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FEBRERO 2019 Nº 251 WWW.GQ.COM ESPAÑA

HOMBRES ·VICENT TODOLÍ ·LAURENT GARNIER · C A S E L Y - H AY F O R D · K AW S · A A R O N R O S E ·CALI THORNHILL DEWITT ·RODRIGO SOROGOYEN ·FERNANDO HIGUERAS

JON KORTAJARENA fotografiado por Nacho Alegre en exclusiva para GQ España.

E X C L U S I VA ·ANTONIO BANDERAS: SOÑANDO EN TRES COLORES

J ON

KORTAJARENA S I E M P R E

N O S

Q U E D A R Á

E L

A R T E

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EMPORIO ARMANI | Madrid - Barcelona

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SUMARIO febrero 2019

OPINIÓN

CULTURA

/ OCTAVIO SALAZAR Cómo la crisis de la masculinidad alimenta las opciones políticas reaccionarias.

19 / MANUEL JABOIS Obituario de La Edra, un pub que marcó época en Sanxenxo.

136 / F. JAVIER GIRELA Los vaqueros, esa prenda que antes nadie se quería poner y ahora protagoniza exposiciones en el MoMA de Nueva York.

178 / NOEL CEBALLOS Historia de las tarjetas de San Valentín: amor y capitalismo.

/ MÚSICA Lucas Vidal triunfa en Hollywood con sus composiciones, pero siempre tiene un pie en España.

24 / DISCOS Dalí, Miró, Warhol… la música pop también abraza el arte a través de sus portadas.

26 / MÚSICA Yann Tiersen, 'All', y la importancia del entorno natural.

34 / SERIES Desde su paso por 'Juego de tronos', Tom Hopper viene embalado.

36 / LIBROS La penúltima profecía de Michel Houellebecq.

18

21

MODA

/ ZOOM Seis tipos con estilos genuinos que rinden tributo a la belleza de lo cotidiano.

50 / ARTE Nuestras exposiciones favoritas que celebran la moda de ayer y hoy.

52 / DE FIRMA Ahora que ya no está en Calvin Klein, redescubre la marca de Raf Simons.

53 / CLAVES ¡No subestimes las segundas rebajas!

54 / ARTISTAS La vida de Brian Donnelly, alias Kaws.

57 / MANUFACTURA Oris: el valor y la creatividad de una relojera independiente.

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LA BUENA VIDA

TIEMPOS MODERNOS

/ RESTAURANTES Date un homenaje por San Valentín (según el momento que atraviese tu relación).

142 / GASTRONOMÍA Del monte al plato: las claves de la buena carne de caza.

148 / MECENAZGO Jaime Colsa y cómo convertir camiones de transporte en arte.

150 / HOTELES Explora la cultura de Rajastán en dos palacios hoteleros.

152 / CUIDADOS Visitamos la sede de Gillette en Boston y te contamos los secretos de la legendaria marca de afeitado.

/ ARTE Banksy: ¿genio o villano? Una nueva exposición en Madrid te ayudará a decidir.

160 / SUBASTAS Las pujas más extrañas protagonizadas por objetos de iconos pop.

162 / ENTREVISTA Alfonso Cobo desvela cómo revolucionó Instagram con Unfold.

168 / MOTOR SEAT Tarraco: el primer SUV de siete plazas de la marca llega para arrasar.

172 / TECNOLOGÍA Una tele que se enrolla y otros curioso aparatos del último CES de Las Vegas.

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PORTADA / Modelo de conducta y de portada, Jon Kortajarena es el personaje que encarna los valores artísticos que queremos transmitir este mes de febrero. El 'top' español y Premio GQ Actor Revelación 2018, posó para el objetivo de Nacho Alegre vestido con una camisa Levi's Made & Crafted, bajo la batuta de Joana de la Fuente. Puro arte.

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WWW.GQ.COM

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SUMARIO febrero 2019

Siempre nos quedará el arte 70

CINE

ANTONIO BANDERAS / Sobre el amor al arte, el humor y la moral: "En este país puedes pasar de hijo predilecto a hijo de puta en 3,5 segundos".

Por Paloma Leyra

78

CULTURA

VICENT TODOLÍ / Comisario, director artístico del IVAM y verso suelto en la industria: "El arte debe ser de una inutilidad imprescindible".

Por Marta Moreira

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FOTOGRAFÍA

MARTIN PARR / Un libro rinde tributo a la mirada única de uno de los talentos más insolentes de la fotografía moderna.

Por Iñaki Laguardia

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ENTREVISTA

CHARLIE CASELY-HAYFORD / "La moda es movimiento y el estilo es refinamiento.

Lo interesante es mezclar ambos conceptos".

Por Iñaki Laguardia

108

114 ARQUITECTURA Fernando Higueras, el genio inconformista.

94

MÚSICA

LAURENT GARNIER / Entrevistamos al icónico dj francés, testigo directo de la revolución 'techno' de los últimos 30 años. 'Let's dance!'.

Por Eugenio Viñas

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ARTE

BALTHUS / El Thyssen-Bornemisza recuerda a uno de los grandes maestros del siglo XX, el pintor que elevó la polémica a la categoría de arte.

Por Jesús Merino López

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REPORTAJE

ARTE EN LOS ÁNGELES / Le tomamos el pulso a la ciudad en la que los sueños se hacen realidad y el diseño campa libremente.

Por Iñaki Laguardia

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FOTOGRAFÍAS: DIEGO LAFUENTE; D. R.

CINE Sorogoyen tiene hambre de Goya.

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S O N M A RC A S R E G I S T R A DA S

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SUMARIO febrero 2019

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ARQUITECTURA

FERNANDO HIGUERAS / El Museo ICO inaugura una completa muestra en honor a uno de nuestros arquitectos más relevantes.

Por Jesús Merino López

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CINE

RODRIGO SOROGOYEN / Días de vino y rosas para el cineasta madrileño, a quien gracias a 'El reino' y 'Madre' le han llovido los premios.

Por Noel Ceballos

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ENTREVISTA

EVA FRANCH / La primera mujer al frente de la Architectural Association de Londres, aboga por generar ideas a partir de las emociones.

Por Pablo Gandía

JON KORTAJARENA / El vaquero es eterno y siempre estará en nuestro armario, y el actor y modelo bilbaíno nos muestra todos los usos de estilo que le podemos dar al denim.

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WWW.GQ.COM

FOTOGRAFÍA: NACHO ALEGRE.

Moda

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CARTA DEL DIRECTOR

2

El arte es más vida que la propia vida, síntoma de cordura. Buscando nuestro propio equilibrio hemos colocado a Antonio Banderas sobre tres fondos de color para hablar sobre el arte, el amor y la vida. Fotografiado a Jon Kortajarena de la forma más limpia posible para después acabar el trabajo a pinceladas. Charlado con Vicent Todolí, un hombre que entendió que el arte es importante pero que lo que todos buscamos es un lugar donde volver y al que llamar hogar. Viajado a Los Ángeles para ver cómo se vive allí la creación desde la perspectiva del espectáculo.

19 SIEMPRE NOS QUEDARÁ EL ARTE ___Todo en la vida es caminar sobre

___En un mundo en el que casi todo

D A N I E L

B O R R Á S

___Aprovechando que febrero es

tradicionalmente el mes del arte en España, hemos querido reflexionar precisamente sobre eso. No sobre la creación pura, no a modo de guía de visitas, sino del arte como escaparate vital: la creación como forma de entender el día a día. Porque el arte puede ser muchas cosas, todas ellas relacionadas con nuestra manera de afrontar la vida. Una vía para desarrollar nuestros instintos (el arte como creación absoluta, sin pedir nada a cambio, resultado de nuestra juventud y talento 'malgastados'). Una forma de esquivar la pena ("Trabajo con el dolor, porque no va a marcharse", decía Louise Bourgeois). La mejor manera de sublimar la belleza que nos rodea. ___Al final uno tiene la sensación de

que cualquier acto de creación tiene como objetivo mostrar la realidad tal y como realmente debería ser. No como es, sí cómo tendría que manifestarse.

14

WWW.GQ.COM

lo que nos rodea acabará desapareciendo… ¿qué queda? Sí, el arte es lo único que (nos) sobrevivirá. Del mismo modo que la religión es básicamente poesía, yo diría que el arte es permanencia. Yo diría recuerdos, yo diría historia. Un soplo que abre brechas en los tabiques. Al amanecer, el café sabrá a pintura y a cosas que no supimos decir. Es así, siempre nos quedará el arte. Al menos, el arte. ___Hay una frase estupenda de Thurs-

CANCIÓN DE FEBRERO

ton Moore que dice algo así como que "una juventud malgastada es mucho mejor, de lejos, que una vida adulta de sabiduría y productividad". Y lo decía, precisamente, reflexionando sobre el arte: la creación por la creación es lo único que tendremos siempre y, puestos a elegir, deberíamos apostar por ello. No importa el resultado, el dinero o el final del viaje. ¡Es el camino! Una lucha particular entre David y Goliat, sí, un encuentro desigual entre un boxeador peso pluma y un monstruo enorme.

La Mode C I T A E N H AWA I I

___Probablemente te preguntarás que

1982

quién gana en esta guerra entre la realidad y la realidad que tendría que ser. ¿Acaso no ves el horizonte degradándose de beige a azul marino, precioso, junto a los restos del monstruo?

"No respondiste, me hiciste pucheros y no te dejaste besar. Por no enfadarme, miré aquellos cuadros que recordaban a Gauguin"

FOTOGRAFÍA: DIEGO LAFUENTE.

un alambre manteniendo el equilibrio.

Equilibrios entre las dudas y las certezas (qué bonitas, siempre, las dudas); entre la creación y la industria; entre lo que queremos y lo que debemos hacer. Arriba de la cuerda, un cielo color vino; por debajo, tal vez un poco de fuego. Pero hemos venido a eso, a jugar. La vida es, podríamos resumir, un poco amor al comercio –recuperen aquella canción de Esclarecidos– y otro poco amor al arte.

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The Breitling Cinema Squad Brad Pitt Adam Driver Charlize Theron

LAND

PREMIER

AIR

SEA

#SQUADONAMISSION

BREITLING BOUTIQUE

SERRANO 86 EL CORTE INGLÉS CASTELLANA

MADRID

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GQ@condenast.es DIRECTOR DANIEL BORRÁS (daniel.borras@condenast.es) SUBDIRECTORA Paloma Leyra (pleyra@condenast.es) DIRECTOR DE ARTE Iñaki López de Eguílaz (ilopezdeeguilaz@condenast.es) REDACTOR JEFE DIRECTOR DE GQ DIGITAL JEFE DE MAQUETA REDACCIÓN

MAQUETACIÓN ASISTENTE A LA DIRECCIÓN DELEGACIÓN PARÍS

DIRECTORA DE MODA Joana de la Fuente (jdelafuente@condenast.es)

Héctor Izquierdo (hizquierdo@condenast.es) Iago Davila (iago.davila@condenast.es) Javier Pacheco Munguía (jpacheco@condenast.es) Noel Ceballos (nceballos@condenast.es), F. Javier Girela (jgirela@condenast.es), Iñaki Laguardia (ilaguardia@condenast.es), Jesús Merino López (jesus.merino@condenast.es) Néstor Parrondo (nestor.parrondo@condenast.es) Sara Ortiz (sortiz@condenast.es) Alicia García del Cerro (agdelcerro@condenast.es) Ángela Álvarez (editora del mercado francés)

HAN COLABORADO EN ESTE NÚMERO REDACCIÓN MODA FOTÓGRAFO EDICIÓN GRÁFICA

Juan Claudio Matossian (redacción y edición), Víctor M. González Natalia Torres Polo (producción), Juan Luis Ascanio, Jesús Cicero (estilistas) Diego Lafuente Andrea Vega

FIRMAS Belén Afonso, Nacho Alegre, Guillermo Arazo, Ana Arjona, Carla Ávila, Teresa Barrocal, Enrique Bueres, Rafa Cervera, Carmen Cocina, Leticia Díaz, Pablo Gandía, David Gómez Maestre, Carmen Gray, Felipe Hernández, Marius I. Scarlat, Manuel Jabois, Jim Jungyoun, Marina López Grande, Inés Maestre, Geray Mena, Carlos Moral, Marta Moreira, Ana Müshell, Bjorn Oberg, Héctor Palomares, Paula Prats, José Manuel Ruiz Blas, Octavio Salazar, Cristina Sanromán, Noelia Sastre, César Segarra, Aaron Tilley, Silvia Tortajada, Eugenio Viñas, Alba Yruela.

DIRECTORA COMERCIAL DE GQ ESTHER GONZÁLEZ CEA MADRID BARCELONA COORDINACIÓN EDITOR EJECUTIVO INTERNACIONAL CREATIVE STUDIO

SYNDICATION & PHOTO RELACIONES PÚBLICAS PRODUCCIÓN FOTOGRAFÍA ADMINISTRACIÓN ALMACÉN

José Manuel Manrique, Olatz Arteche, Alberto Delgado (jefes de publicidad) Alejandra Guimerà (jefa de grupo), Noelia González (jefa de publicidad digital BCN) María Fernández (MAD) y Mª Carmen Herrero (BCN) Emily Sussman Jorge Madrid (director), María Jiménez (subdirectora), Chabela García (directora de acciones especiales), Carmen Garijo (coordinadora editorial), Juan Miguel Lapido (director global de diseño), Xabier Mauleón (director de arte), Sara Polo, Jesús Molina, Beatriz Fernández e Isabel Acerete (jefes de maqueta), Ruth Varillas (directora de producción y edición gráfica), Cristina Serrano (producción y edición gráfica) Reyes Domínguez (directora), Cristina Verd, Cristina Triviño, Eva Vergarachea, Sandra Fernández Blanca Martínez de Irujo (directora), Verena Bustillo Fernando Bohúa, Rosana Vicente, Juan Ignacio Bocos Elena Olay Rocío Lozano Alejandra Aguilar (responsable), Gema Sánchez

© EDICIONES CONDÉ NAST, S. A. Depósito Legal: M-25924-2012

EDICIONES CONDÉ NAST, S. A. MADRID BARCELONA PARÍS MILÁN NUEVA YORK DIRECTORA GENERAL DE DESARROLLO CORPORATIVO DIRECTOR GENERAL DE FINANZAS Y OPERACIONES DIRECTORA CN COLLEGE DIRECTORA DE CONDÉ NAST THINK DIRECTORA DE MARKETING Y DATA DIRECTOR COMERCIAL DE PUBLICIDAD DIGITAL DIRECTORA DE RECURSOS HUMANOS DIRECTORA FINANCIERA DIRECTOR DE TECNOLOGÍA (CTO) DIRECTOR DE COMUNICACIÓN CONSEJERO

Paseo de la Castellana, 9-11. 28046 Madrid.

Tel.: +34 917 004 170. Fax: +34 913 199 325.

E-mail: gq@condenast.es Paseo de Gracia, 8-10, 3º 1ª. 08007 Barcelona.

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3, Avenue Hoche. 75008 Paris. Tel.: +33 (0)1 5343 6951.

Piazza Cadorna, 5. 20121 Milano. Tel.: +39 02 856 14217.

1 World Trade Center. New York, NY 10007. Tel.: +1 (212) 286-2860.

Natalia Gamero Juan Manuel Martín-Moreno Ana García Siñeriz Montse Iglesias Beatriz Sánchez Guillén / Susana Ibáñez (directora adjunta) Gonzalo Fernández Fernández-Cuesta Ana Ruiz Elena Aemmer Rafael Martínez Alberto Pereira Giampaolo Grandi

PRESIDENTE Y EDITOR JAVIER PASCUAL DEL OLMO CHAIRMAN Y JEFE EJECUTIVO DE CONDÉ NAST INTERNACIONAL JONATHAN NEWHOUSE GQ no se hace necesariamente responsable de las opiniones vertidas por los colaboradores en sus artículos. © Ediciones Condé Nast, S.A. Reservados todos los derechos. Prohibida su cita, reproducción, edición o transmisión total o parcial por cualquier medio y en cualquier soporte sin la autorización escrita de Ediciones Condé Nast, S.A. Diríjase a CEDRO si necesita reproducir algún fragmento de esta obra: www.conlicencia.com.

Acceso al certificado en la página web de la revista

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ESTE MES COLABORAN

TEXTOS MANUEL JABOIS / "Había que conocer La Edra. Durante años encarnó el suave ambiente del 'dolce far niente' (…)". Breve relato sobre el pub que pudo ser y no fue.

OCTAVIO SALAZAR / "Necesitamos una revolución que convierta la rabia masculina en ilusión democrática. Sólo así evitaremos que los monstruos ocupen los parlamentos".

RAFA CERVERA / Afortunados nosotros, este mes le tenemos por partida doble: por un lado, la música pop como espejo del arte a través de sus portadas; por otro, Miqui Puig, el maestro sin etiquetas. ENRIQUE BUERES / Michel Houellebecq en el diván GQ: en 'Serotonina', 'l'enfant terrible' de las letras francesas vuelve a cargar contra el ultraliberalismo. CÉSAR ANDRÉS BACIERO / Ocho claves –con prosa ácida– para sacarle todo el partido a las segundas (o terceras) rebajas. NOELIA SASTRE / Hermès, el paso del tiempo y las historias bien contadas. MARTA MOREIRA (1) / Periodista todoterreno, en este número nos acerca con rigor a la figura de Vicent Todolí: "Si el arte pudiese encerrarse en palabras, el artista no sentiría la necesidad de realizar su obra".

EUGENIO VIÑAS / Música, drogas y pistas de baile: entrevistamos a Laurent Garnier, quien reflexiona sobre las últimas tres décadas del 'techno'. PABLO GANDÍA (2) / A solas con la arquitecta, comisaria y profesora Eva Franch, la primera mujer al frente de la Architectural Association de Londres. JOSÉ MANUEL RUIZ BLAS / Habitual de esta santa casa, este mes cocina unas sabrosas propuestas para que te reenamores de San Valentín. CARLOS MORAL /Viajamos a Boston con una misión: conocer los secretos del mejor afeitado. GUILLERMO ARAZO (3) / Hablemos de Banksy: ¿Genio o un villano? Guillermo se acerca a su obra para tratar de resolver la incógnita.

FOTOGRAFÍAS

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FOTOGRAFÍAS: D. R., NACHO ALEGRE.

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SILVIA TORTAJADA (4) / Qué fácil es trabajar con Miqui Puig, amigos. Llegó a nuestro estudio con una sonrisa, Silvia le contó la idea que tenía en mente y él puso todo su rollazo a nuestra disposición. FELIPE HERNÁNDEZ / De mirada honesta, este mes retrata a Rafael Picazo, responsable de ventas en España de Oris. DAVID GÓMEZ MAESTRE / "La clave de todo es jugar", nos dice Antonio Banderas antes de la sesión.

Pues bien: juguemos. Clic. Clic. Clic. Las imágenes que firma David son pura diversión.

PAULA PRATS / El arte y la vida: aquí tienes algunos primeros planos de Vicent Todolí, comisario, experto en arte y testigo de su tiempo. ALBA YRUELA (5) / Debut al cuadrado: Charlie Casely-Hayford, sastrería inglesa, anarquía británica; y Eva Franch, abanderada de la arquitectura emocional como generadora de ideas. CARMEN GRAY (6) / Balthus como inspiración: Carmen recrea uno de los cuadros 'prohibidos' del genio que elevó la polémica a la categoría de arte. CÉSAR SEGARRA (7) / Recogemos en imágenes la inagotable energía artística de la ciudad en la que los sueños se hacen realidad: Los Ángeles. NACHO ALEGRE (8) / Jon Kortajarena, hombre (GQ ) de portada y preámbulo estético de la nueva temporada.

ILUSTRACIONES SARA LULL / Pieza clave del departamento de Arte de GQ, en este número le vuelve a sacar punta a su talento con un bodegón de relojes a prueba de convencionalismos.

INÉS MAESTRE (9) / Ilustración y 'set design' de la sesión que protagoniza Antonio Banderas, quien reflexiona sobre el arte con la sabiduría de quien lleva años divulgando cultura. NACHO ALEGRE - BIS (10) / El fotógrafo encargado de nuestra imagen de portada también intervino con mucho arte sus propias instantáneas de Jon Kortajarena. A mano, con pintura y pincel. Nada de Photoshop.

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OPINIÓN

LAS COSTUMBRES DEL SOL "Necesitamos una revolución que convierta la rabia masculina en ilusión democrática. Sólo así evitaremos que los monstruos ocupen los parlamentos"

paralelo a la dependencia de las mujeres, concebidas como seres destinados a satisfacer nuestros deseos y necesidades. ___Entre la ausencia de nuevos referentes y las inseguridades que provoca perder la solidez del suelo que se pisa, aparecen, como bien señala Lionel S. Delgado, los monstruos. Es decir, esos hombres que se resisten a bajarse del púlpito, que ven amenazas en cualquier propuesta emancipadora y que se agarran con más fuerza que nunca a una identidad agresiva, violenta y autoritaria. Los que en estos momentos, y ésta es sin duda una diferencia cualitativa con lo que ocurría hace apenas unos años, parecen no sentir ningún reparo al posicionarse públicamente como antifeministas, como machos hegemónicos que están dispuestos a salvarnos de utopías igualitarias, como individuos que perversamente se sirven de los instrumentos democráticos con el objetivo de acabar con la democracia.

DISIDENCIA MASCULINA

OCTAVIO SALAZAR ___Tal y como planteara Michael Kimmel en su profético libro Angry White Men (Hombres blancos enfadados), la crisis de la masculinidad tradicional es uno de los factores que está alimentando el crecimiento de opciones políticas conservadoras y reaccionarias. No es casualidad que muchos de esos partidos que a nivel global van ganando posiciones incluyan en sus programas la lucha contra la “ideología de género” o la crítica feroz de todas las transformaciones conquistadas gracias al feminismo. Estas fuerzas políticas, además de acogerse a los facilones discursos del miedo, están dándole voz a todos esos hombres que se resisten a perder su posición privilegiada y que asisten, entre atemorizados y cabreados, al deterioro progresivo de una hegemonía que durante siglos nos ha dado múltiples dividendos. Un modelo de hombre que hoy está en crisis, al haberse agrietado progresivamente las bases de un contrato sexual en el que nuestro rol de proveedores y mantenedores del orden era

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WWW.GQ.COM

___Creo que uno de los grandes errores de quienes nos situamos políticamente en la antítesis de las emergentes fuerzas reaccionarias es precisamente quedarnos en la pataleta y no ser capaces de plantear discursos y proyectos ilusionantes. Unos proyectos que, a mi parecer, habrían de dotarse de los contenidos éticos del feminismo y deberían abrir la puerta a una construcción diversa de lo masculino. Sólo así sería posible superar las múltiples violencias que sufren las mujeres, las discriminaciones que derivan de un pacto de convivencia en el que aún ellas y nosotros no somos equivalentes o las injusticias que provoca un sistema que para convertirnos a nosotros en reyes requiere de princesas dispuestas siempre a andar un paso por detrás. Necesitamos más que nunca hombres capaces de plantarle cara al machismo, que aprovechen las incertidumbres para quitarse corazas y máscaras, que vayan aprendiendo que la empatía y la ética del cuidado son presupuestos del bienestar compartido.

Necesitamos pues una revolución personal y política que convierta la rabia masculina en ilusión democrática. Sólo así será posible evitar que los monstruos ocupen los parlamentos y conviertan nuestros sueños en pesadillas.

ILUSTRACIÓNES: ANA MÜSHELL.

LA URGENTE

___Mucho se ha escrito en los últimos meses sobre cómo este tipo de opciones políticas se consolidan en todo el mundo, y han sido muchos los discursos instalados en la queja o en el desasosiego por parte de quienes ven en este machismo del siglo XXI una de las mayores amenazas para el bienestar y la justicia social. Creo, sin embargo, que deberíamos hacer el esfuerzo de ir más allá del diagnóstico, que creo que todas y todos podemos compartir, para situarnos en propuestas alternativas. Es decir, y es éste un llamamiento que me atrevo a hacer no sólo a los partidos políticos sino en general a la ciudadanía, ha llegado el momento de que empecemos a plantear otros guiones, otras miradas y, en definitiva, otros proyectos políticos que justamente partan de la igualdad como aliento básico de las democracias. Y ello pasa no sólo por una apuesta por seguir avanzando en la consolidación de los derechos de las mujeres, sino también, y con urgencia, en la propuesta de otras masculinidades que nos permitan convertir el malestar en oportunidad para el cambio.

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"Había que conocer La Edra. Durante años encarnó el suave ambiente del 'dolce far niente"

LICOR CAFÉ

MUERTE DE UN PUB MANUEL JABOIS ___De los bares muertos no sólo hay que escribir los obituarios sino recordar los aniversarios de su muerte, como ha ocurrido la última Navidad con La Edra. Fue uno de los pubs más pijos de Sanxenxo que conoció su estertor con un mitin del PP en las elecciones municipales. ___Había que conocer La Edra. Durante años encarnó el suave ambiente del dolce far niente. A los pies de la arena de Silgar, las muchachas del verano doraban las piernas a la luz de la luna de agosto. Muy cerca, sin perderlas de vista, hombres de polo verde prado y reloj gordo de oro se reunían espontáneamente alrededor de una barra para prolongar sin sobresaltos la madrugada mientras se sorteaban los polvos. Sin saberlo, a sus espaldas, las camareras se los sorteaban a ellos, y en aquel cuento de nunca acabar a veces nadie follaba, o se follaba por error. ___La Edra fue el escaparate blanco de la Movida civilizada de Sanxenxo: su

majestuoso esplendor, latiendo despacio junto al educado alboroto de la terraza del Marycielo. A ratos el espectáculo rozaba lo inaudito. Los asilvestrados la descalificaban por pureta, suntuosa y matraca. A ciertas horas Soleares echaba por fuera y La Edra, con cierta reserva, iba recogiendo los pedazos más aprovechables de aquella treintañada que empezaba a detestar las turbas. Chirriaba, detrás de la gran casona, un patio pintado de verde a modo de césped. Más arriba aún se descuelgan, flotando, antiguas casas de piedra rodeadas de jardines temblorosos que sobreviven milagrosamente: el lujoso residuo de lo que pudo haber sido Sanxenxo y no fue. El patio pintado de verde de La Edra era la metáfora del pueblo otoñal del siglo XXI: artificial y enfrentado al verde natural que agoniza encima, trepando por las altas murallas del futuro. ___Lo cierto es que al año siguiente de haber ganado las elecciones, entre otras razones con aquel golpe de efecto de La

Edra en un acto donde sólo se echó de menos a Pilar de Borbón, el candidato del PP que se presentaba, Telmo Martín, amante de las paradojas del destino, tomó una medida inédita: cerró La Edra por exceso de ruido. Nunca aquella selecta clientela se había visto en tal apuro.

Las aguas volvieron pronto a su cauce y se despachó el asunto como una rara anécdota: excentricidades del alcalde o del pinchadiscos, tanto tiene. El neón empapaba las últimas gotas del crepúsculo y Silgar lucía desnuda y limpia a la luz de la selecta luz de la primera línea. Todo poseía una fascinación higiénica y poderosa, aunque si se rascaba mucho aparecían los hierros y los cables de aquel paripé dorado. ___Yo dejé la corresponsalía y me fui a Pontevedra y a los tres años me siguió Telmo Martín como candidato a la Alcaldía en una maniobra florentiniana de Núñez Feijóo, que se puso a ascender a alcaldes.

No le resultó, pero en esas dos campañas Martín y yo estrechamos lazos. Una cosa que tengo que agradecerle es que después de tanto escrito sobre él nunca me haya negado la famosa sonrisa blanca. Yo sé, porque soy periodista, que por la espalda las cosas suelen cambiar, pero a mí eso me da igual. Si en este oficio han de hablar mal de mí, que nunca sea a la cara, que es algo desagradable e incómodo. Soy de fingimientos institucionales, como esos hombres que saben que sus mujeres les ponen los cuernos con una condición: que ellos no se enteren. Tampoco es cosa de que ocurra lo que a Agustín de Foxá, que tenía tan asumidos los cuernos que cada vez que llegaba a la tertulia del café sus amigos callaban de repente y él gritaba desde lejos: "¡Sí, lo soy, lo soy!".

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CULTU RA

FOTOGRAFÍAS: DIEGO LAFUENTE. ASISTENTES DE FOTOGRAFÍA: CRISTINA SANROMÁN Y TERESA BARROCAL.

CINE · SERIES · MÚSICA · ARTE · LIBROS · FOTOGRAFÍA · AGENDA

M Ú S I C A

Hay un gato suelto en Venice Beach Compositor madrileño afincado en Los Ángeles, LUCAS VIDAL es –sin duda alguna– uno de los mayores talentos que tenemos ahora mismo en Hollywood. Allí se lo rifan… aunque él siempre mantiene un pie en España. ___por JESÚS MERINO LÓPEZ

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CULTURA ucas Vidal (Madrid, 1984) vive a caballo entre su ciudad natal y Los Ángeles, lugar elegido para desarrollar su pasión –la música– en un sector –la industria audiovisual– en el que se desenvuelve a las mil maravillas (valga como prueba su Emmy de 2017). Su empresa, Chroma Music, se encarga de alumbrar bandas sonoras tanto para tráileres –la saga de Los juegos del hambre, por ejemplo– como para películas –tiene dos Goya, de hecho; uno a la Mejor canción original por Palmeras en la nieve y otro a la Mejor música original por Nadie quiere la noche–. En los últimos meses le ha puesto ritmo a lo nuevo de Julio Médem e Ibon Cormenzana. También a ese pelotazo de Netflix titulado Élite, proyecto en el que sigue trabajando de cara a la segunda temporada. Entretanto ha sacado tiempo para producir a Raphael. Que siga la fiesta.

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___GQ: Pregunta fácil para empezar: el don de la música, ¿se tiene o se trabaja? ___LUCAS VIDAL: Es un poco de lo primero y un

mucho de lo segundo. Como cualquier otra disciplina artística, el don tiene que estar ahí… pero hay que saber desarrollarlo. A mí me gusta la pintura, pero jamás he podido desenvolverme en ese campo. ___GQ: ¿Cuándo supiste que tú sí tenías el don? ___L. V.: Ya de niño me

gustaba mucho el piano y la música clásica. Por suerte, mis padres vieron algo en mí y decidieron apuntarme a clases de música.

___GQ: ¿Qué tal la experiencia con Raphael (Lucas ha producido el último disco del artista de Linares: Resinphónico)? ___L. V.: Genial. Él es un fenómeno, un tipo mara-

villoso. El concierto de presentación de su disco [el pasado 17 de diciembre en el Teatro Real de Madrid] fue un éxito. Para mí es un honor haber trabajado con un artista como él. ___GQ: Desde fuera da la sensación de que vivir de la música clásica/de orquesta en España es una tarea bastante complicada. ¿Te sientes privilegiado? ___L. V.: Sí. Aunque creo que me lo he trabajado

y que también he tenido la suerte de haber sido apoyado por mis padres desde pequeño, de que me dejaran hacer lo que me gustaba. ___GQ: ¿Hay algún punto de inflexión en tu carrera, un momento en el que todo cambió para bien? ___L. V.: Cuando entré a estudiar en el Berklee

College of Music de Boston. Fue allí donde descubrí el magnetismo de las bandas sonoras de cine. ___GQ: Tienes un pie en España y otro en EE UU. ¿Cómo es la vida al otro lado del océano? ___L. V.: Un poco más deshu-

"El don de la música tiene que estar ahí, pero hay que saber trabajarlo y desarrollarlo"

___GQ: Últimamente has estado muy liado. Has compuesto la banda sonora de Élite, de El árbol de la sangre (Julio Médem), de Alegría tristeza (Ibon Cormenzana)… ¿Cómo afrontas tanto reto? ___L. V.: Es cierto que ahora me estoy enfocando

en el sector audiovisual español porque me gusta mucho lo que se está haciendo aquí. Normalmente, cuando me llega un proyecto me leo el guion y me hago una idea musical de la película. Comparto esta premisa con el director y juntos vamos afinando. Él me cuenta la visión que tiene y yo adapto mi propuesta a su punto de vista.

___GQ: ¿Y cómo es tu día a día, una jornada cualquiera? ___L. V.: Me levanto… ¡y a trabajar! Tengo un estu-

dio en Venice Beach. Es ahí donde paso la mayor parte del tiempo. ___GQ: Suena muy idílico eso de vivir en Los Ángeles y tener un estudio propio en la playa… ___L. V.: Sí, pero todo tiene su parte buena y su parte

mala. Al final, creo que uno siempre quiere volver a casa. Yo estoy en ese punto en muchas ocasiones. ___GQ: ¿Cómo funciona la industria musical allí? ___L. V.: Hay más filtros, más

"Los premios ayudan a corto plazo.

Hoy puedes estar arriba y mañana abajo. En esta profesión, egos cero"

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manizada que en España. Uno tiene que vivir fuera para valorar lo que hay aquí. Y hablo tanto a nivel social como cultural y profesional: aquí hay músicos y equipos técnicos de primer nivel.

gente opinando. Productores, montadores… Siempre te piden cambios durante la edición. Dan muchas vueltas.

Aquí se respeta más la autoría del director.

___GQ: ¿Y los directores te suelen dar el visto bueno rápido? Al fin y al cabo, el músico eres tú… ___L. V.: En ocasiones te dan mucha libertad. Otros

___L. V.: Muy bien. Con la rama de tráileres esta-

entran al detalle. Yo prefiero esto último porque así aprendo también. A fin de cuentas, yo estoy al servicio de su película. Tal vez no tengan educación musical, pero sí tienen muy claras las emociones que quieren transmitir. Yo las traduzco a notas.

mos muy contentos. Hemos trabajado en proyectos muy potentes como Los juegos del hambre, Star Wars, First Man (El primer hombre), Interstellar… Estamos muy bien posicionados. Tenemos a unos 80 compositores colaborando con nosotros.

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___GQ: ¿Qué tal le va a Chroma Music?

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'NOSOLOMÚSICA'

"Cuando no estoy trabajando, me gusta pasear o jugar al pimpón. También me relaja cocinar, aunque no se me da especialmente bien…".

___GQ: Dos Goya, un Emmy, un Hombre GQ del Año 2016 (ejem , ejem)… ¿Cómo ayudan los premios? ___L. V.: Te pueden dar exposición, pero el día a día

pre me fijo en Alberto Iglesias, un ganador de diez premios Goya y un tipo estupendo. Es un modelo a seguir a la hora de saber cómo gestionar una carrera.

es mucho más importante que cualquier premio porque al final lo que importa eres tú y el trabajo que tú hagas. Son reconocimientos a corto plazo. Lo mismo hoy estás arriba y mañana abajo. En esta profesión, egos cero. Ése es problema que le veo a los premios: que pueden despegarte los pies del suelo. Yo siem-

___GQ: ¿Te asusta pensar en el día en que la ola no te sea tan favorable? ___L. V.: No. Hay que saber que esto funciona por

ciclos. Los malos te hacen disfrutar más de los buenos. Estar siempre arriba debe de ser muy aburrido.

Yo necesito nuevos retos.

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D I S C O S

La carátula del arte Dalí, Miró, Warhol, Mapplethorpe, Murakami…

La música pop también abraza el arte gracias, en gran medida, a algunas de sus PORTADAS. ___por RAFA CERVERA

ntes de que el elepé fuese un objeto cultural de consumo masivo, el arte ya campaba a sus anchas por sus cubiertas.

En los años 50, la firma de un diseñador de creciente popularidad llamado Andy Warhol se hizo habitual en decenas de discos de jazz y música clásica. Pero éstos eran discos especializados y formaban parte de un nicho mercantil. Solamente con la elevación del disco –single o álbum– como artefacto pop llega la ineludible necesidad de vestirlo de forma conveniente, para que compita con otros lanzamientos.

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La portada pasa a ser un elemento fundamental del disco y éste deja de ser solamente música. Es entonces cuando el diseño busca la alianza con la pintura. El pop art facilita las cosas. Warhol y Peter Blake firman las portadas de dos de los álbumes fundamentales de los años 60, The Velvet Underground & Nico y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, ambos editados en 1967. Los Beatles repetirán un año después encargándole la cubierta del álbum blanco a Richard Hamilton. Comienza una nueva era. Reconocidos fotógrafos como Richard Avedon se encargan de ilustrar portadas de Simon & Garfunkel o Sly & The Family Stone.

La ilustración también ocupa su espacio. En 1974, Mick Jagger comete el error de hablarle a Bowie del dibujante que pintará la portada del nuevo álbum de los Stones.

Meses antes de que It’s Only Rock & Roll salga a la venta, Bowie ya ha publicado Diamond Dogs que, como el anterior, tiene portada del belga Guy Peellaert.

En 1975, Horses rompe con su portada el rol de la mujer en el pop. Robert Mapplethorpe presenta a una Patti Smith masculina y desafiante. Por su naturaleza rupturista, el punk se entiende poco con el arte, pero en los diseños del post-

FOTOGRAFÍAS: D. R.

CULTURA

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punk hay rastros de las vanguardias europeas, especialmente en el constructivismo que define The Man Machine (1978) de Kraftwerk.

Mientras, en Nueva York los pintores son músicos, los músicos son cineastas y el grafiti también es arte. Robert Longo crea una portada para Glenn Branca, que forma parte de la serie Men in Cities, cuya inspiración abarca tanto otras portadas (This Is Happening, LCD Soundsystem, 2010) como la campaña publicitaria de una colección de Bottega Veneta. Las obras de Keith Haring comienzan a aparecer habitualmente en discos, ya sean de Bowie o recopilatorios de música experimental, mientras que una obra del colorista Kenny Scharf se convertirá en portada para el Bouncing Off the Satellites (1986) de B-52's. Compañeros de generación de éstos, como Francesco Clemente o Julian Schnabel, firmarán portadas exclusivas para Mick Jagger –el primero– y Elton John o José María Cano –el segundo–. El underground se convierte en una mina de inspiración artística de portadas. Sin el punk del sello SST no existiría Raymond Pettibon. Sin su obra y sin la de firmas como Richard Prince, Gerhard Richter o Mike Kelley, la discografía de Sonic Youth no sería la misma.

DEL 'POP ART' AL ARTE DEL POP

En la España de La Movida también se desata una notable comunión entre música y arte. Ouka Leele, El Hortelano, Ceesepe o Alberto García-Alix firman memorables portadas de Ilegales, Gabinete Caligari, Golpes Bajos y Ana Curra. En los 90, el diseño de portadas español se convierte en arte gracias a Javier Aramburu. En Inglaterra, el Brit pop recupera a Peter Blake y el mainstream recurre a Mark Ryden para la portada del Dangerous de Michael Jackson (1991). A medida que la cultura pop va encontrando su lugar en los museos, cuesta más trabajo diferenciar entre el arte aplicado al diseño de portadas y el diseño de portadas que, en sí mismo, es un arte.

Pero las grandes firmas siempre funcionan, y Lady Gaga le encarga a Jeff Koons que se ocupe del envoltorio de ArtPop (2013) como Kanye West y Kid Cudi se ponen en manos de Takashi Murakami (el primero ya lo hizo por su cuenta en 2007 para Graduation) para la cubierta de Kids See Ghosts (2018), su álbum conjunto. La vanguardia artística aplicada al diseño la definen hoy en día Inez & Vinoodh en su trabajo con Björk y con Anohni, pero las posibilidades se acumulan y mutan. Nada es definitivo salvo la certeza de que la música pop es ya un arte y como tal necesita de las artes visuales.

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CULTURA

Tócala otra vez, Yann El músico francés regresa con ALL, un disco con el que vuelve a evidenciar la importancia que tiene la naturaleza y el entorno que le rodea en su obra reciente. ___por JESÚS MERINO LÓPEZ

ara entender la música de Yann Tiersen (Brest, Francia, 1970) hay que conocer mínimamente el entorno en el que discurre su día a día. Antes de seguir leyendo, teclea Ouessant (o Ushant, en inglés) en Google y échale un ojo a esa islita que flota frente a las costas de la región de Bretaña. Unos 15 km de superficie en medio del litoral atlántico tocados por verdes praderas, acantilados de infarto, un faro de postal y paisajes infinitos. En una de esas 70 u 80 casas de piedra y madera que salpican la isla vive el genial músico galo. En otra tiene su estudio, The Eskal,

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FOTOGRAFÍA: GETTY IMAGES.

M Ú S I C A

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un otrora centro de reuniones vecinales que ha tenido a bien reconvertir en su lugar de inspiración y trabajo. Algo más de diez años lleva viviendo allí con su familia, condición que ha terminado afectando –creemos que para bien– a su obra. Como la arquitectura de Frank Lloyd Wright o Alvar Aalto, la música de Yann Tiersen está profundamente ligada a la naturaleza. ¿Música orgánica? Le queda bien la etiqueta, sí.

All (Pias/Mute), disponible desde el 15 de febrero, simboliza a la perfección esta preocupación por el medio ambiente y la conexión con la naturaleza que ya exploró en profundidad en EUSA, su anterior álbum de estudio (de 2016). "La isla tiene una gran influencia en todo lo que hago tanto a nivel emocional como a nivel puramente compositivo. Recojo sonidos del entorno que luego mezclo con bases electrónicas o piezas de piano. La idea es recrear el ambiente del lugar en el que vivo, colocarlo en un álbum y mostrárselo al mundo", nos cuenta el bretón entre interferencias al otro lado del teléfono (las comunicaciones en Ouessant todavía tienen que mejorar). "Es un lugar pequeño, apenas cinco kilómetros de largo por tres de ancho, pero cada día me ofrece un detalle desconocido. Ni te imaginas lo lejos que puedes llegar en esos cinco kilómetros.

ENTRE SOMBRAS Descubro algo mágico a diario. No importa el Durante su última gira tamaño del sitio en el que vivas, sino el partido (2017), Yann Tiersen actuó en sedes de que seas capaz de sacarle a todo lo que te rodea. reconocido prestigio Parte de esa magia es la que quiero compartir a como la Ópera de Sidney, través de mis canciones. No importa lo lejos que la Filarmónica de San estés; tú también puedes disfrutar de Ouessant Petersburgo o el Parco della Musica de Roma (en a través de All". Mezclado y coproducido por la imagen).

Gareth Jones (Depeche Mode, entre otros), el disco incorpora también grabaciones en los bosques de madera roja de California e incluso en el antiguo aeropuerto de Berlín (como ya puedes apreciar en Tempelhof, primer adelanto del LP). Poco queda del tinte afrancesado que solía colorear cada uno de sus primeros trabajos. Las melodías alegres y cristalinas han dejado paso a un barniz más místico y experimental. La atmósfera, el hábitat en el que se mueve, protagoniza esta etapa de su carrera.

Antes de establecerse en Ouessant, Yann Tiersen ha tenido que vivir –por motivos de trabajo– en urbes descomunales como París o Londres. El éxito de las bandas sonoras de Amélie (Jean-Pierre Jeunet; 2001) y Good Bye, Lenin!

(Wolfgang Becker, 2003) le abrió las puertas del mainstream (todo lo mainstream que puede ser un músico de sus características). Giras mundiales, presencia en festivales, conciertos multitudinarios, fama y reconocimiento. Visto desde fuera, uno podría tener la sensación de que la vida en la isla es una suerte de válvula de escape para él.

"Así es. Es sencillo pensar que la vida aquí es un tanto solitaria, pero yo me siento más aislado en las grandes ciudades. Aquí siempre estoy cerca de alguien. Me siento como si estuviera en una gran familia, cerca del mundo en el que he decidido

"El hombre se percibe a sí mismo como el centro del universo, pero en realidad la base de todo es la naturaleza"

vivir. La vida moderna me resulta mucho más aislante. Aquí me rodea el océano; allí, el cemento, la materia muerta. El hombre se percibe a sí mismo como el centro del universo, pero en realidad la base de todo es la naturaleza. Al menos yo lo entiendo así", nos explica. Ante tal afirmación, es obligado preguntarle cuál es entonces el papel que juega la música en su día a día: "Me gusta simplificarla. Verla como un juego. Me divierto encontrando nuevos sonidos para expresar sentimientos a través de ellos".

Por suerte o por desgracia (es difícil definirlo en su caso), Yann Tiersen abandona ahora la tranquilidad de su hogar para embarcarse en un tour que le llevará por Luxemburgo, Suiza, Bélgica, Reino Unido, Suecia, Dinamarca, Noruega, Holanda, Alemania, Francia, Italia, Canadá y EE UU. Muchos vuelos, mucho trasiego, muchos días alejado de su familia, de su entorno. ¿Estás preparado para todo lo que conlleva la publicación de un disco? "Sí, me gusta mi vida en la isla pero también necesito sentir el cariño y las buenas vibraciones del público. Es una de las partes más gratificantes de lo que hago. Una gira es agotadora, pero regreso a casa con una maleta llena de buenos recuerdos. Compensa, y mucho, salir ahí fuera".

Viendo el listado de países a los que viaja, tal vez tú también te estés preguntando por qué demonios no aparece España. "¿De verdad que no está?", se extraña Yann. "Por ahora no", le respondemos. "Bueno, no hay de qué preocuparse; seguro que os visito en algún momento de 2019", aclara. "Perfecto. Te tomamos la palabra.

Disfruta del día".

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CULTURA

M Ú S I C A

El maestro del pop Tras su paso por 'Operación triunfo', MIQUI PUIG saca disco para decirnos alto y claro que él es como es y que no tiene pensado cambiar. ___por RAFA CERVERA

iqui Puig le echa un vistazo a uno de los estantes donde reposan sus discos. "Ahora que se lleva tanto enseñar en redes sociales los álbumes que uno tiene, los que yo destacaría de mi colección son de Lee Hazlewood, Jobim, Howard Devoto y Spandau Ballet". Hay gente que tiene que devanarse los sesos para ser original. Y luego hay gente que nace siéndolo y lo es cada minuto del día sin tener que esforzarse lo más mínimo. Eso es lo que diferencia a los cantamañanas de los tipos genuinos. Miqui Puig es uno de los músicos españoles que encabeza el segundo apartado. Si montásemos una versión alternativa de Juego de tronos, Miqui tendría su propio reino, uno que daría cobijo a todos aquéllos que creen que dudar nos hace humanos; y, por supuesto, ese reino se vería asediado por las huestes furibundas que van a favor o en contra de cualquier cuestión posible. "Parece que hoy en día la duda está mal vista. Hay que posicionarse a un lado o a otro. Pues la verdad es que yo estoy colocado desde hace pos, la Asociación Ciclista Popular (lo leerás como ACP). mucho tiempo entre ambos y no le veo el problema".

"Es como una mixtape, una cinta de ésas que le grababas a El nuevo sencillo de Miqui se titula Raros. Es un alegato empoderalos amigos. El título sintetiza lo que es mi mundo. El barro, dor para todo aquél que sienta que no encaja en los moldes sociales que que es donde andamos metidos cada día y del cual parece tácitamente se fabrican para clasificarnos. "Es una letra que reivindica que que no salimos nunca. El amor, que es a lo que le canto… nos dejen ser lo que queramos, que nos dejen decir lo que queramos. y aunque a veces me agote no puedo dejar de hacerlo.

Básicamente, es algo que forma parte de mi manera de tocar els collons".

Y las motos. La estética del anterior álbum recaía sobre Miqui Puig siempre ha sido una anomalía en un panorama cultural en el que las bicicletas, por eso el otro día bromeaba con la banda este tipo de disidencias no acaban de gustar. Se hizo popular a principios de diciéndoles que lo próximo tendrán que ser los coches". los 90 cantando Bonito es con Los Sencillos. No era el prototipo de pop star al Dice Miqui que este disco refleja un momento de calma, que estamos acostumbrados. Fondón pero con estilo; melódico pero con de estar en paz consigo mismo. Una sensación que tamdiscurso consistente. Y con amplitud de miras. Por eso, a pesar de que el bién le acompañó en su labor como profesor de música grupo lucía imagen mod, Miqui nunca quiso quedarse atrapado en un género en la última entrega de Operación triunfo. Acostumbrado a o en una estética. Se puede decir que no hay estilo que no haya probado la exposición mediática que proporcionan los concursos en sus más de 30 años de carrera. Ha hecho acid y ha versionado a Serrat; televisados –en los 90 participó en Lluvia de estrellas y en los ha cantado con Alaska –Fangoria le son incondicionales– y con Jeanette.

2000 fue jurado en Factor X–, no puede dejar de asombrarse Raros, de hecho, es un tema de rock con toques electrónicos que reivindica ante la virulencia de algunas opiniones vertidas en redes. esa libertad que él siempre ha promulgado.

"Había quien me decía: 'Enséñales algo sobre música buena'.

Y no. Eso es demasiado ambiguo. Yo les he enseñado cultura musical. Si he sido capaz de proporcionarles ideas que les INFLUENCIAS DE LO MÁS VARIOPINTAS ayuden a crecer en esa línea, estupendo. De eso se trataba.

Nacido en La Ametlla, Barcelona, hace 50 años, Miqui creció en la Pero no olvidemos que todos pertenecemos a una cultura granja de su familia rodeado de música. Su padre, fallecido hace unos determinada. Ellos también. En definitiva, con los alumnos años, cantaba en un coro. Su recuerdo vuelve a colarse en los nuevos pasa como con cualquier otro grupo de personas: hay unos temas de Miqui. Plum Cake comienza con la canción popular vasca Boga que son más interesantes que otros". boga, Mariñela. "El Jordi [su progenitor] solía cantarla en la coral. Como Volvemos al principio de la charla para terminar la hombre de izquierdas que era, me llevó a ver al Coro del Ejército Rojo entrevista. ¿Qué lugar cree Miqui Puig que ocupa él en al Palacio de los Deportes de Barcelona cuando era pequeño. La verel universo del pop español? "La pregunta del millón. sión que he usado para la canción es la que grabaron ellos". Plum Cake, No voy de maldito, porque eso no sirve de nada; pero creo Raros, Hunos, Cómic, Chill Out y Karaoke son títulos de piezas incluidas en que soy inclasificable. Flipo con las guitarras, el italo disco, su nuevo álbum, 15 canciones de amor, barro y motocicletas (LAV Records). El la cumbia… Soy el raro de la película". álbum está grabado con el grupo que le acompaña en los últimos tiem28

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FOTOGRAFÍA: SILVIA TORTAJADA. ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA: CARLA ÁVILA.

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REBELDE CON CAUSA-EFECTO

Música e imagen son indisolubles en el discurso de un artista apasionado que nunca pasa desapercibido.

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G A L E R Í A S

Los otros cicerones del arte moderno

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Juan Manuel y Begoña Lumbreras (padre e hija) están al frente de Juan Manuel Lumbreras, galería situada en el Ensanche de Bilbao a medio camino entre el Guggenheim y el Museo de Bellas Artes.

Enfocada en artistas contemporáneos, vanguardias históricas, promoción de jóvenes autores y obra sobre soporte papel, este mes suma dos proyectos a su oferta, uno de fotografía (Cano Erhardt) y otro de pintura (Sonia Toneu).

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La barcelonesa ADN Galería fue fundada en 2003 por Miguel Ángel Sánchez con la voluntad de apostar por la vertiente más actual del arte y de potenciar el diálogo entre profesionales y público.

Además de incluir propuestas extragalerísticas en su programación –artes escénicas, danza y videocreación–, su catálogo cuenta con nombres consagrados como Nuria Güell o Jordi Colomer. Desde enero expone Y la tierra será el paraíso, proyecto de Domènec.

Rastrear, seleccionar y exponer PROPUESTAS EMERGENTES es el 'modus vivendi' de nuestros enlaces con la modernidad: los galeristas. ___por JESÚS MERINO LÓPEZ

ntuitivas, amplias de miras, arriesgadas. Las galerías de arte arrojan luz sobre el en ocasiones enrevesado mundo del arte contemporáneo.

Seleccionan, filtran y exponen obras de artistas emergentes. Visibilizan el trabajo de jóvenes talentos por descubrir. Hijas de su tiempo, son testigos de los cambios socioculturales y de su reflejo en lienzos, esculturas, fotografías o piezas audiovisuales.

Nos acercan la otra cara del arte, la que todavía no ha llegado a las grandes pinacotecas, y nos sirven como brújula y fuente de inspiración. En este mes tan arty, hemos seleccionado seis galerías –cada una de una ciudad diferente– cuyas propuestas permanentes y/o temporales dan buena muestra de la importancia de su misión: abrir la puerta del arte moderno a quien esté dispuesto a traspasarla. Y tú, ¿te atreves?

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Fundada en 2011 y gestionada por Francisco Salas, la viguesa PM8 se presenta como un punto de encuentro entre el arte contemporáneo y el compromiso sociocultural.

El año pasado, el escaparate gallego participó en LISTE - Art Fair Basel, feria internacional que selecciona a las mejores galerías emergentes del mundo.

Este mes volverá a tener presencia en ARCO, donde presentará obras de Rosalind Nashashibi y Algirdas Seskus.

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En Galería Alegría ofrecen una programación accesible y de calidad alejada de tendencias y nombres estrella. Dan la cara por artistas al margen de los circuitos habituales, apuesta que le otorga su valor diferencial. Patricia Donohoe y Sebastián Rosselló comandan esta nave sita en el número 35 de la calle Doctor Fourquet, epicentro galerístico de Madrid y punto de acceso al Reina Sofía. Repite en ARCO.

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Desde 2013, el programa de Espai Tactel (de mudanza; en abril reinauguran en la calle Caballeros) se centra en la promoción del arte contemporáneo en sus distintas expresiones, prestando especial atención a las últimas tendencias. Su perspicacia les ha permitido abrir delegación en Barcelona bajo el nombre Espai Tactel. Toormix, un lugar en el que fusionar arte, pensamiento, diseño y experimentación. Bajo el mando de Ismael Chappaz y Juanma Menero, la galería valenciana –y ahora también barcelonesa– estará presente en el Programa General de ARCOmadrid 2019.

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Fundada en Santa Cruz de Tenerife en 1979 por Lele H. Colomer y Ángel Luis de la Cruz, la galería Leyendecker siempre ha mantenido el pulso de la actualidad. Especializada en arte internacional de vanguardia, por sus paredes han desfilado artistas como Julien Michel, Jeremy Blake, David Lachapelle o Alberto Borea.

FOTOGRAFÍAS: JUAN BOADO (JUAN MANUEL LUMBRERAS); NACHO LÓPEZ ORTIZ (ESPAI TACTEL); D. R.

CULTURA

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Pintura del proyecto Joven llama a Joven, de Eztizen la Cruz.

X-Ville, de Jordi Colomer.

Glass of Wine, de Rosalind Nashashibi.

BILBAO / JUAN MANUEL LUMBRERAS

VIGO / PM8

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Miguel Ángel Sánchez.

Juan Manuel y Begoña Lumbreras.

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BARCELONA / ADN GALERÍA MADRID / GALERÍA ALEGRÍA

VALENCIA / ESPAI TACTEL

Sardinas y champán, de Jorge Diezma.

Sebastián Rosselló y Patricia Donohoe.

Digital Clone, de Christto & Andrew.

Ismael Chappaz y Juanma Menero.

Yayladagi, Turkey, de Richard Mosse.

TENERIFE / GALERÍA LEYENDECKER

Lele H. Colomer y Ángel Luis de la Cruz.

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25 AÑOS NOS HAN TRAIDO HASTA AQUÍ...

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Hay un nuevo hombre para el que el arte no es sinónimo de esnobismo, sino de emoción,instinto e innovación.

Bienvenidos a la era del Homo Cupra.

ace 25 años, la liturgia del arte se circunscribía a los museos decimonónicos y a las galerías de suelo encerado. Un universo paralelo sólo capaz de trascender a través del escándalo. Los compradores se acercaban a la posesión de la obra casi únicamente como una inversión o como un símbolo de estatus. Sin embargo, la evolución de los gustos y de la tecnología, así como la aparición de las redes sociales, han construido un nuevo hombre con un interés por el arte que va más allá del esnobismo o la presunción. Un hombre sofisticado que valora cada obra por su alma, sigue su propio instinto a la hora de coleccionar y se aproxima a la cultura visual de una forma honesta y genuina. Un hombre que, ávido de emoción y experiencias, va más allá de los formatos tradicionales y entiende la exclusividad despojada de fetichismo. Es el Homo Cupra y así es como se inspira.

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01. MUROS POR LIENZOS -

SEUDÓNIMOS IMPARABLES

La calle se ha convertido en la pasarela más grande del mundo y el arte no es ajeno a esta realidad. Basquiat y Haring, en los años 80, comenzaron a introducir sus orígenes suburbanos en su imaginario, pero sin llegar a intuir el éxito de grafiteros como Okuda San Miguel, Vhils o Banksy.

Artistas que crean directamente sobre las aceras, exponiendo sus creaciones a un público infinito y sometiéndolas a la intemperie y al devenir de las propias ciudades. Otra corriente es la que ejemplifica el galo Moun, un grafitero que ha diseñado un soporte de resina muy

TANTO BANKSY (ARRIBA) COMO OKUDA (ABAJO) TRIUNFAN EN CALLES Y GALERÍAS SIN TRAICIONAR SU ORIGEN CALLEJERO.

similar a la textura de las paredes para que la domesticación de sus obras no signifique renunciar a su origen.

02. LA CIUDAD TRANSFORMADA Años atrás, la corriente Acción Poética llenó las bardas de decenas de ciudades con versos reconocibles y con juegos de palabras resultones que viralizaron de forma efervescente. Su filosofía se estructuraba alrededor de una idea, sin poesía no hay ciudad, una soflama que resume a la perfección la transformación de las urbes en espacios de arte. Y no sólo estamos hablando del street art, sino de las nuevas formas de interactuar entre el ciudadano y la obra en cuestión. Una transformación que explica que el principal icono de Chicago sea un espejo ideado por Anish Kapoor que pone patas arriba su skyline o que Carsten Höller triunfe transformando torres en toboganes.

TEXTO: JAVIER ZORI DEL AMO. REALIZACIÓN: CONDÉ NAST SPAIN CREATIVE STUDIO. FOTOGRAFÍAS: GETTY IMAGES

DEL

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LIBERTAD DE SOPORTES EL ARTE YA NO ESTÁ ENMARCADO, SINO QUE SE PROYECTA EN LAS PAREDES (IZQUIERDA) O NACE EN LA ICONOGRAFÍA TRIBAL.

03. ARTE ILUMINADO -

05. VUELTA A LO ESENCIAL -

El éxito de exposiciones multimedia como Van Gogh Alive o de las creaciones del colectivo nipón teamLab plantea un nuevo paradigma: no nos interesa tanto la contemplación esnob como la inmersión integral en la obra. Por eso, el arte lumínico está protagonizando la última revolución, aquélla en la que lo bidimensional cobra vida, ya sea mediante videomapping o a través de instalaciones con las que interactuar y que lanzan al espectador un anzuelo multisensorial irrechazable.

El futuro ya no es lo que era. Su estética ha dejado de ser una fuente de inspiración en el arte en detrimento de lo humano, lo esencial y lo tribal. Es decir, nos vuelve a interesar cuidar el alma y las relaciones con las personas. Este antropocentrismo, racial y underground, inspira la creación de logos como el de Cupra. Tal y como apunta su jefe de diseño, Alejando Mesonero Romanos, consiste en la unión de dos ces que simbolizan "el sentimiento de pertenencia a una familia".

...AL

ESTILO PARA TODOS EL BOOM DE LA ILUSTRACIÓN HA DEMOCRATIZADO EL ARTE Y HA CONVERTIDO A ARTISTAS COMO CAVOLO (SOBRE ESTAS LÍNEAS) EN REFERENTES COTIZADOS.

PASSION ART

04. SINGULARIDAD ILUSTRADA -

El lenguaje directo y reconocible de las ilustraciones, su conexión con la actualidad, su precio, su formato y tamaño –perfecto para cualquier casa– y su exclusividad seriada permiten introducir el arte en el día a día con éxito, apostando por creaciones que han emigrado del diseño industrial al lienzo y que en poco espacio cuentan mucho.

Fuerza y pasión enmarcadas que son pura creatividad, tal y como demuestra la versión que Ricardo Cavolo realizó de la portada de GQ del mes de diciembre de 2018.

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FOTOGRAFÍA: ERIN PATRICE O'BRIEN / NETFLIX.

CULTURA

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nuestros padres y hermanos en la niñez determinan quiénes seremos como adultos. En mi caso, mis padres me ayudan a mantener los pies en la tierra. Jamás permitirían que me convirtiera en un arrogante. La familia implica arraigo, Se metió al público en el bolsillo con 'Juego de tronos' unos valores comunes y un lugar donde encontrar cobijo en periodos difíciles. o 'Northmen' y hoy ya tiene ambos pies en Hollywood.

Es un pilar fundamental".

Abran paso a TOM HOPPER, que viene embalado.

El coqueteo de la serie con el fin del ___por CARMEN COCINA mundo nos brinda la excusa perfecta para sacar a la palestra el cambio climático y el crecimiento del extremismo en los últimos años. Hopper se muestra cauto, aunque no elude menciones al Brexit y el trumpismo: "Gran Bretaña está viviendo una época determinante. Aún estábamos asimilando el impacto del Brexit toda la responsabilidad sobre él, lo que le produce una gran cuando EE UU soron 33 años y apenas diez presión. Es un hombre muy sensible que siempre intenta hacer prendió con un giro desde su primer trabalo correcto". Un héroe en toda regla, aunque Hopper tiene su mucho más radical y jo ante la cámara, Tom propia definición al respecto: "Cuando interpreto a un héroe, amenazador. Incluso Hopper (Leicestershire, siempre busco en él rasgos que lo acerquen al gran público. el planeta está en Inglaterra, 1985) avanza Por ejemplo, el esfuerzo. Mucha gente cree que un héroe es peligro. Pero en el sin prisa pero sin pausa. sólo un tipo duro; pero para mí se trata de alguien que lucha pasado hemos tenido A su nada desdeñable experiencia en series por superar sus propios límites y consigue llegar más allá de lo problemas similares de televisión (donde parece tener gancho que él mismo se creía capaz. Alguien que está a la altura de cada y los hemos supepara los papeles de guerreros medievales, situación y que se esfuerza por hacer lo que cree que es correcto. rado, así que espero léase Juego de tronos, Merlín o Northmen) se A veces, los líderes tienen que dejar a un lado sus creencias para que esta vez ocurra suma ahora The Umbrella Academy, nueva hacer lo que es mejor para el interés general. Para mí, ser un héroe lo mismo. Creo que producción propia de Netflix. Adaptación es eso: saber hacer renuncias por una buena causa". Lo cierto es la clave es seguir del cómic de Gerard Way y Gabriel Bá, que, al igual que los anteriores, este papel tiene una parte muy físicon nuestras vidas y esta ucronía –ambientada en 1977, en ca que el actor vive con placer. "Me gusta participar en escenas de apostar por la gente un EE UU en el que Kennedy nunca ha lucha. De niño hacía judo, así que disfruto cuando puedo aplicar adecuada para salir sido asesinado– se centra en una curioesta destreza en un rodaje. No es el tipo de cine que me gusta ver, de todo ello". sa estirpe de siete hermanos con superpero sí el que me gusta rodar. Lo más valioso de esta profesión son Sobre Hollywood poderes que lucha contra las fuerzas del las experiencias que vives en el plató, ya sea peleando, escalando se muestra igualmenmal para evitar el apocalipsis. "Lo que o de cualquier otra forma. En el caso de The Umbrella Academy, creo te ortodoxo: "Es el más me atrajo es que no es la típica hisque su visionado será tan estimulante como lo ha sido su rodaje". lugar más próspero toria de superhéroes. En este género los Otro incentivo es el poso freudiano de la historia, subpara cualquier actor, personajes no suelen tener profundidad. texto que el intérprete abraza con ganas: "Las relaciones con además de un sitio Y a mí me gustan los proyectos en los que fascinante. Son los sí tienen peso, en los que la historia es su grandes estudios los que han traído la historia. Eso es lo que ocurre en The Umbrella época dorada que estamos viviendo en la Academy. Lo relevante no es que en este epitelevisión, dando origen a las plataformas sodio maten a tal villano y en el siguiente a de TV a la carta donde se mueve todo tal otro, sino las relaciones entre un grupo hoy. Y, por supuesto, los que siempre han de hermanos muy peculiar. Se trata de un proporcionado una factura impecable drama familiar siniestro y divertido en el a los estrenos en cine. Hay mucha vida que los superhéroes son sólo un factor de bullendo allí". Así, tras romper el hielo con la ecuación", nos explica. comedias como Los juegos del desmadre o ¡Qué En la serie, Hopper da vida a Luther, guapa soy!, lo próximo será Climber, biopic el mayor de la progenie del extraño ciensobre el poeta y alpinista Gary Hemming tífico Reginald Hargreeves. "Al igual que CABALLERO… DE PONIENTE en el que será su primer protagonista en sus hermanos, Luther es un chico venido En Juego de tronos, Tom da vida a Dickon Tarly, el cine. Al rey lo que es del rey. del espacio. Su padre adoptivo hace recaer hermano fortachón del no tan fortachón Samwell.

S E R I E S

Otro tipo de héroe

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CULTURA

L I B R O S

La penúltima profecía La nueva novela de Michel Houellebecq, 'SEROTONINA', es una lúcida historia sin esperanza sobre la desintegración de un hombre y el hundimiento de la Unión Europea. ___por ENRIQUE BUERES

a nube de tags que sobrevuela la cabeza de Michel Houellebecq incluye palabras como polémico, irreverente, nihilista, provocador, maldito, insolente, genio, azote, pesimista, misántropo, controvertido… pero, en realidad, su campo semántico debería ir precedido de la palabra Profeta. En mayúscula. Porque tal y como ha demostrado en sus más recientes novelas, nadie como él ha sabido adelantarse con tanta precisión a movimientos y acontecimientos sociales. Lo hizo con Plataforma, publicada un mes antes del 11-S, donde reconstruía un atentado islamista en Tailandia similar al que se produciría un año después en Bali. Repitió su anticipación profética con Sumisión, novela de política ficción que presentaba una Francia presidida por un islamista y que salió a la venta el mismo día del ataque terrorista contra la revista satírica Charlie Hebdo, en enero de 2015. En general, toda su obra de ensayo, poesía, novela y música presagia el desasosiego, la incertidumbre y, en cierto modo, la desintegración que experimenta la sociedad contemporánea. Su nueva novela, Serotonina (Anagrama), publicada en Francia, España, Italia y Alemania a principios de enero, también refleja en algunos de sus capítulos la cólera y la desesperanza que ha movido a los agricultores franceses a enfundarse los chalecos amarillos para decir hasta aquí hemos llegado. Houellebecq muestra con clarividencia la revuelta de las clases medias empobrecidas que convulsionó Francia a finales de 2018. Claro que él ya lo había imaginado (y escrito) mucho antes. El protagonista y narrador es Florent-Claude Labrouste, un desarraigado, obsesivo y autodestructivo ingeniero agrónomo de 46 años (la profesión de Houellebecq en el pasado), que sólo se siente motivado con un antidepresivo generador de serotonina: el Captorix. La novela está ambientada en los paisajes urbanos de la Francia menos glamurosa: carreteras secundarias, hoteles periféricos y centros comerciales propicios a la alienación. Las primeras páginas del libro transcurren en la soleada España. El narrador pasa unos días en unos apartamentos naturistas de Almería frecuentados por jubilados nórdicos. En el camino de vuelta a París, se aloja en el parador de Chinchón, situación que al narrador le sirve de excusa para elogiar a Franco como inventor del turismo con encanto.

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El peculiar escritor, que nos deslumbró hace ya 20 años con Las partículas elementales, ha visitado España en varias ocasiones y también ha residido durante algunas temporadas en Lanzarote y, sobre todo, en Almería. En las entrevistas que concede de vez en cuando responde con laxitud y parsimonia. Entre el final de una pregunta y el comienzo de una respuesta pueden pasar tranquilamente cinco minutos (exagerando) o tres (sin exagerar). Esos agujeros negros temporales son aprovechados por Monsieur Houellebecq para enlazar un cigarrillo con otro y espolvorear su chaqueta con las cenizas que se desprenden de su incineradora manual. El ganador del Premio Goncourt por El mapa y el territorio es un tipo que va por ahí con cara de "todo me suda la polla y no estoy en condiciones de ayudar a nadie". En 1999 le preguntábamos en Madrid si creía que internet provocaría en el futuro más soledad y más incomunicación. "Nos llevará a la soledad. Internet no aumenta lo que yo llamo las relaciones humanas". Ahí lo tienes: profetizando hace dos décadas lo que hoy es una realidad incontestable. Otra pregunta que le formulamos en aquella lejana ocasión: ¿Cómo ve Europa en 2025? "No veo gran cosa. Estoy convencido de que cuando la biología molecular llegue al nivel cuántico ocurrirán cosas. Europa, por una parte, tiende a acercarse a EE UU. El islam está funcionando muy bien en Europa. Cualquier secta puede funcionar muy bien aquí. Me parece que la tendencia de los ancianos a suicidarse o la eutanasia es algo que se aplaude". Tío, lo has clavado. ¿Pero hay alguna pregunta que moleste a Houellebecq? "Depende de qué tipo de pregunta sea. Por ejemplo, jamás hablo de mis padres ni de mi pasado. Por el contrario, no me cuesta nada hablar de mis costumbres sexuales, algo que, según me he dado cuenta, puede llegar a interesar mucho a mis lectoras. Así que depende". Pues vamos al lío. "El sexo no me decepciona; el consumismo, sí. La sexualidad sigue siendo una baza importante. El sexo facilita la comunicación. Es una experiencia básicamente positiva. Los franceses compran camas de 1,60 metros. Los americanos, que quieren chulearse más, las compran de dos metros". ¿Algo para titular?

"Es un placer insultar a la gente de vez en cuando".

FOTOGRAFÍA: DIEGO LAFUENTE.

RARO COMO UN PERRO SUBMARINO

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CONTRA EL MUNDO

Cuatro años después de la polémica con el islam que originó Sumisión, Houellebecq vuelve con un personaje que se opone una vez más al ultraliberalismo.

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CULTURA

A G E N D A

Madrid Central (del arte) Los ESPACIOS CULTURALES de la capital ofrecen muestras para todos los gustos. Necesitarás planificarte muy bien para poder visitarlas todas, eso sí. Aquí te dejamos las más relevantes. ___por JESÚS MERINO LÓPEZ

9J;GeY\ja\ *()1& Ocupa el primer puesto de este listado por motivos obvios. La feria internacional de arte contemporáneo más importante de nuestro país vuelve a dar cobijo tanto a los creadores más innovadores como a reconocidos especialistas del sector. En su 38ª edición, Perú ejerce como país invitado. Se mantienen las secciones Programa General, Diálogos y Opening. IFEMA. Del 27 de febrero al 3 de marzo. ifema.es.

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2. 9jl EY\ja\ *()1& Ofrece un programa dedicado a galerías especializadas en arte contemporáneo y emergente. Este año, Rubén Martín de Lucas es el artista invitado. La sede, un espacio

con alto contenido histórico, está conectada –apenas un paseíto– con el Prado, el Thyssen-Bornemisza y el Reina Sofía. Casi nada. Galería de Cristal de CentroCentro Cibeles.

Del 27 de febrero al 3 de marzo. art-madrid.com.

3. <jYoaf_ Jgge EY\ja\& La feria de dibujo contemporáneo contará con una selección de 20 galerías que presentarán los proyectos de una cuarentena de artistas nacionales e internacionales (la mitad de los cuales son mujeres). Es la cuarta edición de un evento que en esta ocasión se centrará en el coleccionismo. Y recuerda: en febrero, aquí; en octubre, viaja a Lisboa. Palacio de Santa Bárbara. Del 27 de febrero al 3 de marzo. drawingroom.es.

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4. Madrid Design Festival 19. Artesanía, diseño industrial y de producto, moda, urbanismo, diseño gráfico, arquitectura, ilustración, sostenibilidad o tecnología. 202 actividades programadas, entre las que se incluyen 53 exposiciones y 12 instalaciones. 410 profesionales del sector participarán en esta segunda entrega.

Durante todo el mes de febrero en diferentes sedes. madriddesignfestival.com.

7. SAM – Salón de Arte Moderno de Madrid.

Especializado en grandes maestros del siglo XX, contará con una selección de piezas –pintura y escultura– pertenecientes a artistas de la talla de Picasso, Miró, Dalí, Tàpies, Giacometti, Tamara de Lempicka o Miquel Barceló. Algunas de ellas se exhibirán por primera vez tras años bajo llave. Espacio Velázquez 12. Del 27 de febrero al 4 de marzo.

5. Estratos de un paisaje. Selección de fotografía peruana contemporánea de la Colección Jan Mulder. Desde imágenes urbanas, sobre todo retratos y estampas de la arquitectura de Lima, hasta paisajes desérticos; desde bodegones y arte experimental hasta bodas, procesiones y tradiciones populares.

Salas Frida Kahlo y Torres García de Casa de América.

Del 21 de febrero al 27 de marzo. casamerica.es.

8. De Chagall a Malévich: el arte en revolución.

A principios del siglo XX, Rusia se consolidó como uno de los centros clave de la vanguardia artística. De allí surgieron, de hecho, algunas de las propuestas más radicales y revolucionarias del arte y el diseño modernos.

Esta muestra recoge 90 piezas y 25 libros de aquella vibrante época. Fundación Mapfre.

Del 9 de febrero al 5 de mayo. fundacionmapfre.org.

6. JustMAD X Edition. El evento celebra su décimo cumpleaños; una década en la que ha demostrado ser un eficaz rastreador de nuevos valores y proyectos y un trampolín para un gran número de artistas y galerías que actualmente están desarrollando una actividad internacional de envergadura. Brindemos. Del 26 de febrero al 3 de marzo en varias sedes. justmad.es.

9. Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. El barrio del Sacré-Coeur es escenario de muchas obras del polifacético Toulouse-Lautrec. También es el lugar que definió su carácter bohemio. A través de pinturas, carteles e ilustraciones, la muestra rinde tributo a un artista clave del París de finales del XIX. CaixaForum Madrid. Del 20 de febrero al 19 de mayo de 2019. caixaforum.es.

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FOTOGRAFÍAS: D. R.

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H Y U N D A I

Del polvo de la competición al asfalto del día a día Cada detalle, cada tecnología y cada evolución de los diferentes vehículos de Hyundai tienen un campo de pruebas insuperable: las pistas y carreteras del World Rally Championship, donde todos los elementos son llevados al límite.

elva de Orara East, Australia, 6:34 de la mañana. El rugido de un poderoso motor irrumpe en la tranquilidad del amanecer. Un coche del Hyundai World Rally Team se abre paso entre la maleza, desafiando a la gravedad volando sobre la arena y el polvo de un camino virgen y salvaje. Sus neumáticos se agarran a la grava para conseguir la máxima tracción, expulsando pequeñas piedras a su paso que acaban impactando contra los troncos de los árboles y los arbustos como si fuera una ventisca de granizo.

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El espectacular Hyundai traza una trayectoria casi milagrosa e imposible a través de la estrecha pista gracias a la habilidad, concentración y pericia de su piloto. Sus cambios de marcha en fracciones de segundo le permite arañar

décimas al crono, además de maximizar el rendimiento del vehículo y alcanzar la máxima velocidad.

gente tanto para los coches como para los pilotos y para todo el equipo mecánico y de asistencia que los apoya.

El test más auténtico Las diferentes pruebas del World Rally Championship son mucho más que una competición donde se domestican las carreteras y caminos más indomables de hasta cuatro continentes. Son, también, un campo de pruebas único y muy exigente para Hyundai y para sus modelos de todoterreno en particular. Ésta es la Fórmula 1 de la naturaleza, la lucha más feroz entre máquina y reloj, la competición más exi-

No importa si la superficie es la grava de los montes australianos, las carreteras heladas de Suecia, el polvo asfixiante de Grecia, las empinadas lomas de Argentina o el rugoso y exigente asfalto de Córcega.

Alcanzar la gloria y el éxito en cualquiera de estos rallys exige la máxima fiabilidad por parte de los coches, así como la logística propia de una campaña militar y una ambición y un compromiso indeleble por parte de todos sus profesionales.

LA ATENCIÓN A LOS DETALLES ES FUNDAMENTAL TANTO PARA EL EQUIPO DE COMPETICIÓN COMO PARA LA LÍNEA DE PRODUCCIÓN

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GQ EN COLABORACIÓN CON HYUNDAI

Aprovechar la aventura En lugares tan remotos como Orara East, todo un equipo de especialistas en suspensiones prueba y afina en condiciones extremas este componente para los todoterreno de Hyundai.

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Diferente apariencia, misma esencia -

Los rallys internacionales forman parte del ADN de cada Hyundai que se fabrica. Puede que el coche de competición y los todoterreno como el Hyundai Tucson y el Santa Fe tengan un aspecto muy diferente, pero todo lo medido, aprendido y mejorado durante las pruebas permite mejorar la seguridad, el rendimiento y la fiabilidad de todos los modelos. Algo que en el día a día disfrutan todos los clientes de la firma.

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La competición definitiva -

A diferencia de los coches de carreras, que sólo compiten en circuitos cerrados, los coches de rally circulan por vías abiertas al público y deben de tener los mismos faros, luces de freno, intermitentes, limpiaparabrisas, claxon, etc., que los coches de calle. Gracias a los datos de tests como éstos en todo el mundo, los ingenieros de Hyundai consiguen desarrollar los modelos de próxima generación.

Đ Đ&#x2022;Đ&#x203A;Đ&#x2DC;Đ&#x2014; Đ&#x;Đ&#x17E;Đ&#x201D;Đ&#x201C;Đ&#x17E;ТĐ&#x17E;Đ&#x2019;Đ&#x2DC;Đ&#x203A;Đ? Đ&#x201C;Đ ĐŁĐ&#x;Đ&#x;Đ? "What's News" VK.COM/WSNWS

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TENDENCIAS

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SHOPPING

MODA ·

PERSONAJES

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NOTICIAS

FOTOGRAFÍA: DIEGO LAFUENTE. ESTILISMO: JUAN LUIS ASCANIO. PRODUCCIÓN: NATALIA TORRES POLO. MODELO: GUILLE GIBBS (DELPHOSS).

Abrigo trench Vivienne Westwood (c. p. v.), traje de raya diplomática Hugo (545 €), camisa de algodón Massimo Dutti (39,95 €), corbata vintage (c. p. v.), camiseta interior térmica Heattech Uniqlo (14,90 €).

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L O O K

¿Y el chaleco acolchado?

Aunque parezca mentira, en invierno también puedes abrigarte sin necesidad de recurrir a la prenda de marras. No te pedimos que reniegues del ubicuo 'GILET', pero te invitamos a que lo sustituyas ocasionalmente por un cárdigan, un jersey de punto o una camiseta interior térmica, como en la imagen. ___por IÑAKI LAGUARDIA

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MODA Z O O M

Íntimo y funcional Reunimos a seis tipos con ESTILOS genuinos para rendir tributo a la belleza de lo cotidiano.

Vestir como piensas puede ser un poderoso alegato artístico. ___fotografías DIEGO LAFUENTE ___realización JUAN LUIS ASCANIO

MARIO

es florista, pero lo que realmente le gusta es el diseño de interiores.

Chubasquero Herno Laminar (775 €). Sudadera de algodón Dockers (60 €). Camiseta (145 €) y pantalón (145 €), ambos Façonnable.

Zapatillas Gola (45 €). Calcetines Kappa (c. p. v.). Mochila de piel Piquadro (360 €). Silla Eames Fiberglass para Vitra.

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VINCENT

es camarero en Lavapiés y a la vez está montando una banda de rock.

Cazadora, camiseta y pantalón, todo Dolce & Gabbana (c. p. v.). Camiseta de algodón Mirto (79 €).

Calcetines Punto Blanco (c. p. v.). Revistero de madera La Recova. Sofá Strandmon, reposapiés y marco de cuadro, todo Ikea. Bajo el marco, tela Bermudo de la colección Lorenzo Castillo Gastón y Daniela.

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LUIS

es guardia de seguridad y los cumpleaños de su nieta se le hacen interminables.

Traje (395 €), pañuelo de lino (c. p. v.), ambos D'S Damat. Camisa Mirto (79 €). Corbata Boss (129 €). Zapatos Chetwynd Geox (180 €). Pisacorbatas vintage. Gafas ópticas vintage Dolce & Gabbana. Calcetines Calzedonia (9 €).

Sillas de madera Lerhamn Ikea. Mantel, cubertería, cenicero y vajilla, todo Zara Home. Tela Faenza Gastón y Daniela.

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MODA

DENYS

llegó de Ucrania hace diez años para iniciar sus estudios.

Americana de raya diplomática (1.995 €) y jeans (695 €), ambos Versace.

Sudadera con capucha Colmar (89 €). Zapatos Black Shannon Church's (690 €).

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PRODUCCIÓN: NATALIA TORRES POLO. MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: PILAR ORTIZ (N.Y.C.) PARA ART LAB-AVEDA. ASISTENTE DE FOTOGRAFÍA: MARIUS IONUT SCARLET. MODELOS: JUAN PEDRO ROLDÁN Y GUILLE GIBBS PARA AGENCIA DELPHOSS. AGRADECIMENTOS: IKEA, LA RECOVA, GASTÓN Y DANIELA, VITRA, ZARA HOME, DECATHLON.

MODA

JUAN PEDRO

es actor… y padre de una hija adolescente.

Cazadora Michael Kors (c. p. v.). Polo Springfied (30 €). Pantalones Massimo Dutti (70 €). Náuticos de ante Ugg (129 €).

Gafas ópticas Pepe Jeans para Opticalia (89 €). Maletín Warwick Church's (1.600 €). Silla Organic Chair de Charles Eames & Eero Saarinen Vitra.

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GUILLE G

sueña con ser modelo. Ya está en ello.

Cazadora Dsquared2 (950 €). Polo Uniqlo U (30 €). Camiseta Dockers (24 €). Jeans U.S. Polo Assn. (99 €). Zapatillas Authentic 44 DX Vans (75 €). Calcetines de rombos Calzedonia (4 €).

Cinturón Levi's (35 €). Auriculares vintage. Patinete Oxelo Decathlon. Marco de cuadro Ikea.

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A R T E

Memoria viva En 2019 numerosas instituciones culturales de todo el mundo rinden tributo a la moda de ayer y hoy. Éstas son nuestras exposiciones favoritas. ___por BELÉN AFONSO e IÑAKI LAGUARDIA

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n la historia de la museografía, la moda nunca había tenido la importancia que ha adquirido últimamente. Además de poner en relieve el valor artístico e histórico de decenas de firmas y diseñadores, las nuevas muestras temáticas emergen como un filón para la captación de nuevos visitantes. Cuando organices tus planes culturales este año, no olvides incluir alguna de estas escapadas en tu agenda. Tus seguidores de Instagram te lo agradecerán: 1. Virgil Abloh: Figures of Speech. Un año después de asumir la dirección artística de la división masculina de Louis Vuitton, el creador estadounidense se convierte en profeta en su tierra. El Museum of Contemporary Art de Chicago, a 155 kilómetros de Rockford, su lugar de nacimiento, acoge este verano la primera retrospectiva del trabajo de Abloh como diseñador multidisciplinar. Del 10 de junio al 22 de septiembre.

2. Las costuras femeninas de la moda de España (1930-2018). El Museo de las Artes Decorativas de Madrid organiza esta exposición sobre fotografía de moda española. El recorrido, proyectado gracias a los archivos de la Agencia Efe, abarca casi un siglo de imágenes que muestran la imagen de la mujer durante los diferentes periodos de nuestra historia reciente, de los años 30 a la actualidad. Hasta el 31 de marzo.

3. Ultracontemporary. ¿Cómo se refleja en la moda una sociedad cada vez más globalizada y diversa? El Phoenix Art Museum busca dar respuesta a esta pregunta a través de esta experiencia multimedia que recogerá numerosos trabajos de diseñadores como Gucci, Iris van Herpen o Comme des Garçons. En la imagen, vestido y complementos de Rei Kawakubo para primavera/verano 2018. Hasta el 24 de marzo.

4. Dior: The Designer of Dreams. El Victoria & Albert Museum de Londres ha ideado un homenaje a la historia de la marca parisina, su influencia y la relación del fundador con Reino Unido. En la Sainsbury Gallery los visitantes podrán contemplar figurines, fotografías y, por supuesto, fantásticos diseños de moda. Hasta el 14 de julio.

5. Camp: Notes on Fashion. Un año más, el Costume Institute del Metropolitan Museum of Art de Nueva York vuelve a abrir sus salones a la moda. Tras la exitosa exhibición del año pasado, dedicada a la imaginería católica, en 2019 la muestra reflexiona sobre lo extravagante y lo irónico en las prendas de vestir. La temática se inspira en un ensayo de la escritora Susan Sontag. Del 9 de mayo al 8 de septiembre.

6. Femmes Fatales. La ciudad de La Haya, en los Países Bajos, se puede considerar el epicentro de la moda feminista. El Gemeentemuseum alberga una exposición dedicada a la insolencia femenina que busca reflexionar sobre el poder de las mujeres en la industria través del trabajo de diseñadoras como Coco Chanel, Miuccia Prada o Vivienne Westwood. Hasta el 24 de marzo.

7. Cristóbal Balenciaga. Moda y patrimonio. Contextos. El museo que lleva su nombre recorre la evolución creativa del modista guipuzcoano para que el público comprenda lo que nos aporta su obra en términos técnicos, estéticos y conceptuales. La comisaria Judith Clark demuestra así que la figura de este diseñador todavía no ha terminado de ser contada en su totalidad. Del 1 de marzo al 12 de enero de 2020.

8. Modus. A la manera de España. La Sala Canal de Isabel II de la Comunidad de Madrid ofrece este recorrido colectivo que tiene como objetivo rastrear lo español en el ámbito de la moda nacional. Comisariada por Raúl Marina y Wanda Morales, el visitante podrá ver de cerca algunos de los mejores diseños de Mariano Fortuny, Manuel Pertegaz, Paco Rabanne, Sybilla u Oteyza. Hasta el 3 de marzo.

9. Balenciaga y la pintura española. Nuestro diseñador más internacional también será protagonista gracias a la influencia de la cultura española en sus creaciones. El Museo Thyssen de Madrid vincula sus diseños con la pintura de los siglos XVI al XX. Del 18 de junio al 22 de septiembre.

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FOTOGRAFÍAS: KATRINA WITTKAMP, EFE/DESTELLO/IG, CORTESÍA DEL PHOENIX ART MUSEUM, CORTESÍA DE CHRISTIAN DIOR, CORTESÍA DE THE METROPOLITAN MUSEUM OF ART (JOHNNY DUFORT, 2018), PETROVSKY & RAMONE (MAARTEN SPRUYT PARA GEMEENTEMUSEUM DEN HAAG), CORTESÍA DE CRISTÓBAL BALENCIAGA MUSEOA, JESÚS MADRIÑÁN, GETTY IMAGES.

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F I R M A

Pragmatismo poético La salida de RAF SIMONS de la dirección creativa de Calvin Klein nos invita a redescubrir la marca homónima del diseñador, una extraordinaria rareza. ___por IÑAKI LAGUARDIA

l pasado 22 de diciembre, Calvin Klein anunciaba el fin del idilio que había mantenido con su director creativo durante dos años y medio. "Ambas partes han estimado hacerlo de manera amistosa después de que Calvin Klein decidiera tomar una nueva dirección que difiere de la visión de Simons", explicaron. A muchos no les extrañó la noticia al recordar las palabras de Emanuel Chirico, CEO de PVH (compañía matriz de la marca), que tres semanas antes había expresado sus dudas sobre el desempeño financiero de los últimos meses. Sea como fuere, el diseñaPLENA VIGENCIA Abajo, una selección cronológica de las dor belga vuelve a estar soltero y sin colecciones de Raf Simons. compromiso, y la firma estadounidense ya prepara la artillería para volver a sorprendernos en 2019. La marcha de Simons, no obstante, nos ha permitido redescubrir su propio sello de moda, cuyas últimas colecciones habían pasado más desapercibidas por la espectacularidad de su proyecto para Calvin Klein (tres premios CFDA en sólo dos años). Siempre a caballo entre grandes compañías (antes estuvo en Jil Sander y Dior) y su propio negocio, es ahora cuando resulta más interesante adentrarse en los archivos de una marca, la suya, que en 2020 cumplirá un cuarto de siglo.

Raf Simons debutó en 1995 en Milán, apenas unos años después de formarse en diseño industrial y trabajar junto con Walter Van Beirendonck. Desde entonces, ha demostrado tener un control absoluto sobre las dos almas que cohabitan en él, la del diseñador industrial de los volúmenes y las proporciones y la del poeta de la sinestesia que es capaz de encarnar las fantasías más elevadas y las pesadillas más devastadoras. Todas sus ideas, además, las ha estructurado a través de los códigos de la moda masculina. Su lenguaje, rabiosamente novedoso (da igual cuándo leas esto porque siempre será rabiosamente novedoso), es un puente entre esas dos orillas que a veces resultan tan lejanas: la tradición y la innovación.

La destreza en los cortes, el uso de las texturas y el dominio de los colores han sido sus coartadas para poner sobre la pasarela mil referentes artísticos. Si en Calvin Klein colocó a Andy Warhol en el corazón de la firma, por su marca ha desfilado lo mejor de cada casa, de artistas plásticos a iconos musicales: Lords of Acid, Milton Glaser, Franky Claeys, Joy Division e incluso la adolescente yonqui Christiane F. ¿Su gran habilidad? Crear moda conceptual pero ponible, moderna pero clásica, masculina pero femenina. Al igual que Felipe VI o su compatriota Felipe de Bélgica, Raf Simons reina pero no gobierna. Y precisamente por eso su voz es tan influyente.

FOTOGRAFÍAS: INDIGITAL, GETTY IMAGES.

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MODA

C L AV E S

No subestimes las segundas rebajas Si crees que no vas a encontrar nada que echarte al armario en estas segundas o terceras rebajas, estás muy EQUIVOCADO. ___por CÉSAR ANDRÉS BACIERO

as segundas y terceras rebajas no son un nicho de descartes.

En el peor de los casos, son un sepulcro de trapos a los que puedes devolver a la vida. Porque donde otros vieron un muerto tú puedes hallar una oportunidad. En estos descuentos de invierno, cada español gastará cerca de 100 euros en ropa y complementos, según el estudio El consumo de moda en España de Fintonic.

La mayoría invertirá su presupuesto en marcas que en las primeras rebajas ofrecen descuentos de hasta el 50%.

Ojo: en las segundas los precios pueden descender hasta un 70%.

1. No te alarmes. Un arranque de la temporada de saldos con descuentos tan altos no significa un fin apresurado de las existencias. Las tiendas no se han visto desabastecidas de gangas o de prendas buenas en las que invertir. No te lo tomes con prisa, aunque tampoco conviene dormirse en los laureles.

ILUSTRACIÓN: JIM JUNGYOUN.

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2. Usa la cabeza. No compres por comprar, no te dejes guiar por el descuento que marca la etiqueta. ¿Qué te importa ese casco de moto rebajado al 90% si no tienes carné de conducir? Piensa si realmente necesitas el producto abaratado, y si no lo necesitas hoy si lo vas a necesitar en un futuro relativamente próximo.

3. Busca, sabueso. No te des por vencido ante la primera derrota. Las firmas de lujo tienen la costumbre de no hacer grandes descuentos, pero siempre puedes husmear en la última estantería de las tiendas multimarca como Santa Eulalia en Barcelona o Yusty en Madrid, o en las boutiques virtuales de Mr. Porter o Farfetch.

4. Piensa a largo plazo. Invierte en prendas que sabes que no sólo te pondrás el tiempo que tarde en llegar la primavera.

El rincón óptimo para las gangas es el delmon (del montón), cajas situadas en tienda física donde descansan, hechos un ocho, trapos de todo tipo a la espera de ser adoptados. Allí te puedes topar con prendas estupendas de hace tres o cuatro años, ya que la ley no exige que los precios rebajados se apliquen únicamente a la ropa de temporada.

5.Opta por el traje. Las segundas rebajas son el mejor momento para gastarse los dineros en un buen traje; concretamente en las casas de sastrería donde te lo ajustan a tus medidas. Si tienes algún compromiso que te exija vestir formal este año, invierte en un buen dos piezas de alguna marca de lujo que te servirá para futuras ocasiones.

6. Mira en tu interior. Aprovecha para renovar el cajón de las mudas, porque tan importante es vestir bien por fuera como por dentro. Algunas firmas ponen a la venta la ropa interior con descuentos que superan el 30%, tanto en la colección de básicos como en la de temporada, algo más extravagante.

Un porcentaje similar es el que alcanzan los descuentos en los calcetines.

7. Vístete por los pies. Recuerda explotar tan suculentos descuentos para renovar los zapatos y zapatillas, a menudo sometidos a rebajas que durante el año serían impensables. Sustituye tus viejas sneakers por otras que no sólo ofrezcan una sensación virginal sino que además la tengan. La mujer del César, ya sabes.

8. Riza el rizo. Durante el año existen códigos especiales y descuentos que pueden llegar al 20% si te suscribes a las newsletters de ciertas tiendas. Si vas a un comercio de lujo y te piden tus datos personales, dáselos. Es posible que la próxima temporada se acuerden de ti y te hagan una rebajita extra.

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A R T I S T A S

La vida de Brian Brian Donnelly, alias KAWS, es un animal salvaje al que la moda cree haber amaestrado. Su último 'domador' se llama Kim Jones. ___por IÑAKI LAGUARDIA

n la era del conocimiento y la globalización digital, la probabilidad de que una revolución violenta triunfe es prácticamente nula. Lo sensato para poder conseguir ciertos objetivos es lo contrario: adentrarse en los resortes del sistema y seducirlo como una hiedra venenosa. Brian Donnelly (Nueva Jersey, EE UU, 1974), alias Kaws, se decantó por lo segundo y ahora las firmas de lujo hacen cola para dejarse dominar por él. Este caballo de Troya que el arte callejero concibió para conquistar territorios inexpugnables se graduó en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y se propuso prender la revolución a través del grafiti. Intervino cabinas, paredes y marquesinas, y un buen día recibió la llamada de quienes sufrían las consecuencias de sus acciones. De esta manera, las firmas de moda que veían sus reclamos publicitarios rectificados por Kaws decidieron unirse al enemigo. Este artista plástico y diseñador no sólo es uno de los autores emergentes más cotizados, sino que cuenta con una hoja de servicios de primer nivel: Undercover, Nike, Vans, Uniqlo, Comme des Garçons, Supreme, etc. Todas estas marcas han querido contar con un trocito del efervescente imaginario de Donnelly, cuya inspiración bebe de la iconografía de la cultura pop y la juguetería japonesa. Protagonista de numerosas exposiciones en todo el mundo, su último encargo lleva el sello de Dior, una de las casas de lujo más influyentes del planeta. Kim Jones, nuevo director creativo de su división masculina, le encargó una escultura mastodóntica para ambientar el desfile de la colección primavera/verano 2019, el que también incorporó algunas de sus ilustraciones a las prendas.

Objetivo cumplido: 20 años después de sus primeras travesuras, Kaws sigue haciendo de las suyas. Aunque ahora… con permiso.

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1. Exposición Pay the Debt To Nature (2010) en la galería Perrotin de Paris. 2. Muestra en la galería Perrotin de Seúl en 2016. 3 y 4. Prendas de verano 2019 de Dior, con la abeja rediseñada por Kaws. 5. Proceso de construcción de su escultura para el primer desfile de Jones.

6. Obra del artista en la galería Perrotin de Tokio en 2018.

FOTOGRAFÍAS: CORTESÍA DE PERROTIN Y KAWS, KEI OKANO, MORGAN O'DONOVAN, SOPHIE CARRE, CORTESÍA DE DIOR, GETTY IMAGES.

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KAWS________ EL ELEGIDO

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Brian Donnelly nos explica el proceso creativo de su colaboración en el primer desfile de Kim Jones para la casa Dior.

"Conocí el trabajo de Kim a través de unos amigos que tenemos en común en Tokio.

Siempre he querido trabajar con él y tras su fichaje en Dior todo se alineó para poder hacerlo. Kim es un tipo incansable y auténtico.

Vino a mi estudio de Nueva York con algunas ideas para esta colaboración y me dio toda la confianza para interpretarlas.

Mi objetivo principal consistió en crear mi propia versión de la icónica abejita de Dior, y la verdad es que fue muy divertido ver a los artesanos de la casa trabajar con mis diseños. La escultura del desfile fue lo primero que abordamos, porque Kim quería ponerla en el centro de su desfile", nos explica.

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MODA P A S A R E L A S

Interés conceptual Esta primavera, muchos diseñadores han encontrado en diferentes artistas la inspiración para estructurar sus DISCURSOS ESTÉTICOS. La moda no es un arte, pero puede ser artística. ___por I. L.

Giuseppe Leone El dúo de diseñadores ha elegido el trabajo de este fotógrafo italiano para mostrar la cultura siciliana a través de sus camisetas.

GUSTAV VON ASCHENBACH

Escuela de Diseño de Basilea Tras acortar el nombre de la firma que dirige (GVA), Robert Geller ha mirado de reojo a la famosa escuela de diseñadores del siglo XX.

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WALES BONNER

SALVATORE FERRAGAMO

FENDI

NAMACHEKO

KIKO KOSTADINOV

DRIES VAN NOTEN

Ram Dass Constantin Brancusi Nico Vascellari "Calma". "Quietud". Estas palabras extraídas La firma italiana, capitaneada por Paul Andrew La iconografía tradicional de la casa es tan del libro Be Here Now (1971), del escritor de y Guillaume Meilland, se ha inspirado en las poderosa que lo admite todo; incluso que un Boston, ilustran algunas de sus prendas. estilizadas obras del escultor rumano. artista punk reinterprete su famoso monograma.

Evan Holloway Dilan Lurr, el fundador de la marca, ha jugado con los colores y las formas de algunas de las obras de este creador californiano.

Martin Kippenberger La instalación El final feliz de la América de Franz Kafka, la obra cumbre de este artista alemán, vertebra la colección de la firma.

Verner Panton Los colores del diseñador industrial danés, "el gran maestro de la curva", se han convertido en el mejor aliado del creador belga.

FOTOGRAFÍAS: INDIGITAL; D. R.

DOLCE & GABBANA

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MODA ris ha adoptado recientemente un lema, un hashtag –#GoYourOwnWay– que representa a la perfección la filosofía de una manufactura realmente especial.

Se traduciría como 'Sigue tu propio camino' y sintetiza sus valores fundamentales: su espíritu de independencia, la destreza de sus relojeros y la calidad de sus piezas. Porque, efectivamente, Oris puede presumir de haber sido casi siempre independiente en sus 115 años de historia, especialmente ahora que la mayoría de las manufacturas suizas se cobija bajo el paraguas de los grandes grupos de la industria del lujo. Desde su sede en Hölstein, donde ha estado siempre, produce exclusivamente relojes mecánicos con calibres e innovaciones propias que le distinguen claramente del UNA VIDA EN LA RELOJERÍA resto. "Oris hace relojes Aunque ahora es mánager de ventas, Rafael con sentido común para Picazo ha sido siempre técnico relojero, con lo que conoce muy bien el producto que vende. gente real. Relojes para usar, con funciones útiles", dice Rafael Picazo, responsable de ventas de la manufactura en España. "Cuando innova, siempre lo hace pensando en el sentido práctico, en presentar innovaciones técnicas que no existían antes, especialmente a los precios que ofrecemos nosotros".

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INNOVACIONES SENCILLAS Y ÚNICAS

FOTOGRAFÍA: FELIPE HERNÁNDEZ.

M A N U F A C T U R A

El valor de la independencia Sin el paraguas de los grandes grupos del lujo, ORIS ha conseguido innovar y crear tendencia en la relojería.

Su responsable de ventas en España nos cuenta cómo. ___por JUAN CLAUDIO MATOSSIAN

Picazo se refiere a piezas como el único reloj automático con un altímetro mecánico que existe –Big Crown ProPilot Altimeter–; a un diver con profundímetro sencillo y asequible –Aquis Depth Gauge–; a uno de aviador con alarma mecánica –Big Crown ProPilot Alarm–; o a otro, también para pilotos, que permite ajustar el segundo huso horario en fracciones de media hora, teniendo en cuenta que no en todas las partes del mundo las diferencias horarias siguen el criterio de hora completa –Big Crown ProPilot Calibre 114–. Además de innovar, Oris también marca tendencia: fue de las pioneras a la hora de recuperar el bronce para la alta relojería –Carl Brashear Chronograph– y en relanzar modelos icónicos y vintage –Divers Sixty Five–, una corriente que ahora domina el panorama relojero. "Dar con la fórmula mágica no siempre ocurre, pero ser independiente te permite tener cercanía, te permite mantener unos debates internos entre la gente que mejor conoce los relojes y el mercado.

Eso marca la diferencia", acota Picazo.

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MODA R E L O J E S

Otra perspectiva Antes del gran desembarco de las últimas NOVEDADES, seleccionamos para ti cuatro piezas clásicas renovadas. ___por PALOMA LEYRA

LA ALTA TECNOLOGÍA

Smartwatch Summit 2 bicolor en acero y piel Montblanc (985 €).

FOTOGRAFÍAS: DIEGO LAFUENTE. COLLAGES: SARA ORTIZ LULL. ESTILISMO: JOANA DE LA FUENTE. ASISTENTE DE ESTILISMO: MARÍA LÓPEZ GRANDE.

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EL ICONO LIGERO

Modelo Luminor Due 3 Days GMT Power Reserve Automatic Acciaio Panerai (10.800 €).

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LA ELEGANCIA SUTIL

Modelo Drive Ultraplano en oro rosa con correa de piel Cartier (15.200 €).

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EL GRAN VIAJERO

Modelo Polaris Chronograph World Time en caja de titanio de 44 mm Jaeger LeCoultre (14.600 €).

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MODA R E L O J E S

Las lunas de Hermès En su versión más onírica y soñadora del tiempo, el nuevo ARCEAU L'HEURE DE LA LUNE pone el satélite de la Tierra en el centro. ___por NOELIA SASTRE

a Luna como protagonista absoluta. El satélite que en otros relojes es un accesorio, una simple decoración, se convierte en la última creación de La Montre Hermès en un viaje cósmico que muestra sus fases en ambos hemisferios, el norte y el sur. En el nuevo Arceau L'Heure de la Lune, presentado en enero en el Salón Internacional de la Alta Relojería de Ginebra (SIHH), dos lunas en madreperla y dos contadores móviles (uno para la hora y los minutos; otro para la fecha) gravitan sobre una esfera que puede ser de meteorito o aventurina, los materiales elegidos para este reloj de 23.000 euros y edición limitada (100 ejemplares por modelo).

"Mi objetivo era poner en valor la Luna, focalizar toda la atención en ella, con la hora en un cuadrante más pequeño", explica a GQ el director creativo de la casa, Philippe Delhotal, durante la presentación de este reloj que combina técnica, fantasía y diversión, y que además coincide con el 50 aniversario de la llegada del hombre a la Luna, en 1969. "Pura casualidad", aclara.

Con un diseño de la superficie lunar y otro de Pegaso, el caballo alado, firmado por Dimitri Rybaltchenko para recordar los orígenes de Hermès, este misterioso juego de complejidad técnica con 117 componentes incorporados al movimiento H1837 se une a una de sus piezas FOTOGRAFÍAS: JOHANN SAUTY, ÉCOUTE CHÉRIE Y KENJI AOKI, POR CORTESÍA DE HERMÈS.

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masculinas más conocidas, Arceau, que nació con La Montre Hermès cuando la maison inició su propio camino en el mundo de la relojería en 1978.

Aquel año, Jean-Louis Dumas, descendiente de quinta generación del fundador Thierry Hermès, creó la subsidiaria y se mudó de París a Bienne (Suiza).

Cuatro décadas después, La Montre Hermès es una manufactura helvética con todas las de la ley, ya que cumple con el requisito de integrar la producción in-house –tras la compra de empresas como Vaucher Manufacture Fleurier (movimientos), Joseph Erard (cajas) y Natéber (esferas)–.

NUEVOS DESAFÍOS

Con tres líneas masculinas y la primera complicación presentada hace sólo siete años, Laurent Dordet, CEO de La Montre Hermès, cree que el sueño de Dumas se está haciendo realidad. "Todavía tenemos mucho que demostrar, pero cada vez somos más reconocidos".

La integración ha obsesionado a Dordet desde su llegada a Bienne. Integrar para controlar: distribución, creación, suministro. "El principal desafío ha sido convertirnos en relojera suiza con las especificidades de Hermès; entender lo que ocurría en los puntos de venta y lo que necesitan en los distintos mercados, desde Alemania hasta Argentina.

Meternos de lleno en la distribución y la comercialización", señala, teniendo muy presente el mercado asiático.

De hecho, cree que una de las razones del éxito de ventas (crecieron un 9% en la primera DOS HEMISFERIOS El nuevo Arceau presenta dos contadores mitad de 2018) se debe a la sigflotantes (fecha y hora) sobre las lunas en ambos nificativa reducción de los punhemisferios (norte y sur) en caja de 43 mm. tos de venta exteriores. "Hemos pasado de 1.000 a 300 en cinco años para quedarnos sólo con los que puedan hablar bien de nuestros productos. Ahora vendemos el 85% de los relojes en las tiendas Hermès".

En ellas ofrecen personalizar sus famosas correas y hasta la configuración del reloj, con servicios adicionales como cambiar la esfera o la caja. Peticiones que también atenderán en el caso del nuevo Arceau L'Heure de la Lune.

Su estrategia para el mercado masculino (el 20% del negocio, frente al 80% del femenino) es presentar "dos o tres productos al año, pero muy impactantes y reconocibles; piezas excepcionales con nuestro sentido del diseño". A los hombres, recuerda Dordet, cuesta convencerlos "porque son más conservadores que las mujeres y lleva mucho tiempo cambiar la mentalidad".

Sobre la colaboración con Apple, apunta: "Va muy bien, pero no es con La Montre, sino con Hermès. No creo que los relojes digitales sean la respuesta desde la relojería suiza, porque ellos están en el terreno funcional y nosotros en el emocional". La misma idea defiende Delhotal: "Cuando miro la hora en el móvil o en un reloj digital no siento placer ni emoción. Un reloj Apple está muy bien para hacer deporte, pero no es un tesoro. Detrás de nuestros productos hay una historia. Mientras siga suscitando emoción, esta industria siempre existirá", concluye el director artístico al observar su última creación.

LAURENT DORDET________ CEO DE LA MONTRE HERMÈS

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Tras graduarse en la Escuela Superior de Comercio de París, Dordet (en la imagen izquierda) se unió a Hermès en 1995. Allí ha tejido una larga carrera en distintos departamentos. En 2015, convertido en CEO de La Montre, pasó a liderar desde Suiza el cambio de la división relojera, que de momento representa el 3% del negocio de Hermès, aunque está creciendo.

PHILIPPE DELHOTAL________ DIRECTOR CREATIVO DE LA FIRMA

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Estudió relojería y moda para contentar a su cerebro dual, "con una parte artística y otra técnica".

Pasó por Piaget y Patek Philippe hasta que en 2009 aterrizó en el departamento creativo de La Montre Hermès. Para Delhotal, "un reloj bien diseñado debe atender a la forma, el equilibrio, la armonía de los colores, las proporciones. Todo ello combinado con la tecnología".

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NUEVAS FECHAS A L T A

R E L O J E R Í A

Llegó la hora del cambio

Baselworld 2019 tendrá lugar entre el 21 y el 26 de marzo. En 2020 se retrasará a finales de abril, justo después del SIHH, que también cambia sus fechas. "Es una solución que beneficia a prensa, visitantes y a toda la industria", dijo Michel Loris-Melikoff, director gerente del evento.

Las GRANDES FERIAS relojeras unen fuerzas para iniciar una reconversión que empieza este año y culminará en 2020. ___por J. C. MATOSSIAN

ace falta que algo cambie para que todo siga igual". La manida frase de El gatopardo de Lampedusa puede aplicarse hoy más que nunca al tradicional y algo inmovilista sector de la alta relojería. A todas luces, las grandes ferias del ramo, tal y como se venían desarrollando hasta ahora, habían perdido su relevancia y necesitaban reinventarse para preservar su vigencia en un mundo donde prima la inmediatez; y el cambio está, por fin, en marcha –y con él, el de la propia industria–.

La mecha la prendió el pasado julio el Grupo Swatch, cuando anunció que sus 18 marcas –entre las que se encuentran Omega, Longines, Rado, Breguet o Hamilton– dejarían de participar este mismo año en Baselworld, la feria anual más importante del sector. "Hoy todo es más transparente, rápido e instantáneo. Son necesarios un ritmo y un enfoque diferentes", declaró su CEO Nick Hayek. El grupo, así, organizará en Zurich su propio evento de presentación de novedades en marzo, justo antes de que arranque Basilea.

La otra gran feria, el SIHH (Salón de la Alta Relojería de Ginebra), que cerró su última edición en enero, también perderá dos grandes pilares –Audemars Piguet y Richard Mille– el año que viene. Por ello, ha anunciado, junto a Baselworld, que en 2020 ambos certámenes coordinarán sus fechas y se celebrarán de forma consecutiva entre el 26 de abril y el 5 de mayo para consolidar a prensa y visitantes y así asegurar su supervivencia. El fin de una era para dar paso a otra.

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FOTOGRAFÍAS: D. R.

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MODA N O T I C I A S

Soltura e intuición Con esta actitud tan constructiva enfrentan las firmas de lujo los últimos coletazos del invierno. Sus NOVEDADES te convencerán. ___por I. L.

2_____ NATURALEZA SALVAJE

Desde este mes, las tiendas de Loewe cuentan con una nueva e ilustre invitada: la línea permanente de prendas básicas para hombre Eye/Loewe/Nature. Esta colección, diseñada para su uso al aire libre, se compone de accesorios fabricados en Japón y prendas hechas con materiales técnicos y tejidos naturales. La idea que la casa madrileña persigue con este lanzamiento es ofrecernos un antídoto para paliar el malestar urbano. Puro lujo y aire puro.

1_____ HASTA LA LUNA Y VUELTA

3_____ NIEVE Y NOSTALGIA

FOTOGRAFÍAS: SAM ROCK PARA LOUIS VUITTON, GETTY IMAGES, D. R.

Tanto nos quiere Virgil Abloh, director artístico de la línea masculina de Louis Vuitton, que ha querido ofrecernos un aperitivo antes de la llegada de su primera colección a las tiendas.

El creador estadounidense ha reinterpretado la célebre lona Monogram y ha diseñado una línea de accesorios llamada Monogram Galaxy, inspirada en la estética espacial. La colección también ofrece dos pares de zapatillas y un total look en tela vaquera.

The North Face ha reeditado su exitosísima colección Rage, la misma que en 1992 permitió descubrir a los aficionados al snowboard la posibilidad de combinar técnica y estética. La nueva línea, llamada Rage 92, recupera ese estilo inimitable.

4_____ LA FIESTA INFINITA

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La ciudad de Florencia ha acogido este mes la 95º edición de la feria de moda masculina Pitti Uomo, la más importante del mundo. 1.230 marcas y miles de asistentes se han reunido en un evento que ha tenido a Glenn Martins, de la firma Y/Project, como diseñador invitado.

Su desfile recibió el aplauso de crítica y público.

5_____ LO NUEVO DE HERNO

El rey de las prendas exteriores urbanas ha incorporado la tecnología 2Layers Gore Shake Dry a su línea Herno Laminar.

Como resultado, la firma italiana ha lanzado una parka y una bomber totalmente impermeables y cálidas.

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Invierte en felicidad, invier te en tu casa Es donde creces, donde vives con los tuyos. El sitio en el que pasas más tiempo. ¿De verdad es más importante un par de sneakers que un buen sofá? ¡Venga!, sabes que no...

eguro que, entre tus buenos propósitos de año nuevo, hay algunos que van a tener lugar entre las cuatro –o más– paredes a las que llamas hogar.

Pasar más tiempo con tu chica. Hummm... eso implica un sofá nuevo y una manta calentita. Disfrutar con los amigos de toda la vida. Hummm... ¿Y qué tal si montas un centro multimedia en el salón, junto a ese sofá que vas a compartir con tu chica, para las tardes de partido o vuestras largas noches de videojuegos? Un propósito más. Quizá llenar tu casa de buena gente, buena música y buenas vibraciones. Invertir en un par de muebles que hagan más acogedor el salón, darle un aire nuevo con una capa de pintura, unas plantas y unos cojines u organizar el armario del baño de una vez por todas son pequeños cambios, mejoras que no te exigen grandes inversiones ni reformas. Simplemente, un poco de cariño, algo de organización y las ideas adecuadas a tu espacio y al tipo de vida que quieres llevar. Tener la casa ordenada y en armonía hará que discutas menos, que pierdas menos tiempo en las tareas diarias, que estés menos estresado y más contento. Pero la mayoría de nosotros no sabemos cómo hacerlo. Quizá en IKEA.es/ideas encuentres el empujón que necesitas para hacer de tu casa ese lugar al que siempre deseas volver.

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¡Es muy simple! Ordenar el cajón del baño te permitirá dormir 10 minutos más

Tiene que responder a todas tus necesidades y rutinas en un espacio reducido, y al menos de lunes a viernes, en un tiempo récord. Elegir muebles de baño con características de almacenaje inteligente para que cada uno de los utensilios de tus rutinas diarias ocupe el lugar adecuado, allí donde va a ser utilizado, te ayudará a sentirte renovado. Juego de 3 cajas BROGRUND, de IKEA (7 €).

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GQ EN COLABORACIÓN CON IKEA

Otra forma de vestir tu espacio privado

Las alfombras son siempre fundamentales: aportan calidez y protegen el suelo. Para tu dormitorio elige modelos de pelo largo, que aportan un mayor confort. Combina varios tipos de alfombras para dar textura y movimiento al espacio. En IKEA encontrarás soluciones para todos los climas y estilos.

Alfombra STENLILLE, de IKEA (59 €).

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M Á S

P R Á C T I C O

Llena tu casa de paz: elige plantas de interior y cuídalas con cariño Cuidar, regar y mimar tus plantas te puede proporcionar muchísima tranquilidad y convertirse en la mejor de tus aficiones.

Y darán a tu hogar un toque de color y vitalidad. Pero son mucho más que eso: te permiten acercar las diferentes habitaciones de tu casa a la naturaleza y te transmitirán una sensación de paz y armonía.

LUZ Y AGUA

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Las etiquetas de las plantas que puedes encontrar en IKEA indican si necesitan sombra, luz indirecta o luz solar directa.Además, sus etiquetas cuentan con gotas como guía: una sola gota querrá decir que la riegues una vez a la semana o cada dos-tres semanas. Dos gotas, una o dos veces a la semana. Y tres gotitas, dos o tres veces a la semana. Soporte para plantas SATSUMAS, de IKEA (49,99 €). ¿PLANTAS ARTIFICIALES? ¡SÍ!

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Siempre parecen frescas y no se mueren, por lo que puedes explotar tu creatividad para lograr una impresión natural. Además, las estanterías, los armarios abiertos y los paneles de plantas cuadrados te permitirán crear un jardín vertical de un modo sencillo. Planta artificial para montar en la pared FEJKA, de IKEA (3 €).

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Siempre nos quedará el arte

EVA FRANCH

ARTE, SEXO Y ARQUITECTURA EMOCIONAL POR PABLO GANDÍA

ANTONIO BANDERAS

SOBRE FONDO ROJO, AZUL Y AMARILLO POR PALOMA LEYRA

VICENT TODOLÍ

POR AMOR AL ARTE CAMPO

POR MARTA MOREIRA

BALTHUS

O LA PINTURA PROHIBIDA

POR JESÚS MERINO LÓPEZ

JON KORTAJARENA CON DENIM AL ÓLEO

POR JOANA DE LA FUENTE

LOS ÁNGELES

CAPITAL DEL ARTE IMPOSIBLE

POR IÑAKI LAGUARDIA

fotografías: david gómez maestre

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Ilustración y set design: Inés Maestre

estilismo: jesús cicero EMIDIO TUCCI EN EL CORTE INGLÉS

(En todo el reportaje)

Jersey de cashmere, pantalón de pana y fular de lino estampado.

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Jersey rojo de punto y pantalón burdeos.

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texto: PALOMA LEYRA

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Jersey tostado de cashmere, pantalón de lana y botines de piel.

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" M e i n t e r e s a e l a r t e , l a s o l i d a r i d a d , l a familia, el sexo... pero no la política"

Empezaremos por el final. "Jugar". Es lo que dice Antonio Banderas antes de despedirnos. Y lo repite un par de veces. "Ésa es la clave de todo: jugar. Apúntalo". El actor andaba buscando una palabra para redondear una charla interrumpida por cada una de las fotos que ves en este reportaje y ésta resultó la más adecuada.

Entre cambio y cambio, más que preguntas, le lanzábamos ideas que él recogía como en un juego y las devolvía envueltas de argumentos, teorías, recuerdos, gestos: el arte, el trabajo, el tiempo, la familia, el teatro, las mujeres, el amor… Antonio se toma cada cosa que hace con pasión, y aquí se incluye ese, para muchos a veces, incómodo hecho de contestar preguntas, y no es una exageración decir que Banderas es uno de esos entrevistados generosos que entra a todos los trapos. Salvo, en esta ocasión, a uno: "Mira, de política es lo único de lo que no quiero hablar. No me interesa. Me interesa la familia, los amigos, mi profesión, el arte, la literatura, la pintura, me interesa la solidaridad, la espiritualidad, me interesa el sexo, pero no la política.

Eso está en el número 45, el 50, quizá en el 115 de mis prioridades. Tal vez hubo un momento en el que parecía que yo estaba muy preocupado por eso, pero ya no", zanja educadamente.

Sin tratar de indagar más al respecto hacemos un resumidísimo balance de casi 40 años de carrera: este actor y empresario de 58 años ha pasado la barrera de las 100 películas y además de dirigir, producir, de haber hecho discos, vinos, perfumes; de ser imagen de casi cualquier cosa que puedas imaginar, de apoyar causas solidarias o medioambientales, de reinventarse como diseñador o montar un teatro en Málaga, parece haber vivido el doble o el triple de vidas que un tipo cualquiera de su edad. Y ha hecho siempre lo que le ha dado la gana. Pero es que, para colmo, cae bien. "Uy, no", desmiente, "también me he llevado alguna galleta.

Además, ahora todo es muy delicado. Hoy un comentario en Twitter se puede cargar 40 años de carrera".

Si miras en su cuenta, entiendes su cautela. "En redes sociales procuro no sacar los pies del tiesto, pero sobre todo no opinar de cosas que realmente no sé. Prefiero decir 'mira qué cascada más bonita', acabo de ver esto o lo otro. Pero si yo tengo un problema con un tipo, no lo amplifico. Lo llamo y le digo: '¿Y a ti que te paza?…", resuelve con acento malagueño. Pero luego cambia el tono: "En serio, hay que tener cuidado, porque en este país puedes pasar de hijo predilecto a hijo de puta en 3,5 segundos". Y para ilustrarlo cuenta cómo un día esquiando en Aspen recuerda haber pensado lo siguiente a propósito del movimiento #MeToo: "El viaje en la cabina que asciende al pico dura 14 minutos: si yo me encierro aquí con una mujer sola y a ella le da por decir que ha pasado algo, al día siguiente estoy en la CNN con una cara de gilipollas muy grande y mi carrera por los suelos". Y reflexiona sobre el infortunio que supone un desmentido. "Cary Grant decía que una calumnia era como subir a una azotea un día de viento con una almohada de plumas y rajarla.

La rectificación de esa calumnia es como recoger las plumas y volver a meterlas una a una".

EL TIEMPO NO CORRE, VUELA Aunque no es su caso (insistimos en que, para su fama, su carrera, sus trabajos y hasta sus matrimonios, a Banderas le respalda la simpatía del público), el malagueño sabe salir de cada situación con naturalidad y arrojo. Tal vez, como decía Picasso, es porque lleva tiempo llegar a ser joven. "En mi casa de Málaga tengo escrito un poema de Manuel Alcántara, un poeta y articulista de 92 años que adoro, que dice: 'A la som-

bra de una barca me quiero tumbar un día y echarme todo a la espalda y soñar con la alegría", recita. Y luego, con una sonrisa pícara, añade: "Yo sé que eso no lo voy a conseguir… No puedo parar. Y en ocasiones es una desgracia. A veces creo que me dio un infarto porque no podía parar…", confiesa. Así que si seguimos por el final, hay que hablar de la muerte, que como dice él, es "la única certeza".

"Morirme no me da miedo. Lo que me da miedo es pararme, cansarme, agotarme. ¡Tengo tantas cosas por hacer! ¿Sabes cuál es la profesión de la gente que más vive? Los escritores.

Curioso, ¿verdad? No hacen mucho ejercicio pero tienen una actividad intelectual muy grande. Cuando apagas la cabeza, apagas todo".

Así, Banderas ha decidido plantarle cara al paso del tiempo. Como si mezclara aquella película de Neil Jordan sobre el mito de la inmortalidad, Entrevista con el vampiro ("no morir nunca es una idea muy sexy", matiza), con Atrapado en el tiempo, hace una reflexión: "Yo no entiendo a esa gente que dice, 'ay, si se descubriera la pastilla de la inmortalidad… no me la tomaría'. Pues a mí, si me dicen de vivir mil años, lo firmaba ahora mismo. Me encantaría ponerme a estudiar piano y empezar a dar conciertos 200 años después". Lo que sí le asusta, aclara, es perder a gente que quiere. "Para mí, si pudiera elegir, preferiría que fuera algo rapidito, expeditivo. Aunque en ese momento sé que me preocuparía por cosas absurdas, como qué va a hacer el Málaga el domingo. O pensar que hace sol y quiero ir a correr pero no puedo porque me estoy muriendo… Eso sí que me incordiaría", bromea.

A PROPÓSITO DEL AMOR Un motor magnífico que, si no detiene el tiempo, hace la vida mejor, es el amor. "Es lo que nos mueve a hacer cosas", sostiene. "A una profesión, a una persona, a un país, a la vida.

Yo soy muy enamoradizo de todo esto y el amor es lo que me mueve a no asentarme". Hablando de ello, Antonio recuerda que la primera vez que se enamoró, siendo un niño, en realidad le sucedió en un sueño: "Me gustaba una niña que yo ya

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" e n e s t e p a í s p u e d e s p a s a r d e h i j o p r e d i l e c t o a h i j o d e p u t a de una fundación, pero si al final de la en 3,5 segundos" temporada se producen dividendos,

conocía, pero en realidad me enamoré de ella en un sueño. Y ése fue el que me pegó un pelotazo", dice, como si los sueños fueran el anticipo de los deseos. "Yo, a pesar de lo que la gente crea, siempre he sido una persona muy tímida. He ido superándolo por mi profesión y he encontrado mil trucos. Pero en aquel entonces no tenía recursos para atreverme a hablarle. Sin embargo, recuerdo que estaba en un patio y, de camino al baño, la vi en una ventana.

De repente le mandé un piropo que no sé de dónde me salió. Y después me quedé un rato en el baño temblando, esperando que se fuera porque ¡ya no sabía qué más decirle!".

ODA A LAS MUJERES Desde entonces, las mujeres han sido parte esencial en su vida, incluyendo aquí esa imagen de galán impenitente que siempre se le ha atribuido. "¡Pero si siempre he sido muy monógamo!", protesta, y hace el recuento de haber estado "más de la mitad de mi vida con pareja". Con su primera mujer, Ana Leza, pasó ocho años; 20 con Melanie Griffith (de ella dice: "la quise mucho y seguiré queriéndola siempre: no es mi mujer, pero es mi familia", matiza con cariño); y con su pareja actual, Nicole Kimpel, más de cuatro ("y qué bien estoy"). Además, es padre de una veinteañera, Stella del Carmen.

"De las mujeres he aprendido que son un misterio insondable que nunca

se reinvertirán en hacer una mejor temporada siguiente. Y otro de los mensajes que lanzamos es que yo no quiero un teatro como un edificio, sino que se extenderá a los barrios y a la vez abrirá vías a otras alternativas laborales. Queremos traer a los mejores escenógrafos, maquilladores, expertos en gestión o producción".

Todo por el teatro. Y evoca un espectáculo que vio hace poco en Nueva York, el musical sobre Alexander Hamilton, uno de los padres fundadores de los Estados Unidos: "Es una de las cosas más impresionantes que he visto recientemente. Ya nos han contado la historia mil veces, pero se trata desde un ángulo absolutamente diferente. Y ésa es la esencia del arte: una reinterpretación de la realidad, despejaré, y eso es precisamente lo que me atrae de ellas", acla- una reflexión de lo que somos, pero ra. "Hay algo que es muy difícil de explicar, y si pudiera hacerlo sorprendiéndote de nuevo". sería un poeta. Pero me siguen apasionando las mujeres, y no me refiero a las bellas y delgadas. Me fascinan las madres, las mujeres EL HUMOR Y LA MORAL trabajadoras, adoro a las marías de mi Málaga. No es una mujer Para acabar, le preguntamos qué le específica, es la fuerza del género". Defiende esa feminidad como parecen los memes que surgieron a la mejor arma para el cambio, pero con matices: "Me interesa más raíz de la última campaña que hizo lo femenino que lo feminista. Pero ojo, entendiendo bien esto que para El Corte Inglés (en la imagen digo, porque creo que todavía no se respetan los derechos de las que él protagonizaba, a algunos les mujeres y hay un montón de cosas que hay que salvar. Pero creo dio por añadir unas gotas que sugerían un gesto… onanista). Antonio se que un mundo gobernado por mujeres sería menos violento". ríe con ganas y rescata una historia de Ética para Amador, de Fernando Savater EL TEATRO Y EL AMOR AL ARTE Hay un curioso efecto multiplicador derivado de su trabajo. (de quien opina que es "una de las Encarnar vidas ajenas le permite vivir otras para sí. Pero a Antonio mentes más lúcidas que tenemos") eso no le basta. En su fuero interno, tal vez como una especie de sobre la interpretación de la realidad: deuda vital, decidió hace unos años explorar otras vías. No se trata "Una señora llamó un día a la policía sólo de hacer negocios, de sacar una línea de ropa, vender vinos para protestar porque frente a su casa o perfumes, sino de devolver algo de su suerte al resto. Por eso, había unos chicos bañándose desnuahora está inmerso en su proyecto empresarial más colosal: ultimar dos en un río. La policía alejó a los su Teatro Soho de Málaga. Con él no sólo dará otro empujón chicos unos metros río arriba, pero la cultural a su ciudad, sino trabajo y posibilidades a los más de mil señora volvió a llamar diciendo que estudiantes que acogen las dos escuelas de arte dramático de la seguía viéndolos. La policía volvió a capital andaluza. "Es la ilusión más grande que tengo de los últi- alejarlos, esta vez un kilómetro más mos años, más que cualquier película", confiesa, aunque proyectos, allá, pero la mujer siguió protestando. precisamente, no le faltan. Acaba de rodar con Meryl Streep y 'Pero señora –se extrañaron los agenGary Oldman The Laundromat, de Steven Soderbergh, y en poco tes–, si los hemos mandado a más de tiempo estrenará Dolor y gloria, la última de Almodóvar. "Me lo un kilómetro de distancia. ¿Cómo es estoy pasando muy bien", aclara, "pero nada como traer a mi tierra posible que pueda verlos?'. A lo que teatro de gran categoría. Y además, siguiendo la formula america- la mujer contestó: 'Pues cómo va a na. Ellos dicen: ¿quieres un teatro? Pues págalo". Ante la tesitura, ser, ¡con los prismáticos!'. Eso es la Banderas decidió hacerlo privado –"o, como dicen en EE UU, una moralidad. La gente podría ver a un iniciativa non profit", aclara. "No quería hacerlo con dinero público, señor pescando o bailando, pero lo la financiación vendrá del patrocinio y la taquilla. Y rendir cuentas que ven es lo que tienen en la cabeza. única y exclusivamente a los que tenemos que rendir cuentas: a los Pero, ¿sabes lo peor de una publicique se juegan los cuartos". Entre ellos, él mismo. "Pero yo no voy a dad? Que sea invisible. Y ésta no lo ganar dinero. Yo aporto una suma anual de 222.000 euros a través ha sido, así que bienvenido sea".

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Camisa y 'blazer' gris, pantalón de pinzas de lana.

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Americana de cuadros, chaleco estampado de espiga, jersey de cuello alto azul marino y pantalón de raya diplomática y cinturilla de cordones.

C V C N K C 7 Q T T G U 3 Q N Q Maquillaje y peluquería: ' C X K F % G N N Q (Mercedes Espejo) para Chanel y Shu Uemura. Asistente digital: ( P T K S W G 3 Â T G \ 2 T V K \ Asistente de fotografía: ( P T K S W G ( U E C P F G N N .

Asistente de estilismo: ( U V G T & C T T G Ê Q .

Producción: 1

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Jersey verde jaspeado de lana.

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fotografías: Paula Prats

DUALIDAD N AT U R A L

Vicent

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To d o l í

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l círculo del arte está poblado de personajes excéntricos. Conviven en él intelectuales genuinos y esnobs recalcitrantes; artistas con hambre de fama y tímidos patológicos; coleccionistas connaisseurs y nuevos ricos. Un ecosistema del que Vicent Todolí (Valencia, 1958) se desmarca como un verso suelto. A lo largo de su trayectoria –como director artístico del IVAM, Comisario, experto en arte fundador del Museo de Arte Contemporáneo Serralves de Oporto y director de la Tate Modern durante siete años–, ha rehuido en lo posible las inauguraciones, las ferias y las fiestas donde se menea la flor y nata del mundillo.

En 2010 cambió su puesto en Londres por el silencio de Palmera, el pequeño pueblo valenciano de la Safor en el que transcurrió su infancia. Allí desarrolla su proyecto más personal: un museo botánico al aire libre donde expone 400 variedades de cítricos ancestrales, raros o en vías de extinción, como la mano de buda, el kumquat, la cidra o la lima persa. Al estilo de los huertos de coleccionista que inauguraron los Médici en Florencia en el siglo XVI. Cualquier otro en su lugar habría planeado un retiro señorial; una casa de campo de postín con bibliotecas de caoba. En lugar de eso, Todolí vive en una residencia rústica y carente de lujos.

Colinda con un terreno de 30.000 metros cuadrados que el exdirector de la Tate compró a catorce propietarios diferentes con el objetivo de detener un proyecto de PAI [Plan de Actuación Integrada] que amenazaba con convertir el entorno en un paisaje gris de carreteras y adosados.

LA VIDA EN PALMERA

por: Marta Moreira

Esta entrevista transcurre durante una mañana fresca y soleada; envuelta en aromas de bergamota. Paseando entre frutos de protuberancias fabulosas, como en los retratos de Arcimboldo. "Estar aquí me "Estar aquí me obliga a frenar y ser testigo del obliga a frenar y ser tiempo", confiesa. Todolí dejó testigo del tiempo" atrás la vida de despacho, pero nunca se ha desvinculado del arte. Se compró un teléfono inteligente para poder trabajar a distancia, y un par de veces al mes se desplaza a Milán para supervisar alguna instalación en la Fundación Pirelli HangarBicocca, de la que es director artístico. También es

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VICENT TODOLÍ

"Si el arte pudiese encerrarse en palabras, el artista

asesor de la Fundación Botín y otras instituciones, con las que sólo trabaja si le garantizan que las obras son accesibles al público y no van a revenderse en el mercado. Existen dos tipos de coleccionistas –nos aclara con su característica forma de hablar, ligando palabras a toda pastilla–, "los de toda la vida, con criterio propio, y los que tienen mucho dinero pero sólo quieren trofeos. De ésos que no quieren una obra que valga menos de dos millones de euros. Con este tipo de gente no trabajo", zanja.

El Huerto Botánico y Citrícola El Bartolí cumple una triple misión investigadora: científica, histórica y gastronómica. Por aquí pasan ingenieros del CSIC y cocineros como Ferran Adrià o Ricard Camarena. Todolí es un gran aficionado al buen comer –un mundo en el que le introdujo Richard Hamilton–, aunque no por eso ve clara su categorización como arte.

"Desde el momento en que la gastronomía tiene la función última de alimentar, ya no goza de libertad absoluta. El arte debe ser de una inutilidad imprescindible. Esto no quiere decir que no requiera grandes dosis de creatividad. Hay excepciones, como los restaurantes de Gordon Matta-Clark en los 70 o el de Antoni Miralda y Montse Guillén en los 80. Pero no eran sitios a los que fueses a comer bien, sino a disfrutar de una experiencia, que a veces incluía cosas desagradables. Es un poco la línea que hoy lleva Mugaritz".

LA CULTURA, UN OFICIO

A Todolí no siempre le gustó el campo. "La tierra me espantaba, porque mi padre nos hacía levantarnos los sábados a las seis de la mañana para trabajar en sus terrenos", ríe.

La afición por la cultura tampoco le vino de familia. En su casa los únicos libros que se 80

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"Desde el momento en que la gastronomía tiene la función última de alimentar, ya no goza de libertad absoluta. El arte debe ser de una inutilidad imprescindible"

manejaban eran la Biblia y alguno de cítricos.

Pero las obras completas de Julio Verne le cambiaron la vida. "Me pasé la adolescencia leyendo y fumando debajo de un naranjo", recuerda. Su segunda gran afición fue el cine y después llegó el arte. Se trasladó a estudiar a Valencia. Iba para arqueólogo, pero su carácter impaciente era incompatible con la frustración de pasarse horas excavando sin garantías de sacar nada.

El idilio definitivo surgió en 1976, en la Bienal de Venecia. "Descubrí que existía el oficio de comisario, pero para dedicarme a eso tenía que irme al extran-

jero". Él y su compañero de universidad Manuel Borja-Villel –actual director del Museo Reina Sofía– consiguieron una beca Fulbright para estudiar en Yale. Después Todolí continuaría en Nueva York.

Como comisario, entró por la puerta grande. Con 24 años debutó con una retrospectiva de Walker Evans. La segunda fue de Robert Frank, fotógrafo de proverbial carácter antisocial con el que llegó a trabar una larga amistad. "Le envié mi catálogo de Evans como gancho, y me hizo ir a su casa. Recuerdo que me dejé bigote para parecer más mayor", bromea.

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no sentiría la necesidad de realizar su obra"

"Me pasé la adolescencia leyendo y fumando debajo de un naranjo"

Durante su etapa en la Tate, Todolí pudo llevar a término muchas exposiciones de ensueño, como las de Duchamp, Man Ray, Picabia o Rodchenko y Popova.

"Experimenté el poder; no el del dinero, sino el de pedir obras. En otros museos tienes que arrodillarte para conseguirlas.

Lo malo es que ese poder lleva consigo muchos condicionantes: patrocinadores, objetivos de visitas, etc. Lo comparo con estar en un barco de vela –ágil, pero con limitaciones–, o en un portaviones, que te lleva adonde te da la gana, pero no notas el mar, y cualquier cambio de rumbo es complicadísimo. Estuvo bien, aunque no volvería a hacerlo".

EL ARTE Y LA VIDA

En la localidad valenciana de Palmera, Vicent Todolí dedica buena parte de su tiempo a un huerto botánico que alberga casi 400 variedades de cítricos.

"Al llegar, había muchas fotografías en el suelo; me preguntó cuáles me gustaban.

Se las señalé y me dijo: 'Ok, hacemos la exposición". Tardó mucho en volver a trabajar con fotografía: "En general sólo me interesan las formas de arte que van más allá de la técnica y el virtuosismo".

La historia de cómo llegó a la dirección de la Tate Modern no tiene desperdicio.

"Fui allí a pedir en préstamo tres pinturas para mi exposición en Serralves Bacon:Caged/ Uncaged. Conseguir pinturas de Bacon es muy difícil, y más para un museo como el de Oporto, que estaba empezando y no tenía

una gran colección para hacer intercambio.

Estando allí me dijeron que estaban buscando director, que si me interesaba el puesto.

Yo pensé: si digo que no, no me van a dejar las obras. Así que contesté que quizá sí, pero que tendríamos que hablar. Me contactaron de nuevo semanas después y les dije cuáles eran mis condiciones: no me interesaban las funciones de management, estaría siete años máximo, y necesitaba venir cuatro días al mes a mi pueblo a ver mis árboles. Al final acepté, pero ¿sabes una cosa? Que de las tres obras de Bacon ¡sólo me dejaron una para la exposición! Los ingleses son así".

Otro de los hitos de su paso por Londres fue la apuesta por el arte urbano. "Por supuesto, hicimos la exposición fuera de la galería, porque si no pierde el sentido.

En el arte es importante hacerse las preguntas adecuadas". Aprovechamos para averiguar su opinión sobre Banksy –cuya obra se puede visitar en Madrid hasta el 10 de marzo–. "Me parece superfluo y facilón", zanja. "Esta cosa del antisistema oficial no me convence. Eso sí, cala mucho en los medios. Banksy es muy inteligente".

Nuestra entrevista finaliza en la biblioteca, junto a una escultura de neón de Pedro Cabrita Reis. Aunque vive rodeado de miles de libros, Todolí relativiza la importancia de la erudición académica como medio para desarrollar un criterio artístico genuino. "Es cuestión de ejercitar la mirada. De ir más allá de los datos. El contenido debe estar en la misma exposición, nunca en el texto.

Piénsalo: si el arte pudiese encerrarse en palabras, el artista no sentiría la necesidad de realizar su obra".

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LA VIDA por Martin Parr

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MARTIN PARR

Un libro y una exposición que llevan el sello de Gucci rinden homenaje a la mirada irónica de Martin Parr, uno de los talentos más lúcidos e insolentes de la fotografía contemporánea.

la mala suerte, como si sentirse feliz fuese un signo de vulgaridad o falta de ambición.

"Si decimos a una persona: '¡Pero, qué feliz es usted!', por lo general protesta", escribió. Luego, eso sí, que no falten las supersticiones y los deseos de pronta recuperación.

Martin Parr (Inglaterra, 1952) tampoco entiende la complejidad de la conducta humana, pero le provoca tanta fascinación que ha dedicado toda su carrera a retratar el absurdo de la vida cotidiana. A este fotógrafo de mirada mordaz le alucinan las señoras mayores que se embaulan un enorme trozo de mantecado pero luego se quejan de que el azúcar no les baja; le entusiasman esas familias que deciden relajarse en la playa para poder quejarse del calor, la arena y las quemaduras; y le alucinan los turistas que beben cerveza tibia y toman ketchup en países con gastronomías maravillosas. Pero que nadie se equivoque con sus llamativas instantáneas, pues no sólo evocan lo kitsch sin más ni más.

El expresidente de la agencia Magnum es un notario de la realidad. Si comparamos su porfolio con el desconsuelo pornográfico que ofrecen otros retratistas de la documentación social, lo de Parr también es de verdad. Tanto que es capaz de superar a la propia ficción.

...

... Gucci acaba de lanzar el libro World (The price of love), la última de su serie de publicaciones en edición limitada, que recoge decenas de imágenes disparadas por Martin Parr para ilustrar la atmósfera y las prendas de la colección Crucero 2018 de la firma italiana. Para este encargo, el fotógrafo británico viajó hasta la Costa Azul francesa y retrató en puntos clave de Cannes y alrededores a la joven y ecléctica tribu de modelos de la casa fundada por Guccio Gucci. Todo ello, cómo no, aderezado con la presencia espontánea de transeúntes locales y foráneos. El libro, distribuido por la editorial Idea, ya está a la venta en la recién inaugurada librería del Gucci Wooster de Nueva York, en el Gucci Garden de Florencia y los Dover Street Market de Londres, Nueva York, Ginza y Singapur, entre otras.

...

... Este año, además de este libro, el espíritu satírico y el uso vibrante del color que distinguen su fotografía también estarán presentes en la exposición Only Human de la National Portrait Gallery de Londres, patrocinada por Gucci. Desde el 7 de marzo al 27 de mayo, cualquiera podrá ser testigo del envidiable estado de forma de este niño grande. A sus 66 años, Parr no para de moverse por todo el mundo, dando conferencias y publicando trabajos. En 2014 creó la fundación que lleva su nombre para apoyar a fotógrafos cuya actividad se centre en Reino Unido y preservar el legado de los profesionales que han contribuido a esa labor en el pasado. Su lucha siempre será contra la doblez y el engaño.

Incluso en Instagram, donde se ha convertido en todo un influencer. Frente a esos "gruñones que tienen miedo al cambio", él no tiene inconveniente en adaptarse a los nuevos tiempos.

Así lo explicó en el diario El Mundo: "Es una plataforma que alimenta el interés por la fotografía. Por supuesto que allí hay un montón de mierda, pero también cosas buenas. La mayoría de mi trabajo es un montón de mierda, pero sólo enseño lo bueno. Y toda esa mierda es fundamental para llegar a hacer algo bueno". La vida misma.

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POR IÑAKI LAGUARDIA. FOTOGRAFÍAS: 'WORLD (THE PRICE OF LOVE)', POR MARTIN PARR. CORTESÍA DE GUCCI.

... Nietzsche decía que no entendía por qué a la mayoría de la gente le gusta tanto

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C H A R L I E C A S E LY- H AY F O R D

(Texto: Iñaki Laguardia) (Fotografías: Alba Yruela)

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EN UN RINCÓN DEL BARRIO LONDINENSE DE MARYLEBONE

El diseñador Charlie Casely-Hayford posa para GQ España en la nueva tienda de la firma que lleva su apellido.

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C H A R L I E C A S E LY- H AY F O R D

(Charlie Casely-Hayford)

Sastrería inglesa, anarquía británica ___A JUZGAR POR LAS ÚLTIMAS NOTICIAS QUE LLEGAN DE REINO UNIDO, CUALQUIERA PODRÍA PENSAR QUE LOS BRITÁNICOS ENCUENTRAN UN GOZO IRRACIONAL EN PONER A PRUEBA NUESTRA PACIENCIA Y DESCONCERTARNOS CON SUS EXTRAVAGANCIAS,

seguramente porque saben que en esa rareza de ser tan raros está su peculiar encanto.

Dice la periodista Berna González Harbour que este año la Inglaterra de Mr. Bean se ha impuesto a la de James Bond, pero sólo en lo político. En el ámbito cultural, el personaje de Rowan Atkinson y el agente 007 llevan conviviendo sin problemas desde hace décadas. Ambos son imprescindibles para comprender la compleja realidad que 90

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se vive más allá del estrecho de Calais. La moda británica, sin ir más lejos, tiene entre sus talentos a personas capaces de armar un relato nacional sin fisuras. Viven y conviven en la diferencia como las partes de un todo. De la alta costura de Charles Worth al trench de Aquascutum, de la minifalda de Mary Quant a la camisa Anarchy de Vivienne Westwood, de los sustantivos de alto voltaje de Alexander McQueen a la liberadora feminidad de Clare Waight Keller, todos ellos son súbditos de la casa de Windsor. Los hay elegantes y certeros como Bond; los hay disparatados y excéntricos como Mr. Bean. Y luego están los que son un poco de todo.

___EN ESTA ÚLTIMA CATEGORÍA SE ENCUENTRA CHARLIE CASELY-HAYFORD (LONDRES, 1986). Este diseñador, sastre, historiador, estilista e icono de estilo lleva el peso de un apellido que es sinónimo de moda masculina. Junto con su padre, Joe (Kent, 1956 Londres, 2019), el creador que revolucionó la sastrería moderna al frente de la mítica casa Gieves & Hawkes de Savile Row, ha dirigido el destino de una marca familiar que en apenas una década ha conseguido condensar los códigos clásicos y la insolencia creativa en una propuesta reconocida. Casely-Hayford es la firma que mejor simboliza la nueva elegancia británica.

"Londres tiene una herencia increíble que

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hunde sus raíces en la sofisticada sastrería de Savile Row y en esa modernidad que nace de las subculturas que la habitan.

Esa mezcla es la que nosotros queremos transmitir", explica Charlie, que recibe a GQ España en su flagship store de la capital británica, decorada por su esposa, la diseñadora Sophie Ashby, con quien se casó el pasado verano en el sur de Portugal. La tienda, recién inaugurada, se encuentra en el corazón del barrio de Marylebone, a espaldas de Oxford Street, cuyas calles representan precisamente esa atmósfera que describe nuestro protagonista. Se trata de un enclave cosido por fachadas victorianas, establecimientos gourmet y embajadas de repúblicas de nombres impronunciables.

A un lado, el número 221B de Baker Street donde Sherlock Holmes resolvía crímenes; al otro, la intransitable arteria comercial donde los turistas se funden los cuartos.

En medio, el número 3 de Chiltern Street donde operan. Todas ellas son realidades tan londinenses como el propio discurso que Charlie y su padre han defendido a través de su dúo multigeneracional. ___TODO EMPEZÓ HACE DIEZ AÑOS. "LA MARCA NACIÓ EN UN CONTEXTO MUY SINGULAR: MIENTRAS LA CRISIS ECONÓMICA GOLPEABA LA ECONOMÍA, EL MERCADO DEL 'MENSWEAR' EMPEZABA A DESPEGAR COMO UN COHETE. Nosotros somos el resultado de ese escenario tan particular. Asimismo, en Londres bullía una atmósfera muy creativa y las fashion weeks empezaban a hacer mucho ruido. Nuestro primer desfile, sin embargo, no lo celebramos hasta 2014 porque nos pareció prioritario consolidar la marca y establecer una relación de confianza con los clientes. Todo lo hemos hecho poco a poco y la respuesta ha sido muy positiva", comenta Charlie. En este tiempo han apuntalado una propuesta de moda que pivota sobre el bespoke (trajes a medida hechos por encargo) y las colecciones primavera/verano y otoño/ invierno. Bueno, en realidad, eso era hasta ahora, porque hace unas semanas tomaron algunas decisiones relevantes. Se han atrevido con la moda femenina y ya no desfilan en el calendario oficial. Tampoco

van a seguir ofreciendo colecciones por temporadas sino por criterios arbitrarios que dependen, principalmente, de lo que se les ponga en la punta de la nariz: "En un contexto dominado por la inmediatez, la idea de presentar una colección cada seis meses choca con la manera en que la gente procesa hoy la información.

Para nosotros ha sido algo natural hacer este movimiento y ofrecer pequeñas selec-

"La moda es movimiento y el estilo es refinamiento.

Lo interesante es mezclar los dos conceptos" ciones de prendas sin carácter regular. Con la apertura de la tienda, que nos permite testar mejor el deseo de los clientes, ofrecemos una aproximación más fiel a lo que deseamos transmitir. Ahora vendemos prendas en cantidades limitadas y por ello más exclusivas".

nos han llevado a elegiros. Por primera vez hemos lanzado pequeños accesorios de piel, zapatos y zapatillas hechos en España porque nos hemos dado cuenta de que no había un lugar mejor donde hacerlos", expone Charlie. Pero si algo define el prestigio de Casely-Hayford son los trajes a medida. La experiencia de Joe y la cosmovisión del universo masculino de Charlie han impulsado una auténtica fusión nuclear. "El proceso de compra de un traje a medida dura unas ocho semanas. Ofrecemos unos 3.000 tejidos diferentes, pero si ninguno de ellos convence al cliente podemos crear uno que se adapte a sus gustos. Nuestra sastrería a medida no sólo se limita a los trajes. Podemos crear cualquier tipo de prenda", asegura. ¿Algún consejo para que los clientes tengan una experiencia satisfactoria y la adquisición no se convierta en una pesadilla? "Mucha gente acude al sastre con fotos de famosos, con el deseo de parecerse a alguien que no es. Creo que lo más importante es molestarte en descubrir cuáles son tus medidas y qué siluetas son las que te favorecen. Una vez sabes qué es lo que te sienta bien puedes jugar como quieras, por eso es una idea equivocada comprar una prenda porque te gusta cómo la ves en alguien.

Todos somos únicos y tenemos medidas diferentes", apunta. ___ADEMÁS

DE SU ACTIVIDAD AL FRENTE

DE LA FIRMA QUE HA COMPARTIDO CON SU PADRE, CHARLIE SUELE COLABORAR COMO DISEÑADOR PARA OTRAS FIRMAS.

___ESAS TOZUDA

COLECCIONES DETERMINACIÓN

REVELAN POR

UNA

DEFINIR

EL PAPEL DEL HOMBRE URBANITA EN EL SIGLO XXI, TANTO EN LA CREACIÓN COMO EN LA DISTRIBUCIÓN.

Sus referentes sartoriales articulan un completo vestidor donde el tailoring se funde con la relajación deportiva y el minimalismo. Los abrigos, pantalones, camisas y jerséis no son para tipos de ficción como James Bond o Mr. Bean, sino para hombres reales.

Por si fuera poco, acaban de estrenarse en el rentable mundo de los accesorios, fabricados, por cierto, en nuestro país.

"La calidad y el saber hacer españoles

También ejerce de estilista desde los 21 años. Ha vestido para galas y editoriales de moda a Sam Smith, Robert Downey Jr., Michael Fassbender o los chicos de The XX, entre otros rostros populares. Él también es uno de ellos, y es habitual verlo en las listas de los hombres mejor vestidos del mundo. "El estilo es una cosa muy personal y tiene una vocación de permanencia.

La moda es movimiento y el estilo es refinamiento, son cosas diferentes. Pero en mi caso lo más interesante es mezclar ambos conceptos", explica. Este talento natural va acompañado de una formación que no es específica de moda. "Estudié Historia del

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C H A R L I E C A S E LY- H AY F O R D

'ANNUS MIRABILIS' El hijo de Joe Casely-Hayford, un trasunto físico de Jean Michel Basquiat, ha vivido en los últimos meses su mejor año creativo y personal.

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Arte en la Central Saint Martins e hice prácticas en muchas galerías, pero hasta mi último año de carrera no le planteé a mi padre la posibilidad de trabajar juntos.

Creo que el arte y la moda están estrechamente relacionados, así que quise unir ambos mundos", cuenta. En este punto, en el de su unión profesional con su progenitor, es donde surge el nacimiento definitivo de Charlie como un respetado profesional de la moda. "Mis padres se conocieron cuando estudiaban en la Central Saint Martins, con apenas 21 años. Siempre han mantenido una relación increíble y no han parado de trabajar juntos. María, mi madre, es la persona encargada del aspecto económico de nuestra empresa. Tanto mi hermana Alice, que trabaja como periodista en la edición británica de Vogue, como yo mismo, nos hemos criado en un ambiente supercreativo. Desde que éramos pequeños nuestros padres nos han llevado a desfiles y en casa siempre se ha hablado de moda". ___EL DISEÑADOR JOE CASELY-HAYFORD, LA OTRA MITAD DE LA FIRMA, FALLECIÓ EL PASADO 3 DE ENERO VÍCTIMA DE UN CÁNCER, APENAS UNOS DÍAS DESPUÉS DE NUESTRA VISITA A LONDRES. PARA ESTE REPORTAJE QUISO CEDER TODO EL PROTAGONISMO A SU HIJO, PERO TUVIMOS EL GRAN PRIVILEGIO DE PODER CHARLAR CON ÉL.

Su testimonio resulta imprescindible para poder entender el éxito del único dúo creativo de la industria formado por un padre y un hijo: "Tuve la suerte de conocer a mi esposa mientras estudiábamos, y desde entonces hemos estado unidos tanto profesional como sentimentalmente. Me siento muy privilegiado por poder trabajar con mi familia porque la confianza es absoluta.

Me resulta muy estimulante trabajar con mi hijo y experimentar esa polinización cruzada de ideas. La gente suele creer que él es el más vanguardista de los dos, pero sorprendentemente su visión creativa es bastante clásica. A menudo llegamos a las mismas conclusiones desde enfoques muy diferentes". Este Oficial de la Orden del Imperio Británico, título que recibió de manos de la reina Isabel de Inglaterra en 2007, ha sido toda una institución. Después de graduarse

"En términos generales, en los últimos años la moda masculina ha adquirido el mismo valor que la femenina"

en moda se dedicó a crear prendas a partir de las tiendas de campaña que usó el ejército británico durante la Segunda Guerra Mundial. Esas chaquetas, pantalones y faldas las vendía en tiendas tan legendarias como Demob, Axiom o New Masters, todas en Londres. Después se atrevió con camisas creadas con algodón de R&J Partington, originario de Manchester, y más tarde comenzó a trabajar para varias marcas internacionales. También participó como estilista en editoriales de moda de publicaciones tan influyentes como The Face, i-D, Arena Homme+. Entre sus clientes cabían casi todos los iconos musicales del último siglo: The Clash, Lou Reed, Liam Gallagher, Jarvis Cocker, Take That o U2, a cuyos integrantes vistió en las giras de 1991 y 1993. ___HOY

ALGUNAS DE LAS PRENDAS FIR-

MADAS POR JOE CASELY-HAYFORD FORMAN PARTE DE LAS COLECCIONES PERMANENTES DEL VICTORIA AND ALBERT MUSEUM DE LONDRES O EL FASHION INSTITUTE OF TECHNOLOGY DE NUEVA YORK.

"Toda la vida me he inspirado en Inglaterra y sus tribus urbanas, desde los punks o skinheads hasta los sloane rangers (pijos) y el streetwear en general. Tengo la suerte de pertenecer

a una generación que experimentó con todo eso en tiempo real". En 2005, cuatro años antes de crear la marca que ha dirigido junto con Charlie, asumió la dirección creativa de Gieves & Hawkes, la icónica casa de Savile Row. Allí puso en hora las agujas de ese reloj centenario, una suerte de equivalente al Big Ben para la sastrería londinense. En resumen, lo ha hecho todo y lo ha visto todo: "El cambio de enfoque de la moda ha sido enorme en las últimas tres décadas. Los 80 fueron los años de las firmas de los diseñadores de renombre, pero el normcore y el post-modern de las décadas anteriores son tendencias que todavía hoy se revisan. En el siglo XXI, con el advenimiento del concepto masstige [de las palabras mass y prestige, algo así como lujo accesible], el grueso de la gente encuentra menos dificultades para disfrutar de un estilo de vida de lujo". Obsesivamente ortodoxo a la hora de ejecutar los trajes, en su fuero interno siempre ha habitado una anarquía muy meticulosa. "Debes conocer las reglas para poder romperlas", añade. ___CHARLIE

SUSCRIBE LAS PALABRAS DE

SU PADRE Y OFRECE UN DIAGNÓSTICO DE LA ACTUALIDAD:

"En términos muy, muy generales creo que la moda masculina ha alcanzado el mismo valor que la femenina.

Cuando camino por la calle veo a muchos hombres que han adquirido cierta conciencia de lo que supone ir arreglado. Si lo comparo con lo que veía hace diez años, hay una diferencia. Es un momento muy estimulante para ser diseñador de moda". Para él, desde luego, lo es. Acaba de inaugurar su tienda y ha cambiado la manera en que crea las colecciones. Lamentablemente, tras el fallecimiento de su padre, su vida personal acaba de sufrir un importante mazazo. El poeta Arthur Rimbaud escribió que la única virtud que compartía con su padre, el capitán de infantería Frédéric Rimbaud, era la imprudencia de la lucha.

Los Casely-Hayford también han compartido ese mismo rasgo, pero a diferencia del genio francés, que fue abandonado por su progenitor cuando tenía seis años, Charlie y Joe eligieron la mayor de las imprudencias. Quererse.

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Laurent Garnier 1Ï7-'% (63+%7 = 4-78%7 () &%-0) )78) -'Ì2-'3 (. = 463(9'836 *6%2'f7 6)*0)<-32% 73&6) 0%

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por Eugenio Viñas

Hay dos formas de interpretar la biografía de Laurent Garnier: la primera pasa por creer que este dj y productor francés ha tenido la suerte de estar en el lugar adecuado en el momento oportuno durante los últimos 30 años. De esa forma, podemos situarle indistintamente en primera fila de las revoluciones Madchester, acid house, french touch, rave, en las warehouse parties o en el estallido de ventas de la música electrónica en los 90. Si creemos en su don de la oportunidad, podemos encontrarle cierto sentido a que estuviera pinchando indistintamente en las ciudades clave de la revolución bailada por Europa, que publicara hits atemporales (Acid Eiffel, Wake Up) a lo largo de seis álbumes o firmara un tempranísimo contrato con la todopoderosa FNAC de 1991 (inaugurando su Music Dance Division), creara su propia radio online en 2003 y acabara por evangelizar al mundo con su oficio componiendo bandas sonoras para cine, teatro y danza. Al frente de todo eso y en el cambio de paradigma que situó al dj como la principal referencia pop e ídolo de masas en el tránsito de la noche a los festivales con decenas de miles de tíckets vendidos y parking para los jets privados.

La otra posibilidad para interpretar el don de la ubicuidad de Laurent Garnier es aceptar que nada de lo vivido fue posible sin él. Porque, como demuestra la versión expandida de su autobiografía ahora editada en castellano por Barlin Libros (Electroshock. Edición integral, 2018) este autor y agitador francés es el Ulises de la electrónica europea.

Garnier sabe a qué huelen los guetos de Detroit y Chicago, el segundo verano del amor en Ibiza, las raves que impulsó

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LAURENT GARNIER

–y musicó– o la explosión sin límites del movimiento a partir del año 2000.

El libro, que ahora aporta ocho nuevos capítulos, acaba por convertirse en un volumen fundamental para amantes y analistas del fenómeno, porque incluye la última frontera de ese mundo a partir del triunfo de los charts internacionales y el cambio definitivo del oficio de dj y productor, y su impacto a partir de la extensión global de internet y sus plataformas.

Electroshock es, ante todo, un relato sincero y vibrante en el que cada uno de sus capítulos parece acumular toda una vida de experiencias. Escrito a cuatro manos con el periodista David Brun-Lambert, el epopéyico relato del techno sitúa como protagonista al nombrado recientemente Chevalier de la Légion d'Honneur por Francia (el reconocimiento homónimo al Premio Princesa de Asturias de las Artes).

GQ: Electroshock parece huir de la nostalgia. ¿Hasta qué punto te obsesionaba no caer en ella?

momento y quizá lo era también porque encontré a Dave, que fue capaz de hacer las preguntas adecuadas.

Laurent Garnier: Fui muy claro desde el

GQ: ¿Cómo ha evolucionado la figura del dj?

GQ: ¿Cómo os organizasteis para componerlo a cuatro manos?

L.G.: Cada miércoles nos veíamos y tra-

bajábamos juntos durante cuatro horas.

Hablábamos de un tema concreto que yo había estado preparando durante toda la semana. Antes de despedirnos, proponíamos el siguiente ítem a resolver. En cierto sentido, fue una terapia para mí porque cada semana me enfrentaba a una serie de recuerdos. Me ayudó a responder algunas preguntas del pasado.

GQ: ¿Una terapia constructiva?

L. G.: En cierto sentido, como artista, me

alegro de no haber reflexionado sobre algunas cosas antes. Quizá ahora sí era el 96

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L. G.: Al principio la percepción de la gente

con respecto al dj era muy diferente a la actual. El dj era una cosa y el músico otra.

El dj no podía ser músico ni viceversa. En mi caso, romper con eso ha sido una lucha constante. El pensamiento estaba arraigado y parecía que nosotros hacíamos poco más que disponer ruidos. Cuando Carl Craig empezó a pinchar, la cosa comenzó a girarse. Yo me veo un poco igual. Me gustaba pinchar, pero enseguida pasé a ser productor. Serlo, crear, era probarnos a nosotros mismos. Al inicio, ni siquiera yo, que ya estaba haciendo música, me consideraba músico. Ahora sí y me siento más en paz que hace 20 años.

GQ: ¿Cómo encajas la visión de los djs como superestrellas de la industria?

L. G.: Creo que hay djs en posiciones más

altas de las listas de lo que deberían estar.

Ningún dj debería olvidar que lo que hacemos es pinchar música y hacer a la gente bailar. Ponemos música que nosotros hemos hecho o que otros han creado. Ni somos políticos ni cambiamos el mundo.

Las cosas no van a cambiar por nosotros y la humildad es un valor muy importante.

Hay gente en este mundo a la que se le ha olvidado.

GQ: Entiendo que no te sientes cómodo con la imagen de una vida en jet privado…

GQ: ¿En paz por qué?

L. G.: Cuando hablas de jets privados y ese L. G.: Más tranquilo, de alguna forma.

Ya no tengo que probar nada. En aquel momento parecía que te estaban probando. Lo importante con el tiempo es que la música que hacíamos y hacemos toca a la gente. Que llega a la gente. También en paz porque sé lo que he vivido y que he cumplido con lo que quería lograr. Lo más importante son los resultados y, al final,

tipo de vida… Ese no es mi mundo y creo que a estas alturas la gente sabe que no lo es. Creo que es lícito que haya djs felices de hacer millones de dólares, pero no es mi mundo.

GQ: Tampoco el método de reproducción parece ser algo que te preocupe.

FOTOGRAFÍAS: GETTY IMAGES.

principio: no quería un libro de yo mí me conmigo. No soy ese tipo de tío. Al mismo tiempo, también soy consciente de haber vivido muchas escenas en muchas épocas.

También de haber vivido todo esto desde el principio y recordar todo. Dave [BrunLambert, el coautor] me dijo que podría haber sido un buen reportero, pero incluso con su ayuda nos costó dos años escribir el libro. Dos años de trabajo metódico…

en lo más profundo de mi corazón, siento que soy dj ante todo porque desde los diez años era lo que quería ser. Hacer bailar a la gente. Era mi sueño.

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L. G.: Lo importante es que un dj ponga

L. G.: Los niños en Inglaterra iban a los

música que te llegue, que te toque. No es mejor si viene de un vinilo, de un USB o de una tarjeta SD. El formato no tiene importancia.

pubs. Era la cultura de la normalidad. Por esa idea de normalidad, la cosa al final acabó necesitando un espacio mayor. Un campo para bailar durante 24 horas donde las reglas no estuvieran escritas. En dos o tres meses la gente pasó de los clubes y se fue al campo. La policía era consciente de lo que estaba pasando, pero sólo podía controlar a la gente en clubes. No tenía suficientes agentes para cubrir un campo lleno de miles de personas.

GQ: No obstante, la principal revolución de la industria ha tenido que ver con el cambio de formatos y la ruptura de la distribución física.

L. G.: En los 2000 todo se volvió muy cam-

biante y no sólo por la llegada del peer to peer. La música se desmaterializó, los festivales crecieron y los djs dieron el salto a grandes compañías y mánagers. Todo se profesionalizó rápidamente a nuestro alrededor y eso trajo cosas buenas y malas.

Ahora la música se consume igual que una película y, en mitad del consumo, a alguien le llega un mensaje. No nos sentamos a escuchar un álbum, pero ya antes nos habíamos desacostumbrado a respetar el tracklist con la llegada del CD. Ahora esa liturgia sólo sucede si vas en coche haciendo un viaje. Ahora la mente va en muchas direcciones a la vez.

GQ: Incluso durante las sesiones.

L. G.: Soy consciente. Cuando estoy

pinchando, mientras bailan, están con el móvil en la mano. Están en Facebook, están haciendo un vídeo. Lo guardan y lo vuelven a sacar. Yo me pregunto: ¿por qué pones ese artefacto en tu bolsillo?

GQ: Ahora hay clubs que lo prohíben.

L. G.: ¡Y es maravilloso! Lo encuentro mara-

villoso. En esos sitios te das cuenta de que la relación con la audiencia se torna diferente y si la idea del dj tiene que ver con que la audiencia conecte contigo, es totalmente diferente. Como dj creo que tu principal misión es lograr que la gente se olvide de lo que le rodea, y ahora es muy difícil.

GQ: Electroshock es una progresión en torno a todo lo que rodea a la música de baile y eso también comprende los límites de la libertad, el marco normativo, la policía, las drogas… ¿Cómo evolucionó el rol de la policía durante los años de las fiestas rave?

GQ: Y entonces llegó el éxtasis…

L. G.: El impacto de la llegada del éxta-

sis a Inglaterra fue incontrolable. Fue un cambio enorme. Cuesta tratar de comprenderlo ahora. La policía ahí sí que no sabía cómo atajar el asunto. De repente había una industria enorme, creada casi de la noche a la mañana. La policía sí estaba perdida y no supo cómo gestionar un cambio de mentalidad tan grande, en una sociedad con un paro altísimo y un ambiente social complicado. Era la tormenta perfecta.

GQ: En ese momento, también en España, la música de los clubes pasa de ser underground a masiva. ¿Fue un salto natural?

L. G.: Es que no podría haber sido de otra

manera. Cuando un movimiento cultural se hace global, en algo tan grande como el techno, no hay manera de no acabar viéndolo convertido en negocio. No podría haberse mantenido como algo underground para siempre. Nos hubiera encantado, sí, para qué negarlo… pero al mismo tiempo luchábamos para que fuera grande. Para nosotros no era un negocio, era la música que nos gustaba. Creo que era inevitable que se hiciera enorme.

GQ: Lo que sucedió entonces y se mantiene ahora es una igualación de ambientes entre la música y las drogas. ¿Cómo has vivido esa simbiosis constante en medios de comunicación y todo tipo de relatos?

L. G.: No he sido una persona de drogas.

Las probé cuando era joven y muy pronto comprendí que no era mi mundo. La

gente las toma por muy diferentes razones y me fastidia que hablar de techno sea igual a hablar de drogas. No voy a negar lo que supuso el éxtasis para las raves. No niego que su expansión nunca hubiera sido tan rápida, pero eso sólo fue el inicio. Las drogas no han mantenido vivo al techno.

Existían antes del techno y siguen cambiando hasta el día de hoy. Había drogas en el Festival de Cannes, hacían estragos en el jazz, pero hay drogas en los institutos y hay drogas en las oficinas. Estoy a favor de que las drogas sea un tema que se tome en serio, pero no desde el tópico de la noche y el techno. Encontrar soluciones no pasa por señalar a los "chicos del techno" siempre con este tema.

GQ: Parece que es algo que te afecta.

El escenario ha cambiado bastante poco a lo largo de estos más de 30 años de relato.

L. G.: Sí, me afecta. Ahora estoy traba-

jando en una película y hay gente a mi alrededor que, de repente, se droga. Yo lo encuentro algo muy triste y a veces pienso, ¿quién soy? ¿Soy el único que no toma cocaína? Pienso mucho. Pienso, chicos, no necesitáis esa mierda.

GQ: El último ingrediente de esa industria enorme que es la música de baile es internet. Un ingrediente ya madurado y asentado. ¿Cómo ha afectado al escenario general, teniendo en cuenta que tienes tus propias emisoras online y tu sello discográfico?

L. G.: Los sellos ahora son otra cosa. Es un

ecosistema muy diferente. Antes podías hacer dinero con un sello. Tanto que había artistas que decidían si hacían tour o no. Los sellos ahora sobreviven. Además, internet ha generado una superespecialización de casi todo. También de nuestra industria. El modo en que se crea música es completamente diferente y pienso que siempre ha habido mucha música, y muchos sellos, pero ahora… ¡es la guerra! Internet ha puesto patas arriba todo el sistema. No tienes por qué tener un mánager; puedes producir tu música y ponerla en internet. Con eso es suficiente para golpear el mundo. Es una realidad establecida.

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POR JESÚS MERINO LÓPEZ

FOTOGRAFÍA: CARMEN GRAY

HAY QUIEN LO TACHA DE DEPRAVADO; OTROS LO VEN C OMO UNO DE LOS GRANDES MAESTROS DEL SIGLO XX. A SÍ ES BALTHUS, EL GENIO QUE ELEVÓ LA POLÉMICA A L A C AT E G O R Í A D E A R T E Y A L Q U E A H O R A R E C U E R D A EL THYSSEN-BORNEMISZA CON UNA EXPOSICIÓN. * Recreación en imagen de uno de los cuadros 'prohibidos' de Balthus: 'Thérèse on a Bench Seat' (1939).

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FOTOGRAFÍA: PORTADA DEL LIBRO BALTHUS. CATS AND GIRLS. PAINTINGS AND PROVOCATIONS DE THE METROPOLITAN MUSEUM.

BALTHUS

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BALTHUS

¿Pureza o perversión? La pregunta de marras sobrevuela la figura del artista desde su irrupción en los círculos de intelectuales del París de los años 30 (en su primera exposición, en 1934, el público salió espantado del local al descubrir "semejante provocación"). Donde algunos ven inocencia, figuras femeninas de niñas y adolescentes y tiempos en reposo generados a través de un estilo figurativo alejado de cualquier corriente o etiqueta, otros sólo encuentran depravación, pornografía e incluso pedofilia. Nacido Balthasar Klossowski (París, 1908; Rossinière, Suiza, 2001), Balthus es sin duda uno de los grandes maestros del siglo XX. Tal y como lo lees. También es un artista al que siempre le ha rodeado una polémica que él en realidad únicamente alimentó a través de sus obras, pues siempre rechazó el debate que se generó en torno a sus inclinaciones sexuales (tampoco era muy amigo de dar explicaciones, todo sea dicho). "Las niñas son las únicas criaturas que todavía pueden pasar por pequeños seres puros y sin edad. Las jóvenes nunca me interesaron más allá de esta idea". Son palabras del propio Balthus.

Adolescentes semidesnudas en poses presumiblemente sensuales salpican toda una trayectoria tan admirada como rechazada y que siempre se movió al margen de las vanguardias. "Balthus es relevante porque su obra admite múltiples niveles de interpretación. Ofrece una riqueza que va más allá de la superficie. La polémica es un componente intrínseco en la carrera de Balthus, pero es importante saber situarlo en su contexto. Los espectadores de 2019 le valoramos desde el debate sociocultural que hoy existe, pero él se nutrió del ambiente burgués de los años 30 del siglo pasado. A sus ojos, la burguesía francesa estaba aletargada y necesitaba despertar. Él encontró en la representación de lo sexual o de motivos con figuras femeninas una buena manera de provocar, de llamar la atención", nos explica Juan Ángel López-Manzanares, comisario de 100

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la exposición retrospectiva dedicada al artista franco-polaco que podrás disfrutar en el Thyssen-Bornemisza desde el 19 de febrero hasta el 26 de mayo. "Reducirle al escándalo no tiene sentido. No existía el movimiento #MeToo en la época de Balthus. Sí existía, en cambio, un interés por parte de los intelectuales de la época por estudiar la relación entre el sexo o el erotismo y la violencia. Esto es algo muy palpable en la revista Minotaure [un icono del movimiento surrealista]. También fue una estrategia evidente en muchos artistas relevantes de la época como Duchamp o Dalí", añade López-Manzanares.

"Vivimos un momento en el que se debe reforzar la moralidad constantemente, algo que pone la libertad de expresión en entredicho. A Balthus hay que colocarlo en el lugar adecuado. Él fue un artista excepcional, no un tipo morboso ni sensacionalista. Balthus nos deja entrever el mundo perverso que hay en cada uno de nosotros. Él pintó niñas en toda su pureza. La perversidad, la tensión y el tono inquietante de su obra los pone la mirada del espectador", nos cuenta por su parte Pablo Jiménez Murillo, director del área de Cultura de la Fundación Mapfre, centro organizador de la muestra Derain, Balthus, Giacometti. Una amistad entre artistas (ya clausurada). "Balthus nos sirve para reflexionar sobre los aspectos de nosotros mismos que nos molestan cuando los vemos reflejados en una obra de arte". ___ Balthus era el segundo hijo de Erich Klossowski, profesor de arte polaco, y Baladine Spiro, pintora rusa. Su hermano era el artista y filósofo Pierre Klossowski.

Durante la I Guerra Mundial, la familia se refugió en Suiza. A su vuelta a Francia, Balthus vio desfilar por casa a personalidades de la talla de Jean Cocteau, Pierre Bonnard o Rainer Maria Rilke. Animado por este último –quien, además, era amante de su madre–, Balthus decidió aprender a pintar yendo al Louvre a diario para copiar a maestros del pasado como Caravaggio, Piero della Francesca, Poussin o Courbet. Más tarde entablaría amistad con Picasso o Miró, aunque no compartió corriente con ellos (Balthus se alejó de la abstracción y de casi todo movimiento dominante durante los años 30, 40 y 50).

En la exposición del Thyssen, organizada conjuntamente con la Fundación Beyeler de Riehen, se aprecian las líneas maestras de su catálogo: 46 obras que recorren todas las etapas de su carrera –desde la década de 1920– y recogen composiciones figurativas protagonizadas por niñas y adolescentes que muestran una inquietante mezcla de tranquilidad con tensión, de realidad con misterio y de inocencia con erotismo.

Sin ánimo de polemizar en estas páginas, es evidente que la exposición llega precedida por la controversia. Ejemplos recientes amparan este punto de vista.

En 2014, el Museo Folkwang de Essen (Alemania) canceló una exposición programada del artista porque el director cedió a las presiones de quienes calificaron a Balthus como "pederasta". El museo, según detractores, ejercía de "cómplice del pintor pedófilo". Dos años después, el Partido de la Libertad de Austria (FPÖ), una formación de ideología conservadora y ultranacionalista, reprobó una retrospectiva de Balthus organizada por el Kunstforum de Viena porque consideraba que tenía un "trasfondo pedófilo inherente y desagradable". La muestra incluía varias Polaroids de una niña desnuda, Anna, a quien Balthus fotografió desde los ocho hasta los 16 años. Él tenía unos 80 y contaba con el permiso de la madre de la joven. Aún hay más: en 2017, se organizó una recogida de firmas a través de internet (se lograron reunir más de 10.000 rúbricas en apenas unos días) para que el Metropolitan de Nueva York retirase un cuadro de Balthus (Thérèse soñando; imagen número 2) por ser "sexualmente sugerente". La colosal galería yanqui tuvo que salir al paso anteponiendo "el debate a la censura" y animando a entender la muestra de Balthus como "un espacio para la reflexión entre el pasado y el presente".

También colocó una cartela avisando de que el contenido del mencionado cuadro podría perturbar a determinados visitantes.

Visto lo visto, ¿cómo debemos enfrentarnos hoy a la obra de alguien como Balthus? "Debemos colocarle en su contexto", dice López-Manzanares. "Su obra es impactante pero no pornográfica. En el Thyssen estamos abiertos a escuchar las opiniones de las personas que visiten la muestra, pero tenemos muy claro que la censura nunca puede ser el camino". Pablo Jiménez Murillo va un paso más allá: "Los

FOTOGRAFÍAS: CORTESÍA DEL MUSEO NACIONAL THYSSEN-BORNEMISZA.

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1. 'La habitacion turca' (1965-1966). 2. 'Thérèse soñando' (1938). 3. 'Thérèse' (1938). 4. 'El aseo de Cathy' (1933). 5. 'El rey de los gatos' (1935).

6. 'Los hermanos Blanchard' (1937). Estas seis obras forman parte de 'Balthus', exposición temporal organizada por el museo Thyssen-Bornemisza.

museos europeos están llenos de escenas de violaciones. Las vemos de manera natural porque entendemos que son expresiones artísticas. Si las valorásemos de un modo literal nos parecerían barbaridades, por eso es importante entender la complejidad de la obra de Balthus para no caer en ese excesivo sentido de la moralidad. El arte occidental se basa en la violencia. Si la censurásemos, los museos se quedarían vacíos. Martirios de santos, crucifixiones, faunos raptando a ninfas… Es nuestra tradición iconográfica, de ahí que no entienda que se pueda querer censurar a un autor como Balthus".

Picasso, Cortázar y Neruda son tres genios acusados de misoginia. También Bukowski, Lennon o Houellebecq. A Balthus se le tacha de pedófilo, si bien es cierto que todo queda en los límites que marca la interpretación de sus pinturas.

Es evidente que el talento no justifica en ningún caso un comportamiento violento o depravado (de darse el caso), pero sus nombres nos traen a la cabeza una pregunta cuya respuesta no es nada clara: ¿Qué peso debe tener la vida personal de un artista en la valoración que nosotros hacemos de su obra? "De Caravaggio [quien

asesinó a un hombre tras mutilarle el pene con su espada] nos interesa mucho su vida.

En cierto modo, la esfera personal de los artistas también nos provoca una extraña atracción. Todo está vinculado, aunque debemos tener en cuenta que Balthus jamás fue perseguido o enjuiciado", asegura López-Manzanares, que añade: "Él quería generar desazón en el espectador y regresar a dramas recurrentes en la historia de la humanidad, como es el incesto. A fin de cuentas, Balthus buscaba llamar la atención con su obra, algo que no le convierte en un pederasta".

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EN

LOS ÁNGELES

TEXTO: IÑAKI LAGUARDIA - fotografías: CÉSAR SEGARRA

ciudad a través de dos de sus protagonistas, Cali Thornhill DeWitt y Aaron Rose.

Sometemos a examen la inagotable energía artística de esta

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ARTE EN LOS ÁNGELES

a ciudad que inventó el cine de masemana para sobrevivir", explica. Este cineasta, comisario de arte y sas se ha convertido en el gran polo editor celebra este año el décimo aniversario de uno de sus docuartístico del siglo XXI. La industria mentales más exitosos, Beautiful Losers, que narra la actividad de un de las películas, deslocalizada en mil colectivo de artistas que en los años 90 se unió para promover la sucursales y formatos, ya no sirve cultura D.I.Y. (Do It Yourself) mediante el grafiti, la música underground y para canalizar la desbordante energía que supuran la estética skate. Entre ellos, Thomas Campbell, Cheryl Dunn, Barry sus calles. En su lugar, el arte, en sus incontables McGee o Shepard Fairey, autor de la célebre obra callejera Obey o expresiones, ocupa el centro de la escena creatidel retrato de Barack Obama con la leyenda Hope. va. No en vano, Hedi Slimane se llevó los talleres Rose se define como un "polímata", una palabra que define la haparisinos de Saint Laurent a este enclave enchubilidad de un creador para dominar diferentes disciplinas. Tal vez grafado permanentemente al sol. La localidad más cias a esa actitud dirigió una galería y ha publicado numerosos libros poblada de California tiene entre sus habitantes de arte. Este mecenas está a punto de embarcarse en una nueva avena dos amigos y gestores culturales (por definirlos tura: "En unas semanas comenzaré a dar clases en el departamento de sucintamente) que aman y conocen el talento que arte y diseño de la Universidad del Sur de California. Aparte de eso, tengo algunos proyectos cinematose desarrolla sobre sus bulevares. ¿Sus nombres? gráficos en los que estoy trabajando.

Cali Thornhill DeWitt (Sidney, Canadá, 1973) He estado transcribiendo un mony Aaron Rose (Portland, EE UU, 1969). tón de poesía que escribí en Nueva "Esta ciudad es un conglomerado de muchas York cuando tenía 20 años para un ciudades pequeñas. La mayoría de ellas apenas AARON rose: próximo libro, y este año vamos a tiene interés, pero las que amo las amo más que "LO MEJOR DE estar de gira con una exposición sonunca. La energía que mantiene a esta gran urbe a bre el décimo aniversario de Beautiful pleno rendimiento tiene relación, sobre todo, con LOS ÁNGELES ES Losers por todo el mundo". Lo dicho, la comunidad hispana. ¡Los Ángeles es México! La EL ACCESO AL un polímata. parte más trágica de todo esto son las hordas que ESPACIO. toda vía Rose, como experto en cultura se mudan aquí en busca de fama y fortuna y nunca skater estadounidense, no es ajeno a consiguen realizar sus sueños", explica Cali a GQ hay lugares la efervescencia de raíz callejera que España desde su estudio del Downtown. Este arpara que los ha turbado la moda en los últimos tista, gestor, fotógrafo y diseñador estrenó su vida años. "De alguna manera, es la gran adulta como nanny de Frances Bean, la hija de Kurt jóvenes artistas venganza de los perdedores. Sin Cobain y Courtney Love. Inevitablemente sus paembargo, el movimiento streetwear sos se dirigieron a la industria musical. Tras trabajar vengan aquí y que existe ahora guarda poca relapara varios sellos discográficos, decidió fundar el experimenten" ción con lo que estaba sucediendo suyo propio: Teenage Teardrops. Ha sido locutor, hace años. La única queja que tengo galerista y editor. Y fue él quien diseñó el merchanes la etiqueta lujosa que se le atridising de la gira The Life of Pablo de Kanye West (sí, buye. Una de las cosas que ayudó a él tuvo la culpa de que hace dos años Vetements, que el streetwear creciera fue su natuGucci o Brioni adoptaran fuentes góticas). raleza igualitaria. Se podía comprar "Tengo hambre de comunicar y aprender el lenguaje que me rodea. Cuando aluna camiseta por 30 dólares, por lo guien pierde interés en permanecer atento a esa cultura global, se queda estancado. que la cultura estaba disponible para Me interesa más el futuro que el pasado", afirma. Tal vez por eso muchos lo considetodos los jóvenes, ricos o pobres. ran un oráculo del gusto popular: "En cada generación hay jóvenes con visión para Ése no es el caso ahora. Ojo, que no hacer cosas completamente nuevas. De lo contrario, sólo tendríamos a un grupo de estoy en contra de que los diseñadopersonas mayores hablando de los años 80 y 90. Soporífero". Cali se atreve a poner res se ganen la vida, pero honestanombre y apellidos a esa nueva hornada de artistas que ha puesto a Los Ángeles mente creo que si hay algo que maen la vanguardia de la creación: "Grandes fotógrafos como Jerry Hsu y Sandy Kim tará esta cultura será que se ha vuelto tienen estudios en mi edificio. Danny Fox también anda por aquí. La mayoría de inaccesible. Pero tengo mucha fe en mis artistas favoritos están por Lincoln Heights". Él, por el momento, tiene claro a estos chavales, así que espero poder lo que se va a dedicar en los próximos meses: "Estoy concentrado en la exposición evitar eso". Es evidente que tanto en solitario que llevaré a cabo en la galería V1 de Copenhague, a partir del 5 de Cali como él son dos talentos que abril. También estoy tratando de hacer un disco con mi amigo Peter Sutherland, tienen el sello del intelecto, el comque también es uno de mis artistas vivos favoritos". promiso político de romper barreras Aaron Rose nos da más pistas sobre la fértil cartografía angelina. "Lo cierto y el coraje para recordarles a los que es que hay sectores de la población que están impulsados por el ego. La culpa es siempre llegan mal y tarde a todas del entretenimiento de masas y la industria de los famosos, pero Los Ángeles es partes que, sin voces tan inconforun lugar donde existen múltiples culturas simultáneamente. Una de las cosas mamistas como las suyas, el arte y la ravillosas que la definen es el acceso al espacio. A pesar de que esto ha cambiado cultura pop no habrían pasado del bastante en la última década, todavía hay lugares para que los jóvenes artistas vensílex y los sonidos guturales. gan aquí y experimenten y no se preocupen tanto por currar durante 60 horas a la 104

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"La creatividad no es un lujo; es una necesidad humana. Esta máxima es la que nos garantiza que el futuro siempre estará lleno de ideas inspiradoras. Y yo tengo mucha fe y optimismo puestos en el futuro", confiesa Aaron Rose.

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ARTE EN LOS ÁNGELES

En esta página, detalles de los estudios de nuestros protagonistas.

A la derecha, retrato de Cali Thornhill DeWitt. En la página anterior, exterior de la casa de Aaron Rose, situada en Hollywood Hills.

CALI Thornhill DeWitt: "Me interesa más el futuro que el pasado. SI pierdeS LA CURIOSIDAD POR LA cultura QUE TE RODEA, TE QUEDAS estancado"

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INCONFORMISTA

E L M U S E O I C O R I N D E T R I B U TO A U N O D E N U E S T R O S A R Q U I T E C TO S M Á S R E L E VA N T E S

POR JESÚS MERINO LÓPEZ

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FERNANDO HIGUERAS

Amigos, asumámoslo: cuando se repartió el talento, unas personas se quedaron con un trozo de pastel más grande y sabroso que otras. Hablamos de personas carismáticas y sagaces como Fernando Higueras (Madrid, 1930-2008). No sólo fue uno de los mejores arquitectos de su generación –de la historia de España, mejor dicho–, sino que también mostraba –y demostraba– aptitudes para la pintura, la música, la escultura y la fotografía.

"Utilizó su juventud para formarse en varias materias con mucho esfuerzo y dedicación.

Tenía un talento innato para cualquiera de las disciplinas que ejercía. Era dedicado, entusiasta y perfeccionista, una persona a la que le gustaba profundizar en todo. Era polifacético, ingenioso, conmovedor, generoso y tenía un gran sentido del humor", nos cuenta Lola Botia, colaboradora y compañera 110

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durante años de Fernando y directora de la fundación que lleva el nombre del arquitecto madrileño. Sus diversas inquietudes –por las que fue reconocido en numerosas ocasiones– le llevaron a entablar amistad con artistas como Antonio López, César Manrique o Lucio Muñoz, relaciones que le enriquecerían personal y profesionalmente y que terminarían influyendo en su obra: "Era un artista más. Ya de joven le divertía más estar en el Ateneo, en el Círculo de Bellas Artes y en las tertulias culturales que en los lugares que habitualmente frecuentaban los otros chicos de su edad. Fernando tenía amigos mayores como los pintores Daniel Vázquez Díaz y Pancho Cossio, o como el guitarrista Andrés Segovia", añade Lola. Con el tiempo, Fernando Higueras mantuvo el vínculo con el mundo del espectáculo: fascinados por su trabajo, muchos artistas de la época (como Nuria Espert, La Macarrona, Lucio Muñoz o el propio Andrés Segovia) le encargaron sus residencias personales.

También César Manrique, con quien viajó a Lanzarote para alumbrar una de sus obras maestras: el Hotel Las Salinas, referente turístico de arquitectura al borde del mar.

Como casi todo genio, Fernando tenía ídem: fue un tipo rebelde y franco que jamás hincó la rodilla ante el dictado de las tendencias. Su carácter algo anarquista se reflejó en su trabajo, una propuesta heterodoxa alejada de convenciones. Libre, orgánica, esencial. Fernando experimentó con materiales, formas e ideas y fue uno de los precursores del informalismo en nuestro país, lo cual nos lleva a la siguiente pregunta: ¿Cuánto le debe la arquitectura española a Fernando Higueras? "Le debe libertad, el no tener que estar sometida a la dictadura de las modas. Él siempre pensó que la vanguardia no era incompatible con un cierto sentido de la tradición". Visionario como pocos, Fernando Higueras huyó de corrientes a fin de dibujar una trayectoria muy personal, que es precisamente lo que le da valor a su legado: "Sabía muy bien adónde quería ir. Progresaba echando la vista atrás.

Veía sus trabajos anteriores y los mejoraba.

Es algo que se aprecia viendo la secuencia temporal del uso que hacía de los materiales en sus proyectos. Fernando nunca se sintió esclavo de las vanguardias a pesar de ser él precisamente uno de los arquitectos más rompedores del momento".

FOTOGRAFÍAS: CORTESÍA DE LA FUNDACIÓN FERNANDO HIGUERAS DÍAZ.

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1. Casa Lucio, Torrelodones. 1962-1963.

2. Colegio Estudio en Aravaca, Madrid. 1962.

3. Centro de Restauraciones de Ciudad Universitaria, Madrid. 1965. Colaboración con Antonio Miró.

4. Patronato de Casas Militares, Madrid. 1967-1975. En colaboración con Antonio Miró.

5. Hotel Las Salinas, Lanzarote. 1973.

Este 20 de febrero, el Museo ICO inaugura la exposición Fernando Higueras.

Desde el origen. Organizada por la Fundación ICO y comisariada –como es lógico– por Lola Botia, la muestra propone un recorrido cronológico por toda la obra de Fernando, con maquetas originales, fotografías, planos y audios en los que él habla de sus edificios y de su manera de entender la arquitectura. También hay una recreación de su último estudio, el muy acertadamente bautizado como rascainfiernos (actual sede de la Fundación Fernando Higueras Díaz, es una vivienda-estudio que el arquitecto construyó en el jardín de su antigua casa; como en la zona se prohibían nuevas ampliaciones, Fernando decidió excavar a pico y pala –no se podía introducir gran maquinaria en la parcela– un refugio subterráneo de 9x9x7 metros).

"El objetivo de la muestra es recordar a Fernando y dar a conocer la gran cantidad de obra que produjo a lo largo de sus 50 años en la profesión. He contabilizado 314 proyectos en total, muchos de ellos desconocidos por el público. Otra meta es presentar el catálogo, la publicación más completa sobre su trabajo hasta la fecha.

La idea es que se convierta en libro de consulta en todas las facultades de arquitectura del país", nos comenta Lola sobre una exposición que también pone en valor el trabajo que viene haciendo ella desde hace años al frente de la fundación: "Conservamos y divulgamos el legado de Fernando abriendo las puertas a las escuelas de arquitectura [la sede se puede visitar previa cita en fundacionfernandohigueras@gmail.com o llamando al 913 450 755]".

Fernando Higueras se graduó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid en 1959. Perteneció a una generación de arquitectos madrileños dispuestos a renovar el urbanismo de su ciudad primero y de España –o de donde hiciera falta– después.

Desmemoriado, sin límites, este grupo (en el que también se hallaba Miguel de Oriol e Ybarra) obvió las propuestas

del régimen franquista para darle un lavado de cara al sector a través de un pragmatismo abrumador. Surgió en España en ese momento un renovado interés por los procedimientos tradicionales, que en Higueras se tradujo en una querencia por la relación entre arquitectura y naturaleza. Él nunca lo negó. Todo lo contrario: siempre mostró un evidente apego por los métodos más orgánicos. En sus propias palabras: "La arquitectura popular anónima es una infinita fuente de lecciones. Siempre he apreciado su naturalidad, la adecuación, el orden y la funcionalidad, la lógica, la economía, además de la disciplina y la diversidad combinadas y armonizadas en un nivel que difícilmente encuentro en la arquitectura contemporánea". ¿Su otro gran referente? Las viviendas mimetizadas con el entorno de Frank Lloyd Wright.

Es posible que no lo sepas si no estás muy puesto o interesado en la materia, pero seguramente hayas apreciado algún producto de Fernando Higueras dando un paseo por Madrid. También es posible que estés viendo las fotos que ilustran este texto y pienses: "Un momento. Yo paso por ese edificio a diario". Higueras fue

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1. Fernando Higueras.

2. Casa Wutrich, Lanzarote. 1962.

3. Fernando Higueras, Félix Candela y César Manrique.

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profeta en su tierra, de ahí que la capital esté salpicada con algunas de sus obras de arte –porque es lo que son, sea cual sea su tamaño– más representativas. ¿La sede del Instituto del Patrimonio Cultural de Ciudad Universitaria, también conocida como La corona de espinas? Obra de Fernando Higueras. ¿El Patronato de Casas Militares, ese edificio de hormigón y vegetación en fachada situado en la esquina de Alberto Aguilera con San Bernardo? Sí, amigo: obra de Fernando Higueras. ¿Ese otro peculiarísimo edificio ubicado en el número 69 de la calle Serrano? Acertaste: obra de Fernando Higueras. Por supuesto, no sólo ejerció en Madrid. También proyectó o completó obras en Granada (Apartamentos en Punta de la Mona; 1964), Ciudad Real (Museo López Torres; 1980), Sevilla (1.192 Viviendas; 1970), Montecarlo (Edificio polivalente; 1969), Málaga (Las Lomas del Marbella Club; 1983), Tenerife (Parque Residencial Tajinaste; 1982) o Nueva York (propuesta para el World Trade Center tras el 11-S; 2002).

Era tal el talento de Fernando Higueras que no tardó en llamar la atención de la industria. Con uno de sus primeros proyectos, Residencias de Artistas en El Pardo, ganó el accésit del Premio Nacional de Arquitectura. Hablamos del año 1960 (recuerda: sólo uno después de haber acabado su formación). Fue en 1961 cuando se hizo con el primer premio por la ya mencionada Corona de espinas, proyecto al que dio forma en colaboración con Antonio Miró y Rafael Moneo y que fue declarado en 2001 Bien de Interés Cultural en la categoría de Monumento (debido a los retrasos que sufrió durante su construcción, Fernando bromeaba diciendo que aquel centro de restauración iba a convertirse en un centro de restauración de sí mismo). Pese a los reconocimientos, él nunca tuvo preferencia por ninguno de sus edificios: "El que más le gustaba siempre era aquel en el que estuviera trabajando en ese momento en concreto, que es algo característico de los artistas".

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___ El éxito del que disfrutó durante sus primeros años se mantuvo a lo largo de la década de los 70. Fernando gozaba de prestigio y repercusión mediática. Su trabajo era relevante, influyente, aquí y allá. Sabiéndose

en una posición de poder, Fernando Higueras rechazó enérgicamente a la generación de arquitectos inmediatamente posterior a la suya. Ya sabes: un genio con genio; un tipo sin pelos en la lengua. Ninguneó a la nueva camada por cumplir a rajatabla las exigencias del racionalismo imperante. Pese a ser un dueño de un estudio de renombre, esta tensión se volvió en su contra y Fernando Higueras fue dado de lado durante años. A pesar de la injusta desatención que sufría, Fernando logró ser seleccionado por el Consejo Superior de los Colegios de Arquitectos de España para optar al Premio Pritzker de 1983. Hoy, con la perspectiva que da el tiempo, la relevancia del trabajo de Fernando Higueras es incuestionable. Al oír su nombre en las escuelas de arquitectura, los alumnos se cuadran. Su obra habla por él. La muestra del ICO es un tributo necesario al hombre que anticipó el informalismo en España.

Pintor, músico, escultor, fotógrafo. Arquitecto. El humanista que concibió los edificios como obras de arte, el que integró hormigón, ladrillo y vidrio en entornos naturales. Un artista que hizo de su capa un sayo. Subversivo, irreverente, controvertido. "Vivió el cambio de la España en blanco y negro a la España a todo color.

Los de su juventud y madurez fueron años desenfrenados", admite Lola Botia. "Todo era muy sugerente y atractivo.

Cualquier persona con un mínimo de ganas de experimentar hubiera aprovechado el momento. Fernando era rebelde, sí; polémico, también. No se guardaba una opinión aunque supiera que podía molestar.

Esto le pasó factura, pero afortunadamente el tiempo pone todo en su lugar. Fernando era batallador por naturaleza, una persona muy especial".

4. Edificio polivalente en Montecarlo, 1969. Propuesta en colaboración con Antonio Miró, José Serrano Suñer y Ricardo Urgoiti.

5. Centro de Restauraciones de Ciudad Universitaria, Madrid. 1965. Colaboración con Antonio Miró.

6. Colegio Estudio de Aravaca, Madrid. 1962.

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FOTOGRAFÍAS: DIEGO LAFUENTE

POR: NOEL CEBALLOS

RODRIGO SOROGOYEN EN SU REINO NUNCA SE PONE EL SOL

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El ejercicio de estilo y suspense sostenido de Madre acaba de confirmar a Sorogoyen como apóstol irredento del plano secuencia.

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RODRIGO SOROGOYEN

Nominado a los Goya por El reino y en la carrera de los Oscar por su corto Madre, el cineasta madrileño está ahora viviendo un momento tan dulce como intenso.

dad de una mujer cualquiera (Marta Nieto), pero que más tarde nos proporciona un asiento de primera fila al que bien podría ser el momento más horrible de toda su vida. "Tiene algo de pesadilla", reconoce Sorogoyen. "Cuando escribes un guión de thriller, hay un principio que consiste en poner al personaje protagonista en la peor situación posible. La historia se me ocurrió cuando una amiga me contó que le había sucedido algo parecido, afortunadamente sin ningún drama final: fueron sólo los diez segundos de angustia en los que su hijo, al otro lado del teléfono, le decía que no encontraba a su padre.

Me pareció que, si ese momento de terror e incertidumbre total se alargaba, le haríamos la vida aún más imposible al personaje y conseguiríamos que el espectador estuviese más en tensión".

Sorogoyen no tiene del todo claro que el plan fuese rodar un corto como trampolín para expandir la historia. "Yo siempre supe que esa escena sería un gran comienzo para una película.

Pero también es cierto que la escribí en 2010 y no he podido hacer realidad esa idea hasta ahora, así que no hablaría de un plan preciso. Tampoco continuamos el corto de la forma que podría esperarse, sino que lo planteamos como prólogo y, después, la historia da un salto de varios años. No quiero destripar más, pero sí decir que Madre, la película, me ha permitido volver a un cine más íntimo y centrado en los personajes, que era algo que me apetecía muchíe podría decir que Rodrigo Sorogoyen (Madrid, 1981) ha tenido un simo. No es el proyecto pequeño que tenía en la par de años interesantes, pero lo que ha ocurrido es que no ha parado. cabeza, pero sí es más emocional que racional, Su corto Madre (2017) es uno de los más exitosos de la historia de que es algo diferente a lo que venía haciendo". nuestro cine: tras arrasar en un centenar de certámenes, incluyendo Desde luego, será muy diferente del ejerciToronto y Berlín, este ejercicio de suspense integró, junto al documental cio de suspense hiperbólico que supuso El reino, El silencio de los otros (Almudena Carracedo y Robert Bahar), la presencia un circo de tres pistas a ritmo de música techno española en la preselección de los Oscar. Tampoco es que al cineasta le ("Tenía claro desde el principio que necesitaba haya dado tiempo para asumir el éxito, inmerso como ha estado en el ese ritmo para pautar una historia como ésta") rodaje y promoción de El reino (2018), pero lo que le acredita como un que metió el dedo en la llaga de la corrupción. auténtico estajanovista es su decisión de lanzarse a rodar una adaptación Sorogoyen se muestra orgulloso sobre el punto de Madre a largometraje sin dejar una pausa entre ambos proyectos. de vista que adoptó: "Creo que huimos del tipo "Fue un impulso", nos cuenta el propio Sorogoyen en una cafetería, "pero creo de thriller político que mucha gente esperaba, que he hecho bien. Hay veces en las que, simplemente, intuyes que es el momento de ese modelo de thriller norteamericano al que correcto de hacer algo, aun sabiendo que es una matada y que la financiación podría estamos tan acostumbrados. Esto es otra cosa. hacerse más difícil. Al mismo tiempo, sabía que nada nos iba a ayudar más a la hora Es una declaración de intenciones. Prefiero de impulsar la peli que el éxito del corto, así que había que aprovechar que estaba películas irregulares, pero que sean valientes, a reciente. El equipo fue casi el mismo de El reino, y creo que eso ha ayudado a hacer películas perfectas y cobardes". posible esta locura: nos entendimos todos tan bien que teníamos muchas ganas de "El reino nace de la indignación", aclara volver a embarcarnos en una aventura nada más terminar la anterior".

Sorogoyen, "incluso del odio hacia esta gente, Y, a modo de apostilla, el director sonríe. "La contrapartida es, claro, que no he pero nos permitió hacer un viaje imprevisible. podido descansar. Estoy bastante reventado, de manera general, pero orgulloso de Nos hemos entrevistado con muchas de estas cómo ha salido la película y de que el corto aún siga dándonos alegrías, aunque haya personas, algunas de ellas incluso imputadas, y tenido tanto trabajo de por medio que no las haya disfrutado demasiado". ahí descubrimos que la razón por la que estáUna de las razones que podrían explicar el éxito de Madre es su propuesta formal: bamos dispuestos a dedicarle tanto tiempo a un largo plano secuencia que nos hace sentir, primero, como voyeurs en la cotidianiesta historia era que queríamos entender a los que la protagonizaban. ¿Cómo puede haber tantos corruptos en la política española? ¿Cómo pueden tener una actitud tan soberbia, incluso cuando todo se ha destapado? Es algo que Antonio de la Torre me comentó también nada más empezar en el proyecto: había que intentar como fuera no hacer una película de malos, porque entonces todo se vuelve aburrido, todo son seguridades y no hay ningún viaje emocional".

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ASISTENTES DE FOTOGRAFÍA: SILVIA TORTAJADA Y TERESA BARROCAL.

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"De ahí surge la decisión de adoptar en todo momento el punto de vista del personaje de Antonio", continúa. "Fue una decisión que Isabel (Peña, coguionista de todas sus películas) y yo tomamos desde el principio, porque nos estimulaba mucho. Sin embargo, hay gente que no entró en ella: ayer mismo alguien me decía que lo sentía, pero que ese personaje no podía darle más igual. Hay otros espectadores, en cambio, que sí que están con él y que llegan a sentir cierta pena por lo que le ocurre. Me parece un ejercicio tan válido como otros, pero es cierto que es algo que solemos hacer muy a menudo: cuando nos planteamos nuestra anterior película, Que Dios nos perdone (2016), como la historia de tres tipos atrapados en un Madrid caluroso y caótico, supimos que tendríamos que convivir no sólo con dos policías capaces de hacer actos un poco reprobables, sino también con un asesino. Nos gusta mucho hacer que el espectador conviva con estos personajes, tan alejados en principio de su realidad". ¿Está de acuerdo en que fue, quizá, la apuesta más arriesgada de su carrera? "Sí, me parece que, dentro del género y de lo que es el cine comercial, hemos logrado hacer una propuesta distinta. Por ejemplo, la última secuencia no es lo que pide un thriller político como éste, sino una decisión muy consciente de ir a contracorriente. Ahora puedo hablar de ella con la distancia, pero lo pasé muy mal en montaje: el 50% de las personas a las que enseñaba la película odiaban ese final, mientras que el otro 50% lo amaba. ¡No te exagero! Me preocupaba tanto que estuvimos a punto de quitarla. Así que la mitad me animaba a ello, mientras que la otra mitad me advertía que, como se nos ocurriese eliminarla, me iba a matar".

Sorogoyen es consciente de que esa conversación climática entre De la Torre y Bárbara Lennie encierra, de alguna manera, el alegato final de una película especialmente pensada para remover conciencias y espolear debates a la salida del cine, aunque el director es brutalmente honesto con los resultados conseguidos en ese frente. "La taquilla ha sido un poco decepcionante, no te voy a engañar. Creo que, en general, ha gustado a la gente que la ha visto, y sólo oigo cosas buenas desde dentro de la profesión.

Pero no hemos llegado al gran público".

Quizá las 13 nominaciones que acumula a los Premios Goya, entre las que destacan Mejor Película y Director, sirvan para cambiar un poco ese estado de cosas. "No tengo ni idea de lo que va a pasar, pero sí tengo que decir que me encanta el hecho de que todas las nominadas sean películas tan diferentes entre sí, porque es Desde las azoteas trágicas una buena muestra de la riqueza y la diversidad que tenemos de Stockholm hasta los ahora mismo en el cine español". En cualquier caso, no cabe balcones ministeriales de la menor duda de que a Sorogoyen le espera un mes de galas El reino, su cine ha estado recorrido siempre por una bastante intenso: Feroz, Goyas y, como fin de fiesta, Oscar. sensación de vértigo.

Ocurra lo que ocurra en todas ellas, será el final de una gran aventura: el momento en el que jamás se puso el sol en su reinado de nominaciones.

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arquitectura emocional

EVA FRANCH

Arquitecta,

comisaria,

profesora

y conferenciante, es la primera mujer al mando de la Architectural Association de Londres, la escuela donde se formaron referentes como Zaha Hadid o Rem Koolhaas. Su labor, más allá de la construcción, gira en torno a generar nuevas ideas. También sobre el sexo.

fotografia. Alba Yruela por. pablo gandia

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EVA FRANCH

" Que hay que hacer para ser como tu?".

Esto es lo que le preguntó una estudiante de arquitectura a Eva Franch (Deltebre, 1978) después de una charla en público.

La solución más rápida, para ponérselo fácil a las dos, habría sido recurrir a LinkedIn. Pero la categoría de agitadora cultural todavía no está disponible como definición profesional. Y tardará en aparecer. "Porque aquí lo que importa no es lo que has estudiado. It's not what you are, it's what you do". Entonces, ¿qué es lo que hace la catalana de lunes a domingo? "Pues establecer espacios de discusión", aclara. "Y diálogos que se resuelven con más preguntas". Como las que formuló cuando dirigía la Storefront for Art and Architecture en Nueva York. En plena era Trump. O como las que lanza desde 2018 a los alumnos de la Architectural Association en un Londres pre-Brexit. "Ésta no es una escuela donde la gente viene a plantearse la arquitectura como oficio, sino como una plataforma para articular el mundo".

Reestructurando, entre medias, las ideas de confianza, deseo y satisfacción. Y también las políticas de lo cool con la ayuda de Virgil Abloh. "Contar con él es entender que el diseño va mucho más allá de esas definiciones de lo que constituye un edificio". Ahora toca comprobar hasta qué punto el diseño de una conversación puede esclarecer, por ejemplo, la crisis del proyecto europeo o la consistencia en el cortejo virtual.

Aquí va el experimento.

___GQ: Con la exposición reinaugural del Design Museum de Londres, la de 'Fear and Love' de 2016, el estudio OMA [Office for Metropolitan Architecture] recreó el salón de una casa cualquiera, con 28 objetos de los 28 estados de la Unión Europa, y una de las paredes estaba tapada, entera, con una persiana de 28 listones verticales. Los de OMA comentaban esto: "La persiana es un mecanismo que sostiene cada uno de los elementos verticales, que son independientes aunque no funcionen por sí solos. Sí, es una metáfora de que nada funciona por sí solo". ¿Eso es cierto?

ni tres. Somos un espacio continuo. Y lo que estamos haciendo en ese espacio es producir momentos de intensidad, de creatividad, y lo hacemos con un diálogo que crea nuevas maneras de ser colectivos.

Pero pensar que tú y yo somos dos… bueno, eso es sólo una cuestión epistemológica que uno puede definir como la base de la condición humana, de la sociedad como la hemos entendido hasta ahora. Pero que podría redefinirse. Es decir, con todas las nuevas formas de pensamiento que tenemos en relación a the informs of collectivity, como la Mass Intelligence, te das cuenta de que hay maneras de entender el mundo que van más allá del individuo. Ahora, si no vamos a lo totalmente místico, ¿cómo establece uno esos nuevos espacios colectivos? ¿Cómo queremos vivir juntos? Y lo más importante de esa persiana de OMA es que, sí, la idea es funcionar como comunidad, pero entendiendo los colores de cada uno, sus culturas, esas zonas de diferenciación. Y entender esa idea de localismos sobre la base del grupo está siendo lo más difícil. Se ve en el conflicto catalán y se ve en el Brexit. Porque lo que hay aquí [en Reino Unido] es miedo. Es un deseo de continuar siendo los mismos sin establecer espacios de generosidad. Y creo que eso es un problema. ___GQ: La cosa esta en que la Union Europea se plantea muchas veces como una familia. Y el mundo está lleno de padres que imponen a sus adolescentes una forma de vestir, incluso de pensar. O que les subrayan lo que deben estudiar en la universidad. Habría que preguntarse, en estos casos y varios más, hasta qué punto la unidad respeta la diferencia. ___E. F.: Pero es que esas diferencias siempre son

importantes. Igual que lo es entender la forma en la que cada país contribuye al todo. No es una cuestión de que cada uno, aquí, tenga que hacer lo mismo, no.

Hay que darse cuenta de quiénes somos, cuáles son nuestros valores y nuestras… fortalezas. Y colaborar con lo que tú puedas aportar. Si Alemania tiene capital financiero pero no tiene capital humano, o no tiene capital emocional, o solar, pues habrá que hacer intercambios. En el momento en que, de repente, se dice "no, es que aquí todos vamos a hacer lo mismo, y vamos a pensar y hablar igual, y yo te voy a decir cómo y dónde vas a distribuir tu capital", ahí es cuando empiezan los problemas. Esos problemas de una autoridad centralizada que no es capaz de entender lo que ___Eva Franch: A ver, es que aquí, en este terreno, lo que entra en juego significa la diferencia. Porque siempre es la ilusión de la individualidad, ¿no? Del límite, de la propiedad, de esas es un problema de diferenciación (anaficciones que hemos construido a través de leyes políticas y edificios. liza su discurso). Una de las cosas que me Hay un texto fantástico en un libro que se llama El espacio como membrana, encanta del pasaporte español, y creo de Siegfried Ebeling, que decía que tú y yo, de hecho, no somos ni dos que el nuevo ya no lo tiene (intenta bus-

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car el suyo entre los libros del escritorio), o espera, quizá sí lo tiene… Bueno, da igual (se ríe). Lo que te enseñaban en el pasaporte español eran las especies migratorias, y eso es muy bonito, porque te das cuenta de que no hay fronteras, ¿no? De que en realidad hay hábitats. Y que cada uno va encontrando esos espacios donde crecer, procrear, donde contribuir a un ecosistema que no tiene por qué ser el mismo en el que has nacido.

Y yo me veo así, como una especie de ésas que va intentando producir nuevas… especies, en este caso, de pensamiento o de creatividad. Pero, claro, también es divertidísimo que un país lleve en su pasaporte la crítica de su propio límite, ¿no? ___GQ: ¿Alguna vez has utilizado 'dating apps'? ___E. F.: ¡No! Bueno, mentira (se ríe). He

estado al lado de gente que sí las ha utilizado. Porque la curiosidad es brutal. Y he sido una gran asesora. ¡A muchos amigos hasta les he hecho fotos para sus perfiles! Si necesitas consejo, yo te ayudo. ___GQ: Te lo digo porque el arquitecto Andrés Jaque, con 'Fear and Love', preparó una instalación que iba de las 'dating apps'. Y él explicaba que Tinder y Grindr, por resumirlas, presentan el sexo como una infraestructura urbana, abierta las 24 horas, que permite a desconocidos conocerse e intimar. Lo que pone sobre la mesa una nueva forma de habitar y comportarse en la ciudad. ¿Qué opinas? ___E. F.: Pues mira, una de las últimas expo-

siciones que comisarié en Nueva York fue con Andrés, y se llamaba Sex and the So-Called City.

Y estuvimos discutiendo mucho sobre las consecuencias de ese espacio de deseo que es… timeless. Uno de los casos más bonitos es cuando te das cuenta de que jóvenes que eran refugiados, que llegaban a una ciudad y lo único que tenían era un móvil, podían abrir Tinder y conseguir una cita, y luego aquello era como un espacio de acogida, ¿no? Porque a través de Tinder desaparece todo: ya no eres Eva recalca su irreverencia en la arquiun refugiado sino que eres tú. Y eso es muy tectura. Y también poderoso. Y lo mismo pasa con el porno. El posando en Bedford otro día alguien estaba haciendo un análisis de Square. los perfiles en las webs porno, y las categorías más buscadas en Texas y en Virginia del Sur eran mujeres negras, cuando en realidad son dos lugares extremadamente racistas. Pero esos espacios, de repente, pueden curar y paliar conflictos que somos incapaces de verbalizar en el día a día. Y creo que hay un gran potencial. La cuestión está en el impacto que va a tener a nivel emocional, económico… es decir, ¿quién está detrás de la creación de esos espacios? ¿Y qué psicología colectiva está produciendo? Y también qué rápido puede cambiar. En las portadas de no sé cuántas revistas de esta última semana se hablaba de los nuevos adolescentes, de que no confían, que no tienen sexo, que se pasan el día con las dating apps… pero que, de hecho, las mismas dating apps les han arrebatado la capacidad de tomar ese riesgo. ___GQ: Pero hay otros ejercicios de riesgo que aumentan en paralelo.

Como el 'cruising'. Y en sitios como el Disneyland de Orlando.

___E. F.: Ayer estaba en la escuela uno de los chicos

[Octave Perrault] que empezó el Cruising Pavilion, que se presentó en la Bienal de Venecia. Por cierto, él también estudió aquí. Y él es muy de let's talk more about cruising!, sobre todo el tema de cómo empezamos a entender las relaciones en las dark rooms. Y me parece muy bien analizarlo y darse cuenta de su potencial, y de la capacidad de establecer nuevas sociedades.

Pero no sé qué tipo de sociedad se puede crear yendo a Orlando, abriendo una app y haciendo una orgía con varios tíos, y al día siguiente adiós, that's all.

Porque vaya vínculos, ¿no? ¿Cuál es la duración de esa urbanidad, de esa comunidad? ___GQ: ¿Y que conclusiones deberíamos sacar? ___E. F.: Bueno, tengo

demasiado respeto a la gente que está trabajando en eso como para hablar de conclusiones. ___GQ: ¿Pero tienes esas conclusiones? ___E. F.: No, no las

tengo. Pero por eso es interesante dirigir una escuela como ésta, porque lo que hace uno es plantear preguntas.

Y creo que tenemos que empezar a cuestionar todo eso del free stuff; es decir, cuando algo es gratis, ¿cuál es el precio que estamos pagando?

Y… (busca ejemplos) he visto comportamientos adictivos, histéricos, comentarios extremadamente superfluos sobre lo que constituye establecer una relación con alguien. Y el hecho de que la mayoría de estas apps estén basadas en cuestiones físicas, económicas, de gustos de música…

De repente es como instaurar un criterio de selección a través de una cultura que ha sido creada a partir de unas estructuras de poder, que tampoco creo en ellas.

Es decir, estamos hablando de utilizar un criterio, que de por sí me parece problemático, para practicar una de las relaciones más importantes que puede haber, que es la de conectar con alguien. Cuando, en realidad, ese misterio de mirar a los ojos, de tocar una mano y no saber… no sé, cuántos másteres tienes, me parece que es mucho más fundamental, ¿no? ¿Por qué para echar un polvo uno tiene que saber todas esas cosas?

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re a l i z a c i ó n : J O A N A D E L A F U E N T E

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PRODUCCIÓN: NATALIA TORRES POLO. MAQUILLAJE: JOSÉ BELMONTE (COOL) PARA NARS. PELUQUERÍA: MANU FERNÁNDEZ (COOL) PARA KIELH’S. ASISTENTE DIGITAL: GIOVANNI GALILEI. ASISTENTE DE LUCES: DANIEL GALLAR. ASISTENTES DE ESTILISMO: JUAN LUIS ASCANIO Y MARINA LÓPEZ GRANDE. AGRADECIMIENTOS: VIEW MANAGEMENT.

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Hace exactamente 18 años, Britney Spears y Justin Timberlake se presentaron en los American Music Awards con sendos conjuntos vaqueros.

La imagen alimentó en su día todo tipo de comentarios, críticas negativas y aplausos. En aquel momento eran muchas las voces que alertaban de la perniciosa influencia de las estrellas musicales en la moda y el atrevimiento de la pareja fue un plato difícil de digerir para los guardianes de la ortodoxia. Sin embargo, con el paso del tiempo, aquel episodio ha adquirido la condición de alegoría de culto 'fashionista'.

Paradójicamente, la prenda más relevante del siglo XX –tal y como la definió la revista Time– ha protagonizado algunos de los estilismos más polémicos de la historia. Ese tejano que llevas ahora con total normalidad fue en el pasado un estigma de estética. Todavía hoy, con el denim instalado como el tejido rey de todos los armarios del mundo, replicar un look parecido al de Justin y Britney fuera de una alfombra roja resultaría igualmente controvertido. Desde el siglo XIX hasta la actualidad, la historia de encuentros y desencuentros de la moda y la sociedad con esta prenda es larga y prolífica.

Todo empezó en 1851, cuando el alemán Levi Strauss emigró a Nueva York y, de ahí, a San Francisco, para crear su empresa de resistentes pantalones de trabajo para los mineros –aprovechando la fiebre del oro que había contagiado el país–. Al principio, manufacturaba las prendas con las mismas lonas que se utilizaban para fabricar las tiendas de campaña o los toldos. En 1873, sin embargo, Strauss decidió reconfeccionarlas en inmortal tejido de algodón proveniente de la región de Nimes (Francia) y el sastre americano Jacob Davis (especialista en remendar vaqueros) incorporó unos remaches en las zonas de tensión para que duraran eternamente. Había nacido la patente del vaquero tal y como lo conocemos: el Levi's 501, los primer jeans de la historia.

Los problemas, no obstante, sólo empezaron cuando estos discretos pantalones pasaron del ámbito profesional a la calle. Su primer avistamiento fuera del lugar de trabajo fue en el cine, en las películas del Oeste. Pero la trasposición no generó ningún escándalo. Después de todo, tenía sentido que los rudos cowboys se sirvieran de este tejido para sus duras labores diarias.

Sin embargo, en los años 50 del siglo pasado, dos de los mayores iconos de la cultura popular de EE UU sí que rebasaron la línea imaginaria de lo políticamente correcto.

Con sendos personajes que distaban mucho del clásico blue collar, tanto Marilyn Monroe en Río sin retorno (1954) –hacía de cantante de salón– como James Dean en Rebelde sin causa (1955) se sirvieron de los jeans para su particular manifiesto estético. El efecto de imitación que desataron los filmes entre la juventud espantó a la América adulta.

Tal fue el desafío al orden establecido que llegó a prohibirse el uso de tejanos en muchos establecimientos públicos.

Fue sólo la mecha de una bomba que seguiría estallando en décadas posteriores.

Los vaqueros se despojaron de su condición de horror estilístico –diez años des-

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FOTOGRAFÍAS: GETTY IMAGES, CORDON PRESS, INDIGITAL, D. R.

Hoy se viste en 'total look', pero hubo un tiempo en el que nadie quería llevar vaqueros. ¿Cómo terminó la prenda más polémica de la historia en una exposición en el MoMA de Nueva York?

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p o r F. J AV I E R G I R E L A

pués de aquel primer escándalo era más que habitual verlos por la calle–, pero el denim –lejos de su normalización social– siguió unido de por vida a movimientos cercanos a la marginalidad: la cultura motera en los 60, el florecimiento hippie en los 70, el punk en los 80 o los raperos y las primeras reivindicaciones LGTBI en los 90. Era la prenda más liberadora y, a la vez, la que señalaba como díscolos o parias a aquéllos que reivindicaban su libertad.

Resulta curioso, por ello, contemplar cómo el pantalón vaquero se ha convertido en una pieza absolutamente transversal y transgeneracional. Hoy la visten desde los niños que van a jugar al parque a los abuelos que los llevan de la mano. Ha atravesado con naturalidad todo el espectro familiar y social. La misma prenda que utilizan los jóvenes para, de una forma asequible, reivindicar estéticamente unos ideales dispares a la norma, ha servido también a presidentes en sus días de asueto (como los americanos Reagan, Carter u Obama), a polémicas figuras públicas como Kanye West y Steve Jobs o a supermodelos como Kate Moss y Mark Wahlberg, que protagonizaron aquella mítica campaña de Calvin

Klein –cuando el actor era maniquí y aún no se dedicaba a la interpretación–. La razón de su universalidad, más allá de cuestiones de clase, es que los jeans suponen una base esencial y minimalista (un uniforme de trabajo) perfecta para customizar a placer. El vaquero cobra vida y personalidad dependiendo de quien lo vista, y no a la inversa. Es unisex y apolítico. En otras palabras: sirve para todo y para todos.

Su consagración como tejido fetiche llegó cuando el mundo de la moda –la americana principalmente, en su afán desaforado de proteccionismo, o quizás es apropiacionismo, cultural– decidió subirlo a la pasarela, como si se tratase de un último paso de ruptura con el pasado de la alta costura y el triunfo definitivo de la calle sobre los dictadores de tendencias habituales. Nombres como Ralph Lauren, el mencionado Calvin Klein o Tom Ford dieron el puñetazo en la mesa y hoy, echando mano de la nostalgia noventera del cambio, firmas como AMI Paris, Louis Vuitton, Off-White, Valentino o Rick Owens, por mencionar algunas, reviven el tejido y nos animan a vestirlo en total look –como auténticos cowboys, que no como Spears y Timberlake–.

"Quizás estábamos en el sitio adecuado en el momento justo", explica Tracey Panek, conservadora de los archivos de Levi's, a GQ, intentando dar respuesta al porqué de la pervivencia del vaquero. "Nacimos en California, cerca de las estrellas de Hollywood, y hemos formado parte de algunos de los eventos culturales más importantes de la historia, como Woodstock (1969) o la caída del muro de Berlín (1989), hitos que, de alguna forma, se han asociado a la libertad. Pero lo mejor es que todo surgió de forma orgánica. Son muy versátiles y la gente los ha hecho suyos, y creo que precisamente por eso es la prenda más democrática".

Dicho de otro modo, si los vaqueros siguen aquí es sólo porque la gente así lo ha decidido. En cuestiones de denim, el pueblo es soberano.

1. Marilyn Monroe en Río sin retorno. 2. James Dean en Rebelde sin causa. 3. El presidente estadounidense Jimmy Carter. 4. Ronald Reagan con su mujer Nancy. 5. El diseñador Ralph Lauren. 6. Portada del disco Born in the USA de Bruce Springsteen. 7. Mark Wahlberg y Kate Moss en la campaña de Calvin Klein Jeans de 1992. 8. Steve Jobs. 9. Britney Spears y Justin Timberlake en los AMA de 2001. 10. Kanye West y Kim Kardashian. 11. Off-White P/V 2019. 12. AMI Paris P/V 2019.

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GOURMET

'FAUX GRAS'

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Champiñones, lentejas, chalotas, ajo, romero, tomillo y salvia, nueces o remolacha, son algunos de los ingredientes de esta terrina vegana.

L A BUE N A VI DA

HOTELES

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CUIDADOS

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DECORACIÓN

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ARTE

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FOTOGRAFÍA: AARON ILLEY. ESTILISMO: IAIN GRAHAM. SET DESIGN: HELENA HORN.

Foie parece, hígado no es El chef francés Alexis Gauthier ha recreado el mítico 'foie gras' en una propuesta VEGANA para quienes prefieren no consumir productos de origen animal. ___por PALOMA LEYRA

o dejes que nadie defina tus límites", decía Rémy, el protagonista de Ratatouille; y, tal vez, el chef Alexis Gauthier sea heredero de esa máxima. Porque este cocinero, que hace unos años decidió ser vegano, parece no querer renunciar a sus raíces francesas. Así, en la carta de su restaurante londinense, Soho Gauthier, ha reconvertido un plato clásico francés, el mítico foie gras, en una suerte de trampantojo vegano.

Su particular propuesta, llamada Faux gras, le ha llevado años de investigación en colaboración con la organización animalista PETA y se ha elaborado partiendo de la base de dos elementos que hacen que este plato sea realmente especial: la dulzura y el coñac. Y ten por seguro que, como dice el propio Gauthier, "ninguna lenteja ha sufrido durante la elaboración de este producto".

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LA BUENA VIDA R E S T A U R A N T E S

Romance a mesa puesta No te enfurruñes en SAN VALENTÍN y date un homenaje. Aquí, algunas propuestas según el momento que atraviese vuestra relación. ___por JOSÉ MANUEL RUIZ BLAS

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Para una noche sexy, opta por las tapas explosivas de Tickets de Albert Adrià, donde comer se aleja de lo convencional y la despensa catalana se vuelve rompedora: molletes, pinza de bogavante con sobrasada o su Ostra Enigma, el molusco más excitante.

Si eres informal pero sibarita, Barrazero es una estupenda manera de prolongar el tardeo alicantino. Cocina a la vista (disfruta mirando), fusión con buena materia prima y la opción de adentrarse en la noche tomando un cóctel. ¿Bodas de plata? Zalacaín. Te lo has ganado. Su alta cocina hace de él un clásico imperturbable que lo resiste todo. Elegante (se pide chaqueta), servicio coreográfico.

Y sus patatas suflé siguen en la brecha, como vosotros.

Para la primera cita busca el "marco incomparable".

Suspendido en un acantilado, sobre calas de Palafrugell, El Far ocupa una antigua hostería del XVIII. Una soberbia postal ampurdanesa. La carta es marinera: arroces suculentos y excelentes pescados y mariscos.

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COMER Y AMAR

1. 58 Tour Eiffel Champ de Mars, París. Brasserie en el cielo parisino (100 €).

2. Tickets Paralel 164, Barcelona. Las tapas más excitantes (110 €).

3. Barrazero Maestro José Garberí Serrano 2, Alicante) Cocina nómada (40 €).

4. Zalacaín Álvarez de Baena 4, Madrid. No pasa de moda (130 €).

5. Ricard Camarena Bombas Gens Centre d'Art, Valencia. Cuarta dimensión del sabor (120 €).

FOTOGRAFÍAS: D. R.

a fecha despierta temores fundados. San Valentín amenaza en ocasiones con toda su iconografía kitsch de raso y querubines obesos. Un manguerazo de almíbar en la cara. Depende de ti que sea diferente. Los placeres gastronómicos se parecen mucho a los carnales y, como dijo George Bernard Shaw, no hay amor más sincero que el amor a la comida.

Hay una mesa para cada amante: Para el romántico, París, con su 58 Tour Eiffel, que permite cenar con vistas inmejorables sobre la Ciudad del Amor.

El chef molecular Thierry Marx esboza una cocina clásica de refinada modernidad en una carta de tipo brasserie.

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Si tu pareja va a ser un compañero de maratón vital, id a El Celler de Can Roca. Cocina-alquimia, sabor, perfumes hechos postre, color, técnica, vinos, paisaje, tradiciones familiares y vanguardia. El peregrinaje y la espera lo merecen, como el amor mismo.

Quieres volver (a veces hay segundas partes buenas): apunta a Noor, el proyecto más personal de Paco Morales, cuyo interés por una cocina arqueológica es un viaje a la gastronomía de al-Ándalus. No es fácil disfrutar del primer salmorejo de la historia, en la primitiva receta romana, o alimentarse como se hacía en el siglo X. No falta el culto al azafrán, cuyo historial afrodisíaco está bien documentado.

Los amantes de "quedarse en casa", tienen O Balado, con la lareira encendida. Casa de labradores reconvertida donde caben tradición y modernidad. Cocina de kilómetro 0 (en Galicia es un lujo), respetuosa con el medio y donde sobresalen las gallinas de raza criadas en libertad, el inmenso huerto propio, la anguila o la carne de Bandeira.

Los mitómanos tienen Minetta Tavern en Nueva York. No cuesta imaginar aquí una cumbre de la Mafia con servilleta en la pechera y subfusil Thompson. Sirven la mejor hamburguesa de Nueva York, la "Black Label": pan, carne de vacuno, cebolla y patatas. Etérea, jugosa y suculenta.

Y si estáis en crisis, la mesa de Ricard Camarena puede salvaros. Creatividad no extravagante, Mediterráneo, cocina de alma y sabor. Aquí se despliega memoria, la huerta valenciana, salsas trabajadas (Ricard es el dios de los caldos). El paladar es otra zona erógena y aquí se la estimula con una cocina en cuatro dimensiones. Inolvidable.

Déjate de caminos con pétalos de rosa hasta el baño y dale gusto al estómago.

Es el segundo corazón.

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6. Noor Pablo Ruiz Picasso 8, Córdoba. Sabores arqueológicos (150 €).

7. Minetta Tavern 113 Macdougal St, NY. Hamburguesas como en los años 30 (40€).

8. El Celler de Can Roca Can Sunyer 48, Gerona.

Excelencia mundial (200 €).

9. O Balado Ardesende 3, Boqueixón, A Coruña.

La difícil sencillez (35 €).

10. El Far Muntanya de Sant Sebastià, Llafranc.

Vistas al mar (40 €).

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LA BUENA VIDA

l movimiento farm-to-table ('de la granja a la mesa') o farm-to-fork ('de la granja al tenedor') nació, como muchas otras tendencias gastronómicas similares, en la Costa Oeste estadounidense en la década pasada. Una de sus grandes impulsoras fue la chef Alice Waters, a través de su Chez Panisse de Berkeley.

Waters está considerada la figura clave de la California cuisine. Esta activista culinaria desarrolló un concepto basado más en la calidad de los ingredientes que en la técnica, y también en una relación directa con los granjeros locales para tener un conocimiento profundo sobre lo que servía en la mesa.

La tendencia, que ha ido ganando cada vez más adeptos, tiene como objetivo proteger la pureza de los ingredientes, sí, pero también tiene mucho que ver con la trazabilidad, con saber de dónde viene el producto y dónde crece o se cría; y con la sostenibilidad, porque suele apoyar una ganadería y agricultura respetuosas con el entorno natural, en las que no haya sobreexplotación, no se utilicen químicos y prime el bienestar del animal, que ha de ser mantenido a ser posible en condiciones de libertad o confinamiento mínimo.

En parte como evolución lógica de este movimiento, la carne de caza está siendo cada vez más reivindicada y utilizada por los mejores chefs de todos los rincones de España –desde los hermanos Roca en El Celler hasta Toño Pérez en Atrio, pasando por Iván Cerdeño en El Carmen de Montesión–; y demandada por comensales que han

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Del monte al plato Pocos chefs dominan la culinaria cinegética como SAÚL SANZ (Treze), una cocina en auge que aúna sabor, tradición y producto saludable. ___por J. C. MATOSSIAN

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aprendido a valorar en su justa medida el producto por sus propiedades gastronómicas, saludables y naturales. Porque la carne de caza, también denominada carne silvestre, tiene generalmente más proteínas y menos contenido graso que la de los animales criados en granja, además de carecer de hormonas, antibióticos u otros aditivos, debido a su alimentación completamente natural. Esa alimentación, además, dota tanto a la caza menor (liebre, perdiz, pato…) como a la mayor (ciervo, gamo, jabalí…) de unos sabores con una personalidad muy marcada que son muy apreciados en la buena mesa. "Por suerte la caza ya se ha convertido en un producto de temporada –en su caso, otoño/invierno– tan valorado como puede ser el atún, porque la gente cada vez está más predispuesta a probar cosas nuevas", cuenta Saúl Sanz, quien desde hace ocho años regenta Treze (General Pardiñas, 34), uno de los templos de la carne silvestre en Madrid. "Su gran activo es que es carne con sabores de verdad, con sabores de monte que no necesitan ser potenciados con ningún tipo de maduración porque son puros y basta con respetarlos".

A lo largo de su trayectoria, Sanz ha experimentado en su cocina con prácticamente todas las piezas de caza que se pueden encontrar en España (también con algunas de más allá de nuestras fronteras como el grouse, un ave de la familia de los faisánidos de procedencia británica), así que nadie mejor que él para explicarnos las cualidades y peculiaridades gastronómicas de cada una de ellas:

MANJARES SILVESTRES

De izquierda a derecha, algunos de los platos de caza que se sirven en Treze: Jabalí con confitura de manzana y setas; Gamo asado con setas, castañas y membrillos y Lasaña crujiente de liebre.

1. Ciervo: "Se asocia su carne con sabores muy fuertes, porque tradicionalmente se solía macerar bastante tiempo con vino y especias. Lo que hay que hacer es no madurarla y que el producto sepa al producto. Esta temporada servimos jarrete de ciervo y ha sido muy bien recibido".

2. Gamo: "El gamo lo preparamos siempre igual, en un guiso con castañas, setas y membrillo, porque es el plato que más nos dio a conocer. Su carne tiene un sabor más suave que la del ciervo y es más tierna, lo que nos permite servirla poco hecha, sin pasarnos de punto".

FOTOGRAFÍAS: DIEGO LAFUENTE, D. R.

"La caza ya es un producto de temporada tan valorado como el atún; es carne con sabores de verdad"

3. Jabalí: "El jabalí tiene un sabor más intenso que el cerdo, pero con menos cantidad de grasa.

Tiene una carne exquisita, que sabe a monte, y para limpiar ese sabor nosotros la escabechamos semicruda con vinagre y amontillado, y luego la servimos acompañada de níscalos, remolachas y piparras".

4. Perdiz: "Es de las aves de caza más versátiles y te permite hacer con ella lo que quieras. La hemos servido en patés, en escabeches, guisada, en dos cocciones… A mí me gusta estofar mucho los muslos y las pechugas marcarlas poco, para que se pueda probar la textura real de la carne".

5. Conejo: "El conejo de monte no tiene nada que ver con el conejo que se encuentra en las pollerías. Su carne es tersa y con mucho más sabor.

La usamos en cocciones largas, de mínimo tres horas, para que se suelte, en lugar de al ajillo como mucha gente hace".

6. Codorniz: "Trabajamos la codorniz de las Landas. Tiene mucha intensidad grasa y un sabor muy rico. Se presta muy bien para prepararla en un escabeche de jerez".

7. Grouse: "Es un ave muy especial y con un olor muy heavy al que hay que acostumbrarse. Una vez te haces a ella, te fascina".

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D E S T I L A D O S

De bolsillo y con estilo La nueva edición JOHNNIE WALKER POCKET SCOTCH te permite llevar el mejor 'blended' whisky allá donde vayas. ___por J. C. MATOSSIAN

ELEGANCIA Y PORTABILIDAD

Trench azul marino Boss (695 €), jersey Loewe (550 €), polo Uniqlo (20 €), pantalones de traje Dsquared2 Classic (1.185 €) y botella Johnnie Walker Black Label Pocket Scotch (10 €).

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l mejor blended Scotch en la historia del mundo es Johnnie Walker Black Label: no acepte sustituciones", defendía el célebre y malogrado periodista Christopher Hitchens que, además de por sus mordaces columnas y artículos, era conocido por tomarse muy en serio lo que bebía. Unos gustos que compartía con Winston Churchill, quien solía alternar en ocasiones el Black Label con otro blended de la destilería de Kilmarnock, el Red Label. 'Hitch' y el legendario premier británico hubieran sido probablemente los primeros en celebrar la aparición de Johnnie Walker Pocket Scotch, la versión portátil del whisky escocés más vendido del planeta, disponible desde febrero en tiendas especializadas (antes ya lo estaba en exclusiva en la nueva y flamante flagship madrileña de la marca, en Serrano 2); precisamente, en sus ediciones Johnnie Walker Red Label y Johnnie Walker Black Label. Esta petaca de 20 cl cabe a la perfección en el bolsillo y es ideal para llevarla a cualquier parte, compartirla con amigos y brindar en esos momentos que piden un whisky de calidad; uno que combine los sabores ligeros de la costa este escocesa con los ahumados y oscuros de la costa oeste (Red Label), o uno que te lleve directamente a los cuatro rincones de Escocia (Black Label). Tú eliges.

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FOTOGRAFÍA: DIEGO LAFUENTE. ESTILISMO. JUAN LUIS ASCANIO. ASISTENTES DE FOTOGRAFÍA: TERESA BARROCAL Y CARLA ÁVILA.

LA BUENA VIDA

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LA BUENA VIDA G O U R M E T

Lo nuevo y lo mejor Vino, café, ron, chocolate, vermú, aceite, ginebra…

Añade a tu LISTA DE DESEOS los mejores productos y planes para febrero.

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___por PALOMA LEYRA 1. PALACIO DE LOS OLIVOS UN ACEITE DE CAMPEONATO

No es casualidad que, por segundo año consecutivo, este aceite de oliva haya sido premiado en el Evoo World Ranking como el mejor del mundo en la variedad picual. Producido en Campo de Calatrava (Ciudad Real), se trata de un aceite de recolección temprana y sabor intenso y afrutado. (500 ml, 9 €).

2. NESPRESSO VARIATIONS LIMITED EDITION

Nespresso sigue sorprendiendo con su línea Variations, esta vez con Parisian Gourmandise, cuyas cápsulas han sido creadas en colaboración con la diseñadora India Mahdavi. Las variedades de esta edición limitada se inspiran en los sabores de dulces tradicionales de las pastelerías parisinas y está compuesta por tres cafés distintos (Paris Black, Macaron y Praliné). (0,50 €/cápsula. nespresso.com).

3. BELSAZAR EL VERMÚ MÁS 'COOL' DE BERLÍN

Acaba de llegar a España uno de los vermús de alta gama más exitosos de Alemania. Está elaborado con vinos de alta calidad de la Selva Negra (envejecidos hasta tres meses) y refinado con brandy añejado en barricas de roble, lo que le otorga una personalidad única.

Disponible en cuatro variedades: Rosé, White, Red y Dry. (15 €, aprox.).

ETXEKO______ HOTEL BLESS MADRID

FOTOGRAFÍAS: D. R.

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El desembarco del primer hotel de la marca BLESS Collection en Madrid (Velázquez, 62) trae noticias gastronómicas más que excelentes.

El restaurante principal, Etxeko –abierto para todo el público–, viene firmado por Martín Berasategui, quien, además, rubrica toda la oferta culinaria de este nuevo templo del lujo. (blesscollectionhotels.com).

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LA BUENA VIDA 9 MOONS________ GINEBRA PREMIUM

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El tiempo que pasa entre nueve lunas es lo que distingue a este nuevo destilado premium. Su singularidad procede del envejecimiento: la ginebra Martin Miller's de graduación elevada se deja reposar durante nueve meses en barricas de roble de la bodega de Borgarnes, en Islandia.

(59,95 €, martinmillersgin.es).

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1. PLANETA GASTRO EXPERTO EN VINO EN 24H

2. RON ZACAPA Y MUGARITZ EN ARCOMADRID 2019

3. BODEGAS CONTADOR (FELICES) AÑADAS NUEVAS

4. CHOCOLATES TRAPA TIRO AL BLANCO

Jancis Robinson, además de ser una de las críticas de vino más reputadas del mundo, es Master of Wine, editora y una virtuosa del clásico humor inglés.

Y esto, aunque no tenga que ver con el hollejo, los taninos o la fermentación maloláctica, hace que cada cosa que escriba resulte comprensible y amena para cualquiera. Por eso, si tienes poco tiempo y necesitas aclarar algunas cuestiones sobre el noble arte del vino, éste es tu libro. (15,95 €).

ARCOmadrid vuelve a contar un año más con el exclusivo espacio gastronómico Ron Zacapa, cuyo anfitrión en esta edición es el chef de Mugaritz, Andoni Luis Aduriz. En él se convoca a los amantes del arte a disfrutar de propuestas que mezclan la alta coctelería y la alta gastronomía, haciéndoles partícipes a la vez de su filosofía, The Art Of Slow, que da valor al tiempo y a las experiencias únicas. (Del 27 de febrero al 3 de marzo, Madrid).

Benjamín Romeo ha vuelto a hacerlo.

Con las nuevas añadas de dos de los vinos más emblemáticos de su bodega de San Vicente de la Sonsierra (Contador 2016 y La cueva del Contador 2016), este genial viticultor riojano ha vuelto a situar en la primera fila de la industria vinícola española a estas creaciones plenas de sabor y carácter singulares, elegantes y únicos.

(Contador 2016, 310 €. La cueva del Contador 2016, 71 €).

La familia crece: la icónica firma chocolatera española acaba de presentar dos nuevas referencias en su ya completo porfolio de la gama Intenso. Las dos nuevas tabletas están elaboradas con chocolate blanco y un 20% de frutos secos enteros –una con almendras y otra con avellanas– que han sido rigurosamente seleccionados en temporada en la cuenca mediterránea.

Ah, y debes saber que no contienen gluten. (1,95 €, trapa.es).

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FOTOGRAFÍAS: D. R.

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LA BUENA VIDA G A S T R O N O M Í A

FOTOGRAFÍAS: CORTESÍA DE LUESMA & VEGA (LUESMAVEGA.EU), JAVI PEÑAS / ACME (ACMEHOSTELERIA.COM), PEDRO LEÓN(ARTE-HOY.COM) Y MIKEL PONCE / COOKPLAY (COOKPLAY.ES).

Comer con los ojos METONIMIA: figura retórica que consiste en designar una cosa o idea con el nombre de otra (o el continente por el contenido). He aquí algunos 'platos' con estrellas Michelin. ___por PALOMA LEYRA

RAMÓN FREIXA

LASARTE BARCELONA

EL CELLER DE CAN ROCA

Hojasanta rojo anturium, de Luesma & Vega (105 €).

The Tablet by Ana Roquero, de Cookplay (c. p. v.).

Bol Vitta Vintage azul cobalto, de Luesma & Vega (16 cm, 42 €).

DANI GARCÍA MARBELLA

PAKTA

MIRAZUR (POP UP MADRID)

Platos de Hering Berlin / Acme (55,54 €).

KABUKI

Plato esmaltado a mano de Pedro León / ArteHoy (24 x 12,5 cm, 26 €).

Bamboo, de Luesma & Vega (62 €).

ELBULLI

Suna, de Luesma & Vega (79 €).

Plato de Vista Alegre / Acme (9,42 €).

DIVERXO

Rosas, de Luesma & Vega (16 cm, 56 €).

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LA BUENA VIDA

CONTEMPORÁNEOS Y URBANOS

M E C E N A Z G O

Arte sobre la carretera El empresario de transporte JAIME COLSA convierte sus camiones en auténticos lienzos sobre ruedas para artistas emergentes y consolidados. ___por J. C. MATOSSIAN

l arte no es lo que tú ves, sino lo que haces ver a los demás". Esta cita atribuida al pintor impresionista Edgar Degas se podría aplicar perfectamente, ampliando algo su significado, al revolucionario proyecto de mecenazgo artístico que lleva a cabo Jaime Colsa (Torrelavega, 1972). Este empresario, curtido en UPS, fundó en 2012 Palibex, su propia compañía de transporte urgente de mercancías.

Amante del arte desde su más tierna infancia, ahora utiliza

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FOTOGRAFÍAS: CORTESÍA DE JAIME COLSA / TRUCK ART PROJECT (TRUCK-ART-PROJECT.COM).

De izda. a dcha. y de arriba abajo, camiones intervenidos por Sergio Mora, Andi Rivas, Abraham Lacalle, Aryz, Marina Vargas, Nano4814, Javier Arce y Remed.

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MECENAS DEL SIGLO XXI

A través de Cafe Racer Dreams, un proyecto paralelo, Jaime Colsa también facilita que los artistas personalicen Porsches y motos clásicas.

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UN LUGAR EN LAS GRANDES FERIAS

su plataforma profesional para dar a conocer obras de artistas –consolidados y emergentes; urbanos y contemporáneos– de una manera tan dinámica que ninguna galería del mundo podría imitarlo: mostrándolas sobre ruedas.

Esto es, cede su propia flota de camiones y camionetas a figuras como Okuda, Javier Arce, Abraham Lacalle, Ana Barriga, Sergio Mora o Marina Vargas para que personalicen sus cajas con murales artísticos gigantes.

El proyecto filantrópico se denomina Truck Art Project y en él han participado más de una veintena de artistas. Todos ellos se vieron ante el desafío de trabajar a una escala y con unos requerimientos a los que no estaban acostumbrados. Eso sí, por una gratificación poco común: que sus creaciones fueran a ser contempladas incluso por gente que jamás pisa un museo o que vive en ambientes rurales, ya que todos los camiones intervenidos desarrollan sus rutas habituales por toda la península (puedes seguirlos en truck-art-project.com).

"Es verdad que con Truck Art Project buscábamos revolucionar el mundo del arte, pero no para convertirlo en móvil, sino para sacarlo a la calle –no sólo el arte urbano sino el contemporáneo en general–, para hacerlo más accesible al público", cuenta Colsa a GQ. "Al tratarse de camiones que están expuestos al aire libre, el mantenimiento de las obras es difícil, lo que lo convierte en un arte efímero, limitado en el tiempo".

La iniciativa cuenta con un comisario de arte contemporáneo (Fer Francés, de la galería Javier López & Fer Francés) y otro de arte urbano (Óscar Sanz, de la agencia Ink And Movement), y ya ha tenido eco en ferias del sector como ARCOmadrid, donde fue presentada oficialmente, Urvanity o Arte Santander. Colsa asegura que no le costó mucho convencer a los artistas para que participasen: "Se lo propusimos con mucha ilusión pero de forma espontánea, cenando juntos y entre risas", dice el empresario. "La suerte que tenemos es que a todos los artistas que han participado hasta el momento en Truck Art Project les ha atraído el reto de pintar un camión porque representa un desafío para ellos".

En ningún caso el objetivo es sacar un rendimiento económico a través de estas obras en movimiento, aunque a Colsa no le importaría que la idea fuese copiada más allá de nuestras fronteras. "Nos gustaría que Truck Art Project se convirtiera en un movimiento internacional y que en otros países también se pudieran ver camiones que muestran arte contemporáneo mientras realizan sus repartos comerciales", explica. "De hecho, sabemos del interés que ha despertado el proyecto entre empresas de transporte de países como Israel o EE UU".

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LA BUENA VIDA H O T E L E S

Pasaje a la India Explorar la cultura y la naturaleza de Rajastán y disfrutar como un MAHARAJÁ es posible en estos dos lujosos hoteles que recuperan para ti lo mejor de la India colonial. ___por BELÉN AFONSO

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uando llega el momento de planificar esos pocos días libres que permite el trabajo, siempre surge el mismo debate. Están los que se inclinan por descansar cuerpo y alma en un resort y practicar el noble arte de no hacer nada; y los amantes del deporte, la naturaleza y la aventura, que prefieren desconectar enriqueciendo su biografía con emociones nuevas. Encontrar un destino en el que se den cita y convivan ambas filosofías no es fácil. Menos aún si te sientes comprometido con el medio ambiente y quieres practicar a toda costa un turismo responsable. Pero no es imposible. Aún existen lugares en los que el relax camina de la mano del descubrimiento, y en los que puedes regalarte los cuidados de

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HOTEL SUJÁN RAJMAHAL PALACE, JAIPUR

1. El afternoon tea se sirve en las terrazas exteriores siempre que el tiempo lo permita. 2. El palacio está rodeado de jardines y cuenta con una piscina art déco.

3. La decoración del hotel se basa en el estilo indio del Raj británico. 4. Todas las suites están empapeladas de forma distinta, en una reinvención de motivos indios.

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FOTOGRAFÍAS: D. R. WWW.SUJANLUXURY.COM

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un maharajá y vivir experiencias inolvidables.

Toma nota de estos dos, ideales para conocer la cultura y el entorno natural de Rajastán: los hoteles Suján Rajmahal Palace en Jaipur y Suján Sher Bagh en Ranthambore.

Jaisal y Anjali Singh lo tienen claro. Los fundadores y propietarios de estos dos establecimientos provienen de familias industriales que se han destacado por sus esfuerzos en la conservación natural de la India y la preservación de su cultura. Sus dos hoteles, por tanto, promueven una estancia ecofriendly, pero también lideran diversos proyectos de protección de la fauna y flora local que promocionan en su oferta de turismo sostenible. Como buenos anfitriones, ambos han diseñado, además, cada una de las actividades que proponen a sus huéspedes.

Y no son pocas. El Suján Rajmahal Palace de la Ciudad Rosa ofrece partidos de polo en la Royal Box, tours de ciclismo al amanecer, relax en la piscina art déco o masajes orientales, entre otras muchas. Las instalaciones, que son de hecho un palacio real cuyo propietario sigue siendo el Maharajá de Jaipur, están diseñadas para que el huésped se sienta parte de la aristocracia. Tanto es así que la propia reina Isabel II se alojó en una de sus 14 habitaciones en la década de los 60.

Por otro lado, el Suján Sher Bagh, a apenas tres horas de Jaipur, se encuentra en la linde del parque nacional de Ranthambore.

Inspirado en los campamentos de los safaris de los años 20 y amueblado al gusto campestre británico del siglo XIX, este Relais & Châteaux es perfecto para explorar la naturaleza local. Para facilitar la inmersión en el parque, facilita guías, rastreadores y naturalistas expertos en la jungla y en su habitante más ilustre, el tigre. Te recomendamos saltar de uno a otro hotel para vivir la experiencia completa. No te arrepentirás.

HOTEL SUJÁN SHER BAGH, RANTHAMBORE

5. La comodidad y las atenciones propias de un hotel de lujo, en un campamento. 6. Los clientes pueden realizar excursiones guiadas por el parque. 7. Suján ofrece la posibilidad de vivir una experiencia de inmersión en la cultura local.

8. Un rincón de relax en el camping. 9. Una de las tiendas del hotel, inspirada en la estética colonial británica.

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LA BUENA VIDA

C U I D A D O S

En el nombre del afeitado Visitamos la sede central de GILLETTE en Boston para conocer los objetivos de una centenaria marca orgullosa de su legado.

l este de la ciudad de Boston, muy cerca de la zona portuaria, se encuentran los conocidos como Gillette World Shaving Headquarters. Se trata de la sede central de la marca global más importante de cuchillas, maquinillas y accesorios para el afeitado; 16 hectáreas de instalaciones que transmiten un cierto aire cinematográfico, a medio camino entre los universos de Wes Anderson y Stanley Kubrick. Es la única factoría de la multinacional Procter & Gamble en EE UU que aúna en el mismo centro una cadena de producción dedicada a la fabricación, una comunidad de desarrollo tecnológico, investigación y desarrollo (conocida como South Boston Innovation Center) y un operativo comercial. Aquí se encuentra el cerebro de Gillette y por eso el acceso suele ser muy restringido: el espionaje industrial puede acechar en cualquier visitante, así que mejor reducir probabilidades.

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NOVEDAD_____________EL EFECTO TOALLA CALIENTE

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La criatura más reciente salida de los Laboratorios Gillette es la Heated Razor, una maquinilla vinculada a una base que aporta el confort de una toalla caliente al afeitado. Su barra de calentamiento distribuye un calor uniforme a la piel, al tiempo que cuatro sensores de calor inteligentes se encargan de mantener una temperatura constante.

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Una vez franqueado el control de seguridad, nos topamos de bruces con la apabullante historia de la empresa, que se remonta a 1901, cuando el viajante e inventor King C. Gillette tuvo una idea que cambiaría la forma de afeitarse para siempre: la hoja de doble filo asequible y desechable. Una serie de paneles explicativos con numerosas muestras de producto y memorabilia hacen un recorrido por los grandes hitos de la compañía a lo largo de estos 117 años de trayectoria, como la aparición de la Trac II, su primera maquinilla de dos hojas, en 1971; el lanzamiento de la Contour Plus, el modelo con tira lubricante, en 1985; la gama Sensor, con cuchillas de resorte, en 1990; la Mach3, con tres cuchillas de resorte y pivote frontal, en 1998; o la Fusion5, con cinco cuchillas en el frente y otra más de precisión en su parte posterior.

Pero no hemos venido hasta aquí sólo para recrearnos en un legado sobresaliente, al que pocas objeciones pueden ponerse, sino a conocer de primera mano cuáles son los principales retos a los que se enfrenta una compañía que prevé contar en los próximos años con más de 800 millones de usuarios en todo el planeta.

Pankaj Bhalla, director de Gillette, es un tipo afable y divertido que confiesa cantar mientras se afeita y para quien el eslogan The Best A Man Can Get (literalmente, 'Lo mejor que un hombre puede obtener') representa una forma de vida. "El hecho de afeitarse representa un aprendizaje que se traspasa de padres a hijos", razona.

"Nosotros queremos estar presentes ahí, en esa especie de testigo generacional.

FOTOGRAFÍA: DIEGO LAFUENTE.

___por CARLOS MORAL

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SÓLO PARA NUESTRA BARBA

Aprovechamos nuestra visita a la sede de Gillette en Boston para hacernos una maquinilla personalizada.

La clase se demuestra en los pequeños detalles.

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LA BUENA VIDA

IMPRESIÓN 3D_____________MAQUINILLAS A LA CARTA

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En Gillette no creen que todas las maquinillas de afeitar tengan que ser iguales y están convencidos de que el diseño debe estar al alcance de todos. Por eso han creado Razor Maker, una plataforma con la que uno mismo puede diseñar y personalizar su propia maquinilla en una web (de momento, sólo en EE UU: razor-maker.com) y que permite optar entre una extensa variedad de formas y colores de empuñaduras.

También se puede elegir el tipo de cuchillas y añadir el texto que el cliente quiera (hasta 12 caracteres).

SkinGuard está dirigida a absorber la presión ejercida por la mano y minimizarla en cada cuchilla. Además, lubrica la epidermis para protegerla del acero y levanta ligeramente las hojas para minimizar su contacto con la piel sensible. Todo ello en un cartu¡EN GUARDIA! cho de diseño exclusivo con dos cuchillas En esa línea va Gillette SkinGuard Sensitive, con fuerza óptima de corte y baja separación el lanzamiento que tiene previsto la marca que reducen los tirones. Los bordes de las para este 2019, una maquinilla especialcuchillas, más afilados, se combinan con mente diseñada para frenar la irritación de unos recubrimientos más avanzados para la piel. Es lo que ellos llaman "el reto de las lograr una fuerza de corte baja, de modo que pieles sensibles": dos de cada tres hombres el pelo sólo se estire y se corte un máximo tiene la piel hiperreactiva y la firma se ha de dos veces en cada afeitado. propuesto encontrar una cuchilla que se Si la mejor tecnología es aquella que adapte a sus necesidades. A nos hace la vida más fácil y agraCAPITAL DEL pesar de las investigaciones, dable sin que nos demos cuenta, AFEITADO todavía no se comprende esta maquinilla la tiene. Además, La sede de Gillette encuentra su complemento perdel todo por qué unas pieles forma parte del son más sensibles que otras fecto en la línea Pure de cremas y paisaje de Boston. al ritual del afeitado, aunque sí se sabe que hay cerca de 10.000 pelos en cada barba y que cada vello funciona como un pequeño sensor que produce signos de irritación. Estos síntomas pueden dividirse en tres categorías: suaves, moderados y severos. La nueva tecnología 154

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geles de afeitar con aloe, que elimina totalmente el alcohol, los tintes, los parabenos y los sulfatos de su fórmula.

Y LOS HÍPSTERS… ¿QUÉ?

En la última década, el rasurado perfecto ha dejado de ser para muchos hombres el símbolo de éxito y virilidad que fue para sus padres y abuelos. Así pues, la pregunta es obligada: ¿cómo ha afectado a la principal compañía de productos para el afeitado la tendencia generalizada a la barba de los últimos años? Pankaj Bhalla sonríe y reconoce el problema. "No nos ayuda, precisamente… Pero como queremos llegar a cada tipo de hombre también hay que tener en cuenta que las barbas hay que cuidarlas y recortarlas. En ese sentido, disponemos de Gillette Styler, un dispositivo que combina las cuchillas Fusion 5 ProGlide con un trimmer diseñado por Braun para recortar la barba de manera uniforme".

El concepto de masculinidad ha evolucionado a lo largo de los años y en Gillette son conscientes de ello. "El concepto The Best a Man Can Get sigue vigente", explica Bhalla, "pero ahora

FOTOGRAFÍAS: D. R.

Aspiramos a seguir siendo la marca global de referencia, pero cada vez más personalizada, de forma que seamos capaces de adaptar nuestros productos a las necesidades de cada usuario".

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ese 'lo mejor' no tiene tanto que ver con el éxito económico y social y sí con la superación personal. Por eso estamos orgullosos del nuevo enfoque de nuestras campañas".

El director de Gillette se refiere a spots como el protagonizado por Shaquem Griffin, jugador de fútbol americano de los Seattle Seahawks que nació con una sola mano, lo que no le impidió lograr su meta; o al de los adolescentes transgénero aprendiendo a afeitarse; e, incluso, al de un enfermo de alzhéimer siendo rasurado por su hijo. Campañas que apelan a lo emocional y que se complementan con el eslogan The Best Never Comes Easy ('Lo mejor nunca llega de manera fácil').

Precisamente en el afeitado de personas dependientes, como los enfermos de alzhéimer, se enfoca una de las líneas actuales de desarrollo de Gillette. En concreto, la iniciada por Treo, la primera maquinilla diseñada de forma específica para un afeitado asistido.

Hasta ahora, las maquinillas habían estado siempre dirigidas al uso individual.

Con Treo se abre una vía de afeitado de calidad para aquellos que precisan ayuda. Un prototipo que ha salido de los laboratorios de esta sede de Boston, donde la investigación, el desarrollo y la innovación están en constante efervescencia. Otras muestras de ello son la Heated Razor, la primera maquinilla que emite calor y que garantiza el confort de una toalla caliente con cada pasada; o la plataforma Razor Maker que, mediante tecnología de impresión 3D, permite diseñar maquinillas totalmente personalizadas a la carta. Un recurso, el 3D, del que disponen también en el laboratorio desde hace cinco años para su Cueva de pruebas, que permite a los desarrolladores viajar por el interior de las maquinillas para verificar todas sus cualidades y agilizar la comunicación en equipo.

"Queremos llegar a cada tipo de hombre y las barbas también hay que cuidarlas y recortarlas"

FÁBRICA 'HIGH TECH'

La verdadera dimensión de Gillette, no obstante, sólo se percibe en toda su plenitud al entrar en la fábrica, el espacio más reservado a miradas indiscretas (está totalmente prohibido hacer fotos) y una enorme superficie dotada de complejos equipamientos tecnológicos automatizados que se complementan con la tarea casi artesanal de los operarios que trabajan el acero. En la factoría todo funciona con la precisión de un reloj suizo. La actividad resulta frenética e incesante y es aquí donde la sensación de escenario futurista resulta más palpable, con enormes carros amarillos robotizados circulando de manera autónoma por la planta y haciendo escala allí donde han sido programados mientras emiten una peculiar música de ciencia-ficción.

Probablemente el efecto no es casual, ya que el HISTORIA DEL APURADO En 1901 King Camp Gillette inventó futuro del afeitado pasa por la maquinilla de afeitar y tres años aquí y por una compañía, después fundó su propia compañía.

Gillette, que ocupa el puesto número 32 en la lista Forbes de empresas influyentes. Mantener su liderazgo mundial en el sector es su principal objetivo, pero también preservar ese legado por el que los padres continúan enseñando a sus hijos a afeitarse. Y todo parece indicar que, de momento, esa tradición está garantizada durante unas cuantas generaciones. Se pongan como se pongan algunos hípsters…

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T IEM POS MO D ERN O S

FOTOGRAFÍA: D. R. 'KEEP IT REAL', CORTESÍA DE LA EXPOSICIÓN 'BANKSY. GENIUS OR VANDAL?', WWW.BANKSYEXHIBITION.ES.

TECNOLOGÍA

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NEGOCIOS

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EMPRESA

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Mira esto y decide ¿Es BANKSY un genio o un villano? ¿Un empresario o un artista? ¿Un usurpador o un gamberro? Su primera exposición en España te ayudará a resolver esta incógnita. ___por GUILLERMO ARAZO

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TIEMPOS MODERNOS

ola. La (buena) gente de GQ me ha mandado a la megaexposición de Banksy en Ifema, Madrid. Cojo el metro y voy. Llego al descampado del Campo de las Naciones y descubro que aquello es como la zona cero de los subproductos culturales. Richard Hoggart fliparía. ¿No querías cultura periférica?, pues toma dos tazas. Paso de largo por un musical sobre el "mayor influencer de la historia". Y no, la cosa no va sobre Pelayo.

Ni Dulceida. Sorry. Aquí se canta la historia de Jesucristo. 33 El musical. Aleluya.

Aquí se simboliza mucho. Así, sin filtros.

Atravieso también un circo al sol de música clásica. Suena bien. Veo que es una propuesta de Emilio Aragón y de Productores de Sonrisas. Se me hiela la misma. Se escucha un Debussy acelerado y me imagino a James Rhodes como Krusty el payaso ("Cinco… cuatro… tres… dos… uno… cero. Bien niños, ése es todo el tiempo del que disponemos hoy") e, inevitablemente, a Rubén Amón como Bob, actor secundario.

Paso por un botellódromo. Anoche hubo rave y aquello ha amanecido como el super-match entre la cama de Tracey Emin y el Schizophrenogenesis de Damien Hirst. Ojo, se me está quedando un cuerpo (narrativo) muy Babelia. Bueno.

Vuelvo.

Por fin alcanzo el arty Espacio 5.1; no sé si adentrarme en la vecina expo de Jurassic Park (ponen John Williams a todo trapo y es puro Juvenalia) o realizar el cometido encargado. Opto por lo segundo. Y esto es Banksy.

Escurridizo, provocador, misterioso…

Poco se sabe de la identidad de Banksy.

A pesar de la fama mundial de la que goza el artista, su identidad sigue siendo todo un misterio. Lo que da pie a las más delirantes y descacharrantes conjeturas: que si es Robert

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3D Del Naja, fundador y líder de Massive Attack; que si es Damon Albarn; que si un tal Robin Gunningham… De lo que estamos totalmente seguros es de que no se trata de Jordi Labanda.

No. Definitivamente no. Eso sí, Banksy –sea quien sea– está considerado como uno de los principales exponentes del street art contemporáneo. El pope del grafiti. El puto amo del stencil.

Sus trabajos, de línea figurativa e ironía inestable con sus referentes, aparecieron hace 25 años en la ciudad inglesa de Bristol y desde entonces se han viralizado por los muros de las grandes ciudades: Londres, Toronto, París, Berlín, NY, etc. Su arte denuncia reiteradamente el consumismo, la guerra y el fascismo. Su enfoque es enteramente no-intelectual, apunta directo a las entrañas, al estómago. ¡Poom! Y de aquellos aerosoles, estos lodos. Que si las ratas, que si el activista que en vez de un cóctel molotov arroja un ramo de flores, que si los bobbies besándose, que si la niña del globito rojo…

Símbolos. Imágenes que se han quedado enganchadas en nuestras retinas. Que pertenecen ya a nuestro paisaje mediático.

"Queremos que cada visitante de esta exposición pueda resolver por sí mismo quién es realmente Banksy"

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"EL ARTE DEBERÍA CONFORTAR A LOS PERTURBADOS Y PERTURBAR A LOS CONFORTABLES" (BANKSY)

La reproductibilidad, el remix, el sampler, el cuestionamiento radical del concepto de autoría, la copia-y-el-original, los préstamos, el apropiacionismo (no sólo de la usurpación referencial bebe Rosalía-yeli-yeliyeli), la distribución, la rapidez de consumo, el glitch, son algunos de los apuntes que me vienen a la cabeza cuando me nombran a Banksy. B-A-N-K-S-Y. Para Alexander Nachkebiya, comisario de la exposición: "Banksy ha adquirido la categoría de fenómeno y es uno de los artistas más brillantes e importantes de nuestro tiempo. Su trabajo es un desafío para el sistema, una protesta, una marca extremadamente bien construida, un misterio, una desobediencia a la ley… Queremos que cada visitante de esta exposición pueda resolver por sí mismo quién es realmente Banksy: ¿un genio o un gamberro?, ¿un artista o

FOTOGRAFÍAS: D. R. CORTESÍA DE WWW.BANKSYEXHIBITION.ES.

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Pregunta al vuelo: Banksy, ¿genio o villano? "Ni genio ni villano, Banksy es un experto en marketing. De nuevo el sistema está absorbiendo lo que funciona, y él está bailando al ritmo que le marcan".

Tra Tra. Pero nuestro amigo enmascarado es todo un icono del underground… "Si realmente fuese underground y antisistema no permitiría que sus obras se exhibiesen en Ifema. Las pintaría en la calle o en algún centro independiente. Y no veo mal que se exponga en cualquier sitio, lo que me molesta es que venda una cosa y haga lo contrario".

Vaya, que lo del genio del arte urbano como que no. Pero sus imágenes siguen siendo relevantes y agudas. "A mí sus obras, personalmente, más que arte me parecen un tipo de diseño básico y efectista. Para camisetas y chapas de mercadillo quizá funcionan, pero ponerlas a la altura de las grandes obras de arte de todos los tiempos tal vez sería exagerado. Esta exposición no deja de ser una más dentro del sistema comercial que promueven las élites. Y yo, a favor, pero a cada cosa, su nombre", remata Villarán. Di-mi-nombre.

Un Mr. Wonderful del 15-M. (Perdón por la boutade, pero necesitaba un buen titular por aquello del clickbait). Pues eso es Banksy.

YO SOY REBELDE… 1.

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Love is in the Air. Barcode.

Bomb Love.

un empresario?, ¿un provocador o un rebelde? Nuestra exposición pretende mostrar la profundidad del talento de Banksy, sus múltiples capas y dimensiones para que sean los propios visitantes quienes piensen y decidan.

Su trabajo, siempre actual y muy completo, profundiza en el alma de cada uno de nosotros. Supongo que todo esto lo convierte en un genio para mí". El comisario lo vende bien. Y hace bien. Pues eso es Banksy. ¡Ay! Como ando un poco perdido por los pasillos enmoquetados de la exposición, tiro de los referentes. Los referentes, como las generalizaciones, están ahí para ser usados. Recurro al crítico de arte y youtuber Antonio García Villarán (su canal cuenta con más de 390.000 suscriptores).

Más chanante que tróspido, de estilo punzante y categórico, su escalpelo mediático ha atravesado a todo tipo de vacas sagradas del arte: desde Yoko Ono a David Bowie pasando por la plañidera Marina Abramovic. Creador del término "hamparte" (hampa + arte) para denunciar la especulación que existe en el mercado del arte, donde cada vez es más difícil distinguir al genio del impostor. Y a eso vamos.

… porque el mundo me ha hecho así / porque nadie me ha tratado con amor / porque nadie me ha querido nunca oír [Manuel Alejandro].

Rebelarse vende, no es (nada) nuevo. El arte lleva años adoptando a la contracultura para expandir mercado y atraer a nuevos consumidores. Adoptar los conceptos de la contracultura –que rechaza las normas del mercado tradicional– es una constante en el mundo artístico, aunque su discurso quede totalmente desvirtuado en la misma transacción de la compra.

Vender, vende. Y mucho.

Hablemos del dinero. Pongamos el foco aquí. Le pregunto a Ismael Chappaz de Espai Tactel, galería valenciana que se centra en la promoción del arte más audaz y contemporáneo en sus distintas expresiones y vertientes, prestando especial atención a las últimas tendencias. Aquí, ahora, en carne y hueso: Banksy, ¿genio o villano? "Obviedad mainstream para catetos con ínfulas", dispara sin silenciador alguno. Empieza fuerte. El arte callejero, snif, ya no es lo que era. "Hace ya muchos años que dejó de ser underground, además: ¿Qué entendemos por underground? Lo mainstream ha mamado siempre del supuesto underground y el underground tiene como única pretensión llegar a ser mainstream. En un mundo absolutamente globalizado es ridículo pretender ser underground", resuelve Chappaz.

Visto lo visto, y visto que el street art vende, ¿tenéis artistas del stencil en vuestra galería? "No, no tenemos artistas de street art, no nos interesa un artista por el mero hecho de generar obra en la calle. Tenemos artistas contemporáneos como Christto & Andrew, Raphaël Barontini, Natacha Lesueur, Luis Úrculo, Vicky Uslé o Fito Conesa, cada uno con su propio lenguaje y discurso". ¿El arte es puro marketing? "Totalmente, sería hipócrita andarse con rodeos. Desgraciadamente, no es mejor artista el que más talento tiene sino el que mejor se vende, y es así para a la inmensa mayoría de personas". Así están las cosas por el Matrix del arte contemporáneo.

Termino mi recorrido en la tienda de la exposición. Me hago con el libro (tapa dura) Banksy, el arte rompe las reglas, un par de postales de las ratas, un póster de 70x50 y un imán de nevera. Me hago un selfie en la entrada de la expo y subo seis stories a mi instagram. Lo peto. La coherencia está muy sobrevalorada.

La exposición 'Banksy, Genius or Vandal?' muestra 74 piezas que se pueden ver hasta mediados de marzo en la sala Espacio 5.1 de Ifema, Madrid, a un precio de 16,40 € la entrada.

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TIEMPOS MODERNOS

S U B A S T A S

¿Quién da más… por menos?

El afán por coleccionar objetos únicos o que han pertenecido a un determinado icono pop ha devenido en PUJAS un tanto extrañas. Repasamos algunas.

FOTOGRAFÍAS: GETTY IMAGES.

___por JESÚS MERINO LÓPEZ

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n ocasiones, el de las subastas es un universo un tanto disparatado. Precios de locos por objetos cuyo valor real es infinitamente inferior o muy cercano a cero. Valga como percha aquel cuadro de Banksy subastado en Sotheby's en octubre: tras ser comprado por 1,2 millones de euros, La niña con globo –la obra que tienes a la izquierda– se autodestruyó con una trituradora que llevaba integrada en el marco.

Lejos de perder su valor, la pieza ha doblado su cotización por haber formado parte de una performance. Lo que trataba de ser una denuncia por parte del artista contra la comercialización del arte se ha convertido en un lucrativo negocio. Ésta no es, ni mucho menos, la primera locura que acontece entre las paredes de una casa de subastas. Y aunque cada uno es libre de gastar su dinero en lo que quiera, aquí te presentamos otras ventas de difícil explicación.

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1. John Lennon, por piezas.

En 2007, la casa Gorringes vendió un mechón de pelo de John Lennon a un postor anónimo por 33.000 euros, ocho veces su precio de salida. La pieza de coleccionista (?) era propiedad desde 1965 de una peluquera que trabajaba habitualmente con los Beatles, a quienes sisaba objetos a modo de memorabilia. La puja por el ADN del mito no acaba ahí: en 2011 se pagaron 27.000 euros por (glups) uno de sus dientes.

2. El (otro) lugar del crimen.

22 de noviembre de 1963. Lee Harvey Oswald dispara a Kennedy desde el sexto piso del Depósito de libros escolares de Texas. El presidente muere poco después.

16 de febrero de 2007. Un tipo holandés desembolsa más de dos millones y medio de euros por la ventana –marco y cristal– desde la que el magnicida apretó el gatillo. eBay intermedió en la operación, la cual calificó como "una oportunidad para ser el dueño de un pedazo de historia".

3. Un vestido… y cientos de rumores.

Seguimos a vueltas con Kennedy. En noviembre de 2016, Julien's Auctions logró vender por 4,3 millones de euros el vestido que lució Marilyn Monroe durante la celebración del 45 cumpleaños del mandatario (sí, el día en que la actriz cantó aquello de Happy Birthday, Mr. Preeeesident…).

Confeccionado por Jean Louis, el vestido llevaba bordados a mano más de 2.500 cristales. Pero 4,3 millones es muuucho dinero…

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4. Un milagro hecho con pan blanco y sin mantequilla.

En 2004, eBay colocó en el escaparate un sándwich de queso derretido –y mordido– preparado una década antes. Según la dueña del tentempié, en él se podía ver la imagen de la Virgen María. "Me miraba fijamente y pude ver lo especial que era. Lo metí en una caja entre algodones y lo guardé con respeto", dijo la vendedora en su día. 25.000 euros mediante, el emparedado cambió de manos: el casino GoldenPalace.com pagó la suma con la idea de usar el bocado para recaudar fondos con fines caritativos.

5. Un gol que bien vale una celebración.

La camiseta que usó Pelé durante la final del Mundial de 1970 (y con la que se proclamó campeón con Brasil, claro) alcanzó los casi 100.000 euros en una subasta organizada por Christie's en Londres en el año 2007. Un comprador anónimo se hizo con la prenda que O Rei regaló aquel día a su entrenador, Mário Zagallo. Fue, de hecho, el hijo de éste quien la puso en el mercado y se embolsó la pasta de la puja.

6. El fondo de armario de la primera ministra.

Los hijos de Margaret Thatcher, Mark y Carol, entregaron a Christie's en 2015 (apenas dos años después de la muerte de su madre) 350 objetos personales de La dama de hierro. Bolsos, trajes y joyas conformaban un lote que no encontró su hueco en el Victoria & Albert, museo al que los mellizos Thatcher tantearon en primer lugar y que declinó la oferta por no cumplir los criterios de "excelencia estética y calidad técnica" de sus colecciones.

7. El último aliento del Rey (en el sentido literal).

De Michael Jackson se han subastado hasta sus calzoncillos usados (no, no es broma), pero a nosotros nos resulta incluso más increíble que alguien haya pagado mucha pasta –más de 100.000 euros; nunca llegó a trascender la cifra definitiva– por la mascarilla que llevaba el Rey del Pop en el momento de su muerte. Qué macabros son algunos, Dios. Y cómo les sobra el dinero.

8. La seña de identidad de una leyenda.

Si lo de Jackson te ha dejado perplejo, cerramos este recorrido subiendo aún más el listón: hace apenas un par de años, un tipo tuvo a bien pagar medio millón de libras por el chicle que mascó sir Alex Ferguson durante su último partido como técnico del Manchester United (frente al West Bromwich Albion). Más de 500.000 euros, con eBay como gestor, por un trozo de goma masticada e insípida recogida del césped embarrado de Old Trafford.

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TIEMPOS MODERNOS E N T R E V I S T A

Alfonso Cobo es el creador y CEO de UNFOLD, la aplicación de plantillas para Instagram más descargada del mundo. ___por NÉSTOR PARRONDO

o nos hemos gastado ni un euro en marketing", asegura Alfonso Cobo con un brillo en la mirada. "Y tampoco aceptamos el dinero de inversores, y eso que nos han ofrecido millones. No quiero que el dinero de los demás me distraiga o dicte mis decisiones". Muy pocos emprendedores pueden decir algo así. Además, sin rastro de soberbia. Por eso mismo estas palabras tienen un enorme valor.

Más todavía si son pronunciadas por un chaval nacido hace 26 años en Las Palmas de Gran Canaria cuya creación compite en un mundo tan exigente como el de las redes sociales y las aplicaciones de fotografía.

Alfonso Cobo es el creador de Unfold, la app favorita de los influencers de medio mundo, y que hasta hace bien poco era su secreto más preciado y mejor guardado. Aunque no te suene el nombre de Unfold, seguro que has visto algún contenido editado con ella. Se trata de una aplicación para embellecer las historias de Instagram, esas publicaciones fugaces –sólo duran 24 horas– que la compañía propiedad de Facebook se sacó de la manga para luchar contra Snapchat y atrapar al público más joven. Con Unfold las fotos se encuadran en unas plantillas de diseño minimalista, que puede ser una página rasgada, un marco blanco o una composición de varias imágenes con tipografías también sencillas que van cambiando.

N

EL ÉXITO Y LA CONEXIÓN EMOCIONAL

Los números de Unfold marean. Se lanzó al mercado en enero de 2018 y en sus 12 primeros meses de vida cuenta con 14 millones de usuarios. También ha sido número uno de descargas en la App Store de Apple en una docena de países de lo más dispares. Entre sus usuarios más famosos están Sergio Ramos, Dulceida o Selena Gomez. Unfold es gratuita, pero sus paquetes de plantillas no. De ahí salen sus ingresos, que este año rondarán los 2,2 millones de dólares.

"No veo Unfold como una app de collage más", nos cuenta Cobo. "Para mí, es un instrumento de cambio social, una herramienta para compartir información de manera rápida y diferente, para emocionar, para que '30 UNDER 30' la gente conecte. Por ejemplo, La revista Forbes USA le ha algunos reporteros en Siria han nombrado como uno de los dado sus noticias a través de emprendedores más influyentes del ella en redes sociales. Y en los mundo con menos de 30 años.

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EL VUELCO 'INFLUENCER'

REINVENTARSE ____ PARA SER EL Nº 1

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"Empecé Arquitectura en una universidad de Madrid, pero no paraba de suspender, y eso que en el colegio fui buen estudiante.

No me gustaba memorizar e hincar los codos". Frustrado, Cobo abandonó los estudios y se matriculó en la misma carrera, pero en Inglaterra. Allí encadenó matrículas de honor, pero en las prácticas se aburría.

Cambió de aires gracias a una beca en la prestigiosa escuela de diseño Parsons, en Nueva York, donde fue número uno de su promoción.

Los primeros días con su nuevo proyecto no fueron sencillos. "Tenía 5 o 6 descargas al día, y me alegraba un montón por ello", nos cuenta entre risas. "Me parecía tan buena que me dediqué a mandar mensajes privados a cuentas que me gustaban, para que la usaran". De esta forma Cobo conoció al que es su actual socio, Andy McCune, de 23 años de edad y autor de ese petardazo llamado Top Nine, la herramienta que selecciona las fotos más destacadas de los usuarios de Instagram.

Los dos trazaron un plan de negocios que saltó por los aires cuando Dulceida, la reina-influencer española (2,5 millones de seguidores en Instagram, al cierre de este número) contó en un vídeo que editaba sus stories con Unfold. "Ella la descubrió gracias a Joan Palà, que es amigo nuestro, y la empezó a usar sin pedir nada a cambio. 24 horas después de ese vídeo, Unfold se convirtió en la app número uno en foto y vídeo en la App Store de España". La jugada se repitió en Argentina, Malasia, Indonesia, Portugal… De ahí su crecimiento orgánico y los cero euros invertidos en publicidad de los que presume. Sigue sus éxitos… en Instagram (@unfold).

FOTOGRAFÍA: DIEGO LAFUENTE. ASISTENTES DE FOTOGRAFÍA: CRISTINA SANROMÁN Y TERESA BARROCAL. AGRADECIMIENTO: SINGULAR MARKET (C/ SAN CAYETANO, 8, MADRID).

A su manera

incendios de California, la gente informaba de los fuegos con nuestras plantillas".

Este joven canario reside en Nueva York, ciudad en la que estudió un máster en diseño en la prestigiosa escuela Parsons. Allí creo Portfolio, su primera app.

"Era una aplicación para enseñar mis diseños y los de mis amigos en el iPad. Pero me di cuenta de que nadie tenía esa tableta y que todo el mundo tenía iPhone. Eso, y la llegada de las historias de Instagram, hicieron que creara Unfold".

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TIEMPOS MODERNOS M O T O R

Tu comodidad es lo primero El nuevo C5 AIRCROSS es un paso más en la obsesión de Citroën por crear coches con un confort de marcha superior. Es un SUV que entra por los ojos… y se disfruta con todo el cuerpo.

ualquiera que haya viajado alguna vez en un Citroën con suspensión hidroneumática (la inauguró allá por 1955 el legendario Tiburón) sabe de primera mano que ofrecer un confort de marcha único –similar a viajar sobre una alfombra voladora– ha sido históricamente una de las principales señas de identidad de

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la marca de los chevrones. Es una sensación que, en pleno proceso de reforzar sus atributos, la marca ha querido recuperar para su C5 Aircross con nuevas tecnologías como los Amortiguadores Progresivos Hidráulicos y los asientos Advanced Comfort. Este SUV aúna practicidad, versatilidad y tecnología de última generación en un vehículo que actúa como una burbuja de paz para sus ocupantes (el aislamiento acústico, sumado a su levitar sobre el asfalto, hacen de los viajes una experiencia plácida). Te gustará a primera vista por su diseño lúdico y vanguardista. Te convencerá por todo lo demás.

FOTOGRAFÍAS: D. R.

___por H. P.

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'POP UP' __________ HOTEL, DULCE COCHE

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Un coche práctico y funcional para el día a día Gran espacio interior y modularidad total La modularidad es uno de los fuertes del C5 Aircross. Los asientos traseros, por ejemplo, se pueden desplazar 15 cm y son escamoteables de manera individual para dejar un fondo plano.

Tecnología para hacer la vida a bordo más fácil Ayudas a la conducción y conectividad El C5 Aircross ofrece hasta 20 tecnologías de ayuda a la conducción.

El equipamiento tecnológico se completa con un sistema de infoentretenimiento de 8", conectado y con función Mirror Screen (compatible con Android Auto y Apple CarPlay).

También dispone de carga inalámbrica de móvil.

Máximo confort en los desplazamientos Nuevos asientos más ergonómicos Los asientos Advanced Confort ofrecen un mullido excepcional de 15 cm de grosor. En opción, pueden estar equipados con un sistema de calefactado y de masaje multipunto. El del conductor puede tener reglajes eléctricos con memoria.

El lanzamiento del C5 Aircross en España ha estado acompañado de una curiosa inciativa: la apertura (efímera) del Grand Hotel C5 Estrellas. Un establecimiento 'Grand Class' que se instaló en la madrileña calle de Almagro durante los días 17, 18 y 19 de enero. Bajo la máxima de 'el hotel que todo coche querría ser', ha ofrecido a los visitantes cinco estancias acondicionadas para experimentar el concepto de comodidad del nuevo SUV de Citroën, así como tres salas de tipo experiencial: la Comfort Room (inspirada en los elementos de confort del coche), la Aircross Room (iluminada por los faros full led inteligentes del vehículo) y la SUV Room, cuyo césped infinito hace honor a las capacidades offroad del automóvil.

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FOTOGRAFÍA: D. R.

TIEMPOS MODERNOS

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500 de atraer a los mundos del diseño, del estilo y de la moda.

E N T R E V I S T A

Genuino estilo italiano Hablamos con LUCA NAPOLITANO, director de Fiat en el área EMEA, del 500 más masculino de la historia: el 500 Collezione. ___por CARLOS MORAL

a conversación tiene lugar en la emblemática galería comercial La Rinascente, junto al Duomo de Milán, con motivo de la presentación del nuevo Fiat 500 Collezione, avalada por L'Uomo Vogue.

La moda, el diseño y el estilo dominan en esta ocasión el discurso de Luca Napolitano, Director de Fiat y Abarth para EMEA (Europa, Oriente Medio y África).

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___GQ: ¿Qué aporta el Collezione a la larga y brillante historia de más de 60 años del Fiat 500? ___Luca Napolitano: La clave del

éxito del 500 está en su capacidad de actualizarse continuamente. Más de 30 ediciones especiales en once años. En el mundo de la náutica de lujo: Riva; en el mundo de la moda: GQ, Diesel, Gucci…; y en el mundo de la conectividad y de los millennials, Mirror. Tiene la capacidad de ser relevante, auténtico y único. Los resultados son claros: más de dos millones de coches vendidos desde 2007, con el 500 renovado. El 80% del volumen de ventas fuera de Italia. Primero en el ranking de su segmento en Europa, como una clara señal del afecto que la gente tiene al 500 en el Viejo Continente. ___GQ: ¿A qué tipo de conductor va dirigido el Collezione? ___L. N.: El 500

es un coche prin-

cipalmente femenino. El Collezione, por primera vez, quiere captar más a los hombres. Es un coche más masculino.

Es una clara señal de que entramos en un segmento de mercado nuevo y para nosotros es una gran oportunidad. ___GQ: Esta nueva edición mantiene un estrecho vínculo con el mundo de la moda. ¿Con qué código de vestimenta se podría comparar? ¿Sería clásico o rompedor? ___L. N.: Quiere ser un poco todo.

___GQ: Llama la atención la gama de colores únicos, originales e inequívocamente italianos de este nuevo Collezione, con nombres tan sugerentes como Gris Carrara o Negro Vesuvio. ¿Estamos ante un coche que se siente orgulloso de su origen geográfico? ___L. N.: Sí, claro. Es un coche que

nace en Italia, crece en Italia, pero el 80% de su volumen de ventas se produce fuera de Italia. Ésa es su particularidad: es un coche italiano y todo el mundo lo sabe. Nació en Turín en la mítica pista parabólica de Lingotto, donde hizo su primera prueba, pero salió de allí para recorrer y conquistar todo el mundo. Londres es la ciudad donde se ven más 500. Cuando renovamos el coche, hicimos una encuesta entre nuestros clientes y lo que nos pidieron fue que no se tocara su estilo.

Actualización de tecnología, sí, pero que nadie toque su estilo.

Es clásico, porque con más de 60 años de historia siempre ___GQ: El emblema EXPORTANDO mira al pasado, pero también Collezione que luce el vehíDISEÑO mira al futuro. Las prestacioculo en la parte trasera tiene El 80% de las ventas del Fiat 500 nes de este coche, en cuanto a una tipografía claramente se producen fuera conectividad y tecnología, son retro. ¿A qué se debe esta de Italia. tan importantes que demuesreferencia vintage? tran la capacidad del 500 de ___L. N.: Collezione es un mirar al pasado y también al futuro. logo que representa la italianidad de este coche. Cinquecento, como Rinascente, ___GQ: ¿Cuál es la clave para que, a lo donde nos encontramos para esta largo de sus 61 años de historia, el Fiat celebración, tienen una característica 500 haya sido una fuente de inspiración en común: la capacidad de exportar el permanente para los mundos del arte, la diseño italiano a todo el mundo. moda y el diseño? ___GQ: Hablando de futuro, ¿cuáles ___L. N.: Un ejemplo muy claro: el año pasado, con motivo del 60 aniversario son las principales novedades tecnológidel modelo, el MOMA decidió comprar cas que incorpora el nuevo Collezione? un 500 para exponerlo en sus salas. Eso ___L. N.: Está repleto de tecnología: lo dice todo en cuanto a la capacidad del sensores de aparcamiento, sensores de luz, sensor de lluvia, navegador TomTom, sistema de audio Beats…

"Collezione es un logo que representa la 'italianidad' del modelo, la capacidad de exportar el diseño italiano"

___GQ: ¿Qué previsiones de crecimiento hay para Fiat en los próximos años? ¿Cómo influirá el coche eléctrico en ese crecimiento? ___L. N.: A eso no te puedo contestar

ahora. Si te parece, nos vemos el año que viene y lo hablamos…

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TIEMPOS MODERNOS

i algo ha sabido hacer bien M O T O R SEAT a lo largo de su historia es fabricar coches pequeños y compactos con altísimas dosis de emoción, deportividad y espíritu juvenil. Es así como el Ibiza y el León (y ahora también sus trasuntos El primer SUV de siete plazas de SEAT, el TARRACO, SUV, Ateca y Arona) se han posicionado como es un coche familiar, práctico y versátil. Pero, sobre todo, referencias en sus segmentos. Pero de todos es un vehículo con todos los grandes atributos de la marca. sabido que para crecer, a veces, hay que abandonar la zona de confort, y la marca de Martorell se ___por HÉCTOR PALOMARES ha propuesto conquistar a un cliente más adulto y con mayores necesidades de espacio (o estatus). A ese público está dirigido el Tarraco, un coche de hasta siete plazas que, ahora sí, podría ser el automóvil principal de cualquier familia (sí, SEAT ya tenía el Alhambra, y lo seguirá teniendo, pero no es el mismo concepto).

Con 4,73 metros de longitud, el Tarraco sorprende por su aspecto ligero, agresivo y dinámico.

Es fruto de la plataforma MQB A+, cuya distancia entre ejes permite un diseño de gran amplitud interior y voladizos cortos; pero también del nuevo frontal, con una parrilla más enfática y faros felinos (full led de serie) que se estiran a lo largo del capó (por ahí, nos dicen, irán los tiros en los próximos lanzamientos de la marca).

Al volante del que ya es el buque insignia de SEAT, comprobamos que sus ingenieros han sabido preservar las virtudes ya relatadas de los coches de la firma, adaptadas a un recipiente más grande (y privilegiando el confort, lo que se entiende por el tipo de vehículo). Se maneja con agilidad en carreteras de todo tipo. Sobrio y estable en autopista, es divertido cuando llegan las curvas (la suspensión adaptativa, opcional, hace su trabajo la VERSATILIDAD mar de bien). Cuando uno sale Hay dos versiones, para cinco o siete plazas. del asfalto, además, cumple con Con todas las butacas abatidas, el Tarraco ofrece el mayor espacio de carga del segmento. lo que se le pide a un SUV de estas características (sobre todo, con la tracción 4Drive, de serie con los motores más potentes).

A todo ello hay que añadirle una versatilidad sin precedentes –configurado como cinco plazas, su maletero oscila entre los 700 y los 760 litros de capacidad–; y también una carga tecnológica formidable: Lane Assist y frenada automática de emergencia Front Assist con reconocimiento de peatones y ciclistas, de serie. En opción, detector de ángulo muerto, reconocimiento de señales de tráfico, asistente en atascos o control de crucero adaptativo. Lo tienes desde 32.650 €.

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Rasgos de familia

FOTOGRAFÍAS: D. R.

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A pesar de su gran tamaño, la impresión que da su diseño es de ligereza y dinamismo.

AMPLIO HABITÁCULO

En el interior, destacan el cockpit digital y la gran pantalla flotante de 8" del sistema de infoentretenimiento (que permite control gestual).

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UN VEHÍCULO DE UNA PIEZA

Aunque también existe una bella y proporcionada versión sedán, nos quedamos con la pureza de la carrocería de cinco puertas.

M O T O R

Escultura en movimiento El encargo a los ingenieros era crear "un objeto universal de deseo". A la vista del resultado, es justo decir que los responsables del MAZDA 3 lo han logrado con creces. ___por HÉCTOR PALOMARES

a obsesión por la simplicidad suele deparar objetos bellos y atemporales. Mazda lleva instalada en esa búsqueda de la pureza desde 2010, cuando se introdujo en la marca la filosofía de diseño Kodo (alma del movimiento). Sin embargo, nunca como en el nuevo Mazda 3 había llegado tan lejos.

Fuera líneas de carácter, fuera todo elemento superfluo.

Sólo metal sutilmente curvado y brillante que, como una escultura de Jeff Koons, refleja cuanto le rodea y cambia según la luz –consigue así la apariencia de un vehículo robusto, como si estuviera construido de una sola pieza–.

Este viaje de ida hacia lo esencial se manifiesta asimismo en lo que Mazda llama Skyactiv-Vehicle Architecture, un conjunto de tecnologías estructurales que persiguen que conducir sea un acto tan natural y relajante como caminar. Hablamos de la posición y diseño de los asientos, de la visibilidad interior mejorada por un pilar A más delgado y mejor dispuesto, del chasis y las suspensiones, pero también del mejor aislamiento acústico o la interfaz hombre-máquina. La filosofía Jinba Ittai, o la unión del jinete con su montura, también alcanza en este modelo su máxima expresión. Sosiega contemplarlo y serena moverse con él. En el interior del Mazda 3 se aplica también este principio minimalista. Nada distrae la vista salvo los controles que ha de manejar el conductor, al que están orientados todos los elementos. El puesto de conducción gana en ergonomía, gracias a los 20 mm adicionales de recorrido en la columna de la dirección, el ajuste de inclinación de la banqueta de serie o la posición más adelantada y elevada de la palanca de cambios. La pantalla de infotainment de 8,8 pulgadas flota ahora sobre un limpio salpicadero de líneas horizontales.

En el capítulo de motorizaciones, destaca el motor Skyactiv-X, un propulsor de gasolina que, se dice pronto, también funciona como un diésel (esto es, por compresión). No es el único círculo que cuadra Mazda con este coche: que tal revolución, estética y dinámica, sea fruto de una evolución lógica, es algo que un observador objetivo no puede sino admirar. Seguro que continuará.

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FOTOGRAFÍAS: D. R.

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TIEMPOS MODERNOS M O T O R

Deportividad híbrida La versión SPORT EDITION completa el 'restyling' del exitoso NX 300h de Lexus, un caballo ganador… con etiqueta ECO. ___por HÉCTOR PALOMARES

on su llamativo diseño anguloso y lleno de aristas, este SUV compacto de Lexus no sólo ha representado un superventas desde su lanzamiento en 2014, sino que también ha marcado la estética a seguir por el fabricante en sucesivos modelos. El del NX es un estilo que gusta y mucho, también entre el público español, por lo que a la hora de lavarle la cara (esto es, de procurarle el obligado facelift de mitad de ciclo), los japoneses procuraron limitarse a obrar cambios discretos que no alteraran en demasía sus líneas: detalles en las tomas de aire del frontal y en la parrilla, así como en los faros, el paragolpes trasero, los pilotos, las salidas de escape y las molduras decorativas. También en el interior la contención fue la norma: una nueva pantalla de infotainment más grande, de 10,3", una palanca de cambio rediseñada y algunos retoques más, como los tiradores de las puertas o el punto de carga inalámbrica.

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NUEVO EQUIPAMIENTO

FOTOGRAFÍAS: D. R.

El techo panorámico de cristal y las nuevas llantas de 18 pulgadas, entre otros detalles, le dan a esta Sport Edition un aire más deportivo y premium.

Ahora, la marca del grupo Toyota lanza la Sport Edition de este modelo ya emblemático. Más equipado y con un inequívoco aire deportivo, destaca frente a sus hermanos por los acabados negros en la parrilla y en los retrovisores; por las nuevas llantas de aleación de 18" de cinco radios en color bronce y por el techo panorámico de cristal. Al igual que en el resto de gama, el NX 300h Sport Edition sólo se comercializa en España con la mecánica híbrida de 197 CV que homologa un consumo de 5 litros de gasolina y que atesora la ansiada etiqueta ECO de la DGT. Está a la venta por 49.200 euros.

Aunque, si lo prefieres, puedes también adquirir la versión NX 300h Business por 350 euros al mes (con cuatro años de conectividad, de mantenimiento, de garantía y de asistencia en carretera, así como un año de seguro incluidos) gracias a la promoción Full Drive de Lexus.

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TIEMPOS MODERNOS 1. SOMNOX Una almohada-robot a la que abrazar y que simula el respirar de otro ser humano. Además, canta nanas, hace meditación guiada y tiene un modo que imita los latidos del corazón. Cuesta unos 520 €. Meetsomnox.com

6. OMEN 15 DE HP

El primer ordenador portátil que cuenta con tecnología 240 Hz y puede albergar hasta 64 GB de memoria RAM es una bestia pensada para satisfacer a los jugadores más exigentes.

Precio: 1.599 €. Hp.com

8. NETAMO

Aunque no estés en casa, podrás hablar con la persona que esté llamando a tu puerta a través de este aparato desde el teléfono móvil.

Así jamás perderás la entrega de un paquete.

Precio: c. p. v. netatmo.com

9. FOCALS BY NORTH ¿Te acuerdas de Google Glass? Pues estas gafas inteligentes recogen el legado del malogrado producto del buscador y muestran información en sus cristales, como mensajes de texto o direcciones. Precio: 1.000 €. Bynorth.com

4. ELLIQ Un robot especialmente diseñado para hacer compañía a los ancianos. Se comunica con familiares o servicios de emergencia rápidamente o recuerda las medicinas que han de tomar. Precio: 1.400 €. Elliq.com

T E C N O L O G Í A

Una tele que se enrolla…

Se trata de una nevera inteligente que te avisa al teléfono móvil cuando se acaba la leche, te recuerda la lista de la compra e incluso te da un toque de atención si la puerta se queda abierta.

Precio: c. p. v. Samsung.com

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7. POWERSPOT Enchufar un aparato a la red eléctrica es algo taaan 2018… El futuro pertenece a cacharros como éste, que carga cualquier gadget mediante inducción: sólo hay que poner el móvil a unos 10 cm. Precio: 90 €. powercastco.com

…y los aparatos más sorprendentes y curiosos conforman la cosecha 2019 del último CES DE LAS VEGAS, la feria de electrónica más importante del mundo. Ésta es nuestra selección para ti. ___por NÉSTOR PARRONDO

10. FOLDIMATE

O el fin de los armarios desordenados. Esta máquina dobla automáticamente cualquier prenda que se introduzca en sus tripas y encima añade un perfume. Está pensada para las tiendas de ropa, pero puede ser tuya por 900 €. Foldimate.com

11. AIBO El perro robot de Sony dejó de fabricarse en 2006, pero ahora vuelve con una versión más pequeña e inteligente. Responde a órdenes, tiene una cámara en el hocico y sí, te trae la pelotita si se lo pides. Precio: 1.800 €. Sony.com

13. SAMSUNG FAMILY HUB 4.0

5. DELL XPS 13 Ordenador portátil realizado con fibra de cristal ultrarresistente que aguanta arañazos y el temido color amarillo que muchos gadgets blancos terminan padeciendo con el paso del tiempo.

Precio: a partir de 1.098 €. Dell.com

12. SONY PS-LX310BT

Tocadiscos inalámbrico que se puede conectar a un altavoz gracias a la tecnología Bluetooth.

Su brazo es de aluminio y es capaz de de reproducir discos de vinilo a 33 y 45 r.p.m.

Precio: 220 €. Sony.com

14. VUZE XR 3D

Videocámara que graba contenido que luego puede ser reproducido en un casco de realidad virtual. También graba esos vídeos tan curiosos de 360 grados que puedes ver en Facebook.

Precio: 439 €. Vuze.camera.com

15. LG OLED TV R

El primer televisor del mundo que se enrolla.

Cuando se apaga, se pliega en una caja inferior que hace de barra de sonido y, sorpresa, también es una pantalla que da la hora o muestra la predicción meteorológica. Precio: c. p. v. Lg.com

FOTOGRAFÍAS: D. R.

3. RING Una mirilla inteligente que graba y envía vídeo en tiempo real de lo que esté pasando en la puerta de tu casa. Y si tienes una cerradura inteligente asociada, podrás abrir a distancia.

Precio: 279 €. Ring.com

2. MODIUS Si te colocas esta banda, su electroestimulación afectará a tu nervio vestibular, haciendo así que tu capacidad de concentración aumente y tu estrés se modere (eso dicen sus creadores).

Precio: 450 €. Modiushealth.com

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TIEMPOS MODERNOS T E C N O L O G Í A

Velocidad = calidad/precio La joven firma china ONEPLUS se alía con MCLAREN para darle más potencia y velocidad a su exitoso 6T. El resultado es una atractiva edición especial por un precio más que razonable. El 'hype' continúa… ___por HÉCTOR IZQUIERDO

a corta historia de OnePlus puede considerarse todo un manual sobre cómo construir una marca de telefonía móvil de corte premium en menos de cinco años. Su estrategia, que apenas ha recurrido al marketing convencional, consiste en la creación de un hype continuo alrededor de los productos. Un hype basado primero en la exclusividad (al principio, sus terminales sólo podían comprarse por invitación) y después en la creación de una comunidad de fans y el diálogo permanente con ella. ¿Y qué le pide esa comunidad a OnePlus? Los móviles más potentes a los precios más accesibles. El nuevo OnePlus 6T McLaren, en colaboración con la escudería de F1, representa un paso más hacia la consagración de ese hype democrático y masivo. Por tan sólo 699 euros, no existe una edición especial con una relación calidad/precio mejor.

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DOBLE CÁMARA

La doble cámara no cambia respecto a la del 6T: 16 Mpx y 20 Mpx con apertura f/1.7.

RENDIMIENTO

Con 10 GB de memoria RAM y 256 GB de almacenamiento, está en el top del mercado.

CARGA RÁPIDA

El nuevo estándar Warp Charge 30 permite una carga para un día entero en sólo 20 minutos.

'UNBOXING'

DISEÑO

Una estela papaya (color de McLaren) enmarca el fondo de fibra de carbono (material fetiche de la F1).

FOTOGRAFÍA: D. R.

Incluye un libro con la historia de las compañías y un logo de McLaren en fibra de carbono.

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EVENTOS VOGUE

V O G U E J O YA S

1. Cari Lapique y Eugenia de la Torriente, directora de Vogue España. 2. Los premiados de Vogue Joyas 2018. Las marcas que recibieron el reconocimiento en la categoría de joyería fueron Suárez, Piaget, Tiffany & Co., Barcena y Bvlgari. La revista también premió por su labor durante el pasado año a los relojeros Chopard, Rolex, Chanel y A. Lange & Söhne.

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L G

6. Gemma Galán, Charlie Cole, Inés de León, Sandra Delaporte y Godeliv Van den Brandt, en la presentación de la gama premium de LG: LG Signature. 7. La actriz Greta Fernández tampoco se quiso perder el evento.

8. Miguel Ángel Fernández, de LG Signature, Eugenia de la Torriente y Blanca Martínez de Irujo. 9. La actriz Ester Expósito.10. Anaís Moreno, y Miguel Ángel Fernández, de LG Signature, junto a Paola Portela, Elena Ferreras y Susana Hernández, de Vogue.

Marca de la casa Nuestras compañeras de VOGUE nos han enseñado este invierno otro tipo de arte en el que son maestras: el de ser un buen anfitrión.

FOTOGRAFÍAS: LETICIA DÍAZ Y SILVIA TORTAJADA.

___por BELÉN AFONSO

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M E R C A D O L A S

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F L O R E S

S I G N A T U R E

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3. El tradicional mercado de las flores volvió a la calle Jorge Juan de Madrid por Navidad de la mano de de la revista Vogue. 4. El bonito puesto de la floristería 'Pink Flower'. 5. Nuestros amigos y co-organizadores: la Asociación de Comerciantes del Barrio de Salamanca-Distrito 41.

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EDICIONES CONDÉ NAST, S. A. Paseo de la Castellana, 9-11. 28046 MADRID Tel.: 917 00 41 70 - Fax: 913 19 93 25 Paseo de Gracia, 8-10 - 1º B. 08007 BARCELONA Tel.: 934 12 13 66 - Fax: 934 12 66 98 © Ediciones Condé Nast, S. A. Depósito Legal M-25924-2012 PUBLICADO EN ESTADOS UNIDOS: THE CONDÉ NAST PUBLICATIONS INC. Chairman and Chief Executive: JONATHAN NEWHOUSE President and Chief Digital Officer: WOLFGANG BLAU CONDÉ NAST USA President & Chief Executive Officer: ROBERT A. SAUERBERG, JR. Artistic Director: ANNA WINTOUR EL GRUPO CONDÉ NAST COMPRENDE LOS SIGUIENTES TÍTULOS: ESTADOS UNIDOS: Vogue, Vanity Fair, Glamour, Brides, Self, GQ, GQ Style, The New Yorker, Condé Nast Traveler, Allure, AD, Bon Appétit, Epicurious, Wired, W, Golf Digest, Teen Vogue, Ars Technica, Pitchfork, Backchannel, Them.

REINO UNIDO: Vogue, House & Garden, Brides, Tatler, The World of Interiors, GQ, Vanity Fair, Condé Nast Traveller, Glamour, Condé Nast Johansens, GQ Style, Love, Wired, Condé Nast College of Fashion & Design, Ars Technica.

ESPAÑA: Vogue, GQ, Vogue Novias, Vogue Niños, Condé Nast Traveler, Vogue Colecciones, Vogue Belleza, Glamour, AD, Vanity Fair.

FRANCIA: Vogue, Vogue Hommes, AD, Glamour, Vogue Collections, GQ, AD Collector, Vanity Fair.

ITALIA: Vogue, Glamour, AD, Condé Nast Traveller, GQ, Vanity Fair, Wired, La Cucina Italiana, Lisa, L’Uomo Vogue.

ALEMANIA: Vogue, GQ, AD, Glamour, GQ Style, Myself, Wired.

JAPÓN: Vogue, GQ, Vogue Girl, Wired, Vogue Wedding.

TAIWÁN: Vogue, GQ, Interculture.

INDIA: Vogue, GQ, Condé Nast Traveller, AD. PUBLICADO BAJO ASOCIACIÓN BRASIL: Vogue, Casa Vogue, GQ, Glamour.

RUSIA: Vogue, GQ, AD, Glamour, GQ Style, Tatler, Glamour Style Book.

PUBLICADO BAJO LICENCIA ALEMANIA: GQ Bar Berlin.

AUSTRALIA: Vogue, Vogue Living, GQ. BULGARIA: Glamour.

CHINA: Vogue, AD, Condé Nast Traveler, GQ, GQ Style, Condé Nast Center of Fashion & Design, Vogue Me, Vogue Film.

COREA: Vogue, GQ, Allure, W. HUNGRÍA: Glamour.

ISLANDIA: Glamour.

ORIENTE MEDIO: Condé Nast Traveller, AD, GQ, Vogue Café Riyadh.

PAÍSES BAJOS: Vogue, Glamour, Vogue The Book, Vogue Man, Vogue Living.

POLONIA: Vogue, Glamour.

PORTUGAL: Vogue, GQ, Vogue Café Porto.

REPÚBLICA CHECA Y ESLOVAQUIA: Vogue, La Cucina Italiana.

RUMANÍA: Glamour.

RUSIA: Vogue Café Moscow, Tatler Club Moscow.

SUDÁFRICA: House & Garden, GQ, Glamour, House & Garden Gourmet, GQ Style, Glamour Hair.

TAILANDIA: Vogue, GQ. TURQUÍA: Vogue, GQ. UCRANIA: Vogue, Vogue Café Kiev.

OFICINAS: FRANCIA: 3, Avenue Hoche. 75008 Paris USA: 1 World Trade Center, New York, NY 10007 GRAN BRETAÑA: Vogue House Hanover Square,London W1R OAD ITALIA: Piazza Cadorna 5, 20121 Milán ALEMANIA: Ainmillerstrasse 8, 80801 Munich 40 ESPAÑA: Paseo de la Castellana, 9-11. 28046 Madrid AUSTRALIA: 170 Pacific Highway, Greenwich, NSW 2065 IMPRESIÓN: ROTOCOBRHI. Ronda de Valdecarrizo, 13.

28760 Tres Cantos (Madrid). Teléfono: 918 031 676.

IMPRESIÓN DE CUBIERTA: AGS. Pol. Ind. San Marcos. C/ Bell, 3.

28906 Getafe (Madrid). Teléfono: 916 836 300.

ENCUADERNACIÓN: FELIPE MÉNDEZ GARCÍA S. L. Pol. Ind. San José de Valderas. C/ Carbón, 6-8. 28918 Leganés (Madrid). Teléfono: 916 211 570.

DISTRIBUCIÓN: SGEL. Avda. Valdelaparra, 29. 28108 Alcobendas (Madrid).

Teléfono: 916 576 900 SUSCRIPCIONES (Contacto para consultas): tienda.condenast.es E-mail: suscripciones@condenast.es. Teléfono: 902 53 55 57 Sobreprecio de Canarias: 0,20 €.

PRINTED IN SPAIN

E S P A C I O S

Sangría mediterránea en la nieve de Formigal Hasta el final de la temporada de esquí, la sangría artesana Lolea se traslada a uno de los destinos nacionales favoritos de todos aquellos que disfrutan de los deportes de nieve: Formigal.

La estación da la bienvenida por

segundo año a un espacio pop-up de la marca, una cabaña que será la mejor recompensa para los que quieran tomarse un respiro tras deslizarse por las pistas. Aperitivo, comida o après-ski a cubierto y disfrutando de las cuatro variedades de sangría de Lolea, como la Garnacha orgánica Nº4, con clavo, canela y piel de naranja.

M O V I L I D A D

'Skateboards' eléctricos para comerte la ciudad Nolita Skateboards es la nueva marca de skates eléctricos creada por Pol Álvarez, un joven emprendedor de 18 años que busca revolucionar el transporte urbano.

Actualmente Nolita cuenta con dos modelos, NS One y NS Dual, capaces de alcanzar una velocidad máxima de 45 km/h, con 2.000 W de potencia y una autonomía de 30 km (desde 369 €; nolitaskate.com).

FOTOGRAFÍAS: D. R.

MÉXICO Y LATINOAMÉRICA: Vogue México y Latinoamérica, Glamour México, AD México, GQ México y Latinoamérica.

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ÚLTIMA LLAMADA

J O Y E R Í A

R E S T A U R A N T E S

D E C O R A C I Ó N

Juana Acosta ficha por Durán Joyeros -

Behia: cocina de mercado, cocina de temporada -

El neón de Schweppes, en tu salón -

La actriz Juana Acosta, célebre por sus papeles en Perfectos desconocidos o 7 años, se ha convertido en la nueva embajadora de Durán Joyeros, una de las casas más emblemáticas de España en el sector de la joyería y la relojería.

La cocina de mercado basada en buenos productos de temporada está en boga en Madrid. En Behia (Manuel de Falla, 5), el chef Juan Carlos Delle Vedove la complementa con carne de vacas Limousin de ganadería propia.

El luminoso de Schweppes, una de las estampas más reconocibles de la Gran Vía madrileña, puede decorar ahora tu salón en forma de caja de luz diseñada por la artista Luisa Álvarez. Disponible en Erre Catorce (La Ruda 14, Madrid).

GASTRONOMÍA_______ ONLY YOU BOUTIQUE HOTEL

Only YOU (Barquillo 21, Madrid) revolucionó el concepto de 'boutique hotel' cuando aterrizó en la capital gracias a su decoración y cuidado en los detalles. Ahora está haciendo lo mismo desde el punto de vista gastronómico con dos excelentes propuestas, abiertas incluso a los que no se hospedan en el hotel: YOUnique Restaurant, con una cocina saludable y mediterránea de la mano del chef Carlos Martín, curtido en El Celler de Can Roca y Mugaritz; y los domingos, 'Le Brunch', uno de los más completos y apetecibles de la ciudad.

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SUBCULTURA DEL OBJETO

G A B I N E T E T A R J E T A S

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A Ñ O :

S A N

P O P

V A L E N T Í N

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ntes de esos casi 13 millones de euros en regalos que, según los estudios, vamos a desembolsar este 14 de febrero, antes de los ramos de rosas y las cajas de bombones con lazo a juego, mucho antes incluso de las comedias románticas para televisión… Antes de todo eso estaban las tarjetas amorosas. En rigor, la primera fue enviada desde la Torre de Londres allá por 1415: el Duque de Orleans, prisionero tras la batalla de Azincourt, le escribió a su esposa una misiva en la que afirmaba que, pese a no estar para muchos pensamientos felices, la seguía considerando como su Valentina particular. Lo cual nos indica lo temprano que empezamos los humanos a celebrar un Día Internacional del Amor Romántico, así como lo mucho que todos valoramos un mensaje tierno en momentos de dificultad. Hacia el siglo XVII, San Valentín era ya una parte tan integral del inconsciente colectivo que Ofelia lo menciona como si nada en Hamlet, pero fue en el XVIII cuando se popularizó la práctica de escribir y enviar poemas de amor a esa persona especial en tu vida. Dado que no todo el mundo tiene el tiempo ni el ingenio suficientes para componer un soneto anual, la cadena de grandes almacenes Hallmark tuvo una idea a principios de la década de 1910: comercializar el Día de los Enamorados. Así, las primeras tarjetas prefabricadas de la historia ofrecían grabados de parejas imposiblemente elegantes a punto de darse un achuchón, con un espacio en blanco para que el consumidor las personalizase como creyese conveniente. Una vez más, el capitalismo había triunfado sobre el amor, tanto que las décadas posteriores acabarían por convertir las tarjetas en un accesorio kitsch, nunca tan importante como el verdadero regalo que uno entraba a comprar en esas grandes superficies que, aún a día de hoy, siguen haciendo su agosto todos los febreros. Sin embargo, siempre quedarán viejos románticos que sepan valorar la magia trascendental de las postales de San Valentín, especialmente si llevan mensajes como "Eres muy chu-chu-chuli" y, además, van acompañadas por el dibujo de un tren.

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___por NOEL CEBALLOS 178

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ILUSTRACIÓN: ÍNTIMOS ESTUDIO. FOTOGRAFÍA: DIEGO LAFUENTE.

UN APASIONANTE REPASO A LA

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Sólo en Opticalia puedes encontrar en exclusiva la nueva colección de gafas graduadas de Mango. Muchos modelos a elegir para ella y para él.

Promoción válida del 01 de Enero al 31 de Marzo de 2019. Las gafas promocionadas llevarán siempre lentes monofocales orgánicas básicas, 1,50 blancas, sin ningún tratamiento. Graduaciones comprendidas en los rangos de Stock de los proveedores de la línea Vistasoft de Opticalia. Los rangos son Esfera: +/- 4,00 dioptrías. Cilindro: +/-2,00 dioptrías. La colección de monturas Mango será de los modelos seleccionados para esta promoción. Los productos sanitarios objeto de esta promoción son conformes a las regulaciones legales EC MDD 93/42 y RD 1591/2009.