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Direttore responsabile/ Editor in chief Carlo Ludovico Russo Direttore/Editor Franco Mirenzi Redazione/Editorial staff Paola Molteni Progetto grafico e consulenza artistica/ Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi Realizzazione grafica/Graphic designer Fabio Riccobono
OFARCH News Paola Molteni OFARCH Architettura/Architecture Francesca De Ponti, Elviro Di Meo, Cristina Molteni. OFARCH Architecture in USA Bradley Wheeler OFARCH Design Francesco Massoni
Contributi/Contributors Carlo Paganelli, Francesca Tagliabue Traduzioni/Translations Chiara Omboni, Fiona Johnston Ufficio traffico/Traffic department Daniela D’Avanzo, Barbara Tommasini. Ufficio abbonamenti/ Subscription office Francesca Casale
Editorial Office, Osaka Intermedia TS Bldg. 3-1-2 Tenma Kita-ku Osaka, Japan Tel. 00816/3571525 - Fax 3571529 Trimestrale/ Quarterly magazine Prezzo/Price Euro 7,00 Stampa/Printer Color Art Via Industriale 24/26 25050 Rodengo Saiano (BS) Tel. 030/6810155
News
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Edited by Paola Molteni
Editoriale
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Architetti italiani 1/Italian architects 1
Franco Mirenzi
Architettura
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Tradizione e innovazione/Tradition and innovation
Francesca Tagliabue
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Nuovo concetto di foresta urbana/ A new concept for an urban forest
Francesca Tagliabue
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Doppia vita/Second life
Francesca Tagliabue
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Rigenerazione urbana/Urban regeneration
Paola Molteni
Printed in Italy )33. s
70
Il futuro dell’industria/The future of the industry
Francesca Tagliabue
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Scrigno architettonico/A wealth of architecture
Francesca Tagliabue
80
Pelle iridescente/Iridescent skin
Francesca Tagliabue
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Forma vs funzione/Form vs function
Francesca De Ponti
88
Memoria storica/Historical memory
Paola Molteni
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La logica della funzionalità/The logical of functionality
Elviro Di Meo
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Variazioni di ritmo/Variations of architectonic register
Paola Molteni
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Renovated home
Francesca De Ponti
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Casa con belvedere/House with a landscape
Elviro Di Meo
110
L’immagine moltiplicata/The multiplied image
Francesca De Ponti
114
Identità gastronomiche/Food identity
Paola Molteni
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L’Egitto, l’eterno incanto/Egypt: an enchanted Eternity
Elviro Di Meo
120
Segni del paradigna urbano/Signs of an urban paradign
Elviro Di Meo
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Architettura mimetica/Mimetic architecture
Elviro Di Meo
126
L’architettura come riscatto/Redemptive architecture
Elviro Di Meo
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Nutrire il pianeta/Feeding the planet
Carlo Paganelli
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Hannover 2000
Carlo Paganelli
Design
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Luciano Galimberti. Design 2.0
Francesco Massoni
X
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From the Wild West to the Far East
Bradley Wheeler
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L’ufficio di domani/The office of tomorrow
Francesca De Ponti
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Connessioni Virtuali/Virtual connections
Francesca Tagliabue
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Progetto musicale/Music project
Francesca Tagliabue
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Design Diffusion World comprende le testate/ includes also the heads DDN Design Diffusion News, OFARCH International Magazine of Architecture, Cucina International, DDB Design Diffusion Bagno, DLUX, OFX Office Design, Hot & Cold, Contract Guide, Avant Garde Design Selection Köln, Italian Design Selection Milano, Eventi Extra Salone, Casa d, Decor Living, DHD Hospitality.
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Pierrefitte sur Seine-Saint Denis, France Nuovi Archivi Nazionali diFrancia (© Roland Halbe)
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SOMMARIO
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NEWS ARTE/ART
“... MA UN’ESTENSIONE” GASTINI, ICARO, MATTIACCI, SPAGNULO Nel 1945, Arturo Martini affidò al suo scritto “La scultura lingua morta” – una sorta di testamento in forma di manifesto – “la speranza di una rinascita” delle arti. Un accorato invito a spingersi oltre i limiti della materia, della rappresentazione, dello stile, a proiettare il linguaggio plastico verso spazi inesplorati. “Fa di me un arco dello spirito. Fa che io non sia più rupe, ma acqua e cielo… Fa che io non sia un oggetto, ma un’estensione”. Un invito raccolto dalle giovani generazioni di artisti cresciuti nel secondo dopoguerra. Tra questi, Marco Gastini, Paolo Icaro, Eliseo Mattiacci e Giuseppe Spagnulo, quattro esponenti di spicco della scena artistica contemporanea cui la Galleria Internazionale d’Arte Moderna di Ca’ Pesaro, a Venezia, dedica la mostra “… ma un’estensione”, curata da Bruno Corà e organizzata nell’ambito della rassegna Muve Contemporaneo, in concomitanza con la Biennale Arte. Nelle loro affinità e individualità poeticoespressive, i quattro artisti riuniti in mostra hanno saputo affrancarsi dai vincoli di cui parlava Martini, sintonizzandosi sulle frequenze di una libertà transdisciplinare, in cui i confini tra pittura e scultura si fanno più labili e in cui l’opera dialoga con lo spazio circostante e con il pubblico, approdando a una dimensione archetipica e universale. Oltre l’oggetto, appunto, tra “acqua e cielo”… (F.M.)
In senso orario/Clockwise: Giuseppe Spagnulo, Hires Ferro spezzato, 1974; Eliseo Mattiacci Tubo; Marco Gastini, La mano aperta della pittura, 2001 (foto Pino Dell’Aquila Torino); Paolo Icaro, Spazi di spazio.
“… BUT RATHER AN EXTENSION” BY GASTINI, ICARO, MATTIACCI, SPAGNULO
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In 1945, Arturo Martini entrusted his book “La scultura lingua morta” (“Sculpture: a dead language”) - a sort of manifesto-shaped testament and will – “his hope for a rebirth” of the arts. It represented a heartfelt encouragement to push the boundaries of matter, representation and style, and to move the sculptural language toward unexplored areas. “Make me an arch of the spirit. Make me no longer rock, but rather water and sky. Make me no longer matter, but rather extension”. This encouragement was taken by younger generations of artistes who have been working after the Second World War. Among whom, Marco Gastini, Paolo Icaro, Eliseo
Mattiacci and Giuseppe Spagnulo, four leading figures in the contemporary art scene, to whom the Galleria Internazionale d’Arte Moderna (International Modern Art Gallery) of Ca’ Pesaro, in Venice, dedicated the exhibition “… ma un’estensione” (“… but rather an extension”), curated by Bruno Corà and organized within the Muve Contemporaneo, in the framework of the Biennale Art. In their poetic-expressive analogies and differences, the four artistes managed to free themselves from those restrictions stated by Martini, attuning with the frequencies of a transdisciplinary freedom, where the boundaries between painting and sculpture are blurring, and where the artwork dialogues with the surrounding space and with the public, thus reaching a global, archetypical dimension. Precisely beyond the matter, between water and sky”… (F.M.)
Venezia, Ca’ Pesaro - Galleria Internazionale d’Arte Moderna, Santa Croce, 2076. Fino al 28 febbraio 2016/On until 28th February 2016.
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BIENNALE FOTO/ INDUSTRIA 2015 Miniere, acciaierie, cantieri navali, raffinerie, officine, ferrovie, grandi magazzini, uffici. E ancora: tecniche, macchinari, utensili, prodotti e riciclo. Ma anche (e prima di tutto) loro, i protagonisti e artefici: uomini e donne impegnati nelle loro attività quotidiane o colti in una pausa di relax… Il mondo del lavoro in tutte le sue forme, declinazioni e sfumature, viene ritratto e celebrato in occasione della Biennale Foto/Industria, importante rassegna dedicata alla fotografia industriale, al lavoro e all’impresa, giunta quest’anno alla seconda edizione e articolata in 14 esposizioni in corso di svolgimento a Bologna in 11 luoghi simbolo, tra palazzi, cappelle e musei del centro storico della città, e presso la sede del MAST – Manifattura di Arti, Sperimentazione e Tecnologia che questa biennale l’ha voluta, organizzata e promossa in collaborazione con il Comune di Bologna. “Le attività chiamate in causa sono le più svariate – spiega il curatore François Hébel –, prova, questa, che per i fotografi non esistono soggetti poco attrattivi, e che
many different ways”. Among worldwide famous photographers, industry photographers and beginners, you can find David LaChapelle, who reinterpreted refineries and filling stations in miniature with by-products derived from oil; the Chinese Hong Hao who, scanning various objects and making with them a collage, analyzed the human condition in the modern consumer society. For his part, Canadian Edward Burtinsky analyzed the impact of industrial development on environment, while Italian Gianni Berengo Gardin observed with a subtle, and humanist eye, the relationship among man, work molteplici sono i modi di affrontarli”. Fra star della fotografia mondiale, reporter, ritrattisti, fotografi d’industria ed esordienti, troviamo lo statunitense David LaChapelle che rivisita raffinerie e stazioni di rifornimento realizzate in miniatura con sottoprodotti derivati del petrolio, il cinese Hong Hao che, scansionando oggetti e riunendoli in collage, indaga la condizione umana nella moderna società dei consumi. Dal canto suo, il canadese Edward Burtinsky analizza l’impatto dello sviluppo industriale sull’ambiente, mentre l’italiano Gianni Berengo Gardin osserva con sottile sguardo umanista il rapporto tra uomo, lavoro e macchina, e Kathy Ryan, una non fotografa, coglie con il suo iPhone la poesia della nuova sede del New York Times, progettata da Renzo Piano. (F.M.)
Mines, steel plants, boatyards, refineries, railways, shopping centers, offices. And above all, they, the protagonists, the manufacturers: men and women, occupied in their everyday activities, but caught during a break… The world of the work - in all its forms, shapes, nuances – has been portrayed and celebrated during the Biennale Photo/Industry, an important exhibition dedicated to the industrial photography, work and enterprise, and which returned in its second season, organized in 14 ongoing exhibitions, in Bologna, in 11 symbolic venues, among which palaces, chapels and museums in the historical center of the town, and at the MAST’s headquarter - (“Manifattura di Arti, Sperimentazione e Tecnologia” “Arts manufacturing, Experimentation and Technology), that strongly wanted, organized and promoted this Biennale supported by the municipal district of Bologna. “A large number of activities has been here developed – states the curator François Hébel – actually, photographers were involved in an endless number of subjects, to be developed in
and machine, while the amateur Kathy Ryan, captured with her iPhone the new headquarter of the New York Times, designed by Renzo Piano. (F.M.) Bologna, esposizioni nel Centro Storico, fino al 1° novembre 2015, e alla MAST Gallery, via Speranza 42, fino al 10 gennaio 2016/unitl January 10th 2016.
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Dall’alto al basso/From top to bottom, O. Winston Link La locomotiva Hot Shot in direzione est, laeger, West Virginia, 1956 (© The Estate of O. Winston Link, courtesy Robert Mann Gallery); Hong Hao Libri -
Contabilità 07 B, 2008, oggetti scansionati (© Hong Hao courtesy Pace Beijing); David LaChapelle Land Scape, Castle Rock, 2013 (© David LaChapelle, Courtesy Galerie Daniel Templon Paris/ Brussels).
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NEWS ARTE/ART
MONET. DALLE COLLEZIONI DEL MUSÉE D’ORSAY Da non confondere con l’opera omonima e antecedente di Édouard Manet che suscitò la disapprovazione dei benpensanti, “Le déjeuner sur l’herbe” di Claude Monet rappresenta, nell’evoluzione pittorica del maestro francese, il punto di svolta in direzione dell’Impressionismo. Il monumentale dipinto, la cui placida ed elegante composizione “en plein air” è caratterizzata da forti contrasti di luce e da vividi accenti di colore, avrebbe dovuto essere presentato al Salon del 1866, ma l’autore, forse troppo consapevole della novità del progetto, lo lasciò parzialmente incompiuto per le difficoltà incontrate nel corso delle sua realizzazione. Come se non bastasse, la tela fu poi data in pegno da Monet al proprietario della casa in cui alloggiava. Rientratone in possesso ventidue anni dopo e accortosi del pessimo stato di conservazione del dipinto, l’artista lo tagliò, salvandone tre frammenti. Due di essi sono entrati a fare parte della collezione del Musée d’Orsay di Parigi, il terzo è misteriosamente scomparso. Oggi, il frammento centrale di questo capolavoro protoimpressionista è visibile all’interno della mostra “Monet. Dalle collezioni del Musée d’Orsay”, curata da Guy Cogeval, Xavier Rey e Virginia Bertone, organizzata e promossa dalla Città di Torino in collaborazione con il Musée d’Orsay, la GAM - Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino e Skira editore. L’esposizione presenta oltre quaranta lavori di questo indiscusso maestro della pittura moderna, tra i quali spiccano il ritratto di “Madame Louis Joachim Gaudibert”, l’emblematico “Essai de figure en plein air: Femme à l’ombrelle tournée vers la droite”, il vivace “La rue Montergueil, à Paris. Fête du 30 juin 1878”, fino alle due memorabili versioni della Cattedrale di Rouen: “Le portail, temps gris” e “Le portail et la tour Saint-Romain, plein soleil”. (F.M.)
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Dall’alto al basso/From top to bottom, Monet, Méditation. Madame Monet au canapé (vers 1871) olio su tela, Paris, Musée d’Orsay (© RMN-Grand Palais (musée d’Orsay)/Gérard Blot); Monet, Le déjeuner sur l’herbe (entre 1865 et 1866) olio su tela, Paris, Musée d’Orsay (© RMN-Grand Palais (musée d’Orsay) / Benoît Touchard); Monet, La cathédrale de Rouen. Le portail et la tour Saint-Romain, plein soleil (en 1893) olio su tela, Paris, Musée d’Orsay (© RMN-Grand Palais (musée d’Orsay) /Patrice Schmidt).
MONET. FROM THE COLLECTIONS OF MUSÉE D’ORSAY It must not be confused with previous and namesake artworks by Édouard Manet, largely criticized by conformists. “Le déjeuner sur l’herbe” by Claude Monet represents, within the artistic evolution of the French master, his turning point toward Impressionism. The majestic paintwork, whose calm and elegant “en plein air” composition is characterized by strong light contrasts and bright colors, should have been displayed at Salon in 1866, but its author, maybe conscious of how innovative this project was, left it partially unfinished because of the problems he met during its creation. In addition to this, the painting was pledged by Monet to the house owner of the flat in which he lived. After twenty-two years he managed to ransom it, noticed its terrible conservation status, therefore decided to cut it, saving just three scraps. Two of these have been added to the collection of Musée d’Orsay in Paris, while the third has mysteriously disappeared. Nowadays the central scrap of this earlyimpressionist masterpiece is displayed at the exhibition “Monet. From the collections of the Musée d’Orsay”, curated by Guy Cogeval, Xavier Rey and Virginia Bertone, organized and promoted by the municipality of Turin and by Skira Editore Publishing House. The exhibition includes over forty artworks created by this undisputed master of modern art, among which stand out the portrait “Madame Louis Joachim Gaudibert”, the symbolic “Essai de figure en plein air: Femme à l’ombrelle tournée vers la droite”, the vivid “La rue Montergueil, à Paris. Fête du 30 juin 1878”, up to the two unforgettable versions of the Rouen Cathedral: “Le portail, temps gris” and “Le portail et la tour Saint-Romain, plein soleil”. (F.M.) Torino, GAM, via Magenta 31. Fino al 31 gennaio 2016/On until 31st January 2016.
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NEWS MOSTRE/EXHIBITION
ANTHONY MCCALL. SOLID LIGHT WORKS Toccare la luce, attraversarla facendosi attraversare, osservare la sua interazione con la materia. Semplicemente guardarla come un film al cinema. In occasione dell’apertura al pubblico del centro culturale LAC Lugano Arte Cultura, fino al 31 gennaio 2016, il Museo d’arte della Svizzera italiana, Lugano ospita una mostra personale dedicata ad Anthony McCall, appositamente concepita dall’artista per gli spazi del nuovo Museo. Nato in Gran Bretagna nel 1946, McCall si trasferisce a New York nel 1973. Fin dai primi anni Settanta si è dedicato alla realizzazione di sculture di luce (Solid Light Sculptures): fasci luminosi piani, curvi o conici che delineano volumi attraversando lo spazio espositivo completamente oscurato. I Solid Light Works di Anthony McCall sono installazioni luminose per cui la conditio sine qua non della loro esistenza è che siano ambientate in spazi bui, dove l’osservatore è immerso nell’oscurità come al cinema, con la differenza che è libero di muoversi e di partecipare attivamente all’opera. La mostra – concepita espressamente dall’artista per lo spazio del piano -2 del Museo d’arte della Svizzera italiana – è articolata in quattro Solid Light Works, proiezioni orizzontali digitali realizzate tra il 2003 e il 2013: Doubling Back (2003), Meeting You Halfway (2009), Line Describing a Cone 2.0. (1973/2010) e la doppia proiezione Face to Face (2013); opere che ben evidenziano l’attitudine multidisciplinare di Anthony McCall: disegno, film, scultura e performance si sovrappongono in contaminazioni reciproche. In mostra a Lugano la versione digitale della sua opera analogica più nota, Line Describing a Cone, del 1973, in cui un raggio di luce bianco definisce gradualmente un cerchio: proiettata in una sala buia pervasa dal fumo, la linea descrive la forma volumetrica di un cono così da creare un volume solido. A cura di Bettina Della Casa. Progetto realizzato con la collaborazione di Anthony McCall. (P.M.)
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Touching the light, going through it, and making yourself be crossed by it, observing its interaction with matter. Or even watching it as in a movie. On the occasion of the opening to general public of LAC – Lugano Arte Cultura (LAC – Lugano Art and Culture), up to January 31st 2016, the Museo d’arte della Svizzera italiana (Art Museum of Italian Switzerland), in Luguano, houses a solo exhibition dedicated to Anthony McCall, expressly conceived by the artist himself for the exhibition areas of the brand-new museum. Born in the United Kingdom in 1946, McCall in 1973 moved to New York. Since the early Seventies, he has been creating sculptures made of light (Solid Light Sculptures): flat, curved or conic light beams, which define the volumes, going through a completely dark exhibition projected inside a smoke-filled dark room, the line describes the volumetric shape of a cone, thus creating a solid volume. Curatorship by Bettina Della Casa. A project realized in collaboration with Anthony McCall. (P.M.) Anthony McCall. Solid Light Works, Museo d’arte della Svizzera italiana, Lugano, LAC Lugano Arte e Cultura, fino al 31 gennaio 2016/Until 31st Januray 2016.
area. The Solid Light Works created by Anthony McCall are installations of light which must be necessarily displayed in dark spaces, where the observer is surrounded by the darkness as at cinema, with the only difference that, here, he/she is free to move and take actively part in the installation artwork. The exhibit, expressly conceived by the artist for the exhibition area in the basement of the Art Museum of Italian Switzerland, is split into four Solid Light Works - digital, horizontal projections, fulfilled between 2003 and 2013: Doubling Back (2003), Meeting You Halfway (2009), Line Describing a Cone 2.0. (1973/2010), and the double projection Face to Face (2013). These artworks perfectly highlight the multifaceted character of Anthony McCall: drawing, movies, sculptures and performances combine together and contaminate each other. In the Lugano’s venue, it will be displayed the digital version of his most popular analogical artwork, Line Describing a Cone, 1973, where a white light beam gradually draws a circle:
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NEWS MOSTRE/EXHIBITION
VISIONI URBANE TAUNS 2015 è la recente mostra di Franco Purini, promossa dal Dipartimento di Architettura dell’Università degli Studi di Napoli Federico II. L’esposizione allestita negli spazi di Palazzo Gravina, e curata da Federica Visconti e Renato Capozzi, è stata inserita nella più ampia cornice della ventinovesima edizione di FuturoRemoto, che, per la prima volta, la Fondazione Città della Scienza ha realizzato insieme all’Ateno Federiciano. Noto per le sue opere di architettura – ultima, in ordine di tempo la Torre Eurosky a Roma - per la sua attività accademica - è professore emerito dell’Università “La Sapienza” di Roma - Purini ha sempre affiancato alle sue molteplici attività una riflessione costante sul tema della città, legandolo, in particolare, alla questione della sua esplosione metropolitana nella dimensione contemporanea. La mostra si compone di 11 disegni a china: perfetti rettangoli aurei redatti appositamente su invito del DiARC, che indagano sull’unità di alcuni principi archetipici dell’insediamento urbano. Questi originari paradigmi di primo impianto - non è un caso, forse, che il numero delle tavole sia undici: cioè quarto numero primo che accoglie enigmaticamente due volte l’unità, l’identico, l’origine si situano tra le due polarità di parte e frammento, definendo, con le parole dello stesso Purini, “interventi non solo unitari ma capaci di fare di questa unità l’elemento primario della loro identità architettonica. Essi sono riconoscibili per alcuni caratteri quali la congruenza dei loro componenti, una dimensione adeguata e una organizzazione strutturale molteplice che vede convivere più livelli funzionali e formali”. (E.D.M.)
URBAN VISIONS TAUNS 2015 is the new exhibition developed by Franco Purini, promoted by the Architecture Department of 14 the Federico II University of Naples. The exhibition, set up in the halls of Palazzo Gravina, curated by Federica Visconti and Renato Capozzi, is part of the wider setting of the 29th edition of FuturoRemoto (“Remote future”), set up for the first time by Fondazione Città della Scienza (Science City Foundation), in cooperation with the University of Naples. Well-known for his architectural
works – the last, in chronological order, is the Eurosky Tower in Rome – for his academic activities – he is professor emeritus at the Sapienza University of Rome – Purini has always juxtaposed to his multifarious activities a continuous reflection on the city, by linking it to the issue of the metropolitan burst in contemporary societies. The exhibition consists of 11 Indian ink drawings: these are perfect, golden rectangles expressly commissioned by DiARC, in some archetypical principles of the
urban settlement are analyzed. These firstly-installed, original paradigms – not by chance he drew 11 planks, i.e. the first prime number which enigmatically, twice embraces the unity, the identical thing, the origin – are placed between the two poles of part and scrap, defining, according to Purini, elements which are “not simply unitary, but also able to make this unity the key-element of their architectural identity. They have some typical features such as consistent components, a balanced dimension, and
a multi-shaped structure organization, where different functional and formal levels live together”. (E.D.M.) F. Visconti, R. Capozzi (a cura di/curated by), Franco Purini_TAUNS 2015, con saggi di/with essays by M. Losasso, P. Belfiore, F. Menegatti, P.F. Caliari, Clean, Napoli 2015.
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In queste pagine, alcuni degli 11 disegni a china preparati per la mostra TAUNS 2015.
On these pages, some of the India ink drawings created for the TAUNS 2015 exhibition.
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NEWS MOSTRE/EXHIBITION
DECONSTRUCTION. IL RECUPERO DEI MATERIALI DA COSTRUZIONE Che ruolo ha l’architettura nell’utilizzo dei materiali che provengono da cantieri edili e demolizioni? Qual è la legislatura attorno al tema del riuso? Il collettivo Rotor, fondato nel 2005, si occupa di realizzare progetti di architettura e di arredo di interni, in contemporanea sta conducendo un’analisi critica circa il design, le risorse materiali e il concetto di rifiuti, attraverso ricerche, mostre, pubblicazioni e convegni. A Liegi, in occasione della Triennale del design ‘Reciprocity 2015’, si è tenuta, fino all’1 novembre, la mostra Deconstruction che ha approfondito questioni rilevanti: il rapporto tra il costo della manodopera e quello dei materiali in Europa; o i legami complessi tra l’architetto e l’industria dei materiali; o, per finire, tematiche più poetiche come i gusti e la scelta dei colori. E quale miglior cornice per la mostra se non il teatro della scuola modernista Athénée Léonie de Waha, patrimonio eccezionale della Vallonia nel 1999, costruita nel 1936-1938 dall’architetto Jean Moutschen? In scena, illuminati teatralmente, materiali edili, resti di cantieri, oggetti in buono stato che spesso sono comunque destinati alla discarica. Il progetto intende proporre una nuova visione su un settore ancora poco conosciuto, presentando alcune tecniche alternative ricche di contenuti/ insegnamenti e cariche di un enorme potenziale che metterà in discussione e proporrà una riconfigurazione delle ‘grandi autostrade’ (o dei ‘binari morti’) in relazione all’economia dei materiali. Commissari & scenografia: Rotor (BE) Lola Bazin, Lionel Billiet, Lionel Devlieger, Maarten Gielen and Benjamin Lasserre. www.reciprocityliege.be (P.M.)
DECONSTRUCTION. RECOVERING BUILDING MATERIALS What is the role of architecture in the use of materials from building sites and demolitions? What is the legislation on reuse? The 2005 established Rotor organization, realizes architecture and interior design projects and, at the same 16 time, is developing an in-depth analysis on design, material resources and the idea of waste, through researches, exhibitions, publications and conferences. In Liege, on the occasion of Triennale of Design ‘Reciprocity 2015”, until November the 1st has been displayed the exhibition “Deconstruction”, where important issues have been analyzed: the relationship between the cost of labor
Commissioners and scenic design: Rotor (BE) - Lola Bazin, Lionel Billiet, Lionel Devlieger, Maarten Gielen and Benjamin Lasserre. www.reciprocityliege.be (P.M.)
Foto di allestimento della mostra nel teatro della scuola modernista Athénée Léonie de Waha. Set-up photos of the exhibition inside the theater of the modernist school Athénée Léonie de Waha.
and materials in Europe; or the complex bonds between the architect and the industry of materials; or, finally, more romantic subjects such as the personal tastes or the choice of the colors. What could have been the best framework for this exhibit? Of course, the theater of the Athénée Léonie de Waha modernist school, exceptional heritage of Wallonia in 1999, built between 1936-1938 by architect Jean Moutschen. On stage, theatrically-lighted building materials, waste materials from building sites often destined to be thrown away. The project aims at offering a new vision on a little-known field, displaying some alternative, rich in contents and educational techniques, which will open a debate, and will offer a reshape of the “big highways” (or of “dead rails”), in connection with the saving of materials.
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17 In alto, ritratto del collettivo Rotor fondato nel 2005. Il collettivo sta conducendo un’analisi critica circa il design, le risorse materiali e il concetto di rifiuti, attraverso ricerche, mostre, pubblicazioni e convegni. In alto a sinistra, altre foto della mostra. Nelle altre immagini, cantieri e materiali accumulati per il riuso.
Above, a portrait of the Rotor collective, established in 2005, during a critical analysis on design, material resources, and on the idea of waste, through researches, exhibits, publications and conferences. In the other photos, building sites and assembled materials for recycling.
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NEWS LIBRI/BOOKS
MILANO PORTA NUOVA. L’ITALIA SI ALZA Un volume che parla di trasformazione urbana nel centro di Milano, Porta Nuova, che rappresenta per la città un’occasione di contemporaneità e sperimentazione e offre un nuovo volto ai paesaggi urbani meneghini. Milano Porta Nuova descrive il processo di definizione dell’area in tutte le sue fasi e raccoglie le voci dei diversi protagonisti che hanno operato per la realizzazione del progetto, dai promotori, ai developers, dalla pubblica amministrazione, a tutti i progettisti che hanno lavorato sull’area: da Cesar Pelli a Stefano Boeri allo studio Kpf, solo per citare gli autori dei tre masterplan Garibaldi, Isola e Varesine. Attraverso una serie di macro sezioni (Porta Nuova come laboratorio urbano; Un racconto per Porta Nuova: un saggio per immagini di Gabriele Basilico; Gestire la complessità della trasformazione; Il cantiere di Porta Nuova; Vivere l’Italian Style; The Masterplans; Gli spazi pubblici di Porta Nuova; Porta Nuova Garibaldi; Porta Nuova Varesine; Porta Nuova Isola; Lavorare sul confine di Porta Nuova; One Day in Porta Nuova; People in Porta Nuova), il volume illustra, con dovizie di particolari e dettagli tecnici, un fondamentale passo di trasformazione e cambiamento per la città di Milano, che si appresta a diventare sempre più un punto di riferimento tra i modelli di sviluppo urbano europei e internazionali. (P.M.)
This book describes the urban transformation and change of the center of Milan, the Porta Nuova district, an represents an occasion for experi18 menting with innovative ideas, while reshaping the urban landscapes of Milan. Milan Porta Nuova illustrates the process of definition of the area in all its stages, and collects the voices of the different subjects involved in the project – promoters, developers, public managers, and designers who worked on the site: from Cesar Pelli to Stefano Boeri, to Kpf studio, just to mention the
authors of the three Garibaldi, Isola and Varesine masterplans. Through a series of “macro-sections” (Porta Nuova as an urban workshop; A tale for Porta Nuova: an essay told in pictures by Gabriele Basilico; Dealing with the roughness of transformation; The Porta Nuova building site; Living the Italian style; The Masterplans; The public spaces in Porta Nuova; Porta Nuova Isola district; Working on the boarder with Porta Nuova; One Day in Porta Nuova; People in Porta Nuova), the book describes in a very detailed and technical manner, the fundamental transformational path of the city of Milan, which is increasingly becoming a reference point among European and International development models. (P.M.) Milano Porta Nuova. L’Italia si alza, Luca Molinari e Kelly Russell Catella, Skira
IL MANUALE DEL DESIGN GRAFICO Un manuale sul design della comunicazione che può essere anche definito design grafico. Ma qual è il compito del designer grafico? “Il designer grafico deve assumere un ruolo ‘alto’, risultando al tempo stesso progettista, esperto di comunicazione, regista del messaggio visivo e, ove se ne presenti l’occasione, coordinatore di elaborati multimediali.” 328 pagine ricche di illustrazioni, con i migliori esempi che nel corso del Novecento ci sono giunti dalle più importanti scuole europee dove si sono teorizzate le metodologie applicate alla progettazione oltre che a esempi del design italiano. Hanno ancora un senso concetti come bidimensionalità o staticità formale nel mondo attuale, tendenzialmente fluido e sempre più proiettato verso la simulazione virtuale? Domande a cui il manuale risponde ripensando tutto l’iter disciplinare dalle sue fondamenta, al fine di ricostruire percorsi e metodologie, nel tentativo di individuare nuovi strumenti di applicazione e sviluppo per il design grafico. (P.M.)
designer, calligrafi, art director, studenti e appassionati di caratteri e a tutti coloro che si interessano di lettering. Testi e illustrazioni: James Clough. Cover design e prefazione: Luca Barcellona. Book design: Bunker. (P.M.)
An handbook on communication design which may be defined graphic design. What however is the role of the graphic designer? “Graphic designer should have a ‘high’ role, being at the same time designer, a communication expert, coordinator of visual messages and, when needed, manager of multimedia compositions”. 328 pages rich in illustrations, with the best examples offered during the Twentieth Century by top European school, which theorized the methods applied to design, together with some practices of Italian design. Are still current in today’s world - which is basically fluid and oriented to virtual simulation - ideas such as two-dimensionality or the static nature of matter? This handbook has the purpose to give an answer to these questions by exploring a disciplinary path, starting from its basis, in order to rebuild itineraries and methods, with the attempt to find new application and development tools for graphic design. (P.M.) Il Manuale del design grafico, Daniele Baroni, Longanesi
L’ITALIA INSEGNA. VIAGGIO FRA SCRITTE, TARGHE E ISCRIZIONI DELLO STIVALE “Spostare l’attenzione dove molti non guardano”. Questo l’abitudine di Luca Barcellona, allievo dell’autore James Clough, che nella prefazione scrive quanto le lettere, le scritte, le insegne siano parte integrante della nostra storia, della nostra cultura e memoria visiva. ‘L’Italia Insegna. Viaggio fra scritte, targhe e iscrizioni dello Stivale’ edito da Lazy Dog Press è un saggio critico storico-estetico che raccoglie oltre 300 fotografie, scattate in più di 100 località, lungo la Penisola, dall’Ottocento a oggi. A chi è rivolto? A chiunque sia curioso di chiunque, soprattutto giovani,
“Shifting the attention of people toward new directions”. This is what Luca Barcellona used to do, a disciple of the author James Clough who, in the preface, wrote how letters, writings and signs are an essential part of our history, culture and visual memory. “L’Italia In-segna. Viaggio fra scritte, targhe e iscrizioni dello Stivale’ “Signs from Italy. A journey among writings, signs and inscriptions of Italy”, published by Lazy Dog Press, is a historical-critical essay collecting over 300 pictures, taken in over 100 localities of Italy, from Nineteenth Century to our days. To whom it is addressed? To any curious person, to especially young people, designers, calligraphists, art directors, students and lovers of characters, and, in general, of lettering. Texts and illustrations by James Clough. Cover design and preface by Luca Barcellona. Book design: Bunker. (P.M.) L’Italia Insegna. Viaggio fra scritte, targhe e iscrizioni dello Stivale, James Clough, Lazy Dog Press
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