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CUERPOS EXILIADOS Lo “propio” y lo “extraño” en la cultura visual contemporánea Autora:

Denica Veselinova Sabeva

Institución de procedencia: Universidad Complutense de Madrid e-mail: denica_sabeva@yahoo.es Tel: 651127716

1. INTRODUCCIÓN: CUERPOS, ALTERIDADES, ARTISTAS El presente artículo trata algunos problemas relacionados con la noción de los “cuerpos extraños” 1 y la identidad escindida, dentro del contexto artístico contemporáneo, reflejo de la actualidad. En nuestra era posmoderna, sentirse “fuera” del “espacio vital” en el que habitan otros, aumenta la sensación de extrañeza, característica de estos tiempos, subrayando las diferencias con los demás. La perspectiva que vamos a presentar se construye a través de un discurso interdisciplinar, empezando por una breve introducción sobre el presente, marcado por la migración, el desarraigo, la anomia y el dolor provocado por la pérdida y el destierro. Vamos a indagar en estos problemas a través del cuerpo humano, influido por el contexto inestable y cambiante, que caracteriza la posmodernidad. En este ensayo nos proponemos aportar una visión personal que reflexiona sobre el cuerpo diferenciado, por razones de color, raza, procedencia, acento, etc. y el rechazo que puede producir por el simple hecho de ser diferente, extranjero, OTRO. 1

Hemos tomado prestado el concepto del “cuerpo extraño”, del libro de Cristóbal Pera “Pensar desde el cuerpo”, en especial del capítulo “Cuerpos extraños: de la extrañeza al rechazo”, en el cual, el autor analiza el cuerpo propio y el cuerpo extraño como construcciones conceptuales que pretenden definir la identidad en el complejo contexto actual. Nos ha parecido la metáfora ideal para profundizar y ampliar en los temas de interés de este artículo, que se inspiran también en la obra de la artista internacional Mona Hatoum – “Corps Étranger”.


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Centramos nuestra mirada sobre determinados artistas nómadas que, sensibles a ésta problemática, plasman en sus creaciones no solo su preocupación por el cuerpo, a veces marginado, vulnerable y sin hogar, pero también aportan en su obra la riqueza que añade un modo de vida errante y una visión cosmopolita. Su tarea artística refleja, las propias experiencias vitales, influidas por el contexto en un mundo globalizado. Nos muestran además las vivencias del resto de migrantes, denunciando el trato que reciben o el sentimiento de desarraigo tan fuerte que pueden llegar a experimentar. Los creadores, objeto de éste estudio, utilizan el cuerpo o su ausencia, como una narrativa, intentando contar una historia a través de él, de manera más comprensible. Explotan sus características gestuales e icónicas, utilizándolo como vehículo artístico y representación conceptual de la identidad deambulante. Estos artistas, construyen relatos mediante significados metafóricos que parten de los problemas “territoriales” o de “desterritorialización”, derivados del exilio. Recrean a través de estrategias representacionales, las dificultades procedentes de ésta situación indeterminada y ardua, donde se acusa fuertemente la falta de hogar, algo que sociólogos como B. Berger llaman homelessness “…no solo hay en la sociedad moderna un número cada vez mayor de individuos desarraigados de su medio social original, sino que, además, ninguno de los sucesivos medios logra tampoco convertirse realmente en “hogar”.” (Berger 1979)

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La presente investigación es un inicio de la tesis doctoral que en la actualidad redactamos, titulada “EL ARTISTA NOMADA: Estrategias representacionales de la identidad, la memoria y el lugar en la cultura visual contemporánea.” empezada al finales de 2008. Tiene un significado personal, ya que las cuestiones que trata están intrínsecamente ligadas a mi experiencia vital, a la doble condición de artista y desplazada.

2. MIGRACIONES

“Mi nombre es Nadie y Nadie me llaman todos…” 2

Berger, Peter; Berger, Brigitte; Kellner, Hansfried (1979) “Un mundo sin hogar. Organización y conciencia” p.175


3 Homero, Odisea.

Antes de aproximarnos al argumento central de este trabajo, es necesario situarse dentro del contexto en el que se están llevando a cabo nuestras reflexiones. El siglo XXI se está caracterizando por grandes migraciones internacionales. Debido a ese hecho en el mundo globalizado actual, coexisten diversas culturas que favorecen una visión pluralista, basada en la diversidad. La cuestión de las migraciones ha adquirido una innegable importancia en la sociedad, donde la pérdida del sentido de pertenencia a un lugar, produce como primera consecuencia un desligamiento con respecto a las propias raíces y orígenes, situándonos en un marco conceptual de confusión y conflicto, afectando y alterando la noción identidad misma de los nómadas modernos voluntarios o exiliados involuntarios. El fenómeno actual en el que nos adentramos recuerda la leyenda de la antigua Grecia, que narra la historia de un héroe, muy humano y frágil. Ulises, el eterno viajero, se puede interpretar como una metáfora de las migraciones del siglo XXI. Joseba Achotegui3 denomina “El síndrome de Ulises”, un problema de salud mental emergente, que estudia - El síndrome del inmigrante con estrés crónico y múltiple - alude a las interminables y peligrosas aventuras del héroe homérico, sufridas lejos de su familia, confrontándolas con las vicisitudes inquietantes vividas por los inmigrantes. La metáfora de Ulises y el viaje de regreso emprendido por él, nos hace pensar en el viaje migratorio del nómada moderno, del exiliado, lleno de dificultades, carencias, miedos, fracaso y soledad. Desolado y apenado, acusando la pérdida de todo lo conocido, el héroe de la guerra de Troya, siente un fuerte extrañamiento que inevitablemente atrae la idea de la situación del desterrado actual. La respuesta de Ulises al preguntarle el Cíclope Polifemo por su nombre: “Mi nombre es Nadie y Nadie me llaman todos…” , a través de nuestra óptica personal, se podría 4

interpretar como la pérdida de la identidad que se produce en el interminable vagabundeo, lejos de la tierra y de la familia. 3

Profesor Titular de la Universidad de Barcelona. Director del SAPPIR (Servicio de Atención Psicopatológica y Psicosocial a Inmigrantes y Refugiados) del Hospital de Sant Pere Claver de Barcelona. Director del Postgrado “Salud mental e intervenciones psicológicas con inmigrantes, refugiados y minorías” de la Universidad de Barcelona. 4 Ulises, Odisea de Homero (Canto IX)


4

El presente trabajo intenta analizar una metáfora similar, llevándola al terreno de lo corporal, estudiando el cuerpo transeúnte. Es ese cuerpo carente de hogar que utilizan los artistas cosmopolitas al crear sus universos imaginarios “extraterritoriales”. Lo sitúan en un estado permanente de tránsito que puede provocar anomia, un concepto que utilizaremos a lo largo del trabajo, tomándolo prestado de la sociología. Lo formula Emilé Durkheim, refiriéndose a una desviación o ruptura de las normas sociales y a la imposibilidad de controlar la sensación de alienación y disyunción. Es una consecuencia del extrañamiento y desorientación, un desgajamiento de la sociedad, como podemos leer en el magnífico análisis de Irene Martínez Sahuquillo5.

3. ATRAÍDOS POR LA LEJANÍA Situándonos dentro del contexto de la posmodernidad, analizaremos parte de la biografía y de la obra de ciertos artistas que podemos llamar ciudadanos del mundo e incluso ver como privilegiados, a pesar de que pertenezcan a un grupo social que acusa especialmente la sensación de anomia, debido a su condición 6. Norbert Bilbeny7 define la situación de estos nómadas culturales como “cosmopolitismo voluntario (…) protagonizado por grupos e individuos privilegiados.”. Sostiene que no toda la gente es cosmopolita, diferenciando entre la gente de la cultura en general y el grupo de los viajeros forzados a desplazarse, desterrados y proscritos, refugiados y toda clase de personas en el exilio (Bilbeny, 2007), a los que también nos vamos a referir más adelante, como parte fundamental del artículo. Ésta vida errante tiene raíces arcaicas, es la tesis que defiende Maffesoli 8, refiriéndose a los cosmopolitas como descendientes directos de los nómadas. La condición itinerante no sólo es un estado muy presente en la actualidad, pero está grabada en la memoria colectiva y es parte de nosotros, de la cultura y de la especie humana, es lo que el autor expone en su libro. “(…) sea cual fuere el nombre que se le dé, la vida errante, el 5

Martínez Sahuquillo, Irene (1998) “Anomia, Extrañamiento y desarraigo en la literatura del siglo XX: Un análisis sociológico”. 6 Ibíd. 7 Bilbeny, Norbert (2007) “La identidad cosmopolita. Los límites del patriotismo en la era global” , p.68 8 Maffesoli, Michel (2004) “El nomadismo; Vagabundeos iniciáticos” México, Fondo de Cultura Económica.


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nomadismo, está inscrito en la naturaleza humana, ya sea ésta individual o social.” (Maffesoli, 2004)9. Yu Fu Tuan10 también define el grupo social de los intelectuales que tratamos, como privilegiados, aunque acentúa las dificultades que exige el camino elegido. Éste arduo recorrido intelectual, según el autor, requiere un doble exilio, no solo en destierro, lejos del hogar, pero también desarraigado del mundo circundante, encerrado en pensamientos, análisis y creación, donde muchas veces se aumenta la sensación de anomia, llevando al creador a un espacio de tránsito, donde todo es efímero y evanescente. El camino emprendido se hace aun más difícil y angustioso por el grande riesgo de fracaso que supone la vida errante e intelectual. A pesar de todas las dificultades, éste destino es elegido voluntariamente, consciente y seguro en el sentido y la dirección creativa, en la trayectoria y en el viaje errante desde el hogar al cosmos11. Pero la condición itinerante del artista no es la misma como la de los inmigrantes desafortunados, privados de libertad y destino. Los artistas que tratamos reflejan en su obra o en determinados casos incluso denuncian esta situación. Es donde tal vez los inmigrantes se pueden sentir identificados y representados.

4. CUERPOS EXILIADOS “En cualquier cultura el cuerpo está íntimamente ligado a lo social, ya que toda práctica social es, de una manera u otra, una experiencia corporal.” (Esteban 2004)

9

Ibid. p. 37 Tuan, Yu Fu “Cosmos y Hogar. Un punto de vista cosmopolita” 11 Ibid., p. 17 10


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Una vez situados en el contexto en el que se centra nuestro interés sobre las migraciones, vamos a adentrarnos más hacia el tema central de este artículo y el motivo del congreso: EL CUERPO. Proponemos relacionar la cultura de mestizaje12 actual y las metáforas del cuerpo “extraño”, foráneo y extranjero, representadas en el arte contemporáneo. Nos interesan las extensiones de la corporeidad, que se establecen a través de alegorías visuales, creando nuevos modelos socioculturales del cuerpo. Ese cuerpo “desplazado” que descubrimos hurgando en la creación artística contemporánea, podemos denominar a veces incluso “cuerpo intruso” o “cuerpo 13

estorbo”. En ocasiones se ve como un peligro que asalta las fronteras del originario, “amenazando” su espacio vital, percibido como propio. Le hace reaccionar contra “lo extraño”, a pesar de que en la sociedad pluralista actual se aboga por una política de integración, basada en un profundo respeto hacía la diversidad. Es lo que sucede en la obra del artista albanes Adrian Paci, que reflexiona sobre el conflicto social provocado por las migraciones, denunciando la situación precaria que vive el inmigrante en exilio, en un estado de tránsito permanente. Las desigualdades socioculturales, forman parte de nosotros y de nuestros cuerpos, alimentando a veces una sensación de rechazo a lo distinto. Estas sensaciones aumentan el síndrome de anomia y el conflicto psicosocial que se provoca, repercutiendo también en el físico. Es muy común en el campo artístico, utilizar el cuerpo como discurso y reflejo de las incertidumbres surgidas de una crisis de la identidad, representarlo como espacio principal de las contradicciones sociales. En el presente escrito nos centramos concretamente sobre las manifestaciones corporales del desarraigo, derivadas de la escisión del sujeto, en un proceso migratorio, pues “(...) el cuerpo es nuestro único medio de contacto físico y material con la realidad. A través de él se proyecta nuestra individualidad y nuestra identidad al exterior. No es de extrañar entonces que la hostilidad que rodea al emigrante y su desarraigo y pérdida de identidad afecten al cuerpo directamente.” (Esteban 2004)14.

12

Todorov, Tzvetan y otros (1988) “Cruce de Culturas y Mestizaje Cultural”. Pera, Cristóbal (2006) “Pensar desde el cuerpo. Ensayo sobre la corporeidad humana”, p. 90 14 Esteban, Mari Luz (2004) “Antropología del cuerpo. Género, itinerarios corporales, identidad y cambio”, p. 20 13


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5. EL ARTE CONTEMPORÁNEO: UNA VISIÓN INTROSPECTIVA SOBRE EL EXTRAÑAMIENTO Y EL DESARRAIGO A TRAVÉS DE LA METÁFORA DEL CUERPO Por medio de estas reflexiones, intentamos relacionar y entender el grado de influencia de las nociones: cuerpo, identidad, memoria y lugar, en la producción artística de varios creadores contemporáneos a través de algunas de sus obras más representativas. Nos centraremos en las estrategias representacionales de algunos artistas nómadas, conscientes de su función pública, tales como Mona Hatoum, Adrian Paci, Ana Mendieta, Chang Zhen y Anawana Haloba. Todos son desplazados forzados o voluntarios, que han adoptado un estilo de vida emocionalmente difícil e inestable, y han hecho el tema del exilio principal en su trabajo. Nos adentraremos en su producción artística, en éste proceso íntimo e individual que al mismo tiempo se inscribe en los movimientos y transformaciones socioculturales del presente. El desarraigo social, una de las preocupaciones comunes en la actualidad, se acusa aun más entre los intelectuales y los artistas por su condición migrante y también profesional, pues “…forman un grupo especialmente móvil geográficamente, lo cual acrecienta su carácter apátrida y la naturaleza nomádica, fronteriza y pluralista de su identidad.” (Martínez, 1998). Los creadores proponen con su obra visiones originales que encarnan las vivencias del destierro, expresando y autoanalizando su propia predestinación porque “No sentirse nativo es, en fin, el destino natural del intelectual y el artista (…) también por las implicaciones psicológicas de su labor.”15 (Martínez 1998). Hemos intentado ofrecer, debido a la brevedad del artículo, un abanico de artistas de diversa procedencia, escogiendo algunos conocidos internacionalmente y otros emergentes, para dar una visión amplia a pesar de ser muy reducida.

5.1 .

15

Martínez Sahuquillo, Irene. Op. cit., pág. 241


8

Una de las artistas que queremos hacer notar en ésta investigación es Mona Hatoum (Beirut, 1952), exiliada de su tierra natal, desplazada en Londres, siempre viajando en un permanente tránsito. Nace en Líbano de familia palestina y es nacionalizada británica. Su vida errante provoca, como ella misma comenta, una fuerte sensación de disyunción que inevitablemente se intercala en su trabajo. Los principales temas que vertebran la obra de Mona Hatoum son el cuerpo, el “hogar”, el sentimiento de extrañamiento debido al desarraigo, etc. A la vez que vierte las propias vivencias y sufrimientos en sus instalaciones, plasma las experiencias colectivas. Los muebles que a menudo utiliza en su trabajo, aluden a la metáfora del cuerpo. Le dan, como explica la artista, el apoyo y la comodidad necesaria en un entorno tan inestable, como el actual. En

su escultura

“Marrow” (1996)

hace

referencia al cuerpo a través de un mueble. Se trata de una cuna infantil derrumbada, carente de su sentido inicial.

Podemos entrever bajo el

simbolismo de su metáfora, un cuerpo fallido y frágil que ha perdido la sustancia y el sustento de 1. “Marrow” 1996

su

corporeidad.

Tal

vez

ampliando

las

interpretaciones, dando nuestra propia visión, podemos incluso reflexionar sobre la vulnerabilidad de ese cuerpo alienado, desubicado en una realidad desconcertante. La cuna infantil, hecha de goma de color carnoso, desprovista de la médula, de la base y de la estabilidad que se le presupone, yace en el suelo, con una clara referencia a la infancia, a los recuerdos y al pasado, desplomado en una vivencia de desamparo y destierro. Mona Hatoum habla del cuerpo a la vez que habla de la vida domestica, introduciendo todo en un universo extraño y alienado, casi fantasmagórico, donde los objetos cotidianos y los elementos hogareños de tamaños angustiosos, cobran otro sentido, y se transforman. En muchas de sus obras se pueden ver utensilios de cocina, alfombras o piezas de mobiliario manipulados, convertidos en objetos insólitos, frágiles o macabros, a veces incluso amenazadores, desproporcionados… Éstos elementos, como dice Mona Hatoum en una entrevista con Jo Glencross (Londres 1999), “componen los verdaderos hogares familiares”, le hacen por tanto reflexionar sobre “lo inestable, nómada y poco domesticada” que es su propia existencia.


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En cada obra suya, se interpola un poco de su identidad nómada, los conceptos desterritorializados, exilio,

la

debidos

extraña

al

ambigua

sensación de la familia y la casa. Introduce una cierta ironía al hablar del hogar como residencia de lo femenino. Su obra “Sin título” (Jaula

de

Baalbeck,

1999)

consiste en una jaula grande como una habitación o una celda que representa el hogar, en el que cabe imaginar

un

encerrado

cuerpo

femenino,

sus

deberes,

en

incrustados a la fuerza, exiliado del mundo real, enclaustrado en una 2. “Sin título” 1999

prisión silenciosa. Siguiendo esta línea de metáforas visuales

en

la

instalación

“Homebound” (2000) (Encerrados en casa), la casa – símbolo de protección y refugio, también cambia drásticamente su sentido socialmente aceptado y se convierte en una cárcel, en anti-hogar hostil, inseguro e inhumano. Igual que 3. “Homebound” 2000

en la obra “Home” (1999) (Hogar),

donde los utensilios de cocina “electrificados” vacilan las teorías del hogar como algo tranquilo y hermoso, el lugar de la mujer y de la madre. Existe una clara conexión entre la propia experiencia de la artista y su percepción de la casa, extendiendo los conceptos que utiliza hasta las ideas ambiguas de patria en una existencia sin hogar.


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4. “Home”1999

La artista establece sus puntos de vista a través de unas metáforas muy eficaces y potentes que denuncian al machismo y hablan de una vida errante, intentando a deconstruir y volver a construir la propia identidad. La sensación de separación y destierro se manifiestan en su obra introduciendo una cierta inquietud. Un ejemplo de ello es la

obra

“Light

Sentence”

(1992). Jugando con la luz, creando

una

perturbadora,

atmosfera

Mona

Hatoum

interactúa con el cuerpo del espectador, situándolo en una 5. “Light Sentence” 1992

zona

inestable

y

movediza,

provocando una experiencia escalofriante. La creadora explica en una entrevista con Janine Antoni (Nueva York, 1998): “Cuando entras en el espacio, tienes la impresión de que toda la habitación oscila y la perturbadora sensación de que el suelo se mueve bajo tus


11

pies.”; “Es un entorno en flujo constante, sin un único punto de vista, sin un marco de referencia sólido. Hay una sensación de inestabilidad y desasosiego en la obra. Así es como la obra refleja mi origen.”16 En su obra “Measures of Distance” (1998) (Video en color, duración 15’) la artista habla “de las complejidades del exilio, el desplazamiento, el sentimiento de pérdida y separación

(…)”

como

ella

misma explica. Utiliza el cuerpo desnudo de su madre, intentando reflejar la intimidad de una relación

materno-filial.

La

vulnerabilidad de la desnudez, nos aproxima al cuerpo pero a la vez nos aleja, aislándolo y ocultándolo parcialmente detrás de una cortina de palabras, interponiendo la imagen de unas cartas enviadas por la madre.

6. “Measures of Distance” 1998

. Video

La escritura árabe que se inscribe sobre la mujer se podría traducir como una valla que nos impide acercarnos, como un velo tal vez. “Measures of Distance” se puede percibir como un discurso plástico que ahonda en el sentimiento del desarraigo y la necesidad de preservar los vínculos a través de la distancia. Los estereotipos y la representación del cuerpo femenino, son temas sobre los que la artista nos hace reflexionar a menudo. En la obra de Mona Hatoum, se advierte un continuo trato con el cuerpo, a pesar de que habla de él, muchas veces, a través de su ausencia. Con sus creaciones nos transporta en un espacio extraño, inestable y oscilante que puede perturbar las sensaciones como lo que sucede en la instalación “Corps Étranger” 7. “Corps Étranger” 1994 16 Centro de Arte de Salamanca, Centro Galego de Arte Contemporánea (2002), Mona Hatoum: [exposición] 10 de julio - 1 de septiembre 2002. Salamanca, Centro de Arte de Salamanca; Santiago de Compostela, Centro Galego de Arte Contemporánea. p. 119


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(1994) (Cuerpo Extraño). Se trata de un video realizado mediante una cámara endoscópica, introducida en el cuerpo de la propia artista, grabando sus entrañas. Varias ideas, cargadas de un gran poder metafórico, vistas bajo el prisma de lo público y lo privado, se enlazan en este video un tanto perturbador. El discurso que Mona Hatoum lleva a cabo, habla de nuestro cuerpo como un territorio extraño que ni siquiera nosotros mismos conocemos, al mismo tiempo que introduce en él otro cuerpo extraño. Muestra la corporeidad como un terreno desconocido, haciendo alusiones literales al “cuerpo de un extranjero” y al “cuerpo femenino” objetivizado por la sociedad. Está proyectado directamente sobre el suelo, insinuando un “…cuerpo sondado, invadido, violado, deconstruido…”17. Se convierte en un espacio que se degrada, siendo pisado y profanado por el espectador involucrado físicamente en esta reflexión. Traffic (2002) (Tráfico), es otra instalación llena de significados metafóricos que nos gustaría mencionar. Consiste en dos maletas situadas en el suelo, conectadas a través de pelo humano. Reflexiona sobre el viaje y la carga emocional, psicológica y cultural que cada uno lleva consigo a lo largo de su vida. El título sugiere un discurso sobre el desarraigo, el exilio y el tráfico humano. El pelo que desborda las maletas, se puede interpretar como un cuerpo derramado; como emociones que se vierten de una cultura a otra a través del viaje sin fin, en una

vivencia

de

continuas

migraciones. 8. “Traffic” 2002

Estas dos maletas sugieren una fuerte metáfora de la vida errante e inestable, en continuo desplazamiento entre dos culturas, entre dos tierras... Mona Hatoum utiliza a menudo el pelo en sus creaciones, atribuyéndole una fuerte carga cultural y un significado simbólico. Lo utiliza también como una referencia autobiográfica, como una reflexión sobre el sexo, el cuerpo, el género, la sociedad árabe 17

Centro de Arte de Salamanca, Centro Galego de Arte Contemporánea. Op.cit., pág.130


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y la occidental. A parte de esta obra también aparece el mismo elemento orgánico en “Recollection” (1995), en “Keffieh” (1993-1999), en “Jardin Public” (1993) (Jardín Público), aunque en esta última se trate de pelo púbico, etc.

9. “Recollection” 1995 10. “Keffieh” 1993-1999

11. “Jardin Public” 1993

La última obra que veremos aquí “Mobile Home” (2005-2007) (Hogar móvil), se construye a través

de

varios

domésticos,

objetos movidos

permanentemente por un motor. En esta instalación todos los elementos, “Mobile Home” 2005-2007 12. “Mobile Home” 2005-2007

pertenecientes

supuestamente a

inmigrantes,

desentierran un fuerte sentimiento de exilio, evocando el “cuerpo - homeless” ausente. El espacio está restringido por dos vallas que transmiten la idea de la angustiosa condición del inmigrante desarraigado y la prisión sociocultural que le encierra. ¿Se tratará de una celda? ¿De una casa? ¿O tal vez de un refugio para el cuerpo exiliado?

5.2 .


14

Adrian Paci (1969) también refleja en su obra la compleja realidad social en la que vivimos. Es un artista de origen albanés, un extranjero arraigado en Milán, Italia. Los temas como el desarraigo, la identidad, el desplazamiento, la migración y la pertenencia le son muy afines. Podemos observar en su obra la fuerza poética del recuerdo y la distancia, que intentan redefinir la identidad del individuo y de todo un pueblo, marcado por los procesos migratorios. Intentamos analizar su obra a través de la metáfora del “cuerpo nómada” y el sentido de confusión que penetra en cada uno que se ve obligado a abandonar la propia tierra para afrontar una realidad nueva y desconocida. La obra que observamos reflexiona sobre el cuerpo desplazado

y

sus

dificultades de adaptación al nuevo territorio, sobre su aceptación o no-aceptación

1. “Centro di Permanenza Temporanea” 2007

dentro de ese espacio muchas veces hostil. Es de lo que el artista habla en su obra Centro di Permanenza Temporanea (2007) (Centro de Permanencia Temporal). Consiste en una videoproyección situada en el aeropuerto de San José, en California, donde un grupo de personas permanecen quietas en una escalera de embarque, sin el avión, ubicadas en un “no lugar”, entre dos sitios, sin pertenecer ya a ninguno. Mientras en el fondo, podemos observar un movimiento incesante de aviones, despegando y aterrizando, creando un contraste con la inacción del grupo de inmigrantes. “Centro de permanencia temporal”, se refiere a los centros transitorios que existen en Italia para retener los inmigrantes

ilegales

repatriarlos.

Adrian

antes

de

denuncia

la

ambigüedad de éstos sitios, donde las repercusiones psicológicas, sociales e incluso biológicas para el inmigrante, como podemos leer en el análisis de


15

Rosa María Albert Sanchís18, pueden tener como consecuencia una fuerte depresión, hipocondría y paranoia, debidos a la somatización del estrés. Éstos campos de internamiento, transitorios, de los que habla el artista, se caracterizan con la indeterminación y la deslocalización y hasta se sitúan en un “limbo jurídico” como denomina Sami Naïr (2006) las circunstancias de los inmigrantes ilegales en éstos centros. A través de la potente metáfora utilizada por Adrian Paci, se puede percibir una incertidumbre y angustia absoluta, que nos obliga a reflexionar sobre éstas detenciones inhumanas en los centros, donde el cuerpo del inmigrante, en condiciones precarias, sufre degradaciones y violencia, que suspenden la dignidad humana. El artista consigue integrar en su obra lo personal junto a lo colectivo, haciéndolo universal, como en la obra “Home to go” (2001). Es una figura de mármol, vaciado de su propio cuerpo desnudo, encorvado bajo la carga de un pequeño tejado, metáfora de la casa. Una casa que ya no se percibe como un refugio, cobijo y protección, sino como el peso de la condición humana en exilio. La potente imagen del cuerpo vulnerable y expuesto, mostrado desnudo, solo con un eslip, hace referencia a la situación apremiante

2. “Home to go” 2001.

de la inmigración. El tejado, llevado como una especie de mochila pesada, quizás llena de esperanzas y miedos, evoca la idea del viaje forzado hacia el exilio. Situado al revés, sin su contenido habitual, éste techo metafórico puede recordar a unas alas, mitificando tal vez, el cuerpo martirizado, convirtiéndolo casi en una figura religiosa. Adrian Paci utiliza tanto en “Centro de permanencia temporal” como en “Home to go” los cuerpos errantes, como metáfora de la frontera,

de la alienación, de los

desarraigados que se desplazan, desterritorializados,

flexibles

y

abiertos a lo imprevisible. Los cuerpos migrantes, despojados de su identidad, se convierten en cuerpos extraños

que

no

consiguen

reconocerse en los otros, algo evidente de nuevo, en la obra “Back to Home” (1999). Es una serie de fotografías de familias de inmigrantes, donde tal vez podemos 18

3. “Back to home” 1999.

Albert Sanchís, Rosa María (2007) “El síndrome del desarraigo cultural. Posiblemente la patología más importante en las sociedades modernas del siglo XXI.” Murcia, p. 381


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entrever en las actitudes y en las posturas de los cuerpos, el precio de la integración. Son imágenes como las que probablemente mandan los inmigrantes a sus familiares lejanos para demostrar que son aceptados y han conseguido la vida esperada, adoptando actitudes que les muestran iguales a los autóctonos.

5.3 . Nos gustaría dedicar un poco de este espacio para homenajear a la obra de la célebre artista cubanoamericana Ana Mendieta (1948 –1985), que muere apenas con 37 años, dejando una herencia cultural muy significativa. La situación de desplazada ha marcado,

la

vida

Mendieta

y

ha

de

Ana

incidido

profundamente en su obra. La artista ha tenido que exiliarse muy

pequeña,

junto

a

su

hermana, en Estados Unidos, sufriendo

la

condición

de

inmigrante latina con todas las 1. De la serie Silueta, 1980 (La Ventosa, México).


17

opresiones

derivadas

de

ello.

Ha

experimentado en su propia carne el desprecio y la no aceptación del otro, del foráneo, el racismo hacia un “cuerpo diferente”, algo que hasta la edad de doce años no había padecido. El trabajo de Ana Mendieta, muy autobiográfico, manifiesta la propia realidad a través de una mirada femenina, de una visión abierta y plural,

aunque

marcada

por

el

extrañamiento, característico para un inmigrante

que

ha

sufrido

la

discriminación y la dura condición de ser “el otro”. Nos

interesan

las

reflexiones

que

encontramos en la obra de Ana Mendieta, 2. De la serie Silueta, 1976 (La Ventosa, México). sobre el género, el lugar, la memoria, el cuerpo y la identidad sexual, como consecuencias psicológicas debidas a la alienación en un entorno hostil, lejos de los orígenes. La artista no solo da una visión influida por su pasado en Cuba, pero también aporta las propias experiencias de su vida errante en Estados Unidos, creando así una cultura del movimiento. Observamos en su obra un deseo nostálgico de regreso, típico de los inmigrantes, utilización

a de

través la

de

la

mitología

afrocubana, como clara referencia a su cultura de procedencia. Es lo que percibimos en “Silueta” (1973–1978), donde Ana Mendieta crea potentes metáforas sobre la intensa relación


18

entre la naturaleza, que asocia a lo femenino, a su cuerpo de mujer. La propia artista dice, refiriéndose a ésta serie de intervenciones en la naturaleza: “He estado conduciendo un dialogo entre el paisaje y el cuerpo femenino (basado en mi propia silueta). Creo que esto ha sido resultado directo de haber sido arrancada de mi tierra natal durante mi adolescencia. Estoy abrumada por el sentimiento de haber sido arrojada del vientre (la naturaleza). Mi arte es la forma en que establezco los lazos que me unen al universo. Es un regreso a la fuente materna. A través de mis esculturas de tierra. Me convierto en una extensión de la naturaleza y la naturaleza se convierte en una extensión de mi cuerpo…” (Mendieta, A. en Sabbatino, M.; 1997)19. En su obra, Mendieta parte siempre de su propio cuerpo, como en éste caso, creando huellas, integrándose en la naturaleza. De esa manera re-produce una realidad soñada, personal, llena de simbolismo casi religioso, evocando tradiciones y mitos de América Latina. La metáfora que utiliza parece representar el deseo de completarse, de fusionarse íntimamente con la tierra en un intento de volver al ceno materno, a la naturaleza, a la patria. “Aquél fue para Ana un rito compensatorio de su escisión personal, una 3. De la serie Silueta, 1977 (Iowa)

solución imaginaria a su ansia imposible de afirmación mediante la simbolización del regreso, simultáneamente en términos culturales, sicológicos y sociales.” (Mosquera 2000)20 Parece que acorde con la ritualidad de su obra que indaga sobre el cuerpo, la sangre y la violencia, la vida de Ana Mendieta termina de manera muy trágica, con otra silueta lúgubre sobre el cemento, bajo su casa en Nueva York.

5.4 . Queremos hacer otro homenaje a un artista chino, fallecido no hace mucho, que decía de sí mismo que no pertenece a ningún lugar. Chen Zhen (1951-2000) atrae nuestro interés por su condición de eterno viajero, embajador cultural y ciudadano del mundo.

19

Citado por Sandra Escohotado en “Autobiografías: Ana Mendieta y Yoko Ono” pp. 191-192, capítulo del libro “Geografías de la mirada. Género, creación artística y representación”, López F. Cao, Marián (ed.) (2001). 20 Gerardo Mosquera - crítico y curador del "New Museum of Contemporary Art" de Nueva York.


19

Cuando dos o más culturas están en un continuo contacto, inevitablemente empieza un intercambio tanto social como cultural, provocando la formación de culturas híbridas, produciendo un mestizaje cultural. Es lo que sucede en la obra de Chen Zhen, donde se descubren elementos procedentes de distintos países. En sus instalaciones el artista chino habla de lo efímera que es la condición humana y de lo vulnerable que somos, a través de la ausencia del cuerpo,

aportando

por

tanto, una visión casi apocalíptica,

donde

la

vida ha terminado y han quedado

solo

nuestras

pertenencias. Siempre

se

siente

la

presencia del ser humano 1. “The voice of migrators” 1995.

en sus creaciones, como

en la obra “The Voice of Migrators” (1995), un globo hecho de trapos de diferentes colores, recogidos de varios países. Su metáfora nos hace reflexionar sobre una identidad múltiple, creada en una amalgama de cuerpos diversos, provenientes de diferentes culturas. La instalación dialoga con el espectador, sirviéndose de un susurro, un misceláneo de lenguas, producido por una máquina. Se puede interpretar como un homenaje a la integración individual y cultural, conseguido mediante esa especie de Torre de Babel. Es una manera de ver positivamente, el mundo globalizado. El exilio inevitablemente se intercala en la obra de Chang Zhen, debido a su estilo de vida nómada. Es ésa carga personal que percibimos en “Ciudad sin fronteras” (2000), donde el artista crea una instalación, como una fantasía cosmopolita, situada entre lo real y lo irreal. Bajo su metáfora se siente un potente simbolismo que muestra una especie de pueblo, hecho de sillas, sobre las cuales están construidas casas de colores, mediante velas. Es un poblado utópico erigido a base de piezas que el artista ha reunido de los cinco continentes.


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2. “Un village sans frontieres” 2000

5.5. En un intento de hacer nuestro abanico de creadores nómadas más amplio, vamos a centrarnos por último, en una artista emergente, proveniente de otro continente. Anawana Haloba (1978) nace en Zambia. Termina su licenciatura en La Academia Nacional de Bellas Artes en Oslo, Noruega, donde reside actualmente. Esta artista también utiliza el propio cuerpo como medio para crear sus performance, videos e instalaciones. De ese modo crea metáforas que reflexionan sobre la posición de la mujer y del inmigrante en un contexto socio-cultural. En su video “Lamentations” (2006), introduce un discurso referente al desplazamiento y sus consecuencias de extrañamiento, anomia y alienación. Se refiere a éste sufrimiento a través de una acción en la que con la propia lengua lame un montón de sal, trazando dibujos que pueden recordar a mapas. Con éste video la artista habla de las barreras lingüísticas y culturales a los que está expuesto el cuerpo foráneo, vulnerable y desarraigado. Crea una angustiosa y aflictiva sensación que nos hace reflexionar sobre


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los obstáculos políticos, sociales y personales a los que el cuerpo exiliado tiene que enfrentarse en el nuevo contexto ajeno y muchas veces hostil.

1. “Lamentation” 2006. Video

6. CONCLUSIÓN En este ensayo hemos propuesto una lectura global y alternativa de algunas cuestiones relacionadas con la identidad, el cuerpo, la memoria y el lugar. Para ello hemos relacionado el cuadro socio-cultural y la experiencia general y corporal en exilio a través de las metáforas utilizadas por determinados artistas. Con este pequeño recorrido por el mundo del arte contemporáneo, hemos tratado de hacer un breve estudio sobre la condición humana en el mundo global, a través de la imaginación y la creación. Han quedado numerosas facetas sin abordar y desgraciadamente no hemos podido mencionar a otros muchos creadores nómadas en este breve artículo. Al principio del trabajo, nos referimos al héroe legendario Ulises, el extranjero perpetuo, como metáfora no solo del viaje, sino también del exilio, de la vida y el destino inciertos de los migrantes.


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Ahora nos atrevemos a concluir este ensayo aludiendo a otro ser de la mitología griega a través de las palabras del director de teatro esloveno Tomaz Pandur que dice: "Yo he perdido mi país, que jamás volverá a existir. Soy yugoslavo, lo seré siempre, pero llevo 18 años tratando de encontrar mi país; Medea hace lo mismo hasta que se da cuenta de que no existe, que está en su corazón.”. Medea es el título de su espectáculo, presentado en el Festival de Mérida éste año, donde el director esloveno crea el personaje de la sacerdotisa griega, mostrando una mujer exiliada, anónima y apátrida, dedicada según sus propias palabras, a aquellos que están en fuga, los refugiados literal o metafóricamente. Es a ellos que dedicamos también este artículo.

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