirías la evolución del sello desde su inicio hasta hoy?

Diría que el sello se abrió a una gama más amplia de estilos, se desarrolló paralelamente a mi propio desarrollo artístico, siempre está abierto a cosas nuevas y dispuesto a experimentar y perseguir objetivos que son importantes para mí. Especialmente, un desarrollo continuo es muy importante para mí. De lo contrario, eventualmente se volvería monótono o aburrido de alguna manera.

Seguir ideas y pasiones libres también es muy importante. Por ejemplo, seguimos una gran pasión mía con la serie de compilaciones Open Space, dedicada a la cultura electrónica ambiental que me influyó enormemente en mis primeros años como clubber. Para un sello que era percibido como "puro" techno, en realidad fue una locura comenzar esta serie. Pero el proyecto en sí significó mucho para nosotros y fue genial estar en contacto con tantos artistas de ambient fantásticos como Laraaji, John Beltram o Jako Jako o Kamaru. Ambas compilaciones son geniales y estamos súper felices de haberlas sacado a la luz.

Desde un punto de vista puramente económico, podrías decir que los dos lanzamientos no le hicieron ningún bien al sello porque, al final, nos quedamos en números rojos debido al vinilo, al diseño visual que fue especialmente dibujado para nuestras portadas... pero al mismo tiempo, recibimos una enorme cantidad de comentarios positivos de artistas y revistas que nos escribieron diciendo cuánto aman esos dos álbumes y que los escuchan una y otra vez. Eso significó mucho para nosotros y me animó, sentí que abandonar nuestra zona de confort fue la decisión correcta. A veces, seguir un proyecto de pasión te recompensa en muchos niveles y el dinero no es el más importante de ellos; esa es una libertad que me guardé para Figure.

CHas sido residente en Berghain desde su apertura en 2004. ¿Cómo ha influenciado esa experiencia en tu música y la dirección que ha tomado Figure como sello?

Ambos empezaron casi al mismo tiempo. Berghain siempre es un gran lugar para probar música nueva, una especie de estudio enorme con oyentes audiófilos de quienes siempre recibo excelentes comentarios sobre las pistas. Además, a través de todos los viajes internacionales pude llevar una enorme cantidad de impresiones conmigo, lo que inevitablemente también tuvo un gran impacto en Figure.

DEchando la vista atrás los últimos 20 años, ¿cómo describirías la evolución tanto de Len Faki como artista como de Figure como sello?

¿Hubo momentos clave que marcaron un cambio significativo en tu enfoque musical?

Permanecer fiel a mi propia visión musical fue y es un elemento muy importante que siempre tengo en cuenta. Actualmente, por ejemplo, nunca tuve el deseo de que ni el sello ni yo como artista nos subiéramos a la tendencia del techno duro y rápido. Se sentía mal y esa tendencia en sí misma simplemente no me afectaba o me conmovía emocionalmente. Ahora que estamos hablando, Figure existió durante más de 20 años. En todo ese tiempo vi muchas tendencias y artistas llegar e irse, y aprendí que no es importante subirse a cada moda. Lo que me interesa mucho más son los nuevos enfoques que están ocurriendo en el mundo de la música y de los productores y cómo los artistas los están reformando / interpretando. Eso es emocionante y enriquece mi vida o me satisface.

ETu álbum Fusion representa un hito en tu carrera, mostrando una paleta musical más amplia. Mirando hacia atrás, ¿qué consejo te darías a ti mismo cuando estabas empezando, basado en todo lo que has aprendido y experimentado hasta ahora?

Fusion es una instantánea en el tiempo donde estoy presente tanto musical como artísticamente. La diversidad juega un papel importante en mi vida, al igual que en la música. Así que la idea de lanzar un álbum doble fue un buen estímulo para mí, ¡tenía mucho que compartir! No necesariamente soy conocido como un productor de leftfield, ambient o house. Sin embargo, muchos de estos géneros me han influenciado bastante. Fue una idea emocionante y desafiante lidiar con esos elementos y luego atreverse a seguir este camino. No es tan fácil producir diferentes géneros fuera de mi zona de confort y aún así mantenerme fiel a mi sonido. Al final, fue un proceso de aprendizaje muy beneficioso. El tiempo en el estudio para Fusion fue realmente emocionante y me ayudó a desarrollarme más libremente en todas las direcciones y nuevos enfoques en el estudio.

FPor último, Len, después de todo este tiempo en la escena, seguramente has vivido momentos inolvidables. Comparte con nosotros una anécdota curiosa o divertida que hayas experimentado en estos 20 años, ya sea en el estudio, en el escenario o en cualquier otro lugar.

Sí, es cierto. Hubo muchos momentos divertidos e inolvidables. Te contaré una pequeña historia que tuvo lugar hace bastantes años en un festival en Escocia: llovió todo el día, todo estaba lleno de barro hasta los tobillos. Tenía dos shows ese día y todos en el equipo sabían que tenía que llegar al aeropuerto lo más rápido posible después de mi set para no perder mi vuelo. Cuando terminé el set, mi driver no estaba allí. Todos lo buscamos para finalmente encontrarlo en un rincón de una de las carpas teniendo sexo en el barro. Todavía puedo ver el trasero blanco y las botas de goma a la izquierda y a la derecha ante mis ojos. ¡Nos reímos tanto! Incluso hice una foto, pensando que nadie nunca me creería. Aún así logré coger mi vuelo y hacer el segundo show de ese día. Al final todo salió bien, me reí mucho de todo esto.

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Jay De Lys TRACKS 5

DAFT PUNK 'Da Funk (Original Mix)' [Virgin Records]

Como para muchos, el álbum Homework de Daft Punk fue uno de mis primeros encuentros con la música electrónica. Sin duda, el álbum completo es una obra de arte, pero particularmente la canción ‘Da Funk’ me llamó mucho la atención. No podía dejar de escucharla.

JULIAN JEWEIL 'The Gang (Original Mix)' [PLUS 8]

Tengo el recuerdo de escuchar este track no menos de 5 veces por día en mi último año de secundaria. Tanto ‘The Gang’ como otros tracks de Julian Jeweil y otros artistas como Matador y Gaiser me marcaron muchísimo cuando era más joven.

FEDERICO LOCCHI, UGLH 'Mentiras (Original Mix)' [Laterra Recordings]

Un tema que descubrí por primera vez en el histórico set de Marco Carola b2b Richie Hawtin en Amnesia, quizás el DJ set que más he escuchado en mi vida y mi favorito. Marco es el artista que más me ha influenciado en mi carrera y sigue haciéndolo hasta el día de hoy. ‘Mentiras’ tiene un groove único, todavía recuerdo mis primeros días intentando hacer música usándolo como referencia. ¡Un auténtico bombazo!

CHRISTIAN BURKHARDT 'Delight (Original Mix)' [Oslo Recordings]

‘Delight’ siempre ha sido uno de mis tracks favoritos. Debe ser uno de los pocos que sigo poniendo desde que empecé a pinchar hace ya varios años hasta el día de hoy. Tiene una clase y energía increíbles, como cada pista de uno de mis productores preferidos de todos los tiempos.

JAY DE LYS 'Tired of Loving (Original Mix)' [Paradise]

Este es un track propio que significó mucho para mí. Creo que pude plasmar al 100% lo que intento transmitir en la pista como DJ y desde el estudio como productor. Contar con el apoyo de Jamie Jones, una de mis mayores inspiraciones, para lanzarlo en su sello Paradise cerró el círculo perfecto para un trabajo del que estoy muy orgulloso.

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ELECTRÓNICA & ROLL

Dice el refrán que nunca es tarde si la dicha es buena. Existen DJs y productores que han creado dilatadas carreras recorriendo multitud de clubs y festivales mientras que a la par desarrollan sus conocimientos en el estudio lanzando producciones y EPs en diferentes sellos. Curriculums donde se puede echar en falta un álbum que suele aportar un plus de prestigio artístico. Muchos reflexionan con calma a la hora de publicar un material así que, además, les llene y resista el paso del tiempo. Es el caso de Carlo con una apuesta arriesgada como es Todo Bien, su primer LP que da una vuelta de tuerca a todo lo que ha hecho hasta ahora.

Tras dos décadas de experiencia, la música de este malagueño afincado en Berlín desde hace 13 años se ha caracterizado por un sonido fresco, divertido y muy orientado a la pista de baile con el house, a veces más discoide y a veces más acid, como pilar fundamental. Un artista que sabe lo que es conquistar clubs como Tresor, Heideglühen, Sisyphos, Oxi y Prince Charles y que en la actualidad tiene una fiesta bimensual propia en el afamado Watergate.

Sus trabajos han visto la luz en reputados sellos como Classic Music Company y Shall Not Fade, además del suyo propio: Aterral. Música pinchada por institu -

ciones vivas como Moodymann, Kerri Chandler y Carl Cox; y apoyada por artistas como Axel Boman, Fred P o Session Victim entre otros. Logros que le han hecho actuar en medio mundo, de Europa a América del Norte pasando por Oriente Medio. Actualmente también es residente de Studio Club en su Málaga natal. Para ser profeta en tu tierra has de triunfar fuera de ella en más ocasiones de las que creemos.

NOSTALGIA

Estamos en año bisiesto y Carlo también gestiona un sello llamado así debido a que tan solo edita una referencia cada cuatro años. Su álbum Todo Bien es el segundo y se lanzó el pasado 29 de febrero. Un disco sorprendente donde el productor concibe un total de 16 temas cortos de calado instrumental que se presentan como una experiencia auditiva única. Cada track se puede degustar de manera individual pero también tiene una narrativa a modo de mixtape de escucha continuada como si fuera una única composición que muta y evoluciona en constante progresión.

Una obra con su germen en plena pandemia cuando cada noche compartía con su hijo el libro Donde Viven Los Monstruos. Captar esas vivencias de incertidumbre donde el consuelo reside en el refugio de la imaginación más pura e infantil es la fuerza motriz de este paisaje sonoro presentado en forma de viaje. La influencia de artistas como Nightmares On Wax, Kid Loco y Mushroom Jazz es evidente y ha sabido rodearse de colaboradores como Black Loops, Piek, Lora Ute, Jose Fernancaster e Intr0Beatz para complementar con clase y estilo su propuesta.

Una visión original que escarba en su propia infancia para articular un discurso lleno de vitalidad con poso relajante. El nexo de unión de cada producción son extractos de series clásicas de la generación de los 80 como pueden ser Campeones, Barrio Sésamo, He-Man, Bola de Dragón, Masters del Universo, Thunder-Cats, Mazinger Z, Los Autos Locos y hasta Los Fruitis.

Todo Bien representa una nostalgia atemporal bien entendida que ofrece un reconfortante y alegre momento de pausa en una época frenética y volátil. Un disco contra el miedo y con la capacidad de calar en el oyente. Seguramente que a Carlo le encanta que los planes salgan bien como ocurre con este extraordinario álbum debut.

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Tiempo: 30-40 min

Dificultad: Fácil

PASTA POMODORO

INGREDIENTES

› Sal

› Pimienta

› Aceite de oliva

› Ajo

› Tomates cherry

› Mozzarella di Buffala

› Albahaca

› Vino blanco

› Pasta

Precio: Bajo

Está buenísimo y además es sencillo de preparar para cualquiera. Se puede saborear la pureza de los ingredientes y me transporta a Italia. ¿Por qué Italia? Porque mi prometida tiene allí sus raíces y me dio a conocer la cocina típica italiana. Es arte hecho con amor. Igual que la cocina española, ¡aunque aún tengo que explorarla!

• Corta los tomates cherry por la mitad.

• Pon un poco de aceite de oliva en una sartén, junto con el ajo y los tomates cherry. Esto a fuego lento.

• Añade un poco de vino blanco y deja que se consuma el alcohol. No te olvides de beber también un vaso (risas).

• ¡Cocina la pasta!

• Añade la pasta a la sartén con los tomates cherry, etc.

• Ponlo todo en un plato bonito. Y para rematar, añade la albahaca fresca y la mozzarella di buffala.

¡¡¡Que aproveche!!!

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DE LA SWING

Autora: PATRICIA PAREJA CASALÍ

¿Qué canción te recuerda a tu infancia?

‘Como un burro amarrado en la puerta del baile’, de El último de la fila.

¿El primer disco que compraste?

LTJ Bukem, Journey Inwards LP (4 X 12”). Después de escuchar este disco, compré 2 platos Technics de tercera o cuarta mano y aprendí a pinchar… Me volví loco por el Drum & Bass y el Jungle, fue una etapa de mi carrera muy diver-tida.

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¿El disco más cursi de tu colección?

Sade o Feels Like Home de Norah Jones. No considero que tenga discos cursis, pero si tengo que nombrar alguno sería cualquiera de mi colección de Sade o Feels Like Home de Norah Jones.

¿Qué canción te pone sentimental?

Sade, ‘The Sweetest Taboo’. El videoclip me encanta, ¡no puedo parar de verlo!

¿Algún disco que estés escuchando? Chaka Khan, Chaka. Un álbum de 1978.

¿A qué disco de tu colección le guardas más aprecio?

Ricardo Villalobos, Alcachofa LP (2003). La joyita de la corona…

¿Cuál es tu canción favorita de todos los tiempos?

‘Ready or Not’ de The Fugees.

HARMONY OF DESIGN AND PLAYABILITY

Sloping top plate, curved front edge, and elegant aesthetics

STANDALONE 4-DECK PLAYBACK

Jog ring illumination matches the color of each deck

PROFESSIONAL ALL-IN-ONE DJ SYSTEM

EASY-TO-USE PROFESSIONAL EFFECTS

XY-Pad for Beat FX, plus Smooth Echo and Sound Color FX

SUPPORT FOR MULTIPLE MEDIA SOURCES

4 x USB inputs, plus Wi-Fi and Bluetooth connectivity

RAPID AND ACCURATE TRACK SEARCH

10.1-inch touch screen with keyboard and Playlist Bank, plus new Smart Rotary Selector

ZONE OUTPUT

Separate from the master, the zone output can play different music in a different room

PIONEERDJ.COM

Vidaloca

Mi Hogar - Barcelona
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¡Mi restaurante favorito sin lugar a dudas de la ciudad de Barcelona. Como bien dice el nombre la especialidad es la carne, ofrece una gran variedad de cortes, razas, procedencias y maduraciones hechos a leña. ¡Los entrantes son una pasada! Mis favoritos son las croquetas de Black Angus y la picaña, son todo un espectáculo para empezar. Eso sí, mi ritual al llegar es pedirme un buen cóctel, aunque no podría deciros el nombre porque no lo recuerdo pero al ir habitualmente ya me lo ponen sin pedirlo. ¡Es genial! Alan, te veo el jueves ;)

Bäckeranlage es un parque en el distrito de Aussersihl diseñado para cumplir varios propósitos; ser un espacio verde o un entorno tranquilo para residentes y visitantes. Hay muchas familias jóvenes de los vecindarios y personas disfrutando de su almuerzo. Encuentro tiempo aquí para relajarme cuando no estoy viajando o trabajando, es un lugar para encontrarme con amigos. Mis hijos patinan o buscan otras actividades, no siempre sin accidentes, pero bueno, eso es parte del camino.

En el corazón de la calle Tallers, cerquita de La Rambla, está mi tienda de ropa y gafas de sol favorita. Tanto los diseños de las prendas como los de las lupas tienen un rollito muy clubber, muy moderno y cool a la vez. Me puedes ver ahí prácticamente cada dos semanas, en mis viajes me suelen preguntar dónde he comprado las gafas o la ropa y yo (que soy un Bonifacio) suelo regalar el material —¡sorry, Miki! (dueño de la tienda). Hoy en día prácticamente me patrocinan, pero igualmente sería cliente habitual.

Mi residencia favorita de la ciudad —no solo por los line ups que realizan, el sonido, la cabina o el diseño que es realmente brutal—, lo que realmente me gusta es que me siento como en casa. Para un DJ es muy importante sentirte cómodo en una cabina ya que realizas tu trabajo de una forma más especial. Tengo una gran afinidad con los DJs residentes del club, quienes entienden muchísimo de musica y siempre hay algo bueno de lo que hablar o aprender. En general siento que no me tengo que preocupar de nada más, solo de hacer mi trabajo bien.

FADEAWAY Barcelona Pacha Barcelona Carnal Steak House
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Cougar Collection Shop

TENDE

8M: MÚSICA Y TECNOLOGÍA EN LAS GRADAS

Música y tecnología en el Canòdrom por el 8M

El 8 de marzo es importante para las mujeres en todo el mundo porque conmemora la lucha histórica de las mujeres por sus derechos, igualdad y justicia social. Resulta cada vez más común que el conocido como el Día Internacional de la Mujer se celebre con diversos eventos en todo el mundo que pueden variar en naturaleza y alcance, pero generalmente tienen como objetivo destacar la igualdad de género, los derechos de las mujeres y la lucha contra la discriminación y la violencia de género.De la misma forma, cada vez más eventos se celebran conmemorativamente a la fecha durante todo el mes de marzo.

Por este motivo, el viernes 1 de marzo, el Canòdrom - Ateneo de Innovación Digital y Democrática, junto con DigitalFems coorganizó la jornada gratuita de música y feminismo digital 8M: Música y tecnología en las gradas. Este evento contó además con la colaboración de Artista o Musa, una asociación cultural juvenil y feminista del distrito barcelonés de Sant Andreu y Nou Barris, y Barcelona Music Tech Hub, una agrupación de instituciones y empresas especializadas en tecnología musical en el sur de Europa. Con esta iniciativa, se quiso poner de manifiesto el poder transformador de la música y la tecnología, así como la importancia de la inclusión y la diversidad en estos ámbitos.

La jornada en clave festiva y reflexiva reunió a artistas, músicas y profesionales de los campos de la música, la tecnología y la cultura digital. Esta jornada celebró también su cuarta edición consecutiva, y este año tuvo su enfoque en el papel de las mujeres y las identidades no-binarias en el mundo de la música y la inteligencia artificial. Bajo el lema “Powerrr para las artistas” la jornada programó los conciertos en directo de ALBXROTO y de nara is neus, además de una batalla de creación musical con algoritmos y una mesa de debate donde se habló acerca de cómo utilizan las artistas la tecnología de la inteligencia artificial.

La jornada empezó con la Music IA Prompt Battle, una batalla de prompts musicales con IA, participativa y sin precedentes, que demostró que crear música con inteligencia artificial está al alcance de todo el mundo. Mediante esta batalla que desafía los estereotipos de género (solo el 5% de las ingenieras de sonido son mujeres), las personas que participaron pudieron demostrar su valía para crear una obra musical original que deslumbrara al jurado y a la audiencia. Contó con el acompañamiento de M. Stella Tavella y Giulia Silvestri, profesionales y activistas en asociaciones europeas de tecnología, y Roser Batlle, doctoranda en IA musical y ética en el Music Tecnology Group de la UPF.

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NCIAS

Del lado musical en la jornada se pudo disfrutar del concierto de ALBXROTO, artista emergente del barrio barcelonés de Nou Barris que presentó una propuesta osada de estética simbolista con sonoridades que van del pop electrónico hasta el post punk y que emerge como fuerza disruptiva en la industria musical, desafiando las barreras de género y celebrando la libertad de expresión. El segundo concierto de la jornada trae a nara is neus, artista que ha brillado en el escenario de prestigiosos festivales como Sónar, MUTEK o MIRA, y ha cautivado audiencias en salas como Nitsa, Razzmatazz o VOL. La compositora de electrónica experimental ofreció un show audiovisual de sonoridad delicada y etérea, un viaje emocional que acompañó con un espectacular show de luces que fue tomando forma como una extensión del sonido, creando una ficción de atmósfera atemporal que nos transporta a su recién publicado último álbum Azur. Por último, con el objetivo de poner de manifiesto cómo la revolución digital está transformando el mun-

do de la música, arrasando con antiguos paradigmas y dando lugar a nuevas formas de consumo y producción, se organizó la mesa “El impacto de la inteligencia artificial en la música”, donde seis artistas, pensadoras, creadoras y tecnólogas explicaron sus visiones sobre la digitalización de la música y el papel fundamental que está teniendo la inteligencia artificial. Las profesionales que lideraron esta mesa fueron Ginebra Vall, coordinadora de la Xarxa de Ràdios Comunitàries de Barcelona (XRCB); Rita Giménez, consultora en políticas públicas y miembro del Barcelona Music Tech Hub; Laura Benítez Valero, doctora en Filosofía por la UAB y docente universitaria; Thais Ruiz de Alda, fundadora y CEO de DigitalFems y las mencionadas previamente, Roser Batlle y nara is neus.

8M: Música y tecnología en las gradas tuvo lugar el viernes 1 de marzo de 16:30h a 21:30h en las gradas del Canòdrom y la entrada fue gratuita.

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CÓMO PRODUZCO

XENIA >2024

XENIA

Fotografía: Dimitris Leloudas

Aprecio mucho el tiempo que paso en el estudio, ahora más que nunca. Me he mudado recientemente y acabo de terminar de montar mi nuevo estudio en casa, del que estoy absolutamente enamorada. Personalmente, el ambiente relajado de casa es ideal para que surjan grandes ideas, y es increíble poder ponerlas en práctica de inmediato.

Me encanta relajarme en mi estudio entre semana cuando no estoy de gira con mis shows. Desde que empecé, he estado trabajando en Ableton, nunca he probado otros DAW por falta de tiempo, por supuesto (risas). Y porque me gusta mucho Ableton por su función de sesión en directo, que hace que sea súper fácil y divertido improvisar y crear ideas desde cero.

Empiezo mi proceso creativo con el bombo y dedico tiempo a perfeccionar su sonido, superponiéndolo y procesándolo hasta que da en el clavo.

El viaje continúa añadiendo baterías, melodías, percusiones metálicas y efectos oscuros para crear un bucle que siente las bases de lo que está por venir.

Luego disfruto mucho jugando con los bucles utilizando el hardware que tengo, AKAI APC-40 y Roland TR 8s. Siempre ayuda en el proceso creativo, desencadenando ideas y facilitando la combinación de diferentes elementos, ¡y es muy divertido! También encuentro inspiración en mi nueva afición de tocar la batería. Tengo una batería electrónica en casa y, a veces, cuando toco y me gusta mucho un patrón concreto, me voy inmediatamente a Ableton porque quiero utilizarlo en mi pista. Con el procesamiento posterior, se convierte en algo único. Tengo muchas ganas de empezar a aprender más instrumentos, creo que es lo más inspirador para un productor musical.

ESCANEA

EL QR Y DESCUBRE LAS ÚLTIMAS NOVEDADES DE XENIA 27

(GAMEBOYZ, LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

MARZO Y CON ÉL, CAMBIO DE DÉCADA

Recién terminados los carnavales de Badajoz, los mejores del mundo (no lo digo yo, lo dice la gente que viene), nos adentramos en el mes de marzo, este mes hago 40, un cambio que para mí no significa mucho más que un momento para reflexionar sobre mi vida y sobre el futuro de mi profesión. Espero que os encante como a mí todo lo que os traigo en exclusiva para DJ Mag España. ¡Vamos!

BAM BAM´S BOOGIE – SON OF A BLACK PANTHER

Redescubriendo el big beat del 2024

Human Tree Rec

El trio, Kiko King (vocalista), Jacobo Aluzzi (productor) y Giotto Beattz (batería) conforman la banda de Funk electrónico Bam Bam´s Boogie. Me han sorprendido muy gratamente con este nuevo álbum titulado Son Of a Black Panther del cual emanan raíces de lo que en los 90s se denominó big beat. Una confluencia de géneros que mezcla la electrónica con ese sonido guitarrero y ritmos rotos, a los que le acompañan letras, en muchos de sus casos, reivindicativas. ¿Os acordáis de Junkie XL o Propellerheads? Pues Bam Bam´s Boogie lo renuevan y lo llenan de novedades sonoras muy interesantes y especiales. Descúbrelos en la imagen QR.

TRACKLIST

01. JAGUAR

02. SPIRIT

03. RESCUE

04. GOIN´S ON´S

05. BOOGIE

06. VIBE

07. VIOLENT NERD

08. SON OF A BLACK PANTHER

09. DISGUSTING

10. BAM BAM

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UTTOPION

Nos sumergimos en el metaverso de Uttopion

Xibanow & Dayou

Quienes me conocen saben que soy un apasionado de las nuevas tecnologías y cuando me ofrecieron espacio para crear el contenido que yo quisiera, apenas me lo pensé. Uttopion es una aplicación española, cuyos creadores son Soraya Cadalso y Miguel Angel Fito, y su finalidad, crear un nuevo espacio virtual social donde poder interactuar, en muchos casos, entre personas de diferentes países y nacionalidades.

La app la puedes descargar tanto en Android como en Apple, puedes entrar como invitado, sin hacerte tu avatar, solo para probar y experimentar cómo es ese mundo virtual y qué lugares te puedes encontrar. Lugares como El Rincón de Kali, por ejemplo.

Lo interesante de todo esto es que el contenido que se emite a través de nuestros espacios es retransmitido a través de Xibanow, un espacio enorme lleno de creadores de contenido, en el que los usuarios de Dayou, el metaverso chino, acceden directamente (a través de una puerta virtual) a nuestro metaverso Uttopion (Xibanow), y por tanto a nuestro contenido europeo, el cual muchas veces está fuera de su alcance. Es por tanto una oportunidad increíble para llegar al mercado chino, uno de los principales consumidores de metaverso actualmente.

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CARLA DURISCH – MOIST

Cuando la conciencia ambiental y la electrónica se dan de la mano THRPY

La DJ y productora suiza Carla Durisch entra en la industria musical electrónica con la conciencia ambiental por bandera. No solo le gusta producir techno a base de modulares, sino que además es amante de lo vintage y del reciclaje textil. Le hago algunas preguntas para conocer este nuevo proyecto llamado THRPY.

Muy buenas Carla, para introducir primero a los lectores, ¿cómo comenzante en el mundo de la música electrónica y qué te atrajo de este género?

Desde una edad temprana estuve expuesta a una variedad de géneros gracias al papel de mi padre como periodista, lo que me proporcionó acceso a conciertos y festivales. Lo que realmente me atrajo de la música electrónica no solo fue la profundidad y variedad dentro del estilo, sino también mi amor por la vida nocturna, su cultura y la escapatoria que ofrece. Mis primeras inversiones en tocadiscos y años explorando diferentes sonidos, desde hip-hop y soul hasta disco y house, me llevaron a los artistas de Detroit y Chicago. Mi mudanza a Berlín fue otro momento crucial, donde perfeccioné aún más mi estilo.

Háblanos sobre THRPY, tu nuevo sello discográfico y promotora de eventos. ¿Cuál es el concepto que hay detrás de la marca? Danos algún detalle sobre Moist, el primer lanzamiento del sello.

La música y la vida nocturna siempre han sido una terapia para mí, especialmente durante un período emocionalmente difícil que tuve. Encontré consuelo haciendo música, y usarla para trabajar mis sentimientos fue lo que inspiró el nombre THRPY. Lo que comenzó como una demo para un EP ha crecido hasta convertirse en mi sello. Nuestro primer lanzamiento es un reflejo de esto, mostrando un lado crudo y personal de mi viaje musical. Produje Moist explorando equipos modulares y analógicos como Studerpult, Moogerfoogers y grabando en cintas A80. Se trata de expresar las emociones y las auténticas experiencias que nos hacen ser como somos, y eso es lo que representa THRPY. También quiero seguir haciendo merchandising reciclando moda vintage, porque es un proyecto que me apasiona mucho.

Me ha parecido sorprendente y muy admirable que seas consciente del medio ambiente. ¿Cómo influye este compromiso con el reciclaje y tu conciencia ambiental en el enfoque hacia la música y la industria?

Como artista que se va de gira, reconozco que mi huella no es mínima, pero no soy partidaria del todo o nada. Mi entusiasmo por la moda vintage y personalizar ropa es un testimonio de este equilibrio. Siempre me han atraído las historias incrustadas que posee la ropa vintage y los armarios de mi mamá y mi abuela, siempre me entretuvo usar y reparar las piezas de ropa que encuentro. Este amor por lo vintage y reparar o reciclar explica parte del concepto de la marca. Al integrar el reciclaje, no solo honramos el pasado, sino que también abrimos camino al futuro.

Y para finalizar, ¿qué proyectos futuros y metas tienes para este 2024?

Mi principal objetivo es hacer crecer THRPY como sello discográfico y promotora de eventos, impulsándolo con increíbles colaboraciones con artistas de la escena. Mi enfoque está en crear y lanzar música que me emocione, adentrándome más en el mundo de la producción de música analógica y quizás incluso incursionar en actuaciones en vivo. Buscamos lanzar más pistas que muestren nuestro sonido distintivo y organizar eventos que reúnan a nuestra comunidad, celebrando la artesanía y la creatividad en la música. Trabajar de cerca con artistas talentosos que se alineen con nuestra visión es clave, ya que aspiramos a dejar una marca significativa en la industria musical.

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TUSHEN RAÏ & CORNELIUS DOCTOR

El sonido francés representado por Hard Fist Hard Fist

Los franceses Tushen Raï y Cornelius Doctor llevan adelante uno de los sellos que más reconocimiento ha ganado dentro del underground en los últimos años, Hard Fist. A fuerza de joyas en vinilos y bombas digitales han logrado posicionarse como referentes dentro de su escena. Bien establecidos y llenos de proyectos bajo el brazo, hablo con ellos para que los conozcáis un poco mejor.

Hola chicos, es un placer teneros en DJ Mag España. ¿Cómo ha sido vuestro 2023? ¿Qué destacaríais?

CD: El 2023 fue muy especial. Reflexionamos sobre el rumbo de nuestras carreras y nuestro sello Hard Fist. Destacaría haber tocado en el Festival Kappa Futur y el All Night Long en Badaboum, en París.

TR: Fue el momento de colaborar con Cornelius Doctor en un proyecto completo. Publicar nuestro nuevo EP The Peacock Spider en Permanent Vacation fue un punto álgido, explorando nuestro amor antiguo y nuevo por la música trance.

Hace más de cinco años que fundasteis vuestra etiqueta Hard Fist, un referente dentro de vuestra escena. ¿Cómo es dirigir un sello tan respetado?

CD: Fundar Hard Fist fue un proceso y nos llevó años darnos cuenta de su impacto. Es inspirador ver cómo conecta con el público y colaborar con grandes artistas. Ayudar a jóvenes productores y trabajar con leyendas como Matías Aguayo o Jennifer Cardini es muy gratificante.

TR: Estoy totalmente de acuerdo. Nos hace felices crear relaciones sinceras con los artistas que admiramos. Ver a artistas que empezaron en Hard Fist alcanzar el éxito, como Romain FX, Bawrut, Strapontin, Omar Joseph, nos llena de alegría.

¿Cómo es vuestro trabajo de A&R en Hard Fist y en la producción de fiestas?

TR: Empezamos Hard Fist durante la democratización global de las redes sociales. Era sencillo: escuchábamos un lanzamiento interesante en SoundCloud o Bandcamp y a partir de ahí explorábamos el sello, los artistas, etc. Simplemente nos poníamos en contacto con toda la gente que nos fascinaba con su música en ese momento concreto. Así es como empezó todo y sigue siendo nuestro enfoque a la hora de firmar un disco o llevar adelante una fiesta. Nos alimentamos del entusiasmo, la inteligencia y el talento de los artistas. Eso es lo que buscamos principalmente.

Pongámonos nerds, ¿qué instrumentos soléis utilizar en el estudio?

CD: Estamos abiertos a diversos equipos como Moog, Dave Smith, Roland, sintetizadores Korg y muchos VST. Personalmente me gusta el software más moderno, el que utiliza IA. Tiendo a hacer música por accidente, impulsado por la suerte, ajustando mandos o jugando con samples. Así que disfruto tanto programando sintetizadores como generando cosas con IA. El proceso no es crucial, solo me importa el resultado y la emoción del tema.

TR: Estoy de acuerdo, cualquier cosa puede cambiar las reglas del juego, desde los juguetes de los niños hasta los sintetizadores de 2.000 euros.

Y por último, ¿qué podéis adelantarnos para el 2024?

TR: Estamos produciendo un EP para Correspondant (Jennifer Cardini) y unos cuantos remixes incluyendo uno para una banda italiana y otro para el jefe Adrian Sherwood. Pero lo más importante es que estamos trabajando en nuestro regreso a Hard Fist con nuestro primer álbum, Por otro lado, tenemos muchos festivales confirmados para este verano y a los lectores españoles les adelantamos que podrán encontrarnos en La Terrrazza (Barcelona) en julio, junto a nuestros amigos Martin Noise, Cisco y Elfenberg. ¡No os lo perdáis!

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REELOW

WE ALL REEBORN EVERYDAY

Este mes tenemos el placer de recibir en portada a uno de los artistas con más carisma y buena vibra de la industria: Reelow. El DJ, productor y propietario de Reecords, su sello discográfico, nació en Hungría y actualmente se encuentra afincado en Barcelona.

El sonido de Reelow no se limita a un género, sino que incorpora influencias que van desde el minimal hasta el soul, desde el breakbeat hasta el hip-hop, el tech house y el techno. En constante evolución a lo largo de los años, Reelow siempre tuvo una habilidad especial para líneas de bajo potentes, ritmos aleatorios y emocionantes riffs de jazz, y así lo demuestran sus tracks contundentes para la pista de baile. Sus producciones le han llevado a lanzar en prestigiosos sellos como Desolat, Solid Grooves, Tamango, Mindshake, Take Notes, Elrow Music, entre otros, consiguiendo apoyo y tocando junto a pesos pesados de la industria como Loco Dice, Marco Carola, Adam Beyer, Joseph Capriati, y muchos más.

Los últimos años de su carrera han sido tremendamente fructíferos; desde ser uno de los principales DJs en DC-10 en las fiestas Solid Grooves, hasta organizar sus propios showcases en lugares como fabric London o Skyfall en Barcelona. Ahora Reelow presenta Reeborn, su último trabajo de estudio, que verá la luz el próximo 14 de abril con un increíble showcase en Pacha Barcelona. Nos sentamos a charlar con el artista en una conversación profunda sobre sus orígenes, su evolución musical y personal, su sello discográfico y su nuevo álbum.

Autora: Patricia Pareja Casalí Fotografía: @PierreNavy
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Bienvenidos a una nueva entrega de DJ Mag España. Empezamos marzo y no puedo hacerlo mejor acompañada que con un artista como Reelow. ¿Qué tal, cómo estás?

¡Hola a todos! Estoy genial, ¿tú qué tal?

Yo estoy muy bien, muy contenta de tenerte hoy aquí. No, no. Creéme, yo estoy más contento de estar hoy aquí. O bueno, quizás, todos los que estamos aquí. ¡Seamos felices todos!

¿Sabes qué? Me ha encantado cuando me has escrito esta mañana: “¡Ey Patricia! Buenos días, hoy va a ser un día genial”. Me han encantado esas buenas vibras de buena mañana.

Es que por supuesto es un gran día. Cada día que pasa y seguimos aquí, es un buen día. Pero cuando es un día en el que sé que voy a hablar con alguien que va a hacerme buenas preguntas, sobre mí, sobre mi música y sobre todo lo que me rodea, entonces sentí que sí, que hoy iba a ser un muy buen día.

Por favor, cuéntame: ¿cómo te esta yendo 2024?

Pues… el 2024… si no me equivoco, estamos ya en febrero, ¿no?

Sí, casi en marzo.

Sí, sí, ya mismo entramos en marzo. Pues mira, si te soy sincero, me encerré en el estudio en noviembre, allá por Halloween, y apenas he salido hasta este pasado fin de semana. Me he dedicado en cuerpo y alma a estar creando temas en mi estudio. He estado tocando menos de lo normal, porque he querido focalizarme en crear música, en tener más disciplina, entrenar y crear cosas nuevas. Me he centrado en mí y en tener los pies en el suelo porque bueno, ya sabes, los últimos dos años desde que volvimos al ruedo después de la pandemia he estado centrado en crear un nuevo álbum y por fin me he puesto a ello.

Sí, es cierto, hablaremos de ello.

Es que últimamente todo era un poco locura, y mi objetivo era lanzar un nuevo trabajo. Sí, he sido muy feliz tocando en sitios diferentes cada semana, e incluso tocando 4 o 5 días por semana, pero es muy difícil mantenerte focalizado, sano y productivo teniendo ese ritmo de vida. Así que bueno, llega un punto en el que tienes que decir: vale, hasta aquí. Si te paras a pensar en tu legado, en tu música y en ti mismo, llega un momento en el que tienes que relajarte un poco. Así que bueno, si te soy sincero, este 2024 está siendo un poco diferente a otros años. Me estoy dedicando a estar mucho rato creando, a ser feliz, a mantenerme focalizado y feliz.

Me parece súper importante esto que dices. Realmente creo que los artistas necesitáis este tipo de descansos, al menos, una vez al año. Y es algo súper importante para vuestra carrera hacer estas pausas, incluso si eso significa encerraros en “la cueva”, como tú dices, en el estudio.

Pues sí, empecé todo esto haciendo una pausa de unos 33 días. La mayoría de mis compañeros hacen este tipo de pausas al menos un mes al año, muchos cogieron un mes de descanso en enero, de detox total de todo, de mantenerse alejados de internet, de las redes sociales,… Porque llega un momento en el que todo te supera. Realmente quería hacer esta pausa en octubre, pero es mi cumpleaños por esas fechas, así que me tuve que esperar a empezarlo en noviembre y ahí fue cuando me vino la idea de encerrarme durante unos 33 días y alejarme de todo. Quiero volver a empezar con varias cosas, incluso a hacer deporte pero de manera profesional, porque si te pones con algo como si tuvieras una competición por delante, te comportas diferente, porque te has hecho una promesa a ti mismo y también a la gente que te rodea, y no puedes decir que no. Porque si solo te lo dices a ti mismo “voy a hacer tal cosa”,… ¿quién va a estar pendiente de que lo hagas? Nadie. A nadie le va a importar. Simplemente estas tú, contigo mismo, haciéndolo por ti. Pero si tú te plantas y dices: vale, voy a salir de mi zona de confort, voy a crear un nuevo álbum… gente que no conoces va a quedarse como “uy, esta persona realmente se ha propuesto algo”. Por ejemplo, una competición de artes marciales, un nuevo álbum, una nueva marca, merchandising o lo que sea… la gente de tu alrededor te va a poner tal presión, que no te vas a poder echar para atrás.

¿Sabes qué? No se si te acordarás de esto pero para mí tiene bastante sentido con lo que dices. Cuando hicimos la última entrevista contigo hará cosa de un año y medio o así, recuerdo que dijiste una frase que se me quedó marcada, decía algo así como “Lo mejor que puedes hacer, eres tú”. Y antes de empezar esta entrevista, has vuelto a repetir esa frase.

Wow, gracias. Gracias por acordarte de lo que dije. ¿Sabes por qué? Porque mira, si no me equivoco, el cumpleaños de Snoop Dogg es uno o dos días antes o después del mío. Nos llevamos un par de días de diferencia, por lo que él también es libra. Y para mí, Snoop Dogg es una de las personas más exitosas del mundo de la música, de este negocio. Y todo lo que hace está a la altura, porque él nunca se ha metido en estas discusiones del mundo del hip hop, nunca ha dejado de ser fiel a quien es, porque eso siempre ha sido cosa suya. Él fuma, él está siempre chill… y si algo se desmorona alrededor suyo, él siempre se mantiene igual, se mantiene feliz. Por lo que para mí es una gran inspiración. Y un día de repente dijo: lo mejor que puedes hacer por ti, eres tú. En serio, ¿a quién le importas tú? En plan, ¿quién está pagando mi cuenta de SoundCloud?

¿Quién me paga mi ropa? En serio, no seas tímido. Porque aquí solo estás tú, contigo.

Realmente creo que es una buena frase para tenerla siempre en mente.

Sí, gracias.

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Quiero hablar de muchísimas cosas contigo, pero me gustaría empezar por temas más profundos como que me hables de tus orígenes y bueno, recuerdo el otro día cuando estuvimos charlando un rato, te dije que me gustaba muchísimo todo lo que has creado alrededor de tu nombre. Siempre haces juegos de palabras, como “reeborn”, “reemake”, “reecords”,… Puedes darle tu toque único con tu nombre artístico.

¿Sinceramente? Muchas gracias por decirme esto. Cuando escogí el que iba a ser mi nombre artístico, no sabía que iba suceder esto. Simplemente fue cada vez a más, y a más, y a más. Y cada vez que alguien me decía “oye, esto es muy ree, ree, ree,…” A mí me salía una sonrisa en la cara, era muy guay. Pero han habido comentarios de todo tipo, había gente que me decía que no me pusiera ese nombre, y yo pensaba “¿cómo que no? Ese soy yo, y así va a ser”. Porque realmente tu nombre no tiene un significado como tal, ¿no?

No, no, no tiene un significado en sí. Yo me llamo Renato, ese es mi nombre real. Y lo de “low” vino quizás porque no soy un chico alto, o porque no tengo el pelo largo, o porque en su día mi música no era muy contundente en cuanto a ritmos,… no sé, no sabría realmente decir el significado, pero resultó ser Reelow. Recuerdo estar un día sentado charlando con uno de mis mejores amigos de Hungría y decirle: bro, algún día me gustaría hacer alguna sesión en la radio. Y recuerdo que me preguntó que cuál iba a ser mi nombre artístico cuando llegase ese momento. Y le dije: bueno, lo grabaremos (we’ll record it). Así que de record, record, bam! Surgió. Así que gracias a mi colega en realidad, gracias bro. Y bueno, a partir de ahí surgió todo lo de hacer juegos de palabras con mi nombre, con palabras que empiezan con RE como remix. ¿Cómo íbamos a dejar pasar la oportunidad? Es incluso divertido. Todo esto lo hicimos por pura diversión y cachondeo. Y a veces nos reímos y decimos: bueno, quizás es demasiado. Pero no, lo siento, es que soy simplemente yo. Nunca es demasiado.

Algo que me ha llamado la atención mientras me preparaba esta entrevista, por favor corrígeme si me equivoco, es que fuiste a tu primera rave cuando solo tenías 14 años… ¿eso es así?

Sí sí, es totalmente cierto.

Es increíble. Yo con 14 años me entretenía leyendo la revista SuperPop.

Sí, sí, es algo totalmente ilegal de hacer. Especialmente en mi país.

O sea que ya estabas muy metido en la música electrónica, ¿no?

Sí, sí, lo estaba. He tocado muchos instrumentos a lo largo de los años. Cuando era pequeño me gustaba mucho cantar, bailar y todo lo relacionado con la música. Pero llegó un momento en el que bueno, sí, pensé que estaba bien tocar el piano, la trompeta y eso, pero empecé a escuchar música hip hop y sonidos distintos.

Porque tus padres también eran músicos, ¿verdad?

Sí, ambos lo fueron. Mi madre era cantante y mi padre era guitarrista. El mejor guitarrista del mundo.

Qué guay, eso está genial, porque no todos los DJs tienen apoyo en casa.

Bueno, es que tampoco les di otra opción, ¿sabes? Nunca necesité apoyo. De hecho, ellos en cierta manera me forzaron a dedicarme a la música, porque cuando era joven a mí me empezó a interesar el boxeo pero claro, yo procedía de una familia de músicos, así que querían que siguiera la tradición. Y sí, me encanta la música, pero también boxear. Y llegó un momento en el que dije: nah, no quiero pelear, me gusta mucho más la música. Y cuando tenía como 14 años fui a ese club, a la rave, y me voló la mente por completo, porque en teoría yo no tenía que estar ahí, pero era el más pequeño de mi círculo de amigos. La gente de mi círculo me preguntó que qué tal, que cómo me había ido en ese club. Y yo dije: ¡uf! es similar al hip hop que escuchamos, con los mismos elementos, pero más rápido y te provoca una sensación de trance que te eleva. Siempre me junté con una generación más mayor y aprendí mucho de ellos, porque tenían como cinco, seis o incluso diez años más que yo, así que ya te puedes imaginar…

¿Y en qué momento de tu vida decides mudarte de Hungría? Sé que anteriormente has estado viviendo en Ibiza, en Londres… ahora sé que estás en Barcelona. Pero, ¿cómo terminaste viviendo aquí?

Bueno, creo que todo esto empieza con el hecho de darte cuenta de que no vas a crecer más como artista, como persona, como un individuo en una ciudad, porque todo tiene sus límites. Hemos sido creados para descubrir cosas, para adentrarnos en lo desconocido. Sino, ¿cómo sabes realmente lo bueno que eres si no te pones a prueba? Yo estaba creciendo mucho en Hungría, pero sabía que gente como Marco Carola o Loco Dice estaban tocando mi música y llegó un punto en el que quería conocerles. Pero para eso tienes que salir de ahí y moverte.

Claro, y para eso necesitas estar ahí.

Exacto, estar ahí y sentirlo. Y sabía que eso me iba a convertir en un mejor productor, en un mejor DJ, en un mejor yo. Y los primeros dos años fueron de transformación, de ser aquel húngaro con energía, un poco egoísta, que quería todo aquí y ahora. Y me lo tuve que tomar todo con mucha calma, esa fue la clave de todo, pararme y decir: bueno, me voy a quedar aquí, me voy a mudar aquí… e imaginé que pasarían varios años hasta que llegase mi momento, hasta que alguien se fijase en mí y me dijese: oye, ¿quieres tocar aquí? Y bueno, finalmente ese momento llegó.

Una pregunta un poco complicada… ¿En qué momento te diste cuenta de que podías empezar a vivir de tu música?

Uy, de esto me di cuenta a una edad muy temprana.

¿Sí? ¿En la rave quizás?

No no, creo que fue justo cuando estuve a punto de vender mi trompeta. Mi madre me quería matar, porque me dijo que era un instrumento muy caro, y ahí fue cuando le dije: ya, lo entiendo, pero es que las mesas de mezclas también son caras, y yo quiero una. Pasé de tocar instrumentos con 17 años a querer convertirme en DJ. Me pagaron por primera vez como DJ a los 18 años, y yo estaba en plan: ey, mirad, dinero limpio, ¿sabes? Yo no trabajaba los fines de semana en el sector de la construcción, como muchos de mis amigos, la cual cosa respeto muchísimo. Pero recuerdo decirles: oye, ¿os acordáis cuando me dijisteis que no iba a salir bien? Pues ha salido bien. Y esto es un gran mensaje: seguid haciendo lo que os gusta, seguid insistiendo, porque llegará un momento en que la cosa funcionará.

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El trabajo duro tiene su recompensa, ¿no?

No diría tanto el trabajo duro, sino el hecho de trabajar de forma inteligente, el ser práctico, eso sí da resultados. Necesito felicitarte porque estos últimos años han sido increíbles para ti, has tocado en sitios increíbles como DC-10 con Solid Grooves, lo cual ha sido una locura. El año pasado hiciste tu showcase en fabric de Londres. También estuviste tocando en Skyfall aquí en Barcelona durante OFFWeek,… por favor, cuéntame un poco cómo fue para ti vivir todo esto el año pasado y cómo te ha hecho sentir.

Primero de todo, los últimos dos años han sido muy intensos para mí desde que todo volvió a la normalidad. Estoy muy agradecido con Solid Grooves porque me ha ayudado a crecer mucho, así que gracias enormes desde aquí a Alberto y a todo el equipo que lleva creyendo en mí y en mi música desde 2015, ha sido un largo camino. Ser uno de los primeros extranjeros de Reino Unido en formar parte fue un gran privilegio porque no sabía realmente qué iba a pasar los próximos años. Me dijeron de quedarme porque creían en mi música y bueno, todo fluyó. Nunca se sabe cómo va a evolucionar todo, pero tienes que creer en la

gente, tener buena relación, nunca sabes cómo vas a acabar o cómo te va a ir, así que les estoy muy agradecido. Pinchar en DC-10 es, quizás, una de las partes más importantes de mi carrera. No hay DJ que no quiera tocar ahí, así que la primera vez que toqué allí recuerdo tocar una canción de James Brown titulada ‘The Boss’, y me temblaba todo. No me podía creer que eso realmente estaba pasando.

Recuerdo estar escuchando una entrevista tuya donde explicabas esa situación, una entrevista con Sadkiel que está aquí sentado hoy, escuchándonos. Si no recuerdo mal, pinchabas el primero en alguna de las zonas de DC10, ibas a tocar otra canción y cuando viste tantísima gente esperando para entrar pensaste: wow, no no, tengo que cambiar el tema que tenía preparado. ¿Te acuerdas de ese momento?

¡Sí! Eso pasó hace dos años, sí, cuando empecé. La canción de James Brown, que dice “Paid the cost to be the boss”. ¿Sabes qué pasa? Que ha sido un largo camino, 20 años hasta llegar al club donde siempre he querido tocar, desde mi infancia, desde que vi esa película… ahora no recuerdo el título de la película,… It’s All Gone Pete Tong, sobre Frankie Wilde, que esta pinchando delante del público…

Sí, es que me has recordado a ese preciso momento que explicaste.

Qué bien, qué bien, gracias. Eres una gran periodista. Ya puedes imaginar la emoción y la tensión que sentí en ese preciso momento. Pero pensé: bueno, si he podido esperar 20 años o los que sean para este preciso momento, podemos esperar unos minutos más. Así que toqué ese tema, se abrieron las puertas y salí. Fue un momento muy especial. Me encantaría haber estado en ese momento.

Fue muy guay. De hecho, tengo el mix en SoundCloud puedes escucharlo, fue increíble. Fue uno de los sets más importantes de mi vida. Fue realmente guay. Disculpa, me fui de tu pregunta… Ah! Fabric fue increíble, no sé ni cómo explicarlo, es la iglesia de la música en Reino Unido desde hace años. Y cuando alguno de los artistas de Londres me dijo de hacer un showcase allí, dije… “¿estás seguro de eso? Toqué allí hace como un año con los chicos de Solid Grooves, no sé si estoy listo”. Pero me animaron a intentarlo y me dio la idea, estoy muy agradecido. Recuerdo que cuando tocamos allí era un domingo, y los domingos no son días fáciles… pero mira, llenamos el local y lo recuerdo como una de las mejores fiestas de mi vida. Cuando es un evento tuyo, ves a tu marca allí y te das cuenta de que la gente ha venido a verte a ti, no a otro DJ, a verte a ti, es todo por ti… es increíble. Recuerdo estar tocando las últimas canciones del set que tenía preparado, estar saltando ahí con mis amigos… es algo que nunca olvidaré. Ojalá todo el mundo pudiera sentir algo así alguna vez.

Y luego también lo hiciste en la semana de Sónar aquí. Esa semana en Barcelona es una de las mejores semanas que hay para los amantes de la música electrónica, no solo porque coincide con mi cumpleaños, que también…

Ay, ¿en serio? Me lo apunto, me lo apunto. Tequila Sunrise baby!

Como decía, semana del Sónar es una de las más importantes aquí en Barcelona, para los amantes de la música electrónica y para el público que consume este tipo de música. Tuviste tu propia fiesta, tu propio Showcase en Skyfall. Eso es increíble.

¿Sabes? No es nada fácil llevar a cavo este tipo de cosas, porque si no te juntas con los grandes, con grandes marcas para hacer algo con tu música, no es sencillo tirarlo hacia adelante.

No, no debe de ser fácil.

No lo es, pero tampoco es imposible, especialmente si no te cogen para hacer algo durante el fin de semana o hacer algo antes, lo cual es más dificil. Pero tienes que confiar. Hicimos un sold out el martes, y había un ambiente increíble. Vino gente incluso de Ecuador, que tenían planeado venir a Barcelona para las fiestas de después, ¡venían de Lost Beach!. Y ahí estaban, dando apoyo, y es algo que realmente agradezco.

Eso te hace sentir que estás haciendo las cosas bien. Exacto, es todo un no parar.

Pero eso es bueno. Recientemente has empezado Reecords Sub Series, ¿cierto?

Sí, exacto. Está bien que me lo preguntes, porque justo hemos hecho el segundo lanzamiento. Ha sido algo importante porque la grabación ha sido algo que ha pasado volando, pero la música y todo el marketing que hay detrás tuvo que ser cambiado porque si quieres hacer eventos más grandes, en un momento dado necesitas hacer mejor música. Como creé mi marca Reecords más o menos en 2018, quería añadir este tipo de techno deep, a ver, no sé si puedo decirlo, tipo… sexy, groovy, garage, deep tech,… Pero, especialmente después de la pandemia, la gente necesitaba más energía. Yo pincho música más dura últimamente, y no quería perder el verdadero sabor del trabajo duro. ¿Qué pasa si pongo esa mezcla con un poco del alma del vinilo en Sub Series y produzco algo más fresco? Lo que estamos haciendo estos días puede estar en la marca principal, por lo que no estamos perdiendo la esencia, porque eso suena a lo que está en Sub Series y estaba pensado para estar en vinilo de todos modos. Pero por este y otro motivo, salir al mercado no ha sido tan fácil. No pude poner ese tipo de música en el vinilo pero ahora finalmente sí que podemos, creo que fue una medida inteligente separarlo. Y en este caso, estoy contento de que a la gente le guste el primer lanzamiento. Doy apoyo a los nuevos talentos y ahora también tenemos gente de la industria que está lanzando temas en el sello, especialmente este año. Simplemente, cuando la marca crece, necesitas separar las cosas.

Eso es. Si no me equivoco, este año tu sello discográfico cumple 6 años, ¿cierto?

69, cumple 69, haha, no, no, estoy de broma.

(Risas) ¿Cómo va la marca?

Va muy bien, la verdad. Aunque si no hubiésemos tenido esa pausa de dos años que hemos perdido, creo que nos iría incluso mejor obviamente. Pero es algo totalmente diferente a lo que yo me esperaba porque uno no suele tener expectativas… Simplemente quieres que te vayan bien las cosas, pero cuando realmente te centras y focalizas en tu carrera y tu trabajo, te alejas de todas esas expectativas. Y en un momento dado, te das cuenta de que tienes un hogar, no hace falta imaginártelo. Esto es mío, yo vivo aquí, es mi bebé. Mi marca tiene que ser la mejor, de lo contrario, ¿por qué iba a estar ahí? ¿Sabes? Por lo que empecé a hacer nuevas creaciones, llegaron nuevas personas al sello… somos una gran familia trabajando ahí en este momento.

La última vez que hablamos me dijiste que utilizabas Trackstack. ¿Todavía lo usas?

Por supuesto, fui el segundo DJ en hacerlo. El segundo artista en utilizar esa plataforma. Me resulta súper interesante.

Hay dos chicos de Reino Unido, Ollie y Cameron, que lo desarrollaron porque lo pidió Jamie Jones. Imagínate la de demos que tendrá esa persona, creo que me dijo que eran como unas 1000 por semana. Te pierdes muchísimo, porque es imposible llegar a todo.

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Exacto, porque al final eres humano.

Exacto, exacto. Eres un ser humano. Así que lo que estas personas han desarrollado es como una plataforma de correo, a la que se accede con una especie de link, y solo puedes responder a partir de plantillas tipo “me gusta” o “no me gusta”. O, “lo acepto” o “lo rechazo por x motivo”. Tú esto lo programas por adelantado. En mi caso, 500 demos normalmente me tomaba una semana… y con esta plataforma, me las quito de encima en 3 horas. Wow, ¿tres horas solo? Eso es súper poco.

Sí, sí. Eso es nada. Hace un tiempo tardaba en contestar 100 mails como… dos días. Son unos genios, la idea ha sido increíble. Me gusta trabajar y tenerlos cerca, porque son increíbles, súper humildes y con sus creaciones están cambiando el mundo. Si quieres te los puedo presentar y que charles un rato con ellos.

Eso sería increíble, la verdad.

Lo cierto es que sí, son increíbles. Gracias Jamie Jones por la idea, y a vosotros chicos que sois unos genios.

Es muy bonito por tu parte. La verdad es que cuando leí en la entrevista pensé: wow, le tengo que preguntar de nuevo sobre esto.

Es que solo imagínate a alguien enviándome un mail… y solo porque no me guste el mensaje, quizás nunca me llego a escuchar sus temas.

Muy cierto.

A veces veo a alguien y pienso: esta persona es increíble, habla muy bien, voy a ver qué música hace…

Entiendo perfectamente lo que quieres decir.

Me entiendes, ¿verdad? Así que simplemente dejo que la música hable por ellos… y si algo realmente me gusta, lo pondré en una carpeta y contactaré con éll. Será cuando realmente vea potencial, porque hoy en día es súper importante tener a este tipo de personas detrás de la música. Es increíble. Me encanta Trackstack.

Ahora que hablamos de música, hay un tema del que realmente me encantaría hablar contigo y es de tu nuevo proyecto que verá la luz en abril. Por favor, cuéntame algo si puedes.

REEborn, eso es.

Exacto, debes seguir añadiendo el “ree”.

Por supuesto, todo empezó con eso. Y con este nuevo álbum traigo un arte increíble.

¿Puedes explicarnos de qué se trata?

Es una obra de arte hecha por mi amiga Tabata. Ella lo hizo antes de que yo creara el sello discográfico. Se supone que significa “renacer”. Me representa a mí, renaciendo a través de la música, porque ella es medium, es capaz de ver cosas antes de que sucedan y bueno, seguro que ya sabes que todos tenemos cosas con las que hay que terminar, y cosas que renacen dentro de nosotros, todos tenemos batallas internas en todos los niveles en nuestra vida. Y un día me vino con esta obra y me dijo: mira, yo sé que algún día esto lo vas a utilizar, le vas a dar algún valor… y es que esta obra ni si quiera la tenía enmarcada. Y un día de octubre en el estudio caí y me dije: ostras, esto siempre ha estado ahí desde el primer día de trabajo. Así que significa eso, mi renacimiento. Aquí lo tienes, este es mi álbum.

Increíble, me encanta el significado. Gracias. Para mí tiene mucho valor porque es algo que siempre ha estado ahí. Sabía que algún día iba a pasar porque esta obra sobre “renacer” siempre ha estado ahí, pero quizás simplemente no había estado preparado hasta ahora.

Es genial.

El sello empezó realmente con una obra como esta. Y cuando me di cuenta, también quise cambiar cómo se veía el sello, le pregunté a mi diseñador de tattoos y a un diseñador de ropa, Leo, de Francia, que empezó a hacer diseños a mano. Tiene más cuadros hechos por él.. algún día crearé una galería de arte, porque este chico se merece solo cosas buenas. Reeborn tiene mucho significado para mí, solo tenemos una vida… pero nunca sabes si hay algo más, si vamos a seguir aquí o no. Algún día ya no estaremos aquí, en esta sala o en este planeta, pero lo que sí que quedará es la música, ese es el legado. Así que si algún día renazco, lo haré a través de la música.

Acabo de terminar mi álbum, el cual me ha llevado varios meses hacerlo, porque tiene 16 temas. Al principio pensé en hacer solo unos 10 u 11 temas, y que el último durase 16 minutos, como mi cumpleaños, porque esa era la idea de Reeborn, de renacer. Pero entonces me dije: no, no, debe tener 16 temas. Tenía la música en mi cabeza, solo tenía que hacerlo realidad y rodearme de artistas, cantantes, escritores, guitarristas, baterías y todo lo que conlleva. Este es el proyecto que pronto verás en vivo en una actuación aquí en Barcelona.

Lo sé, sé que nos tienes preparado algo increíble. Sí, está al caer, ya casi lo tenemos. Reeborn… Quizás es simplemente un álbum… todo el mundo puede crear temas, pero si juntas todos y creas una historia, esa puede ser la historia de tu vida. Y así es como lo siento, este es un capítulo más de mi vida. De esta vida. Quizás tengo otra vida después de esta, quizás mi primera vida fue en Hungría y la segunda está siendo aquí y ahora… y la próxima será después del álbum.

Es increíble el significado tan profundo que tiene, me está encantado escucharte.

Gracias, gracias. Todos tenemos nuestros ancestros, nuestros padres, nuestros hermanos, nuestra familia… todo en una persona, está todo en nuestra energía. Mucha gente de mi país y de mi familia no ha sido capaz de hacer este viaje alrededor del mundo, de conocer gente… y quizás tenían talento, quizás más que yo, quizás eran mejores personas que yo pero, de alguna manera, yo he elegido viajar alrededor del mundo y conocer a gente que me inspira. Para mí significa mucho. Realmente le debo mucho a mi familia y a mi gente, a quienes les gusta y apoyan mi música… Tenía que hacer algo así para ellos, es lo mínimo que puedo hacer. Después de todo, siempre te invitan a clubs, a viajes, a restaurantes,… Todo el mundo te sonríe. Por lo que debes apostarlo todo por la música.

Qué bonito. Tenemos una fecha próxima, en abril, donde nos presentarás tu álbum… ¿dónde será?

Será en Pacha Barcelona, el domingo por la tarde. Será un evento para presentar mi nuevo proyecto, con Fleur Shore, Bizza y conmigo… y espero que con todos vosotros también.

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Por supuesto, será LA noche. Allí estaremos.

LA noche, sí. El próximo 14 de Abril, será muy especial… Y bueno, este es el álbum. 16 temas, 14 de Abril. Y definitivamente, en cuanto salga, no voy a volver a escucharlo nunca más.

¿Estás seguro de eso? Fíjate, no eres el primer artista que me dice esto…

No, no, definitivamente no te lo vuelves a escuchar. ¿Sabes qué pasa? Normalmente, cuando hago un tema normal, lo hago bastante rápido, pero cuando lo grabo con otros artistas, esto toma mucho tiempo, en serio, no acaba nunca. Se hace eterno. Realmente he aprendido mucho sobre la paciencia…

¿Así que es cierto eso de que cuando sacas algo a la luz, no vuelves a escucharlo durante un tiempo? No. Simplemente lo haces porque es su momento. Creo en lo que dijo Rick Rubin en su día: tienes información cada día y es decisión tuya tomarla o no, pero ahí está. Si la tomas en el momento indicado, lo entiendes y lo haces realidad. Así es el arte, todos lo hacemos. Todos somos artistas hasta cierto punto. Pero si pones todo en un tema, ya está, ya ha ocurrido. Hecho. Ya está, se cierra.

Pero si vuelves a ese tema años más tarde de sacarlo, ya no va a volver a ser ese tema o esa pieza de arte que en su día creaste. Puedes hacer el remix, puedes rehacerla, puedes hacer lo que quieras con ella, pero ya ha pasado. Pasa lo mismo con las relaciones, con las amistades, con todo: ya está, ya ha pasado. Está bien cerrar círculos. Obviamente no se trata de quemar etapas, pero sí de asumir que ya ha pasado. Tuviste tu oportunidad y ahora toca centrarse en otra cosa, ¿sabes? Renacer.

Tienes que tener en cuenta el tiempo, porque el tiempo es muy valioso, así que haz algo que merezca la pena con él. Wow, totalmente de acuerdo. Es lo más valioso que tenemos. Me creaba mucha curiosidad, no eres la primera persona en decirme esto y ya no me sorprende del todo. Aunque si lo vuelves a escuchar porque está en vinilo, sí, quizás suena diferente, suena muy bien, en digital también suena bien. Pero bueno, ahí está. Ya ha pasado. Además, en abril también sacarás a la luz tu primer vinilo, ¿verdad?

Sí, se supone que ese iba a ser el primero, pero pensé que no tenía la música adecuada para ello, por lo que he esperado 6 años. He tenido que esperar hasta el momento idóneo para sacarlo a la luz, cuando he tenido la idea para el álbum, con esta preciosa obra de arte, con un significado maravilloso detrás… era o ahora o nunca.

Así que cuando tienes entre manos algo grande, tienes que saberlo, en plan, nunca saber lo que está por venir… nunca se sabe lo que te va a pasar la semana que viene o el año que viene. Quizás pierdo la audición o lo que sea, nunca se sabe, pueden pasar muchas cosas, así que no es aconsejable esperar para hacer algo que quieres hacer. Lo haces ya y aprendes de ello, y quizás es lo mejor que has hecho en tu vida. O quizás no es lo mejor que has hecho. "Si quieres ser el mejor, debes vencer al mejor, y el mejor está bendecido, baby”. Algo así. Es de Max Holloway la frase… pero… ¿de qué estábamos hablando?

De tu primer vinilo.

Ay sí, exacto, mi primer vinilo. Pues sí, está pasando. Estará en mis manos dentro de poco. Tendrá cuatro canciones y estará en mi pared colgado.

¿Sabemos ya la fecha?

Pues mira, el tema vinilo es algo único y un tema bastante sensible, porque te dicen una fecha y siempre cambia. Estará en preventa cuando mi álbum salga, eso sí que te lo puedo asegurar al 100%, quizás incluso eso ocurra una semana antes. Pero el físico, tenerlo en mis manos… no sabría decirte, pero ocurrirá. Me gustaría repartir algunas copias físicas por ejemplo a ti, a mi gente,… ¡Eso sería genial! Soy una afortunada.

Sí sí, esa es la idea. La idea es ir a mi distribuidor, que está en Reino Unido, coger como unas 50 copias y volver aquí a Barcelona y repartirlos, porque de otro modo tardaría como 1 o 2 semanas y no, porque son como mis hijos, y quiero entregarlos en mano, no me fío…

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¡Son hijos literalmente! Como el que aparece en el cuadro. Me encanta, seguro que estás super orgulloso. ¡Debes sentirte orgulloso! De todo. Hablando de nuevo sobre música, sé que has lanzado temas increíbles en sellos geniales, a parte del tuyo, como en Solid Grooves, Mindshake, Take Notes, Whippin,… pero me gustaría saber si estás trabajando para lanzar algo en algún sello que no sea el tuyo en este momento, alguna colaboración o algún trabajo aparte además de tu álbum.

Pues mira, te agradezco que hayas mencionado lo de los sellos. Sinceramente, en los últimos seis meses no he estado pensando en otros sellos, pero a partir de la próxima semana seguro que sí. Porque saltar de proyecto en proyecto es uno de los mayores errores que podemos hacer los productores. Durante muchos años he querido sacar a la luz algunos temas, como por ejemplo en Hot Creations, Hottrax, Cuttin Headz,… He estado saltando de proyecto en proyecto, que si ahora he tenido una idea, ahora quiero hacer esto y aquello,… Primero de todo, céntrate en algo hasta que lo termines. No te pongas a hacer otras cosas, porque las vas a dejar a medias y no va a salir bien.

Por lo que yo normalmente me encierro en mi mente y me digo: vale, mira, durante los próximos seis meses no voy a prestarle atención a otros sellos ni nada por el estilo porque ahora esta es mi casa, este es mi bebé, mi proyecto, ¿sabes a lo que me refiero? Es muy necesario hacerlo. Casi para cerrar, no quiero olvidarme de hablar sobre una cosa… Cuando estábamos preparando esta entrevista, me dijiste algo que quizás no tenía mucho sentido pero que cobraría sentido cuando habláramos sobre ello… Algo sobre un mantra de meditación. Ostras, ¡te has acordado! Mis respetos… mis REEspetos. ¡Por supuesto que me acuerdo! Wow, qué bonito. Yo me había olvidado por completo de esto, pero para mí es super importante. Resulta que cuando me vino la idea a la cabeza de crear música y ponerlo en una familia, es decir, en un álbum, para hacer que merezca la pena, empecé a meditar tres veces al día.

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¿Meditas cada día?

Sí, sí, cada día. Tres veces. Si no lo hago, luego no puedo dormir, porque mi cabeza no para quieta… así que necesito hacerlo hasta tres veces al día.

¿Y lo haces justo antes de irte a dormir?

No, no, una vez por la mañana, en cuanto me despierto, que tiene que ver con la respiración. Otra después de comer, que normalmente luego me quedo dormido, y luego otra antes de irme a dormir por la noche. Excepto en los días que salgo de fiesta…

Wow, y ¿cuánto tiempo llevas haciendo esto?

Pues creo que ya llevo unos tres años haciéndolo, pero diría que incluso más. Hubo un momento en el que me paré en seco y me di cuenta de que no estaba sano, no estaba centrado, no estaba teniendo éxito, no estaba siendo productivo… y me di cuenta de que era porque no tenía una rutina marcada, que tenía que focalizarme en lo que quería conseguir. Cambié mi mantra, yo creo que casi todo el mundo usa el mismo, que es el OM.

Oh, sí, de hecho yo tengo el OM tatuado.

Qué bueno. Pues yo lo cambié por BEATS. Uno de mis mejores amigos me preguntó un día que cuál era mi palabra favorita, y le dije que era “beats". Y luego pensé que por qué no ponerlo en mi meditación, que se convirtiera en mi mantra… ¿por qué no? Así que me puse a crear más beats, y eso haré mientras esté aquí. Puedes darle una vuelta a la meditación y practicarla como tú quieras siempre que te mantenga enfocado y sano. Por lo tanto, siempre medito con el mismo beat.

Me encanta.

Quería hablar de este tema desde hace días, porque me vino a la mente, no sé, sentí que muchos de nosotros hacemos meditación, pero… ¿realmente quieres hacerlo como el resto lo hace?

Y, ¿qué hay de “El Acto Creativo: Una Forma De Ser” de Rick Ruben? También me comentaste algo acerca de esto.

Sí sí, totalmente. Rick Rubin es Yoda. Es Yoda de Star Wars sin duda alguna. Él es el master del universo… cuando terminé de escuchar su audiobook quise ir directo a comprarme su libro físico, pero lo cierto es que no tengo el tiempo suficiente… ¿sabes de quién hablo, no?

Si te soy sincera, no lo conozco, pero estoy deseando saber más sobre él.

No te preocupes, está bien. Rick es una persona que ha estado detrás de muchos artistas de hip hop. También ha estado presente en muchos artistas pop, como Amy Winehouse. Hay muchos artistas a los que ha ayudado, desde el estudio. Tiene ese don de decirte si algo está bien o no, tiene esa energía, te explica si puedes hacer algo mejor o de otra manera, pero no de una manera agresiva… es como un gurú de la música. Y tiene este libro, que le cambia la vida a cualquier artista.

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Para cerrar esta parte de la entrevista… me gustaría saber qué es lo que podemos esperar de ti lo que queda de año. ¿Cómo se presenta este 2024 para Reelow? Yo creo que bastante bien… ¿no?

Mmm, si hablamos desde la parte creativa, creo que se vienen cosas que no he hecho antes. Creo que es algo bueno para mí enseñar cómo estoy haciendo mi música, porque hay muchos temas que han salido al mercado y no había una explicación detrás , y la gente realmente quería saber qué había detrás o cómo se había hecho, así que me he dado cuenta de que necesitaba enseñar un par de trucos y enseñar a la gente sobre música, porque una vez tú haces algo bueno o interesante, la gente merece saber lo que hay de atrás. No se trata de enseñarlo todo, pero he empezado a enseñar cosas, e incluso a adolescentes. Hace unos días estuve en una escuela de aquí de Barcelona, con chicos de 10 a 14 años, enseñándoles a producir música. ¿Te lo puedes creer? Nunca me imaginé haciendo eso, así que bueno, ahora también me dedico a enseñar.

También tengo muchos shows confirmados en Ibiza, en Sudamérica, algunos también en mi ciudad, en abril, con Marco Carola. Y bueno, no sé, creo que vendrán más cosas cuando sea el momento. Pero he dejado de pensar en shows y me he centrado más en producir, porque siento que si hago una buena producción, mereceré tener más shows. Creo que es un buen momento para crear. Por supuesto, si me dan alguna fecha para tocar, yo iré y lo haré lo mejor que sepa. Lo demás, son bendiciones.

También estoy trabajando para mi sello discográfico ahora mismo. Estoy rodeado de un gran equipo de personas… Y bueno, vamos a hacer más showcases, más temas, más amor, más beats,… Y a renacer este año.

Hemos renacido este año, baby. Cada día me doy cuenta de que morimos un poco cada día. Todos tenemos un plan, quizás no físico, pero sí mental. Por ejemplo, me digo que voy a correr 10km hoy… y cuando lo haces, sientes como que has matado algo dentro de ti, porque has hecho algo que realmente querías hacer y que tenías pendiente. Y simplemente lo haces. También renaces sintiendo que, fisicamente, tienes un montón de células renaciendo dentro de tu cuerpo… por lo que es como un círculo que nunca acaba… al final, la vida es eso.

Solo puedo darte la enhorabuena por mi parte, por parte de todo el equipo DJ Mag España. Me ha encantado conocerte de esta forma tan profunda. Creo que la entrevista ha ido muy hasta el fondo de nosotros… te agradezco muchísimo esta charla.

He ido tan hasta el fondo, que incluso he perdido mi voz en algún momento.

¡Es cierto! Pero bueno, eso ha sido solo al final… creo que debes sentirte super orgulloso del trabajo que has hecho.

Estoy también muy orgulloso de ti, por las preguntas tan buenas que me has hecho,.. y a la gente que le gusta mi música, les prometo que no voy a parar.

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EL COVER MIX DE REELOW

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Pues ahora vamos con las preguntas Off the REEcord con REElow. Estaba deseando que llegase este momento.

Oh, ¿sí? ¿REEalmente lo estabas deseando? Te REEspeto por eso. Es REEalmente importante para mí.

Podríamos pasarnos todo el día bromeando con el REE.

Sí, sí, tal cual. Tengo un colega que un día me paso una lista entera con las palabras con las que se puede bromear alargando el REE.

¿Cuál es tu personaje favorito de película?

¿Mi personaje favorito? Batman. Sí, porque es Batman.

No necesita explicación, ¿verdad?

Es que si le preguntasen que cuál es su super poder, se limitaría a decir: soy Batman. Ese personaje no necesita decir nada más, ¿sabes? Es un poco tontería, pero es que es así. Pero por eso me gusta, por la simplicidad: soy Batman. Y ya. Tú podrías preguntarme que cuál es mi super poder y te diría: soy Renato. Vale, sí. Y tú, ¿cuál es tu super poder? Pues que soy Patricia. ¿Por qué no limitarnos simplemente a ser quienes somos?

¿Tienes miedo?

Sí, y tanto. Te ves bastante bien, la verdad.

Vale, quizás esta pregunta te resulta familiar… si pudieses ser un animal, ¿qué animal serías? Te prometo que tengo la pregunta escrita aquí.

Uy, uy, espera espera. Es muy tierna esta pregunta. Es que lo que dije anteriormente, he de mencionarlo. Y es que hace un tiempo me preguntaron que si tuviese que dormir con un animal, cual escogería, y yo dije un cocodrilo, pero eso no significa que yo elegiría ser un cocodrilo. De hecho, te respondería que me encantaría ser una pantera negra.

Wow, me encantan las panteras, muy guay tu respuesta.

Sí sí, y a las panteras también les gustas tú.

Mis uñas hoy son de pantera negra.

¡Es totalmente cierto!

¿Por qué el número 69 es tan importante para ti? Ayer publicaste un stories con un 69 BPM, cuéntanos.

Uy, esto empezó el año pasado, justo con la misma persona que me preguntó lo de dormir y yo dije que con un cocodrilo. Todo viene de un día en el estudio, tuve una gran idea, estaba creando un tema y bueno, el número 69 es un concepto divertido porque creo que la gente ya no lo practica hoy en día, pero sigue siendo algo divertido de lo que hablar o mencionar, es como un código. Aquel día yo estaba haciendo ese tema en el estudio y me había comprado un micrófono nuevo y dije: a ver, déjame probarlo. Y empecé a contar: uno, dos, tres, cuatro, cinco… 69, 69. Y pensé: uy, esto soy yo ahora mismo. Así que me hice un tattoo de inmediato, para que ese número estuviese siempre ahí. Y mírame ahora. Desde ese día, el número 69 siempre vuelve a mí de una manera u otra.

Wow.

Se crea una frecuencia, una especie de vibración. Mira, ayer anoche salí a cenar fuera y es que tengo hasta la foto en mi móvil, porque ¿cuánto crees que pagué por la cena?

¿69 euros?

Sí, sí, exacto. Es algo que es casi imposible. Es una locura, pero pasa. Se está yendo de las manos. Y mira, ahora estoy ya focalizándome de cara al verano, porque quiero ponerme en forma y mi objetivo no es tener un 6 pack, sino un 69 pack.

Ay, ¡pusiste un story en instagram sobre eso! Lo vi, un video en el gimnasio diciendo eso, ¿verdad?

Sí, sí, justo bromeé sobre eso recientemente.

¿Qué has comido hoy?

Pues mira, como quiero estar en forma, solo he comido 3kg de pollo. Nah, es broma es broma. Pues mira, comer como tal no he comido.

Pues entonces cuéntame qué has desayunado

Pues para desayunar he comido huevos cocidos.

Pero una cosa, son casi las cinco de la tarde…

Lo sé, lo sé. De hecho, estoy bastante hambriento. Pero es que estaba muy liado y con muchas cosas que hacer, a veces no saco ni tiempo para comer.

¿Cuál es la experiencia más extraña que has tenido estando de tour?

Pues diría que irme de tour sin mi teléfono móvil.

No me lo puedo creer. Sí, sí. De hecho ha pasado recientemente. Estuve sin móvil durante 3 shows: uno en Rumanía, después tuve que viajar a Hungría, volver en coche hasta Rumanía, desde Rumanía ir en coche hasta Birmingham y desde ahí volver a Barcelona, para pinchar en Pacha.

¿Y todo sin teléfono móvil?

Sí, sí. Y he tenido bastante suerte, porque hasta el año pasado he tenido un manager que me ha acompañado en los tour y fue quien me salvó el culo. Me dijo: ¿pero tío, cómo haces estas cosas? Y yo estaba como… ya, ya lo sé, pero es que no tenemos tiempo de conseguir otro teléfono. Fue algo estúpido, no sé, muy extraño. Porque durante los viajes yo estaba ahí, sentado, sin hacer nada, cuando de normal siempre tengo un móvil entre las manos con el que voy haciendo fotos, creando contenido, hablando con mi gente… y esa vez no, simplemente estaba ahí, sentado, y pensando: tío, estoy viendo la vida pasar, he perdido mi móvil. Es algo muy loco, pero creo que estuvo bien que me pasara porque te cambia la vida en cierta manera. No necesitamos móviles en realidad. Pero mi colega me decía: tío, necesitas un móvil, necesitas uno y llevarlo en el bolsillo.

No sé, sin duda creo que todos necesitamos llevar un móvil de repuesto cuando viajamos por si perdemos el nuestro. No sé, fue un poco locura. Fui a tomar algo con amigos por Barcelona y casi me pierdo, gracias a Brieela no pasó. Me he visto en situaciones en las que casi he perdido un vuelo, o en las que casi lo pierdo (solo me ha pasado en dos ocasiones contadas). Pero lo de perder el móvil sí que fue algo raro, porque me pasé el viaje pidiendo cosas, tipo “por favor, me puedes hacer una foto”. E incluso se me acercaba gente a decirme algo y yo estaba como: es que mira, no tengo teléfono ahora mismo…

¡Se pensarían que les estabas mintiendo o tomando el pelo!

Sí, exacto, si les dices que no tienes teléfono puede parecer que es mentira.

Ahora cuéntame, algo que te cabree mucho.

Tú. Nah, es broma. Nunca me molestarías en absoluto. Mmm algo que me moleste… pues la verdad es que no me molesta casi nada, no sé…

OFF THE
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REE CORD

OFF THE REE CORD CON REELOW

La verdad es que eres una persona que desprende unas vibras geniales…

Soy un gran actor, la verdad, se me da muy bien mentir… nah, es broma. Mmm quizás algo que me cabrea es que no tenemos una fiesta montada en la costa de Barcelona. Necesitamos un club frente a la playa, y no tenerlo me cabrea mucho.

Está en camino…

Un momento, ¿qué?

Sí, sí, está en camino… Ahora dime: tu comida húngara favorita y tu comida española favorita.

Pues mira, sé que es un cliché, pero me encanta el goulash.

¡A mí el goulash me encanta! Lo probé hace tiempo.

Es que está increíble, sé que es algo súper típico de decir, pero es que el goulash me encanta. Además, Hungría es una ciudad muy fría y siempre hay una excusa para comerse un buen goulash. Los inviernos allí son muy fríos, por lo que siempre aprovechamos para hacer comida con la que puedas entrar en calor. Hay un plato buenísimo que no sabría traducírtelo en español, pero que lleva tomate, paprika y carne. Es increíble. Y si tuviese que escoger un plato español… es díficil, en España se come muy bien… no voy a decir lo típico, la paella.

¡Estaba esperando que dijeras eso!

No, no, déjame pensar…

¿Lentejas con chorizo?

Te aseguro que tenía ese plato en mente, es uno de mis favoritos, ¿recuerdas? El otro día cuando comimos había lentejas.

Exacto, por eso me ha venido a la mente.

Comí lentejas justo ayer. Pero no suelo comer cerdo, así que siempre me las como sin cerdo. De hecho, estoy buscando un sitio donde las hagan sin chorizo, prefiero ternera, así que si alguien sabe de algún sitio, estoy abierto a recomendaciones…

Lo tendremos en cuenta. ¿Cuál es el emoji que más utilizas?

El que más es el que tiene las gafas de sol. ¿Y el tuyo cuál es? ¿Puedo preguntarte yo a ti ahora? ¿Qué es lo que más te cabrea?

Sé que lo que más te cabrea soy yo.

Pues diría que lo que más me cabrea es cuando vas a cruzar la calle y justo el semáforo se pone en rojo. O cuando quieres coger un ascensor y no está ahí y tienes que esperarte a que venga.

Uy eso sucede muchas veces aquí en Poblenou. De hecho creo que ni funciona el ascensor. ¿Tú utilizas transporte público?

No, yo suelo moverme en moto.

Muy bien, como yo. ¿Y qué opinas de los semáforos de Barcelona?

Los odio.

Es que yo diría que Barcelona es una de las ciudades más lentas por culpa de los semáforos.

Totalmente. Por no hablar de lo imposible que es moverte en coche por Barcelona.

Eso ya es un imposible. De hecho el otro día leí que Barcelona es la ciudad donde más motos hay de toda Europa.

Es increíble, por eso es imposible moverte en coche… Antes me preguntabas por el emoji que más utilizo,… diría que es el icono con el beso, creo que soy bastante básica en ese sentido.

¿Eso es ser básica? No estoy de acuerdo. Que tu emoji sea ese me parece bastante guay. Creo que el de las gafas es bastante básico.

No, no estoy de acuerdo.

Sí que lo estás, pero estás siendo educada. Venga, va, que es viernes, puedes mojarte un poco.

Por eso, es viernes, no necesitas ser simpático. El del beso es básico.

¡Esta es una conversación bastante seria! Me encanta.

¿Qué canción te gusta cantar en la ducha?

Mmmmm

Preguntarle esto a un DJ… ¿Quizás te he metido en un lio?

Es una de Bruno Mars, pero ahora no recuerdo el título, pero te la puedo mandar por spotify.

Genial. ¿Cuál es tu forma favorita de hacer deporte?

Boxeando. Me encanta el boxeo. Sabía que me dirías eso. ¿Algo en lo que te consideres bueno? A parte de ser DJ.

Mmmm toser en el micrófono, soy bastante bueno en eso. Es una especie de beatbox. Nah, diría que hablar con las personas. Mostrarme tal y como soy. Creo que no es algo muy común en esta industria, hay mucha gente que se cree un dios o algo inalcanzable.

No os olvidéis que nos dedicamos a mezclar canciones, simplemente. Creo que es importante la humildad. Hay muchos artistas de verdad, reales, que tocan instrumentos, que dedican años de su vida a reconstruirse sin ayuda y sin dinero… esa persona sí que merece realmente respeto. Pero nosotros llevamos una como si fuéramos estrellas del rock, así que bueno, esa sería mi respuesta.

La humildad.

Sí, exacto. Humildad, por favor.

¿Tu tradición familiar favorita?

¡Emborracharme! Lo siento, soy húngaro. Es algo que nos encanta hacer en la zona de los Balcanes los sábados.

¿Tu comida favorita para la resaca?

Ramen 100%

¿Te cabrea que alguien te llame por teléfono?

Sin duda, pero porque me suelen interrumpir. Sobre todo cuando llaman sin avisar porque normalmente estoy escuchando música o haciendo algo, y tengo que parar.

A mí también me molesta que me llamen de forma inesperada.

Sí sí, total. Es que hace años la gente tenía teléfonos para llamarse, pero hoy en día es más bien una forma más de comunicación. Hoy en día, que te llamen sin avisar se siente como que no están respetando tu espacio personal. Como si alguien picase a la puerta de tu casa, sabiendo que vas a estar en casa, pero sin previo aviso… ¿qué pasa si estoy desnudo? Por ejemplo. ¿Sabes a lo que me refiero?

Totalmente. Esta sí es una conversación muy seria.

Muy seria. ¡La vida es seria!

Y mi última pregunta sería… ¿cuál es el sitio que más feliz te hace?

Mi estudio. Es mi cueva. Y mira que a veces huele hasta mal, pero ahí paso muchas horas de mi vida, es un sitio que me hace feliz. Sea lo que sea que esté pasando en el mundo, yo sé que cuando estoy en mi estudio estoy focalizado, estoy haciendo algo para mi presente, pero también para mi futuro. Me siento como cerrando un círculo, porque yo me iré pero mi música se quedará aquí para siempre. Ese es mi lugar favorito en el mundo.

Muchas gracias por tu tiempo. Gracias a ti por invitarme y lo siento mucho por mi voz y por mis tosidos.

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Fotografía: @jotamartinezphoto.com_ | MUHA y Estilismo: @sarafreckled_makeupartist | Moda: @disanimed

HERNANDEZ FRAN

“ZIUR es un sonido, es la fusión de música, arte, fiesta y amigos”

El valenciano Fran Hernandez lleva detrás de la mesa de mezclas desde los doce años, cuando empezó a trastear con un programa de mezclas en su ordenador a raíz de inspirarse en los sonidos que escuchaba en los CDs de música electrónica de su hermano mayor.

Fran Hernandez es la pieza angular detrás de las fiestas ZIUR, que como él mismo describe, son mucho más que un evento al mes. Pero antes, mucho antes, con 16 años, empezó su andadura profesional en las cabinas valencianas, donde recuerda con cariño su primera fecha en la mítica Spook.

Después de casi una década de trabajo duro y de una gira que le ha llevado al otro lado del charco, DJ Mag ES charla con Fran acerca de su momento vital en la industria, de sus recuerdos pasados y del futuro de ZIUR Records.

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Hola Fran, un placer saludarte. Para que nuestros lectores puedan conocerte un poco más, cuéntanos, ¿cuándo empieza tu interés por la música electrónica?

Mi interés por la música electrónica comenzó cuando tenía once o doce años, cuando todo sucedía en casa, escuchando CDs de música electrónica que tenía mi hermano mayor por ahí. Recuerdo como si fuera ayer que esa música despertó algo dentro de mí y eso me hizo empezar a interesarme y ser un poco pesado con aquellas sesiones, ¡qué paciencia tuvo mi madre…! No debió ser fácil ver a su hijo pequeño con esa marcha en el cuerpo.

Tras un par de años dando la lata en casa y trasteando con un programa de mezclas para ordenador, ripeando CDs y descargando canciones de a saber dónde, salimos una noche y me colé en un club con un DNI que no era mío (no tenía dieciocho, señor agente). Y ahí empezó todo: fui directo hacia la cabina y cuando me acerqué a ver qué estaba pasando, vi al DJ a cámara lenta, las luces golpeaban mi cara… Por fin pude vivirlo en primera persona, ahí, justo ahí, supe que quería formar parte de todo eso.

Desde entonces, no ha habido un día en que la música no me haya acompañado, tanto en los buenos momentos como en otros no tan buenos.

¿Cuándo empiezas a dedicarte por completo a la industria musical? ¿Algún recuerdo que puedas compartirnos de aquellos inicios?

Hace aproximadamente ocho años. Sin duda, un momento crucial en mi vida, como cuando tomas cualquier decisión importante. Dicen que fue un paso arriesgado, pero en ese momento no lo sentí así. Tuve claro que era lo que quería, con más o menos éxito y sin estabilidad económica, por supuesto. El apoyo de mi familia, mis seres queridos y que siempre he sido más de trasnochar que de madrugar, fueron factores para aventurarme sin demasiadas dudas.

Uno de los recuerdos más emocionantes de aquellos inicios fue mucho antes de dedicarme al 100% a esto. Recuerdo con mucho cariño mi primera fecha en un club, concretamente en Spook, tendría unos 16 años, fue en la sala de arriba y estaba muy nervioso, pero también lleno de emoción. Tuve que subirme a una caja de Schweppes, de las amarillas, me quedaba alta la cabina y esa era la solución. Una vez a la altura correcta, empecé a poner música y a ver a la gente disfrutar con lo que estaba mezclando, quizás era cosa mía pero así lo sentí y lo cierto es que me hizo bastante ilusión. He de decir que la mayoría de la pista eran mis amigos, acababan de entrar después de hacer botellón de alguna combinación que produce ardor a la mañana siguiente.

Desde entonces, he tenido la oportunidad de tocar en muchos eventos y festivales alrededor del mundo, algunos con amigos y otros con gente que no conocía de nada y cada uno de esos momentos ha sido especial. Pero aquellas primeras fiestas, con todos los amigos llegando con las motos de 49cc trucadas, siempre ocuparán un lugar especial en mi corazón ya que marcaron el comienzo de todo esto.

Hemos visto que este año has estado de gira con un super tour que te ha llevado a países como EEUU, Ecuador, Argentina, Chile,… ¡Cuéntanos más!

Sin duda ha sido un año increíble y que me ha hecho crecer. El tour ha sido una aventura inolvidable que me ha llevado a diferentes países alrededor del mundo; comenzamos en Estados Unidos, donde tuve la oportunidad de tocar en ciudades como Miami, Las Vegas y Los Ángeles y conocer gente extraordinaria que apostó por mí y bailó conmigo. Fue una gran experiencia poder compartir mi música con el público estadounidense en esas tres fechas y poder cumplir mi sueño de visitar las ciudades del GTA gracias a la música.

Luego nos dirigimos a Ecuador, donde pasé algunos de los momentos más enriquecedores del tour. Pude sentir la cercanía y la energía contagiosa de todo el país y me sentí realmente arropado. Los shows en Montañita, Quito, Loja, Cuenca y Portoviejo fueron una bomba, no tenía ni idea de que hubiera tanta fiesta en este país, y fue un honor poder tocar en tan buenas fiestas. Al poco de salir de Ecuador, comenzó una etapa complicada y amarga. Quería aprovechar para mandarle un abrazo y mi fuerza a todas las personas y los grandes amigos que hice allá y desearles que todo se arregle cuanto antes.

Después llegamos a Argentina, uno de los países más pasionales que existen y con un amor desbordante por la música electrónica. Tocar en Buenos Aires, Cordoba, La Plata y Mar del Plata fue una experiencia surrealista. La energía de la gente y el amor por la música que se respira en el aire son incomparables. La verdad, me encanta Argentina, su gente y su gastronomía. Siempre estaré contento de ir allí, ¡los amo!

Finalmente llegamos a Chile, ya llevaba más de mes y medio fuera de casa, algo cansado del tequila y extrañando a la familia, pero me esperaba otro país con una escena musical vibrante y apasionada. Tocar en Santiago fue una gran experiencia. Tanto los clubs como el público son de primer nivel. En sesión la respuesta del público fue abrumadora y me llenó de energía y gratitud. No conocía el país todavía y ¡ya estoy deseando volver!

En resumen, este tour ha sido una oportunidad única para llenarme de la energía de diferentes países, experimentar diferentes culturas y sacar mi música a pasear.

¿Cuál ha sido la sala o club que más te ha sorprendido en estos últimos meses?

Durante estos últimos meses he tenido la oportunidad de visitar muchos clubes y salas, y cada uno de ellos tiene su propia magia. Sin embargo, si tuviera que destacar uno en particular, diría Lost Beach, en Montañita, Ecuador. Tuve la suerte de tocar en 2 ocasiones y estoy convencido de que no lo olvidaré jamás.

Lost es una sala conocida por casi todos, es mágica, innovadora y vanguardista. Desde el momento en el que entras a Montañita puedes sentir la energía Lost, es un parque de atracciones para amantes de la música electrónica y de la fiesta.

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Al entrar, no parece que estés en un club (había visto muchos vídeos del club, pero en persona es otra cosa) un mural pintado a mano recorre todas las paredes, la decoración, un estudio en el interior del club, la cueva de las fiestas interminables, la playa a escasos metros…hay mucho que destacar.

El club es muy artístico, todo está hecho desde la pasión. Su equipo y su público te hacen sentir en casa, desde Kami hasta AJ pasando por todo el staff del club. Además, está equipado con una de las tecnologías de sonido más profesionales del mercado y esto es un ingrediente imprescindible para llevar la experiencia a otro nivel.

Otra de las cosas a destacar fue la actitud y la pasión del público. La gente estaba totalmente entregada. Cada uno iba a su bola, pero todos estábamos en la misma.

Y, ¿un club o sala en la que te encantaría actuar? ¿Dónde podremos verte en los próximos meses?

No es fácil elegir solo uno, pero Space Miami puede ser el lugar que más presente tengo cuando se me plantea esta pregunta. Es, sin duda, un club mítico que ha acogido a los DJs más importantes y relevantes del mundo y sin duda es un lugar donde me gustaría armar jaleo.

En los próximos meses no estoy seguro de dónde estaré, probablemente girando por la península y parte de las Canarias y Baleares. Por supuesto en ZIUR, en mi querida terreta, una rutina de esas que te dan vida. Y fuera de España pronto añadiré algunos países nuevos a la lista de desbloqueados.

Cada vez hay más artistas que se embarcan en la aventura de fundar su propio sello, ¿cómo decidiste fundar ZIUR Records?

ZIUR es algo tan grande que no podía ser solo un concepto comprendido en un evento al mes. ZIUR es un sonido, es la fusión de música, arte, fiesta y amigos.

¿Qué diferencias encontramos en ZIUR respecto a otros sellos?

En nuestro caso, quizás uno de los puntos que marca la diferencia es que cada lanzamiento está compuesto por un track, creado por un productor musical y acompañado de una ilustración exclusiva que le da imagen a este, hecha, del mismo modo, por un artista sin ningún tipo de guion o parámetro, que se ha inspirado en ese track y la ha creado desde cero.

Otro punto sería que nosotros fuimos primero una fiesta, una comunidad, con artistas de todo el mundo que fueron conformando con sus sets en directo el sonido que a día de hoy posee ZIUR y esto ha servido para poder plasmar en cada uno de los singles del sello, esa esencia que durante estos años hemos vivido en la pista de baile. Podría decirse que, a diferencia de otros sellos, en nuestro caso, primero vinieron las fiestas y el desmadre y luego se trasladó a la parte más técnica, al estudio, la creación… así que intentamos que haya un poco de fiesta y de nuestra esencia en cada lanzamiento.

¿Podrías contarnos un poco más acerca de estos nueve años de trayectoria de ZIUR?

No sabría cómo resumir estos nueve, mejor dicho, siete años, ya que durante dos años no nos dejaban bailar.

Cada noche ha sido bonita, con sus nervios, risas y anécdotas, y ya van más de 70 noches. La Z ha brillado en clubs de toda Valencia, también hemos llevado nuestra esencia a diferentes salas de toda la península. Hemos tenido la suerte de poder trabajar con algunos de los artistas más importantes del mundo (Michael Bibi, Pawsa, Dennis Cruz, Maceo Plex, Claptone, Camelphat… y un largo etc.) Además, hemos colaborado con grandes fiestas como Solid Grooves, Sight, elRow,…

Y por supuesto, todas las personas que en algún momento han bailado en nuestra pista y las que a día de hoy se van sumando a esta pequeña familia.

¿Algún artista que todavía no forma parte de su catálogo y te gustaría que participase en ZIUR Records?

Hay muchos artistas que me encantaría que publicasen en nuestro sello, sobretodo gente que ya ha tocado con nosotros y saben qué es ZIUR. ¡Algunos de los que he nombrado en la pregunta anterior serían geniales!

Hablemos de tu música, ¿qué puedes contarnos sobre tu proceso de creación y composición musical?

Mi proceso de creación y composición musical depende mucho de lo perezoso y creativo que me haya despertado ese día, no debería decirlo, pero es así. Cuando no sale, no sale. Y bueno, cuando la luz verde está activa, todo suele empezar con una idea, la mayoría de las veces empiezo mirando ilustraciones de artistas que me gustan, es algo que me inspira y me hace entrar en un mood de producción. A partir de ahí, comienzo a explorar diferentes tipos de ritmos y melodías. La experimentación es clave, ya que me permite descubrir nuevas combinaciones y texturas sonoras que me estimulan a continuar.

Una vez que tengo una base sólida, paso a perfeccionar los detalles y a pulir la estructura de la canción. Trabajo en los arreglos añadiendo elementos como efectos, voces y otros instrumentos para crear una experiencia auditiva completa. Durante todo el proceso, me sumerjo completamente en la música y me dejo llevar por la energía y la emoción que quiero transmitir. A veces, las canciones pueden tomar diferentes direcciones y evolucionar de maneras inesperadas, eso es parte de la belleza de la creación musical, y otras veces me voy tanto del hilo, que no sé ni lo que estoy haciendo, pero es divertido.

Por último, sabemos que hay un nuevo lanzamiento en el horno… ¿Nos puedes dar más detalles?

Después de varios años sin publicar, centrado más en mis sets que en la producción, puedo decir que próximamente saldrá mi primer track para ZIUR Records. Me hace mucha ilusión y creo que ya tocaba. Además, vienen releases muy interesantes de artistas a los que admiro y con los que tengo muy buena relación en los próximos meses, y estar entre ellos es algo que me alegra y me llena.

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VICTOR FERNANDEZ

“COMO VICTOR EXPRESO ESTADOS DE ÁNIMO A TRAVÉS DE LAS MÁQUINAS, COMO INNER RAY CUENTO HISTORIAS REALES”

Desde sus primeros pinitos en los locales de ensayo de Fabregada, en Hospitalet, cuando tan solo tenía 16 años, y posteriormente sus primeros bolos en clubes míticos como Moog y Becool en Barcelona, Victor Fernandez ha recorrido un largo camino, pasando de ser una joven promesa a consolidarse como uno de los artistas referentes de la escena nacional.

Es común verle en clubes como Florida 135 y en los eventos de Conform Records de Gaetano Parisio. Ahora, con dos lanzamientos encima de la mesa, se puede decir que Victor se encuentra en un momento trascendental de su carrera.

No solo nos cuenta lo que hay detrás de su segundo EP Keep It Real, lanzado en ANAØH el pasado febrero, sino que también nos comparte los entresijos de un fascinante proyecto paralelo que ha visto la luz de la mano del sello de Laurent Garnier, Cod3 QR .

A lo largo de la conversación Victor comparte sus experiencias, desafíos y reflexiones sobre la industria, regalando valiosos consejos a las nuevas generaciones de artistas. En una industria que a veces puede ser implacable, Victor indaga en la importancia de la autenticidad, la perseverancia y el cuidado de la salud mental.

En definitiva, esta entrevista proporciona una visión íntima del artista, revelando capas profundas de su carrera, mientras explica la diversidad de sus proyectos musicales. La historia de Victor Fernandez es un testimonio de pasión y dedicación en la escena electrónica contemporánea.

En esta entrevista exclusiva con DJ Mag ES, exploramos desde los hitos y evolución de su carrera hasta sus más recientes proyectos.

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Hola Victor, es un placer charlar contigo justo ahora que atraviesas un momento tan importante de tu carrera.

Hola, el placer es mío, muchísimas gracias a vosotros por la oportunidad.

Empecemos hablando de que en los últimos años te hemos visto prácticamente en todos los eventos de uno de los clubes pioneros en la escena electrónica de España, Florida 135. ¿Qué representa para ti tener la oportunidad de tocar en este club tan mítico?

Pinchar en Florida 135 todavía me sigue pareciendo surrealista. Cuando era un crío, fui muchas veces y jamás me hubiera imaginado que llegaría a pinchar en aquella cabina. Todavía recuerdo el día que pisé el club por primera vez. Subí y bajé en autobús desde Barcelona. ¡Menuda aventura! Recuerdo perfectamente lo alucinado que quedé con el club.

Florida es un sitio muy especial, esas paredes albergan mucha historia, y eso se siente nada más cruzar la puerta. Inspira muchísimo respeto a cualquier artista que vaya a pinchar.

Comencé pinchando en “La Boite”, y estoy muy agradecido de a día de hoy tener la oportunidad de poder estar de manera habitual en la sala principal.

Es un lugar donde me siento totalmente libre de expresarme musicalmente, que me permite evolucionar y crecer como profesional, y que me ha dado la oportunidad de conocer a grandes artistas a los que respeto mucho y compartir cabina con ellos.

Por otro lado, también te hemos visto como residente de los eventos del mítico sello napolitano Conform Records de Gaetano Parisio. Cuéntanos, ¿cómo nace tu relación con Conform Records?

Gaetano y yo hemos forjado una amistad muy fuerte en poco tiempo. Nos conocimos un día que le escribí por Instagram al no encontrar en la tienda de vinilos un disco que recién había lanzado. Quedamos para tomar algo y me lo regaló. Ese fue el inicio de la gran relación que tenemos a día de hoy.

En una de nuestras charlas me comentó que iba a comenzar con sus eventos en Barcelona y que quería que formara parte de los mismos. Siento que más que por mis cualidades como DJ o productor, fue por mi amor por la música. Gaetano vio eso, y quiso premiar mi forma de entender, amar y respetar la música.

Estoy infinitamente agradecido con él, Lorena y la familia de Conform, no solo por la oportunidad de formar parte, sino porque además, dentro de la escena, con ellos me siento en un espacio seguro.

Después de todo este tiempo ejerciendo como DJ, creciendo a base de sesiones extendidas desde tus escasos 18 años, ¿cómo sientes que ha evolucionado tu faceta como DJ y cómo abordas tus sesiones en vivo a día de hoy?

Como es natural, mi faceta como DJ ha evolucionado muchísimo desde que empecé. Sobre todo en la manera de vivirlo. Desde un inicio he padecido pánico escénico, algo poco propicio dedicándome a lo que me dedico. Eso me llevaba a querer tener una pauta excesivamente marcada de lo que quería que pasara en mis sets.

Después de un largo proceso de terapia, mi pánico escénico no es que se haya esfumado del todo, pero sí tengo muchas más herramientas para afrontarlo. Ese progreso y la seguridad que me aportó haber trabajado en ello, me hizo cambiar por completo la forma en que vivo mis sets.

A día de hoy jamás sé qué voy a pinchar, no tengo un orden coherente, ni carpetas por intensidades, o por subgéneros, nada de eso.

Suelo hacerme playlists muy grandes con música muy dispar entre sí. Compro mucha música antes de cada bolo, así que muchas veces no conozco del todo cada track. Pero disfruto dejándome llevar por el momento y me provoca cierta excitación no saber qué va a pasar cuando le doy play a un tema. Me suelo guiar por el nombre del artista, el sello, yo qué sé… Por ahí más o menos sé qué puede sonar y lo que me va a aportar en ese momento. Intento sorprenderme en la misma medida que al público.

Desde que aprendí a dejar de machacarme con la idea de que todo fuera perfecto y comencé a sentirme con la libertad de dejarme llevar por el momento, empecé a disfrutar muchísimo más de mis sesiones, con mucho más margen de error, pero en las imperfecciones está la esencia y en esos detalles he encontrado el balance perfecto para divertirme sin presionarme mientras hago lo que amo.

Pasemos a tu faceta como productor. Manteniendo la fidelidad y la coherencia con respecto a tus trabajos anteriores, podemos escuchar un notable cambio en tus producciones. ¿Cómo has vivido este proceso de evolución?

Creo que el gran cambio que han experimentado mis producciones es la humanización. Siento que las pistas de mis nuevos trabajos tienen mucha más vida, por así decirlo.

Soy un gran amante de los sintetizadores y hardware en general, prácticamente todas mis ideas están plasmadas a través de las máquinas, grabando en vivo todas y cada una de las pistas que componen cada track. Siento que eso es algo notable en mi música. Pero no me malentendáis, no es necesario tener equipamiento hardware para que tus pistas tengan vida. Tan solo con realizar automatizaciones en las pistas a lo largo del arreglo o añadiendo herramientas nativas como LFOs modulando parámetros de cada elemento, siento que bastaría para que las pistas cojan movimiento.

En mi caso, trabajo mayoritariamente con hardware porque amo estar encerrado en mi estudio trasteando mis cacharros. Pero también utilizo muchos plugins en mis producciones.

El pasado mes lanzaste tu segundo EP llamado Keep It Real. Con él marcas tu segunda aparición en el sello mexicano ANAØH. ¿Qué nos puedes contar de este lanzamiento?

Estoy muy feliz de volver a publicar en ANAØH. Hace poco más de un año tuve mi primera aparición en el sello, en un VVAA. Esta vez, vuelvo con mi segundo EP Keep It Real.

Lo cierto es que me ha llevado mucho tiempo sacar este EP, decenas de tracks descartados por el camino. No fue hasta el pasado verano cuando, durante el último tour de Fixon por Europa, visitó mi estudio y seleccionó los tracks que habéis podido escuchar: ‘Endless Road’, ‘Hide & Seek’, ‘Keep It Real’ y ‘The Bouncer’.

Llevo mucho tiempo comprando y pinchando tanto música del sello como de Fixon, así que para mí es todo un honor estar a bordo de este sello tan respetado. Estoy muy agradecido con Fixon y ANAØH por la confianza depositada en mí y en mi trabajo. También estoy muy agradecido con Dig-It por el increíble trabajo que hizo con el remix, que, bajo mi punto de vista, acabó de completar el EP.

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Recientemente has anunciado un nuevo alias, Inner Ray, con el que exploras otras vertientes distintas. ¿De dónde nace este proyecto?

Para ser honestos, la música de Inner Ray estaba inicialmente planteada para salir publicada en un álbum de Victor Fernandez donde exploraba diversas paletas sonoras; desde el ambient, electrónica y breaks hasta llegar al techno. Ese álbum lo envié a uno de mis sellos favoritos. Fueron nueve meses esperando una respuesta por su parte, porque estaba convencido de que mi trabajo encajaba perfectamente con ese sello y por esa razón durante ese tiempo decidí no enviarlo a ningún otro y esperar por ellos, pero jamás llegaron a prestarle atención.

Al cabo de esos nueve meses decidí separar el proyecto. Me di cuenta de que tenía más sentido artístico mantener mi faceta de club como siempre ha sido con Victor Fernandez, y comenzar un proyecto paralelo con esto ya que en sí, Inner Ray nace de unas necesidades e inquietudes totalmente distintas a las de Víctor, donde puedo expresar historias mucho más emotivas sin limitaciones.

Como comentaba anteriormente, viví un proceso terapéutico con una brillante profesional de la industria. Los primeros meses de terapia los destinamos a un ejercicio que consistía en mencionar todos los acontecimientos —tanto positivos como negativos— que habían tenido un impacto en mi vida desde que tenía uso de razón.

Ella, con toda esa información, me escribió un cuento de mi vida, en tercera persona, y en el que el personaje principal se llamaba Ray. El nombre vino directo a mí, lo tuve claro: Inner Ray. Ray, el interior de Victor Fernandez. No existe Ray sin Víctor y viceversa.

¿Cómo manejaste la incertidumbre al apostar por un proyecto diferente? ¿Cómo se vive el dar a luz a un proyecto ajeno a las tendencias predominantes del momento?

Honestamente, con Inner Ray nunca he tenido expectativas comerciales. Me motivaba poder expresarme de una forma diferente a la que lo hago con la música de club.

Si hablamos de incertidumbre, eso ya es otra cosa. Se suele tener miedo a lo desconocido, estaba apostando por algo que nunca había hecho antes, no tenía ni la más mínima idea de cuál podría ser el resultado.

Cuando te abres al mundo con algo tan personal existe un miedo, pero es un miedo más inclinado a ser visto, miedo a abrirte. Te sientes vulnerable, pero es parte del proceso, es bastante emocionante. A día de hoy, no tendría el mismo significado todo lo que ha pasado con Inner Ray de no haber sido por esos momentos de incertidumbre que me hacen agradecer y poder vivirlo con la intensidad que lo estoy viviendo hoy.

Claro, porque después de tanta espera e incertidumbre, Inner Ray termina saliendo a la luz de la mano de Laurent Garnier y su sello Cod3 QR. ¿Qué significó esto para ti? ¿Cómo viviste el hecho de que una de las leyendas de la industria decidiera confiar en este proyecto?

Esto es lo más loco y grande que ha pasado en mi carrera.

Como os comentaba, los tracks de Inner Ray, en un principio, formaban parte de un álbum de Victor Fernandez. Cuando decidí separar los proyectos y construir Inner Ray mi intención era autopublicarme. Pero mientras, pensaba: “¿por qué no intentarlo y tirar a lo más alto?”. No tenía nada que perder, porque yo ya trabajaba en paralelo para que este proyecto saliera a la luz.

Así fue como decidí contactar a Cod3 QR, el sello de Laurent Garnier. Les envié todas mis producciones de Inner Ray y al cabo de unas semanas recibí una respuesta. Fue muy positiva, pero nada acordado. Fueron meses conversando de forma intermitente.

Un día como cualquier otro, Garnier me confirmó que quería mi tema ‘Wahat’ para su sello. No me lo podía creer. Claro que al haber un feedback inicial muy positivo, me imaginé que podía llegar a pasar, pero ver que se hacía realidad simplemente me pareció una locura.

Después de leer el mail me quedé tirado en el sofá en un estado de absoluta incredulidad, porque Laurent Garnier apostó no solamente por mí, sino por un proyecto que prácticamente no existía.

Laurent es la persona que, al fin y al cabo, ha materializado a Inner Ray. Que alguien con el criterio de Garnier confiara en este proyecto fue muy revelador para mí. Lo que empezó como un camino rodeado de dudas, vulnerabilidad e incertidumbre, acabó planchado en mi primer vinilo por Cod3 QR. Gracias Laurent, Oliver, Cod3 QR y EPM Music.

Y de esto quiero me gustaría recordar algo a todos los lectores: no os desesperéis, picaréis a mil puertas y os las cerrarán la cara. Está bien dudar, es natural. Pero siempre has de mantener viva la certeza de que cuando sabes que lo que has hecho tiene valor y, sobre todo, lo has hecho de corazón, encontrarás tu puerta. ¡Tened paciencia! Y no os quedéis esperando a que las cosas pasen por sí solas. Si yo no me hubiera flipado al contactar a Garnier, pensando que quizás apostaba demasiado alto, nada de esto hubiera pasado.

¿Cómo es el proceso creativo de Inner Ray en el estudio y en qué se diferencia de Victor Fernandez? ¿Cómo conviven esas dos vertientes artísticas en un mismo espacio?

Buena pregunta (risas). Yo, cuando entro al estudio, nunca sé lo que voy a hacer. Normalmente enciendo las máquinas y lo que salga. Inner Ray no tiene un sonido definido, lo comprobaréis con el paso del tiempo.

La única condición para que un tema sea de Inner Ray es que cuente una historia. Da igual el diseño sonoro de la misma. Tengo temas de electrónica que me gustan, pero que jamás van a formar parte de Inner Ray, porque aunque son producciones con las cuales me siento satisfecho, no son vivencias plasmadas en música. Con esto que os digo, no significa que las producciones de Victor Fernandez carezcan de significado, pero la parte del cerebro que actúa en el proceso de creación es otra muy distinta. Como Victor expreso estados de ánimo a través de las máquinas, como Inner Ray cuento historias reales. Ray no tiene límites, no pretende gustar a nadie y no hace música para que la gente baile, eso abre por completo el abanico de posibilidades.

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Entendemos con lo que comentas que Inner Ray es un proyecto que va a seguir avanzando, ¿qué más podemos esperar?

Así es, Inner Ray no ha hecho nada más que empezar. Honestamente, siento a Ray como el proyecto de mi vida. Algo al margen de los estándares de la industria y una puerta que he abierto al mundo para poder sacar todo lo que llevo dentro. Se podría decir que es incluso terapéutico para mí. No existe ninguna pretensión comercial, así que me iré dejando llevar hacia donde Ray decida ir.

Espero que pronto podáis escuchar más historias de Ray e interpretarlas como vosotros queráis, eso es lo que me gusta de la música: que cada persona pueda conectarla con su propia movida.

¿Podremos ver a Inner Ray sobre un escenario?

A día de hoy es algo que aún me cuesta imaginar. Creo que la única manera de que Ray se suba a un escenario es bajo el formato live, pero para eso, todavía no me siento preparado. En un futuro… ¿¡Quién sabe!?

Después de 10 años en la escena viviendo todos los contratiempos propios de esta carrera, ¿cómo logras mantenerte motivado? ¿Cómo consigues expresarte creativamente sin que el ruido o las exigencias y expectativas de la industria te condicionen?

Sí, es cierto que hay días en los que te saturas y te llegas a replantear muchas cosas.

Cuando esto pasa, en medida de lo posible, trato de salir del estudio y meter mi cabeza en otras tareas y actividades que también me gustan.

Trato de no darle cabida a la frustración en mi estudio, sino que salgo y despresurizo dando una caminata por la montaña, cocinando, escuchando música totalmente diferente a la que produzco, pasando tiempo con mis gatos,… En definitiva, con actividades cotidianas que solemos dar por sentadas y no nos detenemos a disfrutarlas; estas son las que me ayudan a hacer un poco de reset y volver como nuevo al estudio.

También es importante destacar que tengo la suerte de contar con un círculo que siempre está dispuesto a escucharme cuando lo necesito. Al ser una carrera muy exigente que, en ocasiones, tiende a aislarte, es muy importante sacar tiempo y mantener vivos los vínculos con quienes te rodean.

¿Qué planes tienes de futuro en general? ¿Cuáles son tus siguientes objetivos?

Mi principal objetivo es seguir viviendo de mi sueño, seguir pasando tiempo en el estudio aprendiendo para así mantenerme en constante evolución.

Mi intención es seguir trabajando para poder tener la posibilidad de que mi música llegue a sitios que todavía no lo ha hecho. También poder colaborar y crear sinergias con otros artistas, empaparme de distintas propuestas culturales y diferentes escenas con las que a día de hoy no estoy familiarizado. Creo que eso es algo muy importante para sentirse inspirado y evolucionar tanto como artista como persona.

En cuanto a planes de futuro, quiero terminar de darle forma a distintos proyectos en los que estoy trabajando como mi sello y otras plataformas que puedan servir para descubrir nuevos talentos para la escena.

Para finalizar ¿qué consejos darías a las nuevas generaciones que pretenden incursionar en la escena?

Sed fieles a vosotros mismos, proteged vuestra pasión y haced lo que realmente os mueve, aunque no sea la tendencia del momento.

No es fácil. Vivimos en una época en la que hay mucha más oferta que demanda, pero no caigáis en hacer las cosas por la idealización que se ha generado de la figura del DJ, por ejemplo. El arte no entiende los cánones de la industria y eso es algo a tener en cuenta si quieres vivir de esto de forma saludable.

Aprovecho la oportunidad para alentar a cuidar la salud mental a cualquier artista que quiera permanecer en este camino de forma duradera y satisfactoria, porque es algo que va a determinar de forma directa el éxito de su carrera.

Muchas gracias por tu tiempo, Victor. Estaremos atentos a tus proyectos.

Gracias a vosotros. Keep It Real!

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DJAAYZ

Autora: Caterina Günther

En un contexto histórico donde la música electrónica, la cultura del DJ y la tecnología continúan expandiéndose, la necesidad de plataformas innovadoras que conecten a artistas y clientes se vuelve cada vez más fundamental. Si esto lo sumas a un mundo donde la satisfacción de necesidades está a solo un clic de distancia (como pedir una hamburguesa a través de Glovo y recibirla en 30 minutos, o solicitar un Uber para ser recogido en cualquier lugar donde te encuentres), resulta paradójico que encontrar un espacio seguro para ofrecer servicios como artista, o contratar a un DJ de manera rápida y fácil, siga siendo un desafío.

En este escenario emerge Djaayz, una aplicación que está replanteando la manera en que se contratan y descubren talentos en la escena musical contemporánea. Djaayz representa un cambio significativo al ofrecer una solución accesible para la comunidad de artistas y clientes en la industria de la electrónica.

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La mente maestra detrás de este proyecto es Cathy Guetta, una figura emblemática en la escena clubbing y cofundadora de la icónica marca F*** Me I'm Famous. En colaboración con el empresario tecnológico francés Raphael Aflalo, Cathy Guetta ha dado vida a Djaayz, una plataforma digital de bookings que busca modernizar y simplificar el proceso de contratación de DJs a nivel mundial.

Durante una entrevista exclusiva con DJ Mag España, Cathy Guetta compartió la inspiración detrás del proyecto. Djaayz surgió en medio de la pandemia de la COVID-19, cuando los clubes cerraron sus puertas y la industria de los eventos se paralizó. La observación de que la música en las fiestas caseras a menudo carecía de la atmósfera adecuada impulsó la idea de crear una plataforma que facilitara la contratación de DJs profesionales para eventos privados y corporativos. Cathy Guetta nos contó: "Todo ocurrió durante la COVID-19, cuando todos los clubes cerraron y mi actividad como organizadora de fiestas se detuvo. Mi socio Raphael Aflalo y yo empezamos a pensar en una forma de seguir adelante y ayudar a los DJ en esos tiempos tan complicados."

Una de las características distintivas de Djaayz es su enfoque en la profesionalidad y la seguridad. Todos los DJs que desean unirse a la plataforma son sometidos a rigurosos controles de calidad y seguridad, garantizando una experiencia confiable tanto para artistas como para clientes. "Nuestro experimentado personal revisa la música y redes de los artistas, y todos los DJ deben presentar un certificado de antecedentes penales reciente si desean pinchar en fiestas privadas”, explica la empresaria. Djaayz no solo simplifica el proceso de contratación, sino que también sirve como plataforma de lanzamiento y escaparate para DJs emergentes y/o menos conocidos. Y es que la dificultad de entrar en la escena como DJ y la lucha por conseguir oportunidades de actuación pueden desanimar a muchos aspirantes a artistas. Ser DJ no se trata solo de tener habilidades técnicas para mezclar música, sino también de adentrarse a una industria repleta de conexiones y relaciones.

Muchas personas que sueñan con convertirse en DJs se enfrentan una serie de obstáculos que a menudo parecen insuperables. El aspecto social y de networking de la industria puede ser especialmente retador para quienes no tienen conexiones preexistentes en el mundo de la música, y muchos artistas talentosos pueden encontrarse atrapados en un ciclo de frustración y desilusión al no poder encontrar la oportunidad adecuada para demostrar su valía y avanzar en sus carreras. “Proporcionamos a los DJ una plataforma en la que mostrar su trabajo a los clientes y, a través de su perfil, conseguir destacar su marca y su personalidad. Una vez en el perfil de un DJ, nuestros usuarios tienen acceso a su biografía, al tipo de música que pincha y a algunos enlaces de demos para escuchar sus sets”, apuntó Guetta.

Con un objetivo claro y bien definido, Djaayz está cambiando esta narrativa al democratizar el acceso a oportunidades de actuación y al proporcionar una plataforma que actúa como lanzadera para talentos emergentes. Al eliminar algunas de las barreras tradicionales para acceder a la industria, permite que una gama más amplia de artistas tenga la oportunidad de brillar y compartir su música.

Desde su lanzamiento, Djaayz ha experimentado un crecimiento significativo, con más de 1.500 bookings y una expansión a países como Reino Unido, Francia y España. Con planes de lanzamiento en Estados Unidos y otros países, Djaayz está en camino de convertirse en el agente digital para muchos selectores en todo el mundo.

Ya seas un DJ que busca dar a conocer su talento y hacer bailar a la gente, o un cliente que desea reemplazar las listas de reproducción de Spotify en eventos privados y encontrar a la persona perfecta para poder la banda sonora ideal a tu evento especial, ya tienes una plataforma para empezar… ¡Y a un clic!

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Portada: Elena Del Pozo

Fotografía Promocional: Eduardo Blasco

GÉNESIS

EL LIBRO CORAL QUE PONE EN VALOR LA VALENCIA CLUBBER POSTBAKALA

Autora: NiZ

Si algo hemos aprendido de la electrónica a lo largo de los años es que es cíclica. Que todo lo que sube, baja; que todo lo que corre, frena; que lo que hoy es para cuatro gatos, mañana es mega mainstream, y que hasta las mejores fiestas terminan. ‘Génesis. Escena clubber posbacalao en la Comunitat Valenciana (1996-2010)’ es el libro que viaja de la decepción fruto del declive de la primera gran fiesta valenciana, a la necesidad de cambio y la ilusión del comienzo de la siguiente. O lo que es lo mismo sus autores, Pablo Ferrer (periodista, promotor, programador de salas como Barraca y autor del libro ‘La Santísima Trinidad: El sonido del pop electrónico de masas…’) y Alberto Sola (DJ residente de Barraca 2004-2009, ingeniero en Telecomunicaciones, productor musical y gestor del sello Sincopat, entre otras cosas) se encargan en ‘Génesis’ de recopilar, ordenar y añadir storytelling a los testimonios de los protagonistas de aquella época, entre los cuales también se encuentran ellos mismos. Un repaso a las historias de los que se esforzaron por construir algo completamente nuevo sobre las cenizas de una Valencia explotada comercial y mediáticamente; la de la Ruta del Bacalao, la del documental de Francino en Canal +, la de las cabeceras de Telediario con accidentes de coche y drogas por doquier. Esa Valencia destroy que todxs conocemos muy bien y que terminó convirtiéndose en un circo, con los leones sueltos y un domador que prefería frotarse las manos y mirar hacia otro lado que controlar a las fieras.

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El global de la gente suele confundir la Ruta original, la de los 80, la contracultural, la que supuso un hito vanguardista y subversivo en una España en transición, con la degeneración bakala, desfasada, comercial y masificada de mediados de los 90. No, queridxs, eso ya fue el final; uno donde la música, el arte y la cultura habían cedido en favor de las producciones idénticas lanzadas como churros, las salas a reventar, la baja calidad de las propuestas y las hordas de jovenzuelxs venidxs de todo el país seducidos por una fiesta infinita sin control ni medida. Y justo ahí, justo en ese punto de no retorno, arranca este relato coral valenciano.

Lo primero que me llama la atención al leer el libro de Pablo Ferrer y Alberto Sola es lo increíblemente paralela y familiar que me resulta la historia. Salvando todas las distancias, creo que estamos viviendo un momento muy similar. Pero a diferencia de 2024, donde las nuevas generaciones son las que aplauden productos seriados sin alma ni calidad, hipnotizados por el poder virtual de sus nuevos iconos, en la Valencia de mediados de los 90 era la old school la que se aferraba con uñas y dientes a su Ruta de los huevos de oro; y los recién llegados, los que apretaban para un cambio más que necesario. Eran la vieja guardia contra la next gen, la industria contra el arte, el consumo contra el deleite. Para toda esa gente que quiso romper con el megasobado y ya sinsentido bacalao, y proponer una escena underground de calidad y abierta al mundo, va este homenaje que recorre los primeros y definitivos años de la nueva Valencia clubber.

Todxs sabemos que la historia es de quien la cuenta. Por eso, Pablo Ferrer y Alberto Sola, han optado en Génesis por una narración colectiva construida a base de entrevistas con 52 de los protagonistas del cambio. Hay un poco de todo: DJs, productores, empresarios, colectivos, agencias de artistas, los primeros raveros de Valencia, periodistas musicales, tiendas de discos, diseñadores gráficos, RR.PPs… En este libro poliédrico los hechos acontecidos fueron los mismos para todxs ellxs, pero la visión de cada unx tiñe la historia de un color distinto, contempla diferentes matices tonales, y es precisamente esto lo que eleva el interés de este collage narrativo. Con ayuda de todxs los entrevistados, Ferrer y Sola, han querido poner el valor el trabajo incasable de los que sentaron los cimientos de la escena actual. Modernos, roqueros o raveros hastiados de escuchar lo mismo una y otra vez en una Valencia que, fruto del éxito del que luego fue víctima, no podía dejar de mirarse el ombligo. Nos cuenta la transformación de algunas de las salas tradicionalmente ruteras que consiguieron reinventarse como nuevas reinas underground, como Barraca o Puzzle, o que lo intentaron al menos, como ACTV. Nos habla de la importancia del movimiento rave, inicialmente surgido para suplir las carencias que dejaban las salas y dar espacio a todo aquello que el mainstream se había tragado. ‘Génesis’ también va de las expectativas de los más alternativos que miraban hacia la Girona de La sala

del Cel, que acudían ansiosos a los primeros Sónar de Barcelona, o incluso a sus vecinas Alicante (con Metro Dance Club) o Castellón (con El Hangar) donde otro mundo más pegado a Europa era posible. El libro nos cuenta la relevancia que tuvieron colectivos como MOVE, que sirvió de lanzadera para un sinfín de proyectores posteriores; o la experimentación inocente de los primeros clubs, como RDC, que funcionó como nexo para todos los que fantaseaban con una escena donde sonaba música de calidad y cuyos ambientes eran diversos y coexistían libres de violencia. Encontramos también los relatos en primera persona de los productores iniciales de vanguardia, que luego se han convertido en artistas de renombre internacional, como AFFKT, Edu Imbernon o Nacho Marco (por mencionar solo a algunos); ‘Génesis’ es el narrador oral, colectivo y directo de la llegada y el ascenso del house a la ciudad del Turia, gracias a salas como Puzzle, 69 monos o Caballito de Mar; o del techno más ácido y contundente de la mano de los colectivos rave, así como la proliferación de géneros hoy residuales como el draman; también nos cuenta lo que supusieron para esta nueva escena en ciernes propuestas disruptivas de domingo como el after Friend’s de Banana’s (al cual, por cierto, tuve la suerte de ir en varias ocasiones), o los nuevos clubs que marcaron un antes y un después, como Le Club o formatos híbridos muy arriesgados que consolidaron el cambio de paradigma, como el Festival Observatori de València.

‘Génesis’ se presenta como un libro fresco, ágil y contagioso en el mejor de los sentidos, como solo lo son los relatos orales multibanda. La eterna batallita, pero hilada con esmero para no dejarse un solo detalle por mencionar, ni una sola visión del asunto por ofrecer. Y todo con la pátina de ilusión, espontaneidad y cierta inocencia que solo destilan los que todavía no saben que están perpetrando algo completamente nuevo. Un libro que pesa, por sus casi 400 páginas, pero sobre todo por el poder regenerador, creativo, y transformador que guarda entre ellas. Una historia coral nunca antes contada que explica, define y da sentido a la potente escena actual que, ahora sí, vuelve a hacer brillar mi tierra.

Si os interesa la historia de la música electrónica en Valencia, pero también en general la de este país, pues todo está más que conectado, no os perdáis esta fantástica narración a 52 voces. Para mí ha sido un gustazo trasladarme a esa Valencia casi desconocida para mí, pues yo me encontraba inmersa, primero, justo en el otro lado; y años después, emigrando, por los mismos motivos, a esa Barcelona que tanto veneraban los protagonistas de este libro. Hacer el viaje al pasado, que además viene con banda sonora incorporada (véase la última página), ha sido todo un placer. Os lo recomiendo.

Con ganas de volver a las pistas de baile de La Terreta, se despide NiZ.

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NICO MORENO

YOU CAN’T STOP THE MOVEMENT

Autora: Caterina Günther Fotografía: @SamuelNogues

Nico Moreno se ha consolidado como uno de los DJ más solicitados en la escena hard contemporánea, desplegando el cartel de 'sold out' allá donde va. Nacido en Caen, Normandía, este joven productor irradia talento y ambición, encontrando su lugar en el techno rave e industrial, donde es reconocido como uno de los artistas más respetados en esta escena en constante crecimiento e insaciable demanda.

Aunque su ascenso pueda parecer meteórico, el éxito de Nico es el resultado de cinco años de arduo trabajo en el estudio, forjando temas caracterizados por líneas de bajo techno rápidas, kicks precisos y sintetizadores distorsionados que han cautivado a los seguidores de los sonidos más contundentes.

Con éxitos como 'Purple Widow', 'Techno Crari' y 'Your Bad Company', Nico se ha posicionado rápidamente, labrando su reputación como un selector y productor esencial. Estos temas poco a poco han evolucionado hasta convertirse en himnos del techno actual, catapultando a Nico Moreno a la cima en los últimos dos años.

Además de su proyecto personal, Nico ha dedicado esfuerzos significativos a su sello Insolent Rave Records, reconocido por sus lanzamientos enfocados en el techno raw e industrial. A través de este sello, ha editado obras de artistas de renombre como 999999999, Dyen y él mismo.

Este año, Nico ha decidido revolucionar aún más el movimiento oscuro y hard, presentando su primer trabajo de larga duración You Can't Stop The Movement, título que él usa como mensaje directo a los detractores del auge del hard techno. El álbum, compuesto por diez pistas, ha sido presentado de manera escalada a través de Insolent Rave Records, permitiendo a sus seguidores saborear su talento de forma gradual.

El pasado 15 de febrero, el artista francés presentó su obra completa. Aprovechamos la oportunidad para conversar sobre este proyecto de más de un año de producción, las motivaciones detrás del álbum, su sello discográfico Insolent Rave y sus futuros planes.

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Nico, te hemos seguido de cerca estos últimos años y estamos encantados de compartir tu visión artística con nuestros lectores este mes. Para empezar la entrevista, ¿podrías hablarnos un poco de tu trayectoria, desde tus raíces en Caen, Francia, hasta convertirte en una figura tan destacada de la escena techno?

Hola equipo, ¡lo cierto es que no fue fácil llegar hasta aquí! Soy de Caen, Normandía. Estudié ventas para convertirme en agente inmobiliario, pero a los 18 años lo dejé todo para dedicarme a pinchar mientras hacía un montón de trabajillos para ganarme la vida. De los 16 a los 20 años pinché principalmente Trap, Us, EDM y House en clubes generalistas de mi región, luego empecé a ir a París, y ya no me gustaba la escena, la mentalidad de club generalista, en la que todo tipo de género tiene cabida, así que a los 20 descubrí el techno y su público y me encantó enseguida. Fue entonces cuando creé un colectivo techno llamado Techfrut con varios amigos donde organizábamos eventos techno en Normandía y ya me puse manos a la obra con la producción musical. Por suerte o por desgracia, el público se enganchó enseguida a mis producciones. Después, de track en track y año tras año, fui perfeccionando mis sets y mis temas, pero sobre todo mi actitud "loca" detrás de los platos y mi forma de pinchar.

¿Con qué artistas te adentraste en el mundo de los BPMs altos?

Al principio empecé a escuchar el techno de Drumcode (Adam Beyer, Boris Brejcha, etc.). Después me fui decantando por el techno industrial escuchando a artistas como Perc, Rebekah y Ansome.

La escena techno actual se está enriqueciendo con un amplio abanico de estilos: acid, gabber, hardcore, breaks y trance… ¿En qué dirección crees que va la escena hard? ¿Nos podrías recomendar algún artista o sello?

Sinceramente, no es posible adivinarlo… Creo que la música es una moda y, como toda moda, tiene su momento. Hoy es el hard techno el que se ha impuesto "en general", antes fue el estilo Drumcode… Entonces, ¿mañana qué será? ¿Psytrance, quizás? O el Drum and Bass, que también está explotando en este momento. Hay que dejarse llevar, vivir con los tiempos y evolucionar al mismo tiempo, pero siempre manteniendo tu firma y tu actitud. Podría recomendarte mi sello, Insolent Rave Records, porque espero descubrir allí nuevos talentos ;)

Fue con 'Purple Widow' que tu carrera explotó en 2019. Hoy en día se ha convertido en uno de los himnos más contundentes de la escena techno actual. Cuando lo produjiste, ¿esperabas que tuviera la repercusión que ha tenido?

Ya han pasado 5 años... Para ser sincero, siempre espero que cada tema que hago se convierta en un éxito o en un clásico del techno, pero por desgracia la mayoría de las veces no es así. Estoy muy orgulloso de este tema y de cómo ha crecido, sobre todo en los últimos tres años. Es uno de los temas que me hacen ser quien soy hoy.

¿Cómo fue tu primer estudio? ¿Cómo y por qué ha evolucionado tu configuración a lo largo de los años y qué equipo es el más importante para ti?

Es una locura, pero en realidad no ha evolucionado. Empecé con un portátil, altavoces y Ableton. Luego me compré un ordenador, mejores altavoces, un teclado, un micrófono y sobre todo me descargué un montón de plugins y Vst. Estoy convencido de que no hace falta mucho equipo para producir música, yo soy uno de tantos ejemplos de ello. Pero es cierto que a mi nivel y después de hacer mi disco sentí la necesidad de tener más espacio, más equipo y más comodidad para mejorar mis producciones.

¿Podrías describir un día en la vida de Nico Moreno? ¿Tienes un horario fijo?

En realidad no tengo un horario estricto, pero un día normal para Nico Moreno sería ir al gimnasio por la mañana, luego prepararme algo de comida y dedicar tiempo a mis temas y sets. Paso horas al teléfono con mi manager o nuestro equipo para gestionar los aspectos diarios de las giras. Después voy a ver a mis amigos para tomar algo y juego un poco a la Ps5 para terminar (risas).

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Enhorabuena por el lanzamiento de tu nuevo álbum You Can't Stop The Movement, publicado en tu sello Insolent Rave Records. ¿Puedes contarnos algo más sobre este nuevo trabajo de estudio?

Llevo más de un año trabajando en este álbum, ¡y ya casi lo tenemos! Pero he de decir que ha sido todo un reto… Solo quería mostrar a mi público que podía explorar diferentes estilos dentro de un mismo álbum en lugar de lanzar un EP cada año.

¿Puedes hablarnos del significado del título You Can't Stop The Movement en el contexto del álbum?

"You Can't Stop The Movement" es un mensaje para aquellos a los que no les gusta la dirección que está tomando la escena techno. Es demasiado tarde. No podrán detener la evolución que ha experimentado el techno.

¿Cómo surgió la colaboración con el artista turco Laren para el tema ‘You Make Me Horny’?

Había empezado y casi terminado un nuevo tema que, para mí, tenía un enorme potencial y se suponía que iba a ser el tema estrella de mi álbum. Pero le faltaba una voz… ¡Yo necesitaba una! Como soy un gran fan de las voces producidas por Laren, le propuse crear una para mí y enviársela. Le encantó la idea y trabajé en ella en Ableton, incorporándola a mi pista de diferentes maneras.

¿Cómo percibes la evolución de tu sonido y tu estilo a lo largo de los temas del álbum?

Cada vez es más fuerte. A principios de año ya había terminado cuatro temas que finalmente no publiqué porque mi estilo y mis preferencias cambiaron durante el año, imagínate (risas).

¿Puedes hablarnos de la visión de tu label Insolent Rave y de las razones que te llevaron a crear este proyecto discográfico?

Creé este sello porque por aquel entonces tenía un sello con un amigo. Al final nos separamos de ese proyecto, y creé Insolent Rave Records para publicar mi EP Purple Widow. Sinceramente, es una de las mejores decisiones que he tomado en mi vida. Este año va a ser mi año para el label; planeo fichar a un artista cada dos meses y también crear mi marca de ropa, Insolent Rave.

Hemos visto a tus fans apoyando tu música en todas las plataformas de medios sociales, pero principalmente en Instagram y TikTok. ¿Cómo crees que las redes sociales han transformado el panorama de los artistas de la escena hard?

Las redes sociales pueden ser tanto beneficiosas como perjudiciales. Hay que tener mucho cuidado con ellas. Pero sí, ¡para mí han sido increíbles! Los vídeos en las redes sociales son cruciales ahora porque te ayudan a darte a conocer en todo el mundo e inspiran a otros para que te vean actuar. Han permitido dar a conocer a muchos artistas con talento, y me alegro por ello :)

En 2024 has anunciado varios conciertos en España, como el Fury Hard Techno Festival en Barcelona, el festival BlackWorks en Vitoria-Gasteiz y el Dreambeach. ¿Cómo describirías la energía y la dinámica del público español en comparación con otros países?

España está en mi corazón, ya puedes imaginar que "Moreno" no es francés. Elegí el nombre de mi madre para mi nombre artístico en homenaje a mi abuela. Para mí, España fue el primer país que me encumbró, incluso antes que Francia, lo cual fue increíble. Actualmente, la escena techno en España es simplemente impresionante, con grandes colectivos, como has mencionado, y sobre todo el público español, que tiene una energía fantástica aguantando todos los retos.

Y por último, ¿hay algún lanzamiento o proyecto próximo que debamos esperar este año?

Si te lo contara todo no sería divertido, ¿no? En tres palabras: colaboraciones, marca y festivales. Gracias, DJ Mag España.

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FÉLICIA ATKINSON

La música como un viaje accesible de capas texturales

Autor: Helena Bricio

Fotografía: Bartolomé Sanson y Paquito Pizarro

El proyecto independiente Mostra celebra su tercera edición del 28 al 31 de marzo de 2024 en sus ubicaciones habituales, Hangar.org y el Castell de Montjuïc y además estrena un nuevo escenario en el Castell. Desde Mostra se programa una nueva manera de escuchar y disfrutar de la música electrónica más avanzada con un concepto de festival que quiere ir más allá de lo que ya está establecido en Barcelona. Su tercera edición ya ha agotado sus abonos full pass y cuenta con un cartel que incluye 25 actuaciones y 30 artistas entre los que podemos encontrar a Rrose, Atom TM & Tobias., Lou Drago, Azu Tiwaline, nara is neus, Forest Drive West, Timnah o Fran Campos.

En la pasada edición, una de sus protagonistas fue la compositora electroacústica y artista visual francesa Félicia Atkinson, cuya música siempre sitúa al oyente en algún lugar en particular. Atkinson combina grabaciones de campo, instrumentación MIDI y fragmentos de lenguaje ensayístico en francés e inglés y utiliza la composición como una forma de procesar la vida imaginativa y creativa.

Sus composiciones en capas cuentan historias que alternativamente estiran y doblan el tiempo y el lugar, historias que se relacionan con la obra de artistas visuales, cineastas y novelistas en las que ella es la narradora. Con motivo del lanzamiento de su visita a Mostra en 2023, Atkinson se convierte en narradora y nos concede unos largos minutos que nos permiten conocerla más y acercarnos a su práctica artística.

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Cuando llego al hall del hotel donde hemos quedado para hacer la entrevista y saludo (un poco nerviosa) a Félicia Atkinson me resuena en la mente una frase que leí en la presentación de su álbum ‘Image Langage’ que dice así: “construir un disco es como construir una casa: una estructura en la que uno puede encontrarse a sí mismo, cada habitación es una canción con su propia función en el proyecto de la vida cotidiana”. Por ello empiezo la entrevista preguntándole directamente si la estructura de sus sets funciona de la misma forma y qué tipo de estructura plantea para el festival, a lo que me responde que sus sets evolucionan constantemente.

Nunca he tocado un álbum como tal, simplemente porque requiere mucho tiempo componer un álbum, son muchas horas en el estudio y es un trabajo que una vez que lo sacas a la luz, tu mente ya está pensando o trabajando en otras cosas. Sin embargo, hay conceptos o ideas que siguen permaneciendo ahí. Mi último álbum se llama ‘Image Langage’ y la noción de lenguaje sigue muy presente en mí. La forma en la que preparo mis lives es así: me preparo, compongo, sobre todo si es un espacio como este, hago una pieza electroacústica que dura entre 45-50 minutos y esta pieza va cambiando con el tiempo. Además, esta pieza está en constante cambio, va evolucionando, y el Fender Rhodes que utilizo para tocar, que es un teclado de los 70s, añade una especie de atmósfera a esa pieza electroacústica que se transforma en ondas. El teclado trae ese sonido melancólico, sombrío, pero que de alguna forma también se conecta a la música rock, que es algo de lo que vengo.

Por otro lado, la voz siempre es improvisada, lo que me aporta una relación entre dos cosas: una más compuesta (el sonido espacial) y otra más libre, la voz, más improvisada, más relacionada con el público también. O sea que de algún modo siempre hago lo mismo, ¡aunque siempre es distinto! (risas).

He estado siguiendo tu trabajo durante muchos años, pero para mí es muy complejo de definir porque involucra distintas disciplinas artísticas que se encuentran de manera natural, ¿cómo definirías tu ruta o camino artístico?

Tengo 41 años, así que llevo bastante en esto y creo que he ido trabajando año tras año desde hace 20 años. Al principio me llevó un tiempo entender qué es lo que quería hacer realmente, hace 20 años la escena era completamente distinta, especialmente para las chicas, y, además, no sé, la cultura de una compositora o música electrónica, que a su vez se conectaba con el ambient, con el minimal, con la poesía, no era la norma, aunque, por supuesto, es algo que ya había sucedido.

En mi caso fui a una escuela de arte y la gente era muy escéptica con el spoken word, por ejemplo, me preguntaban por qué me interesaba algo tan aburrido (risas). Así que cuando comencé mi carrera no usaba tanto mi voz, además tampoco quería revelar demasiado sobre mi misma, no quería estar relacionada con el género, yo solo quería enseñar mi música y que la gente no supiese si yo era un chico o una chica.

De hecho, empecé con un alias que era Je Suis Le Petit Chevalier e intenté desde un principio ser un poco invisible porque creo que es la mejor manera de acercarse al directo. Poco a poco encontré lo que iba mejor conmigo, los instrumentos que quería usar y así me fui encontrando mejor también en el escenario.

Agradezco que comentes esto, porque creo que es importante dar relevancia al género. Cuando elegiste este alias, ¿sentiste que había una presión externa para hacerlo así?

Simplemente quería reflejar el ser lo que yo quisiese ser en ese momento, era más como una sentencia de libertad. El alias significa Soy el Pequeño Caballero, que es una canción de Nico, y surge también como para mostrar que yo misma estoy luchando mi pequeña batalla. Y además en ese momento hacía mucho más noise así que pegaba bastante (risas). Ahora es completamente distinto, me siento totalmente bien conmigo misma tal y como soy. En mi día a día mi vida es completamente distinta porque vivo en el campo, cuido de mi jardín, de mi hijo, pero aún así siempre escribo y eso también me conecta al escenario.

Respecto al proceso de composición, cuando estás escribiendo o componiendo, ¿sueles situar al oyente en un lugar concreto?

Si, para mi el oyente es super importante cuando compongo, aunque no le sitúo en un lugar concreto, sino directamente lo siento ahí, en algún sitio, sé que está ahí. Pero también porque siento que la música viaja, entonces cuando grabo en una habitación o en el estudio creo que se crea una atmósfera de intimidad expresadas en capas sonoras de distintos lugares y espacios. Cuando toco en directo, yo siento al público y además como hay momentos muy silenciosos, siento la tensión del oyente y para mí es muy cálido: siento que estoy con la gente. No diría que sitúo al oyente precisamente en un lugar concreto, pero desde luego sí que existe un diálogo.

Tu carrera siempre ha involucrado un montón de investigación dentro de la naturaleza, así que cuéntame, ¿qué lugar ocupa la naturaleza en tu vida?

Para mí es super importante. Crecí en una ciudad como París, pero cada verano iba a la ciudad de mi madre en Polonia, porque ella es polaca, y pasábamos muchísimo tiempo en el bosque, así que creo que desde niña esos momentos en los que dejaba la ciudad y me iba al bosque eran muy importantes. Ahora vivo en Normandía cerca del mar, y la conexión con el mar para mí es super importante, además la playa que está cerca de mi casa es un lugar en el que no hay muchos humanos, pero hay mucha vida: el viento, los pájaros, los peces, las mareas. Tengo una conexión muy fuerte con las mareas, en la zona donde vivimos es el lugar donde son las más grandes de Europa y es el sonido que nos despierta por las mañanas. Me conecto mucho también con los pájaros, hay muchísimos en esa zona… Es increíble porque viendo el mundo, todo esto me da un poco de sensación de esperanza.

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Y, perdona si me entrometo pero, ¿sientes que esto te conecta en una especie de cosmología?

Si, totalmente, porque tus oídos cambian cuando estás en lugares como ese, es como que se te abren los oídos. Por ponerte un ejemplo, ahora mismo hay muchas ranas y las puedo escuchar también. Es increíble. Las ciudades son importantes, es la realidad, a veces yo también siento que necesito volver a ellas, a esa especie de bella violencia de las ciudades. Te mantienen en la realidad también.

En tu álbum ‘Image Langage’ hay muchos contrastes, me gustaría saber cuál es tu relación con los opuestos, ¿cómo aplicas aquellas ideas opuestas en tu práctica artística?

Qué buena pregunta. Me encantan porque siento que nunca somos solamente una cosa y aunque ahora mismo acabe de hablar contigo de naturaleza, calma, tranquilidad… La realidad es que cuando trabajo en una pieza me gusta trabajar con contrastes para crear una especie de tensión. Hay algunas piezas en el álbum que son electrónicas y las veo como rocas enormes, pero también aporto otras que son más como el agua, que fluyen… Es una pregunta difícil porque siento que quiero trabajar el contraste, pero no caer en la contradicción, entender las distintas formas que se puede ver una misma cosa y trabajar con esas perspectivas.

Claro, y esto aplicado a tu música podría centrarse en las distintas capas sonoras y las distintas polifonías que existen, ese contraste que a veces hace que escuchemos que algo se expanda y después se reduzca.

Voilà! A veces siento que la gente presenta la música de una forma muy plana, y yo no creo que la música sea plana en absoluto. Quiero decir, vivimos en un planeta que se mueve, absolutamente todo lo que nos rodea se mueve, y no podemos considerarlo plano. Es un poco como pasa con la propia Tierra, ¿no? Me refiero, que, aunque veamos un horizonte plano a lo lejos siempre sabemos que hay algo detrás. Todo ello gira y todo se mueve y hay que descentralizar la idea de que la música es plana.

Hay una gran relación con la palabra en tu obra, cómo es tu acercamiento a las técnicas el ASMR, ¿cómo trabajas con todas esas capas sonoras? ¿en qué te enfocas realmente?

Bueno tengo que decirte que cuando empecé yo no tenía ni idea de lo que era el ASMR. Cuando empecé con las capas de susurros no lo relacionaba con ello, pero porque no tenía eso en mi núcleo de interés. Además, cuando empecé a grabar mi habitación por primera vez pensaba cosas más sencillas del tipo, vale voy a poner mi manta aquí y voy a grabar su sonido. Así que empezó a ser más un experimento para tener proximidad sonora. Con los susurros es interesante este concepto de proximidad porque, aunque estas muy cerca, oyes menos nítido, se crea una ambigüedad de estar cerca, pero a la vez de crear un misterio, algo así como que el hecho de acercarte mucho no tiene por qué resultarte cercano. Me gusta mucho trabajar con esos con -

ceptos de cerca y lejos, soy miope así que me interesa bastante y creo que al final este hecho ha tenido un impacto en mi música (risas). De verdad, creo que de algún modo oigo mi música distinta cuando me quito las gafas y todo es borroso. Y todo esto me trae también a la mente la idea de que puedes cambiar el enfoque de la escucha.

Por otro lado, cuando empecé a componer me encantaba escribir, me gusta mucho la idea de que puedas tener un cuaderno que llevarte a cualquier lado y escribir en él y me gusta mucho dibujar. Esta simpleza de escribir y dibujar en un cuaderno es lo que quiero llevar a la música, la idea de que realmente puedes componer en cualquier parte, con una grabadora, registrando aquello que te rodea. Esa idea de que sea algo accesible.

Qué interesante, y entonces se podría relacionar esa idea de accesibilidad al sonido o a la música con la intimidad, con esos sonidos que grabas que podemos relacionar a cosas que ya hemos escuchado, pero que de algún modo nos despiertan algo nuevo...

Sí, en la vida en general cuando tienes una reacción emocional hacia algo es porque ese algo es nuevo y aparece por primera vez. Para mi es importante cuando toco, o cuando grabo, el hecho de improvisar, por eso me gusta, porque incluso yo misma no sé qué es lo que va a pasar. Algunas veces hay un riesgo, por supuesto, a veces me veo diciendo, ¿a dónde estoy yendo? (risas) pero creo que eso es justamente lo que quiero compartir.

Y respecto a tus actuaciones en directo, al ser improvisadas, ¿las evalúas de alguna forma?

Si claro, una vez que actúo pienso en cómo ha ido, me hago preguntas… Aunque la mayoría de las veces funcionan bien. Algunas veces lo que puede que sea más complicado son los problemas técnicos, pero lo que en los últimos años más evalúo y más tengo en cuenta es el propio público.

El público es increíble y la sensación con las personas es muy guay. Cuando toqué en el Atonal en Berlín fue increíble, de repente te ves delante de un montón de gente y es verdad que lo que yo hago es super tranquilo y silencioso y puedes pensar que quizá no funcione, pero el público respeta y funciona, escuchan. Es super emotivo cuando surge esa conexión. Hace poco estuve en Bristol en un espacio que funciona también como club y fue súper fuerte porque absolutamente nadie habló, y, de repente, un vaso de agua se rompió y sonó y me pareció maravilloso, me llevé incluso ese sonido a la performance. Empecé a hablar de ello porque formó parte de la propia actuación y fue muy divertido. Al final el hecho de improvisar te permite también esa libertad de asumir todo lo que sucede alrededor y llevarlo a tu propia actuación.

Respecto a tus referencias artísticas creo que son muy interesantes porque tienes un abanico super amplio, va del rock a la práctica artística plástica más abstracta, pasando por el propio proceso creativo…

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Quería preguntarte acerca de ‘Image Langage’, donde has vuelto a investigar sobre las artistas del siglo XX que eligieron, y fueron elegidas, al emplear sus hogares como lugar de trabajo. Hablo de los retiros el desierto de Agnes Martin y Georgia O'Keefe, y la vida y la muerte de Sylvia Plath. ¿Qué te interesa más, el resultado final del proceso o el propio proceso?

¡Creo que ambos! Lo que fascinó especialmente de estas mujeres artistas y de este arte hecho por mujeres es precisamente esa lucha, hace tanto tiempo, en ese periodo donde todo era muy complicado. El dar tu vida por el arte y a la vez tener hijos y una vida doméstica super demandante, el hecho de cuidar de tu casa, hacer todo eso… Para mi es increíble, me pregunto cómo lo hacen. Y por supuesto me emociona muchísimo porque para mi es mi vida también, ¿no? Me voy de gira y no hay muchas madres haciendo tours y es una vida muy solitaria, muy cuestionada, no es algo que se espere de las músicas, es incluso aburrido para mi a veces. Cuando veo esas carreras artísticas que también tuvieron que tratar con situaciones de salud mental complicadas, la presión a la que se enfrentaban…

La obra de Sylvia Plath es tan fuerte, me impacta tanto y desarrollo tanta empatía hacia ella… Valoro mucho su perspectiva artística, la forma que ella tiene de mirar a un simple árbol, o a una flor… Algo que normalmente no vemos de la misma forma. Para mí, tanto ella como Georgia O’Keefe fueron capaces de hacernos entender cómo ver el mundo con otros ojos, es increíble, a día de hoy tenemos herramientas para ver el mundo de otra forma gracias al trabajo de estas artistas.

Por otro lado, tenemos un enfoque más psíquico de su arte, ese “estoy cansada de pensar” de Sylvia Plath que ponía de manifiesto signos de demencia o de depresión o… un cúmulo de distintas cosas. Las crisis psicológicas también me parecen super interesantes a nivel artístico porque de alguna manera el arte te permite ir más allá. Cuando lees a Sylvia Plath o a Agnes Martin, el ver cómo luchan me hace pensar mucho. Sí, eran mujeres, tenían una casa que atender, pero eran personas súper complejas a nivel mental, es súper interesante.

Leí hace un tiempo una entrevista sobre ti en la que mencionabas a Marguerite Duras, alguien que ha escrito su obra desde el dolor de una manera preciosa, que cautiva y que incluso es cinemática.

Exacto, es increíble cómo puedes ver su texto como si fuese una película, es super emocional. Cuando ves cómo ve la parte del mundo negativa, como escribe sobre las guerras o sobre el sufrimiento de los humanos y escuchas su voz en las películas es imposible no quedarse cautivada. Su voz es super poderosa y la forma en la que habla, es precioso.

Totalmente, de hecho, cuando lees sus textos es muy especial porque ella escribe de una forma que se asemeja incluso a lo textural. ¿Cuál es tu acercamiento a las texturas?

¡Me encantan las texturas sonoras! Me encantan las telas, me encanta el tacto… A veces hago esculturas de telas maleables. Creo que la voz también es una forma de tocar a la gente, por supuesto. Me hubiese encantado tener una voz bonita para cantar, pero no la tengo. En mi opinión, siento que la voz toca mucho. Por ello,

aunque yo no tenga una voz instrumental, ésta se convierte en un instrumento emotivo también, a través de la palabra, a mi manera. Y aunque no haya un camino definido y concreto para usar la voz en la música, creo que todo el mundo puede encontrar el suyo.

Y qué hay de tu relación con el equipo tecnológico, ¿alguna vez has sentido que te imponía un poco?

Siempre he sido clase media, más cercana incluso a la clase obrera, en casa no teníamos nada que fuese realmente de valor, teníamos cosas baratas como libros y objetos de cultura, pero nada que fuese caro. Así que nunca me ha llamado la atención demasiado los equipos tecnológicos, me gusta lo sencillo, y aunque pudiese tener una gran maquinaria sé que al final volvería a grabar con el móvil. Es una pregunta recurrente, recibo muchas peticiones del tipo ¿puedo ver tu estudio? Y es que ¡no tengo un estudio! (risas) Mi estudio es mi piano, y claro que a veces uso instrumentos MIDI, pero me encanta la idea de usar herramientas baratas, accesibles e incluso DIY. En directo me gusta tocar por ejemplo en un Grand Piano y me gusta jugar con ese contraste de tocar notas minimalistas en un instrumento enorme, es como una ironía y una declaración de intenciones también. Respeto el instrumento, pero me gusta hacerlo a mi manera.

Para terminar, me gustaría hablar del sello y plataforma que fundaste junto a Bartolomé Sanson, Shelter Press. Para quienes leen, hay que explicarles que es un espacio de creación de diálogos entre el arte contemporáneo, la poesía y la música experimental a través de publicaciones impresas y discos ¿Cómo conseguís mantener la esencia del sello a lo largo de más de una década de trabajos publicados?

En realidad, eso sobre todo es algo que lleva Bartolomé. Él está muy presente en toda mi obra y en todo lo que hago, compartimos nuestra vida y el propio nombre del sello, “shelter” (refugio) hace referencia a lo que es. Él se encarga de organizar todos los álbumes y también de toda la casa, nuestro hijo… No tengo tanto tiempo con la producción y la creación artística. La curaduría del sello es curiosa y algo íntima porque por ejemplo hablamos sobre ello mientras cenamos, en el entorno privado. La gente nos envía demos y es como invitar a la gente a cenar. Es muy cercano a nuestro día a día y la música que elegimos para publicar viene de gente que conocemos muy bien en realidad. A veces el sello parece más grande de lo que es, está muy bien distribuido y parece que está hecho en muchas partes, pero en realidad está hecho desde casa. Todo lo que lanzamos en el sello nos encanta muchísimo, cualquier cosa que lanzamos lo hacemos sabiendo que amamos la obra. También valoramos que cada artista que publicamos hace su propio mundo, su propia historia, son muy únicos, es algo que me gusta mucho y que valoro muchísimo, la originalidad. Es muy valiente ser original y a veces estos artistas toman ese riesgo. Marcan su propio camino y eso nos hace estar muy orgullosos del sello.

Para terminar la entrevista, hablamos acerca de las nuevas obras que ya están disponibles en el catálogo de Shelter Press como ‘The Beat My Head Hit’ de Ben Vida y Yan Wire, ‘Say Goodbye To The Wind’ de Valerio Tricoli o ‘Halos of Perception’ de Lisa Lerkenfeldt. Puedes visitar el catálogo de Shelter Press en shelter-press.com

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CRÓNICA DE TORAX

El nuevo concepto 100% club de Human (Razzmatazz)

Autora: NiZ

Fotografía: 2071 (Laura Dominguez)

En los años posteriores a la pandemia hemos contemplado atónitxs el aumento considerable de artistas, fiestas, festivales, promotoras y colectivos. Al mismo tiempo, hemos asistido ojipláticxs a un trascendente relevo generacional del público y a la creación de una burbuja virtual alrededor de DJs y producers que, en muchos casos, eclipsa lo más importante: la música. Ciudades como Barcelona, centro de peregrinaje de clubbers de todo el mundo, estallan cada fin de semana en una avalancha potentísima de propuestas e ideas. La última en llegar, y rompiendo y contradiciendo precisamente toda esta nueva ola mediática, es la nueva propuesta para Barcelona de human en Razzmatazz: [TORAX]. Una sesión dominical de tarde-noche centrada exclusivamente en garantizar una experiencia clásica de club de altísima calidad.

La premisa es clara: crear un refugio donde la música sea lo único importante; y las herramientas para ejecutarla, sinceras: un sonido al nivel de una experiencia de club genuina, un diseño de luces y espacios que responda a la necesidad de viajar con el sonido, y un line up desprovisto de artificio de ningún tipo que conduzca la nave hacia el puerto deseado. Todo ello aderezado con una estricta política de no fotos/no vídeos y un ambiente 100% clubber: diverso, respetuoso y con la pista en llamas.

Sabiendo que no habría materiales gráficos posteriores que atestiguaran lo acontecido, quise asistir yo misma a la sesión inaugural para poder narrarla en primera persona. Y como era de esperar, no me defraudó. Pero trasladémonos juntxs de nuevo al pasado domingo 4 de febrero y vayamos punto por punto, porque aquí hay mucha tela que cortar. Bienvenidos a [TORAX].

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La caja, el espacio sagrado - Llego pronto, pues no quiero perderme ni un minuto de sesión. Lo primero que observo es que el acceso está completamente asilado del club. Nada parece indicar que si avanzo unos metros estaré en pleno meollo. Tras dejar que me tapen la cámara del móvil, accedo impaciente. La pista está totalmente aislada mediante unas enormes cortinas negras que dotan a la sala principal de Razzmatazz (la 1, la grande de abajo) de un ambiente oscuro, anónimo, sibilino. Algunas almas ya pisotean el suelo, tímidas, pero convencidas. En cabina, Sylvia, la DJ sueca que, sin complejos y con total libertad, mezcla un techno ecléctico con música bass, electro o los sonidos más experimentales del Reino Unido. Me acerco a verla; no grabo, no molesto, solo escucho. Una Sylvia introspectiva y seria avanza progresivamente hacia una contundencia contenida. Efectivamente, su propuesta trasciende las fronteras de los géneros y ya combina sin despeinarse breaks, techno y electro, con una oscuridad acorde al ambiente de primera hora: devoto, pero sosegado. Me doy una vuelta para perderme entre la masa que, como yo, ha decidido llegar pronto.

El centro de [TORAX], valga la redundancia, es verdaderamente lóbrego. Cuesta horrores adivinar caras. Más allá de las cuatro paredes negras que aíslan la pista de baile, están las barras, separadas, aparte, en otro universo. Ubicadas fuera de la caja, suponen un oasis y brindan a los clubbers un respiro que no interrumpa la acción dinámica e imparable de la pista de baile.

El sonido, protagonista indiscutible - Mientras deambulo por la pista buscando matices sonoros, mi pecho vibra sin cesar. Como si de un tablero de ajedrez se tratara, cuatro torres flanquean las esquinas de este cubo elaborado adhoc en exclusiva para este concepto de sesión. Me acerco más para comprobar la indiscutible potencia, especialmente reforzada en graves (quizás, para mi gusto, demasiado). Son cuatro puntos apilados estratégicamente, 12 L-Acoustics KS28 y 16 L-Acoustics K3. Un nuevo sistema de sonido que promete una experiencia sonora inmersiva. Doy fe. Mi propio tórax estalla.

Cambio de ubicación con impaciencia para comprobar cómo muta el sonido a medida que la pista se va llenando. Los subgraves penetran en los cuerpos agitados que ya se amontonan armónicos en el centro de una pista diversa y pacífica, concentrada en la música y en fundirse en un ambiente que me recuerda irremediablemente a Berlín. Los haces de luz empiezan a revelarme rostros conocidos. Y comentamos. Nadie puede evitar sonreír. Estamos toxds emocionadxs.

Luces y sombras - La oscuridad nocturna de la pista, a pesar de ser media tarde, se quiebra solo con destellos puntuales de luz blanca, cíclicos y estroboscópicos, apoyados por recursos de vídeo tenues; todo ello para potenciar la sensación de estar habitando un espacio totalmente desconocido. Sobre la cabina, donde ya reina Rene Wise, las joyas de la corona, tres piedras preciosas, un trío de láseres en forma de diamante que escanean y embelesan a los entregados asistentes a partes iguales.

Mientras las luces dominan el cielo de la sala 1 de Razzmatazz, Rene Wise reivindica lo suyo en la tierra. Avanza lento pero consistente, siempre a juego con la atmósfera minimalista, sobria y de líneas simples. Blanco y negro y nada más. Columnas lumínicas hipnóticas delimitan en vertical y horizontal el único espacio que queda ya vacío, el del techo. Las distancias se acortan en la pista mientras el Wise cabalga ahora hacia un techno groove sombrío y austero. Convencido del poder magnético que ejerce sobre sus fieles, el DJ británico no duda en sumar contundencia a su propuesta a medida que la pista pide más leña al fuego. La oscuridad nebulosa se expande en la ya muy concurrida pista de baile de [TORAX]. La ausencia de luz solo se ve interrumpida por las

ráfagas blancas, los brazos en alto y el parco rectángulo detrás de la cabina que enmarca al propio Rene Wise, ya muy metido en su propósito de aniquilar a la audiencia a base de paisajes sonoros atmosféricos, crudos pero actuales.

Out of the box - Llega la hora de explorar más allá del cubo. Abandono un momento a la entregadísima masa para acceder a la planta superior donde se encuentra la Dark Room, que no es sino la transformación de uno de los anfiteatros que sobrevuelan la caja. Un espacio oscuro, íntimo y relajado apto para las indecencias y las confesiones de media tarde. Un punto de inflexión rítmica donde tomar aire antes de entregarse de nuevo a la causa del baile sin interrupciones.

Sigo ascendiendo para alcanzar la terraza. Un espacio al aire libre dedicado a los fumadores y los cotilleos, a las chácharas, reflexiones y, por supuesto, al análisis del propio estreno. Estamos prácticamente todxs; pocos se han quedado en casa hoy. Es la hora de los reencuentros, los saludos y, por qué no, del networking. En las conversaciones se atisba la emoción y en los ojitos de todxs brillantes se adivina la ilusión de haber recuperado un espacio y un tiempo dedicado solos a la música, la cultura y la convivencia serena de sus acólitos.

Club 100% - Cuando vuelvo a la caja lo veo, no hay duda: el estreno de [TORAX] nos ha reunido a todxs y estamos celebrándo el éxito. La pista está enloquecida. Y ya no cabe un alma. Un enorme Freddy K vomita vinilos sin miramiento alguno. Ha empezado tan fuerte como esta propuesta. Acostumbrado a defender a capa y espada la pista, Freddy, hoy, pretende acabar con ella a base de experiencia, madurez, y saber hacer. La elegancia implacable del DJ y productor italiano se mezcla a la perfección con una contundencia sin fisuras que no tiene parangón. Por primera vez en la tarde, la pista se tiñe de rojo. Rojo infierno para un Freddy K incendiario. Ya no hay vuelta atrás. Va a construir EL CIERRE. Aquí hemos venido a recuperar la experiencia de club sin artificio, y tanto la pista como el DJ lo han entendido sin reproches. El público abraza la propuesta con calidez y Freddy K, que lo lee al milímetro, devuelve ese calor ofreciendo su mejor versión. Cumple con su promesa de otorgarle total importancia a los últimos 20 minutos y, tras una sesión de infarto, materializa un cierre épico. FIN. Pero qué fin...

Una semana después todavía recuerdo la sensación al encenderse las luces. En las caras de la gente se podía leer felicidad pura, sin cortar; la ilusión de quien que ha estado aguardando algo con impaciencia; la de una escena comprometida con el buen rollo, el compañerismo, la pasión y la cultura por encima de todo. Fue una tarde-noche emocionante, porque lo es comprobar cómo se materializaba un proyecto ambicioso, con pedigrí, elaborado con mucho cariño y pasión real, producido con una calidad superior y con un resultado y una acogida sorprendentes para los tiempos que corren. En un mundo arrasado por las tendencias, las redes sociales y la apariencia, se cuela un rayito de luz, un evento donde la única protagonista, por fin, es ella: LA MÚSICA. Todavía queda esperanza, queridxs.

La propuesta de respetar la privacidad de la pista y sus integrantes ha sido tal que la organización prefiere no mostrar imágenes que no sean expresión del propio concepto. Así que si queréis saber qué ocurre realmente dentro de la caja, no os perdáis la siguiente [TORAX], que tendrá lugar el próximo 28 de abril y contará con otro line up de altísimo nivel: DASHA RUSH, MARRØN y MOD.1. Las entradas ya pueden adquirirse en www.salarazzmatazz.com.

Con la piel impregnada de emoción y el vello todavía erizado, se despide NiZ.

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UNA NOCHE DE JOLGORIO MUSICAL CON SIGHT

Loco Dice, Andre Buljat y Kesia en Pacha Barcelona

Autor: Borja Comino

Fotografía: Laura Bacanal

Pacha Barcelona, el icónico club situado justo frente al Mediterráneo, se ha convertido en el refugio dominical para los amantes de la electrónica con sus fiestas SIGHT, cuya reputación no hace más que aumentar evento tras evento, atrayendo talento de todos los rincones del mundo, lo que ha consolidado su posición como uno de los eventos más destacados del panorama musical en la escena Barcelonesa desde hace varios años. Cada edición dominical de SIGHT en Pacha Barcelona es una experiencia única y vibrante que combina música de calidad en una atmósfera única con una mezcla especial de la mejor música electrónica con un sonido espectacular que brinda uno de los sistemas de sonido más avanzados y punteros del país.

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La noche comenzó con Kesia, DJ y productora emergente en España y fuera de sus fronteras. Nacida en Brasil, Kesia cautivó al público desde el primer momento. Con mano hábil y gusto impecable, mezcló a la perfección elementos de house y techno, creando un tapiz sónico que envolvió al público en un trance eufórico. Desde líneas de bajo palpitantes hasta melodías etéreas, cada tema fue un testimonio de su versatilidad como artista y de la capacidad innata para conectar con el público en un warm-up que a Kesia se le queda corto, pues está más que capacitada y preparada para reventar cualquier pista y horario que se le ponga por delante. Su historial de eventos cuenta con actuaciones en el Ritter Butzke de Berlín; en The Penthouse Dubái; en el festival belga The Day Before Tomorrow; en la isla croata de Hvar, junto a grandes nombres como Rüfüs du Sol, Black Coffee, Steve Angello, Röyksopp, Axwell e Ingrosso; y en algunos de los mejores eventos de su país, Brasil, como Camarote Salvador durante el Carnaval o Posh Club. A medida que avanzaba la noche, la contagiosa energía de Kesia se extendía como un reguero de pólvora por todo el recinto, encendiendo la pista de baile con cada tema cuidadosamente seleccionado.

Tras la fascinante actuación de la brasileña, Andre Buljat subió al escenario dispuesto a mostrar su mezcla única de house y techno a un público ansioso. Nacido en Alemania y convertido en un fijo de la vibrante escena musical de Barcelona, la arraigada pasión de Buljat por la música se hizo evidente en cada compás. En 2004, el viaje musical de Buljat le llevó a Barcelona, donde encontró un hogar musical, estableciendo también residencias en prestigiosos locales como Boulevard Culture Club y consolidando su reputación como

uno de los talentos más interesantes de la ciudad. Su energía contagiosa y su innegable habilidad detrás de los platos le han valido oportunidades para telonear a artistas de renombre como Damian Lazarus y Funk D’Void. Inspirándose en los sonidos atmosféricos de Detroit y la precisión de Berlín con cada transición meticulosamente elaborada, Buljat demostró su maestría como DJ, combinando a la perfección líneas de bajo pulsantes con melodías hipnóticas para crear una experiencia auditiva envolvente.

Cuando el reloj marcaba casi las tres de la madrugada y la expectación era máxima, llegó el momento que todos esperaban: el legendario Loco Dice subió al escenario. Titán de la escena de la música electrónica, Loco Dice cuenta con una ilustre carrera y contribuciones revolucionarias al género. Con una capacidad inigualable para crear experiencias sonoras envolventes, no perdió el tiempo y acaparó la atención de todos con su imponente presencia y su contagioso carisma. A partir de su extenso catálogo de éxitos y joyas inéditas, Loco Dice creó un viaje sonoro que atravesó hábilmente desdibujadas líneas entre el house, tech-house y el techno.

En Pacha Barcelona, entre luces estroboscópicas, una energía electrizante y un sold out de manual, Loco Dice, Andre Buljat y Kesia unieron a amantes de la música de todas las procedencias en una celebración del sonido y la unidad. Cada artista aportó su estilo y energía únicos al escenario, creando un tapiz sonoro interesantísimo que es, precisamente, lo que caracteriza las fiestas de SIGHT todos los domingos del año.

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Críticas | ÁLBUMES

BEN FROST

Scope Neglect

Mute

Sexto álbum de estudio para un Fiera Corrupia. El amenazante y siniestro personaje que enfría hasta volverlos puñales soniquetes derivados de la electrónica, los ambientes cinemáticos e incluso el black-metal. El brutal minimalismo con el que arranca el nuevo largo de Ben Frost nos atrapa. ‘Lamb Shift’ y ‘Chimera’ se abren paso con tarascadas eléctricas y guitarreras. En apariencia, poco más. Su propuesta sube de nivel en cuanto se incorporan más voladuras y elementos efectistas (‘The River Of Light And Radiation’). Ya lo tenemos liado con su particular alquimia metamórfica. Si es que cuando se pone serio es capaz de deshacer por segundos la más rígida armadura en miles de partículas. ‘Tritium Bath’ y especialmente ‘Unreal In The Eyes Of The Dead’, también disipan por instantes el eclipse y el malévolo juego ultratumba del australiano.

ACRELID

Illegal Rave Tapes Selektion 1999 - 2012 Dance Data

"Illegal Rave Tapes’ es una selección ‘final’ de quince cortes extraídos de un archivos donde se comprimían como anchoas en aceite, ¡hasta 134 pistas! Lo cierto es que Acrelid -quien no es otro que John Lee Richardson, fundador de Indifferent Space- lleva unos cuantos años publicado volúmenes en dicho sello, si no recuerdo mal como unos diez, pero ahora es el momento de hacer cribado y darnos ‘solo’ lo mejor. La chispa que enciende y mantiene la llama de este compilado es la misma que convulsionó la escena rave de los 90. Una obsesión donde los beats se aceleraban a ritmos pitufales y cuyas sesiones en cassette arruinaron más de una radio de coche. Latidos siniestros, notas ácidas, techno roto, electro con roña o jungle ultrajado son algunas de las lindeces que descubriremos en este lanzamiento.

PARANOID LONDON

Arseholes, Liars and Electronic Pioneers

Paranoid London Records

Tras recibir una promo donde se mostraba un collage con caretos como los de Abascal (Vox), Trump o Peppa Pig, estaba aún más obligado a testearlo. Paranoid London (Gerardo Delgado y Quinn Whalley) son la resistencia. Lo de este dúo es un pergamino plagado de sorpresas. Despojan por ejemplo al Acid House de cualquier aditivo dulzón, para vestirlo de soniquetes más industriales y gruñones. Se muestran serios pegando palos a base de Techno, House y circuitos electro. Mutante y bastante punk. Ellos mismos nos recuerdan la payasada -con todos los respetos hacia los payasos del circo- que nos rodea a día de hoy entre políticos, miembros de la realeza o personajes patéticos… Así que, la música, aunque tirando de ironía, mejor tomársela con mayor decoro. Destaco cortes como ‘GRNDR’, ‘Love One Self’ o ‘Fields of Fire’.

WRECKED LIGHTSHIP Antiposition Peak Oil

La dupla británica debuta en Peak Oil con un lanzamiento que ensalza los placeres de la electrónica más alienígena. Bajos subacuáticos, melodías y golpes precisos son la base en la que se construye este ‘Antiposition’. Sus miembros Adam Winchester y el aclamado Laurie Osborne (Appleblim), apuestan firmemente por unos esbozos cinéticos y unas producciones bastante retro-futuristas. En ocasiones parece que incluso están metidos en alguna especie de ritual (‘Bizarre Servants’), en otras nos someten a sueños llenos de carreras (‘Sunken Skies’, donde se deconstruye cosa mala los patrones rítmicos de fisonomía jungle). Tampoco faltan cortes donde ganan terreno los recursos más esqueléticos, diría que tribales, y agarrados al misterio (‘Diminished Ark’). En todo momento triunfan las capas y los sonidos sintéticos que no obedecen a ninguna frontera.

LITTLE SIMZ Drop 7

AWAL Recordings

Como un vendaval de aire fresco nos llegó, de manera inesperada, el nuevo trabajo de la talentosa Little Simz, la “Simbi”. Esto es, un torbellino repentino de siete cortes a cual más enérgico. ‘Drop 7’ está producido junto a otro que no es ni mucho menos un artista irrelevante. Me refiero a su ‘bro in arms’, y compatriota británico Jakwob, juntos ya compartieron estudio hará una década. El círculo no puede ser más redondo y responde perfectamente a las expectativas de los seguidores de ambos, y con más exactitud del Jersey club, el Baile Funk y demás sonidos urbanitas donde se cruzan sin estorbarse hip hop, cultura y contemporaneidad. Sacando pecho y destacando en este nuevo trabajo: ‘Mood Swings’, ‘Torch’ y ese correcaminos de título ‘Power’. De diez son sus mágicos cabreos.

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Críticas | ÁLBUMES

CLARAGUILAR

Figura

Lapsus Records

Siempre que puedo, no me la pierdo en directo. El año pasado pude verla un par de veces -en LEV Gijón y en Sónar, donde avanzó este disco de debut- y en las dos me hizo flotar de lo lindo con tanto derroche. Está sobrada de talento sobre el escenario. La compositora y música multi-instrumentista, quien encima actúa con pasmosa teatralidad, es una de las propuestas más firmes e interesantes del actual panorama patrio. La catalana plantea paisajes sonoros que, aunque inmersos dentro de la electrónica, son capaces de parpadear y armonizar con pliegues de clásico. Plisados orquestales que se nutren de bombos y arpegios tecnoides (‘Mirada Interior’, ‘Eyes From You’) e incluso beats fracturados, bien amigados con el “drama” (‘Ros Elavy’) o el trip hop / IDM (‘Veo un Ciervo a Oscuras’). CLARAGUILAR es un sol en la noche.

VVAA

Ficciones III

Golden Hour

Es un gustazo cuando, por primera vez, te contactan desde a tomar por saco, con material interesante. Sucedió el mes pasado con aquel compilado desde Chile, vuelve a suceder este mes. Esta vez desde Buenos Aires, donde acabo de penetrar en las entrañas del colectivo -de sonido dinámico, como ellos denominan- Amancay. Ante mí una estupenda colección que está nacida para traspasar fronteras. Música de alma electrónica y espíritu potencialmente bailarín, donde vamos a recrearnos con lo mejor de la actual escena argentina. En esta familia de artistas destacan los quehaceres de Abuk, Tiello, CCINNI, Emiliano Demarco, Xolef, This & That o Last Men On Earth. Una reunión que ensalza el House analógico versus lo orgánico, así como las texturas tranceras, más bien viajeras, cocinadas con mucho arrojo. Tiene tirón y calidad este ‘varios’.

En este disco se ajusta la finura cosa bárbara. El talento especial de Lefto Early Bird no ha pasado desapercibido para un astuto Giles Peterson, por eso se lanza en su sello Brownswood Recordings. Volviendo al productor belga, este tipo es de los que crean escuela. Un maestrillo de muchos librillos en el noble arte de enlazar electrónica con jazz. Fusión que supera con creces las fronteras del house vaporoso (‘Love Supreme’ feat. Ain’t About Me), donde incluso se vende el alma a un techno inquietante de médula footwork (‘Live in Darkness and Wait for Better Days’). Destacan en todo momento los acordes de piano y la versatilidad en los bajos. Pasmoso cuando se suelta con beats urbanitas nada nerviosos (‘One Day You Smile, One Day You Cry’), se nota aquí su trabajo junto a Flying Lotus.

Kisses Like Feathers hfn music

Soy partidario de oír los álbumes de debut poniéndoles más cariño de lo habitual. Ha sido el caso. Estamos ante ‘Kisses Like Feathers’, el primer largo de un dueto femenino formado por Lisbet Fritze y Louise Foo. Lo que es igual, una de las voces más penetrantes con las que ha contado Trentemøller en sus últimos discos, y la hermana de Sharin Foo, de The Raveonettes. La música es, en el caso de ellas, una pasión innata. Corre por las venas de ambas un entusiasmo unas veces medido, otras desmedido, por la electrónica de terciopelo azul y rasgados grises. Recrean un sonido que acaricia a la vez que acuchilla. Transmiten un deseo constante por equilibrar drama y diversión. El tema ‘Midnight Fay’ es el perfecto ejemplo. Texturas atmosféricas y voces armoniosas se entrecruzan con techno modélico, pop y synth-disco.

Lost Files Reworked

Forbidden Colours

Toc, toc. La valentía llamando a la puerta ¿Qué hacen unos indios americanos entonando sus cantos o unas percusiones teñidas de melodías sintéticas enfermizas en un mismo tarro? Pues formar parte de un disco único. En este ‘Lost Files Reworked’ se dan la mano desde sonidos industriales inquietantes, hasta folk enajenado o maravillosos pasajes de IDM melódica como sucede en el rework de Reykjavik606 para ‘All That Will Never Come Back’. De otro modo, descubrimos un disco donde se reinventa la música de la banda bilbaína Empty Files. Ocho pistas de desarrollo libre -esto se nota mucho y para bien- realizadas por productores afines al grupo. Se alternan y conviven sin sacarse los ojos notas de drone, UK Jazz, EBM, electrónica e incluso lo tropical. Entre estos valientes -además de Kino y Borja- Otoi, Trevor Gavilan o Radhitor.

GLAS LEFTO EARLY BIRD Motherless Father EMPTY FILES
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Críticas | TECHNO

Autor: VICTOR SANTANA | victorsantana@djmag.es

VVAA

COD3 QR 016

COD3 QR

La 16ª entrega de la serie de álbumes recopilatorios de Cod3 QR se centra, como siempre, en el eclecticismo, la apertura de miras, la divergencia y el inconformismo, presentando una amplia gama de música electrónica, toda ella seleccionada cuidadosamente por Laurent Garnier. Una compilacion increíble donde continúa el amor absoluto a la electrónica de máxima calidad tanto enfocada al Techno como ritmos rotos y breaks. Destacaría muchos tracks ya que la compilación es magnífica. El track de Voltaire es una obra de arte caminando entre el Detroit Techno volador con percusiones increíbles. También destacaría el track de Inner Ray que es el aka de Victor Fernandez en su lado mas orgánico, breaks, etc.

OLIVER WAY Gamma State Ep Epm Music

Desde las oficinas de Epm nos llega esta maravilla de Oliver Way. Tras el Theta State EP del año pasado, Oliver Way continúa con su visión de los diferentes estados de ánimo con el Gamma State EP. En primer lugar, tenemos la electrónica impulsada por bajos profundos y breaks de The Fabulous Mr. Baker, un tema dedicado al tristemente fallecido productor de techno y house Tim Baker. Basándose en capas de pads. Oliver evoca el sonido del techno de la época de la inteligencia artificial de principios de los 90, extrayendo calidez y emoción de sus máquinas. Un gran tributo a Tim en forma de música. Destacaría el track 'Rubber Band’ por su giro ácido raver. Una buenísima herramienta para tu maleta.

XENIA Pain Ep Fire Mode

La artista ucraniana Xenia nos presenta un EP con 4 tracks que caminan con su sonoridad hard que tanto la caracteriza. Esta vez Xenia nos trae ritmos enfocados al sonido hard Techno que caminan entre líneas ácidas, acordes arpegiados y líneas sintéticas más algunos samplers de la propia artista. Bombos distorsionados, percusiones afiladas y altos BPMs, ese es el sonido de la artista ucraniana. Si tuviera que hablar de algún track sería de ‘Pain’, donde la artista ucraniana deja los arpegios y las líneas ácidas desarrollar en el daw. Poco a poco te lleva al sonido destroy tan de moda del Techno actual.

DAVE. THE DRUMMER Dirty Rave Arkham Audio

Desde Dispersion UK nos llega este EP increíble del label Arkham Audio. El label belga lleva toda la vida trabajando muy duro para exponer su visión musical y enseñar al mundo una mirada del Techno diferente. Esta vez nos presenta un EP del inglés Dave. The Drummer con varios remixes espectaculares. El inglés nos trae su techno que tanto le caracteriza y nunca falla en la pista de baile. Secuencias ácidas hipnóticas que desarrollan percusiones que se abren y se cierran hasta dejar la pista de baile ardiendo. De los remixes podría nombrarlos a todos pero, si me decanto por uno, sería por el artista Uncertain. Gran trabajo, Arkham Audio nunca falla.

UNKLE FON

Fórmula Magistral 1314   Utopia Society Records

Manuel Cano aka Unkle Fon, dueño de la marca Utopia Society, nos presenta un EP que no te dejará indiferente. Unkle Fon es un trabajador incansable de la escena Techno española, su marca se inició en un club mítico de la capital y después de años de mucho trabajo Utopía es un referente Techno de Madrid. Son cientos de artistas los que han pasado por el club y sus fiestas. Su sonido siempre fue enlazado a un Techno de vanguardia fuera de modas pasajeras y postureos. Manuel vuelve a la carga con 2 tracks que son pura energía. ‘1314’ es perfecto para cualquier transición y así continuar con la pista en modo ardiendo. 'Fórmula Magistral’ es un track muy en la línea de la sonoridad de los 90, como la de Oliver Ho en los 90 - 2000. Suena increíble, no te defraudará.

01. KLINT 'Wrong People' [Planet Rhythm]

02. OFF / GRID 'Step Back' [Life in Patterns]

03. KLINT 'Falcon' [Planet Rhythm]

04. ALARICO 'Lost in Lima' [Klockworks]

05. VEZTAX & BECCO ' Becvez (Hertz Remix)' [Vezotonik]

06. LEWIS FAUTZI & NØRBAK 'Code Of Deception' [Faut Section]

07. INTROVERSION 'Burden (SAMA Remix)' [Arts]

08. NØRBAK 'Malta 6AM' [Hayes]

09. CHRISTIAN SMITH & DRUNKEN KONG 'Succession (Cesar Almena Remix)' [Code Records]

10. HERTZ 'Timballe' [Sway]

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CESAR ALMENA [CODE/FABRIK]

Críticas | UK GARAGE

Autor: BORJA COMINO | borja@allinpress.com

NIKKI NAIR, DJ ADHD

Golden Monkey EP

Seilscheibenpfeiler Schallplatten Berlin

La colaboración entre Nikki Nair y DJ ADHD para el EP ‘Golden Monkey’ tiene su origen en el uso compartido de un mezclador Sony antiguo. Nikki llevaba años utilizando este mezclador y, al enterarse de que DJ ADHD había comprado él mismo por sugerencia de Nikki, aprovecharon la oportunidad para colaborar. Tras sesiones de estudio conjuntas en Los Ángeles y Londres, produjeron un EP lleno de energía que desafía los límites tradicionales de los géneros. Llamado así por el mono dorado de nariz respingona que fascinó a Nikki durante la creación del EP ‘Golden Monkey’, encarna un espíritu indómito. Inspirada en el grime, el jungle, el techno, el hardcore, el footwork y otros estilos orientados a los bajos, la música ofrece un intenso estallido de energía con ritmos que hacen sonar el pecho y una rápida percusión. El MC londinense Logan presta su voz a ‘Whaa’, añadiendo dinamismo al EP. Aunque los cuatro temas de ‘Golden Monkey’ pueden resultar confusos, la experiencia es estimulante y pone de manifiesto la creatividad y la sinergia del dúo en el estudio.

SHYGIRL

Club Shy EP

Because Music Ltd

El revival de mediados de los 2000 es evidente en las tendencias actuales. La contratación de Dov Charney por parte de Kanye West y el éxito del EP de Shygirl ‘Club Shy’ consolidan aún más este regreso. El EP de Shygirl, aunque breve, abarca diversos terrenos musicales, con colaboraciones que destacan su voz vaporosa y sus letras introspectivas. Temas como ‘4eva’ con Empress Of y ‘thicc’ con Cosha ofrecen placeres sencillos con capas matizadas, explorando el deseo y la tensión en medio de vibraciones de club. Estableciendo paralelismos con Katy B, Shygirl mezcla confesiones con canciones para complacer al público, como ‘mr useless’, un himno a la ruptura producido con SG Lewis. En general, ‘Club Shy’ encapsula la tensión entre la timidez y el deseo, ofreciendo una visión contemporánea del sonido electro house de mediados de la década de 2000.

Con una esperada colaboración con Skrillex en el horizonte, la trayectoria de Hamdi sigue en ascenso. Influenciado por el hip hop de los 90 y el Detroit house al estilo Moodyman. Su esperado Counting EP, publicado a través de Deadbeats, muestra algunos de sus trabajos más refinados hasta la fecha. Con cinco temas inconfundiblemente Hamdi, incluidos los singles ‘Counting’ , una versión del mitiquísimo tema de Princess Superstar y ‘Criminal’ con Zeds Dead y Warrior Queen, el EP amplía su versátil discografía al tiempo que pone de relieve su destreza como productor. Los nuevos temas, entre los que destacan ‘Arms Up’, con su fascinante e inquietante introducción, y ‘Dubplate’ con frenéticos breakbeats y la relajante voz de su colaborador Archie, demuestran la capacidad de Hamdi para cautivar a oyentes de todos los géneros. Cerrando con ‘One Strobe’, una magistral mezcla del sonido característico de Hamdi con elementos de drum & bass, Counting consolida el estatus de Hamdi como creador de tendencias, encapsulando su continua brillantez en un paquete cohesivo.

NICKELS

01. BILLA ‘Fold’ [FLDIN2]

BURIAL Dreamfear / Boy Sent From Above XL Records

El debut de Burial para XL Records, es un nostálgico homenaje a la primera era rave, que mezcla breakbeat hardcore, hip-house, techno y electro. A pesar de su inclinación por la experimentación, los elementos característicos de Burial (crujidos de vinilo, melancólicos pads y evocadores samples vocales) siguen siendo fundamentales en su sonido. Ambos temas se entrelazan a través de múltiples paisajes sonoros, evocando una sensación de aventura de club en club. El uso continuado de tropos y samples familiares por parte de Burial puede polarizar a los oyentes, pero su compromiso con la construcción del mundo y la mitificación de sí mismo es evidente. Quizás no es el trabajo más innovador, y es por ello que uno puede sentir hasta cierta preocupación por el artista británico, que lleva 15 años, por lo que parece, encerrado en su habitación lanzando música casi anónimamente.

ELKKA

Make Me Ninja Tune

Elkka tiene disponibles solamente tres singles de su próximo álbum, que se llamará ‘Prism Of Pleasure’, y solo con eso ya ha sido suficiente para querer hacer un poco de review del asunto. El álbum saldrá en mayo con nada menos que Ninja Tune. El primer single ‘Make Me’, marca la pauta con su apuesta segura por los ritmos electrónicos profundos, mostrando la sensualidad sin complejos de Elkka que se esfuerza por mostrar un enfoque crudo y auténtico que brilla en cada tema. Con galardones como el Essential Mix of the Year de la BBC y un premio AIM al mejor remix en su haber, el talento de Elkka como DJ y productora es innegable e invita a los oyentes a conectar a un nivel más profundo con temas como ‘I Just Want To Love You’ y ‘Passionfruit’ con John Carrol Kirby, colaborador de estrellas como Frank Ocean o Steve Lacy.

02. BALTRA ‘Luv-N-Me’ [96 and Forever]

03. SHERELLE ‘GETOUTOFMYHEAD’ [fabric Records]

04. DJ LUCK, MC NEAT ‘A Little Bit Of Luck’ [Red Rose Recordings]

05. DE, 2 ‘By My Side’ [Simma Black]

06. GEMMA DUNLEAVY ‘Setting Son’ [UP DE FLATS]

07. HEARTLESS CREW, STICKY ‘Why? (Looking Back)’ [Bush Bash Recordings]

08. ROLL DEEP ‘The Avenue’ [Universal]

09. SAMMY VIRJI ‘Like That’ [Chip Butty Records]

10. SOULECTA, GEMI ‘Chunky’ [GS Dubs]

HAMDI Counting EP Deadbeats
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Críticas | HOUSE

VVAA

RetroFutur 2: parte 2 Mélopeé Records

El sello Mélopeé quiere inaugurar el año a lo grande con el segundo recopilatorio de su trayectoria. Al igual que el primero, en este compilatorio reúne un amplio abanico de artistas y estilos musicales que hechizan e inspiran: Cosmic Italo, Italo Disco, Italo Body Music, Trance, Electrónica, Nu Rave y Nu Dance, con artistas de la talla de Alberto Mellone, Panthera, Melotelo, Bizarro Universe y un largo etcétera, que representan a la perfección la visión futurista del sello y la nueva dirección sonora y estética que tomará a partir de este año. Los autores del recopilatorio publican música impulsados por el amor, los sueños y los recuerdos. La música, una terapia. Este disco es un auténtico tesoro para los amantes de este singular sonido, ideal para bailar y un experimento de tempo alicaído a base de extraños soniquetes burbujeantes.

VVAA

Machine Driven

Soiree Records International

Soiree Records International tiene el placer de presentar su último recopilatorio, que es también un testimonio de un camino incansable del pasado 2023. Este compilatorio titulado Machine Driven es un trabajo muy sólido y regular, y como el mismo sello, se ha ganado el respeto, pasito a pasito, de algunos de los DJs y productores referentes para ellos. Esta compilación, meticulosamente seleccionada, es más que una simple amalgama de sonidos. Sus estilos y firmas sonoras le dan una diversidad y profundidad inherentes. Estamos ante una experiencia inmersiva y armoniosa a la que acudirás con facilidad. Digamos que su leitmotiv ha sido siempre estar a la vanguardia y traer al mundo música de calidad. Y lo más importante: adaptarse a los nuevos tiempos y tendencias sonoras, pero siempre manteniendo su esencia original. Y vaya si lo han conseguido.

PARTIBOI69

Call of the Void

Running Back

Partiboi69. aterriza ahora en Running Back con 'Call of the Void'. Este singular productor es un artista deliciosamente divisivo, tan musical como estético y hedonista. Su sonido atrae multitudes de ravers. En 'Call of the Void' se expresa un apabullante trabajo, donde se puede entrever una maravillosa interacción de influencias, sin perder la energía y la autenticidad por el camino. En cada track se expresa una química que se siente sin esfuerzo y que nos lleva a fluir sin descanso. Cada tema apunta a hit, y aunque se estrene ahora este disco, puede que escuchemos algunos de sus tracks el próximo verano en los mejores clubs. Estamos, sin duda, ante un trabajo sorpresivo y excelente, por deslumbrante y exportable; creado desde el talento, la meticulosidad y la coherencia sonora.

SLOTHBOOGIE

DFRA & SHAKA

Collab Grooves Part 1

Vibes and Grooves

Vibes and Grooves regresa con su primera colaboración y lo hace dando la bienvenida a Diego Ruiz, alias DFRA, en colaboración con Shaka. En este trabajo ambos productores desarrollan esta primera parte lentamente, de forma cinematográfica, mientras nos lleva por un camino turbio, produciendo una mezcla entre misterio y cautela, sin perder intensidad y contundencia por un camino frondoso. Un trabajo que parece destinado a hacer rugir los altavoces del club, lleno de evocación y presente. El ritmo es circular y la estructura lenta lo que le permite desplegar a su vez muchos detalles para conseguir una sensación de flotar en el aire y suspender el tiempo. Estamos, sin duda, ante uno de los pocos tipos que sería un error perder de vista. Y siempre sabiendo que lo mejor de DFRA & Shaka está todavía por llegar, fijo.

PAWAS & SITARA & NON SOLO

Take Control Electromantica

Después de una serie de éxitos en el indie dance junto a su hermana Sitara y colaboraciones de órdago con Anurag Choudhary y Non-Solo el año pasado, Pawas se une a nuevos talentos para un viaje musical fresco y fascinante en ‘Take Control. El dúo creativo de hermanos formado por Pawas y Sitara marca ahora su debut oficial como colectivo. Y es que en ‘Take Control’, el lirismo lúdico pero profundo de Sitara se entrelazan con los ritmos de Pawas y las melancólicas melodías de flauta de Anurag, culminando en una pieza tan bailable como nostálgica. Más que un disco es un viaje de ensueño que consigue tocar lo más profundo. Las cualidades emotivas del track atraviesan temas universales, creando una experiencia dulce y reconocible para un público abierto, con ganas de dejarse sumergir por esta hechizante experiencia.

01. COEO ‘Planet Earth' [Shall Not Fade] 02. TOM PARIS ‘L'Enfer Du Paradis’ [Swap Shop] 03. DEZ ANDRES ‘Wild And Crazy Love’ (Bass Mix) [Deep Fried Music] 04. MANUEL DARQUART ‘The Del Sol’ [Wolf] 05. GALCHER LUSTWERK ‘Played Out’ (Version 2) [Lustwerk Music] 06. RUFF STUFF ‘Foundations’ [SlothBoogie] 07. DÂM-FUNK ‘The Contract’ (House Call) [Rockstar] 08. MR G ‘Drop It’ (Duncan Forbes Drawing On Grace Remix) [Phoenix G] 09. DEMUIR ‘The Book Of Crystal’ (Beat 8) [Robsoul] 10. KASSIAN ‘San Junipero’ (Edmondson remix) [Fuax Poly]
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Críticas | DRUM & BASS

INTELLIGENT MANNERS & COMMAND STRANGE FEAT. ROBERT MANOS

Black River

Fokuz Recordings

Cuando vemos el combo de Intelligent Manners y Command Strange sabemos que tenemos entre manos una gran pista de liquid emocional. El single que pone nombre a su nuevo trabajo por Fokuz, ‘Black River’, cuenta además con la preciosa voz del neoyorkino Robert Manos que, sumada a la línea de acordes de un maravilloso piano, hace de esta producción el tema destacado del mes.

YATUZA & COSMICKAT

Ultraviolet Impact Music

El argentino afincado en nuestro país desde finales de 2023 aterriza en el sello de Lyon Impact Music con un nuevo EP titulado Ultraviolet. El tema homónimo está firmado en colaboración con Cosmicka, donde ambos presentan todo un banger underground donde el grave es el protagonista. Cuenta con dos drops diferenciados y en el segundo encontramos elementos de 4x4 DnB sin peder su identidad, ¡toda una delicia de tema!

IGUBU A N G E L M A K E R True Color Recs

El noruego IGUBU debuta en el sello de la ciudad condal True Color Recs, que lanza su primer EP del 2024. Nuestro destacado A N G E L M A K E R sigue a la perfección el corte del sello con atmósferas oscuras, una buena programación de baterías y un pequeño break con elementos de 4x4 DnB. Sin duda, una gran entrada en el 2024 tanto para IGUBU como para True Color.

DUB ELEMENTS

Closer

DEM Recordings

El duo sevillano está imparable en sus últimas producciones y se nota. Este 2024 lo han comenzado muy fuertes con otro banger perfecto para la pista de baile donde destaca la vocal femenina junto con un synth pegadizo que consigue hacerte bailar durante todo el tema. Ha sido una de las “IDs” más potentes del dúo durante el periodo de invierno y por fin está disponible para todo el mundo.

FRANNABIK & TRANSFROMA

FEAT. MC KENNA Come Apart Neuroheadz Music

El almeriense Frannabik debuta en Neuroheadz con dos singles potentes de neurofunk que tanto le caracteriza. Sin duda su colaboración con el británico Transforma es una bomba atómica pistera que cuenta con las vocales de MC Kenna. En este trabajo destacamos el especial cariño en la producción y mezcla de las baterías, donde el snare es sin duda alguna el principal protagonista.

FROST [Soulless Crew]

01. JENKS 'Sound Of The Deep' [BassLayerz Recordings]

02. S.P.Y. & KASRA 'Surface (Levela Remix)' [Critical Music]

03. BUNNERZ 'Chinese Whispers (VIP)' [Bunnerz Music]

04. SUDLEY,SYDNEY 'Pure Pleasure' [Deep Within Recordings]

05. BREAK 'Headshot' [Symmetry Recordings]

06. DJ LIMITED 'Mess' [Biological Beats]

07. HEADROOM 'Close' [Onyx Recordings]

08. ARMODINE 'Release My Anger' [Souped Up]

09. POSK 'Where I Want' [sub:stance recordings]

10. HARLEY D 'Meganism' [Grid Recordings UK]

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Críticas | BREAKS

EVL TOM

Absolute Melt Out Yer Box Records

Como ya comentábamos en el número de octubre, Tom Beaufoy, del mítico dúo inglés Evil Nine, volvía en solitario como Evl Tom anunciando su álbum debut 'Absolute Melt', con el adelanto de su primer sencillo titulado 'The Heathers', al que le siguieron los singles 'Give Up (Don't)' y 'Eternal Lids'. Después de una merecida espera, el álbum sale a la luz con 9 cortes en los que Tom plasma sus influencias breakbeat, soul, funk, hip-hop, hardcore y house de una manera exquisita. Si te quedas con ganas de más, no te pierdas el mix 'Outcast052' que ha grabado para el podcast de RUNE Recordings o su propio programa ‘The Evil Tom Show’ que emite los miércoles por 1BTN desde Brighton.

GUAU & ELITE FORCE

Computer Singularity 83

Uno de los productores patrios más activos y reconocidos fuera de nuestras fronteras, en la escena breaks actual, es el gaditano afinando en Mallorca Raúl Bautista, aka Guau. Al de Trebujena no le basta con haber sacado recientemente su nuevo álbum 'Contracorriente' y con dirigir los sellos 83 y Close Your Eyes, sino que además le queda tiempo para colaboraciones estelares como la de este single. Celebrando el lanzamiento número 500 del sello 83, publicaba recientemente 'Computer Singularity' junto al gran productor inglés Simon Shackleton de Elite Force y Lunatic Calm. Un trabajo que nace desde la admiración mutua de dos grandes del ritmo roto y de un encuentro casual de rave por Sevilla el pasado verano, iniciando el germen de esta colaboración.

DOC ZEE & GREENFLAMEZ

Set Me Free

Solid Breaks Records

El joven sello de los DJs y productores GreenFlamez y Loopcrashing nos llega con un nuevo single a cargo del sevillano GreenFlamez, en colaboración con el productor inglés Doc Zee. Una producción nu skool breaks de corte alegre, con aires de rave y del breakbeat hardcore. Destacar algunas otras referencias de esta casa como el single 'Escape' de GreenFlamez junto al pianista malagueño Alberto Jiménez, donde reversionan un himno que muchos nostálgicos reconocerán, el oscuro jungle breaks 'Parasite' de Doc Zee y 'Black Sand Shore' de GLØX o los ácidos 'Bring It Back' de DJ Brownie y GreenFlamez o '4C1D' del malagueño Jormek. Como detalle, comentar que GLØX es el aka del proyecto musical que los dueños del sello usan cuando producen juntos.

SHIFT+X

Timbal Break

Close Your Eyes

Por su parte, el sello Close Your Eyes, enfocado a la corriente más ambiental del breakbeat, nos trae lo nuevo del productor malagueño Gonzalo Ávila, más conocido como Shift+X. El trabajo, titulado 'Timbal Break', es una producción de acid breaks con una atmosfera etérea y unas vocales étnicas que encajan perfectamente con la línea habitual del sello. Si bien en este label es su primer lanzamiento, es un viejo conocido del sello hermano de este llamado 83, con lanzamientos como 'Space Bomb', 'The Boss', 'Intense Acid', 'Time Out', 'Lunatic Night' o 'Breaking The Rules'. En todos ellos, Shift+X nos demuestra su amor por los ritmos rotos y por las líneas de bajo ácidas, explorando a través de breaks de diferentes estilos y tempos.

DHARMA

Electric Stress Remmah

Nacido en Sunderland, UK, Dharma tiene un background musical formidable actuando como multiinstrumentista en orquestas, bandas y, más recientemente, como productor de música electrónica. Uno de esos jóvenes artistas que es difícil de clasificar en un solo género, ya que te mezclan tanto breaks, como electro, house o techno. En este EP para el sello Remmah, Dharma nos ofrece tres grandes pistas con ritmos entrecortados y mucho sabor old school. No te pierdas otros lanzamientos de este artista como 'Structured Chaos' de R&S Records, 'Computer Song' de Forriner Music, 'The Comedown' de Nothing Is Real, 'The Epiphany' de Permanent Vacation, 'Ghost Hunting' der Apex Faction, la remezclas al track 'It's Not A Competition' de Man Power o el genial 'Green Soil' que regala desde su SoundCloud.

01. RICK TEDESCO ‘Black Lace (Original Mix)’ [RUNE Recordings]

02. ATKIINS ‘Feelings (Original Mix)’ [Strength In Numbers]

03. KOUT ‘Pressure (Original Mix)’ [ElectroBreakz]

04. GUAU ‘Human Touch (Original Mix)’ [Close Your Eyes]

05. KURTUBA ‘Mantra (Original Mix)’ [Banger Records]

06. DARKLEADS ‘These Times (Original Mix)’ [Bandcamp]

07. NOSK & BRYAN ‘Sureness (Original Mix)’ [83]

08. FORSAKEN DREAMER ‘The Future (Original Mix)’ [Capital Heaven]

09. BROTHERS OF FUNK ‘Fever (Original Mix)’ [ElectroBreakz]

10. UNDER THIS & KELLE ‘Stay Creative (Original Mix)’ [RUNE Recordings]

KOUT [EMOXION RECORDS]
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MICROKORG CRYSTAL

20 años de innovación musical encapsulados en un magnífico homenaje

En el mundo de la música electrónica, donde la tecnología evoluciona constantemente, pocos instrumentos logran perdurar y consolidarse como auténticos clásicos. El microKORG, nacido hace dos décadas, no solo ha resistido la prueba del tiempo, sino que ha dejado una huella imborrable en la escena musical contemporánea. Este sintetizador, que celebra el vigésimo aniversario, presenta su edición especial Crystal, una reinterpretación única que fusiona la nostalgia del pasado con la vanguardia del presente.

Un clásico inmortal - El microKORG se lanzó en 2002, emergiendo como un sintetizador portátil revolucionario con un micro-teclado, un potente vocoder y sonidos vanguardistas. Su impacto fue instantáneo, transformando la forma en que los músicos abordaban la síntesis y creaban música. Dos décadas después, el microKORG sigue siendo la elección predilecta de muchos artistas tanto en escenarios como en estudios, consolidándose como un clásico que trasciende las modas y tendencias.

microKORG Crystal: Una celebración translúcida - En honor a su vigésimo aniversario, KORG presenta el microKORG Crystal, una edición especial que encapsula el legado del sintetizador en un chasis semitransparente tipo "esqueleto". Desde el primer vistazo, este modelo conmemorativo revela los intrincados componentes electrónicos internos, recordándonos la esencia que definió la revolución musical de hace dos décadas.

Diseño vanguardista - El microKORG Crystal mantiene la esencia del original pero eleva su estética a nuevas alturas. Los controles semitransparentes confieren al sintetizador un atractivo visual único. Su panel frontal inoxidable con acabado de espejo no solo desdibuja las fronteras entre el músico y su instrumento, sino que también aporta un impacto estético sin precedentes en la escena musical.

Detalles que deslumbran - Los paneles laterales de aluminio del microKORG Crystal reemplazan la madera del modelo original, otorgándole un aspecto limpio y moderno. Este cambio no solo refleja la evolución del diseño, sino que también subraya la durabilidad y resistencia del sintetizador.

Funda de transporte transparente - Como un guiño adicional a la transparencia y la celebración del legado, el microKORG Crystal viene acompañado de una funda de transporte hecha de vinilo transparente. Esta funda no solo protege el sintetizador, sino que también permite que su cuerpo semitransparente sea exhibido, ya sea en el escenario o fuera de él.

El microKORG Crystal no es simplemente una edición especial, es un homenaje a dos décadas de innovación musical. Con su diseño vanguardista y características únicas, esta joya conmemorativa captura la esencia del microKORG original mientras mira hacia el futuro.

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