Línea del tiempo arte del siglo XIX XX

Línea del tiempo Arte del siglo XIX alXX

Diana Patrón Vela 413093477

Roberto Portillo Díaz

Marzo 2020

La arquitectura 1750

Neoclasicismo 1750-1815 Representó la renovación y el culto apasionado de la belleza ideal clásica, que se expresa a la perfección en la antigüedad griega y romana y se considera un modelo insuperable.

• Simplicidad espacial y compositiva.

• Uniformidad estilística, como consecuencia de la formación de los artistas en las academias.

• Predominancia de elementos arquitectónicos tomados del clasicismo: ordenes, frontones, cúpulas, fachadas rectas, pórticos con columnas, etc.

• Desnudez en cuanto a elementos ornamentales superfluos. La arquitectura debe transmitir valores eternos a través de sus elementos propios, estructurales en su mayoría.

Concepto básico.

El artista imita a los clásicos griegos y romanos, que alcanzaron la perfección en la belleza.

La escultura Artistas relevantes.

Giovanni Battista Piranesi, Anton Raphael Mengs, Jacques-Louis David, Andrea Appiani y Jean Auguste Dominique Inges, François Gérard, Felice Giani, Pelagio Palagi, JeanBaptiste Regnault. Escultura: Houdon, Antonio Canova, Bertel Thorwaldsen.

Se publicaron numerosos libros, en particular las teorías de Johann Joachim Winckelmann, que sostenía la superioridad del arte griego y romano y los proponía como modelos a imitar.

Puerta de Brandenburgo de Langans. 1789-1791 Se aprecia la inspiración de los propileos de Mnesicles en la Acrópolis de Atenas.

Gliptoteca de Von 1816-1830 Inspirada element elemento en los te griegos (Múnich)

• Predominio del empleo del mármol blanco como símbolo de pureza, de belleza clásica y de perfección, por ser el color de la escultura grecorromana. Sin embargo, hoy sabemos que las esculturas clásicas, estuvieron ricamente policromadas o son copias romanas en mármol de los originales griegos en bronce.

• Belleza formal, fría, sin expresión, ni sentimiento alguno.

• Perfección técnica y formal lograda a través del sacrificio de toda emoción, sentimiento o pasión.

• En su lucha contra el barroco se prescinde de movimientos violentos, escorzos y diagonales, reduciendo la obra a un solo punto de vista: el frontal.

• Influencia clásica que roza la obsesión, alejándose del modelo natural, restaurando o incluso copiando estatuas anteriores.

• Mayor variedad temática: desarrollo de la estatuaria funeraria y de la construcción de cementerios.

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La pintura

• Total ausencia de pintura grecolatina como modelo para el nuevo arte. Esta falta en muchas ocasiones se tratará François-Pascal Gérard, Psique y Amor, 1797 - 1798. de suplir con la influencia de los grandes maestros Los gestos de Eros, dios del Amor, son carentes de pasión y entrega. La relación de Amor y Psique se inspira renacentistas como Rafael y Correggio, quienes en Las metamorfosis de Ovidio.La capacidad del artista destacan por su perfección formal y su serenidad suave. se aprecia en la transparencia del tejido.

• La predominancia del dibujo sobre el color. En este sentido muchas obras pictóricas neoclásicas recordarán a esculturas clásicas, en concreto a figuras helenísticas.

• Búsqueda de modelos como en la Antigüedad grecorromana; las virtudes cívicas, el alto sentido moral Jan-Baptiste Regnault. Las tres Gracias, 1799 y la austeridad de la Roma republicana y de las grandes Inspirado en un fresco de Pompeya, retrataron a las Gracias desnudas y abrazadas como símbolo de la armonía suprema tragedias griegas.

Antonio Canova. Hércules y Lica. 1795-1815 Canova se inspiro en la famosa estatua del Hércules Farnesio.

que las une.

Las tres Gracias, hijas de Zeus y Eurínome, simbolizan la casualidad, la belleza y el amor.

Sus nombres son Eufrosina, Talía y Aglaya. Formaban parte del cortejo de Apelo o de Venus; se representan con una rosa, una rama de mirto, una manzana, un dado o cualquier otro símbolo de las artes liberales en la mano.

Houdon. Retrato de Napoleón . 1777-1778.

Hermes. Bertel Thorwaldsen. 1818

Jacques-Louis David El juramento de los Horacios . 1784 Los Horacios juran ante su padre sacrificar sus vidas por el Estado.

La herencia clásica-romana no solo proviene del tema, sino también de las propias vestimentas de los personales y de los fondos arquitectónicos.

Nazarenos 1810 1810-1830 Los pintores de la hermandad de santuchas representaron el deseo romántico de regresa a la pureza de los orígenes, a través de un arte basado en valores espirituales y patrióticos.

Concepto básico El arte había de recuperar la pureza y la espiritualidad de los origenes.

Lugar Antiguo convento de Saint Isidro de Roma.

Artistas relevantes Friedrich Overberck, Franz pfoor, Peter Cornelius, Philipp Venit, Wilhem von Schadow, Joshep Anton Kpch.

Vínculos Puristas y prerrafaelitas.

Esta ideología será herencia de la ola de sentimentalismo, medievalismo y religiosidad que invadía Alemania. Artísticamente, pese a no llegar a lograr homogeneidad, coinciden en su deseo de lograr una estética pura dando la espalda a la tradición académica.

Peter von Cornelius, Las cinco virgenes prudentes y las cinco virgenes necias. 1813-1816

Retrato de Franz Pforr, por Johann Friedrich Overbeck, 1810.

Franz pfoor, Sulamith y María. 1810-1812

Friedrich Overberck. Italia y Germania.1832 Las dos jóvenes del cuadro son Italia (izquierda) y Germania (derecha), que representan respectivamente las dos referencias artísticas de los nazarenos. Pero además de ser un manifiesto artístico, este cuadro es también un testimonio de la amistad que unía a los dos cabecillas del grupo: Friedrich Overbeck y Franz Pforr. Cuando se fueron a vivir a Italia, decidieron pintar cada uno un cuadro que simbolizase su amistad.

Purismo 1810-1860.

Los puristas se inspiraron en Ingres y en los nazarenos y se fijaron en los artistas “primitivos” para recuperar la esencia autentica del arte y su misión ética y religiosa.

1815 Tommaso Minardi, Autorretrato, h. 1813, Uffizi, Florencia.

La presencia de las calaveras recuerda las Vainas de la pintura antigua y añade una connotación dramática y moral de inspiración preomantica

Lugares Roma y Florencia.

Concepto basico El arte debe recuperar su autentica pureza moral.

Manifiestos 1842: Del purismo en las artes, redactado por Antonio Bianchini y firmado por Tommaso Minardi, Friedrich Overberck y pietro Tenerani: 1852: Del purismo, firmado por Cesare Guasti, Carlo y Gaetano Milanesi y Carlo Pini.

Artistas relevantes Luigui Mussini, Tommaso Minardi, Francesco Goghetti, Erico Pollastrini, Pietro Gagliardi, Franco Podesti y Lorenzo Bartolini.

Luigui Mussini, Leonardo da Cutro e Ruy Lopez giocano a scacchi alla corte di Spagna.

1871

Lorenzo Bartolini, Charity the Educator, 1842 - 1845

Sturm und Drang 1760 1760 - 1785 El Sturm und Drang fue un movimiento desarrollado en Alemania durante la segunda mitad del siglo XVIII. Constituyó en precursor del romanticismo alemán. El nombre de este movimiento proviene de la pieza teatral homónima, escrita por Friedrich Maximilian Klinger en 1776.

• Rechazan los géneros literarios y todo tipo de reglas • Exaltan la libertad y espontaneidad creadora; • Junto al individuo, adquiere relevancia la concepción panteísta de la naturaleza (aquí late la filosofía de Spinoza y Leibniz); • Re revalorizan las lenguas como expresión detodo un pueblo (nacionalismo) y la Edad Media se convierte en el punto de mira de los escritores; Herder alaba la arquitectura gótica.

Claude-Joseph Vernet ,A Mountain Landscape with an Approaching Storm, 1775

Vínculos Romaanticismo Teóricos Hamann y Herder

Albert Bierstadt , Storm in the Mountains, 1870

Romanticismo

Concepto básico El arte es la libre expresión de los 1790-1848 Proclamó la libertad del artista sentimientos. frente a las reglas académicas y Intelectuales vio en el arte una creación única e August Willhelm y Friedrich von Schlegel, irrepetible del individuo capaz de Tieck. Novalis, Byron, Scott, Hugo, De expresar sus propios sentimientos. Lamartine, Foscolo, Leopardi y Manzoni.

Músicos Beethoven, Schumann, Schubert, MendelssohnBartholdy, Liszt y Chopin.

Pintores Friedrich, Turner, Constable, Géricault, Delacroix y Hayez.

El romanticismo francés

Delacroix, Libertad guiando al pueblo (1830).

El autor logra una de las imágenes que pasarán al acerbo simbólico del mundo contemporáneo, realizando el icono no solo de la libertad sino de la heroicidad y la dignidad de las personas que la buscan y luchan por ella (Museo del Louvre, París) Gericault, La balsa de la Medusa (1819).

El autor refleja el momento en el que los supervivientes de un naufragio, tras muchos días a la deriva y de situación desesperada descubren a lo lejos el humo de una embarcación, con lo que se vislumbra una posible salvación, un atisbo de esperanza (Museo del Louvre, París). Esta obra es una de las cimas de la intensidad emocional y de sentimientos buscados en el romanticismo. A ello contribuyen tanto sus elementos formales como iconográficos. Entre los primeros destacamos su utilización violenta del color, su composición que nos muestra cadáveres o moribundos en primer plano y la luz crepuscular que nos habla de tragedia.

Delacroix, La matanza de Quíos (18231824).

El tratamiento compositivo se aleja del clasicismo dejando vacío el espacio central del cuadro (Museo del Louvre, París).

El romanticismo Alemán

Friedrich, Caminante frente al mar de niebla (1818).

Utiliza la técnica de enfatizar la intensidad emocional situando una figura en primer plano ante la inmensidad del paisaje.

En este caso, al estar de espaldas, el personaje se sitúa en la posición del espectador, con lo que este puede identificarse con la figura y tomar su mismo punto de vista (Hamburger Kunsthalle, Hamburgo).

Friedrich, El monje frente al mar (1808-1810).

El autor reduce la magnificencia de la naturaleza a dos grandes franjas de color, una de cielo y otra de tierra. La fígura humana representada en el monje aparece de manera insignificante (Palacio de Charlottenburg, Berlín)

El romanticismo en Inglaterra

Füssli, La pesadilla (1782).

La imagen nos presenta la angustia y la quietud con una técnica influida por lo clásico y una temática en la que se mezclan lo demoniaco y lo erótico, propia ya del universo de sentimientos a flor de piel romántico (Goethes Elternhaus, Frankfurt).

Constable, El carro de heno (1821).

Constable pinta escenas cotidianas, paisajes reales, de la Inglaterra del momento, a modo de instantáneas, llamadas paisajes retrato. Este autor trata de reflejar la belleza en cosas aparentemente ínfimas (National Gallery, Londres).

Turner, Lluvia, vapor y velocidad (1844).

Turner es uno de los principales paisajistas románticos ingleses, sin duda su búsqueda de la representación de la naturaleza y su predilección por el color no pasarán desapercibidos en la historia del arte (National Gallery, Londres).

Aquí la velocidad, el vapor, la niebla, el ferrocarril, se funden en un todo, logrando una atmósfera total-mente unitaria en la que no hay oposición naturaleza-modernidad, logrando captar el ambiente donde ambos se mezclan. Muere sintiéndose incomprendido pero deja obras, como esta, de mediados del siglo XIX al borde de la abstracción.

Escultura Características

• Tratará de reflejar las ideas románticas de lo infinito, lo grandioso, lo sublime, ensalzándolo además con los altos valores humanos y el poder desenfrenado de las pasiones y los sentimientos. Por ello los escultores románticos sentirán la necesidad de captar el movimiento, de introducir la acción en sus figuras, contrastar superficies lisas y pulidas con otras ásperas y rugosas y plasmar temas de compromiso histórico con personajes apasionados.

• Por otro lado aún encontraremos reminiscencias clásicas en sus obras como los desnudos, o el tratamiento de ropajes aunque el sentimiento, la pasión, el movimiento casi convulso los sitúa dentro de otra estética.

Artistas François Rudé Carpeaux Ricardo Bellver Mariano Benlliure

1848

El ángel caído de Ricardo Bellver (1873).

El tema de concepción romántica hace de El Retiro de Madrid el único lugar público del mundo con una estatua de Lucifer

Rudé, La Marsellesa (1835-1836).

Esta obra narra un capítulo de la Revolución francesa. La marcha de los voluntarios en 1792 en la que personas anónimas, que no eran militares de profesión luchan por su patria y en defensa de la Revolución. Su importancia reside en el movimiento, la diagonal impuesta por la figura alegórica de la victoria, la composición desbordante, los gestos grandilocuentes. No se descuidan los aspectos formales, algunos todavía marcadamente clásicos (relieve del Arco del Triunfo de la Plaza de la Estrella, París).

1816

Academicismo 1816 De manera tradicional el academicismo se identifica con la escuela francesa Académie des beaux-arts (fundada en 1816), la cual promulgaba las bondades del eclecticismo, entendido como una armonía entre lo neoclásico y el romanticismo.

Características

• Falta de originalidad al tener definido un modelo artístico, las obras dentro del academicismo son demasiado conservadoras.

• Perfeccionamiento técnico: otra de las consecuencias de apegarse a un modelo concreto es que cohiben la individualidad del artista, por lo que este no tiene otra cosa más que aspirar al perfeccionamiento de su técnica.

• Arte oficial: dentro de las academias, tratan de apoyar al artista que se apega a su modelo artístico, promoviéndolo a través de exposiciones y premiaciones, excluyendo cualquier otra obra que no se apegue al modelo.

• Clasicismo: El arte académico incorpora las tradiciones artísticas clásicas basadas en la razón y la técnica.

• La línea y el color: A diferencia de las escuelas pictóricas, el acadecismo, considera tanto el color como la línea como elementos importantes del arte, aspirando al perfeccionamiento técnico de ambos.

• Alegórico: una forma de representar un arte elevado es mediante la representación de conceptos abstractos a través

de representaciones figurativas.

• Idealización: Se busca la simplificación y generalización de las formas alejándose de las imperfecciones y singularidades del realismo naturalista.

• Jerarquía de temas: los temas son ordenados de acuerdo al grado de importancia: • Temas alegóricos y moralizadores: históricos, religiosos, mitológicos, literarios…

• Pintura de género • Retrato • Bodegón • Paisaje • Historicismo: Dentro de las innovaciones al arte académica está la representación de escenas históricas con mayor rigor tratando de evitar los anacronismos.

Representantes William-Adolphe Bouguereau, Alexandre Cabanel

Alexandre Cabanel “La muerte de Moises” 1851 Francia Refiriéndose a este cuadro, el artista le comenta a su hermano en una carta: “Me he autoimpuesto una formidable y muy difícil tarea, ya que intento representar la imagen del gran amo de los cielos y la tierra, a Dios, y a su lado una de sus más sublimes creaturas...”.

William-Adolphe Bouguereau. “Dante y Virgilio” 1879 Escena tomada de la divina comedia, pintada en 1879 por W. A Bouguereau. En francés: Dante et Virgile. Considerado por los expertos como uno de los cuadros sobresaliente de la historia en cuanto a descripción que hace del cuerpo humano y su movimiento.

1840

Realismo 1840-1880 Los pintores realistas querían plasmar la realidad en que vivían y expresar con claridad su posición sobre los acontecimientos y los personajes que representaron.

Concepto básico El artista debe representar la realidad social en la que vive.

Exposición 1855: pabellón del realismo de Gustave Courbet en París.

Revista 1859: le réalisme.

Idéologos Charles Baudelaire, Émile Zola y Edmond Duranty.

Artistas relevantes Gustave Courbet y Adolf von Menzel.

Vínculos El grupo de Barbizon, los macchiaioli y los impresionistas.

Herederos El grupo de los ocho en Nueva York, el muralismo en México la nueva objetividad de Alemania y el realismo socialista en Rusia.

Características

• La veracidad. Trata de mostrar en la pintura los temas de la manera más cercana posible a la realidad despojando a esta de cualquier convencionalismo o idealismo que la aparte de lo que el tema es en el mundo real. Por ello fueron acusados de «feísmo», de no buscar la belleza en su arte, al representar la vida cotidiana de trabajadores y campesinos, los que serían temas no dignos de ser pintados.

• La contemporaneidad. Sus defensores sostenían que el único tema válido para el artista era el mundo coetáneo que es precisamente el objetivo de los pinceles realistas.

• El compromiso social. En un momento determinado el arte va a tener una misión so-cial que cumplir, lo que irá en contra de la concepción romántica del arte por el arte, papel que sí asumirá el realismo. Encontramos en este estilo temas que nunca antes habían sido considerados por los pintores anteriores. El deseo de reflejar estas realidades exige el compromiso del artista, surgiendo de sus obras verdaderos manifiestos de crítica social.

• La variedad.Es complicado resumir la técnica, el estilo, la estética realista ya que es una corriente artística más definida por sus temas que por sus características formales.

El entierro de Ornans de Courbet (1849).

Esta obra causó un gran revuelo por su estética, crudamente realista, pero sobre todo por su simbología, inteligible para el público burgués. Ante las acusaciones, Courbet esgrimía que él lo único que había hecho era pintar lo que veía, premisa por otra parte puramente realista (Museo del Louvre, París). Algunos historiadores han hablado de esta obra como «manifestación visual del manifiesto comunista» y «entierro de la burguesía». Esto es ejemplo del compromiso que adquieren los pintores realistas con su época

“El ángelus” Jean-François Millet

(1857-1859).

Un tema cotidiano de la Francia del momento tomado directamente de la realidad: la pausa en la labor en diversos momentos del día para rezar la oración del ángelus. Millet además nos la presenta con una visión trascendente que no solo dignifica el trabajo del campo sino que casi lo sacraliza (Museo del Louvre, París).

La lavandera de Daumier

(1860-1863).

Representa en tono de denuncia la situación de las clases populares de la ciudad. Su estilo está alejado de la representación objetiva y minuciosa de la realidad utilizando el abocetamiento y la mancha de color que serán características del arte contemporáneo (Museo de Orsay, París)

184

Adolf von Menzel, “Im Biergarten”, Alemania, 1883.

Dos hombres protagonizan una escena entre una multitud de personas en un Biergarten, un lugar donde la sociedad de moda alemana se reunía para relajarse mientras bebían cerveza y fumaban tabaco bajo la sombra de los árboles en días de verano.

Constantin Meunier, “The Harvest (Monument to Labour)”, 1890-93. Brussels, Royal Museums of Fine Arts of Belgium, inv.

Gustave Courbet, “La Femme au perroquet” 1866 Es verdad que en arte era habitual el desnudo femenino, pero sólo estaba bien visto en las Venus, o en todo caso en odaliscas. El desnudo era permitido en motivos mitológicos o históricos. Cuando alguien pintaba un desnudo tan gratuíto como este de Courbet, era considerado directamente pornografía. La puritana sociedad parisina (por fuera) lo consideró la pintura “falta de gusto”.

Los prerrafaelistas

48 1848 En 1848 un grupo de jóvenes pintores se reúnen para renovar el panorama artístico inglés. Creyeron necesario para ello dar la espalda al academicismo y los géneros tradicionales (retrato y paisaje), y afrontar los temas de contenido social. Los presupuestos de la Hermandad Prerrafaelista serán:

• La reacción contra el arte oficial • Tomar como modelo a artistas italianos anteriores a Rafael (de ahí el nombre del grupo) • Reaccionar contra la sociedad industrial soñando con una vuelta a la vida medieval.

• Buscar seriamente la excelencia técnica en la pintura.

Representantes James Collinson, Ford Madox Brown, William Holman Hunt, John Everett Millais y Dante Gabriel Rossetti. A estos se sumaron algunos seguidores, de los cuales uno de loa más destacados fue John William Waterhouse.

John Everett Millais “Ophelia” 1851 «Ofelia» es un ejemplo del buen hacer de este artista. Personaje trágico del «Hamlet» de Shakespeare, la chica se ahogó en un río y eso es precisamente lo que muestra Millais, pero amplificando la belleza y el romanticismo del momento.

Ofelia descansa entre plantas y flores, espectacularmente plasmadas. La descripción detallada de la flora en el río y en la orilla, son de una minuciosidad tal que despertó la admiración de varios naturalistas victorianos, que aplaudieron la representación milimétrica de un ecosistema.

Millais era un fenómeno en eso de mostrar la naturaleza.

Dante Gabriel Rossetti “Beata Beatrix” Reino Unido, 1870 Beata Beatrix, figura relacionada con el tema de la muerte expiatoria de la mujer prerrafaelita, un prototipo de belleza basada en la enfermedad. Rossetti con su perpetuo interés en Dante Alighieri (1265– 1321) se inspira en la historia de amor de Beatrice Portinari en su obra Vita Nuova, haciendo una identificación de Rossetti con Dante y de la modelo Lizzie con Beatrice que representará en su obra Beata Beatrix modelada por la mismísima Lizzie Siddal.

John William Waterhouse “Hylas and the Nymphs” 1896 En esta obra de su fase pre-rrafaelita, el artista consigue la unión perfecta entre el espíritu romántico que aún coleaba en la Inglaterra victoriana y el simbolismo que ya había infectado toda Europa. Waterhouse y su grupo de colegas de generación realizaron excelentes obras con esta fusión.

1874

Impresionismo

Influencias

• La captación de luz, asunto central para esta corriente, tiene ya precedentes reconocidos por los

1874-1886 mismos impresionistas en la pintura veneciana del siglo XVI y de Velázquez.

Los impresionistas fueron • Los paisajistas ingleses como Constable y Turner recogen instantes lumínicos, disgregación protagonistas de una de imágenes y vivencia personal de la naturaleza, cuestiones que están presentes en el ideario autentica revolución de impresionista. forma y contenido, a raíz de • El realismo les influirá en cuanto a la observación del momento concreto y la representación de la cual nacieron numerosas la naturaleza tal cual es. A este respecto el impresionismo tiene un claro precedente en la escuela corrientes del arte moderno. de Barbizon y, por supuesto, en Corot quien personalmente influye a Pisarro y a Monet a los que

recomendó: «La naturaleza es el mejor de los consejeros».

• El costumbrismo es un rasgo de Manet, gran precursor del impresionismo, quien a su vez en sus obras muestra una deuda reconocida estética y técnicamente con Goya.

• La estampa japonesa (ukiyo-e) atraerá la atención de los artistas parisinos desde 1860, en cuanto a Concepto básico Los artistas han de salir de los contornos vigorosos, las composiciones oblicuas, las formas esquemáticas y la síntesis del color.

• La fotografía, igual que para los realistas, influirá en el impresionismo por su instantaneidad.

Lugares París

las academias y representar la vida contemporánea.

Revista 1877: L´Impressionniste.

Artistas relevantes Boudin, Bazille, Caillebotte, Cassatt, Cézanne, Degas, Manet, Monet, Morisor, Pissarro, Renoir, Sargent, Sisley y Whistler.

Características

• Los artistas del impresionismo conocerán las teorías y descubrimientos científicos acerca del color.

En especial los de Chevreul, quien elabora una teoría sobre el color basada en la presencia de colores primarios y colores complementarios y la combinación de estos.

• Este estilo tendrá como novedad la negación del claroscuro, al hilo de los descubrimientos antes mencionados por lo que las sombras de los objetos se representarán con colores, no con el negro —teoría de las sombras coloreadas.

• Será característica la pincelada suelta para plasmar las vibraciones de la atmósfera. La técnica impresionista se basará en pinceladas cortas y yuxtapuestas de diferentes colores.

• La luz es el auténtico motivo de las obras impresionistas. Se trata de representar el motivo tal y como lo percibe el ojo a través de la luz y antes de que el cerebro recomponga la imagen, de ahí que a esta

pintura se le dé la atribución de «pintura para el ojo». Llegan a concluir que el color no existe, solo la luz filtrada a través del aire con los objetos sobre los que se refleja es real.

• La pintura al aire libre, ya practicada en la escuela de Barbizon, también será una de sus señas de identidad, propiciada por la posibilidad de llevar la pintura en tubos, fabricada industrialmente al igual que los lienzos y pinceles que así son más fácilmente transportables gracias a los avances de la Revolución industrial. Reproducirán las diferentes fases del día y sobre todo las diferentes luces que se producen sobre un mismo paisaje u objeto.

• Los pintores impresionistas también estarán comprometidos con su tiempo y con la contemporaneidad, aunque de manera diferente a como lo estaban los románticos o los realistas.

Su visión del mundo en el que viven es optimista, los aspectos que retratan de la sociedad o de la ciudad son gratos, amables, incluso alegres.

Pese a esto el carácter impresionista no es sentimental. Es complicado encontrar un reflejo de subjetividad en las obras; sus ideales estéticos buscan mucho más la objetividad, la investigación visual y pictórica que el reflejo del alma del artista en el lienzo.

La Olimpia de Manet (1865).

Supone un nuevo escándalo, al presentar un tema mitológico como una simple escena de burdel. A esto contribuye la mirada de la mujer desnuda directamente al espectador de manera totalmente impúdica. Llama la atención el espectacular contraste entre la piel nacarada de la protagonista, el vestido y las flores de un blanco inmaculado de la sirvienta con el fondo y con la tez de la criada (Museo de Orsay, París).

Nieve en Loveciennes de Sisley (1877).

Sisley estará interesado en la incidencia y efectos de la luz sobre la nieve y el agua y en la bruma y la niebla (Museo de Orsay, París)

El estanque de las ninfeas y el puente japonés de Monet (1900).

Las ninfeas suponen la recopilación de toda la investigación acerca de la luz y el color por parte de su autor. Eso hace a Monet colocarse en el umbral de la abstracción, línea que no llega a cruzar (Museum of Fine Arts, Boston)

Le Moulin de la Galette de Renoir (1876).

El autor nos muestra el mundo más lúdico y desenfadado del París de su época. Aprovecha el tema para estudiar la incidencia de la luz sobre los personajes, filtrada por los árboles colocados para proporcionar sombra al lugar (Museo de Orsay, París). Renoir es uno de los artistas que mejor encarna las características generales del impresionismo. Estas además se pueden apreciar en una de sus obras más conocidas que es la que se te presenta. Una de las características fundamentales es el estudio de la luz y su forma de incidir en los diversos objetos.

Los ciudadanos de Calais de Rodin (1884-1886).

En ella vemos el tratamiento de las diferentes texturas, con lo que Rodin consigue la expresión de sentimientos. También aparece la preocupación por la incidencia de la luz en el material, los juegos de luces y sombras más típicamente impresionistas, así como la captación del momento concreto, fugaz (Museo Rodin, París).

El pensador de Rodin (1890).

La escultura estaba diseñada en una escala menor para coronar las llamadas Puertas del Infierno, encargadas a Rodin para un edificio que no se llegó a realizar. El pensador representaba a Dante, en un pasaje de su Divina comedia, asistiendo a la entrada de los condenados al infierno (Museo Rodin, París).

La pequeña bailarina de catorce años de Degas (1880-1881).

La única escultura que expuso su autor pero que es un compendio de sus intenciones artísticas en la búsqueda de la inmediatez, del movimiento concreto y fugaz (Museo de Orsay, París)

1800

Arts and Crafts 1882-1912 Los representantes de este movimiento polemizaron sobre la producción industrial sn serie y se propusieron mantener alto el nivel cualitativo de las artes aplicada.

Características

• El rechazo de la separación entre arte y artesanía; el diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.

• El rechazo de los métodos industriales de trabajo que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentando sus tareas.

• Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en arquitectura como en las artes aplicadas.

• Proponen la arquitectura como centro de todas las actividades del diseño.

• Proponen la agrupación de artesanos en talleres y guildas, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.

• Creen en el trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio, tanto para el cliente, como para el artista.

Concepto básico Renovación cualitativa de las artes aplicadas.

Lugar Gran Bretaña Artistas relevantes William Morris, Arthur Heygate Mackmurdo, Walter Crane y Charles Robert Ashbee.

Vínculos Puristas y prerrafaelitas.

Cubierta de un libro infantil por Walter Crane

Silla de Arthur Heygate Mackmurdo.

William Morris, armario tipo cabinet por Morris & Co, 1861.

Diseño de C. R. Ashbee.

Postimpresionismo 1880

1886-1900 Tras la revolución de los impresionistas, el arte europeo inició una transformación radical en el estilo y los contenidos que culmino con las vanguardias del siglo XX.

Características

• Pinceladas cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que se desarrollan en la época.

• Los colores puros evocan la radicalidad que se vive en la sociedad.

• La naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, si no que se observa como un conjunto.

• El movimiento de las imágenes junto con la textura, reflejan el dinamismo cultural que se acelera gracias a los nuevos medios de transporte y la importación de objetos exóticos, especialmente de oriente. Por ello una de las ramas destacadas del postimpresionismo es el “japonismo”.

Concepto básico Si la fotografía imita la realidad mejor que la pintura, esta debe hallar una nieva identidad.

Artistas relevantes Paul Cézanne, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Henri de Toulousse-Lautrec, Giovanni Boldini, Alphonse Mucha, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh.

Vínculos Simbolismo, puntillismo y los nabis.

Vincent Van Gogh “Nuit étoilée sur le Rhône” (Noche estrellada sobre el Ródano) Países Bajos, 1888.

Si bien esta obra se destaca por sus pinceladas energéticas y expresivas, para Van Gogh, lo más importante era el color. Van Gogh fue un especialista en capturar la belleza de la naturaleza, lo fascinante en un paisaje terrenal. Esta vez, contrastando dos de sus colores favoritos: azul y amarillo.

Paul Cézanne “Pirámide de calaveras” Francia, 1901.

Edvard Munch “Separacíon” Noruega, 1896.

Las figuras que parecen fundirse con su entorno, con esas expresiones desgarradoras. El paisaje no necesita ser detallado: son figuras apenas que dan a entender un árbol, un río, una escena. Está la tristeza, está la angustia, pero también está ese fluir efusivo del personaje femenino que se va. Munch juega con la dicotomía marcada entre la vida y la muerte

Paul Gauguin “Bodegón con tres cachorros” Francia, 1888.

Gauguin evita los efectos ilusorios. Lo que quiere es que todo en conjunto sea un ornamento. No quiere pintar la realidad. Quiere pintar la pintura, de ahí esa extraña firmeza y monumentalidad y la insólita composición. La realidad no tiene esos colores ni esas siluetas negras alrededor de los objetos (cloisonismo).

Suzanne Valadon “La echadora de cartas” Francia, 1912 “Echadora de cartas”, en la que se nos muestra uno de sus típicos desnudos voluptuosos, una obra con una rica composición y esa narrativa de un misterio que podríamos definir como femenino.

1890

Neoimpresionismo

• Utilización de la técnica del puntillismo, pintando los cuadros con pequeñas

1880-1900 pinceladas o puntos de colores puros para poder lograr la mezcla óptica.

Es una palabra creada por el crítico de • Como en el impresionismo, había preferencia manifiesta por temas como puertos, arte francés Félix Fénéon en 1887 para muelles, orillas de afluentes y escenas de circo. caracterizar el movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac, Artistas relevantes Georges Seurat Paul Signac Henri Edmond Cross Camile y Lucien Pissaro.

Características

• Preocupación por el volumen.

• Formas bien definidas y concebidas dentro de una geometría de masas puras, sin perfiles.

• Preocupación por la claridad y el orden.

• Aplica los principios clásicos de la composición, con el retorno a la ordenación meditada del cuadro.

• Aplicación firme del principio de la mezcla óptica, desconociendo los colores básicos Georges Seurat “Domingo en la Grande Jatte” Francia, 1886 Se llama puntillismo (o neo-impresionismo) y lo inventó Seurat en el sigo XIX. Consistía en aplicar puros, además de la división de los tonos. el color sobre el lienzo mediante diminutas pinceladas de colores puros, las cuales es el espectador el encargado de mezclar en su retina. Si por ejemplo ponemos un puntito azul y otro amarillo, nuestro ojo lo convertirá en verde…

Henri Edmond Cross “Color and light”

Paul Signac “La entrada al puerto de La Rochelle” Francia, 1921 Su estilo nos de la sensación de que el cuadro está construido por miles de piedras preciosas.

El efecto del agua que tiembla levemente a medida que los barcos arriban al puerto, las banderas francesas flameando por el viento y las nubes que intercambian profundidad y degradación, nos ofrecen una imagen vívida con la máxima precisión de detalle y suaves transiciones de los gradientes de color, con una saturación que en su momento fue muy novedosa.

La luminosidad de esta obra y la intuición que representa se ve a su vez combinado con la técnica casi científica que aplica el puntillismo.

Georges Seurat “Circo” Francia, 1891 Seurat que aplicó su revolucionaria teoría divisionista, que se basa en los efectos psicológicos de la línea y el color, resultado de la mezcla óptica de los colores en nuestro ojo y nuestro cerebro.

La combinación de colores es la clave.

Seuratutiliza básicamente los tres colores primarios Con todo esto, el artista consigue dos espacios yuxtapuestos: el escenario y los artistas, de líneas curvas, arabescos estilizados y dinámicas espirales; y las gradas, de líneas rígidas, ortogonales, inmóviles.

Art Nouveau 1890 1890–1905 La intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno. Una vez más, y como todos los movimientos, una ruptura con lo anterior, teniendo presente una idea clara: «el futuro ya ha comenzado» Representantes Jacek Malczewski, Polonia 1854-1929 Gustav Klimt, Austria 1862-1918 Edward Okun, Polonia 1872-1945 Thèophile Alexandre Steinlen, Francia 1859-1923 Santiago Rusiñol, España 1861-1931 Alfons Mucha 1860–1939

flora y fauna.

• La ornamentación es otra característica clave de este movimiento, en el art nouveau, su ornamentación esta siempre viva, inquieta y equilibra • La aparición de la figura femenina fue una de las características estéticas más importantes durante este movimiento.

• El uso de colores como el amarillo, azul, rojo oscuro y blanco caracterizaron el movimiento modernista.

Características

• Este movimiento buscaba ignorar la distinción entre las artes mayores y menores, para muchos artistas del art nouveau, buscaban hacer énfasis en la unión entre la belleza y la utilidad.

• Buscaba que el arte fuera social y que unificara a la gente.

• Tenía una fuerte inspiración en la naturaleza como una fuente de diseño, especialmente la

Gustav Klimt “Medicina” Austria, 1901 Vestida con una túnica decorada al estilo Klimt, la diosa tiene una larga serpiente enroscada en su brazo derecho que bebe de su copa. Nos mira solemne y nos da cierta seguridad: da la sensación de que ella puede triunfar, vencer cualquier enfermedad, aunque aparece dándole la espalda a la humanidad, que se retuerce de dolor en un amasijo de muerte y vida.

Théophile Alexandre Steinlen “El gato negro”(Tournée du Chat Noir de Rodolphe Salis ) Francia, 1896 Eran tiempos de bonanza industrial, y de vender cosas al público, por lo que también fueron los inicios de la publicidad, con la proliferación de imágenes atractivas para conseguir que la gente deseara un producto. Más aún si eran las formas estilizadas del Art Nouveau.

Alfons Mucha “Otoño” República Checa, 1896 La influencia de Mucha en la decoración, publicidad, ilustración y diseño posteriores es más que evidente. Fue de los primeros artistas en abrazar las «artes decorativas» y situarlas a la misma altura que las Bellas Artes

Edward Okun “Las cuatro cuerdas del violín” Polonia, 1914 El artista polaco Edward Okun produjo una obra tan estética como simbólica. Fue uno de los principales representantes del art nouveau en su país y una buena parte de su producción pictórica está dedicada de una u otra manera a la música.

Aquí vemos una especie de funeral en el que reposa, rodeado de crisantemos, un violín. Velando su muerte, cuatro mujeres desfilan en procesión para despedirse del instrumento musical. Es una escena extraña, casi onírica.del violín.