DJ Mag ES #152

Este mes de octubre ponemos el broche a un verano mágico lleno de eventos, fiestas y festivales a lo largo y ancho del globo. Para celebrarlo, este mes en DJ Mag España tenemos el placer de recibir en portada a Spartaque, el renombrado DJ y productor ucraniano que ha estado marcando huella en la escena de la música electrónica de manera constante e impactante.

Más allá de la aclamación y la fama, el éxito de Spartaque radica en su dedicación incansable para desafiar límites y explorar ideas vanguardistas. Ha cultivado un espacio vital en la cultura de club ucraniana y la escena techno global, trascendiendo obstáculos con determinación. Hablamos con el artista con motivo del lanzamiento de su nuevo sello Modular States, el lanzamiento de su último EP Cross The Line, sus planes para ADE y mucho más.

En clave internacional, entrevistamos a Boris Brecha con motivo de la presentación de su nuevo show en IFEMA el próximo 11 de octubre, un evento organizado por Brunch Electronik y que dará mucho de qué hablar. Por otra parte, hablamos con ManyFew, el dúo formado por los talentosos hermanos Jacob y Victor Andersson que se ha ganado su lugar en la escena de la música electrónica con sus ritmos contagiosos, melodías irresistibles y un compromiso inquebrantable con la difusión de la felicidad y el buen rollo a través de su música.

En clave nacional, os introducimos a Jon & The Rabbit, un proyecto musical que ha surgido de la colaboración entre dos grandes talentos de la escena musical: Sebastián López y Juano Damiani. En nuestra charla con ellos, profundizamos en los misterios de su colaboración y en el proceso creativo detrás de Our Nation Of Procrastination, su álbum debut.

En cuanto a crónicas, en primer lugar este mes os contamos cómo es vivir en primera persona el evento Burning Man y os adentramos en la esencia de este mágico evento en pleno desierto. En segundo lugar, viajamos hasta Florencia para disfrutar Decibel Open Air, un festival que se lleva celebrando en la ciudad italiana desde hace ya cinco ediciones y que regresó triunfante a principios del pasado septiembre con una gran variedad de talentos musicales internacionales en un marco incomparable.

En cuanto a reportajes, este mes os traemos dos de gran interés. Por una parte, analizamos por qué el embarazo de una artista como Amelie Lens —o mejor dicho, la naturalidad con la que está viviéndolo y exponiéndolo en redes sociales y en las cabinas de todo el mundo— puede significar un avance para todas las DJs de la industria. Y por otra parte, os traemos cinco recursos de Rekordbox que pueden ser muy útiles en la vida de todo DJ.

En nuestra nueva entrega de tendencias, este mes de Octubre dedicamos nuestro espacio a Futur.Shock Live. El club londinense FOLD ha anunciado recientemente la tercera temporada de su programa artístico multidisciplinar interno: esta nueva temporada lleva por título Another Day of Gravity (Otro día de gravedad), y describe un tipo de melancolía colectiva en relación con la ansiedad, el estrés y la sobreestimulación de la sociedad actual. Y como siempre, os traemos las mejores secciones y críticas musicales. Gracias, lectores, por seguir confiando en nosotros mes a mes.

PATRICIA PAREJA Directora

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Breves

Autor: REDACCIÓN

BURNING MAN SE INUNDÓ DEJANDO A MILES DE PERSONAS VARADAS EN EL BARRO

El Burning Man 2023 se vio afectado por una tormenta de finales de verano y lluvias torrenciales, lo que provocó que se inundara por primera vez en la historia del festival. Los organizadores anunciaron: ”las carreteras de la ciudad de Black Rock están demasiado mojadas y embarradas para abrirlas oficialmente el domingo 3 de septiembre”. A última hora del sábado, las autoridades seguían sin saber cuándo estarían las carreteras lo suficientemente secas como para que las caravanas y los vehículos pudieran circular con seguridad. Finalmente fue el lunes de la semana siguiente cuando abrieron las puertas y los asistentes empezaron a salir, aunque se encontraron con una cola de más de 7 horas solo para salir del recinto.

+ info: forbes.es

MICHAEL BIBI SORPRENDE CON UN SET INESPERADO EN EL CLOSING DE SOLID GROOVES

Michael Bibi fue la gran sorpresa de la noche en el closing de Solid Grooves en DC-10. Precisamente en junio, cuando anunció el diagnóstico de su enfermedad, canceló todas sus actuaciones previstas para toda la temporada en Ibiza con Solid Grooves, y en general del resto de clubes y países. El pasado 26 de septiembre, Michael compartió una nueva actualización en redes sociales acerca de su estado de salud comentando que abandonaba —temporalmente— el hospital en el que ha estado más de tres meses sometido a tratamiento contra un linfoma primario del sistema nervioso central (SNC). Pocos días después, el jueves 28 de septiembre, el londinense —fundador de Solid Grooves— se subió a la cabina de DC-10 para ofrecer su primera sesión desde que se vio obligado a pausar su calendario profesional. Sin duda, todo un ejemplo de superación, dejando un mensaje para todos los groovers: One Life, Live It (sólo tienes una vida, vívela).

+ info: djmag.es

SÓNAR TOMÓ LOS MANDOS DEL PIROMUSICAL DE LA MERCÈ 2023

El lunes 25 de septiembre, en la Avenida de la Reina María Cristina, junto a la Fira de Montjuïc, Sónar desplegó toda su magia creativa para poner música, ritmo e innovación al espectáculo pirotécnico fin de fiesta de La Mercè 2023. Para ello, la organización prometió una variada selección musical que recorrió en 30 minutos los 30 años de historia del festival, repasando la participación de grandes compositores e intérpretes que han pasado por el festival desde 1994. Una trayectoria envidiable que Sónar ha celebrado este año con una edición que ha contado con 120.000 asistentes, un éxito histórico que este mismo año les ha valido la Creu de Sant Jordi por su indiscutible contribución, no solo a la música electrónica, sino también al arte multimedia contemporáneo.

+ info: sonar.es/es

HEADHUNTERZ DEJARÁ DE ACTUAR EN 2024

A través de Instagram, Headhunterz ha dado la triste noticia a sus seguidores de que necesita parar de hacer giras: dejará los escenarios de manera indefinida a partir de 2024 y se centrará en su faceta artística como productor. Su nueva música verá la luz en forma de EP en los próximos meses. Aunque la noticia ha cogido por sorpresa a los fans, no es la primera vez que Willem Rebergen se toma un descanso. De hecho, han sido varios a lo largo de su carrera. El artista neerlandés ha querido tranquilizar a sus seguidores explicando que no se trata de una despedida definitiva, pero sí de un parón prolongado sin fecha concreta para volver a subirse a un escenario. A pesar de que sigue declarándose amante del hardstyle y añade que sigue disfrutando del proceso de componer música —algo que promete seguir haciendo— los constantes viajes le hacen sufrir, motivo principal por el cual ha decidido iniciar este parón momentáneo en su carrera.

+ info: headhunterz.com

Hola Tapes, un placer saludarte. Para quien no te conozca, ¿cómo te describirías?

Soy un DJ y productor italiano con un alma musical oscura. Comencé a soñar con ser DJ cuando tenía 14 años. Era verano y quedé cautivado por un DJ que estaba pinchando en la playa. Le pregunté si podía intentarlo yo también, y la respuesta fue un rotundo "no". No me desanimé y decidí que lo haría todo por mí mismo. En ese momento emprendí el camino musical que sigo hasta hoy.

Eres de Pagani, ¿cómo ves la escena electrónica de la ciudad? ¿Y de Italia en general?

La escena musical de mi ciudad difiere mucho de mis gustos personales, siguiendo principalmente las modas pasajeras dictadas por el mainstream. En general, Italia es el país del "Bel canto”, caracterizado por melodías amplias, dulces y encantadoras. En el sur de la península, a esta actitud se le suma un enfoque un poco más "percusivo" que se inspira en los sonidos de las danzas tradicionales y del Mediterráneo. Esta es la verdadera fuente de inspiración para los amantes de la música electrónica como yo.

TAPES

¿Cuáles son tus principales influencias? ¿Cómo llegaste a ellas?

Mis primeras influencias musicales provienen de Kraftwerk, Depeche Mode y Rockes. Es un tipo de música que absorbí desde que era niño escuchando los discos de mi padre. Fue ahí donde comenzó mi preferencia por los sonidos electrónicos. Más tarde, me abrí a una variedad de géneros e influencias. Lo importante es que la música sea buena.

¿Por qué decidiste crear este proyecto al margen de Peppe Nastri?

Creo que la evolución constante es el secreto de la vida, y eso se aplica también a la música, que representa su aspecto más bonito. La idea de Tapes surgió de la decisión de inclinarme de manera más decidida hacia un enfoque electrónico, con un alcance más internacional que mis producciones anteriores.

¿Qué no puedes contar acerca de tus últimos lanzamientos en Reflekt Records y Smart Lab Music?

Mis últimas publicaciones, ‘Dah Dah’ en Reflekt y ‘3 Six’ en Smart Lab Music, reflejan mi nuevo enfoque en explorar un sonido más global. Estos trabajos han sido lanzados por excelentes sellos y gestionados por profesionales importantes como Fac3off y Hollen. El objetivo es llegar a un público más allá de las fronteras italianas.

¿Qué podemos esperar de Tapes en lo que queda de año?

El objetivo es seguir haciendo buena música y evolucionar hacia niveles de calidad más altos. Este logro se puede alcanzar alimentando al mismo tiempo la pasión y la habilidad técnica. Y quién sabe, tal vez, tener un poco de suerte. La carrera musical es complicada y a veces, además de habilidad, se necesita un toque de fortuna para ver cumplidos nuestros sueños.

Finalmente, Tapes, pedimos a los invitados de 60 segundos que planteen una pregunta al siguiente. La última fue de X Who: “En un mundo imaginario, donde solamente existiera un estilo musical que pudiéramos escuchar… ¿Cuál elegirías?”

Un mundo donde solo existiera un estilo musical sería bastante triste. La diversidad de estilos, instrumentos, gustos personales y tradiciones es lo que hace que la música sea realmente mágica. Se necesita diversidad para alimentar la búsqueda de nuevos sonidos, y bajo ese aspecto, no hay un género musical que valga más que otro. Cada uno contribuye a componer la partitura del mundo. Ahora, si realmente tuviera que elegir, la respuesta es simple: techno. Y a cambio, nos tienes que dejar una pregunta para el siguiente…: Imagina un futuro en el que en los clubes solo se pudieran utilizar auriculares bluetooth en lugar de sistemas de sonido potentes. ¿Seguirías siendo DJ?

Mis Favoritos

Track

LTJBukem‘Music’(TechnologicalRemix)

Este es un tema antiguo, pero siempre ha sido uno de mis favoritos. Es liquid drum’n’bass (ni siquiera me gusta el drum & bass), pero disfruto con el lado liquid de este género. Hay algo en este tema que me atrapa, me encantan todas las capas y cómo se construye, además de la línea de bajo en bucle, así que sí... ¡voy a elegir este tema!

Película

Avatar2:TheWayOfWater

Fui al IMAX seis veces para ver esta película. Me encantó la primera, así que cuando salió esta tuve que ir a verla una y otra vez porque me encanta el mundo de Pandora. No he tenido mucho tiempo para ver películas últimamente, así que diría que esta es mi película favorita del año pasado.

wAFF

Serie de televisión

Ashoka

Esta es la serie más reciente que estoy viendo. Y hasta ahora, me encanta. Me gusta mucho ‘La Guerra de las Galaxias’, aunque últimamente ha sido un poco irregular. Pero esta serie es interesante porque Dave Filoni, el guionista y director, es la mejor persona de Star Wars aparte de George Lucas. Así que sé que al final va a ser una serie genial. Soy un friki de Star Wars, ¿qué puedo decir…?

Videojuego

Halo

Esto es muy difícil de responder, ya que es imposible decir sólo uno de mis juegos favoritos. Me encantan los juegos y los videojuegos más que cualquier otra cosa (risas). Pero mis favoritos son God Of War, Ragnarok, Elden Ring, The Last Of Us 2 o Red Dead Redemption 2, y mi favorito de siempre: Halo.

Hobby

Jugarydesarrollarjuegos

Jugar y, más recientemente, desarrollar juegos en Unreal Engine 5. He estado trabajando en tres juegos nuevos que, casualmente, han sido los más divertidos. Puedo decir que ahora soy bastante adicto al desarrollo de juegos y es genial.

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Off The Record

Pole Position

¿Qué es lo primero que os gusta hacer cuando llegáis a un club o festival?

Nos gusta escuchar la calidad del audio en el medio de la sala y chequear si todo el rider está bien organizado y conectado.

¿Cuándo fue vuestra última mentira y por qué?

Loïc: No te quiero engañar, pero justo la última no te la puedo contar porque me metería en un buen lío (risas)…

Jaime: Mi última mentira fue en un escenario de música muy dura, pero todo el mundo se lo estaba pasando genial… Cuando me preguntaron si me gustaba no tuve otra opción que decir “sí” para no romper la onda del grupo tan motivado en el que estaba. ¿Nunca os ha pasado?

Aquello que siempre habéis querido que os preguntaran pero nadie os ha preguntado todavía…

Loïc: ¿Cuál fue una pequeña decisión en tu vida que, si ahora miras atrás, te das cuenta de que tuvo un impacto enorme?

Jaime: ¿Qué es la felicidad? Todo el mundo busca esa respuesta pero nadie la pregunta. La respuesta está dentro de ti, ¡no fuera!

¿Qué track no puede faltar en vuestros sets ahora mismo?

Loïc: ‘Robodanz’ de Pole Position, lo sacamos por Eklektisch este mismo mes.

Jaime: ‘A black hole In my head’ de Motip White (Ànims)

¿Cuál es la mejor comida para la resaca?

Loïc: Una hamburguesa de nuestros amigos de Vicio. El mejor remedio para los lunes ;)

Jaime: Un shawarma de cordero con salsa de yogur y muchas especias.

¿Cuál ha sido el mejor momento de vuestra carrera hasta la fecha?

Loïc: Sin lugar a dudas, puedo afirmar categóricamente que el año 2023 fue el más extraordinario de mi existencia. Tanto en mi papel como promotor, como DJ y, sobre todo, como individuo, he alcanzado cotas inimaginables de éxito y felicidad.

Jaime: Ahora mismo siento que tenemos una historia muy bonita que explicar. Estoy disfrutando muchísimo de esta creación, juntarnos es el inicio de algo trascendental.

El momento más embarazoso de vuestra vida…

Loïc: Hace unos meses estaba en un club en Andorra y el baño estaba en el exterior, justo al lado de una zona de descanso y de fumadores. Después de hacer mis necesidades, salí del baño y no vi una escalera, por lo que caí varios metros sin sufrir daños frente a unas 200 personas. ¡El ruido de mi caída fue muy fuerte! Me levanté y, ¡vaya!, me puse rojo de vergüenza. Les aseguré a todos que estaba bien, ¡pero vaya momento!

Jaime: Hace poco saludé a una persona que de lejos era exactamente igual a un buen amigo mío. Mi confianza y manera de ser fluyó de tal manera que empecé a hacer broma y cachondearme de él… El tipo me siguió el rollo pero a la que me fui acercando me di cuenta que no era él. Me quería morir al darme cuenta que no era él y estuve media hora haciendo broma desde lejos…

FOCUS ON ENDANGERED

Autor: Sergio Parrado

Brian Cid es dominicano de nacimiento y residente en Nueva York. Es el artista que nos acompaña este mes en este apasionante Focus On. Digo apasionante porque es una entrevista de esas sin pelos en la lengua, directa del alma, como tendría que ser siempre y más saliendo de un artista. Y eso nos gusta mucho en esta sección. En 2017

fundó en Brooklyn ‘Endangered’. A medida que vas escuchando el catálogo, te percatas de la cuidada selección de todo: los tracks, el arte, el sonido… todo tiene alma, todo tiene pasión. Es así como deberían ser siempre las cosas cuando alguien quiere ser artista, y Brian rebosa eso por los cuatro costados.

DJ MAG MINI TEST

¿Una ciudad?

Brooklyn, Nueva York

¿Un club?

Kater Blau en Berlín

¿Un libro?

‘The Secret of Light’ por Walter Russell

¿Una comida? Gastronomía Dominicana

¿Endangered? Evolución Sonora

El concepto del sello y nuestros eventos en vivo nació de la necesidad de crear una entidad musical que operara bajo los estándares de calidad más altos en su expresión artística. La necesidad de brindarle al público una experiencia de sonido y ambiente más allá de lo que hayan experimentado antes. El sello busca, también por medio de sus eventos, unir todo tipo de artistas locales, promotores, artistas gráficos, bailarines e incluso la comida típica de dicho lugar, como una forma de apoyar a la comunidad lo más posible. Endangered busca elevar nuestra conciencia y nuestras habilidades a su máximo esplendor para ofrecerle al mundo algo con un significado profundo. Endangered apuesta a elevar la conciencia y la evolución humana.

B¿Por qué llamarlo Endangered?

Endangered significa estar en estado de peligro de extinción, el cual es el anterior al estado de extinción, que pasa a ser la etapa final de la evolución de una criatura; lo que quiere decir que para poder evitar desaparecer por completo, uno no tiene otra opción que operar a su máxima capacidad. Como sello, la idea es impulsar a nuestros artistas a ir más allá de su zona de confort, empujamos su creatividad de una manera sana y convertimos su trabajo en una creación de alta conciencia. Personalmente intervengo en todos los lanzamientos y ayudo a los artistas con ideas y técnicas para elevar la calidad de su trabajo. También mezclo y masterizo su música para asegurarme de que el sello mantenga su estilo y esencia sonora. También diseñamos nuestro arte basado en la música y su concepto. Trabajamos en una obra de arte.

El sonido underground siempre existirá y siempre estará en un proceso de evolución, porque ser underground es una expresión de rebeldía. El mundo de la música comercial necesita de estos sentimientos y movimientos artísticos para extraer ideas que vienen de la raíz del pueblo. Por supuesto, dentro del underground hay quienes también entran en tendencia y luego se consideran la vertiente comercial del underground. Hoy en día hay una nueva generación de personas que se hacen llamar artistas sin antes caminar por el camino que les corresponde. Recuerdo los días en que la gente trabajaba en convertirse en artista por años y creaban toneladas de música hasta sentirse listos para hacer su primer lanzamiento y tener el privilegio de llamarse artistas. Hoy en día hay quienes crean su primer tema y enseguida están buscando sellos, buscando su primer show. Este es un gran problema que degrada la calidad del catálogo de música en general, causando un gran daño a la escena y a la mente del pueblo, que tanto depende de lo que nosotros, como artistas, le otorgamos. Creo que antes de llamarte artista, debes pasar por un largo proceso de autodescubrimiento, investigación, educación y desarrollar un sistema de alto valor que luego te permita presentarle al mundo algo con significado. Eso es lo que es ser un verdadero artista.

D¿Qué nos

puedes contar sobre planes futuros del sello y los tuyos como artista?

Endangered continúa expandiéndose, creando eventos en todo el mundo, con un calendario de lanzamientos continuo y siempre ideando nuevas formas creativas de presentar nuestras creaciones. Hay muchas ideas en nuestros planes y todo se hará en el momento indicado. No estamos compitiendo con nadie ni creemos en cantidad, sino más bien en calidad. En música que nunca muere. En cuanto a mis planes profesionales, sigo explorando ámbitos más profundos de la música en cuanto a sonidos y estilos. Me encanta seguir experimentando y crear algo diferente a lo que ya he hecho. Personalmente, me dedico a seguir aprendiendo y expandiendo mi mente, y mi música es un reflejo de quién soy, por lo tanto refleja el mismo efecto de expansión. Últimamente he estado profundizando en mis raíces dominicanas e introduciendo al mundo una nueva versión de nuestros ritmos culturales.

E¿Qué te gustaría destacar dentro de la escena? ¿Artistas o sellos que crees que debemos seguir de cerca?

Hoy en día es un gran desafío para mí toparme con sellos que me parezcan increíbles. Muchos de mis sellos favoritos han cambiado su estilo para intentar mantenerse en competencia, especialmente cuando su principal objetivo son las ganancias monetarias. Puedo mencionar a Bar 25 como sellos clásicos de alta calidad, Infinite Depth si te gusta el techno melódico más oscuro, Monaberry si te gusta el techno melódico un poco más profundo, ISOLATE es genial para las vibraciones más alucinantes, Nervous Records para las vibraciones clásicas de Nueva York y, por supuesto, Endangered Records si quieres explorar una alta calidad de sonidos eclécticos.

F¿Qué te gustaría decir a la gente que te sigue?

Antes de nada, siempre agradecido por todo el apoyo que me han dado a lo largo de todos estos años. Continúo haciendo lo que amo a mi manera y estoy muy feliz y bendecido de contar con su amor y apoyo. Yo les diría a todos que se tomen un tiempo para explorar la música en profundidad, que afinen sus oídos, que apoyen a los pocos que realmente se preocupan y están tratando de trabajar sonidos diferentes y de alta calidad. No es fácil ni muy rentable, pero es lo correcto. El artista debe seguir empujando esquemas y no reciclando los mismos sonidos. Continuad expandiendo vuestra mente y escuchando todo tipo de música, así vuestro nivel de apreciación y afinación aumentará. No os quedéis estancados en las tendencias. Conoced la historia y produndizad. Os sorprenderéis de cuánto más existe.

A¿Cuál es el concepto y por qué nace Endangered?

C¿Piensas que hoy en día es complicado apostar por un sonido más underground?

Jamie Coins TRACKS 5

The Prodigy 'Smack My Bitch Up' [XL Recordings]

Este fue uno de mis primeros encuentros con la música electrónica. Un amigo me la enseñó en el CD The Fat of the Land, ¡y fue amor a primera escucha! Su sonido único me marcó. Capta el espíritu audaz e innovador de The Prodigy, que sigue influyendo en mi creatividad. Representa una intrépida exploración de las posibilidades sónicas y una actitud rebelde. Sin duda, una de mis pistas favoritas de todos los tiempos.

Beastie Boys 'Body Movin' [Capitol Records]

Esta canción encapsula una época de mi adolescencia llena de hip-hop de la vieja escuela que inspiró mis días de skater. El estilo vocal, la repetición y el ritmo resuenan profundamente en mí. Esta obra maestra desafía los géneros y mezcla a la perfección elementos hip-hop y electrónicos con sus irresistibles riffs de guitarra funky y un groove contagioso. La energía y el juego de palabras de los Beastie Boys siempre me han cautivado, influyendo significativamente en mi música, sobre todo cuando me sumerjo en un ambiente más old-school en el estudio.

Pirupa 'Party Non Stop' [Desolat]

Puede que se la considere más "new-school" en comparación con las demás de esta lista, pero esta canción dejó una gran huella en un verano que pasé en Ibiza, cuando mi proyecto "Jamie Coins" ni siquiera existía. En aquel momento me llamó la atención por su ritmo cautivador, sus beats, su línea de bajo, sus voces atractivas y, lo que es más importante, su sencillez y su estructura eficaz. Este tema desprende una energía que siempre revienta la pista de baile. Tuvo una influencia significativa en las primeras etapas de mi proyecto.

Jammin 'Hola' [Bingo Beats]

En mis comienzos como DJ en Brasilia (mi ciudad natal), cuando vivía en Brasil, este tema tuvo una gran importancia. Marcó una época en la que la escena del breaks prosperaba allí y yo me iniciaba en la producción musical. DJ Zinc, famoso por sus producciones de drum&bass, siempre ha sido uno de mis productores favoritos. Bajo el alias de Jammin, publicaba temas de breakbeat en su sello Bingo. Fue una época en la que me sumergí de lleno en este género.

Un auténtico clásico del speed garage, 'Gunman' presenta una línea de bajo profunda y ondulante y unas voces icónicas que definieron una época. La música británica ha sido una influencia significativa en mi viaje por la música electrónica desde mis primeros días. Aunque el UK Garage no era muy popular en Brasil, yo solía escuchar estos vinilos solo en mi habitación después del colegio. Todavía hoy influye mucho en mis producciones y mis sesiones de DJ.

187 Lockdown 'Gunman' [Nu Jack]

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ELECTRÓNICA & ROLL

12 de mayo. Lo recuerdo perfectamente. Peggy Gou actuaba en Madrid en un evento de Circoloco y pinchó un tema vocal realmente pegadizo. Estaba claro que era su nuevo hit y que la surcoreana, que llevaba dos años parada a nivel de producciones originales, lo estaba presentando en sus bolos. La primera vez fue en Printworks y lo convirtió rápidamente en uno de sus temas estrella. La canción en cuestión es '(It Goes Like) Nanana' y supone el primer adelanto del que será su álbum debut que publicará el sello británico XL Recordings.

Esta producción tiene una clara inspiración por el house más baleárico y la destreza de la artista consiste en combinar un ritmo tremendamente animado con melodías alegres donde pianolas y guitarras (que recuerdan a temas tranceros de finales de los 90 y principios de los 00's) se funden de manera natural. A eso le añades una letra pegadiza (¿quién en este mundo no es capaz de tararear nanana?) con una Gou en estado de gracia con el micro y tenemos ante nosotros al que prometía ser un himno veranie -

go y que, efectivamente, se convirtió en el tema del verano. Irresistible no cantarlo.

Más allá de gustos personales, y de filias y fobias que levanta la surcoreana afincada en Berlín; todos teníamos meridianamente claro el potencial de algo así. Un clásico instantáneo que ha llegado a traspasar el ámbito “underground”. Y con esto me refiero a que lo hemos escuchado hasta en promos de programas de TV y, más difícil todavía, ha llegado a la radiofórmula pura y dura. Ni el más optimista podría pensar algo así. Quizá sean los 181 millones de reproducciones en Spotify al momento de escribir estas líneas, son números con un peso monumental o quizá alguien ha soltado la tela para que por fin explote un fenómeno que ha ido cocinándose desde hace cuatro años.

FENÓMENO

Hay que recordar que temas de Peggy Gou como ‘It Makes You Forget (Itgehane)’ entraron en el score del vi -

deojuego FIFA y que ‘Starry Night’ es la banda sonora del anuncio de una conocida tienda de ropa. Además, diversas marcas del mundo de la moda se rifan a esta artista que se codea con personalidades pop como Kyle Minogue para reconstruir su mítico ‘Can't Get You Out Of My Head’ para una campaña de helados. A eso se le añade que es una fija en portadas de revistas de moda y tendencias alrededor del globo.

Todo ello no es óbice para reconocer el trabajo de una artista que comenzó a hacerse un hueco en la escena londinense y ha ido quemando etapas alcanzando más y más popularidad, pero que no olvida de donde viene con un sello propio llamado Gudu Records con EP’s bastante destacables. Ahora no puede generar más interés y curiosidad sobre el que será ese esperado primer trabajo en largo.

Y ya que no vamos a poder escapar de este ciclón mediático, te pregunto: ¿cuándo escuchaste '(It Goes Like) Nanana' por primera vez?

Autor: SERGIO BIFEIS

PIMIENTOS RELLENOS

INGREDIENTES

› 16 pimientos del piquillo

› 2 cebollas

› 4 ajos

› Sal

› Pimienta

› Aceite de oliva

› 1/2 vaso vino blanco

› 1 bote de tomate

› 250 gr de carne picada

› 60 gr de harina

› Perejil fresco

› 300 ml de leche

Esta es una de mis recetas favoritas, un plato delicioso y fácil de preparar. Perfecta para una cena con buena música y amigos. Si no te gusta la carne, puedes reemplazarla por bacalao o verdura, ¡los pimientos del piquillo van bien con todo!

PARA LA BECHAMEL:

• En una sartén calentamos aceite de oliva a fuego medio. Picamos 1 cebolla y dos dientes de ajo y rehogamos. Cuando esté pochado, añadimos la carne picada y salpimentamos al gusto. Cocinamos todo conjuntamente hasta que la cebolla coja color. Cortamos el perejil fresco y lo añadimos también.

• Empezamos a echar la harina sin dejar de remover para evitar grumos, dejamos que se tueste durante un par de minutos con el resto de ingredientes

• A continuación añadimos la leche poco a poco sin dejar de remover para obtener una bechamel cremosa y homogénea.

• Una vez lista esta parte, la retiramos y dejamos enfriar, mientras tanto vamos cocinando la deliciosa salsa.

PARA LA SALSA:

• Para la salsa preparamos una olla y calentamos aceite de oliva. Picamos la cebolla y los dos dos ajos y sofreímos.

• Cortamos 4 o 5 pimientos del piquillo y los añadimos al sofrito. Cocinamos durante 2 minutos y añadimos una cucharada de harina. Removemos bien la harina al igual que hemos hecho con la carne para evitar el sabor a harina cruda.

• Añadimos el tomate y el vaso de vino y dejamos cocinar hasta que se evapore el alcohol. Si vemos que la salsa sigue teniendo un sabor muy fuerte, podemos reducirla con un poco de agua.

• Cuando tengamos nuestra salsa bien cocinada la trituramos, consiguiendo así una salsa bien ligada y ligera.

PARA FINALIZAR:

• Ya estamos terminando, ¡ha llegado el momento de rellenar nuestros pimientos del piquillo! Con la ayuda de una cucharilla rellenamos los pimientos con la carne que teníamos enfriando, veréis que al haberla dejado enfriar es muy fácil rellenar los pimientos.

• Una vez listos, ponemos a calentar la salsa y sobre esta añadimos los pimientos rellenos, cubrimos con más salsa y dejamos calentar a fuego medio durante 5 minutos.

• Ya solo quedaría emplatar y disfrutar :) Bon appetit!

PAN-POT

¿Qué tema que os recuerda a vuestra infancia?

‘Take On Me’ de A-Ha

Thomas: Recuerdo estar en el salón de casa de mis padres. En los altavoces sonaba

‘Take On Me’ de A-Ha, y en realidad creo que siempre estaba sonando, les encantaba. La recuer-do muy bien, así que es sin duda la canción de mi infancia.

¿Cuál fue el primer disco que comprasteis?

Profan Studio 1 - Yellow

Thomas: Mi primera cinta fue una vieja Thunderdome, y el primer disco fue el de Profan Studio 1 - Yellow. Y también el disco de Pokerflat Håkan Libdo, pero ya no recuerdo el nombre de este. Fue hace mucho tiempo…

¿Cuál es el disco más cursi de vuestra colección?

Tim Deluxe - Just Won't Do Este lo tenemos los dos.

¿Qué canción os pone sentimentales?

'Covering Your Tracks’ de Fink Hablando de nosotros dos, ¡creemos que esta es bastante emotiva!

¿Cuál es el álbum que más os gusta actualmente?

Salvador de Ricardo Villalobos Últimamente hemos estado escuchando el viejo disco de Ricardo Villalobos, Salvador, de 2006.

¿Cuál es el disco de vuestra colección que más atesoráis?

Par-T-One vs INXS - I'm So Crazy

Lo tenemos en nuestra colección en el estudio.

¿Cuál es vuestra canción favorita de todos los tiempos?

Sin duda ‘Radio’ de Wishmountain

Autora: PATRICIA PAREJA

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HARMONY OF DESIGN AND PLAYABILITY

Sloping top plate, curved front edge, and elegant aesthetics

STANDALONE 4-DECK PLAYBACK

Jog ring illumination matches the color of each deck

EASY-TO-USE PROFESSIONAL EFFECTS

XY-Pad for Beat FX, plus Smooth Echo and Sound Color FX

SUPPORT FOR MULTIPLE MEDIA SOURCES 4 x USB inputs, plus Wi-Fi and Bluetooth connectivity

RAPID AND ACCURATE TRACK SEARCH 10.1-inch touch screen with keyboard and Playlist Bank, plus new Smart Rotary Selector

ZONE OUTPUT

Separate from the master, the zone output can play different music in a different room

PROFESSIONAL ALL-IN-ONE DJ SYSTEM

Manda Moor

Bateaux Mouches

Estos famosos barcos de la capital eran lugares muy chulos para tomar una copa y bailar, sobre todo en verano, con unas maravillosas vistas a la Torre Eiffel. Allí tuve mi primera residencia como DJ y tocaba todas las semanas.

He pasado diez años de mi vida en la hermosa ciudad del amor, París. Aquí están mis lugares favoritos:

Yoyaku es una tienda de vinilos única. Me encanta buscar discos allí, parece un museo. Lo que más me gusta de Yoyaku es su almacén de discos de segunda mano, donde puedes encontrar auténticas joyas musicales a bajo precio. Si vas allí, puedes estar seguro de encontrar tu felicidad en todos los géneros, desde el minimal hasta el Chicago house o el techno. A veces actúan DJs en la tienda, lo que hace que la experiencia sea aún mejor.

Se trata de un club privado clandestino en el distrito 2 de París. Diseñado por David Lynch, Silencio es el meeting point más elegante y exclusivo de la capital francesa. Allí organicé la fiesta de mi marca, Mood Child, en colaboración con Casa Atarashi, se agotaron las entradas y el ambiente fue una locura hasta la madrugada. Mood Child es el nombre del sello que fundé con Sirus Hood, un sello discográfico centrado en la comunidad, una marca de eventos y ropa que ofrece música original en vinilo y digital, fiestas, NFT y experiencias. Nuestro próximo encuentro será en el Wild Corner de Hï Ibiza, el próximo 3 de octubre.

Rex es un club legendario, uno de los pocos de París que no cambió de nombre ni cerró. Toqué en Rex justo antes de la pandemia, y fue una de las mejores noches de mi vida detrás de los platos. El sistema de sonido es impecable, cosa rara en París, y siempre hay un público bueno y ecléctico. Suelo pasarme por allí cuando tocan algunos amigos o leyendas del house.

Radio FG fue la precursora de la difusión de la música electrónica en Francia. Hice mi primer radio show con FG a principios de 2018, y lo he hecho regularmente desde entonces. FG jugó un gran papel para la era French Touch, promoviendo a artistas como Daft Punk, David Guetta y Bob Sinclar cuando estaban en el inicio de sus carreras. Siempre me gustó ir a pinchar a sus oficinas de la Rue De Rivoli, y me enorgullece decir que fui su residente. Todo el equipo es increíble, un saludo especial a Antoine Baduel, el fundador de Radio FG, y a Arnaud Godefroy, mi animador favorito que siempre me apoyó.

Yoyaku Rex Club

Club Silencio

Radio FG

TENDE

FUTUR.SHOCK LIVE EN FOLD

SONIC ODYSSEYS

El club londinense FOLD ha anunciado recientemente la tercera temporada de Futur.Shock LIVE, su programa artístico multidisciplinar interno. Esta nueva temporada lleva por título AnotherDay ofGravity(Otro día de gravedad), y describe un tipo de melancolía colectiva en relación con la ansiedad, el estrés y la sobreestimulación de la sociedad actual.

AnotherDayofGravity explorará temas como la salud mental, las luchas políticas y sociales, la intimidad y la sexualidad, a lo largo de 3 capítulos y/o eventos. El pasado jueves 28 de septiembre empezaron los eventos de esta nueva temporada, explorando el trasfondo nihilista que acompaña a este proceso de pensamiento -y a la temporada completa en sí-, que está alimentado por un sentimiento subyacente de esperanza.

La primera parte de esta temporada consta de tres capítulos distintos, cada uno de ellos comisariado por diferentes artistas en colaboración con Futur.Shock, y todos unidos por la idea de la protesta, ya sea mental, política o corporal. Chapter One: ‘Mad Matter’ tuvo lugar el pasado 28 de septiembre; Chapter Two: ‘Different Ways to Fuck Or Be Fucked’ se estrena el jueves 30 de noviembre y el Chapter Three: ‘Touch Me Free’ el jueves 25 de enero.

En Mad Matter se explora el potencial político de la "locura", los trastornos neurológicos y la depresión, y cómo reacciona la mente ante la sobrecarga sensorial y cognitiva del asalto de las sociedades contemporáneas a la psique, tomando como referencia un libro de Darian Leader, que describe la depresión como una forma de protesta:

"En las sociedades industrializadas se considera a los seres humanos como unidades de energía, por lo que se resistirán, sean o no conscientes de ello. Gran parte de lo que hoy se denomina depresiónpodríainterpretarsecomohisteriaalaantigua,enel sentidoderechazodelasformasactualesdedominioydominación. Cuanto más insista la sociedad en los valores de eficacia y productividadeconómica,másproliferaráladepresión".

Para el acto inaugural de esta temporada, el artista multidisciplinar Leask representó Paroxysm, que reflexiona sobre una serie de problemas de salud que implican movimientos musculares involuntarios del cuerpo, como tics o convulsiones. La actuación se presenta como un viaje sonoro a través de las fases de una crisis epiléptica. Leask es un artista multidisciplinar que ahonda en los entresijos de la identidad personal, los trastornos neurológicos y la cultura rave, creando experiencias cautivadoras e inmersivas a través de sonidos apocalípticos y distópicos.

Comisariada por la fundadora de Futur.Shock, Karolina Magnusson Murray, la inauguración de la temporada presentó también a Malthus y su inmersivo maridaje de contorsión y danza contemporánea con composición sinfónica y electrónica, que se centra en temas de depravación, agotamiento, romance y lujuria, a medida que deconstruye el movimiento y los sonidos típicos para construir un mundo industrial sombrío pintado con un surrealismo retorcido. El compositor y productor de Lancashire, llega a Futur.Shock tras haber agotado ya todas las entradas para su primer concierto en Londres, haber actuado en el escenario principal del Festival Ideal Trouble de París y haber publicado su EP visual ‘CONVULSIONS’ con Hunger Magazine, posicionándose como un talento emergente de la escena underground londinense.

Autora: HELENA BRICIO

NCIAS

Además, en esta primera cita estuvieron el vocalista de formación clásica Oscar King y la artista de danza contemporánea Lesya Tyminska, que estrenaron su nueva colaboración original; el artista transdisciplinar Josh Woolford, que construye y transforma paisajes sonoros ambientales a lo largo del tiempo mediante la superposición, la repetición y la distorsión.

Por otro lado, el artista audiovisual SWARMM, alias de Liam Noonan, se une a la fundadora de Futur.Shock, Karolina Magnusson Murray, para así presentar su nueva y original performance. SWARMM es un artista multidisciplinar cuya práctica gira en torno a la dinámica de poder de las máquinas y la interacción humana. Trabaja tanto en el campo de la música como en el de los medios digitales interactivos, y su proyecto impulsa la noción de instalaciones inmersivas basadas en galerías, con un fuerte cruce con la estética de club. SWARMM es cofundador de LAMINAR FLOW, un sello discográfico independiente centrado en el club experimental, los sonidos distópicos y los proyectos multimedia.

Por su parte, Karolina Magnusson Murray es una artista multidisciplinar, comisaria, productora y directora artística que trabaja en el campo del arte y la música contemporáneos y experimentales. Magnusson Murray trabaja actualmente como responsable de arte en el club nocturno FOLD y fundó su plataforma de arte experimental Futur.Shock. Ha actuado y expuesto en numerosas ocasiones, entre las que se incluyen: Liverpool Biennial, Film Festival de Pierogi (The Boiler) en Nueva York, Guangzhou Live Festival y en instituciones como el ICA de Londres. Ha sido galardonada con el Aesthetica Art Prize de la Ingram Collection of Modern, British & Contemporary, siendo el Premio Ingram un premio de adquisición anual abierto a artistas visuales que estén a menos de cinco años de graduarse en una escuela de arte del Reino Unido.

Para completar la noche, Mellowdramatics, cofundador de Black Obsidian Sound System y miembro del equipo de Tanum Sound System, puso banda sonora a la velada y llevó a Fold por primera vezs sus sets lúdicos, sin género y centrados en el club.

El capítulo 2 lleva por título DifferentWaystoFuck,orBeFucked (diferentes formas de follar o ser follado) y está programado por Erkan Affan en colaboración con Eric Shen y Futur Shock. Este capítulo explora las diferentes formas en que la gente tiene relaciones sexuales, de forma pasiva o activa desde el punto de vista corporal, discursivo, político y sonoro, y la velada presenta el trabajo de una serie de artistas y comisarios para abordar cómo el poder y la práctica se mueven en el arte contemporáneo y el discurso que lo rodea.

El último capítulo de este primer volumen, Touch Me Free, se realizará en colaboración con el Festival de Cortometrajes de Londres. Este programa pondrá de relieve el poder de la intimidad, la sexualidad y el contacto físico para combatir la monotonía y la formalidad de la sociedad acercando a las personas. Estará comisariado por Maya Sfakianaki y explorará cómo los individuos utilizan su físico como escudo contra la monotonía de las expectativas sociales.

Las películas reunidas presentan un enfoque alternativo del cine erótico que entiende y retrata la sexualidad a su manera. El programa ofrece una mezcla de películas de animación, documentales y acción real de cineastas emergentes interesados en explorar la intimidad y la interacción sexual, recordando su pasado, comprendiendo su presencia en la sociedad moderna y preguntándose por su futuro.

El segundo volumen de AnotherDayofGravity , comenzará en febrero de 2024 y se anunciará más adelante, por lo que estaremos pendientes.

CÓMO PRODUZCO

RAFA BARRIOS

Os cuento un poco mi proceso creativo para crear un track. Os pongo un ejemplo de mi último track llamado ‘Tenga’, que sale en mi sello Bandidos el 6 de Octubre. En este track tardé unos tres días en terminar la primera versión para poder probarla. Posteriormente hice cinco versiones más hasta quedar como me gustaba. Para mí es primordial probar repetidamente los tracks hasta que vea que funcionan al 100%. Lo he estado tocando más de 6 meses, casi siempre hago el mismo test a todos mis proyectos.

Para crear este track me inspiré mucho en la pista de baile. Intento siempre que, aunque sea un track de mi estilo, sea algo que pueda funcionar en cualquier parte del mundo. Por ejemplo, para el público inglés y latino, pienso que ese es el equilibrio para poder hacer que un track pueda llegar a escucharse en muchos sitios. Cuando más o menos tengo la idea en la cabeza me paso al Mac a montar la idea en Ableton. Trabajo primero en este DAW para hacer todo mas rápido con push -un controlador de Ableton- ya que me resulta muy intuitivo para crear más rápido.

Es ahí cuando empiezo a crear un groove pistero y bailable… ¡Para mí lo principal es la fiesta! Me gusta crear bajos contundentes con mucho power, ya que es lo que hace que la gente baile. Casi siempre produzco sobre los mismos bpm’s, de 126 a 128, ahí es donde siento que mis basslines suenan mejor. Luego intento buscar algunos elementos que ayuden a rellenar el groove, en este caso creé unas percusiones y unas trompetas que van siempre a juego para dar ritmo a la idea.

Siempre empiezo creando la base y hasta que la base no “arree”, como digo yo (risas), no dejo de trabajarla. Cuando ya está la base casi lista, es hora de buscar el hook principal del proyecto. Esta es una de las partes más importantes del track, ya que aquí paso a crear la estructura (bajadas, drops…). Al crear una bajada siempre me gusta que siga parte de la base en ella y que poco a poco vaya quedando más limpia cuando esté llegando el drop. ¡Pero eso sí!, justo antes del drop me gusta que quede un sonido solo para dar más tensión a la pista y que reviente con todo.

Cuando ya tengo toda la idea creada, exporto las pistas y monto el proyecto en Logic (para mí tiene un motor de sonido brutal mucho mejor que el de Ableton). Cuando ya lo tengo todo montado en Logic, empiezo con un premixing, y en lo que más me esfuerzo es que el kick y el bass queden en una sola pieza para que suene lo más redondo posible. Solo con esta clave podrás hacer que casi cualquier track suene perfecto… Y esto se agradece mucho en un equipo de sonido de cualquier discoteca o festival, créeme. Por lo general siempre hago yo el mixing del track con un un DJ máster para poder poblarlo en cualquier show.

En algunos casos también mando las pistas exportadas a un ingeniero de sonido para que me haga un mixing profesional, ya que yo no soy ingeniero de sonido y nunca puedo llegar a ciertos niveles. Muy pocas veces hago tracks que no están enfocados a la pista, por eso os cuento esto que es lo mas genérico que hago. A veces he hecho algunos tracks más melódicos y lo he enfocado de otra forma, pero resumiendo: para mí un buen groove es lo principal para hacer mover el esqueleto.

ASTURIAS

THE BASS VALLEY & STUDIO DJ CENTER

Jil de Jaz 3, CC Galerías Pidal, Local 14

BILBAO

POWER RECORDS

Villarías 5

ESCUELA BAFFLE DJS

Travesía Tivoli 3

CASTELLÓN

ENIGMA IMPORT RECORDS

Prim 10

CÓRDOBA

EVIL SOUND RECORDS

Arcos de la Frontera 18, Local 6

GIRONA

EUMES De Baix 2

GRANADA

DISCOS BORA BORA

Plaza De la Universidad, 11

ACADEMIA FÓNICA

Santo Tomás de Villanueva 12, Bajo

GUIPÚZKOA

DABADABA

Mundaitz Kalea 8

PONTEVEDRA

PLAYGROUND STORE

Conde de San Román 10

SEVILLA

TOTEMTANZ

Amor de Dios 66

ASOC. BREAKING BASS

Pasaje Mallol 18B

VALENCIA

STRAP

Av. Blasco Íbañez 33

ZARAGOZA

XPRÉSATE ESCUELA

Espacio Joven, Fernando El Católico 1-3

puntos de distribución, escríbenos a: info@djmag.es

Puedes encontrar la versión impresa gratuita de DJ Mag ES en:

MADRID

GHETTO SHOP

Embajadores 13

INTED ELECTRONIC MUSIC SCHOOL

Isabel La Católica 6, Pasaje Comercial, Local 14

SAE INSTITUTE

Calle Mar Adriatico, 11

TRADE DJ

Moratalaz 149, Posterior

RECYCLED MUSIC CENTER

De la Palma 39

EL ALMACÉN DE DISCOS

Minas 13

TRADE FORMACIÓN

El Electrodo 5, Posterior, Rivas - Vaciamadrid

BARCELONA

33 | 45 BAR & GALLERY

Joaquín Costa 4

DISCOS PARADISO

Ferlandina 39

DISCOS REVOLVER

Tallers 13

TVINYL Valldonzella 25

BRIDGE 48

Llull 48

ACADEMIA PLASTIC

Calabria 95

MICROFUSA

Ronda Guinardó 65

THE BASS VALLEY

Passatge Can Politic 13, Hospitalet de Llobregat

IBIZA

METRICA RECORDING STUDIO

De la Muralla 5, Sant Jordi Ses Salines

EGB IBIZA

Av. de Bartomeu de Roselló 16, Ibiza

AMANTE BEACH

Cala Sol d’en Serra, Calle Afueras, Cala Llonga

BLUE MARLIN IBIZA

Cala Jondal

DESTINO PACHA IBIZA RESORT

Cap Martinet, Talamanca

EL CICHETTO

Porreres 8, Ibiza

EL PUERTO IBIZA HOTEL Y SPA

Carles III 24, Ibiza

ELEMENTS IBIZA BEACH CLUB

Cala Benirras, Ibiza

ES CAVALLET CHIRINGUITO

Playa Es Cavallet, Ibiza

HOSTAL LA TORRE

Ctra. Cap Negret 25, Sant Antoni de Portmany

HOSTAL TALAMANCA

Playa Talamanca

HOTEL ARGOS

Playa de Talamanca, Carrer de S’Illa Plana

HOTEL HARD ROCK

Platja d’en Bossa, Sant Jordi Ses Salines

HOTEL OKU

Camí del Portixol 2, Sant Antoni de Portmany

HOTEL SIMBAD

Ses Figueres 22, Ibiza

LA CHICKERIA

Venda de Can Llàtzer 19, Santa Gertrudis

LOCALS ONLY

Plaza del Parque 5, Ibiza

PIGRO

Antoni Planells Ferrer 3, Ibiza

PIKES HOTEL

Camí de Sa Vorera, Sant Antoni de Portmany

PRINCE

Quartó de Portmany 2, Ibiza

SLUIZ

PM-804, Santa Gertrudis

TIKI TAKO

Ramón y Cajal 9, Ibiza

TRATTORIA DEL MAR

Botafoch 219, Ibiza

USHUAÏA IBIZA BEACH HOTEL

Ctra. de Platja d’en Bossa 10, Sant Jordi de Ses Salines

EL OTOÑO YA ESTÁ AQUÍ

El mes de octubre nos saca del frescor del verano y nos envuelve con el calor de los hogares, de las oficinas y de los lugares de trabajo. Desde mi ventana observo cómo cambia el tiempo mientras disfruto de los nuevos trabajos de Woktrax, Idoipe, Geju y os doy mi opinión respecto a la madurada plataforma de distribución Soundcloud for Artists…

¡A por el otoño!

WOKTRAX – BOTTOMLESS

Peter Wok Aka Woktrax tiene nuevo disco en la etiqueta belga Dark Distorted Signals

Otro interesante lanzamiento de techno belga al más puro estilo electro/EBM ya está disponible en todas las plataformas de streaming y de venta de música. Woktrax es un veterano productor y DJ de la vieja escuela el cual nos presenta Bottomless EP. Sonido sintético de primera clase.

TRACKLIST

01. TO THE BOTTOM OF IT (ORIGINAL MIX)

02. ABOVE ALL EXPECTATION (ORIGINAL MIX)

03. HOLD YOUR HORSES (ORIGINAL MIX)

04. ENGINE FAILURE (ORIGINAL MIX)

05. NED (ORIGINAL MIX)

06. IMAGE OF FUTURE PROSPECTS (ORIGINAL MIX)

07. TO THE BOTTTOM OF IT (UNEXPECTED REMIX)

(GAMEBOYZ, LUIS V PR, COMO LAS GRECAS)

SOUNDCLOUD FOR ARTIST

El Mundo underground de Soundcloud Soundcloud.com

Muchos productores y productoras me preguntan que cuál es la mejor manera de distribuir su música a través de las plataformas de streaming. Mi primera respuesta es, ¿quieres hacerlo por la via digital o por la via tradicional? Pues Spotify For Artists te da la via digital y un montón de herramientas extra como la que vimos en el número 151 de DJ Mag España, SCPlanner.

Soundcloud for Artists es la versión para músicos de la compañía sueca. Hace las funciones de distribuidora, agencia de promoción, te monetiza los tracks y, además, es la plataforma de contenido streaming online que más se preocupa de enseñarte los trucos para rentabilizar tu música.

Aquí sí tenemos que pagar la cuenta PRO de Soundcloud para poder acceder a dichas funciones. Pero como explico siempre a mis alumnos, puedes pagar solo los meses en los que necesites publicar contenido, pues una vez distribuido, ya no necesitas seguir pagando la mensualidad.

Esta plataforma se creó con el fin de que los músicos pudieran tener una via de distribución digital automatizada, intuitiva y económica. Abarca todos los servicios que cualquier distribuidora te pueda ofrecer y solo puedo ponerle una pega: no distribuye por las webstores de venta digital o física como Beatport o Juno, pero este detalle le importa cada vez menos a los artistas…

IDOIPE – TAÑEN FURO

Cuando el folklore se mezcla con la electrónica actual

El Tragaluz

Idoipe está a punto de publicar su segundo álbum, que además musicaliza al documental Tañen Furo. El zaragozano se ha recorrido los Alpes Aragoneses produciendo la B.S.O del documental homónimo. Un recorrido por los sonidos naturales de la región, los instrumentos tradicionales de allí y las vocales populares de Aragón. Hablo con él para que nos explique algunos detalles.

¿Cómo te ha ido todo este tiempo desde que lanzaste Cierzo Lento? ¿Sigues viviendo en Zaragoza?

El lanzamiento de Cierzo lento fue un punto de inflexión en mi carrera profesional. Enseguida El Tragaluz, un sello discográfico de Madrid, se interesó por mi nueva faceta, lo cual fue una grata sorpresa y desde entonces no he dejado de dar conciertos, destacando el BIME, el Festival de la Isla o el LAMC, entre otros. Al año lancé un disco de remixes y mi perfil ha pasado de estar en la escena DJ a estar más presente en el mundo del Live. Todo un reto desde el primer momento que me ha hecho experimentar un crecimiento personal constante como artista y como productor. En estos momentos resido en Barcelona. Estoy conociendo la escena y viendo las posibilidades que tiene el mundo del live. Ya he hecho varios durante los meses que llevo aquí. La verdad es que no esperaba hacer tantos. Contento con esta nueva etapa.

¿Cómo ha sido el proceso de producción de Tañen Furo? ¿Fue primero el docu o la BSO?

Primero el documental. Necesitaba sonidos del viaje para rodar el paisaje sonoro y sobre todo para utilizarlo en las canciones. Durante el rodaje y conforme avanzábamos se transformaba el guion, aparecían nuevos inputs que me hacían añadir o ir modificando los temas. Un documental está vivo, no es un guión cerrado. En principio no sabía qué es lo que buscaba el director. Él había visto mi trabajo anterior y le interesaba que hiciese la música para esta aventura. Según fue avanzando y fuimos viendo más aspectos que luego formarían la pieza del documental,

fui teniendo más clara la dirección de hacia dónde debía ir y, francamente, ha sido un trabajo interesante y estoy muy satisfecho con el resultado.

¿De qué trata el documental Tañen Furo?

El contexto del documental parte de que yo mismo, Idoipe, como DJ y productor de la urbe, me quedo sin inspiración para crear, entro en un bloqueo artístico y decido ir a documentar las tradiciones de los Pirineos aragoneses para intentar salir de ese bucle, conocer a la gente del mundo rural, sus costumbres, sus tradiciones, sus distintos dialectos, su forma de pensar... Y con eso recopilar sonidos con los que conformar nuevas bases y melodías.

Háblanos de tu set up en el estudio. Y en directo, ¿haces live o eres también DJ?

Me gusta que el estudio sea lo más parecido al directo. De esa forma voy pillando un workflow intuitivo. Es verdad que he ido cambiando el formato. Empecé con un APC40 y ahora no puedo vivir sin el Push II. La Gretsch es inseparable y estoy empezando a meter en algún set la bandurria como elemento extra. Los lives son distintos en cada ocasión... Algunas veces puedo llevar el Bass Station o modificar la plantilla de Ableton para controlar diferentes parámetros. Alguna vez hago algún DJ set, pero ahora estoy más centrado en el live.

Y para terminar, ¿alguna noticia interesante que nos puedas adelantar?

De momento solo puedo decir que ya estoy trabajando en el tercer disco. Esta BSO no estaba prevista y la verdad es que me ha dado tiempo para madurar mi estilo personal. Quizá sea más electrónico esta vez, sin perder mi esencia folk.

GEJU – CHILLRAVE VOL. 3 Hippies del Downtempo Leveldva

Rusia, Giorgia y raíces judías son los ingredientes de tanto misticismo electrónico reducido de tempo… El duo Geju, dueños de Leveldva, nos explican su filosofía musical electrónica….

Hola Geju, para situar primero a los lectores contadnos, ¿de dónde sois y dónde tenéis vuestra base actualmente?

Ambos somos moscovitas con raíces georgianas y judías. Actualmente, pasamos la mayor parte del tiempo en Alemania y viajamos con frecuencia.

¿Cuándo creasteis Leveldva y qué lanzamiento destacaríais por encima del resto?

Leveldva es más que un simple espacio físico; es nuestro epicentro de creatividad, un espacio imbuido de magia. Es un punto de encuentro para una comunidad vibrante y una fuente de aprendizaje constante. La pasión por la comida y la música son los hilos conductores que nos unen a todos nosotros. En 2016, dimos vida a un sello discográfico que acoge a nuestros artistas queridos y da la bienvenida a nuevos talentos cósmicos, brindándoles un espacio donde puedan florecer y compartir su arte con el mundo.

¿Cómo es vuestro studio? ¿Sois de sintetizadores hardware o de VST? ¿Vuestro DAW favorito?

Ahora llegamos a la parte emocionante: contamos con una amplia gama de equipos de vanguardia, sintetizadores y dispositi-

vos modulares. Puedes decir con toda seguridad que todos los ingresos que obtenemos de los derechos de autor de nuestra música (a través de streaming y ventas) se destinan directamente a adquirir nuevos juguetes musicales, sintetizadores virtuales (VST) y a expandir nuestra colección de música. Cuando se trata de producir, Ableton es el motor principal y el núcleo que impulsa todas nuestras capas de sonido y nuestras actuaciones en vivo.

¿Cuál será la próxima referencia de Geju? ¿Y de Leveldva?

Nuestra más reciente actuación en vivo en el Fusion Festival, una experiencia musical de dos horas, ahora se encuentra disponible en Spotify. Además, estamos en proceso de preparar el lanzamiento de algunas de las canciones interpretadas en vivo a través del sello. En total, hay 23 canciones en el set, y estamos planeando lanzar entre 8 y 10 de ellas en un futuro cercano.

Y para finalizar, ¿alguna novedad o noticia interesante que nos queráis adelantar antes de que acabe el 2023?

En noviembre tenemos una gira por Japón que anunciaremos en breve. El evento principal es el festival Frue, con una compañía muy agradable de nuestros amigos Viken Arman y Acid Pauli. A finales de noviembre podrás vernos en el Kater Blau de Berlín, celebrando el cumpleaños de Mira. Esto se ha convertido en una tradición y un acontecimiento importante para nosotros.

SPARTAQUE

EL DJ UCRANIANO PRESENTA MODULAR STATES, SU NUEVO SELLO

Spartaque, el renombrado DJ y productor ucraniano, ha estado marcando huella en la escena de la música electrónica de manera constante e impactante. Recientemente, ha dado un paso audaz con el lanzamiento de su nuevo sello, Modular States, una plataforma que promete llevar la música electrónica a nuevos horizontes ya que, según nos comenta Vitali: “vi que no había sellos que representaran exclusivamente a artistas estadounidenses combinados con europeos. Dado que lanzar música es una gran parte de mi modelo de negocio, pensé que si no existía tal sello, simplemente tenía que crearlo” y de ahí nació Modular States. Su último EP, ‘Cross The Line’ es un testimonio de su habilidad para fusionar sonidos techno y hard techno que lo han consolidado como un referente en la industria.

Este año 2023, Spartaque tiene planeado deslumbrar al público en el prestigioso evento Amsterdam Dance Event, donde compartirá su energía arrolladora y pasión inagotable por la música. Este año, junto con Ramiro López, está organizando su evento de Union Three los jueves, al igual que con el sello, que tiene programados sets B2B con grandes artistas de la industria. Su presencia en los escenarios es una garantía de experiencias memorables, ya que no conoce fronteras: sin importar la ciudad, zona horaria o idioma, Spartaque se entrega en cada actuación.

Más allá de la aclamación y la fama, el éxito de Spartaque radica en su dedicación incansable para desafiar límites y explorar ideas vanguardistas. Ha cultivado un espacio vital en la cultura de club ucraniana y la escena techno global, trascendiendo obstáculos con determinación. Reconoce con gratitud el apoyo constante de sus admiradores y colaboradores, reconociendo que sin su aliento, su trayectoria no sería posible. Desde sus humildes comienzos en 2005, cuando deslumbró a una audiencia masiva en la plaza central de su ciudad natal, Járkov, Spartaque ha continuado creciendo y evolucionando, dejando una marca indeleble en el mundo de la música electrónica.

Autora: Patricia Pareja Casalí Foto Portada: Julia Buruleva

Bienvenido a DJ Mag España, Spartaque. Estamos encantados de empezar octubre junto a ti. ¿Dónde te encuentras en este momento? ¿Cómo ha ido la temporada para ti hasta ahora?

Saludos a todos desde Barcelona. ¡Estoy muy emocionado de estar en la portada de la edición de octubre! El verano ha sido muy agradable en muchos aspectos: he tenido grandes actuaciones, he lanzado nueva música, he tenido nuevas ideas y tiempo de calidad con mi familia para recargar energías para los tiempos agitados que se avecinan. Aquellos que me conocen saben que estoy constantemente mejorándome a mí mismo y mi filosofía empresarial. Podéis esperar muchas cosas emocionantes en los próximos meses.

Eres original de Ucrania, pero te mudaste a Barcelona hace algunos años. ¿Cómo ha sido tu experiencia? ¿Qué piensas sobre la escena electrónica aquí?

Me mudé a Barcelona hace seis años, ¡cómo vuela el tiempo! En estos seis años, España se ha convertido en mi nuevo hogar. Estamos muy contentos con el estilo de vida español, creo que nadie disfruta tanto de la vida como los españoles, se puede ver en los eventos, en los bares por la noche y, en general, en la vida cotidiana. Es asombroso ver cómo puedes relacionarte con muchas cosas con menos estrés, con más empatía y amabilidad. Desde el momento en que llegamos todos nos trataron como familia, intentaron ayudarnos y fueron muy amigables. Esta sinceridad, esta energía tan positiva y esta disposición a darlo todo también se manifiesta en la pista de baile. Me encanta tocar en clubs y festivales españoles.

Hablando de Barcelona, tuve la oportunidad de actuar muchas noches con Codex en el club Input, tuvieron mucho éxito. Siempre siento una increíble conexión con el público español. ¡Viva España!

Recientemente has lanzado tu nuevo sello Modular States. ¿Cómo surgió la idea? ¿Cómo ha sido el proceso de creación del sello?

La idea inicial de lanzar esta etiqueta me vino durante un descanso para el almuerzo cuando estábamos revisando mi primera gira por Estados Unidos. Lo pasé muy bien conectando con artistas estadounidenses y noté el potencial significativo para el mercado de allá, vi que no había sellos que representaran exclusivamente a artistas estadounidenses combinados con europeos. Dado que lanzar música es una gran parte de mi modelo de negocio, pensé que si no existía tal sello, simplemente tenía que crearlo.

Todo el proceso de idear el nombre y empezar a lanzar música también fue curioso, lo hicimos con todas las técnicas posibles disponibles en la actualidad para crear. Cuando volví a la oficina, utilicé el chat GPT para solicitar ideas para nombrar un sello de techno estadounidense. Me proporcionó varias opciones, entre las cuales estaba "Modular States".

Musicalmente, me gusta escuchar la creatividad en una pista mezclando los sonidos de ambos artistas que trabajan en el proyecto. La diversidad cultural también hace que esto sea más interesante para ver qué se crea musicalmente. Teniendo en cuenta que no me gusta que me encasillen en un solo género, les doy a los artistas que lanzan en Modular States la misma libertad.

¿Qué podemos esperar de los próximos lanzamientos a través de Modular States este año?

Planeo lanzar música activamente en Modular States y hacer que artistas europeos colaboren con artistas de América del Norte y del Sur, construyendo un puente entre las escenas.

Recientemente tuvimos nuestro segundo lanzamiento, donde colaboré con Brennen Grey titulado en ‘Scriptio Continua’. Puedo anunciar con orgullo que está incluido en la lista de reproducción de Spotify - Electronic Rising. Lo siguiente en la lista es mi colaboración con Marie Vaunt, llamada ‘Escape’. Compartimos escenario en la presentación de Codex en Münster, Alemania, donde nació la idea. A ambos nos gusta añadir mucha energía a las pistas, esta vez con líneas ácidas y voces increíbles de ella.

Por supuesto, tenemos más música lista, como mi remix para el artista de Brooklyn Saint Velez. Según la reacción de la gente, tiene un gran potencial. ¡Su lanzamiento está previsto para finales de 2023!

Y por supuesto, no puedo olvidar mencionar ‘Mindbreak’ de Spartaque, Melvin Spix y B!nary, es un trabajo muy poderoso, tres mentes maestras trabajando juntas siempre traen algo único. ¡Fusionamos nuestros estilos a la perfección! Cuento con un fuerte apoyo para este lanzamiento.

Hay muchos proyectos en marcha, como una colaboración con el genio de Montreal Atroxx, Beico de Argentina y… ¡mucho más por venir! Estad bien atentos al sello ;-)

Tu última colaboración con B!nary en Modular States ha alcanzado las 250,000 reproducciones en Spotify. ¡Enhorabuena! ¿Esperabas alcanzar esos números? ¿Cómo surgió esta colaboración?

Estamos extremadamente contentos con este resultado, especialmente sabiendo que fue el primer lanzamiento del artista B!nary. La pista se lanzó a principios de agosto y encontró rápidamente su lugar en la lista de reproducción Techno Bunker en Spotify. La pista es bastante inusual, ya que se aparta del sonido estándar del techno clásico, pero tal vez eso es lo que cautiva al público. Es difícil poner en palabras lo que sucede en la pista de baile cuando suelto esta canción, ¡siempre me saca una sonrisa!

La idea surgió muy fácilmente: nos conocimos cuando estaba en mi segunda gira por Nueva York, en un café. El chico me reconoció mientras tomaba un café en Starbucks en el centro de la ciudad. Se acercó, me saludó y me preguntó si podía escuchar sus pistas en SoundCloud. Esta me llamó la atención, ya que me impresionó la melodía y las voces. En términos de producción, necesitaba una pincelada, así que pensé: "esto es exactamente lo que necesito para mi nuevo sello, colaborar con un artista de EE. UU. y la simplicidad de trabajar juntos". Así es como comenzamos a ser amigos y colaboramos en Modular States.

¿Cómo ha sido trabajar junto a B!nary?

No nos volvimos a encontrar en persona, pero seguimos comunicándonos online. El proceso de creación musical se podría describir como un ping-pong de producción, donde los archivos vuelan por continentes y cada persona contribuye a la pista. Es un proceso cautivador que se alinea perfectamente con el concepto del sello Modular States: construir puentes culturales entre dos continentes. También traje a mi buen amigo y uno de los mejores ingenieros de sonido en la música electrónica, Alan Wools para trabajar en esta pista y perfeccionar su sonido. Así que se podría decir que la pista fue concebida en Estados Unidos, desarrollada en España y perfeccionada en Ucrania. Esta es una verdadera colaboración intercontinental, precisamente para lo que creé Modular States.

Además, este año lanzaste el EP Cross The Line. ¡No paras ni un segundo! ¿Qué nos puedes contar sobre esta compilación?

Fue una experiencia muy interesante para mí como músico porque quería crear un proyecto que uniera, o mejor dicho, fusionara dos géneros: techno y hard techno.

Sentía que durante mis sets podía aumentar la intensidad al final y ¡necesitaba municiones para ello! ;-) Las pistas se mantuvieron en las listas durante bastante tiempo, ya que recibí mucho apoyo de Beatport, que las destacó en las páginas de Techno y Hard Techno. En general, este proyecto fue un experimento muy exitoso. Recibí muchas críticas positivas de entusiastas de la música techno y de mis colegas, DJs profesionales. Pero lo más importante es que las pistas hicieron exactamente lo que esperaba en mis sets.

¿Por qué creíste que la pista ‘Cross The Line’ era la ideal para darle nombre al EP?

¡El EP tiene dos géneros! Como artista, me gusta tocar sets de alta energía con mezclas rápidas y complacer al público con construcciones y caídas inesperadas. Me gusta alternar entre los géneros y seleccionar música para complacer a la gente. ¡Estoy cruzando las líneas de muchas maneras! Como persona, no me gustan las limitaciones. Como artista, ¡tengo aún más libertad para expresarme y complacer! :)

¿Qué es lo próximo en tu trabajo de estudio? ¿Estás trabajando en nuevas colaboraciones?

Paso mucho tiempo en el estudio experimentando, tratando de crear nuevos sonidos o ganchos. Me gusta tener nueva música para satisfacer a mi público y sorprenderlos con caídas inesperadas. Trabajar con otros artistas que tienen antecedentes musicales diferentes me obliga a salir de mi zona de confort y hasta ahora esto me ha funcionado muy bien.

Personalmente, creo que colaborar es súper divertido y funciona muy bien en la industria. Presto mucha atención a este tema y tengo muchos tracks confirmados que se lanzarán en un futuro cercano. Un pequeño adelanto: estoy colaborando con T78 para Codex. Y, por supuesto, uno nuevo con mi amigo Ramiro López en nuestro sello Union Three. También estoy discutiendo posibles colaboraciones con Atroxx, Beico, ASY*S, Heerhorst, Danny Avila o Dok & Martin, por nombrar algunos.

En cuanto a mis trabajos de remezcla, podéis esperar una para Paul Van Dyk y Hardwell. ¡Mucho nuevo material para la pista de baile en proceso!

El Amsterdam Dance Event está a la vuelta de la esquina, ¿qué tienes planeado?

Cada año espero con muchas ganas este increíble evento. Una semana de reuniones y los mejores eventos. Este año, junto con Ramiro López, estamos organizando nuestro evento de Union Three los jueves.

Al igual que con el sello, tenemos programados sets B2B con artistas como T78, ASY*S, Ramon Tapia, Claudia Gawlas, Anna Tur, Gonçalo, Joris Turenhout y Pablo Say. Será un highlight de la semana para mí. El resto serán reuniones, diversión, comida, baile, bebida ¡y pocas horas de sueño!

¿Cuáles han sido los 3 mejores momentos de tu carrera hasta ahora?

Es una pregunta bastante desafiante porque mi carrera ha tenido tantos momentos increíbles que estaría encantado de destacar algunos. Quizás uno de los primeros momentos en mi carrera fue en agosto de 2005, mi primera actuación a los 17 años, tocando para treinta mil personas en la plaza principal de mi ciudad natal, Kharkiv. Recuerdo claramente que temblaba sin poder controlarlo al principio, debido a los nervios. Pero tan pronto como mezclé las primeras dos pistas, pude empezar a disfrutar el momento.

Otro momento increíble fue mi primera actuación en la sala Fabrik de Madrid, tuve el honor de abrir el escenario Satélite. Cuando abrieron, la gente se acercó al escenario gritando mi nombre. ¡Estaba muy emocionado y sorprendido! España robó mi corazón desde ese momento y unos años después aquí estoy, viviendo en Barcelona :-)

¿Cómo encuentras el equilibrio entre tu vida personal como padre y esposo, y tu vida artística como DJ, productor y dueño de un sello discográfico?

Soy afortunado de hacer todos los días las cosas que amo en la vida. El equilibrio es importante; tengo ciertas rutinas que sigo a diario, como llevar a mi hija al colegio e ir directamente al gimnasio.

Después comienza la jornada laboral con la gestión de mi negocio en diversos niveles, tratando de mantener un horario laboral y pasar tiempo de calidad con la familia. Aunque tengo que viajar mucho por mis shows, cuando tengo un fin de semana libre generalmente nos vamos de vacaciones en familia :-)

Creo que todo en la vida necesita estar en equilibrio: Spartaque, el que va de fiesta los fines de semana, y durante la semana se comporta como el yerno perfecto (risas).

¿Qué podemos esperar de Spartaque el resto del año?

Voy a divertirme mucho y entretener a la gente alrededor del mundo. Durante los próximos seis meses visitaré Estados Unidos, Canadá, Austria, Países Bajos, Alemania, Suiza, Chipre, Bélgica, Uruguay, Chile, República Checa, Argentina y, por supuesto, ¡mi amada España! Estoy muy emocionado, ya que algunas serán noches para mi sello de techno, Codex. Junto con mi equipo estamos asumiendo más control, lo que nos permitirá mejorar la experiencia y hacer más por nuestros artistas y su audiencia. En general, el futuro se ve brillante, ¡y fue un placer compartirlo con vosotros! Muchas gracias al equipo de DJ Mag España por esta charla y a todos mis fans, ¡nos vemos pronto!

Escanea para escuchar el set exclusivo de SPARTAQUE

BORIS BREJCHA

Detrás de una máscara veneciana que todo el mundo reconoce en cualquier club se oculta uno de los productores más relevantes en la industria de la música electrónica en estos momentos, un profesional que lleva prácticamente dos décadas dando forma a un sonido único y propio.

Natural de Ludwigshafen (Alemania), tuvo que experimentar algunos golpes del destino en su infancia siendo gravemente herido en la catástrofe aérea de Ramstein, pasando meses en el hospital. Hoy, aún conserva extensas cicatrices de las graves quemaduras. Debido a las burlas de sus compañeros, Boris se aisló y descubrió su interés por la música al escuchar por primera vez un CD de “Thunderdome” que le dio un compañero de instituto, así que a los doce años empezó a producir música electrónica como hobby.

Boris Brejcha lleva en la escena desde 2006, año en el que eligió su máscara del joker como seña de su identidad y desde entonces vive a tiempo completo de la música y ha seguido desarrollándose como artista. Se le reconoce internacionalmente como el creador del género “High-Tech-Minimal”, fundó su propio sello musical Fckng Serious en 2015, y sus conciertos, con un concepto especial, atraen siempre a decenas de miles de fans en todas partes. DJ Mag ES se sienta con él a charlar con motivo de su visita a Madrid el próximo 11 de octubre en IFEMA en un evento organizado por Brunch Electronik.

EL 11 DE OCTUBRE ESTARÁ EN MADRID PRESENTANDO SU SHOW “BORIS BREJCHA PRESENTED BY BRUNCH ELECTRONIK MADRID”

Autora: Helena Bricio

Hola Boris, es un placer para nosotros tenerte en DJ Mag España para tu próxima visita a Madrid. Seguimos de cerca tu trabajo y estaremos encantados de mantener una conversación contigo. Para romper el hielo con nuestros lectores, cuéntanos, ¿en qué punto de tu carrera te encuentras ahora mismo?

Tengo 41 años, me va bien y actualmente mi carrera está en pleno apogeo. Produzco música electrónica con pasión, desde hace muchos años, y he conseguido convertir mi afición en una profesión. Mi trabajo hacer feliz a la gente con mi música. Y estoy muy contento de poder hacerlo.

¿Cómo empezó a desarrollarse su relación e interés por la música en su infancia? ¿Nos podrías hablar de algunos de los artistas que empezaron a llamar tu atención en esos primeros momentos de tu vida?

Empezó cuando aún estaba en el colegio. Un compañero de clase había traído un CD de Thunderdome. Era música hardcore. Fue la primera vez que escuché música así, lejos de los sonidos normales como la batería o la guitarra. Me pareció tan emocionante que quise averiguar cómo crear yo mismo esos sonidos. Así que pasé algún tiempo con un amigo produciendo esa música. En aquella época teníamos como modelos, por ejemplo, a Stephan Bodzin o Der Dritte Raum. Al principio producía mucha música trance, hasta que llegué al minimal techno a través de otro amigo.

Hace casi dos décadas que tu carrera empezó a desarrollarse; ¿cómo fueron esos primeros años en comparación con cómo es ahora tu vida como músico? ¿Cómo dirías que ha cambiado la escena a lo largo de los años? años?

Ya se puede decir que se ha hecho bastante grande y feroz. Creo que mi gran avance se produjo con el primer stream de Cercle. Eso fue en 2017. En 2018, con la corriente de Tomorrowland, se catapultó muchísimo. Pero también puedo decir claramente que la época anterior a 2017 también fue muy buena. En ningún caso querría perderme esta época. Ante todo, empecé mi carrera porque simplemente disfruto produciendo música y haciendo felices a mis fans. Pero es increíble ver dónde estoy hoy. A veces también da miedo. Cuando ves cuántos fans se hacen un tatuaje de mi máscara, me encanta. Y estoy muy orgulloso de ello. También porque nunca me he doblegado, y he siempre me he mantenido fiel a mí mismo. Y llegamos a una masa tan amplia a pesar de la relativamente música underground. La música techno está en auge estos días. No creo que sea así así para siempre. Pero eso no es malo, siempre que te diviertas con ella.

Cada vez hay más gente interesada en dedicarse a la música electrónica. Desde tu perspectiva profesional, ¿cuáles serían los principios básicos o piedras angulares para una carrera exitosa y duradera?

Lo más importante es la perseverancia y la creatividad. La mayoría de la gente que quiere empezar una carrera se detiene demasiado rápido. A modo de ejemplo. Tuve mi primer lanzamiento en 2006, pero el verdadero avance llegó 11 años después. Básicamente, no es difícil entrar en esta escena. Es más difícil sobrevivir en ella. Se necesita creatividad. Para poder sorprender a tus fans una y otra vez. Como consejo, te diría que es muy útil saber tocar un instrumento. Teclado o batería, por ejemplo. Esto ayuda inmensamente a entender mejor la música en general y también a escribir melodías bonitas. Y lo que algunos en la industria también olvidan: Siempre debes saber de dónde vienes. siempre debes saber de dónde vienes. Todos somos personas normales. No importa si eres famoso o no.

¿Hay alguna colaboración con un artista concreto que aún no se haya producido y que te gustaría experimentar?

Ahora no es obligatorio. Pero eso también se debe a que escucho relativamente poca música en mi tiempo libre. Cuando llegas a casa después de una sesión de estudio, el silencio es muy importante. Y eso también me gusta mucho.

Supongo que te habrán hecho esta pregunta bastantes veces, pero seguro que nuestros lectores sienten curiosidad por tu máscara. ¿Siempre tuviste claro que quería llevar una máscara en el escenario? ¿Cuál es el origen de esta?

La máscara del Joker es una máscara veneciana. En realidad, nunca estuvo planeado usar una máscara. Surgió por casualidad. Vivo en Alemania y mi primer concierto fue en Brasil. Aquello fue muy raro para mí en aquel momento. Entonces pensé en cómo diferenciarme de los demás DJ y se me ocurrió la máscara. Desde entonces la uso, y además me encanta.

Con toda esta experiencia, hemos podido verte en el escenario de clubes, festivales, salas de conciertos y grandes teatros. ¿Cómo te enfrentas a los diferentes tipos de público que acuden a uno u otro recinto? ¿Exploras las posibilidades que ofrece el recinto antes de cada actuación?

La verdad es que exploramos relativamente poco. Pero es más porque siempre hay poco tiempo. Con tanto viaje, se pierde mucho tiempo. Si luego se sigue prestando atención a comer bien y dormir, no queda tiempo. Por eso nos concentramos plenamente en la actuación de esa noche. El público es un poco diferente en cada país. Eso se debe a la cultura. Pero en general, el objetivo es el mismo para todos. Vienen a pasarlo bien y porque quieren vivir la música. Y eso se nota. Nunca ha habido una fiesta que fuera mal. El público siempre ha sido excepcional.

¿Podrías contarnos algún recuerdo inolvidable de una actuación? Algo que nunca se le borre de la mente.

Lo que siempre recordaré es una pequeña afterparty del actual festival “Panoramas” en Francia. El año anterior toqué en el festival, y un año después sólo en esta afterparty. Creo que había unas 70 personas. Era un edificio pequeño. Pero el ambiente era genial. Indescriptible. Nunca pensé que sería tan genial.

Sabemos que tus sesiones suelen incluir una fusión de diferentes géneros y variadas posibilidades sónicas, pero, aun así, tu estilo se etiqueta como High Tech Minimal. ¿Cómo podríamos definirlo? ¿En qué se diferencia de otros géneros?

En realidad, diría que produzco música electrónica. En su momento creé el género “High-Tech Minimal” para que mis fans se identificaran con algo. Pero básicamente mi música es una mezcla de todo. Techno, Minimal, Trance…… y mucho más. No me gusta que me encasillen en un solo género. La música electrónica es demasiado diversa para eso. Y uno debe producir lo que le apetezca.

¿Qué puedes contarnos sobre tu proceso de creación y composición musical?

Es muy sencillo. La mayoría de las veces empiezo produciendo un bucle de ritmo. Luego le añado una línea de bajo y poco a poco vas viendo por dónde va el camino. Nunca se puede decir con exactitud. Es decir, suelo hacerlo sin un plan. Todo sucede según las sensaciones. Pero eso me parece muy importante para producir una canción bonita. Hay que dejarse llevar.

Seguimos de cerca tu sello, que ya lleva siete años en activo y en el que hemos visto lanzamientos y remezclas tuyas y de otros artistas. ¿Cómo se te ocurrió la idea de fundar tu propio sello? ¿Qué dirección está tomando el sello en la actualidad?

Cuando uno empieza su carrera, suele firmar primero con varios sellos. Así fue conmigo, por ejemplo. Pero a menudo había desacuerdos, y así surgió la idea de fundar mi propio sello musical. Lo que hemos hecho en 2015 entonces también. Estoy muy feliz por eso. Con nuestra etiqueta no hay una dirección fija. Cada uno de nuestros artistas puede hacer lo que quiera. Eso es importante, para que uno pueda desarrollarse. Apoyamos todo, y lo más importante es que nuestros artistas se diviertan y produzcan buena música.

Los tiempos han cambiado e imaginamos que artistas como tú son más conscientes de todas las posibilidades y cambios tecnológicos que han afectado a la música electrónica. ¿Cuál es su perspectiva al respecto? ¿Cree que la tecnología puede restar espacio a la música? ¿Son complementarias?

Para ser sincero, actualmente no tengo miedo de lo que nos depare el futuro. Pero quizá también se deba a que siempre he estado muy orientado hacia el futuro. Me encantan las cosas nuevas y me gustaría probarlas. Pero en lo que respecta a la IA, por ejemplo, lo veo al 50%. Actualmente no la utilizo, aunque podría. Eso sí, la IA nunca podrá sustituir son los sentimientos. Básicamente veo útil el uso de la IA un poco más en aspectos técnicos.

Estos últimos años han sido un poco diferentes de lo que habíamos vivido antes y hemos tenido que adaptarnos a nuevas formas de vida, bajar un poco el ritmo y reflexionar. La pandemia aportó nuevas perspectivas sobre la evolución del negocio de la música. ¿Cómo ha sido para ti volver a tu ritmo habitual de actuar y producir más recientemente?

Para ser sincero, siempre he sido una persona muy reflexiva y también básicamente muy relajada. Para mí, la pandemia estuvo bien en su caso, pero también me hizo cosquillas volver a estar de gira. Para nosotros el momento difícil fue después de la pandemia. Porque tuvimos que ponernos al día con todos los conciertos que ya estaban programados. Además de todos los demás conciertos normales. Fue una doble carga. Me alegro de que este tiempo haya terminado. Pero, como ya he dicho, soy una persona reflexiva. Y ya había planeado antes de la pandemia actuar cada año un poco menos. Ya no estoy tan joven… jaja. Así que estoy deseando que lleguen mis 4 meses de vacaciones en 2024. Luego ampliaremos eso por año, hasta 6 meses de vacaciones. Para que se mantenga la calidad y no se pierda la diversión.

Tenemos muchas ganas de verte en Madrid. También vienes con Ann Clue y Moritz Hofbauer, amigos de tu sello. ¿Qué podemos esperar de este concierto en IFEMA?

Ann Clue y Moritz son dos artistas muy buenos. Darán lo mejor de sí mismos, como siempre. Y ellos también están deseando participar en el concierto. Actualmente me encanta dar mis propios conciertos. Como equipo lo hemos planeado todo cuidadosamente. De antemano hemos trabajado mucho con los escenógrafos y artistas visuales para ofrecer a los visitantes un show espectacular. Junto con mi música y también muchas canciones inéditas, será una experiencia única.

Y por último, hemos escuchado tus últimos singles en FCKNG SERIOUS, pero no podemos evitar preguntarte si hay algún nuevo álbum en camino que nos puedas desvelar?

Yessss. El álbum llegará en la primavera de 2024, ¡estoy deseando que llegue!

manyfew

TWO BROTHERS, ONE GROOVE

En el dinámico ámbito de la música electrónica, el dúo de productores de Estocolmo ManyFew emerge como un faro de positividad y energía sin límites. Formado por los talentosos hermanos Jacob y Victor Andersson, ManyFew se ha ganado su lugar en la escena de la música electrónica con zsus ritmos contagiosos, melodías irresistibles y un compromiso inquebrantable con la difusión de la felicidad y el buen rollo a través de su música.

Con una carrera que les ha llevado a actuar en lugares emblemáticos como el Ministry Of Sound de Londres y a publicar temas en sellos de renombre como Axtone, Selected y Spinnin’ Records, ManyFew se han ganado el apoyo de grandes nombres de la escena. Su estilo distintivo mezcla a la perfección influencias clásicas del house con elementos de la música disco y el funk, creando un tapiz sónico que atrae a un amplio abanico de entusiastas de la música.

Perfeccionando meticulosamente su arte, comenzaron a autoeditar sus trabajos originales en 2017, llamando la atención de los pesos pesados de la industria con una serie de éxitos que llenan las pistas de baile, como ‘Feel Good’, ‘Where To Go’ y ‘How Would You Know’. Haciendo su debut en Axtone con el último lanzamiento de la década del sello, se asociaron con Marcus Santoro y Hayley May para una colaboración trascendental, ‘For You’, que contó con el apoyo de artistas de la talla de Meduza, Tiësto, Don Diablo y Dimitri Vegas & Like Mike.

Pero no es sólo su música lo que distingue a ManyFew. La trayectoria del dúo es un testimonio del poder de la pasión, la confianza en uno mismo y un vínculo inquebrantable entre hermanos. Su enfoque autodidacta de la producción musical refleja un espíritu de curiosidad e innovación, ya que se basan en la intuición y la creatividad para crear sus temas.

La dedicación de ManyFew va más allá del estudio y el escenario. Su programa de radio, ‘Electronic Heaven’, llega a millones de oyentes de todo el mundo y les sirve de plataforma para compartir sus canciones favoritas y conectar con su público a un nivel más profundo. Con más de 2 millones de oyentes mensuales en su programa de radio, ManyFew han consolidado su reputación como creadores de tendencias. Este compromiso con la comunidad y la conexión les ha valido una base de fans mundial.

En esta conversación con DJ Mag, ManyFew hablamos sobre sus influencias, la experiencia única de ser hermanos en la industria musical y el espíritu de colaboración que impulsa su proceso de creación musical. También hablamos de su sello discográfico, ManyFew Records y sus próximos shows. ¡Muy interesante!

Autora: Caterina Günther

¡Hola, chicos! Estamos muy contentos de sentarnos a hablar con vosotros para esta nueva edición de octubre. ¿Cómo ha sido vuestro verano?

¡Hola equipo! Es genial hablar con vosotros hoy. Nuestro verano ha sido genial. Hicimos un show en el icónico Ministry Of Sound en Londres que fue muy divertido, también hemos hecho shows por Escandinavia. Para nosotros, el verano es la mejor época del año y nos encanta ser creativos durante la temporada, ya que hay mucha inspiración durante estos meses.

Sois productores autodidactas. ¿Cómo os formasteis inicialmente en técnicas y software de producción de música electrónica?

Fue la curiosidad la que nos llevó a la producción musical. Literalmente ha sido un proceso de prueba y error, simplemente seguimos nuestras intuiciones y creamos algo que nos gusta y si no suena como esperábamos, siempre volvemos atrás y retocamos hasta que sentimos que es adecuado para nosotros. Internet siempre ha sido nuestra principal fuente de información y hoy en día hay un montón de buenos consejos de producción que puedes aprender de allí.

¿Quiénes son algunas de vuestras mayores influencias musicales dentro del ámbito de la música electrónica? ¿Cómo estas influencias han dado forma a vuestro estilo de producción único?

Siempre nos han inspirado las melodías del house clásico, así como la música disco y oldschool funk. Artistas como Franky Knuckles, Armand Van Helden, Daft Punk y artistas soul como Luther Vandross y Earth Wind and Fire, por ejemplo. Para nosotros la inspiración viene de todo y de todas partes, no sólo de la música. Los discos clásicos son los que más nos influyen, y también la radio es algo que nos encanta escuchar y a la vez nos inspira mucho.

Habladnos de la experiencia de tener una carrera musical conjunta como hermanos.

Nos encanta hacer este viaje juntos como hermanos. Pasamos mucho tiempo juntos y nos conocemos muy bien, tenemos intereses similares y nos encanta escuchar el mismo tipo de música, cosa que hace la vida un poco más fácil también. Obviamente no estamos de acuerdo en todo, pero eso es algo que sólo vemos como una ventaja. Hemos experimentado que a veces tener opiniones diferentes en el estudio puede ser una forma muy buena de desarrollar un producto.

La colaboración a menudo implica compromiso. ¿Cómo manejáis los desacuerdos creativos o las visiones diferentes cuando trabajáis juntos en música?

Los desacuerdos creativos son algo que ocurre bastante a menudo. Lo que hacemos es probar nuestros temas en los clubs y en los festivales, y ese es un momento que ambos consideramos muy importante para ver las reacciones instantáneas del público. Esas reacciones del público son una buena indicación de si hemos tomado la decisión correcta en el estudio. Como hermanos, siempre escuchamos la opinión del otro y siempre hacemos todo por la melodía. Cuando los dos sentimos que está bien, ¡es el momento en que el tema está listo!

Habéis publicado en respetados sellos como Axtone, Musical Freedom, Selected y Spinnin', por nombrar solo algunos. ¿En qué os basáis para elegir los sellos en los que publicar vuestro trabajo de estudio?

Siempre creamos música que nos gusta a los dos. Cuando estamos en el estudio, intentamos trabajar sólo por instinto en lugar de pensar demasiado. Esa primera idea nos lleva a algo que luego convertimos en un tema. Nos encanta publicar en diferentes sellos, nos da libertad como artistas y es algo que nos hace muy felices. Cuando terminamos un tema, siempre intentamos seguir la corriente y buscar el hogar adecuado para ese tema en concreto.

Presentáis vuestro propio programa de radio, ‘Electronic Heaven’, en emisoras de todo el mundo con más de 2 millones de oyentes mensuales. ¿Qué os motivó a arrancar este proyecto?

La radio siempre ha sido una gran fuente de inspiración para nosotros, no sólo a la hora de crear nueva música, sino también para relajarnos. Empezamos a publicar nuestros primeros episodios en SoundCloud sólo por diversión, recibimos muchos comentarios positivos y muchos streams. Eso nos inspiró para desarrollar aún más ese concepto y se nos ocurrió el nombre de ‘Electronic Heaven’. Empezamos a pinchar nuestras canciones favoritas del momento, así como nuevos temas propios. Es increíble la cantidad de comentarios que recibimos de la gente cada mes, y eso es algo que nos hace muy felices. ¡Recibir ese feedback instantáneo de la gente sobre nuestras canciones es algo que apreciamos mucho!

¿En qué géneros o subgéneros de música electrónica se centra vuestro sello ManyFew Records y cómo hacéis para descubrir y fichar nuevos talentos para el label?

El objetivo para nosotros es lanzar canciones que nos gustan y que nos gusta pinchar en nuestros DJ sets. Nuestro sello consiste en crear música basándonos en la intuición y sin pensar demasiado, ¡simplemente hacer la música que nos gusta y las canciones que nos hacen felices! ManyFew se dedica a difundir la felicidad y la buena vibra, y ese mantra y esa energía es algo que intentamos añadir también a nuestro sello. Nuestro sello no está encerrado en ningún género específico, obviamente el house será algún tipo de enfoque, pero sólo es genial si hay influencias de otros géneros también. Tarde o temprano ficharemos nuevos talentos para ManyFew Records y buscaremos artistas que sean muy creativos y puedan aportar algo nuevo y extra a la escena. Para aquellos interesados en empezar su propio sello discográfico en el género de la música electrónica, ¿qué consejos o ideas podéis darles basándoos en vuestra experiencia?

Piensa que es construir tu sello paso a paso es un proyecto bastante grande así que necesitas tener un plan. También rodearte de gente en la que confíes. No tengas miedo de tener tu propio

Habéis recibido el apoyo de algunos de los artistas y programas de radio más importantes del mundo. ¿Qué se siente cuando vuestra música es reconocida y apreciada por estas influyentes figuras de la industria?

Es una sensación absolutamente increíble y es algo por lo que estamos muy agradecidos y así es como empezó todo para nosotros, obtuvimos el apoyo de artistas y emisoras de radio a los que admirábamos, lo que nos dio la energía y la inspiración para seguir haciendo esto. Para nosotros todo apoyo es importante y nos indica que vamos por el buen camino.

En vuestro último lanzamiento habéis colaborado con Janne Schaffer, el guitarrista de la legendaria banda ABBA. ¿Cómo surgió la idea de esta colaboración y qué os llevó a trabajar juntos en este proyecto?

Siempre hemos sido grandes admiradores de Janne Schaffer y de sus magníficas interpretaciones y habilidades a la guitarra. Creciendo en Suecia y escuchando los sonidos de la guitarra de Janne desde una edad muy temprana, desde sus propios discos hasta sus contribuciones en 48 discos de ABBA (incluyendo Ring Ring, Waterloo, Mamma Mia, Bang-A-Boomerang y Voulez Vous por nombrar algunos), ha sido una gran inspiración para nosotros. Su sonido y su nombre son sinónimos de calidad y para nosotros es un placer absoluto trabajar con una leyenda como él.

Llevábamos tiempo pensando en pedirle a Janne que colaborara con nosotros, pero después de uno de nuestros conciertos en Londres le enviamos un mensaje a altas horas de la noche preguntándole si le apetecería hacer algo. Cuando nos despertamos al día siguiente, había respondido a ese mensaje diciendo: "Suena bien, chicos. Hagamos una llamada :-)". Hicimos la llamada con Schaffer y más tarde concertamos una sesión en el estudio de Estocolmo. Tuvimos una gran conexión en el estudio al instante y creamos 'Back To Back'. Nos divertimos mucho escribiendo esta canción y esperamos difundir buen rollo por todo el mundo. Janne es una persona maravillosa y ya estamos preparando más canciones. ¿Cómo fue trabajar con un músico tan emblemático?

¡Fue genial! Empezamos a tocar unos ritmos con batería y un loop de piano que habíamos creado. Janne inmediatamente cogió su guitarra y tocó sobre esta base. Es genial trabajar con alguien que tiene tanta experiencia y conocimientos, ¡sabía directamente lo que el tema necesitaba y le añadió esa magia! Janne no es sólo un guitarrista legendario, también es un ser humano humilde y genial, y le respetamos mucho. Este año celebra los 50 años de su primer álbum en solitario y también ha trabajado con artistas como Bob Marley y Toto, ¡lo cual es brutal! Trabajar con él me ha inspirado mucho y esperamos que este tema os de energía y buen rollo a vosotros también.

¿Podéis adelantarnos algo sobre próximos shows, giras o apariciones en festivales que los fans puedan esperar?

Tenemos algunas cosas muy emocionantes por venir, muchas cosas no las podemos revelar todavía, ¡pero hay algunas que sí! Estamos muy contentos de anunciar que vamos a Dubai y que seremos cabezas de cartel de las Spinnin' Sessions en el icónico Five Jumeirah Village el 14 de octubre. ¡Ven con nosotros y esperamos verte en The Mansion Dubai! Para más información, por favor mantente atento a nuestras redes sociales.

Gracias por vuestro tiempo Jacob y Victor, ¡ha sido un placer charlar con vosotros!

¡Muchas gracias por recibirnos, ha sido un placer!

Jon & The Rabbit

Explorando los Universos Musicales

En el vibrante mundo de la música electrónica, esporádicamente nos encontramos con proyectos que desafían las expectativas y nos sumergen en paisajes sonoros inexplorados. En esta nueva edición de nuestra revista, estamos encantados de presentaros a Jon & The Rabbit, un proyecto musical que ha surgido de la colaboración entre dos grandes talentos de la escena musical: Sebastián López y Juano Damiani.

UN ENCUENTRO INESPERADO

La historia de Jon & The Rabbit es fascinante y única. Sebastián López, un artista bien conocido en la comunidad techno internacional gracias a su carrera como Flug y Linkan Ray, se unió a Juano Damiani, un virtuoso compositor y multiinstrumentista, en un proyecto que representa la unión de dos mundos musicales aparentemente dispares. Lo que comenzó como una colaboración de consultoría se transformó en una alianza creativa y espiritual que elevó la música electrónica a nuevas cotas.

DOS MENTES CREATIVAS, UN OBJETIVO COMÚN

El proceso creativo detrás de su álbum debut Our Nation Of Procrastination es un testimonio de la sincronía excepcional que existe entre Sebas y Juano. Durante más de un año, trabajaron juntos para dar forma a las canciones, desde la reinvención de composiciones existentes hasta la creación de nuevas piezas desde cero. A pesar de sus antecedentes musicales divergentes, han logrado encontrar una identidad sonora única para el proyecto, un sonido característico que se extiende a lo largo del disco, a la par de conseguir unir sus historias y experiencias de la vida de manera genuina y auténtica. Este proyecto es una expresión honesta y original de dos artistas que se sienten libres para crear y explorar sin límites. En esta entrevista, profundizaremos en los misterios de su colaboración y en el proceso creativo detrás de Our Nation Of Procrastination. Ahora, sin más preámbulos, adentrémonos en la mente y el mundo de Jon & The Rabbit.

Autor: Victor Fernandez

Hola Sebas y Juano, es un placer daros la bienvenida a DJ Mag España para hablar de vuestro proyecto Jon & The Rabbit y el lanzamiento del primer álbum “ur Nation Of Procastination. Ambos lleváis toda una vida dedicada a la música pero en disciplinas totalmente distintas. ¿Cómo surgió la idea de empezar este proyecto juntos? ¿Qué significa para vosotros Jon & The Rabbit?

JUANO: Jon & the Rabbit fue un proyecto originalmente solista (Jon Rabbit) que, después del proceso de composición y producción de las canciones, sentía que todavía no estaba listo para lanzarse. Esto es algo muy común entre artistas, sentir que la obra nunca está acabada y que siempre se puede mejorar algo más. Sin embargo, en este caso era una cuestión de identidad artística lo que faltaba, estaba conforme con las composiciones pero no con la identidad sonora del proyecto. Fue ahí cuando se me ocurrió pedir ayuda. Una visión externa, alguien que pudiera escuchar todo el material de manera fría y analítica y que pudiese sumar para hacer este trabajo. Sebas y yo no nos conocíamos mucho, solo de cruzarnos en algún estudio y probar alguna que otra cosa juntos, pero no más que eso. Por alguna razón físico-cuántica sentía que él era la persona y no me equivoqué. Lo que originalmente iba a ser un trabajo de consultoría y producción se convirtió en

una alianza espiritual y creativa que llevó la música a otro nivel. Sebas no quiso el trabajo, quiso sumarse al proyecto de lleno. A partir de aquí se generó una sociedad de confianza y humildad donde la música que hacemos juntos nos hace sentir, por encima de todas las cosas, libres. Confiamos en las cualidades y en las locuras del otro, es algo mágico.

Hablemos de vosotros en el estudio. ¿Cómo ha sido el proceso creativo del disco? Y, ¿cuánto tiempo os ha llevado realizarlo?

SEB: Todo comenzó trabajando sobre la identidad sonora de las canciones que ya estaban. Algunas las descartamos, otras las mejoramos. También surgieron temas nuevos que hicimos juntos desde cero. Tardamos aproximadamente un poco más de un año en tener los masters finales en la mano, pero admito que todo fluyó con una naturalidad excepcional desde el minuto uno, nunca me había pasado eso de conectar musicalmente con otro artista de esta manera. Como bien dijo Juano, desde la humildad, que dos artistas independientes logren amalgamarse con libertad emocional y fluir en una sincronía natural, es una sensación sinceramente inigualable. Pero más allá de la conexión, creo que haberse tomado el tiempo en encontrar la identidad sonora y musical del proyecto fue lo que hizo que hoy las canciones tengan un sonido característico y uniforme.

¿Tenéis roles definidos a la hora de hacer música?

¿Quizás Juano más enfocado a la composición armónica de las obras y Sebas en el diseño sonoro y producción del mismo?

JUANO: Podría decirse que ambos hacemos de todo, pero seguramente al final del día los dos sabemos cuáles son las especialidades del otro y la última palabra en cada una de ellas se escuchan con más fuerza según de quién venga. Sebas en el diseño sonoro y Juano en la composición... pero al final nunca es 100% así (risas).

Se puede apreciar un comportamiento muy orgánico en vuestra música: melodías grabadas a tiempo real, el comportamiento de los sintetizadores,… ¿Cómo ha sido el proceso técnico del disco?

J&R: Jugar con las dualidades es lo que más nos gusta hacer en este proyecto. Esto se puede ver en el logo y también se puede sentir en todo el disco y sus canciones. Utilizar el mundo digital y el mundo análogo para crear también es parte de ellos. Hay canciones que comienzan en el entorno digital como puede ser componer desde una caja de ritmos o un sample, y luego comenzar a añadir y grabar elementos analógicos como vocales, sintetizadores, percusiones,… Otros temas han surgido de tocar

acordes en un piano o de un arpegio de guitarra que originalmente era de 16 compases y acabó siendo un loop de 4 por digitalizarse, muchísimas percusiones a partir de sampling y un infinito etcétera de recursos tanto musicales como técnicos. La única regla de este juego es que lo que se haga merezca la pena, dándole siempre prioridad a la música, crear desde la libertad, sin argumentos, ni estereotipos definidos, pero con una estética e identidad propia del proyecto.

Vuestras producciones evocan paisajes melancólicos con un claro discurso introspectivo. Se puede sentir mucha alma en cada uno de los cortes del disco. ¿Cómo habéis logrado encontrar el punto de unión en vuestras historias y vivencias para que sean realmente trascendentales para ambos?

J&R: Jon & The Rabbit es para ambos la posibilidad de hacer la música que realmente nos gusta y que nos emociona por influencias, por maneras de ver y sentir el sonido y también por las ganas de hacer algo honesto y original. Es un proyecto que nos hace sentir orgullosos porque sabemos que nos hemos desnudado y expuesto en lo creativo y en lo personal, es un aprendizaje constante. Mentiríamos si dijéramos que no tenemos expectativas de que esto llegue lejos, pero vamos despacio, con calma, disfrutando cada paso que damos.

Habiendo ya escuchado el disco completo, creo que habéis logrado unir muchos estilos en solo un disco, haciendo que todo tenga lógica y se integre a la perfección, dando como resultado algo realmente único y especial. ¿Cuál pensáis que ha sido la clave para que todas vuestras influencias converjan en “ur Nation Of Procrastination?

J&R: No creemos que haya una razón lógica y racional para esto. Podríamos decir que la confianza y admiración por el otro hace que la cosa fluya. Saber que el objetivo común es que brille la música por encima de todo también permite despojarse de muchas cosas que aparecen a veces.

¿De dónde salió el nombre del álbum?

J&R: La sensación de siempre estar procrastinando lo que uno quiere hacer, o dice que quiere hacer, es algo común en la sociedad actual y obviamente nosotros también formamos parte. Ambos teníamos proyectos solistas similares que veníamos procrastinando y creemos que con este título ponemos fin a esa constante lucha de encontrar el conocido 'momento perfecto'. Mucha gente que ha escuchado el álbum nos dice que es liberador, que sana e inspira. Ojalá esta música tenga el poder de ser medicinal y pueda inspirar a dejar de procrastinar lo que uno/a quiere hacer. Con nosotros, sin dudas, lo ha hecho.

En un momento en que la música es tan de usar y tirar, se puede palpar el cuidado que les habéis dado a todos los puntos del proyecto, mimándolo como vuestro propio hijo... La composición de las obras ya consiguen, por sí solas, adentrarnos en nuestro mundo, pero, aparte, el disco ha sido mezclado en Atmos, un punto añadido que potencia aún más la experiencia del oyente. ¿Cómo ha sido ese proceso? ¿Era la primera vez que os enfrentabais a ello?

J&R: Fue una oportunidad que surgió de un comentario que hizo quien mezcló el álbum, Julián Bonino. Él se dedica a mezclar muchos proyectos en este nuevo formato y fue él quien sugirió que esta música debía también tener su mezcla en Atmos. Al tener muchas texturas y ser muy cinematográfica, tenía sentido probarlo. Esto ha abierto muchas puertas para el futuro, todavía nada que podamos contar, pero que forma parte de todo el proyecto.

Aparte de lo que habéis logrado musicalmente, encuentro que la dirección de arte refleja de una manera muy clara la identidad del proyecto. Fotos que evocan a terrenos misteriosos e introspectivos... ¿Trabajáis con alguien en ese aspecto del proyecto?

J&R: Estas fotos en particular son de Alba Duque, una amiga y talentosa artista que ha sabido capturar el concepto desde un inicio. También estamos trabajando con más artistas que le suman muchísimo valor a la identidad de J&R, entre ellos Felipe Cardeñosa y Segundab que serán parte fundamental del equipo en la parte visual, y no queremos dejar de mencionar a Alessandra Speranza y Sasha Moll que son los que están a nuestro lado desde un primer momento. Este es un proyecto que no acaba con la música, sino con toda la experiencia de este mundo (o mundos) que queremos generar.

Hablemos de Jon & The Rabbit en los escenarios. Seguramente, con el bagaje de ambos, la única forma posible de subiros a un escenario es con un live interpretando todos vuestros temas, ¿verdad?

J&R: Sí, es cierto. Queremos aprovechar una vez más las cualidades que tenemos cada uno. Por un lado, el manejo de máquinas y la lectura de pista de Sebas. Esto es fundamental para leer lo que está sucediendo en el público y poder conducir las energías del momento. Por otro lado, Juano es un excelente pianista y multiinstrumentista, por lo que sería un error no aprovechar eso para que el show cobre vida analógica en el escenario. También pensamos que una batería es una pieza que no puede faltar, estamos trabajando en ello.

¿Cuándo y dónde podremos veros? ¿Qué planes de futuro tenéis en ese sentido?

J&R: Aún es temprano para hablar de esto, pero en el próximo 14 de octubre, en el marco del Bridge48 Festival en la Fábrica de Estrella Damm, tendremos una sorpresa. Haremos una presentación oficial del álbum en noviembre, por ahora a puertas cerradas, pero en 2024 habrá shows, esperemos que así sea (risas), donde nos daremos el gusto de mostrar toda la experiencia y los mundos de Jon & The Rabbit.

Dejando la música aparte pero sin perder el foco en el proyecto. He visto que los dos temas que habéis lanzado, ‘Feature’ y ‘Haunted By The Ghost’ han sido autopublicados. Es decir, vosotros mismos os gestionáis todo sin el apoyo de ninguna discográfica. ¿Por qué habéis tomado esta decisión y cómo está siendo el proceso?

J&R: Creemos en la autogestión, sobre todo al inicio de los proyectos. Nos pareció una buena idea no tener que depender de nadie, sin contratos ni concesiones. Siempre quisimos crear arte sin generarnos presiones, sin embargo, no estamos cerrados a trabajar con sellos discográficos en un futuro. De momento, creemos que este es el camino correcto.

¿Qué podemos esperar de Jon & The Rabbit próximamente? ¿Y a largo plazo?

J&R: De momento, diremos que en 2024 habrá varias presentaciones y un álbum nuevo en el que estamos trabajando actualmente.

Por último, os lo tenía que preguntar... Who is the rabbit? (¿Quién es el conejo?)

J&R: ¡Ja! Nos alucina y nos hace gracia que nos preguntes esto. Es algo que habitualmente surge después de que la gente se entere del nombre de la banda: "Vale, tú eres Jon, pero ¿quién es el rabbit?”. La verdad es que es algo que no tiene una respuesta concreta, es algo conceptual: The Rabbit is only you and yourself (El conejo eres tú y tú mismo).

Ser mujer en la industria de la musica

El embarazo de Amelie Lens, un avance para todas las DJs

Autora: NiZ

Nunca he querido ser madre. Ni me gustan lxs niñxs ni me interesa la maternidad ni me apetece dejar de ser la protagonista de mi vida. Pero eso no me declara ajena a la complejidad que supone engendrar en el año 2023, más todavía si se hace dentro de la electrónica. Y no solo porque, a priori, los estilos de vida de una DJ y una madre sean radicalmente opuestos, sino porque todavía queda mucho camino por recorrer en lo que a conciliación familiar y percepción social se refriere, en general, pero mucho más dramático, en concreto, en el mundo de la música.

El pasado mes de julio saltaba la noticia: Amelie Lens y Farrago esperaban unx hijx. Las redes de ambos se llenaron de felicitaciones procedentes de todas partes del mundo. La comunidad entera se volcó para dar la enhorabuena a una de las parejas más queridas de la escena techno y, con permiso de Charlotte y Enrico, posiblemente, la más mediática. Pero, por supuesto, se abrió también el debate sobre si era necesario compartirlo, si estaba aprovechando el embarazo para conseguir publicidad (spoiler: la cual la pareja no necesita en absoluto) o si era apropiado seguir de gira en un estado del embarazo tan avanzado. El caso es opinar, que en este país se nos da muy bien, así que voy a hacer lo propio. Y no voy a entrar a analizar la rentabilidad reputacional de la noticia ni en si es o no una campaña de marketing. Voy a centrarme en enumerar los argumentos que defienden la tesis (la mía) de que el mediático embarazo de Amelie Lens es muy beneficioso para todas las que nos dedicamos a esta profesión, queramos o no ser madres. Empecemos.

rompe la barrera del silencio

¿Cuántas DJs que sean madres conocéis? ¿Cuántas veces habéis visto a una DJ hablando abiertamente de su embarazo, relatando sus síntomas o presumiendo de barriga? ¿Cuántas artistas de música electrónica comparten su día a día como madres? Ya os lo digo yo, pocas o ninguna. ¿Cierto? En cambio, ellos siempre muestran orgullosos su recién adquirida paternidad. ¿Por qué? En primer lugar, porque, al igual que pasa con la menstruación, tema que toqué en mi primer artículo para DJ MAG España #137, la maternidad en algunos campos profesionales sigue siendo tabú. Y segundo, porque la percepción de la maternidad en el mundo de la música no es la misma que la que se tiene de la paternidad. Y esto es básicamente porque los hombres por muy padres que sean no van a tener un ser vivo dentro durante 9 meses, los hombres no van a ver cómo su cuerpo muta día a día en una profesión en la que la imagen cada vez tiene más peso, los hombres no van a tener que dar de mamar y los hombres, por mucho que estemos avanzando, no van a tener que dejar de actuar ni para parir ni para criar (generalizando en esto último, los hay más y menos implicados).

Por tanto, que una DJ archiconocida y ultramediática como es Amelie Lens rompa el silencio de la maternidad es vital para que el tema salga de las sombras y se ponga sobre la mesa, lo cual será indispensable para que avancemos en derechos tanto de igualdad como laborales dentro del mundo de la música electrónica.

naturaliza el proceso mas natural que hay en la vida

Y esto deriva del punto anterior. El ser humano asimila y normaliza por repetición. Así que, cuantas más DJs/productoras embarazadas hagan pública su maternidad, más natural resultará verlo. Y no solo me refiero a hacerlo en el día a día personal, sino a integrarlo de una forma orgánica en la vida profesional tal y como ha hecho la DJ belga. Si os fijáis, desde que anunció su embarazo no ha dejado de lucir tops y vestidos ceñidos; ella que, de nuevo con permiso de su compatriota, había sido la reina de las camisetas oversize. Evidentemente, es una decisión metida en profundidad y nada aleatoria, de eso no hay duda, no vamos a pecar de ingenuxs. Pero lo importante aquí es la exposición continuada, que contribuye a naturalizar una panza bien tremenda encima de un escenario, lo cual hará que a la larga se normalicen cambios en las prácticas, comportamientos, elementos de la organización de los espectáculos, etc.

descosificar y desexualizar la figura de la mujer en cabina

Uno de los lastres que cargamos a cuestas las mujeres, en general en cualquier profesión con exposición pública, y en concreto en la música, es la hipersexualización y la cosificación. Las mujeres que pisamos un escenario no somos un reclamo estético ni un escaparate de moda ni una imagen mental que retener para fantasías posteriores. Somos profesionales haciendo nuestro trabajo. Y por supuesto que las hay que se aprovechan de su físico e incluso tapan sus carencias con él. Pero, primero, son las menos, y prefiero centrarme en las que rehúsan hacerlo; y segundo, ellos también lo hacen, aunque el cuestionamiento tiende a ser nulo o mucho más condescendiente.

Cuando una mujer es madre parece que esa capa de erotismo desaparece. Para que nos entendamos, en términos populares y generales, deja de ser apetecible sexualmente para gran parte del público. Esto tiene que ver también con la edad. En el imaginario colectivo, se entiende que una madre es una mujer con una pareja formal, seria y madura, que, por ende, ya no está al alcance/en el mercado, y que, por tanto, ha perdido parte del atractivo sexual del que hablábamos asociado a este erotismo del escenario. Esa puede ser, en parte, una de las razones por las cuales muchas mujeres de esta profesión, y otras con repercusión mediática, no hacen pública su maternidad, o su relación de pareja o, incluso, su orientación sexual. Y es porque tradicionalmente ser madre derrumba uno de los pilares en los que se basa la construcción de un mito: el atractivo sexual y el etéreo autoconvencimiento de los seguidores de poder acercarse íntimamente, algún día, al sujeto de la veneración. Esto funciona también en el caso de los hombres, aunque se da en menor medida. Acordaos de la cantidad de años que tardó Ricky Martin en decir que era gay.

Por tanto, y para concluir este argumento, que una mujer exitosa, talentosa y atractiva muestre públicamente que está embarazada puede sumar puntos en la laboriosa carrera de desexualizar la figura de las DJs y en profesionalizar más la imagen que se tiene de nosotras. Igualmente, para emitir un diagnóstico final, necesitaremos ver cómo responde el público cuando nazca la criatura.

resta paternalismo y tutelaje para con las djs

Otra de las losas que arrastramos las mujeres que trabajamos en la música es el paternalismo. Al tratarse de una profesión en parte técnica, se tiende a pensar que ellos son los que saben y nosotras las que ponemos bonito el escenario. “Ya te lo hago yo…, yo te ayudo…, yo te enseño…, pobrecita…, ¿sabes cómo va?, mira, esto se hace así…, para ser tía no veas…, ah, pero si sabes y todo…, se te ve súper profesional en cabina…” Son todo frases que me han dicho por lo menos una vez y que muchas de mis colegas reconocerán. Solo añadiré que he perdido la grabación de muchas sesiones porque “el que sabe” me ha conectado mal la grabadora a la mesa. ¿Y qué tiene que ver esto con el tema que nos ocupa? Muy sencillo, que una mujer embarazada siga trabajando y tomando sus propias decisiones, por un lado, desinfantiliza la percepción que se tiene en algunos casos de nosotras como DJs y productoras; y por otro, empodera a la mujer que está sobre el escenario, demostrando que no solo es capaz de volver locas a 20k personas con su música, sino que lo hace con una vida dentro, con síntomas propios del embarazo, con mayor peso, con viajes a cuestas y horas de sueño perdidas y con una imagen personal que cambia cada día. Al igual que pasa con la regla, una mujer que soporta este estilo de vida con un embarazo a cuestas no tiene nada ni de infantil ni de débil ni de pelele ni de persona que necesite tutelaje masculino. Bravo por ella.

contribuye a mostrar una escena mas saludable

El mayor estigma que tenemos dentro de la música electrónica es, sin duda, el de la toxicidad de la profesión y el entorno. Es cierto que cada vez hay más profesionales que se declaran abstemixs, desintoxicadxs, deportistas, veganos o que se cuidan y se miman día a día, aunque pasen la mitad de su tiempo encerrados en clubs que transpiran nocturnidad y alevosía. Por eso creo que no hay nada más tranquilizador que ver a una mujer embarazada trabajando en esta industria. Demuestra que no todxs somos iguales, que la profesión no es tóxica per se, contribuye a velar por mejorar los entornos de trabajo y las condiciones laborales, y aporta diurnidad, naturalidad y salud a la comunidad, desvinculándonos del estigma del sexo, drogas y rock and roll.

discapacidad

Estar embarazada, igual que estar con la regla, no es estar enferma, excepto en casos concretos en los que sí es incapacitante. El embarazo es un proceso vital que cada mujer vive de un modo distinto. Y es una misma la que escoge llevarlo así o asá. Al final, cada una sabe lo que hace con su cuerpo y nadie, excepto su ginecólogx, tiene nada que decir al respecto. Estoy convencida de que una mujer embarazada lo último que quiere es poner en riesgo a su bebé. He visto a deportistas de 8 meses levantando pesas, a amigas mudándose a los 9 meses o a mi propia madre sacándose una oposición a punto de parir. Si Amelie Lens está dando saltos en un escenario con tremendo panzón es porque puede hacerlo. Y no hay más que hablar. Además, estoy bastante convencida de que su hospitality rider (documento de peticiones no técnicas que enviamos lxs DJs a lxs promotorxs en cada evento) recoge ahora cosas tan obvias, pero no tan comunes, como que nadie fume cerca de ella, que se mantenga la distancia de seguridad en cabina, que vuele con mayor confort, que haya bolsas para vomitar en los transfers, que no haya ciertos alimentos en su camerino, etc. De todos modos, para lxs más sufridorxs, la Lens ya ha anunciado su retirada temporal, imagino porque la cosa se le complica a partir de ahora, así que el cuestionamiento puede cesar. Podéis ir en paz.

Por mi y poR todas mis companeras

Para mí el argumento más importante de todos es que con este embarazo tan mediático Amelie Lens sienta un precedente, convirtiéndose en un referente, en un faro para el resto. Y no porque otras no lo hayan hecho antes, sino porque ella lo está haciendo abiertamente, sin tapujos y con total naturalidad. Y estoy convencida de que la decisión no ha sido ni unilateral ni fácil ni baladí. Pero también sé que, sin referentes en la escena, del tipo que sean, muchas no estaríamos aquí. Y otros dirán que lo ha hecho porque puede. Efectivamente, así es. Por eso, es imprescindible que las que puedan y quieran, lo hagan; por todas las que en algún momento han dudado, han sufrido o han dado marcha atrás; por todas las que han tenido que elegir entre una carrera exitosa y una vida familiar; por todas las que renuncian a parte de su vida para seguir creciendo como profesionales. Todo está cambiando muy deprisa y se necesitan modelos a seguir, ejemplos palpables de comportamientos y actitudes que animen al resto a perseguir sus sueños. Y si el de una DJ y/o productora es, además de la música, ser madre, no tendría por qué renunciar a él, ni por miedo a quedarse sin trabajo ni por terror a perder el cariño de los fans ni porque sus equipos de trabajo no recomienden hacerlo. Visibilizar hoy es avanzar mañana.

Sin intención de ser madre, pero contenta de ver dónde estamos ya, se despide NiZ.

Demuestra que el embarazo no es una

5 recursos de Rekordbox que no estás usando y van a ayudarte en tu vida como DJ

Siempre he dicho en mis artículos que uno de los problemas que ha traído consigo la digitalización de todos los procesos de trabajo de unx DJ es que, en muchos casos, el sentido de la vista ha pasado a ocupar un lugar predilecto, cuando el protagonismo absoluto debería tenerlo el oído. Ahora bien, más allá de las diferencias en los sistemas de trabajo, tema que ya tratamos en el número 147, la mayor comodidad de pinchar en digital vs en vinilo es innegable. Además, la tecnología aporta una capa extra de creatividad muy interesante si sabemos utilizarla bien. Recursos, herramientas, trucos y mejoras que, bien empleados, hacen crecer el potencial artístico y simplifican mucho la parte final del proceso: actuar en un club o festival. Observando a mis colegas de profesión trabajar estos últimos años me he dado cuenta de que poca gente utiliza a fondo dichos recursos. Es más, conversando con amigxs, y explicándoles cómo organizo, marco y exporto mi música, muchos me han pedido encarecidamente que haga un tutorial sobre cómo utilizar Rekordbox (me centro en este sistema porque es el estándar de mercado, pero sirve para cualquier software salvando las diferencias obvias). Preparar, grabar y montar un contenido de semejante calibre lleva mucho tiempo y ahora mismo no sé si dispongo de él. Pero sí que me gustaría explicar cinco cosas que son realmente útiles. Ojalá os sirvan. Empecemos por la más complicada.

Autora: NiZ

Las listas inteligentes y los comentarios/etiquetas

Respecto al trabajo previo que hay que hacer en casa antes de subirse a un escenario, el primer consejo que le daría una persona que empieza a pinchar es que organice la música bien desde el principio, que luego se hace bola. Cada unx sabe qué nivel de orden y caos maneja en su vida, y no voy a entrar ahí, pero ir por la vida con un USB con 1000 canciones (por poner un número), todas echadas en una misma lista, resulta inoperativo a todas luces.

Ventajas de tener la música bien organizada:

• Mejora la gestión del tiempo: todo lo que dediques a ordenar y marcar antes, lo ahorrarás en el escenario. Si ideas un sistema de organización con el que te sientas a gusto y funcione para ti, irás mucho más rápido y estarás más segurx en cabina.

• Incrementa la creatividad: si sabes dónde encontrar la música, no tendrás que conocer el nombre de todas las canciones. Agilizarás la parte artística, pues el cerebro se centrará en implementar la idea y no en encontrar los elementos para componerla.

• Te permite seleccionar música ad hoc para cada bolo de forma rápida: tener la música bien ubicada y categoriza, combinada con otra técnica que veremos más adelante, te permitirá dar con la selección exacta para cada actuación.

¿Cómo creo una lista inteligente?

Las listas inteligentes son playlists que se crean solas respondiendo a una serie de criterios (que marcamos nosotrxs), como puede ser el bpm, el género, o en base a las etiquetas que le hayamos adjudicado antes. Se activan desde la pestaña “Listas de Reproducción” de tu “Colección” de Rekorbox. Presionamos el botón derecho del ratón y clicamos sobre “Crear Una Nueva Lista Inteligente”. Una vez la hayamos creado, el programa nos pedirá que le dictemos las condiciones (o criterios de búsqueda). Pongamos un ejemplo fácil por ahora (en el siguiente punto lo sofisticaremos un poco más). Le diremos a la lista inteligente que aglutine música de género Techno, de entre 140 y 145 bpms, lanzada en el año 2023. Para ello debemos ir rellenado los campos que nos pide el software. Una vez completado quedaría así:

En este punto es importante tener en cuenta dos cosas. La primera es que los criterios o condiciones pueden ser todas de obligado cumplimiento o no. Esto dependerá de lo que queramos. Se selecciona así:

La segunda es que podemos elegir la exactitud de cada una de las condiciones. Lo veréis aquí:

Una vez completado se creará una lista inteligente en la que aparecerán todas las canciones de la colección que cumplan las condiciones que hemos marcado. Además, cada vez que añadamos una canción que cumpla con las condiciones, se añadirá automáticamente a la lista sin que tengamos que hacer nada más. Las condiciones de la lista se pueden editar siempre que queramos. Solo tenemos que clicar sobre la lista con el botón derecho y seleccionar “Editar la Lista de Reproducción Inteligente”. Y voilà. ¿No es maravilloso? Os aseguro que esto ahorra una cantidad de tiempo brutal. Nos puede servir tanto para generar un orden estable de toda nuestra colección como para seleccionar música para un bolo/podcast/ concreto. Además, aunque la canción esté en cinco listas, ocupa solo el espacio de una vez. Todo maravillas. Probadlo.

¿Lo complicamos un poco más? Usemos la sección de comentarios. Este sistema sube de nivel cuando aprendemos a usar la sección de comentarios de cada track (también se puede hacer con las etiquetas de Rekorbox, pero yo prefiero este sistema. Al final veréis por qué). Podéis activar la sección apretando el botón derecho sobre la barra superior donde aparecen las categorías del track (el título de la pista, año, bpm, etc). Presionamos el botón derecho y marcamos la palabra “Comentarios”. Aparecerá un tick al lado que nos indica que ya están activos. A partir de ahora, en la información de cada track, aparecerá una sección horizontal alargada en la que podemos escribir. Estos funcionan como etiquetas y podéis poner todo lo que os resulte relevante de la canción: Acid, Dark, Cierre, Temazo, Sosa, Tralla, Warmuo,… Lo que os resulte útil a la hora de pinchar. Yo tengo un sistema muy complejo de etiquetado que no voy a compartir, porque os volaría la cabeza, pero os aseguro que esto es útil de verdad.

Si combinamos estos comentarios con las listas inteligentes, nuestra colección se organizará de forma automática cada vez que añadamos nueva música. Imaginaos que queremos tener una carpeta donde haya solo temas de ACID, que sirvan para “Cierre” y que sean de los 90. Repetimos el proceso anterior, pero ahora añadiendo como condiciones las etiquetas puestas en la sección de comentarios. En este punto es importante que le digamos a la lista que cumpla todas las condiciones que le marcamos.

Para que este proceso funcione, cada vez que incorporemos una canción a nuestra colección, tendremos que escribir en la sección de comentarios las etiquetas que queramos asociar a ese track. De este modo, la canción se irá sola a todas las listas inteligentes que le corresponda según los criterios que hayamos establecido antes. Puede resultar tedioso al principio o al hacerlo todo de golpe, pero os aseguro que vale la pena. Es magia pura.

Las carpetas

Lo que hemos visto hasta ahora era lo más complicado. Si todavía no os ha explotado el cerebro, vamos a por la siguiente herramienta: las carpetas. Tener listas de reproducción o listas de reproducción inteligente es un gran paso en la organización de la música, pero ascendemos a otra dimensión cuando añadimos carpetas que aglutinen esas listas. Por ejemplo, yo tengo varias carpetas grandes: Techno, Trance, House, Bolos,… Y dentro de cada una de ellas puede haber más carpetas, que a su vez contengan listas, o ya directamente las listas, inteligentes o no. Por ejemplo, si abrimos mi carpeta de Trance, encontraremos varias carpetas inteligentes: hard trance, psy trance, trance vocal, etc. Esto quiere decir, que cada canción que introduzco en Rekorbox de trance, con sus respectivas etiquetas en comentarios, irá a todas las listas inteligentes que le corresponda. De este modo, todo queda en su lugar y es mucho más fácil acceder al contenido y encontrar exactamente lo que buscamos cuando lo buscamos.

Las carpetas se crean exactamente igual que las listas. Desde la pestaña “Listas de Reproducción” de tu “Colección”, botón derecho, clicamos sobre “Crear Una Nueva Carpeta” Y listo. De nuevo, probadlo y abrazad el orden.

SPOILER: en Spotify también pueden crearse carpetas y subcarpetas que contengan listas. Ahí lo dejo.

Los memory cues

Además de loops y beat jumps, también podemos memorizar puntos concretos de la canción. A diferencia de los hot cues, los memory cues no son puntos de play directo, sino marcas que podemos hacer en el track, o bien para posicionar el cue desde ahí o bien para indicarnos cambios o elementos concretos que nos interese tener controlados. Yo, por ejemplo, los utilizo para marcar dónde termina el build up inicial del tema o dónde empieza el outro. De esta manera, y teniendo en cuenta otra serie de cosas, puedo hacer mezclas no solo acompasadas, sino totalmente estructuradas.

Para memorizar un punto solo tenemos que llevar el tema a esa posición, apretar el cue y darle al botón de memory. Y así es como la marca en el tema queda registrada. En el lateral derecho de la pantalla de Rekordbox podremos ver el banco de memoria e incluso nombrar esos puntos.

Los hot cues

Es uno de los recursos más sencillos que existen y, sin embargo, muy poca gente los usa. Los hot cues son puntos concretos desde los cuales lanzar el tema. Es decir, puntos de play, ya que al presionarlos la canción empieza a reproducirse desde ese punto y no desde el principio. En los NXS2 y 3000 hay hasta 8 puntos y pueden grabarse desde el propio reproductor o desde el software. Desde Rekorbox, solo tenemos que llevar la canción al punto que queramos y presionar la letra que deseemos. He visto gente ordenando hot cues de formas muy diferentes, algunas muy extrañas; para no liaros, yo os recomiendo hacerlo siguiendo el orden natural del abecedario, al menos al principio.

Pero todo es cuestión de ir probando hasta encontrar vuestro propio método infalible.

Para que esto funcione, y he aquí otra consideración que puede parecer obvia pero no lo es tanto, el grid (la rejilla de compases) tiene que estar bien puesto. Es decir, la barra roja en el inicio del compás. Si os saltáis este paso y lanzáis el tema con el grid mal puesto, el tema irá desacompasado. Se corrige desde aquí:

¿Ventajas de usar los hot cues?

• Nos ayudan a avanzar por la canción de una forma muy rápida y ver dónde está la entrada del tema que más nos convenga.

• Nos permite saltarnos tramos de canción que no nos interesen, como un break muy largo o un tramo conflictivo.

• Nos facilita corregir errores en caso de haber lanzado mal el tema o de complicarse la mezcla. Basta con volver a lanzar la canción desde el hot cue.

• Nos permite devolver el tema a un punto con más contenido. Por ejemplo, si se nos está terminando la canción, pero todavía no queremos finalizar la mezcla. Nos abre un mundo de juegos creativos: saltar de una parte a otra, repitir compases o cambiar por completo la estructura de la canción. Si tenemos activada la cuantización, nos dejará hacer cosas como chops vocales en directo sin perder el compás ni tener que estar pendientes del beat.

La configuración personal del dispositivo

¿Cuántas veces os ha pasado que entráis a la cabina y el/la DJ anterior ha dejado una configuración en los CDJs totalmente diferente a la que soléis usar? Y tenéis que ir cambiando cada parámetro para ponerlo a vuestro gusto, si sabéis como, y con los nervios y la tensión propios de empezar una sesión con toda la sala pendiente. Pues bien, toda esa configuración puede hacerse desde Rekorbox en casa e importarla con un solo click en los CDJs una vez en directo.

Para ello solo tenéis que ir a la ruedecita de configuración en el lateral superior derecho del programa y ponerlo todo a vuestro gusto: modo vinilo/CDJ, onda RGB/azul, brillo del dispositivo, rango de pitch, master tempo ON/OFF, nomenclatura del key, información de la columna lateral, ordenación,… Absolutamente todo puede dejarse configurado, grabado y exportado en vuestro pendrive.

Cuando exportéis la música al pen, Rekorbox os preguntará si queréis también actualizar los ajustes de vuestro dispositivo. La respuesta será SÍ. Cuando introduzcáis el usb en el CDJ:

En los NXS2, antes de cargar una playlist, presionamos el botón USB y en la primera pantalla, en la que seleccionamos el dispositivo, deberéis darle al botón MENU/UTILITY y girar la rueda selectora para presionar sobre “Load” en “My Settings”. ¡Y listo!

En los CDJ 3000, si presionamos el botón “Source”, y seleccionamos nuestro dispositivo usb, en la pantalla, abajo a la derecha veréis “My Settings Load”. Presionamos y ya está, toda vuestra configuración estará cargada.

¿Qué ocurre si el/la otrx DJ todavía tiene el usb cargado y sigue sonando su último track? Que solo podréis cargar los ajustes del CDJ que no esté usando, porque solo se pueden cargar cuando el CDJ no está en reproducción. Pero es tan sencillo como cargarlos en el CDJ donde va a sonar vuestro primer tema y cargar los del otro cuando hayáis completado el relevo y el otro usb haya sido expulsado con seguridad. Os prometo que es realmente tranquilizador, cuando tienes 1200 personas mirándote, ponerlo todo tal y como estás acostumbradx. Es rápido, sencillo e indoloro.

Podría pasarme días explicando atajos, trucos y consejos, así como sigo aprendiendo de ver a compañerxs trabajar y buscando herramientas cada día que me faciliten la vida en cabina, pero tampoco quiero alargarme más. Últimos consejos generales por encima:

1. Seleccionar la forma de onda RGB y monocromática: si sabéis ecualizar bien, esto es muy útil. La información visual de la onda va de rojo, las frecuencias más graves, a azul muy clarito, la zona alta del rango frecuencial. Viendo el color, sabréis qué os depara la canción en ese tramo y actuar en consecuencia ecualizando fino, fino, filipino. Si, por el contrario, tenéis la onda toda en azul, perdéis ese plus de información. Aquí es donde el sentido de la vista sí suma.

2. Crear una carpeta para cada bolo/mes: llevar el usb con una sola playlist con todos los tracks ya hemos visto que no es muy operativo. Pero clasificar la música una sola vez, tampoco. Replicar el proceso de organización en cada bolo, o por meses, es una manera de tener una misma estructura que os funcione y siempre actualizada. Es un trabajo arduo previo al gig, pero os permite jugar e improvisar mucho más en cabina.

3. Si trabajáis con varios softwares, Rekorbox, Serato, Traktor…, por los motivos que sea, lo ideal es tener centralizado al menos el orden general. ¿Cómo? Con iTunes Es una herramienta maravillosa de gestión de la biblioteca musical. Todo lo que he explicado en el punto número uno, puede hacerse exactamente igual en iTunes: crear carpetas, listas inteligentes, listas al uso, comentarios, valoración del track, sellos, etc. Y funciona tanto con Pc como con Mac. De este modo, si lo tenéis todo organizado en iTunes, solo tendréis que importar la biblioteca desde el software que estéis usando. También existen programas que clonan los hot cues y los memory cues de un sistema a otro, pero esto no lo tengo tan controlado. O dejo investigar.

Espero que mi humilde sabiduría os sea de utilidad. La he adquirido a través de horas y horas de bichear, ingerir tutoriales y devorar manuales. Las máquinas no sirven para automatizar cosas cuando no tienes ni idea, sino para ofrecer un extra de creatividad, de comodidad y de aprendizaje sin límites. Eso sí, hay que tener ganas de ponerse a indagar y probar y errar una y otra vez. Os invito a darle duro. Prometo que vale la pena.

Atrapada en su propio orden, se despide NiZ.

¿POR QUÉ HAY TANTA GENTE NEURODIVERGENTE EN LA MÚSICA ELECTRÓNICA?

La encuesta realizada el año pasado por la Asociación para la Música Electrónica (AFEM) sobre la neurodivergencia en la industria de la música electrónica reveló que el 58% de los participantes presentaba una afección neurodivergente, y el 38% tenía un diagnóstico clínico. Se calcula que los niveles de neurodivergencia en la población general oscilan entre el 15% y el 20%, y la encuesta de la AFEM respalda claramente la evidencia de que hay un número superior a la media de personas neurodivergentes que trabajan en la música electrónica.

Tristan Hunt, antiguo DJ y coach transformacional certificado con formación especializada en TDAH, explica a DJ Mag: “Aunque el estudio AFEM tenía un tamaño de muestra relativamente pequeño, los resultados están respaldados por investigaciones científicas empíricas más extendidas a nivel mundial”.

La neurodiversidad hace referencia a las diferencias en la forma en que los cerebros humanos procesan la información. Hay una mayoría neurotípica, cuyos cerebros funcionan y procesan la información de la forma que la sociedad espera, y una minoría neurodivergente –los que padecen dislexia, TDAH, autismo, discalculia, Tourette, dispraxia, etc.– cuyos cerebros funcionan y procesan la información de forma diferente a la mayoría debido a diferencias en su constitución neurobiológica. Soy un aficionado de la música dance desde siempre, y pasé gran parte de mi vida laboral como DJ y productor de bajo nivel antes de convertirme en escritor. Mi reciente diagnóstico de TDAH y autismo me llevó a escribir sobre las conexiones entre la cultura de club y la neurodivergencia para DJ Mag el año pasado, y al entrevistar a personas neurodivergentes en el mundo de la música electrónica quedó claro que, aunque la experiencia de cada persona es diferente, las personas neurodivergentes a menudo se sienten atraídas por la cultura de club por razones similares.

Autor: Harold Heath Traducción: Borja Comino

Lo más obvio es que la música aumenta la neurotransmisión de dopamina. El TDAH se define por una escasez de dopamina, por lo que no es sorprendente que exista una correlación entre las personas con TDAH y la industria musical. Asimismo, producimos dopamina cuando hacemos algo nuevo o novedoso, y la música de baile justamente consiste en una constante novedad. Muchas personas con TDAH también descubren que la música alta, las luces estroboscópicas y, en general, el ambiente altamente estimulante de las discotecas y raves calma algunos de sus síntomas de TDAH. Para algunos neurodivergentes que tienen dificultades con la interacción social, la naturaleza especialmente tolerante e inclusiva de muchas partes de la música de baile les proporciona un lugar donde son aceptados y pueden encajar mejor. Hay otros cuya neurodivergencia se expresa a través de sus habilidades verbales, su sociabilidad, su empatía y su intuición, cualidades todas ellas que pueden brillar con luz propia en muchos contextos laborales de la industria musical.

Muchas personas neurodivergentes son muy creativas, pensadoras originales y expertas en conectar ideas aparentemente inconexas, y el mundo de la música electrónica, siempre cambiante y altamente estimulante, puede ser un entorno de trabajo ideal para sus estilos de pensamiento no lineal. Del mismo modo, la capacidad de ver las cosas desde una nueva perspectiva y el enfoque creativo poco ortodoxo de muchas personas neurodivergentes se adaptan bien a un sector que se nutre de la innovación. Algunas personas neurodivergentes experimentan hiperfocalización, que es un estado de flujo en el que pueden concentrarse con dedicación en una tarea concreta durante periodos considerables, lo que puede ser muy propicio para la producción musical. Otros experimentan monotropismo, en el que sus intereses particulares les atraen más que a los neurotípicos, lo que a menudo se traduce en unos niveles impresionantes de conocimientos y habilidades en el campo elegido, ya sea DJ, diseño, ingeniería de sonido, etc.

Las reglas y normas no escritas del espacio de trabajo tradicional pueden ser complicadas para algunas personas neurodivergentes, que suelen ver las estructuras menos rígidas como un lugar donde se sienten más a gusto. Además, la cultura de la música dance suele estar muy centrada en la noche. Ese tipo de horario poco ortodoxo suele ser bastante atractivo para ellos, ya que las altas horas de la noche o las primeras horas de la mañana suelen ser situaciones en las que se encuentran especialmente cómodos. Todo el tema de la automedicación puede llegar a

ser un problema bastante serio para aquellos que no tienen un diagnóstico de neurodivergencia porque, como ya se sabe, esta industria muestra una actitud mucho más tolerante de lo normal con el abuso de substancias que cualquier otro tipo de ambiente.

Como persona que tiene autismo y TDAH (la suma de los dos, en inglés se denomina AuDHD), la suma de todo esto me condujo irremediablemente hacia la cultura del clubbing y la música dance. Me encantaba la música, me encantaba bailar y me sentía como en casa con todo este torrente de sobreestimulación sensitiva que hay en los clubs y raves. Siempre he sentido una gran afinidad por el mundo de la noche. Mi obsesión por la música empezó a serme útil cuando empecé a pinchar, y mi habilidad por perderme el flow creativo de la producción musical me hizo, pese a no dedicarle mucho tiempo, ser un productor muy prolífico. Trabajar como DJ permitió que la parte más social de mi TDAH fuese un plus en el ambiente de fiesta a la vez que alejaba mi vertiente más autista. Además, me di cuenta de que me gustaba mucho tomar drogas, viendo que varias sustancias –que durante esos años eran muy populares– conseguían darme un descanso temporal de mis peores síntomas del déficit de atención.

Adam Ficek es psicoterapeuta clínico y consejero acreditado, además de músico profesional (Babyshambles, Roses Kings Castles) y DJ con 35 años de experiencia en el sector. Tiene un diagnóstico clínico de TDAH y dislexia y descubrió que trabajar en la música se adaptaba perfectamente a sus rasgos neurodivergentes. "Ser músico y DJ me facilitaba la estimulación que necesitaba, ya que estaba constantemente de gira alrededor del mundo, grabando o sumido en un carrusel de horarios agitados y demás", cuenta Adam a DJ Mag. "En cierto modo, siento que la industria de la música es un lugar ideal para los requisitos de la gente que necesita mucha estimulación y que ha de lidiar con los aspectos de la vida (subjetivamente) mundana".

Viendo que nuestro sector es tan adecuado para las personas con trastornos neurodivergentes, hemos pensado en hablar con algunas personas neurodivergentes de la industria musical para ver cómo les ayuda su neurodivergencia en su puesto de trabajo. Antes de hacerlo, sin embargo, queremos hacer un par de advertencias: en primer lugar, obviamente estamos hablando de la industria de la música electrónica, pero vale la pena mencionar que las personas neurodivergentes pueden tener éxito en cualquier industria.

En segundo lugar, los rasgos de los que hablamos aquí no son exclusivos de las personas neurodivergentes. El hecho de que dediques todo tu tiempo libre a buscar todas las actuaciones pirateadas de Aphex Twin que existen no significa que seas autista, y el hecho de que tu jornada laboral te resulte aburrida o pierdas a menudo las llaves no significa que tengas TDAH. Pero rasgos como éstos suelen ser más pronunciados en personas neurodivergentes y podrían formar parte de un diagnóstico más amplio. Las afecciones neurodivergentes de todos los colaboradores se describen con sus propias palabras.

“Siento que la industria musical es un lugar ideal para los requerimientos propios de gente que necesita mucha estimulación y que ha de lidiar con los aspectos (subjetivos) de la vida mundana” – Adam

Ficek

Pinchar es un rol muy único. Cae a medio camino entre ser un facilitador de vodoo sónico y trabajr como un animador para niños pequeños. Un DJ tiene que conocer su género de elección extremadamente bien. También ha de ser capaz de leer y responder a lo que ve en su público, así como tratar de mantener la tranquilidad bajo presión, además de tener un mínimo de conocimientos técnicos. Resulta que este conjunto de habilidades encaja a la perfección con muchas personas autistas y con TDAH, muchas de las cuales tienen intereses especiales como una profunda fascinación u obsesión por determinados temas, lo que puede ser muy propicio para trabajar como DJ. Los DJs o artistas autistas pueden tener una capacidad asombrosa para recordar información y catalogar cosas, y relacionarlo todo a la vez”, nos cuenta Tristan Hunt (que tiene TDAH), “lo que puede ser un recurso increíble si eres un DJ que lee multitudes. Creo que puede suponer una gran ventaja para las personas con este tipo de afecciones”.

Caroline The DJ es una productora, investigadora y tutora de DJs británica que tiene una combinación de autismo y TDAH. “Tener la música como uno de mis intereses especiales de toda la vida se traducía en que tenía una biblioteca musical muy extensa antes incluso de empezar a pinchar”, cuenta a DJ Mag. “Pude disfrutar redescubriendo música antigua, lo que me ayudaría aún más a aprovechar flujos de creatividad a la hora de producir o mezclar ritmos”. En un principio, a Caroline se le diagnosticó erróneamente trastorno bipolar, algo parecido a lo que le ocurrió a la DJ y escritora autista Kate Wildblood, a quien se le diagnosticó, también erróneamente, trastorno límite de la personalidad (TLP). "Es una situación tristemente muy común en mujeres y personas no binarias de mi edad” dice Kate.

La atención al detalle de Kate, que surge de su autismo, también ha sido de gran ayuda en su carrera como DJ: “No puedo enumerarte todos los números de catálogo de todos los lanzamientos de Salsoul, pero puedo asegurar que tengo en mi poder todos los lanzamientos del catálogo anterior de Salsoul. Lo guardo todo. Toda la parafernalia de mi carrera tras los platos. Todo está en la caja correcta, con sus etiquetas correspondientes y demás. Me encanta todo lo que esté bien archivado; me encanta ser capaz de encontrar las cosas lo más detalladamente posible”. ¿Cómo se puede ser un buen DJ si uno no tiene esa capacidad de encontrar rápidamente lo que necesita?

Cuando pinchaba, mi cerebro generaba automáticamente una lista de las melodías óptimas que podían complementar a la perfección la que estaba sonando en ese momento, melodías con pistas de batería o stabs de sintetizador similares, o que utilizaban el mismo sample, o que habían funcionado antes en ese contexto, quizá una vez, igual con varios años de separación. Esa capacidad de establecer múltiples conexiones musicales en el momento siempre me pareció natural e innata, y me costaba entender por qué los demás no poseían una hoja de cálculo musical automática similar, tan detallada y con múltiples referencias cruzadas en su cerebro. Ahora lo entiendo como una expresión de mi neurodivergencia.

Como DJ autista no diagnosticado y algo torpe socialmente, el DJing fue para mí un puente hacia el mundo neurotípico que me permitió acceder a parte de ese espíritu comunitario neurotípico, esa conexión social que todos parecían generar sin esfuerzo. Puede ser una forma de comunicación para las personas que tienen dificultades para comunicarse de forma neurotípica: Ser DJ puede ser una forma auténtica y transformadora en la que las personas neurodivergentes nos expresamos, conectamos con los demás y que nos permite, a nosotros y a nuestra profunda conexión con la música y esta cultura, ser vistos y escuchados. “Ser DJ me ayuda a procesar los sentimientos que me cuesta comunicar y me proporciona una herramienta que me ayuda a volver a mi línea de base cuando me siento abrumada social o sensorialmente”, continúa Caroline The DJ. “Dada la naturaleza del autismo y su relación con las dificultades sensoriales, a los demás puede parecerles contraintuitivo que la música alta pueda ayudarme a sentirme mejor, pero a mí me proporciona una sensación única de alivio difícil de describir.”

Ifeoluwa, DJ de la NTS y fundadora de los talleres de DJ/producción INTERVENTION, es autista con TDAH, dislexia y dispraxia, y también experimenta beneficios similares al pinchar. “Tener TDAH y ser autista es un reto, porque me siento abrumada”, explica a DJ Mag, “pero conectar físicamente con el equipo y canalizar mi energía y mis pensamientos, a veces muy intensos, en sonido, me calma. Oigo e interpreto los sonidos de forma diferente a las personas neurotípicas, lo que significa que la forma en que organizo mis sesiones difiere de la de una persona normal, desde las frecuencias hasta los tempos”. A Adam Ficek también le resultaba familiar este uso de la música como forma de ayudar a los neurodivergentes a gestionar nuestras afecciones: "También creo (y lo he comprobado en mis investigaciones)”, nos dijo, “que los creativos en general son más sensibles emocionalmente y quizá se sientan atraídos por la música como forma de conectar con sus estados emocionales y regularlos.”

El DJ, entrenador, conferenciante y presentador de radio Brandon Block padece TDAH y ha descubierto que diferentes aspectos de su neurodivergencia le han ayudado en su carrera como DJ a lo largo de los años. “En primer lugar”, dice a DJ Mag, “está el conocimiento musical y la capacidad de retener los recuerdos de ciertas melodías que tienen vínculos emocionales contigo, pero también tener la capacidad de echar mano de la caja y decir: “Vaya, me acuerdo de esto, o esto o aquello funcionaría ahora… Puedo sumergirme en un mundo de música de hace 50 años y conectarlo todo”. Pero también es un ejemplo perfecto de cómo la neurodivergencia se presenta de forma diferente de una persona a otra: muchas personas con TDA/TDAH poseen un lado de su personalidad muy enérgico, ávido de novedades y amante de la fiesta, junto con un impulso aparentemente interminable por conectar. “Ese soy yo en un millón por ciento, y creo que me ayudó mucho en mi carrera”, nos dice Brandon. “Ahora me sigue gustando ser un poco showman, y el hecho de que me guste interactuar forma parte de toda esa conectividad, ¿no? Se remonta a los fundamentos de la música y a cómo el vínculo emocional con la música te hace sentir bien. Y cuando estoy tocando, supongo que si proyecto que me siento bien, espero que la gente también lo sienta”.

El pensamiento no lineal es común a muchas personas neurodivergentes, que pueden ser muy creativas, con capacidad para conectar ideas aparentemente dispares de formas nuevas e innovadoras.

“En lugar de pensar de la A a la Z”, nos dice Tristan, “van de la A a la G, de la F a la Z, bailan alrededor del alfabeto mental y se les ocurren nuevas obras musicales, nuevas campañas de marketing, nuevas ideas para un sello discográfico... Las personas neurodi -

versas se sienten atraídas por nuestra industria porque es un espacio creativo y es donde mejor pueden aprovechar estos cerebros increíbles que tienen.”

"En primer lugar son los conocimientos musicales y la capacidad de retener recuerdos de ciertas melodías que tienen vínculos emocionales contigo". -

Brandon Block

Jeryl Wilton-Kruger es director fundador y copropietario de Infectious PR y Remedy Label Services, además de asesor del sello estadounidense Thrive Music. Tiene TDAH y ha descubierto que rasgos de este trastorno como la hiperconcentración, el pensamiento no lineal y un enfoque innovador para resolver problemas le han supuesto una clara ventaja en su sector. “Puede que no siempre sea coherente como gestor o líder del equipo, pero puedo detectar una oportunidad como nadie”, dice, “y puedo unir los puntos instintivamente. Ideé todos los servicios que vendemos porque entendí que la gente los necesitaba y descubrí cómo hacerlo. Puedo hacer cambios, puedo resolver problemas, puedo cortar por lo sano muy rápidamente”.

Cuando Jeryl menciona aquí la coherencia, se refiere a algunas de las limitaciones causadas por su TDAH, que para él pueden manifestarse como incoherencia en su papel. “Puedo inventarlo, construirlo y montarlo”, nos dice, “pero me parece un jodido reto entrenar a alguien para que lo haga como yo lo haría y darle un apoyo consistente mientras aprende”. Una vez diagnosticados, los déficits neurodivergentes –como la clásica preferencia de Jeryl por los proyectos nuevos y novedosos frente a tareas más cotidianas como la formación del personal a largo plazo– pueden comprenderse y adaptarse. Pero si no se diagnostican, pueden provocar todo tipo de problemas, como que las personas neurodivergentes tengan que trabajar mucho más que los neurotípicos.

Esto enlaza con otro rasgo común que presentan muchas personas neurodivergentes: una mentalidad única, una determinación muy centrada en el éxito. Este impulso suele deberse a una sutil interacción de muchos factores diferentes, como la hiperconcentración del TDAH, el monotropismo autista o los intereses especiales, y/o los estándares extremadamente altos que muchas personas neurodivergentes se imponen a sí mismas. Estos altos niveles de exigencia pueden deberse, en parte, a la química cerebral neurodivergente, pero también suelen ser una respuesta aprendida a una vida en la que no han encajado o no han desarrollado todo su potencial. El impulso inquebrantable neurodivergente puede ser otra expresión del esfuerzo adicional que las personas neurodivergentes tienen que hacer para triunfar en el mundo neurotípico.

Sean cuales sean las razones, las personas neurodivergentes suelen mostrar unos niveles impresionantes de concentración y compromiso. “Y el objeto de esa concentración no importa tanto”, nos dice Tristan, “lo que importa es dónde está el interés. Así que el interés de una persona puede ser coleccionar discos, para otra puede ser crear una lista de talentos increíbles, o puede ser dirigir un sello discográfico... Y este tipo de concentración puede ser increíblemente poderosa para ayudar a construir una carrera de éxito en la industria musical.”

Esta Oram es directora de eventos de la Asociación de Músicos Independientes (AIM), un organismo comercial sin ánimo de lucro. Tiene dislexia y dispraxia y ha observado a menudo cómo su pensamiento neurodivergente es muy beneficioso en su trabajo. “Mi neurodivergencia me ayuda porque no soy convencional. Por ejemplo, el evento que hice ayer fue una fiesta de presentación de un álbum de un artista en un museo. Mi dislexia me permite pensar fuera de lo convencional.” Muchos disléxicos tienen una excelente capacidad para resolver problemas y destacan en el pensamiento no lineal, y Esta es experta tanto en tener nuevas ideas como en visualizar un proyecto terminado en su mente desde el principio.

“Cuando voy a un evento”, prosigue Esta, “toda mi energía creativa empieza a fluir y, digamos que tenemos que hacer una entrega de premios, empiezo a pensar en todas las personas que pueden interpretar los distintos papeles, quién va a ser el telonero, podemos tener a alguien que haga malabares, esta empresa de catering va a ser increíble, y sería genial que tuviéramos 57 luces en el techo, y una entrada especial al fondo y confeti... Todo, uniendo todos los puntos... ese es mi pensamiento no lineal”. También es un gran ejemplo de “pensamiento global” (ver más allá de los detalles para tener una visión estratégica de un proyecto) y de la capacidad de pensar en tres dimensiones, dos rasgos que suelen tener los disléxicos y que resultan muy útiles cuando se trabaja en eventos.

Un productor de música dance tiene que ser creativo, poseer habilidad técnica y musical, prestar atención a los detalles y ser capaz de mantenerse centrado en proyectos complicados. A pesar de la concepción popular de que las personas con TDAH se distraen con facilidad y son incapaces de mantener la concentración, la producción musical suele encajar perfectamente en personas con TDAH. Matthew 'Bushwacka!' Benjamin es un productor y DJ al que recientemente le han diagnosticado TDAH y autismo, y que experimenta el estado de flujo de la hiperconcentración. “Me enviaron las secuencias y me subí a un avión que tardó tres o cuatro horas en llegar, y cuando bajé del avión la mezcla estaba terminada y lista para publicarse. Desde el punto de vista de la producción, fue una de las cosas más increíbles que he hecho, y no sé realmente qué pasó entre el despegue y el aterrizaje, aparte de que estaba en esa zona.”

Adam Ficek tampoco tiene ninguna duda de que la forma en que funciona su cerebro ha propiciado el éxito de su carrera en la industria musical. “La hiperfocalización me ha permitido tener un alto nivel de disciplina en relación con la práctica de instrumentos, la producción o incluso el estudio académico, si encuentro el material lo suficientemente interesante", cuenta a DJ Mag. “Creo que mi cerebro disléxico también facilita una rica creatividad y un enfoque de izquierdas a la hora de hacer música o estudiar. Creo, sin duda, que mi creatividad y mi capacidad de salir adelante se ven reforzadas por la singularidad de mi estructura cerebral. “Así que está claro que muchas personas neurodivergentes prosperan en la música de baile, y hay muchos rasgos neurodivergentes que pueden ser extremadamente ventajosos en nuestra industria, y que a menudo atraen a los neurodivergentes a la cultura de club. Se calcula que entre el 15% y el 20% de la población del Reino Unido es neurodivergente, lo que supone entre 10 y 13,5 millones de personas, y no estoy diciendo que todas ellas trabajen en la música de baile, pero seamos realistas, está claro que muchas lo hacen, y muchas de ellas están actualmente sin diagnosticar.

Vivir con una neurodivergencia no diagnosticada puede suponer enormes retos (que ya se analizó en profundidad en el artículo sobre la relación entre la música de baile y la neurodivergencia del año pasado publicado en DJMag). Entonces, ¿qué debería hacer cualquier persona que se reconozca a sí misma leyendo este artículo? Una opción para las personas que creen que pueden tener una afección neurodivergente no diagnosticada que afecta negativamente a su calidad de vida es buscar un diagnóstico formal. Esto se hace a través de un profesional clínico cualificado y acreditado. A corto plazo, existen recursos e información sobre neurodiversidad y, como señala Jeryl: "Si estás tres o cuatro años en una puta lista de espera, aún puedes aprender herramientas, probarlas y ver si te funcionan".

Sin embargo, un diagnóstico formal puede conllevar mejoras significativas en la calidad de vida y, para algunos puede cambiar la vida permitiendo a personas que han pasado toda su vida pensando que había algo malo en ellas encontrar una paz y una aceptación genuinas con lo que son y con cómo funciona su mente. Un diagnóstico también puede ser fortalecedor, ya que permite comprender quién eres, aclara tus comportamientos pasados y facilita un cambio genuino y positivo. “Con la explicación viene la comprensión, y con la comprensión viene la toma de conciencia”, nos dice Tristan, “y con la toma de conciencia viene la capacidad de hacer algo al respecto, de aprovechar tu superpoder, tus talentos neurodiversos, de una manera que te permita prosperar realmente en tu vida personal y profesional.”

'23

BURNING MAN

Autora: Caterina Günther Fotos analógicas: Zafeer Ahmed

No es tarea fácil escribir sobre la experiencia vivida en el Burning Man partiendo de la base de que no es un festival de música al uso. De hecho, la última etiqueta que pondría es la de festival musical ya que lo que he aprendido del Burning Man es que más que un evento, es una forma de vida.

Tras dos horas en coche pasando por el desierto al más puro estilo americano con mesetas y algún que otro lago, llegamos el martes sobre las 19:00 a la taquilla del evento. Allí canjeamos los QRs por los tickets físicos: un boleto de cartón con la interpretación psicodélica de una jirafa marina y el nombre de la temática de esta edición 2023, “Animalia”.

Con los tickets en mano y una sonrisa de oreja a oreja nos dirigimos otra vez al coche, —previamente inspeccionado por organizadores y rangers— para entrar al recinto del evento. Cuando llegamos a las puertas, tres personajes vestidos de manera estrafalaria nos hacen la pregunta que nos habían advertido que nos harían: “¡Bienvenidos a casa! ¿Es vuestra primera vez en el Burning Man?”. Afirmamos a regañadientes, a sabiendas de lo que nos esperaba, y seguidamente empiezan a gritar a los cuatro vientos que nuestro auto está lleno de vírgenes. Nos invitan a salir del coche, a hacer un ‘dust-angel’ y a hacer sonar una gran campana que da el pistoletazo de salida a nuestra primera experiencia burner. La expectación era palpable, una mezcla embriagadora de emoción y curiosidad. Todo el camp estaba ya montado, las duchas hechas a mano, la cocina con fogones portátiles, la pista de baile… todo menos nuestra tienda de campaña, nos dijeron que nosotros mismos debíamos de construirla ya que forma parte del esfuerzo colectivo y la cooperación comunitaria. El acto de crear nuestro hogar temporal fue una experiencia de unión, ya que los desconocidos se convirtieron rápidamente en amigos mientras nos ayudaban a montar nuestra tienda, compartíamos provisiones e intercambiábamos historias bajo el inmenso cielo del desierto. A las 19:15h el sol se esconde y el festival cambia de color. Los tonos marrones claros cambian por la oscuridad total que da paso a un festival de luz vibrante. Muchas de las instalaciones de arte de la playa — ‘Playa’ es como se refiere a la extensión abierta del desierto— cobran vida al anochecer. Grandes esculturas y piezas interactivas se adornan con luces LED de colores, creando un caleidoscopio de formas y patrones que bailan sobre el lienzo del antiguo lecho lacustre seco del Black Rock Desert.

Los participantes se adornan con accesorios luminosos, como alambre electroluminiscente, glow sticks’ que perfilan a las bicicletas y disfraces de LED, creando un mar de colores palpitantes a medida que los Burners se desplazan por la ciudad. Nuestro camp disponía de un art-car, ¡y qué suerte de tenerlo! No fui consciente del privilegio que es tener tu propio mutant-car hasta que empecé a adentrarme dentro del festival la primera noche. Y es que, como he mencionado anteriormente, Burning no destaca precisamente por su aportación musical. De hecho, estoy segura que el 99% de los asistentes del festival desconocían el line up de la edición. Tampoco yo, no voy a mentir. Tan solo tenía constancia por el boca a boca de que iban a tocar algunos artistas como Carl Cox, Janeret, O.Bee, Tomas Station, Chloé Caillet o Carlita.

En el festival hay ciertos escenarios principales, los más icónicos y emblemáticos son el Robot Heart, Playground o Mayan Warrior, todo lo demás son sound camps que organizan los mismos asistentes, y hay desde camps con géneros muy definidos como psytrance o microhouse rumano hasta open-decks camps en los que puede pinchar cualquier persona que traiga el pen drive en la mochila. Por eso, la suerte anteriormente mencionada de disponer de un art-car es que puedes poner tu propia música y asegurar que los tracks que bailes durante las noches sean de tu agrado. En mi caso, al estar con el equipo de Yoyaku, el reconocido sello discográfico francés, pudimos disfrutar de sonidos elegantes tanto en el camp como en el amanecer y en las puestas de sol en playa.

La primera vez que cogimos la bici durante el día y nos fuimos a explorar no dábamos crédito a lo que veíamos. No era para nada lo que habíamos visto en redes anteriormente. Y es que el Burning Man se celebra en un lugar remoto con un servicio de telefonía móvil limitado —una falta intencionada de conectividad que anima a los participantes a desconectar y a sumergirse de lleno en la experiencia—. A pesar de los problemas de conectividad, muchos participantes siguen llevando cámaras y el móvil para capturar momentos de su experiencia para después compartirlo en sus redes sociales. Estas publicaciones ofrecen una visión de la cultura creativa y vibrante del Burning Man, pero a mi parecer no capturan la realidad del evento en absoluto.

Cuando ves fotos y vídeos del Burning Man, casi siempre son imágenes de la playa y de las instalaciones artísticas, ¡pero hay muchísimo más allá! La playa es tan solo un 10% de lo que ocurre en el festival. De hecho lo impresionante de Burning Man es la parte de los camps: el Black Rock City. BRC no es una ciudad permanente; se construye y deconstruye cada año específicamente para este evento y está cuidadosamente diseñada. La ciudad está organizada en forma de cuadrícula radial, con calles y avenidas que se extienden desde el centro, las calles más interiores se nombran alfabéticamente (A, B, C, etc.) y las avenidas se numeran en orden creciente (2:00, 2:15, 2:30, 2:45, 3:00, y así sucesivamente hasta llegar a las 22:00). Esta disposición ayuda a los participantes a orientarse por la ciudad.

Lo que más me impactó de toda la experiencia fue esto. No me lo esperaba para nada. Y es que Black Rock City tiene los adornos de cualquier municipio normal: hospital, bares, clubes, aeropuerto, banco, camión de bomberos, templos, mecánico, suburbios, librerías, observatorio (¡sí, podías ver Saturno!), y mucho más. Cada uno de estos camps ofrecía miles de actividades: desde masajes faciales, reparaciones para las bicicletas, sesiones con psicólogos y sexólogos profesionales e incluso podías hacerte la manicura. Son miles de servicios ofrecidos en los más de 1.500 camps repartidos por el BRC. Es por eso que es necesario alquilar una bicicleta — el precio medio de alquiler es de 400 dólares por semana—, ya que de punta a punta del festival andando puedes tardar más de 1 hora y media, en cambio en bicicleta son unos 20 minutos escasos.

Una de las experiencias que recomiendo a todos vivir si alguna vez os animáis a ir al Burning Man, es la de ir al Templo. Se trata de un espacio sagrado y contemplativo al que los participantes acuden para reflexionar, llorar y encontrar consuelo. Es un lugar de profundo significado espiritual para muchos, ya me lo advirtieron antes de ir. Todo nuestro grupo decidimos dirigirnos al Templo en el amanecer de uno de los días lluviosos. Después de estar más de 30 minutos andando entre el fango, se alzaba alta y etérea una estructura contra el horizonte desértico.

Al entrar por las ornamentadas puertas de madera de el Templo, dejamos atrás la bulliciosa energía de la playa al momento. Dentro, la energía era completamente diferente: una quietud palpable llenaba el aire. Era como si el tiempo se hubiera ralentizado y en el aire flotara una sensación de reverencia. Recorrí el espacio observando las notas manuscritas, las fotografías y los recuerdos dejados por otros. Cada objeto contenía una historia de pérdida, amor o recuerdo. Era un profundo recordatorio de la experiencia humana compartida del dolor y la curación.

Encontré un rincón vacío y me senté. El peso del momento se apoderó de mí y no pude evitar pensar en mi difunto amigo Edu, quien había sido un pilar de fortaleza en mi vida. El silencio envolvía el templo, roto por suaves sollozos o alguna conversación susurrada. La gente se movía por el espacio, cada uno con su propia carga, buscando consuelo en ese lugar sagrado. Al salir del Templo, sentí una profunda sensación de paz y tranquilidad. La experiencia me había permitido afrontar mi dolor de una forma que me parecía personal y comunitaria a la vez. Me recordó el poder de los rituales y el potencial curativo de los espacios compartidos de reflexión y recuerdo.

Cuando me propuse hacer una crónica para compartir mi experiencia del Burning Man no pensé que se me haría tan difícil, y es que para entenderlo debes vivirlo. Sería una simplificación excesiva etiquetar al Burning Man como exclusivamente una "comunidad hippie”, pero en gran parte es como más cómoda me siento hablando de ello. Solo por el hecho de que no haya dinero como moneda de cambio es una de las experiencias más increíbles que he vivido en la vida.

Regalar es un principio básico que marca todas las interacciones en Burning Man. No se trata del valor material, sino del acto de regalar en sí. Por ejemplo, recibí un collar artesanal de una compañera a cambio de un abrazo. El intercambio no era transaccional, sino que se trataba de compartir y conectar a un nivel más profundo.

Una de las conversaciones más interesantes que tuve durante el festival fue saliendo del Templo con Wassef, uno de los nuevos amigos que hice allí, quien aun siendo su 5ª edición asistida compartía conmigo su incredibilidad sobre el hecho de que un concepto tan utópico pudiera llegar a llevarse a cabo. “¿Te imaginas ser tan visionario que puedas llegar a pensar que es factible crear una ciudad que exista durante una semana al año en la que no haya dinero y que esté construida sobre los principios de la donación y la autosuficiencia radical?”, compartía conmigo. En ese momento me di cuenta de lo extraordinario que es el Burning Man.

Aun así, es inevitable que este concepto tan puro se haya transformado con el tiempo y conlleve mucha crítica sobre la prostitución del evento. Hay varios burners que han hecho público su desenamoramiento con el festival. Uno de ellos compartía lo siguiente: “Burning Man ha logrado muchas cosas increíbles, abriendo toda una nueva dimensión de libertad individual y expresión. Al mismo tiempo, el festival se ha convertido en víctima de su propio éxito. Se ha convertido en un masivo complejo de entretenimiento para un contingente compuesto sobre todo de una élite millonaria. Siempre ha tenido un poco de esta vibra, pero se ha vuelto más pronunciada en los últimos años. El potencial para una verdadera liberación o despertar se ha vuelto cada vez más oscuro y remoto”. Esto fue escrito en 2015, así que probablemente esta opinión habrá ido aumentando y compartiéndose entre más y más burners que experimentaron la semilla menos contaminada del ideal inicial.

Quiero hacer un inciso a este punto porque es interesante conocer que existen estos dos mundos, la de los asistentes que acuden al Burning Man para experimentar la más pura libertad hedonista y la élite adinerada formada por la gente de Silicon Valley, los influencers y demás grupos de gente millonaria que busca vivir una experiencia completamente distinta a lo que están acostumbrados a vivir. Creo que es interesante que si alguna vez vais al Burning Man intentéis alejaros de estos camps organizados por gente con dinero que disponen de lujosas caravanas con televisión y sofás y chefs privados.

Sobrevivir en el duro entorno desértico del Burning Man requiere autosuficiencia, y eso te hace muy consciente del valor de las comodidades y recursos cotidianos que a menudo se dan por sentados. Allí consigues apreciar una ducha de agua fría cada 4 días, unos fideos precocinados, y/o dormir en un colchón hinchable.

Este elevado nivel de consciencia también te lleva a seguir los principios del festival a rajatabla. Una de las normas más importantes y en la que hacen mucho hincapié tanto los organizadores como los mismos asistentes es la de ‘Leave No Trace’. Con este fundamento principal del Burning Man, se pide a los participantes que limpien lo que ensucian para garantizar que el entorno del desierto se mantenga lo más prístino posible. Hay muchos festivales que dicen gozar de tener esta política entre los asistentes, pero nadie la cumple. En el Burning Man sí. No verás a nadie tirar una colilla en el suelo, ni tan solo la ceniza… Llegué a ver gente fumando un cigarro e utilizar su mano como cenicero para después volcarlo en una bolsa que llevan colgando con un arnés. Con eso pude darme cuenta del esfuerzo colectivo que hacen los participantes en el Burning Man para preservar el entorno desértico.

De vuelta al mundo por defecto, los burners llevan consigo las lecciones de Burning Man. Esta es sin duda una de las muchas lecciones que me he llevado de la experiencia, el sentido de la responsabilidad medioambiental, siendo más consciente de mi impacto en el planeta y ayudándome a adaptar prácticas más sostenibles en mi día a día. “Si puedes hacerlo en Black Rock City… ¿Por qué no en Barcelona?”, me pregunto a mí misma desde entonces.

Por supuesto, no podía ser todo idílico. A mi cuarto día de festival, séptimo para algunos, llegó la lluvia. Fue el viernes 1 de septiembre cuando las primeras gotas empezaron a caer. En ese momento yo me encontraba en un campamento ubicado en el 8:15K, lejos del mío que se encontraba en el 3H, en la otra punta del festival. El viento se levantó y el frío empezó a calar en los huesos, todo el mundo sacó los abrigos de pieles, las bufandas y gorros (todavía nadie lo había hecho durante el día, ya que las temperaturas oscilaban entre los 27 y 34 grados).

Lo que empezaron a ser 4 gotas y parecía divertido, pasó a ser una lluvia de intensidad media —por no decir alta—, con lo que nos dispusimos a coger la bici para ir hacia nuestro camp para abrigarnos. Fue en ese momento en el que nos dimos cuenta de la seriedad del problema. A medida que intentábamos avanzar con la bici, ésta se frenaba cada 20 metros debido al barro impregnado en las ruedas. Finalmente, tras varios intentos fallidos por hacer rodar la bici en el suelo enfangado decidimos abandonar nuestra bici e ir andando hasta nuestra tienda para refugiarnos hasta que la lluvia cesara.

Esa misma tarde, los organizadores se acercaron a todos y cada uno de los camps del Burning Man anunciando que el festival se cancelaba. Las bicicletas manchadas de barro, las pasarelas resbaladizas y los posibles riesgos eléctricos de las instalaciones artísticas empapadas hicieron que la decisión fuera acertada, pero aún así no podíamos dar crédito a lo que estaba ocurriendo. En los 40 años que se ha estado celebrando el Burning Man jamás antes había llovido.

Escuchabas a gente hablando del cambio climático, otros hablando de Apocalipsis, gente llorando, gente asustada, pero también había la otra parte: gente bailando y cantando debajo de la lluvia y bañándose en el barro. Nosotros optamos por ir a dormir y que el mañana fuese un día nuevo. Y cómo no, también llovió. Aquí no nos quedó otra que aceptar la situación que estábamos viviendo: nos encontrábamos en medio del desierto de Nevada, sin opción a abandonar el recinto por posible atasco en el barro y sin música en la playa. Pero como muchos dicen… ¡Al mal tiempo, buena cara! Y así lo hicimos. Protegimos los equipos de sonido debajo de una carpa, invitamos a todo el mundo a unirse a nosotros y estuvimos bailando desde las 5 de la tarde hasta el amanecer.

Al día siguiente os podéis imaginar nuestras caras cuando nos empiezan a llegar voces de que hay fake news corriendo por las redes sociales de que nos estamos quedando sin comida, sin bebida y que está todo completamente inundado. ¡Totalmente mentira! Por supuesto no era la situación idónea ni deseada por ninguno de los asistentes, pero entre todos nos ayudamos para que fuera lo más llevadera posible. Os puedo asegurar que absolutamente nadie del festival pasó hambre ni sed. Los siguientes días la lluvia persistió, cada 6 horas salía el sol y volvía a esconderse rápidamente dando paso a otra ráfaga de nubes cargadas de lluvia. Fue una oportunidad inesperada para la introspección y la conexión. Fue un tipo diferente de magia que se desarrolló en medio de una tormenta en el desierto.

El domingo finalmente la lluvia cesó por fin, dejando tras de sí una playa transformada. Las bicicletas cubiertas de barro fueron desenterradas poco a poco y los Burners se aventuraron a salir para evaluar los daños. Sin duda, la lluvia convirtió el Burning Man en una aventura impredecible y desordenada, un recordatorio de que incluso en los acontecimientos más meticulosamente planificados, la naturaleza tiene la última palabra. Fueron unas noches que jamás olvidaremos, una historia que todos compartiremos y de la que nos reiremos durante años, un testimonio de la resistencia, la adaptabilidad y la camaradería que definen el espíritu del Burning Man, llueva o truene.

OPEN AIR DECIBEL '23

UN CARTEL DE ENSUEÑO PARA UN PÚBLICO ENTREGADO

Autor: Borja Comino

Decibel Open Air, que se lleva celebrando en Florencia desde hace ya 5 ediciones regresó triunfante a principios del pasado septiembre con una gran variedad de talentos musicales internacionales en un marco incomparable

Este festival de renombre mundial es enorme en tamaño, escala y alcance, lo que lo convierte en una experiencia única, y es que se celebra en una enorme área verde de 10.0000 m² a unos 20 minutos del centro histórico de Florencia, cerca del Aeropuerto de Peretola. Al ser un festival de corta duración, se trató de un horario intensivo de 12 horas, de mediodía a medianoche. El número de asistentes rondó las 50000 personas. Naturalmente, la mayoría de los asistentes eran italianos. Muchos de ellos volaron a Florencia desde distintos puntos del país, así como también una gran cantidad de ciudadanos de países vecinos, la mayoría desde Alemania y España.

El prefetto, que es una representación del ministerio de interior en el territorio, vetó el alcohol por problemas con los permisos, así que a la organización del festival no le quedó más remedio que vender solamente botellas de agua y refrescos. Ítems que fueron necesarios para absolutamente todos los asistentes y trabajadores del evento, pues durante las primeras horas de ambas jornadas se vivió un calor de pleno verano. De hecho, a veces se nos olvida que en septiembre sigue siendo verano.

Con el 93% de las entradas ya vendidas, los tres escenarios dieron su puntual pistoletazo de salida con artistas de la casa. El napolitano Paco S Less, la colega de nuestros Suara, Cora Kerj y los jovencísimos Peter/Feela de los que se puede esperar muchas cosas buenas próximamente. Estos DJs, que llevan ya unos años lanzando música conjuntamente, han estado formándose musicalmente juntos desde que se conocieron en el colegio y hasta hace poco han estado estudiando producción musical y síntesis sonora. Es interesante fijarse en este último apunte: estudiar. Entrar a jugar en la liga de los grandes artistas de la música electrónica no es tarea fácil. A veces pasamos por alto la dedicación, conocimiento y atención al detalle necesarios para producir música que suene bien en los potentes equipos de sonido que se utilizan en clubs y festivales. Tanto la producción como la ingeniería de sonido son aspectos esenciales que, cuando un artista controla, brinda una independencia y seguridad que acorta y facilita tremendamente el –muchas veces arduo– trayecto hacia un producto final de calidad. Este dúo de DJs italianos dan ejemplo de que, si se estudia lo suficiente, se llega antes a los grandes escenarios. ¡A estudiar! Fin de la observación.

Siguieron pasando por las maderas de los escenarios

Dov’è Liana, Mattia Trani, Fivep, Klaus y Pôngo en directo, Meduza, Brina Knauss, y los veteranos Camelphat. En el Zamna Stage (que el domingo pasaría a llamarse Social Music City, estuvo Folamour. El francés, que siempre ha sido una manifestación de las ganas de bailar, cantar, abrazar y divertirse, arrastró al público hacia una gran fiesta a través de un espectáculo que abarcarcó desde canciones del pasado hasta las piezas más recientes de su último proyecto discográfico titulado ‘Manifesto’.

El parisino Trym fue recibido con los brazos abiertos por lo potente de su propuesta, un punto de encuentro entre el harddance y el hardtrance que defiende a través de su propio sello COLOR. Una de las estrellas de la primera jornada, Oguz, reventó la carpa Resonance cuando aún no eran ni las ocho de la tarde haciendo bailar como locos a una marea de personas entregadas al hard techno del holandés. Ha sido precisamente este género uno de los que más ha imperado en el cartel de Decibel. No es casualidad. Estamos viviendo una época de auge en cuanto a la vertiente más agresiva y potente de la música electrónica, y los organizadores del festival saben lo que el público quiere. Artistas como Oguz, 999999999 o I Hate Models, que precisamente reventaron la carpa de Resonance durante las últimas horas de la tarde del sábado están normalizando cada vez más que la gente disfrute de esta vertiente más agresiva del hard techno.

Aún así, el lineup de esta edición tiene mucho más que ofrecer y se ve capaz de satisfacer los deseos de todos los asistentes. En otra frecuencia, algo más apacible, el público pudo disfrutar del set de dos de los tres integrantes de WhoMadeWho, Tomas Høffding aka Bon Homme y Tomas Barfod. La banda danesa lleva ya 20 añazos construyendo un legado que está dando sus frutos, ahora más que nunca, y se han convertido en una selección que es sinónimo de clase y musicalidad

allá donde vayan. Se encuentran en una posición privilegiada ya que, por lo particular de su propuesta y la adaptabilidad en cuanto a la configuración de su set, tienen la capacidad de encajar a la perfección en los mejores festivales de música electrónica del mundo de la misma forma que en eventos más propios de bandas rock e indie como el Roskilde de su Dinamarca natal o el festival inglés Glastonbury.

Antes de que terminase la primera noche, hubo un momento de consenso, un tipo de quorum tácito con el que una gran mayoría de los asistentes estuvo de acuerdo. El acuerdo en cuestión fue ir a ver al súper grupo Moderat en el escenario Jager mientras anochecía. Un plan perfecto que es difícilmente rechazable para cualquier persona con sentido común. Pues bien, como no podía ser de otra forma, la banda que surgió de la unión de Sascha Ring de Apparat y al dúo berlinés Modeselektor (Gernot Bronsert y Sebastian Szary) hace ya veinte años, no defraudó En una disposición en el escenario que recuerda a la que está utilizando Bicep –o viceversa–, los productores tienen montado un set con el que jugar a ser lo más intérpretes, lo más Live posible. Percusiones montadas in situ, rechazando el recurso de, simplemente, lanzar clips; la voz de Sascha, que suena al mismo nivel de excelencia que en sus álbumes, giritos y sorpresas en melodías y partes de canciones archiconocidas que reforzaban la noción de que el espectáculo se estaba desarrollando en directo, ante nuestros ojos. El aquí y ahora más suculento y emocionante. Las primeras filas de asistentes no tuvieron tiempo a abandonar sus posiciones para ir, por ejemplo, a comprar un par de botellas de agua para seguir con la sesión, pues la siguiente persona en subirse al escenario fue Boris Brejcha. El alemán hizo lo que bien sabe hacer un mínimo de dos o tres veces por semana en su temporada anual de festivales que se alarga durante varios meses. Brejcha sabe que tiene un set infalible, que se conoce a la perfección, y que deja al público más que satisfecho una y otra vez.

Tras un sábado con casi todas las entradas agotadas, el domingo fue el verdadero día estrella del festival. Los veintidós artistas del cartel –Klangkuenstler, una de las estrellas de la jornada, fue baja de última hora por motivos de salud– estaban preparados para ir turnándose rápidamente entre los tres grandes escenarios en una jornada con un polvo en suspensión algo más molesto que el día anterior debido al viento que fue levantándose a lo largo de la tarde. Al mediodía, artistas como Roberto Pagliaccia, Sara Mozillo, The Florentian Cabaret, Earthlife, Raven, Milandra Jr, Olympe y Honeyluv fueron calentando motores bajo un sol de categoría. Daria Kolosova, DJ y productora ucraniana que está acostumbrada a acudir asiduamente a instituciones como Berghain, fabric o Bassiani, tiró de tablas y pegó un acelerón a la motivación de los asistentes, que hacia las cinco de la tarde ya estaban con el ralentí revolucionado. A Kolosova le siguió Adiel, Charlie Sparks, Anfisa Letyago y Dyen, mientras a algunos cientos de metros otros pesos pesados como Marco Faraone, Amémé, Ilario Alicante y Deborah de Luca hacían lo que mejor saben hacer: que la gente baile como locos.

Cabe hacer una mención especial a dos artistas que, en principio, no ligaban mucho con la “linea editorial” techno y house de Decibel, y así lo fueron haciendo saber, confundidos, varios usuarios en la página de Instagram del festival al publicarse el line up. Se trata de los artistas urbanos Lazza y Salmo, eminencias en Italia que cuentan con millones de seguidores en sus redes sociales. Dos raperos en mitad de un enorme elenco de artistas de música techno. Pese a las supuestas reticencias por parte de los asistentes a acudir a los sets de los italianos, fueron miles de asistentes los que se acercaron a checkear a Lazza y Salmo, que actuaron seguidos en el escenario Jager. Ambos supieron adaptarse y dieron un giro al tipo de beats que suelen usar y plancharon bases rítmicas mucho más propias del techno, con kicks a negras menos cargados de los subgraves del clásico bombo 808 tan propio del trap actual.

Este pequeño impás solo fue un prefacio a lo que resultó ser el set más multitudinario del fin de semana. ¿Qué DJ tiene la capacidad de convocatoria suficiente como para ser el más aclamado allá adonde vaya? Naturalmente, ese es Paul Kalkbrenner. El alemán ha ido construyéndose un directo infalible a lo largo de estos últimos años que siempre es una gozada de principio a fin. Y él, que es consciente de ello, lo disfruta como si formase parte del público, con sus particulares gestos y su forma de transmitir pasión por cada sample vocal y cada beat que él mismo ha creado. Jamie Jones, que lleva todo el verano llenando Amnesia Ibiza con su Night of The Jaguar estuvo cerrando el escenario Social Music City, con algunos problemas con su unidad multiefectos que supo sobrellevar como si nada hubiese ocurrido. Es en momentos así cuando se nota la experiencia de años y años en las cabinas de todo el mundo.

Para dar clausura a Decibel Open Air 2023 se subió al escenario principal Amelie Lens, que es ya una presencia indispensable en los más importantes encuentros de música electrónica desde hace varios años. Lens estuvo a punto de no llegar a tiempo a su cita en la cabina. Con lágrimas en los ojos contó a través de un vídeo selfie en Instagram cómo esta era una de las fechas más importantes del año para ella y que, debido a problemas con el avión que iban a utilizar para ir de Ibiza a Florencia, a punto estuvo de tener que cancelar su actuación. Precisamente, tras su implacable set, como nos tiene acostumbrados, la DJ belga tuvo que responder a una cantidad considerable de comentarios que surgieron en las redes sociales. Lens lucía un top corto que dejaba ver su vientre y, aunque su estado de gestación ya se conocía desde hace semanas, fue la primera vez que tuvo que atajar la situación y cortar por lo sano. Los comentarios en cuestión la acusaban de, potencialmente, ”traumatizar a su bebé" por ejercer de DJ durante su embarazo, algo a lo que Lens respondió con total sinceridad: aclaró las cosas subrayando la importancia de no emitir juicios sin conocer los hechos, puesto que su decisión de seguir trabajando durante el embarazo está apoyada y asesorada por los mejores médicos del mundo. La controversia en torno a Amelie Lens plantea importantes cuestiones sobre las mujeres en la industria musical y su derecho a proseguir su carrera al tiempo que fundan una familia. Durante años, muchas artistas se han enfrentado a las expectativas y los juicios de la sociedad cuando deciden ser madres mientras trabajan en campos dominados por los hombres, como la música electrónica.

La música electrónica es un lenguaje universal y así lo demuestra el hecho de que tanta gente se acercase a la enorme explanada florentina en la última tirada de calor veraniego de la temporada. Lo mejor que puede pasar en este tipo de eventos es que la gente se quede con ganas de más. Y, en este caso, eso es lo que ha sucedido. Por eso, la organización ya está manos a la obra con la planificación de Decibel Open Air 2024 y espera poder empezar a dar más detalles durante estos próximos meses.

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

SKREAM

Skreamizm Vol. 8

Skreamizm/Platoon

Muchos productores se quedan en un simple y gris sueño intentando reunir -con acierto- la amalgama de sonidos, tensiones / distensiones y profundidades que el británico Skream sí es capaz de armonizar. Con una pasión desbordante y unas habilidades innatas se atreve con los ángulos más underground de la electrónica de baile, para luego convertir lo suyo en esquemas harto disfrutables por las grandes masas. En ‘Skreamizm Vol. 8’ nos vamos a topar con grime no exento de raíces africanas (‘Funky Sailor’ con Trim), modernos beats electro encolados con pop estilizado (‘Not Ready Yet’), inclusive house ravero que sorprende por su fuerte melodía (‘Waiheke Island’) o step sombrío con instantes chispeantes (‘Hit’). La musicalidad de instrumentos como el oboe o la flauta acaban de colorear un disco muy, pero que muy recomendable.

SMOOVE & TURRELL

Esta banda británica suele mudar de músicos, aunque siempre están comandados por el vocalista John Turrell y Jonathan Scott Watson (Smoove, talentoso productor que lleva la tira de años generando buenos grooves y beats), además del teclista Mike Porter (imprescindible para sus giras). Estamos catando su séptimo álbum de estudio. En “Red Ellen” se vuelven a cruzar el vacile y la contemporaneidad con géneros como el funk, el northern soul, el hip hop y por supuesto la electrónica en forma de ritmos rotos o disco-house. Prima en su propuesta la fibra lírica y los ritmos funkilones. Una lluvia constante de buenas vibraciones. Queda palpable en cortes como ‘Echoes’, ‘Joy!’, ‘Geno’s Discotheque’ o ‘Violet Hour’. Este nuevo disco también rinde tributo a la diputada laborista de los años 30 Ellen Wilkinson, y todo lo por lo que ella luchó.

Quinto álbum de estudio para una de las voces privilegiadas de Edimburgo, Escocia. Joseph Malik firma “Proxima Ebony”, un revelador trabajo que cuenta con el soul como principal bandera. Este viene debidamente (in) fusionado con R&B, Disco, Afro Boogie, Hip Hop de la vieja escuela y por supuesto sonidos más electrónicos como House y Acid Techno. Considerando esto último, no os perdáis el éxtasis emocional de ‘Only Fans’, donde además colabora Digital Liquid. Otro de los momentos estelares del LP es la colaboración junto a Capitol A. Es precisamente la canción que presta su título al disco. Una brillante aleación de negritud y modernidad. Lo cierto es que nos vamos a colmar con temazos y canciones donde se dan la mano maravillosamente el ayer y el ahora. “Adjust Like Dat” y “Hollywood Africans” son muy adictivas.

PORTABLE

Alan Abrahams es Portable. En el nuevo LP ‘Augmented Dreams’ explica a su manera como el uso de los avances tecnológicos cotidianos logran que lo que en su día fuese solo ciencia ficción o sueños, ahora sea una realidad. Bajo esta premisa, este concepto, vamos a sumergirnos en un disco que aunque comience etéreo y llevadero (‘The Pull of Time’, ‘Guiding Me’, incluso el solvente y pelín ácido ‘The Color of Static’) decidirá tirar por terrenos más ásperos, desorientados en tramos, no tendremos claro por segundos si tenemos dos canciones sonando a la vez (‘The Mycorrhizal Network’, ‘Augmented Dreams’). Así es el arte de evolucionar probando conceptos distintos. Unas veces el acierto es total, otras la banda sonora que tanto atraía se convierte en una trampa. Pero tranquilos, nunca mortal.

Otro de esos álbumes de sensaciones encontradas. Este productor con base en Alemania se recrea musicalmente en un pequeño océano de soniquetes minimalistas y fantasmagóricos, incluso paisajes espaciales que son una pura paja mental. Su electrónica, si peca, es por querer avanzar experimentando. A un minimaleo pseudo techno es capaz de sumar house reposado con ajustes incluso de pop suavón. Ahí que nos pinchamos varias veces -eso es que entra bien- el corte titulado ‘Kajal’. Burbujas y anfetaminas que nos compromete a dejarnos llevar por este trance. Rampue también sabe jugar con la euforia y elementos más orgánicos (‘Tripomatic’) o la IDM de beats rotos para nada alarmantes, ‘Inside’, una pista donde también se combinan las melodías distantes, voces entrecortadas y los secretos. Los mencionados, sin duda los tres mejores momentos de este LP.

Red Ellen

Jalapeño Records

Augmented Dreams Circus Company

JOSEPH MALIK Proxima Ebony Ramrock Red Records

RAMPUE Bubblebath Trance A Tribe Called Kotori

Críticas | ÁLBUMES

Autor: BRUNO GARCA | bruno@djmag.es

DEADBEAT

Kübler-Ross Soliloquies

BLKRTZ

Nos llegan en muchas ocasiones notas de prensa sobre un lanzamiento que son puro lirismo. Es el caso cuando aterrizó en mis manos ‘Kübler-Ross Soliloquies’, el nuevo trabajo en formato largo de Deadbeat. Que ni pintado, la verdad. Lo de este productor siempre ha sido un idilio con las atmósferas opacas pero templadas, el dub y los beats sintéticos que cohabitan con la ciencia ficción. Como suele ser habitual, su música se recibe y degusta sin necesidad de querer entender nada. El sonido compite con los estados mentales, en especial aquellos que uno no es capaz de controlar porque no tendría sentido cuando lo único que busca es flotar. En este disco, sin embargo, si necesitas saber y no lo puedes evitar, hallarás además ramalazos de free-jazz, escapismos que tributan a movimientos de ajedrez e incluso helicópteros que sobrevuelan Vietnam.

X-PRESS 2

Thee

Acid Jazz

Vaya, se dispersa el quinto LP de X-Press 2. Si, el mismo dúo formado por DJ Diesel y DJ Rocky que hace unos años triunfaron con ‘Lazy’ junto a David Byrne. No acabé de disfrutar la escucha seguida de este largo de título ‘Three’. Desconecta por instantes. Pero, al igual que cuando tengo delante una comilona surtida, voy a por lo más rico. En este caso los cortes ‘Phasing You Out’, ‘Muse’ y ‘Moov’. El pelaje de estos está lleno de claros. Sencillas piezas de house que resultan tan finas como pegadizas. Con su certera dosis de beats, texturas e incluso voces (maravilla en el caso de Kele para el primero de estos títulos). Luego ese caballo cartujano se desboca en piezas como ‘You Know (Everybody)’ o ‘Can I See the Love’ tirando por tierra un poco lo anterior. La buena vibra se retoma al final gracias a ‘Bloom’.

JONATHAN KRISP

Statement Foliage VLSI Records

La interesante propuesta de Jonathan Krisp está marcada por las marcianadas, pero de esas que entran muy bien, y que no resultan demasiado duras ni complejas. ‘Statement Foliage’ es un álbum alimentado por multitud de melodías extravagantes y ritmos que se adivinan analógicos, aunque no siempre, como sucede ‘Bridgid’, un corte bastante contemporáneo y con un curioso concepto entre lo onírico, lírico y urbano. Pensándolo bien, la importancia del beat en este disco está tan presente como esas melodías que mencionaba. Buenas muestras son ‘Ouroboros’, ‘Liminal Time’, ‘Parhelion’ y ‘Vanishing Point’. Krisp funciona bastante bien todas las metodologías posibles en un disco de su género. Uno lo suficientemente aperturista para sumar sin complejos síntesis relucientes con otras más retorcidas, líneas ácidas, con paisajes retrofuturistas e incluso simbolismo antiguo.

THE LAST CONCORDE Flashback Outland Recordings

Ha sido todo un descubrimiento. Aún no tengo claro si regresaron del futuro o si gracias a la propuesta de este dúo badalonés nos seguimos paseando por callejuelas llenas de neones y salones recreativos del pasado. Más bien lo segundo. El sonido que purifican los hermanos Jordi y Xavier Godàs es un perfecto entramado de sintetizadores espaciales y compases electrónicos vinculados de lleno con el Italo disco y el electro ochentero. Música que a su vez se inspira en las megadiscotecas más frescas (con el doble sentido y todo) de aquella década. Ah, de películas imborrables de directores y compositores como John Carpenter o la astucia synthwave de artistas como Wendy Carlos. Melodías retroalimentadas con tintes nostálgicos y de emociones permanentes. La estética 80 y la fantasía de aquellos años siguen muy vivas.

RYAN CROSSON AND THE RIDGEWOOD VANGUARD We Can Only Ever Be How We Are FRNTR

Uno de esos trabajos que van a necesitar de tu cariño y una atención extra. Tras tener a Martin Buttrich lanzando hace unos meses su último disco con FRNTR, llega el momento para Ryan Crosson, co-fundador de Visionquest. El productor con sede en Brooklyn propone un álbum que ha sido construido durante los últimos diez años y donde sorprende alejándose de los sonidos de baile. Eso sí, explora y experimenta con múltiples formas de la música electrónica aplicada incluso a instrumentos convencionales. Más de una docena de músicos participan en la confección del LP (Ryan Cavanagh, Violeta Vicci, Emil Abramyan, Levi Henrik o Raabe entre ellos), Los patrones son una pizca intrincados y sus atmósferas inmersivas. Pero como decía, prestando un poco tan solo de atención puede llevar a conmoverte. De esos que yo denomino curativos.

Críticas | EDM/DANCE

Autor: WILLY ALCOCER | willy@djmag.es

JUANDY POWER & LE PRINCE Fire DIRTY WORKZ

Juan Diego Suárez es el actual subdirector de Unika FM -la emisora de radio donde ten-go el honor de trabajar desde 2013- y es el actual estandarte de la nueva generación del Hardstyle en España. En un enorme paso adelante en su muy trabajada y prolífica carre-ra de DJ/productor, colabora con una de las principales voces del estilo: el prestigioso cantante LePrince (la voz en producciones de leyendas Hard como The Prophet, Ran-D, Da Tweekaz, Frontliner, Blasterjaxx...). El tema tuvo una más que merecida presentación oficial a finales de Septiembre en 150 by Fabrik, la sesión Hardstyle más importante de España, y habitual residencia de Juandy Power. Hablamos de Hardstyle del puro y del excelentemente producido. La calidad sonora es sobresaliente, con melodías y vocales repletas de energía. Enhorabuena, compañero.

R3HAB X W&W

Million Places

RAVE CULTURE

Me reafirmo en lo que escribía aquí el mes pasado. Escuchas la música que hacía R3hab cuando nació el EDM (él mismo fue uno de sus padres), escuchas la que hace ahora, y se hace evidente hacia dónde evoluciona el mainstream de todo ese mundo: esto se llamaba y se llama Dance. En este caso concreto, entre Hardance y Hands Up (Euphoric Dance empiezan a denominarlo en ciertos países de Europa, en una denominación que para mí es la definición). Tan mainstream es ya este género, que esta colaboración entre R3HAB y W&W se pre-sentó oficialmente en el Mainstage de Tomorrowland. El tema es, simplemente, precioso. Adorable para escuchar, enérgico para bailar. Vocal épica, melodía feliz y aprendible, y todo sonando con la calidad y claridad digna de sus autores.

CASH CASH, TAYLOR DAYNE

Tell It To My Heart ULTRA RECORDS

Cash Cash es un grupo estadounidense de música electrónica formado por tres DJ/productores: los hermanos Jean Paul Makhlouf y Alex Makhlouf, y su compañero Samuel Frisch. Viven en Roseland (Nueva Jersey). Se unen a la mítica Taylor Dayne para transformar su legendario éxito, ‘Tell It To My Heart’ en un himno moderno y listo para las pistas de baile. Con nuevas voces de la propia Taylor, el tema se transforma en Dance puro, y apunta a ser un éxito internacional e intergeneracional. La canción original convirtió a Taylor en una estrella de la noche a la mañana en 1987, alcanzando el Top 10 en Billboard Hot 100 y el Top 5 en Billboard Dan-ce. Esta nueva versión puede perfectamente revivir aquel éxito mundial tanto en radios como en pistas.

FELIX

JAEHN, JONAS BLUE

Past Life

VIRGIN RECORDS

Jonas Blue ha sido certificado platino… ¡130 veces en todo el mundo! Éxitos como 'Fast Car', 'Perfect Strangers', 'Rise', 'Mama' y 'Polaroid' suman más de 21.000 millones de reproducciones, 85 millones de ventas, 6.000 millones en Youtube, 5 nominaciones a los premios Brit y 1 Brit Billion Award por Fast Car. Es decir: hablamos de una de las mega-estrellas internacionales de la actualidad. El productor Felix Jaehn, ganador también de varios discos de oro y platino, se une a Blue para crear juntos lo que el propio Jaehn define como “Dance Uptempo or Happy Rave”, palabras literales en su comunicado de prensa. Nuevamente, el autor lo que hace con esta nomenclatura -y con esta espectacular producción- es, sencillamente, describir la naturaleza del espectro del Hardance / Hands Up / Eurodance.

MARTIN JENSEN, ALEX HOSKING, JIMMY JAMES Meet You There DISCOWAX

La cantante australiana Alex Hosking alcanzó su primer disco de oro con 'Fake Friends' (top 20 en la lista oficial de singles del Reino Unido), enlazando éxitos desde entonces. Se une a la superestrella danesa Martin Jensen y al nuevo y joven ídolo británico del Hip-Hop, Jimmy James, en este nuevo y brutal lanzamiento de Discowax. El tema muestra el talento individual de cada uno de los artistas, desde la composición Pop-Dance y la voz épica de Hosking, hasta la habilidad inigualable de Martin y Jimmy para mezclar géneros a la perfección. Inicialmente guiado por la suave caricia de una gui-tarra acústica, el disco va creciendo en intensidad con el vigor de la espectacular vocal, dirigiendo el lanzamiento hacia lo que puede ser un auténtico himno. Energía, calidad y potencia.

01. ELI BROWN 'Be The One' [Polydor Records]

02. ALESSO,SICK INDIVIDUALS 'We Go Out' [UMG Recordings]

03. HARDWELL & MACHINE MADE 'Human' [Revealed Recordings]

04. DANNY AVILA 'Chase The Sun' [Experts Only]

05. SHOWTEK FEAT. IDA CORR 'Let Me Think About It Again' [Spinnin' Records]

06. GAMMER & DA TWEEKAZ 'Take Me Up' [Dirty Workz]

07. JAMES HYPE & MIGGY DELA ROSA 'Ferrari' [Universal-Island Records]

08. BINGO PLAYERS 'Work That' [Hysteria]

09. HARDWELL & MADDIX FEAT. LUCIANA 'ACID' [Revealed Recordings]

10. MAU P 'Your Mind Is Dirty' [Experts Only]

Críticas | TECHNO

Autor: VICTOR SANTANA |

victorsantana@djmag.es

DJ 3000

MECE

Motech Records

Dj 3000 capitán del label de Detroit Motech Records lanza su nuevo álbum llamado Mece. Franki Juncaj, aka Dj 3000, lleva toda su vida dedicada a la música con pasión y con una pureza que apenas existe en esta industria o mundo musical. Dj 3000 fue bautizado musicalmente por Mike Banks, creador de Underground Resistance. Franki siempre estuvo muy unido a UR desde sus inicios como colectivo y formación. Ahora nos lanza un largo un LP con su visión del Techno y la pista de baile pasando por todo ese abanico musical que es Dj 3000 o Motech, porque no sería lo que es sin el amor a la música de Franki. Este álbum es muy completo y perfecto para muchos momentos en cualquier club o festival. Es un LP con todas las influencias y raíces albanas del propio creador. Os recomiendo este álbum tanto como herramienta para la pista de baile como de coleccionista.

FREDDY FRESH

35 Years of Music

Epm Music

Desde las oficinas de Epm Music nos llega esta maravilla de LP. Freddy Fresh es historia viva de la música electrónica, nacido en Minneapolis pero musicalmente abierto a cualquier influencia de cualquier parte o estilo de este mundo. Freddy no solo está atado al techno o al electro, su visión desde sus máquinas va mucho más allá de cualquier estilo musical. Ha pasado por muchos de los sellos discográficos de medio mundo, desde multinacionales a labels familiares. Este LP contiene su visión musical de estos 35 años trabajados con mucho amor desde sus instrumentos analógicos y digitales. Es un álbum muy personal donde recorre un gran abanico de estilos musicales con una personalidad increíble.

COYU

The Revisionist 4 Suara

El sello de Ivan aka Coyu no para ni una semana, y esta vez el dueño del label hace revisiones de temas antiguos que son parte de la historia del techno en todas sus vertientes. Coyu se mete al estudio y hace dos versiones de los tracks ‘Native Bullet’ de Homerun junto al track de Tomaz vs Filterheadz ‘Los Hijos Del Sol’. Los originales son de estos tracks que todo el mundo escuchó cuando el Techno más tribal estaba en su más alto apogeo. Ivan sabe muy bien lo cíclica que es la música, no se suele equivocar ya que vuelve otra vez el hard techno tribal de los 2000. Los dos tracks son perfectos para la pista de baile pero, para mí, ‘Native Bullet’ es una obra de arte.

HECTOR MAD [Matterwave Records]

CASUAL TREATMENT

The Secret Code EP

Symbolism

Casual Treatment vuelve al otro sello de Ben Sims Symbolism y esta vez nos presenta un techno más vanguardista pero sin dejar de lado la pista de baile en ningún momento. Bajos ultra profundos con detalles minimalistas y unas atmósferas acuáticas que te llevan a un clima puro. Cualquiera de los tracks son perfectos para la pista de baile, da igual la hora o el lugar. Los dos labels de Ben son la herramienta perfecta para tener la pista de baile caliente. El inglés es un gran especialista en poner el ojo en las cosas que funcionan. Larga vida a Symbolism. Gracias Ben.

GTX V.A

A TOTA VIROLLA Vol 03 GORDO TRAX

Desde Valencia nos llega esta maravilla de compilación de varios artistas. La crew de Gordo ha conseguido hacerse un hueco de una manera diferente por su visión y sobre todo por su techno. Lo cierto es que se agradece que existan otras visiones en este país en lo que respecta a términos musicales. Esta vez nos presentan una compilación de varios artistas que han ido pasando por su club. Techno en un amplio abanico musical que no defraudará a nadie. Destacaría el track de Ricardo Garduno y el track de Not_A_Headliner. Como siempre, buen trabajo compañeros.

01. DIMI ANGELIS ‘Untergang TH’ [Tar Hallow 013]

02. KARENN ‘Fron Hunk to Husk’ [Voam 011]

03. REEKO & SURGEON ‘Ganster In Disguise’ [Mental Disorder 026]

04. NOT A HEADLINER (RMX) ‘Punishment’ [Caedite Eos 003]

05. KWARZT ‘Impulse’ [SK_Eleven 018]

06. EXIUM, DYNAMIC FORCE ‘Light Waves’ [Nheoma 024]

07. UVB ‘Mortifere’ [Mord, Reclaim Your City 001]

08. BAS MOOY ‘Lood’ [Pleistocene Future 002]

09. NOTZING ‘Protae' [Warm Up 086]

10. MYSTICS ‘Act of Faith’ [Kazerne 002]

Críticas | UK GARAGE

Autor: BORJA COMINO | borja@allinpress.com

MACHINEDRUM, HOLLY 天 の 川 (River of Heaven) VISION

Travis Stewart, conocido como Machinedrum, ha producido y compuesto más de una docena de álbumes bajo diversos alias, como Sepalcure, JETS, Dream Continuum y otras mutaciones, desde su primer lanzamiento hace casi 25 años. Parece que últimamente se siente más que cómodo con su nuevo compañero de aventuras, el portugués Holly, productor prolífico que no tiene un solo tema que no sea colaborativo. En enero, lanzaron su primer EP conjunto ‘Berry Patch’; en julio publicaron ‘Novaform/Blueshift’ y apenas un mes más tarde nos han traído este ‘River of Heaven’. Si bien es cierto que la forma de ordenar estos dos últimos lanzamientos es un poco extraña, puesto que claramente forman parte de la misma tirada de composición y producción, no hay queja que valga. Percusivamente super veloces, con miles de detalles, y una producción y diseño sonoro exquisita –a la que Machinedrum nos tiene más que acostumbrados– con la gracia y frescura que, casi seguro, viene de parte de Holly en los samples vocales, especialmente llamativos en ‘Quasar’.

SHANTI CELESTE

Bounce EP

Peach Discs

Shanti Celeste ha dado con una especie de fórmula ganadora, a priori parece sencilla, housete animado a la vez que bastante contundente y samples bien elegidos. Para este EP, Celeste y Hodge se han repartido un tema cada uno, y han hecho ‘Whispers’ de forma conjunta, aplicando una versión rave y otra versión deep. La versión rave se compone de varios elementos especiales como acordes a lo Larry Heard, una línea de bajo de órgano muy old school, y un hook vocal que se por momentos resulta extrañamente insistente gracias a las notas del órgano que hay debajo. El deep mix es más estilo Chicago, lo cual resalta las cualidades más majestuosas del track.

JACKSON RYLAND

Boosted

Peach Discs

Ryland participa de buena gana en la movida que tiene montada la anteriormente mencionada Shanti Celeste. Este EP de Ryland es el segundo release de este año del sello Peach Discs que llevan Celeste y Gramrcy. Ryland, de Washington DC, se inspira en el polifacético trabajo de productores como Paul Johnson, Heiko Laux, K-Hand, Aubrey & Cari Lekebusch, según comenta él mismo. Se nota mucho que sabe un montón de historia de la música. Eso, lejos de convertirle en un productor caduco, le confirma como un artista emocionante y versátil con un enfoque actual, muy 2023. En conjunto, el EP encaja en la línea editorial de Peach. Lo cierto es que no suena muy UKG (recordemos que Ryland es americano) pero ese talento y flexibilidad sin esfuerzo para alternar entre emociones sin abandonar nunca el ritmo valen la pena ser alabados.

OVERMONO Blow Out

XL Recordings

Otro tema más de Overmono en esta sección. Lo cierto es que probablemente nunca me cansaré de mencionarlos por aquí. Este nuevo single, que sale cuatro meses después del álbum debut de los hermanos Russell, combina la instrumentación de percusión entrecortada que usan casi a tiempo completo, super cargada de frecuencias graves con un sample vocal también marca de la casa, que recuerda al sonido que sacaron de la voz de Rosalía en el Edit de ‘A Palé’. En un comunicado, Overmono comentaron que ‘Blow Out' fue lo primero que salió en el estudio después de terminar el álbum, y lo cierto es que podía haber formado parte de él perfectamente.

KQUIM

INTROSPEKT

Temptation EP T4T LUV NRG

Introspekt es una de las artistas más esenciales y versátiles de la escena garage moderna, tanto es así que se acaba de marcar una extensa gira por el Reino Unido y varias ciudades europeas, que la ha situado, aún más, en el spotlight. Aunque ha colaborado con artistas de la talla de Soul Mass Transit Soundsystem, Ollie Rant y Bored Lord, el sonido de Introspekt es propio, y está impregnado de su firme compromiso de trazar una línea que una los dos puntos entre los sonidos más oscuros del UKG y las raíces queer del género en el garage y el ballroom estadounidenses. Las líneas de bajo de este EP –y de Introspekt en general– son sencillas pero oscuras y se apoyan con samples de divas icónicas y el 2-step más astuto con un bombo que va desplazándose entre la base rítmica de shuffle y ritmos rotos con un bombo a cuatro mucho más techno.

01. SAMMY VIRJI, FLOWDAN ‘Shella Verse’ [Positiva/EMI]

02. JAZ KARIS ‘GBACK 2 U’ [Jaz Karis]

03. KORELESS ‘Joy Squad’ [Young]

04. TQD, ROYAL-T, FLAVA, DJ Q ‘break it down’ [TQD/Supernature]

05. SIR SPYRO, GHETTS, JAYKAE, LONDON GRAMAR ‘Hell to the Liars’ [SOTS Recordings]

06. DIGITAL KOALA - BAADWRK ‘Losing My Mind’ [CRUCAST]

07. JAY FADED ‘Way You Move’ [Yosh]

08. SPENCE ‘Hybrid’ [Bingo Bass]

09. BURIAL ‘Hiders’ [Hyperdub]

10. STEVE GURLEY, PAT BEDEAU, CHANEL ‘Just Can’t Wait’ [Strictly Music]

Críticas | HOUSE

Autor: ALEJANDRO SERRANO | alejandroserranopr@gmail.com

DC SALAS ‘Tio’ EP A Lifetime On The Hips

DC Salas siempre ha sido un DJ destacado por su versatilidad en sus sets, fusionando sin esfuerzo aparente una gran cantidad de estilos. Ahora vuelve como productor con el EP 'Tio', una pieza tan personal y descarada como demuestra su factura sonora. El disco combina elementos del trance de los 90, con una constante bassline fascinante, que evoca las imágenes de la época dorada de Amnesia Ibiza. En su conjunto, el disco se puede escuchar como una pieza de música atemporal que transmite una idea positiva en tiempos de hiperproducción musical, y su estética apela a lo más básico, profundo y receptivo del espíritu. Su sonido es tan amplio y frágil para escuchar y sentir como de bailar.

PLASMATIQUE

Nucleus

luft&liebe

Nucleus es el último trabajo de Plasmatique, un himno épico diseñado para llegar a los escenarios de los festivales. Este último trabajo se sitúa en el extremo opuesto de lo comercial, de lo genérico, de lo que funciona: lo que hace es más bien una especie de magma inestable de pulsaciones y destellos de líneas melódicas y texturas difusas, que insisten en poner al oyente a bailar. El diseño sonoro demuestra una vez más que Plasmatique deja atrás los referentes más conocidos y subraya su sentido de las texturas melódicas, pensando en proyectarlo en escenarios enormes para multitudes. Por eso mismo, lo mejor de este trabajo no es tanto lo que contiene, sino lo que promete. Una delicia para cerrar esta temporada veraniega de festivales.

DIFFERENT NOODLES

Banana Resort

L.I.T.S.

Advertimos que este trabajo podría tocar la fibra a aquellos melómanos versados en el mundo de la música house, porque estos productores belgas han creado una marca con el objetivo de reeditar y desenterrar gemas ocultas de sus archivos. ‘Banana Resort’ es el trabajo que consolida esta insaciable búsqueda. El objetivo de su nueva empresa radica en reeditar y desenterrar gemas ocultas de sus archivos. ‘Banana Resort’ se abre paso con un EP de 3 tracks que ha estado generando entusiasmo durante años, ganándose elogios de artistas como Ryan Elliot. Los tracks tienen fuerza y saltan por encima de las convenciones imperantes, sabiendo cómo eludir la crudeza y oscuridad más recurrentes, buscando el baile pero sin trucos previsibles y sin sobrepasar un nivel comprensible de experimentación apto para la pista. De Different Noodles solo podemos seguir esperando grandes descubrimientos.

LOZ GODDARD

VARAZ MTHCLS

Nie Wieder Schlafen

El sello Nie Wieder Schlafen vuelve y esta vez lo hace con el artista belga Varaz, con un lanzamiento en vinilo que es también un homenaje a un querido amigo íntimo, cuya memoria inspiró la creación de esta tan delicada como disfrutable pieza sonora. En este trabajo Varaz combina tonos etéreos con intrincados paisajes sonoros, creando una atmósfera pacífica y tranquila. Cada tema está compuesto con un sonido sofisticado y texturizado, que invita al oyente a un estado contemplativo e introspectivo. Sus profundas melodías consiguen transportar al oyente a un lugar de resonancia emocional, donde se puede vislumbrar esa relación de admiración y cariño que el artista proyectaba en su difunto amigo. Estamos ante una pieza que te hará soñar y bailar a partes iguales.

COSMONECTION & SOREN LYANN

Sunset Thoughts EP Pont Neuf Records

Cosmonection, una de las productoras house más prolíficas de los últimos años y uno de los secretos mejor guardados de la nueva escena francesa, vuelve con un nuevo EP titulado Sunset Thoughts. El EP es una colaboración con el cantante y guitarrista Soren Lyann, que presenta un trabajo que es también un vibrante homenaje a la música baleárica, presentada con armonías etéreas y melodías que consiguen tejer un tapiz sonoro fascinante. Este trabajo se puede enfocar como un viaje sonoro que evoca recuerdos tan vívidos como melancólicos, donde la libertad y el escapismo se entrelazan armoniosamente. Las raíces catalanas de Cosmonection están muy presentes en cada una de las notas de este trabajo, tan directo como sugerente. Por eso mismo, lo mejor de este disco no es tanto lo que contiene, sino lo que promete: se sabe que lo que tiene que venir de Cosmonection y Soren Lyann en el futuro será todavía mejor.

Críticas | DRUM & BASS

Autor: DANIEL PANIAGUA AKA D-PR | drumandbass@djmag.es

TERRENCE & PHILLIP & BARE UP FEAT. INJA

My Hearts Forgiving

One Eighty Records

¡Menuda manera de abrir octubre a ritmo de Drum & Bass pistero electrizante y con buen gusto! Un combo de 5 estrellas con la colaboración entre los australianos Terrence & Phillip, el inglés Bare Up y el mítico vocalista Inja en ‘My Hearts Forgiving’. Es, sin duda alguna, un instant banger para el sello One Eighty Records que va a posicionarse como un sello a tener siempre en la mira de los “drum and basseros”.

DLR

Tryna Get This Money

Sofa Sound Bristol

DLR sigue sorprendiendo con su segundo adelanto en la serie ‘Money’ para su próximo álbum de estudio. En la línea del anterior lanzamiento continúa con sus raíces, pero con una línea de graves más agresivas y al frente del tema mientras que mantiene un gran balance y buen gusto, como al que nos acostumbra con sus baterías. Un gran segundo single sin duda alguna.

SPEAKER LOUIS & SILLOH

Let It Out

Fokuz Recordings

El francés Speaker Louis colabora con Silloh en un EP de dos tracks, donde lo mejor de cada productor y su estilo único se ven plasmados en ‘Let It Out’. Un tema de corte soulful con baterías agresivas heredadas del Jungle crean un tema perfecto para el club, para el double drop o simplemente para disfrutar en tu playlist favorita de ritmos rotos.

BITSUNE & M'GO

TYKE At The Races

LowFreqMX

La leyenda del Jump Up aterriza en el sello mejicano con una auténtica bomba. Manteniendo las baterías a las que nos tiene acostumbrados, nos da un tema más pistero alejado de graves estridentes y saturados para darnos un tema más cercano al sonido Bristol. Sin duda, lo mejor de estos dos mundos combinados y un gran lanzamiento para el sello centroamericano.

SEMPRA I Like That (Jungle Music)

Future Classic

A mitad del pasado mes de septiembre, el EP de Sempra titulado ‘Call Me’ presentaba cinco grandes temas que juegan con los breaks, hardcore y jungle y en ‘I Like That (Jungle Music)’ uno de esos temas que pese a tener esa atmósfera de hace años, cuenta con la producción del día de hoy y hacen de este tema un “must have” para todo Junglist que se precie, ¡todo un temazo!

01. CAMO & KROOKED ‘Ember’ [RAM Records]

02. SUB FOCUS ‘Rock It’ [RAM Records]

03. VIBE CHEMISTRY ‘Living Like This’ [Self-Released]

04. KOVEN ‘Chase The Sun’ [UKF]

05. RUDIMENTAL FEAT. ELLA EYRE ‘Waiting All Night’ [Warner]

06. M'GO ‘Call Me Babe’ [Black Monsta Records]

07. SUB FOCUS FEAT. GENE FARRIS ‘It’s Time’ [Virgin / EMI]

08. JUSTIN HAWKERS FEAT. ANDREW HELLIER ‘Better Than Gold' [Pilot]

09. METRIK FEAT. ROTHWELL ‘We Got It’ (S.P.Y. Remix) [Hospital Records]

10. SUB FOCUS ‘Solar System’ [Virgin / EMI]

Críticas | BREAKS

Autor:

EDUARDO CARBONELL / evilsound@djmag.es

VVAA

Breakbeat Alliance Series Vol. 2

Vinyl Club

En 2021 hablamos de la alianza del breakbeat en vinilo Vinyl Club, compuesta por Adam Vyt, Garrÿ, Jalcape, Johnflayer y Sekret Chadow, referente a su primer lanzamiento con los sevillanos Khoiser. Desde su apertura han planchado ya 3 vinilos más: 'Breakbeat Alliance Series Vol.1', un EP cuidadosamente seleccionado con producciones de Sekret Chadow, Khoiser, Under Break y Luis Pitti. 'Acid Series Vol. 1', un EP de acid breaks con dos pistas originales de Guau y Under Break, una recreación del mítico 'The Sirope' de F.EE D.EE, a cargo de Adam Vyt, y un remix al clásico 'Saturnalia' de Elite Force, a cargo de Sekret Chadow. 'Breakbeat Alliance Series Vol.2', su más reciente EP, con trabajos de Hankook, Rasco & Sekret Chadow, Basstyler y The Push.

EVL TOM The Heathers Out Yer Box Records

Tom Beaufoy, del mítico dúo inglés Evil Nine, vuelve en solitario como Evl Tom para anunciar su álbum debut 'Absolute Melt', que saldrá a principios de 2024. Como adelanto, el sello Out Yer Box Records lanza su primer sencillo titulado 'The Heathers', un impresionante corte de música electrónica psicodélica que sirve como arma perfecta para iniciar cualquier set de progressive breaks. Out Yer Box, es el sello hermano de Jack Said What, dirigido nada más y nada menos que por el autor de 'Trainspotting' Irvine Welsh, el músico Steve Mac y el compañero editorial de DJ Mag UK Carl Loben. ¡Menudo trío! Como mitad de Evil Nine, junto a Pat Pardy, Tom firmó originalmente con el sello Marine Parade de Adam Freeland.

FONTAINES D.C. In ár gCroíthe go deo (Orbital Remix) Partisan Records

La banda de rock irlandesa Fontaines D.C. acaba de comenzar una gira por los Estados Unidos junto a Arctic Monkeys. Este septiembre, lanzaban una edición de lujo de su álbum 'Skinty Fia', que incluía este remix de los maestros Orbital. No hay mucho que los hermanos Phil y Paul Hartnoll no hayan hecho en los últimos 30 años, desde ayudar a ser pioneros en el primer sonido rave, hasta sets icónicos en Glastonbury a través de álbumes innovadores, singles de gran éxito y remezclas de una larga lista de artistas de múltiples géneros. Ahora, añaden a todo esto otra excelente remezcla como la que nos ocupa, un remix donde las inquietantes voces y sintetizadores se fusionan con los breakbeats del dúo.

AKOV

Inertia LP

Symbiotik Records

Desde el sello Symbiotik Records nos llega el esperado álbum 'Inertia' del inglés Alexander Ushakov, más conocido como AKOV. Un artista con gran influencia del heavy metal que se adentró en el neurofunk obteniendo rápidamente un gran reconocimiento. Su EP 'Mantra', publicado por Mindtech Recordings en 2014, le aseguró el puesto número 1 en las listas DNB de Beatport, marcando un hito significativo para el artista. En 2016 lanzó el videoclip 'Burn it down', junto a Twitchee Chords, allanando el camino para su debut en el festival Let it Roll. Desde entonces ha estado haciendo apariciones regulares por toda Europa y ha abierto su propio sello con el que experimenta con nuevos estilos. 'Inertia' contiene 10 producciones que fusionan el neuro con breaks, UKG y glitch hop.

UNREAL [AUDIOGORE]

SELLRUDE Redemption

Xclubsive Recordings

El subsello Xclubsive Recordings, perteneciente al conglomerado de Spektra Recordings, nos trae el nuevo single del productor jienense Selu Rodríguez, más conocido como SellRude. 'Redemption' es una buena producción de acid breaks que se une a la nueva ola del resurgimiento de este género. Destacar otros lanzamientos del artista por esta casa como 'Dancehall' y por sus sellos hermanos. En Spektra Recordings tenemos el potente 'FlashBack' y el ácido 'You Can't Stop Me', junto a su remix a cargo de Flying High, que recuerda al mítico remix de Infiniti al track 'Pepper Spray' de DJ 43. Por último, también tenemos en Beat By Brain el acid breaks 'Love Got You' y en Malas Pulgas el pistero 'Let´s Dance'. Un productor al que tener en cuenta.

01. NEO TRILOGY ‘The Fallen (Original Mix)’ [Audiogore]

02. UNREAL & REMENZ ‘Manifest (Original Mix)’ [Audiogore]

03. LINERO ‘Walking After The Light (Original Mix)’ [Raveart]

04. STORMTROOPERZ ‘We Bring To The Future (Unreal Remix)’ [Audiogore]

05. KUNAI ‘Coming Back (Original Mix)’ [Audiogore]

06. OVERPEAK ‘Emotions (Original Mix)’ [Torre]

07. BASSCHAOS ‘Rebirth (Original Mix)’ [Audiogore]

08. JMKL ‘Outer Space (Unreal & Kelle Remix)’ [Rune Recordings]

09. KELLE & UNREAL ‘Collision (Original Mix)’ [Audiogore]

10. REMENZ ‘Firewall (Original Mix)’ [Neurobreaks Collective]

FOCUSRITE

Scarlett de 4ª Generación Innovación y Poder en la Música Electrónica

Este mes dedicamos el apartado de tecnología a uno de los grandes estándares de la industria. La empresa británica Focusrite acaba de lanzar la 4ª generación de su famosa tarjeta de sonido, la Scarlett. Para muchos de nosotros, la Scarlett fue el primer paso en nuestras carreras musicales. Ahora, es hora de descubrir las novedades que esta nueva generación trae consigo.

La Evolución del Sonido y la Calidad de la Scarlett - La Scarlett de cuarta generación ha dado un paso adelante en términos de calidad de audio. Monta ahora convertidores RedNet capaces de trabajar a asombrosos 24 bits y 192 kHz, lo que significa que tus grabaciones serán más nítidas y fieles que nunca a la fuente original. Además, el rango dinámico se ha ampliado significativamente hasta los 120 dB, ofreciendo una calidad de sonido impresionante, que es esencial para los productores de música electrónica que buscan precisión en cada detalle.

Una de las características más notables es la inclusión de las funciones "Auto Gain" y "Safe". La función Auto Gain establece automáticamente el nivel de entrada perfecto, lo que facilita aún más la obtención de grabaciones de alta calidad sin ajustes complicados. Por otro lado, la función Safe monitorea el audio entrante hasta 96000 veces por segundo para evitar los molestos clipeos y mantener tus tomas a salvo, garantizando que tus producciones siempre suenen perfectas.

Mejoras en la Función "Air" - La función "Air", que se presentó en la tercera generación de Scarlett, ha sido mejorada en la cuarta generación. Ahora ofrece nuevos modos de funcionamiento que permiten a los músicos y productores personalizar aún más su sonido. Esta característica única, inspirada en los legendarios preamplificadores ISA de Focusrite, añade un toque de brillo y claridad a tus grabaciones vocales e instrumentales.

Conectividad y Software de Alto Nivel - La gama Scarlett 4 de Focusrite sigue manteniendo su reputación de conectividad excepcional. Ofrece salidas balanceadas para monitores de estudio y una entrada/salida MIDI para una versatilidad aún mayor en la creación musical. Además, como es costumbre, Focusrite ha incluido una atractiva colección de software que incluye el sintetizador Native Instruments Massive y el célebre corrector de tono Auto-Tune Access.

Modelos Disponibles - Como siempre, Focusrite ofrece una variedad de modelos en su gama Scarlett 4. El modelo Solo es la puerta de entrada, proporcionando una interfaz de audio compacta con un previo y una segunda entrada en formato TRS. En este modelo, el conector XLR se ha trasladado a la parte trasera, simplificando la experiencia de usuario. Aunque no incluye las funciones Auto Gain y Safe, cuenta con un control de monitorización directa y una salida de auriculares con su propia perilla de ganancia.

El modelo 2i2, por su parte, incorpora un segundo previo en formato XLR en la parte trasera y ofrece características adicionales, como Auto Gain y Safe, para una grabación aún más profesional.

La Scarlett 4i4 es la opción más grande de la gama, con cuatro canales de entrada y salida. Aunque mantiene la configuración de dos previos de entrada, ofrece un mayor nivel de flexibilidad en la producción musical.

En resumen, la Focusrite Scarlett 2i2 de cuarta generación es un must para tu estudio. Con mejoras significativas en calidad de sonido, nuevas funciones innovadoras y una conectividad ampliada, esta nueva iteración está lista para seguir siendo la elección predilecta de músicos y productores que empiezan en la escena de la música electrónica. Mantente atento, pues estos modelos pronto llegarán a sus distribuidores habituales.

También incluye una conectividad avanzada gracias al nuevo hub USB de 3 puertos para conectar controladores adicionales.

Asimismo, comprando el nuevo Traktor Kontrol X1 MK3, Native Instruments incluye la licencia de Traktor Pro 3.

Escanea el QR y encuentra más información sobre el producto en la web de Focusrite.