DJ Mag ES #156

Nos adentramos en el segundo mes del año con energía y muy buenas vibras. Para la ocasión, nos complace celebrar febrero con un artista como Ben Hemsley en portada. Conocido por sus producciones que evocan una ‘rave nostalgia’, este DJ y productor se ha convertido en un artista respetado en la escena house del Reino Unido.

Lo que hace realmente interesante todos estos logros es que los ha conseguido siendo fel a su amor por un género que no ha estado precisamente en alza: el trance. Como suele ocurrir con la mayoría de los productores en la cima de su carrera, los sonidos que crea Ben son sorprendentemente únicos. Su marca musical evoca muchos sabores dance del pasado, presente y futuro, y eso en gran parte es lo que le ha llevado a estar en el punto en el que se encuentra con su carrera musical.

En clave nacional, charlamos con el artista catalán Ignasi Pinol, más conocido como no_ip, con motivo del lanzamiento ‘Block The System’ EP en DSK Records. Nos habla del proceso creativo detrás del lanzamiento y de lo emocionante que ha sido cada fase de la producción.

En clave internacional, por una parte hablamos con el dominicano Mickael Espinosa. Con próximos lanzamientos en diversas discográfcas y proyectos en el horizonte, nos comparte sus inspiraciones y, como artista a seguir en 2024, promete sorprender con nuevas colaboraciones y actuaciones por escenarios de toda Europa. A continuación, nos sentamos a conocer a Quest, quien ha emergido en estos últimos años en la escena del digging.

Exploramos su trasfondo, su amor por el vinilo, los recientes showcases de su sello La Nota Del Diablo y su estrecha relación con su compañero de las turntables: Christian AB. Para cerrar, entrevistamos al dúo artístico upsammy y Jonathan Castro con motivo del estreno en España de su espectáculo AV “Germ in a Population of Buildings” enmarcado en el festival Márgenes.

En cuanto a reportajes, este mes traemos varios de gran interés. Por una parte, os acercamos a la transformación musical de EXIT Festival las dos últimas décadas. La historia del festival es un viaje fascinante que va más allá de la música, revelando un compromiso activista y social arraigado desde sus raíces. A continuación, analizamos las dos mesas más utilizadas en las cabinas: la XONE 96 de Allen & Heath y la DJM900 NXS2 de Pioneer. Y dilucidar no qué mesa es mejor, sino qué mesa es más recomendable en cada caso y en función de las preferencias del/la DJ, su forma de pinchar, el género que toque y el formato de la música. Y así saber qué tener en cuenta a la hora de elegir trabajar con una u otra. Para fnalizar, nos adentramos en la escena queer underground de Sudáfrica, que está reinventando la escena cultural del ballroom a su manera.

En nuestra nueva entrega de tendencias, os llevamos hasta Madrid para presentaros los seis espectáculos de electrónica y audiovisuales que se realizarán en Teatros del Canal de enero a junio de 2024. Y como siempre, os traemos las mejores secciones y críticas musicales.

Gracias, lectores, por seguir confando en nosotros mes a mes.

PATRICIA PAREJA

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Revista DJ Mag España SL

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CONTENIDO

DJ

MAG 156 / FEBRERO 2024

Secciones

06 BREVES

08 60 SEGUNDOS – VOLPE

10 MIS FAVORITOS – REELOW

11 OFF THE RECORD – DUALIST INQUIRY

12 FOCUS ON – TUCÁN

14 5 TRACKS – STACEY PULLEN

16 ELECTRÓNICA & ROLL – RADAR

18 COCINAMOS CON – RICH NXT

20 LUCKY 7 – JOEY DANIEL

22 TENDENCIAS – ELENCTRÓNICA EN SALA VERDE

24 CÓMO PRODUZCO – DETLEF

26 EL RINCÓN DE KALI

90 TECH - ARTURIA KEYSTEP PRO CHROMA

40 30

Artículos

30 BEN HEMSLEY

40 NO_IP

46 MICKAEL ESPINOSA

52 QUEST

58 UPSAMMY

64 EXTI FESTIVAL

70 XONE VS PIONEER

76 BALLROOM SUDÁFRICA

Críticas

82 ÁLBUMES – BRUNO GARCA

84 EDM – WILLY ALCOCER

86 UK GARAGE – BORJA COMINO

87 HOUSE – ALEJANDRO SERRANO

88 DRUM&BASS– DANIEL PANIAGUA

89 BREAKS – EDUARDO CARBONELL

52 46

58

Breves

Autor: REDACCIÓN

AWAKENINGS DESVELA EL CARTEL COMPLETO DE SU NUEVO FESTIVAL, AWAKENINGS UPCLOSE

Awakenings ha anunciado un cartel de 125 artistas para la primera edición de Awakenings Upclose, un nuevo festival que se celebrará en los Países Bajos este verano. El evento, de dos días de duración, tendrá lugar en Houtrak (Spaarnwoude-park) los días 18 y 19 de mayo, y se describe en la web ofcial de Awakenings como "una oda a la pista de baile" y un "cambio deliberado de lo masivo a lo personal", poniendo énfasis en la cultura de la pista de baile por encima de los escenarios centrados en el DJ. Formado por una embriagadora combinación de pesos pesados del techno, los favoritos del underground, 16 b2b y más de 25 debuts, el cartel de Awakenings Upclose adopta un "enfoque más progresivo", aventurándose más allá del espectro establecido del techno.

+ info & tickets: awakenings.com

DEKMANTEL DESVELA LOS PRIMEROS NOMBRES

DEL CARTEL DE 2024 JUNTO CON UN PROGRAMA AMPLIADO DE 10 DÍAS

Dekmantel ha anunciado los primeros nombres que actuarán este año en su festival ampliado de 10 días para conmemorar una década del evento electrónico con sede en Ámsterdam. Este año el festival de Ámsterdam ha contratado a más de 200 artistas para que actúen en su nuevo programa ampliado. Dekmantel Ten arrancará en la antigua fábrica de municiones Het HEM durante tres días, con artistas de la talla de BICEP, Luke Slater, Aurora Halal, Avalon Emerson y DJ Python. A continuación, el festival se desplazará a Skatecafe para celebrar un torneo de fútbol antes de debutar al día siguiente en el edifcio más antiguo de Ámsterdam, la Oude Kerk. El festival continuará a orillas del río con música, charlas y talleres antes de que Dekmantel regrese a su hogar de Amsterdamse Bos para los tres últimos días. El mayor cartel del festival hasta la fecha incluye nombres como Actress (Live), Ben UFO, Joy Orbison, RP Boo, SHERELLE, Pangaea, Eris Drew, Goldie, Helena Hauff, Jeff Mills, Courtesy, Giant Swan y muchos, muchos más. + info & tickets: dekmantelfestival.com

COURTESY ANUNCIA SU NUEVO SELLO Y COMPARTE SU PRIMER TEMA DE MÚSICA

DANCE 'LET THE MUSIC HYPNOTISE YOU'

Courtesy ha lanzado su nuevo sello, Against Interpretation, y ha publicado el primer tema del sello, 'Let The Music Hypnotise You', en el que colabora el DJ, cantante y director creativo francés Klō aka Soyklō. El disco supone el debut de Courtesy en la producción de música de baile y es la continuación de una serie de lanzamientos de música ambiental, incluido el álbum de debut del artista danés "fra eufori", publicado en 2023. Cuando un capítulo se abre, otro se cierra, y al anunciar Against Interpretation Courtesy también ha compartido que no habrá más lanzamientos en su plataforma centrada en el arte Kulør. “Against Interpretation es mi nuevo sello discográfco y hoy voy a lanzar mi primer tema de música dance como Courtesy, un single de estilo powerhouse que cuenta con las voces del artista francés Klō", explica la productora. + info: mixmag.net

MICHAEL BIBI TOMARÁ FINSBURY PARK ESTE VERANO PARA EL "MAYOR ESPECTÁCULO ELECTRÓNICO DE LA HISTORIA" DE LONDRES

Michael Bibi actuará ante 45.000 personas en Finsbury Park este verano, como parte de su gira "One Life”. Anunciado como el mayor espectáculo electrónico de la historia de Londres, el evento supondrá el regreso a casa del DJ y productor, que el año pasado dejó de actuar para someterse a un tratamiento contra el cáncer. Al parecer, Finsbury Park, en colaboración con Creamfelds, es el primer lugar anunciado para la gira One Life. El jefe de Solid Grooves anunció la noticia a través de Instagram el pasado 17 de enero. La gira, anunciada como una "celebración mundial de la vida, la música y el espíritu humano", destinará un porcentaje de los benefcios a diversas organizaciones benéfcas. Entre ellas destaca la Royal Marsden Cancer Charity, que fnancia el Royal Marsden NHS Foundation Trust, donde Bibi recibió tratamiento.

+ info & tickets: michaelbibi.com

Hola Volpe, un placer saludarte. Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías?

Soy un artista enfocado en la música y la fotografía. Mi primer contacto con la música fue hace 14 años, organizando festas con amigos de la infancia que compartían los mismos gustos. Nos hemos mantenido feles a estilos como el Dub, Tribal, Deep y la música afroamericana de Detroit, Nueva York y Chicago. A lo largo de los años, he desarrollado mi propia música y desde 2016 me dedico casi exclusivamente a ella. Esto me ha permitido lanzar mi música en sellos reconocidos y presentarme en prestigiosos clubes.

Eres argentino pero vives en Berlín. ¿Cómo ves la escena electrónica de tu país? Y, ¿Qué destacarías de la berlinesa?

La escena de mi país es muy fel, con clubbers que confían en la música que los DJs seleccionan y curiosos por descubrir diferentes géneros. Una nueva generación de clubes y artistas está emergiendo después de la pandemia y están organizando propuestas interesantes. En Berlín, he tenido la oportunidad de escuchar a los artistas que admiro en un corto período de tiempo. Los clubes cuentan con sistemas de sonido excepcionales que permiten disfrutar plenamente de la música. Además, hay varias tiendas de discos para explorar. El público es totalmente diverso.

¿Cuáles son tus principales infuencias? ¿Cómo llegaste a ellas?

Mis principales infuencias son Robert Hood, Steve Rachmad, Shed, Basic Channel, Stephen Brown, Vince Watson, Deetron y Mike Huckaby. Descubrí su música a través de amigos y siempre están presentes en mis sets. Cada uno de ellos ha dejado una huella en mi sonido y me han inspirado a desarrollar mi propio enfoque musical.

VOLPE

Has lanzado música en sellos como Frenzy, Sungate y Mitsubasa. ¿En qué te inspiras a la hora de hacer música?

Encuentro inspiración al conectar con la naturaleza y al reunirme con personas que me inspiran o con las cuales puedo tener conversaciones enriquecedoras. También encuentro inspiración en películas, en la fotografía y en la música que escucho a diario, ya sea Jazz, Afrobeat, Hip-Hop, Funk o Dub.

Recientemente has lanzado tu sello Transcend, y qué mejor manera que con un EP propio llamado The Soul Is Healed. ¿Por qué has decidido dar este paso y qué planes de futuro tienes con el sello?

Tras mudarme a Alemania, las posibilidades artísticas y económicas se alinearon a mi favor. La idea detrás de Transcend es representar música que trascienda el tiempo y aporte armonías más profundas a la escena. Siempre quise lanzar este EP en vinilo, y ahora estoy planeando futuras colaboraciones con amigos cercanos y también mi propio material.

Este mes debutas en Berghain presentando tu live. ¿Cómo enfocas este tipo de set y más en un lugar tan legendario como este?

Planeo representar mi esencia a través del tiempo con muchos tracks nuevos, y tratar de brindar una experiencia agradable a la gente. Mis nuevas herramientas me permiten tener la libertad de manipular cada instrumento en tiempo real durante mi presentación y darle otra interpretación a los elementos. Estoy muy agradecido por poder tocar en uno de los mejores clubes de la ciudad.

¿Qué podemos esperar de Volpe en 2024?

Podéis esperar mucha música nueva en vinilo lanzada en sellos reconocidos, como también presentaciones alrededor del mundo. Además, estoy trabajando en la creación de espacios donde podamos compartir la música que nos rodea, ya sea a través de podcasts, charts, clases, charlas o eventos.

Finalmente, Volpe, pedimos a los invitados de 60 segundos que planteen una pregunta al siguiente. La última fue de Isa Rojas “¿Tienes alguna experiencia en alguna actuación donde te hayas sentido desafad@ por el contexto y que haya terminado siendo memorable?”

Los organizadores del evento me informaron de que el DJ que iba a tocar después no pudo asistir y me ofrecieron continuar la presentación. Acepté la propuesta junto a un amigo y, con unas porciones de pizza de por medio, terminamos tocando durante 12 horas seguidas. Fue una experiencia inolvidable, atravesando diferentes estilos musicales y manteniendo a la gente bailando durante todo el día.

Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente… ¿Cómo logras encontrar el equilibrio entre tu carrera musical y tu vida personal?

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Fotografía: Alina Pagani

Mis Favoritos

Reelow

LIBRO

Winning:TheUnforgivingRacetoGreatness Este libro fue escrito por el ex entrenador personal de Michael Jordan y Kobe Bryant. Finalmente un libro que no trata sobre motivaciones cursis; es para los que van a lo bravo. Explora todo acerca de triunfar en la vida, ya sea en deportes, música, relaciones o fnanzas.

PELÍCULA

Clímax

Espero que todos hayáis visto alguna película de Gaspar Noé. Si no, debéis poneros al día. Este tipo es literalmente un genio en todos los niveles. Clímax trata sobre un muy mal viaje durante el rodaje de un video de baile. Con altibajos emocionantes, la música es 10/10. Noé está muy cerca de nuestra industria. ¡Ponla a todo volumen!

SERIE DE TV

Loki

Siendo un gran fan de Marvel, era obvio que me encantaría la serie independiente de mis personajes favoritos. La primera temporada fue genial, pero la segunda es aún mejor. La historia mezcla todo sobre el tiempo y el espacio, ofreciendo un viaje increíble muy recomendable para distraerse entre semana.

VIDEOJUEGO

Fórmula12023

Siendo un gran afcionado de la F1 desde los 3 años, conozco todos los circuitos y curvas. Cuando tengo tiempo libre, juego desde mi primer ordenador Pentium 2. La única diferencia es que ahora juego en la PlayStation (afortunadamente, no la mía; sino nunca dejaría de jugar).

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Off The Record

Dualist Inquiry

¿Cuándo fue tu última mentira y por qué?

"Te veo en el after", dije a la 1 de la madrugada el sábado pasado. Mi amigo estaba animado para una gran noche, pero yo, por desgracia, no.

¿Eso que siempre has querido que te pregunten pero nadie te ha preguntado?

No es algo que me pregunten mucho, pero siempre estoy encantado de recibir preguntas sobre cosas técnicas de la música. Supongo que la mayoría de las entrevistas se centran en el producto, pero no tanto en el proceso.

¿Qué es lo primero que te gusta hacer cuando llegas a un club?

Me gusta encontrar un sitio donde suene bien, esté equilibrado y no haya demasiado ruido, para saber adónde ir cuando se llena. También observo la sala en busca de caras conocidas y voy a saludar.

¿Cuál es tu comida favorita para la resaca?

Fish and chips o biryani

¿Qué canción no puede faltar en tu set ahora mismo?

Floating Points, ‘Birth4000’.

¿Cuál ha sido el mejor momento de tu carrera hasta ahora?

Diría que hay un empate entre marzo de 2013, cuando lancé mi primer álbum y toqué en una gira de clubes con entradas agotadas, y ahora cuando estoy lanzando mi tercer álbum y tocando en Lollapalooza Mumbai este fn de semana.

El momento más embarazoso de tu vida...

Estaba tocando en un festival bastante grande y el sistema de sonido se apagó. Pero mis monitores seguían encendidos, así que seguí tocando. Haciendo headbanging, completamente inconsciente. 5000 personas delante y yo era el único que bailaba. En el escenario, bajo un foco. Literalmente.

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FOCUS ON TUCÁN

Autor: Sergio Parrado

En esta ocasión nos aventuramos por primera vez hacia el oriente, adentrándonos en la cautivadora ciudad de Bangkok, la resplandeciente capital de Tailandia. En este fascinante enclave, entre majestuosos templos, imponentes Budas y el frenesí constante de la urbe, foreció hace dos años Tucán, una innovadora promotora de eventos liderada por el talentoso Pablo Vas, un artista madrileño con una sólida experiencia de varios años en este vibrante país, quien se trasladó inicialmente para realizar un voluntariado en un centro de adicciones en la ciudad de Chiang Mai.

Desde sus inicios, Tucán se erigió como un aliento refrescante gracias a su distintivo sonido Tech-House, que oscila entre lo clásico y lo vivaz,

siempre destacando la pista de baile como su denominador común. En una escena musical en constante crecimiento y evolución, la llegada de Tucán resultó ser de vital importancia. Recientemente, se ha sumado a esta empresa otro destacado artista español, también residente en Tailandia: Daniel Sánchez, conocido artísticamente como Andy Bennett. Ambos están llevando la marca a niveles superiores, anticipando un futuro prometedor donde el próximo paso es, según sus propias palabras, "liberar al pájaro de la jaula y dejarlo volar". Para sumergirnos aún más en este proyecto musical exótico y emocionante, hemos recurrido a Pablo Vas, quien compartirá con nosotros los detalles más intrigantes de esta apasionante travesía musical.

¿Una ciudad? Bangkok

¿Una comida? Pizza Hawaiana

¿Artista favorito?

Fat Freddys drop (después de Freddy Mercury)

¿Un libro?

El Principito

¿Una película?

Hacia Rutas Salvajes ¿Tucán?

Tu can do it!

ACuéntanos más sobre tus inicios en la escena musical y cómo la experiencia en el centro de adicciones en Chiang Mai infuyó en la creación de Tucán. ¿Cómo pasaste de esa experiencia a convertirte en un referente en la escena musical de Tailandia?

En la música llevo metido desde antes de nacer, pero mi primer gran pinito fue un festival de un fn de semana entero para 400 personas con 18 años, era un festival de despedida porque me iba con unos amigos a Australia y decidimos hacer uno de despedida con más de 20 DJs y 10 bandas musicales. Fueron tres días sin parar, con barra libre de tinto de verano y cerveza. Lo de Chiang Mai y mudarse a Bangkok fue todo un efecto mariposa, el Covid fue el detonante que me hizo replantearme querer crecer y Chiang Mai se me había quedado pequeño desde hacía unos años. Me moví a Bangkok con una mano delante y otra detrás, empecé a trabajar de profesor y como residente en Mustache y en el hotel de 5 estrellas Skyview donde a día de hoy soy director musical y en el cual tengo otros eventos como Down Temple.

BMudarte de Chiang Mai a Bangkok y abrir Tucán es un cambio signifcativo. ¿Qué desafíos enfrentaste durante esta transición y cómo impactó la pandemia en este proceso?

Fue un cambio enorme, y lo más duro fue entender la movida Bangkokiana. La escena nocturna, los gustos de la gente,… a decir verdad, la pandemia fue casi una ayuda. Fue de las pocas partes del mundo donde las restricciones no eran tan estrictas como en Europa. Y en muchas ocasiones nos dejaban seguir haciendo alguna que otra ‘reunión’ en festas en barcos de capacidad controlada y demás, pero me ayudó a crecer puesto que muchos artistas y promotores tuvieron que volver a sus países, así que para los que nos quedamos fue una oportunidad fantástica para hacernos un poco con el monopolio y sentar unas bases que servirían de cimientos para lo que estamos creando hoy.

CTucán ha dejado una marca notable en la escena musical tailandesa. ¿Cómo describirías el sonido distintivo de la marca y su evolución a lo largo del tiempo? ¿Cómo seleccionas los artistas y géneros que representan la identidad de Tucán?

Siempre hemos tenido muy en cuenta que nuestro objetivo al fnal de cada evento es que la gente se lo pase bien. Entiendan o no la música. El ambiente que buscamos es algo divertido, único y que sea fácil de recordar. Por eso siempre andamos trayendo pequeños detalles en la decoración de los clubs y los extras para hacer que el mismo club de siempre esa noche se convierta en algo mágico y distinto. En cuanto a sonido, queremos risas, buen rollo y que la gente se mueva, por eso nos enfocamos mucho en sonidos tech house con mucho groove, bouncy, que te sea difícil no mover los pies. De ahí intentamos siempre hacer un line up balanceado con 3 factores:

• Que haya una persona que esté empezando en la escena. Creemos en las oportunidades y todos los que somos DJs hemos pasado por eso. es bueno y bonito cuando alguien te deja demostrar lo que vales en un buen club y con un buen cartel. Esto ayuda a motivar y a que la escena crezca

• Que haya un DJ local. Siempre es bueno tener a los DJs locales contentos y estos son un buen gancho para traer amigos, puesto que mucha gente en Bangkok no se mueve por la música sino por las amistades.

• Siempre que se puede y coincide intentamos traer a un DJ internacional para ofrecer algo fresco y que no sea el mismo line up de cada fn de semana.

DHas colaborado con grandes marcas y festivales. ¿Puedes compartir algunas colaboraciones destacadas que hayan sido especialmente signifcativas para Tucán? ¿Cómo seleccionas las asociaciones que refejan la visión de tu promotora?

Creo que uno de los factores que nos ayudó a crecer con las primeras ediciones fue que tuve la suerte de poder exponerle el proyecto a Sing Sing Theather y, sin conocerme, me dieron un voto de confanza. Eso catapultó mucho la marca, puesto que es un sitio por el que han pasado leyendas y siempre les estaré eternamente agradecido. Por otra parte, he intentado aprender siempre lo máximo posible de todas mis experiencias para poder ofrecer lo mejor. Uno de nuestros primeros artistas invitados que a día de hoy me sigue dando muy buenos consejos y me ayudó mucho a la hora de entender el trato entre artista y promotor fue Sergio Parrado. Además, a día de hoy cuento con la gran ayuda de Daniel Sánchez, que ya es parte del equipo y me está ayudando mucho a no manejar yo solo todos los aspectos de un evento, que no son pocos. A la hora de elegir con quién colaboramos simplemente intentamos seleccionar o acceder a hacer cosas con las que nos podemos sentir identifcados tanto nosotros como nuestro público. Creemos en unos estándares de festa y queremos que así sigan. Al fnal, hacemos festas para que la gente se divierta, punto y fnal.

ETu experiencia en el centro de adicciones sugiere un interés por el impacto social. ¿Cómo ha buscado Tucán contribuir positivamente a la comunidad local? ¿Hay proyectos o iniciativas comunitarias que hayan surgido como resultado de la labor de la promotora?

Una de las bases fundamentales que buscamos con Tucán es crear experiencias que vayan más allá de la música en sí, como fomentar un ambiente seguro e inclusivo, promoviendo la diversidad y la unidad entre los asistentes. Creemos que la música electrónica puede ser una fuerza impulsora para la conexión social y el cambio positivo. Con el tema rehabilitación es bastante más complicado porque son entornos que suelen ser detonadores para la gente que consume, y más si el estado de recuperación está aún en los primeros pasos.

FPor último, mirando hacia el futuro, ¿cuáles son tus aspiraciones para Tucán y como artista?

Siendo realista, me gustaría que el pájaro saliera de la jaula, y poder hacer eventos de forma puntual en otras partes del mundo ampliando una red de conexiones que involucren no solo a gente del sector musical, sino también del artístico visual, culinario, digital… todo el mundo a bordo.

Stacey Pullen TRACKS 5

CARL CRAIG (PSIQUE) ‘Elements’ [Transmat/10 Records]

Para mí, es una canción de amor sin duda. Recuerdo haberla escuchado en casete antes de conocer a Carl Craig (solía hacer copias no autorizadas de sus temas inéditos en el estudio de Derrick May antes de conocerle). Por aquel entonces no quería hacer nada con los temas; lo único que quería era escucharlos una y otra vez. Estos tipos hacían lo que yo quería hacer, así que eso fue sufciente inspiración para mí.

LIL LOUIS ‘French Kiss’ [Dance Mania]

Si alguien sabe de baile, de música o conoce la historia, entenderá lo que signifcó ‘French Kiss’ para la comunidad dance en la época en que la música y sus artistas fueron innovadores en la forma de acercar este tipo de sonido. Esto es de Chicago, que está muy cerca de Detroit, ambas ciudades se infuenciaron mutuamente.

R-TYME (DARRYL WYNN & DERRICK MAY) ‘R-THEME' [Transmat, 1989]

¡Simplemente precioso! Este tema está producido por D-Wynn (héroe local de Detroit) y Derrick May. Esta es, por supuesto, una de las principales razones por las que el techno de Detroit es tan profundo. Hay los sufcientes elementos en el tema como para escribir una partitura completa para que la toque una orquesta, y de hecho ya se ha hecho. Música moderna en estado puro.

CERRONE ‘Supernaturaleza’ [Malligator]

Lo mejor de mí y de mi carrera es que he conocido la música buena y atemporal. Música que puedes escuchar dentro de 30 años y sigue pegando como cuando la escuchaste por primera vez. Es importante que la gente entienda la historia de la música electrónica y este tema, para mí, es uno de esos temas que muchas generaciones han disfrutado. This is disco!

RIVER OCEAN FEAT. INDIA ‘Love & Happiness’ [Strictly Rhythm]

Este track tiene una mezcla de vocales orientales junto con música dance moderna que incluye house y jazz. Como se puede ver en la mayoría de mis pistas infuyentes, me encanta que haya grandes melodías, gran musicalidad y sonidos de vanguardia. Este disco es producido por Louie Vega, un maestro del sector. Una gran obra maestra que todavía es capaz de hacer sentir escalofríos a la generación de hoy en día.

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Autor: SERGIO BIFEIS

Tras el éxito de la edición 2023 de Circoloco en IFEMA Madrid, estaba claro que la marca ibicenca volvería a la capital en 2024. El sold out para la cita del pasado 3 de febrero llegó antes de revelarse un line-up un tanto conservador con nombres conocidos por todos como Dixon, Joseph Capriati, Luciano, Maceo Plex y Dennis Cruz. Se generó un halo de desilusión por la falta de novedad porque, a pesar de ser considerados tops mundiales, son artistas veteranos que se ven de manera recurrente en esta ciudad cada año. Entre quejas y alabanzas en los comentarios del Instagram del evento, poca gente reparaba en otros aspectos del cartel como la italiana Silvie Loto y el alemán Map.ache. Especialmente sangrante en el caso del segundo.

En la música electrónica siempre está bien escarbar un poco más y descubrir a esos artistas que posiblemente no lleguen a las cinco o seis cifras de seguidores en redes sociales u oyentes mensuales en Spotify, pero que tienen discursos independientes que los hace únicos. Que marcas globales como Circoloco se f jen en ellos es un plus a tener en cuenta. Entre otras cosas, porque la participación de Map.ache en este evento también signifcaba su primera visita a la capital y, en nuestro caso, el principal elemento motivador para acudir al mismo.

Pero, ¿quién en Map.ache? Es el pseudónimo que utiliza Jan Barich que, a pesar de mantener un per fl relativamente bajo, es un nombre recurrente para Circoloco participando tanto en

sus sesiones de temporada veraniega en DC-10 como en sus eventos alrededor del mundo. Natural de Leipzig, durante gran parte de la década de los 00’s fue el batería de dos bandas de carácter post-rock como Diario y The Hands Of The Wrong People mientras se interesaba por la producción electrónica, adquiriendo sus conocimientos de manera autodidacta y tras asistir a diversas festas ilegales. Algo que le permitió construir un enfoque musical propio.

RADAR

2008 marca el nacimiento de su alter ego electrónico y el primer gran nombre al que está asociado: KANN. Colectivo, sello y tienda de discos fundado en su ciudad natal junto a Sevensol (con el que también forma la dupla Manamana en formato DJ set) y Bender. Un proyecto para dar forma a un sonido house atmosférico muy particular, con elementos melódicos emotivos sobre diferentes ritmos pulsantes que calaban en el corazón de Europa. Además de ser el lugar en el que comenzó a editar su música, como un plausible álbum debut en solitario en 2012 llamado Ulfo, en KANN Records dieron oportunidad a artistas talentosos como Traumprinz y Falke. La disquera continúa activa lanzando material en formato digital, publicando podcast y celebrando eventos de carácter local sin perder ese carácter familiar para crear comunidad.

El segundo gran nombre al que está ligado Barich es Giegling. El colectivo y sello berlinés de culto ha sido su segunda casa al publicar varios de sus trabajos más reconocibles como sus dos últimos LPs -Vom Ende Bis Zum Anfang (2018) y What Does That Mean (2020)-, varios EPs y celebradas participaciones en diversos VVAA recopilatorios. Es el lugar en el que de verdad ha explotado su habilidad para fusionar diversas inf uencias dentro de su música. Su incorporación al entramado de Giegling, convirtiéndose en un miembro más en los eventos que celebran en Europa y en el mundo, ha sido clave para desarrollar una carrera consistente junto a ellos. Esto se ha traducido en que su fgura cada vez ha sido más reclamada en festivales de la categoría de Paradise City y Waking Life, que aún emanan un aire escapista y de comuna realmente underground dentro de la escena electrónica.

Y en este punto volvemos al principio. El año pasado la división discográfca de Circoloco colaboró con Giegling para que varios de sus integrantes frmaran el EP ANYWAY. Entre ellos Konstantin, Leafar Legov y el propio Map.ache, que son nombres con los que la marca suele contar para actuar en sus festas y que desgraciadamente no solemos ver mucho por estos lares. Aquí reside la gran oportunidad para disfrutar de él y que el público, hastiado o no de lo mismo de siempre, comience a activar su radar para valorar propuestas con otro tipo de sensibilidad para la música de baile.

Tiempo: 30-40 min

Difcultad: Fácil

• Pon los espaguetis en agua hirviendo durante 30 segundos, escúrrelos y resérvalos. Antes de hacer esto, asegúrate de que en tu sartén quepan los espaguetis a lo largo. Yo utilizo una sartén grande de aluminio poco profunda. Dependiendo de la marca de los espaguetis, a veces tengo que cortar ¼ de los espaguetis para acortarlos y que quepan acostados en la sartén.

• Tritura en un robot de cocina el bote de pimientos asados hasta obtener un puré homogéneo.

• Añade a una cazuela mediana el puré de pimientos asados con 150 g de passata y 250 ml de agua. Lleva a ebullición y mantenlo a fuego lento.

• En la sartén grande, calienta el aceite a fuego lento, añade el ajo y los dos tipos de chile y saltea todo durante un minuto dejando que los sabores salgan en el aceite. No dejes que se queme ni que coja demasiado color.

• Añade los 50 gr restantes de Passata, puede que salpique un poco ahora así que asegúrate de que no se queme. Añade ahora la pasta, colocándola a lo largo de la sartén. Sazona bien y sube el fuego. Cuécela durante unos minutos hasta que algunas hebras de pasta empiecen a agarrarse y dorarse, entonces dale la vuelta a la pasta con una espátula.

SPAGHETTI ALL’ASSASSINA

INGREDIENTES

› 200 gr de espaguetis secos

› 200 gr de Passata

› 1 bote de pimientos rojos asados

› 5 ml de buen aceite de oliva

› 4 dientes de ajo fnamente picados

› 2 guindillas rojas fnamente picadas

› 2 cucharaditas de copos de chile seco

› 10 tomates cherry

› Sal y pimienta negra molida

› Albahaca fresca y parmesano rallado (para servir)

Este es uno de mis platos favoritos, lo vi el año pasado en un programa de cocina televisión y se llama ‘Spaghetti All’assassina', también conocido como ‘spaghetti bruciati’ (espaguetis quemados). Proceden de Bari, en Apulia. Se trata simplemente de espaguetis crudos cocidos en un caldo de passata (puré) de tomate siguiendo un método conocido como "risottata", o estilo risotto. El resultado son unos espaguetis ligeramente quemados, crujientes y caramelizados, con un intenso sabor a tomate picante. Es un plato rápido y fácil de preparar, tiene pocos ingredientes y es perfecto para comer en casa después de un ajetreado fn de semana de shows. Me encantan los platos como este, ¡ideales para compartir con la familia y los amigos!

Precio: Bajo

• Cuando el otro lado también haya empezado a dorarse, empieza a añadir un poco de la mezcla de pimiento y tomate que está hirviendo a fuego lento. Empieza con un tercio de la mezcla y remuévela. Aquí es donde el plato adquiere su signifcado de risotto. A medida que se vaya cocinando, añade más y más salsa de pimiento y tomate para que no se seque y se queme. Mientras tanto, dale la vuelta a la pasta para que se cocine uniformemente. Cuando hayas añadido 2/3 de la salsa, añade los tomates cherry.

• Cuando toda la pasta esté cocida, sazona de nuevo con sal y pimienta, sin olvidar probarla también para ver si has añadido sufciente.

• Sírvelo con un chorrito de aceite de oliva, parmesano rallado y hojas de albahaca fresca para que desprenda un aroma delicioso.

• También puedes añadir otros ingredientes si te apetece. No será la receta clásica, pero es bueno experimentar: a veces le he añadido un puñado de espinacas o una mezcla de marisco, por ejemplo.

¡¡¡Que aproveche!!!

Joey Daniel

Autora: PATRICIA PAREJA CASALÍ

¿Qué track te recuerda a tu infancia?

‘Crockett's Theme’ de Jan Hammer Hay muchas canciones, porque he estado escuchando mucha música desde que era joven, desde Miami Sound Machine hasta Herbie Hancock. Pero si tengo que nombrar una, sería ‘Crockett's Theme’ de Jan Hammer (Miami Vice). Siempre me imaginé conduciendo un convertible por el bulevar, aunque luego fuera en Rotterdam, donde crecí (risas).

¿Cuál fue el primer álbum que compraste?

Derrick May, Strings of Life Ni siquiera tenía tocadiscos en ese momento, pero siempre estaba en la tienda de discos escuchando música. Poco después, creo que compré mi primer tocadiscos.

¿Cuál es el álbum más cursi de tu colección?

Los Sucios, Sucias

La pregunta es qué se considera cursi, porque creo que es una canción increíble y muy innovadora para esa época. Pero aquí vamos: ‘Los Sucios - Sucias’, Extended Dance Mix 1990. En

serio, me encanta esta canción, es muy buena y de fnitivamente deberías ver el vídeo en YouTube.

¿Qué track garantiza hacerte llorar?

Es una canción india de meditación profunda. No estoy seguro de si podemos decir que es una pista, pero es tan intensa que realmente consigue liberar muchas emociones estancadas en mí. Por lo demás, diría ‘Psy - Gangnam Style’. Es tan malo (risas).

¿Qué álbum estás escuchando actualmente?

Nunca he sido muy fan de los álbumes, pero últimamente descubrí el rock psicodélico turco de los años 70, y estoy muy enamorado de él. Es increíblemente bueno y las in f uencias turcas en las pistas son increíbles. Cuando lo escuché por primera vez, pensé: "Wow, ¿cómo es posible que esté escuchando esto por primera vez?”. De fnitivamente una recomendación para escuchar si te gusta el rock psicodélico.

¿A qué álbum de tu colección guardas más aprecio?

Esa es una pregunta realmente difícil. No puedo elegir solo uno, creo que es toda la antigua colección de vinilos de mi padre. Hay muchos muy buenos ahí.

¿Cuál es tu track favorito de todos los tiempos?

Mr. Tophat & Art Al fe, ‘HOWL008.4’ No me canso de esta canción. La he tocado por todo el mundo. Otro favorito sería Black Devil Disco Club, ‘Timing’. Olvídate del ‘Timing’, es muy bueno y saco mucha inspiración de todo ese álbum.

HARMONY OF DESIGN AND PLAYABILITY

Sloping top plate, curved front edge, and elegant aesthetics

STANDALONE 4-DECK PLAYBACK

Jog ring illumination matches the color of each deck

PROFESSIONAL ALL-IN-ONE DJ SYSTEM

EASY-TO-USE PROFESSIONAL EFFECTS

XY-Pad for Beat FX, plus Smooth Echo and Sound Color FX

SUPPORT FOR MULTIPLE MEDIA SOURCES

4 x USB inputs, plus Wi-Fi and Bluetooth connectivity

RAPID AND ACCURATE TRACK SEARCH

10.1-inch touch screen with keyboard and Playlist Bank, plus new Smart Rotary Selector

ZONE OUTPUT

Separate from the master, the zone output can play different music in a different room

TENDE

ELECTRÓNICA EN LA SALA VERDE

Teatros del Canal acoge seis espectáculos de electrónica y audiovisuales de enero a junio de 2024

Autora: HELENA BRICIO

Teatros del Canal continúa en esta primera mitad del año apostando por la música electrónica con un elenco de artistas que llegan desde el sonido y los visuales y que llegan de países como de Francia, Alemania, Rusia, Argelia o México. A lo largo de seis espectáculos se podrá comprobar el gran potencial de la Sala Verde de este gran teatro y centro de espectáculos. En ella se presentarán estrenos absolutos en la Comunidad de Madrid que cubren el espectro sonoro que va desde el ambient, al glitch, el minimalismo, la experimentación, el techno o a la electrónica más global.

El ciclo lo inaugura Murcof, seudónimo del mexicano Fernando Corona, y Sergi Palau, que protagonizan el 31 de enero la primera de las sesiones. Murcof y Sergi Palau se sumergen en una experiencia visual y musical surreal cercana al mundo de los sueños en The Alias Sessions, donde Murcof artista desarrolla musicalmente un resumen de algunas de las piezas sonoras creadas para la compañía de artes escénicas suiza Alias, dirigida por el bailarín y coreógrafo Guilherme Botelho, publicado en un doble álbum homónimo en 2021. Por su parte, Sergi Palau ha creado el contenido visual de este espectáculo, utilizando principalmente imágenes en bruto de las obras de la compañía, que luego deconstruye, reimagina y recontextualiza para crear una nueva narrativa y dramaturgia.

El mes de febrero es el turno de la productora, DJ, artista visual y compositora francesa de música electrónica Chloé, que entabla en SloMo un diálogo enigmático e hipnótico entre sonidos e imágenes. Una experiencia inmersiva en la que Chloé crea los sonidos mientras se generan imágenes en la pantalla, entrelazando la manipulación visual con la música a tiempo real. Por otro lado, Acid

Arab toma el relevo en marzo para presentar un nuevo espectáculo en directo que lleva por título Trois, el mismo que su tercer álbum publicado este año y que desde Teatros del Canal adelantan que se podrá disfrutar (¿y quizá bailar?) de pie.

Los sonidos percusivos toman el protagonismo de las fechas de mayo y de junio, estrenándose en la primera el proyecto del músico, compositor y videoartista Frank Bretschneider: Pochen. En esta propuesta artística sus sonidos percusivos se convierten en ritmos complejos, se desintegran y reorganizan y cada sonido tiene asignado un patrón geométrico en directo que se mueve a través de la programación, creando una animación sincronizada con el ritmo. En junio será el turno de la artista rusa afncada en Berlín Dasha Rush, que estrena en España Hypothetically Personal Live A/V, el primero de sus espectáculos donde sonido y visuales han sido creado íntegramente por ella.

Podría decirse que, para cerrar estos primeros seis meses de espectáculos, Teatros del Canal nos reserva la guinda del pastel, o lo que es lo mismo, el proyecto en solitario de Olaf Bender, más conocido como Byetone. Clausurará el ciclo el 9 de junio con el estreno de Pulses por primera vez en España, que se defne como el resultado de experimentos con constelaciones rítmicas y de sonido combinados con un láser controlado de manera analógica. Las ondas clave son interpretadas directamente por el láser, que, combinadas con una proyección convencional de audio, generan formas abstractas que crean una especie de efecto tridimensional mediante la superposición del láser y la proyección.

NCIAS

31/01/2024 - MURCOF & SERGI PALAU The Alias Sessions Live A/V

EL CÓDIGO QR PARA VISITAR LA WEB DE TEATROS DEL CANAL Y HACERTE CON TUS ENTRADAS

08/02/2024 - CHLOE SloMo A/V

12/03/2024 - ACID ARAB Live

30/05/2024 - FRANK BRESCHNEIDER Pochen

06/06/2024 - DASHA RUSH presenta Hypothetically Personal Live A/V

09/06/2024 - BYETONE Pulses

ESCANEA

Fotografía: Dita Havránková

CÓMO PRODUZCO

Fotografía: @papalejandro

He pasado la mayor parte de mi vida en estudios haciendo música y me sigue pareciendo entretenido y refrescante crear una canción desde cero. Me encanta estar en el estudio tocando y me encanta cómo ha evolucionado la producción a lo largo de los años. Recuerdo que cuando empecé a hacer canciones todo tenía que ser analógico y debías tener un montón de equipos para poder crear una. Afortunadamente, con el paso el tiempo la tecnología ayudó mucho al tener todos esos instrumentos en un solo lugar (el ordenador) y la gente empezó a ser más creativa con menos equipo. Pero para mí, la mejor forma de crear una canción siempre ha sido una combinación de tecnologías antiguas y modernas, con sonidos crudos y plenos en producciones de sonido delicado.

Como la mayoría de la gente puede deducir de mis producciones, soy un productor más centrado en el groove. Me gusta tener grandes ritmos con líneas de bajo graves que puedan mantener el fujo de una pista sin necesidad de añadir un montón de elementos adicionales. Así que cuando entro en el estudio y me pongo productivo, siempre empiezo un tema con el ritmo y elijo el mejor bombo y bajo posibles para que encajen sónicamente. Juego un rato con ellos para comprobar si me gusta el groove —normalmente durante una hora— y, si me gusta, sigo adelante añadiendo elementos lúdicos o una voz para que el tema sea más divertido.

Suelo grabar las líneas de bajo con mi minimoog porque la calidez y plenitud de su sonido es algo que no puedo conseguir fácilmente con un plugin VST, y eso hace que todo en mis frecuencias bajas suene a lo grande. Luego utilizo muchos de mis plugins UAD —como el compresor Teletronix LA-2A, Pultec pro EQ y Culture Vulture saturator— que tienen una calidad increíble y hacen que mis producciones suenen muy bien, y también utilizo el Fabflter Pro-Q 3 para ajustar el sonido, que es uno de los mejores ecualizadores para mí. Cuando quiero ser creativo, utilizo varios delays y efectos como Glitch 2, Effectrix2, FreqEcho y todo tipo de plugins que podrían aumentar fácilmente la creatividad.

Cuando utilizo sintetizadores, o bien utilizo mi equipo analógico, me resulta más fácil utilizar sintetizadores virtuales, ya que hay muchos VST que suenan increíblemente bien y muy parecidos a los de verdad, como Roland Cloud, Arturia y Serum, cuyos plugins hacen que las cosas sean mucho más rápidas y sencillas (y también muy prácticas si necesitas hacer algún cambio). Para mí, el mejor proceso debe ser una combinación de métodos de producción que haga que tu pista suene moderna y bien producida, pero que al mismo tiempo tenga algunos elementos de sonido crudo de una confguración analógica.

(GAMEBOYZ, LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

LA INDUSTRIA MUSICAL SUFRIRÁ VARIOS CAMBIOS EN EL 2024

Puede parecer un título un poco alarmante, pero es que son tres noticias importantes las que están ahora resonando por internet. A modo resumen; la reventa de Bandcamp, la puesta en subasta de Soundcloud y la pérdida de valor de las playlists editoriales de Spotify. Tres noticias, y sin entrar al detalle, que podrían cambiar bastante para este 2024 la manera como los artistas podemos visibilizar y monetizar nuestro contenido musical… ¡Iremos informando!

DAD OF THE YEAR – DOWN THE RABBIT HOLE

Un comienzo de año espectacular para DOTY

Stripped Recordings

El DJ y productor Dad Of The Year tiene un nuevo EP en la etiqueta londinense Down The Rabbit Hole. Slow tempos potentes y con altas dosis de organic-house. Un interesante EP de cuatro originales que podrás descubrir si pones tu cámara delante de la imagen QR.

TRACKLIST

01. DOWN THE RABBIT HOLE (ORIGINAL MIX)

02. TOMORROW NOW (ORIGINAL MIX)

03. WE´LL MEET AGAIN (ORIGINAL MIX)

04. BEYOND THE BLACK RAINBOW (ORIGINAL MIX)

CHINGIS IAKOVLEV

Una de las etiquetas protagonistas de la escena downtempo y organic house Baikal Nomads

Charlo con uno de los artistas que supo vaticinar una visión del género downtempo/organic house muy peculiar y acertada. Hablamos con Chingis de Baikal Nomads para que nos cuente un poco más sobre el sello, su visión y su equipo.

¿Cómo surgió Baikal Nomads y cuál fue la visión inicial detrás de liderar el género downtempo/organic house?

La historia de Baikal Nomads comienza en 2013 mientras viajaba por Tailandia y termina en una festa de una playa remota… La experiencia fue tan increíble que me inspiró creativamente, llevándome a crear el perfl de Soundcloud. Inicialmente compartía mis mezclas de deep/ melodic/progressive house grabadas en Tailandia. En 2014, al regresar a Siberia, mis amigos y yo organizábamos festas en las playas del lago Baikal, donde descubrimos artistas de downtempo como Thommie G, MiRet o Charlie_M, quienes nos apoyaron y grabaron sets exclusivos para nuestra serie de Mixtapes que más tarde se convirtió en la frma de Baikal Nomads.

¿Puedes compartir algunas ideas sobre el proceso creativo en Baikal Nomads, especialmente con los roles desempeñados por Rei, Dugar y Daria Mi?

Conocimos a Dugar en 2010, nos hicimos amigos y él inició nuestra famosa serie de Mixtapes. Actualmente, supervisa nuestros eventos en nuestra ciudad natal y en otras ciudades de Rusia. La historia con Rei es fascinante; después de que cambiara su vida al escuchar algunos de los Mixtapes, comenzamos a comunicarnos. Rei quería ayudar y aprender a crear mandalas animados para difundir nuestra música. Después de enseñarle, comenzó a hacer mandalas en 3D que ahora puedes ver en nuestro canal de YouTube, convirtiéndose así en parte del equipo. Daria, mi amada esposa y compañera en esto, crea videoclips excepcionales y diseñó el concepto de nuestra primera presentación en Tulum hace 2 años, una enorme yurta mongola que aterrizó en la selva cerca de un cenote. Los invitados elogiaron la atmósfera, comparándola con la de un mini-festival europeo.

En el ámbito del downtempo/organic house, ¿qué cualidades buscáis al seleccionar artistas y lanzamientos para Baikal Nomads?

Honestamente, todo es muy individual. No tenemos criterios claros sobre lo que debe poseer la canción. Es un momento muy emocionante cuando escuchas una demo o descubres a un nuevo artista. Es algo muy vibracional, si puedo describirlo así. A veces sucede que desde los primeros segundos queda claro que esta es una gran pista o que este es el próximo astro ascendente del género, pero a veces mi estado de ánimo es diferente al del artista en ese momento. Sucede que solo después de la segunda o tercera escucha en momentos diferentes queda claro que la pista defnitivamente debe ser lanzada. Y, por supuesto, todo está muy ligado a mi gusto, porque todas las demos pasan por mí.

Rei es reconocido como el diseñador visual en 3D. ¿Cómo complementa el arte visual a la música en Baikal Nomads y qué papel juega en mejorar la experiencia general?

Como dije, paralelamente a Soundcloud, subimos nuestros mixtapes a YouTube, donde Rei crea sus mandalas en 3D, y Daria (cuando el tiempo lo permite) crea videoclips para nuestros lanzamientos. En primer lugar, brinda una salida para la autoexpresión a sus creadores, y en segundo lugar, ofrece una experiencia única a nuestro público, que aprecia estos esfuerzos de manera respetuosa. A veces nos envían cartas como la que Rei envió una vez, sobre cómo nuestra música (y videos de YT) los ayudó en algunos momentos difíciles de la vida, y esto realmente me inspira a mí y a nuestro equipo.

Con tu equipo y lista diversifcados, ¿qué proyectos emocionantes o direcciones podemos esperar de Baikal Nomads en el futuro cercano?

Debido a que nuestro proyecto es simplemente un proyecto apasionado para mí y todo el equipo, nuestro objetivo en este momento es continuar haciendo lo que hacemos, mejorar la interacción con los artistas, darles más de lo que esperan y disfrutar el proceso. Y, por supuesto, soñamos con nuestro propio festival en un futuro cercano; veremos cómo va :)

DJ PAKRAC

Bruselas tiene un nuevo foco para el techno old skool Signal Club

Hay un nuevo club en el centro de Bruselas, se llama Signal, y charlo con el hombre que ha tomado esta nueva aventura, DJ Pakrac aka Willem Voet, para que nos cuente el concepto de este nuevo ‘hotspot’ de techno.

Hola Willem, en primer lugar, ¿cómo fue 2023 para ti y qué nos depara 2024?

Oh, 2023 fue divertido, lleno de oportunidades. Participé en una entrevista de radio para FenixFire Records en Ibiza Sonica Radio. También tuve algunos lanzamientos en vinilo tanto en FenixFire Records como en Dark Distorted Signals. Próximamente en Dark Distorted Signals tendremos un lanzamiento en CD con un sampler en vinilo, y la gran noticia: la apertura de Signal Club. Todos los viernes a partir del 2 de febrero estaremos presentando nuestro género musical en el nuevo club de baile del centro de Bruselas.

Cuéntanos cómo decidiste abrir un nuevo centro para amantes del techno, Signal Club, ¿cómo se te ocurrió la idea?

Tenemos algunos productores en el sello que también trabajan como DJs profesionales. Y como no quería hacer un evento único con un line-up de muchos DJs que tocaran solo 30 minutos, abrir un club sería más benefcioso para difundir nuestro concepto. Y luego nos encontramos con este nuevo local en Bruselas. Es un club existente que recibirá un cambio completo de imagen.

En cuanto a leyes, regulaciones y licencias, ¿cómo son estos procedimientos burocráticos en Bélgica, son complicados? ¿cómo lo abordaste? ¿cees que hay mucha competencia?

Sí, creo que, si alguna vez se inventó la burocracia, debió ser aquí. Tenemos que mantener una buena relación con las autoridades. Y sí, hay muchos otros clubes en Bruselas. Juntos formamos la variada vida nocturna de la ciudad. Signal será el más interesante, ya que tocaremos música nueva, afnaremos los discos antes de lanzarlos en el club.

Danos detalles sobre el club, ¿cuál será el sonido principal de Signal, sus residentes y sus horas de apertura? Si un booker o promotor quisiera proponer ideas, ¿dónde puede hacerlo?

Signal será un club de baile, el lugar para que suenen los lanzamientos de nuestro sello Dark Distorted Signals. Techno crudo con el toque de EBM y toques ácidos. De todos modos, estamos pensando en una gira con el roster de Signal, pueden contactarnos a través de nuestra página de Facebook, página web, Instagram,…

Y fnalmente, ¿qué cabezas de cartel tienes en mente para el 2024? Danos un adelanto…

Comenzamos con Jens Lissat, una leyenda del techno de Alemania y todavía en la cresta de la ola. Los cabezas de cartel probablemente no los anunciemos ya que queremos que la gente disfrute del entorno y la música. Cuando estés en Signal podrás ver a tu DJ de techno favorito número uno, y a la vez descubrir que has descubierto a un nuevo artista especial. Y eso es lo que representa Signal: la emoción, la música y la experiencia.

MORALI– ALWAYS CALL EP

El debut de Morali en uno de los sellos mas infuyentes de los últimos años Disco Halal

El DJ y productor de Tel Aviv, Morali, lanza su primer disco en el sello de Moscoman, Disco Halal. Uno de los sellos que más infuencia tiene en el mundo indie dance, disco y sucedáneos… Hablo con él para que nos cuente algunos detalles de este nuevo trabajo, Always Call EP.

Antes de nada, y para que los lectores se sitúen… ¿De dónde eres y ¿cómo comenzaste con esto de la música electrónica?

Soy Morali, DJ, productor y gestor de contenidos para Drama Club. Crecí en un pequeño pueblo llamado Ashdod, donde desde muy joven escuchaba música techno y seguía de cerca los últimos lanzamientos. Comencé a organizar festas de música electrónica en Ashdod, algo relativamente nuevo en la zona. Con el tiempo, descubrí mi pasión por actuar en el escenario, me enamoré de ello y, desde entonces, la música ha sido mi único enfoque.

¿Cómo fue 2023 y cómo ha comenzado 2024?

2023 fue un año increíble. Empezó con un lanzamiento en el sello mexicano Duro y en el sello italiano Nothing Is Real, seguido de varios shows en algunos clubs europeos. Mi música se encontró con la genial audiencia de allí, siempre es divertido conocer gente nueva y explorar diferentes culturas. Hacia el fnal del año, mi último tema tuvo mucho éxito en el sello Frau Blau, y ahora, desde principios de 2024, estoy trabajando en material nuevo. He comenzado 2024 con mi lanzamiento debut en el sello de Moscoman, Disco Halal, y tengo más lanzamientos y remixes planeados para más adelante este año en los que estoy trabajando ahora mismo.

Tu debut en Disco Halal nos ha sorprendido muchísimo. ¿Cómo ha sido el proceso de producción de este lanzamiento y qué otros lanzamientos has tenido en otras etiquetas?

¡Muchas gracias, lo valoro mucho! La verdad es que este lanzamiento es algo que he estado esperando durante bastante tiempo; se pospuso por una razón u otra. El proceso de producción fue, ante todo, preparar una pista cautivadora que fuera un poco diferente y no tuviera un género defnido, intentando abarcar todo tipo de estilos y momentos en las sesiones. La pista lleva el nombre del EP, 'Always Call’, con un remix genial de Made in TLV, quienes cogieron la pista y le dieron su propio estilo, lo cual me encantó.

La segunda pista la hice en colaboración con mis amigos Save The Robot de Tel Aviv. Queríamos darle un tono con un sonido atractivo.

¿Cuál es tu set up dentro del estudio?

Me gusta mucho usar sintetizadores, especialmente el Moog Grandmother, el SH-101 y varias cajas de ritmos.

Y para fnalizar Morali, ¿qué otras novedades o lanzamientos podemos esperar de ti en este 2024?

El año 2024 ha comenzado con el lanzamiento en el sello de Moscoman, Disco Halal, y estoy muy enfocado ahora mismo en él. Actualmente estoy trabajando en colaboraciones y proyectos que se iniciaron el año pasado. Hay muchas cosas interesantes y emocionantes por delante que estoy esperando con ansias poder anunciar, ¡atentos a mis redes!

BEN HEMSLEY BEN HEMSLEY

LA REVITALIZACIÓN DEL SONIDO TRANCE

Autora: Caterina Günther

Fotografía: Sam Neill

Conocido por sus producciones que evocan una ‘rave nostalgia’, Ben Hemsley se ha convertido en un artista respetado en la escena house del Reino Unido. Nacido en Newcastle, Ben se encuentra en un punto en su carrera en el que ha subido al siguiente nivel y está dejando una huella indeleble con sus últimos logros. Y es que muchos habréis escuchado o leído su nombre recientemente en los line ups de reputados festivales como Creamfelds o Hideout. Si eres amante y fel seguidor de la música dance más oldschool, probablemente lo reconocerás por sus primeros lanzamientos en Trick con su ‘King Of Darkness’ o su release ‘Ne29’ a través de South Of Saturn, uno de los varios labels de Lee Foss.

El pasado año, Ben alcanzó un éxito sin precedentes al agotar las entradas para sus actuaciones consecutivas en el emblemático Blackstone Street Warehouse de Liverpool, con más de 7.000 entradas vendidas y batiendo récords como los espectáculos que más rápido se habían vendido en la historia del venue. Las proezas de Ben también se han extendido a una gira de nueve shows por todo Reino Unido, conocida como Connection Tour y en la que ha conseguido colgar el cartel de “sold out” en cada uno de los shows. Esta gira ha conseguido subrayar el estatus de Ben Hemsley como artista solicitado en el circuito de la música electrónica actual.

Lo que hace realmente interesante todos estos logros es que los ha conseguido siendo fel a su amor por un género que no ha estado precisamente en alza: el trance. Como suele ocurrir con la mayoría de los productores en la cima de su carrera, los sonidos que crea Ben son sorprendentemente únicos. Su marca musical evoca muchos sabores dance del pasado, presente y futuro, y eso en gran parte es lo que le ha llevado a estar en el punto en el que se encuentra con su carrera musical.

Otro de los hitos que Ben ha alcanzado recientemente es tener su propia residencia en Ibiza Rocks y, gracias a su éxito en la isla blanca, este 2024 la volverá a repetir con el objetivo de crear un espectáculo único y especial que recuerde a la época dorada de Ibiza, como las festas de Manumission y Cream.

El estilo distintivo de Ben, caracterizado por melodías atrayentes y un guiño a la nostalgia rave de la vieja escuela, ha llamado la atención de los principales sellos discográfcos de la música dance. Su impresionante discografía incluye colaboraciones con Ministry of Sound, Arcane, Repopulate Mars, Stress, Sola y su propio sello Bebé Música, plataforma que utiliza para impulsarse creativamente, mostrar su identidad y promocionar a artistas emergentes.

En esta entrevista profundizamos en la extraordinaria trayectoria de Ben Hemsley en el mundo de la música electrónica, su amor por el ‘balearic trance’, sus próximos shows, su residencia en la isla blanca y su opinión sobre la salud del género trance en la escena dance actual.

Ben, es un placer empezar el año contigo en DJ Mag España. Antes de que nos sumerjamos en tu increíble viaje musical, cuéntanos, ¿cómo has estado últimamente?

Muchas gracias. Es genial poder hablar con vosotros. ¿Qué he estado haciendo últimamente? Bueno, he tenido un fnal de 2023 muy ocupado. Mi Connection Tour terminó justo a fnales de noviembre y había sido un período muy intenso para mí, así que decidí tener unas navidades muy tranquilas para poder ponerme al día con amigos y familiares y pasar algo de tiempo en el estudio. He estado muy centrado en hacer música últimamente. Todo el mes de enero lo he dedicado a producir música nueva y a mejorar mi sonido. El mes pasado hice parte de la mejor música de mi carrera.

¡Qué ganas de escuchar tus nuevos tracks! Además, también te has convertido en uno de los artistas que más entradas ha vendido en la escena dance del Reino Unido con tu gira Connection Tour, que ha agotado 30.000 entradas en nueve shows. ¿Hay algún momento o experiencia destacable de esta gira?

El Connection Tour es probablemente mi mayor logro hasta la fecha. He tocado en los venues más grandes del Reino Unido y cada show ha tenido un toque único. Ha sido muy gratifcante. Agotar las entradas en cada uno de los shows de la gira fue abrumador, la verdad. Las entradas para Warehouse Project se agotaron en 5 minutos o así, 6.500 entradas agotadas en un abrir y cerrar de ojos. ¡Fue una locura! Hubo muchos momentos de la gira que no olvidaré en mucho tiempo. Lo más destacado fue salir al escenario del Utaltia Arena de Newcastle. Era el show de mi ciudad natal y ver ese lugar totalmente abarrotado fue algo que recordaré el resto de mi vida. Cuando era niño, solía ir al estadio con mi abuela a ver Disney On Ice y la WWE. Nunca pensé que un día agotaría las entradas para mi propio espectáculo con 6.000 personas de mi ciudad animándome. Fue un sueño. Cada espectáculo ha sido muy especial a su manera, pero también disfruté mucho viajando por el país con dos de mis mejores amigos, que me acompañan a todas partes: mi tour manager y mi flmmaker. No podría hacer la gira sin ellos, siempre nos reímos mucho.

Ahora te preparas para un gran show con capacidad para 12.000 personas en Liverpool. ¿Qué sientes al lograr un éxito de esta magnitud?

No parece real, en serio. No hace mucho era un DJ y productor en apuros que tocaba un gig al mes para 200 personas, ¡a veces menos! Desde que era niño siempre supe que esto era lo que quería hacer, pero nunca pensé que llegaría a dar un espectáculo con 12.000 entradas. Sinceramente, estoy muy agradecido a todos los que me han apoyado y ayudado a llegar a este punto. Tengo que hacer que este espectáculo sea muy especial. Es el show más grande que he hecho nunca, con diferencia. Vamos a crear algo realmente memorable. Ya estamos trabajando en la producción del espectáculo, va a ser especial y el line up va a ser tremendo. Aún no puedo decir nombres, pero me siento muy honrado por el calibre de algunos de los increíbles DJ que me apoyarán en este evento.

Mientras te preparas para este gran show, ¿podrías contarnos cómo es tu rutina de preparación? ¿Tienes algún tipo de ritual o preparativos específcos antes de un espectáculo de este tamaño?

Para un show así estoy varias semanas trabajando en el set. Llevo semanas guardando canciones. También crearé algunos bootlegs nuevos e intentaré terminar los temas en los que he estado trabajando para poder incluir en el set algunos tracks nuevos que mis fans aún no hayan escuchado. Aparte de eso, la verdad es que no tengo muchos rituales específcos antes de los shows. Suelo llegar bastante apurado a los gigs, no mucho antes de que empiece mi set, y me dirijo directamente a mi green room para prepararme mentalmente para el set que me espera.

El trance parece ser un género que te apasiona. ¿Hay algún artista trance que te haya infuenciado especialmente?

Tiësto fue la razón por la que empecé a pinchar. Mi hermano llegó a casa y le enviaron un vídeo de un concierto de Tiësto, creo que era el mini mix de TMF o algo así, y recuerdo que me dijo: “me encantaría estar entre esa gente bailando". Yo le contesté: “a mí me encantaría ser quien les hace bailar”. El trance siempre fue el género que mi madre solía ponernos cuando escuchábamos música en casa. Así que me inspiré en Signum, Ferry Corsten, Yomanda y prácticamente todas las leyendas del trance.

Fotografía: Sam Neill

Fotografía: Sam Neill

Tu EP 'Golden Buddha', publicado en 2021, es uno de tus trabajos de estudio que ha sido celebrado por su homenaje a las trance vibes de los 90 y 2000. ¿Hay alguna herramienta específca que desempeñe un papel central en tu proceso de producción para lograr este sonido específco?

Por aquel entonces, para los sonidos baleares más contundentes, solo utilizaba un moog one y un sub 37, además de plug-ins como Diva. Desde entonces, he invertido mucho más en los sintetizadores trance originales como el Access Virus, y he conseguido hacerme con un JP-8080 para los enormes sonidos supersaw.

El trance ha visto evolucionar varios subgéneros y estilos a lo largo de los años, como el reciente auge del hard trance con artistas como Trym o Ki/Ki. Desde tu punto de vista, ¿cómo se encuentra la salud de la escena trance estos últimos años?

Creo que la escena trance se encuentra en un buen momento. Cuando empecé a pinchar en el circuito no era un sonido que se escuchara mucho en los clubes. Creo que he hecho mucho por devolverlo a la escena británica y ahora creo que está en un momento muy fuerte. Es increíble ver las reacciones de la gente cuando les pones un clásico de hace 20 años y ves cómo se vuelven locos. De hecho, muchos de los clásicos del trance suenan muy actuales ahora. Hay mucha gente que lo hace "bien", pero también mucha gente que no conoce el signifcado del trance, y no es que sea malo, pero me da la sensación de que es un poco más euro/happy hardcore que trance de verdad, lo cual, por supuesto, también está bien, pero creo que está mal etiquetado. Creo que el trance lleva volviendo más tiempo de lo que pensamos con artistas como Tale Of Us y gran parte de la escena del melodic techno, que no creo que tuviera nada de techno (risas). Creo que todo era trance, pero mucho más lento. Tal vez la gente lo etiquetó como ‘techno’.Tu residencia en Ibiza en 2023 en Ibiza Rocks fue un gran éxito con todas las entradas agotadas. Hemos visto que este año repites, ¡enhorabuena! ¿Cómo infuye este venue en tus sets y qué tipo de energía te transmite el público de Ibiza Rocks?

Siempre he soñado con tener una residencia en Ibiza. Adoro Ibiza. De hecho, pasé una temporada allí cuando era un poco más joven pinchando en bares para 5 personas. Así que cuando me propusieron hacer mi propia residencia sabía que tenía que crear un espectáculo que fuera realmente especial y que recordara a la época dorada de Ibiza, a festas como Manumission y Cream, por ejemplo. Ibiza Rocks entendió lo que quería conseguir y me dio rienda suelta para crear un espectáculo que devolviera parte de la emoción que se ha perdido en tantas festas de la isla.

La gente que viene a la residencia viene a pasárselo bien. Es una festa en la que la gente puede divertirse, puede ser libre. Además, es una festa de día, lo que ofrece a los festeros una experiencia diferente a las demás festas de Ibiza, por no hablar de que la música, los line-ups y la producción son de muy alto nivel y están muy bien realizados. El resultado de todo esto fue que la energía del público en la residencia fue realmente inigualable el año pasado. Este año vamos a subir el listón. Más producción, más cartel y más fechas. ¡Estoy muy impaciente!

Los fans siempre están ansiosos por conocer las próximas actuaciones. ¿Puedes darnos un adelanto del line up de tu residencia en Ibiza Rocks de este verano? ¿Hay alguna colaboración especial que puedas desvelar?

(Risas) Bueno, no hay mucho que pueda decir ahora mismo, ya que aún no hemos anunciado el line up. Todo lo que puedo decir es que veréis algunas caras conocidas en esta residencia, y también algunos nombres nuevos. Va a ser una oferta realmente única en la isla en cuanto a la programación de este año. No quiero limitarme a contratar a los mismos DJ que pinchan en todas las festas, mi residencia tiene que girar en torno a la música en primer lugar, así que he contratado a DJ's a los que admiro por su música, lo que da a la residencia un aire realmente único. Habrá trance, techno, rave y todo lo demás.

Lanzar tu propio sello, Bebé Música, es un gran paso. ¿Qué te motivó a crear tu propio sello?

Quería crear un sello en el que pudiera impulsarme creativamente, profundizar en la música que más me inspira y crear temas que me resultaran únicos. El sello es una plataforma en la que puedo mostrar quién soy y de qué voy. Por no hablar de que he recibido muchos temas fantásticos de artistas afnes que no encontraban el lugar adecuado para sus discos. Me alegró poder dar un hogar a esta música tan increíble. Siento que el sello me da la posibilidad de labrarme mi propio camino en un mundo de música dance muy congestionado. También me complace promocionar a artistas emergentes que me entusiasman y que creo que merecen una cierta exposición. El sello es un gran vehículo para ello.

Como hispanohablante debo preguntártelo: ¿por qué ‘bebé'?

(Risas) Bueno, es mi pequeño bebé y me encanta. Quería que el sello tuviera un nombre sencillo y memorable y creo que esto es justo eso. Y siempre he tenido relación con el español en mis canciones, muchas de mis canciones en el sello tienen letras en español. Pero sí, entiendo que pueda parecer inusual que un inglés tenga un nombre español para su sello. Otra razón es que gran parte de la infuencia musical se debe a lo que me ponía mi madre cuando era niño. El logotipo también es un símbolo de nacimiento ligeramente editado.

¿Qué cualidades buscas en los artistas que se alinean con el ethos de Bebé Música?

La música tiene que ser auténtica. Creo que se nota cuando una canción está hecha sin amor. Mientras tenga un sentido de la euforia o sea una bomba pistera, ¡probablemente me guste!

Si pudieras conseguir que un artista (ya sea actual o fallecido) publicara música en tu sello, ¿quién sería?

Me encantaría tener a Freddie Mercury en una canción trance (risas).

Ahora que me hablabas un poco de este tema, tu música destaca por su clara infuencia española. ¿Puedes profundizar en los elementos específcos de España que incorporas en tus producciones?

Claro, hay varios temas en mi catálogo que describiría como 'Balearic Trance'. Es un término que se utiliza para describir un subgénero del trance de 1998 a 2005, que mucha gente llama la época dorada del trance. Es un estilo de trance que captura a la perfección el ambiente cálido y el entorno del Mediterráneo. Es sinónimo de Ibiza en ese sentido, y me encanta la idea de transportar a mis oyentes a una puesta de Sol en la isla blanca. Para mí, esto es el trance balear. Se podría decir que es un estilo de trance muy español por esa razón. Todavía hoy hay una fuerte presencia de Balearic Trance en Ibiza.

En varios de tus temas utilizas voces españolas como en 'Erase Me' o 'Benirrás'. ¿De dónde sacas estas vocales?

Sí, siempre me han atraído las voces españolas en mis temas. He sampleado muchas palabras habladas en español para mis temas, como en 'Erase Me', tal como tú has dicho. Me gusta mucho insertar elementos hablados al principio de la canción, ayuda a crear una introducción que pone al oyente en situación. En realidad, 'Benirrás' tenía originalmente un sample distinto, pero estaba hablando del tema con una de mis buenas amigas y se lo enseñé. Es productora y DJ, pero también una escritora con mucho talento, y además es española. Le pedí que escribiera una nueva voz para el disco y escribió una voz preciosa sobre estar en Ibiza con tu amor. Tenía mucho sentimiento. Es una voz perfecta para un disco de trance balear, muy downtempo. Encaja muy bien. Seguiré trabajando con samples y vocalistas españoles. Me atrae mucho el idioma español en mi música.

¿Cómo encuentras el equilibrio entre honrar tus raíces y explorar nuevos sonidos?

En lo que respecta a la producción musical, siempre soy muy respetuoso a la hora de abordar cada tema para que sea auténtico con mis raíces. No intento copiar mis canciones favoritas de los 90 y principios de los 2000. Me inspiro mucho en esa época y la traigo al siglo XXI. Una de las formas de mantener la autenticidad de mi música es que tengo un montón de sintetizadores de los 90. Son exactamente los mismos sintetizadores que tenían en esa época. Estos sintetizadores son exactamente los mismos con los que se grabaron muchos de mis discos trance favoritos de joven. Eso no se puede enseñar ni aprender. Tienes que poseer ese hardware para conseguir esa crudeza que falta en tantos temas dance modernos. Es la única manera. Otra forma obvia de honrar mis raíces es reelaborar viejos clásicos o samplear hooks icónicos. Por ejemplo, actualmente estoy trabajando en mi propia edición de ‘Skydive' de Freefall. Es una versión absolutamente monstruosa y espero publicarla pronto. He mantenido intactos muchos de los elementos integrales del original en mi nueva producción, como la melodía principal. La voz también está intacta en su mayor parte. Pero la he traído al siglo XXI. Es un tema que utilizo a menudo en los clubes. Ahora tiene un aspecto muy pulido y de gama alta. Es muy fel a mis raíces trance.

Fotografía: Henry Macpherson

Fotografía: Henry Macpherson

Conocemos tu profundo amor por Ibiza, una isla que a menudo se considera una gran fuente de inspiración para los artistas. ¿De qué manera ha infuido la isla en tu música?

Ibiza siempre tendrá un lugar especial en mi corazón. Todos mis héroes de la infancia tenían una gran presencia en la isla, así que siempre sentí una atracción natural hacia ella, como si me atrajera. En cuanto tuve edad sufciente, empecé a pasar allí los veranos. Empecé a hacer música a los 14 años, pero pasar tiempo en Ibiza cambió mi forma de enfocar las producciones. Solía sentarme en varios cafés y bares, como el Golden Buddha, uno de mis lugares favoritos del mundo, y ponía mi portátil, pedía una bebida y algo de comer y me dedicaba a hacer música. Me di cuenta de que lo que necesitaba era

hacer música que recordara a Ibiza. Por eso muchas de mis canciones llevan nombres de lugares de Ibiza. Bennirás es mi playa favorita, por ejemplo. Golden Buddha es mi bar y restaurante favorito. Voy allí después de cada uno de mis shows para relajarme y pasar tiempo con los amigos.

Por último, mientras te adentras con confanza en 2024, ¿cuáles son tus objetivos para este año, tanto personales como profesionales?

Estoy muy ilusionado con 2024. El año pasado fue alucinante para mí, logré muchas cosas, sobre todo con mis giras. Este año, mi equipo y yo hemos dedicado más tiempo al estudio. He estado en sesiones todo el mes pasado y estoy disfrutando mucho haciendo música. Quiero sacar algunos de mis discos

más grandes este año y seguir esforzándome en el estudio para crear temas realmente especiales que resistan el paso del tiempo. Esa es mi principal motivación ahora mismo. Creo que ya tengo entre manos uno o dos temas que llegarán al top 10 en Reino Unido y tendrán una repercusión mundial. Estoy muy ilusionado. También estoy pasando mucho tiempo de gira fuera de casa este año. Tengo un all night long show en Bélgica, y una gira por Norteamérica y Australia. Voy a dar algunos shows increíbles en España, Países Bajos, Alemania y otros países. Estoy muy ilusionado por tocar más en el extranjero este año y seguir mejorando mi imagen. Otro de mis grandes objetivos es arrasar en la residencia de Ibiza en verano. El año pasado fue increíble, pero este año quiero demostrar que hemos pasado al siguiente nivel.

Fotografía: Danny Sargent

¿Existen proyectos o colaboraciones específcas que te hagan especial ilusión para los próximos años?

Sí, estoy trabajando en colaboraciones muy interesantes, por no decir otra cosa. Y con un abanico muy amplio de artistas. Este año sacaré un EP de colaboraciones en Bebé con algunos artistas increíbles. Alan Fitzpatrick y Reset Robot han creado un alias trance llamado Silver City y estamos trabajando en una colaboración para mi sello que va a ser increíble. Mi amigo Kyle Starkey y yo tenemos otra colaboración. Es un artista muy talentoso de Reino Unido y va a tener un gran año este 2024. También he estado trabajando en música con Armin Van Buuren. Estamos esperando a encontrar el tema adecuado para lanzarlo.

NO_IP

‘Block The System‘ EP, un proyecto especial y personal

Autor: Borja Comino Fotografía: Josu González

‘Block The System’ es el nuevo EP que nos trae Ignasi Pinyol, no_ip, que cobra vida gracias a las infuencias musicales que han marcado su trayectoria. Es un proyecto especial y personal. El artista catalán detalla el proceso creativo detrás de este lanzamiento, revelando que ha sido un parto fácil y emocionante del que ha disfrutado cada fase de la producción.

No es solo una cuestión de incorporar elementos forzados en sus producciones, sino más bien dejar que las ideas relacionadas con géneros como el drum and bass f uyan naturalmente, agregando una capa adicional de creatividad a su trabajo en el estudio.

Con Barcelona como su patio de juegos musical, no_ip destaca la diversidad de la escena local y la dualidad de su papel como intérprete y productor, que es evidente en la manera en que aborda sus presentaciones en vivo.

Un placer, Ignasi. Nacido y criado en Barcelona, tu estilo único re f eja una profunda comprensión de las culturas rave y underground. ¿Cómo han infuido tus raíces en tu sonido, y qué elementos incorporas en tus producciones?

Buenas Borja, encantado de charlar contigo y con todo el equipo. Desde mi punto de vista, el proyecto de no_ip no tendría sentido sin esas inf uencias musicales. Durante el proceso de producción no trato de incorporar a la fuerza elementos del Drum & Bass u otros géneros que producía en el pasado, sino que nacen ideas relacionadas a esos géneros que en muchas ocasiones puedo implementar en mis producciones. Esto creo que me ayuda a ser más creativo y a divertirme más en el estudio.

¿Con qué sala de la ciudad te quedarías?

No me podría quedar solamente con una. Tengo la gran suerte de vivir y poder tocar a menudo en una ciudad con una oferta de clubs realmente amplia, y cada uno de ellos tiene sus puntos fuertes.

Barcelona vuelve a ser una ciudad importante de nuevo, hay diversidad musical y grandes artistas tocando cada fn de semana, y eso es lo mejor que nos puede pasar a todos los que vivimos en este sector.

Tú que trabajas como intérprete a la vez que como productor, ¿podrías compartir algunas ideas sobre cómo tus presentaciones en vivo y tu trabajo en el estudio se complementan entre sí? ¿Cómo infuyen estos aspectos en tu expresión artística general?

Al fn y al cabo todo se basa en el gusto musical que tiene cada uno, ya sea para hacer música como para encontrar nuevos temas de otros artistas que se adapten a tu set.

Yo trato de pinchar todas mis producciones siempre que puedo o veo que pueden encajar bien en ese momento, y por otro lado, dedico muchísimo tiempo a la búsqueda de nueva música que encaje con mi gusto musical, escucho promos, demos, sets de otros artistas… Y la suma de todo ello conforma mi directo y mi estilo a la hora de tocar.

¿Qué elementos priorizas para crear un viaje musical envolvente para tu audiencia y cómo adaptas tu actuación cuando pinchas en diferentes entornos?

Pienso que uno de los aspectos más importantes que tienes que tener como DJ es el de conocer perfectamente la música que has preparado para cada actuación. Si tienes eso dominado puedes tocar en cualquier lugar y a cualquier hora.

Siempre trato de leer y entender el estado de ánimo del público y tomo las decisiones en directo en función de la atmósfera general de la festa. Obviamente tengo mis gustos musicales y mi estilo propio, pero dentro de eso me siento cómodo por contar con un amplio abanico de posibilidades cuando toco en directo.

Tu viaje musical comenzó a una edad temprana, ¿cómo ha evolucionado tu sonido a lo largo de los años y qué momentos o experiencias clave han dado forma al artista que conocemos como no_ip hoy en día?

Todos estos años y experiencias fueron el motivo principal para crear el proyecto de no_ip, así que al fn y al cabo este proyecto es fruto de mi evolución personal y artística de todos estos años. Con el tiempo vas de fniendo unos estilos y gustos musicales, y a la vez vas aprendiendo y conociendo nuevas técnicas y sonidos que te van moldeando como productor y DJ.

En cuanto a infuencias directamente de artistas, ¿quién dirías que te ha marcado más, productores o DJs de España o del extranjero?

Las inf uencias en mi caso siento que son muchas y muy variadas. Desde productores y bandas de drum and bass como Sub Focus o Pendulum, hasta artistas más próximos al estilo musical que hago ahora como Moderat, Maceo Plex o Damon Jee, entre otros.

De todos modos, hay muchos más artistas o géneros musicales que me motivan y dan ideas para hacer música. Me encanta escuchar reggae, hip-hop y música urbana en general.

En 2023, ampliaste tus actuaciones a lugares internacionales como Klein Phönix en Estambul y el ADE’23. ¿Qué tipo de metas te propones en cuanto a trabajo en el extranjero?

Este último año ha sido fantástico a nivel artístico y personal, así que solamente me propongo seguir pasándolo igual de bien o mejor, y seguir aprendiendo y disfrutando de estas experiencias.

Ambas actuaciones fueron muy especiales y funcionaron muy bien, así que esto nos da todavía más fuerzas y ganas de trabajar duro para que vengan muchas más.

Empiezas el 2024 con un lanzamiento tempranero en el mes de febrero. ¿Se vienen más cosas durante el año?

Arrancamos el año con el EP más especial y personal que nunca haya lanzado. ’Block The System’ es un proyecto muy sincero y producido con mucho cariño, así que no se me ocurre un lugar mejor para lanzarlo que DSK Records. Es mi casa, mi familia, mi team, y un proyecto muy potente e ilusionante.

Pero sí, este 2024 será un año con varios lanzamientos. Lo único que puedo avanzar en estos momentos es que en abril saldrá un single para un sello alemán muy mítico. Y ya tenemos cerrados otros lanzamientos que iremos desvelando a medida que avance el año.

¿El proceso de producción ha sido fácil de gestionar? ¿O ha sido el típico EP que se enquista un poco?

Ha sido un proceso maravilloso desde la producción de cada uno de los tracks hasta la decisión del tracklist que conforma el disco. Decidí lanzar el EP después de evaluar durante bastante tiempo los temas que yo creía que tenía más sentido sacar en este momento, y después de consensuarlo con todo el equipo, f jamos la fecha y nos pusimos a trabajar en ello, así que sí: ha sido un parto fácil :)

¿Cuál suele ser tu modus operandi a la hora de producir temas?

Solamente tengo una premisa, que es hacer la música que me divierte. Si hago eso, el proceso se convierte en algo muy sencillo y divertido.

No quiero entrar en aspectos técnicos porque tampoco tengo un método estricto que aplique a cada producción. Simplemente trato de hacer música fresca, atemporal y que me sorprenda a mí mismo. Sin reglas y sin normas.

¿Puedes hablar un poco de los temas o elementos sonoros que podemos esperar de este lanzamiento y cómo se integra en la narrativa de tu trayectoria musical?

Este es un EP multi género, difícil de etiquetar, y esa es la esencia de no_ip. Las modas marcan tendencias y ‘Block The System’ trata de romper con eso. El EP incluye 4 tracks, cada uno de ellos de un estilo diferente, pero con varios elementos en común. Siempre trato de agregar sonidos poco usuales y sorprendentes que capten la atención del oyente y que creen momentos de contraste.

Con tu amplia experiencia y profundo conocimiento de la música, ¿qué consejo darías a los artistas aspirantes que buscan establecerse en la escena de la música electrónica?

Que todo lo que hagan sea sincero con ellos mismos. Hacer música como herramienta para lograr el éxito no es sano, en cambio quiero pensar que el éxito persigue a quien ofrece algo diferente, único y sincero.

Por otro lado, hay que reconocer que actualmente la música en sí representa menos de un 50% del cómputo global de aspectos que se tienen que trabajar y tener en cuenta para triunfar como artista. Así que se necesitan muchas horas de dedicación y trabajo para lograr objetivos. Por eso creo que es más sencillo dedicar todo ese esfuerzo haciendo algo que te gusta realmente.

MICKAEL ESPINOSA

“NO SOY EXPERTO EN CANTAR NI ESCRIBIR LETRAS. HACER MÚSICA ES LA FORMA MÁS AUTÉNTICA DE EXPRESIÓN QUE TENGO”

Autor: Borja Comino

El bagaje cultural de Mickael Espinosa es una amalgama de tradiciones latinas y modernidad electrónica, con su personal mezcla de los ritmos y estilos de la bachata, el reggaetón, el dembow, el merengue y la salsa con el tech house y deep tech. Desde sus raíces en República Dominicana hasta su vida en Suiza, Espinosa comparte cómo estas infuencias han esculpido su identidad artística y sus ambiciones.

Mickael Espinosa cuenta con el respaldo continuo de reconocidos DJ internacionales y experiencias compartidas con artistas destacados en festivales y clubes de todo el mundo. Studio 405 Group, la empresa multidimensional del músico dominicano toma gran parte de su tiempo, además de su sello discográfco y su marca de moda y eventos, facetas que se entrelazan y sirven como escaparate de su visión artística. Precisamente con 405 Records, lanzó su último single ‘La Moet’ a fnales de diciembre, que incluye un remix de Nico Ramírez.

Con próximos lanzamientos en diversas discográfcas y proyectos en el horizonte, nos comparte sus inspiraciones y, como artista a seguir en 2024, promete sorprender con nuevas colaboraciones y actuaciones por escenarios de toda Europa.

Tu instrucción y conocimiento de diversas culturas desempeña un papel importante en tu música. ¿Cómo mezclas la música tradicional dominicana o las infuencias latinas con géneros electrónicos modernos? ¿Cómo infuyen tus raíces dominicanas y suizas en la confguración de tu identidad artística y tus aspiraciones?

Mi bagaje cultural defne mi música actual. Crecí escuchando salsa, merengue, reggaetón, rap latino, etc., y absorbí el ritmo y el groove característicos de estos géneros. En lugar de conformarme con el reggaetón y tech house dominante, intento diversifcar mis producciones con varios ritmos y estilos, incorporando elementos de los géneros que marcaron mi educación. Por ejemplo, puedo mezclar los shakers de la salsa con el kick del reggaetón y el snare del merengue. También soy un gran fan de las series 808, 727 y 909 de Roland. Siempre suenan bien. Aunque los patrones de la música electrónica siguen siendo algo constante, el atractivo reside en la diversidad de sonidos y la creatividad que se puede conseguir mezclándolos en directo con otras pistas. Son los elementos percusivos que me encanta implementar, y aspiro a hacer bailar a la gente con los ritmos más groovy posibles.

Tu lanzamiento Milkshake EP en Mindshake Records, que incluye una remezcla de Paco Osuna, ha llamado mucho la atención en la escena. ¿Cómo surgió esta colaboración y en qué se inspiró el EP?

La percusión de ‘Milkshake’ viene acompañada de una pesada línea de bajo que hace de guía, con una inteligente superposición de una voz hip hop old school con grandes detalles de producción y un break ascendente. Desde niño he estado escuchando hip hop y música latina; por lo tanto, samplear siempre ha sido algo que me encanta hacer. Recuerdo haberle enviado a Paco Osuna algunos tracks alrededor de abril de 2022. En ese momento, ‘Milkshake’ ni siquiera estaba incluido, a pesar de que yo había hecho este tema a mediados de 2021. Al principio no pensé que le fuera a gustar, así que le envié ‘Tukutu Takata’ y ‘Linda (Edit)’, entre otros. Los descargó, pero no volví a saber nada de él. Después, tuve la ocasión de conocer personalmente a Paco Osuna en el evento Pazzoide de mi club de residencia Viertel, en Basilea, a principios de mayo de 2022. Fue una persona genial y solidaria. Me dijo que había tocado el tema en Space Miami y al mismo tiempo me pidió más temas inéditos. ¿Qué hice entonces? Obviamente, enviarle más temas, incluido ‘Milkshake’. Para mi sorpresa, Paco ha estado pinchando el tema por todo el mundo durante más de un año, especialmente en su residencia del sello Now Here en Ibiza. Al principio, Paco me dio la oportunidad de publicar en el ‘VA002’ de Mindshake, y luego mostró interés en publicar ‘Milkshake’. Le gustó tanto que incluso estaba dispuesto a hacer la remezcla. Para mí fue una locura y todo un honor. No me lo podía creer. Quiero decir, soy fan desde hace mucho tiempo, y cuando tu tema es aceptado por un nombre tan grande como Paco e incluso remezclado, ¡pues te vuelves loco! Por desgracia, este negocio puede ser todo un reto, sobre todo para un artista joven.

Desde mediados de 2023 circula una mezcla afro house de ‘Milkshake’, que obtuvo el apoyo de ejecutivos de Sony Music y del management de Kelis. Puedes imaginarte lo que siguió: decidieron seguir adelante con la versión afro house, ya que es un género de moda en la actualidad, dejando mi versión ‘Milkshake’ relegada a la clandestinidad y sin publicar. La historia es una auténtica montaña rusa (risas).

Has recibido el apoyo continuo de grandes DJ internacionales como el mencionado Paco Osuna, Cloonee, Marco Carola, The Martinez Brothers y muchos más. ¿Cómo infuye este reconocimiento en tu trayectoria artística y cómo mantienes conexiones tan infuyentes en la industria musical?

Me inspira cada día aún más para trabajar en mis habilidades como productor y DJ. Lo que me encanta es que abarca varios aspectos de la industria. Por lo tanto, mi viaje artístico se defne por lo que estoy experimentando en este momento, así como por lo que está sucediendo en mi carrera. El afán por ser reconocido por nombres tan grandes ha infuido en mi sonido de tal manera que la calidad y la profundidad de la exploración de samples se han vuelto más detalladas que antes. Sin embargo, para mí, lo más importante es el groove y el swing de una canción. En mi opinión, no importa qué tipo de música toques o te guste en la escena de la música electrónica. Yo intento centrarme en el groove y la emoción que transmite a la pista de baile. Parece que los grandes DJ internacionales lo aprueban.

Habiendo compartido escenario con artistas notables como Gordo, Wade, Marco Carola y Hugel, ¿cómo contribuyen estas experiencias a tu crecimiento como artista, y cuáles han sido algunos momentos memorables de estas actuaciones?

Es increíble. La motivación que experimentas es inmensa. Sientes que lo estás haciendo todo correctamente, y esto te sigue impulsando hacia adelante. También me esfuerzo por adquirir de ellos todo el conocimiento que me sea posible. Siempre intento mejorar. Actuar en los mismos escenarios que Marco Carola, Wade o Gordo es realmente emocionante para mí. Estar cerca de estos artistas de talento es una bendición en estos momentos.

¿Cómo es la vida en Suiza?

Suiza es realmente hermosa. Me gusta mucho vivir aquí. Tenemos unos paisajes impresionantes, un sistema laboral y político efciente y, al haber crecido aquí, es el lugar al que pertenece mi corazón, aparte de República Dominicana, por supuesto. En Basilea celebramos la renombrada Art Basel, que también tiene lugar en Miami, donde artistas de todo el mundo se reúnen para compartir sus visiones y pasiones con miles de personas. En Zúrich, tenemos el Streetparade, el mayor festival que hay, y que me encanta, de verdad. Sin embargo, debo admitir que echo de menos el carácter relajado de la gente y el ritmo de vida más lento. Aquí la vida es más acelerada y exigente que en el Caribe.

Has actuado en grandes festivales y en conocidos clubes de todo el mundo, incluido el desfle tecnológico más concurrido del mundo, el Streetparade de Zúrich. ¿Qué diferencia hay entre actuar en festivales y en clubes, tienes alguna preferencia por uno u otro escenario?

¿Qué puedo decir? Me encanta tocar en ambos. El ambiente en un festival es increíble. La energía que comparte la gente en esos momentos es increíble. La música se siente enorme, y aprecio cada momento. Es una experiencia, especialmente en el Street Parade de Zúrich, tan difícil de describir. Te sientes en un lugar donde no tienes que pensar en el mañana. Creo que todo el mundo necesita vivir esa experiencia al menos una vez. Sin embargo, debo decir que he sido un clubber desde la infancia. Mi familia trabajaba y era propietaria de algunos clubes latinos en Suiza, y siempre se me podía encontrar allí desde adolescente. Me sentía como en casa, donde ves a todos tus amigos y familiares juntos, divirtiéndose y bailando bachata, salsa y merengue. Todo son vibraciones positivas. Cuando empecé a ir a discotecas de electrónica, sentí el mismo amor inmediatamente. Lo diré de esta manera: el clubbing me resulta más familiar y cálido que los festivales.

Tu discográfca, Studio 405 Group, incluye un sello discográfco, un subsello, una marca de moda y eventos. ¿Cómo contribuyen estas diferentes facetas a tu visión artística general, y qué te inspiró a aventurarte en diversos aspectos de la industria musical?

Sí, inicié este concepto con algunos amigos allá por fnales de 2017 simplemente por nuestro amor por la música tech house, minimal y deep tech. La idea inicial era crear algo entre amigos y artistas. El nombre viene de los códigos postales de Basilea, que empiezan por 405. No buscábamos activamente un gran contrato con un sello discográfco. La gente es consciente de que dedicarse a la música únicamente a través de discos requiere una inversión económica considerable. Sin embargo, ya hemos recibido el apoyo de fguras notables como Seth Troxler, Madonna y DJ Oliver, por nombrar algunos. Además, infuencers y curadores de listas de reproducción han empezado a respaldar nuestros lanzamientos. Con el tiempo, Studio 405 se ha expandido y muchas cosas han cambiado. Nuevos proyectos y personas se han unido al sello, incluida la incorporación de la marca 405 Fashion. Era nuestra forma de corresponder a nuestros seguidores. Posteriormente, nos aventuramos a organizar eventos como la Studio 405 Label Night y Amazonia en Viertel Klub, Singer Klub y Bagatelle. Por otro lado, el subsello 405 Records es esencialmente una plataforma en la que publico exclusivamente mi propia música y, en el futuro, música de amigos con talento de la industria. En la actualidad, Studio 405 Group engloba el sello discográfco tech house y minimal/deep tech Studio 405, el subsello 405 Records y 405 Fashion.

Con próximos lanzamientos en Diggin' Records de Daniel Orpi, Six Sound Recordings y Under No Illusion Recordings, ¿puedes darnos una idea de la dirección musical y la inspiración que hay detrás de estos temas?

El tema que creé para Diggin' Records fue una colaboración con mi buen amigo Bobby Shann, alguien a quien sin duda merece la pena seguir de cerca. Durante el proceso creativo, nos compenetramos de forma natural y la combinación de nuestra creatividad resultó perfecta. Debo mencionar que Jamie Jones mostró su apoyo a este tema a mediados de 2022. Me alegro de que por fn salga a la luz, ¡y estoy más que entusiasmado! En Under No Illusion experimentaréis algo diferente; tiene un aire más dub, subrayado con percusiones y una delicada voz brasileña. El tema se creó en colaboración con mi colega Kerem Tekinalp, de Turquía. El lanzamiento en Six Sound Recording muestra una faceta diferente de mí. En este EP, encontraréis un tech-house latino más crudo y percusivo, un estilo que a menudo me gusta tocar en mis conciertos. Groovy percussive transients, acompañados de un bajo sólido, pretenden poner a la gente a bailar y a mover la cabeza.

¿Cómo es que tienes tan pocos temas publicadosa pesar de contar con el apoyo incondicional de grandes DJs?

Creo que es por la esencia de mi amor por la música. Mi estilo es realmente único. Hago un esfuerzo consciente por transmitir mis emociones a través de mis canciones. No sé cantar ni escribir letras, así que la música es la forma más auténtica de expresión que tengo. En mi opinión, no se trata de tener un reconocimiento generalizado; se trata de compartir mis emociones con la gente a través de tu música, y esto siempre será aceptado porque es un refejo de uno mismo. No intento imitar a otros solo para atraer a las grandes discográfcas. Para mí, esto es mi pasión, y creo que los DJs pueden percibirlo en mi música.

De cara al futuro, ¿cuáles son tus objetivos y aspiraciones para los próximos años, tanto en lo que respecta a tu carrera musical como al desarrollo de Studio 405 Group?

A mi equipo y a mí aún nos queda mucho por explorar en la escena de la música electrónica. Este viaje no ha hecho más que empezar para nosotros. Hay muchos festivales y clubes de los que aspiramos a formar parte. así que estamos intentando dar los pasos adecuados y colaborando con personas de ideas afnes que comparten la misma energía. Actualmente, estamos trabajando más duro que nunca para cumplir nuestros sueños, como actuar en festivales y clubes destacados. Sin embargo, nuestras aspiraciones van más allá. También pretendemos colaborar con grandes artistas que compartan una pasión similar, sin limitarnos a los géneros de la música electrónica. Me esfuerzo por reinventarme cada año y participar en diversas iniciativas artísticas. También hay proyectos en marcha, como el lanzamiento de un nuevo sello discográfco con la familia Barbaro de Londres. Ramoss, uno de los fundadores de Barbaro, y yo compartimos la misma idea de cómo nuestra cultura podría tener un impacto aún mayor en la escena actual. Estad al tanto de las novedades.

Como artista a seguir en 2024, ¿qué te diferencia en el mercado musical actual y qué noticias pueden esperar tus fans en un futuro próximo?

Mi música se defne por mis infuencias culturales, que incorporan la salsa, el merengue y samples de dembow, a la vez que intento integrar el estilo de ingeniería de la música electrónica suiza/alemana. Intento mezclar ritmos latinos, swing y groove con técnicas de mezcla y masterización alemanas, lo que da como resultado un sonido distintivo que engloba elementos diversos. Además, mi música refeja una infuencia urbana, moldeada por mi juventud, que me esfuerzo por transmitir. Este año traerá consigo numerosas colaboraciones y actuaciones en nuevos escenarios de toda Europa. Este año me invitaron al festival BPM Costa Rica con la familia Barbaro, pero por desgracia no pude asistir debido a compromisos personales. ¡Pero seguro que me veréis el año que viene!

QUE ST

“El sonido más oscuro y elegante del techno me atrajo por su profundidad y complejidad”

Autora: Caterina Günther

En la escena del digging, donde el boca a boca entre los afcionados resuena más fuerte que la autopromoción, ha emergido en estos últimos años una fgura con un gran impacto en el panorama electrónico: Quest. Nacido en 1992, Marco Maranza se ha inspirado en artistas de la talla de Francesco Del Garda mientras recorre el mundo con su sonido único, que lo distingue notablemente. Como devoto buscador de sonidos, Quest tiene la habilidad de resucitar reliquias musicales olvidadas, insuf ando nueva vida a temas pasados por alto.

Criado en Italia, Quest encontró su ritmo más tarde en los eclécticos pasillos de discos de Vinyl Pimp, en el barrio londinense de Hackney Wick. Bajo el techo de Vinyl Pimp, Quest, el selector italiano y ávido cazador de discos, perfeccionó su habilidad para descubrir joyas musicales ocultas. El elevado coste de vida de Londres lo llevó a refugiarse en Berlín, una ciudad con alquileres más asequibles y una comunidad musical muy activa. Coincidentemente, este traslado marcó un aumento en las bookings de Quest en la capital alemana y en toda Europa, colocando su nombre en boca de los más exigentes.

Fue en 2020 cuando Marco se sintió listo para lanzar su propio proyecto musical con la creación de su sello: La Nota Del Diablo. Aunque la dirección musical exacta del sello sigue siendo un misterio, la asociación de Quest y sus compañeros de Roof Booking con los mejores clubes del mundo sugiere una amalgama bien equilibrada de artistas de renombre y talentos emergentes cuidadosamente seleccionados. Cabe destacar el hecho de que, a pesar de la notable ausencia de Quest en los créditos de productor hasta la fecha, las expectativas para cada uno de los lanzamientos del sello son altas dadas sus credenciales.

La búsqueda incesante de los mejores discos por parte de Quest y la meticulosidad con la que elabora sus DJ sets lo han elevado a la categoría de creador de tendencias. Figura integral en la escena menos convencional, el nombre de Quest ha estado resonando estos últimos años con reverencia junto a maestros como Nicolas Lutz, Vera, Binh y Andrew James Gustav.

En esta entrevista, exploramos su trasfondo, su amor por el vinilo, los recientes showcases de su sello La Nota Del Diablo y su estrecha relación con su compañero de las turntables: Christian AB.

Hola Marco, estamos encantados de dar pistoletazo de salida a este nuevo año teniéndote entre las páginas de DJ Mag España. Mirando hacia atrás, ¿cómo describirías el año pasado?

¡Hola! Estoy encantado de estar aquí con vosotros. Al re f exionar sobre el año pasado, 2023 fue de fnitivamente una montaña rusa emocional. Fue intenso, pero también un año lleno de momentos emocionantes que marcaron mi carrera.

Has mencionado varias veces que tu educación musical comenzó coleccionando discos. ¿Aún recuerdas el primer disco y qué fue exactamente lo que le atrajo de él?

Mi educación musical comenzó con la colección de discos, y sí, recuerdo claramente mi primer disco. Fue una experiencia mágica que me atrajo por la diversidad de sonidos y la conexión única que se establece con la música en formato físico.

El vinilo ha experimentado un resurgimiento en los últimos años. En tu opinión, ¿qué hace especial al vinilo frente a los formatos digitales?

El vinilo ha experimentado un resurgimiento notable, y creo que su encanto radica en la experiencia táctil, la calidad de sonido y la conexión emocional con la música. Es algo especial que va más allá de los formatos digitales.

La mayoría de tus sets colgados online suscitan muchos comentarios de gente que pregunta por el track ID. ¿Qué opinas de compartir canciones que has dedicado tanto tiempo en encontrar en vez de guardarlas para ti?

Compartir las canciones en mis sets es una forma de conectar con la audiencia. Creo en compartir la belleza de la música, incluso aquellas que he buscado con esmero. La música es para disfrutarla y compartirla.

¿Cuánto tiempo sueles dedicar cada semana a buscar música y cuáles son tus sitios favoritos (tanto online como físicos) para diggear? ¿Nos podrías recomendar algunas tiendas de vinilos españolas en concreto?

Dedico tiempo cada semana a buscar música, explorando tanto online como en tiendas físicas. Algunas tiendas de vinilos españolas que recomendaría son Discos Paradiso, y las tiendas en la galería como Vinilarium, Lupin y Rhytm Control donde vivo yo en Barcelona.

¿Cómo percibes la escena electrónica de Italia, Berlín y Barcelona, ciudades en las que has vivido?

Cada una tiene un encanto único, cada una aporta una perspectiva particular al mundo de la música electrónica, y siempre encuentro inspiración en su diversidad.

A lo largo de estos últimos años tu selección musical ha ido evolucionando a un sonido más techno. ¿Qué te atrajo de este sonido más oscuro y elegante?

El sonido más oscuro y elegante del techno me atrajo por su profundidad y complejidad. No hubo un tema en particular, sino una evolución natural en mis preferencias musicales.

Estas nuevas infuencias se han ido percibiendo tanto en tus sets como en los lanzamientos de tu sello La Nota del Diablo y los showcases. En el último evento que hiciste invitaste a Anastasia Kristensen, una DJ vinculada de manera más directa al sonido techno contemporáneo. ¿Cuáles son los criterios que consideras al seleccionar los artistas para lanzar música en tu sello o al elegir a los invitados para tus festas?

Al elegir artistas para mi sello, La Nota del Diablo, y para eventos, busco la autenticidad y la innovación. Anastasia Kristensen fue una elección que re f eja la dirección contemporánea del techno.

Si pudieras colaborar a nivel musical con cualquier artista (en vida o no), ¿quién sería?

Si pudiera colaborar con cualquier artista, sería alguien de Detroit que me da un poco de vergüenza mencionar (risas). Es un sueño pero… never say never.

¿Cómo se consigue el equilibrio entre mantener la conexión con el público a la vez que presentas sonidos nuevos y posiblemente desconocidos?

El equilibrio entre conectar con el público y presentar nuevos sonidos radica en la selección cuidadosa y la transición f uida entre las pistas. Mantener la energía mientras se introduce algo fresco es todo un arte.

Los venues forman parte de la experiencia de la festa. ¿Qué buscas a la hora de decidir dónde hacer tus showcases del sello?

En la elección de venues busco lugares que complementen la atmósfera única de mis showcases y que ayuden a crear una experiencia inolvidable.

Enhorabuena por el reciente EP de Christian AB en tu sello, el release es genial. ¿Cómo describirías el sonido y la atmósfera que Christian AB ha creado con este lanzamiento? ¿Cuál es tu track favorito del lanzamiento?

El EP de Christian AB en mi sello tiene una identidad sonora única que resuena con el espíritu de La Nota del Diablo. Cada track tiene una atmósfera cautivadora, pero mi favorita sería ‘Dr. Darkness’.

¿Qué podemos esperar de La Nota Del Diablo en el futuro tanto a nivel discográfco como de festas de cara a este nuevo año?

Para el futuro de La Nota Del Diablo, podéis esperar más lanzamientos innovadores y eventos emocionantes en este 2024.

Tus b2b sets con Christian AB se han vuelto icónicos. ¿Qué es lo que más te gusta de la dinámica del b2b? Cuéntanos cuál ha sido vuestro b2b más memorable…

Los b2b sets con Christian AB son siempre especiales. La dinámica es f uida, y nuestro back2back más memorable fue en NYE en el icónico club Bassiani, en Georgia. La conexión musical es palpable en esos momentos.

¿Cuáles son tus planes y expectativas para este emocionante año que recién comienza? ¿En qué países o festivales podremos encontrarte próximamente?

Mis planes para este emocionante año incluyen participar en festivales alrededor del mundo y continuar llevando mi música a nuevos horizontes.

Y por último, ¿tu deseo para 2024?

Para 2024, mi deseo es seguir explorando nuevas fronteras musicales, conectando con la audiencia y contribuyendo al fascinante mundo de la electrónica. ¡Gracias por la entrevista!

El festival internacional dedicado al cine Márgenes apuesta por la convicción artística y la libertad creativa, con especial atención a las nuevas tendencias en el panorama audiovisual contemporáneo. El festival combina el talento joven con la obra de cineastas consagrados/as y pone especial atención en las nuevas generaciones, la contemporaneidad, las nuevas tecnologías y la industria con una programación multidisciplinar que incluye espectáculos A/V, encuentros y charlas, programas de alfabetización audiovisual y actividades profesionales.

El pasado mes de diciembre Márgenes celebraba su apuesta por los shows audiovisuales, que incluyeron las actuaciones de Hélène Vogelsinger, Annabelle Playe, Alexandra Rädulescu, el dúo Azabache AV formado por Ana Quiroga y Estela Oliva y el estreno del show audiovisual “Germ in a Population of Buildings” de la artista holandesa upsammy junto al artista multidisciplinar Jonathan Castro.

UPSAMMY Y JONATHAN CASTRO

ENTREVISTAMOS AL DÚO ARTÍSTICO CON MOTIVO DEL ESTRENO EN ESPAÑA DE SU ESPECTÁCULO AV “GERM IN A POPULATION OF BUILDINGS” ENMARCADO EN EL FESTIVAL MÁRGENES

Autora: Helena Bricio

Fotografía: Clara Bellés @clarabellesphoto

Upsammy acostumbra a llevarnos por una estética singular, donde lo natural y lo sintético se funden en uno y crea pistas de baile abstractas y ensoñadoras donde estilos como el electro, el techno y la IDM se alternan fuidamente. Sus producciones publicadas en PAN y Dekmantel se inspiran en la naturaleza y el espacio, lo micro y lo macro, y ahora se une a Jonathan Castro, cuya práctica artisítica oscila entre lo real y lo fcticio en un nuevo show conjunto.

Con motivo de esta actuación en La Casa Encendida, desde DJ Mag ES nos sentamos a hablar un poco con upsammy y Jonathan Castro para conocer un poco más su trabajo conjunto.

Buenas tardes a ambos, antes de nada, quería agradeceros vuestro tiempo por esta entrevista. Para introducir la charla y que nuestros lectores os conozcan un poco más, contadnos, ¿cómo llegó la música electrónica a vuestras vidas?

Thessa (Upsammy): ¡Genial! La verdad es que la música electrónica siempre estuvo ahí, aunque empecé a desarrollar un interés más profundo a los dieciséis, cuando empezaba a ir a raves y entrar en clubs (risas). Siempre había sentido interés por la música, pero fue en este momento cuando dije, vale, quiero formar parte de ello.

Jonathan Castro: En mi caso fue totalmente distinto porque vengo de Perú y no tuve el privilegio de contar con toda esta escena electrónica, no había un gran movimiento o algo así. Mi experiencia se centró sobre todo en bandas de punk y creo que mi primer contacto fue más en ese formato banda. En realidad, la primera electrónica que escuché fue IDM y fue a través de Soulseek, era un gran “digger” en la plataforma cuando tenía 14 o 15 años y en realidad tampoco sé exactamente cómo pasó, creo que alguien me comentó acerca de ello o algo así y fue lo primero que me voló la cabeza. Y desde entonces, siendo un chaval, me di cuenta de que hay otras cosas que pueden hacerse con la música (risas). Para mí creo que fue una experiencia totalmente distinta a ella (Upsammy) porque en Sudamérica no había artistas electrónicos tan grandes, quizá artistas más housy, pero nada de techno o IDM u otros géneros y capas que encuentras en países europeos.

Bueno, claro, no encontramos artistas tan dedicados al clubbing en ese momento, pero Sudamérica sí tiene una herencia de artistas electroacústicos más enfocados a lo que son las grabaciones de campo y la parte más experimental de la electrónica, e incluso pioneras como Pauline Oliveros.

J: Sí totalmente, en los sesenta hay un montón de artistas que son increíbles. Está claro que muchas personas piensan que la electrónica es solamente pinchar techno, pinchar house, pero en la electrónica de los cincuenta o sesenta tocaban música y experimentaban con todas esas cintas magnéticas e investigaban sobre las posibilidades y límites de la música. Por otro lado, también supongo que, por la situación y el contexto social de estas regiones, la música que les atraviesa es el punk o el rock.

Volviendo al tema de las grabaciones de campo y a esta parte más experimental, me gustaría hablar de ‘Germ In a Population of Buildings’, del que podría decirse que comparándolo con tu lanzamiento ‘Zoom’, se palpa la diferencia entre esos microelementos sónicos que percibo en este nuevo trabajo como elementos macro. No sé si me estoy explicando bien.

T: ¡Te entiendo perfectamente! de hecho, lo has explicado genial. Creo que en ‘Zoom’ había muchas grabaciones, pero se percibían como algo así como un fltro al fondo sonoro, más suave, y en mi nuevo álbum esos elementos pueden ser mucho más duros y obvios.

Sí, para mí es algo así como escuchar ASMR pero multiplicado por 100. ¿Cómo es tu proceso creativo a la hora de producir estas piezas para este nuevo álbum?

T: Trabajé con un montón de grabaciones de campo, las iba coleccionando de distintos momentos, distintas zonas o áreas, y aunque no sea la forma de trabajar que siempre aplico, pero en esta ocasión a lo mejor cogía una de las grabaciones y la combinaba con otra grabación, disponiéndolo en capas, quizá es muy especí fco pero disponía distintas grabaciones que aportaban esa sensación de “estoy aquí pero también estoy allí”, para crear una especie de idea de naturaleza del tipo “qué hay más allá” o donde pasan “más cosas”. Dejándome llevar por las propias grabaciones, sacándolas, cortándolas, expandiéndolas… Combinándolas con otros sonidos de sintetizadores, pasando las grabaciones por las ondas de sintetizador y también jugando con sus texturas.

Este nuevo álbum se publica en Dekmantel y aun así has conseguido mantener tu esencia principal como en el anterior. ¿Cómo de diferente ha sido trabajar con Dekmantel viniendo de un sello como PAN?

T: Entre ellos hay diferencias, en el primero era mucho más, cómo decirlo, no es que estuviese inf uenciado ni nada por el estilo, pero en este segundo álbum ha sido algo así como “estoy es lo que hay y así se queda.” En cierto modo es un poco menos comprometido, por así decirlo. Pero en realidad esto no tiene que ver necesariamente con el sello. Cuando empecé con PAN tuve el espacio para lanzar algo que quizá no era tan cómodo de escuchar y por ello era un poco desafante en ese sentido y con Dekmantel está más centrado en el hecho de escuchar música.

Al principio de la entrevista me comentabais un poco vuestros principios en la electrónica, ¿hay algún artista que os inspire en este momento o que admiraseis en un pasado?

T: En mi caso creo que no es especí fcamente un artista en sí, sino un movimiento artístico que está haciendo cosas muy interesantes y hay un montón de música en Bandcamp, en la que hay un montón de texturas, una especie de nueva ola de artistas ambient que son súper interesantes. También hay una corriente de música electrónica de los 2000 que me parece muy interesante y artistas que van más allá y que te hacen ver la música de otro modo como Björk, claro, que cambian todo aquello que puede expresarse con la música.

He visto que este año ambos habéis actuado juntos, ¿cómo llegasteis a esta idea de juntaros para crear algo y cómo ha ido hasta ahora?

T: Básicamente el álbum ya estaba ahí y yo quería desarrollarlo más hacia un live show, había estado siguiendo el trabajo de Jonathan durante un tiempo, me gustaba mucho su trabajo y pensé que mi música podría combinar muy bien con sus texturas y su investigación. Así que le escribí un mensaje (risas) sí, muy sencillo, simplemente a través de Instagram.

J: Si, creo que fue muy orgánico, ella ha hablado de cómo ha hecho el álbum con todas estas grabaciones de campo y los espacios, y en mi práctica artística a mí también me interesa mucho el recopilar y los espacios, especialmente los rastros en el espacio, cómo las personas se expresan por el espacio. Yo también recopilo estos rastros, y los pongo en mi trabajo de

diseño visual, así que de algún modo ambos hacemos lo mismo, pero en soportes diferentes, ella lo hace más en música y yo más en diseño o en visuales. Así que supongo que cuando nos conocimos y hablamos sobre el álbum y escuché el álbum me acuerdo de que hice una lista de palabras que me hacía sentir su música y de algún modo resonaban conmigo. Creo que esto hizo que fuese fácil empezar a colaborar y trabajamos mucho juntos. Grabé mucho material en lugares de Ámsterdam o lugares que íbamos visitando donde tocábamos y usábamos esta perspectiva como “por detrás” así que flmábamos desde suelo. Para mi su música era una especie de viaje ansioso y ecléctico en el que notas que viene desde atrás con todas esas texturas y paisajes que como humanos no podemos escuchar ni oír. Nos dimos cuenta de que el enfoque hacia los visuales iba a ser así, habiendo partes de ellos que son muy estresantes y rápidos y creo que al fnal decidimos tomar un enfoque cinematográfco para los visuales, centrándonos sobre todo en la intención de estos.

Respecto al material visual, ¿disponías ya de todo el material grabado o también has trabajado en base a lo que te inspiraba la propia música del álbum?

J: No, no, la propia música desencadenó un montón de ideas. En aquel momento estaba justo viajando por Marsella y fui a otros lugares por la naturaleza y llevé mi sel fe-stick para la cámara, pero siempre grabando desde el suelo. Alguna gente incluso me miraba como si fuese un bicho raro intentando buscar oro por el suelo… (risas) La premisa de esto es tener siempre una perspectiva que no solemos tener normalmente, por ello grababa desde el suelo, entre las hojas, entre los árboles… ¡Fue muy divertido!

Y para ti, Thessa, ¿era interesante desde un punto de vista acústico grabar desde el suelo también?

T: Si, o sea, no sé, siempre he tenido desde que era una niña esto de hacer “zoom” a los detalles de las cosas, de ahí el nombre de mi primer trabajo. No sé, quizá es un poco raro, pero cuando era una niña solía jugar a las canicas, me gustaba mucho porque cambiando un poco el enfoque, imaginar la escala de cerca o de lejos, te permitía tener una perspectiva diferente y ver las cosas de otro modo y creo que con el sonido me pasa un poco lo mismo. Es muy interesante para mí trabajar desde el punto de vista microscópico y ver qué puedo encontrar en el sonido y en todos los detalles.

Tomando como punto de referencia las escalas de las que estamos hablando, ¿cómo es hacer este show en espacios grandes o en espacios pequeños? ¿Supone alguna diferencia?

T: Partiendo de la base que escucharlo en directo es completamente distinto a escucharlo en cascos, por ejemplo, me he dado cuenta de que de algún modo funciona mejor en directo. Pero supongo que si el espacio es demasiado grande… Solamente hemos tocado en un sitio muy grande hasta ahora en Club to Club (C2C).

J: Pero estuvo bien, ¿no? A mí me gustó, supongo que depende mucho de la infraestructura del espacio, en este caso el espacio contaba con luces increíbles, una acústica buenísima también… Creo que como hemos comentado alguna vez, a veces el espacio da forma al sonido y viceversa. Podemos tocar en una fábrica antigua como hicimos en Saint-Étienne, que fue muy guay pero obviamente el sonido es completamente distinto a espacios como Club to Club o tocar aquí. Creo que es muy excitante todo lo que rodea al directo, desde el público hasta el propio soporte para los visuales, a veces tenemos pantallas LED que permiten una cantidad de detalles que los proyectores normalmente no permiten y eso obviamente cambia un poco la experiencia.

T: Al fnal lo que nos interesa es que haya un buen sistema de sonido y un buen sistema visual (risas) porque así puedes experimentar la textura real de nuestro trabajo. Una de fnición alta obviamente se convierte en la mejor opción.

Seguro que este show queda increíble en sitios como 4D Sounds…

J: Eso sería increíble y sí, sería super guay hacer algo así. Es increíble porque hoy en día cuando estoy en el show tocando me doy cuenta de sonidos que no había percibido antes o que no sabía que estaban ahí (risas). Es como cuando tienes un cuadro abstracto en tu casa y cada día te vas dando cuenta de detalles que no estaban antes o que no habías percibido.

T: A mí también me gusta imaginar este show como una especie de juego, sería genial poder probarlo con gafas de realidad virtual, sería super interesante.

Para terminar la entrevista me gustaría preguntaros si para vosotros la música es un complemento a lo visual o si lo visual es un complemento para la música, ¿qué pensáis?

T: Conozco tantas películas con bandas sonoras espectaculares que de algún modo se ayuda lo uno a lo otro. Pero cuando hablamos de shows AV… ¡No sé! Creo que en nuestro caso particular la parte visual añade algo a la música que lo hace más tangible, porque cuando escuchas ciertos sonidos puedes preguntarte “qué es esto”, pero cuando lo ves con la imagen te puede ayudar a entenderlo mejor.

J: No creo que nuestros visuales sean como los de los VJ que se hacen en directo y que tienden a lo abstracto, nosotros utilizamos la naturaleza, los paisajes, el suelo, para crear una pieza audiovisual, no estoy reinterpretando la música. Se añade una parte de fcción a la música, porque la música también es fcción. Creo que es una buena mezcla de fcción y realidad. Pero sí, me gusta la pregunta porque creo que en este caso funciona bien junto, pero creo que en otros casos también funciona bien por separado, he estado en salas en las que solamente había música y no necesitabas nada más, la música era lo su fcientemente poderosa; y he estado en lugares que viceversa, los visuales son increíbles. Pero en este caso se trata más de hacer tangible la música.

T: De fnitivamente también hay ocasiones, especialmente en clubs, en los que hay visuales y pienso que me gustaría estar escuchando solamente la música y que solamente quiero oscuridad en ese momento. Pero en este caso es algo que creció junto y que no está tan enfocado al club, sino que involucra conceptos de escucha y visionado profundo.

J: Es algo así como ir al teatro o ver una película (risas).

¿Dónde podemos veros próximamente?

T: En Casa Montjuïc en Barcelona, en Bruselas y de momento ¡eso es todo! Hace ya casi un año que se lanzó el álbum y lo hemos presentado 7 veces. Muchas gracias por vuestro tiempo.

T: ¡Un placer!

J: Gracias a ti por las preguntas tan interesantes.

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DOS DÉCADAS DE TRANSFORMACIÓN MUSICAL CON EXIT FESTIVAL

Del Campus Universitario a la Celebración Global

Autor: Borja Comino

Desde sus modestos inicios en el año 2000 como un movimiento estudiantil en Serbia hasta su posición como icono internacional, el EXIT Festival ha dejado una marca imborrable en la escena musical y social. Fundado en el University Park, el festival abrazó inicialmente la lucha por la democracia y la libertad en Serbia y los Balcanes. Tras las elecciones generales de Yugoslavia en 2000, el EXIT se trasladó a la majestuosa fortaleza Petrovaradin en 2001, marcando el inicio de su evolución hacia un fenómeno global.

El EXIT Festival del 2024, bajo el lema “¡Despertemos juntos nuestros superpoderes!”, presenta un impresionante elenco de artistas. Desde los icónicos Black Eyed Peas hasta Tom Morello, Gucci Mane, Carl Cox y Bonobo, la lista promete una experiencia musical diversa. EXIT Starseeds se llevará a cabo del 10 al 14 de julio de 2024 en la Fortaleza Petrovaradin de Novi Sad, Serbia.

La historia del festival es un viaje fascinante que va más allá de la música, revelando un compromiso activista y social arraigado desde sus raíces. Fundado en 2000 como un movimiento estudiantil dedicado a la lucha por la democracia y la libertad, ha evolucionado hasta convertirse en un galardonado Best Major European Festival. Reconocido por su impacto cultural y social, también recibió premios como Best Overseas Festival en los UK Festival Awards en 2007. La atención mediática ha sido abrumadora, con menciones en CNN, The Guardian y Forbes. Más allá de la música, el compromiso de EXIT se refeja en el título Champion of Regional Cooperation otorgado en 2017. EXIT no es solo un evento, organiza cinco eventos en cinco ubicaciones diferentes, abarcando cuatro países del sureste de Europa. El festival se ha convertido en una plataforma para la responsabilidad social, centrándose en actividades medioambientales, humanitarias, desarrollo de industrias creativas y cooperación regional.

En dos décadas, EXIT ha presentado a artistas de renombre mundial, consolidándose como un evento multicultural y diverso. La historia musical del EXIT es una sinfonía que abraza desde el rock hasta la música electrónica. Los valores fundamentales de EXIT, como la paz, el amor y la libertad, se refejan en su compromiso con campañas socialmente responsables. La esencia del EXIT Festival se refeja en sus valores fundamentales. Su misión es provocar cambios sociales positivos y acelerar la evolución de la conciencia humana mediante las industrias creativas. EXIT se presenta como un medio para difundir el mensaje de amor y libertad a nivel global.

Esta edición, se anuncia la friolera de 40 escenarios disponibles para todo el público. Los principales son: Cada escenario del festival presenta su propio carácter distintivo y atractivo. El escenario principal del EXIT Festival experimenta una metamorfosis signifcativa en cada edición. Bautizado con el nuevo nombre de Tesla Universe Stage, este escenario rinde homenaje al insigne inventor Nikola Tesla. Con una capacidad impresionante que supera los 35.000 asistentes, se destaca por su diversidad musical. Desde leyendas consolidadas hasta artistas emergentes, abarcando géneros que van desde pop y rock hasta hip-hop, metal y música electrónica. Cuando el mes de julio se asoma, todas las miradas convergen en el espectacular escenario mts Dance Arena. Testigo de amaneceres mágicos y actuaciones de electrónica de talla mundial, este escenario se convierte en el epicentro de la escena internacional de música electrónica. En constante evolución, el Arena promete innovaciones que enriquecerán la experiencia única que ofrece en la majestuosa Fortaleza de Petrovaradin. El escenario Fusion, uno de los más imponentes del festival, se convierte en el crisol de rock, pop y música alternativa. Desde hardcore hasta R'n’B, hip-hop, punk old school y orquestas de vientos, este escenario abraza una variedad musical impresionante. Tanto artistas consagrados como nombres emergentes contribuyen a crear un ambiente vibrante y dinámico. Ubicado en las trincheras de la fortaleza, el escenario Explosive es el epicentro para los amantes del metal, hardcore y punk.

Cada edición del EXIT Festival presenta una potente programación que desafía a los oyentes con sonidos extremos y propuestas innovadoras, dejando una marca duradera en la audiencia. El icónico NSNS Stage, renovado por Heineken Silver, tiene su propia esencia distintiva. Sede de festas de algunos de los clubs más destacados del mundo, ofrece una programación irresistible, fusionando la atmósfera clubbing con la magnitud de un festival. Desde DJs de renombre hasta sesiones exclusivas, cada momento en este escenario es una celebración inolvidable. EXIT presenta un escenario nuevo: X-Bass Pit. Dedicado exclusivamente a la música bass, la fortaleza se convierte ahora en un evento más potente, siendo este escenario una extensión de las míticas sesiones bass del escenario principal. El Wenti Wadada Positive Vibrations Reggae Stage cuenta con una amplia programación que ofrece una experiencia veraniega completa llena de sonidos de ska, reggae y música de baile. Como cada año, el escenario Gaia Trance Stage trae lo mejor de este género musical tanto de Serbia como del resto del mundo. Una cita ineludible para todos los amantes del trance, la psicodelia y música electrónica. El escenario Latino by IDEAE es el lugar perfecto para mover el esqueleto, bailando con tus amigos o intentando seguir los movimientos de los bailarines, siempre sonrientes. Si pudiéramos describir la esencia de este escenario con dos palabras sería: “energía contagiosa”. Es virtualmente imposible visitar este escenario latino y no ponerte a bailar. Incluso aquellos festivaleros que simplemente pasan frente a este escenario lo hacen bailando por el camino.

El escenario Urban Bug, reconocido no ofcialmente como el favorito de los pequeños escenarios, el Urban Bug celebra 10 años consecutivos en EXIT. Su programación cuenta con docenas de actuaciones de DJs y sesiones exclusivas b2b. Los artistas que aquí actúan hacen de cada sesión una festa inolvidable. Una de las estaciones de radio más importantes de Novi Sad y Vojvodina, el escenario de Radio AS FM es uno de los puntos de encuentro obligatorios para todos los afcionados del clubbing. Aquí escucharás todos los grandes éxitos en las sesiones de djs de Serbia y del resto del mundo. Sonidos actuales, éxitos mainstream y una contagiosa atmósfera de festa garantizada los 4 días de EXIT. Uno de los escenarios más entretenidos de EXIT Festival que nunca pasa de moda. Cada año reúne a gran cantidad de festivaleros con ganas de pasárselo bien en la disco. Aunque para los mirones pueda parecer que no hay música, lo cierto es que la festa tiene lugar en las potentes frecuencias de los audífonos que recibes en la entrada del escenario. La zona espiritual Pachamama by Rosa ha sido renovada por segundo año consecutivo al unirse con el escenario World Chill-Inn famoso por presentar la programación más exótica del mundo.

Recientemente, EXIT Festival ha ampliado su impacto al lanzar el EXIT Ecosystem, un sello y ecosistema de talentos. La Ofcina de Música y Talento del Ecosistema se propone apoyar a músicos locales e internacionales, proporcionándoles una plataforma dinámica para avanzar en sus carreras. Este compromiso con el talento emergente se refeja en la creación del EXIT Ecosystem, una plataforma de lanzamiento que allana el camino hacia el estrellato mundial y fomenta un entorno propicio para el crecimiento y éxito que canaliza los valores fundamentales con historias notables, como el ascenso de Lanna, que demuestran el compromiso de EXIT con el empoderamiento de jóvenes talentos y su contribución a la evolución continua de la marca en el panorama musical internacional. Con la creación de EXIT Soundscape, un sello que promete nuevos lanzamientos mensuales. Este enfoque no solo busca mantener el compromiso del público, sino también proporcionar una fuente constante de nuevas experiencias musicales.

La Familia EXIT no se limita a un solo evento, y es que organiza otros eventos en ubicaciones diversas repartidas en cuatro países del sureste de Europa: EXIT Festival (Novi Sad, Serbia), Sea Dance Festival (Budva, Montenegro), Sea Star Festival (Umag, Croacia), No Sleep Festival (Belgrado, Serbia), y Revolution Festival (Timișoara, Rumanía). La expansión geográfca de EXIT demuestra su compromiso no solo con la música, sino también con la promoción de la cultura y la colaboración regional.

Más allá de ser solo un festival, EXIT se ha convertido en un faro de cambio, tejiendo un relato de esperanza a través de la música guiando a generaciones hacia un futuro más brillante y marca una nueva era aún creciendo, expandiendo su infuencia y compromiso con la música, la colaboración regional y el cambio social.

ALLEN & HEATH PIONEER

Autora: NiZ

A lxs DJs nos encanta hablar de nuestras cosas. Cuando nos juntamos somos insoportables. Nos pasamos la vida debatiendo y evaluando. Somos muy intensxs y uno de nuestros deportes favoritos es posicionarnos en un bando: vinilo o digital, VST o hardware analógico, Ableton o Cubase, y, cómo no, Allen & Heath o Pioneer. Cuando entramos en este último debate, se para el mundo. Podemos pasarnos horas argumentando a favor de nuestro mixer favorito. Los fanáticos de las XONE dirán que el sonido es mejor, los de Pioneer que es más completa. Y así hasta el infnito. Pero ¿cuánto hay de cierto y cuánto de misticismo y romanticismo en nuestras afnidades? ¿Elegimos realmente los equipos con los que trabajamos con argumentos sólidos y técnicos o nos dejamos llevar por la inercia de lxs profesionales que nos rodean o por sentimientos y flias irracionales?

He decidido hacer un análisis de las dos mesas más utilizadas en las cabinas: la XONE 96 de Allen & Heath y la DJM900 NXS2 de Pioneer. Y dilucidar no qué mesa es mejor, sino qué mesa es más recomendable en cada caso y en función de las preferencias del/la DJ, su forma de pinchar, el género que toque y el formato de la música. Y así saber qué tener en cuenta a la hora de elegir trabajar con una u otra.

ANALÓGICO VS DIGITAL - La principal diferencia entre estos dos monstruos de club es obvia y sobradamente conocida. Mientras que las XONE son analógicas, las DJM son digitales. Es decir, que lo que las hace distintas es cómo procesa cada una la señal de sonido. En las analógicas el audio, ya convertido en electricidad, pasa por unos componentes electrónicos para su posterior manipulación y proceso. Y en las digitales, la señal pasa primero por un conversor Analógico-Digital y transforma la señal en una secuencia de números (ceros y unos). Por tanto, las XONE trabajan con una onda sin modifcar y las DJM transforman la señal. La calidad de estas últimas dependerá de los tres procesos básicos de digitalización: la velocidad de muestreo (cantidad de kHz que usa para conseguir una muestra de la señal analógica); de la profundidad en bits de esa muestra, o sea, la cuantifcación, y de la codifcación en sí.

¡CONCEPO ASIMILADO! - Por tanto, ya tenemos el primer learning: la XONE suele ser la mesa elegida por DJs que pinchan a vinilo, ya que el sonido de estos es analógico y no tendría sentido digitalizarlo a través del mixer. Ahora bien, si pinchas en digital, la DJM será más conveniente, ya que la señal no se verá modifcada y, en cambio, sí ganarás una serie de ventajas propias de lo digital. Veámoslas.

LOS FX - La siguiente diferencia, derivada directamente del punto anterior, es la posibilidad de utilizar efectos. Las XONE no incorporan un módulo dedicado al efecto (sí pueden añadirse de forma auxiliar), pero no están integrados, como sí ocurre en las Pioneer. Las DJM, al ser digitales, cuentan no solo con efectos de color (alteran el carácter del sonido), sino también con efectos de ritmo (alteran el patrón rítmico). Yo no soy muy de jugar con los FX, no es mi estilo, pero sí me gusta tener unos mínimos: echo, delay y reverb, algo que en las XONE se puede incorporar a través de pedaleras o módulos de efectos (luego lo veremos).

¡CONCEPO ASIMILADO! - Por tanto, si quieres disponer de efectos, no quieres invertir dinero extra, tiempo de montaje antes del bolo y peso en tu maleta, elige una DJM de Pioneer. Si los FX no te importan, puede que lo tuyo sea XONE. Pero sigamos viendo.

EL SONIDO - “Las XONE suenan mejor”. ¿Cuántas veces hemos oído esta frase? Pues más o menos las mismas que “el sonido del vinilo es mejor”. Vayamos al detalle. Mientras que la XONE 96 cuenta con una tarjeta de sonido interna de alta calidad, con una resolución de 32 bits y una frecuencia de muestreo de 96 kHz; la DJM900 NXS2 incorpora una tarjeta de sonido USB integrada de alto muestreo de 96 kHz/24 bits. Por tanto, primera diferencia, la profundidad de bits es menor en la NXS2. ¡PERO! Esto es algo que ya ha mejorado Pioneer en sus dos nuevos modelos la DJM-A9 y la DJM-V10. Por tanto, de nuevo, volvemos al inicio: la diferencia principal es la naturaleza de la señal: analógica o digital. O lo que es lo mismo, el sonido analógico es más cálido porque genera mayor distorsión armónica, especialmente en la zona low-end (frecuencias graves). En cambio, el sonido digital resulta más frío, porque genera más ruido en la zona de agudos, por eso es percibido en muchos casos como un sonido más metálico y cortante.

¡CONCEPO ASIMILADO! - Por tanto, si eres un/a enamoradx del sonido redondito y cálido y tienes un oído de ingenierx, disfrutarás más la XONE. Otra cosa que debes tener en cuenta es que su respuesta también dependerá de la acústica del local, del sistema de monitoreo de la cabina, de la potencia de la sala y del tipo de música que pinches. Es decir, que una Xone 96 puede no sonar bien en un sitio concreto.

Vamos a por dos de las diferencias más determinantes para mí.

La EQ - Uno de los motivos por los cuales mucha gente elige una u otra es la sección de ecualización. Las XONE son conocidas por su ecualización de cuatro bandas: graves, medios-graves, medios-agudos y agudos. Por su parte, Pioneer simplifca con solo 3 bandas: graves, medios y agudos. Otra gran ventaja que Allen & Heath en este sentido es la ecualización en el both monitor, es decir, poder regular de forma independiente la EQ de cabina, tanto en la preescucha como en el post.

¡PERO! Pioneer se ha puesto las pilas y en la DJM-A9 ya ha incorporado la EQ de monitores y en la DJM-V10, la EQ cuatribanda.

¡CONCEPO ASIMILADO! - Para mí, las cuatro bandas son un engorro. Por mi forma de pinchar, más agresiva, y los subgéneros que toco, más duros y cambiantes, no me resulta cómoda, ya que necesito hacer cambios drásticos y rápidos, y cuatro perillas en lugar de tres me ralentizan. Ahora bien, reconozco que el nivel de matiz que se puede conseguir con la XONE 96 en otros géneros más sutiles, donde el sonido prima más que la energía, barre a Pioneer. Así que lo importante en este punto a la hora de decantarse será que analices qué pinchas y cómo lo haces.

LOS FILTROS - Aquí no me voy a nadar con rodeos. Sí, los fltros de XONE son mejores. Punto. Cortan de forma menos agresiva y, sobre todo, generan mucha menos resonancia alrededor de la frecuencia de corte. El resultado es una atenuación más elegante, menos metálica y punzante. Una delicia. Ahora bien, cuidado con dejar el botón del fltro activado porque, aunque no le estemos dando señal desde la perilla, ya se está produciendo la atenuación. Esto es algo que también pasa en la V10 y que, además, como la luz de este pulsador en este modelo es muy tenue, en un evento de día, despista bastante. Y puedes pasarte un buen rato con lo graves recortados sin darte cuenta. A mí me pasó en un festival este verano, ¡así que ojo!

¡CONCEPO ASIMILADO! - Yo no elegiría una mesa solo por los fltros, aunque los uso muchísimo, pero si tuviera que hacerlo, de fnitivamente, apostaría por la XONE 96. Pero veamos más aspectos a tener en cuenta.

ACCESORIOS AUXILIARES - Una de las ventajas de cualquier mesa profesional es que cuenta con una cantidad ingente de entradas y salidas de todo tipo para conectar periféricos auxiliares: un pc, pedaleras, un módulo de efectos, un sinte… Una de las cosas que se le criticaba a la XONE 92 era que funcionaba a las mil maravillas cuando se trataba de elementos analógicos, pero fatal, o incompatible, cuando se trataba de digitales, como la RMX1000, por ejemplo. A pesar de que no domino tanto esta parte, pues no uso elementos externos en mis sets, tengo entendido que en la XONE 96 estos problemas se han solventado. Se aceptan comentarios al respecto.

¡CONCEPO ASIMILADO! - Evidentemente, la compatibilidad será mayor cuanto más se acerquen técnicamente los aparatos. Por tanto, si vas a incorporar elementos externos en tus sets o vas a realizar un live, lo mejor será ir al detalle y ver la compatibilidad exacta de cada cacharro. Porque esto sí que sería determinante a la hora de confgurar tu technical rider, obviamente. Si vas a tirar de hardware digital, yo apostaría por Pioneer.

USABILIDAD - Aquí entramos ya en aspectos más subjetivos que tienen que ver más con las costumbres de cada cual que con los tecnicismos. Por tanto, ¿qué me resulta a mí más cómodo o menos en cada mesa? Teniendo en cuenta la música que pincho, cómo la pincho y cómo me muevo o funciono yo en cabina.

• Knobs o perillas: Los knobs de la XONE me parecen demasiado pequeños y con poca altura. Además, me da la impresión de que están muy juntos y son demasiado iguales todos. Imagino que es la falta de costumbre, pero me resulta incomodísimo guiarme entre ellos.

• Luz: otro aspecto que me gusta más de Pioneer es la iluminación de la mesa. Casi cada knob tiene debajo su luz dedicada, algo para mí fundamental cuando pinchas en clubs muy oscuros. Esto se solventa colocando una lamparita en cabina, pero, de todos modos, pre fero las perillas iluminadas y la minipantalla que me ofrece una mesa digital, que ir a la palpa con una mesa en la que hay poca diferencia entre una sección y otra. Y aquí o te la sabes de memoria o lo vas a pasar mal.

• Faders: otro punto incómodo para mí de XONE son los faders (botones con los que nos movemos por el riel de cada canal). En la 96 no se da tanto, pero en la XONE 92 los faders van tan sueltos que rebotan. Para las personas un poco brutitas como yo, que además tenemos un estilo agresivo pinchando, es un engorro, porque muchas veces te encuentras con que el fader ha rebotado ligeramente en un juego de chops, y el canal ha quedado más bajo sin darte cuenta. Pre fero, por tanto, los de Pioneer, más duros y robustos. Además, tengo la impresión de que en los de las XONE el último tramo de riel es el que realmente cuenta a nivel de decibelios, algo que no me pasa tanto con las DJM, donde encuentro la subida o la atenuación más progresiva.

• Las preescuchas: otro punto engorroso para mí, ya que trabajo muchísimo con los auriculares. Por todos es sabido que los CUE de XONE no se pueden ir acumulando uno tras otro, sino que tienes que apretarlos a la vez si quieres escuchar varios canales al mismo tiempo. Tampoco hay una CUE de master, algo que poca gente usa, pero que yo lo necesito siempre. Con las mesas de Allen & Heath nunca me termina de quedar claro qué estoy escuchando. ¡PERO! He descubierto un truco para la XONE 96: si aprietas a la vez, durante cinco segundos los dos botones de LPF (low pass flter) activas la opción de sumar preescuchas tal y como sucede en Pioneer. Lo cual me acaba de cambiar la vida :)

Estas son mis apreciaciones personales, pero en este punto, lo mejor es probarlo por ti mismx y que decidas qué te va mejor.

HACER UN B2B - Otro de los argumentos a favor de los defensores de la XONE 96 frente a la DJM900 NXS2 es que, a la hora de hacer un back to back, solo los mixers de Allen & Heath ofrecían la posibilidad de tener dos preescuchas independientes para que lxs dos DJs no tuvieran que compartir auriculares. ¡PERO! Esto es algo que ya han incorporado los nuevos modelos de Pioneer, en los que tienes botones de preescucha, volumen y balance de mezcla por separado, para poder poner temas juntxs o hacer el relevo más cómodo. Por tanto… no digo más.

Antes de empezar con las conclusiones, me gustaría resaltar las mejoras que no he comentado y que ha incorporado Pioneer a sus modelos más recientes.

DJM-A9 Y DJM-V10 - Como hemos ido viendo a lo largo del texto, muchas de las prestaciones que hacían incomparable a la XONE 96, han sido solventadas con los nuevos modelos DJM, lo cual, bajo mi punto de vista, hace que Allen & Heath tenga que ponerse mucho las pilas en sus siguientes lanzamientos.

La DJM-A9, es para mí la mesa más completa y cómoda en este momento. Es la perfecta heredera de la clásica NXS2, pero incorpora mejoras muy interesantes que hasta ahora solo tenía XONE, como es la EQ del booth monitor, porque cada cabina es un mundo y merece mucho la pena ponérsela al gusto; la doble sección de auriculares para b2b, o la asignación del canal de efecto con un botón independiente para cada uno (entre otras muchas cosas). También presumen de haber mejorado el sonido restando ese carácter tan frío que tanto le critican sus detractores.

La tengo poco manoseada todavía, pero prometo ampliar información en cuanto la toquetee un poco más.

La DJM-V10, para mí, es demasiado. Hay tantas opciones, tantos botones dedicados y tanto canal… (6 canales en lugar de 4). No necesito tanta historia. Eso sí, es un mesote importante e incorpora una cosa que para mí es clave: un compresor para cada canal. Para quien no sepa cómo funciona un compresor, son controladores de la dinámica. Resumiendo mucho, lo que consigue la compresión es reducir los picos del track permitiendo hacer el sonido más presente y amplio. Esto, en términos de cabina, se traduce en que te permite engordar un tema que tiene menos presión sonora y así igualarlo al resto. A nivel práctico, es ideal para pinchar mezclando vinilo y digital, ya que la diferencia de la señal es notable; o para igualar temas muy antiguos masterizados cuando el estándar de mercado no era la salvajada de compresión que tienen las producciones actuales. Para mí, que reviso mucha música muy antigua en mis sets, es una herramienta perfecta. Pero no elegiría este troncho de mesa solo por eso. Me sigo quedando con la DJM-A9.

CONCLUSIONES - Las cartas están sobre la mesa, nunca mejor dicho. Creo que estamos ante dos gamas de mixers profesionales imponentes. No creo que se pueda decir que una es mejor que la otra, pero sí considero que hay que tener en cuenta todo lo que hemos comentado a la hora de decidir qué nos va mejor como DJs y no dejaros llevar por las tendencias del sector. Yo diría:

DJS PIONEER:

• Estilos agresivos, old school. Con cambios bruscos y mezclas dinámicas y cortantes, con mucho juego de faders.

• Apasiondxs de los efectos y el juego creativo.

• Obsesxs de la preescucha y del trabajo constante con auriculares.

• Géneros más contundentes y con poco matiz en medios.

• Salas con potencia sobrada y buen trabajo en el área de graves.

DJS XONE:

• Estilos suaves, progresivos, con mezclas sutiles, imperceptibles, fnas y elegantes.

• Géneros con mucho matiz, como el techno más hipnótico, el ambient, etc.

• Apasionadxs del sonido analógico, más cálido y envolvente.

• No les importa los efectos o tampoco les importaría hacerse con un par de pedales.

• Lives analógicos.

• Si solo pinchas a vinilo.

• Salas a las que les falta calidez y trabajo de graves.

Choose your weapons, my dance f oor warrior!

Faltándole un tercer brazo para pinchar con la V10, se despide NiZ.

SUDÁFRICA:

la escena queer underground está reinventando la cultural del ballroom a su manera

Autoría: Tazmé Pillay

Traducción / Adaptación: Helena Bricio

Créditos: Courtney Rabbit

Enlaescenaenaugedelballroomsudafricano,fguras yDJpionerosestánencontrandosupropio"Ha"enel pasadodelpaísyenlossonidoscontemporáneosdel gqom,elamapianoyelafrobeat.

Al grito de "DJ, cut the beat" (DJ, corta el sonido) la sala se queda en silencio, un pecado imperdonable en cualquier otro lugar, pero esto no es una discoteca. Esto es un ball. En la pista, los competidores se congelan en mitad de la batalla. El público murmura: "¿Es un chop?". En el micrófono está la madre pionera de la casa Cheshire Vineyard. Aquí, su palabra impera. Alguien sin escrúpulos, ajeno a las reglas de la casa, ha irrumpido en el escenario. Vineyard no lo va a consentir.

"No es tu momento, cielo", bromea, con una severidad maternal que te recuerda por qué es una de las líderes más veneradas de Sudáfrica. La escena podría estar sacada directamente del Harlem neoyorquino de los 90, pero se desarrolla en un almacén rehabilitado a las afueras de Ciudad del Cabo, junto a las ruinas del Distrito Seis. La música vuelve a sonar: un bootleg de Sho Madjozi. Esto es Spectrum, el ball que fundó Vineyard. Van a protagonizar uno de sus infames "momentos didácticos", un gesto hacia la actual relación de Sudáfrica con el ballroom como zeitgeist y lengua franca.

En los últimos seis años, la cultura del ball ha provocado una revolución en el underground queer de Ciudad del Cabo y Johannesburgo. Eventos como Spectrum y el legendario VNJ Ball están haciendo evolucionar el sonido del ballroom desde su léxico estadounidense hacia algo exclusivamente sudafricano. Esta nueva vanguardia no sólo adopta la cultura del ball, sino que la rehace a su propia medida.

Seguro que en el Spectrum o el VNJ de toda la vida escucharás bootlegs de house de los 90 y a Azealia Banks. Pero entre estos estilos habituales se encuentra la música de club endémica de Sudáfrica. Al igual que el ballroom, estos estilos nacen de la privación de derechos. Están el gqom y el kwaito, la música yaadt de Ciudad del Cabo y la it-girl actual de la electrónica africana, el amapiano.

"La cultura de Ball post-Covid me presentó a una gran cantidad de jóvenes DJ queer que han estudiado el sonido y lo han interpretado a su manera", dice Vineyard. "Han tomado la identidad sonora histórica del ballroom y la han integrado con la suya propia". Sin embargo, las personas que son DJ en estas festas acostumbran a pinchar también las pistas de baile de los clubs nocturnos. Yvonne Me, de Ciudad del Cabo, lo sabe bien. "Es algo muy raro, porque [en el ball] no pincho para el público. Lo hago para la gente que des fla en las distintas categorías", dice, reconociendo que su papel ha cambiado. “La música funciona aquí de forma diferente a como lo hace en una pista de baile [de un club].”

"Es el latido del corazón", explica Vineyard. "El ballroom no es una festa más. Cada categoría exige su propia paleta musical, lo que hace que el ballroom sea tan rico. Realmente puedes viajar a través de un espectro sonoro". A quienes se contrataba para pinchar en las primeras funciones de Vineyard como DJ, esto supuso una curva de aprendizaje. "Al principio, hubo un proceso en el que trabajé muy estrechamente con las personas a las que había pedido que pincharan", recuerda. "Creo que eso es lo asombroso de todo esto. Al no haber un marco de referencia, todo lo que se ha desarrollado ha sucedido por sí solo".

Yvonne Me recuerda haber buscado en Google "¿qué es la música ballroom?" antes de decidir: "voy a poner en una lista de reproducción las canciones que realmente me gustan y un par de canciones retro, porque ¿por qué no puede ser eso música ballroom?". Para ellos, el ball es una oportunidad de reivindicar sonidos locales de los que la comunidad queer se ha sentido excluida. "Lucho contra el hecho de que no estemos introduciendo la música house local en nuestra cultura ballroom", comenta. "Creo que existe la percepción de que la música house sigue estando dominada por los hombres. Se ha levantado un muro contra ella. Me molesta, porque la música house está muy arraigada a nuestra cultura como pueblo africano. No estoy dejando de lado mi condición queer para implicarme en ella, estoy intentando crear un espacio de aceptación".

La cultura del ball, tal y como la conocemos, se remonta a la década de 1960 en Nueva York. Surgió como reacción de las drags queens negras y latinas contra el racismo inherente a los concursos de drag queens blancas. Crearon un espacio para que las drag queens racializadas encarnaran la "realidad" de identidades que les estaban vetadas en la vida real, como empresarias adineradas o miembros de la alta sociedad del Upper Eastside. También se convirtieron en un espacio de seguridad y visibilidad para la comunidad transexual, excluida de la escena drag. Los cuerpos, que rechazaban las reglas de los des fles blancos, se liberaban para moverse a su antojo, lo que dio origen al estilo de baile vogue y a la música house que lo acompañaba. Pero en Spectrum no te encontrarás inmediatamente con "The HA". El ballroom sudafricano cultiva su sonido (y su comunidad) a partir de lo que ya existe aquí.

"Para mí, las cosas cambiaron mucho cuando se descubrió el archivo Kewpie", dice Vineyard, re friéndose a una colección de fotografías adquirida por el Museo del Distrito Seis en 2018, que documenta a una líder de la comunidad queer de los años 60 y la antepasada más cercana de Vineyard. "Kewpie no solo interpretaba la feminidad, quería moverse. Siento que eso es muy propio del ballroom. Y ahora lo sabemos, cuando el ballroom surgía en Nueva York, teníamos a Kewpie y a las chicas viviendo su mejor vida en el Distrito Seis".

Para afanzar el papel de Sudáfrica en la comunidad mundial del ballroom, quienes lideran el ballroom en el país fundaron e impulsaron una nueva categoría: "African Realness". "Es una categoría en desarrollo, una oportunidad para hacer nuestra aportación al ballroom", explica Vineyard. "Pero es donde amapiano, los afrobeats y gqom se encuentran auténticamente en el espacio". No deja de ser una feliz coincidencia que estos estilos compartan un asombroso número de similitudes con los ritmos de vogue "tradicionales".

Mandy Alexander, DJ y periodista musical residente en Johannesburgo, ha estado estudiando el ballroom desde hace algún tiempo. Para ella, no se trata de una coincidencia. "Si entras en el Bandcamp de Angel-Ho, la música está ahí, años antes incluso de que tuviéramos una escena de ballroom en Sudáfrica. Y no creo que Angel-Ho sea el único artista".

Ntsikelelo "Lelo" Meslani, DJ residente y quien fundó VNJ, se identifca sobre todo con el gqom y los afrobeats: "El gqom es un claro ejemplo de cómo un sonido local puede aportar la misma energía que el vogue beats, el baile funk y el Jersey club en los ballrooms de todo el mundo". Alexander coincide: "Es como mi teoría sobre la música en sí", dice."Lo que yo toco tiene sus raíces en Detroit, Chicago y Nueva York, pero su esencia procede de África".

Vineyard identifca estos vínculos a un nivel más somático. "En los cánticos icónicos del MC es donde se produce esta hermosa transición al ballroom sudafricano, porque comprendo visceralmente la conexión que el ballroom tiene con las antiguas culturas africanas, donde los chamanes estimulaban el movimiento del cuerpo a través de la voz. En el ballroom, la forma en que la gente mueve el cuerpo es algo radical, liberado".

Para liberar de verdad los cuerpos, primero deben sentirse cómodos. Alexander lo entiende, especialmente en Ciudad del Cabo, donde las cuestiones de accesibilidad inf uencian en lo que ella pincha en un ball. "Soy de Grassy Park, fuera de la ciudad. No es muy fácil acceder al CBD [distrito central de negocios] si no estás allí o como a 10 minutos. Así que sabiendo que la gente se apresura para llegar al CBD, si soy DJ en el ball, voy a crear un espacio de familiaridad, casi como una vuelta a casa".

KDOLLAHZ, residente de Spectrum, lo enfoca como un caso de saber "de dónde vienes antes de saber a dónde vas". Los balls le permiten conectar con el pasado. "Lo bonito de la cultura del ball es que siempre estamos haciendo referencia a nuestros pioneros y transcestros". KDOLLAHZ ha sido descrito como el "papá de la música yaadt", un estilo que, según Vineyard, "cualquier [persona] de color del Cabo reconocerá como el sonido de su infancia".

A pesar de sus connotaciones negativas en otras partes del mundo, "de color" es el término legalmente reconocido para designar a la diversa población mestiza de Sudáfrica. En el Cabo Occidental, donde reside la mayoría de esta población, se identifcan

con orgullo como "Cape Coloured" para especifcar una herencia cultural dividida entre colonizadores holandeses, esclavos sudasiáticos y grupos indígenas sudafricanos.Por eso, KDOLLAHZ ha puesto banda sonora a Spectrum con una música arraigada en una identidad local especí fca."El estilo de moda de antaño, o 'Old Way', tiene mucho que ver con el pop, el house y el R&B de los 80 y los 90 que se encuentran en la música yaadt, que es mi pan de cada día", afrma. Vineyard opina que la presencia de la música yaadt en Spectrum "enlaza con esta esencia de comunidad" al evocar el sonido de los espacios donde tradicionalmente se reúnen las comunidades.

En VNJ, Meslani intenta honrar la historia de Johannesburgo de "escenas vibrantes en Yeoville, Hillbrow y Soweto", a pesar de que la documentación sobre la escena queer de la comunidad racializada sudafricana durante el apartheid es dolorosamente escasa. "Es devastador no tener estas cosas en el archivo", dice Vineyard, señalando que no tenemos forma de saber cómo sonaban las funciones de Kewpie."Y creo que ésa es nuestra gran pérdida como generación. Estamos de duelo por este borrado que es consecuencia del apartheid". Aun así, es posible hacer conjeturas basadas en las pruebas. "Al igual que las niñas estadounidenses se ponen nombres de ateliers y modelos, las niñas de Kewpie se ponían nombres de estrellas de Hollywood. Podemos imaginar que el sonido estaba muy inf uenciado por las películas que veían. El jazz también era muy importante". Vineyard imagina que el intercambio cultural entre los clubes de jazz clandestinos y la comunidad de Kewpie habría sido probable. "Hay una imagen increíble de una joven Miriam Makeba con las chicas", comenta. El jazz también habría de fnido el panorama pop sudafricano de la época. "Creo que el sonido del ballroom es también una respuesta a la cultura pop", explica Vineyard. "Es una respuesta al sonido de la época".

El uso del pop como herramienta social continúa en las sesiones de hoy, ya sea a través de las remezclas yaadt de KDOLLAHZ o de la alegría colectiva de celebrar el gran éxito de Tyla, "Water". Pero el ejemplo más pertinente es "Renaissance". Desde su lanzamiento en 2022, la obra de Beyoncé ha tenido bajo control los salones de baile sudafricanos. El álbum rinde homenaje a la cultura del ball estadounidense y a sus pioneros, imaginando un ballroom alternativo fuera de nuestro momento sociopolítico. Lo hace fusionando ritmos house y vogue con sonidos del canon de la música de baile africana. En esencia, "Renaissance" suena a sueño, exactamente a lo que la comunidad sudafricana del ballroom ha estado dando forma durante la última media década.

"Estados Unidos está despertando hacia esas raíces de las que siempre hemos sido conscientes", comenta Vineyard. "En plan, vale, estamos recontextualizando esas raíces hacia nosotros de nuevo". Y lo que es aún más pertinente, "Renaissance" parece menos una explotación y más un homenaje, en marcado contraste con, por ejemplo, "Vogue" de Madonna. "Beyoncé da crédito a las chicas de la comunidad. Está incluyendo la cultura".

Aunque Vineyard se siente agradecida por el creciente reconocimiento de la contribución del ballroom a la música electrónica, hay una delgada línea que separa el aprecio de la apropiación. "Si no repercute en bene fcio de la comunidad de algún modo, es problemático". El famoso documental de 1990, Paris Is Burning, se atribuye a una mujer blanca cisgénero, ajena al mundo del ball. Es un ejemplo de cómo la estética y la narrativa del baile de salón han sido explotadas por las mismas estructuras de poder a las que se opone. "Como tenemos una historia de apropiación de la escena de los ballrooms estadounidenses, creo que podemos gestionarla mejor", afrma Vineyard. "Gracias a la hipervisibilidad y reputación de Spectrum, podemos exigir responsabilidades".

Su advertencia va dirigida a los principales DJ y promotores sudafricanos, algunos de los cuales ya han intentado sacar provecho del ballroom como tendencia. "No se puede pinchar ritmos de ballroom y contratar a gente que nunca ha bailado para que haga 'nogueing' en el escenario. No puedes hacer eso. Porque todo el mundo sabe dónde está la cosa ahora. Si quieres aprovechar el ballroom, ven a la fuente, ven a la comunidad. Trabaja con nosotros".

Para Sudáfrica, el ballroom no es una aproximación a la cultura estadounidense: es algo personal. A pesar de adoptar una constitución pionera a favor de la comunidad LGBTQIA+ en los albores de su democracia, prevalecen las luchas a las que se enfrentaron Kewpie y su comunidad hace 60 años. Es parte de la razón por la que el ballroom ha quedado confnado por ahora a las ciudades de Ciudad del Cabo y Johannesburgo. "La juventud queer sigue sintiendo ese desplazamiento cuando se la condena al ostracismo, se la expulsa, se la aparta", afrma Vineyard. "Eso es algo que todavía experimentan muchas personas queer de color de los Cape Flats. También hay un cálido abrazo a los cuerpos queer, pero sigue existiendo esa sensación de... marginación".

De hecho, uno de los pioneros originales de los ballroom del país, la madre fundadora de The House Of Le Cap Kirvan Fortuin, perdió la vida a manos de un crimen de odio en 2020 junto a varios otros cuerpos queer. Dos años después, The House of Le Cap lanzaría The Legacy Ball en honor a su madre. El Ballroom entonces, como tantas de las revueltas lideradas por jóvenes en Sudáfrica, es un acto radical de rebeldía.

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

EVL TOM

Absolute Melt

Jack Said What (Out Yer Box)

No diría que el mes de febrero ha venido precisamente con lanzamientos muy boyantes. Más bien ha sido una cosecha escasa y ‘aburridiza’. Sin embargo, voy a meter en la saca de la excepción este álbum realizado por Tom Beaufoy (Evil Nine) bajo el seudónimo Evl Tom. ‘Absolute Melt’ suena como si toda aquella rabia que nos vencía y exaltaba durante gran parte de los 90, y en raves alternativas que se multiplicaban por doquier, hubiese ido a los cursos de una psicóloga holística para ahora regresar tupida en un remanso de beats y ánimos pacifcados. Es un gustazo escuchar como las zarpas de stabs sintéticos y ritmos entrecortados -antaño hardcore- se serenan y bailan con nosotros sin darnos una dichosa taquicardia. Títulos que destacan: ‘Rebels of the Neon God’, ‘A Prayer’, ‘Trees’ y ‘The Heathers’.

TINLICKER

Cold Enough For Snow [PIAS]

Este exitoso dúo con base de operaciones en Utrecht, desde donde encandilan a medio planeta, acaba de lanzar nuevo álbum de estudio. Micha Heyboer y Jordi van Achthoven -esto es Tinlicker- derriban las puertas del 2024 con un nuevo largo que continuará la estela dejada por ‘In Another Lifetime’ (Anjunadeep, 2022). De buenas a primeras se convierte en una nueva oportunidad para escuchar la peculiar voz de Brian Molko (Placebo), embutida en sonidos electrónicos amables y ultra bailables. En el LP también participan Julia Church, Cloves… o como no, Nathan Nicholson, un asiduo a las peripecias victoriosas instrumentales de estos dos. La síntesis plagada de arps, melodía y color, junto a beats electrifcantes fabricados para gusto de las masas, campan como ranas en un estanque. Para los que consumen felicidad.

ERIC HILTON

Sound Vagabond

Montserrat House

Se nota al poco de arrancar con ‘Endless Affair’. Estamos ante uno de los padres de aquella exitosa dupla de largas tardes de downtempo y lounge, los célebres Thievery Corporation. Eric Hilton lleva caminando solo desde hace unos años. Se encierra en solitario en su estudio desde que nos estallase en todo el careto la pandemia. Su estilo continúa fel a esa esencia que lo encumbró (junto a Garza): postales de audio donde convergen de una forma placentera los ritmos rotos cálidos y el pensamiento global. Ambientes electrónicos que, en este caso concreto, se sienten atraídos por el Medio Oriente, el dub, el jazz y lo orquestal. No vamos a encontrarnos con experimentos, el norteamericano no está para nuevos ensayos. En su caso, me contenta que así sea. Tarde de luces para un clásico.

ALISON GOLDFRAPP

The Love Reinvention BMG

A Alison Goldfrapp poco o nada le tiembla el pulso a la hora de meter los dedos en un enchufe para recargar de alto voltaje sus propias canciones, composiciones que antes poseían una fsonomía mucho más adormecida (aunque no siempre es así). Es lo que acaba de hacer en este ‘The Love Reinvention’ donde, y no hace falta ser un lumbreras para darse cuenta, reinterpreta su anterior trabajo ‘The Love Invention’. El techno y sobre todo el house de matices disco y electro son las principales turbulencias que encontraremos en este vuelo. Productores como James Greenwood, o Richard x, se encargan de que así sea. Sin embargo, para este menda, la voz de Alison es la que siempre brilla. Tiene estrella la británica. Y ojo con el rework de Röyksopp para ‘Impossible’.

DJ CHAVEZ

Me voy sin más

Tang Lang Music

Un veterano del hip hop abstracto patrio que posee la templanza de la grulla, animal de espíritu noble dentro de las artes marciales chinas, disciplinas que DJ Chavez -ex Magnátiz- conoce bien. El elemento favorito del de Santa Coloma de Gramenet es el beat sincopado engendrado con kits destructores, pero que, a medio tempo (sabia pasión por la marca del 90) y edifcado con las técnicas de un muy buen turntablista, adquieren la cualidad del mejor narcótico. Sostienen también su propuesta los bajos oscuros y profundos. En ‘Me voy sin más’ se asocia de principio a fn con 7·2·7·4, MC que colma de rimas -en castellano- la decena de cortes con los que cuenta el LP. Dentro de este puñado de ofrendas, permitidme condecorar piezas como ‘Parte tu cerebro’ y 'Soñamos, luchamos, tenemos, vivimos’.

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

LEE “SCRATCH” PERRY

King Perry

False Idols

Artí fce es poco. Un creador y un innovador que seguramente se coló en la mayoría de nuestras vidas a través de sus colaboraciones con artistas de la talla de The Orb, Brian Eno o uno de sus discípulos, Mad Professor (pilar esencial en el ‘No Protection’ de Massive Attack). Pues bien, el “Profeta” e icono del dub regresa de manera póstuma con ‘King Perry’. Un alma y una entrega como la suya jamás caerán en el olvido ¡Y unen! En esta ocasión, en un largo de 12 pistas, a gente como Tricky, el aclamado productor Daniel Boyle o Shaun Ryder (Happy Mondays). El nuevo LP es una animalada donde tan pronto lo enchufas te invade la emoción. Sorprenden -para bien siempre- cortes como ‘Green Banana’. ‘No Illusion’, ‘Jesus Life’ o la ultrasensible ‘Goodbye’, por su catálisis con el beat y los graves. Por esta vez, ¡viva el Rey!

BOUNDARY

Óxido en el espejo

Exotic Robotics

Se trata de un descubrimiento para mi. Tras el capuchón de Boundary tenemos a Josué Suero Javier, artista de Santo Domingo (República Dominicana) que apuesta por la experimentación acústica y sonora. Tras EP como ‘Confrmado por aquellos’ o ‘Interlazados’ se descubre con este doble larga duración. ‘Óxido en el espejo’ explora la plasticidad de la música electrónica. Este niño-grande (si tenemos presentes la edad y el talento) es capaz de jugar con las épocas y con las texturas sintéticas. En su lenguaje se entrelazan fnas capas que, sinceramente, en momentos como ‘Tesis de nubes y conclusiones’, te deja anonadado. El techno Detroit tempranero -’Las Aves Ya Saben Donde Ir’, ¡oh sí!- así como el ambient británico y japonés, están en su forma de relatar canciones y conducirnos a su particular planeta imaginario.

Igual ya lo sabéis, pero no suelo dejarme llevar mucho por las recopilaciones. En especial aquellas que tienen el mismo encanto que una patata frita fría. Cero. Pero este no es el caso. Decía el ensayista Gary Snider que “tener un lugar signifca que sabes lo que signifca un lugar... integrando la conciencia nativa con la mítica”. En esta ocasión, Air Texture, nos regala la oportunidad de conocer más a fondo el alma electrónica de un país tan opulento como Chile. Su profunda y compleja riqueza, llena de enigmas, traducida en diez composiciones de pura electrónica. Es Pía Sotomayor (Kleine Pia) quien queda al cuidado de este entramado donde faltan el techno, el electro o ritmos partidos que rozan lo bizarro. Bajo su amparo, y donando sus temas, desflan Alisú, Valeotro, Fantasma, Maga o el gran Atom™.

BV001LP

Sector 7 Sounds

Inmerso en una especie de after dentro del hall de una nave futurista donde la resaca me la van trayendo en frascos pequeños. Hasta diez pinchazos seguidos que nos llegan desde el corazón más sombrío de Bristol. Boofy & VMO$ no paran de remover en el underground británico. Y suelen hacerlo con sonidos de club ágiles y autoritarios, todo lo que un buen BPM a 140 sea capaz de dar. Sin embargo, en este bizarro crucero, el beat se evapora tan rápido como el alcohol a la intemperie. Abrazan la esencia de un señor resacón a través de voces y golpes ralentizados, atmósferas borrosas pero honestas. Una omnipresente cadencia lenta que se desliza y aturde. Nos sumergimos en un ambiente de paz y de abandono. Delicias como ‘B Down’ o ‘Will U Ever Kno’ para dulcifcar un ‘mal viaje’.

La frescura del combo Dowdelin cuenta en sus flas con el arte y la magia en la producción de David Kiledjian aka Dawatile, ahora también en solitario como KILEDJIAN. ‘The Otium Mixtape’, así se titula este desmarque donde vamos a seguir degustando su enorme querencia por el afro-soul de tintes jazzísticos y futuristas. La electrónica al servicio de las voces negras y los ritmos curvos patrimonio del hip hop o el funk. Su sonido es generalmente de consumo lento, esto es, se paladea y se baila sin prisas. ‘Promesses’ es un perfecto ejemplo. Los pellizcos sintéticos de ‘Tonight’ y ‘Silver Cab’, también. Delicado y afnando cada rincón, su música se nutre además de voces como las de Sako Wana, Macha Gharibian, Celia Wa o Cindy Pooch. Ah, “Otium”, término de la antigua Roma para designar el tiempo dedicado al asueto (ocio).

BOOFY & VMO$

VVAA

Place: Chile

Air Texture

KILEDJIAN

The Otium Mixtape Underdog

Críticas | EDM/DANCE

Autor:

WILLY

ALCOCER | willy@djmag.es

DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE X TIËSTO X W&W FEAT. DIDO

Thank You

CHEEKY RECORDS (SONY MUSIC UK)

Preciosa historia la de este lanzamiento: Vegas & Mike re-imaginaron el eterno 'Thank You' de Dido como un bootleg para sus actuaciones en Ushuaïa Ibiza. Contactaron con Willem Van Hanegem y Ward Van Harst (W&W, ya tan residentes del Mainstage de Tomorrowland como los propios hermanos Thivaios) con la idea de incluir los míticos acordes de su histórica colaboración 'Arcade' (esos con los que el público mueve sus brazos de lado a lado), transformándose en la icónica melodía original de Dido. La respuesta del público mundial fue tan inmediata y exagerada, que el propio Tiësto ofreció su experiencia para terminar de convertir la producción en una auténtica obra maestra sonora. Las imágenes del tema en Tomorrowland llegaron a Dido. Asombrada, contactó con los artistas: quería volver a cantarlo para ellos.

DAVID MAY FEAT. SNOOP DOGG

Gettin’ Jiggy With It

DAVID MAY MUSIC

¡Qué maravilla hablar del mismísimo Snoop Dogg en DJ Mag España! El ya también mundialmente afamado productor y DJ David May se ha unido al legendario rapero (Calvin Cordozar Broadus Jr.) para dar nueva vida al mítico ‘Gettin Jiggy With It’ de Will Smith. Queridos lectores: esto va a funcionar en pistas y radios de todo el mundo. La esencia de la canción está ahí, impoluta, sin perder un ápice. Y, sin embargo, ahora no sólo es más bailable que antes, sino que lo es para más sectores de público. Por cierto: David y Snoop no se anduvieron con tonterías a la hora del lanzamiento: organizaron una espectacular festa de presentación en el Gran Premio de F1 de Las Vegas. No creo que nada pueda sonar más limpio y potente que esto.

DJ JOSSI

Another Night

ADDICTING RECORDS

A ver si José Quintela Rodríguez deja de publicar estas joyas -¡o que baje un poco el nivel, cosa que aún no ha pasado!-, para no verme yo en la necesidad moral de traerlos aquí. Pero, ¿cómo no comentar estas maravillas? El DJ/productor gallego sigue recorriendo las cabinas de Galicia, y -ojo- está a punto de dar el salto internacional tras haber frmado con una de las agencias más importantes de Europa. He aquí un tema de contrastes: la preciosa vocal emana melancolía, versando sobre no perder tu tiempo con alguien que no lo aprecia; en contraste, la melodía inspira alegría, libertad y festa. Impecable factura técnica, con ni más ni menos que cuatro layers para crear el poderosísimo lead principal. Y se nota. Enhorabuena, compañero.

ALDO

VANUCCI, MILA FALLS Impossible HELIX RECORDS

Esta versión del productor británico Aldo Vanucci -con la voz de su compatriota Mila Falls- del éxito de 2010 de Shontelle, ‘Impossible’, es de esos temas que debe su actual éxito masivo a un golpe -bestial- de viralidad en TikTok. En diciembre de 2023 saltó a las redes tras sonar una noche en el club del DJ belga Karakal, quien capta el momento y lo publica en su TikTok, donde automáticamente se viraliza con 3,2 millones de visitas, 266.000 me gusta, y 24.000 compartidos. Desde entonces, la canción ha experimentado un aumento de escuchas a nivel mundial en todas las plataformas. Su pico de streaming global diario en Spotify actualmente es 30.000, y sin signos de desaceleración. Tan apetecible para bailar como para escuchar.

OH MY CID, DE QUALITE, 3 PA 3

Culo Grande GROOVE BASSMENT

Otro ilustre gallego vuelve a esta sección: Omar Cid. Tras un verano cargado de actuaciones por toda la península, incluyendo salas de gran renombre como Opium (Madrid) o Dreamers (Marbella), el DJ/productor vigués debuta en el sello Groove Bassment. Se le unen el estadounidense De Qualite y el grupo dominicano de cantantes 3pa3. Los artistas nos traen una fusión perfecta entre el Tech House y los ritmos latinos, con una vocal al más puro estilo Dembow. Me explica "Don Omar" (Cid, se entiende) que la idea de todos ellos era hacer un tema destinado al uso en salas, que a la vez se pudiese cantar fácilmente mediante una vocal con tirón y fácilmente recordable. Bien: eso es exactamente lo que han conseguido. Éxito asegurado en base a una cuidadísima producción.

01. DANY BPM FEAT. MARÕA FERNÁNDEZ 'Felicit·' [Addicting Records]

02. DAVID GUETTA, ANNE-MARIE, COI LERAY 'Baby Don't Hurt Me' [Parlophone UK]

03. DIMITRI VEGAS & LIKE MIKE X TIÀSTO X W&W FEAT. DIDO 'Thank You' [Sony Music UK]

04. DVBBS, BORGEOUS 'Tsunami (Gabry Ponte Remix)' [Spinnin' Records]

05. BENNETT 'Vois Sur Ton Chemin' [Warner Music]

06. PREZIOSO X HARRIS&FORD 'Halo' [Universal Music]

07. HARRIS & FORD, ITALOBROTHERS 'Party Everywhere' [Virgin Records]

08. GABRY PONTE 'Easy On My Heart' [Warner Music]

09. SASH!, INNA, R3HAB 'Rock My Body' [Spinnin Records]

10. W&W X AXMO 'Heaven Is a Place On Earth' [RAVE CULTURE MUSIC]

DJ JACOX

Críticas | UK GARAGE

Autor: BORJA COMINO | borja@allinpress.com

OTIK Cosmosis 3024

Después de una década construyendo un sólido cuerpo de cortes de club, 'Cosmosis' ve a Otik ocupar un lienzo más amplio del álbum con un escaparate de espectro completo de lo que le hace funcionar. Otik combina jungle hardcore, garage house y beatdown con un toque ambient ingrávido, el hardcore rave se sienta junto al garage house atornillado y toques atmosféricos. El grueso del álbum explora múltiples tempos para varios momentos de la noche. La melodía que da título al disco se precipita desde los breaks del 92 hasta los arps breakbeat trance de fnales de los 90 en un modo propio de 2023 con exuberantes pausas para la refexión, como por ejemplo, en los leads de ‘Blue Hills’ y en la felicidad coral de ‘God Given’ y el resto empieza a deambular entre los 110-130bpm, rodando un poco más hacia el trance-house.

LEON VYNEHALL

Duofold, Rosebud/Black Dove

Studio Ooze

Leon Vynehall se encuentra en esa etapa enrarecida de su carrera en la que puede lanzar un solo tema sin ninguna promoción real y causar sensación, y eso es exactamente lo que ha hecho con ‘Duofold’. El anuncio fue que DJs de todo el mundo lo pincharon durante meses antes de que saliera a la venta. La voz es tranquila, la línea de bajo se mantiene en un punto de ebullición cuidadosamente controlado y los saltos de intensidad son graduales en lugar de sísmicos. Se trata de un equilibrio entre lo físico, lo cerebral y, por supuesto, lo placentero que Vynehall siempre consigue con tanta pulcritud. Después de sacar su recopilatorio fabric presents, aún le quedaron ganas de hacer un par de temas más de puro baile, de donde salió su doble single ‘Rosebud’ y ‘Black Dove’ que hacen brillar las capacidades más rítmicas del productor británico.

DOCTOR JEEP Machine Learning Nerve Collect

Una emocionante mezcla de ritmos retorcidísimos del productor brasileño-estadounidense afncado en Nueva York. Doctor Jeep aka Andre Lira es un productor capaz de entrelazar los hilos de muchos géneros diferentes en sus propias formas nuevas. A mediados de la veintena, no tardó en hacerse famoso como uno de los jóvenes selectores más eclécticos de Nueva York, mezclando desde los sonidos británicos del dubstep, el jungle y el garage hasta sonidos regionales americanos como el Miami bass y el Baltimore club. Sus sonidos vanguardistas beben de todo, desde el drum & bass al techno, pasando por el dancehall y el electro, siempre con un enfoque inquebrantable en la pista de baile. Hasta la fecha, ha trabajado en sellos tan eclécticos como TraTraTrax, de Medellín, SPE:C, de Berlín, y su propio sello DRX. Los 6 temas de este EP muestran la variedad de Jeep, desde los kicks distorsionados y los sintetizadores ágiles pasando por las mutaciones grime futurista un dancehall ravero.

BENUTS

AMALIAH Manifold EP Borne Fruits

El sello On Loop de Moxie presenta este esperado EP debut en solitario de Amaliah. El año pasado, la fundadora de Borne Fruits se asoció con Or:la para un EP de ediciones de Beyoncé y Missy Elliot a benefcio de la Black Trans Foundation. También publicó el tema ’T-Siren’ como parte de una compilación Earful of Wax. La emergente londinense cumple sus prometedoras promesas ravey, lanzando un notable trío de temas de club percusivos que enlazan la estética house del Reino Unido con infuencias del soundsystem global, y viene con un maravilloso remix de ‘Helix’ del célebre productor Call Super. ‘Me So’ brilla con burbujeante seguridad, mientras que ‘Spooky Dub’ no pierde el tiempo en encender su groove a lo dembow.

TONY QUATTRO, SIETE CATORCE

Move Like A Fish

Worst Behavior Recs

Este EP pilla a todos los protagonistas en pleno punto álgido de sendas carreras con unas vibras, en este caso, que emanan un aire ritualista y ancestral. ’Qesem Cave’ es una mezcla profunda y disonante de percusión sincopada con barridos hipnóticos e inquietantes golpes de bajo, mientras que ‘Move Like A Fish’ introduce vocales de la típica voz femenina de diva. La extraña y retorcida ‘The Cat’, en la que colaboran los angoleños Lua Preta, consolida a Quattro y Siete Catorce como maestros de la hibridación del diseño sonoro futurista con elementos más tradicionales. En la otra cara de la moneda, el productor de Atlanta Nikki Nair, que ya mostró su amplia paleta y sus variados tempos en una reciente colaboración con Hudson Mohawke, aporta su característico toque actual al proyecto para el remix de ‘The Cat’ con tintes selváticos.

01. FRACTURE, FOX ‘Give Me Love’ [1985 Music]

02. COMMIX, STEVE SPACEK ‘How You Gonna Feel’ [Metalheadz]

03. EJECA ‘Swimming’ [Garry McCartney]

04. CHLOÉ ROBINSON, DJ ADHD ‘Nothingness’ [HE.SHE.THEY]

05. TWO SHELL ‘Oil Slick’ [Mainframe Audio]

06. ACTRESS ‘Crushed’ [Werkdiscs]

07. AVERSA ‘Naileats’ [Aversa]

08. REMARC ‘R.I.P.’ [Suburban Base Records]

09. GOLDEN BOY ‘Wicked Sound’ [Kitty On Fire]

10. DORISBURG ‘Midi Trail’ [Phonica Records]

Críticas | HOUSE

Autor: ALEJANDRO SERRANO | alejandroserranopr@gmail.com

RWBEL

Lluvia

VK Underground Records

VK Underground Records lanza un EP de su mismo artífce, Rwbel, titulado ‘Lluvia'. Un trabajo que pretende redefnir el sonido más hard groovero desde una perspectiva singular. Este trabajo es una composición que no exige atención sino que lo hace silenciosamente, dejando un amplio espacio para la introspección y la interpretación. Es un tema que trasciende lo efímero, invitando a los oyentes a profundizar en su pureza. Cada uno de los tracks nos guía sutilmente a través de un laberinto de ritmos y sintetizadores cuidadosamente calibrados. Su sonido se abre paso y se enrosca para romper y exigir su espacio, dando lugar a una amalgama bailable y escuchable… Nunca inmóvil. Adecuada para todas las mentes y bailes, y con una atención al detalle que entrelaza perfectamente cada capa de sonido, creando un impulso imparable que impulsa la pista hacia adelante.

TURNER CLUB

Hearts and Minds

Turner Club Music / TC Music

Turner Club proviene de la escuela de artistas de Depeche Mode y Larry Heard. Su último trabajo es tan bailable como emocional, creando una yuxtaposición única. Combina una actitud hipnótica con percusiones potentes y super fcies de sintetizador bañadas en negro medianoche. En este trabajo nos sumerge en la magia de unos tracks intrincadamente elaborados que cuentan con ritmos suaves y una atención meticulosa al detalle. Su planteamiento sonoro parte de lo popular y se lo lleva a un escenario actual donde los sintes y los ritmos electrónicos frescos y cosmopolitas nos hacen imaginarnos un mundo libre y valiente. Este trabajo ofrece un fel retrato de su generación y sociedad usando un lenguaje cercano que conecta al oyente por lo directo y descarado de su mensaje, y nos sumerge en atmósferas sonoras tan sensiblemente personales como rabiosamente actuales y sin dependencias.

GASSAN

Galaxy

Exx Muzik

Vuelve el productor Gassan con un lanzamiento nuevo titulado 'Galaxy'. Este intrincado productor sigue sorprendiéndonos con monumentales propuestas musicales, ajenas a modos y modas, en las que la calidad, la emoción, la vanguardia y lo clásico suman en una misma dirección hacia el infnito. Transitando entre la luz y la oscuridad, sirve para conectarnos entre nosotros, pero sobre todo con el yo más profundo; ese mismo que luce oscuro, incluso tenebroso, pero que nos hace tan humanos y que, en demasiadas ocasiones, olvidamos en la cuneta de lo cotidiano. Como era de esperar, en esta entrega el productor se la juega al todo o nada, asumiendo todo el control, ilusiones y riesgos, como es habitual en cada una de sus aventuras musicales. Los sonidos de este inquietante productor transportan al oyente a un viaje y crean una atmósfera de serenidad y bienestar. Y sí, estamos ante una nueva obra maestra de él y no será la última.

MAX SINÀL

ALCHIMIST Nuage Électrique Wout Records

Alchimist vuelve, y lo hace bajo el sello Wout Records con el trabajo Nuage Électrique, donde desarrolla un sonido que tiende al discurso y la introspección, pero sin perder por el camino la lisergia más desenfrenada. De la dedicación al ofcio. Una llamada al baile y la acción, para que las personas se unan y trabajen por un futuro mejor para todos. Es bailable, desde luego, pero nos pellizca el corazón. En este trabajo navega por territorios sonoros nuevos, pero siempre añadiendo el toque personal y la magia que crean el peculiar sonido por el que se conoce al artista. Sofsticación llevada hasta el extremo de la emoción tech. Sin prisa, evoluciona y nos conduce a un espacio extrañamente luminoso, casi destellante a pesar de lo melancolía que exhala, en el que solo sentimos ganas de bailar y de hacer volar nuestra mente hacia no se sabe dónde.

WEEKEND HEROES

Felt The Fire (incl. Erly Tepshi Remix)

Black Rose Recordings

Weekend Heroes han estado trabajando durante mucho tiempo en desarrollar una identidad musical que abarca múltiples géneros. La experimentación musical es su principal enfoque. Ahora publican ‘Felt The Fire’, e incluye el remix de Erly Tepshi. Se trata de un trabajo más electrónico y bailable -hasta el momento- de un Weekend Heroes que avanza con paso frme, y méritos propios, hacia vertiginosos objetivos. Estamos ante una exploración de los sonidos más diversos y bailables taimados por sofsticación de la electrónica europea. Podríamos decir que es un disco sorpresivo y excelente, por deslumbrante y exportable; creado desde el talento, la meticulosidad y la coherencia sonora. Este trabajo inaugura un gran inicio de 2024, sin duda.

01. 2FOX ‘So long’ Ft Liam Bailey & BB James [Soul Quest Records]

02. TIAGO A.F. ‘Choir’ [O Sótão Records]

03. MOTION SEVERN ‘My Way’ (Black Sonix Remix) [Good Vibrations music]

04. KINGCROWNEY X ZOE KYPRI ‘Coat On’ (Slxm Sol Remix) [Soul Quest Records]

05. HOUSE GOSPEL CHOIR FT MORGAN ‘Angels’ (Crackazat Remix) [To The Rock Records]

06. ISAAC CARTER ‘Life We Live Ft Biyi’ [OCHI]

07. KAIDI TATHAM ‘Fricassee’ [First Word Records]

08. LIV EAST ‘So Badly’ (Kid Fonque Remix) [EMK]

09. 4TH SIGN ‘Dep Dip’ [Ondulé Recordings]

10. CHURCH OF ACID ‘Our Atoms Are Old Friends’ (Max Sinàl Remix) [Nie Wieder Schlafen]

Críticas | DRUM & BASS

Autor: DANIEL PANIAGUA AKA D-PR | drumandbass@djmag.es

UNGLUED FEAT. DUSKEE

Minimalizm

Hospital Records

Unglued es uno de esos productores que siempre tengo en el punto de mira, ya que es imprescindible para mí. Jugueteando siempre entre el deep y el jungle es uno de los bastiones desde hace años de Hospital Records, y comienza fuerte el 2024 con un rompe pistas club junto con el MC Duskee bajo el nombre ‘Minimalizm’. Aunque de minimal no tiene nada, ya que es una producción compleja en la que el beat, la línea de bajos saturados y la vocal combinan a la perfección. ¡Un 10 de tema!

FOURD

Need Your Love

Dub Shotta Music

El nativo de Sheffeld debuta con un EP completo en el sello de Benny Page conocido como Dub Shotta. Como siempre digo, el Jump Up si se hace bien, puede ser muy efectivo y este ‘Need Your Love’ es un tema que tanto podría sonar en la radio, como tirar abajo un club. Bajos potentes y una vocal femenina que acompaña las melodías evocadoras al fondo, no dejes de añadirlo a tu playlist de banguerazos.

TWEAKZ & TEEJ

Loud Pack

Delta 9 Recordings

Cuando Delta9 saca nueva música ya sabes que es sinónimo de drum & bass underground de calidad. Con esta collab entre el alemán Tweakz y el anglosajón Teej, ‘Loud Pack’ es el perfecto tema de deep. Baterías bien diseñadas, un bajo potente y arreglos que elevan el tema. Si eres amante de este género, no dejes de escuchar este track que es toda una delicia.

LUPS DIGGA

Here And Now

Anticlockwise Music

El sello español Anticlockwise Music cumple este 2024 su primera década apostando por el producto nacional. Uno de sus fjos es Lups Digga, que se aleja de la contundencia para meterse en el sello a lanzar un gran tema de liquid. Un bajo hipnotizante de fnales de los 90, que junto con el resto de synthes y las baterías te transporta a tu mejor rave.

WIGUEZ, ALLTAIR & JOSH LEVOID

FEAT. P-ONE

Moon Farewell NCS

El último single que compone el gran EP del productor sevillano Wiguez es ‘Moon Farewell’, que cuenta con la colaboración con Alltair y Josh Levoid junto con el vocalista P-One en un tema muy emocional. Se nota todo el cariño, tanto en las vocales en español como en las melodías y los cambios de estilo al trap o hyper pop con un perfecto liquid, ¡gran producto nacional que no debes dejar pasar por alto!

FAK SCRATCH [I Love Jungle]

01. PUTOLARGO & FAK SCRATCH ‘Ya Puedo Ver’ [Self-Released]

02. BENNY PAGE FT. EVA LAZARUS ‘Lucky’ [Dub Shotta]

03. BRIAN BRAINSTORM & CALOOSH ‘Another Innocent’ [Jungle Cakes]

04. CHASE & STATUS X BOU FT. IRAH, FLOWDAN, TRIGGA, TAKURA ‘Baddadan’ [EMI]

05. BAYMONT BROSS FT. STEPPA STYLE ‘Move Ya Body’ (Fak Scratch Remix) [South Yard]

06. KING YOOF FT. NATTY CAMBELL ‘Tempa’ [Jungle Mania Recordings]

07. DANNY BYRD FT. D DOUBLE E ‘Selecta’ [Ministry of Sound Recordings]

08. DNMO FT. WOLFY LIGHTS ‘Bombalaya’ [UKF]

09. DIAGNOSTIX ‘Favela Rave' [Born On Road]

10. ED SOLO & DEEKLINE FEAT. GENERAL LEVY ‘Junglist’ (Kleu VIP Remix) [Jungle Cakes]

Críticas | BREAKS

Autor: EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

ANDREW RUSSET

Come On Boy!

Noyz Music

Hace un par de años hacíamos referencia en estas páginas al maestro Tony Postigo y su Gigamix, una obra maestra que revolucionaba el concepto del megamix. En esta ocasión, el DJ y productor catalán, nos sorprende publicando un single breakbeat bajo su propio sello discográfco Noyz Music. Alejándose de su habitual línea disco e italo-house, de sus proyectos Disco Or Die! y Thunderfunk, Tony produce este futuro clásico de los ritmos rotos que frma junto al DJ Andrés Bermejo, bajo el alias Andrew Russet. Un trabajo con todos los elementos de la vieja escuela y un sonido impecable. Por otro lado, Noyz Music abre nuevo subsello llamado Squeeze It Records, dedicado al drum and bass, estrenando el potente 'We Are Who We Are' de Big Posty.

PLASTIK JESUS FEAT. CARLOS GALAVIS

Stairway 2 Heaven (Darkleads & Kout Remix)

ElectroBreakz

Los estadounidenses Carlos Galavis, de la formación Analog Hustlers, y Johnny Dangerfully, de la formación Brothers Of Funk, formaron en el año 2010 Plastik Jesus, una banda de música electrónica con un sonido único mezclando subgéneros de la música electrónica con infuencias del rock melódico. De esta formación salieron trabajos como el single 'Stairway to Heaven', publicado por Mondotunes en 2014, que homenajeaba al clásico de Led Zeppelin. Este mes sale publicada la versión de este trabajo remezclada por el productor ceutí Kout y el productor malagueño Darkleads. Una nueva vuelta de tuerca creando una producción de nu skool breaks muy pistera, cargada de bajos retorcidos, líneas ácidas y la voz de Carlos Galavis, alias Kriya.

RICK TEDESCO

Black Lace

RUNE Recordings

Uno de mis sellos fetiche para los ritmos rotos de corte progresivo es el sello mitad ucraniano y mitad estadounidense RUNE Recordings. Recientemente, se hacían con el puesto número 5 en la lista de ventas de breaks en Beatport, lo cual es un logro para este subgénero algo alejado de las pistas de baile. Se trata de un genial single breakbeat frmado por Rick Tedesco, cargado de melodías atmosféricas con buena vibra. Además de la producción del texano, el trabajo viene acompañado de dos remixes a cargo de Kelle y Fretwel. No te pierdas otro gran trabajo de la casa como es el single 'Winter Tale' de Akos Gyorfy, que viene acompañado por dos remixes breaks de los genios Framewerk y otro house de Noel Sanger.

MR. FLI [EVASSION]

OREBEAT & CITYBOX Lets Drop Distorsion Records

Citybox es un proyecto formado por Eugene y Alex, aka Mechanical Pressure. Alex cuenta con lanzamientos en solitario por sellos como Fokuz, Distorsion, Viper, Elektroshok, Rune, Melting Pot, Elliptical Sun, etc. Después de unos años sin nuevo material como formación, vuelven con un single publicado por Distorsion, sello por el cual ya publicaron algunos de sus tracks en 2015. El trabajo es una potente producción, en colaboración con uno de los dueños del sello, que seguro animará las pistas de baile esta temporada. En cuanto a Orebeat, lleva un tiempo adentrándose en el mundo de la producción, con resultados tan buenos como este o los singles 'Dreamers' y 'No More Games' con Hankook, 'Two Away' con Alex Clubbers, o 'Back To Bassline' con JIRO.

RENNIE PILGREM

Dirty Planet (Part 1) Bandcamp

Vuelve el padrino del breaks, después de su remix al track 'Yo Retro' de Andy Vibes y de su álbum 'This Is The Way'. Como comentábamos en números anteriores, Rennie Pilgrem ha creado una cuenta en Bandcamp y está añadiendo su antiguo catálogo, el cual estrenó con su primer álbum con TCR 'Selected Werks 1995-2000'. Más tarde regalaba el single 'Acid Part 3', perteneciente a su segundo álbum 'Pilgremage' de 2004, con el que anunció el próximo relanzamiento exclusivo en Bandcamp de su segundo álbum remasterizado. Y como no solo de música retro vive el hombre, Rennie nos ha sorprendido con un nuevo doble álbum, publicando la primera parte de este. 10 nuevas producciones donde el inglés explora diferentes géneros y tempos.

01. GUAU & FUTURE FUNK SQUAD ‘Beat Freaks 2022 (Original Mix)’ [83]

02. AGGRESIVNES & DESTROYERS ‘Wicked Acid (Original Mix)’ [Elektroshok Records]

03. BOWSER & FM-3 ‘Backstage (Original Mix)’ [Banana Club]

04. NOSK ‘Sweet Revenge (Original Mix)’ [83]

05. MOSEH NAÏM ‘Neem (Original Mix)’ [Zeroes & Ones]

06. MUTANTBREAKZ ‘Bring The Beat Back (Original Mix)’ [Guachinche Records]

07. NITRO ‘Tanger (Original Mix)’ [Electrobreakz]

08. RASCO, PERFECT KOMBO & HANKOOK ‘Hyper Go (Original Mix)’ [Distorsion Records]

09. PAKET ‘I Will Fly With You (Badlegs Remix)’ [Musication Records]

10. MR. FLI ‘Serious Soud (Original Mix)’ [Reflexmusic]

ARTURIA KEYSTEP PRO CHROMA

Innovación Estética y Funcionalidad Mejorada

Autor: Victor Fernandez

La constante evolución en el ámbito de la música electrónica nos ofrece no solo nuevos sonidos y ritmos, sino también herramientas cada vez más avanzadas para la elaboración y ejecución de música. En este contexto, Arturia presenta la edición Chroma de su conocido controlador/secuenciador KeyStep Pro, lo cual incrementa la experiencia musical a un nivel más elevado.

El renacer estético: Chroma Edition - Una nueva paleta de colores se despliega con la edición Chroma del KeyStep Pro, añadiendo un acabado en gris elegante que se une a las opciones ya conocidas en blanco y negro. Este cambio estético se extiende a los knobs, adoptando la estética icónica de los Micro/Mini Freak de Arturia. Además, los LEDs, que son la ventana visual a nuestro proceso creativo, ahora brillan en un tono azul. La personalización llega a otro nivel con la posibilidad de elegir el color de las pistas, permitiendo a los artistas refejar su identidad visual en su equipo.

Más allá de lo estético: funciones avanzadas - La verdadera magia reside en la combinación de forma y función. La edición Chroma no solo es un festín para los ojos, sino que también trae consigo un nuevo frmware, el 2.5, que no solo es exclusivo para esta edición, sino que también puede instalarse en el KeyStep Pro original. Este frmware representa un salto evolutivo signifcativo para la serie KeyStep Pro, con características que enriquecerán la experiencia musical de los usuarios. Una de las características más notables es la posibilidad de enviar mensajes de cambio de programa desde cada patrón y pista. Este avance, presente en el frmware 2.5, abre nuevas posibilidades creativas al permitir una gestión más efciente de los cambios de sonido durante la ejecución en vivo o en el proceso de composición.

Diseño compacto, operación poderosa - A pesar de su tamaño reducido, los KeyStep Pro siguen siendo un centro de operaciones robusto para la secuenciación de baterías, líneas melódicas, bajos y acordes. Con teclas 'mini' que se extienden a lo largo de 3 octavas, este controlador ofrece una experiencia táctil excepcional, tanto para la creación de ideas como para la ejecución en directo. La conectividad del KeyStep Pro se mantiene intacta, permitiendo la interacción con sistemas basados en control analógico por voltaje, así como la conexión mediante MIDI clásico (en jack convertible a DIN de 5 puntas con adaptador) y MIDI USB. Esta versatilidad asegura que los músicos puedan integrar el KeyStep Pro Chroma fácilmente en su confguración actual.

Actualización sencilla con MIDI Control Center - La innovación no termina con el hardware; Arturia simplifca el proceso de actualización con su conocido software MIDI Control Center. Este software facilita la gestión y confguración de los dispositivos hardware de Arturia, permitiendo a los usuarios mantenerse al día con las últimas mejoras y funciones. En resumen, la edición Chroma del Arturia KeyStep Pro no solo eleva la estética de los controladores de música electrónica, sino que también impulsa la funcionalidad con su frmware 2.5, brindando a los músicos una herramienta más potente y versátil para dar vida a sus creaciones sonoras. La revolución musical continúa, y Arturia sigue liderando el camino hacia nuevas fronteras en la música electrónica.