Sztuka Współczesna. Nowe pokolenie po 1989, 22 marca 2018

SZTUKA WSPÓŁCZESNA NOWE POKOLENIE PO 1989 AUKCJA 22 MARCA 2018 WARSZAWA

SZTUKA WSPÓŁCZESNA NOWE POKOLENIE PO 1989

22 MARCA 2018 (CZWARTEK) GODZ. 19 WYSTAWA OBIEKTÓW 12 – 22 MARCA 2018 PONIEDZIAŁEK – PIĄTEK W GODZINACH OD 11 DO 19 SOBOTA W GODZINACH OD 11 DO 16

MIEJSCE AUKCJI I WYSTAWY DOM AUKCYJNY DESA UNICUM PIĘKNA 1A WARSZAWA

KOORDYNATORZY AUKCJI ARTUR DUMANOWSKI Redakcja katalogu, a.dumanowski@desa.pl, 22 163 66 42, 795 122 725 MICHAŁ BARCIK Koordynator sprzedaży, m.barcik@desa.pl, 22 163 67 09, 506 252 031

INDEKS Althamer Paweł 29 Bałka Mirosław 51-52

Łukasiak Alicja 61 Markul Angelika 11

Bańda Basia 42 Matecki Przemysław 13 Baran Tomasz 6 Bartoszek Zuzanna 43

Materka Bartek 10

Bąkowski Wojtek 14

Mioduszewski Jan 41

Bogacka Agata 5

Okrasko Anna 37

Borkała Dobrawa 53

Ołowska Paulina 47

Borowski Tymek 23-24 Otocki Bartek 60 Bracia 19 Buczkowska Dorota 12

Panek Anna 32

Bujnowski Rafał 15-16

Pawlik Joanna 62

Chaberek Aleksandra 33

Rogalski Zbigniew 3-4

Curyło Julia 34

Sasnal Wilhelm 7

Czajkowski Sławek / Zbiok 56 Czaplicki Krystian / Truth 55

Sawicka Jadwiga 48

Dawicki Oskar 46

Szczypiński Mateusz 27-28

Drozd Grzegorz 20

Szlaga Radek 9

Frydrych Michał 35

Szprynger Anna 40

Jaklewicz Karolina 58 Szwed Monika 54 Jarodzki Paweł 21 Knut Tycjan 59

Toman Sławomir 36

Kocięba Bartosz / Arobal 44

Twożywo 49

Kosiec Małgorzata 38-39

Uklański Piotr 8

Kowalik Marcin 63

Wręga Michał / Sepe 57

Kowalski Tomasz 30 Zamojski Honza 17-18 Kukla Kamil 22 Leto Norman 1-2 Libera Zbigniew 50

Zasadni Wojciech 45 Ziółkowski Jakub Julian 31

DOM AUKCYJNY I GALERIA

PUNKT WYDAŃ OBIEKTÓW

ZLECENIA LICYTACJI

Piękna 1A, 00-477 Warszawa tel. 22 163 66 00, biuro@desa.pl

tel. 22 163 66 20, wydania@desa.pl

zlecenia@desa.pl tel. 22 163 67 00

pon.-pt. 11-19, sob. 11-16

pon.-pt. 11-19, sob. 11-16 PRENUMERATA KATALOGÓW BIURO PRZYJĘĆ OBIEKTÓW

BIURO OBSŁUGI KLIENTA

tel. 22 163 66 10, wyceny@desa.pl

tel. 22 163 66 00, bok@desa.pl

pon.-pt. 11-19, sob. 11-16

pon.-pt. 11-19, sob. 11-16

tel. 22 163 67 00, prenumerata@desa.pl

GALERIA BIŻUTERII Nowy Świat 48, 00-363 Warszawa tel. 22 826 44 66, bizuteria@desa.pl pon.-pt. 11-19, sob. 11-16 wyceny biżuterii: śr. 15-19, czw. 11-15

KONTA BANKOWE Bank Pekao S.A., SWIFT PKOP PL PW PLN: 27 1240 6292 1111 0010 6772 6449

EURO: 58 1240 6292 1978 0010 6772 6191

USD: 78 1240 6292 1787 0010 6772 6263

OKŁADKA FRONT poz. 5 Agata Bogacka, On the grass, 2001 r. • II OKŁADKA – 1 STRONA poz. 8 Piotr Uklański, Bez tytułu (Blood Doped / Krew Szprycowana), 2012 r.

STRONA 2 poz. 41 Jan Mioduszewski, Bukiet Josefa Gočára, 2017 r. • STRONA 3-4 poz. 7 Wilhelm Sasnal, Bez tytułu, 2001 r.

STRONA 180 – III OKŁADKA poz. 3 Zbigniew Rogalski, Bandaż (2), 2002 r. • IV OKŁADKA poz. 20 Grzegorz Drozd, Podmiot domyślny, 2010 r.

Sztuka Współczesna. Nowe pokolenie po 1989. Aukcja 22 marca 2018 r. • ISBN 978-83-66038-04-2 • Kod aukcji 528ANS011 Nakład 2 500 egzemplarzy • Koncepcja graficzna Monika Wojnarowska • Opracowanie graficzne Krzysztof Załęski • Zdjęcia Marcin Koniak Druk ArtDruk Zakład Poligraficzny, www.artdruk.com

JULIUSZ WINDORBSKI Prezes Zarządu tel. 22 163 66 65 j.windorbski@desa.pl

JAN KOSZUTSKI Wiceprezes tel. 22 163 66 36 j.koszutski@desa.pl

SEKRETARIAT ZARZĄDU tel. 22 163 66 65 biuro@desa.pl

KSIĘGOWOŚĆ Małgorzata Kulma, Główna Księgowa tel. 22 163 66 80, m.kulma@desa.pl Marlena Ulejczyk, Zastępca Głównej Księgowej tel. 22 163 66 81, m.ulejczyk@desa.pl

DEPARTAMENT MARKETINGU I INNOWACJI

DZIAŁ LOGISTYCZNO-ADMINISTRACYJNY

Agata Scheffner, Dyrektor Marketingu tel. 514 446 830, a.scheffner@desa.pl

Kacper Tomaszkiewicz, Kierownik ds. logistyki tel. 795 122 708, k.tomaszkiewicz@desa.pl

Marta Wiśniewska, Koordynator ds. Marketingu tel. 795 122 709, m.wisniewska@desa.pl

DZIAŁ HR Joanna Antosik, Specjalista ds. kadr i płac tel. 22 163 66 90, j.antosik@desa.pl DZIAŁ IT

PUBLIC RELATIONS Business & Culture Joanna Andruszko tel. 793 919 167, pr@desa.pl

Piotr Gołębiowski, Koordynator Projektów IT tel. 502 994 225, p.golebiowski@desa.pl

Desa Unicum SA ul. Piękna 1A, 00-477 Warszawa, tel. 22 163 66 00, e-mail: biuro@desa.pl, NIP: 527 26 44 731 REGON: 142733824 Spółka zarejestrowana w Sądzie Rejonowym dla m.st.Warszawy XIII Wydział Gospodarczy KRS 0000718495

DEPARTAMENT PROJEKTÓW AUKCYJNYCH

IZA RUSINIAK Dyrektor Departamentu i.rusiniak@desa.pl 22 163 66 40, 664 981 463

BARBARA RYBNIKOW Starszy Specjalista Sztuka Współczesna b.rybnikow@desa.pl 22 163 66 45, 664 150 862

ANNA SZYNKARCZUK Specjalista Sztuka Współczesna a.szynkarczuk@desa.pl 22 163 66 41, 664 150 866

ARTUR DUMANOWSKI Starszy Specjalista Sztuka Młoda i Najnowsza a.dumanowski@desa.pl 22 163 66 42, 795 122 725

KATARZYNA ŻEBROWSKA Starszy Specjalista Fotografia Kolekcjonerska k.zebrowska@desa.pl 22 163 66 49, 539 546 701

MAREK WASILEWICZ Specjalista Sztuka Dawna m.wasilewicz@desa.pl 22 163 66 47, 795 122 702

MAŁGORZATA SKWAREK Starszy Specjalista Sztuka Dawna m.skwarek@desa.pl 22 163 66 50

KAROLINA ŁUŹNIAK-MARCHLEWSKA Starszy Specjalista Sztuka Użytkowa i Komiks k.luzniak@desa.pl 22 163 66 48, 664 981 453

MAGDALENA KUŚ Starszy Specjalista Sztuka Użytkowa m.kus@desa.pl 22 163 66 44, 795 122 718

TOMASZ DZIEWICKI Specjalista Sztuka Dawna t.dziewicki@desa.pl 22 163 66 46

AGATA MATUSIELAŃSKA Asystent Sztuka Współczesna a.matusielanska@desa.pl 22 163 66 50, 539 546 699

ANETA DMOCHOWSKA Asystent a.dmochowska@desa.pl 22 163 66 13, 532 759 980

STEFANIA AMBROZIAK Asystent s.ambroziak@desa.pl 22 163 66 12, 539 196 531

DEPARTAMENT POZYSKIWANIA OBIEKTÓW

JOANNA TARNAWSKA Dyrektor Departamentu j.tarnawska@desa.pl 22 163 66 11, 698 666 189

KALINA JAROSZEK Specjalista k.jaroszek@desa.pl 22 163 66 14, 698 668 221

ELŻBIETA KOPEĆ Specjalista e.kopec@desa.pl 22 163 66 15

STUDIO FOTOGRAFICZNE

MARCIN KONIAK Fotograf m.koniak@desa.pl 22 163 66 74, 664 981 456

ALEKSANDRA BRZOZOWSKA Fotoedytor a.brzozowska@desa.pl 22 163 66 75, 795 122 717

DEPARTAMENT SPRZEDAŻY

AGATA SZKUP Dyrektor Departamentu a.szkup@desa.pl 22 163 67 01, 692 138 853

ALEKSANDRA ŁUKASZEWSKA Kierownik Galerii a.lukaszewska@desa.pl 22 163 67 05, 664 981 465

MICHAŁ BOLKA Doradca Klienta m.bolka@desa.pl 22 163 67 03, 664 981 449

ADRIANA ZAWADZKA Doradca Klienta a.zawadzka@desa.pl 22 163 67 02, 795 122 721

JAN GROCHOLA Doradca Klienta j.grochola@desa.pl 22 163 67 08, 795 121 574

MARTYNA LISTKOWSKA Doradca Klienta m.listkowska@desa.pl 22 163 67 11, 506 251 833

MICHAŁ BARCIK Doradca Klienta m.barcik@desa.pl 22 163 67 09, 506 252 031

PAULINA WOJDAT Doradca Klienta p.wojdat@desa.pl 22 163 67 10, 664 981 450

IGOR BLOCH Doradca Klienta i.bloch@desa.pl 22 163 67 07, 664 150 861

BIURO OBSŁUGI KLIENTA

URSZULA PRZEPIÓRKA Kierownik Działu Rozliczeń u.przepiorka@desa.pl 22 163 66 01

MAGDALENA OŁTARZEWSKA Asystent ds. rozliczeń m.oltarzewska@desa.pl 22 163 66 04, 506 252 004

DZIAŁ ADMINISTROWANIA OBIEKTAMI

KAROLINA ŚLIWIŃSKA Kierownik Magazynu k.sliwinska@desa.pl 22 163 66 20, 795 121 575

PAWEŁ WOŁYNIAK Asystent ds. logistyki p.wolyniak@desa.pl 22 163 66 21, 506 251 934

MARTA KOŁAKOWSKA Asystent ds. rozliczeń m.kolakowska@desa.pl 22 163 66 03, 795 121 557

ROMAN KACZKOWSKI Doradca Klienta r.kaczkowski@desa.pl 22 163 67 13, 795 122 712

1

NORMAN LETO (ur. 1980) "Autoportret z Leną", 2010 r. akryl/wydruk kolorowy (plakat do filmu 'Sailor'), 46 x 83 cm (w świetle passe-partout) sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'AUTOPORTRET Z LENĄ | SAILOR ’10 | NL'

cena wywoławcza: 4 800 zł estymacja: 7 000 - 15 000

LITERATURA: - Norman Leto, Ludzie, którzy ciągle czegoś ode mnie chcą, katalog wystawy indywidualnej w Państwowej Galerii Sztuki, Sopot 2016, s. 116-117 (il.)

„Wizerunek artysty multimedialnego kładzie się cieniem na malarskiej twórczości Normana, ale jednocześnie gwarantuje artyście jako malarzowi wolność, o którą twórca stawiający wszystko na malarstwo musiałby ciężko walczyć. Świat sztuki właściwie nie oczekuje po takim artyście jak Norman Leto żadnych obrazów, malarz może więc zrobić, co zechce”.

STACH SZABŁOWSKI, GADZI MÓZG SZTUKI. [W:] NORMAN LETO, LUDZIE, KTÓRZY CIĄGLE CZEGOŚ ODE MNIE CHCĄ, KATALOG WYSTAWY, SOPOT 2016, s. 72

„Wiele płócien Leto budzi wreszcie proste skojarzenia z biografią artysty: to wizerunki ojca, portrety kobiet, autoportrety Normana… Dwa ostatnie tematy zwierają się – czemu towarzyszy po raz kolejny zacieranie granic między fikcją a 'prawdziwym życiem' – w prowokacyjnej pracy 'Autoportret z Leną', 'podkolorowanym' fragmencie plakatu do filmu 'Sailor', przedstawiającym Normana-artystę w roli fikcjonalnego Normanaprogramisty, na którego kolanach głowę opiera dziewczyna.

Dlaczego twórca pozwolił sobie na trywialny gest zamalowania?

Czyżby dla żartu? Być może z nudów – jest przecież w tym geście coś kompulsywnego, jak w czynnościach służących zabijaniu czasu, ale też tuszowaniu śladów czy wypieraniu wspomnień. Autorowi zdarza się, skądinąd, pokrywać farbą cudze płótna, zmieniając je nie do poznania.W takich przypadkach rolę podobrazia przyjmują przeważnie 'kicze', obrazy przeciętne, opatrzone, rodem z drobnomieszczańskich salonów. Przedstawionych tam bukietów czy pejzaży Leto najczęściej nie pokrywa jednak nowymi figurami – raczej zaciera kształty ciemną farbą, jak gdyby wiedziony płynącym 'od wewnątrz' impulsem (jedna z powstałych w ten sposób prac nosi tytuł 'Ojciec', przez co domaga się wręcz psychoanalitycznej interpretacji).Trudno uzgodnić relację tych obrazów do świata, który poznajemy za pośrednictwem innych dzieł”.

ARKADIUSZ PÓŁTORAK, LUDZIE, KTÓRZY CIĄGLE CZEGOŚ ODE MNIE CHCĄ.

MALARSTWO W CZASACH NIEPOKOJU, [w:] NORMAN LETO, LUDZIE, KTÓRZY CIĄGLE CZEGOŚ ODE MNIE CHCĄ, KATALOG WYSTAWY, SOPOT 2016, s. 30-31

2

NORMAN LETO (ur. 1980) "Plizga (Plisque)", 2010 r. olej/płótno, 160 x 110 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: '(PLISQUE) | PLIZGA | 2010 | NORMAN'

cena wywoławcza: 8 000 zł estymacja: 10 000 - 20 000

Leto określa swoją sztukę mianem „sztuki uprawianej w przestrzeni psychologicznej” i trudno nie zgodzić się z tym stwierdzeniem. Leto obrał kontrast – przeciwstawione zostały sobie: gładkość z chropowatością, biel z czernią. Artysta, posługując się wręcz dogmatycznymi dla ekspresjonizmu środkami, stworzył niezwykle frapujące dzieło.Widoczny dukt pędzla odpowiada za wewnętrzy dynamizm wykreowanych form. Środki te zmuszają odbiorcę do niezwykle intuicyjnego pojmowania tej sztuki, opartego na indywidualnych skojarzeniach i doświadczeniach.Taka strategia charakteryzuje samego artystę, który powiedział: „Nie interesuje mnie naśladowanie tak zwanej rzeczywistości, interesuje mnie stworzenie czegoś 'gdzieś indziej', nawet wirtualnie, ale wyhodowanego na emocjach – najlepszym w moim przypadku nawozie”.

Norman Leto to artysta wizualny, filmowiec i pisarz.Tworzy obrazy, fotografie, prace wideo, obiekty i instalacje zarówno w przestrzeni fizycznej, jak i w rzeczywistości wirtualnej. Pracuje na pograniczu fabularnej fikcji, filozofii oraz nauk ścisłych. Jego prace znajdują się m.in. w kolekcjach CSW Zamek Ujazdowski, Muzeum Narodowego w Krakowie, Galerii Arsenał w Białymstoku, Fundacji Sztuki Polskiej ING, Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie (MOCAK). Na wczesnym etapie twórczości współpracował m.in. ze Zdzisławem Beksińskim i Krystianem Lupą. Debiutował w 2007 roku w CSW Zamek Ujazdowski.

Laureat Paszportów Polityki 2017 w kategorii Sztuki wizualne za pełnometrażowy film „Photon”.

3

ZBIGNIEW ROGALSKI (ur. 1974) Bandaż (2), 2002 r. olej/płótno, 81 x 92 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'Z. ROGALSKI 2002'

cena wywoławcza: 12 000 zł estymacja: 15 000 - 30 000

WYSTAWIANY: - Gut und Billing. Aktuelle polnische Malerei, Frankfurt nad Odrą, Niemcy, 18.05-13.08.2006 LITERATURA: - Gut und Billing. Aktuelle polnische Malerei, katalog wystawy, Frankfurt nad Odrą, 2006, s. 92 „Rogalski maluje w sposób tradycyjny, farbami olejnymi na płótnie.

Za to nowocześnie posługuje się estetyką fotografii, wykadrowanych ujęć lub nakłada przenikające się warstwy jak w filmowym montażu. Robi to z wyczuciem, pozostawiając miejsce na tajemnicę, niedopowiedzenie.

Jego prace są potwierdzeniem, że malarstwo figuratywne, o którego śmierci jeszcze niedawno krążyły całkiem donośnie pogłoski, dobrze przyswoiło sobie doświadczenia konceptualizmu i lekcję nowych mediów (…). Malarstwo Rogalskiego jest wręcz ostentacyjnie nasycone obecnością samego artysty, jego lękami, doświadczeniami, fascynacjami.Tak jakby on sam był filtrem, przez który przeszłość i teraźniejszość docierają na płótno (…). Rogalski lubi malować seriami, jakby jedno podejście nie wyczerpywało tematu, tylko wręcz odwrotnie – ujawniało, jak wiele jeszcze się w nim zawiera”.

EWA GORZĄDEK, ROGALSKI W WIELKIM ŚWIECIE, „DZIENNIK”, 18.11.2006, s. 92

Studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu (1994-99). Dyplom uzyskał w pracowni malarstwa prof. Jerzego Kałuckiego. Rogalski uprawia malarstwo figuratywne, chociaż posługuje się też fotografią i wideo. Maluje bardzo nowocześnie – budując swój obraz rzeczywistości, posługuje się chętnie estetyką fotografii, wykadrowanych ujęć lub nakłada przenikające się warstwy jak w montażu filmowym. Robi to z absolutnym wyczuciem, pozostawiając miejsce na kontemplację, wizję i tajemnicę. Jego technika jest tradycyjna – maluje farbami olejnymi na płótnie. Spektakularnie rozwijająca się kariera artystyczna Rogalskiego dobitnie pokazuje, że jeżeli artyście nie zabraknie wytrwałości i wiary w sens własnej twórczości, to prawdziwy talent zostanie zauważony i doceniony. Rogalski jest dziś jest jednym z najbardziej „gorących” i rozpoznawalnych nazwisk nowej, polskiej sztuki.

Jego obrazy sprzedają się na prestiżowych targach sztuki w Miami na Florydzie, w Paryżu,Wiedniu i Bazylei, a stamtąd trafiają do europejskich i amerykańskich kolekcji.

4

ZBIGNIEW ROGALSKI (ur. 1974) "Konstelacje (Mały Wóz)", 2006 r. olej/płótno, 55 x 55 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'ROGALSKI 2006'

cena wywoławcza: 14 000 zł estymacja: 18 000 - 30 000

WYSTAWIANY: - Zbigniew Rogalski, Letter, Sprüth Magers Projekte, Monachium, Niemcy, 9.11-22.12.2006

„Sztuka nowych mediów żyje tak krótko jak codzienna gazeta. Jest tworzona pod konkretną sytuację i po pewnym czasie traci swój sens. A dobre malarstwo jest nieśmiertelne i zawsze aktualne”. ZBIGNIEW ROGALSKI

5

AGATA BOGACKA (ur. 1976) On the Grass, 2001 r. akryl/płótno, 114 x 130 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'AGATA | 2001'

cena wywoławcza: 18 000 zł estymacja: 25 000 - 50 000

POCHODZENIE: - Galeria Karowa,Warszawa - kolekcja prywatna, Polska LITERATURA: - Karol Zapart, Agata Bogacka, „Positiff. Nie tylko dla studentów”,Warszawa, Nr 1/2003, s. 94 (il.)

WYSTAWIANY: - DYPLOM, wystawa podyplomowa, Akademia Sztuk Pięknych,Warszawa, 2001

„Opowiadam o relacjach międzyludzkich. Aby w najprostszy sposób przedstawić to, co chce przekazać, eliminuję z otoczenia postaci wszystkie zbędne elementy”.

AGATA BOGACKA [w:] SPISUJĘ SWOJE ŻYCIE, „ŻYCIE WARSZAWY”, WARSZAWA, NR 21, 26.01.2004

Prezentowana praca namalowała została jeszcze na studiach jako część pracy dyplomowej. „Na pracę dyplomową Agaty Bogackiej składała się seria obrazów będących wariacjami na temat dzieł znanych z historii sztuki, takich jak 'Śmierć Marata' Davida, 'Śniadanie na trawie' i 'Olimpia' Maneta. Ich bohaterowie to na płótnach Bogackiej współcześni rówieśnicy artystki: używają telefonów komórkowych. Obrazy dyplomowe Bogackiej charakteryzowały się już wyrazistą i oryginalną stylistyką, którą artystka posługuje się do dzisiaj. Maluje akrylem na płótnie, płasko kładzione plamy koloru wydobywa z jednolitego zazwyczaj tła mocnym, graficznym konturem. Jej malarstwo jest syntetyczne, plakatowe, artystka używa ograniczonej gamy barw, wśród których dominują szarości.

Wystylizowana forma służy do konstruowania inteligentnych narracji, których sensu i odniesienia należy szukać w biografii artystki. Kompozycja obrazów jest dokładnie przemyślana, pozbawiona wszelkich zbędnych detali. Bogacka przed rozpoczęciem pracy nad obrazem wykonuje sesje fotograficzne z modelami. Z reguły są nimi osoby jej bliskie, znajomi, przyjaciele, ludzie, z którymi łączyły ją lub nadal łączą różnego typu związki emocjonalne”(Ze wstępu do wystawy indywidualnej Artystki „Spacer” w galerii Platan, Budapeszt, 2009).

Agata Bogacka wypracowała bezpretensjonalny język artystyczny, na który składają się płaskie plamy barwne i skrupulatnie oddane wyraźne kontury. Minimalizm wykorzystanych środków wraz z fragmentarycznością ukazywanych scen zadecydował o nowoczesnym charakterze jej sztuki. Na próżno szukać w jej dorobku rozbudowanych scen narracyjnych o skomplikowanej symbolice – Bogacka ukazuje ludzi wyrwanych z codziennych, często intymnych sytuacji. Przedstawieni na neutralnym tle przeistaczają się w znaki współczesnej rzeczywistości.

Artystka stworzyła również liczne autoportrety, w których dążyła do przełożenia na medium malarskie odczucia bliskości lub samotności, jakie jej w danej chwili towarzyszyły, dzięki czemu jej sztuka tchnie autentyzmem.

Na początku lat 2000 Bogacka zasłynęła serią autobiograficznych obrazów w bardzo bezpośredni sposób mówiących o jej intymnym życiu. Szybko jej twórczość stała się niejako głosem całego pokolenia kobiet niewahających się w otwarty sposób dyskutować o swoim miejscu w społeczeństwie. Obok tematyki znakiem rozpoznawczym sztuki Bogackiej był charakterystyczny styl malowania: mocny, graficzny kontur, ograniczona paleta, płaskie plamy koloru. Jej prace można było oglądać m.in. w Zachęcie Narodowej Galerii Sztuki w Warszawie, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie, Galerii Raster w Warszawie czy w Galerii Arsenał w Białymstoku.

Agata Bogacka, 2011 Š Wikimedia Commons

6

TOMASZ BARAN (ur. 1985) "#86462c", 2016 r. emalia/płótno, 160 x 140 cm sygnowany na odwrociu

cena wywoławcza: 17 000 zł estymacja: 20 000 - 40 000

WYSTAWIANY: - Tomasz Baran, Heavy Metal, Galeria BWA Olsztyn, 16.06-24.07.2016

Tomasz Baran jest jednym z najciekawszych formalistów młodego pokolenia. Maluje głównie na płótnie, wykorzystując różne rodzaje materiałów (m.in. emalię), a także modyfikując powierzchnię obrazu za pomocą środków mechanicznych.W efekcie powstają niejednorodne, zróżnicowane pod względem powierzchni, niezwykle piękne w swej prostocie i monumentalizmie kompozycje, które w nowatorski sposób podejmują kwestie obrazowania. Jak pisze Natalia Cieślak: „Obrazy Barana łączą w sobie dwie podstawowe cechy. Po pierwsze struktura większości z nich imituje powierzchnię metalu, a emalia, której użył artysta, odbija światło w sposób podobny do samochodowej karoserii” (Natalia Cieślak, Heavy metal, magazyn o.pl, 21.07.2017). Obrazy Tomasza Barana proponują nowatorskie podejście do relacji artysta – odbiorca, skupiając się na takich kategoriach jak płaszczyzna

obrazu, przestrzeń czy materialność dzieła. Powierzchnie jego prac odbijają światło, tworząc wrażenie głębi i alternatywnych przestrzeni, a połyskujące refleksy budują nowe konteksty znaczeniowe.

Dyplom uzyskał w 2010 roku na Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie na Wydziale Malarstwa. Zadebiutował w Galerii F.a.i.t. w 2008 roku podczas Akcji Rewaloryzacji Abstrakcji.Wystawy indywidualne jego prac odbyły się między innymi w Bunkrze Sztuki, Galerii AS, Galerii Delikatesy w Krakowie, Galerii MDS we Wrocławiu. Brał także udział w wielu wystawach zbiorowych w Polsce i za granicą.W 2010 roku odbył rezydencję w Montrouge, a w 2012 został laureatem międzynarodowej nagrody Strabag Artaward i odbył rezydencję w Wiedniu.

Tomasz Baran, dzięki uprzejmości Artysty

7

WILHELM SASNAL (ur. 1972) Bez tytułu, 2001 r. akryl, kolaż/płótno, 150 x 150 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'WILHELM SASNAL 2001' oraz nalepka z Galerii Filomena Soares w Lizbonie

cena wywoławcza: 120 000 zł estymacja: 200 000 - 300 000

POCHODZENIE: - Fundacja Galerii Foksal,Warszawa - kolekcja prywatna - Dom Aukcyjny Christie’s Londyn,Wielka Brytania, 12.09.2012, poz. 34 - Galeria Filomena Soares, Lizbona, Portugalia - kolekcja prywatna, Polska

„Kiedy maluję jestem sam na sam z płótnem. Praca nad obrazem przebiega na różnych etapach.

Malowanie obrazu to zawsze przerabianej w jakiś sposób tego, co kiedyś zobaczyłem, albo co mi przyszło do głowy... Obrazy, które do mnie przychodzą są raczej przypadkowe, pojawiają się wcześniej zanim zacznę malować Rzadziej ich szukam, częściej znajduję“.

WILHELM SASNAL LATA WALKI, ZACHĘTA NARODOWA GALERIA SZTUKI,WARSZAWA 2007, s. 32

„W 2008 roku w londyńskim domu aukcyjnym Phillips de Pury tryptyk 'Palące dziewczyny' Wilhelma Sasnala został sprzedany za 457 tys. dolarów.Tym samym stał się najdroższym obrazem polskiego artysty sprzedanym poza granicami naszego kraju.

Zaczęto wtedy szemrać o 'efekcie Sasnala'. Chodziło o błyskotliwą karierę w amerykańskim stylu: od pucybuta do milionera – albo tu raczej: od skromnego absolwenta ASP do artysty o międzynarodowej renomie.

W tej dyskusji wszystkich uwodziła magia wielkiej liczby podszyta odrobiną zawiści. Nikt się nie zastanawiał nad wartością malarstwa.

Tymczasem, jak podkreśla Łukasz Gorczyca z warszawskiej galerii Raster, światowe sukcesy polskich artystów nie zdarzają się przypadkiem i nie wynikają z tajnych układów, lecz są efektem konsekwentnej artystycznej drogi oraz wieloletnich wysiłków marszandów i kuratorów.

Sam Sasnal alergicznie reaguje na pytania o komercyjny sukces swoich prac.W rozmowie z Maciejem Mazurkiem przyznawał: 'Nie lubię, kiedy sprowadza się to, co robię, do stwierdzeń typu: 'Obrazy Sasnala kosztują tyle a tyle'.Większą satysfakcję sprawia mi, że zrobiłem coś, z czego jestem zadowolony, niż to, że zarobiłem kolejne pieniądze. (…) Świat poznał Wilhelma Sasnala po monograficznej prezentacji jego prac, którą w 2002 roku przedstawiła Fundacja Galerii Foksal na targach Art Basel. Joanna Mytkowska, współzałożycielka fundacji, obecnie dyrektorka Muzeum Sztuki Nowoczesnej, przypomina, że pod koniec lat 90. rynek sztuki współczesnej w Polsce nie istniał, a do globalnego mieli dostęp nieliczni. Motywacją do pracy z młodymi, nieznanymi artystami była potrzeba znalezienia w sztuce ekspresji zmieniającego się wokół nas świata, polskiej transformacji, a to znajdowaliśmy w obrazach Wilhelma Sasnala. Kilka lat później okazało się, że język Sasnala jest powszechnie zrozumiały, a jego obrazy zakupiono do najważniejszych muzeów. O sukcesie zdecydował wyjątkowy talent, ale też moment, kiedy Europa Wschodnia opowiadała swoją historię. (…)

W wywiadzie sprzed kilku lat Wilhelm Sasnal podkreślał, że to mieszanka bliskości i obcości decyduje o atrakcyjności polskiej sztuki na świecie: – To, co nas wyróżnia i sprawia, że jesteśmy rozpoznawalni, wynika z tego, że dorastaliśmy w dziwnych czasach, jakby przesuniętych, że gdzieś tam nastąpiło zerwanie ciągłości. Jest zarazem wystarczająco dużo wspólnego z artystami zagranicznymi, żeby można było się porozumieć, i wystarczająco wiele różnic między nami a nimi, żeby istniało wzajemne zainteresowanie”.

ANNA ORNO, KIEDY OBRAZ SPRZEDAJE SIĘ ZA MILION DOLARÓW. TO NIGDY NIE JEST PRZYPADEK, „GAZETA WYBORCZA”, NR 237, 2015, s. 42-43

Malarz, rysownik, autor filmów i komiksów. Studiował architekturę na Politechnice Krakowskiej. Absolwent ASP w Krakowie.

W latach 1996-2001 działał w „Grupie Ładnie”. Jego malarstwo z tego okresu określano terminem „pop-banalizmu”. Były to przedstawienia pojedynczych motywów czerpanych z najbliższej ikonosfery: przedmiotów codziennego użytku, reklam, gazet, ulotek, tematów z telewizji.

Sceny z życia osobistego stały się tematem komiksu Życie codzienne w Polsce w latach 1999-2001. Po roku 2001, w swoim malarstwie odchodzi od fascynacji codziennością i sięga do tematów odnoszących się do zbiorowej pamięci historycznej (m. in. do czasu Zagłady, przez dialog ze słynnym komiksem Maus Arta Spiegelmana). Zmienił również sposób malowania kładąc grubą warstwę gęstej farby, motywy stają się nieostre i zamglone.

Poza malowaniem Sasnal kręci filmy na kamerze 8 mm, niektóre w poetyce teledysków, inne inscenizowane z użyciem zabawkowych figurek i własnych „efektów specjalnych”. W ostatnich latach z powodzeniem sięgnął do formy kina fabularnego.

8

PIOTR UKLAŃSKI (ur. 1968) Bez tytułu (Blood Doped / Krew Szprycowana), 2012 r. tusz, gesso/płótno, 215 x 155 x 6,3 cm sygnowany, datowany i opisany na blejtramie: ''UNTITLED (BLOOD DOPED)', P.U. 2012' oraz nalepka z Galerii Carlson w Londynie

cena wywoławcza: 150 000 zł estymacja: 250 000 - 400 000

POCHODZENIE: - Carlson Gallery, Londyn,Wielka Brytania - kolekcja prywatna LITERATURA: - Piotr Uklanski, Paintings, Dallas Contemporary/Mousse Publishing 2014, s. 23 (il.)

Prezentowana praca pochodzi z cyklu poświęconemu krwi i wykonanego z użyciem atramentu, nad którymi Uklański pracował od siedmiu lat.

Część prac z tego cyklu wystawiana była na pokazie w Dallas Contemporary. Choć Uklański dostał wówczas od galerii swobodę wyboru tego, co chce zaprezentować, on pozostał przy krwi – reakcji na powojenne prace Rothko czy grupy Gutai – które przykuły jego uwagę w kolekcjach zgromadzonych wokół Dallas i które, jego zdaniem, zdawały się sublimować przemoc wyrządzoną podczas II wojny światowej.

Jego zamiarem było wówczas zreinterpretowanie przemocy, dokonanej choćby w Marfie, która, jak mówi, jest całkiem niedaleko. Rozważył wykorzystanie do tego celu motywu flagi Amerykańskiej czy nazistowskiej ikonografii (jego „Naziści” z 1998 to kolekcja portretowych zdjęć sławnych aktorów, odgrywających role niemieckich żołnierzy). Jak jednak zauważył, jego pokazy często są krytykowane za bycie „przesyconymi”.

Pozostał zatem przy relatywnie minimalistycznych dziełach, przedstawiających rozbryzganą krew, których monotonia i „ikonografia” zostaje zwalczona poprzez odpowiednie rozplanowanie ich w przestrzeni wystawy. „Staram się dorosnąć, w końcu” podsumowuje. Jak sam mówił podczas przygotowań do wystawy: „Staram się znajdować wyjątkowe ujęcia”. „Mam dosyć czaszek, gadających o śmierci, albo drzeworytów demonstrujących pozycje z Kamasutry”.

Piotr Uklański w swojej twórczości niejednokrotnie sięgał po symbolikę narodową. Szczególnie często wykorzystywał motyw biało-czerwonej flagi, której kolorystyka stała się tematem wielu jego prac. Biel i czerwień jako symbol polityczny, który jest uwikłany w populistyczną tradycję wywodzącą się jeszcze z czasów PRL-u, u Uklańskiego staje się wystylizowanym przedstawieniem tożsamości narodowej. Zdaniem artysty miejsce pochodzenia stanowi niezbywalny element twórczości artysty. Aczkolwiek tym, co interesuje artystę, nie jest bezpośrednio aspekt narodowości, lecz sposoby radzenia sobie z historią i przeszłością.

Być może za wyborem tej tematyki stoi presja świata sztuki. Sztuka Piotra Uklańskiego jest ściśle powiązana z tym, co artysta uznaje za polskość, zaś sam był jednym z tych, którzy reprezentowali Polskę podczas m.in.

Bienal de São Paulo. Mimo to autor prezentowanej pracy nie uchodzi za twórcę polskiego, lecz raczej „nowojorskiego” lub „międzynarodowego”.

Bycie częścią współczesnego świata sztuki oznacza poniekąd dezawuowanie własnej kulturowej autentyczności na rzecz przyjmowania kolejnych punktów widzenia.Wystawy międzynarodowe, które tworzą narodowe pawilony, mające prezentować tendencje sztuki na obszarze danego kraju, obecnie sprowadzają się do public relations. Piotr Uklański rozpoznał, jak silny jest wpływ płynności współczesnych twórców, sam utożsamiając jednocześnie międzynarodowego artystę, Gastarbeitera, nowego Amerykanina i polskiego patriotę.

Na serię „Biało Czerwoną” składają się dzieła, które z wielką dozą ironii oddają wielkość ambicji politycznych eventów. Uklański w swojej sztuce sięga po przeróżne techniki, materiały i skale: od instalacji i wielkoskalowych papierowych reliefów poprzez malarstwo, fotografię aż do pełnometrażowego filmu. Narodowa propaganda, odwołując się do tego, co wysokie, zderza się z własną rzeczywistością wernakularnych technik

i materiałów zapożyczonych z popularnego folkloru pokroju Szopki Krakowskiej i malowanej ceramiki. Jest to próba uchwycenia wizji idealnej polskości i zaprezentowaniu jej międzynarodowej publiczności jako swoistej egzotyki. Jednocześnie owa narodowa egzotyka staje się przykładem uniwersalnego interpretowania własnej przeszłości i mitów, które spajają każdy naród, stając się inherentną częścią tożsamości każdego z nas.

W 1991 roku po ukończeniu studiów na warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych wyjechał do Nowego Jorku, gdzie pracował jako fotografik.

Mieszka i pracuje w Nowym Jorku. Uklański posługuje się różnymi mediami – od fotografii, instalacji poprzez wideo i performance. Prowadzi ironiczną, krytyczną grę z uwodzicielskim urokiem stereotypów kultury popularnej i wizualnymi kliszami. Artysta czyni materiałem swoich prac zdegradowane obszary pop-kultury, pokazując ich niekwestionowaną magię. Jego prace mówią równie dużo o spontanicznej radości z piękna, jak i o poczuciu winy, które pojawia się w trakcie jej doświadczania. Uklański znajduje piękno w rzeczach banalnych i dobrze znanych, w miejscach zapomnianych lub tam, gdzie pojawia się zupełnie nieoczekiwanie, angażując publiczność w sytuacje wykreowane w celu wytworzenia „dobrego” nastroju, co wywołuje uczucie nostalgii i sentymentu. „Specjalnością” Uklańskiego jest przenoszenie w czasie i przestrzeni różnych fenomenów estetycznych. Praca z 1996 roku zatytułowana „DANCE FLOOR” to pulsująca światłami w rytm tanecznej muzyki posadzka „zacytowana” z nocnego klubu. Zainstalowana we wnętrzu galerii staje się elementem nie do pominięcia dla zwiedzających. Zostają oni skonfrontowani z przestrzenią, której atmosfera przypomina dyskotekę, ale ich frustrację może wywołać fakt, że nie są w stanie w pełni oddać się temu nastrojowi. Praca ta jest zarazem dialogiem z tradycyjną rzeźbą minimalistyczną.W 1999 roku Uklański, zaproszony przez Galerię Foksal, wykonał na filarze przy wejściu do Domu Towarowego „Smyk” w centrum Warszawy mozaikę z porcelitowych talerzy, odpadków produkcyjnych z fabryk w Ćmielowie i Pruszkowie. Inspiracją dla pracy była podróż artysty po Polsce, podczas której zwrócił uwagę na domy zdobione lusterkami i kawałkami ceramiki stołowej. Artysta podchwycił kiczowaty sposób dekoracji prowincjonalnej architektury i wykorzystał tę metodę w innym kontekście społecznym i estetycznym, zmieniając skalę realizacji na monumentalną, a kulturę niską na wysoką.Wystawa Uklańskiego „NAZIŚCI” pokazana w listopadzie 2000 roku w warszawskiej „Zachęcie” zakończyła się skandalem, zniszczeniem kilku prac i zamknięciem ekspozycji. Zaprezentowano na niej serię 164 barwnych fotografii przedstawiających znanych, zagranicznych i polskich aktorów grających w filmach postacie nazistów. Posługując się narzędziem typowym dla kultury masowej, artysta zestawił filmowe wizerunki „złego Niemca”, które zamieszkują zbiorową wyobraźnię widza.

Zdjęcia przedstawiają przystojnych, eleganckich mężczyzn, filmowych twardzieli uwodzących widza swoim atrakcyjnym wizerunkiem, przez co zaciera się prawdę o nazizmie. Jak komentuje tę pracę sam artysta: „Portret nazisty w kulturze masowej jest najbardziej wyrazistym okazem przekłamania prawdy o historii, o ludziach. Jest to dla mnie tym bardziej ważne, że to główne źródło informacji o tamtych czasach, dla wielu jedyne”.W czasie trwania wystawy znany aktor Daniel Olbrychski wszedł do galerii z szablą i w obecności umówionej wcześniej ekipy telewizyjnej pociął kilka z fotosów, protestując w ten sposób przeciwko wykorzystaniu przez artystę jego filmowego wizerunku. Minister kultury nie zgodził się na ponowne otwarcie wystawy.

Wystawa „Piotr Uklański – czterdzieści i cztery”, Zachęta – Narodowa Galeria Sztuki, Warszawa 2012, fot. Bartosz Bobkowski / Agencja Gazeta

„Polska dla Uklańskiego to z jednej strony rezerwuar kulturowych i narodowych kodów – niemal mityczna kraina dzieciństwa i wieku dojrzewania – ale i krytyczny punkt odniesienia do interpretacji swej artystycznej tożsamości”.

HANNA WRÓBLEWSKA

9

RADEK SZLAGA (ur. 1979) "Nature", 2012 r. olej/płótno, 100 x 120 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'RDK | 2012 | * NATURE*'

cena wywoławcza: 18 000 zł estymacja: 25 000 - 40 000

WYSTAWIANY: - Radek Szlaga. Freedom Club, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski,Warszawa 7.09-18.11.2012 Szlaga, podejmując próbę wyjaśnienia swojej twórczości, powiedział: „Często myślę o sobie jako o rzeczniku przegranej sprawy, portretuję margines marginesu, prowincję – geograficzną i mentalną – która okazuje się wielobarwnym i urodzajnym miejscem, gdzie idea mutuje, nabiera lokalnej specyfiki, pączkuje, puszcza kłącza i nikt jej tu nie spryskuje roundupem (środkiem owadobójczym), przez co jej owoce nie zawsze są piękne, ale mają niepowtarzalny smak. Drzemie tam ogromna siła kulturotwórcza. Brak znajomości zasad, więc ich nieprzestrzeganie.Wiesz o czym mówię? Jakbym przeczytał więcej książek, to nie miałbym odwagi zrobić pewnych rzeczy... i tak studiowałem na Akademii przez tyle lat” (Wywiad Anny Czaban z Radkiem Szlagą, Radek Szlaga: myślę o sobie jako o rzeczniku przegranej sprawy, portretuję margines marginesu, prowincję – geograficzną i mentalną, „Wysokie Obcasy”, 15.02.2013).

Fascynacja oraz bazowanie w swojej sztuce przede wszystkim na własnych doświadczeniach zaowocowało realizacją obrazów poświęconych miejscom, z którymi był związany uczuciowo. Do takich miejsc należą m.in. Gliwice i Szlagówka, gdzie dorastał.W jego twórczości często pojawiają się zwykli ludzie i problemy, z jakimi muszą się mierzyć, czego przykładem mogą być prace poświęcone emigracji ekonomicznej do USA i różnicom kulturowym pomiędzy nimi a Polską, a także ułudą pogoni za amerykańskim snem.Tak jak wszyscy członkowie grupy Penerstwo Szlaga

odżegnuje się od idei tworzenia sztuki zaangażowanej, publicystycznej.

Pomimo to nie można nie zauważyć komentatorskiej wymowy jego prac.

Artysta posługuje się lapidarnym językiem wskazującym na czerpanie inspiracji ze świata komiksu i graffiti. Jednocześnie nie pozostawia jasnego klucza interpretacyjnego, dzięki czemu odbiorcy mogą przefiltrować jego prace przez pryzmat własnych doświadczeń. Jeśli chodzi o proces twórczy, artysta przy malowaniu posiłkuje się zarówno fotografiami, jak i obrazem ekranu telewizora.

Radek Szlaga ukończył Akademię Sztuk Pięknych w Poznaniu, uzyskując dyplom z wyróżnieniem z malarstwa pod kierunkiem prof. Jerzego Kałuckiego. Jest laureatem Nagrody Artystycznej Miasta Poznania za 2007 rok. Od tegoż roku wraz z Wojciechem Bąkowskim,Tomaszem Mrozem, Konradem Smoleńskim, Piotrem Bosackim, Magdaleną Starską i Izą Tarasewicz tworzy grupę artystyczną PENERSTWO. Pracował w londyńskiej White Cube Gallery jako asystent Tracey Emin. Zajmuje się malarstwem; obecnie pracuje jako asystent Wojciecha Łazarczyka na macierzystej uczelni. Jego wystawy indywidualne odbyły się w najważniejszych instytucjach kultury w Warszawie, a także w Detroit, Hadze i Pekinie.

Radek Szlaga, fot. Michał Korta

„Sztuka jest dobra wtedy, kiedy porusza. A także wtedy, gdy nosi znamiona autentyzmu i indywidualnego języka swojego twórcy.Takich rzeczy szukam u innych artystów, i to chciałbym dać innym od siebie”.

RADEK SZLAGA

10

BARTEK MATERKA (ur. 1973) Tatry - Dolina Hińczowa, 2014 r. olej/płótno, 150 x 250 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'BARTEK MATERKA | 2014 | OLEJ NA PŁÓTNIE'

cena wywoławcza: 16 000 zł estymacja: 25 000 - 40 000

WYSTAWIANY: - Manifestacje romantyczne, Galeria Sztuki Współczesnej BWA Sokół, Nowy Sącz, 26.09-16.11.2014 LITERATURA: - Manifestacje romantyczne, katalog wystawy w BWA Sokół, Nowy Sącz 2014, s. 120-122 (il.) „Bartek Materka korzysta z fotografii (własnych lub cudzych) czy kadrów filmowych, szukając w nich niedociągnięć, podkreślając to, co niewyraźne, przetwarzając do niepoznania pierwowzór, czyniąc często motywem przewodnim element błahy, drugorzędny, nadając mu istotną wagę poznawczą.W części prac powstałych w oparciu o śląskie wizyty bazuje na fascynujących zdjęciach z lat siedemdziesiątych, użyczonych z prywatnego archiwum chorzowskiej rodziny. Przetwarzając, rejestruje pęknięcia, zamazania, przypadkowości, aberracje widzenia, podkreśla wątki z psychologii i percepcji. (…) Figuratywne prace Materki wchodzą na teren nie-porządku myślenia abstrakcyjnego malarskiego obrazu, posiadając kolejną, ale paradoksalnie spójną wyraźną warstwę kształtów organicznych, rastra, lineranych kratownic; czasem dopełniających w tle struktur ornamentu, innym razem psychodelicznego rozmycia.

Sztuka Bartka Materki pomimo ikonicznych i technicznych podobieństw

nie musi być rozpatrywana w jego ramach. Jest niejako ufundowana na osobności bazującej na osobowości.To nie gra formalna, ale raczej sposób widzenia (postawa właśnie) stoi u jej początków. Nie mamy do czynienia z patentowaniem pomysłów, rytualnym powtarzaniem motywów, ogrywaniem kolejnych, sprawdzonych serii”.

STANISŁAW RUKSZA, ZE WSTĘPU DO WYSTAWY „GDZIE MASZ CZAPKĘ?”

W RAMACH PROJEKTU METROPOLIS, BYTOM, 2013

Malarstwo Materki opiera się na twórczej reinterpretacji problemów plastycznej rzeczywistości, a także współczesnych sposobów generowania obrazu, realizowanych za pomocą nowych mediów (fotografii cyfrowej, telewizji, nowatorskich technologii optycznych). Materka często maluje obrazy na podstawie zrobionych przez siebie fotografii – ich tematyka jest dość błaha, codzienna.

„W sposobie kładzenia farby podobne są do jednego z oblicz Sasnala: te same szybkie pacnięcia, kładzione mokrym w mokre, ta sama kontrolowana ‘breja’, te same ‘przecinki’, czyli budowanie struktury obrazu krótkimi pociągnięciami pędzla – te same, choć stoi za nimi inny sens. Nie są to oczywiste plagiaty, a raczej podobne taktyki i te same malarskie rozwiązania – co w opisie zawsze pozostanie raczej intuicyjne, nie do końca uchwytne”.

JAKUB BANASIAK

11

ANGELIKA MARKUL (ur. 1977) Bez tytułu, 2007 r. tusz/papier, 49 x 64 cm (w świetle oprawy) na odwrociu nalepka z Galerii Frédéric Giroux, Paryż, Francja

cena wywoławcza: 3 800 zł estymacja: 5 000 - 8 000

WYSTAWIANY: - Angelika Markul, Entre-deux, Frédéric Giroux Gallery, Paryż, Francja, 2008 „Często tworzę konstrukcje z wosku. Ma on charakterystyczny pszczeli zapach, poza tym podobnie jak ciało ludzkie ulega przemianom, znika.

Moje pokryte woskiem obrazy za jakiś czas będą wyglądać zupełnie inaczej. Z wosku i filcu korzystałam przy tworzeniu prac do cyklu 'Wykopaliska przyszłości'. Niektórym przypominają one ciała ludzkie lub zwierzęce, albo mumie. Dla mnie nie jest ważny ich kształt, a raczej proces przemiany, jakiemu ulegają. Są bardzo organiczne”.

ANGELIKA MARKUL W ROZMOWIE Z EDYTĄ BORKOWSKĄ, ŹRÓDŁO:WWW.GAZETA.PL

Angelika Markul mieszka i pracuje w Paryżu.W 2004 obroniła tytuł magistra na École Nationale Superieure des Beaux Arts w Paryżu (E.N.S.B.A.) w pracowni multimediów Christiana Boltańskiego.

W sztuce Angeliki można odnaleźć bardzo charakterystyczny repertuar form – artystka łączy obrazy wideo z instalacjami, które często składają się z takich materiałów jak czarna folia, szkło czy drewno. Jest pierwszą Polką, której prace wystawiono indywidualnie w Palais de Tokyo.

12

DOROTA BUCZKOWSKA (ur. 1971) Bez tytułu, 2017 r. olej/płótno, 60 x 70 cm sygnowany na odwrociu: 'DBuczkowska | 2017'

cena wywoławcza: 5 500 zł estymacja: 7 000 - 12 000

Dorota Buczkowska, fot. Magdalena Kącikowska / Dzięki uprzejmości Artystki

Dorota Buczkowska tworzy abstrakcyjne kompozycje, w których uwagę zwracają: światło, gęsta malatura, eksperymenty związane z kolorem.

Mimo tego, że prace artystki nie są przedstawiające, odnoszą się do motywów związanych z fizyczną rzeczywistością. Czujne oko znajdzie w nich kawałki realnego świata – gęste listowie, stojące krzesło, słoneczne promienie – przefiltrowane przez widzenie i język artystki, zestawione ze swadą i fantazją. Odnajdywanie tych „klocków”, z których Dorota Buczkowska zestawiła abstrakcyjne kompozycje, to przyjemność i wyzwanie.

ma w zwyczaju szanować granic i jasnych podziałów. (…) Buczkowska przekopuje się i oznacza warstwy własnego ciała i zamrożonej w nim pamięci. Przygląda się procesom ich ciągłej cyrkulacji, twardnienia i rozmiękczania. Forma przelewa się tu niespokojnie i szuka sobie miejsca.

Medium nie ma znaczenia (…).W jej pracach stany skupienia przechodzą niepostrzeżenie jeden w drugi, wiadomo, że coś się zbliża, stare i zużyte przepadło, a nowe nie pokazało się jeszcze na horyzoncie”(Marta Lisok, ze wstępu do wystawy indywidualnej „Wracam na brzeg rzeki” w galerii Starter, 2014).

Buczkowska podejmuje w swojej twórczości problematykę cyrkulacji charakteryzującej wszystkie struktury biologiczne. Artystka zmusza niejako w swojej sztuce do zmierzenia się z rzeczywistością, której ostateczny wyraz upatruje w organicznym kresie jednostki. Jak podsumowuje Marta Lisok: „Dorota Buczkowska w swoich pracach nie

Dorota Buczkowska ukończyła Wydział Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w pracowni prof. Grzegorza Kowalskiego (2003) oraz Gender Studies na Uniwersytecie Warszawskim (2002). Zajmuje się wideo, instalacją, grafiką, fotografią, rysunkiem; pomimo tak szerokiego obszaru zainteresowań jej prace są bardzo spójne.

13

PRZEMYSŁAW MATECKI (ur. 1976) Bez tytułu, 2005-06 r. emalia, olej, kolaż/płótno, 60 x 60 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'P. MATECKI | "BEZ TYTUŁU" | 60 x 60 cm EMALIA, OLEJ, PAPIER | 2005/2006'

cena wywoławcza: 9 500 zł estymacja: 12 000 - 18 000

Przemysław Matecki zajmuje się przede wszystkim wytwarzaniem obiektów: obrazów-śmieci, złożonych z przeróżnych motywów, obecnych we współczesnej popkulturze. Inspiruje się tradycją twórczości wywodzącą się z tradycji Roberta Rauschenberga i stylistyki punk.W gęstą fakturę farb olejnych wkleja elementy zaczerpnięte z kultury masowej: wycinki z gazet przedstawiające modelki czy znalezione na śmietnikach fotografie.

Jego sztuka jest radykalna, eksperymentalna, często także wulgarna i bezpośrednia.To, czym charakteryzuje się twórczość Mateckiego, to przede wszystkim „specyficzna, nieakademicka czułość dla obrazu malarskiego i zarazem kontrkulturowa energia”. Mimo że w obrazach Przemysława

Mateckiego tradycyjna technika malarstwa olejnego współistnieje ze zdjęciami z gazet, sam artysta twierdzi, że tworzy prace abstrakcyjne.

Artysta należy do grona najbardziej oryginalnych twórców młodego pokolenia. Jego twórczą postawę cechuje konsekwencja i bezkompromisowość. Jako artysta czerpie z różnych nurtów i estetyk – neoekspresjonizmu, surrealizmu czy dadaistycznych strategii konstruowania obrazu polegających na uwzględnieniu czynnika przypadkowości. Pozostaje jednocześnie twórcą nietuzinkowym, nie dającym się jednoznacznie zaszufladkować do żadnego ze współczesnych kierunków. Równie sprawnie jak artystyczne inspiracje łączy ze sobą rozmaite techniki.

14

WOJTEK BĄKOWSKI (ur. 1979) Komplet dwóch prac "Zeszyt zainteresowań" nr 1 i 2 (fotografia + klisza), 2007 r. odbitka żelatynowo-srebrowa/papier fotograficzny, 24,5 x 40 cm (x2) akwarela/klisza filmowa, 25 x 35 mm (x2) sygnowany, datowany i opisany u dołu: '"ZESZYT ZAINTERESOWAŃ" Nr 1 / 2 WB 07'

cena wywoławcza: 15 000 zł estymacja: 20 000 - 25 000

Prezentowane prace z serii Zeszyt zainteresowań to charakterystyczne dla artysty zabiegi artystyczne na taśmie filmowej.W tym przypadku infantylizm akwareli paradoksalnie łączy się z ordynarną tematyką prac.

Wojciech Bąkowski w swoich realizacjach buduje tropy interpretacyjne za pomocą poszczególnych przedstawień umieszczonych ze sobą w sąsiedztwie, jednocześnie pozwalając sobie na swego rodzaju nonszalancję estetyczną. Jak sam twierdzi: „Wolę być rozpoznawalny przez sposób myślenia, przez problemy, a nie koślawą estetykę”(Fragment Wywiadu Z Wojciechem Bąkowskim,Wojtek Bąkowski. Ekskluzywna Wegetacja, „Wysokie Obcasy” dodatek do „Gazety Wyborczej”, 3.03.2013) W pracach artysty znajdziemy odzwierciedlenie rzeczywistości wulgarnej,

obscenicznej, ale w pewnym sensie też delikatnej i wrażliwej. Obraz inspirującej codzienności artysty, którą dzieli ze swoją partnerką Zuzanną Bartoszek, została ostatnio uchwycona przez Łukasza Rondudę w filmie „Serce miłości”.

Wojciech Bąkowski to jeden z najbardziej wyrazistych i oryginalnych artystów polskiej sztuki współczesnej. Studiował w pracowni Audiosfery prof. Leszka Knaflewskiego na poznańskim ASP. Znany z realizacji w pełni autorskich filmów animowanych i wideo. Autor audioperformaensów oraz muzyki alternatywnej.Współtwórca grupy PENERSTWO. W 2009 roku artysta był nominowany do nagrody „Spojrzenia” przyznawanej przez Deutsche Bank przy współpracy z warszawską Zachętą.

15

RAFAŁ BUJNOWSKI (ur. 1974) "Obraz matki Whistlera ed. 9/50", 2003 r. olej/płótno, 43 x 63 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'OBRAZ MATKI | WHISTLERA | BUJNOWSKI / 2003 | 9/50'

cena wywoławcza: 9 000 zł estymacja: 12 000 - 25 000

POCHODZENIE: - kolekcja Józefa Chrobaka, Kraków „Niewielki pejzaż w białym passe-partout i czarnej ramce to motyw znaleziony przez Bujnowskiego na słynnym 'Portrecie matki malarza' Whistlera (1871). Zafascynowany stereotypowym widokiem obrazu wiszącego na ścianie, w tle codziennego życia, Rafał przywrócił ów anonimowy obraz rzeczywistości. Malując ten sam obraz 50 razy podkreślił

zarazem jego zwyczajność, stworzył swoisty artystyczny rekwizyt, który może dziś spełniać analogiczną rolę jak w XIX stuleciu – co widać na zdjęciu z mieszkania artysty.Wyćwiczony do perfekcji sposób malowania obrazu został również udokumentowany przez artystę na wideo”. ŹRÓDŁO: RASTER.ART.PL

„Obraz traktuje bardziej jak próbę rozwiązania postawionego sobie problemu. Poza tym ja maluję koncepcję i podoba mi się taka teoria, że ta koncepcja czy rozwiązanie znajduje się gdzieś między obrazami, a sam obraz to tylko obraz”.

RAFAŁ BUJNOWSKI W ROZMOWIE Z PATRYCJĄ MUSIAŁ, „OBIEG”, 29.10.2007

Rafał Bujnowski, wystawa „Maj 2066”, Zachęta – Narodowa Galeria Sztuki, Warszawa 2016, fot. Jacek Marczewski / Agencja Gazeta

16

RAFAŁ BUJNOWSKI (ur. 1974) Bez tytułu, z serii "Kolonie", 2006 r. olej/płótno, 55 x 55 cm (w świetle oprawy) sygnowany i datowany na odwrociu: 'BUJNOWSKI / 2006'

cena wywoławcza: 28 000 zł estymacja: 40 000 - 60 000

Wiele z obrazów Bujnowskiego opiera się na wystudiowanych i wyćwiczonych procedurach. Brak w nich miejsca na pomyłkę, jest za to absolutna sugestywność przełożenia gestu na malarskie przedstawienie, ich równoznaczność. Jak w prezentowanej pracy z cyklu „Kolonie”, gdzie ślady piłki odbitej na mokrej powierzchni płótna są jednocześnie zapisem automatycznej, kilkusekundowej akcji i wyobrażeniem organicznej kolonii meduz, a raczej – uwodzącą sugestią ich kształtów.

Charakterystyczne dla artysty jest pracowanie w obrębie serii, różniących się pomiędzy sobą liczbą prac, posługiwanie się uproszczeniem i czerpanie tematów z otoczenia. Bujnowski wykazał się nie tylko zainteresowaniem przestrzenią publiczną, ale przede wszystkim dążeniem do odpowiedzi na pytanie o status współczesnej sztuki i miejsce artysty. Swoimi projektami dotykał dyskursu utylitarności sztuki – społecznej użyteczności malarza, artysty jako kreatora otoczenia, zależności pomiędzy pierwowzorem a odbiciem.

Rafał Bujnowski to artysta wszechstronny – malarz, grafik, ostatnio również twórca posługujący się wideo. Od 1994 do 2001 działał w Grupie Ładnie, równolegle od 1998 do 2001 prowadził Galerię Otwartą w Krakowie, w ramach której wystawiał m.in. plakaty przedstawiające przedmioty codziennego użytku w formule zbliżonej do reklamy produktów supermarketu, jednak niemożliwych do kupienia. Jako twórcę interesuje go wchodzenie sztuki w przestrzeń publiczną, a także kwestie komercjalizacji sztuki i pozbawiania jej wartości innej niż materialna. Dokumentuje przemianę dzieła sztuki w reklamę lub w przedmiot. Kilkukrotnie powracał także w seriach swoich prac do zagadnienia możliwości tworzenia iluzji przestrzennej w zależności od sposobu formowania farby, oświetlenia i kształtu obrazu. Uzyskuje charakterystyczne efekty pokrywając całą powierzchnię obrazów czarną farbą, różnicując fakturę, gęstość i sposób nakładania farby. Zajmuje się również akcjami artystycznymi, polegającymi na odmalowywaniu fasad galerii.W latach 1993-95 studiował na Wydziale Architektury Politechniki Krakowskiej, a następnie na Wydziale Grafiki ASP w Krakowie (1995-2000).

17

HONZA ZAMOJSKI (ur. 1981) "Girls", 2011 r. kolaż/papier, 38 x 27 cm (w świetle passe-partout)

cena wywoławcza: 4 000 zł estymacja: 5 000 - 9 000

Dla Honzy Zamojskiego sztuka jest narzędziem, dzięki któremu stara się on zrozumieć otaczający go świat, usystematyzować wiedzę o nim i o rządzących nim prawach. Motorem do działania jest dla niego niezaspokojona ciekawość, a cechą charakterystyczną jego realizacji – poczucie humoru, poetyckość i minimalistyczna forma. Prace Zamojskiego pokazywane były m.in. w Galerii Foksal w Warszawie, Museum Morsbroich czy Zachęcie Narodowej Galerii Sztuki w Warszawie. Zamojski ukończył studia na Uniwersytecie Artystycznym w Poznaniu, dyplom obronił w Pracowni

Projektowania Znaku i Typografii.W swojej praktyce sięga po rozmaite media: od rysunku, przez tzw. rzeźby rysunkowe, po infografiki i poezję.

Minimalistyczne w formie, ale bogate w znaczenia symbole, abstrakcyjne kompozycje i figuratywne przedstawienia składają się na język wizualny, który rządzi się własną gramatyką i strukturą formalną.Tym, co często spaja pozornie odległe elementy, jest humor oraz dystans do siebie samego.

Prowadzi cykl wykładów „How it’s made”, prezentowany dotychczas m.in. w Centre Pompidou, MoMA Library czy Printed Matter w Nowym Jorku.

odwrocie

18

HONZA ZAMOJSKI (ur. 1981) Bez tytułu, 2008 r. monotypia/papier (strona z katalogu Christie's), 27 x 20,5 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'Andy Warhol - Blind Ladies & Gentelman HNZ '08'

cena wywoławcza: 1 800 zł estymacja: 2 500 - 3 500

19

DUET BRACIA (od 2011) "Pieśń o głodzie", 2015 r. technika mieszana (tektura, guma, plastik, filc, gips), 99 x 126 cm i 15 x 30 cm

cena wywoławcza: 5 000 zł estymacja: 7 000 - 15 000

WYSTAWIANY: - Gwiazdy Czesko-Polskie, Kubik Gallery, Litomyśl, Czechy, 12.09-21.11 2015 Duet Bracia tworzą Agnieszka Klepacka i Maciej Chorąży – specyficzni bliźniacy, którzy w swoich surrealnych kompozycjach ożywiają znajome przedmioty, włączając je w paradę dziwności i żartu. Przedmioty te zdradzają ukrytą naturę: szkło topi się jak lód, podium odmawia uczestnictwa w festiwalu hierarchii, prace Martina Creeda są i nie są zarazem jego pracami. Prezentowane obiekty tworzą spójną całość, kiedy zestawione są ze sobą naprzeciwko siebie.

Braterstwo, tytularne hasło artystów, to konsekwentnie wyznawana idea.

Jak pisał Michał Grzegorzek kurator ubiegłorocznej wystawy „Półbiedy” w Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie: „Nie interesuje ich współczesna rywalizacja, surowe granice autorstwa i konwenanse, w które ktoś chciałby ich wystroić. Poruszają się między

sztukami wizualnymi a teatrem, budują kostiumy ze śmieci, gotują kurze nóżki, tropią szatańskie tatuaże.Wszystko jest na opak, na lewą stronę, do góry nogami. Przewrotna treść, estetyka i natura Braci wytrąca z codzienności – z nudy i nadęcia.”

Duet Bracia, powstał w 2011 roku. BRACIA tworzą kostiumy do spektakli, instalacje oraz performansy. Rozwiązania sceniczne przenoszą w przestrzeń sztuk plastycznych, badając m.in. pojemność pojęcia „kostium”.

W swoich pracach mieszają porządki, nie przywiązując się specjalnie do żadnych określonych zasad – szukają uniwersalnego języka, rozumianego zarówno na scenie, jak i w galerii. Śmietnik obrazów i przedmiotów oraz kultura masowa są dla nich źródłem inspiracji i niekończących się możliwości twórczych. Bracia składają się z rzeczy i uczuć.

20

GRZEGORZ DROZD (ur. 1970) "Podmiot domyślny", 2010 r. olej/płótno, 145 x 120 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: '"PODMIOT DOMYŚLNY" | GRZEGORZ DROZD 2010 R.'

cena wywoławcza: 7 000 zł estymacja: 10 000 - 25 000

WYSTAWIANY: - Wzlot białego Cygana, Galeria Miejska Arsenał, Poznań, 12.03-31.03.2010 - Grzegorz Drozd, Zmory, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski, Warszawa, 16.05-31.08.2014 LITERATURA: - Anna Maziuk, Podróże zmyślone, „Wprost”, nr 22/2014, s. 102 (il.)

- Joanna Ruszczyk,Trip, „Newsweek Polska”, nr 23/2014 (il.)

- „Dziennik. Gazeta Prawna”, dodatek Kultura, nr 94/2014 (il.)

- Kama Zboralska, Urodzeni mordercy, „Pani”, nr 7/2014, s. 90 (il.)

- Anna Czaban, Kunsztowny pretekst, „Arteon”, 04/2010, s. 31 (il.)

Malarz, artysta akcji i instalacji, fotograf. Czujny obserwator rzeczywistości, którą opisuje własnym językiem, budując niewygodne i zaskakujące sytuacje często bez scenariusza. Gracz z konwencją i rytuałem, wyprowadzający sztukę z nawiasu umowności. Manipulator, na własne konto deklarujący: „artysta to dla mnie banita społeczny i przestępca”.Twórca relacyjny, partycypacyjny, krytyk instytucji, autor dzieł będących wehikułem osobistych emocji.W 2010 roku symbolicznie „opuścił” kulturę Zachodu, kierując swą nomadyczną wędrówkę w stronę dalekiego południa Azji, poszukując „Utraconego Raju”. Obecnie mieszka i pracuje w Azji i Europie.W latach 1992-95 studiował na Wydziale

Artystycznym UMCS w Lublinie. Ukończył Wydział Malarstwa i Wydział Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w 2007. Brał udział w kilku rezydencjach artystycznych, między innymi w Pradze oraz Budapeszcie. Jest trzykrotnym stypendystą Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz współzałożycielem projektu Zmiana Organizacji Ruchu. Miał indywidualne wystawy w CSW Zamek Ujazdowski oraz Centrum Rzeźby w Orońsku. Brał udział w licznych wystawach zbiorowych w kraju i za granicą – w krakowskim MOCAKu, Znakach Czasu w Toruniu,Waterside Contemporary w Londynie, Gare Sauveur we francuskim Lille, BACC w Bangkoku.

21

PAWEŁ JARODZKI (ur. 1958) "Wie stark sind die Frauen von Heute", lata 90 XX w. akryl/płótno, 200 x 81 cm (w świetle oprawy) sygnowany p.d.: 'Paweł Jarodzki' na odwrociu opisany: 'WIE STARK SIND | DIE FRAUEN VON HEUTE'

cena wywoławcza: 15 000 zł estymacja: 20 000 - 30 000

POCHODZENIE: - Galeria New Art. Media,Warszawa - kolekcja prywatna, Polska

„[Szablon] pojawia się wszędzie tam, gdzie nie ma czasu, gdzie rozpalone umysły poganiają niewprawne ręce, jest znakiem naszych czasów. Jest karykaturą druku. Jest jak stempel odbijany na gotowych do wysyłki skrzyniach, które nasza cywilizacja wysyła w wieczność”.

PAWEŁ JARODZKI

W latach 1979-84 studiował na Wydziale Malarstwa, Rzeźby i Grafiki w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych we Wrocławiu; dyplom uzyskał w 1984 roku w pracowni malarstwa doc. Konrada Jarodzkiego i doc. Leszka Kaćmy. Na początku lat 80. Paweł Jarodzki wraz z przyjaciółmi z tej samej pracowni (Ewą Ciepielewską, Bożeną Grzyb, Arturem Gołackim i Andrzejem Jarodzkim) zaczął wydawać fanzinowy magazyn, który nazwali LuXus. Podczas pracy nad magazynem artyści zawiązali grupę artystyczną LuXus. Od 1984 roku grupa zaczęła brać udział w wystawach i organizować różne akcje, a jej charakterystyczna estetyka

miała wpływ na kształt artystycznej sceny Wrocławia. Jej najbardziej aktywny okres przypadł na lata 1984-88. Paweł Jarodzki uczestniczył we wszystkich wystąpieniach grupy, a od 1984 roku zaczął także wystawiać samodzielnie. Pracuje w różnych konwencjach stylistycznych, posługuje się szablonem i cytatem, świadomie odrzuca poprawność rysunkową i formalną, akcentując programową niemal antyestetykę. Obecnie jako profesor prowadzi pracownię multimediów na Wydziale Malarstwa i Rzeźby w Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Jest też kuratorem BWA Awangarda we Wrocławiu.

22

KAMIL KUKLA (ur. 1989) "16TOM", 2016 r. olej/płótno, 170 x 190 cm sygnowany i opisany na odwrociu: 'Kamil | Kukla | 16TOM'

cena wywoławcza: 7 000 zł estymacja: 9 000 - 18 000

WYSTAWIANY: - KA-MU-FLAŻ. Sztuka, której nie widać, Galeria Szara Kamienica, Kraków, 4.12.2016-5.01.2017 Prezentowana praca, pokazywana wcześniej na wystawie KA-MU-FLAŻ w Galerii Szara Kamienica, której ekspozycja była częścią konkursu Fundacji Grey House, przyniosła Artyście nagrodę w tej edycji na najciekawszą osobowość artystyczną. Jury w uzasadnieniu werdyktu podkreśliło wyróżniającą się pozycję artystyczną Kukli jako bardzo dojrzałą pod względem języka formalnego, objaśniając swój werdykt stwierdzeniem: „Ten język jest rzeczywiście wyjątkowy, w pewnym sensie enigmatyczny (...) Z jednej strony można tam znaleźć echa malarstwa amerykańskiego końca lat osiemdziesiątych, z drugiej – pewien element neoabstrakcjonizmu i ekspresjonizmu.

Ale tak naprawdę Kamil uprawia pewnego rodzaju genre antymartwej natury, ponieważ to, co przedstawia w swoich obrazach, aczkolwiek nieprzedstawialne, emanuje do wymiaru hipernatury, która zmienia się albo współgra z krajobrazem, tutaj bardzo korporalnym, bardzo cielesnym

i zmysłowym, wywołując nieomal efekt halucynogenny”. Artysta brał też udział m.in. w wystawie zorganizowanej przez Muzeum Sztuki Współczesnej (MOCAK) w Krakowie pod koniec 2015 roku. Jednym z największych i ostatnich pokazów Kukli była wystawa indywidualna U+1F351 PEACH, zorganizowana w ramach Bank Pekao Project Room w Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie w 2017 roku. Jej kurator, Piotr Policht, pisał: „Choć malarstwo Kukli wyrasta formalnie z tradycji surrealistycznej, jego gęste, fragmentaryczne obrazy stanowią w gruncie rzeczy wierne odzwierciedlenie naszej rzeczywistości, jej syntezę odartą z anegdoty. Przedstawiają świat rodem z mang dla nastolatków, w którym codzienność miesza się z nadnaturalnością, słodycz z przemocą, a pruderia z rozbuchaną seksualnością. Świat, który niepostrzeżenie stał się naszym własnym”.

23

TYMEK BOROWSKI (ur. 1984) Portret Reneta Achmetowa, 2007 r. akryl/płótno, 81 x 60 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'TYMEK BOROWSKI | 2007'

cena wywoławcza: 6 000 zł estymacja: 7 000 - 12 000

„Nie lubię szukać tematów. Staram się doprowadzić do tego, żeby to one mnie znalazły, żeby same przychodziły do głowy. Dużo czytam, oglądam, temat sam się pojawia. Bardzo często jest też tak, że kiedy robię jedną pracę, to pod koniec przychodzi pomysł następnej”.

TYMEK BOROWSKI

Prezentowana praca pochodzi z okresu, kiedy Tymek Borowski studiował na warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych.Wczesny okres jego twórczości to cykl charakterystycznych portretów, które malował głównie ze zdjęć.

Portrety przedstawiały ludzi znanych w świecie sztuki, polityki i mediów.

Tak jak w żadnym z portretów Tymka również tutaj nie jesteśmy w stanie zidentyfikować postaci bez podpowiedzi. Jego portrety to echo malarstwa surrealistów, na które składa się biomorficzna forma dająca wrażenie zsuwania się, znikania z płótna.

Absolwent warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, na której swój dyplom obronił w 2009 roku. Należy do nurtu „nowym nadrealistów”.

Zaczynał od malarstwa bliskiego poetyce surrealizmu. Jeszcze na studiach rozpoczyna artystyczną współpracę z Pawłem Śliwińskim.

Z początku spontaniczna zabawa w malowanie kończy się cyklem malowanych kolektywnie obrazów, a później rzeźb stworzonych specjalnie na otwarcie Parku Rzeźby na Bródnie – inicjatywy Pawła Althamera. Od zawsze bliska mu była sztuka, której nie zamyka się w ścianach galerii, dlatego wraz z Rafałem Dominikiem i Katarzyną Przezwańską otworzył Czosnek Studio – agencję graficzną łączącą działania artystyczne i reklamowe.W trakcie rozwoju artystycznego kierunek działania Tymka zmienia się. Odchodzi on od malarstwa na rzecz działań graficznych i filmowych.W swojej twórczości porusza kwestie sztuki i jej oddziaływania w codzienności m.in. przez filmy „How Culture Works?” i „How Art Works?”. W ostatnim czasie Borowski wraca do malarstwa, które jest spójne z działaniami graficznymi. Artysta wytwarza charakterystyczny sobie styl, który zostaje zaważony przez Empik. Jeden z obrazów Tymka staje się visualem promującym organizowany przez empik.com Międzynarodowy Festiwal Literatury „Apostrof”.W 2015 roku Tymek zostaje laureatem Paszportów Polityki w kategorii Sztuki wizualne za „nowatorskie podejście do sztuki i przedefiniowanie roli artysty we współczesnym społeczeństwie”. W ostatnim czasie miały miejsce duże indywidulane wystawy: „Wszyscy potrzebują zasad, ale każdy potrzebuje innych” w Galerii Arsenał w Białymstoku czy w Polana Institute w Warszawie, gdzie Artysta pokazał swoje najnowsze obrazy.

Tymek Borowski, rozdanie Paszportรณw Polityki 2015,Warszawa 2016, fot. Przemek Wierzchowski / Agencja Gazeta

24

TYMEK BOROWSKI (ur. 1984) Bez tytułu (Basen), 2009 r. technika mieszana/płótno, 90 x 120 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'TYMEK BOROWSKI | 2009'

cena wywoławcza: 8 000 zł estymacja: 10 000 - 20 000

„Malarstwo ciekawi mnie m.in. dlatego, że jest zapisem bardzo bezpośredniego działania, jak wideo z koncertu – kiedy pokazuje, co może zrobić jeden człowiek. Nie masz nieograniczonej ilości roboczogodzin, nieograniczonego czasu”.

TYMEK BOROWSKI W ROZMOWIE Z JANKIEM OWCZARKIEM, MAGAZYNSZUM.PL, 2.02.2018

Recepcję twórczości Tymka Borowskiego zdeterminowało rozpoznanie sztuki malarzy „zmęczonych rzeczywistością” jako niemającej dopowiedzenia na temat tej ostatniej nic istotnego.Tymczasem sztuka Borowskiego nieustannie ewoluuje: po kilku latach od debiutu jest to złożona, często krytyczna wypowiedź odnośnie charakteru współczesnego systemu artystycznego, a także próba opowiedzenia o statusie (rozterkach, pokusach

i tęsknotach) malarza funkcjonującego w jego obrębie u progu drugiej dekady XXI wieku. Jednocześnie twórczość Borowskiego zachowuje parametry, dzięki którym zdobyła uznanie w momencie, gdy artysta był jeszcze na studiach: to malarstwo pełne dezynwoltury, nieustannie pogrywające z kanonami stosowności, drażniące strażników „ dozwolonych” estetyk, w końcu – przykład przewrotnego pokoleniowego buntu.

„Każda dobra sztuka jest użytkowa. Nawet jeśli to abstrakcyjny, bezideowy obraz, a ma jakiś pozytywny wpływ na tego, kto go ogląda (rozbawia, wprawia w dobry nastrój), to już się staję sztuką użytkową”.

TYMEK BOROWSKI W ROZMOWIE Z PIOTREM SZARZYŃSKIM, „POLITYKA”, NR 9/2016, s. 79

27

MATEUSZ SZCZYPIŃSKI (ur. 1984) Lekcja III ("abc"), 2016 r. olej/płótno, 45 x 40 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'MS | 2016 | MATEUSZ | SZCZYPIŃSKI | ABC'

cena wywoławcza: 3 000 zł estymacja: 5 000 - 8 000

„Inspirujące może być pojedyncze zdjęcie, tytuł artykułu, obraz zobaczony w galerii, bądź kolorowym katalogu. Zainteresowanie starami gazetami wynika z faktu, że lubiłem odwiedzać bazary staroci, gdzie mogłem znaleźć prawdziwe skarby w postaci starych czasopism, przedmiotów, fotografii”.

MATEUSZ SZCZYPIŃSKI

28

MATEUSZ SZCZYPIŃSKI (ur. 1984) Krzyżówka 30-16, 2016 r. technika mieszana, olej/płótno, 50 x 55 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'MS | 2016 | [sygnatura] | MATEUSZ | SZCZYPIŃSKI'

cena wywoławcza: 3 000 zł estymacja: 5 000 - 8 000

Ukończył Historię Sztuki na Wydziale Historycznym Uniwersytetu Jagiellońskiego w Krakowie w 2009 roku.W 2012 roku ukończył studia na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie w pracowni prof.Andrzeja Bednarczyka i dr Witolda Stelmachniewicza , oraz w pracowni intermedialnej dr hab. Grzegorza Sztwiertni i dr hab. Zbigniewa Sałaja. Głównym obszarem jego działalności artystycznej jest malarstwo. Jak sam mówi: „Najbardziej charakterystycznym aspektem mojej twórczości, wydaje mi się wykorzystywanie kolażu. Chodzi mi

tu nie tylko o technikę, ale także sposób myślenia, który ona narzuca. Korzystając z gotowych elementów, mogę odnieść się do konkretnych, bardzo wyraźnych treści, jednak wyrwanych ze swego oryginalnego kontekstu. Z jednej strony to operowanie cytatem, odwoływanie się do powszechnie znanej tradycji, ikon sztuki, obrazów, które w jakiś sposób zakodowane są w masowej świadomości, z drugiej jednak to pójście dalej. Przy ich pomocy mogę kreować nowe treści, sytuacje, często nie mające wiele wspólnego z 'bazą', od której wychodzę”.

29

PAWEŁ ALTHAMER (ur. 1967) "Kunstmarkt", 2001 r. olej/płótno, 18 x 55 cm

cena wywoławcza: 7 500 zł estymacja: 10 000 - 20 000

Prezentowana praca powstała przy okazji wystawy „Zawody malarskie” kuratorowanej przez Adama Szymczyka w Galerii Bielskiej w 2001 roku. Jak czytamy we wstępie do wystawy, kurator „wybrał artystów, którzy kojarzeni są z innymi niż malarstwo mediami, technikami czy środkami wypowiedzi, ale penetrując granice sztuki i przekraczając międzygatunkowe podziały, wyznaczają kontur terenu, na którym uporczywie pojawia się kwestia malarstwa. Artyści biorący udział w wystawie nie identyfikują się z malarstwem pojmowanym jako pracowite rozstrzyganie dwuwymiarowej powierzchni. Przeciwnie, odchodząc od malarstwa, traktują je jako jeden ze środków, umożliwiających powiedzenie czegoś o świecie, który ze wszystkich czterech stron wdziera się w obraz.

W wystawie biorą udział artyści znani z wielu innych wystaw w Polsce, a także mniej znani. Nigdy jednak nie występowali w tej konfiguracji. Paweł Althamer, artysta malarz, pokazuje obrazy z pomarańczowymi kropkami (co w języku

komercyjnych galerii oznacza: sprzedane) i napisami, jakie zwykle umieszcza się na tabliczkach obok obrazu.Tematem obrazu staje się jego położenie rynkowe i miejsce w historii sztuki” (źródło: www.bja.galeriabielska.pl).

Paweł Althamer studiował w latach 1988-93 na Wydziale Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, gdzie, pod kierunkiem Grzegorza Kowalskiego, zrobił dyplom. Już od 1991 wystawiał swoje pierwsze prace wraz z kolegami z pracowni (m.in. Katarzyną Kozyrą, Jackiem Markiewiczem, Jackiem Adamasem) i to wraz z nimi współtworzył zjawisko „Kowalni” – jednego z czołowych ugrupowań młodej sztuki polskiej lat 90. Jednym z ważniejszych osiągnięć artystycznych było zdobycie przez niego, w 2004 roku, prestiżowej nagrody Vincenta Van Gogha, przyznawanej przez holenderską Fundację de Broere oraz, w 2010 roku, Paszportu Polityki dla Kreatora Kultury.

30

TOMASZ KOWALSKI (ur. 1984) Bez tytułu, 2006 r. olej/płótno, 24 x 27 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'TOMASZ | KOWALSKI | 2006'

cena wywoławcza: 5 500 zł estymacja: 6 000 - 10 000

Malarstwo Kowalskiego cechuje oniryczny nastrój, klimat przesycony atmosferą malarstwa dawnych mistrzów, takich jak Pieter Bruegel czy artyści włoskiego renesansu. Charakterystyczne są dla niego odrealnione pejzaże utrzymane w ciepłej, stonowanej kolorystyce. Niewielkie, drobiazgowo wypracowane kompozycje zaludnione bywają niekiedy tajemniczymi figurami bardziej przypominającymi manekiny aniżeli postaci ludzkie, wyłaniające się z bujnej roślinności.

Chętnie ilustruje też mikrokosmos owadów, konstruuje światy wypełnione zagadkowymi mechanizmami i obiektami o trudnej do określenia funkcji.

Z obrazów Kowalskiego emanuje niepokojąca atmosfera, przedstawione postaci znajdują się w sytuacji trudnego do sprecyzowania niebezpieczeństwa. Jak pisze Ewa Gorządek: „Często na jego obrazach pojawia się teatralna scena lub kotara,

a artysta komponuje postacie i rekwizyty w sposób przypominający ustawienia sceniczne.Aktorami są ludzie wyglądający jak marionetki oddające się niejasnym dla widza czynnościom, może rytuałom, ale także owady, maszyny do malowania obrazów, a nawet całe krajobrazy” (źródło: Ewa Gorządek, www.culture.pl).

Tomasz Kowalski ukończył studia na Wydziale Malarstwa krakowskiej ASP (2004-09). Jest członkiem efemerycznych formacji muzycznych Anna Dymna Ensemble i Masters of the Universe. Mieszka i pracuje w Berlinie i Krakowie.

Prace artysty prezentowane były m.in. na Art Basel Miami Beach, carlier | gebauer w Berlinie, Künstlerhaus Bethanien w Berlinie, Galerii Pies w Poznaniu, BWA w Zielonej Górze czy Galerii Nova w Krakowie.

31

JAKUB JULIAN ZIÓŁKOWSKI (ur. 1980) Bez tytułu, 2008 r. gwasz/papier, 45 x 35 cm (w świetle passe-partout) sygnowany i datowany na odwrociu: 'JakubJulianZiółkowski | JZ | 2008'

cena wywoławcza: 10 000 zł estymacja: 15 000 - 20 000

„Wydaje mi się, że malarstwo jest także formą ucieczki od rzeczywistości, sposobem na przetrwanie, czasem wyborem, czasem przymusem (...). Dla mnie malarstwo jest jak rozmowa z samym sobą, jest medytacją, nie da się tego objąć rozumem”.

JAKUB JULIAN ZIÓŁKOWSKI [W:] W CZWOROBOKU PŁÓTNA, „TYGODNIK POWSZECHNY”, KRAKÓW, 18.05.2008

„Ziółkowski z podobną ahistoryczną swobodą traktuje zarówno otaczającą go rzeczywistość, jak i całą historię sztuki, czyniąc z nich niewyczerpane źródło form i motywów prywatnej symboliki. Jego obrazy i grafiki przypominają szkatułkowe kompozycje, gdzie snute opowieści tworzą rozległą pajęczynę znaczeń.

Jest to malarstwo metafizyczne, które poprzez historię nie rozumie najbliższej otaczającej nas przeszłości, ale ponadsytuacyjny dialog z wielką tradycją sztuki i kultury wizualnej. Jakub Julian Ziółkowski to jeden z pierwszych malarzy najmłodszego pokolenia, który na swój sposób odwrócił się od współczesności, by czerpać inspiracje z różnych źródeł: z tradycji surrealizmu, malarstwa metafizycznego, sztuki Japonii i Indii, twórczości Neo Raucha, Giorgia de Chirico, Alfreda Kubina, Jamesa Ensora, Otto Dixa, ale także Pabla Picassa.W pracach artysty poszczególne motywy, elementy, budują na pozór chaotyczny świat, w którym jednak paradoksalnie panuje porządek” (Hanna Wróblewska, ze wstępu do indywidualnej wystawy artysty w warszawskiej Zachęcie, 2010).

Julian Jakub Ziółkowski jest jednym z najważniejszych polskich malarzy.

Ukończył ASP w Krakowie w 2005 roku.W jego twórczości widoczne są przetworzone inspiracje sztuką m.in. Hieronima Boscha,Witkacego, Brunona Schulza, Jamesa Ensora, Pabla Picassa,Andrzeja Wróblewskiego, Pieta Mondriana, Joana Miró, Neo Raucha.Tworzy własne, tajemnicze światy, przepojone cierpieniem i ekstazą, zamieszkałe przez hybrydalne, często zdeformowane postaci, ludzkie i zwierzęce. Sztuka jest dla niego obszarem autonomicznym wobec rzeczywistości, rządzącym się własnymi prawami, znanymi tylko autorowi, zależnymi od jego wyobraźni.W roku 2013 jego obrazy prezentowane były w ramach wystawy głównej 55. Biennale Sztuki w Wenecji „Palazzo Enciclopedico”. Prace artysty znajdują się w najważniejszych kolekcjach prywatnych i muzealnych na całym świecie.

32

ANNA PANEK (ur. 1977) Bez tytułu, 2017 r. akryl/płótno, 24 x 18 cm

cena wywoławcza: 2 000 zł estymacja: 3 000 - 5 000

WYSTAWIANY: - Anna Panek, Grundlagen, Galeria Arsenał, Białystok, 28.04-01.06.2017

„Malarstwo jest bardzo pojemne. Znajdzie się tam miejsce i na dowcip, i na ironię.

Często korzystam z tych kategorii”.

ANNA PANEK, KATALOG WYSTAWY GRUNDLAGEN, GALERIA ARSENAŁ BIAŁYSTOK, 2017

Anna Panek Ukończyła studia na Wydziale Architektury Politechniki Wrocławskiej oraz Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w pracowni Leona Tarasewicza (aneks w pracowni profesora Grzegorza Kowalskiego). Autorka projektów publikowanych w prestiżowych czasopismach.W 2011 roku otrzymała stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Brała udział w wystawach: „Klaster”,

Galeria Entropia,Wrocław; „Midnight Show”, BWA Dizajn Wrocław; „AAAkupunktura”, galeria Kordegarda; „Uporczywość”, „Oset Pokrzywa”, „Elemental Painting”, galeria Heppen Transfer,Warszawa; „Królestwo”, CSW Zamek Ujazdowski,Warszawa; „Porastanie”, „NIE MA SORRY”, Muzeum Sztuki Nowoczesnej,Warszawa. Mieszka i pracuje w Warszawie.

33

ALEKSANDRA CHABEREK (ur. 1972) Bez tytułu, 2009 r. olej/płótno, 145 x 170 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'Bez tytułu | Chaberek ‘2009'

cena wywoławcza: 4 500 zł estymacja: 6 000 - 10 000

Prezentowana praca powstała, kiedy Aleksandra Chaberek żyła i tworzyła w Berlinie, gdzie współpracowała z galerią Janine Bean Gallery, a jej prace wystawiane były również na targach sztuki w Berlinie i Kolonii. O jej twórczości pisała Magdalena Sołtys: „Aleksandra Chaberek zajmuje się malarstwem, ale to mało powiedziane, kieruje nią uporczywy, wewnętrzny przymus malowania.To malarstwo ma bohatera, człowieka. Rzadko kiedy jednak jest to ktokolwiek, najczęściej jest to ktoś specjalny, jakiś. Zmysłowa, wyzywająca kobieta, młodzieniec (niczym z dawnych lat), urodziwe, demoniczne dziecko, ta, nie inna, staruszka, własny mąż. Co nie zmienia faktu, że ten bohater jest zarazem uniwersalny.

To portret, figura, często akt (…). Jej bohaterowie wyczekują i oddalają się od realności, wyobcowują, stają z boku wobec odgrywanej roli, zawieszają w przestrzeni.Ale oni chyba nie są samotni, są ponad samotnością. Malarka próbuje

rozczytać świat ludzkich przeżyć, nie rozczytując go za bardzo. I to jest chyba ten punkt w sztuce, który (między innymi) rozstrzyga, że ktoś jest z krwi i kości artystą, punkt, w którym wyraża się mocno, wiele, intensywnie, ale to nie czyta się wprost, dyskursywnie, dosłownie, na pewno. Chaberek zastanawia, frapuje, pociąga, wstrząsa, wywiera wpływ na odbiorcę, nie ma co do tego wątpliwości.

I nie daje odpowiedzi, nie wyjaśnia. Przyznaje, że ma upodobanie do przesady i ekstrawagancji. Ale tej przesadzie towarzyszy jakaś sekretna powściągliwość, niespodziewana dyskrecja. A przy tym ścisłość i pedantyczna konstrukcja obrazu nie dają się przeoczyć i pominąć. Brawura kolorystyczna jest potężnym udziałowcem dramatyzmu, jaki zostaje osiągnięty. Powierzchnia płótna lśni gładzią lub składa się z impastów, strupów, pracujących na swój sposób ze światłem. Plama jest pedantyczna lub działa brawurą gestu, rozciąga się i rozlewa”.

34

JULIA CURYŁO (ur. 1986) "Trójca", 2015 r. olej/płótno, 176 x 140 cm sygnowany p.d.: 'Curyło'

cena wywoławcza: 9 500 zł estymacja: 14 000 - 20 000

WYSTAWIANY: - Julia Curyło,Widzenia meta-fizyczne, Uniwersytet Mikołaja Kopernika, Instytut Fizyki i Informatyki Stosowanej,Toruń, 17-28.12.2017 - porównaj: Apollo 11, Orzeł wylądował, Ausstellungzentrum Pyramide Berlin, Berlin, 2017 - Julia Curyło, Cudawianki, Galeria -1,Warszawa, 22.06-7.09.2017 - Julia Curyło, Malarstwo, BWA Gorzów Wielkopolski, 11.03-16.04.2017 - Julia Curyło, Cudowne widzenia, Galeria Scena, Koszalin, 12.08-4.09.2016 - Julia Curyło, Cudownie widzenia, Galeria Miejsce Sztuki 44, Świnoujście, 2.07-10.08.2016 - porównaj: Apollo11- Orzeł wylądował, Galeria Sztuki Wozownia,Toruń, 12.02-6.03.2016 - porównaj: Apollo11- Orzeł wylądował, BWA Zielona Góra, 7-30.08.2015 LITERATURA: - Julia Curyło, Cudowne opowieści. Julia w krainie czarów, katalog wystawy, Olsztyn, s. 7 (il.)

„Trójca to przedstawienie Boga występującego w Trzech Osobach, oraz odwołanie do Pisma Świętego, gdzie w Księdze Rodzaju (1,1-2,4a) czytamy, że trzeciego dnia Bóg stworzył ląd i rośliny. Również trzeciego dnia po ukrzyżowaniu Zmartwychwstał Jezus Chrystus. Zastanawiającym jednak na obrazie u Curyło faktem jest to, że przedstawiony na nim przypuszczalnie Duch Święty, ukazany został pod postacią dmuchanej owieczki, a nie w formie gołębicy – jak ma to miejsce w tradycyjnych przedstawieniach odnoszących się do tematyki świętej Trójcy. Znając wcześniejszą twórczość malarki, oraz kierunek w którym podąża, można z pewnością stwierdzić, że wdrażając pewien zabieg 'podmieniania' znanych nam postaci biblijnych i tworzenia przez to nieco nowej narracji, rozpoczyna ona grę z widzem, czyni pewnego rodzaju 'sprawdzian' dla społeczeństwa ze znajomości ikonografii chrześcijańskiej.

To czy go zdamy, czy też nie, zależy już indywidualnie od nas samych, od stopnia naszej religijności, od naszego postrzegania świata i znajomości biblijnej tematyki (...)'. Dmuchane baranki u Curyło stanowią jedną z najbardziej rozpoznawalnych cech charakterystycznych dla jej twórczości.To właśnie one stały się bohaterkami jej najpopularniejszych prac i to nimi artystka wzbudziła największe kontrowersje. Są one zawsze nadmuchane, niewinne, a zarazem kuszące. Przyciągają widza do siebie swym dwulicowym obliczem: z jednej strony tym czystym, nieskalanym odwołującym się do tradycji biblijnej, oraz drugim – tym erotycznym, zmysłowym i bardzo cielesnym”.

JOANNA PANETH, KO(S)MICZNY OBRAZ RZECZYWISTOŚCI W TWÓRCZOŚCI JULII CURYŁO, s. 25-26

Studiowała na warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie obroniła dyplom w pracowni malarstwa prof. Leona Tarasewicza i pracowni sztuki w przestrzeni publicznej prof. Mirosława Duchowskiego w 2009. Jest autorką obrazów oraz instalacji prezentowanych w przestrzeni publicznej miasta.

W styczniu 2010 wygrała konkurs zorganizowany przez działającą na stacji metra Marymont w Warszawie. Pokazany tam wielkoformatowy mural „Baranki Boże” przyniósł rozgłos artystce.W listopadzie tego samego roku Curyło otrzymała Grand Prix Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz nagrodę Galerii Miejskiej BWA w Bydgoszczy podczas PROMOCJI 2010 w Galerii Sztuki w Legnicy.W maju 2011 roku została nominowana do prestiżowej nagrody 10. Konkursu im. Gepperta.W tym samym roku odbyły się trzy indywidualne wystawy artystki: „Odpusty i cudowne widzenia” w Galerii Sztuki Wozownia w Toruniu, „Rzeczywistość magiczna”, w Galerii Sztuki w Legnicy oraz „Odpusty i cudowne widzenia” w Galerii Szarej i Galerii Strefa A w Krakowie. Kolejne lata przyniosły następne liczne wystawy i prezentacje sztuki Curyło, w tym jej obiektów wystawianych w przestrzeni miasta, między innymi w Warszawie, Poznaniu (festiwal No Women No Art) i Bydgoszczy.W roku 2012 Julia Curyło znalazła się w pierwszej piętnastce rankingu najbardziej znaczących młodych artystów Kompas Młodej Sztuki.

W tym samym roku otrzymała stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego przeznaczone na realizację serii rzeźb pneumatycznych „Kury”.

35

MICHAŁ FRYDRYCH (ur. 1980) "Guma do żucia dla oczu", 2012 r. olej/płótno, 140 x 160 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'MICHAŁ FRYDRYCH | 2012 140 x 160 CM | GUMA DO ŻUCIA DLA OCZU | TAGI: CIEŃ, CZERWONY, DYNAMIKA, ESY FLORESY, FIOLET, KOLOR ZERO, KOSMOS, PŁYNNOŚĆ, ZIMNY, ZMYSŁOWY,VENUS, SELEDYN, SYNTETYCZNY'

cena wywoławcza: 5 500 zł estymacja: 7 000 - 15 000

WYSTAWIANY: - Michał Frydrych,Villa Straylight, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski,Warszawa, 30.01-06.03.2016 - Michał Frydrych, Zamienię obraz na tysiąc słów, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski,Warszawa, 4-17.03.2013 Językiem twórczości Michała Frydrycha jest tworzywo, które opowiada historie, relacjonuje zdarzenia oraz umożliwia pojawianie się i znikanie rzeczy.

Tworzy on w obrębie przestrzeni narracyjnych, czasem zahaczając również o przestrzeń publiczną. Malarstwo jest dla niego zjawiskiem tworzącym wizualne obiekty, które „generują ciągi znaczeń w mowie”. Jest to jeden z tych artystów, którzy dużo uwagi poświęcają poziomowi intelektualnemu swoich prac. Zabiegiem często występującym w jego twórczości jest zestawianie słów, które oprócz gry słownej pozwalają na interpretacje egzystencjalne. Prezentowany obraz Michał Frydrych tak komentuje na swoim blogu: „Żucie obrazów może sprawić, że przykleją się one do oka albo przykleją się do ściany. Jest to czynność kompulsywna: pogrąża żującego w zalewie wrażeń zmysłowych, które zostają przełożone na struktury mowy.To też miejsce interesujące mnie w obrazie przede wszystkim: styk płaszczyzn wzroku i języka. A tam, gdzie się łączą ich tkanki: osmoza. Obraz indukuje słowa. Ma z nimi wspólny mianownik,

ani za szeroki, ani za wąski.Taki by jego malarskość była stabilna i zarazem nie zasłaniała wynikających zeń opisów. W efekcie, by mówiący o obrazie język przysłaniał go. Hybryda, gdzie słowa stają się bezpośrednie jak obraz” (źródło: www.michalfrydrych.com).

Michał Frydrych jest absolwentem malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. Studiował także na berlińskim Universität der Künste oraz filozofię na Uniwersytecie Warszawskim. Zajmuje się malarstwem i tworzeniem na jego podstawie przestrzeni narracyjnych, czasem też sztuką w przestrzeni publicznej. Używa języka w formie tworzywa, umożliwiającego pojawianie się i znikanie rzeczy, relacji i historii. Odnosi się do malarstwa jako zjawiska tworzącego wizualne byty, generujące ciągi znaczeń w mowie. Interesuje go rzeczywistość jako język, piękno w oku obserwatora, doskonałość prozaiczności, rzucanie cienia, psychodelia, składnia. Mieszka i pracuje w Warszawie.

36

SŁAWOMIR TOMAN (ur. 1966) Bez tytułu, 2003-04 r. olej/płótno, 106 x 100 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'Toman’s | "Bez tytułu" | olej, płótno | 2003/4'

cena wywoławcza: 3 800 zł estymacja: 5 000 - 10 000

Na płótnach Tomana odnajdziemy bohaterów kultury popularnej. Plastikowe gadżety wytwarzane przemysłowo, poddane malarskiej interpretacji oraz wyizolowaniu z pierwotnego kontekstu stają się nośnikami krytyki współczesnego społeczeństwa. Pojedyncze obrazy autor zestawia ze sobą, tworząc nowe znaczenia i narracje. Jak pisała Katarzyna Pisarczyk: „Malarstwo Sławomira Tomana znakomicie mieści się w nurcie malarstwa hiperrealistycznego. Miękkie, laserunkowe pociągnięcia pędzla, wysublimowana, nasycona paleta barwna pozwalają osiągnąć artyście doskonałość w wydobyciu materii przedmiotu. Bo właśnie przedmioty są przede wszystkim 'bohaterami' jego obrazów. Ukazane z ogromną precyzją, z fotograficzną wręcz dokładnością, bajecznie kolorowe i błyszczące porcelanowe figurki czy plastikowe zabawki.Temat zupełnie banalny, trącający kiczem, a jednak

potraktowany w sposób zmuszający do refleksji, albo jak kto woli, będący miłym akcentem – znakiem, dobrą, niczym nie ograniczoną i nieskrępowaną zabawą artysty – grą w kolory, światła i cienie. Choć malarstwo Sławomira Tomana ma charakter mimetyczny, czysto przedstawieniowy, wskazuje na pewne aspekty codzienności. Malując radosne postaci krasnali, nie ocenia rzeczywistości, bawi się raczej tematem, mistrzostwem warsztatu, materią gładkich, lśniących porcelanowych zabawek. Pokazuje beztroski świat plastikowych figurek, wyjętych z kontekstu, wyrwanych ze swego naturalnego środowiska, bo umieszczonych w pustej przestrzeni koloru.To jeszcze mocniej podkreśla pustkę i sztuczność plastikowej rzeczywistości, która coraz głośniej puka do naszych drzwi” (Katarzyna Pisarczyk, ze wstępu do katalogu wystawy Sławomira Tomana, Obrazy Znaczeń w BWA Sandomierz, 2005).

37

ANNA OKRASKO (ur. 1981) Bez tytułu, Z cyklu "Jak się robi obrazki", 2004 r. akryl/płótno, 60 x 60 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'bez tytułu, z cyklu: Jak się robi obrazki, 2004 | akryl na płótnie, 60 x 60 cm'

cena wywoławcza: 4 500 zł estymacja: 6 000 - 10 000

Anna Okrasko jeszcze w czasie studiów zrealizowała projekt „Jak się robi obrazki”.Wielkie dyplomowe płótno o wymiarach 190 x 330 cm pocięła na kawałki, naciągnęła na małe blejtramy i wystawiła na aukcji internetowej, ogłaszając wyprzedaż przecenionej sztuki. Przy zakupie dwóch obrazków oferowała przesyłkę gratis. Przy zakupie trzech do darmowej przesyłki dokładała czwarte dzieło sztuki w promocji. „Jak się robi obrazki” to tytuł projektu Okrasko z 2004, a także dokuczliwe pytanie, które artystka zadaje sobie i sztuce.Aby otrzymać odpowiedź, poddaje malarstwo testom wytrzymałości – na banalizację, komercjalizację, absurd. Prezentowana praca jest jedną z prac z powstałego wówczas cyklu.

W latach 1999-2004 studiowała na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk

Pięknych w Warszawie w pracowni prof. Leona Tarasewicza. Dyplom obroniła w 2004 roku.W 2005 roku odbyła podyplomowy staż w Międzywydziałowej Pracowni Intermediów krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych. Mieszka i pracuje w Warszawie. Obrazy Anny Okrasko w większości przypominają malarskie notatniki. Często wykorzystuje w nich tekst lub znaki graficzne nanoszone na płótno za pomocą szablonu.W ostatnim czasie zaczęła tworzyć obrazy monochromatyczne.W jej twórczości dają się wyodrębnić dwa wiodące wątki: problem feminizmu oraz funkcjonowania w ramach środowiska artystycznego, stereotypów dotyczących artystów, „artystycznej produkcji”. Oba wątki łączy osoba artystki – kobiety-malarki.

38

MAŁGORZATA KOSIEC (ur. 1975) Moon like a Flower, 2012 r. olej/płótno, 50 x 50 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'MAŁGORZATA | KOSIEC | 2012 | MOON LIKE A | FLOWER | FRAGM. OF "THE NIGT" | W. BLAKE'

cena wywoławcza: 3 800 zł estymacja: 5 000 - 10 000

„Zawsze uważałam, że sztuka powinna odwzorowywać ducha czasu, ja maluję dla mojego pokolenia i to nasza rzeczywistość: nadmiaru i wszelkiej obfitości, rozmycia się wizerunku człowieka w mediach i cyberprzestrzeni – jest źródłem mojej twórczości. Na co dzień napędza mnie sam proces twórczy, jeden obraz ma już w sobie zaczątki następnego. Często zdarza się, że ostatnia praca w danej serii, malowana resztkami sił, bywa początkiem czegoś nowego na przyszłość”.

MAŁGORZATA KOSIEC W ROZMOWIE Z PAWŁEM MIGDALSKIM, „FASHION TV MAGAZINE”, NR 5/2018, s. 86

Absolwentka Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi, obroniła dyplom z wyróżnieniem w 2000. Stypendystka Ministerstwa Kultury i Sztuki.

Finalistka programu International Young Art z 2002 roku domu aukcyjnego Sotheby’s. Miała wystawy w Nowym Jorku,Tel-Awiwie, Amsterdamie, Denver, Goteborgu, Malmo, Sztokholmie, Londynie oraz liczne w Polsce. Doceniana za unikatową technikę portretową oraz połączenie nowoczesnych środków wizualnych z dziedzictwem wielkich mistrzów malarstwa.Twórczość Kosiec przebiega równocześnie w dwóch nurtach: tzw. portretach typograficznych, gdzie wizerunek budowany jest z warstw liter, słów i symboli, oraz w abstrakcjach wielkoformatowych. Oba te nurty łączy wielowarstwowość, poszukiwanie głębi oraz tajemniczość.

Gosia Kosiec w pracowni, fot. Dariusz Kowalik / Dzięki uprzejmości Artystki

39

MAŁGORZATA KOSIEC (ur. 1975) "Dim", 2017 r. akryl, kolaż/płótno, 92 x 73 cm sygnowany p.d.: 'KOSIEC' sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'MAŁGORZATA | KOSIEC | DIM | 2017'

cena wywoławcza: 4 800 zł estymacja: 8 000 - 16 000

WYSTAWIANY: - Małgorzata Kosiec, Fantomy,Towarzystwo Zachęty Sztuk Pięknych, Częstochowa, 19.01-7.02.2018

40

ANNA SZPRYNGER (ur. 1982) Bez tytułu, 2017 r. akryl/płótno, 100 x 120 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'ANNA SZPRYNGER | 2017.'

cena wywoławcza: 15 000 zł estymacja: 25 000 - 35 000

WYSTAWIANY: - Pozor/na przestrzeń, Mokotow/ska Gallery,Warszawa, 8.06-2.07.2017 „W twórczości Anny Szprynger na plan pierwszy wysuwa się zagadnienie strategii twórczej, która stanowi o oryginalności i rozpoznawalności œuvre artystki.Wyłącznie kreską posługuje się ona od 2006 roku.Ten sposób kreacji odgrywał ważną technicznie rolę już we wcześniejszej serii obrazów 'wypranych'. Proces, o którym mowa, szalenie pracochłonny warsztatowo, nie pozwalał artystce na pełną kontrolę nad przedstawieniem. Anna Szprynger malowała wówczas zarysy struktur architektonicznych na płótnie, by następnie płótno to wyprać. Kompozycja traciła w ten sposób jednoznaczność motywu, nabierając przy tym aury niedopowiedzianego. Artystka czasem wracała do wypranej kompozycji, domalowując poszczególne elementy”.

JAROSŁAW DENISIUK, U ŹRÓDEŁ MALOWANIA. O MALARSTWIE ANNY SZPRYNGER, [w:] BEZ TYTUŁU, KATALOG WYSTAWY ANNY SZPRYNGER, GDAŃSK 2014, s. 16

Studiowała grafikę i malarstwo w Kolegium Sztuk Pięknych w Kazimierzu Dolnym i na Uniwersytecie Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie.

Dyplom z wyróżnieniem uzyskała pod kierunkiem profesorów Tomasza Zawadzkiego i Grzegorza Dobiesława Mazurka.W 2014 roku obroniła pracę doktorską na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, pod kierunkiem profesor Doroty Grynczel. Autorka kilkunastu wystaw indywidualnych, m.in. w Galerie Lindner w Wiedniu (2017), Muzeum Narodowym w Gdańsku (2014), Galerii EL w Elblągu (2014), Państwowej Galerii Sztuki w Sopocie (2012). Brała udział w ponad 40 wystawach zbiorowych.W 2013 została laureatką Prix Marin na paryskim Salon des Réalités Nouvelles, a w 2015 otrzymała Nagrodę Arteonu za 2014 rok.

„Wielką frajdę zawsze sprawia mi oglądanie dobrej abstrakcji geometrycznej, bo widzę coś, co rozumiem.Wiem, że za tym stoi jakaś głębsza myśl. Chociaż jest to zupełnie intuicyjne, w takiej sztuce potrafię zobaczyć, czy coś jest dobre, czy słabe”.

ANNA SZPRYNGER

Anna Szprynger, fot. Alicja Szewczyk-Salska / Dzięki uprzejmości Artystki

41

JAN MIODUSZEWSKI (ur. 1974) Bukiet Josefa Gočára, 2017 r. olej/płótno, 200 x 135 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'Mioduszewski | sierpień 2017' oraz pieczęć: Fabryka Mebli

cena wywoławcza: 7 000 zł estymacja: 10 000 - 15 000

Prezentowana praca Bukiet Josefa Gočára jest hołdem dla jednego z najwybitniejszych czeskich architektów i urbanistów XX wieku. Jego najważniejsze dzieła związane były z czeskim kubizmem i modernizmem.

Oprócz tego artysta miał ogromny wpływ na przebudowę wielu czeskich miast (np. Hradec Králové).

Malarstwa w pracowni prof. Zbigniewa Gostomskiego i Wydziale Rysunku u profesora Stanisława Baja. Studia ukończył dyplomem z malarstwa w pracowni prof. Zbigniewa Gostomskiego w 1999 roku. Asystent w pracowni Wiedzy o Działaniach i Strukturach Wizualnych profesora Jacka Dyrzyńskiego na Wydziale Malarstwa ASP.

Jak pisze Janek Owczarek: „Malarstwo Mioduszewskiego zręcznie wyślizguje się awangardowej optyce. Nie mieści się w niej przede wszystkim iluzja, ale także malarskie mitologie, optyczne złudzenia, tradycyjne techniki i starzy mistrzowie” (Janek Owczarek, Meblizm, [w:] Jan Mioduszewski.

Fabryka Mebli,Warszawa 2015, s. 46).

Od 2002 roku Jan Mioduszewski wszystkie swoje wystąpienia tytułuje FABRYKA MEBLI. Fabryka Mebli produkuje obrazy, obiekty, fotografie.

Projekt łączy malarstwo, interwencje, instalacje, działania w przestrzeni publicznej i performance (nazywane przez autora nieruchomymi performance). Realizacje malarskie to obrazy-meble, które powstają na podobraziach ciętych.W nieruchomych performance’ach Jan Mioduszewski używa malowanych kostiumów.

Mioduszewski studiował w łódzkiej PWSSP na Wydziale Edukacji Wizualnej w latach 1994-96. Następnie w warszawskiej ASP na Wydziale

42

BASIA BAŃDA (ur. 1980) "Nie wieprz tylko myszuniu", 2006 r. technika mieszana, akryl, wełna, koraliki/płótno, 44 x 24 cm sygnowany i datowany na odwrociu: '"Nie wiepsz | tylko myszuniu" | 2006'

cena wywoławcza: 2 000 zł estymacja: 4 000 - 10 000

Prezentowana praca pochodzi z okresu, w którym twórczość Basi Bańdy po raz pierwszy dostrzegli krytycy, kiedy była jeszcze studentką poznańskiej Akademii Sztuk Pięknych. Dyplom uzyskała w 2006 roku.Wcześniej przez rok kształciła się na Wydziale Artystycznym Uniwersytetu Zielonogórskiego. Prace artystki charakteryzuje jasna, pastelowa kolorystyka, często nawiązująca do koloru ciała, a jednocześnie kojarząca się z niewinnością. Połączenie motywów zwierzęcych i bajkowych z elementami zabarwionymi erotycznie jest równie zastanawiające, co współistnienie trudnych do rozszyfrowania elementów kompozycji i słów na jej płótnach – w wielu pracach Bańdy dziecinna naiwność zderza się z perwersją. Artystka stosuje różne techniki i chętnie łączy je ze sobą, co można zaobserwować w prezentowanej pracy.

Wynikiem swobodnego podejścia do tematyki i wykonania prac jest niepowtarzalny styl, który cechuje zarówno wczesną, jak i późniejszą twórczość Bańdy.

Jak pisała Ewa Gorządek: „Nasycone erotyzmem prace Bańdy nie poddają się prostemu opisowi, wyczuwa się w nich pulsujące napięcie.

Intymne doświadczenia, o których artystka opowiada na płótnach, stają się niepokojąco dwuznaczne. Namalowane lub wyhaftowane sylwetki w pasywnych pozach z rozłożonymi nogami często zatracają swoją płciową identyfikację, do końca nie wiadomo czy są kobietami czy mężczyznami.To, co na pierwszy rzut oka wydaje się oczywiste, już po chwili budzi wątpliwości i niepokój” (źródło: www.culture.pl).

43

ZUZANNA BARTOSZEK (ur. 1993) Bez tytułu, 2017 r. brush pen/papier, 20,5 x 29 cm sygnowany na odwrociu

cena wywoławcza: 900 zł estymacja: 1 500 - 3 000

WYSTAWIANY: - Perverts, Cell Project Space, Londyn,Wielka Brytania, 01.04-04.06.2017

„Obecnie skupiam się raczej na rysowaniu.W najnowszych rysunkach udało mi się znaleźć zupełnie nową, 'nieliteracką' ekspresję. Mam nawet problem z zatytułowaniem rysunku.

Boję się, że tytuł zabije jego lekkość”.

ZUZANNA BARTOSZEK

Poetka i artystka. Publikowała na łamach „Dwutygodnika”, „Lampy”, „Czasu Kultury”, „Zwykłego Życia” czy „Fabulariów”.W roku 2016 ukazał się jej debiutancki tomik wierszy - „Niebieski Dwór” nakładem wydawnictwa Disastra. Jej prace wystawiane były m.in. w Muzeum

Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, Cell Project Space w Londynie, Plato w Ostrawie, Kevin Space w Wiedniu.W 2017 roku Łukasz Ronduda, kurator Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, wyreżyserował film na podstawie jej związku z artystą Wojciechem Bąkowskim.

44

BARTOSZ KOCIEMBA / AROBAL (ur. 1984) "Glissando", 2011 r. kredka, ołówek/papier, 30 x 40 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: '"Glissando" | (…) | arobal 2011'

cena wywoławcza: 2 400 zł estymacja: 3 000 - 5 000

Prezentowana ilustracja autorstwa Bartka Kociemby znalazła się na plakacie do przedstawienia „Glissando” w reż. Christiana Garcii, którego premiera odbyła się 22 października 2010 roku na Małej Scenie Teatru Dramatycznego w Warszawie. Jego ilustracje dla tygodnika „Wprost” czy „Przekrój” poruszają tak trudne kwestie, jak adopcja dzieci przez gejów czy edukacja seksualna w szkołach.W 2011 roku magazyn „Sukces” zaliczył Arobala do najbardziej utalentowanych polskich ilustratorów.Według redaktorów „Sukcesu” jego dzieła wyróżniają się tym, że „nie mają ram, łamią zasady perspektywy, wykorzystują przenikające się płaszczyzny”.

Studiował politologię i filozofię, tłumaczy dharmę w szkole Szambali, w której jest też instruktorem medytacji. Jak mówi: „Ilustrowanie jest

spełnieniem mojego marzenia, ale traktuję to jako pracę. Nie wywodzę się ze środowiska artystycznego. Rozumiem ludzi, którzy nie cierpią chodzić do galerii sztuki współczesnej, bo ja tam też czuję się często jak idiota. Jestem zdystansowany do sztuki, która funkcjonuje w przestrzeni intelektualnej. Może dlatego, że bardziej mnie interesuje warstwa emocjonalna? Ale jak masz czas, cierpliwość, żeby się zagłębić, to często jest to wartościowe. Mam pragmatyczne podejście: sztuka jest dla ludzi, żeby wzruszać, uwznioślać, wspomagać. Prowokować, szokować, stawiać pytania – to też, ale żeby to działało, trzeba nawiązać kontakt z widzem” (Bartek Kociemba w rozmowie z Joanną Ruszczyk, „Wysokie Obcasy”, 26.07.2013).

45

WOJCIECH ZASADNI (ur. 1971) Gazeta Wyborcza, 1999 r. papier, folia, werniks/drewno, 40 x 28 cm sygnowany na odwrociu: '4 | WOJCIECH ZASADNI'

cena wywoławcza: 2 200 zł estymacja: 3 000 - 6 000

Jednym z licznych źródeł inspiracji Zasadniego są kolorowe czasopisma, dostarczające wiedzy na temat ikon kultury masowej. Od 1998 roku artysta kontynuuje serię „Okładek”, w której wybrane pierwsze strony gazet przedstawia w formie polichromowanych, drewnianych płaskorzeźb. Snycerka – technika rzeźbiarska charakterystyczna dla sztuki dawnej – nie jest bez znaczenia dla wymowy prac, Zasadni utrwala „na wieki” to, co tymczasowe i ulotne – pięć minut sławy.W cyklu sąsiadują ze sobą okładki poważnych pism („Independent”, „Der Spiegel”), bulwarówek („Super Express”) i pism erotycznych („Loaded”), Jan Paweł II, Marilyn Manson,Violetta Villas i bohaterowie kreskówek.

Stworzył też cykl „Orły polskie” (2005) – godło państwa polskiego

przerobione na galerię portretów typów ludzkich i polskich strojów regionalnych (np. księdza, papieża, hiphopowca, krakowianki, biznesmena), ironicznie odnoszący się do rzeczywistości społeczno-politycznej.

Ukończył liceum plastyczne w Zakopanem, studiował na Wydziale Rzeźby w warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych w pracowni prof. Jana Kucza w 1999 roku. Miał wiele wystaw indywidualnych (m.in. w Centrum Sztuki Współczesnej w Warszawie; w Poznaniu, Lublinie, Bydgoszczy, a także w Niemczech, Austrii); uczestniczył w licznych wystawach zbiorowych w Polsce i poza krajem: w Wiedniu, Pradze, Moskwie, Düsseldorfie. Jego dzieła są w zbiorach w Polsce i za granicą.

46

OSKAR DAWICKI (ur. 1971) Odmawiam (kopia), 2012 r. flamaster/papier, 42 x 29 cm (w świetle passe-partout)

cena wywoławcza: 3 000 zł estymacja: 4 000 - 8 000

W swojej twórczości Dawicki z dużą dozą ironii i humoru eksploruje temat tożsamości artysty i jego statusu ekonomicznego.Występuje przeciwko politycznej wizji świata, walczy o prawo jednostki do indywidualizmu i wolności porażki. Podejmuje także problem konfrontacji artysty z publicznością.

Artysta jest z wykształcenia malarzem, ale już w trakcie studiów zainteresował się sztuką performance’u, której pozostał wierny przez kolejne lata, by po roku 2000 rozszerzyć pole swego działania o prace wideo, fotografie, dokumentacje, a w końcu również obiekty i instalacje.Wszystkie prace

mają postkonceptualny charakter i utrzymane są w lekko groteskowej, ironicznej, a nawet absurdalnej aurze. Dawicki łączy w swojej sztuce romantyczno-tragiczny komponent, silnie nasycony własnymi rozterkami egzystencjalnymi z poetyką i krytycznym wymiarem sztuki konceptualnej. Autorefleksja nad własnym statusem instytucjonalnym jako artysty współczesnego przeplata się ściśle z refleksją nad własną tożsamością, a raczej nad jej ulotnością, umownością, eterycznością, słabością. Dyskomfort, nieporozumienie, komplikacja – to pojęcia, na których wspiera się wyobraźnia artysty, bezproduktywność sztuki wydaje się być zaś dla Dawickiego jej najbardziej obiecującym wymiarem.

47

PAULINA OŁOWSKA (ur. 1976) Kompozycja serigrafia barwna/papier, 60 x 37,5 cm sygnowany i numerowany na odwrociu

cena wywoławcza: 2 800 zł estymacja: 3 500 - 7 000

Paulina Ołowska to artystka wszechstronna. Poza tradycyjnym malarstwem sztalugowym uprawia fotografię, tworzy kolaże i instalacje, jest autorką filmów wideo i inicjatorką akcji artystycznych.Tematyka i wachlarz inspiracji do tworzenia prac są równie szerokie jak spectrum używanych przez artystkę technik.W realizacjach wizualnych i działaniach Ołowskiej dostrzec można wpływ kultury popularnej, nawiązania do historii sztuki i literatury i refleksję nad ich aspektem obyczajowym. Do stale powracających w jej twórczości wątków należy zainteresowanie tematem obecności kobiet w sztuce oraz eksplorowanie utopijnych modernistycznych idei i zagadnienia ich korelacji z teraźniejszością.

Prezentowana praca nawiązuje do fascynacji artystki światem mody, który towarzyszy jej od początku działalności artystycznej.W 2007 roku stworzyła serię obrazów dedykowanych projektantce mody z lat 20., Elsie Schiaparelli, a trzy lata później zorganizowała wystawę „Applied Fantastic”, na której ukazała portrety ludzi prezentujących modę z PRL. Strategia działania Ołowskiej, opierająca się na rekonstruowaniu dawnej estetyki czy, jak to określiła sama autorka, będąca „rekonstruowaniem modernizmów”, dalece wykracza poza świat mody. Nawiązując do wpisanych na stałe w dzieje sztuki kawiarni stanowiących miejsce spotkań artystycznej bohemy,

stworzyła funkcjonujący przez miesiąc lokal, Novą Popularną, odtworzyła również m.in. wnętrze nowojorskiego salonu fryzjerskiego z lat 20.

Artystka studiowała na Wydziale Wideo i Malarstwa w The Art Institute of Chicago (1994-96) oraz na Wydziale Malarstwa gdańskiej Akademii Sztuk Pięknych (1996-98), gdzie uzyskała dyplom w pracowni malarstwa prof. Mieczysława Olszewskiego (aneks w pracowni multimedialnej prof.

Witosława Czerwonki). Jest stypendystką Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Hadze (1988), Centro de Art Communication Visual (Arco) w Lizbonie (1998/99), CCA w Kitakyushu (1999/2000) i Rijksakademie van Beeldende Kunsten w Amsterdamie (2001/02). Jej prace znajdują się w kolekcjach Centre Pompidou, MoMA The Museum of Modern Art czy Tate.W ostatnich dniach grudnia magazyn „New York Times” ogłosił listę osób, które miały największy wpływ na kulturę w 2016 roku.W tym prestiżowym gronie – obok m.in. Michelle Obamy, Lady Gagi i Donatelli Versace – znalazła się Paulina Ołowska. Nowojorska redakcja nazwała Ołowską „najbardziej optymistyczną, a zarazem sentymentalną polską artystką”, która „maluje zapomnianą przeszłość, wierzy w nią i nią żyje”.

W listopadzie i grudniu w Metro Pictures w Nowym Jorku odbyła się wystawa Ołowskiej, pt. „Wisteria, Mysteria, Hysteria”.

48

JADWIGA SAWICKA (ur. 1959) Zaraza zaraza, 2002 r. druk/papier, 46,5 x 63,5 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'Sawicka 2002'

cena wywoławcza: 700 zł estymacja: 1 000 - 2 000

Jadwiga Sawicka zajmuje się malarstwem, fotografią, wykonuje obiekty i prace w przestrzeni publicznej. „Malarstwo pisane” Sawickiej używa słów, które w medialnym strumieniu przykuwają naszą uwagę tylko na chwilę. Pobudza refleksję nad życiem w „epoce informacji”: problemem współczesnego człowieka nie jest brak wiadomości, ale trudna do zniesienia lawina komunikatów walczących o jego uwagę.W 1984 roku ukończyła ASP w Krakowie, dyplom obroniła w pracowni prof. Jerzego Nowosielskiego. Od połowy lat 90. interesowała się obrazowaniem tekstu, malując wyrwane z kontekstu fragmenty tekstów i przedmioty.

Wykonała m.in. przejmujące pustką malarskie i fotograficzne serie prac

przedstawiających ubrania umieszczone na neutralnym tle. Obecnie maluje obrazy, tworzy obiekty w formie pudełek pokrytych słowami, z których potem buduje malarskie instalacje. Umieszcza na nich wyrwane z kontekstu sentencje z gazet i innych mediów: „znów zabija”, „zła”, „zaraza”, „powoduje raka” czy „nawracanie, oswajanie, tresowanie”.Te teksty o niepokojącej wymowie, wypisywane dużymi, czarnymi literami na tle w cielistym kolorze, stanowią o charakterystycznej, pozbawionej wszelkich ozdobników i skupionej na sile przekazu formie prac artystki.

Sawicka bada z uporem i konsekwencją problem wzajemnej relacji i oddziaływania na siebie treści i formy w malarstwie.

49

GRUPA TWOŻYWO (1995 rok powstania - 2011 koniec działalności) "Emanacje słabości", 2003 r. szablon, olej/papier, 90 x 70 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'Twożywo 2003 18/30'

cena wywoławcza: 1 800 zł estymacja: 2 000 - 4 000

Warszawska grupa artystyczna utworzona w 1998 roku przez Krzysztofa Sidorka i Mariusza Libela. Stałym motywem w twórczości grupy jest krytyczny namysł nad otaczającą rzeczywistością, a w szczególności nad językami mediów, polityki i ekonomii, połączony z jednoczesną próbą wskazania na ukryte, niejednoznaczne treści, jakie niesie ze sobą ich pozornie neutralny przekaz. Choć sięgali po różne konwencje i media, m.in. plakat, animacja, mural, billboard, ilustracja prasowa, wlepka czy szablon,

ich prace łączy łatwo rozpoznawalny styl i niezwykle komunikatywny język artystycznego przekazu. Swoją twórczość prezentowali zwykle w przestrzeniach publicznych, prasie i w internecie. Do najsłynniejszych projektów grupy należą szablony „Antychryst będzie artyst”, „Emanacje słabości”, „Plądrujemy ruiny rzeczywistości”, cykl plakatów „Herostrates” oraz projekt internetowy „Zło jest dla mas”. W 2011 roku Libel i Sidorek ogłosili koniec działalności pod szyldem Twożywo.

50

ZBIGNIEW LIBERA (ur. 1959) Łóżeczko porodowe - zestaw do zabawy dla dziewczynek, ed. 2/20, 1996 r. druk/papier, 45 x 32 cm sygnowany i datowany p.d.: 'Zbigniew Libera 1996' i l.d.: '2/20'

cena wywoławcza: 700 zł estymacja: 1 000 - 2 000

Zbigniew Libera należy do najciekawszych artystów pokolenia, które pojawiło się na krajowej scenie artystycznej w latach 80. (w okresie tym nie uczestniczył w oficjalnym obiegu artystycznym, działał m.in. w alternatywnym kręgu łódzkiego strychu i „Kultury Zrzuty”, współpracował także z Zofią Kulik jako jej model), tworzy obiekty, instalacje, realizacje wideo, posługuje się fotografią, malarstwem, jest autorem działań multimedialnych. Przedstawione na początku lat 90. prace o charakterze kontemplacyjno-medytacyjnym – jak

np. realizacja wideo „Perseweracja mistyczna” (pokazana m.in. na głośnej wystawie „Perseweracja mistyczna i róża” w 1992 w PGS w Sopocie) – wywołały wokół jego twórczości spore zainteresowanie. Kolejne wystawy, na których przedstawił takie realizacje jak „Urządzenia korekcyjne” (wystawa indywidualna w CSW w Warszawie), czy też model obozu koncentracyjnego zbudowany z klocków lego, przyniosły mu miano artysty kontrowersyjnego i międzynarodowy rozgłos.

51

MIROSŁAW BAŁKA (ur. 1958) Poliptyk, 1996 r. tusz/papier, 31 x 22 cm (w świetle ramy) sygnowany, datowany i opisany u dołu: 'III 1996 M. Bałka'

cena wywoławcza: 4 500 zł estymacja: 5 000 - 10 000

Mirosław Bałka jest jednym z najwybitniejszych współczesnych rzeźbiarzy.

Zajmuje się również rysunkiem i filmem eksperymentalnym. Jak pisał Karol Sienkiewicz: „Spoiwem łączącym (…) różne okresy twórczości Bałki są właśnie rysunki. Następuje wręcz zakłócenie porządku.To rzeźby zdają się dopowiadać rysunki, a nie na odwrót. Na papierze artysta notuje myśli.

Czasem pozostają w tej skrótowej formie, niedopowiedziane, czasem ewoluują w obiekty, dzieła, wystawy. Ale jeśli spotykamy tu szkice do konkretnych prac, to tych drugich już nie znajdziemy. Jakby rysunek wystarczył – myśl, nerw. Rysunek pozwala na pomyłki i ponawiane próby. Jeden goni drugi. Motywy nachodzą na siebie. Na jednej kartce może się zmieścić nawet kilka myśli. Chociaż im nowsze, tym rysunki Bałki stają się bardziej

oszczędne, wypracowane, przemyślane. Łatwiej je zamknąć w ramce” (Karol Sienkiewicz, Bałka według Bałki, „Dwutygodnik”, 1/2016).

W roku 1985 ukończył studia na Wydziale Rzeźby warszawskiej ASP. W latach 80. tworzył figuratywne rzeźby kojarzone z nurtem neoekspresjonizmu, a od początku lat 90. – minimalistyczne kompozycje rzeźbiarskie, których tworzywem są proste materiały, takie jak surowy kamień, drewno, sól, popiół, substancje organiczne. Głównym tematem rzeźb i kompozycji Bałki jest ludzkie ciało i towarzyszące mu „codzienne” przedmioty i substancje, a także związana z ciałem pamięć.W jego twórczości pojawiają się aluzje do przemijania, istotny jest też temat Holokaustu.

52

MIROSŁAW BAŁKA (ur. 1958) Komplet czterech prac z teki "Crossroads in A.", ed. 67/80, 2006 r. litografia barwna/papier, 56 x 76 (x4) sygnowany i opisany u dołu każdej pracy l.d.: '67/80' i p.d.: 'MBałka'

cena wywoławcza: 19 000 zł estymacja: 25 000 - 40 000

Seria składa się z czterech litografii: Północ, Południe,Wschód i Zachód, przedstawiających cztery widoki tej samej drogi w Auschwitz. Nazwy prac pochodzą od kierunków stron świata, z których zostały wykonane fotografie.Wszystkie ślady, które ujawniają tożsamość miejsca lub obecność ludzi, bądź zwierząt, zostały wycięte i zastąpione białymi, pustymi lukami.

Autor pozostawił bez zmian tylko neutralne elementy krajobrazu jak drzewa, niebo czy ziemię. Pomimo przerażającej historii związanej z tym

miejscem, Mirosław Bałka kładzie nacisk na alternatywne reprezentacje Auschwitz, dając do zrozumienia, że Holocaust powinien być zapamiętany w sposób zarówno przerażający i jak piękny. Punktem wyjścia do litografii składających się na tekę były cztery fotografie wykonane w Oświęcimiu na skrzyżowaniu dróg biegnących w cztery strony świata. Dodatkowym aspektem był wybór litografii – powielenie odbitek z kamienia, z którego ślad obrazów został następnie bezpowrotnie starty.

53

DOBRAWA BORKAŁA (ur. 1990) Z cyklu 'One', Bez tytułu, 2017 r. skrobanka, glinka kaolinowa, tusz/płyta drewniana, 50 x 40 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'Dobrawa Borkała | z cyklu "One" 2017'

cena wywoławcza: 1 500 zł estymacja: 2 000 - 4 000

Absolwentka Państwowej Wyższej Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu oraz psychologii Uniwersytetu Humanistycznospołecznego w Warszawie. Zajmuje się rysunkiem, sztuką wideo oraz tkaniną artystyczną.

Dyplom psychologii klinicznej zdobyła na podstawie badań nad wpływem terapii sztuką na więźniów cierpiących na zespół stresu pourazowego.W ramach studiów w Paryżu prowadziła z kolei badania na temat percepcji roślin.

Ma na swoim koncie wystawy indywidualne: „Immersion” w École

nationale supérieure des Beaux-Arts w Paryżu (2015), „Photo-sensitivity” w Hotelu Andel’s w Łodzi (2014), „Hay otros mundos pero estan en este” w galerii Inlassable w Paryżu (2014) oraz „Chciałabym, żebyście wszyscy mnie pokochali” w Galerii m2 w Warszawie (2013). Brała także udział w wystawach zbiorowych, w tym m.in. „Palindrom” w Państwowej Galerii Sztuki w Sopocie (2015), „Ausstellung im Lichthof” w Staatliche Akademie der Bildenden Künste w Karlsruhe (2014) czy Biennale rysunku w Cité internationale des Arts w Paryżu (2013).

54

MONIKA SZWED (ur. 1978) Bez tytułu, 2005 r. pastel, gwasz/papier, śr.: 47 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'Monika Szwed | 2005 XXII'

cena wywoławcza: 2 800 zł estymacja: 4 000 - 8 000

POCHODZENIE: - Galeria Zderzak, Kraków - kolekcja prywatna, Polska

„Rysuję, bo również pragnę, przynajmniej na chwilę, przywołać przestrzeń dzieciństwa, która odkształcona przez czas jest dla mnie jednocześnie 'chwilową i absolutną rzeczywistością': jakby powiedział Mircea Eliade – ma charakter 'rzeczywistości epifanicznej'”.

MONIKA SZWED

Szwed tworzy subtelne, wysmakowane i precyzyjne prace o oszczędnej kolorystyce i wielotorowej narracji.Widać w nich inspirację japońskimi grafikami lub rysunkami z bajek dla dzieci. Charakterystyczny jest dla niej wykonany z precyzją rysunek, metamorfoza obrazu, wyszukany kolor, wątki katolickie i sceny z pogranicza snu i jawy oraz ulubione motywy: dziecięce zabawki i zwierzęta, historyzująca i modernistyczna architektura. Jest to trudna do zaszufladkowania, oparta na prywatnej mitologii sztuka.

Studiowała na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Uzyskała dyplom w zakresie Edukacji Artystycznej pod kierunkiem prof. Alicji Kępińskiej oraz w Katedrze Multimediów pod kierunkiem prof. Piotra Kurki. Została wyróżniona nagrodą miesięcznika „Art&Business”. Jest laureatką III edycji programu stypendialnego Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego RP „MŁODA POLSKA” oraz Nagrody „Art&Business” 8. Konkursu im.

Eugeniusza Gepperta. Jej prace znajdują się w kolekcjach prywatnych w Polsce, Niemczech, Stanach Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii.

55

KRYSTIAN CZAPLICKI / TRUTH (ur. 1984) Bez tytułu, 2006 r. akryl, relief/płótno, 28 x 22 cm sygnowany na blejtramie: 'truth | 2006'

cena wywoławcza: 3 500 zł estymacja: 4 000 - 8 000

„Obiekty Krystiana Trutha Czaplickiego zacierają granicę między realizmem i abstrakcją, autonomiczną formą i instalacją site specific, przypadkowo znalezionym obiektem a bardzo osobistą pracą. Bardziej interesuje go proces transformacji, niż statyczność i trwałość. Bada relacje między dziełem sztuki, miejscem i widzem. Są to jednocześnie obrazy, precyzyjne kadry, starannie, choć intuicyjnie wyszukane miejsca, w których jego realizacje wytwarzają wizualne i fizyczne prowokacje.Truth nie opowiada swoimi pracami historii i nie prowadzi celowej narracji, lecz w intuicyjny

sposób tworzy formy nawiązujące do jego stanów psychicznych i wspomnień, będące wynikiem obserwacji codziennego życia, częstych spacerów i obserwacji miasta. Jego interwencje funkcjonują jak narzędzie do czytania miejsca.

Wciąż reinterpretuje bliskie nam kształty i formy, manipulując materiałem, wykonaniem i skalą, jednocześnie wpisując je w nieoczekiwane miejsca i konteksty”.

NOTES NA 6 TYGODNI, 09-10.2012,WARSZAWA, s. 70

56

SŁAWEK CZAJKOWSKI / ZBIOK (ur. 1982) "Crooklyn Kids", 2010 r. akryl/płótno, 140 x 150 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'CROOKLYN | KIDS | ZBIOK | 010'

cena wywoławcza: 5 500 zł estymacja: 8 000 - 10 000

„Interesuje mnie hegemonia obrazu, podstawowego składnika współczesnej komunikacji, interesuje mnie kształtowanie relacji międzyludzkich przy jego pomocy, a przede wszystkim interesuje mnie Internet jako oniryczna przestrzeń na skraju rzeczywistości i umowności. Interesują mnie mechanizmy budowania efemerycznych subkultur, iluzja schronienia, poczucie bezpieczeństwa w sieci, alienacja, samotność i płynąca z tego potrzeba przynależności i wyobrażenia samego siebie.To wszystko ma jeden wspólny mianownik – wirtualność.

Nawet komunikacja niewerbalna jest komunikacją przy pomocy aparatu i ekranu, co jest podstawą moich poszukiwań (…). Czemu malarstwo, dlaczego nie publikuję np. cyfrowych kolaży (choć na początku jest kolaż w Photoshopie). Sam fakt próby przemalowania zdjęcia jest zajęciem karkołomnym, długotrwałym i przede wszystkim rzadko doskonałym, zawsze pojawia się tu skaza, czynnik ludzki, jak bardzo bym się nie starał, pojawi się modyfikacja i właśnie to daje mi kontrolę nad obrazami, z których buduję moje kompozycje. Kradnę im duszę, poprzez malarstwo

należą do mnie.W moim malarstwie interesuje mnie tylko to, że potrafię to zrobić, czyli przemalować zdjęcie, nie interesują mnie forma i ekspresja, tego raczej szukam w obrazach, z którymi pracuję. Językiem współczesnej kultury jest cyfrowe zdjęcie, dlatego moje malarstwo właśnie do tego aspiruje; zimno i technologia, pot i łzy, kiedy to maluję, są moją słodką tajemnicą, o której wiem ja i odbiorca wystawy, gdy przystawi nos do płótna”.

SŁAWEK CZAJKOWSKI / ZBIOK,WWW.MAGAZYNSZUM.PL, 18.02.2015

Twórca murali i interwencji miejskich związany jest ze środowiskiem wrocławskiego street artu. Jego prace prezentowane były również w przestrzeniach galeryjnych.Tristan Manco, krytyk specjalizujący się w dziedzinie graffiti, zaliczył go do grupy najbardziej interesujących artystów tego gatunku.W książce Street Sketchbook (2007) określił go słowami: „zabawny, pełen inwencji, nawiązujący do klasycznego stylu graffiti, Ferdynand Léger współczesności”.

57

MICHAŁ WRĘGA / SEPE (ur. 1982) Salonowiec, 2012 r. technika mieszana/płótno, 120 x 80 cm sygnowany p.d.: 'S E P E' sygnowany i datowany na odwrociu: 'sepe | 2012'

cena wywoławcza: 5 000 zł estymacja: 7 000 - 15 000

„Przekaz czy emocja, która pcha mnie do rozpoczęcia konkretnej pracy, jest jedynie pretekstem do eksperymentów formalnych, mieszania technik, badania zagadnień kompozycji itp. Posługując się językiem muzycznym – szukam osobistego brzmienia”.

Od 1996 roku związany z szeroko pojętym nurtem sztuki miejskiej.

Jest absolwentem Wydziału Architektury Krajobrazu SGGW w Warszawie (dyplom w 2006 roku) oraz Wydziału Grafiki i Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi (dyplom w 2009 roku). Mieszka i pracuje w Warszawie

MICHAŁ WRĘGA / SEPE

jako grafik, ilustrator i malarz/muralista. Sepeusz malował m.in. w Niemczech, Francji, Szwajcarii, Norwegii, Ukrainie, Rosji, Czechach, Hiszpanii, Indonezji, Gruzji, Anglii, Polsce.

58

KAROLINA JAKLEWICZ (ur. 1979) Bez tytułu, 2009 r. olej/płótno, 100 x 130 cm sygnowany i datowany na odwrociu: 'JAKLEWICZ | 2009'

cena wywoławcza: 7 000 zł estymacja: 9 000 - 16 000

Karolina Jaklewicz na swoich płótnach stworzyła nowy język geometrii. Na obrazach tworzy zgeometryzowane bryły nawiązujące do współczesnej architektury, rozświetlone mistycznym blaskiem przestrzenie, połączenie intelektualnych rozważań z duchową wrażliwością. Artystka uzyskała dyplom z wyróżnieniem u prof. Stanisława Kortyki na Wydziale Malarstwa wrocławskiej ASP w 2007 roku. Stypendystka Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego (2006/07).W 2012 obroniła tytuł doktora sztuk pięknych za cykl malarski „Idea a forma geometryzująca w malarstwie”. Finalistka

konkursu Strabag Artaward International (2012 i 2013). Prace Karoliny Jaklewicz były prezentowane na wielu wystawach zbiorowych w Polsce (m.in. Galeria Miejska we Wrocławiu w 2014, Galeria XX1 w Warszawie w 2013) i za granicą (m.in. Preview Berlin Art Fair 2013, NordArt 2009), oraz na dziewięciu wystawach indywidualnych; jej obrazy znajdują się w kolekcjach prywatnych (polskich i zagranicznych) oraz państwowych. Od kilku lat Jaklewicz uczestniczy w międzynarodowych plenerach artystów z kręgu abstrakcji geometrycznej, organizowanych przez dr Bożenę Kowalską.

„W swoich pracach pokazuję, że język geometrii może być językiem emocji, że jest językiem uniwersalnym, a jednocześnie możliwym do osobistego zaanektowania”.

KAROLINA JAKLEWICZ

59

TYCJAN KNUT (ur. 1985) Bez tytułu, 2013 r. akryl/płótno, 116 x 80 cm sygnowany na odwrociu: 'KNUT'

cena wywoławcza: 3 200 zł estymacja: 4 000 - 8 000

WYSTAWIANY: - Tycjan Knut, Mniej-więcej, Galeria El, Elbląg, 28.04-19.05.2016 - Tycjan Knut, Stara Szkoła, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski, Warszawa, 15.07-24.08.2014 Tycjan Knut tworzy przede wszystkim subtelne abstrakcje, w których pobrzmiewa echo nurtów geometrycznych, chęć przekroczenia tej tradycji i uwolnienia się od formy. Używa delikatnych różnic tonalnych i uspokojonych kolorów. Jego obrazy, będąc z jednej strony redukcją, są także wielopoziomowe, ponieważ powstają wskutek narastania i nakładania się w czasie barw, co przywodzi na myśl świat niemal żywy, organiczny. Artysta, przelewając myśli na płótno, kieruje się intuicją i uwalnia wyobraźnię.

Uzyskał dyplom w 2011 roku na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w pracowni malarstwa prof. Jarosława Modzelewskiego. Obecnie jest doktorantem Instytutu Sztuk Pięknych Uniwersytetu Jana Kochanowskiego w Kielcach.Tworzy w następujących dziedzinach: malarstwo, rysunek, fotografia i sztuka nowych mediów. Swoje prace prezentował m.in. w Bunkrze Sztuki w Krakowie i galerii Kordegarda w Warszawie.

60

BARTEK OTOCKI (ur. 1978) Z cyklu 'YANG!', Bez tytułu, 2017 r. akryl, płótno, 120 x 150 cm sygnowany, datowany i opisany na blejtramie: 'B. OTOCKI BEZ TYTUŁU Z CYKLU "YANG" 2017 | BOtocki'

cena wywoławcza: 8 000 zł estymacja: 12 000 - 20 000

„Bazując na bardzo różnorodnym materiale źródłowym, staram się obrazować coś, co w kategoriach estetyki można by nazwać post-wirtualnym pięknem lub fotorealizmem nierzeczywistym. Jeżeli bowiem renesans dał nam wykonane na płótnie 'okno na świat' to moje prace są swego rodzaju wizjerem, przez który staram się zajrzeć w inną rzeczywistość”.

Prace Bartosza Otockiego nacechowane są zawsze niepokojem i przeczuciem, że za chwilę wydarzy się coś niekoniecznie dobrego.

Autor w swojej twórczości często skupia się na tematach zjawisk paranormalnych czy wrażeniach zagłady i spustoszenia. Prace wydają się być próbą uchwycenia momentu, w którym odbiorca zdaje sobie sprawę, że coś jest nie tak, ale jeszcze nie wie, jakie będą tego konsekwencje.

Przedstawienia nieba, skąd nadejść może nieznane zamknięte w symbolu czarnego koła, stają się równocześnie odbiciem źrenicy oka. Idąc tym tropem, dochodzimy do wniosku, że jeśli oczy są odbiciem duszy, okazać

BARTEK OTOCKI

się może, że to co najgorsze nosimy już od dawna w sobie.

Malarz i fotograf, kurator, juror konkursów malarskich. Autor m.in. cykli prac: „Portrety pamięciowe”, „Alchemia Iluzji”, „Czy jest bezpiecznie/Is it safe?” i „Yang!”. Uczestnik ponad 50 wystaw indywidualnych i zbiorowych, m. in. w Muzeum Współczesnym we Wrocławiu, Muzeum Historii Miasta Łodzi, Galerii Bielskiej BWA, Muzeum Narodowym w Szczecinie, Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku. Od 2012 roku prowadzi Pracownię Obrazu na Wydziale Malarstwa i Nowych Mediów Akademii Sztuki w Szczecinie, od 2014 roku pracuje na stanowisku profesora nadzwyczajnego.

61

ALICJA ŁUKASIAK (ur. 1975) "Pozytyw", 2014 r. akryl, wosk/płótno, 154 x 220 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'Alicja Łukasiak | POZYTYW | 2014'

cena wywoławcza: 4 000 zł estymacja: 5 000 - 10 000

WYSTAWIANY: - Matahari, Galeria Biała, Lublin, 10.12.2016-20.01.2017 - Alicja Łukasiak, Moje Problemy Światowe, Miejsce Projektów Zachęty, Warszawa, 28.05-20.07.2014 Artystka jest zainteresowana naturą, w której analizuje człowieka jako gatunek dominujący. Z jednej strony ukazuje jego destrukcyjny wpływ na środowisko, a z drugiej stara się wydobyć piękno i różnorodność życia. Życie jest dla niej zagadkowym fenomenem, a twórczość artystyczna formą emocjonalnej opowieści.W jej pracach fauna i flora ulegają personifikacji, dzięki której owady czy rośliny podlegają prawom narzuconym przez nadrzędną formę egzystencji – człowieka. Łukasiak spędziła ostatnie lata, podróżując po świecie – głównie po dalekiej Azji, ale bywała też na polskiej wsi – interesowała się ekologią, czytała o zmianach klimatu i innych zagrożeniach wynikających z niszczenia przy-

rody i nadmiernej eksploatacji zasobów naturalnych. Realne i książkowe wojaże pozwoliły jej dostrzec i docenić urodę egzotycznych zakątków oraz skłoniły do niewesołych przemyśleń na temat niebezpiecznych konsekwencji niezrównoważonego rozwoju społeczno-ekonomicznego naszej planety.

Ukończyła studia na Wydziale Artystycznym UMCS w Lublinie. Została stypendystką Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz Fundacji Wyszehradzkiej. Od 2003 współtworzy wraz z Grzegorzem Drozdem projekt Zmiana Organizacji Ruchu (ZOR) zorfoundation.org.

Brała udział w licznych wystawach w kraju i za granicą: Miejsce Projektów Zachęty, Centrum Rzeźby Polskiej, Art Biennale w Yogyakarcie.

62

JOANNA PAWLIK (ur. 1974) Bez tytułu, 2005 r. olej/płótno, 80 x 150 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: 'Joanna Pawlik | bez tyt | olej na płótnie | 2005'

cena wywoławcza: 2 400 zł estymacja: 3 000 - 6 000

LITERATURA: - 37. Bienalle Malarstwa Bielska Jesień 2005, katalog wystawy, Bielsko-Biała 2005

Twórczość Joanny Pawlik, artystki wideo i malarki, oscyluje pomiędzy zagadnieniami społecznych mechanizmów wykluczenia a osobistymi przestrzeniami odczuwania. Jest artystką skupiającą się na badaniu własnych emocji, odnajdywaniu porozumienia pomiędzy artystką i matką, dla której własne doświadczenia i życie wewnętrzne stają się materiałami, z których buduje swoje projekty. Sztukę traktuje jako platformę ścierania się pojęć takich jak miłość, rozstanie, utrata, krzywda, cierpienie, śmierć, narodziny.

Prezentowana praca zapewniła artystce wyróżnienie podczas 37. Biennale Bielskiej Jesieni w 2005 roku.

Ukończyła studia na Wydziale Malarstwa ASP w Krakowie. Autorka wielu wystaw indywidualnych (m. in. Spacer, Galeria Czarna,Warszawa 2009, Bez Śladu, Otwarta Pracownia, Kraków 2006), jej prace pokazywano także na wystawach zbiorowych. Laureatka nagród, wyróżnień oraz stypendiów, m.in.: Lexmark European Award 2003, nagroda główna na Biennale Sztuki Młodych Rybie Oko 5 w 2008, stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, stypendium Młoda Polska czy polskiego finału Henkel Art Award 2009. Jej prace znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.

Mieszka i pracuje w Krakowie.

63

MARCIN KOWALIK (ur. 1981) Kopertówka Triflower #7, 2018 r. akryl/płótno, tektura, 17 x 27 x 4 cm sygnowany, datowany i opisany wzdłuż wewnętrznej krawędzi: 'Marcin Kowalik TRIFLOWER #7/2018'

cena wywoławcza: 1 000 zł estymacja: 2 000 - 5 000

Pomysł kopertówki pojawił się w związku ze zbliżającą się latem 2017 roku wizytą w Polsce księżnej Kate Middleton, która w doborze swoich strojów wyróżniła rolę polskich projektantów. Prezentowana praca stała się wówczas jednym z darów dla księżnej. Jak mówi Kowalik: „Kopertówkę TRI FLOWER zacząłem budować – na podstawie swoich ostatnich obrazów, w których szczególną rolę odgrywały kolory, perspektywa i światło”. Artysta w prezentowanej pracy ukazał swoje umiejętności patrzenia przestrzennego, dając pełną iluzję trzech stożków wyłaniających

się z całkowicie płaskiej, frontowej powierzchni torebki.

Marcin Kowalik uprawia malarstwo oraz twórczość w zakresie instalacji, obiektu i performance’u. Działa jako organizator, kurator i opiekun artystyczny. Obronił dyplom z wyróżnieniem w pracowni prof. Adama Wsiołkowskiego, gdzie odbył również studia doktoranckie. Obecnie pełni rolę asystenta w jego pracowni. Jest Fundatorem stypendium „Wiara w Malarstwo” skierowanego dla uczniów ostatnich klas jego rodzimego Liceum Plastycznego w Zamościu. Obecnie mieszka i tworzy w Krakowie.

Henryk Jerzy Chmielewski, „Tytus, Romek i A’Tomek”, księga VI – Tytus olimpijczykiem, plansza komiksowa nr 42, 1971 r.

PLANSZE KOMIKSOWE I ILUSTRACJA Aukcja 12 kwietnia 2018, godz. 19 wystawa obiektów: 3 – 12 kwietnia 2018

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1A,Warszawa, tel. 22 163 66 00, www.desa.pl

„Szkoła Zakopiańska”, Postać kobiety, 1932 r.

RZEŹBA I FORMY PRZESTRZENNE Aukcja 5 kwietnia 2018, godz. 19 wystawa obiektów: 26 marca – 5 kwietnia 2018

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1A,Warszawa, tel. 22 163 66 00, www.desa.pl

Bartłomiej Koter, Paris Scene #4, 2018 r.

MŁODA SZTUKA Aukcja 27 marca 2018, godz. 19 wystawa obiektów: 20 – 27 marca 2018

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1A,Warszawa, tel. 22 163 66 00, www.desa.pl

Stanisław Ignacy Witkiewicz (Witkacy) – „Profesor Pulverston”, fot. Józef Głogowski, 1931 r.

FOTOGRAFIA KOLEKCJONERSKA Aukcja 19 kwietnia 2018, godz. 19 wystawa obiektów: 9 – 19 kwietnia 2018

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1A,Warszawa, tel. 22 163 66 00, www.desa.pl

Udział klienta w aukcji regulują WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ, WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI oraz niniejszy PRZEWODNIK DLA KLIENTA. Zachęcamy do zapoznania się z trzyczęściowym regulaminem, który ma na celu przedstawienie stosunku prawnego pomiędzy Domem Aukcyjnym DESA Unicum

a kupującym w ramach aukcji. DESA Unicum pełni funkcję pośrednika handlowego pomiędzy komitentami wstawiającymi obiekty na aukcję a kupującymi. Warunki mogą być przez DESA Unicum odwołane lub zmienione poprzez aneksy dostępne w sali aukcyjnej lub poprzez obwieszczenie aukcjonera.

PRZEWODNIK DLA KLIENTA I. PRZED AUKCJĄ 1. Cena wywoławcza Cena wywoławcza zamieszczona w katalogu pod opisem obiektu jest kwotą, od której rozpoczynamy licytację. Obiekty licytowane są w górę, tzn. licytacja może zakończyć się na kwocie wyższej niż cena wywoławcza lub równej tej kwocie.

2. Opłata aukcyjna Do kwoty wylicytowanej doliczamy opłatę aukcyjną. Stanowi ona część końcowej ceny obiektu i wynosi 18%. Opłata aukcyjna obowiązuje również w sprzedaży poaukcyjnej, w przypadku kiedy obiekt nie został sprzedany w ramach aukcji. Kwota wylicytowana wraz z opłatą aukcyjną zawiera podatek od towarów i usług VAT. Na zakupione obiekty wystawiamy faktury VAT marża. Wystawiamy je na wyraźne życzenie klienta, najpóźniej siedem dni od daty zapłaty.

3. Estymacja Podana w katalogu estymacja jest szacunkową wartością obiektu i ma charakter wskazówki dla zainteresowanego nim klienta. W celu uzyskania dodatkowych informacji odnośnie estymacji rekomendujemy kontakt z naszymi doradcami. Licytacja zakończona w przedziale estymacji lub powyżej górnej granicy estymacji jest transakcją ostateczną. Estymacje nie uwzględniają opłaty aukcyjnej ani żadnych opłat dodatkowych.

4. Estymacje w walutach innych niż polski złoty Transakcje aukcyjne zawierane są w polskich złotych, jednakże estymacje w katalogu aukcyjnym mogą być podawane w euro lub dolarach amerykańskich. Kurs walut w dniu aukcji może się różnić od tego w dniu druku katalogu, informacja ta ma więc charakter orientacyjny.

5. Cena gwarancyjna Jest to najniższa kwota, za którą możemy sprzedać obiekt bez dodatkowej zgody sprzedającego. Zawarta jest pomiędzy ceną wywoławczą a dolną granicą estymacji. Jej wysokość jest informacją poufną.

Poszczególne obiekty mogą, jednak nie muszą posiadać ceny gwarancyjnej. Jeżeli w drodze licytacji cena gwarancyjna nie zostanie osiągnięta, zakończenie licytacji skutkuje zawarciem transakcji warunkowej.

Fakt ten zostaje ogłoszony przez aukcjonera po uderzeniu młotkiem.

6.Transakcja warunkowa Zostaje zawarta w momencie, kiedy licytacja nie osiągnęła poziomu ceny gwarancyjnej. Transakcja warunkowa traktowana jest jako wiążąca oferta nabycia obiektu po cenie wylicytowanej. Zobowiązujemy się do negocjacji ceny z komitentem, jednak nie gwarantujemy możliwości zakupu po cenie wylicytowanej. Jeżeli w toku negocjacji klient zdecyduje się podnieść ofertę do poziomu ceny gwarancyjnej lub zaakceptujemy wylicytowaną kwotę, umowa sprzedaży dochodzi do skutku. Jeżeli negocjacje nie przyniosą pozytywnego efektu w okresie pięciu dni roboczych liczonych od dnia aukcji, obiekt uznajemy za niesprzedany. W okresie tym zastrzegamy sobie prawo do przyjmowania po aukcji ofert równych cenie gwarancyjnej na obiekty wylicytowane warunkowo. W przypadku otrzymania takiej oferty od innego oferenta informujemy o tym fakcie klienta, który wylicytował obiekt warunkowo.W takim przypadku klient ma prawo do podniesienia swojej oferty do ceny gwarancyjnej i wtedy przysługuje mu prawo pierwszeństwa nabycia obiektu. W przeciwnym wypadku transakcja warunkowa nie dochodzi do skutku, a obiekt może zostać sprzedany innemu oferentowi.

7. Obiekty katalogowe Zapewniamy fachową wycenę oraz rzetelny opis katalogowy powierzonego nam do sprzedaży obiektu. Wykonywane są one w najlepszej wierze z wykorzystaniem doświadczenia i fachowej wiedzy naszych pracowników oraz współpracujących z nami ekspertów. Mimo uwagi poświęcanej każdemu z obiektów w procesie opracowywania, dokumentacji pochodzenia, historii wystaw i bibliografii przedstawione informacje mogą nie być wyczerpujące, a w niektórych przypadkach pewne fakty odnoszące się do kolejnych właścicieli, ekspozycji oraz publikacji, w ramach których obiekt był prezentowany, mogą być celowo nieujawnione.

8. Stan obiektu Opisy katalogowe nie prezentują pełnego stanu zachowania obiektów. Brak takiej informacji nie jest równoznaczny z tym, że obiekt jest wolny od wad i uszkodzeń. Wskazane jest zatem, aby zainteresowani zakupem konkretnego obiektu dokonali jego dokładnych oględzin na wystawie przedaukcyjnej oraz przeprowadzili konsultacje z profesjonalnym konserwatorem, którego na wyraźną prośbę możemy rekomendować. Na specjalne życzenie klienta możemy dostarczyć szczegółowy raport stanu zachowania obiektu. Przygotowując taki raport, nasi pracownicy oceniają stan obiektu, biorąc pod uwagę

jego szacunkową wartość oraz charakter aukcji, w ramach której jest on wystawiony na sprzedaż.

Mimo że oceny przedmiotów pod tym względem prowadzone są rzetelnie, należy pamiętać, że nasi pracownicy nie są zawodowymi konserwatorami. Jeśli obiekt sprzedawany jest w ramie, nie ponosimy odpowiedzialności za jej stan.W przypadku obiektów nieoprawionych chętnie polecimy profesjonalną pracownię opraw.

9. Wystawa obiektów aukcyjnych Wystawy przedaukcyjne są bezpłatnie dostępne dla oglądających.W trakcie ich trwania zachęcamy do kontaktu z naszymi ekspertami, którzy chętnie odpowiedzą na wszystkie pytania i przekażą szczegółowe informacje o poszczególnych obiektach.

10. Legenda Poniższa legenda wyjaśnia symbole, które mogą Państwo znaleźć w niniejszym katalogu: - obiekty bez ceny gwarancyjnej - obiekty, do których doliczamy opłatę wynikającą z tzw. droit de suite, tj. prawa twórcy i jego spadkobierców do otrzymywania wynagrodzenia z tytułu dokonanych zawodowo odsprzedaży oryginalnych egzemplarzy dzieł. Powyższa opłata jest obliczana według poniższych stawek: 1) 5% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale do równowartości 50 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 2 000 euro, opłata 100 euro) oraz 2) 3% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 50 000,01 euro do równowartości 200 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 80 000 euro, opłata 3 400 euro) oraz 3) 1% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 200 000,01 euro do równowartości 350 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 300 tys. euro, opłata 8 000 euro) oraz 4) 0,5% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 350 000,01 euro do równowartości 500 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 400 tys. euro, opłata 8 750 euro) oraz 5) 0,25% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale przekraczającym równowartość 500 000 euro - jednak w kwocie nie wyższej niż równowartość 12 500 euro.

W Polsce droit de suite reguluje art. 19-195 ustawy o prawach autorskich i pokrewnych z dnia 4 lutego 1994 r. z późniejszymi zmianami, zgodnie z obowiązującą w Unii Europejskiej dyrektywą 2001/84/WE Parlamentu Europejskiego i Rady z dnia 27 września 2001 r. w sprawie prawa autora do wynagrodzenia z tytułu odsprzedaży oryginalnego egzemplarza dzieła sztuki. Opłata obliczana będzie z użyciem kursu dziennego NBP z dnia poprzedzającego aukcję. Opłata obliczana będzie, gdy równowartość kwoty wylicytowanej przekroczy 100 EUR. – obiekty sprowadzane z państw spoza Unii Europejskiej, do których ceny doliczamy podatek graniczny w wysokości 8% kwoty wylicytowanej - przedmioty wytworzone w całości lub zawierające elementy wytworzone z roślin lub zwierząt określanych jako chronione lub zagrożone ◊ - obiekty z pozwoleniem na wywóz 11. Prenumerata katalogów W sprawie prenumeraty katalogów prosimy o kontakt pod numerem telefonu: 22 584 95 32 lub drogą mailową na adres: prenumerata@desa.pl. Katalogi dostępne są również na naszej stronie internetowej www.desa.pl. Zachęcamy do pobierania darmowych katalogów w formacie PDF.

II. AUKCJA Udział w licytacji można wziąć osobiście, po uprzednim złożeniu zlecenia licytacji telefonicznej lub zlecenia licytacji z limitem.

1. Przebieg aukcji Aukcję prowadzi aukcjoner, który wyczytuje obiekty i kolejne postąpienia, wskazuje licytujących, ogłasza zakończenie licytacji oraz wskazuje zwycięzcę. Zakończenie licytacji obiektu następuje w momencie uderzenia młotkiem przez aukcjonera. Jest to równoznaczne z zawarciem umowy sprzedaży między domem aukcyjnym a licytującym, który zaoferował najwyższą kwotę. W razie zaistnienia sporu w trakcie licytacji aukcjoner rozstrzyga spór albo ponownie przeprowadza licytację danego obiektu.

Zastrzegamy sobie prawo do utrwalania przebiegu aukcji za pomocą urządzeń rejestrujących obraz i dźwięk. Zastrzegamy sobie prawo do licytowania jedynie wcześniej zgłoszonych przez uczestników aukcji obiektów. W takiej sytuacji numery obiektów są przed aukcją zgłaszane obsłudze domu aukcyjnego. Aukcjoner ma prawo do dowolnego rozdzielania lub łączenia obiektów oraz do ich wycofania

z licytacji bez podania przyczyn. Opisy zawarte w katalogu aukcji mogą być uzupełnione lub zmienione przez aukcjonera lub osobę przez niego wskazaną przed rozpoczęciem licytacji. Aukcja jest prowadzona w języku polskim, jednak na specjalne życzenie uczestnika aukcji niektóre spośród licytacji mogą być równolegle prowadzone w językach angielskim i niemieckim. Prośby takie powinny być składane najpóźniej godzinę przed aukcją wraz z informacją, których obiektów dotyczą. Licytacja odbywa się w tempie 60–100 obiektów na godzinę.

2. Licytacja osobista W celu licytacji osobistej należy wypełnić formularz udziału w aukcji i odebrać tabliczkę z numerem.

Nowi klienci powinni zarejestrować się przynajmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji, by dać nam czas na przetworzenie danych. W celu ich weryfikacji możemy poprosić o dokument potwierdzający tożsamość osoby rejestrowanej (dowód osobisty, paszport, prawo jazdy). Dane osobowe klientów są informacjami poufnymi i pozostają do wyłącznej wiadomości DESA Unicum i spółek powiązanych, które mogą przetwarzać dane osobowe uczestników aukcji w zakresie niezbędnym do realizacji zleceń licytacji.

Klientom, którzy posiadają nieuregulowane należności z tytułu zakupów na wcześniejszych aukcjach, możemy odmówić udziału w kolejnej. Prosimy o pilnowanie lizaka aukcyjnego. W przypadku jego zgubienia prosimy o natychmiastowe poinformowanie o tym naszej obsługi. Po zakończeniu aukcji należy zwrócić tabliczkę z numerem w punkcie rejestracji, a w przypadku zakupu należy odebrać potwierdzenie zawartych transakcji.

3. Licytacja telefoniczna Jeżeli nie mogą Państwo uczestniczyć w aukcji osobiście, istnieje możliwość licytacji przez telefon za pośrednictwem jednego z naszych pracowników. Klienci zainteresowani taką usługą powinni przesłać wypełniony formularz zlecenia najpóźniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Nie ponosimy odpowiedzialności za realizację zleceń dostarczonych później. Formularz zlecenia dostępny jest na ostatnich stronach katalogu, w siedzibie naszego domu aukcyjnego oraz na naszej stronie internetowej. Formularz należy przesłać faksem, pocztą, mailem lub dostarczyć osobiście. Wraz z formularzem prosimy o przesłanie fotokopii dokumentu tożsamości w celu weryfikacji danych. Nasz pracownik połączy się z klientem przed rozpoczęciem licytacji wybranych obiektów. Nie ponosimy jednak odpowiedzialności za brak możliwości wzięcia udziału w licytacji telefonicznej w przypadku problemów z uzyskaniem połączenia z podanym przez klienta numerem telefonu. Dlatego rekomendujemy wskazanie maksymalnej kwoty (bez opłaty aukcyjnej), do której będziemy mogli licytować w Państwa imieniu. Zastrzegamy prawo do nagrywania i archiwizowania rozmów telefonicznych, o których mowa powyżej. Opisana usługa jest darmowa i poufna.

4. Licytacja w imieniu klienta Drugą opcją dla klientów, którzy nie mogą osobiście uczestniczyć w aukcji, jest złożenie zlecenia licytacji z limitem. Klienci zainteresowani taką usługą również powinni przesłać wypełniony formularz najpóźniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Obowiązuje ten sam formularz co w przypadku licytacji telefonicznej. Zawarte w formularzu kwoty nie powinny uwzględniać opłaty aukcyjnej i opłat dodatkowych, powinny być wyrażone w polskich złotych oraz zgodne z tabelą postąpień przedstawioną w dalszej części przewodnika. Jeżeli podana kwota nie jest zgodna z kwotami w tabeli postąpień zostanie ona obniżona.

Nasi pracownicy dołożą wszelkich starań, aby klient zakupił wybrany obiekt w możliwie jak najniższej cenie, nie niższej jednak niż cena gwarancyjna. Jeśli limit jest niższy niż cena gwarancyjna wówczas dochodzi do transakcji warunkowej.W przypadku dwóch lub większej ilości zleceń z takim samym limitem decyduje kolejność zgłoszeń. Opisana usługa jest darmowa i poufna.

5.Tabela postąpień Licytacja rozpoczyna się od ceny wywoławczej. Aukcjoner kolejne postąpienia podaje według tabeli postąpień. W zależności od przebiegu aukcji może on wedle własnego uznania zdecydować o innej wysokości postąpienia.

cena

postąpienie

0 – 2 000

100

2 000 – 3 000

200

3 000 – 5 000

200/500/800 (np. 3 200, 3 500, 3 800)

5 000 – 10 000

500

10 000 – 20 000

1 000

20 000 – 30 000

2 000

30 000 – 50 000

2000/5000/8000 (np. 32 000, 35 000, 38 000)

50 000 – 100 000

5 000

100 000 – 300 000

10 000

300 000 – 500 000

20 000

powyżej 500 000

wg uznania aukcjonera

III. PO AUKCJI 1. Płatność Kupujący zobowiązany jest do zapłaty należności za wylicytowane obiekty w terminie 10 dni od dnia aukcji. Przekroczenie wyznaczonego terminu grozi naliczeniem odsetek ustawowych za okres opóźnienia w zapłacie. Akceptujemy płatność w gotówce, kartami płatniczymi (MasterCard, VISA) oraz przelewem bankowym na konto: Bank Pekao S.A. 27 1240 6292 1111 0010 6772 6449, SWIFT PKOP PL PW W tytule prosimy wpisać nazwę aukcji, datę aukcji oraz numer obiektu.

2. Płatność w walutach innych niż polski złoty Wszystkie transakcje zawierane są w polskich złotych. Na specjalne życzenie po wcześniejszym uzgodnieniu dopuszczamy wpłaty w euro, dolarach amerykańskich lub funtach brytyjskich.Wartość transakcji opłacanej w innej walucie niż polski złoty będzie powiększona o opłatę manipulacyjną w wysokości 1%.

Przeliczenia dokonujemy po dziennym kursie kupna waluty Banku Pekao S.A. 3. Odstąpienie od umowy W razie opóźnienia nabywcy w zapłacie możemy odstąpić od umowy z nabywcą po bezskutecznym upływie terminu dodatkowego wyznaczonego na zapłatę.

4. Reklamacje Wszelkie możliwe reklamacje rozpatrywane są zgodnie z przepisami prawa polskiego. Reklamację z tytułu niezgodności towaru z umową można zgłosić w ciągu jednego roku od wydania obiektu. Wobec osób niebędących bezpośrednimi nabywcami na aukcji nie ponosimy odpowiedzialności za ukryte wady fizyczne oraz wady prawne zakupionych obiektów.

5. Odbiór zakupionego obiektu Przy odbiorze zakupionych obiektów wymagamy okazania dokumentu potwierdzającego tożsamość. Obiekty mogą zostać wydane nabywcy lub osobie posiadającej pisemne upoważnienie. Może to nastąpić tylko w momencie pełnej płatności i uregulowania wszystkich zobowiązań wynikających z wcześniejszych zakupów. Zakupione obiekty na aukcji powinny być odebrane w ciągu 30 dni od aukcji.

W przeciwnym razie mogą one zostać odesłane do magazynu zewnętrznego, a klient obciążony kosztami transportu oraz magazynowania.Wielkość opłat będzie uzależniona od operatora magazynu oraz rodzaju i wielkości obiektu. Tym samym ponosimy odpowiedzialność za utratę lub uszkodzenie obiektu jedynie przez okres 30 dni od aukcji.

6.Transport i przesyłka Zapewniamy podstawowe opakowanie zakupionych obiektów umożliwiające odbiór osobisty. Na wyraźne życzenie klienta możemy pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się pakowaniem i wysyłką dzieł sztuki.

7. Pozwolenie na eksport Przed wzięciem udziału w aukcji potencjalnym licytującym radzimy, aby zorientowali się czy w razie potrzeby wywozu obiektu poza granice Polski nie są wymagane dodatkowe pozwolenia. Przypominamy, że reguluje to ustawa z dnia 23 lipca 2003 r. o ochronie zabytków i opiece nad zabytkami (Dz. U. nr 162 poz. 1568, z późn. zm.), zgodnie z którą wywóz określonych obiektów poza granice kraju wymaga zgody odpowiednich władz; w szczególności dotyczy to obrazów starszych niż 50 lat o wartości powyżej 40 000 złotych. Nabywca jest zobowiązany do przestrzegania przepisów w tym zakresie, a niemożliwość uzyskania odpowiednich dokumentów lub opóźnienie w ich uzyskaniu nie uzasadniają odstąpienia od sprzedaży ani opóźnienia w uiszczeniu pełnej ceny nabycia za obiekt.

Na wyraźne życzenie klienta możemy pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się sprawami formalnymi związanymi z eksportem dzieł sztuki.

8. Zagrożone gatunki Przedmioty zrobione z materiału roślinnego lub zwierzęcego albo zawierające je, m.in. koralowiec, skóra krokodyla, kość słoniowa, kość wieloryba, róg nosorożca, skorupa żółwia, niezależnie od wieku, procentu zawartości, mogą wymagać dodatkowych pozwoleń lub certyfikatów przed wywozem. Prosimy pamiętać, że uzyskanie dokumentów umożliwiających eksport nie jest równoznaczne z możliwością importu do innego państwa. Nabywca jest zobowiązany do przestrzegania przepisów w tym zakresie, a niemożliwość uzyskania odpowiednich dokumentów lub opóźnienie w ich uzyskaniu nie uzasadniają odstąpienia od sprzedaży ani opóźnienia w uiszczeniu pełnej ceny nabycia za obiekt. Obiekty tego typu zostały oznaczone dla Państwa wygody symbolem „ ” opisanym w legendzie. Nie ponosimy jednak odpowiedzialności za błędy lub uchybienia w oznaczeniu przedmiotów zawierających elementy wytworzone z chronionych lub regulowanych prawem gatunków roślin i zwierząt.

WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI przedstawione poniżej określają prawa i obowiązki licytujących i kupujących

z jednej strony oraz Domu Aukcyjnego DESA Unicum i komitentów z drugiej. Wszyscy potencjalni kupujący na aukcji powinni dokładnie przeczytać WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI, zanim przystąpią do licytacji.

WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ 1.WPROWADZENIE

4. PRZEBIEG AUKCJI

Każdy obiekt zaprezentowany w katalogu aukcyjnym przeznaczony jest do sprzedaży na warunkach

1) O ile nie zastrzeżono inaczej poprzez symbol, każdy obiekt oferowany jest z zastrzeżeniem ceny

określonych:

gwarancyjnej, która jest poufną minimalną ceną sprzedaży uzgodnioną między DESA Unicum i komi-

a) w WARUNKACH SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKACH POTWIERDZENIA AUTEN-

tentem. Cena gwarancyjna nie może przekroczyć dolnej granicy estymacji.

TYCZNOŚCI,

2) Aukcjoner może w każdym momencie aukcji wycofać którykolwiek obiekt, ponownie zaoferować

b) w innych informacjach podanych w pozostałych częściach katalogu aukcyjnego, ​ szczególności

przedmiot do sprzedaży (również bezpośrednio po uderzeniu młotkiem) w razie zaistnienia błędu

w PRZEWODNIKU DLA KLIENTA,

bądź sporu co do wyniku licytacji.W powyższym przypadku aukcjoner może podjąć wszelkie działania,

c) w dodatkach do katalogu aukcyjnego lub innych materiałach udostępnionych przez DESA Unicum

które uzna za stosowne i racjonalne. Jeżeli jakikolwiek spór co do wyniku licytacji powstanie po aukcji,

na sali aukcyjnej. W każdym przypadku zmiana warunków może nastąpić poprzez stosowny aneks

wynik sprzedaży w ramach aukcji uznaje się za ostateczny.

bądź ogłoszenie podane do wiadomości przez aukcjonera przed rozpoczęciem aukcji.

3) Aukcjoner rozpoczyna licytację i decyduje o wysokości kolejnych postąpień. W celu osiągnięcia

Poprzez licytację na aukcji, niezależnie czy osobistą, czy za pośrednictwem przedstawiciela, czy też na

ceny gwarancyjnej obiektu aukcjoner i pracownicy DESA Unicum mogą składać w toku licytacji oferty

podstawie złożonego zlecenia licytacji telefonicznej lub z limitem, licytujący i kupujący wyrażają zgodę

w imieniu komitenta bez wskazania, że czyni to w imieniu komitenta, bądź to przez składanie następu-

na brzmienie niniejszych WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ ze zmianami i uzupełnieniami oraz

jących po sobie ofert licytacyjnych, bądź też oferty w odpowiedzi na oferty składane przez innych ofe-

WARUNKÓW POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI.

rentów. Jeżeli nie ma żadnych ofert na dany obiekt, aukcjoner może uznać przedmiot za niesprzedany.

4) Ceny na aukcji podawane są w polskich złotych i w tej walucie powinna być dokonana płatność.

2. DESA UNICUM JAKO POŚREDNIK HANDLOWY

W odpowiedzi na potrzeby klientów zagranicznych estymacje w katalogu aukcyjnym mogą być po-

DESA Unicum występuje jako zastępca pośredni działający w imieniu własnym, lecz na rachunek ko-

cenę przy obecnym kursie waluty. Stosownie do tego estymacje podawane w euro, funtach brytyjskich

dawane także w euro, funtach brytyjskich i dolarach amerykańskich, odzwierciedlając w przybliżeniu mitenta uprawnionego do rozporządzenia obiektem, chyba że inaczej zastrzeżono w katalogu, jego

i dolarach amerykańskich mają charakter wyłącznie orientacyjny.

zmianach lub w ogłoszeniach podanych do wiadomości przed aukcją.

5) Licytujący, który zaoferował najwyższą kwotę zaakceptowaną przez aukcjonera, jest zwycięzcą licy-

3. LICYTOWANIE NA AUKCJI

sprzedaży między DESA Unicum a kupującym. Ryzyko i odpowiedzialność za obiekt przechodzący na

1) DESA Unicum może według swojego uznania odmówić dopuszczenia niektórych osób do udziału

6) Każda poaukcyjna sprzedaż obiektów oferowanych na aukcji podlega również WARUNKOM

w aukcji lub sprzedaży poaukcyjnej. Wszyscy licytujący muszą zarejestrować się przed aukcją, dostar-

SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ oraz WARUNKOM POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI.

tacji. Uderzenie młotkiem przez aukcjonera oznacza akceptację najwyższej oferty i zawarcie umowy własność kupującego opisane zostały w paragrafie 6 poniżej.

czyć wymagane informacje przewidziane w formularzu rejestracji, okazać dokument potwierdzający tożsamość oraz odebrać tabliczkę z numerem licytacyjnym.

5. CENA NABYCIA I OPŁATA AUKCYJNA

2) Dla wygody licytujących, którzy nie mogą uczestniczyć w aukcji osobiście, DESA Unicum może zrealizować pisemne zlecenie licytacji. W takim przypadku nieobecni licytujący powinni

1) Do kwoty wylicytowanej doliczana jest opłata aukcyjna oraz opłaty dodatkowe wynikające

wypełnić formularz „zlecenie licytacji”, który można znaleźć w katalogu, na stronie interne-

z oznaczeń katalogowych obiektu. Opłata aukcyjna stanowi część końcowej ceny obiektu i wynosi 18%.

towej DESA Unicum lub otrzymać w siedzibie DESA Unicum. Kwoty wskazane przez licytu-

Opłata aukcyjna obowiązuje również w sprzedaży poaukcyjnej.

jącego w zleceniu licytacji nie powinny zawierać opłaty aukcyjnej i opłat dodatkowych, powinny

2) Do kwoty wylicytowanej mogą zostać doliczone inne podatki i opłaty, jeśli w katalogu zaznaczone to

być wyrażone w polskich złotych oraz zgodne z tabelą postąpień. Jeżeli podana kwota nie

zostało odpowiednimi oznaczeniami (patrz: paragraf 1 punkt 10 "Przewodnika dla klienta": "Legenda").

jest zgodna z kwotami w tabeli postąpień, zostanie ona obniżona. Aukcjoner nie akceptu-

3) Jeśli nie uzgodniono inaczej, kupujący jest zobowiązany uiścić należność w terminie 10 dni od daty

je zlecenia licytacji, w którym nie ma wskazanej maksymalnej kwoty, do której DESA Unicum

aukcji, niezależnie od uzyskania pozwolenia na eksport czy innych pozwoleń. Opłaty mają być uiszczo-

może zrealizować zlecenie. DESA Unicum dołoży starań, aby klient zakupił wybrany obiekt

ne w polskich złotych gotówką, kartą lub przelewem bankowym:

w możliwie jak najniższej cenie, nie niższej jednak niż cena gwarancyjna. Jeśli limit podany przez

a) DESA Unicum akceptuje płatność kartami płatniczymi MasterCard,VISA

licytującego jest niższy niż cena gwarancyjna, a stanowi jednocześnie najwyższą ofertę, wówczas

b) DESA Unicum akceptuje płatność przelewem bankowym na konto

dochodzi do transakcji warunkowej. W przypadku dwóch lub większej ilości zleceń z takim samym

Bank Pekao S.A. 27 1240 6292 1111 0010 6772 6449, SWIFT PKOP PL PW

limitem decyduje kolejność zgłoszeń. Wszystkie zlecenia licytacji wraz z fotokopią dokumentu tożsa-

W tytule przelewu proszę podać nazwę aukcji, datę aukcji oraz numer obiektu.

mości umożliwiającym weryfikację danych osobowych powinny być przesłane (pocztą, faxem bądź

4) Własność zakupionego obiektu nie przejdzie na kupującego, dopóki DESA Unicum nie otrzyma

e-mailem) albo dostarczone osobiście do siedziby DESA Unicum przynajmniej 24 godziny przed

pełnej ceny nabycia za obiekt, w tym opłaty aukcyjnej. DESA Unicum nie jest zobowiązana do prze-

rozpoczęciem aukcji. Dostarczone później zlecenia mogą nie być zrealizowane.

kazania obiektu kupującemu do chwili przeniesienia własności obiektu na kupującego. Wcześniejsze

3) Od osób zainteresowanych licytacją przez telefon wymaga się zgłoszenia chęci licytacji telefo-

przekazanie obiektu kupującemu nie jest równoznaczne z przeniesieniem prawa własności obiektu na

nicznej poprzez wypełnienie formularza „zlecenie licytacji”, dostępnego w katalogu, na stronie

kupującego ani zwolnieniem z obowiązku zapłaty przez niego ceny nabycia.

internetowej DESA Unicum lub w siedzibie DESA Unicum. Wszystkie zlecenia licytacji powinny być przesłane (pocztą, faxem, mailem) lub dostarczone osobiście do siedziby DESA Unicum przy-

6. ODBIÓR ZAKUPU

najmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Wymaga się również przesłania fotokopii dokumentu tożsamości w celu weryfikacji danych osobowych. Dostarczone później zlecenia mogą nie

1) Odbiór wylicytowanych obiektów jest możliwy po dokonaniu wpłaty pełnej ceny nabycia oraz uregu-

być zrealizowane. Licytacja telefoniczna może być nagrywana, złożenie zlecenia jest równoznaczne

lowaniu innych płatności wobec DESA Unicum i spółek powiązanych. Jak tylko nabywca spełni wszystkie

z wyrażeniem zgody na nagrywanie rozmowy telefonicznej. Na wypadek trudności z połączeniem

wymagania, powinien skontaktować się ze swoim doradcą klienta DESA Unicum lub z działem sprzedaży

telefonicznym licytujący może określić na zleceniu limit, do którego pracownik domu aukcyjnego

pod numerem tel. 22 584 95 32, aby umówić się na odbiór obiektu.

będzie licytować pomimo braku połączenia. Jeśli żaden limit nie jest określony na zleceniu, pracow-

2) Kupujący powinien odebrać zakupiony obiekt w terminie 30 dni od daty aukcji. Po tym terminie DESA

nik domu aukcyjnego uznaje w takim wypadku, że klient oferuje przynajmniej cenę wywoławczą.

Unicum przesyła wszystkie wylicytowane obiekty do magazynu zewnętrznego, a kupujący obciążony

4) Podczas licytacji, zarówno osobistej, telefonicznej, jak i za pośrednictwem pracownika DESA Uni-

zostanie kosztami transportu oraz magazynowania. Wielkość opłat będzie uzależniona od operatora

cum, licytujący bierze osobistą odpowiedzialność za zapłatę za wylicytowane obiekty, co opisane jest

magazynu oraz rodzaju i wielkości obiektu. Zaakceptowanie niniejszego regulaminu równoznaczne jest

dokładniej w paragrafie 3 punkcie 5 poniżej, chyba że przed rozpoczęciem aukcji zostało wyraźnie

z zaakceptowaniem regulaminu spółki magazynowej. Po upływie 30 dni od daty aukcji na kupującego prze-

uzgodnione na piśmie z DESA Unicum, że oferent jest pełnomocnikiem zidentyfikowanej osoby

chodzi ryzyko utraty i uszkodzenia nieodebranego obiektu, a także ciężary związane z takim obiektem,

trzeciej akceptowalnej przez DESA Unicum.

w tym koszty jego ubezpieczenia. DESA Unicum odpowiada względem kupującego za szkody z tytułu

5) Usługa licytacji na podstawie zlecenia licytacji nie podlega żadnej opłacie. DESA Unicum zobo-

straty lub uszkodzenia obiektu, jednak jedynie do wysokości ceny nabycia obiektu.

wiązuje się dochować należytej staranności w realizacji zleceń, jednak nie ponosi odpowiedzialności za niezrealizowanie takich ofert, chyba że wina za brak realizacji zlecenia leży wyłącznie po stronie DESA Unicum.

3) Dla wygody kupującego DESA Unicum nieodpłatnie zapewnia podstawowe opakowanie obiek-

klientom oraz nie ponosi odpowiedzialności wobec żadnego licytującego za błędy w trakcie prowa-

tu umożliwiające jego odbiór osobisty. Na wyraźne życzenie kupującego DESA Unicum może pomóc

dzonej aukcji lub popełnione w innym zakresie związanym ze sprzedażą obiektu.

w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się pakowaniem i wysyłką dzieł sztuki. Każde takie zle-

4) Z zastrzeżeniem punktu 5 w paragrafie 9 DESA Unicum nie bierze odpowiedzialności wobec ku-

cenie odbywa się na odpowiedzialność klienta, DESA Unicum nie bierze odpowiedzialności za niepra-

pującego za szkody przewyższające cenę nabycia, o której mowa w punkcie 1 paragrafie 9 powyżej,

widłowe wykonanie usług przez przewoźników bądź inne osoby trzecie. Jeżeli klient sam wybierze firmę

niezależnie czy taka szkoda jest charakteryzowana jako bezpośrednia, pośrednia, szczególna, przy-

transportową, jej przedstawiciel powinien skontaktować się z DESA Unicum telefonicznie przynajmniej

padkowa czy następcza. DESA Unicum nie jest zobowiązana do zapłaty odsetek od ceny zakupu.

24 godziny przed planowanym odbiorem obiektu pod numerem telefonu: 22 584 95 32.

5) Żaden przepis w niniejszych WARUNKACH SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ nie wyklucza lub nie

4) DESA Unicum będzie wymagała okazania dowodu osobistego przed przekazaniem obiektu nabywcy

ogranicza odpowiedzialności DESA Unicum wobec kupującego, wynikającej z jakiegokolwiek oszu-

bądź jego przedstawicielowi, który dodatkowo powinien posiadać pisemne upoważnienie od nabywcy.

stwa bądź świadomego wprowadzenia w błąd, lub z winy umyślnej.

7. BRAK PŁATNOŚCI

10. PRAWA AUTORSKIE

Bez uszczerbku dla innych praw sprzedający, w przypadku gdy nabywca nie uiści pełnej ceny nabycia za

1) Sprzedający nie przekazują wraz z obiektem prawa autorskiego ani prawa do reprodukowania

obiekt w terminie 10 dni od daty aukcji, DESA Unicum może zastosować jeden lub kilka z poniższych

obiektu.

środków prawnych:

2) Prawa autorskie do wszystkich zdjęć, ilustracji i tekstów związanych z obiektem, sporządzonych

a) przechować obiekt w siedzibie DESA Unicum lub w innym miejscu na ryzyko i koszt klienta;

przez lub dla DESA Unicum, włączając zawartość tego katalogu, stanowią własność DESA Unicum.

b) odstąpić od sprzedaży obiektu, zatrzymując dotychczasowe opłaty na poczet pokrycia szkód;

Nie mogą być one wykorzystane przez kupującego ani inne osoby bez uprzedniej zgody pisemnej

c) odrzucić zlecenie nabywcy w przyszłości lub zrealizować takie zlecenie pod warunkiem

DESA Unicum.

uiszczenia kaucji; d) naliczać odsetki ustawowe w wysokości 12% w skali roku od dnia wymagalności płatności do

11. POSTANOWIENIA OGÓLNE

dnia zapłaty pełnej ceny nabycia; e) odsprzedać obiekt na aukcji lub prywatnie z estymacjami i ceną minimalną ustaloną przez DESA

1) Niniejsze WARUNIKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ wraz późniejszymi zmianami i uzupełnieniami,

Unicum. Jeśli obiekt na drugiej aukcji sprzeda się za kwotę niższą niż cena nabycia, na której kupujący

o których mowa w paragrafie 1 powyżej, oraz WARUNIKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI

wylicytował obiekt, nabywca pozostający w zwłoce będzie zobowiązany do pokrycia różnicy wraz

wyczerpują całość praw i obowiązków pomiędzy stronami w odniesieniu do sprzedaży obiektu.

z kosztami przeprowadzenia dodatkowej aukcji;

2) Wszelkie zawiadomienia powinny być kierowane na piśmie na adres DESA Unicum. Powiadomie-

f) wszcząć postępowanie sądowe przeciwko kupującemu w celu odzyskania zaległości;

nia kierowane do klientów będą przesyłane na adres podany w ostatnim piśmie do DESA Unicum.

g) potrącić należności nabywcy względem DESA Unicum z wierzytelności wobec tego nabywcy

3) Jeśli jakiekolwiek z postanowień WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ okazałoby się nieważ-

wynikających z innych transakcji;

ne, bezskuteczne lub niemożliwe do zastosowania, pozostałe postanowienia będą nadal obowiązy-

h) podjąć wszelkie inne działania odpowiednie do zaistniałych okoliczności.

wać. Brak działania lub opóźnienie w wykonywaniu praw wynikających z WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ nie oznacza zrzeczenia się praw lub zwolnienia z obowiązków ani nie uchyla

8. DANE OSOBOWE KLIENTA

obowiązywalności całości bądź części z postanowień WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ.

W związku ze świadczonymi usługami oraz wymogami prawnymi związanymi z przeprowadzeniem

12. PRAWO OBOWIĄZUJĄCE

aukcji DESA Unicum może wymagać od klientów podania danych osobowych lub w niektórych przypadkach (np. w celu sprawdzenia wypłacalności, poświadczenia tożsamości klienta lub w celu

Prawa i obowiązki stron wynikające z niniejszych WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ oraz WA-

uniknięcia fałszerstwa) pozyskać dane o kliencie od osób trzecich. DESA Unicum może również

RUNKÓW POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI, przebieg aukcji i jakiekolwiek sprawy związane

wykorzystać dane osobowe dostarczone przez klienta w celach marketingowych, dostarczając ma-

z powyższymi postanowieniami podlegają prawu polskiemu. DESA Unicum w szczególności zwraca

teriały o produktach, usługach bądź wydarzeniach organizowanych przez DESA Unicum oraz spółki

uwagę na przepisy:

powiązane. Zgadzając się na WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i podając dane osobowe, klienci

1) ustawy z dnia 23 lipca 2003 r. o ochronie zabytków i opiece nad zabytkami (Dz. U. Nr 162 poz. 1568,

zgadzają się, że DESA Unicum i spółki powiązane mogą wykorzystać te dane do ww. celów. Jeśli klient

z późn. zm.) – wywóz określonych obiektów poza granice kraju wymaga zgody odpowiednich władz,

chciałby uzyskać więcej informacji o polityce prywatności, skorygować swoje dane lub zrezygnować

2) ustawy z dnia 21 listopada 1996 r. o muzeach (Dz. U. z 1997 r. Nr 5, poz. 24, z późn. zm.) – muzea

z dalszej korespondencji marketingowej, prosimy o kontakt pod numerem 22 584 95 32.

rejestrowane mają prawo pierwokupu zabytków bezpośrednio na aukcji za kwotę wylicytowaną powiększoną o opłatę aukcyjną, 3) ustawy z dnia 16 listopada 2000 r. o przeciwdziałaniu wprowadzaniu do obrotu finansowego

9. OGRANICZENIE ODPOWIEDZIALNOŚCI

wartości majątkowych pochodzących z nielegalnych lub nieujawnionych źródeł oraz o przeciwdzia-

1) DESA Unicum wyłącza wszelkie gwarancje inne niż WARUNKI POTWIERDZENIA AUTEN-

zobowiązany do zbierania danych osobowych nabywców dokonujących transakcji w kwocie powy-

TYCZNOŚCI w najszerszym zakresie dopuszczonym prawem.

żej 15 000 euro.

łaniu finansowaniu terroryzmu (Dz. U. z 2000r. Nr 116, poz. 1216 z późn. zm.) – Dom Aukcyjny jest

2) Z zastrzeżeniem punktu 5 w paragrafie 9 całkowita odpowiedzialność DESA Unicum będzie ograniczona wyłącznie do ceny nabycia zapłaconej przez kupującego.

3) DESA Unicum nie jest odpowiedzialna za pomyłki słowne czy na piśmie w informacjach podanych

WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI Przez autentyczność obiektu rozumiemy właściwe podanie autorstwa obiektu i prawidłowe jego dato-

z następujących określeń: „krąg”, „szkoła” bądź „naśladowca”;

wanie. DESA Unicum udziela gwarancji autentyczności obiektów zaprezentowanych w tym katalogu na

e) obiektu, którego określenie autorstwa było zgodne z ogólnie przyjętą opinią specjalistów, uczonych

okres 5 lat od daty sprzedaży przez DESA Unicum z poniższymi zastrzeżeniami:

i innych ekspertów;

1) Desa UNICUM udziela gwarancji autentyczności obiektu jedynie bezpośredniemu nabywcy obiektu

f) obiektu, w przypadku którego podana w katalogu roczna data powstania różni się od faktycznej

(konsumentowi). Powyższa gwarancja nie obejmuje:

o mniej niż 15 lat;

a) kolejnych właścicieli obiektu, włączając w to osoby, które nabyły od bezpośredniego nabywcy obiekt

g) obiektu, w przypadku którego w datowaniu pojawiło się prawidłowe określenie stulecia, natomiast

odpłatnie, w drodze darowizny lub dziedziczenia;

nieprawidłowe określenie części tego stulecia (połowy lub ćwierci);

b) obiektu, co do którego trwa spór o autorstwo;

h) obiektów z XX w., XIX w. i starszych, w przypadku których faktycznie stwierdzone datowanie różni

c) obiektu, którego autorstwo jest jedynie domniemane, co w katalogu i na certyfikacie oznaczone jest

się w stosunku do podanego w katalogu „na korzyść” obiektu, tj. obiekt okazał się starszy, niż było to

następującymi zapisami: brak dat życia po imieniu i nazwisku artysty, nazwisko artysty poprzedzone

podane w opisie;

jedynie inicjałem imienia, znak zapytania w nawiasie lub bez nawiasu („?” lub „(?)”) po nazwisku artysty,

i) obiektu, którego opis i datowanie zostały uznane za niedokładne przy użyciu metod naukowych

przed lub po imieniu i nazwisku artysty określenia: „przypisywany/e/a”, „Attributed” lub skrót „Attrib.”;

lub testów, które nie były ogólnie przyjęte w czasie wydawania tego katalogu bądź w tamtym czasie były

d) obiektu powstałego w bliżej lub szerzej rozumianym kręgu oddziaływania stylu danego artysty, co

uznawane za nadmiernie kosztowne lub niewykonalne, albo według wszelkiego prawdopodobieństwa

w katalogu i na certyfikacie oznaczone jest użyciem przed lub po imieniu i nazwisku artysty jednego

mogłyby spowodować uszkodzenia lub utratę wartości obiektu.

ZLECENIE LICYTACJI

tel. 22 163 67 00, fax 22 163 67 99 e-mail: zlecenia@desa.pl

Sztuka Współczesna. Nowe pokolenie po 1989 • 528ANS011 • Aukcja 22 marca 2018 r.

Zlecenie licytacji z limitem lub licytacja telefoniczna to proste sposoby wzięcia udziału w aukcji, które nie skutkują żadnymi dodatkowymi kosztami dla Nabywcy.

Zlecenie licytacji z limitem

Zlecenie telefoniczne

Zlecenie musi być dostarczone (osobiście, pocztą, faksem lub e-mailem) do siedziby Domu Aukcyjnego nie później niż 24 godziny przed rozpoczęciem licytacji, w przypadku późniejszego dostarczenia nie gwarantujemy realizacji zlecenia, jednak dołożymy wszelkich starań, aby było to możliwe.

Prosimy czytelnie wypełnić formularz, by uniknąć ewentualnych pomyłek.

Imię i nazwisko

Zlecenie licytacji z limitem Podanie przez Klienta limitu licytacji jest informacją ściśle poufną.

Dom Aukcyjny będzie reprezentował w licytacji Nabywcę do podanej kwoty, gwarantując jednocześnie nabycie obiektu za najniższą możliwą kwotę. Dom Aukcyjny nie przyjmuje zleceń bez górnego limitu. W przypadku zaistnienia kilku zleceń w tej samej wysokości Dom Aukcyjny będzie reprezentował Klienta, którego zlecenie zostało złożone najwcześniej.

Zgadzam się na jedno postąpienie w górę w przypadku wystąpienia innego zlecenia o tej samej wysokości: Tak

Dowód osobisty (seria i numer) NIP (dla firm)

Adres: ulica nr domu nr mieszkania

Miasto

Nie

Zlecenie telefoniczne W przypadku zlecenia licytacji telefonicznej prosimy o podanie numeru telefonu aktualnego w czasie aukcji. Pracownicy Domu Aukcyjnego połączą się z Państwem chwilę przed rozpoczęciem licytacji wybranych obiektów. Przebieg rozmowy – licytacji telefonicznej może być rejestrowany przez Desa Unicum. Dom Aukcyjny nie ponosi odpowiedzialności za brak możliwości wzięcia udziału w wyniku problemów z uzyskaniem połączenia z podanym numerem.

W przypadku problemów z uzyskaniem połączenia zgadzam się na licytację w moim imieniu za kwotę równą cenie wywoławczej:

Kod pocztowy

Adres e-mail

Tak

Nie

Telefon / faks Przed przyjęciem zlecenia licytacji pracownik Domu Aukcyjnego ma prawo prosić o podanie pełnych danych osobowych oraz o okazanie lub skopiowanie dokumentu potwierdzającego tożsamość osoby rejestrowanej (dowód osobisty, paszport, prawo jazdy; w przypadku zleceń przesyłanych e-mailem, pocztą lub faksem konieczne jest dołączenie kserokopii lub skanu takiego dokumentu). Dane są udostępniane dobrowolnie, jednak ich podanie jest warunkiem koniecznym do wzięcia udziału w licytacji.

Nr kat.

Autor, tytuł

Maksymalna oferowana kwota (bez opłaty aukcyjnej) lub licytacja telefoniczna

Należność za zakupiony obiekt Wpłacę na konto bankowe Banku Pekao S.A. 27 1240 6292 1111 0010 6772 6449 Wpłacę w kasie firmy (pn.-pt. w godz. 11–19)

Proszę o wystawienie faktury VAT bez podpisu odbiorcy

Skąd dowiedzieli się Państwo o DESA Unicum? z prasy

z mailingu

z reklamy internetowej

z reklamy zewnętrznej

z radia

Numer telefonu do licytacji Ja niżej podpisany/-a oświadczam, że: 1) zapoznałem/-am się i akceptuję WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ I WARUNKI AUTENTYCZNOŚCI Domu Aukcyjnego DESA Unicum opublikowane w katalogu aukcyjnym, 2) zobowiązuję się do zrealizowania zawartych transakcji zgodnie z niniejszymi WARUNKAMI, w tym do zapłacenia wylicytowanej kwoty powiększonej o opłatę aukcyjną oraz innych opłat, zgodnie z oznaczeniami w katalogu, w szczególności w przypadkach przewidzianych przepisami ustawy o prawie autorskim i prawach pokrewnych, wynagrodzenia z tytułu odsprzedaży oryginalnych egzemplarzy utworu (tzw droite-de-suite) w terminie 10 dni od daty aukcji, 3) wszelkie dane zawarte w niniejszym formularzu są prawdziwe i zgodne z moją najlepszą wiedzą. W przypadku zatajenia lub podania nieprawdziwych danych DESA Unicum nie ponosi odpowiedzialności, 4) wyrażam zgodę na przetwarzanie moich danych osobowych w celach koniecznych do realizacji niniejszego zlecenia, zgodnie z ustawą z 29.08.1997 r. o ochronie danych osobowych, przez DESA Unicum oraz podmioty powiązane z DESA Unicum w rozumieniu Kodeksu spółek handlowych, 5) wyrażam zgodę nie wyrażam zgody na przetwarzanie moich danych osobowych w celach marketingowych oraz na przesyłanie katalogów wydawanych przez DESA Unicum, a także przesyłanie drogą elektroniczną informacji handlowych, zgodnie z ustawą z 29.08.1997 r. o ochronie danych osobowych, przez DESA Unicum oraz podmioty powiązane z DESA Unicum w rozumieniu Kodeksu spółek handlowych, 6) zostałem poinformowany/-a, że administratorem moich danych osobowych jest DESA Unicum oraz że przysługuje mi prawo wglądu do treści moich danych oraz prawo do ich poprawienia, 7) zostałem poinformowany, że dane osobowe podane w niniejszym formularzu nie będą nikomu udostępniane, z wyjątkiem wypadków obowiązkowego udzielania informacji określonych w przepisach ustaw.

od rodziny/znajomych z imiennego zaproszenia inną drogą Desa Unicum SA, ul. Piękna 1A, 00-477 Warszawa, tel. 22 163 66 00, fax 22 163 67 99, e-mail: biuro@desa.pl, www.desa.pl NIP: 5272644731 REGON: 142733824 Spółka zarejestrowana w Sądzie Rejonowym dla m.st. Warszawy XII Wydział Gospodarczy KRS0000718495.

Data i podpis klienta składającego zlecenie

Deutsche Bank Private Banking

Wznieś się wyżej z dwuosobową Radą Doradców Kiedy jesteś wysoko, wiesz, ile zależy od wsparcia zaufanych ludzi.

Osobista, dwuosobowa Rada Doradców to ukoronowanie sukcesu każdego Klienta Private Banking. To siła, która wznosi finanse na wyższy poziom.

Deutsche Bank w elitarnej czołówce instytucji dla Klientów Bankowości Prywatnej według ratingu magazynu Forbes RATING PRIVATE BANKING MAGAZYNU FORBES

EliteLine: 801 19 19 19 (opłata wg obowiązujących stawek operatora), www.eliteprivatebanking.pl Deutsche Bank Polska S.A., al. Armii Ludowej 26, 00-609 Warszawa

CENA 39 zł (z 5% VAT)

DESA.PL UL. PIĘKNA 1A 00-477 WARSZAWA TEL.: 22 163 66 00 E-MAIL: BIURO@DESA.PL