Revista MATISSE

ALEX GREY Edición No. 1

El arte psicodélico de Alex Grey La tipografía de Balius La crítica social de Kuczynski El diseñador Latinoaméricano

GRUPO matisse DIRECTOR Diego Armando Olaya EDITOR Diego Armando Olaya DISEร O Diego Armando Olaya COLABORADORES Hernรกn Huertas Viviana Delgado CONTACTO diarmando84@gmail.com

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a revista nace de la necedsidad de mostrar diferentes espacios interdisciplinarios relacionados entre sí tales como el diseño, el arte, la ilustración entre otras. De esta manera se busca llegar a personas afines a estas áreas, para que tengan un espacio de encuentro, conocimiento y esparcimiento, mientras disfrutan de artículos cuidadosamente elegidos. Todas las ediciones encontrarás un artista, un tipógrafo, un ilustrador y un diseñador diferente.

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EL ARTISTA ALEX GREY

10-13 EL TIPÓGRAFO ANDREU BALIUS

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EL ILUSTRADOR PaUl Kuczynski

20-24 EL DISEÑADOR DR. ALDERETE

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EL ARTISTA

Artista Psicodélíio y Visionario

alex grey

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ació en Columbus, Ohio, el 29 de noviembre de 1953 (Sagitario), el hijo del medio de una apacible pareja de clase media. Su padre era un diseñador gráfico, y alentó a la capacidad de dibujo de su hijo. Joven Alex recogería insectos y animales muertos del barrio suburbano y les enterrar en el patio trasero. Los temas de la muerte y la trascendencia tejen a través de sus obras de arte, desde los primeros dibujos de actuaciones posteriores, pinturas y esculturas.

Alex fue al Colegio Colón de Arte y Diseño de beca completa 1971-3.

Grey abandonó la escuela de arte y carteles para Columbus Publicidad Exterior, 1973-4 pintado. Grey luego se trasladó a Boston para estudiar y trabajar como asistente de estudio para el artista conceptual, Jay Jaroslav, en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston en 1974-5. En la Escuela Museo, Alex conoció a su compañero de toda la vida,

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el artista, Allyson Rymland Grey En su reunión de 1975, una experiencia mística entheogenically inducida transformó su existencialismo agnóstico a un trascendentalismo radical. La pareja Grey siguió tomando “viajes sacramentales” en LSD. Durante cinco años, Alex trabajó en el departamento de Anatomía de la Facultad de Medicina de Harvard preparar los cadáveres para la disección mientras estudiaba el cuerpo por su cuenta.

Más tarde trabajó para el Dr. Herbert Benson y el Dr. Joan Borysenko como tecnólogo de investigación en el departamento de medicina cuerpo / mente de Harvard, la realización de experimentos científicos para investigar energías curativas sutiles.

Formación anatómica de Alex lo preparó para pintar los Espejos Sagrados y para trabajar como ilustrador médico. Grey instruyó Artístico Anatomía y Figura Escultura durante diez años en la Universidad de Nueva York, y ha enseñado a los talleres de arte intensivos y otros Visionary Art con Allyson en el Centro Abierto de Nueva York, el Instituto Naropa en Boulder, Colorado, el California Institute of Integral Studies y Omega Instituto en Rhinebeck, Nueva York. La pareja ahora enseñan talleres

Magos (Mystic Artists Guild International) al COSM en Wappinger, Nueva York.

En 1972 Grey comenzó una serie de acciones de arte que guardan semejanza con los ritos de paso, en el que se presentan las etapas de una psique en desarrollo. Los aproximadamente cincuenta ritos de rendimiento, llevados a cabo durante los últimos treinta años se mueven a través de las transformaciones de una identidad egocéntrica a más y cada vez más sociocéntrico mundicéntrica y teocéntrica. En un gran rendimiento WorldSpirit titu-

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lado, poesía palabra hablada en colaboración musical con Kenji Williams fue lanzado en 2004 como un DVD. Serie única de Grey de 21 pinturas de tamaño natural, el Sagrado Espejos, toma al espectador en un viaje hacia “El amor, la conciencia y la creatividad son los más altos refinamientos de la fuerza evolutiva cósmica”

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Orar

Uno

El visionario orĂ­gen de la lengua

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su propia naturaleza divina mediante el examen, en detalle, el cuerpo, la mente y el espíritu. Los Espejos Sagrados, presentan la anatomía física y sutil de un individuo en el contexto de la evolución cósmica, biológica y tecnológica. Iniciada en 1979, la serie tuvo un período de diez años en completarse.

incorporan el arte de Alex en sus presentaciones en power point. Pinturas de Grey se han presentado en lugares tan diversos como el arte del álbum de Tool, SCI, los Beastie Boys y revistas Nirvana, Time y Newsweek, el Discovery Channel, volantes favorables y hojas de ácido secante.

Fue durante este período que Alex desarrolló representaciones del cuerpo humano que “radiografía” de las múltiples capas de la realidad, y ponen de manifiesto la interacción de las fuerzas anatómicas y espirituales. Después de pintar los Espejos Sagrados, aplicó esta perspectiva multidimensional a tales experiencias humanas arquetípicas como la oración, la meditación, el besarse, copular, embarazo, parto, lactancia y morir. El trabajo reciente de Grey explora el tema de la conciencia desde la perspectiva de “seres universales” cuyos cuerpos son rejillas de fuego, ojos y galáctica infinita remolinos.

Curadores de renombre Olga Worral y Rosalyn Bruyere expresan su agradecimiento por la interpretación magistral de la visión clarividente sus pinturas de cuerpos brillantes translúcidas.

Innumerables maestros y líderes espirituales, incluyendo Deepak Choprah,

Expuesto en todo el mundo, el arte de Alex ha sido honrado con exposiciones

“Reconozco el privilegio de estar vivo en un cuerpo humano, en este momento, dotado de sentidos, recuerdos, emociones, pensamientos, y el espacio de la mente en su aspecto de sabiduría”

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individuales en Feature Inc., Casa del Tíbet, Stux Galería, PS 1, La ciudad de Nueva York Outsider Art Fair, The New Museum en Nueva York, el Grand Palais de París, la Bienal de Sao Paulo en Brasil. Arte de Alex ha sido presentado en varias exposiciones largas año en el Museo de Arte visionario

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“En una sociedad que intenta estandarizar el pensamiento, la individualidad no es muy apreciada”

americano, incluyendo una sala de instalación que creó con Allyson titulado “Corazón Net” (1998-1999). Una retrospectiva de mitad de carrera de las obras de Gris en el Museo de Arte Contemporáneo, San Diego en 1999. Un orador principal en conferencias por todo el mundo, incluyendo Tokio, Amsterdam, Basilea, Barcelona y Manaos, la comunidad internacional ha adoptado psicodélico gris como un importante cartógrafo y portavoz del reino visionario.

Para 2011 un 2012, el Watkins Revisión nombrado Alex Grey uno de los veinte principales líderes espirituales vivos hoy en día.

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EL TIPÓGRAFO

Diseñador de Tipografía

andreu balius L

a irrupción del ordenador personal en el panorama del diseño gráfico de los años 80 del pasado siglo, provocó que los diseñadores y creativos enfocaran su trabajo hacía las nuevas posibilidades y caminos que esta herramienta ofrecía y que la tipografía fuera uno de sus principales destinatarios.

De esta época data la aparición de “exploradores de la letra” como Neville Brody o David Carson, por citar a dos de los más conocidos, que buscaban los límites de la tipografía en el nuevo

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entorno digital y esbozaban una nueva forma de comunicación gráfica. Una etapa excitante sin duda.

Por aquí en España las cosas eran algo diferentes. El nuevo panorama gráfico era abrazado por unos pocos “adelantados” que de la mano de las novedosas revistas provenientes del extranjero donde se experimentaba con la tipografía, vislumbraban una nueva actitud y una nueva manera de expresarse con los venerables signos gráficos que representaban el alfabeto. Uno de estos pioneros era Andreu Balius, por aquel entonces un inquieto estudiante de la Escuela de Diseño IDEP, en Barcelona, que pronto vio las posibilidades que se abrían en torno a la tipografía y orientó su desarrollo profesional en este sentido; primero participando de la experimentación con el proyecto García Fonts & co., un proyecto colaborativo de intercambio de tipografías y, más adelante centrándose de manera definitiva en el diseño de tipos como profesión, fundando su estudio en Barcelona en el año 1992 y la fundición digital Typerepublic.com en el año 2003. Un camino que Andreu recorrió de forma autodidacta dado la falta endémica de tradición 13

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en la enseñanza del diseño de tipografías en España y la escasez de información al respecto.

Quizás esta falta de recursos le llevaron a plantearse desde un principio de su aventura compartir sus conocimientos en programas universitarios, congresos o talleres de los que podemos destacar: Es profesor asociado en la Universidad Pompeu Fabra (desde el curso 2000-2001) e imparte docencia en la Escuela Elisava, en Barcelona. Es profesor, también, del Máster de Artes digitales de la Universidad Pompeu Fabra, e imparte docencia

en otros mástersy cursos de postgrado, en diversas escuelas de diseño.

Ha impartido conferencias (ATypI Conference México, 2009; ImagineIT Accademia di Belle Arti, Bologna, 2007; Bauhaus-Universität Weimar, 2007; University of Applied Sciences and Arts of Southern Switzerland, Lugano, 2007; ATypI vConference Lisboa, 2006; ATypI Conference Helsinki, 2005; entre otros eventos) y workshops en escuelas y universidades (Aalto University, Helsinki; Universidade Tecnica de Lisboa; UNL-SantaFe, Argentina; entre otras).

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Asimismo sus creaciones tipográficas han recibido varios premios entre los que podemos destacar dos «Certificate of Excellence in Type Design» del TDC (2002 y 2005) y el «Certificate of Excellence in Type Design» de ATypI (Roma, 2001), el «People’s Choice Award» Macromedia (San Francisco, 1997) y el ADOBE «Power of Design Award» (Londres, 1997).

Es autor del libro Type at Work: usos de la tipografía en el diseño editorial (editado también en inglés y francés), así como de artículos publicados en libros y revis15

tas especializadas (nacionales e internacionales). Sus proyectos han formado parte de muestras y exposiciones (individuales y colectivas) y muchos de ellos han sido publicados en catálogos y revistas especializadas sobre Diseño, tanto en el ámbito nacional como internacional. Asimismo es miembro del comité organizador del Congreso Internacional de Tipografía, en Valencia y del congreso AGI Open (Barcelona, 2011). En definitiva, una larga trayectoria para un diseñador en una etapa de madurez creativa y conceptual de gran riqueza y una “voz” muy autorizada para hablarnos de su pasión…

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EL ILUSTRADOR

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a sátira es su cómplice.

Es un observador. También un artista. Pawel Kuczynski (Szczecin, 1976) es un ilustrador capaz de sintetizar en una imagen una compleja situación, capaz de usar los trazos de un lápiz y los tonos de la acuarela para hablar sin una sola palabra de lo que pasa en el mundo.

Ilustrador

KUCZYNSKI

Pawel K uczynski es un ilustrador de 36 años nacido en Szczecin, Polonia. Se graduó de la Academia de Bellas Artes de Poznan, con una especialización en gráfica. Ha ganado numerosos premios nacionales e internacionales en caricatura e ilustración.

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“Encontrar una buena idea es la clave; hay semanas que llega la inspiración y otras que no. esas competiciones vienen bien para curtirse”

La sátira es un subgénero literario que expresa indignación hacia un individuo o hacia algo y pudiendo ostentar diferentes objetivos, ya sea moralizador, lúdico o simplemente de burla para con alguien o algo.

Puede escribirse tanto en prosa como en verso , o en su defecto presentar un mix entre estas dos formas.

La sátira, entonces, se tomará principalmente de los defectos o vicios colectivos o individuales, de las locuras, abusos, entre otros y los pondrá de manifiesto a través de la ridiculización, farsa, la ironía, entre los métodos más empleados y populares.

Si bien la sátira se propone divertir, éste no es para nada su objetivo primordial, sino 18

muy por el contrario, la motivación será atacar aquella realidad que molesta y desaprueba el autor de la sátira.

En la sátira, solemos encontrar un poco de todo, un poco de sarcasmo, un poco de ironía, de parodia, de burla, de exageración, casi siempre sobre la base de una realidad. El humor y el ingenio son los aliados con los

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“No soy muy partidario de las pantallas, prefiero el papel, las acuarelas, los lápices de colores, me gusta el olor a pintura”

que siempre cuenta la sátira.

El origen de este género literario se identifica en Grecia primeramente, siendo usado para criticar personas y acontecimientos desde un punto de vista moral, aunque su desarrollo pleno fue llevado a cabo más tarde en Roma.

Si bien los recursos pueden ser de lo más variados y no existe una universalidad

al respecto, algunos de los más frecuentes suelen ser: el reduccionismo de alguna cosa o cuestión para así hacer resaltar sus defectos, la exageración de algo hasta el punto de convertirlo en ridículo, la caricatura, por ejemplo, usa mucho este recurso, la comparación de cuestiones absolutamente opuestas como puede ser la vejez con la juventud y la pa19

rodia, de manera tal que algo o alguien se vean ciertamente ridículos.

El humor político de ayer, hoy y de siempre usa a la sátira como principal aliada a la hora de expresar su disconformidad respecto de la realidad que se vive en un lugar determinado. Muchas veces resulta más llevadero y menos hiriente decir.

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La crítica social en la literatura y en el arte implica el compromiso del escritor o del artista frente a una realidad que censura, intimida u oculta. La crítica humorística parece operar como un movimiento corrector ante un error, una injusticia, una carencia, una insuficiencia o un malestar. Entonces, cuando el artista o el escritor reaccionan con humor, los acontecimientos cotidianos adquieren un nuevo sentido.

De esta manera es posible corregir comportamientos, auto criticarse, modificar una situación que no se tolera, persuadir o producir acciones transformadoras.

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La crítica desde el humor permite, así, mirar dos veces una realidad intencionalmente disimulada, tal como se presenta en el ejempl o del video del grupo “Les Luthiers” en donde una carencia ( la falta de conocimiento de los periodistas del idioma inglés) hace que “ interpreten “ de manera equívoca lo que los entrevistados le contestaban , produciendo de esta manera humor sobre una situación cotidiana y ofreciendo al receptor una mirada crítica sobre la manera de comportarse dentro de la sociedad.

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EL DISEÑADOR

acido en la lejana Patagonia argentina en 1971, a los 18 años Jorge Alderete viajó a La Plata, en la provincia de Buenos Aires, para estudiar Diseño en Comunicación Visual en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata.

Su trabajo ha sido publicado en varias antologías especializadas como Illustration Now y Latin Amer can Graphic Design (Taschen); Illusive, Pictoplasma, Los logos series, Latino y Play Loud (Die Gestalten Verla g); Place (Actar), Kustom Graphics

Diseñador e Ilustrador

DR. ALDERETE 22

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(Korero), entre otros, y su obra ha sido expuesta en distintas galerías del mundo y México, como la galería José María Velasco, el Museo de la Ciudad y el Museo de Arte Moderno. En su ya extensa trayectoria como diseñador e ilustrador, ha colaborado también como anima dor independiente para varias

televisoras, entre las que se encuentran MTV, Nickelodeon, Canal Fox y Once TV. Es fundador, junto a Juan Moragues, del sello discográfico Isotonic Records, especializado en rock instrumental. Ha diseñado alrededor de 80 artes para discos de grupos procedentes de distintas partes del mundo,

entre los que se encuentran Los Fabulosos Cadillacs (Argentina), Lost Acapulco, Twin Tones y Los Explosivos (México) y Los Straitjackets (Estados Unidos). En 2006 fundó la tienda-galería Kong, y ese mismo año comenzó su colaboración como curador del espacio Terraza del Centro Cultural

de España en México, donde permaneció hasta 2010. vEn 2008 publica su libro Yo soy un don nadie, en la editorial francesa Black Cat Bones, con el que celebra sus primeros diez años en la Ciudad de México. Un año después de esta celebración simbólica funda, junto a Clarisa Moura.