Sztuka Współczesna. Nowe pokolenie po 1989, 25 września 2018

SZTUKA WSPÓŁCZESNA NOWE POKOLENIE PO 1989 AUKCJA 25 WRZEŚNIA 2018 WARSZAWA

SZTUKA WSPÓŁCZESNA NOWE POKOLENIE PO 1989 AUKCJA 25 WRZEŚNIA 2018 (WTOREK) GODZ. 19

WYSTAWA OBIEKTÓW 15-25 WRZEŚNIA 2018 R. PONIEDZIAŁEK – PIĄTEK W GODZINACH OD 11 DO 19 SOBOTA W GODZINACH OD 11 DO 16 MIEJSCE AUKCJI I WYSTAWY DOM AUKCYJNY DESA UNICUM UL. PIĘKNA 1A, WARSZAWA

KOORDYNATORZY AUKCJI ARTUR DUMANOWSKI Redakcja katalogu, a.dumanowski@desa.pl, 795 122 725 MICHAŁ BARCIK Koordynator sprzedaży, m.barcik@desa.pl, 506 252 031 ZLECENIA LICYTACJI zlecenia@desa.pl, tel. 22 163 67 00

INDEKS

Banach Łukasz 3

Materka Bartek 15

Bańda Basia 11

Misiak Michał 19

Bąkowski Kuba 41

Musiał Tomasz 37

Bogacka Agata 48

Nikić Ivo 44

Borkała Dobrawa 27

Otocki Bartek 43

Brzeski Olaf 9

Pawszak Sławek 7

Brzeżańska Agnieszka 13-14

Rogalski Zbigniew 1-2

Buczkowska Dorota 26 Bujnowski Rafał 16-18 Ciężki Jakub 22 Czech Martyna 39 Ćwiertniewicz Wojciech 21 Drozd Grzegorz 33 Dunal Paweł 36

Sandomierz Agnieszka 42 Slezkin Michał 25 Surowiec Łukasz 30 Szczypiński Mateusz 38 Szlaga Radek 10 Szprynger Anna 20 Szymankiewicz Małgorzata 24

Gomulicki Maurycy 49 The Krasnals 45 Jaklewicz Karolina 23 Twożywo 31 Jarodzki Paweł 32 Urban Alex 5 Korolczuk Milena 40 Kotlicki Piotr 35 Leto Norman 4 Maciejowski Marcin 12

Wachowski Piotr 46 Wilk Rafał 34 Zamojski Honza 6

Maciejuk Robert 47

Ziółkowski Jakub Julian 28

Matecki Przemysław 8

Żmijewski Artur Molska Anna 29

DOM AUKCYJNY I GALERIA

PUNKT WYDAŃ OBIEKTÓW

ZLECENIA LICYTACJI

Piękna 1A, 00-477 Warszawa tel. 22 163 66 00, biuro@desa.pl

tel. 22 163 66 20, wydania@desa.pl

zlecenia@desa.pl

pon.-pt. 11-19, sob. 11-16

tel. 22 163 67 00

BIURO PRZYJĘĆ OBIEKTÓW

BIURO OBSŁUGI KLIENTA

PRENUMERATA KATALOGÓW

tel. 22 163 66 10 wyceny@desa.pl

tel. 22 163 66 00 bok@desa.pl

tel. 22 163 67 00, prenumerata@desa.pl

pon.-pt. 11-19, sob. 11-16

pon.-pt. 11-19, sob. 11-16

pon.-pt. 11-19, sob. 11-16

GALERIA BIŻUTERII Nowy Świat 48, 00-363 Warszawa tel. 22 826 44 66, bizuteria@desa.pl pon.-pt. 11-19, sob. 11-16 wyceny biżuterii: czw. 11-19, pt. 11-15

KONTA BANKOWE mBank S.A., SWIFT BREXPLPWWA3 PLN: 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002

EURO: 43 1140 2062 0000 2380 1100 1005

USD: 16 1140 2062 0000 2380 1100 1006

OKŁADKA FRONT poz. 12 Marcin Maciejowski „La Valetta, Malta”, 2003 r. • II OKŁADKA – STRONA 1 poz. 1 Zbigniew Rogalski, „London”, 2015 r.

STRONA 2 poz. 15 Bartek Materka, „Zejście / Descent”, 2009 r. • STRONA 3 poz. 17 Rafał Bujnowski, Schemat malowania kasety VHS, 2001 r.

IV OKŁADKA poz. 22 Jakub Ciężki, Z cyklu Opakowania, 2016 r.

SZTUKA WSPÓŁCZESNA Nowe pokolenie po 1989 • 25 września 2018 • ISBN 978-83-66038-42-4 • Kod aukcji 560ANS013 Nakład 2 500 egzemplarzy • Koncepcja graficzna Monika Wojnarowska • Zdjęcia Marcin Koniak i Paweł Bobrowski Druk ArtDruk Zakład Poligraficzny, www.artdruk.com

JULIUSZ WINDORBSKI Prezes Zarządu tel. 22 163 66 65 j.windorbski@desa.pl

JAN KOSZUTSKI Wiceprezes tel. 22 163 66 36 j.koszutski@desa.pl

SEKRETARIAT ZARZĄDU tel. 22 163 66 65 biuro@desa.pl

KSIĘGOWOŚĆ

DZIAŁ IT

Public Relations

Małgorzata Kulma, Główna Księgowa tel. 22 163 66 80, m.kulma@desa.pl

Piotr Gołębiowski Koordynator Projektów IT tel. 502 994 225, p.golebiowski@desa.pl

Business & Culture Joanna Andruszko tel. 793 919 167, pr@desa.pl

DEPARTAMENT MARKETINGU I INNOWACJI

DZIAŁ LOGISTYCZNO-ADMINISTRACYJNY

Agata Scheffner, Dyrektor Marketingu tel. 514 446 830, a.scheffner@desa.pl

Kacper Tomaszkiewicz Kierownik ds. logistyki tel. 795 122 708, k.tomaszkiewicz@desa.pl

Marlena Ulejczyk Zastępca Głównej Księgowej tel. 22 163 66 81, m.ulejczyk@desa.pl DZIAŁ HR Joanna Antosik, Specjalista ds. kadr i płac tel. 22 163 66 90, j.antosik@desa.pl

Marta Wiśniewska, Koordynator ds. Marketingu tel. 795 122 709, m.wisniewska@desa.pl

DESA Unicum SA ul. Piękna 1A, 00-477 Warszawa, tel. 22 163 66 00, e-mail: biuro@desa.pl NIP: 527 26 44 731 REGON: 142733824 Spółka zarejestrowana w Sądzie Rejonowym dla m.st. Warszawy XII Wydział Gospodarczy KRS 0000718495

DEPARTAMENT PROJEKTÓW AUKCYJNYCH

IZA RUSINIAK Dyrektor Departamentu i.rusiniak@desa.pl 22 163 66 40, 664 981 463

Barbara Rybnikow Starszy Specjalista Sztuka Współczesna b.rybnikow@desa.pl 22 163 66 45, 664 150 862

Anna Szynkarczuk Specjalista Sztuka Współczesna a.szynkarczuk@desa.pl 22 163 66 41, 664 150 866

Agata Matusielańska Asystenst Sztuka Współczesna a.matusielanska@desa.pl 22 163 66 50, 539 546 699

KATARZYNA PISKORZ Asystent Sztuka Współczesna k.piskorz@desa.pl 22 163 66 50

Marek Wasilewicz Specjalista Sztuka Dawna m.wasilewicz@desa.pl 22 163 66 47, 795 122 702

MAŁGORZATA SKWAREK Starszy Specjalista Sztuka Dawna m.skwarek@desa.pl 22 163 66 50

TOMASZ DZIEWICKI Specjalista Sztuka Dawna t.dziewicki@desa.pl 22 163 66 46, 735 208 999

JULIA MATERNA Asystent Sztuka Dawna j.materna@desa.pl 22 163 66 46

ARTUR DUMANOWSKI Starszy Specjalista Sztuka Młoda i Najnowsza a.dumanowski@desa.pl 22 163 66 42, 795 122 725

KATARZYNA ŻEBROWSKA Starszy Specjalista Fotografia Kolekcjonerska k.zebrowska@desa.pl 22 163 66 49, 539 546 701

KAROLINA KOŁTUNICKA Asystent Sztuka Młoda i Najnowsza k.koltunicka@desa.pl 22 163 66 43, 664 150 864

KAROLINA ŁUŹNIAK Starszy Specjalista Sztuka Użytkowa i Komiks k.luzniak@desa.pl 22 163 66 48, 664 981 453

Magdalena Kuś Starszy Specjalista Sztuka Użytkowa m.kus@desa.pl 22 163 66 44, 795 122 718

DEPARTAMENT POZYSKIWANIA OBIEKTÓW

JOANNA TARNAWSKA Dyrektor Departamentu j.tarnawska@desa.pl 22 163 66 11, 698 666 189

ELŻBIETA KOPEĆ Specjalista e.kopec@desa.pl 22 163 66 15

Stefania Ambroziak Asystent s.ambroziak@desa.pl 22 163 66 12, 539 196 531

KarolinA Greś Asystent k.gres@desa.pl 22 163 66 14, 698 668 221

DEPARTAMENT SPRZEDAŻY

AGATA SZKUP Dyrektor Departamentu a.szkup@desa.pl 22 163 67 01, 692 138 853

ALEKSANDRA ŁUKASZEWSKA Kierownik Galerii a.lukaszewska@desa.pl 22 163 67 05, 664 981 465

MICHAŁ BOLKA Doradca Klienta m.bolka@desa.pl 22 163 67 03, 664 981 449

KAROLINA CIESIELSKA Doradca Klienta k.ciesielska@desa.pl 22 163 67 12, 668 135 447

ROMAN KACZKOWSKI Doradca Klienta r.kaczkowski@desa.pl 22 163 67 15, 795 122 712

JAN GROCHOLA Doradca Klienta j.grochola@desa.pl 22 163 67 08, 795 121 574

Michał Barcik Doradca Klienta m.barcik@desa.pl 22 163 67 09, 506 252 031

MAŁGORZATA NITNER Doradca Klienta m.nitner@desa.pl 22 163 67 02, 514 446 892

jADWIGA BECK Doradca Klienta j.beck@desa.pl 795 122 720

MAGDALENA OŁTARZEWSKA Asystent ds. rozliczeń m.oltarzewska@desa.pl 22 163 66 04, 506 252 044

MARIA OLSZAK Asystent ds. rozliczeń m.olszak@desa.pl 22 163 66 02, 795 122 723

KORA KULIKOWSKA Asystent ds. rozliczeń k.kulikowska@desa.pl 22 163 66 20, 788 262 366

BIURO OBSŁUGI KLIENTA

URSZULA PRZEPIÓRKA Kierownik Działu u.przepiorka@desa.pl 22 163 66 01

ANNA MAZUREK Specjalista ds. rozliczeń a.mazurek@desa.pl 22 163 66 09

DZIAŁ ADMINISTROWANIA OBIEKTAMI

KAROLINA ŚLIWIŃSKA Kierownik Magazynu k.sliwinska@desa.pl 22 163 66 20, 795 121 575

Paweł Wołyniak Specjalista ds. logistyki p.wolyniak@desa.pl 22 163 66 21, 506 251 934

STUDIO FOTOGRAFICZNE

MARCIN KONIAK Fotograf m.koniak@desa.pl 22 163 66 74, 664 981 456

MARLENA TALUNAS Fotoedytor m.talunas@desa.pl 22 163 66 75, 795 122 717

PAWEŁ BOBROWSKI Młodszy fotograf produktowy p.bobrowski@desa.pl 22 163 66 75

1

Zbigniew Rogalski (ur. 1974)

“Londyn”, 2014 r. olej/płótno, 120 x 180 cm

estymacja 60 000 - 90 000 PLN 14 100 - 21 100 EUR

Zbigniew Rogalski

„Wszystko jest połączone. Miejsce, w którym teraz jestem, jest wypadkową różnych działań i zbiegów okoliczności. Jest to suma dobrych i złych decyzji. Być może na mój obecny stan miała wpływ myśl nieznanego przodka sprzed tysiąca lat. Ale to już jest kraina zawiłej ontologii”.

„Czy znacie nazwisko Zbigniew Rogalski? Jeśli nie, to nauczcie się go na pamięć, został właśnie kupiony przez Rubellów” – tak brzmiały nagłówki amerykańskich gazet w 2005 roku.

Był to milowy krok w karierze młodego artysty. O malarstwie Rogalskiego mówi się, że jest nasycone obecnością artysty, a on sam prowokuje odbiorców do wzięcia udziału w jego grze – „oto obraz, na którym maluję obraz”. W zasadzie każdy obraz to autoportret artysty lub portret kogoś z jego najbliższego otoczenia, a sceneria zamyka się często w obrębie mieszkania artysty. Rogalski lubi pokazywać to, na co zazwyczaj nie zwraca się uwagi, a nawet przeszkadza w codziennym życiu – para na lustrze, zaburzenia widzenia, napis w windzie.

Prezentowana praca pochodzi z 2014 roku. Obrazy z tego cyklu artysta tytułował nazwami miast. Koncentrował się na doskonaleniu motywu wizualnego zaburzenia w obrazie.

Umieszczone gdzieś pomiędzy abstrakcją a cyfrowymi zniekształceniami, obrazy łączą cechy malarza hiperrealisty z pozornie nieuporządkowaną, nieskrępowaną wyobraźnią.

Skomponowane ze sobą rozproszone zakrzywienia, jako abstrakcyjne formy zaprzeczają umownym zasadom perspektywy.

Obrazy zostały namalowane tak, by wyglądały na „wycięte” w płótnie niczym w kartce papieru. Spod „nacięć” przenika gra cieni i świateł, budująca powierzchnię płótna. Litery zarysowano oszczędnie, kilkoma prostymi liniami. Taki sposób konstruowania obrazu powraca w twórczości Rogalskiego – artysta w swoich malarskich eksperymentach eksploruje, jaki efekt daje rozszczepianie obrazu, nawarstwianie wizerunków i ich odbić, wykorzystując do tego celu motywy, takie jak błysk flesza, płomienie trawiące arkusz papieru czy światło w tunelu.

2

Zbigniew Rogalski (ur. 1974)

Bez tytułu, tryptyk, 2004 r. olej/płótno, 81 x 180 cm (całość) sygnowany i datowany na odwrociu: ‘ZBIGNIEW ROGALSKI | 2004’ (każda część)

estymacja 45 000 - 60 000 PLN 10 600 - 14 100 EUR

Zbigniew Rogalski przez galerników jest określany mianem „reżysera obrazów”. Do tworzenia narracyjnych, złożonych pod względem treści kompozycji wykorzystuje zarówno doświadczenie fotograficznych ujęć, jak i techniczną sprawność warsztatu malarskiego. Swoje prace Rogalski często realizuje seriami, wykorzystując motywy gatunkowe, znane z malarstwa dawnego, takie jak portrety i pejzaże. Często też, autotelicznie, podejmuje temat malarstwa rozumianego jako dyscyplina sztuki – poddaje je krytycznej refleksji i historycznej analizie. Według galerii Raster w realizacjach twórcy „powierzchnia obrazu staje się na krótką chwilę ekranem wyświetlającym obsesje, lęki lub olśnienia naszej świadomości”. Według krytyczki sztuki, Amélie von Heydebreck, „O wielkości sztuki Rogalskiego świadczy to, że od bez mała dziesięciu lat krąży on wciąż wokół jednego i tego samego pytania, przy czym mimo tej koncentracji i samoograniczenia nieomal eseistycznie rozpracowuje wielkie tematy współczesne teorii obrazu. Chodzi tu o grę z płaszczyznami rzeczywistości, o rolę współczesnego artysty i widza, równocześnie zaś ciągle o pytanie, w jaki sposób malarstwo może się potwierdzić jako medium sceptyczne, ale także, w jaki sposób sama jednostka może się potwierdzić w ramach współczesnych dyskursów

o tożsamości. Przez twórczość Rogalskiego przewija się jedno proste i wielkie pytanie: Gdzie jestem Ja?” (Paralaksa. Spojrzenia Zbigniewa Rogalskiego, katalog wystawy, [red.] Jarosław Lubiak, Muzeum Sztuki w Łodzi, 28.10.2010-30.01.2011, Łódź 2012, s.7).

Rogalski uprawia malarstwo figuratywne, chociaż posługuje się też fotografią i wideo. Tworzy bardzo nowocześnie – budując swój obraz rzeczywistości, posługuje się chętnie estetyką fotografii, wykadrowanych ujęć lub nakłada przenikające się warstwy jak w montażu filmowym. Robi to z absolutnym wyczuciem, pozostawiając miejsce na kontemplację, wizję i tajemnicę. Maluje w sposób tradycyjny, farbami olejnymi na płótnie.

Spektakularnie rozwijająca się kariera artystyczna Rogalskiego dobitnie pokazuje, że jeżeli artyście nie zabraknie wytrwałości i wiary w sens własnej twórczości, to prawdziwy talent zostanie zauważony i doceniony. Rogalski jest dziś jednym z najbardziej „gorących” i rozpoznawalnych nazwisk nowej, polskiej sztuki. Jego obrazy sprzedają się na prestiżowych targach sztuki w Miami na Florydzie, w Paryżu, Wiedniu i Bazylei, a stamtąd trafiają do europejskich i amerykańskich kolekcji.

3

Łukasz Banach

(od 2007 pseud. Norman Leto) (ur. 1980)

Most kolejowy olej/płótno, 75 x 115 cm (w świetle oprawy) sygnowany l.d.: ‘BANACH’

estymacja 5 000 - 8 000 PLN 1 200 - 1 900 EUR

Praca pochodzi z okresu czerwonego, wczesnego etapu w twórczości Banacha, kiedy tworzył pod wpływem malarstwa Zdzisław Beksińskiego.

Artysta jest samoukiem zarówno jako malarz, jak i w dziedzinie nowych mediów. W latach 90., jeszcze jako nastolatek, zajął się rysunkiem.

Na przełomie dekad podjął pierwsze próby malarskie. Po spotkaniu z Beksińskim w 1999 roku dwaj artyści rozpoczęli wymianę korespondencji, inspirując się nawzajem, dzieląc uwagami i wskazówkami. Kilka lat później

Banach postanowił przybrać przydomek Norman Leto, zerwać ze wczesną twórczością i obok malarstwa poświęcić się filmowi. Oprócz krótszych form stworzył film pełnometrażowy – „Sailor” z 2010 roku. W 2007 rozpoczął współpracę z reżyserem Krystianem Lupą – przygotował projekcje wideo wyświetlane podczas jego spektakli. W tym samym roku miała miejsce pierwsza wystawa indywidualna Leto – w Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie.

4

Norman Leto (ur. 1980)

“To co musiał widzieć mój tata po powrocie z pracy po szesnastej”, 2014 r. olej/płótno, 110 x 160 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘TO CO MUSIAŁ | WIDZIEĆ MÓJ TATA | PO POWROCIE Z PRACY PO | SZESNASTEJ | NORMAN 2014’

estymacja 12 000 - 20 000 PLN 2 900 - 4 700 EUR

WYSTAWIANY: - Norman Leto, Idź i patrz, Muzeum Miejskie w Zabrzu, 23.04-31.05.2018

LITERATURA: - Norman Leto, Idź i patrz, katalog wystawy indywidualnej, Zabrze 2018 (il.)

Jakub Gawkowski, Przemoc widziana z fotela, [w:] Norman Leto.

Idź i patrz, katalog wystawy indywidualnej, Zabrze 2018

„Na jednym z obrazów Normana Leto pochylony nad komputerem chłopiec patrzy w stronę oglądającego. Masywne biurko, elegancka lampa, ciężki monitor, jakich już się nie produkuje.

To właśnie To, co musiał widzieć codziennie mój tata po powrocie z pracy o piętnastej – jego dziecko klepiące w klawiaturę. Wymieniamy spojrzenia z uchwyconym na obrazie chłopcem, który w przyszłości zacznie korespondować ze Zdzisławem Beksińskim, będzie tworzył, rysował, malował i programował. Wchodzimy więc – na polecenie artysty, który sam najpierw siebie umieścił w tej roli – w buty jego ojca”.

Norman Leto to artysta wizualny, filmowiec i pisarz. Tworzy obrazy, fotografie, prace wideo, obiekty i instalacje zarówno w przestrzeni fizycznej, jak i w rzeczywistości wirtualnej.

Pracuje na pograniczu fabularnej fikcji, filozofii oraz nauk ścisłych. Jego prace znajdują się m.in. w kolekcjach CSW Zamek Ujazdowski, Muzeum Narodowego w Krakowie, Galerii Arsenał w Białymstoku, Fundacji Sztuki Polskiej ING, Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie (MOCAK). Na wczesnym etapie twórczości współpracował m.in. ze Zdzisławem Beksińskim i Krystianem Lupą. Debiutował w 2007 roku w CSW Zamek Ujazdowski. Laureat Paszportów „Polityki” 2017 w kategorii Sztuki wizualne za pełnometrażowy film „Photon”. W styczniu 2017 roku Leto tworząc nową serię autobiograficznych obrazów, rozpoczął pracę nad kolejnym scenariuszem o roboczej nazwie „Pilot 9/11”. Historia ukazuje wydarzenia z 11 września 2001 roku z unikalnej perspektywy amerykańskich pilotów przechwytujących.

5

Alex Urban (ur. 1978)

Moczyk, 2009 r. olej/płótno, 100 x 140 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘Alex Urban | 2009’

estymacja 12 000 - 16 000 PLN 2 900 - 3 800 EUR

„Wyjęte z mojej pamięci echa snów, wspomnień i fantazji są melanżem tego, co różowe, słodkie i pluszowe z irracjonalnym, ale nie tylko, strachem i złowrogością. Kiedy byłam dzieckiem, moja świadomość przypominała gabinet osobliwości, z latami jednak nic się nie zmieniło, a wyobrażone strachy nabrały realnych kształtów”(Alex Urban).

Alex Urban mieszka i pracuje we Wrocławiu, gdzie w 2004 roku obroniła dyplom z malarstwa na Akademii Sztuk Pięknych. Artystka jest dwukrotną stypendystką Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Jej malarstwo to

często bardzo osobista podróż w świat wspomnień, fantazji i marzeń, którym Urban nadaje frapującą formę. Jako niezwykle płodna malarka w ciągu ostatnich lat swoje prace pokazywała między innymi podczas: Edinburgh Art Festival oraz w Art Agenda Nova w Krakowie, Galerii Bestregards we Frankfurcie oraz dwukrotnie w Mieszkaniu Gepperta. Jej twórczość nawiązuje do seksualnych lub paranoicznych ludzkich stanów, gdzie można dostrzec lęk i obsesję. Postaci ukazujące się w jej obrazach są jak zjawy rodem z horrorów. Artystka często czerpie inspiracje z Internetu.

6

Honza Zamojski (ur. 1981)

Bez tytułu, 2014 r. rysunek przez kalkę, pisak/papier, 30,5 x 23 cm (w świetle passe-partout) sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘0803 | 2014 | HNZ’

estymacja 1 500 - 3 000 PLN 400 - 800 EUR

Działalność Honzy Zamojskiego wykracza poza tradycyjnie zakreślone dziedziny artystyczne, absolwent zarówno poznańskiej Akademii Sztuk Pięknych, jak i kulturoznawstwa i filozofii, wykonuje wielkoformatowe instalacje, szkice ołówkiem oraz artbooki. Jako kurator, animator oraz wydawca działa lokalnie w Poznaniu i eksponuje swoje prace w najznamienitszych galeriach i muzeach sztuki współczesnej.

Grafiki i rysunki jego autorstwa zdają się być wypadkową tych wielu zainteresowań, kompozycje budowane z najprostszych geometrycznych kształtów i kresek przypominają szkice nakreślone dziecięcą ręką. Ascetyczne układy figur nasuwają też skojarzenia z poezją wizualną, nawet jeśli nie dostrzegamy w nich słów, struktura graficzna skłania widza do snucia

większych narracji. Formy tworzone przez Zamojskiego zdają się wywodzić z surrealistycznych szkiców mikrokosmosu tworzonego przez Joana Miró czy poszukiwań konstruktywistów opierających się na zagadnieniu budowy kompozycji przy pomocy bezkształtnych abstrakcyjnych form.

W jego drucianych instalacjach oraz rzeźbach często przejawia się motyw postaci o charakterystycznej, szkicowej fizjonomii, z uproszczonym korpusem, na który składają się proste pręty. Uproszczona twarz z okręgami oczu i wydłużonym nosem odwołuje się do bajki o Pinokiu, jednak ta pozornie niewinna asocjacja często okraszona jest perwersyjnością i groteską.

W twórczości tej dostrzegalne są humor, ironia, ale i dystans wobec siebie, jak i statusu artysty jako takiego.

7

Sławek Pawszak (ur. 1984)

Bez tytułu, 2013 r. olej/płótno, 146 x 150 cm sygnowany, datowany i opisany na blejtramie: ‘SŁAWOMIR PAWSZAK BEZ TYTUŁU 2013’

estymacja 10 000 - 14 000 PLN 2 400 - 3 300 EUR

POCHODZENIE: - BWA Warszawa - kolekcja prywatna, Warszawa

Sławek Pawszak w rozmowie z Michałem Suchorą, MAGAZYNSZUM.PL, 10.02.2014

„Nigdy nie czułem się zmęczony rzeczywistością. Wręcz przeciwnie.

Kompletnie obca jest mi poetyka tzw. realizmu magicznego, to nie mój klimat, nawet gdybym chciał, to nie byłbym w stanie zmusić się do wymyślania fantastycznych światów, zaludniania ich zdeformowanymi postaciami, maszerującymi w cylindrach szkieletami.

To byłby fałsz, we mnie nigdy nie było najmniejszej tęsknoty za magicznością”.

W centrum zainteresowania artysty znajduje się samo malarstwo. Pawszak tworzy również filmy wideo i instalacje przestrzenne, między innymi makiety miejsc dla niego ważnych. Jest absolwentem Wydziału Malarstwa na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, dyplom obronił w pracowni Leona Tarasewicza. Mieszka i tworzy w Warszawie. Brał udział w wystawach indywidualnych: „Painter’s Dilemma”, Galeria Sztuki im. Jana Tarasina, Kalisz (2015); „Nowe rzeczy, Dwie Lewe Ręce”, Katowice (2014);

„Cannabis, whisky, ananas”, BWA Warszawa, Warszawa (2014); „Nowe prace”, Galeria BWA, Zielona Góra (2012); „Słowa wszystko szmacą”, „Czterdzieści stopni w cieniu”, Galeria Czarna Pawszak feat. Przezwańska (razem z Katarzyną Przezwańską), Galeria A, Warszawa (2009); Wystawa dyplomowa, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski, Warszawa (2008); „Fragmentaryzm”, Galeria Zakręt, Wydział Historii Sztuki Uniwersytet Warszawski (2007).

8

Przemysław Matecki (ur. 1976)

Bez tytułu (Plac Piastowski), 2009 r. olej/płótno, 146 x 116 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘P.MATECKI | „BEZ TYTUŁU” (PLAC PIASTOWSK) | 2009’

estymacja 20 000 - 30 000 PLN 4 700 - 7 100 EUR

Prezentowane dzieło pochodzi z 2009 roku, w tym też czasie artysta pokazał swoje prace na indywidualnej wystawie w Galerii Raster w Warszawie, zatytułowanej „Plac Piastowski”. W pracach z tego okresu Matecki osiągnął nową jakość obrazu. Kompozycje złożone z dziesiątek nawarstwionych fotografii, zdjęć gazetowych i aplikacji z malowanej tektury oddają stan permanentnej niemocy skupienia. Ujawniają one niezwykły krytyczny potencjał prac artysty, opisują współczesne doświadczenie kultury wizualnej i napięcie pomiędzy nią a sztuką. Sam artysta mówi, że maluje „szumy”, efemeryczne i ambiwalentne sytuacje i towarzyszące im emocje. Za pomocą zrównania porządków sztuki wysokiej ze sztuką używkową, artysta opowiada o współczesności i miejscu sztuki, która z jednej strony służy przyjemności i rekreacji, jako świadectwo wysokiego statusu, z drugiej zaprzęgnięta jest w znacznie poważniejsze aspekty ludzkiej aktywności, takiej jak tworzenie tożsamości, kult religijny czy polityczne utarczki.

Przemysław Matecki zajmuje się przede wszystkim wytwarzaniem obiektów: obrazów-śmieci, złożonych z przeróżnych motywów, obecnych we współczesnej popkulturze. Inspiruje się tradycją twórczości, wywodzącą się z

tradycji Roberta Rauschenberga i stylistyki punk. W gęstą fakturę farb olejnych wkleja elementy zaczerpnięte z kultury masowej: wycinki z gazet przedstawiające modelki czy znalezione na śmietnikach fotografie.

Jego sztuka jest radykalna, eksperymentalna, często także wulgarna i bezpośrednia. To, czym charakteryzuje się twórczość Mateckiego, to przede wszystkim „specyficzna, nieakademicka czułość dla obrazu malarskiego i zarazem kontrkulturowa energia”. Mimo że w obrazach Przemysława Mateckiego tradycyjna technika malarstwa olejnego współistnieje ze zdjęciami z gazet, sam artysta twierdzi, że tworzy prace abstrakcyjne. Autor należy do grona najbardziej oryginalnych twórców młodego pokolenia.

Jego twórczą postawę cechuje konsekwencja i bezkompromisowość. Jako artysta czerpie z różnych nurtów i estetyk – neoekspresjonizmu, surrealizmu czy dadaistycznych strategii konstruowania obrazu polegających na uwzględnieniu czynnika przypadkowości. Pozostaje jednocześnie twórcą nietuzinkowym, niedającym się jednoznacznie zaszufladkować do żadnego ze współczesnych kierunków. Równie sprawnie jak artystyczne inspiracje łączy ze sobą rozmaite techniki.

Przemysław Matecki w rozmowie z Łukaszem Musielakiem, 2015

„Abstrakcja to bardzo pojemne słowo; jak widać, mieścić się w nim może cała rzeczywistość. Wydaje mi się, że zdobyczą ostatnich lat jest zwiększenie wyporności tego słowa”.

Przemysław Matecki. Szorstko”, widok wystawy w Zachęcie – Narodowej Galerii Sztuki, 10.02-29.03.2015, fot. M. Krzyżanek, CC BY-SA

9

Olaf Brzeski (ur. 1975)

Bez tytułu [byk], z serii Czarne charaktery, AP z ed. 2 + 1 AP, 2008-14 r. ceramika, 60 x 60 x 30 cm sygnowany, datowany i numerowany na spodzie: ‘Olaf | Brzeski | 2008-2014 | 2/2 + AP’

estymacja 22 000 - 38 000 PLN 5 200 - 8 900 EUR

WYSTAWIANY: - Olaf Brzeski, Czarne charaktery czyli długo oczekiwana zmiana ról, BWA Wrocław, 2008 - Olaf Brzeski, Czarne charaktery. Sztuka jest przemocą, CSW Łaźnia, Gdańsk, 2008 - Serce to samotny myśliwy, Gare Saint-Sauveur, Lille, Francja, 2009 - Olaf Brzeski, Blask, Galeria Arsenał, Białystok, 2013

Cykl „Czarne charaktery...”, połączony z wystawą we wrocławskim BWA, stanowił rozwinięcie idei i dopełnienie innego projektu Olafa Brzeskiego pod tytułem „Pan Myśliwy”. Wokół tej zagadkowej postaci osnuł Brzeski fabułę kilku kolejnych wystaw, scharakteryzował ją w taki oto sposób: „Biedny głupi skurwysyn, któremu się wydawało, że otaczającą go rzeczywistość można wykorzystać, ukształtować wedle jego woli, kontrolować i regulować.

Panować nad naturą ludzi, zwierząt, rzeczy. Generalnie zaprowadzić porządek.

Ale natura rzeczy jest niezmienna i ma własne interesy do załatwienia...

I kiedy chciał wyjść i zabrać się do dzieła, okazało się, że jego 'leśni przyjaciele' zakopali jego strzelbę w lesie, a miejsce to nakryli gałęziami.

Jego szkolone myśliwskie psy uciekły nocą do sąsiada zagryzać śpiące kury i kulawe koty. Jego trofea ożyły, a pokój zajął las. Z czasem jego zakopana w lesie strzelba zamieniła się w kawałek kości, a on kupił sobie nową”.

Historia myśliwego, na którym natura dokonuje zemsty, stała się osią narracji wrocławskiej wystawy. Sedno stanowiła wypełniająca całą przestrzeń galerii instalacja, w której podobne do „Byka” rzeźby umieszczone zostały na ścianach w charakterze zdobytych przez myśliwego trofeów. Ciemne, gładkie powierzchnie rzeźb inkrustowane zębami, poucinane nagle na kształt ogryzionych ciał przypominały stworzenia, które uległy wyrafinowanym mutacjom. Zwierzęca anatomia miesza się z formami geometrycznymi, zaczerpniętymi ze świata technologii. Nie wiadomo do końca, w którym kierunku zaszła owa przemiana – czy maszyny uległy zezwierzęceniu, czy

też stworzenia ewoluowały w stronę automatów. Na podłodze wysypanej leśną ściółką w chaotycznych układach stały niszczejące meble, które pod wpływem działania żywiołów zaczęły przypominać struktury organiczne.

Przestrzeń zaaranżowana została na kształt dziwacznego gabinetu osobliwości, stanowiącego jednocześnie krajobraz po walce stoczonej pomiędzy myśliwym a naturą. Tak o symbolicznej bitwie, będącej pomniejszoną do galeryjnej skali wizją zagłady ludzkości, pisał sam Brzeski: „Zachodzi wymiana ekipy rządzącej na tej niewielkich rozmiarów planecie. Zanim naprawdę dotrze do nas nieodwracalność stanu rzeczy, wielka głowa zapadnie w śpiączkę i większość oznak życia ucichnie, a w maju nasze resztki będą przyciągać małych grabarzy”.

Urodzony we Wrocławiu rzeźbiarz, autor instalacji i filmów, w latach 1994-95 studiował na Wydziale Architektury Politechniki Wrocławskiej, a następnie od 1995 roku na Wydziale Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Pracę dyplomową z rzeźby obronił w 2000 roku w pracowni prof. Leona Podsiadłego. Brzeski eksperymentuje z materiałami, bada możliwości i ograniczenia medium rzeźbiarskiego. Interesują go trwałość, skala i relacje przestrzenne, w jakich uczestniczą jego dzieła. Swoje prace pokazywał na wystawach indywidualnych i zbiorowych w kraju i za granicą, ostatnio w Instytucie Polskim w Berlinie. W roku 2009 był nominowany do konkursu Spojrzenia (Nagrody Fundacji Deutsche Bank), organizowanego przez Narodową Galerię Sztuki Zachęta w Warszawie. Mieszka i pracuje we Wrocławiu.

10

Radek Szlaga (ur. 1979)

“Kill Your Idol 2”, 2010 r. olej/płótno, 100 x 120 cm

estymacja 30 000 - 40 000 PLN 7 100 - 9 400 EUR

WYSTAWIANY: - Radek Szlaga, Iconoclasm, Alexander Ochs Galleries,

LITERATURA: - Radek Szlaga, Iconoclasm, Berlin-Beijing 2010, s. 44 (il.)

Pekin (CH), 2010

„Malarstwo Radka Szlagi, z jednej strony, jest włączone we współczesne sieci dystrybucji widzialnego, z drugiej – konsekwentnie stosuje własną, przewrotną politykę reglamentacji. Szlaga ustanawia swoistą planową gospodarkę redystrybucji nad-widzianego i niedo-widzianego. Odwraca porządek atrakcji naszych czasów – uniezwykla to, co podrzędne i niegodne uwagi aktualnie panujących władców obrazów. Z całą mocą swobody i bezpretensjonalności buduje złożone poetyckie konstelacje postaci ludzkich i zwierzęcych, motywów, znaków, fragmentów pejzaży, sytuacji i zdarzeń, zdań i symboli. Trudno wskazać źródła tej ikonologii, tak jak trudno zrekonstruować ideologiczne pozycje, które determinują ich dobór (…). Szlaga jest odkrywcą niedosiężnych rejonów, gdzie rozprzestrzenia się dzika fauna antropocenu: żubronie, bezpańskie krowy, dumne kury, szopy pracze i mamuty. Gdzie drzemią wyliniałe białe niedźwiedzie, a różowe wieprze pasą się w błękicie pruskim. Wśród purpurowego syropu i cyjanku potasu kwitnie nieformalna ekonomia żuli i wyrzutków, low-life’ów, bękartów anarchii. Tu można uczyć się tego, co dobre i złe, od przedsiębiorców z getta, czarnych, górali i jaskiniowców, wytatuowanego chóru kryminalistów, seryjnych gwałcicieli i pospolitych morderców. Artysta konsekwentnie buduje fantasmagoryczną wspólnotę zdegenerowanych postaci, pogardzanych zwierząt, zmarginalizowanych społeczności, zdegradowanych terytoriów, zwulgaryzowanego języka logotypów i podpisów”.

KUBA BĄK, W STRONĘ PRZECIWSTAWNEGO KCIUKIA, [w:] RADEK SZLAGA, WYD. LETO / PURITAN, WARSZAWA, 2014, s. 15

Na obrazach Szlagi strzępki polskiej historii i kultury, globalnej popkultury, a także prozaicznej codzienności mieszają się w chaotyczną, półabstrakcyjną całość. Poza artystą nikt nie potrafi rozszyfrować procesu twórczego, który prowadzi do powstania jego wybuchowych kompozycji. Zlepione malarską materią urywki rzeczywistości są częściowo rozpoznawalne, a częściowo zagadkowe – jego prace uruchamiają ciąg najróżniejszych, trudnych do przewidzenia skojarzeń. Artysta nawiguje przez natłok obrazów i ikon zglobalizowanego świata, czerpiąc zeń elementy wybrane według tylko jemu znanych kryteriów. Produktem tej wędrówki jest niezwykle ekspresyjna i osobista panorama współczesności, która, pomimo swej enigmatyczności, może wywołać w odbiorcy równie intymne, specyficzne wspomnienia i obserwacje.

Radek Szlaga ukończył Akademię Sztuk Pięknych w Poznaniu, uzyskując dyplom z wyróżnieniem z malarstwa pod kierunkiem prof. Jerzego Kałuckiego. Jest laureatem Nagrody Artystycznej Miasta Poznania za 2007 rok. Od tegoż roku wraz z Wojciechem Bąkowskim, Tomaszem Mrozem, Konradem Smoleńskim, Piotrem Bosackim, Magdaleną Starską i Izą Tarasewicz tworzy grupę artystyczną PENERSTWO. Pracował w londyńskiej White Cube Gallery jako asystent Tracey Emin. Zajmuje się malarstwem; obecnie jest asystentem Wojciecha Łazarczyka na macierzystej uczelni. Jego wystawy indywidualne odbyły się w najważniejszych instytucjach kultury w Warszawie, a także w Detroit, Hadze i Pekinie.

11

Basia Bańda (ur. 1980)

Głos komara, 2017 r. ekolina/płótno, 30 x 23,5 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu

estymacja 6 000 - 10 000 PLN 1 500 - 2 400 EUR

Twórczość Basi Bańdy wypełniają sprzeczności oraz niedomówienia zostawiające pole do bogatej interpretacji. Artystka nieraz zestawia pudrowe kolory, kojarzące się z dziecięcą niewinnością, z brutalnymi erotycznymi treściami. Hasła oraz sformułowania, które pojawiają się na płótnach, są formą intymnego dziennika autorki. Bańda, poza technikami takimi jak rysunek i malarstwo, często sięga po zajęcia kojarzone z tradycyjnym kobiecym rękodziełem, czyli szyciem i haftem. Technika ta w wykonaniu artystki cechuje się pewną siermiężnością, wynikającą z użycia tanich materiałów, takich jak włóczka, mulina, stosowanych przez uczniów szkół podstawowych w trakcie zajęć z techniki. Ostatnio swoje prace maluje przy użyciu ekoliny, czego przykładem jest prezentowany na aukcji obraz.

Artystka dyplom uzyskała w 2006 roku. Wcześniej przez rok kształciła się na Wydziale Artystycznym Uniwersytetu Zielonogórskiego. Prace autorki

charakteryzuje jasna, pastelowa kolorystyka, często nawiązująca do koloru ciała, a jednocześnie kojarząca się z niewinnością. Połączenie motywów zwierzęcych i bajkowych z elementami zabarwionymi erotycznie jest równie zastanawiające, co współistnienie trudnych do rozszyfrowania elementów kompozycji i słów na jej płótnach – w wielu jej dziełach dziecinna naiwność zderza się z perwersją. Artystka stosuje różne techniki i chętnie łączy je ze sobą. Wynikiem swobodnego podejścia do tematyki i wykonania prac stał się niepowtarzalny styl, który cechuje zarówno wczesną, jak i późniejszą twórczość Bańdy. Jej prace były prezentowane na kilku wystawach indywidualnych, m.in. w krakowskiej galerii Zderzak.

Ponadto artystka reprezentowała Polskę na targach Art Forum w Berlinie w 2005. Jej płótna brały udział w wielu wystawach zbiorowych, w tym na festiwalu „Terra Polska” w Monachium w 2006 oraz na wystawie „Malarstwo polskie XXI w.” w warszawskiej Zachęcie, również w 2006.

12

Marcin Maciejowski (ur. 1974)

“La Valletta, Malta”, 2003 r. olej/płótno, 153 x 170 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘”LA VALETTA. MALTA” | MARCIN MACIEJOWSKI | 03. | 170 x 153 cm.’

estymacja 140 000 - 200 000 PLN 32 800 - 46 900 EUR

Marcin Maciejowski był jednym ze współtwórców grupy „Ładnie”, powstałej na krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1996 roku. W skład formacji oprócz Maciejowskiego wchodzili: Wilhelm Sasnal, Rafał Bujnowski, Marek Firek i Józef Tomczyk. Grupa negowała akademicki system nauczania.

Zaistniała jako kolektyw artystyczny realizujący sarkastycznoabsurdalne akcje, podczas których prezentowano obrazy, filmy, grano muzykę, rozdawano nagrody. Wśród bezpośrednich inspiracji dla twórczości grupy wymienia się neodadaizm, Łódź Kaliską i Luxus. Wspólną działalność artyści zakończyli w 2001 roku, ale w twórczości każdego z nich nadal pojawiają się motywy widoczne w obrębie kolektywu „Ładnie”.

Malarstwo Maciejowskiego stanowi krytyczną, ironizującą reakcję na kapitalistyczną rzeczywistość Polski po 1989 roku.

Redukcyjny, szablonowy sposób malowania realistycznych scen z życia codziennego artysta łączy z tematyką dotykającą potocznej rzeczywistości. Transponuje na język malarski reklamy z popularnych czasopism, telewizji i miejską antyestetykę, łącząc je z naiwno-ironicznymi napisami, w komiksowy sposób komentującymi temat, który został przedstawiony na płótnie. Hiperrealizujące kompozycje Maciejowskiego są jasne i czytelne dla szerokiej grupy odbiorców, a jego narracyjna estetyka odwołuje widza do współczesnej kultury wizualnej.

Stach Szabłowski pisał: „Dyskurs na temat Maciejowskiego jest ułożony od dawna. Maciejowski jest realistą. Maciejowski jest rodzajowym malarzem obrazującym współczesne gesty, pozy, a nawet język. Agata Jakubowska pisała o nim jako autorze wielkiego 'szkicu obyczajowego', porównywała go z Baudelaire’em, figurą 'malarza życia nowoczesnego'; inni wspominali o Balzaku i 'komedii ludzkiej'. O Maciejowskim mówiło się jako o malarzu narracyjnym, opowiadaczu anegdot.

To wszystko z grubsza jest prawdą, tak kiedyś, jak i teraz, bo przecież Maciejowski robi wciąż 'to samo'. Maluje sceny z życia.

Jest malarzem tematycznym: życie płynie, więc ten temat się nie wyczerpuje, nie da się go wymalować do końca”.

W 2003 roku artysta został uhonorowany Paszportem „Polityki” za „dowcip oraz nowatorskie wykorzystanie stylistyki mediów reklamy do opisu współczesnych obyczajów polskich”. Obecnie to jeden z najważniejszych malarzy komentujących lata rodzimej transformacji, dla którego pozorowane zwycięstwo neoliberalnej propagandy sukcesu jest tak samo nieistotne, jak pogłębiające się nierówności społeczne i miałkość konsumpcjonizmu. W efekcie tworzy spójną koncepcję estetyczną, pełną wyszukanego cynizmu i zjadliwej ironii, niepozbawioną poczucia humoru rodem z „Latającego Cyrku Monty’ego Pytona”.

Stach Szabłowski

„Pamiętacie malarza nazwiskiem Marcin Maciejowski? To taki świetny artysta, o którym mówi się, że ciągle robi to samo.

W instytucjonalnych spektaklach obsadza się go więc jakby rzadziej.

Zresztą jaką rolę mógłby w tych spektaklach zagrać? Chyba tylko samego siebie”.

13

Agnieszka Brzeżańska (ur. 1972)

Bez tytułu (Lucia), ed. 1/3 + 2 AP, 2007 r. wydruk pigmentowy/papier bawełniany, 40 x 30 cm (w świetle passe-partout) na odwrociu nalepka z opisem pracy i z sygnaturą artystki

estymacja 9 000 - 14 000 PLN 2 200 - 3 300 EUR

Prezentowana fotografia pochodzi z performance’u będącego wariacją na temat kobiecego ciała. W całym przedsięwzięciu brała udział Paulina Ołowska oraz słowacko-rumuński duet Lucie Tkacova i Mona Chisa.

Adam Mazur zaliczył Agnieszkę Brzeżańską jako fotografkę do nurtu „nowych dokumentalistów”, u których zauważa odwrót od fotografii artystycznej i „ambiwalentny stosunek do spektaklu komercyjnych mediów”, co łączą z „próbą przepracowania formuły dokumentu”.

Artystka „przepracowuje” dokumentalny charakter fotografii, czerpiąc z rezerwuaru codzienności i zestawiając odnajdywane motywy w wielowątkowe, subiektywne narracje.

Agnieszka Brzeżańska jest malarką, fotografką, autorką prac wideo.

Artystka zajmuje się przetwarzaniem we własną opowieść – czasem przy pomocy prostych technik – nieustającego strumienia informacji: aktualności, obrazów i dźwięków.

14

Agnieszka Brzeżańska (ur. 1972)

“OPANGHT”, 2015 r. olej/płótno, 200 x 150 cm

estymacja 40 000 - 60 000 PLN 9 400 - 14 100 EUR

Brzeżańską interesują związki – zarówno asonanse, jak i dysonanse – pomiędzy naturą i kulturą, naukami ścisłymi i przeżyciami duchowymi.

Fascynuje ją spotkanie ludzkiej jednostki z ogromem wszechogarniającej technologii oraz tajemnica istnienia równoległych rzeczywistości. Czerpie inspiracje z codziennych obserwacji, a także z licznych zagranicznych podróży. Jest malarką, fotografką, autorką prac ceramicznych, wideo i performance’ów. Studiowała na gdańskiej i warszawskiej ASP oraz na National University of Fine Arts and Music w Tokio. Solowe wystawy

jej prac obyły się m.in. w Muzeum Współczesnym we Wrocławiu, Marlborough Contemporary w Londynie, Kunsthaus Baselland w Bazylei, Zachęcie Narodowej Galerii Sztuki i Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie. Aktualnie jej prace pokazywane są na Biennale w Berlinie. Na 2019 planowana jest retrospektywna wystawa jej prac w Muzeum Rzeźby im. Xawerego Dunikowskiego w Królikarni. Wystawie towarzyszyć będzie katalog wydany we współpracy z Gdańską Galerią Miejską.

15

Bartek Materka (ur. 1973)

“Zejście / Descent”, 2009 r. olej/płótno, 200 x 220 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘MATERKA | ZEJŚCIE / DESCENT | OIL/CANVAS | 2009’

estymacja 28 000 - 35 000 PLN 6 600 - 8 200 EUR

„W malarskiej twórczości Materki pojawiła się intrygująca odskocznia od malarstwa przedstawieniowego, czyli medium mocno uzależnionego od 'fizycznego kontaktu z artystą', do pracy konceptualnej, całkowicie wolnej od dotknięcia ręki. W obrębie malarskiej refleksji pojawił się problem, który nie dawał się wyrazić malarsko, tylko wymagał innego medium”.

MARIA ANNA POTOCKA, Z KATALOGU WYSTAWY BARTKA MATERKI „KLATKA”

Malarstwo Bartka Materki opiera się na twórczej reinterpretacji problemów plastycznej rzeczywistości, a także współczesnych sposobów generowania obrazu, realizowanych za pomocą nowych mediów (fotografii cyfrowej, telewizji, nowatorskich technologii optycznych). Obrazy artysty, powstające na ogół na podstawie własnych fotografii, są analizą aparatu wzrokowego, tego, jaki wpływ mają nań współczesne technologie optyczne i metody generowania

wizerunków (obraz cyfrowy, telewizyjny, mikroskopowy, kod ascii).

Kolejnym inspirującym artystę wątkiem są deformacje obrazu związane z zaburzeniami neurologicznymi. Nieustannie też pojawia się kwestia emocji związanych z życiem osobistym.

Artysta jest absolwentem Wydziału Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Prace Materki pokazywane były na wystawach indywidualnych, takich jak m.in. „Nie pamiętam, jak miała na imię” w galerii Raster w Warszawie, „Klatka” w Bunkrze Sztuki w Krakowie, „Malarstwo” w galerii Platan w Budapeszcie czy „Adjacent Rooms” w Galerie Virginie Louvet w Paryżu. Znajdują się także m.in. w kolekcjach Muzeum Sztuki Współczesnej MOCAK w Krakowie oraz Susan i Michaela Hort w Nowym Jorku.

16

Rafał Bujnowski (ur. 1974)

Nocny pejzaż, 2005 r. olej/płótno, 30 x 40 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘BUJNOWSKI / 2005’

estymacja 24 000 - 30 000 PLN 5 700 - 7 100 EUR

Malarstwo pejzażowe posiada długą i ugruntowaną tradycję, jednak w dobie kompaktowych aparatów fotograficznych, które towarzyszą nam na każdym kroku, ze względów oczywistych coraz bardziej oddala się od rejestrowania zaobserwowanego widoku. Jednakże malarstwo wciąż oferuje uchwycenie nie tylko impresji pejzażu, który w danej chwili wzbudził nasze zainteresowanie czy zachwyt, ale także możliwość zasugerowania głębokich emocji temu oglądowi towarzyszących.

Zagadnieniem zajmującym Bujnowskiego jest nie tylko analiza uczuć, ale przede wszystkim samo medium malarskie, wraz z całym rzemieślniczym warsztatem i specjalistyczną, teoretyczną wiedzą, które są jego nieodłącznymi elementami. Artysta poszukuje nowych rozwiązań, testuje nowe pomysły i tworzy wiele wariacji interesujących go w danym momencie wątku. Również prezentowana praca z 2005 roku jest częścią cyklu nokturnów zainicjowanych wraz z projektem „Zmierzch” w 2004, rejestrującym na filmowej taśmie proces pokrywania czarną farbą monochromatycznych pejzaży. Na swoich kolejnych płótnach artysta skupia się na eksplorowaniu zmian stopnia nasycenia czerni oraz rejestrowaniu szczegółów, jakie są następstwem wybłyszczenia i zmatowienia farby.

Powtarzalność poszczególnych motywów nasuwa skojarzenie

z akademickimi wprawkami, szkicami i ćwiczeniami. Rafał Bujnowski to artysta wszechstronny – malarz, grafik, ostatnio również twórca posługujący się wideo. Od 1994 do 2001 działał w Grupie Ładnie, równolegle od 1998 do 2001 prowadził Galerię Otwartą w Krakowie, w ramach której wystawiał m.in. plakaty przedstawiające przedmioty codziennego użytku w formule zbliżonej do reklamy produktów supermarketu, jednak niemożliwych do kupienia. Jako twórcę interesuje go wchodzenie sztuki w przestrzeń publiczną, a także kwestie komercjalizacji sztuki i pozbawiania jej wartości innej niż materialna. Dokumentuje przemianę dzieła sztuki w reklamę lub w przedmiot. Kilkukrotnie powracał także w seriach swoich prac do zagadnienia możliwości tworzenia iluzji przestrzennej w zależności od sposobu formowania farby, oświetlenia i kształtu obrazu. Uzyskuje charakterystyczne efekty pokrywając całą powierzchnię obrazów czarną farbą, różnicując fakturę, gęstość i sposób nakładania farby. Zajmuje się również akcjami artystycznymi, polegającymi na odmalowywaniu fasad galerii. W latach 1993-95 studiował na Wydziale Architektury Politechniki Krakowskiej, a następnie na Wydziale Grafiki ASP w Krakowie (1995-2000).

Widz, spoglądając na obrazy Bujnowskiego, w pierwszej chwili kwalifikuje je jako sztukę abstrakcyjną, jednak paradoksalnie z równą łatwością dostrzega oświetlone księżycowym światłem zaorane pola, przytykane bujną roślinnością miedzi. Pejzaże twórcy wskazują na zawodność podziału sztuki na realistyczną i abstrakcyjną, udowadniają, że świat nas otaczający ma wiele cech wytworu wyobraźni i iluzyjności. Jednocześnie oko i percepcja, zakorzenione w schematach i przyzwyczajeniach postrzegania, każą nam widzieć w regularnych i geometrycznych formach nawiązania do znanych zjawisk i widoków. Twórczość Bujnowskiego wyrywa widza ze stereotypowej i automatycznej recepcji sztuki, swą wirtuozerią skłania do szukania narracji i zwrócenia uwagi na rządzące nią formalne rozwiązania.

17

Rafał Bujnowski (ur. 1974)

Schemat malowania kasety VHS, 2001 r. olej/płótno, 120 x 120 cm do obrazu dołączona jest kaseta VHS namalowana przez artystę, olej/płótno, 11 x 19 cm

estymacja 90 000 - 150 000 PLN 22 000 - 36 000 EUR

POCHODZENIE: - Galeria Raster, Warszawa - Dom Aukcyjny Christie’s, 9.09.2008, Nowy Jork, - kolekcja prywatna, Warszawa

Rafał Bujnowski w rozmowie z Romanem Lewandowskim, „Artpapier”, 3 (51)/2006

„W taśmowej produkcji pociągająca wydawała mi się – i wydaje – jej czystość; to, że nie ma tam miejsca na błędy, jakieś odstępstwa, frywolność. Nieudany egzemplarz po prostu wyrzuca się... Wydawało mi się, że kiedy obraz będzie schematyczny, namalowany w np. trzydziestu czterech – przepraszam za wyrażenie – gestach malarskich, to mimo swojej ‘koślawości’, będzie w jakiś sposób szlachetny i wyczyszczony z malarskich brudów, z tej, jak mówisz, spontaniczności tworzenia”.

Sztuka Rafała Bujnowskiego, szczególnie tworzona w okresie studiów na Wydziale Malarstwa, a następnie Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, oraz kilka lat po odebraniu dyplomu ma wyraźnie dadaistyczny rodowód. Ponadto, ironia i absurd prezentowanej na aukcji pracy nawiązują do długiej prześmiewczej tradycji lat 80., kształtowanej przez Grupę Luxus oraz Łódź Kalią, które eksponowały absurdy życia w PRL-u. Jednak sam Bujnowski podkreślał, że cechujące jego prace dystans i ironia skierowane są nie tylko przeciwko kulturze czy codziennym realiom, ale przede wszystkim malarstwu jako takiemu. Prace Bujnowskiego, takie jak „Schemat malowania kasety VHS”, godzą niemal we wszystkie tradycyjne wartości, jakie przypisuje się malarstwu. Artyście szczególnie pociągający wydawał się aspekt schematyzacji procesu twórczego oraz jego technologicznego uproduktywnienia. Na neutralnym tle w realistyczny sposób odmalował replikę przedmiotu codziennego, igrając z zasadą mimesis. Niczym

twórcy pop-artu sięgnął po przedmioty błahe, przynależące do kultury popularnej i jedocześnie przez nią ignorowane. Dodatkowa seryjność tych prac godzi w pojęcie oryginału dzieła, tak nobilitowanego od zarania sztuki. Ponadto, koncepcja obrazu zasadza się na popularnych ćwiczeniach skierowanych do dzieci, manualach dla amatorów rysunku i dowodzi, że tworzenie sztuki nie wymaga akademickiego wykształcenia, wieloletnich godzin spędzonych przed martwą naturą lub modelem. Prace Bujnowskiego negują mityczny status artysty, wyalienowanego, szarpanego silnymi emocjami, tworzącego pod wpływem natchnienia oraz godzą w romantyczny obraz twórczości artystycznej, która jest w stanie poruszać narody, odmieniać codzienną, ludzką egzystencję. Zwraca także uwagę na fakt, że sztuka zmienia się wraz kontekstem i współcześnie, niczym każdy produkt, lokuje się w strefie fetyszy i codzienności, w której również należy szukać estetycznej atrakcyjności.

18

Rafał Bujnowski (ur. 1974)

Cegła i deska, 2000-01 r. olej/płótno, 25 x 12 x 6 cm, 117 x 15 x 2,5 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘CEGŁA |Bujnowski | 2001’ (cegła), ‘deska 117 x 15 x 2,5 | Bujnowski 2000’ (deska)

estymacja 4 000 - 6 000 PLN 1 000 - 1 500 EUR

LITERATURA: - porównaj: Wojciech Wilczyk, Realistyczne Malowanie, „Gazeta Antykwaryczna” Nr 4/2005, s. 46 (il.)

- porównaj: Roman Lewandowski, “Ładne” sumowanie malarstwa, „EXIT. Nowa sztuka w Polsce”, Nr 3 (63), 2005, s. 3845 - porównaj: Agnieszka Wasieczko, Brawurowy imitator, „Elle”, Nr 3/2005

- porównaj: Stach Szabłowski, Spojrzenia za 10 000 euro, „Zwierciadło”, Nr 11/2005 - porównaj: Stach Szabłowski, Kosmos, „Zwierciadło”, Nr 9/2013, s. 145 - porównaj: Rafał Bujnowski, maj 2066, katalog wystawy indywidualnej, Zachęta – Narodowa Galeria Sztuki, Warszawa, s. 11

Prace pochodzą z serii „Obrazy-Przedmioty”, tworzonej w latach 1999-2000.

Powstające ówcześnie dzieła przedstawiały przedmioty z otoczenia człowieka odwzorowane w skali 1:1. Każdy z nich był realizowany w od kilku do kilkuset egzemplarzy. Jedną z ulubionych metod artystycznych Rafała Bujnowskiego było tworzenie malarskich replik przedmiotów użytku codziennego w ich rzeczywistej skali. Do sztandarowych realizacji należy cykl „ObrazówPrzedmiotów”, malowany w latach 1999-2002, w ramach którego powstały między innymi prace: „Tablica szkolna” (1999), „Cegły” (1999) czy „Kaseta 180 minut” (2000). Wszystkie obrazy wykonywał w ilościach od kilku do nawet

stu egzemplarzy w technice malarstwa olejnego lub grafice. W swoich pracach umieszczał kopie rzeczywistych obiektów na białych, wyabstrahowanych tłach bądź, jak na przykład w przypadku kaset czy cegieł, tworzył i zamalowywał blejtramy na kształt przedmiotu, które, poza hiperrealistycznym aspektem, mogą być odbierane jednocześnie jako przykłady malarstwa abstrakcyjnego czy konceptualnego. Artysta sprzedawał je początkowo po rzeczywistej cenie „towaru”, jaki przedstawiały. Serią „Obrazów-Przedmiotów” Bujnowski dotyka problematyki użyteczności i seryjności sztuki, deprecjonuje jej wartość, stawiając na równi z obiektami użytku codziennego.

19

Michał Misiak (ur. 1973)

“S1”, 2005 r. olej/płótno, 100 x 100 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘MM | MICHAŁ MISIAK 2005 | „S-1” | OLEJ | 100 x 100 cm’

estymacja 10 000 - 16 000 PLN 2 400 - 3 800 EUR

Obrazy Michała Misiaka są zazwyczaj kojarzone ze sztuką op-artu, której podstawowym założeniem jest gra z percepcją widza. Jednak, biorąc pod uwagę misterny proces powstawania dzieła, to w tej geometrycznej rozgrywce mamy do czynienia również z wytworzoną przez artystę mistyką. Obrazy Michała Misiaka charakteryzuje wysublimowany monochromatyzm. Przestrzeń jest bogata w sploty linii o ciepłych i zimnych tonach określonej barwy. Artysta za pomocą precyzyjnie prowadzonych linii konstruuje wielowymiarową głębię przestrzeni. Gęsto splatające się kierunki o różnorodnej temperaturze barw wprawiają płaszczyznę w rozedrganie. Wytworzone wibracje dążą do centrum, aby niepostrzeżenie zniknąć w jego oddali. Autor opisuje swoją twórczość, mówiąc: „Od dłuższego czasu w swoich obrazach poszukuję porządku – odbicia przeczuwanego ładu wszechświata. Porządek przedstawiany przeze mnie jest ustalony intuicyjnie i zazwyczaj zdeterminowany poprzez ścisłe, proste zależności geometryczne. To struktura wynikająca z przenikania się dwóch rytmów linii. Linie biegną promieniście, punkty ich zbiegu znajdują się daleko

poza obszarem obrazu. W centrum obrazu, który można interpretować jako wycinek większej, być może nieskończonej całości, powstaje efekt interferencji – nakładania się fal. Punkty przecięć linii układają się w oczach obserwatora w nie całkiem regularny rysunek. Ta nieregularność wynika z błędu ludzkiej ręki – obrazy malowane są odręcznie cienkim pędzelkiem”.

Michał Misiak studiował na Wydziale Malarstwa w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. Dyplom z malarstwa uzyskał z wyróżnieniem w 1999 roku w pracowni prof. Stanisława Rodzińskiego. Obecnie pracuje jako adiunkt w pracowni malarstwa i rysunku na Wydziale Architektury Wnętrz w krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych. Od 2004 roku uczestniczy w plenerach malarskich dla artystów posługujących się językiem geometrii organizowanych przez dr Bożenę Kowalską. W ostatnim czasie tworzy również obrazy wideo. Jest autorem ponad 20 wystaw indywidualnych oraz uczestnikiem ponad 100 wystaw zbiorowych. Jego prace znajdują się w zbiorach muzealnych oraz kolekcjach prywatnych w Polsce i na świecie.

Michał Misiak

‚‚Praca nad obrazem jest dla mnie rodzajem medytacji. Interesuje mnie stworzenie zjawiska wizualnego, w którego postrzeganiu wyczuwalne będzie przekroczenie bariery materii. Obrazu jako zaledwie inicjatora procesu, w którym widz będzie miał szansę doświadczyć również czegoś, co jest poza rzeczywistością empiryczną. W tym sensie moje własne doświadczanie samego procesu kreacji – monotonnej, powtarzalnej, wielogodzinnej pracy w skupieniu – jest dla mnie ważniejsze niż sam efekt w postaci obrazu jako obiektu. Wtedy pojawia się szansa, że doświadczenie to stanie się także udziałem odbiorcy”.

20

Anna Szprynger (ur. 1982)

Bez tytułu, 2018 r. akryl/płótno, 90 x 90 cm sygnowany i datowany na odwrociu

estymacja 20 000 - 30 000 PLN 4 700 - 7 100 EUR

„Wielką frajdę zawsze sprawia mi oglądanie dobrej abstrakcji geometrycznej, bo widzę coś, co rozumiem. Wiem, że za tym stoi jakaś głębsza myśl.

Chociaż jest to zupełnie intuicyjne, w takiej sztuce potrafię zobaczyć, czy coś jest dobre, czy słabe. Lubię też oglądać powojennych klasyków polskich.

Nie przeszkadza mi nawet, jeśli ich sztuka jest mocno przedstawiająca.

Obcowanie z mistrzami jest dla mnie przyjemnością, warto ich wspomnieć.

Fangor, Gierowski, Stażewski czy Winiarski – bez nich byłoby smutno na świecie. Przepadam również za Włodzimierzem Pawlakiem”.

ANNA SZPRYNGER, 2012

Anna Szprynger studiowała grafikę i malarstwo w Kolegium Sztuk Pięknych

w Kazimierzu Dolnym i na Uniwersytecie Marii Curie-Skłodowskiej w Lublinie. Dyplom z wyróżnieniem uzyskała pod kierunkiem profesorów Tomasza Zawadzkiego i Grzegorza Dobiesława Mazurka. W 2014 roku obroniła pracę doktorską na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, pod kierunkiem profesor Doroty Grynczel. Autorka kilkunastu wystaw indywidualnych, m.in. w Galerie Lindner w Wiedniu (2017), Muzeum Narodowym w Gdańsku (2014), Galerii EL w Elblągu (2014), Państwowej Galerii Sztuki w Sopocie (2012). Brała udział w ponad 40 wystawach zbiorowych. W 2013 została laureatką Prix Marin na paryskim Salon des Réalités Nouvelles, a w 2015 otrzymała Nagrodę Arteonu za 2014 rok.

21

Wojciech Ćwiertniewicz (ur. 1955)

Bez tytułu (36), 2015 r. olej, akryl/płótno, 100 x 140 cm sygnowany i datowany p.d.: ‘Ćwiertniewicz ‘15’ na odwrociu opisany: ‘36 | 6 / 3 / 15’

estymacja 4 000 - 7 000 PLN 1 000 - 1 700 EUR

WYSTAWIANY: - Wojciech Ćwiertniewicz, Obrazy są tylko obrazami, wystawa malarstwa abstrakcyjnego z lat 1991-2017,

LITERATURA: - Wojciech Ćwiertniewicz, katalog wystawy indywidualnej, Sosnowiec 2017, s. 23 (il.)

Sosnowieckie Centrum Sztuki, Sosnowiec, 2017

„Obrazy abstrakcyjne Ćwiertniewicza ze względu na rodzaje malowanych kół, można podzielić na trzy kategorie. Pierwsza, obrazy, składa się z kół malowanych intensywnymi barwami, o mięsistej, grubej strukturze. Dominuje w nich, nadany przez ekspresyjnie poprowadzony dukt pędzla, spiralny ruch obrotowy. Koła mają szczególnie podkreślone – zaznaczony początek ruchu. Są dynamiczne, bliskie malarstwu gestu wyzwolonej intuicji i archaicznej wolności.

Kategoria druga to obrazy. Ruch rotacyjny ulega w nich spowolnieniu, barwy gasną, koła zastygają. Wydają się jedynie sugerować potencjalności – otwarcie na możliwości. Zmultiplikowane na obrazie istnieją razem lecz osobno – jak niezależnie uniwersa. Ich indywidualne byty podkreślone zostały zastosowaniem odmiennej barwy oraz zróżnicowaniem ich średnicy. Trzecią grupę wyróżnia (od pozostałych dwóch) kolorystyka (obraz budowany jest z kół czerni, bieli i pośredniej szarości), lecz nade wszystko wyczuwalne w obrazach napięcie.

Monochromatyczne koła nacierają na siebie i dysonują. Same ustalają własną hierarchię, tworząc polimorficzną, pełną napięć figurę, która emituje w stronę odbiorcy subtelną formę agresji”.

ADRIANNA ZIMNOWODA, W GŁOWIE MALARZA. ESEJ O KROPCE I KÓŁKU [w:] KATALOG WYSTAWY INDYWIDUALNEJ OBRAZY SĄ TYLKO OBRAZAMI W ŚRODKU GŁOWY, SOSNOWIEC 2017, s. 3-4

Powstające od lat 90., niczym codzienna malarska mantra, abstrakcje z kołami Wojciecha Ćwiertniewicza są alternatywne wobec jego wcześniejszego malarstwa przedstawiającego z lat 80. i początku lat 90. wiązanego z transawangardą czy malowanych od kilku lat postfotograficznych malarskich aktów. Studiował malarstwo w Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie w latach 1976-81. Opublikował trzy tomy dzienników: „Dziennik malarza”, „Bez tytułu”, „Ulica Długa”. Jest laureatem m.in. Nagrody Krytyki Artystycznej im. C. K. Norwida. Jego prace znajdują się w kilku kolekcjach publicznych (m.in. w Muzeum Narodowym w Krakowie, Muzeum Górnośląskim w Bytomiu, Bibliotece Głównej ASP w Krakowie) i były prezentowane na 45 wystawach indywidualnych oraz ponad 100 zbiorowych.

22

Jakub Ciężki (ur. 1978)

Z cyklu Opakowania, 2016 r. technika własna, 50 x 40 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘JAKUB CIĘŻKI | 2016’

estymacja 2 000 - 4 000 PLN 500 - 1 000 EUR

Prace Ciężkiego, ukazujące drabinki, ogrodzenia czy schody, zostały określone mianem ,,industrialnych pejzaży’’. Obiekty pozbawione kontekstu, ukazane na jednolitym tle, podlegają procesowi zatracenia własnej figuratywności na rzecz ujęcia abstrakcyjnego. Prezentowana praca pochodzi z cyklu „Opakowania”, który artysta stworzył w 2016 roku.

Jako cechy charakterystyczne twórczości Ciężkiego Marta Smolińska wymieniła: ,,(...) skłonność do wyboru takich motywów, które charakteryzują się własnym wizualnym rytmem i powtarzalnością elementów, jak np. żeberka kaloryfera czy szczeble drabiny, jak również ciekawa analiza sytuacji danego przedmiotu w przestrzeni zobrazowana na płaszczyźnie zarówno w odniesieniu do jej dwuwymiarowości, jak i do formatu płótna i jego granic. Niewątpliwie można mówić także o inicjowaniu refleksji na poziomie meta, dotyczącej kondycji malarstwa, statusu farby, malarskiego gestu czy relacji obrazu do natury oraz o ciekawej grze z percepcją widza, który – konfrontowany z zazwyczaj dużymi dziełami Ciężkiego – psychomotorycznie doznaje ich całych ciałem” (Marta

Smolińska, Percepcyjna gimnastyka. Uwagi o malarstwie Jakuba Ciężkiego, www.mosart.pl).

Artysta w 2003 roku uzyskał dyplom z wyróżnieniem w pracowni malarstwa prof. Jacka Wojciechowskiego na Wydziale Artystycznym Uniwersytetu Marii Curie-Skłodowskiej. Jest finalistą konkursu redakcji Art & Business na Obraz Roku 2004 oraz laureatem Grand Prix w konkursach fundacji im. Franciszki Eibisch w Warszawie (2004) oraz na 40. Biennale Malarstwa Bielska Jesień w 2011. Trzykrotnie zgłaszany do Paszportu „Polityki” (2011, 2012, 2014).

Został stypendystą ministerialnego programu stypendialnego Młoda Polska na rok 2013. Otrzymał stypendium artystyczne Prezydenta Miasta Lublin na rok 2015 oraz 2016. Jest autorem wystaw indywidualnych, m.in.: „Kary Cielesne” (2015) oraz „Haven’t We Met Before?” (2012) w Galerii Propaganda w Warszawie (2012), „I love you but I’ve chosen darkness” w Galerii BWA w Gorzowie Wielkopolskim (2015), „blackout” w Galerii Bielskiej BWA w Bielsku-Białej (2013), „To read between the lines” w galerii Lubelskiego Towarzystwa Zachęty Sztuk Pięknych (2009).

23

Karolina Jaklewicz (ur. 1979)

“5 minut”, 2012 r. olej/płótno, 130 x 100 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘5 MINUT| Karolina | JAKLEWICZ’

estymacja 8 000 - 14 000 PLN 1 900 - 3 300 EUR

WYSTAWIANY: - V Ogólnopolski Konkurs im. M. Michalika dla młodych malarzy, Miejska Galeria Sztuki, Częstochowa, 2014

LITERATURA: - katalog wystawy: Dyfuzja. Inspiracje architekturą w sztukach plastycznych, Wrocław 2013

- Metafizyka Geometrii, Miejska Galeria Sztuki, Legnica, 2014

- Bożena Kowalska, Geometria Karoliny Jaklewicz,

- Akt przestrzeni/Verte, Galeria Promocyjna, Warszawa, 2013

„EXIT” 1/2013, s. 63-69 (il.)

- Dyfuzja. Inspiracje architekturą w sztukach plastycznych, Muzeum Architektury, Wrocław 2013

„Geometria pojawiła się u mnie intuicyjnie. Próbuję oswoić ją i spersonifikować.

Dołączyła do światła, które wcześniej było motywem przewodnim moich obrazów. Pociąga mnie kontrast miękkiego, rozproszonego jaśnienia z precyzyjnym cięciem bryły, z dyscypliną linii prostej. Staram się dążyć do maksymalnego napięcia możliwego w danym układzie. Indywidualizm części przy jednoczesnej przynależności do jedności” (Karolina Jaklewicz).

Harmonijny układ, zimna tonacja, niezdefiniowane źródło światła to krótka charakterystyka obrazu Karoliny Jaklewicz. Praca pochodzi z cyklu „Północ”, niezwykle ważnej i osobistej dla artystki serii, która obrazuje jej głęboką fascynację północną krainą. Nadmorska przestrzeń to obszar, z którego pochodzi malarka. Pokłady doświadczeń i inspiracji znalazły ujście w jakże odmiennym cyklu północnym, realizowanym od 2013 roku, chociażby ze względu na siłę oddziaływania i energię, jaka znajduje się w obrazach.

Karolina Jaklewicz na podstawie zapamiętanych, ascetycznych krajobrazów buduje abstrakcyjne układy przestrzenne. Z obrazu emanuje światło wysublimowanego trójkąta o ultramarynowym blasku. To właśnie on stał się nadrzędną wartością cyklu – trójkąt symbolizujący motyw drogi, podróży w przestrzenie zastane w świadomości artystki. Nieznane źródło magicznego światła, które jakże rozmaicie rozprasza się na precyzyjnie wytworzonych figurach geometrycznych, kreuje niezwykłą aurę. Harmonia, cisza i skupienie, pojawiające się za sprawą wyważonego układu, świadczą o obecności charakterystycznej dla twórczości artystki sfery metafizycznej, w tym przypadku najpełniej wyrażonej w postaci trójkąta. Obraz stanowił część wystawy doktorskiej „Idea a forma geometryzująca w malarstwie”, która odbyła się we wrocławskiej Akademii Sztuk Pięknych. Artystka tytuł doktora otrzymała w 2012 roku.

24

Małgorzata Szymankiewicz (ur. 1980)

Bez tytułu (120), 2009 r. olej/płótno, 150 x 150 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘MAŁGORZATA | SZYMANKIEWICZ | 2009’

estymacja 10 000 - 15 000 PLN 2 400 - 3 600 EUR

POCHODZENIE: - BWA Warszawa - kolekcja prywatna, Warszawa

Małgorzata Szymankiewicz zajmuje się malarstwem i obiektem. Jest stypendystką Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz laureatką głównej nagrody w konkursie PR 3 Polskiego Radia Talenty Trójki, została wyróżniona na Biennale Malarstwa Bielska Jesień 2013 i 2007, nagrodzona Medalem Młodej Sztuki 2015. Absolwentka Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu 2005 (Wydział Malarstwa, Wydział Edukacji Artystycznej), w 2015 roku uzyskała stopień doktora w gdańskiej

Akademii Sztuk Pięknych. Pracuje na Wydziale Malarstwa i Nowych Mediów Akademii Sztuki w Szczecinie. Mieszka w Poznaniu. Jej prace znajdują się w kolekcjach Wielkopolskiego i Szczecińskiego Towarzystwa Zachęty Sztuk Pięknych, Muzeum Narodowego w Szczecinie, Galerii Bielskiej BWA, CSW Zamek Ujazdowski, Warszawa, Pizzuti Collection, USA, oraz w prywatnych kolekcjach polskich i zagranicznych.

Marta Lisok, katalog wystawy „Słaba Widoczność”, BWA Katowice, 2011

„Prace Małgorzaty Szymankiewicz powstają w opozycji do obowiązującego w sztuce paradygmatu wyraźnego widzenia. Według niego zadanie malarzy polegało na oddaniu z matematyczną precyzją odbić światła na przedmiotach. Zabiegi zobrazowania tego, co niewyraźne, były postrzegane nie tylko jako zagrożenie dla oka, ale i racjonalnego myślenia. W zbyt mocnym świetle, tak jak w ciemnościach i mgle znikają przeciwieństwa”.

25

Michał Slezkin (ur. 1960)

Vertigo 09, 2018 r. olej/płótno, 150 x 240 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘”VERTIGO 09” | - MICHAŁ SLEZKIN | 2018 | OIL ON CANVAS | 150 x 240 cm | MSlezkin’

estymacja 8 000 - 12 000 PLN 1 900 - 2 800 EUR

Artysta pracuje seriami, z których każda jest osobną opowieścią. Prezentowana praca pochodzi z cyklu „Przestrzeń wewnętrzna”, inspirowanego pustymi wnętrzami. Jej tematem jest pustka a zarazem tajemnica. Obrazy Michała Slezkina zawsze stanowią odniesienia do przeżytych sytuacji, odwiedzonych miejsc czy obserwowanej rzeczywistości. Malarz przepracowuje zapamiętane ujęcia, zmaga się z nimi na powierzchni płótna, tworzy osobliwy dziennik doświadczeń.

Michał Slezkin studiował na warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie uzyskał dyplom z grafiki i plakatu (1989) w pracowni Macieja Urbańca.

Tworzy obrazy olejne na płótnie, wielkoformatowe prace na papierze oraz obiekty wielowymiarowe w żywicach syntetycznych. Zajmuje się również

projektami konceptualnymi, sięgając po nowe techniki. Tworzy projekty konceptualne. Instalacje z wykorzystaniem rzeczywistości gier analogowych i sieciowych. Wybrane wystawy i projekty: „Jeden“, Galeria BWA w Zielonej Górze (2007); „Państwo. Gra z archiwum“, Piktogram BLA (2013); „Państwo – Kriegsspiel”, Galeria BWA Zielona Góra (2014); „Razem ale osobno”, Fundacja Bęc Zmiana (2014); „Państwo”, Palais de Tokyo, Paris (2015).

W ramach wystawy zbiorowej: „Le Bord des Mondes” (2015); „4 Witryny”, Fundacja Bęc Zmiana (2015); „Republika XS, Uchodźcy z Kaflini”, Galeria XS (2016); „Dom Głuchego – Slezkin, Matecki, Althamer” (2016); „Brama oraz 2 belki konstrukcyjne – Zakorzenieni”, Nomada Art Camp Kielce (2018); „Nic mi się nie śniło”, Wizytująca Galeria.

26

Dorota Buczkowska (ur. 1971)

Bez tytułu, 2017 r. olej/papier, 63 x 57 cm (w świetle oprawy) sygnowany i datowany p.d.: ‘DBuczkowska 2017’

estymacja 2 000 - 4 000 PLN 500 - 1 000 EUR

„Rysunki Doroty Buczkowskiej odwołują się do powiązania fizjologii z psychiką i łączenia przepływów emocji z przepływami płynów ustrojowych; badają przestrzenie fizyczności, zmysłowości, uczuć i umysłu (…). Niepostrzeżenie przechodzą od form abstrakcyjnych w organiczne, figuratywne i fantastyczne.

Zachowują przy tym całkowitą autonomiczność i 'wsobność', wynikającą z ogromnej koncentracji i energii dośrodkowej, a kierującą widza gdzieś w głąb – dalej i dalej – w kierunku niewidzialnego centrum. Ich materialność – gęstość i nasycenie przy jednoczesnej transparentności – wynika z zastosowanych materiałów: kolorowych kosmetyków do makijażu. Przepuszczając światło, przypominają zdjęcia rentgenowskie bliżej nieokreślonych organów emocjonalnych, zagęszczeń, splotów, pęknięć. Materialność gęstej tkanki rysunków łączy się z cielesnością zarówno form, jak i samego gestu artystycznego, z bezpośrednią relacją dotyku, momentami styku koloru z żywym i ciepłym naskórkiem”.

KAJA PAWEŁEK, ZE WSTĘPU DO KATALOGU WYSTAWY DOROTY BUCZKOWSKIEJ „ŻÓŁĆ ZWYKŁA BRAŁA SIĘ Z WĄTROBY”, CENTRUM SZTUKI WSPÓŁCZESNEJ ZAMEK UJAZDOWSKI, WARSZAWA 2012

Artystka studiowała na warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych na Wydziale Konserwacji i Restauracji Dzieł Sztuki oraz na Wydziale Rzeźby w słynnej „Kowalni” – pracowni profesora Grzegorza Kowalskiego.

Kształciła się również w Centre National des Arts Plastiques Villa Arson w Nicei oraz na Uniwersytecie Warszawskim, gdzie ukończyła Gender Studies. Pracuje w różnych mediach: malarstwie, rysunku, instalacji i video. Jej prace, za pomocą metafory, poruszają tematy przemijania, erozji materii i procesów fizjologicznych. Wystawy indywidualne autorki wielokrotnie prezentowano w warszawskich galeriach. Ponadto jej wystawa solowa była częścią Liverpool Biennale w 2009 roku. Prace Buczkowskiej wzięły udział w ważnych ekspozycjach zbiorowych: w warszawskich Zachęcie i CSW Zamek Ujazdowski, poznańskiej Galerii Arsenał, a także w muzeach i galeriach w Tel Awiwie, Paryżu, Wiedniu oraz na Biennale of Contemporary Sculpture w Australii. Artystka mieszka i pracuje w Warszawie.

27

Dobrawa Borkała (ur. 1990)

No 2, 2013 r. technika mieszana/papier, 20 x 27 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘Dobrawa Borkała 2013’

estymacja 1 500 - 3 000 PLN 400 - 800 EUR

POCHODZENIE: - Art Jarmark Charytatywny „Dla Julii”, 22.12.2013 - kolekcja prywatna, Warszawa, Polska

Dobrawa Borkała jest absolwentką Państwowej Wyższej Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu oraz psychologii Uniwersytetu Humanistycznospołecznego w Warszawie. Zajmuje się rysunkiem, sztuką wideo oraz tkaniną artystyczną.

Dyplom psychologii klinicznej zdobyła na podstawie badań nad wpływem terapii sztuką na więźniów cierpiących na zespół stresu pourazowego.

W ramach studiów w Paryżu prowadziła z kolei badania na temat percepcji roślin. Ma na swoim koncie wystawy indywidualne: „Immersion” w École nationale supérieure des Beaux-Arts w Paryżu (2015), „Photo-sensitivity”

w Hotelu Andel’s w Łodzi (2014), „Hay otros mundos pero estan en este” w galerii Inlassable w Paryżu (2014) oraz „Chciałabym, żebyście wszyscy mnie pokochali” w Galerii m2 w Warszawie (2013). Brała także udział w wystawach zbiorowych, w tym m.in. „Palindrom” w Państwowej Galerii Sztuki w Sopocie (2015), „Ausstellung im Lichthof” w Staatliche Akademie der Bildenden Künste w Karlsruhe (2014) czy Biennale rysunku w Cité internationale des Arts w Paryżu (2013).

28

Jakub Julian Ziółkowski (ur. 1980)

“Yodok”, ed. 23/25, 2011 r. gwasz z elementami tuszu, ołówka oraz kleju polimerowego/papier, 42 x 34 cm sygnowany, datowany i numer edycji p.d.: ‘Jakub Julian Ziółkowski 2011 23/25’ oraz na odwrociu ołówkiem: ‘Jakub Julian Ziółkowski | 23/25 | 2011’

estymacja 6 000 - 10 000 PLN 1 500 - 2 200 EUR

Nazwa pracy nawiązuje do słynnego obozu koncentracyjnego Yodok w Korei Północnej. Artysta wykonał serię 25 gwaszy o tym tytule, każdy z nich różni się jednak w niektórych elementach wykonania. Malarstwo Ziółkowskiego cechuje stylistyczny eklektyzm, w którym na pierwszy plan wysuwa się artystyczna indywidualność wynikająca z autonomicznego podejścia do sztuki jako środka wyrazu przesyconego własnymi znakami i będącego odzwierciedleniem wewnętrznego świata malarza, dalekiego od realizmu. W jego pracach dostrzec można ogromny wachlarz inspiracji: od malarstwa Bosha, Ensora poprzez Witkacego, Schulza do poetyki znanej z nurtu nadrealizmu czy form ekspresjonistycznych i abstrakcyjnych oraz ornamentyki sztuki orientalnej.

Dzieła zawierają bogactwo treści wyrażonych za pomocą skomplikowanych narracji, układających się często w szkatułkowe kompozycje – obrazy w obrazach. Prezentowana praca stanowi rzadkie w twórczości artysty nawiązanie do rzeczywistego miejsca, jakim jest obóz koncentracyjny w Korei Północnej, opisany przez byłego więźnia, Kang Chol-Hwana, w autobiografii „Usta pełne kamieni. Dziesięć lat w północnokoreańskim gułagu”. Jakub Ziółkowski jest absolwentem krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych, w 2005 roku otrzymał dyplom z malarstwa w pracowni prof. Leszka Misiaka. Artysta związany jest z Fundacją Galerii Foksal, jego prace znajdują się m.in. w kolekcji Małopolskiej Fundacji Kultury „Znaki Czasu”.

29

Anna Molska Artur Żmijewski (ur. 1983) (ur. 1966)

Bez tytułu, 2017 r. olej, technika mieszana/papier, 35 x 44,5 cm sygnowany p.śr. pieczątką z nazwiskami artystów: ‘ARTUR | ŻMIJEWSKI’ oraz ‘ANNA | MOLSKA’

estymacja 5 000 - 8 000 PLN 1 200 - 1 900 EUR

Artur Żmijewski, Stosowane sztuki społeczne, „Krytyka Polityczna” 2007, nr 11/12, s. 21

„Czy współczesna sztuka ma jakikolwiek widoczny społeczny skutek? Czy efekt działania artysty można ujrzeć, zweryfikować? Czy sztuka ma polityczne znaczenie – inne niż bycie chłopcem do bicia dla populistów? Czy ze sztuką da się dyskutować i czy jeszcze warto?

A przede wszystkim, co spowodowało, że zadawanie takich pytań jest dziś traktowane jako równoznaczne z zamachem na samą jej istotę? Żegnaj, skutku”.

Cytat przedstawia główne dyskursy, które interesują Artura Żmijewskiego Sztuka często jest postrzegana jako obiekt do podziwu estetycznego, a jej intelektualny przekaz bywa lekceważony i redukowany. Artysta, nazwany przez profesora Waldemara Baraniewskiego „najinteligentniejszym artystą polskim, przenikliwym analitykiem sytuacji artystycznej całego pola sztuki”, nie interesuje się efektem w postaci dzieła sztuki jako rezultatu produkcji artystycznej, ale zgłębia obszar celów czy skuteczności działania artystycznego. Żmijewski to obserwator wydarzeń i ruchów społecznych oraz sceny politycznej, z którymi na co dzień mamy do czynienia. Celem artysty jest, aby sztuka odrzuciła autonomię i zyskała efektywność i rzeczywistą społeczną skuteczność.

Żmijewski to artysta multimedialny i redaktor artystyczny kwartalnika „Krytyka Polityczna”. W latach 1990-95 studiował na Wydziale Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. W 2005 reprezentował Polskę w pawilonie narodowym na Biennale w Wenecji. We wrześniu 2010 został wybrany na kuratora Biennale Sztuki Współczesnej w Berlinie. Prezentowaną na aukcji pracę stworzył wspólnie z Anną Molską – artystką sztuk wizualnych, posługującą się głównie medium filmowym. W latach 2003-08 Molska studiowała na Wydziale Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, gdzie w czerwcu 2008 obroniła dyplom w Pracowni Przestrzeni Audiowizualnej prowadzonej przez prof. Grzegorza Kowalskiego. W 2009 została nominowana do nagrody Deutsche Banku „Spojrzenia”.

30

Łukasz Surowiec (ur. 1985)

Z cyklu “Notatki realistyczne”, Zapis IV, 2008 r. olej, technika własna/płótno, 166 x 226 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘Łukasz Surowiec | 2008’

estymacja 12 000 - 16 000 PLN 2 900 - 3 800 EUR

ŁUKASZ SUROWIEC, 2008

„Można powiedzieć, że każda sztuka, musi zawierać jakiś rodzaj ‘uczciwego kłamstwa’. Formy przedstawieniowe, takie jak obrazy, rysunki, filmy czy zdjęcia, są jednak pod tym względem wyjątkowo podłe. Wplątują nas w swe nierealne światy, obiecując i zaświadczając swą obecnością większość tego co nie istnieje.

Stąd cykl 'notatek' jest ucieczką od wszelkich form reprezentacji na rzecz tego co możliwie najbardziej realne”.

Prezentowana praca pochodzi z 2008 roku, czasu, kiedy artysta był studentem Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. W tym okresie powstały nieliczne prace na płótnie, portrety i kompozycje abstrakcyjne. Po ukończeniu studiów Łukasz Surowiec zwrócił uwagę na inne media. Jest artystą interdyscyplinarnym, rzeźbiarzem, performerem, twórcą filmów wideo, autorem akcji społecznych.

Ukończył Wydział Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie, studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu oraz na Universität der Künste w Berlinie. W swoich obiektach i interwencjach artystycznych Surowiec wnika i bada aktualne stosunki społeczne, podejmuje również zagadnienia historyczne i polityczne. Jego twórczość przyjmuje formę metody umożliwiającej poznanie publicznej rzeczywistości ze zwróceniem uwagi na jednostki marginalizowane.

W działalności artystycznej podejmuje aktualne kwestie społeczne, wychodząc

także poza mury oficjalnych instytucji sztuki. Prace Surowca prezentowane były na indywidualnych ekspozycjach, m.in.: „Umierać się nikt nie boi” w CSW Zamek Ujazdowski w Warszawie (2014), „Poczekalnia” w CSW Znaki Czasu (2014), „Dziady” w Bunkrze Sztuki w Krakowie (2013), „Szwedzkie gołębie” w Kalmar Konstmuseum w Kalmarze (2012) czy „Nice to Meet You” w Art Agenda Nova w Krakowie oraz wielokrotnie na wystawach zbiorowych w Polsce i za granicą, m.in.: „Procedures for the head / Polish Art Today” w Kunsthalle Bratislava (2015), „Critical Juncture” podczas Kochi-Muziris Biennale w Indiach (2014), „East + Europe – Eastern European Contemporary Art Exhibition” w City Hall Exhibition Hall w Hong Kongu (2013), „Air de Pologne” w De Garage w Mechelen w Belgii (2012) czy podczas 7. Berlin Biennale w Kunst-Werke w Berlinie (2012).

31

Twożywo (1995 rok powstania - 2011 koniec działalności)

Mamy po dwadzieścia lat, chcemy zmieniać i budować świat akryl, szablon/papier, 83 x 170 cm

estymacja 5 000 - 9 000 PLN 1 400 - 2 200 EUR

Twożywo to warszawska grupa artystyczna utworzona w 1998 roku przez Krzysztofa Sidorka i Mariusza Libela. Stałym motywem w ich twórczości jest krytyczny namysł nad otaczającą rzeczywistością, a w szczególności nad językami mediów, polityki i ekonomii, połączony z jednoczesną próbą wskazania na ukryte, niejednoznaczne treści, jakie niesie ze sobą ich pozornie neutralny przekaz. Choć sięgali po różne konwencje i media, m.in. plakat, animację, mural, billboard, ilustrację prasową, wlepkę czy szablon, ich prace łączy łatwo rozpoznawalny styl i niezwykle komunikatywny język artystycznego przekazu. Swoją sztukę prezentowali zwykle w przestrzeniach publicznych, prasie i w Internecie. W 2002 grupa zrobiła billboard, na którym widniały portrety ośmiu osób, podpisane: „Mamy po dwadzieścia lat, chcemy

zmieniać i budować świat”. Następnie pojawiały się plakaty z pojedynczymi osobami z dopiskiem: „Wojtek chciałby zrobić coś ważnego, ale ciężko pracuje”, „Krzysztof szuka pracy jak wszyscy Polacy” czy „Dominik chce odkryć co dzieje się poza światłem monitora”. Do najsłynniejszych projektów grupy należą szablony: „Antychryst będzie artyst”, „Emanacje słabości”, „Plądrujemy ruiny rzeczywistości”, cykl plakatów „Herostrates” oraz projekt internetowy „Zło jest dla mas”. W 2006 Grupa Twożywo została laureatem Paszportu „Polityki” w kategorii sztuki wizualne „za sztukę łączącą w nowatorski sposób słowo z obrazem, za śmiałe wkraczanie ze swymi pracami tam, gdzie sztuka dotychczas nie docierała”. W 2011 Libel i Sidorek ogłosili koniec działalności pod szyldem Twożywo.

32

Paweł Jarodzki (ur. 1958)

Bez tytułu olej/płótno, 73 x 73 cm (w świetle oprawy) sygnowany na odwrociu: ‘Paweł Jarodzki | ‘84’

estymacja 9 000 - 16 000 PLN 2 200 - 3 800 EUR

Twórczość Jarodzkiego jest pełną ironii rozgrywką z powszechnie obowiązującymi schematami. Realizacje artysty to formalnie różnorodne przedstawienia, stanowiące autorską odpowiedź na otaczającą go rzeczywistość i charakteryzujące się stylistyką daleką od tradycji akademickich. Autor świadomie odrzuca poprawność formalną.

Nagromadzenie elementów zapożyczonych z różnorodnych obszarów kultury oraz bardzo często wykorzystywany motyw szablonu to wątki stale obecne w jego obrazach. O działaniach Jarodzkiego tak pisała Agnieszka Morawińska: „Jego sztuka sięga korzeniami do klasyków amerykańskiego pop-artu, wzbogaconego o polską tradycję kształtowaną przez artystów takich jak Tadeusz Kantor czy Władysław Hasior. Jarodzki używa materiałów z recyclingu, posługuje się szablonami, miesza motywy jarmarczne z klasykami modernizmu, tworząc obrazy-przedmioty nieograniczone ramami, o matowej powierzchni, wyszukanej kolorystyce i przemyślanej kompozycji podkreślającej dwuwymiarowość i otwartość. Paweł Jarodzki, lecząc nerwy współczesności najlepszym lekarstwem, jest dobrym artystą odpowiadającym na wyzwania naszych czasów…” (Agnieszka Morawińska,

Wstęp do katalogu wystawy „Paweł Jarodzki. Najlepsze”, pod. red. Hanny Wróblewskiej, s. 5).

Paweł Jarodzki jest malarzem, grafikiem, rysownikiem, autorem komiksów, scenografii, tekstów i działań performatywnych. Prowadzi pracownię multimedialną w Akademii Sztuk Pięknych we Wrocławiu. Od 1993 roku jest kuratorem programu BWA Wrocław. Jeszcze na studiach (w 1981 roku) wspólnie z przyjaciółmi z pracowni 314 założył artystyczną grupę Luxus, zaliczaną do najważniejszych zjawisk polskiej sztuki przełomu lat 80. i 90. Wspólnie z grupą wydawał art zin „Luxus”, zrealizował kilkadziesiąt ekspozycji w Polsce i na świecie oraz uczestniczył w głośnych przełomowych wystawach dekady lat 80. i wczesnych lat 90. Równolegle do działań grupowych artysta wystawiał swoje prace indywidualnie. Były to głównie obrazy, w których gest malarski łączył się z multiplikacją poprzez wprowadzenie wizualnych cytatów i użycie technik szablonowych. Za podłoże służyły płótno, karton, ale również przypadkowe przedmioty. Pod koniec lat 90. twórca coraz częściej realizował projekty solowe, komentujące zmiany zachodzące w przestrzeni społecznej epoki transformacji.

33

Grzegorz Drozd (ur. 1970)

“Dobre numery jeden”, 2017 r. olej/płótno, 120 x 95 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘GRZEGORZ DROZD | “DOBRE NUMERY JEDEN” | 2017’

estymacja 7 000 - 15 000 PLN 1 700 - 3 600 EUR

Grzegorz Drozd studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w pracowni Jarosława Modzelewskiego. Po eksperymentach z rozmaitymi mediami skupił się na malarstwie. Podobnie jak jego nauczyciel na swych obrazach stara się odmalować otaczającą go rzeczywistość, nawet w jej najbardziej prozaicznych aspektach. Drozd podkreśla rolę naszego zapośredniczenia w osobistych doświadczeniach i niemożność ucieczki od własnej tożsamości, ukształtowanej poprzez historyczne uwarunkowania, ale także wychowanie, miejsce dorastania, wpływy rodziny i przyjaciół.

Drozd to malarz, artysta akcji i instalacji, fotograf, czujny obserwator rzeczywistości, którą opisuje własnym językiem, budując niewygodne i zaskakujące sytuacje często bez scenariusza. Gracz z konwencją i rytuałem, wyprowadzający sztukę z nawiasu umowności. Manipulator, na własne konto deklarujący: „artysta to dla mnie banita społeczny i przestępca”. Twórca relacyjny, partycypacyjny, krytyk instytucji, autor

dzieł będących wehikułem osobistych emocji. W 2010 roku symbolicznie „opuścił” kulturę Zachodu, kierując swą nomadyczną wędrówkę w stronę dalekiego południa Azji w poszukiwaniu „Utraconego Raju”. Obecnie mieszka i pracuje w Azji i Europie. W latach 1992-95 studiował na Wydziale Artystycznym UMCS w Lublinie. Ukończył Wydział Malarstwa i Wydział Rzeźby Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie w 2007. Brał udział w kilku rezydencjach artystycznych, między innymi w Pradze oraz Budapeszcie. Jest trzykrotnym stypendystą Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz współzałożycielem projektu Zmiana Organizacji Ruchu.

Miał indywidualne wystawy w CSW Zamek Ujazdowski oraz Centrum Rzeźby w Orońsku. Brał udział w licznych wystawach zbiorowych w kraju i za granicą – w krakowskim MOCAKu, Znakach Czasu w Toruniu, Waterside Contemporary w Londynie, Gare Sauveur we francuskim Lille, BACC w Bangkoku.

34

Rafał Wilk (ur. 1979)

Bez tytułu (Warszawianka), 2013-14 r. olej/płótno, 120 x 160 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘BEZ TYTUŁU (WARSZAWIANKA) | RAFAŁ WILK | 2013-2014’

estymacja 10 000 - 14 000 PLN 2 400 - 3 300 EUR

Rafał Wilk posługuje się wszelkimi środkami ekspresji: od malarstwa przez fotografię do wideo i animacji komputerowych. W swoich pracach porusza kwestie historii, penetruje trudną i zawikłaną przeszłość Europy. Z upodobaniem podszywa się pod narratora opowieści z przeszłości.

Artysta jest absolwentem Liceum Plastycznego w Jeleniej Górze. Dyplom uzyskał w Instytucie Sztuk Pięknych w Uniwersytecie Zielonogórskim, w pracowni

prof. Ryszarda Woźniaka. Zwyciężył Grand Prix konkursu na Obraz Roku, organizowanego przez miesięcznik „Art & Business” (2005). W 2009 roku został stypendystą Ministra Kultury, a w 2014 – Miasta Warszawa. Swoje prace i projekty prezentował miedzy innymi w BWA w Zielonej Górze, w Muzeum Współczesnym Wrocław, a także na licznych wystawach za granicą: w Hiszpanii, na Islandii, Kubie, w Indiach, Iranie, na Słowacji, w Niemczech i Szwecji.

35

Piotr Kotlicki (ur. 1972)

“Dom zły”, 2018 r. olej/płótno, 40 x 50 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘PIOTR | KOTLICKI | 2018 | BWA, KIELCE, 40 x 50 | DOM ZŁY’

estymacja 5 000 - 9 000 PLN 1 200 - 2 200 EUR

WYSTAWIANY: - Mascullinea-zbiór męskich historii, Biuro Wystaw Artystycznych w Kielcach, 2-15.06.2018

Twórczość Piotra Kotlickiego obok często występujących, pełnych życia form animalistycznych i roślinnych, charakterystyczne są z powodu ich egzystencjalnego nastroju. Artysta odnosi się do wydarzeń i postaci historycznych, a także do aktualności, wzbogacając formę malarską o wytwory własnej wyobraźni. Kotlicki od 2011 roku prowadzi własne eksperymenty z obrazem multiperspektywicznym, czyli takim, w którym poszczególne elementy obrazu filmowego nie są skrępowane optyką kamery. Samodzielną twórczość filmową otwiera praca z roku 2014 pod tytułem „Hej, tam w dolinie”.

Jest absolwentem Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi. Dyplom otrzymał w 2000 roku w Pracowni Malarstwa prof. Ryszarda Hungera. Od 2007 jest wykładowcą na Wydziale Reżyserii w Państwowej Wyższej Szkole Filmowej Telewizyjnej i Teatralnej w Łodzi. Wystawiał m.in. w Warszawie w Narodowej Galerii Sztuki Zachęta (Polska); w Ningbo Museum of Art (Chiny), na Festiwalu Videomedja w Nowym Sadzie (Serbia); na Festiwalu MADATAC w Madrycie (Hiszpania); w Drei Ringe (Niemcy); w Galerii Olimpus (Polska); w Narodowym Instytucie Audiowizualnym. Laureat Grand Prix, na Interference Festival.

36

Paweł Dunal (ur. 1978)

Bez tytułu, 2013 r. olej/płótno, 40 x 40 cm sygnowany i datowany na odwrociu: ‘Paweł Dunal | 2013 r.’ oraz nalepka z Galerii m2

estymacja 6 000 - 9 000 PLN 1 500 - 2 200 EUR

WYSTAWIANY: - Paweł Dunal, Sowy nie są tym, czym się wydają, BWA Zielona Góra, 11.10-2.11.2014

Sztuka Pawła Dunala wyróżnia się swobodnym łączeniem różnych wątków współczesnej kultury, które artysta twórczo przeobraża. W nieskrępowany sposób czerpie ze wszystkich jej przejawów – w obrazach widoczne są motywy nawiązujące do ludzkiej seksualności, popularnej fantastyki, tradycji historii sztuki i japońskiego origami. Prezentowana praca charakteryzuje się mistrzowskim, swobodnym gestem malarskim. Jak pisali organizatorzy jego indywidualnej wystawy „Sowy nie są tym, czym się wydają” w zielonogórskim BWA: „malarstwo jest dla niego środkiem komunikowania, ciągle adekwatnym do błyskawicznie zmieniającego się świata. Nad obrazami pracuje często długo, mając świadomość wagi efektu

ostatecznego. Równie swobodnie porusza się w obszarach abstrakcji, jak i szczegółowej opowieści. Nie obawia się emocji, intuicji, korzysta z podświadomości jako źródła twórczości”.

Paweł Dunal studiował w pracowni profesora Jarosława Modzelewskiego w warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, uzyskując w 2008 roku dyplom z wyróżnieniem rektorskim. W tym samym roku zadebiutował wystawą indywidualną w Galerii m2 w Warszawie, natomiast w 2014 odbyła się jego pierwsza retrospektywa – w zielonogórskim BWA. W 2009 był finalistą 9. konkursu im. Eugeniusza Gepperta we Wrocławiu, a w 2013 – 41. Biennale Malarstwa „Bielska Jesień”.

37

Tomasz Musiał (ur. 1974)

“Orzeł biały” (6), 2014-15 r. akryl/płótno, 150 x 150 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘TOMASZ MUSIAŁ | ORZEŁ BIAŁY VI 2014/15 | AKRYL 150 x 150’ Do pracy dołączona jest płyta DVD z zapisem powstawania obrazu w autorskiej technice biczowania płótna skórzanym rzemieniem.

estymacja 15 000 - 25 000 PLN 3 600 - 5 900 EUR

WYSTAWIANY: - Tomasz Musiał, Orzeł Biały / Orzeł Czerwony, Galeria Olimpus, Łódź, 12.2014-02.2015

Obrazy Tomasza Musiała przedstawiają architekturę ulegającą destrukcji, dramatycznemu rozpadowi. Są odzwierciedleniem osobistych przeżyć artysty związanych z chorobą, próbą oswojenia problemu śmierci. Ich emocjonalny charakter widoczny jest w zastosowaniu ekspresyjnej techniki biczowania płótna skórzanym rzemieniem. Jest to malarstwo zawieszone pomiędzy taszyzmem a action painting; malarstwo kontrolowanego gestu, poprzedzonego wieloma próbami robionymi na papierze, dotyczącymi kierunku, koloru, siły, z jaką artysta dotyka potem płótna. Paweł Jagiełło tak pisał o jego twórczości: „Podejście Tomasza Musiała do samego procesu kreacji wykazuje wyraźne powinowactwa z szeroko pojętym malarstwem akcji – duża siła ekspresji, pewien stopień kontrolowanego przypadku, horyzontalne położenie płótna w czasie pracy czy performatywność aktu twórczego, uwypuklona przez dokumentację filmową. Zapewne dlatego tak ważnym aspektem cyklu, o czym wspomina sam autor, jest przekazanie odbiorcom pewnej dawki energii, towarzyszącej powstaniu tych prac. Nie jest to bowiem działanie finezyjne (w sensie manualnym), lecz siłowe – przypominające, że sztuka przefiltrowuje różnego rodzaju emocje, nie tylko te pozytywne i że posługuje się również przemocą. Z tego też powodu integralnym składnikiem cyklu, ewidentnie podbijającym siłę przekazu, są filmy, ujawniające proces powstawania prac. Na jednym widać artystę, bezlitośnie smagającego płótna maczanym w farbie skórzanym rzemieniem, na innym płótno filmowane jest z góry i widać tylko śmignięcia pasa, niekiedy następujące po sobie w przyspieszonym tempie.Po każdym ciosie obraz zyskuje kolejną bliznę, aż do uformowania się znajomego kształtu. Drugi z tych filmów, gdy są ku temu bardziej sprzyjające warunki, artysta woli pokazywać w sposób jak najbardziej

zbliżony do warunków, w jakich dzieło powstaje: rzutując go z góry na ekran w postaci leżącego na podłodze płótna. Daje to widzowi namiastkę uczestnictwa w tym burzyliwym akcie. Szkoda, że tym razem nie było to możliwe. Niebagatelne znaczenie ma też ścieżka dźwiękowa w postaci odgłosów 'tortur', jakie autor zadaje dziełu. W przestrzeni galeryjnej co chwila rozbrzmiewa głośny huk spadającego na podobrazie ciosu. Słychać pogłos charakterystyczny dla dużej, pustej przestrzeni. Dźwięki potęgują agresywną wymowę obrazów – jest w tym coś z batożenia, brakuje tylko jęków ofiary.

Przy okazji można uzmysłowić sobie, jakiej krzepy wymaga cały proces.

Artysta wspomniał przy którejś okazji, że przed 'biczowaniem' musi zrobić sobie rozgrzewkę, inaczej narazi się na kontuzję barku. Jakoś mimowolnie przypomniałem sobie też zdyszanych oprawców Chrystusa z 'Pasji' Gibsona” (Paweł Jagiełło, Nie tylko dla orłów, [w:] Format, nr 70, 2014-15, s. 130).

Tomasz Musiał ukończył studia na Wydziale Edukacji Wizualnej w ASP im. Władysława Strzemińskiego w Łodzi. W 2000 roku obronił dyplom z wyróżnieniem w Pracowni Malarstwa prof. Ryszarda Hungera. Obecnie jest asystentem w Pracowni Malarstwa i Rysunku na Wydziale Wzornictwa i Architektury Wnętrz w ASP w Łodzi. W 2010 r. uzyskał stopień doktora. Został laureatem kilku prestiżowych międzynarodowych nagród, m.in w 2006 roku nagrodzony przez Alexander S. Onassis Public Benefit Foundation w Atenach w 1st International Competition for the Composition of Original Painting.

Ponadto nagrody na XII Ogólnopolskim Salonie Plastyki „EGERIA 2004” (2004), Nagrodę Rektora ASP w Łodzi (2004), Biennale Sztuki Młodych „Rybie Oko”(2008) oraz Festiwalu Sztuki Młodych „Przeciąg” w Szczecinie (2009).

38

Mateusz Szczypiński (ur. 1984)

“Oczepiny”, 2010 r. kolaż, olej/płótno, 50 x 50 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘OCZEPINY | Szczypiński M | 2010’

estymacja 4 000 - 9 000 PLN 1 000 - 2 200 EUR

Mateusz Szczypiński w swoich pracach nie tylko wykorzystuje wtórne materiały, takie jak wycinki z gazet, lecz także silnie odwołuje się do prac będących kanonem światowej historii sztuki. Postaci znajdujące się na jego pracach z cyklu nierzadko pozbawione są zbędnych szczegółów.

Plamy barwne, będące zarysem postaci oraz dodatki wycinane z czasopism stanowiące twarze i inne części ciała, to swoista gra z odbiorcą. Ponieważ bez problemu udaje się rozszyfrować pierwowzór, Szczypiński zaprasza nas do gry, w której to on ustala reguły – nowoczesność miesza się tutaj z klasyką i żadna z nich nie przegrywa.

Twórca jest absolwentem Historii Sztuki na Wydziale Historycznym Uniwersytetu Jagiellońskiego w Krakowie w 2009 roku. W 2012 ukończył studia na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie

w pracowni prof. Andrzeja Bednarczyka i dra Witolda Stelmachniewicza oraz w pracowni intermedialnej dra hab. Grzegorza Sztwiertni i dra hab. Zbigniewa Sałaja. Głównym obszarem jego działalności artystycznej jest malarstwo. Jak sam mówi: „Najbardziej charakterystycznym aspektem mojej twórczości, wydaje mi się wykorzystywanie kolażu. Chodzi mi tu nie tylko o technikę, ale także sposób myślenia, który ona narzuca. Korzystając z gotowych elementów, mogę odnieść się do konkretnych, bardzo wyraźnych treści, jednak wyrwanych ze swego oryginalnego kontekstu. Z jednej strony to operowanie cytatem, odwoływanie się do powszechnie znanej tradycji, ikon sztuki, obrazów, które w jakiś sposób zakodowane są w masowej świadomości, z drugiej jednak to pójście dalej. Przy ich pomocy mogę kreować nowe treści, sytuacje, często nie mające wiele wspólnego z 'bazą', od której wychodzę”.

39

Martyna Czech (ur. 1990)

“A sio”, 2016 r. akryl, olej/płótno, 50 x 70 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘MARTYNA CZECH 2016 | „A SIO” | olej i AKRYL NA PŁÓTNIE 50 x 70 | CM | MARTYNA CZECH’

estymacja 3 000 - 5 000 PLN 800 - 1 200 EUR

„Martyna Czech to jedna z najmocniejszych debiutantek malarskich ostatnich lat. Jest laureatką niezwykle prestiżowego i najstarszego konkursu malarstwa w Polsce Bielska Jesień. Jurorzy docenili jej dojrzałość w komponowaniu obrazów i operowaniu kolorem, która daje niezwykły i bardzo ekspresyjny efekt wizualny.

Artystka uznawana jest za przedstawicielkę współczesnego surrealizmu, zaznaczonego już autorskim stylem. Prace Czech opowiadają historie z jej życia za sprawą silnie narracyjnych obrazów-opowieści. Emocjonalne podejście

do rzeczywistości przejawia się w wyrazistych kolorach, naturalnej lekkości malarskiego gestu i hipnotycznych kompozycjach” (źródło: Adrian Chorębała, ultramaryna.pl, 2017). W swojej twórczości zajmuje się krytyką świata ludzkiego na podstawie własnych doświadczeń. W wielu pracach porusza temat cierpienia zwierząt. Jest wnikliwym obserwatorem zależności występujących między światem zwierząt i ludzi. Interesują ją sytuacje, w których zderzenie tych dwóch światów powoduje ból i cierpienie.

40

Milena Korolczuk (ur. 1984)

“Malkovich”, ed. 1/5 + 1AP, 2013 r. tusz pigmentowy na papierze bawełnianym, 54 x 70 cm (w świetle oprawy)

estymacja 5 000 - 8 000 PLN 1 200 - 1 900 EUR

Bohaterami swoich prac Korolczuk czyni często artystów rówieśników – muzyków, śpiewaczki, tancerki, których angażuje do działania według własnego, radykalnego scenariusza. W tym przypadku bohaterem fotografii jest John Malkovich, amerykański aktor, reżyser i producent filmowy, jeden z czołowych twórców swojego pokolenia. Jak czytamy we wstępie do wystawy indywidualnej artystki w warszawskiej Galerii Raster: „W prezentowanej serii fotografii tworzywem sztuki jest chleb – materiał naznaczony symbolicznymi i odżywczymi wartościami. Podobizny ikonicznych postaci z historii filozofii, sztuki, literatury i pop kultury, lepione z popularnego amerykańskiego pieczywa Wonder Bread, są tu efektem ubocznym śniadaniowych rozmyślań młodej artystki, zapisem natrętnej aktywności wolnych rąk i poszukującego idei umysłu.

W okruchach, dźwiękach i powiewach powszedniości Milena Korolczuk odkrywa niezwykłą, życiodajną przestrzeń dla wyobraźni i kreacji” (źródło: raster.art.pl).

Artystka mieszka i pracuje w Oakland w Kalifornii. W 2010 ukończyła Wydział Malarstwa na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu. Od tego czasu autorka prezentowała swoje prace multimedialne na wystawach indywidualnych („Blue Bird”, Raster, Warszawa 2013; „Nostalgia za teraz”, Galeria Arsenał, Białystok 2012) oraz zbiorowych („The School of Kyiv – Kyiv Biennial 2015”, Kijów; „Procedures for the Head/Polish Art Now”, Kunsthalle Bratislava 2015). Jej dzieła były eksponowane na targach LISTE w Bazylei oraz NADA w Miami. Od 2014 artystka zajmuje się pisaniem scenariuszy i rozwija swoje zainteresowanie filmem fabularnym.

41

Kuba Bąkowski (ur. 1971)

“Wielka Niedźwiedzica.

Międzynarodowa 64/65A”, ed. 2/7, 2006 r. kolorowa odbitka fotograficzna na papierze światłoczułym wykonana techniką Lambda, 47 x 70 cm na odwrociu autorska nalepka z opisem pracy i sygnaturą artysty

estymacja 7 000 - 12 000 PLN 1 700 - 2 900 EUR

WYSTAWIANY: - Camera Vivant, Central Utah Art Center, Ephraim, Utah, USA, 2011 - The Influence of Fish Tales on the Breaking Waves, Point B, Brooklyn, New York City, USA, 2008 - Betonowe dziedzictwo. Od Le Corbusiera do blokersów, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski, Warszawa, 2006

Prezentowana fotografia „Wielka Niedźwiedzica. Międzynarodowa 64/65 A” jest wynikiem akcji zorganizowanej przez Kubę Bąkowskiego na dachu budynku przy ulicy Międzynarodowej na Saskiej Kępie w Warszawie.

Siedmioro mieszkańców budynku, pozując na tle nocnego nieba, przy pomocy zapalonych żarówek odtworzyło kształt konstelacji gwiezdnej Wielkiej Niedźwiedzicy (Ursa Major).

Kuba Bąkowski to autor instalacji, fotografii, performansów, wideo, obiektów i rzeźb. Ukończył Wydział Komunikacji Multimedialnej Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu (2001), mieszka i pracuje w Warszawie.

Jest stypendystą programu Location One oraz Skowheagen International Residency, a także Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego,

Narodowego Instytutu Kultury oraz Instytutu Adama Mickiewicza. Artysta prezentował swoje prace na wystawach w Narodowej Galerii Sztuki Zachęta w Warszawie, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski, Museum Moderner Kunst w Wiedniu, Musée d’Art Moderne w Saint-Etienne, Artspace w Sydney, Narodowym Centrum Sztuki Współczesnej w Moskwie, Palazzo delle Arti w Neapolu, Royal Scottish Academy i Chelsea Art Museum w Nowym Jorku. Twórczość Bąkowskiego określić można jako badanie obszaru rzeczywistej i potencjalnej świadomości zbiorowej, współczesnych fantazmatów, lęków i wyobrażeń w świecie, którego odbiór zdominował przekaz medialny. Jego realizacje pełne są przy tym ironii i humoru. W ostatnich latach artysta zajmuje się wizjami futurologicznymi, kulturą science fiction i podbojem kosmosu.

42

Agnieszka Sandomierz (ur. 1978)

Bez tytułu, 2006 r. tempera/płótno, 130 x 180 cm sygnowany i datowany na odwrociu ‘Agnieszka | Sandomierz 2006.’

estymacja 10 000 - 14 000 PLN 2 400 - 3 300 EUR

Studiowała na warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych na Wydziale Malarstwa w latach 1998-2003. Dyplom z wyróżnieniem otrzymała w 2003 roku w pracowni malarstwa prof. Wiesława Szamborskiego, aneks z malarstwa ściennego zrobiła u prof. Edwarda Tarkowskiego.

W latach 2005-2012 była asystentką na Wydziale Malarstwa warszawskiej ASP. W 2005 roku otrzymała stypendium Ministra Kultury i Sztuki.

Od początku ważnym tematem jej prac był człowiek; jego cielesność,

erotyzm, emocje, a także sytuacje codzienne i intymne. Z czasem malowała coraz więcej autoportretów, dosłownych i zawoalowanych; na obrazach zaczęli pojawiać się ludzie, zwierzęta i pospolite przedmioty.

W zamierzeniu artystki jej sztuka pełni funkcję pamiętnika, do którego trafia zapis sytuacji i emocji zarówno szczególnych i ważnych, jak i tych codziennych. Nową tematykę do jej malarstwa wprowadziło ostatnio doświadczenie macierzyństwa.

43

Bartek Otocki (ur. 1978)

Bez tytułu, z cyklu “Zostało mniej czasu niż się wydaje”, 2017 r. olej/płótno, 100 x 73 cm sygnowany, datowany i opisany na blejtramie: ‘BEZ TYTUŁU, Z CYKLU “ZMCNSW”

estymacja 8 000 - 15 000 PLN 1 900 - 3 600 EUR

WYSTAWIANY: - Bartłomiej Otocki, Zostało mniej czasu, niż się wydaje, Galeria Bielska BWA, Bielsko-Biała, 3.02-5.03.2017

Prace Bartosza Otockiego nacechowane są zawsze niepokojem i przeczuciem, że za chwilę wydarzy się coś niekoniecznie dobrego. Autor w swojej twórczości często skupia się na tematach zjawisk paranormalnych czy wrażeniach zagłady i spustoszenia. Prace wydają się być próbą uchwycenia momentu, w którym odbiorca zdaje sobie sprawę, że coś jest nie tak, ale jeszcze nie wie, jakie będą tego konsekwencje. Przedstawienia nieba, skąd nadejść może nieznane zamknięte w symbolu czarnego koła, stają się równocześnie odbiciem źrenicy oka. Idąc tym tropem, dochodzimy do wniosku, że jeśli oczy są odbiciem duszy, okazać się może, że to, co najgorsze, nosimy już od dawna w sobie.

Bartosz Otocki jest malarzem i fotografem, kuratorem, jurorem konkursów malarskich. Stworzył cztery cykle prac: „Portrety pamięciowe”, „Alchemia Iluzji”, „Czy jest bezpiecznie/Is it safe?” i „Yang!”. Był uczestnikiem

ponad 50 wystaw indywidualnych i zbiorowych, m. in. w Muzeum Współczesnym we Wrocławiu, Muzeum Historii Miasta Łodzi, Galerii Bielskiej BWA, Muzeum Narodowym w Szczecinie, Centrum Rzeźby Polskiej w Orońsku. Dyplom z malarstwa uzyskał w pracowni prof.

Ryszarda Hungera na Wydziale Grafiki i Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Łodzi (2003); doktorat obronił na Wydziale Malarstwa Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu (2011); a habilitację na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku (2014). W latach 2003-12 był asystentem, następnie adiunktem w pracowni malarstwa i rysunku na Wydziale Tkaniny i Ubioru łódzkiej ASP. Od 2012 roku prowadzi pracownię rysunku na Wydziale Malarstwa i Nowych Mediów Akademii Sztuki w Szczecinie, od 2014 roku pracuje na stanowisku profesora nadzwyczajnego.

44

Ivo Nikić (ur. 1974)

“Suprise party”, 2018 r. akryl/płótno, 120 x 100 cm

estymacja 4 000 - 7 000 PLN 1 000 - 1 700 EUR

Artysta tworzy kompozycje quasi-abstrakcyjne – przedstawiane formy pozornie wydają się być wolne od pozamalarskiego znaczenia. Liczą się ich kształt, barwy i wrażenia, jakie wywołują. Jednakże sensualizm tych prac nie wyczerpuje możliwych dróg interpretacyjnych. Przedstawiane przez Nikicia struktury podlegają geometryzacji, nie wykluczającej jednak ich trójwymiarowości, budowanej poprzez kunsztownie oddany światłocień, co zaowocowało powstaniem form o niemalże biomorficznym charakterze.

Twórca urodził się w Pristinie (Serbia), obecnie mieszka i pracuje w Warszawie. Dyplom z malarstwa obronił w warszawskiej ASP. Instynkt malarza, wrażliwość pulsująca miejskim żywiołem, chłopięca ciekawość, baczna, drobiazgowa obserwacja – to ważne cechy jego twórczości. Posługuje

się w swoich pracach malarstwem, fotografią, filmem video, tworzy obiekty i instalacje. Jest aktywny na wielu płaszczyznach: współtworzy latającą galerię szu szu; był jednym z organizatorów projektu „Nowa Polska 70-80”, Lille, Francja (2004); redaktorem naczelnym miesięcznika „Laifstyle” (2004-06), otrzymał Nagrodę Ministra Kultury „promocje 2004”. Ma za sobą pobyt twórczy „artist In rezident” w Centrum Produkcji Sztuki „Progr”, Berno, Szwajcaria (2006). W 2008 wraz z grupą szu szu uczestniczył w „Bat-Yam International Biennale of Landscape Urbanism” (Izrael). Został wyróżniony nagrodą Prezydenta miasta Szczecina w II Festiwalu Sztuki Młodych „Przeciąg” (2009). Za spot dla organizacji WWF, wraz z Agencja Change Integrated otrzymał nagrodę Silver Drum na festiwalu w Portoroż w 2009.

45

The Krasnals (data utworzenia: marzec 2008 r.)

Z cyklu “Żydzi”, Undula u Artystów, Xiega Bałwochwalacza, 2016 r. olej/płótno, 150 x 150 cm sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘Jews | “Undula u Artystów / | Xiega Bałwochwalacza / | Bruno Schulz | , 2016 | The Krasnals’

estymacja 12 000 - 18 000 PLN 2 900 - 4 300 EUR

WYSTAWIANY: - W stronę Schulza, Muzeum Miejskie w Zabrzu, 9.06-24.08.2016

THE KRASNALS „Klimat Schulza zawsze nas fascynował, przyciągał.

Na pierwszy rzut oka może się to wydawać dziwne, znając nasze prace i akcje związane z krytyką świata sztuki, zależności ekonomicznych, politycznych i innych, w które jesteśmy społecznie uwikłani. To wszystko można by zaklasyfikować jako komentarz do hasła kultura, coś co sami sztucznie wytworzyliśmy w świecie, tak aby kulturalnie, etycznie, moralnie i na ile się da w zgodzie funkcjonować. Jest jeszcze drugi aspekt. Trochę trudniejszy do określenia. Co by tam mogło być? Coś z nostalgii, coś z emocji, dużo zmysłów i instynktów, pragnienia. Dużo pragnień i marzeń, żalu i dylematów, tęsknot za czymś nieokreślonym. Pociągająca sfera, z dużą dozą perwersji, właśnie Schulzowskiej demoniczności. Miejsce gdzie być może najbardziej naturalnie ukrywa się sztuka. Naturalnie, jak natura niezaznajomiona z całym tym balastem z pierwszego wora. Drwiąca z takich rzeczy jak wartości, zasady, kategorie i inne sztuczne twory.

Zasady w tym świecie są jasne, choć trudne do ogarnięcia, zwłaszcza ze względu na wrodzoną bezwzględność. Ale sztuka, czy też idea sztuki bóstwa, czegoś co artysta pragnie osiągnąć, dotrzeć do istoty i ją pochłonąć, lśni demonicznie jak kobieta bogini, podśmiewając się z wysiłków artysty. I w tym kontekście wszelkie bieżące sprawy i konflikty, i inne aktualności, wydają się dość błahe, wręcz zabawne, jakby karły wijące się u stóp beztroskiej Unduli.

Według nas Schulz, jak prototyp artysty, balansuje pomiędzy jednym a drugim, chciałby ogarnąć swym umysłem kogoś, kto nie ma z tym problemów, posiąść kogoś, kto jest uosobieniem utopii, ideałem godzącym światłość, sadyzm, ból i pragnienie. Poszukujemy naiwnie wzorców, szaleńców, którzy mogli dotrzeć do tego bóstwa jak najbliżej, chcemy podkraść ich ścieżki, podejrzeć to, co oni zobaczyli. Wcielamy się w ich skórę i rekonstruujemy. Dziwaków, bandytów, geniuszy, tych, którzy naruszają porządek rzeczy, smakują i miksują. Mknąc wijącymi się w półmroku korytarzami krokodyli, upajając się wonią sklepów cynamonowych.

Schulz, przed którym chylimy czoła, dotarł blisko. Ale żałujemy jednej rzeczy. Że nie był odrobinę bardziej śmiały. Że nie próbował pójść o krok dalej. Wydobyć dziki krzyk z samego dna swoich wnętrzności, odkryć czysty zew natury i utożsamić się z nim, nawet na chwilę, nawet tylko w wyobraźni. Zapewne tak nie było, zapewne było zupełnie inaczej, zapewne zaginione płótna wpisują się w dotychczasowy zakres wędrówek Schulza. Ale my, będąc jednak na zewnątrz jego świata, możemy sobie wyobrazić jakby to było, gdyby zrobił niespodziankę i dokonał heroicznej próby zamachu na sztukę, wejścia całym sobą w jej skórę. Rekonstruując to, co się mogło wydarzyć, korci nas, aby wejść w rolę bohatera, artysty, i tak właśnie uczynić, na zaginionych płótnach. Czy byłoby to niemożliwe?

Dla wyobraźni nie”.

46

Piotr Wachowski (ur. 1976)

“Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy?

Dokąd idziemy?”, 2007 r. akryl, olej/płótno, 70 x 240 cm (x3) sygnowany, datowany i opisany na odwrociu: ‘Piotr Wachowski | „Skąd przychodzimy? | Kim jesteśmy? | Dokąd idziemy?” | 2007’

estymacja 20 000 - 30 000 PLN 4 700 - 7 100 EUR

WYSTAWIANY: - Piotr Wachowski, Uparty malarz, Galeria m2, Warszawa, 2007

LITERATURA: - Piotr Wachowski - Uparty malarz / The Stubborn Painter, katalog wystawy indywidualnej, Warszawa 2007, s. 22-23

Piotr Wachowski od 1996 roku studiował na Wydziale Malarstwa w Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie. W 2001 uzyskał dyplom z wyróżnieniem w pracowni prof. Wiesława Szamborskiego oraz aneks do dyplomu w Pracowni Sztuki w Przestrzeni Publicznej prof. Mirosława Duchowskiego.

Rok później nominowano go do Paszportów „Polityki”. W 2003 został laureatem nagrody kwartalnika EXIT. Jest stypendystą Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego z 2007. Również w tym roku przedruk prezentowanej pracy ozdobił stację jednej z warszawskich linii metra. Projekt o nazwie: „Przestrzeń miejska dla sztuki na stacji metra Marymont” powstał

już w fazie projektowania stacji. Początkowo Galeria działała na zasadach ogólnopolskiego konkursu skierowanego do studentów i absolwentów uczelni artystycznych, którzy nie ukończyli 35. roku życia. Prace były specjalnie projektowane do tego miejsca oraz wybierane przez radę programową złożoną z uznanych w środowisku artystów i krytyków sztuki. Oprócz pracy Wachowskiego stacje zdobiły m.in.: „Baranki Boże” Julii Curyło, „Metro Muzeum” Zbigniewa Sikory, „Makroprzestrzeń” Mateusza Lenarta, „Chcemy Żoliborza od morza do morza” Łukasza Rudnickiego, oraz „Warszawa” Karola Radziszewskiego.

47

Robert Maciejuk (ur. 1965)

Good Place, 2003 r. ołówek/papier, 49 x 49 cm (w świetle passe-partout) sygnowany p.d.: ‘R. Maciejuk 2003’

estymacja 3 000 - 5 000 PLN 800 - 1 200 EUR

Robert Maciejuk sięga w swoim malarstwie do zapamiętanych z dzieciństwa bajkowych motywów. To co w bajkowych sceneriach było tłem, w obrazach wysuwa się na pierwszy plan. Sztuczna naturalność filmowych rekwizytów nabiera cech całkiem już naturalnej sztuczności malarskich motywów.

Przewrotnie przetworzone obrazki pochodzące z kultury popularnej odtwarzane są zgodnie z prawidłami malarskich tradycji. Ujęte w kształt tonda lub owalu, odmalowane pointylistyczną techniką w przyblakłej, jakby za sprawą czasu, kolorystyce poruszają i niepokoją.

Artysta mieszka i pracuje w Warszawie. W latach 1985-90 studiował malarstwo na warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych pod kierunkiem prof. Stefana Gierowskiego i prof. Ryszarda Winiarskiego. Od 1991 roku pracował przez pięć lat jako asystent na macierzystej uczelni.

W 2011 otrzymał Nagrodę im. Jana Cybisa, przyznawaną przez Okręg Warszawski ZPAP. W swojej twórczości Maciejuk przenosi postaci bajkowe, wyjmuje je z pierwotnego kontekstu i nadaje im nowe znaczenie.

48

Agata Bogacka (ur. 1976)

Bez tytułu, ed. 23/30, 2002 r. druk, folia, drut/papier, 29,5 x 21 cm (x2) sygnowany, datowany i numer edycji na odwrociu: ‘AGATA BOGACKA | 2002 | 23/30’

estymacja 3 500 - 5 000 PLN 900 - 1 200 EUR

Agata Bogacka jest przede wszystkim malarką, ale zajmuje się również rysunkiem i fotografią. Podmiotem lirycznym jej obrazów jest artystka – młoda kobieta przyglądająca się wnikliwie samej sobie, ale również nawiązująca relacje i związki z innymi osobami. Bogacka stworzyła jedną z najbardziej wyrazistych i autentycznych wizji życia intymnego we współczesnej sztuce polskiej. Ponieważ najczęściej maluje kobiety, w trudnych, uważanych za wstydliwe sytuacjach, uznawana jest za artystkę feministyczną. Na prezentowanej w warszawskim CSW wystawie „Ja krwawię” (2003) pokazała siebie obserwującą w lustrze swoją waginę, liżącą swoje odbicie, kapiącą spomiędzy ud krew.

Na początku lat 2000 Agata Bogacka zasłynęła serią autobiograficznych obrazów w bardzo bezpośredni sposób mówiących o jej intymnym życiu.

Szybko jej twórczość stała się niejako głosem całego pokolenia kobiet nie wahających się w otwarty sposób dyskutować o swoim miejscu w społeczeństwie. Obok tematyki znakiem rozpoznawczym sztuki Bogackiej był charakterystyczny styl malowania; mocny, graficzny kontur, ograniczona paleta, płaskie plamy koloru. Jej prace oglądać było można m.in. w Zachęcie Narodowej Galerii Sztuki w Warszawie, Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie, Galerii Raster w Warszawie czy w Galerii Arsenał w Białymstoku.

49

Maurycy Gomulicki (ur. 1969)

Queenie (Red), unikat, 2017 r. toczone aluminium, chrom, lakier, 40 x 10 x 10 cm sygnowany, datowany i opisany na spodzie: ‘QUEENIE | (RED) | UNIKAT | [sygnatura] | 2017’

estymacja 20 000 - 30 000 PLN 4 700 - 7 100 EUR

Poszukiwania twórcze Maurycego Gomulickiego oscylują wokół ikonosfery kultury popularnej, seksualności i cielesności. Artysta działa na styku wielu dyscyplin: projektowania, fotografii, realizacji obiektów, instalacji w przestrzeni publicznej i krótkich form filmowych.

Z proklamowanego hedonizmu i propagowania „kultury rozkoszy” uczynił jeden z głównych obszarów teoretycznej podstawy swojej sztuki. Gomulicki tworzy nowe konteksty dla zastanych przedmiotów, przenosząc je w inne obszary kulturowe, a jego twórczość charakteryzuje

nieskrępowany erotyzm, radość, żart oraz ciągłe redefiniowanie względnego pojęcia piękna. Prezentowany obiekt jest unikatową wersją królówki – najsilniejszej figury w szachach. Artysta stworzył pięć takich rzeźb, każdą w innym kolorze. Maurycy Gomulicki jest autorem wielu wystaw w kraju i za granicą. Aktualnie w warszawskiej Zachęcie – Narodowej Galerii Sztuki można oglądać fotografie, nad którymi artysta pracował od 10 lat. Wystawa zatytułowana „Dziary” otwarta jest dla publiczności do 28 października 2018.

Roman Kramsztyk, Akt z wachlarzem

Sztuka Dawna XIX wiek • Modernizm • Międzywojnie Aukcja 18 października 2018, godz. 19 Wystawa obiektów: 8 – 18 października 2018

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1A,Warszawa, tel. 22 163 66 00, www.desa.pl

Jan Lebenstein, Figure Axial No. 64, 1960 r.

Sztuka Współczesna Klasycy awangardy po 1945 Aukcja 11 października 2018, godz. 19 Wystawa obiektów: 28 września – 11 października 2018

Dom Aukcyjny Desa Unicum, ul. Piękna 1A,Warszawa, tel. 22 163 66 00, www.desa.pl

Przyjmujemy obiekty na nadchodzące aukcje

SZTUKA DAWNA

Prace na Papierze: 13 LISTOPADA 2018 Termin przyjmowania obiektów: do 5 PAŹDZIERNIKA 2018

kontakt: Tomasz Dziewicki t.dziewicki@desa.pl, 735 298 999

Grafika Artystyczna: 7 LUTEGO 2019 Termin przyjmowania obiektów: do 4 STYCZNIA 2019

kontakt: Karolina Łuźniak-Marchlewska k.luzniak@desa.pl, 795 122 718

XIX wiek, modernizm, międzywojnie: 13 GRUDNIA 2018 Termin przyjmowania obiektów: do 8 LISTOPADA 2018

kontakt: Marek Wasilewicz m.wasielewicz@desa.pl, 795 122 702

Polonica, Militaria, Batalistyka: 8 LISTOPADA 2018 Termin przyjmowania obiektów: do 5 października 2018 kontakt: Magdalena Kuś m.kus@desa.pl, 795 122 718

Terminy nadchodzÄ…cych aukcji: www.desa.pl

Przyjmujemy obiekty na nadchodzące aukcje

SZTUKA WSPÓŁCZESNA

Prace na Papierze: 27 LISTOPADA 2018 Termin przyjmowania obiektów: do 19 PAŹDZIERNIKA 2018

kontakt: Barbara Rybnikow b.rybnikow@desa.pl, 664 150 862

Nowe pokolenie po 1989: 22 listopada 2018 Termin przyjmowania obiektów: 15 PAŹDZIERNIKA 2018

kontakt: Artur Dumanowski a.dumanowski@desa.pl, 795 122 725

Klasycy awangardy po 1945: 6 grudnia 2018 Termin przyjmowania obiektów: 30 PAŹDZIERNIKA 2018 kontakt: Anna Szynkarczuk a.szynkarczuk@desa.pl, 664 150 866

Fotografia Kolekcjonerska: 15 LISTOPADA 2018 Termin przyjmowania obiektów: do 12 października 2018 kontakt: Katarzyna Żebrowska k.zebrowska@desa.pl, 539 546 701

Terminy nadchodzÄ…cych aukcji: www.desa.pl

Udział klienta w aukcji regulują WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ, WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI oraz niniejszy PRZEWODNIK DLA KLIENTA. Zachęcamy do zapoznania się z trzyczęściowym regulaminem, który ma na celu przedstawienie stosunku prawnego pomiędzy Domem Aukcyjnym DESA Unicum a kupującym w ramach aukcji. DESA Unicum pełni funkcję pośrednika handlowego pomiędzy komitentami wstawiającymi obiekty na aukcję a kupującymi. Warunki mogą być przez DESA Unicum odwołane lub zmienione poprzez aneksy dostępne w sali aukcyjnej lub poprzez obwieszczenie aukcjonera.

PRZEWODNIK DLA KLIENTA I. PRZED AUKCJĄ 1. Cena wywoławcza Cena wywoławcza jest kwotą, od której aukcjoner rozpoczyna licytację. Zwyczajowo cena wywoławcza zawarta jest miedzy połową a trzy czwarte dolnej granicy estymacji. Cena wywoławcza może być podana w katalogu.

2. Opłata aukcyjna Do kwoty wylicytowanej doliczamy opłatę aukcyjną. Stanowi ona część końcowej ceny obiektu i wynosi 18%. Opłata aukcyjna obowiązuje również w sprzedaży poaukcyjnej, w przypadku kiedy obiekt nie został sprzedany w ramach aukcji. Kwota wylicytowana wraz z opłatą aukcyjną zawiera podatek od towarów i usług VAT. Na zakupione obiekty wystawiamy faktury VAT marża. Wystawiamy je na wyraźne życzenie klienta, najpóźniej siedem dni od daty zapłaty.

3. Estymacja Podana w katalogu estymacja jest szacunkową wartością obiektu i ma charakter wskazówki dla zainteresowanego nim klienta. W celu uzyskania dodatkowych informacji odnośnie estymacji rekomendujemy kontakt z naszymi doradcami. Licytacja zakończona w przedziale estymacji lub powyżej górnej granicy estymacji jest transakcją ostateczną.

Estymacje nie uwzględniają opłaty aukcyjnej ani żadnych opłat dodatkowych.

4. Estymacje w walutach innych niż polski złoty Transakcje aukcyjne zawierane są w polskich złotych, jednakże estymacje w katalogu aukcyjnym mogą być podawane w euro lub dolarach amerykańskich. Kurs walut w dniu aukcji może się różnić od tego w dniu druku katalogu, informacja ta ma więc charakter orientacyjny.

5. Cena gwarancyjna Jest to najniższa kwota, za którą możemy sprzedać obiekt bez dodatkowej zgody sprzedającego. Jest równa bądź niższa niż dolna granica estymacji. Poszczególne obiekty mogą, jednak nie muszą posiadać ceny gwarancyjnej. Jeżeli w drodze licytacji cena gwarancyjna nie zostanie osiągnięta, zakończenie licytacji skutkuje odczytaniem przez aukcjonera słowa pass. Oznacza to, że transakcja nie została zawarta. Fakt ten zostaje ogłoszony bez uderzenia młotkiem. Opcjonalnie jeżeli transakcja nie osiągnie ceny gwarancyjnej aukcjoner może ogłosić zawarcie transakcji warunkowej. Fakt ten zostaje ogłoszony po uderzeniu młotkiem.

6. Pass Pass zostaje odczytany przez aukcjonera w momencie kiedy licytacja danego obiektu nie osiągnęła poziomu ceny gwarancyjnej i nie dochodzi do zwarcia transakcji w ramach aukcji. Klienci zainteresowani takim obiektem mogą zgłaszać oferty zakupu po zakończeniu aukcji. Dom Aukcyjny zastrzega sobie prawo przyjęcia więcej niż jednej oferty poaukcyjnej Klient, który złożył ofertę w wysokości ceny gwarancyjnej ma pierwszeństwo zakupu.

Dom Aukcyjny zastrzega sobie również prawo do nieoferowania obiektów w sprzedaży poaukcyjnej.

6. Transakcja warunkowa Możliwość zawierania transakcji warunkowych w ramach aukcji musi być ogłoszona przez aukcjonera przed rozpoczęciem aukcji. Tego typu transakcja zostaje zawarta w momencie, kiedy licytacja nie osiągnęła poziomu ceny gwarancyjnej i aukcjoner ogłosił taki fakt po uderzeniu młotkiem. Transakcja warunkowa traktowana jest jako wiążąca oferta nabycia obiektu po cenie wylicytowanej. Zobowiązujemy się do negocjacji ceny z komitentem, jednak nie gwarantujemy możliwości zakupu po cenie wylicytowanej. Jeżeli w toku negocjacji klient zdecyduje się podnieść ofertę do poziomu ceny gwarancyjnej lub zaakceptujemy wylicytowaną kwotę, umowa sprzedaży dochodzi do skutku. Jeżeli negocjacje nie przyniosą pozytywnego efektu w okresie pięciu dni roboczych liczonych od dnia aukcji, obiekt uznajemy za niesprzedany. W okresie tym zastrzegamy sobie prawo do przyjmowania po aukcji ofert równych cenie gwarancyjnej na obiekty wylicytowane warunkowo. W przypadku otrzymania takiej oferty od innego oferenta informujemy o tym fakcie klienta, który wylicytował obiekt warunkowo. W takim przypadku klient ma prawo do podniesienia swojej oferty do ceny gwarancyjnej i wtedy przysługuje mu prawo pierwszeństwa nabycia obiektu. W przeciwnym wypadku transakcja warunkowa nie dochodzi do skutku, a obiekt może zostać sprzedany innemu oferentowi.

7. Obiekty katalogowe Zapewniamy fachową wycenę oraz rzetelny opis katalogowy powierzonego nam do sprzedaży obiektu. Wykonywane są one w najlepszej wierze z wykorzystaniem doświadczenia i fachowej wiedzy naszych pracowników oraz współpracujących z nami ekspertów.

Mimo uwagi poświęcanej każdemu z obiektów w procesie opracowywania, dokumentacji pochodzenia, historii wystaw i bibliografii przedstawione informacje mogą nie być wy-

czerpujące, a w niektórych przypadkach pewne fakty odnoszące się do kolejnych właścicieli, ekspozycji oraz publikacji, w ramach których obiekt był prezentowany, mogą być celowo nieujawnione.

8. Stan obiektu Opisy katalogowe nie prezentują pełnego stanu zachowania obiektów. Brak takiej informacji nie jest równoznaczny z tym, że obiekt jest wolny od wad i uszkodzeń. Wskazane jest zatem, aby zainteresowani zakupem konkretnego obiektu dokonali jego dokładnych oględzin na wystawie przedaukcyjnej oraz przeprowadzili konsultacje z profesjonalnym konserwatorem, którego na wyraźną prośbę możemy rekomendować. Na specjalne życzenie klienta możemy dostarczyć szczegółowy raport stanu zachowania obiektu. Przygotowując taki raport, nasi pracownicy oceniają stan obiektu, biorąc jego szacunkową wartość oraz charakter aukcji, w ramach której jest on wystawiony na sprzedaż. Mimo że oceny przedmiotów pod tym względem prowadzone są rzetelnie, należy pamiętać, że nasi pracownicy nie są zawodowymi konserwatorami. Jeśli obiekt sprzedawany jest w ramie, nie ponosimy odpowiedzialności za jej stan. W przypadku obiektów nieoprawionych chętnie polecimy profesjonalną pracownię opraw.

9. Wystawa obiektów aukcyjnych Wystawy przedaukcyjne są bezpłatnie dostępne dla oglądających. W trakcie ich trwania zachęcamy do kontaktu z naszymi ekspertami, którzy chętnie odpowiedzą na wszystkie pytania i przekażą szczegółowe informacje o poszczególnych obiektach.

10. Legenda Poniższa legenda wyjaśnia symbole, które mogą Państwo znaleźć w niniejszym katalogu: - obiekty bez ceny gwarancyjnej - obiekty, do których doliczamy opłatę wynikającą z tzw. droit de suite, tj. prawa twórcy i jego spadkobierców do otrzymywania wynagrodzenia z tytułu dokonanych zawodowo odsprzedaży oryginalnych egzemplarzy dzieł. Powyższa opłata jest obliczana według poniższych stawek: 1) 5% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale do równowartości 50 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 2 000 euro, opłata 100 euro) oraz 2) 3% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 50 000,01 euro do równowartości 200 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 80 000 euro, opłata 3 400 euro) oraz 3) 1% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 200 000,01 euro do równowartości 350 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 300 tys. euro, opłata 8 000 euro) oraz 4) 0,5% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale od równowartości 350 000,01 euro do równowartości 500 000 euro (np. dla kwoty wylicytowanej 400 tys. euro, opłata 8 750 euro) oraz 5) 0,25% kwoty wylicytowanej, jeżeli ta część jest zawarta w przedziale przekraczającym równowartość 500 000 euro – jednak w kwocie nie wyższej niż równowartość 12 500 euro.

W Polsce droit de suite reguluje art. 19-195 ustawy o prawach autorskich i pokrewnych z dnia 4 lutego 1994 r. z późniejszymi zmianami, zgodnie z obowiązującą w Unii Europejskiej dyrektywą 2001/84/WE Parlamentu Europejskiego i Rady z dnia 27 września 2001 r. w sprawie prawa autora do wynagrodzenia z tytułu odsprzedaży oryginalnego egzemplarza dzieła sztuki. Opłata obliczana będzie z użyciem kursu dziennego NBP z dnia poprzedzającego aukcję. Opłata obliczana będzie, gdy równowartość kwoty wylicytowanej przekroczy 100 EUR. - obiekty sprowadzane z państw spoza Unii Europejskiej, do których ceny doliczamy podatek graniczny w wysokości 8% kwoty wylicytowanej - przedmioty wytworzone w całości lub zawierające elementy wytworzone z roślin lub zwierząt określanych jako chronione lub zagrożone ◊ - obiekty z pozwoleniem na wywóz 11. Prenumerata katalogów W sprawie prenumeraty katalogów prosimy o kontakt pod numerem telefonu: 22 163 66 00 lub drogą mailową na adres: prenumerata@desa.pl. Katalogi dostępne są również na naszej stronie internetowej www.desa.pl. Zachęcamy do pobierania darmowych katalogów w formacie PDF.

II. AUKCJA Udział w licytacji można wziąć osobiście, po uprzednim złożeniu zlecenia licytacji telefonicznej lub zlecenia licytacji z limitem.

1. Przebieg aukcji Aukcję prowadzi aukcjoner, który wyczytuje obiekty i kolejne postąpienia, wskazuje licytujących, ogłasza zakończenie licytacji oraz wskazuje zwycięzcę. Zakończenie licytacji obiektu następuje w momencie uderzenia młotkiem przez aukcjonera. Jest to równoznaczne

z zawarciem umowy sprzedaży między domem aukcyjnym a licytującym, który zaoferował najwyższą kwotę. W razie zaistnienia sporu w trakcie licytacji aukcjoner rozstrzyga spór albo ponownie przeprowadza licytację danego obiektu. Zastrzegamy sobie prawo do utrwalania przebiegu aukcji za pomocą urządzeń rejestrujących obraz i dźwięk. Zastrzegamy sobie prawo do licytowania jedynie wcześniej zgłoszonych przez uczestników aukcji obiektów. W takiej sytuacji numery obiektów są przed aukcją zgłaszane obsłudze domu aukcyjnego. Aukcjoner ma prawo do dowolnego rozdzielania lub łączenia obiektów oraz do ich wycofania z licytacji bez podania przyczyn. Opisy zawarte w katalogu aukcji mogą być uzupełnione lub zmienione przez aukcjonera lub osobę przez niego wskazaną przed rozpoczęciem licytacji. Aukcja jest prowadzona w języku polskim, jednak na specjalne życzenie uczestnika aukcji niektóre spośród licytacji mogą być równolegle prowadzone w językach angielskim i niemieckim. Prośby takie powinny być składane najpóźniej godzinę przed aukcją wraz z informacją, których obiektów dotyczą. Licytacja odbywa się w tempie 60-100 obiektów na godzinę.

2. Licytacja osobista W celu licytacji osobistej należy wypełnić formularz udziału w aukcji i odebrać tabliczkę z numerem. Nowi klienci powinni zarejestrować się przynajmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji, by dać nam czas na przetworzenie danych. W celu ich weryfikacji możemy poprosić o dokument potwierdzający tożsamość osoby rejestrowanej (dowód osobisty, paszport, prawo jazdy). Dane osobowe klientów są informacjami poufnymi i pozostają do wyłącznej wiadomości DESA Unicum i spółek powiązanych, które mogą przetwarzać dane osobowe uczestników aukcji w zakresie niezbędnym do realizacji zleceń licytacji. Klientom, którzy posiadają nieuregulowane należności z tytułu zakupów na wcześniejszych aukcjach, możemy odmówić udziału w kolejnej. Prosimy o pilnowanie lizaka aukcyjnego. W przypadku jego zgubienia prosimy o natychmiastowe poinformowanie o tym naszej obsługi. Po zakończeniu aukcji należy zwrócić tabliczkę z numerem w punkcie rejestracji, a w przypadku zakupu należy odebrać potwierdzenie zawartych transakcji.

3. Licytacja telefoniczna Jeżeli nie mogą Państwo uczestniczyć w aukcji osobiście, istnieje możliwość licytacji przez telefon za pośrednictwem jednego z naszych pracowników. Klienci zainteresowani taką usługą powinni przesłać wypełniony formularz zlecenia najpóźniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Nie ponosimy odpowiedzialności za realizację zleceń dostarczonych później. Formularz zlecenia dostępny jest na ostatnich stronach katalogu, w siedzibie naszego domu aukcyjnego oraz na naszej stronie internetowej. Formularz należy przesłać faksem, pocztą, mailem lub dostarczyć osobiście. Wraz z formularzem prosimy o przesłanie fotokopii dokumentu tożsamości w celu weryfikacji danych. Nasz pracownik połączy się z klientem przed rozpoczęciem licytacji wybranych obiektów. Nie ponosimy jednak odpowiedzialności za brak możliwości wzięcia udziału w licytacji telefonicznej w przypadku problemów z uzyskaniem połączenia z podanym przez klienta numerem telefonu. Dlatego rekomendujemy wskazanie maksymalnej kwoty (bez opłaty aukcyjnej), do której będziemy mogli licytować w Państwa imieniu. Zastrzegamy prawo do nagrywania i archiwizowania rozmów telefonicznych, o których mowa powyżej. Opisana usługa jest darmowa i poufna.

4. Licytacja w imieniu klienta Drugą opcją dla klientów, którzy nie mogą osobiście uczestniczyć w aukcji, jest złożenie zlecenia licytacji z limitem. Klienci zainteresowani taką usługą również powinni przesłać wypełniony formularz najpóźniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Obowiązuje ten sam formularz co w przypadku licytacji telefonicznej. Zawarte w formularzu kwoty nie powinny uwzględniać opłaty aukcyjnej i opłat dodatkowych, powinny być wyrażone w polskich złotych oraz zgodne z tabelą postąpień przedstawioną w dalszej części przewodnika. Jeżeli podana kwota nie jest zgodna z kwotami w tabeli postąpień zostanie ona obniżona. Nasi pracownicy dołożą wszelkich starań, aby klient zakupił wybrany obiekt w możliwie jak najniższej cenie, nie niższej jednak niż cena gwarancyjna. Jeżeli limit jest niższy niż cen gwarancyjna w wypadku niesprzedania obiektu w czasie aukcji limit rozpatrywany jest jako oferta poaukcyjna. Opcjonalnie może dojść do zawarcia transakcji warunkowej. W przypadku dwóch lub większej ilości zleceń z takim samym limitem decyduje kolejność zgłoszeń. Opisana usługa jest darmowa i poufna.

5. Tabela postąpień Licytacja rozpoczyna się od ceny wywoławczej. Aukcjoner kolejne postąpienia podaje według tabeli postąpień. W zależności od przebiegu aukcji może on wedle własnego uznania zdecydować o innej wysokości postąpienia.

cena

postąpienie

0 – 2 000

100

2 000 – 3 000

200

3 000 – 5 000

200/500/800 (np. 3 200, 3 500, 3 800)

5 000 – 10 000

500

10 000 – 20 000

1 000

20 000 – 30 000

2 000

30 000 – 50 000

2000/5000/8000 (np. 32 000, 35 000, 38 000)

50 000 – 100 000

5 000

100 000 – 300 000

10 000

300 000 – 500 000

20 000

powyżej 500 000

wg uznania aukcjonera

III. PO AUKCJI 1. Płatność Kupujący zobowiązany jest do zapłaty należności za wylicytowane obiekty w terminie 10 dni od dnia aukcji. Przekroczenie wyznaczonego terminu grozi naliczeniem odsetek ustawowych za okres opóźnienia w zapłacie. Akceptujemy płatność w gotówce, kartami płatniczymi (MasterCard, VISA) oraz przelewem bankowym na konto: mBank S.A. 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002, Swift: BREXPLPWWA3.

W tytule prosimy wpisać nazwę aukcji, datę aukcji oraz numer obiektu.

2. Płatność w walutach innych niż polski złoty Wszystkie transakcje zawierane są w polskich złotych. Na specjalne życzenie po wcześniejszym uzgodnieniu dopuszczamy wpłaty w euro, dolarach amerykańskich lub funtach brytyjskich. Wartość transakcji opłacanej w innej walucie niż polski złoty będzie powiększona o opłatę manipulacyjną w wysokości 1%. Przeliczenia dokonujemy po dziennym kursie kupna waluty mBank S.A. 3. Odstąpienie od umowy W razie opóźnienia nabywcy w zapłacie możemy odstąpić od umowy z nabywcą po bezskutecznym upływie terminu dodatkowego wyznaczonego na zapłatę.

4. Reklamacje Wszelkie możliwe reklamacje rozpatrywane są zgodnie z przepisami prawa polskiego. Reklamację z tytułu niezgodności towaru z umową można zgłosić w ciągu jednego roku od wydania obiektu. Wobec osób niebędących bezpośrednimi nabywcami na aukcji nie ponosimy odpowiedzialności za ukryte wady fizyczne oraz wady prawne zakupionych obiektów.

5. Odbiór zakupionego obiektu Przy odbiorze zakupionych obiektów wymagamy okazania dokumentu potwierdzającego tożsamość. Obiekty mogą zostać wydane nabywcy lub osobie posiadającej pisemne upoważnienie. Może to nastąpić tylko w momencie pełnej płatności i uregulowania wszystkich zobowiązań wynikających z wcześniejszych zakupów.

Zakupione obiekty na aukcji powinny być odebrane w ciągu 30 dni od aukcji. W przeciwnym razie mogą one zostać odesłane do magazynu zewnętrznego, a klient obciążony kosztami transportu oraz magazynowania. Wielkość opłat będzie uzależniona od operatora magazynu oraz rodzaju i wielkości obiektu. Tym samym ponosimy odpowiedzialność za utratę lub uszkodzenie obiektu jedynie przez okres 30 dni od aukcji.

6. Transport i przesyłka Zapewniamy podstawowe opakowanie zakupionych obiektów umożliwiające odbiór osobisty. Na wyraźne życzenie klienta możemy pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się pakowaniem i wysyłką dzieł sztuki.

7. Pozwolenie na eksport Przed wzięciem udziału w aukcji potencjalnym licytującym radzimy, aby zorientowali się czy w razie potrzeby wywozu obiektu poza granice Polski nie są wymagane dodatkowe pozwolenia. Przypominamy, że reguluje to ustawa z dnia 23 lipca 2003 r. o ochronie zabytków i opiece nad zabytkami (Dz. U. nr 162 poz. 1568, z późn. zm.), zgodnie z którą wywóz określonych obiektów poza granice kraju wymaga zgody odpowiednich władz; w szczególności dotyczy to obrazów starszych niż 50 lat o wartości powyżej 40 000 złotych. Nabywca jest zobowiązany do przestrzegania przepisów w tym zakresie, a niemożliwość uzyskania odpowiednich dokumentów lub opóźnienie w ich uzyskaniu nie uzasadniają odstąpienia od sprzedaży ani opóźnienia w uiszczeniu pełnej ceny nabycia za obiekt. Na wyraźne życzenie klienta możemy pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się sprawami formalnymi związanymi z eksportem dzieł sztuki.

8. Zagrożone gatunki Przedmioty zrobione z materiału roślinnego lub zwierzęcego albo zawierające je, m.in. koralowiec, skóra krokodyla, kość słoniowa, kość wieloryba, róg nosorożca, skorupa żółwia, niezależnie od wieku, procentu zawartości, mogą wymagać dodatkowych pozwoleń lub certyfikatów przed wywozem. Prosimy pamiętać, że uzyskanie dokumentów umożliwiających eksport nie jest równoznaczne z możliwością importu do innego państwa. Nabywca jest zobowiązany do przestrzegania przepisów w tym zakresie, a niemożliwość uzyskania odpowiednich dokumentów lub opóźnienie w ich uzyskaniu nie uzasadniają odstąpienia od sprzedaży ani opóźnienia w uiszczeniu pełnej ceny nabycia za obiekt. Obiekty tego typu zostały oznaczone dla Państwa wygody symbolem „ ” opisanym w legendzie. Nie ponosimy jednak odpowiedzialności za błędy lub uchybienia w oznaczeniu przedmiotów zawierających elementy wytworzone z chronionych lub regulowanych prawem gatunków roślin i zwierząt.

WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI przedstawione poniżej określają prawa i obowiązki licytujących i kupujących z jednej strony oraz Domu Aukcyjnego DESA Unicum i komitentów z drugiej. Wszyscy potencjalni kupujący na aukcji powinni dokładnie przeczytać WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI, zanim przystąpią do licytacji..

WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ 1. WPROWADZENIE

4. PRZEBIEG AUKCJI

Każdy obiekt zaprezentowany w katalogu aukcyjnym przeznaczony jest do sprzedaży na warunkach określonych: a) w WARUNKACH SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i WARUNKACH POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI, b) w innych informacjach podanych w pozostałych częściach katalogu aukcyjnego, szczególności w PRZEWODNIKU DLA KLIENTA, c) w dodatkach do katalogu aukcyjnego lub innych materiałach udostępnionych przez DESA Unicum na sali aukcyjnej. W każdym przypadku zmiana warunków może nastąpić poprzez stosowny aneks bądź ogłoszenie podane do wiadomości przez aukcjonera przed rozpoczęciem aukcji. Poprzez licytację na aukcji, niezależnie czy osobistą, czy za pośrednictwem przedstawiciela, czy też na podstawie złożonego zlecenia licytacji telefonicznej lub z limitem, licytujący i kupujący wyrażają zgodę na brzmienie niniejszych WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ ze zmianami i uzupełnieniami oraz WARUNKÓW

1) O ile nie zastrzeżono inaczej poprzez symbol, każdy obiekt oferowany jest z zastrzeżeniem ceny gwarancyjnej, która jest poufną minimalną ceną sprzedaży uzgodnioną między DESA Unicum i komitentem. Cena gwarancyjna nie może przekroczyć dolnej granicy estymacji.

2) Aukcjoner może w każdym momencie aukcji wycofać którykolwiek obiekt, ponownie zaoferować przedmiot do sprzedaży (również bezpośrednio po uderzeniu młotkiem) w razie zaistnienia błędu bądź sporu co do wyniku licytacji. W powyższym przypadku aukcjoner może podjąć wszelkie działania, które uzna za stosowne i racjonalne. Jeżeli jakikolwiek spór co do wyniku licytacji powstanie po aukcji, wynik sprzedaży w ramach aukcji uznaje się za ostateczny.

3) Aukcjoner rozpoczyna licytację i decyduje o wysokości kolejnych postąpień. W celu osiągnięcia ceny gwarancyjnej obiektu aukcjoner i pracownicy DESA Unicum mogą składać w toku licytacji oferty w imieniu komitenta bez wskazania, że czynią to w imieniu komitenta, bądź to przez składanie następujących po sobie ofert licytacyjnych, bądź też oferty w odpowiedzi na oferty składane przez innych oferentów. Jeżeli nie ma żadnych ofert na dany obiekt lub oferty są zbyt niskie aukcjoner może uznać przedmiot za niesprzedany co sygnalizuje terminem pass.

4) Ceny na aukcji podawane są w polskich złotych i w tej walucie powinna być dokonana płatność. W odpowiedzi na potrzeby klientów zagranicznych estymacje w katalogu aukcyjnym mogą być podawane także w euro, funtach brytyjskich i dolarach amerykańskich, odzwierciedlając w przybliżeniu cenę przy obecnym kursie waluty. Stosownie do tego estymacje podawane w euro, funtach brytyjskich i dolarach amerykańskich mają charakter wyłącznie orientacyjny.

5) Licytujący, który zaoferował najwyższą kwotę zaakceptowaną przez aukcjonera, jest zwycięzcą licytacji. Uderzenie młotkiem przez aukcjonera oznacza akceptację najwyższej oferty i zawarcie umowy sprzedaży między DESA Unicum a kupującym. Ryzyko i odpowiedzialność za obiekt przechodzący na własność kupującego opisane zostały w paragrafie 6 poniżej.

6) Każda poaukcyjna sprzedaż obiektów oferowanych na aukcji podlega również WARUNKOM SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ oraz WARUNKOM POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI.

2. DESA UNICUM JAKO POŚREDNIK HANDLOWY 2. DESA UNICUM JAKO POŚREDNIK HANDLOWY DESA Unicum występuje jako zastępca pośredni działający w imieniu własnym, lecz na rachunek komitenta uprawnionego do rozporządzenia obiektem, chyba że inaczej zastrzeżono w katalogu, jego zmianach lub w ogłoszeniach podanych do wiadomości przed aukcją.

3. LICYTOWANIE NA AUKCJI 1) DESA Unicum może według swojego uznania odmówić dopuszczenia niektórych osób do udziału w aukcji lub sprzedaży poaukcyjnej. Wszyscy licytujący muszą zarejestrować się przed aukcją, dostarczyć wymagane informacje przewidziane w formularzu rejestracji, okazać dokument potwierdzający tożsamość oraz odebrać tabliczkę z numerem licytacyjnym.

2) Dla wygody licytujących, którzy nie mogą uczestniczyć w aukcji osobiście, DESA Unicum może zrealizować pisemne zlecenie licytacji. W takim przypadku nieobecni licytujący powinni wypełnić formularz „zlecenie licytacji”, który można znaleźć w katalogu, na stronie internetowej DESA Unicum lub otrzymać w siedzibie DESA Unicum. Kwoty wskazane przez licytującego w zleceniu licytacji nie powinny zawierać opłaty aukcyjnej i opłat dodatkowych, powinny być wyrażone w polskich złotych oraz zgodne z tabelą postąpień. Jeżeli podana kwota nie jest zgodna z kwotami w tabeli postąpień, zostanie ona obniżona. Aukcjoner nie akceptuje zlecenia licytacji, w którym nie ma wskazanej maksymalnej kwoty, do której DESA Unicum może zrealizować zlecenie. DESA Unicum dołoży starań, aby klient zakupił wybrany obiekt w możliwie jak najniższej cenie, nie niższej jednak niż cena gwarancyjna. Jeśli limit podany przez licytującego jest niższy niż cena gwarancyjna, a stanowi jednocześnie najwyższą ofertę, wówczas dochodzi do transakcji warunkowej. W przypadku dwóch lub większej ilości zleceń z takim samym limitem decyduje kolejność zgłoszeń. Wszystkie zlecenia licytacji wraz z fotokopią dokumentu tożsamości umożliwiającym weryfikację danych osobowych powinny być przesłane (pocztą, faxem bądź e-mailem) albo dostarczone osobiście do siedziby DESA Unicum przynajmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Dostarczone później zlecenia mogą nie być zrealizowane.

3) Od osób zainteresowanych licytacją przez telefon wymaga się zgłoszenia chęci licytacji telefonicznej poprzez wypełnienie formularza „zlecenie licytacji”, dostępnego w katalogu, na stronie internetowej DESA Unicum lub w siedzibie DESA Unicum.

Wszystkie zlecenia licytacji powinny być przesłane (pocztą, faxem, mailem) lub dostarczone osobiście do siedziby Desa Unicum przynajmniej 24 godziny przed rozpoczęciem aukcji. Wymaga się również przesłania fotokopii dokumentu tożsamości w celu weryfikacji danych osobowych. Dostarczone później zlecenia mogą nie być zrealizowane. Licytacja telefoniczna może być nagrywana, złożenie zlecenia jest równoznaczne z wyrażeniem zgody na nagrywanie rozmowy telefonicznej. Na wypadek trudności z połączeniem telefonicznym licytujący może określić na zleceniu limit, do którego pracownik domu aukcyjnego będzie licytować pomimo braku połączenia. Jeśli żaden limit nie jest określony na zleceniu, pracownik domu aukcyjnego uznaje w takim wypadku, że klient oferuje przynajmniej cenę wywoławczą.

4) Podczas licytacji, zarówno osobistej, telefonicznej, jak i za pośrednictwem pracownika DESA Unicum, licytujący bierze osobistą odpowiedzialność za zapłatę za wylicytowane obiekty, co opisane jest dokładniej w paragrafie 3 punkcie 5 poniżej, chyba że przed rozpoczęciem aukcji zostało wyraźnie uzgodnione na piśmie z DESA Unicum, że oferent jest pełnomocnikiem zidentyfikowanej osoby trzeciej akceptowalnej przez DESA Unicum.

5) Usługa licytacji na podstawie zlecenia licytacji nie podlega żadnej opłacie. DESA Unicum zobowiązuje się dochować należytej staranności w realizacji zleceń, jednak nie ponosi odpowiedzialności za niezrealizowanie takich ofert, chyba że wina za brak realizacji zlecenia leży wyłącznie po DESA Unicum.

5. CENA NABYCIA I OPŁATA AUKCYJNA 1) Do kwoty wylicytowanej doliczana jest opłata aukcyjna oraz opłaty dodatkowe wynikające z oznaczeń katalogowych obiektu. Opłata aukcyjna stanowi część końcowej ceny obiektu i wynosi 18%. Opłata aukcyjna obowiązuje również w sprzedaży poaukcyjnej.

2) Do kwoty wylicytowanej mogą zostać doliczone inne podatki i opłaty, jeśli w katalogu zaznaczone to zostało odpowiednimi oznaczeniami (patrz: paragraf 1 punkt 10 „Przewodnika dla klienta”: „Legenda”).

3) Jeśli nie uzgodniono inaczej, kupujący jest zobowiązany uiścić należność w terminie 10 dni od daty aukcji, niezależnie od uzyskania pozwolenia na eksport czy innych pozwoleń. Opłaty mają być uiszczone w polskich złotych gotówką, kartą lub przelewem bankowym: a) DESA Unicum akceptuje płatność kartami płatniczymi MasterCard, VISA b) DESA Unicum akceptuje płatność przelewem bankowym na konto mBank S.A.. 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002, Swift: BREXPLPWWA3 W tytule przelewu proszę podać nazwę aukcji, datę aukcji oraz numer obiektu.

4) Własność zakupionego obiektu nie przejdzie na kupującego, dopóki DESA Unicum nie otrzyma pełnej ceny nabycia za obiekt, w tym opłaty aukcyjnej. DESA Unicum nie jest zobowiązana do przekazania obiektu kupującemu do chwili przeniesienia własności obiektu na kupującego. Wcześniejsze przekazanie obiektu kupującemu nie jest równoznaczne z przeniesieniem prawa własności obiektu na kupującego ani zwolnieniem z obowiązku zapłaty przez niego ceny nabycia.

6. ODBIÓR ZAKUPU 1) Odbiór wylicytowanych obiektów jest możliwy po dokonaniu wpłaty pełnej ceny nabycia oraz uregulowaniu innych płatności wobec DESA Unicum i spółek powiązanych. Jak tylko nabywca spełni wszystkie wymagania, powinien skontaktować się ze swoim doradcą klienta DESA Unicum lub z Biurem Obsługi Klienta pod numerem tel. 22 163 66 00, aby umówić się na odbiór obiektu.

2) Kupujący powinien odebrać zakupiony obiekt w terminie 30 dni od daty aukcji. Po tym terminie DESA Unicum przesyła wszystkie wylicytowane obiekty do magazynu zewnętrznego, a kupujący obciążony zostanie kosztami transportu oraz magazynowania. Wielkość opłat będzie uzależniona od operatora magazynu oraz rodzaju i wielkości obiektu. Zaakceptowanie niniejszego regulaminu równoznaczne jest z zaakceptowaniem regulaminu spółki magazynowej. Po upływie 30 dni od daty aukcji na kupującego przechodzi ryzyko utraty i uszkodzenia nieodebranego obiektu, a także ciężary związane z takim obiektem, w tym koszty jego ubezpieczenia. DESA Unicum odpowiada względem kupującego za szkody z tytułu straty lub uszkodzenia obiektu, jednak jedynie do wysokości ceny nabycia obiektu.

3) Dla wygody kupującego DESA Unicum nieodpłatnie zapewnia podstawowe opakowanie obiektu umożliwiające jego odbiór osobisty. Na wyraźne życzenie kupującego DESA Unicum może pomóc w kontakcie z wyspecjalizowaną firmą zajmującą się pakowaniem i wysyłką dzieł sztuki. Każde takie zlecenie odbywa się na odpowiedzialność klienta, DESA Unicum nie bierze odpowiedzialności za nieprawidłowe wykonanie usług przez przewoźników bądź inne osoby trzecie. Jeżeli klient sam wybierze firmę transportową, jej przedstawiciel powinien skontaktować się z DESA Unicum telefonicznie przynajmniej 24 godziny przed planowanym odbiorem obiektu pod numerem telefonu: 22 163 66 20.

4) DESA Unicum będzie wymagała okazania dowodu osobistego przed przekazaniem obiektu nabywcy bądź jego przedstawicielowi, który dodatkowo powinien posiadać pisemne upoważnienie od nabywcy.

3) DESA Unicum nie jest odpowiedzialna za pomyłki słowne czy na piśmie w informacjach podanych klientom oraz nie ponosi odpowiedzialności wobec żadnego licytującego za błędy w trakcie prowadzonej aukcji lub popełnione w innym zakresie związanym ze sprzedażą obiektu.

4) Z zastrzeżeniem punktu 5 w paragrafie 9 DESA Unicum nie bierze odpowiedzialności wobec kupującego za szkody przewyższające cenę nabycia, o której mowa w punkcie 1 paragrafie 9 powyżej, niezależnie czy taka szkoda jest charakteryzowana jako bezpośrednia, pośrednia, szczególna, przypadkowa czy następcza. DESA Unicum nie jest zobowiązana do zapłaty odsetek od ceny zakupu.

5) Żaden przepis w niniejszych WARUNKACH SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ nie wyklucza lub nie ogranicza odpowiedzialności DESA Unicum wobec kupującego, wynikającej z jakiegokolwiek oszustwa bądź świadomego wprowadzenia w błąd, lub z winy umyślnej.

7. BRAK PŁATNOŚCI

10. PRAWA AUTORSKIE

Bez uszczerbku dla innych praw sprzedający, w przypadku gdy nabywca nie uiści pełnej ceny nabycia za obiekt w terminie 10 dni od daty aukcji, DESA Unicum może zastosować jeden lub kilka z poniższych środków prawnych: a) przechować obiekt w siedzibie DESA Unicum lub w innym miejscu na ryzyko i koszt klienta; b) odstąpić od sprzedaży obiektu, zatrzymując dotychczasowe opłaty na poczet pokrycia szkód; c) odrzucić zlecenie nabywcy w przyszłości lub zrealizować takie zlecenie pod warunkiem uiszczenia kaucji; d) naliczać odsetki ustawowe w wysokości 12% w skali roku od dnia wymagalności płatności do dnia zapłaty pełnej ceny nabycia; e) odsprzedać obiekt na aukcji lub prywatnie z estymacjami i ceną minimalną ustaloną przez DESA Unicum. Jeśli obiekt na drugiej aukcji sprzeda się za kwotę niższą niż cena nabycia, na której kupujący wylicytował obiekt, nabywca pozostający w zwłoce będzie zobowiązany do pokrycia różnicy wraz z kosztami przeprowadzenia dodatkowej aukcji; f) wszcząć postępowanie sądowe przeciwko kupującemu w celu odzyskania zaległości; g) potrącić należności nabywcy względem Desa Unicum z wierzytelności wobec tego nabywcy wynikających z innych transakcji; h) podjąć wszelkie inne działania odpowiednie do zaistniałych okoliczności.

1) Sprzedający nie przekazują wraz z obiektem prawa autorskiego ani prawa do reprodukowania obiektu.

2) Prawa autorskie do wszystkich zdjęć, ilustracji i tekstów związanych z obiektem, sporządzonych przez lub dla DESA Unicum, włączając zawartość tego katalogu, stanowią własność DESA Unicum. Nie mogą być one wykorzystane przez kupującego ani inne osoby bez uprzedniej zgody pisemnej DESA Unicum.

8. DANE OSOBOWE KLIENTA W związku ze świadczonymi usługami oraz wymogami prawnymi związanymi z przeprowadzeniem aukcji DESA Unicum może wymagać od klientów podania danych osobowych lub w niektórych przypadkach (np. w celu sprawdzenia wypłacalności, poświadczenia tożsamości klienta lub w celu uniknięcia fałszerstwa) pozyskać dane o kliencie od osób trzecich. DESA Unicum może również wykorzystać dane osobowe dostarczone przez klienta w celach marketingowych, dostarczając materiały o produktach, usługach bądź wydarzeniach organizowanych przez DESA Unicum oraz spółki powiązane. Zgadzając się na WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ i podając dane osobowe, klienci zgadzają się, że DESA Unicum i spółki powiązane mogą wykorzystać te dane do ww. celów. Jeśli klient chciałby uzyskać więcej informacji o polityce prywatności, skorygować swoje dane lub zrezygnować z dalszej korespondencj i marketingowej, prosimy o kontakt pod numerem 22 163 67 00.

9. OGRANICZENIE ODPOWIEDZIALNOŚCI 1) DESA Unicum wyłącza wszelkie gwarancje inne niż WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI w najszerszym zakresie dopuszczonym prawem.

2) Z zastrzeżeniem punktu 5 w paragrafie 9 całkowita odpowiedzialność DESA Unicum będzie ograniczona wyłącznie do ceny nabycia zapłaconej przez kupującego.

11. POSTANOWIENIA OGÓLNE 1) Niniejsze WARUNIKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ wraz późniejszymi zmianami i uzupełnieniami, o których mowa w paragrafie 1 powyżej, oraz WARUNIKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI wyczerpują całość praw i obowiązków pomiędzy stronami w odniesieniu do sprzedaży obiektu.

2) Wszelkie zawiadomienia powinny być kierowane na piśmie na adres DESA Unicum.

Powiadomienia kierowane do klientów będą przesyłane na adres podany w ostatnim piśmie do DESA Unicum.

3) Jeśli jakiekolwiek z postanowień WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ okazałoby się nieważne, bezskuteczne lub niemożliwe do zastosowania, pozostałe postanowienia będą nadal obowiązywać. Brak działania lub opóźnienie w wykonywaniu praw wynikających z WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ nie oznacza zrzeczenia się praw lub zwolnienia z obowiązków ani nie uchyla obowiązywalności całości bądź części z postanowień WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ.

12. PRAWO OBOWIĄZUJĄCE Prawa i obowiązki stron wynikające z niniejszych WARUNKÓW SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ oraz WARUNKÓW POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI, przebieg aukcji i jakiekolwiek sprawy związane z powyższymi postanowieniami podlegają prawu polskiemu.

DESA Unicum w szczególności zwraca uwagę na przepisy: 1) ustawy z dnia 23 lipca 2003 r. o ochronie zabytków i opiece nad zabytkami (Dz. U. Nr 162 poz. 1568, z późn. zm.) – wywóz określonych obiektów poza granice kraju wymaga zgody odpowiednich władz, 2) ustawy z dnia 21 listopada 1996 r. o muzeach (Dz. U. z 1997 r. Nr 5, poz. 24, z późn. zm.) – muzea rejestrowane mają prawo pierwokupu zabytków bezpośrednio na aukcji za kwotę wylicytowaną powiększoną o opłatę aukcyjną, 3) ustawy z dnia 16 listopada 2000 r. o przeciwdziałaniu wprowadzaniu do obrotu finansowego wartości majątkowych pochodzących z nielegalnych lub nieujawnionych źródeł oraz o przeciwdziałaniu finansowaniu terroryzmu (Dz. U. z 2000r. Nr 116, poz.

1216 z późn. zm.) – Dom Aukcyjny jest zobowiązany do zbierania danych osobowych nabywców dokonujących transakcji w kwocie powyżej 15 000 euro.

WARUNKI POTWIERDZENIA AUTENTYCZNOŚCI Przez autentyczność obiektu rozumiemy właściwe podanie autorstwa obiektu i prawidłowe jego datowanie. DESA Unicum udziela gwarancji autentyczności obiektów zaprezentowanych w tym katalogu na okres 5 lat od daty sprzedaży przez DESA Unicum z poniższymi zastrzeżeniami: 1) Desa UNICUM udziela gwarancji autentyczności obiektu jedynie bezpośredniemu nabywcy obiektu (konsumentowi). Powyższa gwarancja nie obejmuje: a) kolejnych właścicieli obiektu, włączając w to osoby, które nabyły od bezpośredniego nabywcy obiekt odpłatnie, w drodze darowizny lub dziedziczenia; b) obiektu, co do którego trwa spór o autorstwo; c) obiektu, którego autorstwo jest jedynie domniemane, co w katalogu i na certyfikacie oznaczone jest następującymi zapisami: brak dat życia po imieniu i nazwisku artysty, nazwisko artysty poprzedzone jedynie inicjałem imienia, znak zapytania w nawiasie lub bez nawiasu („?” lub „(?)”) po nazwisku artysty, przed lub po imieniu i nazwisku artysty określenia: „przypisywany/e/a”, „Attributed” lub skrót „Attrib.”; d) obiektu powstałego w bliżej lub szerzej rozumianym kręgu oddziaływania stylu danego artysty, co w katalogu i na certyfikacie oznaczone jest użyciem przed lub po imieniu i nazwisku artysty jednego z następujących określeń: „krąg”, „szkoła” bądź „naśladowca”;

e) obiektu, którego określenie autorstwa było zgodne z ogólnie przyjętą opinią specjalistów, uczonych i innych ekspertów; f) obiektu, w przypadku którego podana w katalogu roczna data powstania różni się od faktycznej o mniej niż 15 lat; g) obiektu, w przypadku którego w datowaniu pojawiło się prawidłowe określenie stulecia, natomiast nieprawidłowe określenie części tego stulecia (połowy lub ćwierci); h) obiektów z XX w., XIX w. i starszych, w przypadku których faktycznie stwierdzone datowanie różni się w stosunku do podanego w katalogu „na korzyść” obiektu, tj. obiekt okazał się starszy, niż było to podane w opisie; i) obiektu, którego opis i datowanie zostały uznane za niedokładne przy użyciu metod naukowych lub testów, które nie były ogólnie przyjęte w czasie wydawania tego katalogu bądź w tamtym czasie były uznawane za nadmiernie kosztowne lub niewykonalne, albo według wszelkiego prawdopodobieństwa mogłyby spowodować uszkodzenia lub utratę wartości obiektu. DESA Unicum zastrzega iż opis uzupełniający (pochodzenie, historia wystaw, literatura) został wykonany w dobrej wierze i błędy w tym zakresie nie mogą być podstawą do reklamacji. DESA Unicum zastrzega sobie również 5% jako granicę błędu w przypadku podawania poszczególnych wymiarów obiektu.

ZLECENIE LICYTACJI

tel. 22 163 67 00, fax 22 163 67 99 e-mail: zlecenia@desa.pl

Sztuka Współczesna Nowe Pokolenie po 1989 • 560ANS013 • 25 września 2018 r.

Zlecenie licytacji z limitem lub licytacja telefoniczna to proste sposoby wzięcia udziału w aukcji, które nie skutkują żadnymi dodatkowymi kosztami dla Nabywcy.

Zlecenie licytacji z limitem

Zlecenie telefoniczne

Zlecenie musi być dostarczone (osobiście, pocztą, faksem lub e-mailem) do siedziby Domu Aukcyjnego nie później niż 24 godziny przed rozpoczęciem licytacji, w przypadku późniejszego dostarczenia nie gwarantujemy realizacji zlecenia, jednak dołożymy wszelkich starań, aby było to możliwe.

Prosimy czytelnie wypełnić formularz, by uniknąć ewentualnych pomyłek.

Imię i nazwisko

Zlecenie licytacji z limitem Podanie przez Klienta limitu licytacji jest informacją ściśle poufną. Dom Aukcyjny będzie reprezentował w licytacji Nabywcę do podanej kwoty, gwarantując jednocześnie nabycie obiektu za najniższą możliwą kwotę. Dom Aukcyjny nie przyjmuje zleceń bez górnego limitu. W przypadku zaistnienia kilku zleceń w tej samej wysokości Dom Aukcyjny będzie reprezentował Klienta, którego zlecenie zostało złożone najwcześniej. Zgadzam się na jedno postąpienie w górę w przypadku wystąpienia innego zlecenia o tej samej wysokości: Tak

Dowód osobisty (seria i numer) NIP (dla firm)

Adres: ulica nr domu nr mieszkania

Miasto

Kod pocztowy

Tak

Adres e-mail

Nie

Zlecenie telefoniczne W przypadku zlecenia licytacji telefonicznej prosimyo podanie numeru telefonu aktualnego w czasie aukcji. Pracownicy Domu Aukcyjnego połączą się z Państwem chwilę przed rozpoczęciem licytacji wybranych obiektów. Przebieg rozmowy – licytacji telefonicznej może być rejestrowany przez Desa Unicum. Dom Aukcyjny nie ponosi odpowiedzialności za brak możliwości wzięcia udziału w wyniku problemów z uzyskaniem połączenia z podanym numerem. W przypadku problemów z uzyskaniem połączenia zgadzam się na licytację w moim imieniu za kwotę równą cenie wywoławczej:

Nie

Numer telefonu do licytacji Ja niżej podpisany/-a oświadczam, że:

Telefon / faks Przed przyjęciem zlecenia licytacji pracownik Domu Aukcyjnego ma prawo prosić o podanie pełnych danych osobowych oraz o okazanie lub skopiowanie dokumentu potwierdzającego tożsamość osoby rejestrowanej (dowód osobisty, paszport, prawo jazdy; w przypadku zleceń przesyłanych e-mailem, pocztą lub faksem konieczne jest dołączenie kserokopii lub skanu takiego dokumentu). Dane są udostępniane dobrowolnie, jednak ich podanie jest warunkiem koniecznym do wzięcia udziału w licytacji.

Nr kat.

Maksymalna oferowana kwota (bez opłaty aukcyjnej) lub licytacja telefoniczna

Autor, tytuł

Wyrażam zgodę na przetwarzanie moich danych osobowych w celach marketingowych oraz w celu składania ofert, a w szczególności w celu przesyłania na wskazane przeze mnie adresy korespondencyjne materiałów promocyjnych, informacji handlowych o obiektach i usługach świadczonych przez Desa Unicum.

Wyrażam zgodę na używanie telekomunikacyjnych urządzeń końcowych w celu prowadzenia marketingu bezpośredniego przez Desa Unicum.

Wyrażam zgodę na otrzymywanie od Desa Unicum informacji handlowej drogą elektroniczną.

Wyrażam zgodę na przetwarzanie moich danych osobowych w celach marketingu produktów lub usług podmiotów powiązanych kapitałowo z Desa Unicum.

Wyrażam zgodę na otrzymywanie od podmiotów powiązanych kapitałowo z Desa Unicum informacji handlowej drogą elektroniczną.

Należność za zakupiony obiekt Wpłacę na konto bankowe Banku mBank S.A. 27 1140 2062 0000 2380 1100 1002 Wpłacę w kasie firmy (pn.-pt. w godz. 11–19)

Proszę o wystawienie faktury VAT bez podpisu odbiorcy

Skąd dowiedzieli się Państwo o DESA Unicum? z prasy

z mailingu

od rodziny/znajomych

z reklamy internetowej z imiennego zaproszenia

z reklamy zewnętrznej

z radia

inną drogą

Desa Unicum SA, ul. Piękna 1A, 00-477 Warszawa, tel. 22 163 66 00, fax 22 163 67 99, e-mail: biuro@desa.pl, www.desa.pl NIP: 5272644731 REGON: 142733824 Spółka zarejestrowana w Sądzie Rejonowym dla m.st. Warszawy XII Wydział Gospodarczy KRS0000718495.

Wyrażając zgodę na powyższe, oświadczam, że: • Zgadzam się na przetwarzanie moich danych osobowych przez spółkę Desa Unicum S.A. z siedzibą w Warszawie, ul. Piękna 1A w celach powyżej przeze mnie określonych.

• Podanie danych jest dobrowolne. Podstawą przetwarzania danych jest moja zgoda. Odbiorcami danych mogą być Podmioty powiązane kapitałowo z Desa Unicum oraz podmioty świadczące usługi na rzecz Desa Unicum. Mam prawo wycofania zgody w dowolnym momencie.

Dane osobowe będą przetwarzane do odwołania zgody lub przez maksymalny okres 10 lat od dnia zakończenia wykonania umowy lub przez okres określony przez przepisy prawa, które nakładają na Desa Unicum obowiązek przetwarzania moich danych • Mam prawo żądania od administratora dostępu do moich danych osobowych, ich sprostowania, usunięcia lub ograniczenia przetwarzania, a także prawo wniesienia skargi do organu nadzorczego.

• Administratorem danych jest spółka Desa Unicum S.A. z siedzibą w Warszawie, z którą w sprawach dotyczących przetwarzania danych osobowych, mogę się skontaktować dzwoniąc pod numer telefoniczny +48 22 163 66 00 lub poprzez korespondencję elektroniczną pod adresem biuro@desa.pl • Bardziej szczegółowe informacje dotyczące przetwarzania moich danych mogę uzyskać na stronie internetowej www.desa.pl • Zapoznałem/-am się i akceptuję WARUNKI SPRZEDAŻY AUKCYJNEJ I WARUNKI AUTENTYCZNOŚCI Domu Aukcyjnego DESA Unicum opublikowane w katalogu aukcyjnym.

• Zobowiązuję się do zrealizowania zawartych transakcji zgodnie z ninie jszymi WARUNKAMI, w tym do zapłacenia wylicytowanej kwoty powiększonej o opłatę aukcyjną oraz innych opłat, zgodnie z oznaczeniami w katalogu,w szczególności w przypadkach przewidzianych przepisami ustawy o prawie autorskim i prawach pokrewnych, wynagrodzenia z tytułu odsprzedaży oryginalnych egzemplarzy utworu (tzwdroite-de-suite) w terminie 10 dni od daty aukcji.

• Wszelkie dane zawarte w niniejszym formularzu są prawdziwe i zgodne z moją najlepszą wiedzą. W przypadku zatajenia lub podania nieprawdziwych danych DESA Unicum nie ponosi odpowiedzialności.

Data i podpis klienta składającego zlecenie

CENA 39 zł (z 5% VAT)

DESA.PL ul. PIĘKNA 1A

00-477 Warszawa

tel.: 22 163 66 00

email: biuro@desa.pl