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Direttore responsabile/ Editor in chief Carlo Ludovico Russo Direttore/Editor Franco Mirenzi Redazione/Editorial staff Paola Molteni Progetto grafico e consulenza artistica/ Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi Realizzazione grafica/Graphic designer Fabio Riccobono

OFARCH News Paola Molteni OFARCH Architettura/Architecture Francesca De Ponti, Elviro Di Meo, Maurizio Giordano, Cristina Molteni, Paola Molteni, Francesca Tagliabue. OFARCH Architecture in USA Bradley Wheeler OFARCH Design Francesco Massoni OFARCH Zoom Paolo Rinaldi

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Contributi/Contributors Andrea Ciotti, Giulia Gianfranchi, Annamaria Maffina, Carlo Paganelli, Monica Pietrasanta, Paolo Rinaldi, Francesca Tagliabue. Traduzioni/Translations Fiona Johnston, Studio ITS. Ufficio traffico/Traffic department Daniela D’Avanzo, Barbara Tommasini. Ufficio abbonamenti/ Subscription office Francesca Casale

Bimestrale/Bimonthly magazine Prezzo/Price Euro 7,00 Stampa/Printer Color Art Via Industriale 24/26 25050 Rodengo Saiano (BS) Tel. 030/6810155 Fotolito BitGraph Via Vittorio Veneto 8 20060 Cassina dè Pecchi (MI) Tel. 02/92278515 Poste Italiane s.p.a. - Spedizione in Abbonamento Postale - D.L. 353/2003 (conv.in L 27/02/2004 n. 46) art. 1, comma 1, LO/MI Reg. Tribunale Milano n./Milan Court Reg.No. 712 del 7 Aprile 1990

News

Il futuro dell’architettura/The future of architecture

Monica Pietrasanta

Editoriale

Design, progetto, industria/ Design, project, industry

Franco Mirenzi

Architettura

Traduzione di un contesto/ The translation of a context

Cristina Molteni

Louvre-lens. Time Gallery

Paolo Rinaldi

Uomo, lavoro, ambiente/ Man, work and the environment

Elviro Di Meo

Archetipi rurali/Rural archetypes

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Niemeyer a colori/Niemeyer in color

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Nitida linearità orizzontale/Clean horizontal lines

Matteo Comello

Innesti contemporanei silenti/ Silent and contemporary

Elviro Di Meo

Impara l’arte/Learn a skill

Francesca Tagliabue

Riscoprire la vecchia salina/ Rediscovering the old salina

Cristina Molteni

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Social Housing alla francese/ Social Housing – French Style

Francesca De Ponti

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Vedo - non vedo/Now you see it, now you don’t

Francesca Tagliabue

Expo

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California Pacific International Exposition San Diego 1935-1936

Carlo Paganelli

Design

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Vivere tra i ghiacci/Living among the glaciers

Francesca De Ponti

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Umani, troppo umani/Human, excessively human

Francesca De Ponti

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Tecnologia sartoriale/Tailor-made technology

Maurizio Giordano

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Formafantasma

Paolo Rinaldi

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Paesaggi di comunicazione/ Communication landscapes

Paolo Rinaldi

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Largo alle idee/Make room for ideas

Francesca De Ponti

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Spazi dinamici e trasparenti/ Dynamic transparent spaces

Monica Pietrasanta

Distribuzione all’estero Sole agent for distribution abroad A.I.E. - Agenzia Italiana di Esportazione spa Via Manzoni, 12 - 20089 Rozzano (Mi) Tel. 02/5753911 Fax 02/57512606 e-mail : info@aie-mag.com www.aie-mag.com Associato all’Uniuone Italiana Stampa Tecnica Distribuzione per l’Italia/Distribution for Italy Messaggerie Periodici S.p.A. Via Ettore Bugatti, 15 - 20142 Milano Tel. 02/895921, Fax 02/89504932 Distribuzione in libreria Bookshop distribution Joo Distribuzione

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Edited by Paola Molteni

Eventi

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Giulia Gianfranchi Venezia, C+S Architects (ph: Pietro Savorelli)

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SOMMARIO

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NEWSARTE/ART

RUDOLF STEINER. L’ALCHIMIA DEL QUOTIDIANO Filosofo, riformatore e pedagogo austriaco, oltre che maestro di vita, Rudolf Steiner (1861-1925), ispirandosi all’insegnamento di Wolfgang Goethe sull’armonia tra uomo, spirito e natura, ha fondato nel 1913 la Società antroposofica, sviluppando una nuova ‘arte dell’educazione’ e forgiando una visione del mondo, sostenibile ante litteram, che ha saputo esercitare una profonda e duratura influenza negli ambiti più disparati: dalla medicina omeopatica all’agricoltura biodinamica, dall’istruzione fino all’architettura organica e al design ergonomico. A lui è dedicata la mostra retrospettiva ‘Rudolf Steiner. L’alchimia del quotidiano’ ideata dal Vitra Design Museum di Weil am Rhein, curata da Mateo Kris e allestita al Mart di Rovereto. Il percorso dell’esposizione, esemplarmente articolato in tre sezioni, si apre illustrando il ‘Contesto’ in cui Steiner ha maturato la sua originale visione, documentando i movimenti e i temi che alimentavano il dibattito politico, scientifico e culturale a Vienna e in Europa tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo. Nella seconda sezione, denominata ‘Metamorfosi’, sono evidenziate le modalità con le quali il fondatore dell’antroposofia ha saputo promuovere una nuova, pervasiva estetica del quotidiano, declinandola in una molteplicità di discipline, linguaggi, scale e forme che spaziano dall’architettura al design, dal teatro alla musica e oltre. Significativo, sotto questo profilo, è il fulgido esempio del Goetheanum, tempio della dottrina antroposofica da lui stesso progettato ed eretto a Dornach (Svizzera) in omaggio al suo maestro e ispiratore, che rappresenta un’autentica pietra miliare in tema di architettura organica e che viene presentato qui in un fedele modello in scala. L’eredità di Rudolf Steiner nel nostro tempo è al centro della sezione conclusiva ‘Pratica’, in cui sono esposti disegni, dipinti, mobili, oggetti e gioielli antroposofici, ma anche sedie-icona di Henri van de Velde e Frank Lloyd Wright che ne testimoniano l’influenza. Il percorso culmina, infine, nelle ‘Farbkammer’, camere cromoterapeutiche ideate da Steiner nel 1913 e ricostruite per l’occasione. (F.M.)

RUDOLF STEINER. THE ALCHEMY OF EVERYDAY Rudolf Steiner (1861-1925), the Austrian philosopher, reformer and pedagogue was a Maestro of life. He was inspired by the teachings of Wolfgang Goethe in terms of the harmony between Man, spirit and nature; he founded the Anthroposophic Society in 1913, developing a new ‘art of education’ and creating a vision of the world, sustainable ante litteram, that exerted a deep and long-lasting influence on a wide range of sectors: from homeopathic medicine to biodynamic agriculture, from education to organic architecture and ergonomic design. The Vitra Design Museum in Weil am Rhein has dedicated an exhibition to him called ‘‘Rudolf Steiner. The alchemy of everyday’ organised by Mateo Kris in MART of Rovereto. The exhibition pathway, split into three sections, opens with ‘Context’ that illustrates where Steiner developed his original vision, documenting the movements and the issues that fired the political, scientific and cultural debate in Vienna and across Europe between the late 19th and early 20th centuries. The second section is called ‘Metamorphosis’ and highlights how the founder of anthroposophy was able to promote

a new pervasive esthetic of everyday events, declining it in several disciplines, languages, scales and shapes that range from architecture to design, from theater to music and beyond. One outstanding example is Goetheanum, a temple to the anthroposophic doctrine that he designed and built in Dornach (Switzerland) as a tribute to his Maestro and to inspiration, a true foundation stone of organic architecture and an exact scale model has been presented here. The legacy of Rudolf Steiner viewed today is the core topic of the final section ‘Practise’ with anthroposophic drawings, paintings, furniture, items and jewelry; also the iconic chairs by Henri van de Velde and Frank Lloyd Wright that bear witness to the inspiration. The

pathway terminates in the ‘Farbkammer’, color therapy rooms designed by Steiner in 1913 and reconstructed for this occasion. (F.M.) Rovereto (TN), Mart, Corso Bettini 43, fino al 2 giugno/Until June 2nd.

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LOUISE NEVELSON

Artista americana nata in Ucraina nel 1899, quando ancora regnava lo zar, e morta a New York nel 1988, Louise Berliawsky Nevelson ha dovuto attendere gli ultimi anni della sua vita per ricevere una definitiva consacrazione internazionale, allorché, nel 1986, i suoi plastici assemblaggi, sorta di collage post-dadaisti in tre dimensioni, vengono esposti al Centre Pompidou di Parigi all’interno della collettiva ‘Qu’est-ce que la Sculpture Moderne?’. Eppure, l’originale ricerca da lei condotta nell’arte del XX secolo merita lo stesso rispetto accordato a un’altra figura di spicco della scultura al femminile d’oltreoceano, quella di Louise Bourgeois. Erede di una tradizione inauguratasi con le avanguardie storiche, il cui capofila è Marcel Duchamp, consistente nell’appropriazione di materiali di scarto o di oggetti attinti dalla quotidianità e nella loro traslazione semantica, con effetti deflagranti, all’interno dell’opera d’arte, Louise Nevelson ha composto suggestive architetture monocrome, fatte di cose e frammenti poeticamente affastellati, in cui il legno, l’alluminio e il plexiglas concorrono in varia misura a scandire le tappe di un percorso di sperimentazione che, da un lato, sembra preludere all’esperienza pop, dall’altro, si pone in una dimensione di trasfigurazione in chiave spirituale dell’esistente di fatto antitetica e, in un certo qual modo,

pop experience, and on the other, it is positioned in a dimension of spiritual transfiguration of what exists already and is connected to successive articles of rustic arte povera. Following the exhibitions dedicated to other leading artists of the contemporary scene – for example Niki de Saint Phalle and Georgia O’Keeffe - the Museo Fondazione Roma now pays a fitting tribute to Louise Nevelson with a broad-based retrospective exhibition, organized by Bruno Corà and presenting more than 70 works of art. The catalogue has been published by Skira and contains articles by Corà, Thierry Dufrêne, Thomas Deecke, Aldo Iori, and Giorgio Marconi, President of the Marconi Foundation who made a decisive contribution to promoting the talent and the works of Nevelson in Italy. (F.M.)

affine alle successive costruzioni dell’arte povera. Dopo le esposizioni dedicate ad altre artiste di primo piano della scena contemporanea, quali Niki de Saint Phalle e Georgia O’Keeffe, il Museo Fondazione Roma rende oggi un doveroso omaggio a Louise Nevelson con una ampia retrospettiva - oltre 70 opere - curata da Bruno Corà. Il catalogo, edito da Skira, reca i contributi critici dello stesso Corà, ma anche di Thierry Dufrêne, Thomas Deecke, Aldo Iori, e una conversazione con Giorgio Marconi, presidente della Fondazione Marconi che ha contribuito a fare conoscere anche in Italia il talento e le opere della Nevelson. (F.M.)

This American artist was born in Ukraine in 1899 when the country was still ruled by the Tsar. She died in New York in 1988. It was only in the later years of her life that Louise Berliawsky Nevelson enjoyed international acclaim. Her plastic creations, an offshoot of three-dimensional post-dadaist collages, will be displayed at the Pompidou Center in Paris, as part of the collective ‘Qu’est-ce que la Sculpture Moderne?’. Yet the ground-breaking art research she was committed to during the 20th century deserves the same respect as that given to another American sculptress

Louise Bourgeois. Nevelson inherited a tradition inaugurated with the past avant-garde; the founder was Marcel Duchamp, and it consists of the appropriation of waste material or everyday items and their semantic translation, with explosive effects in the ensemble of the work of art. Louise Nevelson created suggestive black and white architecture, consisting of items and poetically embellished fragments, in which wood, aluminum and Plexiglas compete to mark the milestones along this experimental pathway; on the one hand, it would appear to be a prelude to the

Roma, Museo Fondazione Roma, Palazzo Sciarra, via Minghetti 22, dal 16 aprile al 21 luglio/From April 16 to July 21st.

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NEWSARTE/ART

FRAGILE? Duttile, plastico, dinamico e metamorfico, animato dal soffio e dalla mano dell’uomo, il vetro sprigiona imprevedibili scintille creative, legittimando così l’appartenenza alla categoria di quelle miscele alchemiche che materializzandosi in forme solide conservano la liquida e variopinta consistenza dei sogni. Ricettacolo di gesti funambolici e materia d’invenzioni fantasmagoriche, esso è oggi al centro del progetto Le Stanze del Vetro avviato a Venezia sull’Isola di San Giorgio Maggiore dalla Fondazione Giorgio Cini e da Pentagram Stiftung con l’obiettivo di indagarne e mostrarne le molteplici declinazioni, valorizzando le migliori espressioni dell’arte vetraria contemporanea che proprio in territorio veneziano, nell’isola di Murano, hanno trovato, a partire dal XX secolo, un punto di riferimento a livello mondiale. Dopo la mostra inaugurale, dedicata al lungo e fecondo sodalizio tra Carlo Scarpa e Venini, si prosegue ora con un evento espositivo che sposta l’attenzione sul vetro come medium d’espressione squisitamente artistica, con le sue inesauribili potenzialità simboliche e metaforiche. «Nel ventesimo secolo con le sperimentazioni delle avanguardie storiche, le arti visive cessano di essere solamente una mimesi della realtà attraverso la pittura e la scultura - afferma il curatore Mario Codognato - tramite l’utilizzo diretto di oggetti e materiali estrapolati direttamente dalla realtà e dalla produzione industriale, costruiscono e concettualizzano una nuova dimensione metaforica e al contempo tautologicamente concreta. Il vetro, grazie anche al suo impiego sempre più preponderante in architettura, con il suo duplice ruolo di elemento trasparente e di barriera, viene a costituire un nuovo strumento linguistico nella costruzione di immagini». ‘Fragile?’ - è l’emblematico titolo dato a questa mostra - raccoglie dunque trenta opere di artisti moderni e contemporanei che hanno scelto di impiegare il vetro, enfatizzandone i paradossi e i cortocircuiti semantici. Tra questi: Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Giovanni Anselmo, Jannis Kounellis, Joseph Kosuth, Luciano Fabro, Giuseppe Penone, Damien Hirst, Pipilotti Rist, Mona Hatoum e Ai Weiwei. Il catalogo è edito da Skira. (F.M.)

production, it constructs and conceptualizes a new metaphoric dimension that is tautologically concrete. Glass, thanks to its increasingly widespread use in architecture, because of its dual role as a transparent element and as a barrier, constructs a new linguistic instrument for the creation of images”. ‘Fragile?’ is the emblematic title of this exhibition that groups thirty pieces created by modern and contemporary artists who opted to use glass, exalting the contradictions and the semantic shortcircuits. They include: Marcel Duchamp, Joseph Beuys, Giovanni Anselmo, Jannis Kounellis, Joseph Kosuth, Luciano Fabro, Giuseppe Penone, Damien Hirst, Pipilotti Rist, Mona Hatoum and Ai Weiwei. The catalogue is published by Skira. (F.M.)

Ductile, plastic, dynamic and metamorphic, blown into life animated by breath and the hand of man; glass releases unpredictable and highly creative sparks, legitimizing its place in the category of the chemical mixtures. It materializes into solid shapes and stores the liquid variegated consistency of dreams. Glass creates tightrope gestures and items of unbelievable inventiveness, and is now the pivot point at the center of the project ‘Le Stanze del Vetro’. This event has been organized in Venice on the island of San Giorgio Maggiore by the Giorgio Cini Foundation and by Pentagram Stiftung to investigate and display the multiple declensions of this material, enhancing the best expres-

sions of contemporary glass art. A global reference point was identified in and around Venice, on the Island of Murano, from the 20th century onwards. The inaugural exhibition, dedicated to the long and fertile friendship between Carlo Scarpa and Venini, is followed by an event that shifts the attention to glass as an exquisitely artistic expressive medium, with its infinite symbolic and metaphoric potential. “In the 20th century, through the experimentation of past avant-garde, the visual arts cease to be simply the imitation of reality through painting and sculpture – according to the curator Mario Codognato – With the direct use of objects and materials extrapolated from reality and industrial

Venezia, Le Stanze del Vetro, Isola di San Giorgio Maggiore, dall’8 aprile al 28 luglio/ From April 8th to July 28th.

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ARCH OF

NEWSMOSTRE/EXHIBITION

UNA PASSIONE PER JEAN PROUVÉ Una rivelazione, un’emozione di linee, un entusiasmo immediato quello provato da Laurence e Patrick Seguin per il designer francese Jean Prouvè, per le sue architetture oltre che per i suoi mobili. La coppia presenta per la prima volta alcune opere dalla loro collezione: una quarantina di pezzi di Jean Prouvé, la maggior parte prototipi o esemplari molto rari, dalla poltrona immaginata per la città universitaria di Nancy nel 1954, alla poltrona leggera creata per l’università d’Antony nel 1954, passando per i mobili creati per l’Africa. Partendo poi dalle parole di Prouvè “non c’è una differenza tra la costruzione di un mobile e di un immobile” si comprende come i principi di funzionalità e le logiche di fabbricazioni applicati ai mobili siano validi anche le architetture. Le strutture solide sono assemblate e articolate da meccanismi astuti che permettono sia ai mobili che alle costruzioni di essere facilmente spostate, smontate, modificate. Sulla pista del Lingotto sarà montata per la prima volta la Maison Metropole (8×12 metri), casa in alluminio vincitrice nel 1949 di un concorso del Ministero dell’Istruzione per la costruzione di una scuola rurale. Capolavoro di architettura nomade, ideata sul principio degli edifici a portici brevettati da Prouvé nel 1939, l’Ateliers Jean Prouvé ne realizzò due modelli, uno per Bouqueval vicino a Parigi e uno per Vantoux in Moselle, che sarà in mostra a Torino. La fase del montaggio richiede quattro persone impegnate per tre giorni consecutivi, sarà ripresa live e andrà in streaming sul sito della Pinacoteca; verrà inoltre realizzato un video in stop-motion. (P.M.)

A PASSION FOR JEAN PROUVÉ A revelation, the emotion of shapes, immediate enthusiasm as felt by Laurence and Patrick Séguin for the French designer, Jean Prouvé, for his architecture as well as for his furniture. The couple presents a few works from their collection for the first time: about forty pieces by Jean Prouvé, most of which are prototypes or extremely rare models, including the armchair designed in 1954 for the university city of Nancy, the lightweight armchair designed in 1954 for Antony University, and the furniture created for Africa. Based on Jean Prouvé’s words, “there is no difference between building furniture and building a house”, you can understand that functionality principles and construction logics applied to furniture are also good for architecture. The solid structures are assembled and articulated by means of smart mechanisms which allow both furniture and buildings to be easily moved, dismantled and changed. On Lingotto’s track, they will install, for the first time, the aluminium house, Maison Métropole (8X12 m), the winner of a competition launched by the Ministry of Education for building a rural school in 1949. A masterpiece of nomadic architecture, based on the principle of porticoed buildings patented by Prouvé in 1939, Ateliers Jean Prouvé made two models of it, for Bouqueval, near Paris, and Vantoux in Moselle, which will be on show in Turin. Assembly requires four

people for three consecutive days; it will be broadcast live and streamed on the Picture Gallery’s website; a stop-motion video will also be prepared. (P.M.) ‘Dal Mobile alla Casa. La Collezione di Laurence e Patrick Séguin’, Pinacoteca Agnelli, Torino. Dal 6 Aprile all’8 settembre 2013/ From April 6 to September 8, 2013.

È una mostra inedita e senza precedenti quella su Louis Kahn (1901-1974), uno dei più grandi architetti del XX secolo, ospitata nel prestigioso Campus Vitra a Weil am Rhein, cittadina tedesca vicino al confine elvetico e alla città di Basilea. Proprio qui, dove convivono numerosi edifici contemporanei a opera di progettisti internazionali come Herzog & de Meuron, Zaha Hadid, Tadao Ando, Nicholas Grimshaw, Alvaro Siza e SANAA si potrà visitare fino all’11 agosto la mostra ‘Louis Kahn: il potere dell’architettura’. Si tratta della più importante retrospettiva del grande architetto americano, allestita nelle sale del Vitra Design Museum, progettato nel 1989 da Frank Gehry. La mostra documenta, attraverso una vasta gamma di modelli architettonici (tra cui quello della Torre Città progettata per Philadelphia negli anni 1952-1957), disegni originali, schizzi di viaggio, foto e filmati inediti girati da Nathaniel Kahn, regista del film ‘My Architect’. In esposizione i più importanti progetti di Kahn: dalla pianificazione urbanistica alle case unifamiliari, fino agli ultimi lavori monumentali come il Memoriale di Roosevelt (1973-1974) che sottolineano la grande attualità del suo lavoro. La mostra è il risultato di una cooperazione tra il Vitra Design Museum, l’Architectural Archives of the University of Pennsylvania a Philadelphia e il Netherlands Architecture Institute a Rotterdam. Il suo Global Sponsor è Swarovski. (A.C.)

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LOUIS KAHN THE POWER OF ARCHITECTURE

The prestigious Vitra Campus in Weil am Rhein, a German city near the Swiss border and Basel, hosts a new, unprecedented exhibition on Louis Kahn (1901-1974), one of the 20th century’s greatest architects. Just where numerous contemporary buildings by such internationally famous designers as Herzog & de Meuron, Zaha Hadid, Tadao Ando, Nicholas Grimshaw, Alvaro Siza and SANAA harmonize with each

other, you can visit the exhibition ‘Louis Kahn - The Power of Architecture’ until August 11. It is the largest retrospective of the great American architect, staged in the halls of the Vitra Design Museum, designed in 1989 by Frank Gehry. The exhibition features, through a wide range of architectural models (including the one of the City Tower designed in 1952-1957 for Philadelphia), original drawings, travel sketches, photographs and previously unpublished film footage shot by Nathaniel Kahn, the director of the film “My Architect”. On display are Kahn’s most important

projects: from his urban planning concepts and single-family houses to monumental late works such as the Roosevelt Memorial (1973-1974), which heighten the modernity of his work. The exhibition is the fruit of a collaboration with the Vitra Design Museum, the Architectural Archives of the University of Pennsylvania in Philadelphia and the Netherlands Architecture Institute in Rotterdam. Global Sponsor: Swarovski. (A.C.) ‘Louis Kahn - The Power of Architecture’, Vitra Design Museum, Weil am Rhein. Dal 23 Febbraio al 23 Agosto 2013/From February 23 to August 11, 2013

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NEWSMOSTRE/EXHIBITION

RICHARD MEIER ARCHITETTURA E DESIGN Richard Meier, noto in Italia soprattutto per il Museo dell’Ara Pacis e la Chiesa del Giubileo a Roma, è il protagonista della mostra personale ‘Richard MeierArchitettura e Design’, organizzata dalla Fondazione Bisazza in collaborazione con lo Studio Meier di New York per il cinquantesimo della sua attività. Dall’8 maggio al 7 luglio 2013, presso la Fondazione Bisazza a Montecchio in provincia di Vicenza, è visitabile un’inedita retrospettiva che presenta, attraverso modelli, schizzi, rendering, fotografie e prodotti di design, alcuni dei lavori più emblematici e anche meno conosciuti del famoso architetto americano per mettere in luce, attraverso le diverse tipologie di lavoro, la sua filosofia del design. Oltre alla mostra si potrà visitare un’installazione site-specific progettata da Meier per arricchire la collezione permanente della Fondazione Bisazza che, nata nel giugno 2012 per promuovere il design e l’architettura contemporanea, annovera già numerose installazioni di designer come Tord Boontje, Aldo Cibic, Sandro Chia, Jaime Hayon, Arik Levy, Alessandro Mendini, Fabio Novembre, Mimmo Paladino, Andrée Putman, Ettore Sottsass, Studio Job, Patricia Urquiola e Marcel Wanders. (A.C.)

RICHARD MEIER ARCHITECTURE AND DESIGN Richard Meier, who is famous in Italy especially for the Ara Pacis Museum and the Jubilee Church in Rome, is the focus of the solo exhibition, “Richard Meier. Architecture and Design”, organized by the Bisazza Foundation in collaboration with Meier’s New York based firm to celebrate his 50th year in business. From May 8 to July 7, 2013, the Bisazza Foundation hosts a new retrospective in Montecchio (in the province of Vicenza), featuring - through models, sketches, renderings, photographs and designer products - some of the most emblematic and also least known works by the wellknown American architect, to emphasize, through the different types of work, his philosophy of design. As well as the exhibition, you can also visit a site-specific installation designed by Richard Meier to enrich the permanent collection of the Bisazza Foundation, which was established in June 2012 to promote design and contemporary architecture and can already boast installations by such big names as Tord Boontje, Aldo Cibic, Sandro Chia, Jaime Hayon, Arik Levy, Alessandro Mendini, Fabio Novembre, Mimmo Paladino, Andrée Putman, Ettore Sottsass, Studio Job, Patricia Urquiola and Marcel Wanders. (A.C.) ‘Richard Meier-Architettura e Design’, Fondazione Bisazza, Montecchio (VI) Dall’8 Maggio al 7 Luglio 2013/From May 8 to July 7 2013

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NEWSPREMI/AWARDS

LA SOSTENIBILE FEMMINILITÀ DELL’ARCHITETTURA A parte alcune archistar come Zaha Hadid, smagliante esponente di un Olimpo popolato di sacerdotesse dell’architettura, le donne architetto sono ancora relegate in un’area remota e marginale, sostanzialmente ignorate dai media e sottovalutate dai critici. Non di rado, pregiudizialmente, poco valorizzate anche nell’ambiente del cantiere. É brasiliana la vincitrice della prima edizione dell’arcVision Prize – Women and Architecture, premio internazionale di architettura al femminile per il sociale, istituito da Italcementi Group. L’architetto Carla Juaçaba, trentasettenne, è stata premiata per il progetto del Padiglione Humanidade 2012 per Rio +20. La cerimonia di premiazione ha avuto luogo lo scorso 7 febbraio a Bergamo, negli spazi del complesso i.lab, realizzato su progetto dell’architetto statunitense Richard Meier. Struttura per la ricerca e l’innovazione voluta da Italcementi, i.lab (inaugurata nel 2012) è una vera e propria icona del costruire contemporaneo attuato nel rigoroso rispetto dei protocolli di sostenibilità ambientale, senza però rinunciare all’innovazione del linguaggio, alla ricerca tecnologica e puntando sulla purezza dei volumi, sulla preziosità del dettaglio e la coerenza dei materiali impiegati; i.lab è uno dei primi edifici in Europa ad aver ricevuto la certificazione LEED Platinum, il più prestigioso riconoscimento internazionale di sostenibilità delle costruzioni. Menzioni d’onore sono state assegnate alla spagnola Izaskun Chinchilla, per il non convenzionale approccio progettuale; all’indiana Anupama Kundoo, per la sua capacità di ricerca sui materiali e all’estone Siiri Vallner, per la sua sensibile interpretazione degli spazi e dei luoghi. Tutta al femminile la Giuria composta da: Shaikha Al Maskari (Membro del Consiglio Direttivo dell’Arab International Women’s Forum-AIWF); Vera Baboun (sindaco di Betlemme); Odile Decq (titolare dello studio d’architettura ODBC); Victoire de Margerie (presidente Rondol Technology); Yvonne Farrell (titolare con Shelley McNamara dello studio d’architettura Grafton Architects); Samia Nkrumah (Presidente del Centro Panafricano Kwame Nkrumah); Kazuyo Sejima (titolare con Ryue Nishizawa dello studio d’architettura SANAA); Benedetta Tagliabue (fondatrice con Enric Miralles 14 dello studio d’architettura EMBT); Martha Thorne (direttore del Pritzker Prize). Direttore scientifico del Premio, l’architetto Stefano Casciani, Less is more, ovvero rigore compositivo unito a magistrale esemplificazione strutturale è stata la carta vincente che ha convinto la Giuria a premiare il progetto del Pa-

diglione Humanidade 2012 per Rio +20. Concepito in collaborazione con l’artista Bia Lessa (Beatriz Ferreira Lessa, São Paulo, 1958), il complesso è costituito da una struttura provvisoria, un sistema per impalcature formato da passerelle e montanti assemblabili con giunti tridimensionali. Destinato a ospitare eventi privati e una mostra sulla sostenibilità, il padiglione ha accolto 222.000 visitatori in due settimane. Impiegando un sistema polivalente destinato a molteplici usi, l’architetto dimostra in maniera creativa l’impegno nel ridurre significativamente lo spreco di materiali e di energia per produrre manufatti industriali. Una volta smontata, la struttura è perfettamente riutilizzabile. Nata nel 1976, dal 2000 Carla Juaçaba ha sviluppato il proprio studio indipendente di architettura e ricerca di Rio de Janeiro in Brasile. Attualmente il suo ufficio è impegnato in progetti pubblici e privati, relativi a programmi abitativi e culturali. Da studentessa universitaria ha collaborato con l’architetto Gisela Magalhães della generazione di Oscar Niemeyer, prevalentemente nell’area delle esposizioni relative alle arti indigene e ai musei storici brasiliani. Nei primi anni dopo il college (2000) ha collaborato con l’architetto Mario Fraga a un progetto chiamato Casa Atelier, a cui è seguita una serie di progetti come Casa Rio Bonito (2005); Casa Varanda (2007); Casa Minimum (2008); Casa Santa Teresa nella fase finale (2012) e alcuni progetti espositivi. Tra le sue recenti realizzazioni vi sono numerosi progetti per abitazioni alla periferia di Rio. Carla Juaçaba fa parte del mondo accademico e dell’insegnamento, svolge progetti di ricerca, tiene lezioni, partecipa a biennali ed esposizioni, di recente ha fatto parte della giuria alla BIAU Bienal Ibero Americana di Madrid (2012). Attualmente insegna alla FAU-PUC RJ Pontifícia Universidade Católica. La sua opera si concentra su una questione intrinseca della disciplina: la poetica della tettonica e il suo potenziale espressivo.(C.P.)

THE SUSTAINABLE FEMININITY OF ARCHITECTURE Apart from a few archistars like Zaha Hadid, a brilliant exponent of an Olympus crowded with women devotees of architecture, women architects are still confined to a remote, marginal area, being basically ignored by the media and underrated by critics, and not infrequently hardly appreciated in construction sites. The winner of the first edition of the arcVision Prize – Women and Architecture, an international social architecture award for female designers launched by the Italcementi Group, comes from Brazil. The 37-year-old architect, Carla Juaçaba, was chosen by the jury for her project for the Humanidade Pavilion 2012 at Rio +20. The price-giving ceremony was held in Bergamo, in the i.lab complex, designed by the US architect, Richard Meier, on February 7. A research and innovation oriented facility commissioned by Italcementi, i.lab (opened in 2012) is a veritable icon of contemporary building in full compliance with environmental sustainability protocols, without giving up innovation in the language and technological research, and aiming for pure volumes, fine details, and consistent materials; i.lab is one of Europe’s first buildings to have obtained LEED Platinum certification, the highest international accolade in sustainable building. Honourable mentions were awarded to: Izaskun Chinchilla of Spain, for her unconventional approach to design; Anupama Kundoo of India, for her skills in research on materials; Siiri Vallner of Estonia, for her sensitive interpretation of spaces and places. The jury was composed entirely of women: Shaikha

Al Maskari (Board Member of the Arab International Women’s Forum-AIWF); Vera Baboun (Mayor of Bethlehem); Odile Decq (owner of the architecture practice, ODBC); Victoire de Margerie (Chairman of Rondol Technology); Yvonne Farrell (owner, with Shelley McNamara, of the architecture practice, Grafton Architects); Samia Nkrumah (Chairman of the Panafrican Centre, Kwame Nkrumah); Kazuyo Sejima (owner, with Ryue Nishizawa, of the architecture practice, SANAA); Benedetta Tagliabue (founder, with Enric Miralles, of the architecture practice, EMBT); Martha Thorne (Executive Director of the Pritzker Architecture Prize). Architect Stefano Casciani is the Scientific Director of the Prize. Less is more - that is, compositional rigour combined with masterly structural exemplification - was the trump card that got the Jury to select the project for the Humanidade Pavilion 2012 at Rio +20. Developed in collaboration with the artist, Bia Lessa (Beatriz Ferreira Lessa, São Paulo, 1958), the complex is made up of a temporary structure, a scaffolding system composed of walkways and uprights which can be assembled by means of 3D joints. Designed to accommodate private events and an exhibition on sustainability, the Pavilion welcomed 222,000 visitors in two weeks’ time. Relying on a multipurpose system, the architect creatively showed her commitment to significantly reducing waste materials and energy in producing industrial products. When dismantled, the facility can be easily reused. Born in 1976, since 2000 Carla Juaçaba

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has developed her own independent architecture and research firm in Rio de Janeiro, Brazil. Her office is currently involved with public and private residential and cultural projects. When she was a university student, she worked with architect Gisela Magalhães, of Oscar Niemeyer’s generation, mainly in the area of exhibitions relating to indigenous art and Brazilian historic museums. In the first years after the college (2000), she worked with architect Mario Fraga on a project called Casa Atelier, which was followed by several projects, including: Casa Rio Bonito (2005); Casa Varanda (2007); Casa Minimum (2008); Casa Santa Teresa in the end stage (2012), and a few exhibition projects. Her recent works include numerous residential projects in Rio’s suburbs. Carla Juaçaba belongs to the academic and teaching world, carries out research projects, holds lectures, attends exhibitions, and was recently a member of the jury at BIAU Bienal Ibero Americana in Madrid (2012). She is currently a lecturer at FAU-PUC RJ Pontifícia Universidade Católica. Her work is focused on an intrinsic issue of the discipline: the poetics of tectonics and its expressive potential. (C.P.)

(sistemazione di sito archeologico), Cuenca, Spagna, progetto di Izaskun Chinchilla; Casa di Volontariato, Pondicherry, India, progetto di Anupama Kundoo. Pagina a fianco: la Giuria al lavoro; sotto, da sinistra, Odile Decq e Shaikha Al Maskari (membri Giuria).

In questa pagina, in alto: Padiglione Humanidade 2012 per Rio+20, Rio de Janeiro, Brasile, progetto di Carla Juaçaba. Le altre immagini, in senso orario: Carla Juaçaba; Izaskun Chinchilla (Menzione d’Onore); Anupama Kundoo (Menzione d’Onore); Siiri Vallner (Menzione d’Onore); Downtown Gym, Pämu, Estonia, progetto di Siiri Vallner; Eco-Comunità Urbana, Auroville, India, progetto di Anupama Kundoo; Casa Ancestrale, Toledo, Spagna, progetto di Izaskun Chinchilla; Garcimuñoz

This page, Top: Humanidade Pavilion 2012 at Rio+20, Rio de Janeiro, Brazil, project by Carla Juaçaba. Other pictures, clockwise: Carla Juaçaba; Izaskun Chinchilla (Honourable Mention); Anupama Kundoo (Honourable Mention); Siiri Vallner (Honourable Mention); Downtown Gym, Pämu, Estonia, project by Siiri Vallner; Urban Eco-Community, Auroville, India, project by Anupama Kundoo; Ancestral House, Toledo, Spain, project by Izaskun Chinchilla; Garcimuñoz (arrangement of archaeological site), Cuenca, Spain, project by Izaskun Chinchilla; Voluntary Work House, Pondicherry, India, project by Anupama Kundoo. Opposite: the Jury at work; below, from left, Odile Decq and Shaikha Al Maskari (members of the Jury).

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NEWSLIBRI/BOOKS

A VOYAGE IN SRI LANKAN DESIGN Architetto dello Sri Lanka che ha vissuto per parecchi anni anche in Italia, Tilak Samarawickrema si dedica da sempre all’architettura, al design, all’arte e all’artigianalità. Il libro ‘A Voyage in Sri Lankan design’ illustra con grande ricchezza di contenuti le opere che in più di quarant’anni di lavoro Tilak ha sviluppato intrecciando, con grande maestria, la tradizione del suo Paese, le forme, i colori, i materiali con la contemporaneità e l’estetica dei nostri giorni. Si parte dalla collaborazione di Samarawickrema negli anni Ottanta presso il National Design Centre che culmina poi con la Shilpa Exhibition per poi passare alla creazione di una linea di tappeti di design, fatti a mano, con la collaborazione dei tessitori di Talagune e Uda Dumbara. Il libro testimonia anche la sua passione per l’arte tramite i disegni rappresentanti le sensuali linee che ricordano la calligrafia di Sinhala, nella zona ovest dello Sri Lanka. Da queste linee si passa al mondo della scultura che include opere fatte con il filo metallico. Nella documentazione del percorso di Samarawickrema non mancano le opere architettoniche che comprendono edifici residenziali, fabbriche, banche, progetti di interiors progettate con un pensiero modernista e contemporaneo. Mentre l’arte, l’artigianato e i tappeti manifestano un legame stretto con la tradizione del paese, le architetture sono contemporanee e cosmopolite. Sfogliando il libro e visionando il materiale fotografico, le illustrazioni, le recensioni e i vari articoli si comprende quanto prezioso sia da sempre il contributo di Tilak Samarawickrema al mondo del design e dell’architettura nello Sri Lanka. (P.M.)

Tilak Samarawickrema is an architect from Sri Lanka who lived for many years in Italy. His professional expertise has always focused on architecture, design, arts and crafts. The book ‘A Voyage in Sri Lankan design’ is a comprehensive guide to the works produced during his 40-year career, with the traditions of his country, the shapes, the colors and the materials entwined with the contemporary esthetics. The book opens with Samarawickrema’s work in the National Design Centre in the 80s that culminated in the Shilpa Exhibition to then progress to the creation of a line of hand-made design rugs produced in collaboration with the weavers of Talagune and Uda Dumbara. The book demonstrates his passion for art through the sensual designs that are reminiscent of the calligraphy of Sinhala, in the western zones of Sri Lanka. The book then enters the world of sculpture and includes pieces created with metal wire. There is also a section dedicated to Samarawickrema’s architectonic works – with residential buildings, factories, banks and interiors – designed along modernist and contemporary lines. The arts, crafts and rugs clearly illustrate his close bond with the country, the architecture he designed is contemporary and cosmopolitan. Leafing through this book and examining the photographs, the illustrations, the reviews and the various articles, it becomes apparent how precious Tilak Samarawickrema’s contribution has been to the worlds of design and architecture in Sri Lanka. Tilak Samarawickrema, A voyage in Sri Lankan design. Art, Craft, Architecture (P. M.) ‘A Voyage in Sri Lankan design’ by Tilak Samarawickrema, Art, Craft, Architecture