DHD _ 28

ISSN 1824•3746 – A 22,00 – GR 13,50 – P 17,00 – E 18,00 – GB BP. 17,00 – NL 16,00 – Italy only 10,00 – B 13 – P.Cont. 11,80 Spedizione in abbonamento postale - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano

DHD HOSPITALITY CONTRACT

HOTEL DESIGN DIFFUSION

Hamburg Superbude Singapore Marina Bay Sands Glasgow Citizen M Roja Viura Hotel Products/seating

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Milano Architettura Design Edilizia Fiera Milano, Rho 05_08 Ottobre 2011

Segnali di futuro Prodotti, soluzioni e tecnologie per progettare e costruire i nuovi capolavori dell'edilizia.

Incontri ed eventi per un'architettura sostenibile e sicura. Un solo grande appuntamento, MADE expo la più importante fiera internazionale dell'edilizia.

www.madeexpo.it MADE expo è un’iniziativa di: MADE eventi srl Federlegno Arredo srl

Organizzata da: MADE eventi srl tel. +39 051 6646624 • +39 02 80604440 info@madeexpo.it • made@madeexpo.it

Promossa da:

DHD 28 Direttore responsabile/Editor in chief Carlo Ludovico Russo

SOMMARIO HOSPITALITY CONTRACT HOTEL DESIGN DIFFUSION Editoriale

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Franco Mirenzi

News

6 Books

Luisa Castiglioni,

Direttore/Editor Franco Mirenzi Coordinamento redazionale Editorial coordination Luisa Castiglioni l.castiglioni@designdiffusion.com

dicembre/gennaio/febbraio december/january/february 2010-2011

10 Contract

Annamaria Maffina,

20 Art

Paolo Rinaldi,

26 Dal mondo

Sara Schifano,

Report

28 MLE, Res

Francesca Tagliabue

Products

32 Seating

Francesca De Ponti, Maria Catena Caliri

Progetto grafico e consulenza artistica Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi

Rioja

48 Ordine temporaneo/Temporary order

Maurizio Giordano

Singapore

58 Colosso verde/Green colossal

Stefania Cubello, Betty Colombo

Realizzazione grafica/Graphic designer Antonietta Scuotri

Istanbul

68 Kempinski Bellevue Residence

Arianna Callocchia

Ceggia

74 Forma, materia e contesto/Shape, matter and context

Elviro Di Meo

Glasgow

80 Citizen M

Alba Ferulli

Barcelona

90 Magenta brillante/Bright magenta red

Elviro Di Meo

Los Angeles

96 Design naturale/Natural design

Francesca Tagliabue

Contributi/Contributors Claudia Barana Marta Bernasconi Sarah Angel Bezzecchi Maria Catena Caliri Arianna Callocchia Giulia Capotorto Betty Colombo Stefania Cubello Francesca De Ponti Elviro Di Meo Maria Galati Maurizio Giordano Alba Ferulli Annamaria Maffina Giulia Marcucci Ester Pirotta Paolo Rinaldi Sara Schifano Claudia Sugliano Francesca Tagliabue Ufficio traffico/Traffic department Daniela D’Avanzo Ufficio abbonamenti/Subscription office Francesca Casale Traduzioni/Translations Fiona Johnston

Hamburg

100 Chi fa da sé fa per tre/If you want something done, do it yourself…

Sara Schifano

Matera

108 Giardino di pietra/A rockery garden

Giulia Marcucci

Maastricht

116 L’apparenza inganna/Apparences can be misleading

Francesca Tagliabue

Bogotà

120 Relax al cubo/Relaxation cubed

Francesca Tagliabue

Milano

124 Un palazzo che respira/A building that breathes

Paolo Rinaldi

Milano

128 Loft Café. La fabbrica del verde/A producer of greenery

Giulia Capotorto

London

134 Un apostrofo rosa tra dolci e caffè/A pink apostrophe of pastry and coffee Claudia Barana

Atene

140 Nuovo museo dell’Acropoli/The new Acropolis Museum

Marta Bernasconi

Salonicco

146 Dialogo continuo/Ongoing dialogue

Francesca Tagliabue

Beirut

154 Burgundy

Ester Pirotta

Piozzo

158 Fuori dal tempo/Back in time

Maria Galati, Sarah Angel Bezzecchi

Oporto

164 Hotel Favorita

Paolo Rinaldi

Pyla sur mer

168 La Co(o)orniche

Claudia Sugliano

Mestre

174 Cappelletto

Arianna Callocchia

Lucern

178 The Hotel

Paolo Rinaldi

Copertina/Cover : Superbude

Design Diffusion Edizioni srl Redazioni/Editorial Offices Direzione, amministrazione, pubblicità Management, Administration, Advertising Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5516109 – Fax 02/599024.31 www.designdiffusion.com Pubblicità/Advertising DDA Design Diffusion Advertising srl Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5453009 – Fax 02/5456803 Agenti/Agents Paolo Bruni, Teo Casale, Roberto Gallo, Roberto Romano Amministraz ione/Administration Paolo Russo

Ufficio abbonamenti Numero Verde 800/318216 Tel. 02/5516109 – Fax 02/5456803 Editorial Office, Chicago Judith Jacobs P.O. Box 3342 Merchandise Mart 60654, 0342 Chicago IL – USA Tel. 001/3128361005 – Fax 3128361006 Editorial Office, Osaka Intermedia TS Bldg. 3-1-2 Tenma Kita-ku Osaka, Japan Tel. 00816/3571525 Fax 3571529

Trimestrale/Quarterly magazine Prezzo/Price Euro 10,00

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Projects: Marriott Renaissance Time Square New York W hotel Madison Avenue New York Allegria Hotel Long Island NY Mandarin Oriental Residence & Veer Tower City Center Las Vegas

E Oggi il modello comportamentale prevalente è quello di farsi notare: ogni modo, anche quello più estremo, viene preso in considerazione da chi è assetato di notorietà. Sembra sia diventato necessario urlare per farsi sentire nell’affollatissimo pianeta, ormai disposto ad accettare qualsiasi cosa, sia essa di vero beneficio per le collettività o solamente esibizione di uno status.

Nuotare ad alta quota, come nella piscina dell’hotel Marina Bay Sands di Singapore, può essere sicuramente un traguardo per alcuni, forse per molti. L’idea di dominare la città, mentre si passa il tempo in totale relax lontani dai problemi ‘terreni’, può essere l’esempio concreto di un urlo prevaricatore. Si sta estinguendo il comportamento discreto e raffinato che contraddistingue la privacy, manifestandosi attraverso modi garbati, con la selezione accurata di azioni e relazioni, evitando di entrare prepotentemente nelle faccende altrui. Non credo che l’estremizzazione delle soluzioni progettuali rappresenti sempre un successo duraturo.

In today’s world, the most important thing is to be noticed: any way or means, even the most outrageous, is employed by people hungry for their five minutes of fame.

It seems that screaming out loud is essential to make oneself heard on this crazy overcrowded planet. People accept everything, irrespective of whether it will be of benefit or whether it is simply flaunting status. Having a swim in the pool of the Hotel Marina Bay Sands in Singapore is extreme to say the least and could be considered a dream or achievement for some or many people. The idea of floating high above the city, in complete relaxation, far from the earthly problems, could be interpreted as a scream. Discrete elegant behavior is disappearing, gone are the attitudes associated with privacy, courtesy, actions and relationships that are carefully selected and nutured; arrogant entrance to others’ lives has taken over.

All said, I do not believe that extreme design solutions will always provide long-lasting success.

Franco Mirenzi

Carlo Giampiccolo, ‘Ritratto’, tratto dalla mostra/taken from the exhibition Camera con vista, Bologna 2010.

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BOOKS HOTELS

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Una struttura alberghiera deve essere anzitutto accogliente, in grado di far sentire come a casa propria i viaggiatori. Ma, senza dubbio, ci vuole anche qualcosa in più, perché i villeggianti desiderano godere di un ambiente fuori dal comune, camere da favola, enormi piscine e arredamento di design. Per permettersi, almeno in vacanza, tanti lussi che mancano nella vita di ogni giorno. Taschen propone una raccolta dei migliori hotel sparsi per tutto mondo, una selezione di 72 architetture diverse, adatte davvero a tutti i gusti.

Alcuni degli hotel presentati sono minimali ed essenziali, altri più ricchi e pomposi. Tutti però si trovano in luoghi da favola, paradisi naturali che lasciano davvero senza fiato. Sfogliando le pagine, infatti, si passa dal romantico Spielweg, immerso nella Foresta Nera tedesca al Shigar Fort Residence, un antico palazzo nel nord del Pakistan, al Boddhi Tree Del Gusto, un’antica casa coloniale dove si può soggiornare a partire da quaranta dollari a notte. (S. F.) Angelica Taschen, Taschen’s favorite hotels, Taschen, www.taschen.com

The primary objective for a hotel is that it must be welcoming, it must make every type of traveler feel at home.

Undeniably however, more is needed as guests are usually looking for something out of the ordinary, fairytale bedrooms, gigantic swimming pools and design furniture. At least for the short time they are on holiday, they want to enjoy that little bit of luxury that is missing from their everyday lives. Taschen has grouped together the best hotels around the world, a selection of 72 architectural wonders to suit every possible taste. Some of

genere umano ha bisogno. Cambiare, modificare e migliorare le nostre città in termini di progettazione può e deve avere conseguenze sul ‘benessere’ del genere umano. (A. M.) Urban Future Manifestos, a cura di Peter Noever, MAK, Wien, Kimberli Meyer, MAK Center Los Angeles, Hatje Cantz www.hatjecantz.de

the hotels are basic and minimalist, others are more luxurious and sumptuous. However, they all have the common feature of being positioned in magical locations, natural paradises that leave the guests breathless and speechless. The book describes the romantic Spielweg, hidden in the heart of Germany’s Black Forest, the Shigar Fort Residence, an ancient building in the north of Pakistan, the Boddhi Tree Del Gusto, an old colonial structure where guests can stay for as little as 40 US dollars per night. (S. F.) Angelica Taschen, Taschen’s favorite hotels, Taschen, www.taschen.com

URBAN FUTURE MANIFESTOS Viviamo in un’epoca di grandi cambiamenti: climatici, politici, economici, di pensiero: sono il fulcro della nostra esistenza poiché senza di loro non ci sarebbe il progresso (o il pregresso per alcuni) e di conseguenza il futuro. Allo stesso modo il futuro è anche il soggetto delle domande di molti designer, architetti o artisti che hanno la necessità di conoscere il presente per pianificare o, in questo caso creare, il futuro.

Da queste premesse il volume riporta numerosi saggi che contengono riflessioni, idee o critiche relative alle odierne città e centri urbani in rapporto a differenti aspetti. Ogni città è l’immagine globale o generale delle sue particolarità, dall’economia alla politica, dalla crescita della popolazione alle correnti migratorie, fino ad aspetti più quotidiani come la cultura culinaria tipica o i mezzi di trasporto. È necessario osservare, chiedere, analizzare e criticare per avere una visione presente di quello che potrebbe essere il futuro sviluppo urbanistico, senza tralasciare l’importanza del dialogo tra le diverse comunità e in questo caso tra ‘il popolo della progettazione’. Chiunque può avere una propria opinione dello sviluppo, e leggendo le pagine di questo testo multidisciplinare ed internazionale può ampliarla o cambiarla. La nostra epoca ha un vasto potenziale per quanto riguarda la mutazione urbana sotto differenti aspetti, ciò che si chiede a chi si occupa dello sviluppo delle città e di conseguenza di chi ci abita è di accettare la sfida e rendere ciò che potenzialmente è possibile in ciò di cui il

Great mutations are underfoot in the era we are living in: changes in the climate, politics, economics and thinking. These factors are the fulcrum of our existence and without them, there would be no progress (or pregress in some cases) and consequently no future. In the same way, what the future holds is the question posed by many designers, architects or artists who need to be closely aware of the present in order to plan for, and in some cases create, the future. This was the inspiration for the book which contains the reflections, the ideas and the critiques for the modern cities in relation to a number of different aspects. Each city projects the global or overall image of its unusual features, from economics to politics, from population growth to migration, to the everyday issues of local cuisine or the means of transport. It is essential to observe, question, analyze and criticize what is around us in order to have the current vision of how the future urban development could appear, without ignoring the all-important dialogue between the different communities and in this case, the design population’. Professionals and nonprofessionals alike can have their own opinion regarding development, and by readng this multi-disciplinary internationally-oriented text, their minds can be changed or expanded.

This modern era has enormous potential for various forms of urban

mutation – what is demanded by the people who are responsible for the urban development and consequently, by the people who live there is to accept the challenge and to transform what is potentially possible into something that the human race needs.

Changing, modifying and improving our cities in design terms can and

must have an effect of the ‘wellness’ factor of the human race. (A. M.) Urban Future Manifestos, edited by Peter Noever, MAK, Wien, Kimberli Meyer, MAK Center Los Angeles, Hatje Cantz, www.hatjecantz.de

MAXXI

I centri d’arte contemporanea sono sempre più spesso luogo e occasione di sperimentazione concettuale e architettonica. E il Maxxi, vera e propria scultura urbana in una città complessa come Roma, è in questo senso emblematico, con il suo intreccio di linee curve, rette e piani inclinati che si intersecano con superfici concave e convesse. Il volume di Skira racconta i vari livelli – progettuali, urbanistici e culturali – costitutivi del progetto di Zaha Hadid. La grande opera architettonica dalle forme innovative, complesse e spettacolari, dialoga con la città e con i visitatori, proiettati in percorsi sempre diversi e inaspettati grazie alla particolare trama spaziale e funzionale concepita dall’architetto iraniano. Ambienti molteplici convivono

infatti in una sequenza di gallerie illuminate dalla luce naturale. La grande hall a tutta altezza ospita i servizi di accoglienza e introduce all’auditorium, alle gallerie destinate alle collezioni permanenti, alle mostre e gli eventi culturali, fino agli spazi dedicati alla caffetteria e al bookshop. (L. C.) MAXXI, Museo delle Arti del XXI secolo, a cura di Manon Janssens, Gianluca Racana, Skira, www.skira.net

Facilities for contemporary art are often places and occasions for conceptual and architectonic experimentation.

And Maxxi, a true urban sculpture in a complex city such as Rome, is emblematic of this concept, with its combination of curved and straight lines and sloping surfaces which intersect with concave and convex components.

The book published by Skira describes the various design, urban-planning, cultural and construction levels of the plans defined by Zaha Hadid. The large highly-innovative architectonic construction is complex and spectacular.

It interfaces with the city and with the visitors, who are directed along different and unexpected pathways, thanks to the unusual spatial and functional layout designed by the Iranian architect.

21-25 October

2011

INTERNATIONAL EXHIBITION OF THE HOSPITALITY INDUSTRY

Hearty comfort

. Where hospitality meets business.

Multiple environments live side-by-side in a sequence of galleries illuminated with natural light. The large full-height hall contains the reception area and provides access to the auditorium, the galleries destined to the permanent

collections, the exhibitions and the cultural events, and to the coffee bar and bookshop. (L. C.) MAXXI, Museum of 21st century Art, edited by Manon Janssens, Gianluca Racana, Skira, www.skira.net

www.host.fieramilano.it

Food Service Equipment • Bread/Pizza/Pasta • Ice Cream/Confectionery Coffee • Bar/Coffee Machines • Hotel&Spa Emotion

BOOKS PREFAB HOUSES Si tratta di una storia nota a pochi, di una favola moderna che racconta di abitazioni leggere, trasportabili ed economiche. Una sorta di viaggio nello spazio e nel tempo, attraverso due secoli e infiniti territori, un racconto fatto non solo per mezzo di parole, ma anche immagini, disegni e fotografie. È la casa editrice tedesca Taschen il narratore, il mezzo è uno dei suoi nuovi libri, Prefab Houses. Non tutti sanno che la prima abitazione prefabbricata fu inventata nel lontano 1830 in Inghilterra; si trattava di una sorta di kit di sopravvivenza per gli emigranti diretti nella lontana Australia. Da allora lo studio sul prefab-

This is a story that only a few have been told; it is the modern fairytale that tells of lightweight, transportable and conveniently-priced dwellings.

It is a sort of trip in space and time, across two centuries and endless territories; it is a story told with words, pictures, designs and photographs.

The German publisher Taschen is the narrator, and the medium is one of its latest books, Prefab Houses.

Not many people are aware that the first prefabricated house was invented nearly two centuries ago (1830) in Great Britain. It was a sort of survival kit which was given to the emigrants who were leaving for Australia. Over the years, the studies became more methodical and it is likely that every architect, at some time, in some part of the world, has produced a building for assembly on site. Some of the creations reached industrial production lines; others remained as experiments, one-off pieces which astonish for their unusual design or their innovative performance. (S. F.) Peter Gössel, Arnt Cobbers, Oliver Jahn, Prefab Houses, Taschen, 2010, www.taschen.com

re del progettare. Maggiore attenzione al risparmio dei capitali e spiccata propensione verso i materiali di recupero sono solo due delle caratteristiche principali dell’architettura del 2010. Catturano l’attenzione del lettore, come di consueto, i nomi delle archistar tra cui Rem Koolhaas, fresco di Leone d’oro alla carriera, e il suo studio OMA, il duo SANAA, composto da Kazuyo Sejima, direttrice della 12. Biennale di Architettura di Venezia, e Ryue Nishizawa, Renzo Piano e Santiago Calatrava.

Ma molti sono gli emergenti presentati nel volume, che risulta così essere un’occasione per conoscere quelli che potrebbero essere le star di domani. Per la prima volta, in una pubblicazione di questo tipo, sono stati anche incluse le opere di artisti che, in maniere diverse, hanno a che fare con l’architettura. Tra questi spicca il fotografo italiano Giacomo Costa, che negli anni ha condotto un lavoro sulle città e il loro costante divenire altro. (F. T.)

DOMESTIC DESIGN

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DHD bricato si è fatto sempre più metodico, e non c’è architetto che, almeno una volta, non si sia cimentato nella progettazione di un’abitazione composta da parti assemblabili in qualsiasi angolo del mondo. Alcuni progetti sono stati prodotti in serie in maniera industriale, altri sono rimasti degli ‘esperimenti’, pezzi unici che stupiscono per il design inusuale o per la loro funzionalità. (S. F.) Peter Gössel, Arnt Cobbers, Oliver Jahn, Prefab Houses, Taschen, 2010, www.taschen.com

the Home si scoprono posate, pentole, maniglie per le porte, vasi e mobili, tutti accomunati dall’essere ben disegnati, e che per questo motivo garantiscono prestazioni migliori e durata maggiore. Alcuni pezzi risalgono a diversi anni fa e sono diventati delle vere e proprie icone. Il volume raccoglie anche siti web e indirizzi di botteghe e aziende, in modo che il lettore possa, se lo desidera, reperire facilmente gli oggetti presentati. (F. T.) Charlotte & Peter Fiell, Tools For Living: A Sourcebook of Iconic Designs for the Home, Fiell, www.fiell.com

DESIGN DOMESTICO Dietro ogni oggetto c’è un processo di studio preciso, che va dall’analisi della sua ergonomia alla scelta della sua forma, dalla selezione del materiale a quella del colore. Tutto ciò che ci circonda, insomma, è un prodotto di design. Nelle nostre case abbiamo centinaia di complementi d’arredo e utensili per la tavola che utilizziamo ogni giorno, tutti pensati da professionisti in maniera precisa, senza che nulla sia mai lasciato al caso. Il libro di Fiell, una nuova casa editrice inglese, presenta una selezione di oggetti, contemporaneamente belli e funzionali. Sfogliando le pagine di Tools For Living: A Sourcebook of Iconic Design for

Behind every object there is a precise study phase; this ranges from the ergonomics to the final shape, from the selection of materials to color. Everything that surrounds us can be described as an article of design. We have hundreds of furnishing accessories and table utensils in our homes; we use them everyday, oblivious to the fact that they were designed accurately by professionals who left nothing to chance. The book by Fiell, a recently-founded British publisher, presents a selection of articles that are beautiful and functional. The book ‘Tools For Living: A Sourcebook of Iconic Design for the Home’ contains cutlery, pots and pans, door-handles, vases and furniture, all pieces with the one common denominator of good design which guarantees improved performance and longer durability. Some of the pieces were designed years ago and over time have developed into true icons. The book also contains the contact details (website and addresses) of the companies and studios so that readers can source any of the articles presented. (F. T.) Charlotte & Peter Fiell, Tools For Living: A Sourcebook of Iconic Designs for the Home, Fiell, www.fiell.com

NUOVE FRONTIERE Per il settimo volume di Architecture now!

Philip Jodido, insieme a Taschen, ha scelto un filo conduttore particolare per scegliere i nuovi progetti di professionisti di fama mondiale da presentare nel volume fresco di stampa: l’architettura al tempo della crisi. I problemi economici, che purtroppo accomunano la gran parte dei paesi, hanno spinto gli architetti verso nuove frontie-

NEW FRONTIERS For the seventh volume of Architecture now! Philip Jodido worked with Taschen on a special project to select the new projects by internationally-famous professionals and present them to the public hot off the press: architecture during the crisis. The economic problems, which are affecting most countries around the world, have driven many architects towards new frontiers of design. There is greater attention to cost-containment and a clear orientation towards recycling – these are just two of the main characteristics of architecture in 2010. The readers’ attention is captured by the major protagonists Rem Koolhaas, who was recently awarded the Leone d’Oro for his career, his studio OMA, the duo SANAA –Kazuyo Sejima, who organized the 12. Biennial of Architecture in Venice, with Ryue Nishizawa, Renzo Piano and Santiago Calatrava. However, many emerging architects are included. As a result, it is an occasion to get to know the design stars of the future. For the first time, in a publication of this type, the editor has included works by artists who are associated with architecture in one way or another – for example, the Italian photographer Giacomo Costa. Over the years he has immortalized cities and their constant transformations. (F. T.) Philip Jodido, Architecture now! 7 After the Fall – Architecture in a new Economic Climate, Taschen, www.taschen.com

CONTRACT TRUMP TOWER

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Snaidero reagisce alla difficile congiuntura economica internazionale continuando a investire e consolidarsi nel segmento delle forniture contract. Un’importante conferma viene da una nuova commessa in Turchia per la fornitura di oltre 200 cucine all’interno delle due lussuose torri in via di completamento a Istanbul (144 metri di altezza per 39 piani), progettate dallo studio di architettura Brigitte Weber. La scelta del marchio italiano per arredare i lussuosi appartamenti della torre residenziale sono un’ulteriore conferma della forte credibilità del brand sul mercato turco, dove Snaidero si era già aggiudicata nel 2009 un’altra commessa per la fornitura di oltre 500 cucine in aree residenziali.

Risultati che consolidano la proficua collaborazione con il proprio storico partner turco Ing. Bulent Durlanik che opera per conto della società Cankutaran. Per questa commessa Snaidero propone Orange, che ha incontrato il favore degli architetti per le sue peculiarità di cucina di design e di qualità ma anche semplice e competitiva. Progettata secondo criteri di eco sostenibilità per migliorare la qualità della vita in casa, Orange utilizza legno ecologico, trattamenti di verniciatura basati su prodotti a base di acqua ma soprattutto adotta un nuovo pannello a bassa emissione di formaldeide. Edi Snaidero, presidente del gruppo, ribadisce come “Il nostro business guarda sempre di più ai mercati este-

ri e al settore contract: siamo un’azienda che guarda avanti, sempre alla ricerca di nuove soluzioni per essere in grado di gestire efficacemente i cambiamenti socioculturali e degli stili di vita. Crediamo che la creatività, l’innovazione e il privilegio di avere alle spalle una storia, una forte cultura d’impresa e solidi valori, siano gli ingredienti necessari per essere competitivi oggi”. www.snaidero.it (L. C.)

Snaidero is reacting to the internatinal economic crisis by continuing to invest and consolidating its position in the contract supplies sector. An important confirmation of this has arrived with a new contract from Turkey for the supply 200 kitchens to furnish two luxury apartment blocks that are being completed in Istanbul (144 meters high for 39 floors), designed by architecture

studio Brigitte Weber. The decision to choose the Italian brand for the luxury apartments in the residential apartment block was further confirmation of the brand’s enormous credibility on the Turkish market.

In 2009, Snaidero won another contract for the supply of more than 500 kitchens in residential areas.

These results consolidate the successful partnership with its long-standing Turkish partner Eng. Bulent Durlanik who represents the company Cankutaran. Snaidero suggested the kitchen ‘Orange’ which was enthusiastically accepted by the architects for the unusual features of this design-oriented, high quality kitchen that is also sleek and competitively priced. Orange has been designed according to criteria of ecosustainability which improves the quality of life at home; the materials are ecological wood, water-based varnishes and a new type of panel with low formaldehyde emissions.

Edi Snaidero, the group’s President, explained: “Our business is always looking to the international markets and the contract sector, into the future by researching new solutions which can manage the socio-cultural mutations and changes in lifestyle.

We believe that creativity, innovation and the privilege of having a long history, a strong corporate culture and solid values, are the essential ingredients to be competitive in today’s markets.” www.snaidero.it (L. C.)

CONTRACT FINE ARTS HOTEL BRERA ACADEMY

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L’azienda Buzzi & Buzzi è stata scelta per realizzare l’illuminazione di un grande albergo d’arte contemporanea progettato da Michele Premoli Silva e Domenico Cavallo che sorgerà a Milano nel quartiere Bovisa.

Il Fine Arts Hotel Brera Academy, in fase di costruzione ad opera della società Classimmobili, è stato concepito con la dichiarata intenzione di essere allo stesso al contempo sia una struttura ricettiva sia una galleria d’arte.

A caratterizzare l’albergo, saranno le opere d’arte realizzate dai giovani artisti dell’Accademia di Belle Arti di Brera.

“La filosofia che sta dietro a questo progetto è che Brera torni ad essere dentro la città” spiega Andrea Del Guercio, docente dell’Accademia di Brera e direttore artistico del Fine Arts Hotel, coordinatore del gruppo di studenti che hanno realizzato le prime 250 opere di arredo delle camere e per gli ambienti comuni. Da grandi tele nelle camere e nei corridoi, a statue, decori, stoffe, ceramiche, vetri, oggetti, le creazioni artistiche potranno essere acquistate dagli ospiti del Fine Art Hotel.

Per le scelte progettuali dell’illuminazione l’architetto Victor Vasilev ha optato per corpi illuminanti che sapessero offrire un’illuminazione tecnica senza alterare il layout e l’arredamento studiato appositamente per l’albergo.

La luce è stata studiata ispirandosi alla filosofia che sottende all’intero progetto dedicato a un processo d’integrazione fra l’architettura, l’interior design e l’arte contemporanea. L’utilizzo in larga scala dei prodotti Buzzi & Buzzi realizzati in Coral®, il materiale innovativo ed ecologico prodotto esclusivamente dall’azienda, ha permesso di avere dei prodotti tecnici che illuminassero le opere esposte senza invaderne gli spazi ma piuttosto risaltandoli. Da segnalare, infine, il concorso denominato ‘Lightparade’ (finanziato da Classimmobili, Buzzi & Buzzi e dall’Accademia delle Belle Arti con il patrocinio del professor Del Guercio, titolare della cattedra di Storia dell’arte) allo scopo di legare il mondo del design industriale a quello dell’arte.

Da questa iniziativa nasceranno 40 opere d’arte, realizzate utilizzando come supporto il prodotto Applique Frame di Buzzi & Buzzi, che verranno esposte nei cinque piani dell’albergo milanese trasformando il prodotto in 40 opere d’arte uniche. www.buzzi-buzzi.it (L. C.)

products in Coral®, the company’s exclusive innovative and ecological material, permitted technical projects to illuminate the works on display exalting the works of art as opposed to invading the space. And finally the competition called ‘Lightparade’ deserves a mention; it was sponsored

by Classimmobili, Buzzi & Buzzi and the Academy of Fine Arts under the patronage of Prof. Del Guercio, head of the History of Art department.

The idea was to link industrial design to the art world. This initiative resulted in the creation of 40 works of art, which exploited Applique Frame

by Buzzi & Buzzi as its support.

These will be on display throughout the hotel’s five floors, transforming the product into 40 unique works of art. www.buzzi-buzzi.it (L. C.) The company Buzzi & Buzzi was selected to design the illumination for a large hotel of contemporary art designed by Michele Premoli Silva and Domenico Cavallo. The Fine Arts Hotel Brera Academy is currently being built in Milan’s Bovisa district by the company Classimmobili. It was designed with the objective of combinng a hospitality structure with an art gallery. The unusual features of the hotel were the works of art by the young artists attending the Academy of Fine Arts in Brera. “The philosophy behind this project was to return Brera to the heart of the Milan city life” explained Andrea Del Guercio, lecturer at the Brera Academy and art director for the Fine Arts Hotel, coordinator of

the groups of students who produced the first 250 pieces used to decorate the bedrooms and the common areas.

Large canvases in the bedrooms and the corridors, statues, decorative pieces, fabrics, ceramic, glass and ornaments can all be purchased by guests staying at the Fine Art Hotel.

For the illumination, Architect Victor Vasilev opted for light fittings that would provide technical ilumination without altering the custom-designed layout and furnishings.

The lighting design was inspired by the philosophy that guides the entire project, oriented to a process of integration between architecture, interior design and contemporary art.

The widespread use of Buzzi & Buzzi

Il 5 elemento. L’arte si fa spazio.

Le Resine Creative Gobbetto danno più spazio all’Arte. Il mix vincente di alchimia, ricerca, creatività e rispetto dell’ambiente. Molti architetti, designer ed artisti hanno trovato tutte le soluzioni più efficaci e innovative per qualsiasi spazio.

Interni ed esterni. Benvenuto alla scoperta del 5° elemento.

Interpretato da Raymundo Sesma

50 years of

via Carroccio 16 Milano +39 02 8322269 www.gobbetto.com

creative resins

CONTRACT

of their hospitality structure by exploiting low cost, quality design”.

The idea is straightforward: the creativity of some young enterprising architecure studios is combined with the efficiency and flexibility typical of the company’s production structure.

Each of the studios selected developed turnkey designs, with markedly original materials, furniture, accessories, illumination technology and coatings.

The following took part: studio iarchitects, a heterogeneous group of architects and designers, founded

by Davide Cumini, Francesco Isabella, Pietro Perego and Filippo Peterlongo, who have created a synergy of competences and produced a project

LOW COST DESIGN

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Low Cost Design è un progetto che nasce da Uno Contract, azienda italiana con sede a Pramaggiore (Ve), leader nella produzione di arredi, in grado di fornire soluzioni chiavi in mano unitamente a una vasta gamma di servizi dedicati al settore del contract: dagli hotel ai complessi residenziali e agli spazi pubblici in genere. “Low Cost Design – afferma Sergio Tobaro, presidente del Gruppo PMT e di Uno Contract – è un progetto che abbiamo intrapreso seguendo un modello di business innovativo: nasce per rispondere a un’esigenza fortemente espressa dal mercato e cioè quella di dare la possibilità agli hotel di fascia media e medio alta di rinnovare e riqualificare la propria struttura ricettiva attraverso la qualità del design a basso costo”. L’idea alla base del progetto è semplice: combinare la creatività di alcuni intraprendenti e giovani studi di architettura con l’efficienza e la flessibilità tipica della struttura produttiva dell’azienda. Ognuno degli studi selezionati ha così sviluppato idee progettuali chiavi in mano, dotate di un forte contenuto di originalità nella scelta dei materiali e dell’arredo, dei complementi, dell’illuminotecnica, dei rivestimenti. Hanno partecipato: lo studio iarchitects, un gruppo eterogeneo di architetti e designer, fondato da Davide Cumini, Francesco Isabella, Pietro Perego e Filippo Peterlongo, che collaborano creando una sinergia di competenze rendendo un progetto completo sotto ogni aspetto; lo studio H.C.E. and Partners, una società di consulenti, architetti e ingegneri specializzati nella progettazione e consulenza integrale per l’industria turistica in Italia e all’estero; FPA Franzina+Partners (Franzina Partners architettura), uno studio tecnico multidisciplinare, composto da architetti, ingegneri, designer e manager, in grado di offrire un’ampia gamma di servizi, prodotti e nuovi format di business nel campo dell’architettura, dell’ingegneria civile e dell’allestimento di interni; infine, AtelierTerritorio, in cui le competenze di architettura, urbanistica, marketing, comunicazione e design si incontrano per cucire soluzioni su

misura nell’ambito dello sviluppo territoriale. In definitiva, il progetto LCS Low Cost System è un sistema modulare, che può essere applicato a tutte le tipologie di camera e prevede l’impiego di un sistema costruttivo stratificato capace di ottimizzare le esigenze gestionali e funzionali degli ambienti in cui viene impiegato, consentendone inoltre la personalizzazione. Con la sicurezza di diverse garanzie: un prezzo ragionevole già predefinito al momento dell’acquisto, con tempi certi di esecuzione, nessuna necessità di interventi murari, un unico referente responsabile di tutte la fasi della realizzazione, e soprattutto un risultato di qualità. www.unocontract.it (P. R.)

Low Cost Design is a project created

by Uno Contract, an Italian company based in Pramaggiore (Ve), a market leader in the production of furnishings and a company in the supply of turnkey solutions combined with a wide range of services associated with the contract sector: from hotels to residential complexes and public amenities in general. According to Sergio Tobaro, President of the PMT Group and Uno Contract: “Low Cost Design is a project that we have developed according to an innovative business model: it was devised to satisfy a clear market demand; it gives hotels in the middle categories the possibility of refurbishment and requalification

that is complete under every aspect: studio H.C.E. and Partners, a group of consultants, architects and engineers specialized in the design and full-circle consulting for the tourist industry across Italy and on the international markets; FPA Franzina+Partners (Franzina Partners architecture), a multidisciplinary technical studio of architects, engineers, designers and managers, who are in a position to offer a wide range of services, products and a new business format in the fields of architecture, civil engineering and interior design; and finally, AtelierTerritorio, which blends architecture, urban planning, marketing, communication and design to produce customized solutions for territorial development. The modular LCS Low Cost System can be applied to every type of room; it exploits a stratified construction system that can optimize the management and functional requirements of the specific ambiences, with excellent margins for a customized result. The project also offers a number of guarantees: a reasonable price which is calculated at the time of purchase, guaranteed completion times, no brickwork required, a single site manager as a reference figure for the entire duration of the project and more importantly, a top-quality result. www.unocontract.it (P. R.)

CONTRACT ONE

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Il gruppo Del Tongo presenta ONE una fotogallery che raccoglie il meglio della produzione della Divisione Contract dell’azienda. La pubblicazione si inserisce nel discorso più ampio di Fit Out: fornire esattamente ciò che serve (in modo letterale), ovvero tagliare su misura del cliente un progetto chiavi in mano, realizzato seguendo un rigoroso metodo di lavoro, attraverso una linea produttiva all’avanguardia.

ONE è una vera e propria raccolta dell’eccellenza e della progettualità in continuo movimento della Divisione Contract Del Tongo affermatasi sin dagli anni Sessanta e che ha raggiunto nel tempo una dimensione industriale di livello internazionale. Il volume propone 14 realizzazioni sul territorio italiano ed europeo nel settore alberghiero, la testimonianza del contributo in Abruzzo – a dimostrazione di un’azienda che è in grado di affrontare progetti in grande scala – e di alcune forniture residenziali private a Los Angeles. La collaborazione con architetti di primo piano come Lorenzo Bellini, Mario Botta, Maurizio Cerutti, Elio Di Franco, Fabrizio Lazzati, Simone Micheli, Renzo Piano, Philippe Starck, Emanuele Svetti, Matteo Thun rappresenta infine la miglior testimonianza dell’alto livello di know-how del gruppo Del Tongo. ONE è un percorso corale, un ricco mosaico di interventi e progetti, frutto della collaborazione con i più importanti protagonisti del mondo del progetto, della produzione, della ricerca e del real estate. Con il progetto firmato romanoassociati.com, il volume, curato nei minimi dettagli e con un concept grafico raffinato e moderno, dà ampio spazio alle immagini. Una galleria fotografica che racconta in modo efficace le diverse tipologie di soluzioni e sottolinea il frutto della sinergia e dell’esperienza pluriennale dell’azienda con progettisti e designer; è la dimostrazione di come l’unione fra produzione e progettazione sia determinante per la definizione corretta del prodotto finale. Nelle foto, Pitti Immagine, Firenze, progetto di Elio Di Franco, ph: Walter Monti. www.gruppodeltongo.com (L. C.)

The Del Tongo group presents ONE, a photogallery that illustrates the best products from the company’s Contract Division. The pubblication is part of the broader Fit Out context – to supply exactly what is needed (literally), or rather, creating a custom-built, turnkey project, produced according to a strict work procedure, with an avantgarde production line. ONE is a collection which focuses on the excellence and the ongoing design research of the Del Tongo Contract Division; the company made its mark initially in the Sixties and over time achieved international acclaim. The book presents 14 hospitality projects from Italy and Europe, the contribution made to the earthquake-hit Abruzzo region – showing that the company is in a position to tackle large scale projects – and some projects for private properties in Los Angeles.

Collaboration with top architects such as Lorenzo Bellini, Mario Botta, Maurizio Cerutti, Elio Di Franco, Fabrizio Lazzati, Simone Micheli, Renzo Piano, Philippe Starck, Emanuele Svetti, Matteo Thun is the best testimonial to the Del Tongo group’s high level know-how.

ONE is a complex pathway, a rich mosaic of interventions and projects, the result of collaboration with the most important protagonists in the worlds of design, production, research and real estate. With the design by romanoassociati.com, the book has

been carefully devised with an elegant modern graphic design, it allocates ample space to the images. The photogallery provides an efficacious narration of the different solutions and underlines the synergy and the long-standing experience of a company that has enjoyed profitable collaboration with designers and architects; it is the demonstration of how the union between production and design are essential for the correct definition of the final product.

In the photo, Pitti Immagine, Florence, designed by Elio Di Franco, ph: Walter Monti. www.gruppodeltongo.com (L. C.)

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CONTRACT MOSAICO DIGITALE

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A partire da un’immagine digitale, impressionata direttamente sulle tessere di un mosaico in resina, Mosaico Digitale arreda spazi e ambienti unicamente con l’immaginazione. Leggero, di semplice applicazione e in grado di riprodurre immagini su pareti, pavimenti e qualunque superficie interna o esterna, Mosaico Digitale dà vita a opere uniche, esplosioni di creatività e libertà progettuale. E ora Mosaico Digitale entra nel mondo dell’arte con un nuovo progetto, autentica estensione artistica di questo nuovo modo di fare mosaico. Con Mosaico d’autore l’arte digitale diventa fisica e tangibile; l’opera d’arte in digitale e il mosaico si fondono in una sola anima. L’originalità è spesso sinonimo di successo. E il successo passa anche attraverso vetrine internazionali di prestigio come certamente lo è la Biennale di Venezia, teatro della presentazione ufficiale del progetto Mosaico d’autore, evoluzione naturale di Mosaico Digitale e del concetto stesso di arte. Per l’occasione Salvatore Pepe ha invitato alcuni ospiti d’eccezione – architetti, artisti, critici – a testimoniare le proprie esperienze con Mosaico Digitale. Franco Costa, fondatore e presidente di Costa Group, ha raccontato della sintonia che lo lega a Salvatore Pepe. Un’azienda dinamica e internazionalmente riconosciuta come Costa Group ha trovato in Mosaico Digitale un partner perfetto, veloce nel dialogare, capace ogni volta di creare, inventare e gestire soluzioni ad hoc. L’ultimo esempio è rappresentato dal grande centro enogastronomico Eataly a New York, i cui arredi delle zone food sono realizzati da Costa Group in collaborazione con Mosaico Digitale per i banconi e i rivestimenti.

L’idea di Eataly – chiaro il gioco di parole tra Italy e eat (mangiare) – è quella di un department store di lusso con arredi creati ad hoc da Costa Group e corner che vendono le eccellenze culinarie italiane e locali. Tra i relatori, l’architetto veneziano Giampaolo Cammarata, curatore del progetto di ristrutturazione della Paradiso

Starting with a digital image, impressed directly on the tesseras of resin mosaic, the company Mosaico Digitale decorates spaces and ambiences exclusively with its imagination. It is light and its applications reproduce images on walls, floors and any interior or exterior surface, Mosaico Digitale gives life to unique creations, explosions of imagination and design freedom.

And now Mosaico Digitale enters the art world, an authentic artistic extension of this new way of creating mosaics.

With Mosaico d’autore (Designer mosaics), digital art becomes physical and tangible; a digital work of art and mosaics fused together in a single soul.

Originality is often synonymous with success. Yet success also passes through the international windows of prestige – for example the Biennial of Venice, Gallery, all’ingresso dei Giardini della Biennale. Qui, i rivestimenti interni dei bagni, portano la firma di Mosaico d’autore. L’architetto veneziano, per l’occasione, ha selezionato Franklin’s Tower, opera realizzata dall’artista Paolo Fraternali, pittore e incisore di Urbino, docente di Tecniche dell’IncisioneGrafica d’Arte e Litografia presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia. Maurizio Favetta di Studio Kingsize architects, nel corso del suo intervento, ha parlato di Mosaico d’autore come di “un capolavoro d’ambiguità molto coerente con i nostri tempi”. A concludere gli interventi è stato il critico e curatore d’arte contemporanea Domenico Quaranta, che ha sottolineato come “non esistano tecnologie eccezionali, ma usi eccezionali delle tecnologie”. A raccordare i diversi relatori, le parole interessanti e appassionate di Salvatore Pepe secondo cui il concetto di libertà digitale equivale all’espansione stessa del concetto classico di libertà. “Oggi è possibile esprimere la propria creatività senza più alcun limite.

Gli artisti hanno a disposizione nuovi tratti, nuovi cromatismi grazie a una molteplicità di tecniche che coinvolgono contemporaneamente la pittura e la fotografia. Il connubio regala nuovi colori, nuove immagini diventando arte. L’arte digitale è anch’essa libertà. È fusione di colori. È il nuovo strumento dalle capacità infinite con il quale l’artista può comunicare le sue emozioni.

Attraverso la combinazione della tecnica fotografica e di quella pittorica può esprimere gioie, dolori, passioni, ed esasperare gli aspetti più intimi del suo essere artista. Ma la grande rivoluzione sta nel fatto che con un clic può condividere la sua arte in tutto il mondo ed emozionarci in tempo reale. L’arte è diventata interattiva”. www.mosaicodigitale.it (L. C.)

the stage for the official presentation of the project Mosaico d’autore, the natural evolution of Mosaico Digitale and the very concept of art. For the occasion, Salvatore Pepe invited some exceptional guests – architects, artists and critics – to present their experience with Mosaico Digitale. Franco Costa, founder and President of the Costa Group, told of the bond that binds him to Salvatore Pepe. A dynamic and internationally-recognized company such as the Costa Group found the perfect partner in Mosaico Digitale, rapid dialogue, in a position to create, invent and manage ad hoc solutions. The ultimate example was the large wine and food center ‘Eataly’ in New York, with the counters and the coatings in the food department produced by the Costa Group in collaboration with Mosaico Digitale. The idea of Eataly (a play on the words Italy and Eatery) was to create a luxury department store with ad hoc furnishings created by the Costa Group and corners that sell Italian and local culinary delicacies. One of the speakers, Venetian architect Giampaolo Cammarata, supervised the restructuring project of the Paradiso Gallery, located at the entrance to the Giardini of the Biennial. Here the bathrooms were decorated with the Mosaico d’autore products. For the occasion, the Venetian architect chose Franklin’s Tower, a work of art by the artist Paolo Fraternali, painter and etcher from Urbano, a lecturer in Techniques of Artistic Graphic Etching and Lithographic at the Academy of Fine Arts in Venice. During his talk, Maurizio Favetta of Studio Kingsize Architects described Mosaico d’autore as a “masterpiece of ambiguity that is coherent with modern times”.

The talks were concluded by the critic and curator of contemporary art, Domenico Quaranta, who emphasized that ‘there is no such thing as exceptional technology, just the exceptional use of technology”. The talks by the various speakers were linked by the interesting and passionate words by Salvatore Pepe who considers the concept of digital freedom as the expansion of the classical concept of liberty. “Today, it is possible to express unrestricted personal creativity. The artists have new lines, new colors available to them thanks to techniques that simultaneously involve painting and photography. This combination produces new colors and new images that are transformed into art. Digital art is also a form of freedom. It is the fusion of colors. It is a new instrument with infinite capacity which the artist uses to communicate his emotions.

Using a combination of photographic techniques and painting, it is possible to express joy, pain, passion and exacerbate the most intimate aspects of being an artist. However, the major revolution is that art can be shared across the world by a click which will provide real time emotions. Art has become interactive”. www.mosaicodigitale.it (L. C.)

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ART

Così l’animo itinerante è tradotto, in Yielding Stone (1992), in una palla di plastilina del suo stesso peso corporeo, che Orozco fa rotolare per le strade di New York imprimendovi senza regola la memoria, i cambiamenti fisici e tutto ciò che nel percorso vi rimane incollato, proprio come accade nella vita. L’ironia e il gusto per l’esagerazione appaiono chiari in una delle sue più famose installazioni, La DS (1993), riproduzione di una Citroen DS che l’artista ha sezionato in tre parti per eliminarne il nucleo centrale e drammatizzare l’iconico disegno dell’automobile, ormai impossibile da usare. Ancora ironia, più poetica e delicata, nelle opere fotografiche come Breath on the Piano (1993) che mostra l’alone dell’alito condensato dell’artista su un pianoforte. La mostra, curata da Jessica Morgan, è stata organizzata in collaborazione con il team del MoMA di New York. Arriverà a Londra dopo le trasferte al Kustmuseum di Basilea, e al Centre Pompidou di Parigi (fino al 3 gennaio). www.tate.org.uk (S. S.)

sculptures, designs, photographs and installations. Starting with natural or man-made articles that attracted his attention and stimulate his imagination, Orozco experimented feverishly, transferring his personality into the physical or emotional characteristics of his creations, in an ironic journey marked by subtle intelligence. Yielding Stone (1992) expresses his nomadic soul which has been translated into a ball of plasticine weighing the same as the artist.

Orozco rolled it along the streets of New York collecting the physical changes and everything else that ahdered to it on its journey, symbolically expressing what forms the memory baggage of a man’s life.

The irony and the orientation to

GABRIEL OROZCO

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Fedele alla qualità della sua programmazione, la Tate Modern di Londra ospiterà, dal 19 gennaio al 25 aprile 2011, un’ampia retrospettiva dell’artista messicano Gabriel Orozco, figura centrale dell’arte contemporanea dell’ultimo decennio. Orozco, nato a Jalapa nel 1962 e formatosi presso l’accademia di arti plastiche di Città del Messico, decise di lasciare il paese nel 1986 per trasferirsi in Spagna, a Madrid. Da allora il suo spirito itinerante lo ha portato a viaggiare senza sosta in ogni angolo del globo e assorbire la cultura e l’energia dei posti dove ha vissuto: dal Costarica al Brasile, da New York a Parigi. La mostra presentata alla Tate Modern si propone di individuare tutte le sfaccettature di un artista che non è mai stato possibile inquadrare in un determinato movimento e che ha sperimentato con diversi media, libero da condizionamenti concettuali e formali di qualsiasi genere. Saranno oltre ottanta le opere presentate tra sculture, disegni, fotografie e installazioni. A partire da oggetti che attraggono la sua attenzione e stimolano il suo immaginario, che siano naturali o fabbricati dall’uomo, Orozco impone un intervento sperimentale, trasferendo la propria indole nelle caratteristiche fisiche o emotive dei suoi soggetti in un viaggio ironico e di sottile intelligenza.

Faithful to the quality of its programming, between January 19th and April 25th 2011, London’s Tate Modern Gallery will host a retrospective exhibition on the Mexican artist Gabriel Orozco, a key figure of contemporary art over the last decade.

Orozco was born in Jalapa in 1962 and studied at the Academy of Plastic Arts in Mexico City. In 1986, he moved to Madrid in Spain and his nomadic spirit took him traveling to every corner of the globe. He absorbed the culture and energy of every place he visited: from Costarica to Brasil, from New York to Paris. The exhibition presented at the Tate Modern aims to identify the different faces of an artist who has never been classed in a specific movement. Over the years he experimented different movements and was free from any form of conceptual and formal conditioning. More than 80 of his works are on display –

exaggeration are clearly visible in one of his most famous installations ‘DS (1993), a reproduction of a Citroen DS vehicle. The artist sliced the car into three parts to eliminate the central nucleus and enhance the iconic design of the vehicle, which can no longer be used. A more poetic and delicate irony can be perceived in the photographs Breath on the Piano (1993) which show the condensation of the artist’s breath on the surface of a piano. The exhibition was organized

by Jessica Morgan in collaboration with the team of New Yorks’ MoMA. It will reach London following stopovers at the Kustmuseum in Basel, Switzerland and at the Centre Pompidou in Paris France (until January 3rd). www.tate.org.uk (S. S.)

GUSTAV METZGER. DECADES 1959-2009 Prosegue fino a gennaio 2011 la prima grande retrospettiva dedicata presso un’istituzione pubblica italiana ai cinquant’anni di attività di Gustav Metzger (Norimberga, Germania 1926) ospitata dalla Fondazione Galleria Civica di Trento, in collaborazione con la Serpentine Gallery di Londra. Le opere in mostra, selezionate dall’artista per gli spazi della Fondazione, ripercorrono le tappe salienti della sua ricerca, attraverso i temi e le metodologie del suo fare arte, dal 1959 a oggi, dalle opere della serie Cardboards del 1959 alle opere auto-distruttive e auto-creative degli anni Sessanta, dal Liquid Crystal Enviroment ideato nel 1965 alle Historic Photographs degli anni Novanta (concepite in riferimento ai principali eventi del XX secolo), insieme ai film delle principali performance e azioni. Diversi lavori, che non esistono più a causa del loro carattere effimero, così come alcune opere autodistruttive, sono state realizzate nuovamente per la mostra, mentre altri interven-

destructing works have been reproduced for the exhibition; others have been presented simply as documentary evidence.

At just over 80 years of age, Metzger is recognized as an acutely aware and sensitive witness of Twentieth-century history. As the Western world enjoyed great prosperity following World War II, Metzger was one of the first artists to raise the alarm regarding contemporary progress. Through various strategies – works of art, performances and publications – Metzger used his art to show the world the frightening consequences of this madness and to remind Man ti sono presentati sotto forma di documentazione. A poco più di ottant’anni Metzger può essere riconosciuto come un testimone profondamente consapevole e sensibile della storia del XX secolo e dei primi anni del XXI. Se il mondo occidentale, a partire dal Dopoguerra, è stato caratterizzato da crescente ricchezza e grande prosperità, Metzger è stato tra i primi artisti a porre un serio allarme nei confronti del progresso contemporaneo.Articolando diverse strategie, che comprendono, oltre alle opere, anche manifestazioni performative e pubblicazioni, Metzger ha assunto quale missione della sua arte la possibilità di mostrare al mondo le spaventose conseguenze di questa follia e di non perderne memoria sotto l’effetto della cronaca. L’attività espositiva si accompagna a una serie di iniziative (incontri con il pubblico, workshop, seminari, pubblicazioni e produzioni audiovisive) che permettono alla Fondazione di partecipare al sistema museale trentino cooperando, allo stesso tempo, con le principali istituzioni museali e i principali centri di formazione artistica nazionali e internazionali. www.fondazionegalleriacivica.tn.it (L. C.)

The major retrospective exhibition dedicated to 50 years of professional activity by Gustav Metzger will continue until January 2011.

It has been housed in the Civil Gallery Foundation in Trento and was organized in collaboration with London’s Serpentine Gallery.

The works on display were selected by the artist for the exhibition in the Foundation; they document the most important phases of his research, through the specific themes and the methods he uses to create art. The period spans five decades, from 1959 to the present day, from the works in the 1959 Cardboards series to the self-destructive and auto-creative works of the Sixties, from the Liquid Crystal Environment invented in 1965 to the Historic Photographs of the Nineties (inspired by the main events and catastrophes of the TwentiethCentury), along with film clips of important performances and actions.

A number of pieces which no longer exist because of their ephemeral nature, and some of the self-

to remember it under the incessant bombardment of the press.

The exhibition is accompanied by a series of initiatives (meetings with the public, workshops, seminars, publications and audio-visual productions) which allow the Foundation to become a part of the Trentino museum system, and cooperate with the main Italian and international museums and training centers. www.fondazionegalleriacivica.tn.it (L. C.)

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ART MODIGLIANI A TRE DIMENSIONI

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Livornese di nascita ma parigino di adozione, Amedeo Modigliani ha incarnato alla perfezione l’ideale dell’artista bohemienne. Trasferitosi nel 1906, a 22 anni, in una piccola abitazione-atelier nel quartiere di Montmartre, si trova subito al centro della vita culturale dell’epoca, divenendo amico di famosi intellettuali. Per la sua evoluzione artistica è stata particolarmente importante la frequentazione di Costantin Brancusi. Questo, appassionato di arte africana, ha probabilmente trasmesso la passione per il primitivismo al giovane Modì, che negli anni tra il 1911 e il 1913 smise di dipingere per dedicarsi completamente alla scultura. I tratti tipici delle sue tele vengono trasposti sulla pietra, colli lunghi, volti dai tratti semplificati fanno somigliare queste opere a arcaiche steli votive. Questa fase artistica di Modigliani è ancora relativamente sconosciuta anche perché ci sono pervenute solamente poche opere in pietra di sicura attribuzione, circa 25, e una in legno. L’occasione per conoscere meglio Modigliani scultore è data dalla mostra in programma al Mart di Rovereto dal 18 dicembre al 27 marzo. Il progetto è curato da Gabriella Belli, con il supporto di un comitato scientifico coordinato da Flavio Fergonzi e Alessandro Del Puppo, di cui fanno parte Brigitte Léal, Eike Schmidt e Kenneth Wayne. L’esposizione si basa soprattutto sulla classificazione delle opere redatta da Ambrogio Ceroni nel 1956, rivista e aggiornata in base al ritrovamento di nuove testimonianze.

Viene inoltre ricostruita la fortuna critica e collezionistica delle opere, specie nel decennio successivo alla morte dell'artista. Il lavoro del Mart chiarisce anche questioni ancora irrisolte, come la sequenza temporale di esecuzione delle sculture, e quella del rapporto esistente tra queste ultime e i disegni preparatori. www.mart.trento.it (S. F.)

MODIGLIANI IN 3-D

Born in Livorno but Parisien by choice, Amedeo Modigliani can be described as the incarnation of the ideal Bohemien artist. In 1906, when he was just 22 years of age, he moved to a small apartment-atelier near Montmartre; he rapidly became involved in the cultural life of the period and was friends with many famous intellectuals. His artistic evolution was greatly influenced by his associations with Costantin Brancusi, who was passionate about African art.

He probably transmitted the young Modigliani’s passion for primitivism.

Between 1911 and 1913, Modì stopped painting to dedicate all his energy into sculpture. The classical figures depicted on the canvases were transferred to stone – the long necks, the faces with simplified features were reminsicent of archaic votive rods. This phase of Modiglian’s artistic development is still relatively unknown, partly because there are only a few pieces – approximately 25 – in stone and one in wood that have certain provenance. An exhibition scheduled at Mart in Rovereto between December 18th and March 27th provide a wonderful opportunity for learning

more about Modigliani, the sculptor.

The project was supervised by Gabriella Belli, supported by a scientific committee coordinated by Flavio Fergonzi and Alessandro Del Puppo; Brigitte Léal, Eike Schmidt and Kenneth Wayne assisted the organization. The exhibition is based largely on the classification of the works of art drafted by Ambrogio Ceroni in 1956; over the years this has been reviewed and updated on the basis of new discoveries, finds and testimonies. The works, their evaluation and how they were collected is also examined, with particular focus on the decade immediately after the artist’s death.

The exhibition held in the Mart museum also clarifies many unanswered questions, such as the temporal sequence of when the sculptures were created, and the relationship that exists between these and the preparatory drawings. www.mart.trento.it (S. F.)

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ART MARAVEE DOMUS

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Intitolata Domus, l’edizione 2010 di Maravee – la rassegna ideata e diretta da Sabrina Zannier, che dal 2002 apre prestigiose location storiche del Friuli Venezia Giulia all’arte contemporanea mettendo in scena con mostre, performance e spettacoli le opere dei più innovativi artisti regionali, italiani e stranieri, raccolti annualmente sotto uno specifico tema – si eleva a concreto esempio di collaborazione fra pubblico e privato nel sostegno e nella diffusione dei progetti culturali radicati nel territorio e aperti all’internazionalità. Con la partnership di Gervasoni, fino al 12 dicembre 2010, il Castello di Susans a Majano (Udine) si trasforma in luogo di suggestiva visionarietà creativa.

Un’unica sede, entro la quale si concentra una ricca programmazione, per mettere in scena idee, modi e scenari per una complessiva narrazione sulla visionarietà dell’abitare. La narrazione visiva e sonora si espande nei tre piani del castello dando corpo a tre mostre in cui artisti e designer provenienti da Italia, Svezia, Austria, Inghilterra, Germania, Argentina e Olanda proporranno insoliti modi di guardare e abitare l’ambiente domestico, fra lirismo e ironia. Seguendo lo spirito di una creatività nata dall’affondo nell’esistenza dei giorni, che contraddistingue l’identità di Maravee, fotografie, installazioni, sculture e oggetti di design mettono in scena la visionarietà che nasce dal ribaltamento del quotidiano e dalla poetica dell’ordinario. Le tre sezioni del percorso espositivo propongono tre diverse declinazioni del concetto di visionarietà dell’abitare. Per la mostra intitolata ‘Dove abito?’ cinque artisti – gli italiani Bruno Muzzolini, Odinea Pamici, l’austriaco Helmut Grill, l’argentina Silvia Levenson, lo svedese Palle Torsson – creano ognuno un’installazione ambientale trasfigurando una sala del castello per proporre singolari modi di abitare le stanze di casa. Da un interattivo percorso entro corridoi e stanze che propongono un viaggio teso tra realtà e fiction cinematografica, alle case-scultura che ironicamente ammiccano alla commistione comunicativa della pubblicità; da una sontuosa e viscerale camera da letto a una fragile e poetica stanza dei giochi, all’interrogativo posto dalla mostra gli artisti rispondono inscenando mondi in cui la sorpresa ha il sapore dolce e al contempo pungente dell’ironia. Con la

mostra fotografica intitolata ‘Abitare modi e luoghi’, sei artisti – le italiane Eva Frapiccini, Cristina Galliena, Odinea Pamici, l’austriaco Helmut Grill, la tedesca Karen Knorr e l’inglese Leonie Purchas – presentano altrettante modalità di vivere l’ambiente domestico, inteso nella sua dimensione interna ed esterna. Luoghi fotografati nella loro oggettività esistenziale, connotati dalla presenza di coloro che li abitano, dove l’arredo, gli oggetti e le persone stesse narrano differenze culturali e sociali.

Anche nei casi in cui gli interni domestici appaiono privi di presenze umane, perché la caratterizzazione dei luoghi fotografati si eleva essa stessa a narrazione esistenziale. In altri casi ancora, gli interni o gli esterni delle case mettono invece in scena una vera e propria trasfigurazione in cui il senso dell’abitare si eleva a creazione visionaria da parte dell’artista. La mostra di piccole sculture e oggetti di design intitolata ‘Gesti e cose da abitare’ punta l’attenzione sul valore simbolico e funzionale di piccoli oggetti legati al vivere quotidiano, ammiccando sia alle gestualità che chiamano in causa quelli legati a una precisa funzionalità sia al ribaltamento di senso o di funzione suggerito dall’artista o dal designer. Con le opere degli italiani Bertozzi & Casoni, Corrado Bonomi, Belinda De Vito, Donatella Spaziani, l’olandese Kiki Van Eijk, l’argentina Silvia Levenson e l’austriaco Helmut Grill, la mostra propone un curioso percorso al piano terra del castello, dove tra luci e ombre affioreranno lavorazioni certosine di materiali pregiati, come il vetro di Murano e la più raffinata porcellana, a fianco di materiali e oggetti riciclati. (L. C.)

The 2010 editon of Maravee has been entitled Domus. This event was created and organized by Sabrina Zannier, who since 2002 has opened prestigious historical locations in Italy’s Friuli Venezia Giulia region to contemporary art. She has done this through exhibitions, performances and events which present the most innovative local, Italian and international artists. Every year the works are grouped under a specific theme and present a concrete example of collaboration between the public and private sectors in support of and to promote the cultural projects that

are deeply-rooted in the territory yet open to an international calling.

In partnership with Gervasoni, until December 12th 2010, the Castle of Susans in Majano (Udine) is transformed into a place of suggestive visionary creativity. This single location concentrates the rich program of events, presenting ideas, methods and scenarios for a detailed narration of futuristic living. The story in sound and vision extends throughout the three floors of the castle and gives rise to three exhibitions where artists and designers from Italy, Sweden, Austria, Great Britain, Germany, Argentina and the Netherlands will suggest unusual ways to observe and experience the home – a mixture of harmony and irony. It outlines the spirit of creativity which dates back to the dawn of time which marks the identity of Maravee, photographs, installations, sculptures and design articles present the visionary definition that exudes from the upset of everyday routine and the poetry of the ordinary.

The three sections of the exhibition pathway present three different visionary living concepts. For the exhibition called ‘Dove abito?’ (Where do I live?) five artists – Italians Bruno Muzzolini and Odinea Pamici, Austrian Helmut Grill, Argentinian Silvia Levenson, Swede Palle Torsson – each created an environmental installation by transfiguring one of the castle’s halls to present unique ways of living the various ambiences in the home. From the interactive pathway through corridors and rooms that

suggest a trip between reality and cinema fiction, to the home-sculpture which ironically beckons to advertising communication; from the sumptuous and visceral bedrom to a fragile and poetic playroom, to the questions raised by the exhibition; the artists responded by recreating worlds where surprise has the sweet, sharp taste of irony. With the photographic exhibition called ‘Abitare modi e luoghi’(Living fashions and places), six artists – Italians Eva Frapiccini, Cristina Galliena and, Odinea Pamici, Austrian Helmut Grill, German Karen Knorr and Brit Leonie Purchas – presented ways of living in the home, intended as its internal and external dimension. The locations have been immortalized in their objective existence, colored by the people who live there, where the furnishings, the articles and the people express the cultural and social differences. This applies even in the cases where the homes appear to lack human presence, because the features of the locations immortalized in photographs can be interpreted as the existential narration. In other cases, the interiors or the exteriors of the homes present the true transfiguration where the sensation of living is raised to level of visionary creation by the artist. The exhibition of small sculptures and design articles is called ‘Gesti e cose da abitare’ (Living gestures and articles) draws attention to the symbolic and functional value of small items used in everyday life, referring to the gestures, the precise functions and also upsetting the meaning or functions suggested by the artist or designer. Through the works of artists – Italians Bertozzi & Casoni, Corrado Bonomi, Belinda De Vito and Donatella Spaziani, Dutch designer Kiki Van Eijk, Argentinian Silvia Levenson and Austrian Helmut Grill, the exhibition presents a curious route on the ground floor of the castle; amidst light and shadows, Certosina works come into view – in precious materials such as Murano glass or elegant porcelain alongside recycled waste and discarded articles. (L. C.)

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DAL MONDO

caso di bisogno si possono accendere delle simpatiche lampadine a bulbo, montate su portalampade neri lasciati liberi di ondeggiare sopra i clienti. Dell’edificio originale è stato mantenuto il soffitto a cassettoni, che si intona a meraviglia col resto dell’ambiente. (F. T.)

SEMPLICITÀ A COLAZIONE

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Un ristorante accogliente, pensato per studenti universitari, in un ambiente semplice dal design minimale. Quando dei giovani progettisti lavorano per studenti della stessa età il risultato è garantito. Conoscono aspettative, bisogni e, soprattutto, i gusti delle persone che devono accontentare. E così quando il gruppo di Outofstock, un collettivo di designer internazionale nato nel 2006, composto da uno spagnolo, un argentino e due giovani di Singapore, è stato contattato per realizzare gli interni di un bar per universitari, il successo era assicurato. Il ristorante Hatched è un’accogliente caffetteria, che serve colazioni durante tutto l’arco della giornata. La specialità della casa sono le uova, cucinate in tantissimi modi diversi. Il locale si trova al piano terra di un dormitorio per studenti costruito negli anni Cinquanta, a pochi passi dalla sede della facoltà di legge di Singapore. La prima sfida, affrontata e superata con successo dal team di Outofstock, è stata quella di inserire la cucina e trentotto posti a sedere in uno spazio di soli cinquantotto metri quadri. L’interno è stato diviso in due: una parte centrale con tavoli lunghi, dove sedersi in compagnia, e un’area con tavolini di dimensioni minori e un’originale parete trasformata in una grande lavagna, dove tutti possono scrivere i loro pensieri e lasciare messaggi. L’arredamento è semplice: tavoli, bancone e sedute sono tutti di legno chiaro, così come i pannelli che nascondono la vetrata che dà sull’esterno, in cui sono intagliate delle sagome di uova oversize. L’illuminazione naturale è abbondante, ma in

SIMPLICITY IS ON THE MENU A cozy restaurant designed with the university students in mind, created in a simple ambience of minimal design.

When young designers work for students of the same age, excellent results are guaranteed. The designers will be familiar with the expectations, the desires and particularly the tastes of the people on the receiving end of their designs. So when ‘Outofstock’, a group of international deisgners founded in 2006, consisting of the Spaniard, an Argentinan and two young creatives from Singapore, was commissioned with the interiors for a bar frequented by university students, success was definitely on the cards.

The restaurant ‘Hatched’ is a lovely coffee bar which caters throughout the day. The specialties are eggs cooked in a number of different ways. The bar is located on the ground floor of student

halls of residence that were built in the Fifties, a stone’s throw from Singapore University’s Law Faculty. The first challenge faced by the Outofstock team was to include a kitchen and 38 place settings in a space of just 58 sq.m. The team’s ideas were an

immediate success: the area was split into two – a central part with long tables for groups and a part with smaller tables and an original wall transformed into a large blackboard, where all the guests can add their thoughts or leave a message.

The furnishings are simple: the tables, counter and seating have all be produced in pale wood. This material has also been used in the panels that hide the window overlooking the street; oversize egg shapes have been cut in the panels. Lots of natural light floods the bar; however if required delightful lamps can provide ilumnation. These have been mounted on black bulb holders and waft freely above the customers’ heads.

The ceiling of the original building has been maintained and blends beautifully with the clean lines of the ambience. (F. T.)

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REPORT

NUOVI OGGETTI DI DESIGN

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Fondata nel 1962 a Seregno da Enrico Santambrogio, Res è sempre più riconosciuto come punta di diamante del made in Italy. Importanti progetti di interior design sono stati realizzati con forniture delle collezioni Res; tra i più prestigiosi gli uffici Estée Lauder Cosmetics di New York, il complesso immobiliare Palais Liegi a Roma, la sede Belstaff di Mogliano Veneto, oltre a ville private e un castello vicino Londra.

Negli ultimi anni la direzione creativa e il design di Massimo Cavana, art director del marchio, hanno avuto un ruolo di primo piano nello sviluppo dell’immagine e degli obiettivi aziendali. Tra gli ultimi esempi, Miss, progetto di Cavana e Santambrogio, e Levia, design UTR. La prima è una porta battente o a scomparsa in tamburato caratterizzata dal sistema rivoluzionario di cerniere, dalla possibilità di decidere il senso di apertura al momento del montaggio, dall’utilizzo di uno stipite immurato, e dalla serratura a magnete. La semplice installazione è un punto di forza di questo sistema, soprattutto perché permette di invertire il senso di apertura con molta facilità. La seconda, Levia, è un sistema di porte battenti, scorrevoli e a scomparsa, pensate per gli spazi contemporanei in cui eleganza e design convivono in armonia. Il pregio dei materiali, la ricerca della perfezione in ogni dettaglio costruttivo, l’originalità nelle forme fanno di Levia una novità nel campo delle porte per interni. Una volta c’era la porta. Oggi la tecnologia progettuale più avanzata e la ricerca sui materiali, lo studio dell’interior design e dell’ergonomia hanno permesso a Res di realizzare porte inedite e innovative, grazie al forte impatto formale e tecnico. La porta diventa un oggetto di design, una scultura, un elemento che si fonde con l’ambiente, a volte scomparendo, a volte imponendosi come protagonista. www.resitalia.it

NEW DESIGN ITEMS Founded in Seregno in 1962 by Enrico Santambrogio, Res has always carried the banner for Made in Italy design.

Important projects of Interior Design have been created using products from the Res collections; among the most prestigious are the offices of EstÊe Lauder Cosmetics in New York, the real estate complex Palais Liegi in Rome, the Belstaff headquarters in Mogliano Veneto, in addition to private villas and a castle close to London. In recent years, the creative direction and the designs by Massimo Cavana, art director for the brand, have played a primary role in the development of the corporate image and driven the company’s achievements. One of the most recent examples is the product Miss designed

by Cavana & Santambrogio, and Levia, designed by UTR. The former is a sidehung or in-wall door in hollow-core panel characterized by a revolutionary hinge system, with the option of choosing the way the door opens as it it being installed, the use of a special frame and magnetic closure components. The straightforward installation is the article’s major strong point, particularly as it allows easy inversion of the opening direction.

The latter, Levia, is a system of sidehung, slide and in-wall doors, designed for contemporary spaces where elegance and design live in

harmony. The quality of the materials used, the quest for perfection in every construction detail, the originality of the shapes transform Levia into an innovative addition to the interior doors market. Once upon a time there was a door. Now advanced design technology and research into materials, the interior design projects and ergonomics have allowed Res to create original and innovative doors, with a powerful technical impact. The door is promoted to design article to all effects, a sculpture, an element which blends beautifully with the surroundings, disappearing from view and then re-appearing to take centerstage. www.resitalia.it

Levia scorrevole/slide; Miss a scomparsa/ in-wall doors. Nella pagina accanto/ On the opposite page, Miss battente/ side-hung.

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REPORT

MLE: LUCE PER RESORT CONTEMPORANEI

Sviluppato su 80 ettari di terreno di fronte alla spettacolare isola di Tavolara, il Travel Charme Resort Grande Baia è indubbiamente uno dei più interessanti resort hotel realizzati in Italia: un’operazione di largo respiro che comprende 138 unità tra camere e suite, un residence di 120 appartamenti, una vasta SPA,

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La guest relation area con la lampada Oliver.

In alto, il lounge bar. A lato, in alto, la camera illuminata con prodotti custom made, e uno scorcio del bagno con lo specchio BENTLEY. The guest relation area with the lamp Oliver.

Top, the lounge bar. To the side, top, the room illuminated with custom-made fittings, and a shot of the bathroom with the BENTLEY mirror.

e un golf club in progress, della quale MLE ha realizzato l’illuminazione con ampio ricorso a soluzioni personalizzate.

La struttura è fortemente connotata dall’interior design firmato da Lorenzo Bellini, che, nel costante utilizzo di materiali naturali sapientemente accostati a elementi d’arredo di stile contemporaneo, ha dato vita a un nuovo genere di resort hotel, un mix fra tradizione ed internazionalità molto lontano dai canoni delle vicinissima Costa Smeralda. Per l’illumi-

nazione dell’albergo è stato fatto ampio ricorso a prodotti realizzati su disegno, ma anche a prodotti della collezione MLE 2010. Sono tutti custom made i prodotti che illuminano camere e suite, apparecchi dal sapore tipicamente resort in rovere decapato con diffusori in lino.

Illumina le stanze da bagno il nuovo specchio BENTLEY, estremamente innovativo per la luce perimetrale interna alla cornice, che dona il massimo comfort visivo eliminando qualsiasi effetto di

abbagliamento. L’abbondanza di luce naturale che caratterizza le aree pubbliche diviene soft, contrastata ed accogliente al calar del sole quando quella artificiale entra in gioco: ampio utilizzo di apparecchi tecnico architetturali per ottenere intriganti chiaroscuri, accostati a lampade decorative della nuova collezione quali OLIVER o LODGE, entrambe con dettagli in wengè.

(Ph: Moreno Maggi) www.mlelighting.com

MLE: LIGHTING DESIGN FOR A CONTEMPORARY RESORT

The site measures 80 hectares (200 acres) and is positioned in front of the spectacular Tavolara Island. The Travel Charme Resort Grande Baia is undeniably one of the most interesting hotel resorts ever constructed in Italy: it is a broad project which includes 138 bedrooms and suites, a residential block with 120 apartments, a huge SPA area and a golf club under completion. MLE has designed the illumination system with a large proportion of customized solutions. The special effects of the structure were injected by the interior design project by Lorenzo Bellini; thanks to his widespread use of natural materials that have been carefully matched with elements in a clearly contemporary style, a new style of hotel resort has been created, a mixture of tradition and international flavor, light years from the standard hospitality

facilities of the nearby Emerald Coast. Inside the hotel, the architects installed numerous custom products; however, they also used a number of products from the MLE 2010 collections. All of the light fittings used in the bedrooms and suites are custom-made and project a typically resort-based sensation through their oak wood bases and linen shades.

The bathrooms are illuminated with the new BENTLEY mirror units which is extremely innovative thanks to the bulbs that line the inside of the frame, providing maximum visual comfort and eliminating any glare. The abundance of natural light in the public areas becomes softer, contrasting and welcoming at sunset when the artificial light comes into play. Widespread use of architectural technical appliances creates intriguing chiaroscuro effects; these have been joined with decorative lamps – OLIVER or LODGE – from the new collection; both of these fittings have decorative details in wengè wood.

(Ph: Moreno Maggi) www.mlelighting.com

Sotto, la lobby con le nuove lampade LODGE e la library con le storiche BABY ATHENES. Below, the lobby with the new lamps LODGE, and the library with the historical BABY ATHENES.

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SEATING

ADRENALINA

ALIVAR

ARFLEX

Una seduta morbida dai colori caldi ed espressivi sostenuta da una struttura tubolare metallica: questa l’alchimia che fa di Otto, pezzo storico di Adrenalina, un prodotto innovativo, dinamico e funzionale che si presta ad essere inserito in ogni tipo di ambiente. La seduta è realizzata con cinghie elastiche intrecciate; le gambe sono in metallo cromato. La poltroncina non è sfoderabile.

L’azienda toscana propone una serie di arredi, ispirati al lavoro dei maestri del design, che puntano sulla massima risoluzione del dettaglio. Ne è un esempio la poltrona Atlanta, disegnata da Giuseppe Bavuso e caratterizzata da una struttura in acciaio cromato con rivestimento in pelle. Disponile con o senza braccioli, può essere abbinata all’omonimo pouf.

Ispirata dalla regole della simmetria, sia orizzontale sia verticale, e caratterizzata da una semplice sagoma frontale ad H, la poltroncina May appare esteticamente appagante ed ergonomicamente impeccabile. Imbottita a pozzetto, ha struttura in metallo ed è disponibile con bracciolo alto o basso, rivestimento in tessuto, pelle o cuoio.

A soft chair in warm expressive colors supported by a frame in metal piping: this is the magical mixture of Otto, a consolidated piece by Adrenalina, an innovative product that is dynamic and functional and which lends itself to inclusion in any room or furnishing style. The seat itself is a weave of elastic belts; the legs are chromeplated metal. The covers of this armchair cannot be removed.

This company from Tuscany offers its customers a series of furniture inspired by the work performed by the true Maestros of design, who focus on the fine details. One example is the chair Atlanta, designed by Giuseppe Bavuso.

It is characterized by a frame in chrome-plated steel with leather covers. Available with or without armrests, this chair can be purchased with a matching footstool.

Adrenalina p.o. box 99 47841 Cattolica (Rimini) tel. 0721 208372 fax 0721 209923 www.adrenalina.it

Alivar via Leonardo Da Vinci 118/114 50028 Tavarnelle Val di Pesa (Firenze) tel. 055 8070115 alivar@alivar.com www.alivar.com

The armchair May was inspired by the rules of symmetry in both the horizontal and vertical directons.

It is characterized by a simple H-shape from the front and is esthetically pleasing and ergonomically impeccable. Upholstered, it has a metal structure and is available with a high or low armrest, and covers in fabric, leather or hide.

edited by Maria Catena Caliri, Francesca De Ponti

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Arflex via Pizzo Scalino 1 20034 Giussano (Monza e Brianza) tel. 0362 853043 info@arflex.it www.arflex.it

ARKETIPO

B&B ITALIA

BONACINA PIERANTONIO

Un unico segno che, con continuità, definisce una sagoma sinuosa fino a risolversi in una forma confortevole quanto avvolgente. È la realtà di Love, disegnata da Carlo Bimbi. La poltroncina ha per base un disco in acciaio inox satinato e un cilindro in metallo nichelato. La struttura è in metallo verniciato, mentre l’imbottitura è in poliuretano indeformabile stampato a freddo. La seduta, alta 39 cm e con basamento girevole, sostiene un fusto ergonomico in poliuretano schiumato a freddo rivestito in vellutino.

Deve il suo nome al Marchese von Posa, eroe idealista dell’opera teatrale Don Carlos. È una versatile collezione di sedie da pranzo, poltroncine e divani disegnata da David Chipperfield secondo i più attuali criteri di lusso e raffinatezza. Il progetto nasce dall’idea di utilizzare le più avanzate tecniche di produzione industriale per realizzare sedute morbide e confortevoli mediante sezioni sottili rivestite e applicate a una struttura leggera. Ne derivano modelli dalle linee essenziali, privi di struttura a vista, monomaterici in tessuto o pelle.

Forma e oggetto ottenuti da un segno ripetuto: nasce così Ellipses, sistema di sedute componibili con cui creare diverse configurazioni. La peculiare forma ellittica riprende lavorazioni manuali della tradizione applicate a un nuovo materiale come il BoPiFil, realizzato in bianco, nero e miele. In acciaio verniciato per esterni, la struttura è disponibile nei colori bianco, nero e miele. I cuscini di seduta sono in poliestere espanso a cellula chiusa. I cuscini di schienale hanno l’interno in fiocco di fibra poliestere cava. Il rivestimento è sfoderabile.

A single sign that, with continuity, defines a sinuous outline which develops into a comfortable and enveloping shape. This is a description of Love, designed by Carlo Bimbi.

The base of the armchair is a disk in brushed stainless steel and a cylinder in nickel-plated metal. The structure is painted metal, topped with coldmolded non-deformable polyurethane.

This swivel seat is 39 cm high and supports an ergonomic casing in coldfoamed polyurethane covered in velvetine.

This versatile collection owes its name to Marquis von Posa, the idealistic hero in the opera, Don Carlos. It includes dining chairs, armchairs and sofas designed by David Chipperfield which satisfy the most avant-garde criteria of luxury and elegance. The project emerged from the idea of using the most advanced industrial manufacturing techniques to produce soft comfortable seating from thin sections that have been upholstered and applied to a light structure. What results are models with essential lines, an invisible structure and covers in fabric or leather.

Shapes and articles obtained from the repetition of a sign: this leads to Ellipses, a system of modular seating which can be arranged to satisfy any seating requirement.

The inusual elliptical shape was inspired by traditional hand procedures applied to a new material such as BoPiFil, in white, black or honey.

The seat cushions are closed-cell expanded polyester. The back cushions are filled with hollow fiber. The covers are removable.

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Arketipo spa via Garibaldi 72 50041 Calenzano (Firenze) tel. 055 8876248 info@arketipo.com www.arketipo.com

B&B Italia spa Strada Provinciale 32 2060 Novedrate (Como) tel. 031 795111 info@bebitalia.com www.bebitalia.com

Bonacina Pierantonio via Monte Grappa 66/68 20034 Giussano (Monza e Brianza) tel. 0362 86621 info@bonacinapierantonio.it www.bonacinapierantonio.it

BONALDO

BONTEMPI CASA

Dragonfly: ovvero, libellula. Non potrebbe esserci nome più appropriato per una poltrona girevole che, grazie a un semplice movimento, dispiega le sue ‘ali’ per trasformarsi in chaise longue. Il trucco consente infatti di avere a disposizione due eccellenti sedute – la poltrona e la chaise longue – che però occupano lo spazio di una sola. La struttura è realizzata in acciaio cromato; il sedile e lo schienale sono in poliuretano espanso e rivestiti in pelle. Design: Karim Rashid.

Si chiama Antares e porta la firma di Erresse Studio. In tessuto completamente sfoderabile, ha i cuscini in pelle e la struttura portante in legno massello e multistrato. La seduta è realizzata con nastri elastici intrecciati. L’imbottitura è composta da un primo strato di poliuretano espanso a densità differenziata e fibra auto-legante e da un secondo strato in waterlilly ad alta densità elastica, rivestita in fibra. I cuscini di schienale sono in piuma d’oca 100%. Il rivestimento del divano, nella versione in tessuto, si può avere con il cordino in contrasto solo nel tessuto Strike nei colori: bianco, avorio, grigio, nero, testa di moro.

Dragonfly is an appropriate name for this swivel armchair. Thanks to a simple movement mechanism it spreads its wings and is transformed into a chaise longue. This means that the home can be furnished with an armchair or a chaise longue whenever the occasion arises. The structure is chrome-plated steel; the seat and backrest are in expanded polyurethane covered in leather. Design: Karim Rashid.

Bonaldo spa via Straelle 3 35010 Villanova (Padova) tel. 049 9299011 bonaldo@bonaldo.it www.bonaldo.it

Bontempi Marchio B.Z.B. spa via Direttissima del Conero 51 60021 Camerano (Ancona) tel. 071 7300032 info@bontempi.it www.bontempi.it

BPA This chair is called Antares and was designed by Erresse Studio. The covers are completely removable, it has leather cushions and a weight-bearing structure in heartwood or multilayer.

The seat itself has been created with a weave of elastic belts. The padding consists of a primary layer of differentiated-density expanded polyurethane and self-bonding fibers with a secondary layer of fiber-covered high-density elastic waterlilly memory foam. The back cushions are flled with 100% goose down. The Strike fabric sofa covers can be decorated with a contrasting cord trim in white, ivory, gray, black, dark brown.

Ziggy fa parte di una collezione di sedute dai tratti rigorosi ed essenziali. Vanta forme ampie e accoglienti che garantiscono il massimo comfort. La struttura è in metallo con imbottitura in poliuretano stampato rivestito in tessuto protettivo accoppiato. Le gambe sono in metallo cromato con scivoli in nylon.

Nella versione in tessuto il rivestimento è sfoderabile. Nella versione in pelle il rivestimento è fisso.

Ziggy is part of a seating collection with clean essential lines. The pieces are large and cozy and guarantee maximum comfort. The structure is metal with molded polyurethane padding with a pinned protective fabric cover. The legs are chromeplated metal with nylon components.

The fabric covers are completely removable while the leather covers are fixed.

BPA International srl via Meucci 1 22060 Cabiate (Como) tel. 031 756645 info@bpainternational.com www.bpainternational.com

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Disegnato da Bonfanti/Moscatelli, il modello Elvis, presentato al Salone del Mobile 2010, è un sistema di sedute caratterizzato una grande componibilità, e da un bracciolo molto particolare realizzato con un pannello in multistrato molto sottile, che evidenzia le grandi capacità nel realizzare cuciture ‘invisibili’ che trovano una valorizzazione ottimale con questi spessori così ridotti.

Un corpo bianco candido abbinato a una lussuosa base dorata. È la realtà della panca Sisley, imbottita e rivestita in eco-pelle. Le gambe sono in legno tornito dorato e laccato.

Si chiama Nido e ha una forma essenziale ma sinuosa, ottenuta mediante l’uso di angoli arrotondati e un attento studio delle sezioni. La struttura è in metallo rivestito in poliuretano schiumato a freddo. La base della seduta rientra verso il centro per circa 10 cm per garantire maggiore comodità. Il rivestimento può essere in gummy (bianco, nero o caffè), pelle (bianca, nera, caffè o tortora) o tessuto Brighton (ecru, corda, caffè, grigio o nero).

Nasce per essere facilmente accostata alle più diverse tipologie di prodotto e si presta dunque ottimamente all’arredo di ambienti lounge, la poltrona Martin, disegnata da Roberto Lazzeroni. In massello di frassino, è imbottita con poliuretano espanso, ha seduta realizzata con cinghie elastiche e prevede un rivestimento fisso in tessuto.

A bright white body combined with a sumptuous golden base – Sisley, an upholstered bench covered in ecological leather. The legs are golden lacquered turned wood.

The model Elvis, presented at the 2010 Milan Furniture Salon was designed by Bonfanti/Moscatelli.

This seating system is extremely modular; one distinguishing feature is the armrest created from a very thin panel of multilayer which underlines the great ability for invisible stitching which is optimized in these reduced thicknesses.

This chair is called Nido; it has clean sinuous lines achieved thanks to the rounded corners and the careful attention paid to the design of the sections. The structure is metal coated with cold-foamed polyurethane.

The base of the seat is recessed by approximately 10 cm to ensure maximum comfort. The coating may be in white, black or coffee brown gummy faux leather, white, black, coffee brown or dove gray leather or Brighton fabric in ecru, cord, coffeebrown, gray or black.

The armchair Martin was designed specifically to be combined with a wide range of product types and is the ideal addition to lounge furnishings.

It was designed by Roberto Lazzeroni and has been produced in ash heartwood, upholstered with expanded polyurethane. The seat itself has been created with elastic belts and the fabric covers of the armchair are fixed.

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Brianform via Pozzo 10 22069 Rovellasca (Como) tel. 02 96961253 fax 02 96740067 www.brianform.it

Byblos Casa Prodotto e distribuito da Erre Studio Edizioni srl via San Vincenzo 8 22063 Cantù (Como) tel. 031 700543 info@bybloscasa.eu www.bybloscasa.eu

Calligaris spa viale Trieste 12 33044 Manzano (Udine) tel. 0432 748211 calligaris@calligaris.it www.calligaris.it

Casamilano via dei Celuschi 8 20036 Meda (Milano) tel. 0362 340499 info@casamilanohome.com www.casamilanohome.com

COLICO

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DRIADE

ENRICO PELLIZZONI

La poltrona Uno e il divano a due posti Due sono il risultato della continua ricerca che ha portato l’azienda alla progettazione di una nuova linea di imbottiti realizzati in metacrilato trasparente o effetto vetro con possibilità di personalizzazione a mezzo di incisioni laser. I cuscini, ad alto comfort, sono rivestiti in tessuti da scegliere tra un’ampia gamma. Sia la poltrona sia il divano possono essere illuminati con un sistema di led che, grazie a un telecomando, riesce a creare un gioco di alternanza di colori che richiamano la sempre più apprezzata cromoterapia.

Con la linea Maitresse, Andrea De Benedetto si avventura lungo il sottile confine tra tabù e provocazione. Nasce così Innocenza, caratterizzata da forme armoniose e accoglienti che rievocano tanto i mobili in stile Luigi Filippo di fine Ottocento quanto l’atmosfera bohemien del Moulin Rouge. Come una ballerina libera e gioiosa, Innocenza si libra fino a divenire protagonista dello spazio che la ospita.

Discreti, garbati, volutamente contenuti. Questi i tratti scelti da Marta Laudani e Marco Romanelli per una poltroncina che nasce dalla volontà di ricucire lo strappo che l’esasperazione delle tendenze ha creato rispetto alla grande tradizione del design italiano. Segnata dai colori intensi del velluto liscio, Lisa ha struttura imbottita con rivestimento in velluto Loira nei colori nero o bordeaux oppure in pelle pieno fiore bianca.

With the line Maitresse, Andrea De Benedetto crosses the fine line between taboo and provocation.

His imagination has led to Innocenza, characterized by harmonious welcoming shapes which were inspired by furniture in the Louis Philippe style of the late-Nineteenth century and the Bohemian atmosphere of the Moulin Rouge. With the freedom and joy of a ballerina, Innocenza is released and is transformed into the centerpiece of the room.

Discrete, gentle and deliberately compact – this describes the armchair Lisa designed by Marta Laudani and Marco Romanelli. The architects attempted to repair the rift that the exaggeration of trend-setting has created at the cost of the great tradition of Italian design. With its intense smooth velvet, the structure is covered in black or burgundy Loira velvet, or alternately in fine white leather.

La seduta su barra Amaranta si compone di tre postazioni, siano esse sedute o tavolini, a scelta del cliente. La barra (cm. 180x51) è disponibile nella versione cromo lucido o cromo satinato. La scocca, in poliuretano rigido, può essere completamente rivestita in cuoio (con possibilità di scelta tra tre diverse tipologie di cuoio e più di trenta colori a campionario) oppure laccata lucida (nei colori bianco, nero o rosso) o, ancora, laccata lucida con inserti in cuoio sul sedile e sullo schienale. Il tavolino (cm.

50x50) è in MDF rivestito in cuoio o laccato lucido. Il modello è comunque personalizzabile nella lunghezza e nei colori del rivestimento e della laccatura.

The amchair Uno and the two-seater sofa Due are the result of continual research that led the company to the design of a new line of upholstered furniture produced in transparent or glass-like methacrylate, with the option of laser-etched custom decorations. The extremely comfortable cushions have covers in a wide selection of fabrics. Both the armchair and the sofa can be illuminated with Led systems; thanks to a remote control, the colors can be alternated as inspired by the increasing interest in chromotherapy.

This seating arrangement Amaranta is fitted to a bar and each piece has three seats or tables. The bar (cm.180 x51) is available with a polished or brushed chrome finish. The casing is stiff polyurethane and this can be completely covered in hide; it is possible to choose between three different types of hide and more than thirty colors from the range; alternately, the finish can be glossy lacquer in white, black or red; or a glossy lacquer finish with inserts in hide on the seat and backrest. The coffee table (cm.50 x50) is MDF coated in hide or with a glossy lacquer finish. This model can be customized in terms of length and the colors of the lacquer.

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Colico srl via Monza 39 20039 Varedo (Monza e Brianza) tel. 0362 582094 info@colico.com www.colicodesign.com

DESART POLSIT1959 Zona Produttiva Nord 17 39040 Ora (Bolzano) tel. 0471 811000 fax 0471 811239 www.desartcollection.it

Driade spa via Padana inferiore 12 29012 Fossadello di Caorso (Piacenza) tel. 0523 818650 com.it@driade.com www.driade.com

Enrico Pellizzoni srl via Como 49 22066 Mariano Comense (Como) tel. 031 746286 fax 031 746256 www.enricopellizzoni.com

FASEM

FLEXFORM

FORNASARIG

FRAG

La poltroncina Rest, di Patrick Norguet, è il frutto di un modo nuovo di interpretare l’utilizzo del cuoio e della pelle volto ad esaltare le caratteristiche di duttilità ed elasticità dei due materiali. Priva di cuciture, ha una scocca rivestita in cuoio e due cuscini rivestiti in pelle. La cucitura diventa invece un elegante ricamo nella versione capitonné.

Cestone 09, disegnato da Antonio Citterio, è un divano componibile realizzato con schienale e fianchi con telaio in metallo e pannelli di cuoio intrecciato.

Lo schienale può essere realizzato anche con struttura in metallo e imbottitura in poliuretano stampato, rivestito in tessuto protettivo accoppiato. Il basamento è in metallo e legno, mentre la base del telaio è in metallo smaltato a forno con polveri epossidiche. I cuscini degli schienali e della seduta e i braccioli sono realizzati in piuma con inserto di materiale indeformabile o in poliuretano e dacron, mentre il rivestimento è in tessuto o in pelle in diverse tonalità di colore. Disponibile in diverse dimensioni a seconda della composizione.

Fa parte della famiglia di sedute Basicwood, disegnata da Christophe Pillet. È una poltrona dedicata al relax e alle zone attesa caratterizzata da una speciale aerodinamicità. La struttura è in legno massello di faggio, con verniciatura a basso impatto ambientale, disponibile sia nei colori della cartella tinte sia con finiture speciali su richiesta. Il molleggio del sedile è ottenuto con cinghie elastiche. L’imbottitura è in poliuretano a densità variabile e fibra poliestere. Basicwood è disponibile in tessuto o pelle selezionabili dalla cartella tessuti oppure forniti dal cliente.

La poltroncina Darling di Nigel Coates esplora le molteplici possibilità offerte dalla pelle e dal cuoio, rivelandosi un puro concentrato di artigianalità e tecnologia. Tra le sue principali caratteristiche, una grande versatilità ottenuta mediante la possibilità di scelta tra cinque tipi di supporto (a tondino, con base colonna con raggiera, con base con 4 gambe, con base con 5 gambe con ruote e con base in legno). La particolare lavorazione per la curvatura della monoscocca a pozzetto dona alla seduta linee morbide e flessuose che sembrano ispirate alle nobili armonie di un corpo matronale.

The armchair Rest, by Patrick Norguet, is the result of a new way of interpreting the use of hide and leather to exalt the characteristics of flexibility and elasticity of the two materials. The armchair is free from stitching, it has a casing covered in hide and two leather cushions. In the capitonné version, the stitching is transformed into an elegant form of embroidery.

Cestone 09, designed by Antonio Citterio, with seat and sides in metal and panels of woven hide. The backrest can also be supplied with a metal structure and upholstery in molded polyurethane, covered with a pinned protective fabric. The base plate is metal and wood while the base of the frame is metal with an epoxy powder coating. The cushions of the seat, the backrest and the armrests are filled with goose down and a core of non-deformable material, or alternately in polyurethane and Dacron; the covers are available in fabric or leather in a range of colors.

A number of dimensions is available depending on the arrangement.

Basicwood is part of the seating collection; it was designed by Christophe Pillet and is an armchair characterized by special aerodynamic features, the perfect accessory for relaxation and waiting rooms.

The frame is birchwood with an environment-friendly varnish. It is available in the manufacturer’s color range or it can be custom-finished to the client specifications. The seat springs are elastic belts. The padding is variable-density polyurethane and polyester fiber. Basicwood can be covered in the manufacturer’s range of fabrics or leather, or in materials supplied by the client.

The armchair Darling by Nigel Coates explores the multiple design options provided by leather and hide, and proves to be a pure concentrate of artisan crafts and technology. Among its main characteristics, maximum versatility - thanks to the range of five supports (tubular, a column base with radial supports, a base with four legs, a base with five legs and wheels and a wooden base). The special curving process applied to the frame creates soft sinuous lines and appears to have been inspired by the noble harmonies of a mother’s embrace.

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Fasem International srl via Francesca nord 44/46/48 56010 Vicopisano (Pisa) tel. 050 799576 fasem@fasem.it www.fasem.it

Flexform spa via Einaudi 23/25 20036 Meda (Milano) tel. 0362 3991 info@flexform.it www.flexform.it

Fornasarig Sedie Friuli via San Giovanni 45 33044 Manzano (Udine) tel. 0432 750057 fax 0432 740015 info@fornasarig.it www.fornasarig.it

Frag srl via dei Boschi 2 33040 Pradamano (Udine) tel. 0432 671375 frag@frag.it www.frag.it

GABER

GALLOTTI & RADICE

GURIAN

HORM

Rabbit è una seduta impilabile costituita da una monoscocca aperta stampata in tecnopolimero rinforzato o in versione trasparente in policarbonato. Ha gambe in metallo cromato e seduta nei colori bianco, nero, verde, trasparente e ambra. Pensata per il residenziale e per il contract, prevede anche una versione rivestita in pelle.

Il tavolo Layer, disegnato da Luca Nichetto, si compone di un piano in cristallo trasparente da 15 mm e di un’originale base in legno costituita da anelli conici sovrapposti (disponibili in frassino naturale, tinto wengé, oppure laccato bianco, nero, zafferano, sabbia o castagna a poro aperto). Realizzato in tre misure differenti, va ad ampliare la già vasta collezione per l’ambiente giorno e il living dell’azienda di Cermenate.

Dotata di una linea arrotondata e compatta, Britte consente una seduta comoda e avvolgente garantendo, al contempo, il minimo ingombro. Realizzata in pelle con cuciture sartoriali, ha struttura in legno, imbottitura in poliuretano espanso a densità differenziata ricoperto da falda acrilica e colonna girevole in acciaio cromato.

S’ispira dichiaratamente al mondo degli Eames. È la linea di sedute Ray, qui proposta nella versione poltrona relax con pouf. Disegnata da Orlandini Design, ha struttura in massello di faggio (con crociere in acciaio cromato) o in tondino d’acciaio cromato o verniciato bianco.

La scocca può essere in diverse essenze (noce canaletto, frassino bianco, zebrato), rivestita in laminato e laccata in diversi colori, oppure imbottita e rivestita in tessuto o cuoio.

Rabbit is a stackable chair consisting of an open frame, molded in reinforced technopolymer or a transparent version in polycarbonate. The legs are chromeplated metal and the seat is supplied in white, black, green, clear or amber.

It is the ideal addition for the contract sector with a leather-covered version also available.

The table Layer, designed by Luca Nichetto, consists of a 15 mm clear glass top and an original wooden base created from stacked conical rings (in natural or wengé-stained ash, or openpore varnished white, black, yellow, sand or chestnut). It has been produced in three different sizes and has been added to the already vast range of the Cermenate-based company’s lounge and living collections.

The rounded, compact lines of Britte ensure that this seat is comfortable and welcoming. In leather with topstitching, the structure is wood, the padding is differentiated density expanded polyurethane covered in acrylic; the swivel support column is chrome-plated steel.

The world of the Eames brothers was clearly the inspiration for this line of seating Ray, shown here as a relaxing armchair with pouf. Designed by Orlandini Design, the structure is birch heartwood (with components in chrome-plated steel); alternately in chrome-plated or white-painted steel.

The casing is available in a number of different wood types (Canaletto walnut, white ash, zebra wood), coated in laminate and lacquered in a range of different colors, or upholstered with fabric or hide covers.

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Gaber srl via Schiavonesca 75/1 31030 Caselle di Altivole (Treviso) tel. 0423 915521 info@gaber.it www.gaber.it

Gallotti & Radice via Matteotti 17 22072 Cermenate (Como) tel. 031 777111 info@gallottiradice.it www.gallottiradice.it

Gurian spa via delle Querce 7 31040 Cessalto (Treviso) tel. 0421 469111 gurianspa@gurian.it www.gurian.it

Horm 1989 srl via Vincenzo Monti 8 20123 Milano www.horm.it

KRISTALIA

LA CIVIDINA

LAMM

LIGNE ROSET

Si chiama Elephant e, come dice il nome stesso, si ispira all’anatomia solida dell’elefante. È la nuova seduta progettata dallo studio Neuland Industriedesign.

La scocca, in poliuretano rigido schiumato a freddo, è rivestita in cuoio ed è disponibile in diverse varianti di colore.

La struttura, metallica, è prevista sia con quattro gambe sia su slitta.

Linee morbide e senza tempo per il programma di sedute Dep, disegnato da Luca Botto e caratterizzato da un alto valore artigianale. Poltrona, poltroncina e divanetto sono realizzati con telaio in legno, rivestito con poliuretano espanso indeformabile dalle quote differenziate, e fibra di poliestere. Rivestimento in tessuto o pelle.

Called Elephant, and as its name would suggest, it takes its inspiration from the solid anatomy of the gigantic pachyderm. This is a new chair designed by studio Neuland Industriedesign. The casing, in coldfoamed stiff polyurethane, is covered in hide, available in a number of different colors. The metal structure can be supplied with four legs or alternately with sleigh tracks.

Soft, timeless lines for the seating collection Dep, designed by Luca Botto and characterized by a high artisan input. Armchair, easychair and sofa have been produced with a wooden frame coated in non-deformable, differentiated density expanded polyurethane, and polyester fiber.

The covers are available in fabric or leather.

Si chiama HL3 ed è un nuovo sistema di sedute polifunzionali per ambienti di lavoro, studio, spettacolo e collettività.

Caratterizzato da soluzioni costruttive che assicurano elevate prestazioni, vanta uno schienale particolarmente flessibile che consente di assecondare i movimenti e gli adattamenti di postura della persona migliorando il comfort di seduta. Essenziale nel design, si declina in una sedia su base a 4 gambe con sedile fisso o ribaltabile e in una sedia su base girevole con sedute su barra.

Gran comfort per Lou, di Patrick Jouin.

La struttura ha la scocca in resina di poliestere iniettata appoggiata su una base in acciaio cromato lucido o laccato nero satinato. La sospensione è assicurata da cinghie elastiche incrociate contornate da un telaio tubolare in acciaio.

I cuscini sono in schiuma di poliuretano alta resilienza Bultex rivestiti di ovatta di poliestere Dacron. Il cuscino dello schienale è rinforzato da una scocca in ABS per assicurare la tenuta verticale nel tempo. Cuciture/rivestimento, scocca e cuscini sono sfoderabili.

Called HL3, this is the new polyfunctional seating system for places of work, education, entertaiment and community. The design guarantees high performance – an unusually flexible backrest follows the movements and the changes in posture while improving sitting comfort. The collection has a simple design and includes a four-legged chair complete with fixed or tipper seat, a swivel seat or seats fitted to a bar.

Great comfort is provided with Lou,

by Patrick Jouin. The structure has a casing produced with injected polyester resin. This rests on a base in polished chrome-plated or brushed black dipped steel. The seat itself consists of interwoven elastic belts surrounded by a steel-piping frame.

The cushions are high-resistance Bultex polyurethane, covered in Dacron polyester. The backrest cushion is reinforced with ABS to guarantee the vertical stability over time. All covers are completely removable.

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Kristalia via Calderano 5 33070 Brugnera (Pordenone) tel. 0434 623678 info@kristalia.it www.kristalia.it

La Cividina srl via Cividina 176 33030 Martignacco (Udine) tel. 0432 677433 info@lacividina.com www.lacividina.com

Lamm spa via Verdi 19/21 43017 San Secondo Parmense (Parma) tel. 0521 877511 info@lamm.it www.lamm.it

Ligne Roset corso Magenta 56 20123 Milano tel. 02 48514007 info@ligne-roset.it www.ligne-roset.it

LIVING DIVANI

MATTEOGRASSI

La linea Family Chair si distingue per il decoro gentile e quasi sussurrato che avvolge ogni singolo tratto.

Si compone di cinque sedie diverse che, in maniera ironica e leggermente surreale, paiono essere figlie della distorsione prodotta dal piano a lente del tavolo. La realizzazione di Drop Table è resa possibile grazie all’impiego di una complessa tecnologia abbinata all’artigianalità tipica dell’approccio industriale dell’azienda, che ha saputo trovare la soluzione per realizzare un progetto che sembrava quasi impossibile.

La nota azienda di Giussano propone un sistema di sedute multiple su barra particolarmente versatile e funzionale. Si tratta di Meeting, che può essere rivestito sia in cuoio che in pelle e che può essere predisposto per l’inserimento di più sedute coordinabili con i tavolini. Per la fornitura dell’aeroporto di Dubai, in particolare, Matteograssi ha dotato Meeting di una scocca più arrotondata e trapuntata rispondente alle esigenze di massima ergonomia e igiene.

The line Family Chair stands out for its gentle, almost whispered decoration that exudes from every component.

The collection consists of five different seats which, in an ironic and slightly surreal manner, appear to be distortions produced by the lens-like top of the table. The creation of Drop Table has been made possible thanks to the use of complex technology combined with the artisan skills, typical of the company’s industrial approach. The company has been able to identify solutions to produce a project that appeared to be almost impossible.

MINOTTI This well-known company in Giussano presents a system of multiple seating fitted to a bar to produce an unusually versatile and functional unit. The product is called Meeting, and it can be covered in either hide or leather.

It can be supplied with several seats that can be coordinated with matching tables. In the version Matteograssi supplied to the Airport in Dubai, the roundness of the casing was accentuated to respond to the maximum requirements of ergonomics and hygiene.

Una poltroncina sofisticata e contemporanea perfetta per il lounge. È la realtà di Case, disegnata da Rodolfo Dordoni.

La struttura è in legno multistrati curvato, rivestito in poliuretano espanso e successivamente ricoperto in cuoio, con particolari lavorazioni eseguite a mano nei colori tabacco, fango, nero o testa di moro. L’appoggio a terra avviene mediante piedini in metallo con finitura black-nickel.

This sophisticated, contemporary armchair is the ideal addition to any lounge. Case was designed by Rodolfo Dordoni with a frame in curved multilayer wood, covered in expanded polyurethane with an outer layer of hide. Hand-decoration in tabaccoyellow, mud-brown, black or darkbrown. The seat is supported by metal feet with a black-nickel finish.

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Living Divani srl strada del Cavolto 15/17 22040 Anzano del Parco (Como) tel. 031 630954 info@livingdivani.it www.livingdivani.it

Matteograssi spa via Monte Grappa 66/68 20034 Giussano (Monza e Brianza) tel. 036 286621 info@matteograssi.it www.matteograssi.it

Minotti spa via Indipendenza 152 20036 Meda tel. 0362 343499 info@minotti.it www.minotti.com

MISURAEMME Un esclusivo divano componibile. Una raffinata libreria. O ancora, un’innovativa idea per reinventare il living secondo il proprio gusto personale. Sitin è una creazione che sfugge alle definizioni comuni. Basato su un sistema di pianali in legno laccato su cui vengono montate le diverse cuscinature, si completa con l’inserimento laterale o posteriore di eleganti tavolini e librerie in continuità con lo stile dei pianali.

This is an exclusive modular sofa, an elegant bookcase or simply an innovative idea for reinventing the living room to express one’s personal taste. Sitin is a creation that escapes common definitions. It is based on a system of lacquered wood surfaces, completed with cushions; it can be joined by side or rear tables and bookcases which reflect the style of the surfaces.

MODÀ

MORELATO

Alla nuova collezione Patch di Modà Portrait appartiene Prince Hills, che presenta le tonalità cromatiche del verde lime frammiste a quelle del marrone e del giallo. Nuova la finitura natural vintage in legno naturale, con trattamento ‘smoke’ per la scocca intagliata. Il fascino dei decori e delle geometrie che ricordano gli anni Settanta e l’eleganza neo-barocca costituiscono il binomio vincente della collezione. Un patchwork d’eccezione, dove strisce asimmetriche di morbidi velluti, luccicanti jacquard, freschi di lana e un elegante stampa floreale su lino vengono uniti in modo armonioso e raffinato.

Struttura in legno wengè, con rivestimento a scelta tra pelle e tessuto, per la linea Nessun dorma, creata da Duranti per la zona living. La poltrona, dalle forme vagamente futuriste, evoca il gusto borghese degli anni Venti/Trenta con una sobria ma ricercata modernità.

Come anche il divano, appare perfetta per tutti gli ambienti che necessitano di arredi funzionali e di alto design.

Prince Hills belongs to the new collection Patch by Modà Portrait.

Shades of lime green are mixed with brown and yellow. The vintage finish in natural wood and the ‘smoke’ treatment of the carved frame are new. The fascination of the decorations and the shapes reminiscent of the Seventies and the elegance of the Neo-Baroque style are the collection’s winning combination.

It is an exceptional patchwork where asymmetrical strips of soft velvet, shimmering jaquard weaves, pieced of woolen fabric and elegant floral prints on linen are joined in a sumptuous harmonious manner.

A structure in wengè wood, with a choice of fabric and leather covers, for the living-room line Nessun dorma, created by Duranti. The armchair has a vaguely futuristic shape and reflects the bourgeois taste of the Twenties and Thirties with a subtle splash of modernity. The sofa is also perfect for all of the ambiences that necessitate functional, high quality design furnishings.

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MisuraEmme via IV Novembre 72 22066 Mariano Comense (Como) tel. 031 754111 info@misuraemme.it www.misuraemme.it

Mode srl via Trieste 75 20036 Meda (Milano) tel. 0362 42290 info@modacollection.it www.modacollection.it

Morelato srl loc. Valmorsel 18 37056 Salizzole (Verona) tel. 045 6954001 morelato@morelato.it www.morelato.it

NOVO

PAOLA LENTI

PARRI

PEDRALI

Lella è una panca/appendiabiti in legno, naturale o laccato, con seduta e schienale rivestiti in tessuto o pelle. La struttura è in massello di rovere e/o di faggio; l’imbottitura in poliuretano espanso e dracon rispondenti alle norme CEE. Il rivestimento in tessuto o in pelle. I ganci appendiabiti, in legno laccato di diversi colori o naturali, sono maxi spilli cartografici. Design Carlo Bimbi.

Confortevole ed ergonomica, la poltrona della serie Aladdin viene realizzata sia in feltro pressato che in Feltro Paola Lenti. Frutto della sintesi tra il migliore design contemporaneo e la più sofisticata abilità artigiana, può essere realizzata tinta unita o bicolore e può essere completata da cuscini disponibili in tessuti e colori coordinati. Disegnata da Claesson, Koivisto, Rune, ha base in acciaio satinato.

Divertente e colorata, la poltrona d’attesa My Flower ricorda un fiore con petali morbidi e accoglienti su cui adagiarsi. La seduta si presenta con una struttura interna in metallo e un’anima preparata in poliuretano espanso ignifugo stampato a quote differenziate ad alta resistenza. Il rivestimento è in tessuto disponibile in tantissimi colori.

Design: Marco Maran.

Si chiama Mies e porta la firma di Roberto Semprini. L’idea ispiratrice del disegno è quella di sospendere la morbida seduta rivestita in pelle rispetto al pavimento, cui è collegata da una struttura in metallo satinato dal disegno stilizzato. Pefetta come seduta d’attesa.

Lella is a bench/clothes-stand in natural or dipped wood, with the seat and backrest covered in fabric or leather. The structure is oak and/or heartwood; the filling in expanded polyurethane and Dracon satisfy the requirements of the CEE norms. The covers can be supp fabric or leather.

The clothes-hooks are wooden and dipped in a range of colors or coated with natural varnish and resemble large board-tacks. Design Carlo Bimbi.

Comfortable and ergonomic, the armchair of the Aladdin series is produced in compressed felt and in Feltro Paola Lenti. It is the result of a combination between the best contemporary design and the most sophisticated artisan skills; it can be produced in a plain or dual color and completed with cushions in fabrics and matching colors. Designed by Claesson, Koivisto, Rune with a base in brushed steel.

Fun and brightly-colored, the chair for the waiting room My Flower is reminiscent of a blossom with soft, inviting petals for sitting. The seat has a metal core structure surrounded by a layer of high-resistance, differentiated density, molded and fire-resistant expanded polyurethane. The fabric coating is available in a wide range of colors. Design: Marco Maran.

This article ‘Mies’ was designed by Roberto Semprini. The inspiration of the design was the suspension of the leather cushions above the ground, connecting it to earth by means of a brushed metal structure with a stylized design. The ideal addition to waiting rooms.

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Novo Italia via Europa 279 51039 Quarrata (Pistoia) tel. 0573 735473 info@novoitalia.it www.novoitalia.it

Paola Lenti srl via Po 100 A 20036 Meda (Monza e Brianza) tel. 0362 344587 info@paolalenti.it www.paolalenti.com

Parri Design srl via Tosco Romagnola Est 801 56020 La Scala – San Miniato (Pisa) tel. 0571 419872 fax 0571 419855 www.parridesign.it

Pedrali spa strada provinciale 122 24050 Mornico al Serio (Bergamo) tel. 035 83588 info@pedrali.it www.pedrali.it

PLANK

POLIFORM

PORADA

PORRO

Disegnata da Claudio Bellini, Mon Ami si caratterizza per forme decise e avvolgenti che sembrano nascere da un gesto scultoreo. Il delicato gioco di luce e ombra disegna una seduta originale in cui leggerezza e solidità si fondono in un plastico equilibrio. In espanso schiumato a freddo ignifugo, la poltroncina ha struttura interna in acciaio, piedino di metallo cromato satinato e rivestimento in pelle naturale o in tessuto.

Fa parte di un vero e proprio home project, costituito da imbottiti concettualmente differenti e versatili, pensati per esplorare un’ampia gamma di approcci estetici. È il sistema di sedute Caramel di Jean-Marie Massaud. La struttura è in poliuretano flessibile stampato. Il basamento è in alluminio rivestito in pelle o essenza. Il rivestimento è sfoderabile nella versione in tessuto, non sfoderabile in quella in pelle.

Uno stile retrò che ci parla di tradizione artigianale ma ben si sposa al moderno design. Questa la caratteristica principale della collezione Vivienne, disegnata da Tarcisio Colzani e fortemente connotata dall’uso del noce canaletto. Il rivestimento, sfoderabile, può essere realizzato con una vasta gamma di tessuti (anche liberamente combinati tra esterno e interno).

Soft Chair porta la firma di Christophe Pillet: una poltroncina confortevole pensata per sale da pranzo o per meeting room informali e accoglienti. Disponibile con o senza maniglia in tubolare cromato sul retro dello schienale, può essere rivestita in tutti i tessuti del campionario.

Designed by Claudio Bellini, Mon Ami has clean inviting lines which appear to have developed from sculptural creativity. The delicate interface of light and shade produces an original seat where lightness and solidity merge in a versatile equilibrium. In fire-resistant cold-foamed expanded polyurethane, the armchair has a steel core, feet in brushed chrome-plated metal and covers in fabric or natural leather.

The seating system Caramel by Jean-Marie Massaud belongs to a true home project, consisting of conceptually-different and versatile upholstered units, designed to explore a wide range of esthetic approaches.

The structure is molded flexible polyurethane. The base plate is aluminum covered in leather or wood.

The fabric covers are removable while the leather versions are fixed.

The retro style of the Vivienne collection expresses artisan traditions yet blends well with modern design.

The collection was designed by Tarcisio Colzani with widespread use of Canaletto walnut. The removable covers are available in a wide range of fabrics, with dual colorways possible between the inside and the outside.

Soft Chair was designed by Christophe Pillet: this comfortable armchair was created for informal and cozy dining or meeting rooms. Available with or without the chrome-plated handle on the rear surface of the backrest, the cover fabrics can be selected from the company’s sample range.

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Plank Collezioni srl via Nazionale 35 39040 Ora (Bolzano) tel. 0471 803 500 info@plank.it www.plank.it

Poliform spa via Montesanto 28 casella postale n.1 22044 Inverigo (Como) tel. 031 6951 poliform@poliform.it www.poliform.it

Porada Arredi srl via Buozzi 2 – Località Porada 22060 Cabiate (Como) tel. 031 766215 fax 031 768386 www.porada.it

Porro Industria Mobili srl via per Cantù 35 22060 Montesolaro (Como) tel. 031 783266 info@porro.com www.porro.com

ROBERTI

SABA

SELVA

SOVET

Si chiama Greenfield è una collezione adatta per ambienti interni e esterni.

Per gli intrecci utilizza il SunWeave® e il Sunloom® (fili di polietilene in diverse finiture, molto simili al rattan e al midollino), la cui combinazione con l’alluminio trattato con vernici epossidiche è garanzia di leggerezza, resistenza agli agenti atmosferici e durata nel tempo. Nella foto: la sedia Papaia, caratterizzata da forme fluide ed ergonomiche che assecondano il corpo accompagnandolo al relax. Disponibile con o senza braccioli.

Ergonomica e dalle dimensioni contenute, Bustier caratterizza e colora l’ambiente in cui viene inserita. La struttura dello schienale è in profilo d’acciaio imbottito con poliuretano espanso e velfodera accoppiata a poliestere pressato. La seduta è in legno imbottito con poliuretano espanso a quote differenziate e prevede un rivestimento in cotone 100% accoppiato a poliestere termofissato. Con la sua scocca rigida abbraccia un grande cuscino. Design: Giuseppe Viganò.

Bergère è una poltrona in massello di faggio che si ispira dichiaratamente al mondo ottocentesco. Ha un supporto composto da molle a greca e un’imbottitura con schiumato pressato a freddo e molle incorporate. L’imbottitura dello schienale è in resina espansa flessibile rifinita in stoffa con passamaneria.

Disponibile in 17 finiture e oltre 150 stoffe differenti.

3Feet è un tavolino esagonale, disponibile in diverse altezze, che dona agli ambienti in cui è inserito un vivace tocco di originalità. L’ampia gamma di tonalità e i motivi a strisce o floreali lo rendono un elemento allegro e versatile. È disponibile in versione trasparente, trasparente extrachiaro, laccato mono e bicolore con varie finiture oppure decorato con motivi a strisce o fiori.

Bergère is an armchair in birch heartwood which was clearly inspired by the Nineteenth-century. It has a springed support and padding in coldcompressed foam and incorporated springs. The padding for the backrest is flexible expanded resin with fabric covers. It is available in 17 finishes and more than 150 different fabrics.

3Feet is a hexagonal table, available in a number of different heights, giving the surrounding ambience a lively touch of originality. The wide range of colors and striped or floral motifs make this a delightful versatile element. The versions available are transparent, extraclear transparent, mono- or dual-color lacquer with a variety of finishes, or decorations with striped or floral motifs.

Selva spa AG via Negrelli 4 39100 Bolzano tel. 0471 240288 fax 0471 240218 www.selva.com

Società Vetraria Trevigiana srl via Emilio Salgari 1/a 31056 Biancade (Treviso) tel. 0422 848030 sovet@sovet.com www.sovet.com

Greenfield is a collection for indoor and outdoor use. The weaves have been created with SunWeave® and Sunloom® (polyethylene strips with a variety of finishes, similar to rattan and wicker). Their combination with aluminum treated with epoxy paints guarantees lightness, resistance to atmospheric agents and durability. In the photo: the chair, Papaia, with its fluid, ergonomic shapes which follow the body’s movements to a position of complete relaxation. Available with or without armrests.

Ergonomic and compact, Bustier marks and brightens-up its surroundings.

The structure of the backrest is steel padded with expanded polyurethane and a layer of compressed polyester.

The wooden seat is coated in differentiated density expanded polyurethane which is protected with 100% cotton covers coupled with heat-fixed polyester. The rigid casing embraces a large cushion. Design: Giuseppe Viganò.

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Roberti Rattan srl 31010 Corbanese di Tarzo (Treviso) tel. 0438 933022 info@robertirattan.com www.robertirattan.com

Saba Italia srl via dell’industria 17 35018 San Martino di Lupari (Padova) tel. 0499462184 infosaba@sabaitalia.it www.sabaitalia.it

TACCHINI

THONET

ZANOTTA

ZEUS

Leggerezza e versatilità sono i tratti distintivi della sedia Eddy, fresca novità disegnata dallo studio britannico Pearson Lloyd. Linee fluide e avvolgenti risolvono con eleganza esigenze concrete come quelle dell’ergonomia, della praticità o dell’ambientabilità. Disponibile in due versioni, con base girevole rotonda oppure con piedini, entrambe sfoderabili, Eddy si presta ad arredare ogni tipologia d’ambiente: dalla casa, all’ufficio, e da questo agli ambienti collettivi.

Forme classiche e intramontabili per la poltroncina S3001, con imbottitura interna a molle della seduta e telaio in acciaio tubolare. Design: Christoph Zschocke.

La poltrona Dama, particolarmente adatta al contract per le sue dimensioni contenute, ha piedini in acciaio verniciato alluminio o grafite, struttura in acciaio e molleggio su nastri elastici. L’imbottitura è in poliuretano a quote differenziate/Dacron Du Pont, mentre il rivestimento sfilabile, con cuscino seduta trapuntato, è previsto sia in stoffa che in pelle. Disponibile nella versione poltrona, divano due posti e divano tre posti.

Twist è uno sgabello alto dalle fattezze essenziali e sicure, concepito per vivere solo o in abbinamento all’omonimo tavolo da bar. Ha struttura in tubo d’acciaio, con poggiapiedi in piatto d’acciaio, sottoposta ad un bagno di fosfatazione. La seduta del diametro di 32 centimetri, è in legno di pioppo massiccio tornito, con finitura naturale.

Classical evergreen shapes for the armchair S3001, with internal sprung padding for the seat and a frame in tubular steel. Design: Christoph Zschocke.

The armchair Dama is ideal for the contract sector, thanks to its compact size. The feet are steel that have been painted in aluminum- or charcoal-gray; the frame is steel and the springs are elastic belts. The padding is differentiated density polyurethane and Dacron Du Pont; the removable covers are available in fabric or leather and the seat covers are quilted. Dama is available as an armchair, a two-seater or three-seater sofa.

Lightness and versatility are the distinctive traits of Eddy, a new design from the British studio Pearson Lloyd.

Soft, fluid lines elegantly resolve the problems of ergonomics and practical use. The two versions available - with a round swivel base or with feet – have completely removable covers.

Eddy is the perfect addition to every room – in the home, in the office and in common spaces.

Twist is a tall stool with clean safe lines. It was designed as a stand-alone product or with the matching table.

The structure is steel tubing, with a steel footrest which has been phosphatized. The seat is turned solid poplar wood with a natural finish of diameter is 32 cm.

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Tacchini Italia Forniture srl via Domodossola 19 20030 Seveso (Milano) tel. 0362504182 info@tacchini.it www.tacchini.it

Thonet Distributore in Italia: Joint srl viale Sabotino 19/2 20135 Milano tel. 02 58311518 info@jointsrl.it www.jointmilano.com

Zanotta spa via Vittorio Veneto 57 20054 Nova Milanese (Monza Brianza) tel. 0362 4981 fax 0362 451038 www.zanotta.it

Zeus corso San Gottardo 21/9 20136 Milano tel. 02 89401198 fax 02 89401142 Zeusnoto@tin.it www.zeusnoto.com

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RIOJA

ORDINE TEMPORANEO TEMPORARY ORDER txt: Maurizio Giordano progetto: Designhouses

Stile contemporaneo, sensibilità locale Contemporary style, local sensitivity

Vista aerea dell’hotel Viura. Il complesso ricettivo si ispira al tessuto costruttivo locale esaltandone le doti di complessità in un aggregato di cui è difficile leggere l’impianto analizzandolo secondo logiche riferite al classico prospetto.

Aerial view of Hotel Viura. The hospitality structure was inspired by the local building style, and exalts the complexity of an aggregate where clear understanding of the plant is difficult; it is analyzed according to logic that refers to the classical prospects.

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DHD Designhouses è un gruppo di professionisti che progetta e realizza architettura connotata da un alto profilo stilistico, una buona qualità costruttiva e una vivace sensibilità per le realtà territoriali che, di volta in volta, il progetto lambisce. Un raro caso nel quale progettista e costruttore coincidono, uniti da un comune obbiettivo: produrre valore aggiunto dell’edilizia puntando sui contenuti del progetto, convinti che essi si possano palesare innanzitutto nella qualità materiale dell’opera. In questo modo l’attività di Designhouses, divisa tra edilizia abitativa e ricettiva, inanella da una ventina d’anni esempi di architettura di buona qualità dove rigore progettuale, originalità e qualità del manufatto si incontrano in un misurato e originale equilibrio. Una delle loro ultime realizzazioni è l’hotel Viura nella regione del Rioja, una delle più vaste e rinomate regioni vinicole della Spagna. A un primo sguardo l’opera sembra nascere da un’ispirazione legata all’edilizia locale, alle curve di livello mosse del paesaggio collinare circostante. Territorio nel quale si mescolano ampie distese coltivate a vite, macchie verdi e abitazioni minimali che – riunendosi in un borgo – si coagulano l’una sull’altra a formare escrescenze abitative organiche molto affascinanti. In effetti l’hotel Viura pare porgere l’orecchio a quelle logiche di sedimentazione organica che hanno segnato il territorio del suo intorno. A un esame più approfondito, però, notiamo come le linee generatrici del complesso ricettivo, pur partendo dai caratteri del

tessuto edilizio locale, non si esauriscano in un piatto mimetismo ma giungano a esprimere una poetica più propriamente contemporanea, o meglio ancora, a una osmosi efficace degli stilemi locali con i caratteri della cultura architettonica più aggiornata, che osserva la realtà circostante ma giunge a una sintesi originale dei suoi contenuti passando attraverso l’architettura contemporanea. I riferimenti ai maestri del de-costruttivismo ci sono tutti. Da Frank Gehry fino ai Coop Himmelab(l)au, passando per il catalano EMBT di cui Miralles, scomparso dieci anni fa, è stato il fondatore e che continua l’opera senza fratture con la Tagliabue. Riferimenti che, metabolizzati e profondamente re-interpretati, danno vita a un’opera che non risulta certo soggiogata dallo stile ma che, al contrario, si inserisce con grande equilibrio nello spirito del costruire locale. Il blocco, frantumato in mille scaglie, sembra emergere – sorta di escrescenza lavica solidificata – dal sottosuolo facendosi spazio tra le case del villaggio di Rioja, dirimpetto alla chiesa del Settecento al quale l’intervento pare dare l’onere di ricomporre l’equilibrio della storia. Ognuno dei cinque piani che compongono l’hotel è differente dal resto e si compone come improbabile ‘meccano’ di tessere, parallelepipedi dalla geometria incerta, messe una accanto all’altra come cercando un ordine temporaneo, dettato da regole e necessità non direttamente funzionali ma semmai interiori e mutevoli. Le tessere che disarticolano gli interni di ogni piano,

Schizzi della sezione del progetto. Sotto, dettaglio della struttura dell’hotel Viura.

Sul basamento antracite spuntano le colonne sghembe che sorreggono i piani sovrastanti distinti da un impianto sconnesso sottolineato dalle differenti finiture di ogni singola cellula parallelepipeda che compone il complesso.

Drawings of the project’s section.

Below, a close-up of building of Viura Hotel. Oblique columns protrude from the anthracite gray foundations.

These support the floors above which are identifiable by the different finishes given to the individual cells of the parallelepiped-shape building.

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in particolare modo quelli che ospitano le camere, emergono sui fronti che, miscelando il cemento armato (nei toni naturale e marrone ruggine) e la vegetazione (sulla sommità di ogni blocco), impediscono la consueta lettura 'per fronti' dell’architettura. Il disordine che ‘organizza’ la tellurica strutturale penetra in profondità in ogni ambito dell’hotel. Il ristorante è arredato con elementi minimali che fronteggiano le botti di vino che campeggiano sul soffitto nero opaco, trasformate in improbabili canalizzazioni dell’aria, e le colonne bianche sghembe che reggono la struttura. I servizi igienici, nelle camere, sono spesso risolti come volumi accostati all’architettura della camera che appare frammentata, essa stessa, dal gioco materico delle pareti in

cemento armato che – a tratti – si tingono del marrone intenso della ruggine. Stesso carattere, temporaneo, intermedio, hanno gli spazi che prendono forma tra le camere, che provano a sovvertire l’ordine consueto del corridoio dando vita – per mezzo della diagonale – a luoghi dove pochi e originali arredi pongono l’accento sul carattere abitativo di spazi spesso considerati residuali in un albergo. La diagonale ricompare nel fronte in cemento armato a vista del bar della hall, così come in ogni altro spazio comune, ordinato sulla linea obliqua dalle sue principali linee generative fino a ogni singolo dettaglio di finitura. Così, le linee sghembe delle gronde di ogni blocco si legano alle pavimentazioni ‘non finite’ delle terrazze che sfumano nei ciottoli che

danno vita a informali aree piantumate a ridosso dei parapetti. La diagonale non diventa mai però un indirizzo teorico, una direzione che piega il progetto a un dogma geometrico privo di anima ed emozione. Semmai il divergere dalla linea orizzontale sembra porsi l’obbiettivo di ammorbidire il contrappunto che organizza tutto il progetto in un insieme estetico che appare davvero legato al gioco, a un’esperienza ludica degli spazi che sono organizzati per apparire come prolungamento di un’abitazione più che come camere di un albergo. Uno spirito domestico che viene costruito oltre che su un approccio intimo e disinvolto al materiale anche sull’utilizzo di dettagli trasversali che derivano da ambiti estranei al ricettivo. Dettagli spesso discreti, come le tende a doghe verticali tipiche degli interni lavorativi e che ricompaiono a filtrare trasparenze interne alle unità abitative. Scelte stilistiche ‘ai limiti’ che impongono una grande partecipazione emotiva dell’utente finale e mostrano un atteggiamento lontano dalle scelte consolidate. Il contrappunto e il gioco prendono vita, invece, dall’utilizzo schietto di materiali quali il legno massello che dà corpo ai piani lavabo dei bagni, i fondali dei letti in cemento ornati da fotografie, i pavimenti in blocchi di cemento delle terrazze che paiono un gioco di incastri non terminati di un bimbo, le stesse botti cui accennavamo che ‘ingombrano’ il soffitto scuro del ristorante.

Materiali utilizzati nella loro naturalezza, con l’intento di esprimere un carattere sincero che divide la sua identità tra materia, colore e ‘tessitura’, trama ricca di chiaroscuri che rimanda a un territorio che, alla fine, appare come uno degli interpreti principali della composizione.

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Designhouses is a group of professionals who design and create architecture marked by a high style profile, good quality construction and dynamic sensitivity for the surrounding territorial realities. It’s a rare occurrence when the design and the building constructor ideas coincide and are joined by the common objective: to produce added value for the building by focusing on the contents of the project with the unfailing belief that this will translate into the material quality of the work.

The activity of Designhouses is split in two directions – living accommodation and hospitality structures – and over 20 years the studio has presented examples of good quality architecture where cutting-edge designs, originality and quality meet in a calibrated and original ensemble.

One of their latest projects was for Hotel Viura in the Spanish Rioja region, one of the country’s largest and most famous wine-producing areas.

On first impressions, the project would appear to have been inspired by the local building traditions and the undulating curves of the surrounding hillsides.

In this territory, there is a mixture of large vineyards, green scrubland and simple homes. They join to form villages that coagulate into fascinating organic organisms.

In actual fact, Hotel Viura would appear to be listening to the logic of organic sedimentation which marks the territory and its surroundings, However, on closer inspection, we see that despite starting from the characters of the local buildings, the generating lines of the hospitality complex are not expressed through boring imitation. They are oriented to more contemporary poetry, or better still, efficacious osmosis of the local stylems with the features of the most up-to-date architectonic culture; their creations observe the surrounding reality and achieve an original synthesis of the content by passing through contemporary architecture.

All the references to the Maestros of deconstructionism are there.

From Frank Gehry to the Coop Himmelab(l)au to the Catalan EMBT, founded

by Miralles, who died 10 years ago, and Tagliabue. When these references are metabolized and radically re-interpreted, they give life to a creation that is not overcome by style; on the contrary, it shows great equilibrium in joining with the soul of the local constructions. The block which has been fractured into a thousand pieces appears to emerge, like solidified lava – from underground, making room among the houses in the Rioja village, positioned around the Eighteenth-century church the focal point for the well-balanced historical arrangement. Each of the hotel’s floors is different to the others and can be likened to an improbable aggregate of pieces, parallelepipeds of uncertain geometry, dictated by the rules and by necessities that are not directly functional but interiorized and changeable.

The pieces that disarticulate the interiors of each floor, and the bedroom floors

Vista di una delle suite e il ristorante con l’originale impianto di condizionamento che viaggia all’interno delle botti di vino appese al soffitto. Sotto, linee sghembe e materiali ‘nudi’ anche negli arredi del bar al piano terra. Nella pagina accanto, una delle terrazze dell’hotel. Gli arredi minimali fanno da contraltare a un uso originale del dettaglio architettonico, come i pavimenti che sfumano sui ciottoli di un giardino mediterraneo che vive sul confine della terrazza e si addossa ai parapetti.

One of the suites and the restaurant with the original air-conditioning plant that passes through empty wine barrels suspended from the ceiling. Below, oblique lines and ‘stripped’ materials have also been used in the furnshings for the bar on the ground floor. On the opposite page, one of the hotel’s terrazzos. The minimal furnishings exalt the innovative use of the architectonic features, as the floorings that were inspired by pebbles in a Mediterranean garden, on the edge of the terrazzo and close to the parapets.

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in particular, emerge on fronts that, when mixed with the reinforced concrete (in natural and rust-brown shades) and the vegetation (a garden on the rooftop of each block), prevent the usual interpretation ‘on the basis of the facades’ of the architecture. The untidiness that ‘organizes’ the telluric structure penetrates deep into every area of the hotel. The furnishings in the restaurant are minimal – wine barrels, transformed into unlikely air channels, have been suspended from the opaque black ceiling, and oblique white columns that support the structure.

Washrooms in hotel bedrooms are often designed as volumes which adjoin the architecture of the bedroom that appears to be fragmented by the material effect of the walls in reinforced concrete. There are some splashes of deep rust brown to add a dynamic touch to the overall effect. The same temporary, intermediate personality can be observed in the spaces between the bedrooms and it makes an attempt to bypass the traditional starkness of the corridors and thanks to the diagonals, give rise to places where a few original pieces of furniture add a touch of domestic personality to the rest of the hotel. The diagonal re-appears in the visible reinforced concrete of the bar located in the hall, and in every other common space, arranged along the oblique dimension of its main generating lines ansd in the individual details of the finish. As a result, the oblique lines of the gutters in each block link to the unfinished flooring of the terrazzos which blend with the pebbles that have been used to give life to vegetated areas close to the parapets. However, the

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Due viste delle suite dell’albergo.

Domina un’atmosfera intima prodotta dai materiali che danno vita agli ambienti, da una composizione disinvolta degli elementi che compongono il corredo funzionale e scelte cromatiche non certo consuete.

Two views of the hotel suite. An intimate atmosphere predominates: this has been created with the materials used to give life to the ambience, from the casual aggregation of the elements used to create the functional features and the unusual color scheme.

diagonal is never a theoretical direction, an orientation that obliges the project to have a geometric dogma that lacks soul and emotion. On the contrary, the divergence of the horizontal lines attempts to soften the contrast that organizes the entire project with an esthetic ensemble that really does appear to be associated with the overall effect, in a ludic spatial organized to appear like the extension of a home as opposed to being a hotel bedroom. This domestic spirit is based on an intimate and casual approach to the material and also on the transversal details that derive from other areas foreign to hospitality. The details are often discrete, such as the vertical blind panels typical of the office environment which re-appear to filter the windows inside the living units. Style choices ‘at the limits’ which oblige maximum emotional participation from the end-user and which illustrate an approach that is distant from the consolidated choices. The contrast and the effect come to life thanks to the skillful choice of materials such as solid wood, the integrated basin blocks, the components of the beds in cement decorated with photographs, the cement paving of the patios which look like a child’s unfinished jigsaw, the barrels that hang from the dark ceilings of the restaurant. Materials in their natural state, used with the intention of expressing the sincere personality that splits its identity between material, color and arrangement, an effect that is rich with chiaroscuro features which refers to a territory that is actually one of the main interpreters of the arrangement.

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Altre viste dell’interno delle camere dell’hotel. Gli arredi si staccano sui fondali in cemento colore ruggine.

Nel bagno il piano del lavabo è ricavato da un’asse in legno appena sbozzata.

La camera è separata dal bagno da sottili tende a doghe verticali sul modello dell’arredo per uffici.

Other views inside a hotel bedroom.

The furnishings stand-out against the backdrop in rust-colored cement.

In the bathroom, the top surrounding the basin has been produced using a wooden plank. The bedroom is separated from the bathroom by slim vertical panels, similar to those used in offices.

Ogni piano dell’hotel Viura ha una conformazione autonoma rispetto al contesto. Il disordine apparente porta il cliente a sentirsi a casa propria.

Nelle immagini, le terrazze dell’albergo e una vista di dettaglio del retro del bancone del bar.

Each floor of hotel Viura has its own autonomous arrangement with respect to the context. The apparent untidyness makes the guests feel at home.

In the pictures, the hotel’s terrazzos and a close-up of the rear of the bar counter.

Pianterreno/Ground floor

Primo piano/First floor

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Secondo piano/Second floor

Seminterrato/Basement

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Terzo piano/Third floor

SINGAPORE

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COLOSSO VERDE GREEN COLOSSAL

Singapore riparte dall’ecosostenibilità.

Dopo tre decenni di demolizioni e smantellamenti che hanno cancellato qualunque contaminazione storica, l’importante isola asiatica è ora impegnata in una corsa rapidissima alla ricostruzione

txt: Stefania Cubello/ph: Betty Colombo progetto: Moshe Safdie

Singapore is consolidating its mission to ecological sustainability. Following three decades of demolition and disassembly that cancelled any historical contamination, the important Asian island is now focused on rapid reconstruction

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Normale quando si decide di utilizzare lo spazio urbano come mezzo di affermazione del proprio potere economico. L’ha fatto Dubai con il Burj Al Arab e ora lo fa Singapore con Marina Bay Sands, progetto senza dubbio ambizioso. Considerato da subito un resort da record nasce con un investimento di ben 5,5 miliardi di dollari e un progetto firmato dall’architetto Moshe Safdie, già noto ai più per aver disegnato il Museo dell’Olocausto a Gerusalemme e la Galleria del Canada ad Ottawa. Il complesso prevede tre enormi torri sovrastate da un’enorme piattaforma (simile a una tavola da surf) ospitante un’area verde. Infatti, nonostante qualcuno abbia gridato all’ecomostro, questo progetto contiene invece numerosi aspetti di ecosostenibilità e propone interessanti studi sull’impatto zero. Certo, difficile crederlo a Singapore, vista la densità di grattacieli altissimi rispetto alla dimensione del territorio. Sta di fatto però, che l’ultima tendenza è quella di riproporre sui tetti delle megastrutture l’area verde tolta per la loro costruzione generando ad altezze impossibili dei meravigliosi ‘giardini del cielo’. Cosi è stato anche per il Marina Bay Sands, vero e proprio colosso ingegneristico e nuovo simbolo della città del Leone. Abbiamo chiesto a Thomas Arasi, presidente di Marina Bay Sands di raccontarci della componente ecologica del suo progetto. “Per noi la tutela dell’ambiente richiede un impegno a lungo termine. Anche durante il processo di costruzione, abbiamo fatto uno sforzo per riciclare, utilizzare materiali verdi e ridurre gli sprechi al minimo. Per esempio, sono state utilizzate vernici non tossiche, sostituite da eco-pitture per ridurre la quantità di fumi nocivi rilasciati nell’atmosfera. Queste vernici contengono elementi ecologici riciclati o avanzi di tinture che normalmente vengono eliminati. Inoltre abbiamo ridotto al minimo i rifiuti attraverso un piano di riciclo e il riutilizzo di legno, metallo e terra scavata. Andando avanti, stiamo seguendo l’esempio di un’altra nostra proprietà, un palazzo a Las Vegas, che è il più grande edificio del mondo con certificazioni LEED di efficienza energetica e ambientale. Marina Bay Sands ha fatto mol-

to per il rispetto dell’ambiente e per offrire ai propri collaboratori un luogo sano in cui vivere e lavorare. Al centro delle nostre iniziative c’è un investimento di 25 milioni dollari spesi per la progettazione di un sistema che consente controlli automatici per illuminazione, riscaldamento e approvvigionamento di acqua per l’intero resort al fine di risparmiare risorse preziose”. Il resort ha veramente dell’incredibile; con oltre 2500 camere è l’hotel più grande di Singapore. I suoi 55 piani offrono una vista strepitosa sullo skyline della città e sul Mar Cinese Meridionale. Le torri inclinate si collegano al 23esimo piano formando un unico edificio che poi si riapre nuovamente con tre strutture imponenti stagliate contro il cielo. La pendenza di 26 gradi di ciascuna lo rende uno degli edifici più complessi che siano mai stati costruiti, oltretutto a un ritmo di crescita vertiginoso: un nuovo piano ogni 4 giorni. Alla sommità si trova lo Sky Park, meraviglioso giardino che ospita ben 250 alberi e 650 piante, un’oasi tropicale di 1,2 ettari a 200 metri di altezza. In questi 12.400 metri quadrati anche un ristorante con la firma del celebre chef Justin Quek, una piattaforma di osservazione del panorama e la piscina che, con i suoi 150 metri di lunghezza, è la piscina sospesa più grande del mondo. Una vera meraviglia: è una sensazione inimmaginabile nuotare ad un soffio dal vuoto. All’interno delle torri, anche 300 negozi dei più importanti brand e 50 ristoranti con un’offerta decisamente ampia di proposte. Se poi si considera che all’interno ci sono anche due teatri, un casinò, un museo della scienza e cinque piani per mostre e convention, possiamo proprio dire che il Marina Bay Sands è una vera e propria città, la trasformazione dello spazio urbano attraverso un microcosmo capace di accontentare qualunque esigenza. Un occhio di riguardo va gettato sul programma economico-sociale del progetto: la forza di questo resort non è solo legata alla soddisfazione del cliente; infatti, ben il 70% delle 7400 persone impiegate come forza lavoro è originaria di Singapore, al fine di arricchire la città con un progetto non solo architettonico ma anche di sviluppo sociale.

Tre grattacieli di 55 piani sovrastati da una grande tavola compongono il Marina Bay Sands, resort da record nel cuore di Singapore. Le tre costruzioni hanno superficie inclinata per la rifrangenza della luce. Si collegano al 23esimo piano per formare un unico edificio.

Three skyscrapers, of 55 floors each, lying beneath a large flat roof. This is a brief description of the Marina Bay Sands, a record-breaking resort in the heart of Singapore. The three buildings having sloping surfaces which refract the light. They are joined together at floor 23 to form a single building.

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It is normal to use the urban space as a means to demonstrate economic power.

It was done in Dubai with Burj Al Arab and now it is the turn of Singapore with the Marina Bay Sands, an unquestionably ambitious project. This project for the resort was record-breaking construction with an investment of US.$.5.5 billion and plans drawn-up by architect Moshe Safdie, who has already made his name for having designed the Museum of the Holocaust in Jerusalem and the Gallery of Canada in Ottawa. The complex includes three enormous towers that rise-up to a gigantic platform (something like a surfboard) containing the gardens. Despite the criticisms of this monster, the project actually contains a number of environment-friendly systems and proposes interesting studies on zero impact. It may be hard to believe that this is possible in Singapore, given the density of skyscrapers on such limited territory. It has implemented the latest trend to cover the roofs of these huge buildings with the greenery that was removed to make way for the construction, creating fantastic high-rise ‘sky gardens’. This was the case for the Marina Bay Sands, an engineering colossal and a new symbol for the city. We asked Thomas Arasi, President of the Marina Bay Sands to tell us about the ecological component of his project. “We are committed to the long-term protection of the environment.

Even during the production phases, we focused on recycling, using environmentfriendly materials and reducing waste to a minimum. For example, we used non-toxic paints, ecologically-viable paints to reduce the quantity of toxic fumes released into the atmosphere. These paints contain recycled ecological elements or discarded dyes that would normally be eliminated. Moreover, we have reduced waste to a minimum through a program for recycling and the reuse of wood, metal and excavated earth.

Moving on, we are following the example of a property in Las Vegas, the world’s largest building awarded the LEED energy-efficiency certification.

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Marina Bay Sands has maximized respect for the environment to offer its collaborators a healthy place for living and working. At the heart of our initiative, there is an investment of 25 million dollars spent on the design of a system which consents the automatic control of the lighting, heating and water supply for the entire resort, geared to saving these precious resources”. The resort is nothing short of incredible: with more than 2500 bedrooms, the hotel is the largest in Singapore.

There are breathtaking views of the city skyline and the South China Sea from its 55 floors. The sloping towers merge at the 23rd floor to create a single building which splits once again into 3 sections that stand-out on the horizon. The 26° slope of each makes this one of the most complex buildings ever constructed and the speed of completion was astonishing – a new floor was terminated every 4 days. At the top, the Sky Park, a magnificent garden with 250 trees and 650 shrubs, a tropical oasis, covering 1.2 hectares at 200 meters above ground. There is also a restaurant run by the famous chef Justin Quek, an observation platform and a swimming pool 150 meters long and the highest in the world. This is a true example of architectonic magic: the unimaginable thrilling sensation of swimming on the edge of a precipice.

Inside the towers, there are 300 important brand stores and 50 restaurants with a vast selection of cuisine. There are also two theaters, a casino, a Science Museum and five floors which can be used for exhibitions and conferences. There is no doubt that the Marina Bay Sands is a miniature city; it brings about the transformation of the urban space through the creation of a microcosm that can satisfy each and every demand. The economic-social program deserves a mention: the strength of this resort does not lie solely in the satisfaction of the guests; 70% of the 7400 members of staff are local and this means that the project is not only an architectural attraction but also encourages social development to enrich the city.

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All’interno sono posizionate opere di artisti di fama mondiale. A lato, Wall Drawing #917, Arcs and Circles di Sol LeWitt. Nella pagina precedente, Drift di Antony Gormley, collocata nella hall. Realizzata con una matrice poliedrica tridimensionale in acciaio inossidabile, si compone di oltre 16.000 aste d’acciaio e 8.320 intersezioni sempre in acciaio. Sospesa come una nuvola in aria, fra i livelli 5 e 12 dell’atrio della Torre 1 dell’hotel, pesa 14,8 tonnellate.

Inside, the interiors have been decorated with works of art by world-famous artists. To the side, Wall Drawing #917, Arcs and Circles by Sol LeWitt.

On the previous page, Drift by Antony Gormley, positioned in the hall. It has a three-dimensional polyhedral matrix in stainless steel, created with more than 16,000 steel rods and 8,320 steel joints.

Suspended like a cloud in the air between levels 5 and 12 of the lobby in Tower 1, it weighs 14.8 tons.

Le camere sono 2560, tutte molto ampie.

L’arredo è raffinato ma senza eccessi, con letti king size, moquette e vista mozzafiato sulla città . La palette cromatica ha tinte tenui, con predilezione per i colori naturali. Le stanze da bagno sono decisamente confortevoli, con grandi vetrate aperte sul panorama.

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There are 2560 spacious bedrooms.

The elegant design shuns the superfluous; there is a king-size bed, carpet and breath-taking views over the city. The colors are soft, with a preference for natural shades. The bathrooms are extremely comfortable and have large windows overlooking the city.

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A 200 metri di altezza, l’incredibile piscina Infinity domina la città: con i suoi 150 metri di lunghezza è la piscina sospesa più grande del mondo.

High up, at 200 meters above ground, the incredible swimming-pool, Infinity, dominates the city. It is 150 meters long and the largest rooftop pool in the world.

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Alla sommità si trova lo Sky Park, meraviglioso giardino che ospita ben 250 alberi e 650 piante, un’oasi tropicale di 1,2 ettari a 200 metri di altezza.

In questi 12.400 metri quadrati anche un ristorante con la firma del celebre chef Justin Quek, una piattaforma di osservazione del panorama e la piscina che, con i suoi 150 metri di lunghezza, è la piscina sospesa più grande del mondo.

At the top, the Sky Park, a magnificent garden with 250 trees and 650 shrubs, a tropical oasis, covering 1.2 hectares at 200 meters above ground. There is also a restaurant run by the famous chef Justin Quek, an observation platform and a swimming pool 150 meters long and the highest in the world.

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ISTANBUL

KEMPINSKI BELLEVUE RESIDENCE txt: Arianna Callocchia/ph: Arianna Callocchia, Tanju Özelgin progetto: Tanju Özelgin

Atmosfere suggestive, tra modernità e rispetto delle tradizioni, animano gli ambienti del Kempinski Bellevue residence di Istanbul

Suggestive atmospheres, a mixture of modernity and respect for traditions – this is the energy perceived in the Kempinski Bellevue residence of Istanbul 69 Il residence, immerso nel verde della vallata di Ulus e Ortaköy, offre bellissime viste panoramiche sulla città e sul Bosforo, fornendo ai residenti l’opportunità di usufruire di una vasta gamma di servizi offerti da Kempinski con l’obiettivo di garantire uno stile di vita privilegiato. Ogni appartamento del Kempinski Bellevue Residence è stato progettato per avere un soggiorno, una cucina, una camera da letto matrimoniale con cabina armadio e un’ampia sala da bagno, due camere per ospiti e altrettanti bagni.

Il progetto d’interni, dello studio turco Tanju Özelgin, abbina con maestria design moderno, forme essenziali, materiali trasparenti, colori monocromatici e luce naturale con pezzi d’arte contemporanea ed elementi tradizionali, così da creare un ambiente casual ma elegante dove un equilibrio di contrasti fornisce all’ambiente un tocco di originalità. Un esempio è la libreria in vetro con libri antichi posta sulla destra non appena si entra nell’appartamento che rappresenta un evidente rimando al passato ma in uno spazio ultra moderno. La marcata modernità, l’uso di tinte neutre e la dotazione delle tecnologie più all’avanguardia (peraltro non visibili), non imprimono all’ambiente un tono freddo e austero bensì fortemente caldo e accogliente. Gli spazi poi non sono chiusi ma aperti e fluidi, quasi a creare un grande ambiente unico attraverso locali continui, come la cucina open space che affaccia sul soggiorno. Un ruolo molto importante è rivestito dalla luce naturale che, entrando dalle ampie vetrate esterne, viene filtrata in tutti gli ambienti attraverso le pareti divisorie in vetro. Ne è un esempio la camera da letto principale dove la parete posta tra la stanza da letto e il bagno è in vetro trasparente così da garantire l’illuminazione naturale da entrambi i lati della camera. Il ricorso alla luce artificiale serve a dare un tocco di colore agli ambienti e a creare una particolare atmosfera, come accade con l’illuminazione indiretta e con l’utilizzo di faretti orientati su quadri e oggetti. Concorrono a questa un’atmosfera suggestiva anche i contrasti derivanti dalla scelta dei materiali: pietre naturali, come la pietra serena, per il rivestimento delle pareti, vetro trasparente o superfici di vetro satinato per i divisori, parquet laminato in pioppo per i pavimenti. Una combinazione di scelte innovative che, sapientemente dosate tra loro, permettono a quanti soggiornano in questa struttura di calarsi in un’esperienza avvolgente, con il valore aggiunto delle splendide vedute sul Bosforo. Si ringrazia: Ufficio Cultura e Informazioni. Ambasciata di Turchia. www.turchia.it

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Particolare del divano progettato da Tanju Özelgin appositamente per il soggiorno. Accanto, la libreria in vetro all’ingresso dell’appartamento.

Close-up of the sofa designed ad hoc

by Tanju Özelgin for the lounge.

To the side, the glass bookcase at the entrance to the apartment.

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Esterno e ingresso del Kempinski Bellevue Residence. Sopra, dettaglio del lampadario sospeso sul tavolo da pranzo, progetto di Ross Lovegrove per Louis Poulsen Lighting. A destra, il tavolo da pranzo è Synapsis di Porro, design Jean Marie Massaud. Nella pagina accanto, l’area d’ingresso all’appartamento.

The exterior and the entrance to the Kempinski Bellevue Residence.

Above, a close-up of the chandelier above the dining-table, designed by Ross Lovegrove for Louis Poulsen Lighting. Right, the dining-table is called Synapsis by Porro, design Jean Marie Massaud. On the opposite page, the entrance to the apartment.

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The residence is set in the green valleys of Ulus and Ortakรถy, and offers beautiful views on the city and on the Bosphorus, otherwise known as the Istanbul Strait.

It also gives residents the opportunity of using a wide range of services in the Kempinski complex with the objective of guaranteeing an excellent life style.

Each apartment in the Kempinski Bellevue Residence has been designed with a lounge, a kitchen, a double bedroom with closet and a large en-suite bathroom, two guest bedrooms and bathrooms. The interior design project was created by the Turkish Studio, Tanju ร zelgin, and it skillfully combines modern design, clean shapes, transparent materials, black and white colorways and natural light with pieces of contemporary art and traditional elements, to create a casual yet elegant ambience where the well-balanced contrasts inject a touch of originality to the ensemble.

One example was the glass bookcase for antique books; it has been positioned on the right just inside the apartment and is an obvious reference to the past while being projected into an ultra-modern space. The obviously modern ambience, the use of neutral colors and the latest technology (well-hidden from view) are by no means cold and austere but warm and welcoming. And the spaces are not closed but open

and flowing as though striving to create a single ambience which can be seen with the open space kitchen that merges into the lounge. Natural light plays an important role and floods in through the large windows in the faรงade. It is filtered through glass partitions as it penetrates into the interiors. Take for example, the master bedroom: the wall positioned between the bedroom and the bathroom is in clear glass and this will guarantee the natural illumination on both sides of the bedroom.

Artificial lighting has been used to give a splash of color to the ambience and create a very special atmosphere, as is the case with indirect lighting and the use of spotlights directed onto pictures and ornaments. The suggestive atmosphere is also created with the contrast observed in the materials used: natural stone (Serena stone) used to face the walls, clear or brushed glass used in the partition walls, poplar laminate for the floors. All in all, a combination of innovative choices that, thanks to the careful balance between the components, produces a warm cozy experience for residents and guests alike, with the added delight of the splendid views on the Bosphorus. Thanks to the Office of Culture and Information, The Embassy of Turkey in Italy. www.turchia.it

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DHD Dall’alto, una stanza da letto caratterizzata da un guardaroba ad ante scorrevoli di Rimadesio e il riflesso sull’anta in vetro dell’armadio. Accanto, planimetria di un appartamento del Kempinski Bellevue Residence. Nella pagina a lato, una stanza da letto con letto prodotto da Birim e progettato da Tanju Özelgin e vista della stanza da letto dalla sala bagno.

From top, a bedroom with a closet fitted with sliding doors by Rimadesio and the reflection of the closet in the glass door.

To the side, plan layout for an apartment in the Kempinski Bellevue Residence.

On the opposite page, a bedroom with the bed produced by Birim and designed

by Tanju Özelgin and the bedroom viewed from the bathroom.

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CEGGIA FORMA, MATERIA E CONTESTO SHAPE, MATTER AND CONTEXT txt: Elviro Di Meo/ph: Paolo Utimpergher

progetto, direzione artistica, interior design: Aldo Parisotto, Massimo Formenton progettazione architettonica, direzione lavori: Gianluigi Ongaretto, Santina Zanin

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Particolare del prospetto principale, che si evince in tutta la sua impostazione volumetrica nella pagina accanto.

A destra, la facciata porticata, in cui si intravedono le ampie aperture dell’edificio. Al centro, la passerella che attraversa il canale Piavon: un riferimento del luogo circostante con cui dialoga il negozio.

Close-up of the main facade; the volumetric arrangement is exalted on the opposite page. Right, the porticoed facade with views of the building’s large windows.

At the center, the walkway that crosses the Piavon canal: a reference to the surroundings that interface with the store.

Un involucro scuro, rivestito da una pelle di pietra lavica che nasconde l’ossatura portante, associa all’unità monomaterica la compenetrazione di quattro parallelepipedi, disposti uno dentro l’altro, così da formare un organismo unico e compatto, che si erge nel paesaggio urbano, privo di emergenze architettoniche, ma dotato di un suo decoro.

Ne deriva un enorme monolite, dalla spiccata valenza iconica, fatto di profonde aperture e corpi aggettanti tali da smussare la rigorosa rigidità geometrica; che, nel dialogare con il contesto, apre un cono visivo che si rapporta con due riferimenti espliciti del luogo, da cui non potersi sottrarre: la piazza e il canale

A dark facing, with a skin of basalt stone which hides the weightbearing structure. A single material which unifies four geometric buildings, arranged to create a single compact complex which stands against the urban landscape, with few architectonic features but expressing interesting decoration.

An enormous monolith with sharp iconic value, consisting of deep-set windows and protruding components which interrupt the geometric severity. It interfaces with the context and opens a visual cone in relation to two obligatory and explicit references of the location – the square and the canal

Ceggia è un centro in provincia di Venezia, completamente immerso nel verde della Pianura Padana, verso l’estrema propaggine del territorio, che, come altri paesi vicini, presenta caratteristiche tipologiche e qualitative dello spazio costruito segnato da un paesaggio urbano piatto, sviluppato negli anni Trenta e poi accresciuto nel tempo. La città, pur mantenendo un certo decoro architettonico, è, tuttavia, priva di esplicite emergenze storiche significative, ad accezione di qualche edificio ottocentesco, che renderebbero, in caso contrario, il contesto poco recettivo alle innovazioni stilistiche di un’architettura assolutamente contemporanea. Innovazioni che, per forza di cose, scompaginerebbero il tessuto edilizio stratificato durante i secoli. Il rapporto si può comprendere guardando la severità con cui la stessa Venezia boccia o interviene drasticamente su qualsiasi progetto in grado di compromettere la sua immagine. Ceggia, in ogni caso, nonostante la mancanza di una sintassi architettonica inviolabile, investe su un linguaggio del tutto alternativo per il luogo, accettando l’impostazione proget-

tuale e materica di un edificio che è espressione della contemporaneità. La stessa amministrazione comunale nell’accogliere il progetto ideato per Eraldo’s Fashion Building – uno store, completo di residenza privata, specializzato in brand di lusso, che richiama clienti da tutto il Veneto e dalle nazioni confinanti con l’Italia – non ne dispone la collocazione in un’area suburbana, periferica al centro storico, o, peggio ancora, negli anelli esterni in cui sono ubicati tutti gli altri centri commerciali, ma, bensì accetta entusiasta, che l’edificio sorga nel cuore della piazza principale. Ed è proprio dal rapporto instaurato tra committenza, autorità pubblica e progettisti che prende vita il manufatto architettonico, composto da tre livelli fuori terra e un piano interrato, che occupa un volume complessivo di 5044 metri cubici e una superficie totale pari a 1505 metri quadrati. Lo studio Parisotto e Formenton, fedele al suo stile rigoroso che poco o nulla concede al superfluo, insieme agli architetti Gianluigi Ongaretto e Santina Zanin, dà forma a un involucro compatto che associa all’unità materica, affidata alla pietra basaltina usata per rivestire integralmente la struttura in cemento armato – come una seconda pelle che copre l’ossatura portante –, la compenetrazione di quattro parallelepipedi, uno dentro l’altro, al fine di creare un organismo unico, alla pari di un enorme monolite, dalla spiccata valenza iconica per il contesto stesso. Una scultura, caratterizzata da prospetti scuri, segnata da corpi aggettanti, come l’anello avulso da qualsiasi funzione se non puramente estetica, che drammatizza la facciata che si contrappone al prospetto principale elevato su via Roma, e da profonde rientranze, così da interrompere la statica geometria dell’edificio. Eraldo non è, tuttavia, un volume che dialoga esclusivamente con se stesso, a tal punto da definirsi ‘introspettivo’, evitando di rapportarsi con il contesto esterno; semmai è vero il contrario, nonostante il suo carattere ‘introverso’. Gli architetti Aldo Parisotto e Massimo Formenton, grazie alle aperture che squarciano le mura, stabiliscono con l’ambiente un cono visivo costante che attraversa l’intero volume, e individua due riferimenti espliciti, da cui non poter sottrarsi: la piazza e il canale Piavon. Del resto, il legame tra interno ed esterno c’è e non è mai negato. È un legame indiretto che, comunque, esiste, sebbene si palesi diversamente e sia percepito in maniera tale, con parti più nascoste ed altre più dirette. Leggendo, infatti, gli elaborati grafici del progetto, a cui hanno collaborato gli architetti Elena Pratuzzi, Riccardo Bastiani e Masanori Mori, si evince il porticato che si apre sulla sinistra con una doppia funzione: da un lato fornisce uno spazio coperto, a fronte strada, come luogo di sosta e di incontro, dall’altro, lascia intravedere parte del percorso espositivo. In ogni caso, è un esperimento di rendere partecipe la collettività a sentire come proprio, quale segno di appartenenza, l’edificio costruito. Ed è dai tagli

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improvvisi nella parete muraria, dai vuoti sottratti alla materia, appena protetti dai frangisoli, che la luce naturale riesce a penetrare l’interno, creando ombre marcate e profondi effetti chiaroscurali. Diffonde i raggi zenitali fino a raggiungere i vari ambienti e i livelli sovrapposti. Il piano interrato è pensato come uno spazio polivalente, in cui predominano i toni bianchi del gres che funge da pavimento e dalle pareti in cartongesso. Una scatola neutra dove si svolgono eventi e mostre temporanee, o anche vendita, comunque momentanea, illuminata dall’alto dal chiarore che entra da due ‘trincee’, scavate sul lato nord, su via Roma, in cui trova spazio l’elegante giardino posto sullo stesso livello, e da un accesso indipendente, costituito da una scala esterna, sempre in pietra basaltina. Lo showroom vero e proprio, con i diversi reparti di abbigliamento, sia maschile sia femminile, si snoda tra il piano terra e il primo. “Qui – spiegano gli architetti – tutto ruota intorno a un grande cavedio centrale, che, dall’ultimo livello dove sono collocati gli uffici amministrativi, la residenza privata del titolare e un’ampia terrazza, cattura la fonte luminosa per irradiare l’ambiente”. Il patio funziona da elemento di snodo da cui dipende l’aspetto distributivo e funzionale degli spazi. Il pavimento è in granito nero indiano, nella versione total black, mentre le partizioni verticali, così come al livello superiore, alternano pareti in cemento grezzo, lasciato a vista, quasi a ricordare la struttura portante, con altre ricoperte in Travertino navona a poro aperto; materiale che riveste interamente tutte le partizioni orizzontali del primo piano. Elegante la soluzione sperimentata per la scala. Un elemento di raccordo, a tutt’altezza, collocato in asse con il giardino – altra sorgente di luce – posizionato sul

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lato opposto al porticato e perpendicolare alla strada. Gli arredi, come banchi, poltrone e mobili espositori sono eseguiti su disegno dello Studio Parisotto e Formenton. Di notte o all’occorrenza, tutte le aperture sono chiuse tramite serrande in acciaio funzionanti a pompa idraulica, in modo tale da garantire la massima sicurezza. Si compone, così, una scatola perfetta, diventata improvvisamente cieca, dando ancora più vigore al suo blocco di pietra macroscopico. “Questo progetto – commentano gli architetti – rispecchia tutta la nostra filosofia sviluppata nel corso degli anni, occupandoci di vari ambiti progettuali che spaziano dall’architettura, con realizzazioni museali, commerciali e residenziali, oltre a interventi inerenti allo shop design. Ma è la prima volta che siamo chiamati a progettare uno store di lusso nella sua integrità: cioè, sia l’involucro esterno che il contenuto. Ed è un progetto che, pur rispecchiando quello che è il nostro stile rigoroso ed estremamente razionale, che si evidenzia mediante linee pulite e dall’impostazione geometrica dello spazio, tuttavia, regala un’atmosfera meno severa, molto gradevole e rilassante”. “Il nostro scopo – aggiungono – era quello di creare un percorso interno che invitasse la clientela a vivere comodamente l’ambiente progettato, a sentirsi a proprio agio, quasi come si trattasse di un luogo familiare, o, quantomeno, avvertito come tale. Questi è certamente uno spazio privo di curve e di forme ridondanti, con un aspetto austero, almeno all’esterno, monomateriale, che, però, grazie all’impianto illuminotecnico, dalla differenza di intensità luminosa, dona una luce morbida e fluttuante, contribuendo al risultato di relax e di comfort che si percepisce da ogni angolo”.

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Ceggia is a city in the Province of Venice, deep in the heart of the Pianura Padana countryside, towards the edges of the territory. The architecture is in the same typological style and quality as the neighboring urbanizations.

The general landscape is flat and was developed in the Thirties, with further expansion witnessed over the years. But despite the tidy urban decor, the city lacks explicit and significant historical monuments with the exception of a few Nineteenth-century buildings which dictates that the context is not particularly conducive to contemporary additions. Any innovative style injection would jar with the buildings that have appeared over the centuries. This difficult planning issue is exemplified by the City Council of Venice which rejects or drastically modifies any project that could drastically affect its image. However, despite the lack of an untouchable architectonic syntax, Ceggia is investing in a completely alternative language for the location, accepting the design and material restrictions of a building which expresses the modern. When the city administration approved the plans for Eraldo’s Fashion Building – a store, complete with private residence, specialized in luxury brands, drawing people from across the Veneto region and from the countries that touch on the Italian borders – on a site not located in the suburbs, just outside the historical center or even worse, in the outer city rings beside all of the other shopping malls, but right in the heart of the main square.

This project for this piece of architecture was the joyful result of a relationship between the client, the public authorities and the designers. The building consists of three floors above ground and a basement. The total volume is 5044 cu.m. for a total floorspace of 1505 sq.m. Studio Parisotto and Formenton, withthe architects Gianluigi Ongaretto and Santina Zanin, with a style that allows little of the superfluous, gives rise to a compact group of four geometric volumes.

A single material – basalt stone which completely covers the structure in reinforced concrete like a second skin – gives uniformity to the complex and creates a wonderful gigantic monolith which has innovative iconic valency for the context itself. It can be described as a dark-colored sculpture with protruding elements, like the ring free from any purpose other that esthetics; it dramatizes the facade and contrasts with the main elevation on the city’s Via Roma; deep-set windows energize the static geometry of the building.

However, Eraldo is not a volume that is isolated or introspective; on the contrary.

Thanks to the openings created in the outside walls Architects Aldo Parisotto and Massimo Formenton have created a constant visual connection that cuts across the entire volume oriented to two obligatory and explicit reference points: the square and the Piavon canal. The connection between the inside and the outside exists and is exalted by the design.

The bond is indirect and perceived in a variety of manners, with some parts more obscure and others more evident. On examination of the plans for the project by architects Elena Pratuzzi, Riccardo Bastiani and Masanori Mori, it is clear that the portico that opens on the left has a dual function: on the one hand it provides protected walkway on the street front, which is used as a place for strolling and meeting friends; on the other, it provides views of the exhibition pathway. In any case, this experimental project allows the citizens to feel as though the building belongs to them. Natural light penetrates inside through the sudden cuts in the wall, these vacuums of empty space, barely protected from the sun. The beams create strong contrast and wonderful chiaroscuro effects. Sunlight floods throughout the building from above.

The basement has been designed as a polyvalent space where white predominates in the florring and the plasterboard walls. It’s a neutral box which the ideal

venue for hosting events and exhibitions, and even temporary sales facilities; this is illuminated from above by the light that enters through two grooves carved on the North elevation on Via Roma. There is a elegant garden on this floor and an independent access created by an external staircase, again in basalt stone. The showroom contains several departments for ladies and gents clothing on the ground and first floors. The architects explained “the whole structure rotates around a large central shaft. This allows light to flow from the top floor – which contains the administrative offices and the owner’s apartment with a large adjoining patio – right down to the bottom”.

The patio is a junction element that dictates the distribution and functional aspects of the spaces. The flooring is ‘total black’ Indian granite; the vertical partitions on this and the upper floor are an alternation of unfinished cement which links to the weight-bearing structure and other surfaces coated in open-pore Navona Travertine stone – a material which completely covers the horizontal partitions of the first floor. This elegant solution was also experimented on the stairwell. The stairs have been positioned on the same axis as the garden and provides another source of light. It lies opposite to the porticato and is perpendicular to the street. The furnishings – the counters, the armchairs and the display units – were custom-designed by Studio Parisotto and Formenton.

At night and when the store is closed for business, all of the doors and windows are closed by hydraulic pump-operated steel shutters which ensure maximum security. The box-like structure is therefore complete and all the walls are blind exalting to an even greater extent the macroscopic stone effect. “This project – explained the architects – reflects our traditional philosophy. We have been involved in architecture – with plans for museums, commercial properties and residential buildings. We also special in showroom design. However, this is the first time we were asked to be responsible for the entire design of a luxury store – from the facings to the content.

The project reflects our extremely geometric and rational design style with the clean lines and the uniform occupancy of the space; however, in this building we have managed to create a softer, more pleasant and relaxing ambience”.

“Our objective was to create an internal pathway that would invite the client to enjoy the ambience we have designed, to feel at home and a sense of belonging with the construction.

The building is free from curves and the superfluous, with an austere appearance from the outside thanks to the monomaterial coating. However, the illumination technology plant which provides a soft shimmering light of differing intensity, which contributes to the comfort and relaxation whichis perceived throughout".

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Nelle pagine precedenti, accanto alla contrapposizione materica degli ambienti del negozio, con il pavimento in Granito nero indiano per il piano terra, dove si erge la scala in asse con il giardino seminascosto, e il Travertino navona per il primo piano, si evince la scomposizione dei vari livelli dell’edificio attraverso la lettura dei plastici e di alcuni schizzi significativi. Qui a lato, i quattro fronti dell’edificio. Elemento caratterizzante di Eraldo è la pietra basaltina che unifica l’intera struttura alla pari di un solido unito e compatto. Nella pagina accanto, alcune immagini degli interni del primo piano.

On the previous pages, the black Indian granite on the ground floor exalts the stairwell and the semi-hidden garden; the granite and the Navona Travertine stone on the first floor define the arrangement of the various floors of the building, illustrated with models and some important sketches.

To the side, the four facades of the building. A distinguishing feature of Eraldo is the basalt stone that joins the entire structure which appears solid and compact. On the opposite page, some images of the interiors on the first floor.

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GLASGOW

Sezione della facciata laterale/Section of the side facade

Sezione della facciata principale/Section of the main facade

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COMFORT ACCESSIBILE ACCESSIBLE COMFORT

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txt: Alba Ferulli progetto: Concrete

Apre i battenti il terzo hotel CitizenM. Ipermoderno, dinamico e colorato, propone un nuovo concetto di ospitalità: lusso hi-tech e razionalizzazione di spazi e servizi

Il nuovo CitizenM è situato nel centro di Glasgow. L’ingresso è sottolineato da vetrate a doppia altezza di colore rosso acceso. La facciata principale è ravvivata da dipinti su pvc, realizzati da un noto artista locale, Alex Dordoy.

The third hotel of the CitizenM chain has been opened. This modern, dynamic, brightly-colored structure offers guests a new concept of hospitality: hi-tech luxury with rationalization of the spaces and amenity services

The new CitizenM is situated in the center of Glasgow. The entrance is exalted by the dual-height glass panes in a bright red color. The main facade has been decorated with paintings on a PVC support, by a well-known local artist, Alex Dordoy.

La famiglia CitizenM si amplia: un nuovo hotel di 198 camere ha aperto i battenti nel centro di Glasgow, in Scozia. L’omonimo gruppo olandese, ideatore del concept che offre un lusso accessibile ai suoi ospiti, viaggiatori instancabili e curiosi ma anche businessman, ha pianificato di espandersi nei prossimi anni realizzando altri 20 hotel. Due sono in progetto a Londra e altri due a New York. La formula del successo è semplice ma sofisticata: tagliare i costi ‘nascosti’ e rimuovere le voci di spesa non indispensabili a favore di spazi eleganti, camere confortevoli e tecnologiche ma a un prezzo moderato per una vasta clientela internazionale. Così, la tradizionale reception è sostituita da un tavolo con sei terminali self check-in per effettuare la registrazione e ottenere la chiave a scheda elettronica. Se non si ha dimestichezza con i computer, un addetto dello staff CitizenM guida l’ospite spiegando la procedura della durata di soli 30 secondi. Altro aspetto fondamentale è l’ubicazione dell’hotel: situato nel cuore pulsante del centro cittadino, ben servito da mezzi pubblici e circondato da negozi alla moda, fa sentire subito l’ospite a suo agio nella città. Il rivestimento dell’edificio, in granito naturale, trasmette solidità. Al piano terra, ampie vetrate colorate di rosso sottolineano l’in-

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Particolare del salotto, in corrispondenza dell’ingresso sottostante. La scala ellittica si snoda sinuosa dalla lobby al piano terra per salire al primo piano. Gli interni giocano sull’alternanza del rosso e nero a cui fa da contrappunto il soffitto costellato di bianche lampade multiformi.

Close-up of the lounge, above the entrance. The spiral staircase winds its way from the lobby on the ground floor to the first floor. The interiors are based on an alternation of red and black which contrast with the ceilings dotted with white multiform lamps.

gresso. La facciata, ravvivata da dipinti su pvc realizzati dall’artista scozzese Alex Dordoy, che ben esprime lo spirito irrequieto della città, ospita ampie finestre squadrate che sporgono verso l’esterno quasi a ‘bucare’ la muratura. I serramenti, in vetro e alluminio, sono disposti a profondità diverse rispetto la linearità della facciata per ottenere un particolare gioco di volumi. Al contrario, le vetrate al piano terreno rientrano all’interno della costruzione, creando un diaframma naturale tra esterno e interno. Nella zona d’ingresso s’impone l’ampia scala ellittica, di un rosso acceso, mentre l’area è inondata dalla luce brillante di una selva di lampade a soffitto. Sempre al piano terreno, la lounge di ristorazione è soprattutto self-service. Qui, il rosso bancone del barristorante si snoda su quattro lati al centro dell’ambiente, delimitato da una particolare ‘libreria’ a parete: in esposizione per gli ospiti ci sono non solo riviste e libri, ma anche scaffalature frigorifero dove scegliere bevande, sushi, sandwich, insalate e colazioni tipiche del luogo, ogni genere di snack, pasti completi e pasticceria fresca. Alle spalle del bar, in corrispondenza delle vetrate su strada, un comodo divano in pelle scura, tavolini e sedie dove gustare uno spuntino o l’aperitivo. A sera, l’area ristorazione

Gli spazi comuni sono suddivisi funzionalmente in diversi salottini per ricreare l’atmosfera di casa.

Tutti gli arredi sono Vitra. Sopra, l’area dedicata alla conversazione e alla lettura ospita una parete attrezzata a libreria, e la tv a schermo piatto. Sotto, due spazi destinati alle attività lavorative e di studio, con postazioni computer sempre a disposizione degli ospiti.

The common areas are split, in terms of function, into a number of different rooms, to create a domestic atmosphere.

All of the furnishings are by Vitra. Above, the area dedicated to conversation and reading; there is an equipped wall which is used as a bookcase, and a flat-screen TV for the guests. Below, two places for work and study, with computer stations always available fo the guests.

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si trasforma in bar, una parte della ‘libreria’ si chiude e mutevoli scenari luminosi creano un’intima atmosfera. Al primo piano, diversi salottini variamente attrezzati sono dedicati al lavoro, al relax, al pranzo. Le camere, di 14 metri quadri eppur dotate di ogni comfort, sono prefabbricate e spedite sul luogo in moduli preassemblati. Il letto, di dimensioni super-size, è completato da lenzuola in lino e grazie a diversi cuscini diventa un comodo divano per guardare la tv a schermo piatto lcd. Uno dei due comodini a lato del letto funge anche da funzionale scrivania. Il bagno, chiuso da pareti in

vetro smerigliato e soffitto traslucido, è una cabina semicircolare che si illumina di luce colorata diventando un elemento di forte caratterizzazione. Al suo interno trovano spazio doccia e vaso. Di fronte all’area bagno trova spazio una piccola toilette in Corian, al cui interno è nascosto il lavabo, completa di specchio a tutt’altezza. Una tenda leggera circoscrive la zona letto offrendo maggiore privacy. Attraverso uno schermo touch-screen l’ospite può variare a suo piacimento l’atmosfera della camera e attivare la musica.

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Particolare della libreria-divisorio in un salottino al primo piano. L’arredo, minimale e moderno, curato nei minimi dettagli, è sobrio e accogliente.

Close-up of the bookcase-partition in a lounge on the first floor. The furnishings are minimal and modern creating an elegant yet welcoming ambience; special care has been given to the fine details.

Dall’alto, l’area pranzo/cena racchiusa da ampie vetrate che affacciano sulla città, e la lobby con il ristorante sul fondo.

From the top, the dining area enclosed by large windows and the lobby with the restaurant at the back.

The CitizenM family is expanding: a new hotel with 198 bedrooms recently opened for business in Glasgow city center, Scotland. The Dutch group CitizenM has created a concept that offers accesible comfort and luxury to its guests – tireless travelers, curious wanderers and members of the business community. Over the next few years, it plans to expand the chain with the creation of a further 20 hotels – with two scheduled for London and another two for New York. The formula for its success is simple yet sophisticated: the hotels cut all the hidden costs and remove all of the non-essential expenses, while enhancing the elegance of the accommodation – comfortable, high tech bedrooms at a reasonable price for the vast international clientele. The traditional reception has been replaced by a table fitted with six self-check-in terminals which allows arriving guests to register and receive their electronic bedroom entry card. If the guest is not familiar with the computers and how these systems operate, a member of the CitizenM staff will assist the guest and explain the 30-second check-in procedure.

Another important feature is the hotel’s location: it lies right in the heart of the city, well connected by the public transport system and surrounded by trendy boutiques.

Guests feel very much at home in the city because of all the conveniences. The hotel’s natural granite facade projects a feeling of solidity. On the round floor, large red-glass windows exalt the entrance. The facing has been decorated with paintings on a PVC support by the Scottish artist, Alex Dordoy; they immortalize the restless spirit of the city. There are large square windows that protrude from the facing and ‘punch holes’ in the brickwork. The frames in glass and aluminum have been installed at different depths with respect to the linear dimnension of the facade which creates an interesting effect in the volumes. The windows on the ground floor are recessed inside the building, creating a natural diaphragm between the outside and the inside. The entrance hallway contains an eye-catching bright-red spiral staircase; this area is flooded with bright lighting from the ceiling lamps. Still on the ground floor, the restaurant is largely selfservice. Here, the red counter of the bar-restaurant winds its way through the center of the hall, defined by a special wall-unit/bookcase. This contains magazines and books for the customers and refrigerator units where guests can select drinks, sushi, sandwiches, salads, a wide variety of snacks, complete meals and fresh pastry.

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Behind the bar, underneath a street-side window, there is a comfortable sofà in dark leather, tables and chairs where guests can lounge and enjoy their snacks or an aperitif.

In the evening, the restaurant area is transformed into a bar; part of the ‘bookcase’ is closed and the changing luminous scenarios create an intimate atmosphere. On the first floor, the architects have created a group of rooms which are dedicated to work, relax and dining. Each of the bedrooms measures 14 sq.m. and is fitted with everything necessary for a pleasant stay. The bedrooms are prefabbricated structures which arrive on-site as pre-assembled units. The super-size bed has linen sheets and the cushions to support the back mean that it can be converted into a comfortable settee for watching the LCD flatscreen TV. One of the two night-stands by the bed can also be used as a practical desk. The bathroom is enclosed by sanded glass panels and a translucent ceiling; it is a semicircular cabin which can be illuminated with colored lighting becoming a decorative feature in the room. The bathroom has been furnished with a small vanity unit in Corian, complete with full-height mirror, which hides the basin.

A light drape surrounds the bed, providing greater privacy. The guest can also change the atmosphere in the bedroom and activate the sound-system using a touch-screen.

A sinistra, un corridoio di accesso alle camere, caratterizzato da piccoli elefantiscultura, icone di Vitra. Qui sopra, terminali del self-check-in che sostituiscono la tradizionale reception.

A lato, una delle 198 camere, tutte di 14 mq calpestabili. Dalla zona d’ingresso si accede al bagno: una cabina semicircolare in vetro smerigliato che si illumina del colore desiderato. Una tenda leggera circoscrive la zona letto. Le fonti luminose utilizzate creano scenografie di luce sempre diverse.

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Primo piano/First floor

Secondo piano/Second floor

Left, a corridor that lead to the bedrooms; it has been decorated with small elephant sculptures, icons by Vitra. Above, the self-check-in terminals which replace the traditional reception desk. To the side, one of the 198 bedrooms, all of which have 14 sq.m. floorspace. The bathroom is accessed from the entrance: a semicircular cabin in sanded glass which can be illuminated in a selection of colors to suit the mood.

A light drape surrounds the bed. The light sources create lighting effects that are always different.

Sezione del modulo-camera/Section of the bedroom unit

Pianta del modulo camera/Layout plans for the bedroom unit

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Le 198 camere del CitizenM si compongono di moduli prefabbricati e facilmente trasportabili, per abbattere i costi di produzione in fabbrica, quelli di trasporto e di montaggio sul luogo.

PoichÊ chi viaggia desidera soprattutto un ampio letto e un bagno funzionale, la progettazione dello studio Concrete si concentra nel trovare sempre nuove soluzioni che coniughino comfort e tecnologia per offrire un’accoglienza di alto livello a prezzi contenuti.

The 198 bedrooms in CitizenM are prefabbricated modules that are easy to transport. This reduces the production, transportation and on-site assembly costs. As the only things most travelers want is a comfortable bed and a practical bathroom, Concrete studio’ design focused on the identification of new solutions to combine comfort and technology to offer customers an enjoyable stay at a low cost.

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BARCELONA MAGENTA BRILLANTE BRIGHT MAGENTA RED txt: Elviro Di Meo/ph: Dexter Hodges progetto: Castel Veciana Arquitectura

Un esperimento sulla luce e sul colore diventa il filo conduttore del progetto di ristrutturazione di un retail di Barcellona risalente ai primi anni Ottanta, incassato in un edificio storico. Per Rosso Magenta di Agatha Ruiz de la Prada, gli architetti progettano uno spazio interamente ricoperto da una pittura luminescente, che trae origine dall’icona del brand. Qui, in un ambiente fortememente segnato, un sistema di illuminazione a luci fluorescenti, collocato a diverse altezze, attraversa ogni angolo proiettando la fonte luminosa bianca sulle pareti e sul soffitto. Si creano differenti tonalità dello stesso pigmento che vibrano sulle superfici metalliche degli arredi, lasciati nel loro aspetto originale, come tanti oggetti riciclati e privi di qualsiasi rivestimento, in stile puramente industriale

An experiment on light and color becomes the key feature of the restructuring project which focused on an early-Eighties retail store in one of Barcelona’s historical building. For Rosso Magenta Agatha Ruiz de la Prada, the architects designed a space that has been coated by luminescent paint, which originates from the icon of the brand. In this powerful ambience, a system of fluorescent lights, positioned at different heights, cuts across every corner projecting white light onto the walls and ceiling. Different shades of the same pigment shimmer on the metallic surfaces of the furniture; these have been left in their original state, like many recycled articles, free from any coating, in a purely industrial style

Colore, luce e materia: una sperimentazione semplice, ma al tempo stesso articolata, basata sul delicato equilibrio della semantica individuata e sul rapporto instaurato, che si può evincere come la chiave di lettura dell’insieme compositivo tra le componenti progettuali che concorrono a definire gli spazi. Un retail distribuito su tre partizioni orizzontali: il piano interrato, il piano terra e il mezzanino che affaccia sulla porzione vuota del livello di ingresso, lasciato a tutt’altezza. Ed è proprio la ricerca basica del colore – una tinta predominante e forte – che non solo riesce a unificare tutti gli ambienti, ma, soprattutto, ad esaltare il brand, per cui la boutique è stata riprogettata. Rosso Magenta di Agatha Ruiz de la Prada contiene già nel codice genetico del suo marchio tute quelle peculiarità a cui attingono i progettisti. Lo studio Castel Veciana Arquitectura interviene su un manufatto preesistente, risalente ai primi anni Ottanta: un negozio della nota stilista di Barcellona, di grandi dimensioni, in cui le funzioni espositive, di magazzino e di vendita al pubblico erano spalmate su più livelli, slegati tra loro, tali da apparire disomogenei e privi di quell’identità necessaria richiesta dalla committenza. Da qui l’esigenza dell’immediata individuazione del brand che, nella nuova riorganizzazione spaziale, emerge da un’ampia facciata, inserita nella cortina muraria, con magnifiche aperture lungo la strada. L’intento è realizzare, pertanto, un’immagine di grande impatto scenografico, che si percepisca in tutto il suo linguaggio espressivo, grazie alle luminose e ampie vetrine ad arco. Un frame urbano che funga da attrattore potentissimo, così da incuriosire il passante, affascinato dalla magia di una luce ardente, che dall’interno irradia la strada, invogliandolo ad entrare in un ambiente completamente rinnovato. Rosso Magenta riflette un nuovo atteggiamento nell’impostare la progettazione di uno spazio commerciale. Spazio che si traduce in un intervento minimo ed essenziale, sia a livello puramente progettuale, segnato da una rigorosa analisi delle superfici e delle suppellettili, sia di carattere economico, ma non per questo di poco effetto; ossia, un’architettura qualitativamente inferiore, avulsa da un suo segno specifico che la contraddistingua. Il color rosso magenta, per appunto l’icona della marca, inonda completamente ogni angolo della boutique, trasformandola e producendo, sotto alcuni aspetti, una certa sma-

terializzazione della stessa. Se da un lato esalta l’involucro con una tinta accesa e abbagliante, dall’altro, proprio nell’aver ideato un unicum compositivo come matrice progettuale, ne riduce la pesantezza, alleggerendolo dalla materia che lo avvolge. Il sistema di illuminazione, realizzato grazie all’uso di luci fluorescenti di tipo T5 e appositamente disegnato per il negozio, seguendo lo schema della maglia reticolare, si snoda all’interno, a diverse altezze. Lo attraversa integralmente e proietta la sua luce bianca sulle pareti e sul soffitto ottenendo una scala cromatica, pur sempre dello stesso colore, ma fatta di nuance che variano di toni e di intensità. Si definiscono, così, angoli, ambienti, percorsi volutamente tracciati, che la clientela è invitata a seguire, come rapita dalla poesia che la luce sa regalare. Tutto lo showroom è stato interamente rivestito da una pittura luminescente di color magenta. L’arredamento impiegato, prodotto su misura, è firmato, anche in questo caso, dallo studio Castel Veciana Arquitectura. Un design che evoca uno spirito industriale, rimandando alla mente oggetti già vissuti, riportati a nuova vita. Arredi connotati da volumi di grandi dimensioni con superfici capaci di riflettere il colore del contesto circostante e, allo stesso tempo, di diffondere la fonte luminosa. Elementi estremamente lineari si inseriscono nello spazio con il loro aspetto originale, interagendo con questi in un perfetto confronto dialettico. Si scelgono materiali scarni, lasciati nel loro aspetto originale, senza nessun rivestimento, che alludono alle vecchie fabbriche oggi dismesse. Alluminio, pannelli isolanti, superfici con struttura alveolare o strati di polistireno, paragonati a elementi da museo – quasi come se mistificati quale simbolo di un passato non ancora lontano, considerati l’essenza e il valore attribuiti dagli architetti – sono utilizzati con l’obiettivo esplicito di sperimentare il modo in cui il colore e la luce incidano su di essi sfruttando i differenti effetti materici che si producono. L’esperimento avviato tra il lighting design e il monocolore verrà ripetuto per altri negozi afferenti al brand. Lo studio procederà in maniera sistemica, così come già ampiamente sviluppato nel retail di Barcellona. Ogni boutique sarà, pur nella consapevolezza di un filo conduttore comune, un progetto sempre nuovo.

Un mondo a sé che si identificherà per il proprio colore che darà vita a forme e volumi.

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In apertura di servizio: l’ampia facciata, inserita nella cortina muraria, con magnifiche aperture lungo la strada.

Nella nuova riorganizzazione spaziale, si percepisce l’immediata riconoscibilità del brand che emerge dalla sperimentazione avviata tra luce, colore e materia. Dall’alto, la sezione longitudinale del negozio, e il disegno architettonico del prospetto.

Opening shot: the large facade, inserted in the brickwork, with magificient wondows along the road.

The brand is immediately recognizable in the new spatial reorganization.

It emerges from the experimentation that combines light, color and material.

From the top, the longitudinal section of the showroom and the architectonic design of the prospect.

Color, light and matter: simple yet varied experimentation, based on the delicate balance of the semantics and the relationship created; this the key to interpreting the arrangement which defines the space of a retail outlet consisting of a basement, a ground floor and a full-height mezzanine that overlooks the entrance space. And it was this basic research into color – with a strong predominant shade – that not only unifies the ambiences, but also manages to exalt the brand promoted in this re-designed boutique.

The genetic code of the Rosso Magenta by Agatha Ruiz de la Prada brand contains all of designers’ peculiar features. Studio Castel Veciana Arquitectura has intervened on the existing building which dates back to the early Eighties.

The large boutique belonged to a well-known designer in Barcelona and the display areas, warehouse and retail sales sections were split over several floors; these are detached to such a degree that they appear to have no connection, and lacked the cutting-edge identity requested by the client. It was decided to enhance

Planimetria del piano terra. La scala, nascosta tra le mura portanti e le partizioni verticali in cartongesso, opportunamente illuminata, conduce al livello interrato e al mezzanino, affacciato sull’ingresso del retail, a doppia altezza. In basso, lo schema funzionale del lighting design. Il sistema di illuminazione, a forma di maglia reticolare, grazie all’uso di tubolari fluorescenti, attraversa lo spazio a diverse quote e proietta la sua luce bianca sulle pareti e sul soffitto creando distinte tonalità dello stesso colore.

Layout plans for the round floor.

The stairway, hidden between the weight-bearing walls and the vertical plasterboard partitions, has been skillfully illuminated and leads down to the basement and up to the mezzanine which overlooks the entrance to the retail showroom. Bottom, the functional arrangement of the lighting design.

The illumination system is a grid created with fluorescent tubes; this cuts through the space at different heights and projects white light onto the walls and onto the ceiling creating a ranges of shades of the same color.

the brand in a new spatial arrangement and it was identified in the ample facing with its large street-side windows. The idea was to create an image of great scenographic impact which can be perceived in all of its expressive language thanks to the large luminous arch-shaped windows. The urban frame is a powerful magnet for curious passers-by, fascinated by the magic produced by this bright light, which shines on the street, enticing them inside this completely refurbished ambience. Rosso Magenta reflects a new attitude in the design of a commercial facility. The space has been translated into a minimum and essential project; it is evaluated on a purely design-oriented level, which involved the severe analysis of the surfaces and the fixtures, and in terms of the economics, but this does not detract from the qualitatively-inferior architecture enveloped by the specific sign that distinguishes it. Magenta red is the iconic color of the brand and it penetrates every corner of the boutique; it transforms and, in some ways, produces a certain degree of dematerialization of the ambiences.

If on the one hand, it exalts the walls with bright glaring colors, on the other, as it created a sort of design matrix, it reduces the sense of heaviness, removing it delicately from the material that encloses it. The use of T5 fluorescent lights for the custom-designed illumination created a grid-like pattern which cuts through the interiors at different heights, projecting white light onto the walls and ceiling, with a chromatic effect of different shades and intensity. In this way, the corners, the different ambiencesand the pathways are defined. Visitors are guided by this

poetic arrangement. The entire showroom has been coated in Magenta red luminescent paint. The custom furniture was also designed by Studio Castel Veciana Arquitectura. The design evokes an industrial spirit and suggests recycled articles that have been given new life. The furnishings are large and have surfaces that reflect the color of the surrounding context and, which simultaneously diffuse the light source. Extremely linear and highly-original elements are inserted in the space and interact in a perfect dialectic comparison.

Stripped materials were chosen – reminiscent of the old derelict factories; these were left in their original condition, with no finish coating.

The architects used aluminum, insulating panels, surfaces with honeycomb structures or layers of polystyrene, similar to museum units – articles that appeared to be mystified like symbols of the recent past, considered to be the essence and the value attributed to the design. These ideas were used with the explicit objective of experimenting how color and light exploit the different textures and materials. The experimental design which focused on lighting design and a single color will be repeated in other stores associated with the brand. The study will continue in a systematic manner, as it has already been developed in the retail outlet in Barcelona. And despite the common denominator between the stores, each boutique will actually be a completely new project.

An independent world which can be identified by the specific color that creates the shapes and the volumes.

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Alcuni angoli del negozio segnati dal minimalismo delle forme e da un rigore che è, tuttavia, addolcito dalla poesia che l’ambiente sa regalare. Tutto lo showroom è stato interamente rivestito da una pittura luminescente color magenta. Si definiscono, così, spazi e percorsi volutamente tracciati, che la clientela è invitata a seguire, come se rapita da una potente forza attrattiva.

Some corners of the showroom marked by minimalism of shape and clean lines softened by the poetry expressed by the ambience. The entire showroom has been coated with a Magenta-red luminescent paint. This defines the spaces and the pathways the clients are guided along as though mesmerized by strong attractive power.

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Una veduta del piano rialzato: l’arredo, prodotto su misura, è firmato dallo stesso studio che è intervenuto sul manufatto preesistente. Gli arredi si caratterizzano per volumi di grandi dimensioni con superfici capaci di riflettere il colore dello spazio circostante e di diffondere la luce.

A view of the mezzanine: the custom furnishings were created by the architecture studio responsible for the makeover. The forniture are characterized by large volumes with surfaces that can reflect the color of the surroundings and diffuse the light.

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LOS ANGELES

DESIGN NATURALE NATURAL DESIGN txt: Francesca Tagliabue/ph: © 2010 Lawrence Anderson/Esto progetto: FreelandBuck

Un negozio di alimentari curato in ogni dettaglio, a partire dalla scelta di materiali costruttivi semplici e ‘genuini’, come gli ingredienti utilizzati nella preparazione dei piatti. Un luogo rustico, dall’atmosfera cheap & chic, sul Venice Boulevard di Los Angeles

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A food market that has been carefully designed, down to the smallest details, starting from the choice of simple and genuine construction materials, such as the ingredients used in the preparation of the dishes. A rustic location with a cheap & chic ambience, located on the Venice Boulevard of Los Angeles

Non è un ristorante opulento, non è un bar con arredi alla moda. Non attira l’attenzione dei passanti con insegne luminose. Eppure il semplice Earl’s Gourmet Grub non ha nulla da invidiare a tutti gli altri locali del Venice Boulevard di Los Angeles. I proprietari di questo negozio di alimentari con piccola cucina, Yvonne McDonald e Dean Harada, desideravano creare uno spazio contemporaneo, ma in grado allo stesso tempo di evocare la freschezza e la qualità degli ingredienti da loro utilizzati, selezionati uno a uno con grande attenzione. Per questo si sono rivolti al team di FreelandBuck, studio di architettura con sede a New York e Los Angeles, fondato dai soci David Freeland e Brennan Buck. Il gruppo FreelandBuck cerca, in ogni progetto, di coniugare le moderne tecniche di progettazione alla tradizione, per ottenere architetture dal design unico e interessante. Dall’ampia vetrina sul Venice Boulevard si può vedere l’interno dell’Earl’s Gourmet Grub, una sorta di lungo corridoio interamente giocato sull’alternarsi di

Due viste del lungo bancone in marmo che occupa gran parte del locale.

Interessante la pannellatura in legno grezzo del soffitto, una soluzione adottata per integrare l’impianto illuminotecnico e renderlo invisibile.

Two shots of the long marble counter that occupies most of the shop. One interesting feature is the paneling in rough wood on the ceiling. This solution was adopted to house the illumination technology plant, hiding it from view.

Di fronte al bancone, i prodotti sono esposti su mensole di legno realizzate su misura. Il decoro a parete è una rielaborazione grafica delle cime delle Alpi.

In front of the counter, the products are displayed on custom-built wooden shelves. The wall decoration is a graphic interpretation of the Alps.

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superfici in legno chiaro e arredamento total white. Il soffitto è mosso da una ritmata pannellatura di legno grezzo, dentro la quale è nascosto alla perfezione l’impianto illuminotecnico. Il bancone della cucina è in marmo, mentre le mensole e gli scaffali per i prodotti confezionati sono di un materiale laccato bianco. Particolare attenzione è stata dedicata alla realizzazione della pannellatura che ricopre per intero la parete di fronte al bancone. Il decoro geometrico realizzato a laser riprende schematicamente la topografia di una zona montuosa, ulteriore richiamo alla freschezza dei prodotti venduti in questo market di design.

It is not a luxury restaurant. It is not a bar with trendy furnishings. It does not attract attention with brightly-lit signs. Yet Earl’s Gourmet Grub is on par with the other venues on Venice Boulevard in Los Angeles. The owners of this small food market complete with a small kitchen, Yvonne McDonald and Dean Harada, wished to create a contemporary space which would epitomize the freshness and the quality of the ingredients they use, all selected with great care. For this reason, they contacted the team of FreelandBuck, an architecture studio with headquarters in New York and Los Angeles, founded by partners David Freeland and Brennan Buck. In each of their projects, the FreelandBuck Group attempts to combine the modern design techniques with tradition, to produce architecture with unique and extremely interesting qualities. The interiors of Earl’s Gourmet Grub can be observed from the large window that opens onto Venice Boulevard; it can be described as a sort of long corridor that has been designed with an alternation

of pale wood surfaces and total white furnishings. The ceiling has been decorated with a series of panels in rough wood which covers the illumination technology plant. The kitchen counter is marble, while the shelving and units for displaying the pre-packed wares are lacquered white. Special attention was given to the production of the panels that cover the front wall of the counter. The laser-cut geometric decoration is the stylized design of a mountain landscape, an additional reference to the freshness of the products sold in this designer food-market.

Pianta del locale/Layout plan

Soffitti/Reflected ceiling plan

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Schema della decorazione a parete/The section for the wall decoration

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HAMBURG

CHI FA DA SÉ FA PER TRE IF YOU WANT SOMETHING DONE, DO IT YOURSELF… txt: Sara Schifano progetto: studio 3meta

Benvenuti ad Amburgo: ad attendervi nel cuore della città è Superbude, un hotel-ostello innovativo destinato a lanciare una tendenza in fatto di hôtellerie giovane ma non trasandata, all’ultima moda ma non priva di spirito critico

Welcome to Hamburg: Superbude is waiting for you in the city center. It is an innovative hotel-hostel which is likely to be a trendsetter in the field of hospitality for young people. However, it is not shabby or trendy – it comes with a large dose of self-criticism

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Il committente Kai Hollmann ha affidato il progetto allo studio 3meta di Armin Fischer, che dalla città tedesca di Augusta, si è presto guadagnato la fama di maestro del ‘redesign’. La parola chiave del progetto di Superbude è, senza dubbio, ‘riuso’ o meglio ‘reinterpretazione’: a partire dall’edificio di sei piani, per anni sede di una vecchia tipografia, che trova nuova vita grazie a questo hotel di 74 camere la cui filosofia è lontana dall’idea di albergo come luogo di passaggio più o meno anonimo, in favore di uno spirito sociale e amichevole tipico della nuova generazione di globetrotter. Il carattere insolito del progetto lo ha forse penalizzato nella categoria alberghiera, individuata secondo gli standard del settore a una sola stella, ma non ha compromesso la fortuna di questo hotel che riesce in media ad avere una percentuale di occupazione dell’ottanta per cento ed è valso a Fischer il premio European Hotel Design Award. Non è difficile intuire il motivo di tanto successo: al Superbude (che in tedesco significa letteralmente “super camera”) nulla è convenzionale eppure tutto risulta accogliente, stimolante e in un certo senso familiare. A partire dall’ingresso si abbandona l’idea tradizionale di hotel grazie a un patio dove si viene accolti da un’installazione di secchi metallici lungo tutta l’altezza del vano scala dell’edificio, alle volte pieni di fiori colorati, che rimandano più a un’opera d’arte contemporanea che a uno spazio di passaggio. La reception condivide lo spazio del bancone con il bar ed è illuminata da curiosi lampadari fabbricati con bicchieri di carta bianca, primo indizio dello spirito DIY che accompagna il progetto. Le tubature e i mattoni a vista del muro raccontano bene l’indole indipendente del luogo, così come i divani ricavati da pallet di legno, ma anche le sedute e il tavolino della lobby, volumi di base circolare rivestiti da cime marinare, a testimoniare la tradizione portuale della città di Amburgo. All’occhio attento però non sfuggirà il tocco di classe dello spazio, la lampada di Ron Gilard, uno dei dettagli di alta qualità (insieme a materassi e sanitari) che Fischer ha disseminato nel progetto, allontanandosi dalla logica prettamente ‘a buon mercato’ tipica degli ostelli della gioventù. A seguire, lo spazio ico-

na dell’hotel, soprannominato Kitchen Club, uno spazio da condividere a 360 gradi, dove socializzare davanti a un pasto o uno snack a tutte le ore del giorno. I mobili della cucina sono composti da casse di legno, un altro richiamo marinaro, personalizzate da scritte e simboli realizzati tramite stencil. Lo stesso principio di recupero vale per i tavoli – semplici assi di legno sostenute da strutture metalliche da cantiere –, gli sgabelli – casse di un birrificio di Amburgo impilate e ricoperte da morbidi cuscini in pelle –, e i vasi – semplici bottiglie di vino private del collo. Dalla cucina si passa al primo modulo di bagni, le cui finiture semplici, godono di un tocco insolito grazie ai numerosi specchi rotondi che decorano le pareti e richiamano gli oblò del corridoio d’ingresso, dettagli da uomini di mare. La festa continua negli spazi comuni: un salotto dove rilassarsi con qualche film adagiati sui divani ricavati da pallet e spaziosi cuscini ricoperti da un patchwork di centinaia di jeans, una democratica sala fumatori e infine, un’area fitness senza nessun macchinario da palestra… solo console Nintendo Wii per rifarsi i muscoli sfidando gli amici all’ultimo match di tennis o boxe a tutto divertimento. L’ora del riposo arriva per tutti e i restanti quattro piani dell’edificio ospitano le 74 camere doppie, o quadruple… a seconda dell’esigenza, perché Fischer ha dotato le stanze di irresistibili letti impilabili, un classico del design progettato da Rolf Heide nel 1968, aumentando così la capacità di posti letto dell’hotel fino a 240 ospiti. Ma questa non è l’unica sorpresa che riservano le abitazioni di Superbude, dove gli sturalavandini diventano appendiabiti, le trappole per topi inchiodate al muro servono da porta riviste e oggetti vari e le lampade possono essere posizionate a piacimento grazie a una base a forma di gancio. Più che un hotel, un’esperienza fresca e contemporanea, il cui successo ha portato in cantiere anche il Superbude II, la cui inaugurazione – sempre ad Amburgo – è prevista nel 2012. Non è da sottovalutare, inoltre, che Superbude è un’inesauribile fonte d’ispirazione per il rientro a casa dove, al posto di costosi pezzi di design, si potranno creare i propri pezzi unici. In fondo chi fa da sé fa per tre.

Alcuni stencil di tema marinaro decorano i mobili di Superbude: un richiamo allo spirito portuale della città di Amburgo.

Sotto, la facciata dell’hotel. In apertura, un’installazione di secchi metallici corre lungo tutta l’altezza del vano scala dell’edificio.

Some marine stencils used to decorate the pieces of furniture in Superbude; they refer to the dockside spirit of the city of Hamburg. Below, the facade of the hotel. Opening shot, an installation consisting of metal buckets decorates the building’s stairwell.

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The client Kai Hollmann commissioned the project to Armin Fischer’s studio 3meta.

It is based in the German city of Augusta and the architect rapidly made a name for himself as a Maestro of re-design. The keyword of the project of Superbude is undeniably ‘reuse’ or better still ‘reinterpretation’. The starting point of his intervention was a 6-floor former printing works which he has transformed into a 74-bedroom hotel. The design philosophy is light years from the idea of a hotel traditionally considered to be a fairly anonymous transition location.

The personality of this place shines through to satisfy the aspirations and the friendliness typical of the new generation of globetrotters. The unusual features of this project have possibly penalized it within the hotel categories as it has been classed as just a one-star facility. However, this has not affected the success of the hotel and the figures speak for themselves. Average occupancy lies at around 80% and Fischer was awarded the European Hotel Design Award. There are no secrets as to the reasons behind this success: at Superbude (which is German for Super bedroom), there is nothing conventional yet it has a wonderful homely feel,

that is both stimulating and cozy. The traditional idea of a hotel has been abandoned right at the entrance, thanks to a patio. It has been decorated with metal buckets that have been installed along the entirety of the stair shaft; sometime these are filled with colored flowers, projecting the idea of a piece of modern art as opposed to a transition space. The reception shares its counter with the bar and has been illuminated by curious chandeliers created using white paper cups, a first clue to the DIY spirit that infiltrates the project. The piping and the visible brickwork express the independent character of the location; the same can be said of the sofas created from old wooden pallets, the seating and the coffee table in the lobby, volumes with a circular base decorated with mooring ropes, as a testimony to the dockland tradition of the city of Hamburg. However, taking a closer look, there are a few classy touches, the lamp by Ron Gilard for example, one of the high quality features (with the mattresses and the bathroom suites) that Fischer has positioned throughout the building. He deliberately moved away from the ‘cheap and cheerfully shabby’ furnishings typical of the youth hostels.

Sopra, il tunnel di ingresso dell’hotel decorato da insoliti oblò luminosi.

A lato, la hall arredata con la lampada di Ron Gilard e i mobili rivestiti di cime marinare.

Above, the hotel’s entrance tunnel decorated by unusual luminous portholes. To the side, the hall complete with the light fitting by Ron Gilard and the forniture coated with anchor ropes.

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The iconic space in the hotel has been nicknamed the Kitchen Club; everyone can enjoy this amenity – ideal for socializing while having a meal or a snack at any time of the night or day. The kitchen furniture has been created from wooden chests, another reference to the harbor; these have been personalized with stencilled words or symbols. The tables were also created from reclaimed materials – planks of wood supported by metal components sourced on building sites; the stools are crates from a Hamburg brewery which have been stacked and covered with soft leather cushions; the vases are wine bottles with the necks removed. From the kitchen, guests proceed to the first washroom block; the finish is simple and they have an unusual touch thanks to the round mirrors on the walls which refer back to the portholes at the entrance. The party continues in the common spaces: there is a lounge where guests can watch movies comfortably lying on the sofas created from the pallets and large cushions covered with a patchwork made from hundreds of pairs of jeans, there is a democratic smokers room and a fitness area that has no machines. It has been equipped with Nintendo Wii consoles to allow guests to tone

their muscles in a fun challenge match of tennis or boxing. Bedtime comes sooner or later for everyone. The remaining four floors of the building contain the 74 double or quadruple bedrooms. They can be modified to suit the requests and Fischer furnished them with irresistable stackable beds, a classic invention designed by Rolf Heide in 1968. This solution means that the hotel’s capacity can be increased to accommodate 240 guests. However, this is not the only surprise in Superbude’s bedrooms: sink-plungers are used as clothes pegs, mousetraps have been nailed to the wall and can be used as magazine racks, and the position of the lamps can be adjusted thanks to a hook-shaped bases. So a stay here can be described as a fresh contemporary experience. The success of this unique hotel concept has led to the development of Superbude II, again in Hamburg; it is expected to be inaugurated during 2012. Superbude as a source of inspiration should not be undervalued; when people return home and see the expense of design furniture, they may be inclined to create their only unique pieces. Because where personalization is concerned, if you want a job done well, you should do it yourself.

Da sotto in senso orario, il bancone della hall che funge sia da reception sia da bar; le pareti con mattoni e tubature a vista trasformate inaspettatamente in mensole; un dettaglio dei lampadari realizzati da bicchieri di carta; la planimetria del piano terra. Nella pagina accanto, la lounge room con divani in jeans e i tavoli del Kitchen Club.

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From bottom, clockwise, the hall counter used in the reception activities and in the bar; the walls, with visible brick and piping, have unexpectedly been transformed into shelving; a close-up of the chandelier created using paper cups; the plan layout for the ground floor.

On the opposite page, the lounge room with sofas upholstered in denim and the tables of the Kitchen Club.

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Le camere da letto con letti impilabili progettati nel 1968 da Rolf Heide e i dettagli fai da te come le trappole per topi portaoggetti. Nella pagina accanto, la zona cucina del Kitchen Club e sotto, i bagni con i caratteristici specchi a oblò e una vista dei corridoi.

The bedroom containing the stackable beds designed in 1968 by Rolf Heide and the DIY details, such as the magazine racks made from mousetraps.

On the opposite page, the cooking facilities of Kitchen Club and below, the bathrooms with characteristic circular mirrors and a view of the corridors.

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MATERA GIARDINO DI PIETRA A ROCKERY GARDEN txt: Giulia Marcucci/ph: Antonello di Gennaro progetto, interior design: Stefano Tardito

A Matera rinasce il Sant’Angelo Luxury Resort come albergo diffuso, scegliendo uno stile essenziale ed elegante in un contesto unico al mondo che è quello dello storico quartiere dei Sassi 108

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The Sant’Angelo Luxury Resort in Matera has been brought back to life as a disjointed hotel. The style is essential and elegant and the context of the historical quarter of ‘Sassi’ is unique Matera è uno dei gioielli più luminosi d'Italia, una città ancora poco visitata rispetto alla sua straordinaria bellezza. È grazie ai suoi sassi che è stato dichiarata, come il primo luogo al mondo, “paesaggio culturale” e nel 1993 incluso nella lista del Patrimonio Mondiale dell’UNESCO. È chiamata la seconda Betlemme forse per il suo essere arrampicata sul bordo di un burrone di pietra e perché a molti sembra un presepe, soprattutto di notte per i numerosi punti luce, altri pensano di essere nell’Inferno dantesco con i gironi scavati nella grigia roccia, scabri ma notevolmente affascinanti. A colpo d’occhio Matera sembra un immenso giardino di pietra o un gigantesco alveare di roccia. Questa città mitologica della Basilicata è uno stupefacente set naturale, non a caso scelto da importanti registi come location per importanti film, da Il Vangelo secondo Matteo di Pier Paolo Pasolini, al kolossal La Passione di Mel Gibson. Sono tante le strutture all’interno della città, tra case, nobili palazzi, chiese bizantine e barocche, boutique hotel, masserie, ristoranti, tutte scavate nel tufo della gravina materana. È in questo speciale scenario che il Sant’Angelo Luxury Resort rinasce (in precedenza chiamato Hotel Sant’Angelo), completamente ricavato in spazi scavati nella roccia calcarea. In particolare, l’albergo ha origine dal recupero conservativo di una serie di palazzi, case-grotte, scale, cortili, vicoli, seguendo il concetto dell’albergo diffuso. La struttura si snoda intorno a un corpo centrale di palazzo, che si inerpica sullo sperone di roccia tufacea che conduce verso la Civita e termina nelle due grandi arcate di fronte alla terrazza del ristorante, da cui si gode un’emozionante vista su Piazza San Pietro in Caveoso. Ed è proprio da questa piazza, che si trova davanti all’hotel, che partono le escursioni per visitare la città. Uno dei plus di que-

L’ingresso del Sant’Angelo Luxury Resort; dettaglio della sporgenza di una scala all’interno del muro: si vedono ancora accennati i gradini. Sotto, la scala di collegamento tra il bar al livello inferiore e il ristorante. Accanto, vista del Sasso Caveoso dalla Rupe in cui è scavata la chiesa rupestre della Madonna dell’Idris.

The entrance to the Sant’Angelo Luxury Resort; close-up of the stairs installed in the wall; glimpses of the steps can still be seen. Below, the stairwell that connects the bar to the restaurant above. To the side, a view of Sasso Caveoso dalla Rupe with the primitive Church of the Madonna of Idris.

sta struttura è indubbiamente la posizione strategica. La superficie totale di questo speciale luxury resort è di circa 1000 metri quadrati e include al momento 19 camere, la reception, una sala meeting, il ristorante e il lounge bar. La seconda parte dei lavori è da poco avviata e prevede l’integrazione di nuove camere, di un centro benessere e spazi commerciali. Un valore aggiunto di questo luogo è la presenza costante della famiglia Ruscigno, proprietaria e conduttrice della struttura, illuminata dall’intenzione di rinnovare il complesso, intraprendendo un ambizioso intervento di riqualificazione globale che terminerà nella prossima primavera. Perciò è stato chiamato l’architetto Stefano Tardito, che ha seguito in prima persona il progetto nel suo insieme, la direzione lavori e lo studio dell’interior design. La formazione di questo giovane architetto vercellese, non a caso, è legata in primis al recupero di edifici storico artistici e alla progettazione di strutture ricettive in Italia e all’estero. L’obiettivo principale è stato quello di sviluppare un progetto di restyling del vecchio hotel Sant’Angelo, tale da conferire ancora più carattere e personalità alla struttura, valorizzando al massimo il grande patrimonio architettonico a disposizione. “Non essendo originario di Matera, dopo aver ricevuto l’incarico, ho intrapreso un percorso conoscitivo iniziale volto ad analizzare le particolari morfologie degli ambienti in grotta e dei loro usi, sino ai costumi e alle tradizioni locali stanziandomi poi direttamente in loco per seguire costantemente l’intero processo di riqualificazione e trasformazione”. Queste le parole dell’architetto Stefano Tardito a proposito dell’inizio di questo progetto alberghiero, che nasconde obbligati e interessanti studi antropologici. Analizzando i diversi interventi, eseguiti negli anni, è stato effettuato un processo di scomposizione: una sorta di sottrazione di tutto ciò che pareva estraneo per mettere a nudo le forme originali. Ciò ha permesso di osservare che l’elemento architettonico su cui focalizzare la filosofia del progetto sarebbe stato la tipologia di pavimentazione; in origine le grotte non avevano pavimento, ma terriccio. Basilare la scelta di Laterite, che ha fornito i sottofondi per pavimenti in argilla espansa. Grazie a questi prodotti tecnologicamente innovativi, sono stati ridotti i carichi, evitando rischi di creare lesioni o cedimenti alle strutture, soprattutto nei locali più in alto. Idem per i calcestruzzi usati per alcuni getti di opere strutturali (ad esempio le rampe di scale) che, anche in questo caso, hanno permesso di ridurre i carichi sul solaio e sulle volte. È da considerare che Matera si è sviluppata su una montagna di tufo bucherellata e quindi aggiungendo pesi era grande il rischio di problemi di stabilità a catena; pertanto le analisi dei materiali da impiegare sono state basilari per un intervento tecnicamente efficiente. Altro aspetto tecnico che ha contribuito notevolmente alla resa finale è stato la levigatura

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Planimetria del centro enogastronomico, un servizio plus per gli ospiti in cui degustare e acquistare selezionati prodotti locali tipici, di prossima apertura. Sotto, un collegamento tra i diversi ambienti del bar. A sinistra si scorge il bancone illuminato.

Layout plans of the wine and food center; this additional amenity for the guests will soon be open and will provide them with the possibility to sample and purchase traditional local produce. Below, how the various areas within the bar are connected.

Left, the illuminated counter.

eseguita a mano, che ha permesso di “evitare la perfezione” e, mettendo in luce gli aggregati, di ottenere un effetto estetico e cromatico di grande suggestione e di straordinaria armonia con la natura primordiale del luogo. Questo è anche il caso di letti, scale, sedute e non solo, realizzati in tufo, sagomati e levigati a mano e interamente rivestiti con il medesimo materiale impiegato per le pavimentazioni, quasi ad immaginare forme capaci di emergere naturalmente dal pavimento. Le considerevoli altezze degli spazi hanno inoltre suggerito l’impiego di morbide zanzariere, quasi a voler dissolvere verso l’alto la plasticità di queste forme. Il progetto sviluppato dall’architetto Stefano Tardito è stato attento a purificare gli spazi, soprattutto dagli elementi tecnologici in disarmonia con questi ambienti dalla storia millenaria. Per cui i televisori sono stati inseriti in nicchie occultate alla vista, così come le altre dotazioni standard delle camere (frigobar, cassette di sicurezza, griglie di ventilazione) si trovano all’interno di arredi realizzati su misura, con l’aiuto di artigiani locali. L’atmosfera

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che si vive presso il Sant’Angelo Luxury Resort è assolutamente unica e certo un forte contributo proviene anche dalle scelte cromatiche. A dominare è il colore del tufo, che si fonde nel bianco avorio del pavimento, che a sua volta si esalta grazie al testa di moro degli arredi, realizzati con forme essenziali in masselli di abete e trattati con cere naturali. Questo ritmo cromatico è stato sapientemente miscelato attraverso un sistema di illuminazione a microled incassato nel pavimento, quasi a rievocare la luce soft, fioca delle candele, un tempo utilizzate come unico sistema di illuminazione delle grotte. Il risultato è quello di un emozionante gioco di penombre, di sobria eleganza capace di sedurre l’ospite regalando piacere e benessere nel vivere il qui e ora. Da non sottovalutare è il risparmio energetico garantito dall’utilizzo dei led, a cui si affianca un’illuminazione generale, con lampade tradizionali di Artemide. Nei bagni sono state studiate ad hoc delle cornici specchio in legno con incassati faretti a basso consumo, lavorate a mano da artigiani. Speciale il modo in cui sono stati adattati gli ambienti dedicati alla cura del corpo nelle camere, attraverso l’utilizzo di grandi pareti di cristallo bronzato capaci di restituire la reale compenetrazioni tra gli spazi, che nel corso degli anni erano stati interclusi con tamponamenti e murature. Maestose vasche sono state inserite dove un tempo si trovavano le cisterne di raccolta delle acque a servizio dei locali, sempre con lo spirito di ripristinare – seppur per scopi differenti – la vera natura degli spazi. Le aree comuni, nei locali cosiddetti “palaziati”, ovvero in quelli non ricavati nelle grotte, sono stati caratterizzati da un approccio progettuale più convenzionale anche se contraddistinto dalla stessa linea guida: elegante minimalismo mixato a funzionalità e rispetto delle origini, ricercando soluzioni capaci di enfatizzare le volumetrie. Gli ambienti in grotta sono contraddistinti da una superficie pavimentata a base resinosa, con tonalità bianca leggermente nuvolata nei toni del grigio perla, che grazie a una finitura leggermente lucida suggerisce una sensazione raffinata. Uno stile raffinato caratterizza il ristorante Regia Corte, interno alla struttura, la cui forza principale deriva dallo spazio cucina a vista, delimitato e impreziosito da cristalli grigio fumé a tutta altezza. Le sedute e i tavoli sono completamenti bianchi e i pochi complementi nei toni del nero e dell’argento contribuiscono a creare un ambiente sobrio e chic. A completare il tutto il pavimento in pietra di Trani levigato e lucidato che dona un effetto spettacolare. Accanto al ristorante, all’interno di una serie di grotte digradanti, è stato ricavato il nuovo Lounge Terrace, molto più di un semplice bar, un punto di riferimento della struttura dove concedersi, in un contesto unico al mondo, piacevoli momenti di relax disponendo anche della meravigliosa terrazza antistante l’ingresso. Questi nuovi locali sono stati interpretati con la stessa

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filosofia degli ambienti in grotta e sono stati collegati direttamente al ristorante, attraverso la realizzazione di una scenografica scala. La rampa rettilinea, dalle forme pure ed essenziali, sembra sospesa all’interno del varco completamente scavato nella roccia, grazie al sistema di illuminazione a led sottostante. La stessa essenzialità è stata impiegata per il design del banco bar, rivestito in lastre di pietra locale con finitura picconata, posate su piani sfalsati interrotti solamente da una mensola in legno che sbalza da un lato a formare un grande piano di appoggio. Il tutto è infine integrato da un sistema di illuminazione a led disposti intorno al perimetro basale così da suggerirne una sorta di sospensione. A rifinire: morbidi pouf in tessuto, uniti a una serie di grandi sedute ricavate da vecchie mangiatoie. “Scelte consapevoli ed interventi pacati che grazie al sapiente lavoro degli artigiani locali hanno saputo donare a questi ambienti un’eleganza slow per un nuovo stile di ospitalità eco-chic e al di fuori di ogni schema convenzionale”. Così, risponde l’architetto a un approfondimento sul progetto e su alcune scelte particolari.

Entrambe le fotografie rappresentano il ristorante che si trova all’ultimo livello della struttura ed è caratterizzato da un unico ambiente. Dalle immagini è evidente l’eleganza dei toni scelti che si abbinano al meglio con le nuance naturali del tufo.

Both photographs show the restaurant which is found on the top floor and is characterized by a single ambience.

The elegance of the colors used exalts the natural shades of the tufo stone.

In alto, la sala colazione e un un angolo dell’ambiente ristorante da cui si percepisce al meglio i vari livelli sui cui è costruito l’hotel. In basso, dettaglio del bancone bar e la sala colazione, di grande impatto estetico.

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DHD Matera is one of Italy’s brightest gems; yet despite its extraordinary beauty, it is still not one of the country’s major tourist attractions. Thanks to its rocky landscape, it was designated the world’s first ‘cultural landscape’ and in 1993 it was included in the UNESCO list of world heritage sites. It has also been called the second Bethlehem because of its craggy position and also because it looks like the traditional Neapolitan crib, particularly at night when the illumination interrupts the darkness. Others have compared it to Dante’s Inferno (Hell) with the spirals carved into the gray rock, stark and fascinating. On first glance, Matera would appear to be an immense rockery garden or a gigantic honeycomb in the rock. This mythological city of the southern Italian region of Basilicato is a breathtaking natural set. It is no coincidence that it was selected as the location for important films such as Il Vangelo secondo Matteo (The gospel according to St. Matthew) by Pier Paolo Pasolini, and the more recent colossal The passion of the Christ by Mel Gibson. There are many structures in this wonderful city – houses, aristocratic buildings, Byzantine and Baroque churches, boutique hotels, the area’s traditional buildings, the masserias restuarants – and all have been excavated in the local tufo stone. This special scenario is the backdrop for the Sant’Angelo Luxury Resort (formerly-known as the Hotel Sant’Angelo).

The hotel was created from the conservative recovery of a series of buildings, homes

Top, the breakfast room and a corner of the restaurant. This underlines the various levels of the hotel. Bottom, a close-up of the bar counter and the breakfast room, of enormous esthetic impact.

in grottos, stairways, courtyards, narrow streets; in other words, a sprawling hotel concept. The entire structure unfolds around the building’s central block, created on a piece of tufo stone that leads to the city’s Civita and terminates in two large archways in front of the restaurant terrazzo, which provides breathtaking views on Piazza San Pietro in Caveoso. This square in front of the hotel is the starting point for excursions to visit the city; one the major advantages of this hotel is unquestionably its strategic position. At the time of writing, this luxury resort covers approximately 1000 sq.m.; there are 19 bedrooms, a reception area, a meeting room, the restaurant and the lounge bar. The second phase of the project commenced recently and will create new bedrooms, a wellness center and shops.

Members of the Ruscigno family, who own and manager the hotel, are always onsite. They envisaged the restructuring project and undertook an ambitious program of general requalification which is due to end in Spring 2011. They called on the expertise of Architect Stefano Tardito who managed the works and created the interior design. This young Vercelli-based architect is an expert in the preservation of historical artistic buildings and in the design of hospitality structures, and has worked on numerous projects both in Italy and abroad. The main objective was to come up with a restyling project for the old Sant’Angelo Hotel to inject more

In alto, planimetria del livello zero dove si trovano le camere e la sala congressi.

A lato, pianta con dettaglio di due camere.

Top, the layout plans of Level 0 which contains the bedrooms and the conference hall. To the side, layout plans showing two bedrooms.

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personality and character into the structure, exalting the wonderful architectonic heritage available. Architect Stefano Tardito explained: “As I was not born in Matera, once I won the contract, I decided to familiarize myself with the area and examine the grottos and their functions, the local customs and traditions.

I lived in the area to have a hands-on approach to the entire process of requalification and transformation”. The uniqueness of this hotel project demanded the interesting anthropological studies. By analyzing the different projects completed over the years, the next step was a decomposition process, a sort of subtraction of everything that seemed foreign and out-of-place, stripping the structures back to basics.

This highlighted the fact that the key architectonic feature was the type of flooring.

Originally, the grottos were not floored but simply covered in earth. Laterite was selected to provide the underlay for floors in expanded clay. Thanks to these technologically-advanced products, the weight was reduced and with it the risk of damaging the structure or subsidence, particularly with rooms in higher positions were concerned. The same applies to the concrete used in the construction of some of the structural components (for example, the stairwells). This material also reduced the weight of the floors and the vaulted ceilings. The city of Matera developed on a mountain of pitted tufo stone; consequently, in addition to the issues associated with the weight, there was a problem with the stability. The analyses of the materials used was essential for an efficient technical intervention. Another aspect that made a major contribution to the final result was the manual milling which ‘avoided perfection’ and by exalting aggregates, achieved an esthetic and chromatic effect of great suggestion and in extraordinary harmony with the primordial nature of the location.

This also applied to the beds, the steps, the seating and more besides – all created in tufo stone that has been carved and smoothed by hand and covered in the same material used for the floors, creating shapes that appear to emerge naturally from the flooring. The considerable height of the spaces suggested the use of floating mosquito nets, as though to dissolve the plasticity of the furnishings in an upwards dimension. The project designed by architect Stefano Tardito paid maximum attention to purifying the spaces, ridding them of the technological elements that clash with the age-old history of the ambiences. Accordingly, the television sets and all of the other standard bedroom fixtures (minibar, safety box, ventilation grids) have been installed in alcoves or custom furniture and hidden from view. The atmosphere in the Sant’Angelo Luxury Resort is undeniably unique, with a major contribution from the colorways. The predominant color is the tufo stone which blends into the ivory white of the flooring; in turn this contrasts with the dark brown of the furnishings, clean lines in fir heartwood treated with beeswax.

The colors have been skillfully mixed thanks to a microled illumination system which has been recessed in the flooring, creating the soft effect of candlelight which was the only form of lighting used in the grottos in the past. The result is an emotional half-light effect, stylish elegance that can seduce the guests with the thrill and pleasure of experiencing the moment. It should be pointed out that the Led lighting also saves a considerable amount of energy; it is integrated with general illumination supplied by traditional lamps by Artemide. For the bathrooms, ad hoc wooden mirror frames were designed and fitted with low-consumption recessed spotlights; these were handmade by local artisans. The areas dedicated to bodycare in the bedrooms are deserving of a special mention; the space has been enhanced through the use of large walls in bronzed glass that allows the real inter-penetration of the spaces which over the years had been separated and isolated with walls and partitions.

Majestic bathtubs replace the rain barrels to restore another feature typical of the true nature of the location. The common areas, in the constructed areas not excavated in the grottos, have been characterized by a more conventional design approach; however, they reflecting the same guidelines: elegant minimalism mixed with function and respect for the origins, in an attempt to research solutions that can emphasize the volumes. The grottos have a resin-based flooring in shades of

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DHD cloudy pearl-gray and white. Thanks to the slightly glossy finish, these suggest elegant style. The same elegance can be seen in the restaurant Regia Corte; one of its strong points is the kitchen visible to diners; this area has been outlined with decorative floor-to-ceiling smoked glass. The seating and the tables are completely white with a few contrasting black or silver accessories adding a touch of class. The flooring in Trani stone has been smoothed and polished, producing a spectacular effect. Beside the restaurant, inside a series of descending grottos, the architect created the new In alto, la camera 55 ‘di palazzo’ non di grotta, con vasca a vista la cui posizione è stata studiata con cura: non a caso da qui si gode di un panorama mozzafiato su Matera. Un dettaglio delle toilette del ristorante, separate da un cristallo nero lucido. Nella pagina accanto, la camera 56, tra quelle ‘di grotta’; in primo piano, la scultura originale sul tufo. Sotto l’arco si scorge la sala da bagno attraverso il vetro bronzato.

Top, bedroom No. 55 in a building and not in a grotto; the position of the tub was carefully studied to provide breathtaking views over the city of Matera. Close-up of the restaurant’s washroom, partitioned with glossy black glass. On the opposite page, bedroom No. 56 which is in a grotto. In the foreground, an original sculpture in tufo stone. Underneath the arch, the bathroom is visible through bronzed glass.

Lounge Terrace. This amenity is much more than just a bar – it is a reference point for the entire structure. Guests can enjoy a relaxing moment in this unique surroundings; the bar leads out onto a wonderful patio in front of the entrance.

These new additions were interpreted with the same philosophy applied to the ambiences in the grotto and have been connected directly to the restaurant, by means of a sceographic stairwell. A straight ramp, with pure and simple lines, appears to have been suspended inside the shaft excavated in the rock, thanks to the led illumination from below. These simple lines have been repeated in the design of the bar counter; it has been coated in local stone with a hammered finish.

The stone slabs have been staggered and are interrupted only by a wooden shelf which protrudes from one side to form a large work top. An integrated led lighting system has been fitted to the basal edge creating the impression that the structure has been suspended in mid-air. The finishing touches include soft fabric pouffs which sit side-by-side with large chairs created from old mangers. “Careful choices and deliberate interventions by the architect and the local craftsmen have given this ambience a ‘slow’, not racy, elegance; a new dimension in eco-chic hospitality which breaks away from convention”. This is the architect’s answer to this special project and the summary of his unusual design choices.

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MAASTRICHT

L’APPARENZA INGANNA APPARENCES CAN BE MISLEADING txt: Francesca Tagliabue/ph: Joao Morgado progetto: Wiel Arets Architects

Come un diamante grezzo, un hotel e un centro sportivo sono nascosti all’interno di un piccolo edificio in mattoni

Like an uncut diamond, a hotel and a sports center have been hidden inside a tiny red brick building

Un centro sportivo e un hotel insieme: questo è lo Zenden, moderna struttura nel cuore di Maastricht, nei Paesi Bassi. Lo Zenden si trova in una vecchia casa a mattoni rossi, che apparentemente non ha nulla di diverso da quelle che le stanno accanto, fatta eccezione per una dimessa insegna luminosa che sporge verso la strada, proprio accanto alla porta d’ingresso. Nulla lascia dunque immaginare gli spazi che si possono trovare attraversando quella porta. Negli anni Sessanta lo Zenden era una piccola piscina, utilizzata solo per i corsi di nuoto. Nel corso del tempo venne aggiunta una palestra per il judo e alcune camere per gli ospiti. Lo spazio non era però stato organizzato in maniera razionale, e così lo studio Wiel Arets Architects ha di recente ristrutturato l’intero stabile. Alcuni muri sono stati abbattuti per facilitare la circolazione tra i diversi ambienti, e per dilatarli visivamente è stato scelto il bianco come colore per pareti e pavimenti. Grazie a questa decisione anche la piscina, che si trova nel seminterrato, sembra più spaziosa, nonostante gli originali soffitti a volta medioevali non siano molto alti. Sono stati inoltre aggiunti degli ambienti comuni, per accogliere sia gli sportivi sia gli ospiti dell’albergo. All’ingresso, una rilassante zona lounge dà il benvenuto, mentre un giardinetto in stile giapponese trova spazio nel patio. Le quattro camere da letto sono dotate di ogni comfort, perché, secondo i proprietari, le stanze devono essere considerate “casa” per tutto il tempo di permanenza allo Zenden. Solo pochi dettagli, come il letto, il calorifero e il divanetto interrompono il total white delle camere. Per recuperare spazio, i lavandini e la doccia sono stati raccolti in un unico blocco compatto, mentre la vasca da bagno è stata posizionata di fianco al letto. La scelta di materiali innovativi come il Corian e i televisori di ultima generazione nascosti dietro un vetro riflettente, rivelano l’anima hi-tech di questa particolare struttura.

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L’ingresso all’hotel Zenden. La piccola porta e l’insegna poco appariscente non fanno trapelare nulla dei lussuosi ambienti interni. Qui sopra, un’area comune dedicata al relax.

The entrance to Hotel Zenden. The tiny door and the unobtrusive sign hide the luxurious interiors. Above, a common area dedicated to relaxation.

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A sports center and hotel together: this is Zenden, a modern structure in the heart of Maastricht, in the Netherlands. Zenden is found in a tiny red brick building with few features that distinguish it from the neighboring constructions, save a shabby luminous sign that protrudes into the street, right beside the entrance doorway.

What hides behind that door would appear to be anyone’s guess.

Back in the Sixties, Zenden was a small swimming-pool used exclusively for swimming courses. Over the years, a gym was added for judo and this was joined by some bedrooms for guests. The space was not organized in a rational fashion and consequently Studio Wiel Arets Architects decided to restructure the entire building. Some of the walls were knocked down to facilitate movement between the different ambiences and white was used for the floors and the walls to expand the vision. Thanks to this decision, the swimming-pool in the basement appears to be bigger, even though the Medieval vaulted roofs are not particularly high.

Common ambiences have been added to welcome both the athletes and the hotel guests. There is a relaxing lounge lobby area on entering the building with a Japanese-style garden in the patio. The hotel’s four bedrooms are extremely comfortable as the proprietors feel that the guests should really feel at home when staying at the Zenden Hotel. Just a few additions – the bed, the radiator and the settee – interrupt the total white of the room. To save space, the basins and the shower have been integrated in a single compact block, while the bathtub was positioned beside the bed. The decision to use innovative materials such as Corian and the latest generation of televisions hidden behind reflecting glass, express the hi-tech soul of this unusual structure.

L’interessante soluzione studiata per i servizi igienici delle quattro camere da letto. Per recuperare spazio, i lavandini e la doccia sono stati assemblati in un corpo unico.

The interesting solution for the bathrooms of the four bedrooms.

The basins and the shower have been assembled in a single block to save space.

L’interno di una delle camere: la vasca è stata posizionata vicino al letto, e il televisore è stato integrato nella parete.

Qui a lato la piscina, ricavata nell’originale cantina di epoca medievale, di cui sono state mantenute le volte.

Inside one of the bedrooms: the bathtub has been positioned close to the bed and the television set has been integrated with the wall. To the side, the swimming pool, created in the original cellar that dates back to Medieval times.

The vaulted roof has been preserved.

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BOGOTÀ

RELAX AL CUBO RELAXATION CUBED txt: Stella Ferrari/ph: Sergio Gomez progetto: Giancarlo Mazzanti + Felipe Mesa

Spazi intimi e totale privacy per una SPA colombiana, dove dedicarsi soltanto alla cura del proprio corpo 121

Intimate spaces and complete privacy for a Spa center in Colombia where visitors can enjoy total bodycare

Un tempio dedicato al benessere, un edificio completamente diverso da quelli circostanti, che vive della sua forma e del contrasto con le altre architetture più tradizionali. Siamo a Bogotà, in Colombia, in una delle tante piazze della città. Qui sorge la Chairama SPA, un centro benessere di ben quattro piani, dove è possibile usufruire di diversi servizi, dalle terapie acquatiche ai massaggi di ogni tipo.

L’edificio che ospita la Chairama SPA è un volume semplice, un cubo in cui sono chiaramente leggibili i quattro livelli, ognuno dedicato a una diversa attività. Al primo piano si trovano l’ingresso, la reception, gli spogliatoi e un ristorante. Al secondo ci sono le stanze per i massaggi, mentre al terzo si trovano le piscine. All’ultimo piano, un patio aperto connette la palestra per lo joga con la caffetteria. La facciata, il cui disegno ricorda delle rocce accatastate, è trattata come una membrana, che non separa interno ed esterno ma che, al contrario, li connette.

Essa è formata da una “doppia pelle”: il primo strato, più interno, è fatto di vetro e cemento, mentre il secondo è una grande lastra di metallo tagliata a laser. La ‘doppia pelle’ crea un senso di intimità, in modo che i clienti della SPA non si sentano in alcun modo spiati dall’esterno; allo stesso tempo però i fori irregolari permettono di guardare fuori e scorgere addirittura le montagne della Sierra Nevada de Santa Marta.

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La facciata della Chiarama SPA è fortemente caratterizzata dal rivestimento in metallo tagliato al laser. Questa decorazione geometrica astratta permette alla luce di penetrare all’interno, ma garantisce un senso di intimità e protezione ai clienti. Sopra, una sezione dell’edificio.

The facade of Chiarama SPA has been decorated with an unusual coating of laser-cut metal. This abstract geometric decoration allows light to penetrate inside but guarantees intimacy and a protected atmosphere for the clients.

Above, a section of the building.

A temple dedicated to wellness, a building that is completely different to the ones around it. It thrives on its shape and the contrast with the more traditional architecture. The location is one of the many squares in the city of Bogotà in Colombia, South America. Chairama SPA is a 4-floor wellness center, where visitors can enjoy a whole range of facilities – from hydro-therapies to every type of massage. The building containing Chairama SPA is a simple cube, split into four floors, each one dedicated to different activities. The first floor contains the entrance, the reception, the changing rooms and the restaurant. On the second floor, the massage rooms; the swimming-pool is found on the third floor; an open patio on the top floor connects the gym for yoga with the coffee-bar. The facade resembles a pile of rocks; it has been designed as a membrane that does not separate the inside from the outside but connects them. It consists of a ‘dual skin’; the first, more interior layer consists of glass and cement; the second layer is a huge sheet of laser-cut metal. This dual skin creates a wonderful sensation of intimacy, where the clients are protected from the curious eyes of the outside world. However, the irregular punched openings in the walls allow them to look outside on the magnificent mountain scenery of Sierra Nevada de Santa Marta.

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Viste di alcuni ambienti interni della SPA. Zona lounge, caffetteria e piscina sono organizzate su cromie differenti. Ciò che rimane costante in ogni stanza è la vista della ‘membrana’ metallica esterna.

Views of some of the interiors in the SPA, The lounge, coffee bar and swimming pool have all been decorated in different colors.

The constant feature in each room is the view of the external metallic membrane.

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MILANO UN PALAZZO CHE RESPIRA A BUILDING THAT BREATHES txt: Paolo Rinaldi progetto: Dante O. Benini Architect

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Il breathing building progettato da Dante Benini è un nuovo segno urbano in via Torino nel centro storico di Milano, un edificio imponente, dall’architettura peculiare: una facciata mutevole e dinamica con colori morbidi e scintillanti

The breathing building designed by Dante Benini is a new urban landmark in Milan’s Via Torino. This impressive building is located right in the city center and has one highly unusual architectural feature: a facade in soft shimmering colors that are changeable and dynamic Sull’angolo con via Speronari sorgeva un fabbricato di qualità corrente che necessitava di un intervento corposo e d’impatto. Lo studio Dante O. Benini (formato con Luca Gonzo, Michele Corrado, Paolo Longoni e Matteo Artusi) ha scelto di rivalutare non solo l’edificio, ma anche il tratto stradale, con un landmark riconoscibile. Ha creato quindi su tutta la facciata dell’edificio uno scenario sempre vario come il variare delle stagioni. La necessità di risolverne invece problemi come l’inquinamento, la congestione e la cementificazione hanno ispirato l’idea di associare la superficie del fabbricato a quella delle foglie autunnali di un albero. Quindi una facciata naturale, ecologica, che respira.

La realizzazione del concept originario ha previsto la demolizione di tutto l’involucro architettonico preesistente conservando solo la struttura portante. La nuova facciata è stata costruita con un’intelaiatura in carpenteria metallica di base che fosse di supporto contemporaneamente sia per i serramenti sia per le superfici murarie opache, rivestita con pannelli di acquapanel, isolati con lana minerale. Il tutto è stato successivamente trattato con intonaco fotocatalitico a base di biossido di titanio con proprietà chimiche tali da permettere la trasformazione degli agenti inquinanti presenti nell’aria in polvere e quindi lasciare la facciata pulita per un periodo di tempo superiore alla media.

La seconda pelle traspirante è insieme un filtro solare, un correttore ottico e uno scambiatore termico. I pannelli in

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lamiera microforata ottemperano alla prima funzione tramite un dispositivo elettrico computerizzato che permette di interagire individualmente con la schermatura andando a scegliere l’opportuna inclinazione del pannello a seconda dell’incidenza del sole.

La microforatura è un espediente che permette un cambiamento percettivo dell’oggetto a seconda della distanza da cui si osserva. La superficie è completamente opaca se osservata da lontano; all’interno dell’edificio invece il pannello diventa trasparente. Le scelte sull’illuminazione, a cura dello studio Castagna Ravelli, hanno cercato di esaltare il progetto ricorrendo a un gioco scenografico simile a quello realizzabile con il tulle teatrale: illuminato anteriormente, rivela la sua presenza e nasconde quanto è situato dietro; se illuminato posteriormente, scompare e mostra, in una trasparenza un po’ offuscata, quanto è collocato in secondo piano. In questo caso, allo stesso modo, si è pensato a due tipi di illuminazione. Una esterna, che bagna di luce l’involucro di pannelli microforati e ne esalta i colori autunnali; un’altra, interna, che

illumina la vera parete esterna dell’edificio, donando alla pelle metallica la trasparenza di un velo. Ultimo elemento a coronamento della forte identità del concept è da considerarsi l’aggiunta della statua sullo spigolo dell’edificio. È la volontà di portare l’arte in strada, con cambi stagionali o annuali delle opere d’arte, come segnale e riferimento culturale del breathing building, l’edificio che respira.

La facciata mutevole e dinamica con colori morbidi e scintillanti non è una semplice composizione architettonica, ma una vera tecnologia basata su principi naturali a basso impatto ambientale.

The soft shimmering facade is dynamic and changeable. It is not simply an architectonic arrangement but a technological development based on natural principles of low environmental impact.

The building stands on the corner with Via Speronari and badly needed a major facelift. Studio Dante O. Benini (Luca Gonzo, Michele Corrado, Paolo Longoni and Matteo Artusi) decided to revamp the building and the street outside to create a recognizable landmark for the city. They created a dynamic scenario on the facade that changes just like the seasons. The need to resolve problems such as pollution, congestion and cementification led to the idea of associating the surface of the building with the autumnal leaves of a tree. This natural and ecologial facade breathes. The original concept necessitated the demolition of the existing architectonic shell, leaving just the support structure intact.

The new facade was constructed with a metal frame which supported both the frames and the blind walls, coated with acquapanels and insulated with mineral wool. The entire surface was then treated with photocatalytic titanium dioxide paint; the chemical properties of this paint transform the polluting dust particles, leaving the facade clean for a longer-than-average period. The second transpiring skin is combined with the solar filters, an optic corrector and a heat exchanger.

The panels in micropunched metal sheeting exploit a computerized electric device that interacts individually with the screens and selects the appropriate inclination of the panel depending on the incidence of the sun’s rays.

The micropunching changes the perspective of an object depending on the distance of observation. The surface is completely opaque when observed at a distance; inside the building, the same panel appears to be transparent.

For the illumination, Studio Castagna Ravelli attempted to exalt the project by creating a scenographic effect similar to a thetear stage: when the panels are illuminated from the front, they are visible and hide everything behind them; when illuminated from behind, they seem to disappear allowing everything on the second floor to be observed in slightly blurred transparency. For this reason, the designers opted for two types of illumination – the first was wall-washing

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DHD on the outside to exalt the Autumnal colors of the micropunched panels; the other inside to illuminate the real outside wall of the building, giving the metallic skin the transparent qualities of a veil. The final element to emphasize the identity of the concept was the addition of a statue on the corner of the building.

This was chosen to transport art into the street, with seasonal or annual changes to the pieces on display, an idea to underline the cultural reference sign of the breathing building.

Alla forte identità del concept architettonico contribuisce l’aggiunta della statua sullo spigolo dell’edificio nella volontà di portare l’arte in strada, con cambi stagionali o annuali delle opere d’arte, come segnale e riferimento culturale del breathing building, l’edificio che respira.

The powerful identity of the concept has been enhanced by the addition of a statue to the corner of the building.

It aims to transport art into the street, with seasonal or annual changes of the pieces on display. The artwork can be considered to be a cultural reference sign of the breathing building.

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MILANO 128

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LOFT CAFÉ.

LA FABBRICA DEL VERDE A PRODUCER OF GREENERY txt: Giulia Capotorto/ph: Studio ZAINA progetto: studio Isacco Brioschi

Portare la natura in luoghi inconsueti, restituire cittadinanza al verde, permettere all’organico di colonizzare spazi urbani e di parlare i linguaggi della contemporaneità 129

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Transporting nature to unusual places, giving greenery back to the citizens, allowing organic matter to colonize the cities and to speak the languages of the contemporary

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Questa è la filosofia del Loft Café, locale milanese progettato dallo Studio Isacco Brioschi, officina creativa che da anni sperimenta innovative forme di integrazione tra elementi naturali e habitat urbano, come resistenza all’aridità (reale e simbolica) dell’urbanizzazione. Coerente con questo approccio, il Loft Café, posto in un’area altamente industrializzata e nato dal recupero di una vecchia fabbrica, testimonia un atteggiamento postmoderno di ibridazione concettuale. Dall’industriale al vegetale, dall’esterno all’interno: armonia dialettica per un bistrot su due livelli di circa 230 metri quadri, suddivisi da soppalchi vetrati che modulano lo spazio in un equilibrio dinamico tra convivialità e immersione privata nella natura. Gli alberi bidimensionali in muschio stabilizzato formano sulle pareti una vera e propria foresta verticale, inatteso landmark del locale. E, simili a graffiti naturali, gli altri elementi vegetali che caratterizzano la struttura sottolineano la riconquista di un territorio simbolico e la permeabilità dei confini. Un effetto rilassante e open air viene enfatizzato anche dalle scelte cromatiche, dall’uso di pannelli fonoassorbenti e soprattutto dal lighting design, studiato per simulare la luce naturale. Ma non sono solo le caratteristiche estetiche e sensoriali a rendere il Loft Café un “ecological place”. Ogni elemento, dagli arredi e complementi – interamente progettati per coerenza stilistica e concettuale dallo Studio Brioschi – fino ai rivestimenti, è stato scelto infatti sulla base del principio di sostenibilità. E quindi, casseri e lamiere striate di recupero per le lampade Spring form, ma anche policarbonati riciclati, pellicole ecologiche e vernici perlate eco-compatibili prive di ossidi, per un locale che riesce a integrare l’innovazione tecnologica con un’esigenza tutta contemporanea di dialogo con la natura.

This is the philosophy of Loft Café, a bar in Milan designed by Studio Isacco Brioschi, a creative workshop which for years has been experimenting innovative forms of integration between natural elements and urban habitat, such as the resistance to the aridness (both real and symbolic) of urbanization. In line with this approach, Loft Café, located in a highly-industrialized zone of the city and created in a former factory building, bears witness to the post-modern attitude to hybrid concepts. From industrial to vegetal, from the outside to the inside: a dialectal harmony for a bistrot on two floors of approximately 230 sq.m., split by glass platforms that modulate the space in a dynamic equilibrium between conviviality and private moments surrounded by greenery. The two-dimensional trees in stabilized moss create a vertical forest on the walls, a truly unexpected landmark inside the bar. And similar to natural graffiti, the other plans that characterize the structure highlight the victory on this symbolic land and the permeability of the boundaries. The relaxing, open-air effect is enhanced by the choices of color, the use of sound-absorbing panels and the lighting design, studied to simulate natural illumination. But that’s not all, the esthetic and sensory characteristics transform the Loft Café into an “ecological place”. Every element, from the furnishings to the accessories – designed by Studio Brioschi to maintain the style and concept coherence – to the coatings, have been chosen with sustainability in mind. As a result, reclaimed wood and metal have been used to create the lamps Spring form, in addition to recycled polycarbonate, ecological leathers and oxide-free eco-friendly shimmering paint, for a bar that has managed to integrate technological innovation with a contemporary need for an interface with nature.

Soppalchi vetrati modulano lo spazio progettato dallo Studio Brioschi.

Qui ogni elemento, dagli arredi e complementi fino ai rivestimenti, è stato scelto sulla base del principio di sostenibilità.

Glass-paneled platforms modulate the space designed by Studio Brioschi.

Each element, from the furnishings to the accessories to the coatings, was selected based on the principles of sustainability.

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Tutte le lampade, i tavoli e gli altri arredi sono stati disegnati dallo studio Isacco Brioschi e prodotti da Tino Sana; le sedie sono invece di Pedrali. Nei bagni, i sanitari sono di Ceramica Catalano e i rivestimenti di Ceramica Bardelli e di Casa dolce casa.

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All the lamps, the tables and the other furnishings were designed by Studio Isacco Brioschi and produced by Tino Sana; the chairs were by Pedrali.

The bathrooms suites are by Ceramica Catalano and the floor and wall coatings

by Ceramica Bardelli and Casa Dolce Casa.

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LONDON 134

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UN APOSTOFO ROSA TRA DOLCI E CAFFÈ A PINK APOSTROPHE OF PASTRY AND COFFEE txt: Claudia Barana/ph: Francesca Yorke progetto: SHH – Neil Hogan, Brendan Heath, Adam Woodward

Apre il sedicesimo punto vendita Apostrophe. Questa volta nel centro di Londra, a High Holborn. Firmato SHH

The sixteenth Apostrophe sales outlet has opened, this time in London’s High Holburn district. The plans were drawn-up by SHH

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Sbarcati nella capitale inglese nel 2001, i fondatori della catena hanno sentito la mancanza di una boulangerie dove trovare cibo vero, una pasticceria di qualità da accompagnare a buon caffè in stile italiano. Hanno così deciso di aprire un locale di stampo francese caratterizzato da un’atmosfera internazionale. E ora, a 9 anni di distanza, apre il sedicesimo punto vendita in pieno centro città. I designer dello studio SHH hanno creato una nuova fascia esterna e rivisitato il design degli interni, utilizzando la palette cromatica della catena: nero, rosa e noce. Aggiungendo però nuovi materiali e nuove funzionalità. Un progetto di ristrutturazione difficile per la conformità del sito: 155 mq lunghi e stretti, con poca superficie calpestabile. Una sorta di guscio vuoto, creato come parte di una serie di unità di vendita all’interno di un complesso edilizio. Cosa che ha portato il cliente e i designer a considerare, insieme, tutte le questioni operative. Un progetto, unito alla costruzione per la segnaletica e il trattamento della fascia, obbligatoriamente presentato e poi accettato dal Consiglio di Camden, l’ufficio governativo per gli edifici. La soluzione è stata individuata in una divisione accurata tra le aree operative e quelle fruibili dalla clientela al fine di evitare una costrizione nella zona più stretta, quella posteriore. Lo spazio è stato suddiviso in aree operative sia per il take away e il servizio assistito, sia per le aree di servizio come la zona lavaggio, preparazione cibo e zona forno. Un’idea sottolineata anche nell’area di cottura ‘rosa-screening’, una sorta di vetrina che mette in evidenza il desiderio di trasparenza verso il cliente e la voglia di mostrare l’intero processo di realizzazione del prodotto: dall’impasto alla cottura. Sono state create diverse zone a sedere, ognuna caratterizzata da un arredo tipico, su disegno, in legno massello fornito dall’azienda britannica Barnwood. Per la pavimentazione è stata utilizzata la ceramica con le piastrelle grigie Royal Mosa. Visibili anche dall’esterno, nella zona lounge sono appese le Nuvole dei fratelli Bouroullec, configurate da SHH per ricoprire la parete e avvolgere il cliente. Per l’attaccatura è stato scelto il sistema Kvadrat (distribuito da Ligne Roset), la cui composizione cromatica si inserisce perfettamente nel progetto e ha una funzione fonoassorbente grazie alle superfici sfaccettate dei singoli componenti. Le due aree banco, per il servizio assistito e il take away, sono su disegno. Le aree di refrigerazione sono realizzate in acciaio inox con vetro UV incollato, al fine di minimizzare la struttura visiva e ottimizzare l’esposizione dei prodotti.

Le pareti sono in pannelli di noce nero americano o in laminato nero con un livello cromatico alto e mischiato a una vernice di colore grigio scuro che arriva fino al soffitto, dove sono state lasciate le originali cornici in gesso, semplicemente verniciate di grigio.

“Nella difficoltà, siamo stati fortunati a trovare alcune caratteristiche interessanti – ha commentato il capo progetto Brendan Heath dello studio SHH – in primis quella dell’altezza di 3,6 metri che ottimizza la sensazione di spazio senza bisogno di nascondere l’area servizi”. Poco distante dal bancone principale, sulla sinistra, è stata posizionata la zona lavaggio o wash up area in forma di scatola indipendente dipinta con i colori principali del brand: laminato nero lucido all’esterno e laminato rosa glossy al suo interno. Il muro esterno dell’area wash-up è utilizzato per sostenere una lunga mensola in noce, un ampliamento architettonico del banco utile a creare ulteriori posti a sedere grazie ai piccoli sgabelli firmati Barcelona Design. La zona centrale (e punto di compressione potenziale del sito) ospita divanetti, rivestiti in pelle nera, così come ulteriori posti a sedere non fissati. Tutta la zona è illuminata dall’alto con i ciondoli a goccia firmati Aarevalo. Nella parte più estrema di questa unità, di fronte alla zona panificio, è stato sistemato un grande e solido tavolo in noce progettato da SHH, capace di ospitare fino a otto persone. Quasi indipendente dal resto, crea un intervallo spaziale con le altre zone. Il suo obiettivo è di incoraggiare e invitare gli impegati degli uffici del quartiere alla pausa. Dietro al tavolo, questa volta contro un pannello luminoso bianco, è situato il secondo muro di piastrelle Nuvole, in una formazione leggermente più piccola rispetto alla prima. La zona è inoltre delimitata da una serie di portagiornali Chamaleon in rosa glossy inseriti in una estremità nel muro in noce. Alla fine del muro, una delle principali caratteristiche del progetto: l’area panetteria con il vetro rosa (è stato utilizzato un sistema di smaltatura con pellicola trasparente rosa di Bene). L’atmosfera è rilassata e glamour, e favorisce l’obiettivo di trattenere i clienti. “A differenza di molti altri operatori del settore, che si affidano alla tipologia Grab&Go caratteristica dei take-away, – spiega Brendan Heath – Apostrophe cerca di attirare i clienti ai suoi negozi per tutta la giornata offrendo WiFi e quotidiani gratuiti, oltre a una colonna sonora accuratamente selezionata e scaricabile da internet. L’obiettivo è quello di avere un ambiente accogliente e rilassante, dove le persone si sentano realmente a proprio agio, felice di trascorrere del tempo in libertà”.

All’interno del locale, sono state create diverse zone a sedere, ognuna caratterizzata da un arredo tipico, su disegno, in legno massello fornito dall’azienda britannica Barnwood.

Visibile anche dall’esterno, nella zona lounge sono appese le Nuvole dei fratelli Bouroullec, utili anche per la loro funzione fonoassorbente grazie alle superfici sfaccettate dei singoli componenti.

The company first appeared in London in 2001. The founders of this chain felt that a good quality boulangerie or bakery was missing – a place selling genuine food, quality cakes and pastry to complement a steaming Italian-style coffee. They therefore decided to open a French-style coffee bar with a distinctly international flavor.

And now, nine years down the line, they are opening its 16th bar in the city’s center.

The designers of Studio SHH created a new exterior facing and revamped the interior design, using the chain’s traditional color scheme of black, pink and walnut. This time, however, they added new materials and new functions. The restructuring program was difficult because of the long, narrow shape of the site: 155 sq.m. with limited floorspace. It can be described as a sort of empty shell, created as part of a series of sales units inside a building. This led the client and the designers to join forces and

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Inside the room, a number of different sitting areas have been created, each one characterized by furnishings, custom-built in solid wood and supplied by the British company, Barnwood. The Clouds by the Bouroullec Brothers hang on the walls of the lounge. These also provide good sound-proofing, thanks to the beveled surfaces of the individual components.

examine all the operative questions in depth. The plans, the signs and the new facing were all submitted and approved by the Camden City Council, planning department.

The solution was the accurate separation between the operative zones and those available to the customers, to sidestep the problem of the narrower areas to the rear.

The space was split into operative areas for takeaway food and for assisted sales, areas for utility services such as washing-up, food preparation and the ovens. This idea was also emphasized in the kitchen facilities with pink screening, a sort of glass unit that exalts the desire for transparency with the customers, allowing them to watch the entire production process, from kneading the dough or pastry to the final baking procedures. Several seating areas were created, each characterized by typical ad hoc furniture design, pieces in solid wood supplied by the British company, Barnwood.

Gray Royal Mosa ceramic tiles were used in the flooring. Visible from the outside, on the walls Clouds by Brothers Bouroullec energize the walls; SHH included them to decorate the walls and attract the customers. The Kvadrat attachment system (distributed by Ligne Roset) was chosen. Its chromatic composition is ideal for the project; it has sound-proofing qualities, thanks to the beveled surface of the individual components. The two counter areas – assisted sales and take-away – were also designed ad hoc. The refrigeration units are in stainless steel with UV glass; these materials were chosen to minimize the visual structure and optimize the presentation of the products. The walls have been cladded in black American walnut or black laminate with a deep color which has been mixed with a dark gray paint, coating as far as the ceiling. Here the original cornices have been left in place and have been given a coat of gray paint. “Despite all of the difficulties, we were lucky to have some interesting characteristics available – commented the project leader Brendan Heath of Studio SHH – First of all, we had ceilings that were 3.6 meters high which optimized the sensation of space without having to hide the service areas”. Just a short distance away from the main counter, on the left, the wash-up area was devised as an independent unit painted with the main colors of the brand: glossy black laminate on the outside with glossy pink laminate on the inside. The outside wall of the wash-up area has been used to support a long walnut wood shelf, an architectonic extension of the counter; stools by Barcelona Design were added to transform this into an additional seating area. The central area (and the site’s point of potential compression) contains sofas, coated in black leather and other pieces of movable seating. The entire area is illuminated by suspension fittings by Aarevalo. In front of the bakery at one end, the architects added one of their own designs for a large solid walnut table which can seat up to 8 people. It is almost totally independent from the other fittings and creates a spatial break with the other areas. The objective was to encourage and invite office staff to enjoy a well-deserved break. The table rests against a luminous white wall and behind it a second wall in Clouds tiles, in a slightly smaller dimension than those used in the first. This area has been outlined by a series of glossy pink Chamaleon newspaper racks which have been fitted to one end of the walnut wall.

One of the main characteristics of the project can be observed at the end of the wall:

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the bakery with its pink window (created using a glazing system that exploits pink transparent film by Bene). The atmosphere created is relaxing and chic, inviting customers to stay longer. “This venue differs to many others in the sector; most are based on the principle Grab&Go, typical of the takeaways; – explained Brendan Heath – however, Apostrophe has been designed to entice customers to stay for the whole day; it provides WiFi and newspapers, and pipes carefully selected background music that can be downloaded from the Internet. The main design objective was to create an ambience that would be welcoming and relaxing, where people really feel at home, happy to spend hours in good company”.

In uno spazio ristretto i progettisti SHH sono riusciti a creare diverse aree di accoglienza e di servizio, ognuna caratterizzata da tinte e materiali distinti.

Despite the limited space, the designers of SHH have been able to create a number of different reception and service areas, each one identifiable by the stains and materials used.

ATENE NUOVO MUSEO DELL’ACROPOLI THE NEW ACROPOLIS MUSEUM txt: Marta Bernasconi/ph: Nacho Lopez progetto: Bernard Tschumi Architect

Esterno e interno, contenitore e contenuto qui vivono in simbiosi.

Regalando una full immersion di storia, arte e cultura 140

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The exterior and the interior, container and content living in symbiosis, providing visitors with a full immersion experience of history, art and culture

In Grecia lo sognavano da oltre trent’anni. Grazie al progetto di Bernard Tschumi e del suo collaboratore Michalis Fotiadis, il Nuovo Museo dell’Acropoli di Atene ha finalmente trovato la sua espressione. Si tratta di un edificio decisamente importante, certamente per il suo intrinseco valore architettonico ma ancor prima in virtù dell’area in cui sorge. Arte, storia e architettura si incontrano dentro e fuori il museo, situato in pieno sito archeologico, sul fianco della collina accanto all’Acropoli e distante solo 300 metri dal Partenone. La terrazza sull’ultimo piano è luogo privilegiato per una visione a 360 gradi su Atene, che da qui si può osservare nel dialogo tra le sue dimensioni antica e moderna. L’accesso al museo è sulla via pedonale Dionysios Areopagitou, che collega la nuova struttura agli altri siti archeologici di Atene. Lo spazio espositivo supera i 14.000 metri quadrati e mostra nel dettaglio la storia dell’Acropoli e dei suoi dintorni, dalla preistoria alla tarda antichità. Il racconto si arricchirà di numerose collezioni attualmente dislocate presso svariate sedi, tra le quali l’ormai obsoleto Museo dell’Acropoli risalente al XIX secolo. Il nuovo museo integra anche alcuni scavi archeologici, con rovine datate dal IV al VII secolo, visibili dal primo piano. Entrando nel dettaglio del progetto, tre concetti – nati da vincoli, che però gli architetti hanno saputo trasformare in opportunità – appaiono caratterizzanti. La luce naturale pervade il Nuovo Museo dell’Acropoli, dedicato prevalentemente all’esposizione di oggetti e sculture; opere d’arte che, proprio in funzione della mutevole illuminazione, restituiscono un’immagine che cambia con le ore del giorno. Il percorso di visita forma un anello tridimensionale che permette di vivere un’esperienza anche spaziale, che va dagli scavi archeologici ai marmi del Partenone, per tornare poi al periodo romano; avere la sensazione di viaggiare nel tempo è un aspetto importante per ogni museo e per questo in particolare, la cui affluenza si aggira sui 10.000 visitatori al giorno. La terza peculiarità del progetto consiste nella sua suddivisione in

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una base, in un corpo intermedio e in un top, ciascuno disegnato per rispondere alle specifiche esigenze di ogni parte del museo. La base è sospesa su pilotis e su una rete di colonne che proteggono i preesistenti scavi archeologici; man mano che si sale, nel corpo che ospita le gallerie espositive, l’orientamento ruota leggermente, assecondando l’attuale rete stradale. Il volume superiore, costituito dalla galleria rettangolare del Partenone disposta intorno a un cortile interno, di nuovo è leggermente ruotato al fine di orientare i marmi esattamente secondo la loro disposizione originaria; le pareti in vetro forniscono la luce ideale alle sculture, con vista diretta sull’Acropoli. I principali materiali utilizzati nella costruzione della struttura espositiva sono dunque il vetro per le facciate e alcuni pavimenti, calcestruzzo per il nucleo architettonico e

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marmo per alcune pavimentazioni. I prospetti est e ovest e le colonne della Galleria del Partenone sono in acciaio. Per l’arredamento sono state scelte diverse collezioni di Stua. Le sedie Gas, con colori diversi per ogni area, sono collocate in tutti gli spazi pubblici; nella caffetteria sulla terrazza panoramica sono bianche, così come i tavoli Zero con piano di dimensioni ridotte mentre nel ristorante sono utilizzate Gas in pelle nera con tavoli dal top in vetro trasparente. L’area vip è fornita di un tavolo per riunioni formato da sei piccoli tavoli Zero assemblati, che consentono di cambiare configurazione secondo necessità. Le sedute Gas, in polipropilene nero, sono di nuovo protagoniste nella sala multimedia situata nella parte alta del Museo: qui i visitatori possono scoprire come appariva l’Acropoli nell’antichità.

The Greeks were dreaming about this for more than three decades and finally, thanks to the project by Bernard Tschumi and his assistant Michalis Fotiadis, the new Acropolis Museum has materialized. It is an undeniably important building for its intrinsic architectonic value and for its location of primary importance. Art, history and architecture meet inside and outside the Museum. The building has been constructed in an area of Athens, rich with archeological ruins, beside the Acropolis and just 300 meters from the Parthenon. The terrazzo on the top floor provides a 360º view over Athens, exalting the dialogue between the ancient and modern dimensions. The museum is accessed from the pedestrian precinct of Dionysios Areopagitou, which connects the new structure to other important archeological sites of Athens. The exhibition space covers more than 14,000 sq.m. and details the history of the Acropolis and its surroundings, from prehistoric times to the late ancient periods.

The tale unfolds with the help of numerous collections on display in a number of different facilities, including the 19th-century Acropolis Museum, which is now obsolete. The new museum also contains some archeological excavations, with ruins dating back to the 4th and 7th centuries, visible from the first floor. If we take a closer look at the project, there are three important concepts that the architects transformed from restrictions into opportunities. Natural light floods into the new Museum of the Acropolis which is dedicated to the presentation of the ancient objects and sculptures; works of art that, as a function of the changing illumination, project an image that changes throughout the day. The pathway inside the museum forms a three-dimensional ring that allows the visitors to enjoy a multi-sensorial experience that ranges from the archeological excavations to the marbles of the Parthenon, to then return to the Roman period. Perceiving the sensation of traveling through time is an important aspect for every museum and absolutely essential for this structure.

Approximately 10,000 people pass through its doors every day. The third peculiar feature of this project is its subdivision into a base, an intermediate block and a top floor, with each section designed to respond to specific requirements in every part of the museum. The base sits on pillars and a network of columns that protect the existing archeological excavations; as visitors move upwards to the block that houses the exhibition galleries, the orientation of the building shifts slightly to follow the lines

La neutralità del bianco domina nell’arredo della caffetteria sulla terrazza panoramica, così da non creare interferenze con una vista che spazia su tutta la città. A lato, lo sfalsamento dinamico dei tre volumi che formano la struttura del museo, ciascuno dedicato a una specifica destinazione.

Neutral white predominates in the furnishings for the cafe bar with its panoramic terrazzo, to avoid any interference with a view of the entire city. Left, the dynamic arrangement of the three volumes that form the museum, each block with a specific destination.

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of the roads. The upper volume, consisting of the rectangular gallery of the Parthenone arranged around an internal courtyard, is also rotated slightly so that the marble sculptured components are oriented on exactly the same axis as the originals; the glass walls provide the perfect lighting effect to exalt the sculptural masterpieces, and provide a direct view onto the Acropolis. The materials used to build this exhibition structure are largely glass for the facings and some of the floors, limestone for the structural walls and marble for some of the flooring. The east and west elevations and the columns of the Parthenon Gallery are in steel. Several Stua collections were used to furnish the structure. The chairs, Gas, have been supplied in different colors for each area of the public spaces – white for the panoramic terrazzo in the coffee bar; the compact Zero tables are also white; for the restaurant, Gas chairs in black leather are positioned beside clear glass tables. The VIP area has been furnished with meeting tables created from six small Zero tables; this arrangement allows them to be changed when needed. The Gas chairs, this time in black polypropylene, take center stage once again in the multimedia hall on the top floor.

Here, the visitors can discover how the Acropolis looked in ancient times.

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Per gli arredi, gli architetti hanno puntato sulla produzione di Stua.

In particolare, le sedie Gas e i tavoli Zero sono un leit motiv: presenti in tutti gli spazi pubblici, sono scelti il bianco e il nero applicati a materiali diversi, come il polipropilene e la pelle.

For the furnishings, the architects opted for articles produced by Stua. The leit motif is the use of the seats Gas and the tables Zero. These are found throughout the public spaces. A black and white color scheme has been applied to materials such as polypropylene and leather.

SALONICCO Una vista dell’area portuale di Salonicco dalla terrazza del Met. A view from the terrazzo of The Met Hotel showing the harbor in Thessaloniki.

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DIALOGO CONTINUO ONGOING DIALOGUE txt: Francesca Tagliabue/ph: Vaggelis Paterakis progetto: ZEGE

Elegante e raffinato, il Met Hotel offre ogni comfort ai suoi ospiti.

Persino un’esposizione permanente di arte contemporanea

Elegant and stylish, the Met Hotel provides its guests with every type of comfort – even a permanent exhibition of contemporary art

Un esempio di ‘progetto totale’, un edificio studiato nei minimi dettagli dove nulla è stato lasciato al caso. Lo studio ZEGE (Zeppos-Georgiadis & Associates) ha curato ogni aspetto del Met Hotel, un albergo a cinque stelle recentemente inaugurato nella zona portuale di Salonicco, in Grecia. Con 212 camere e alcune suite, il Met propone una nuova interpretazione del city hotel, frequentato soprattutto da uomini di affari e persone in trasferta di lavoro. La facciata è caratterizzata da linee geometriche semplici, e dal forte contrasto tra le parti intonacate di bianco e quelle ricoperte di pietra grigia. L’alternarsi di parti nere e finiture chiare è il fil rouge che unisce tra loro anche tutti gli ambienti interni. Le diverse aree sono collegate anche attraverso delle decorazioni grafiche realizzate ad hoc, disegni e pattern che sembrano rincorrersi in un gioco continuo. Lussuoso senza eccessi, ogni pezzo d’arredo del Met Hotel è stato scelto con cura. Lampade, poltrone, tavoli e mobili di ogni genere sono

La facciata della struttura si caratterizza per un gioco grafico tra le ringhiere nere e il bianco della copertura. Nella parte anteriore, tavoli e sedute in legno.

Nella pagina accanto, il bancone della hall e una zona relax comune. Alle pareti ci sono opere di importanti artisti contemporanei.

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The facade of the structure is characterized by a graphic effect created by the black railings and the white roof.

In the lower part, wooden tables and seats. On the opposite page, the hall counter and the common relaxation area.

Important works by contemporary artists hang on the walls.

prodotti da alcuni tra i più famosi marchi di design internazionale, come B&B Italia, Minotti, Maxalto, Vitra, Molteni, Fritz Hansen, Flos e Moooi. Le parti comuni della struttura assicurano ogni comfort agli ospiti. L’hotel dispone di diverse sale per conferenze, una SPA, una piscina coperta, un bagno turco, una palestra e un ampio solarium. Ci sono, inoltre, due bar, uno dei quali si trova sul tetto, e due ristoranti, uno specializzato in cucina asiatica e l’altro con menù internazionale. Ciò che davvero stupisce al Met Hotel sono le opere d’arte contemporanea che ne decorano gli interni, lavori di personalità di fama internazionale, tra cui Bill Viola e Andrea Gursky. È la prima volta che gli spazi comuni di un albergo sono stati studiati per diventare una vera e propria sede museale. Le zone di collegamento non sono solo lunghi corridoi da percorrere distrattamente, ma spazi di cui godere e in cui passare del tempo, dimenticandosi per un attimo di essere ospiti di un hotel.

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I pezzi d’arredo utilizzati sono prodotti dalle maggiori aziende del settore, come Moooi, B&B Italia, Vitra e Fritz Hansen.

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Piano terra/Ground floor

The pieces of furniture were produced by some of the more important companies in the sector, such as Moooi, B&B Italia, Vitra and Fritz Hansen.

This is a perfect example of ‘total design’, a building studied carefully where nothing is left to chance. Studio ZEGE (Zeppos-Georgiadis & Associates) was responsible for the plans for the 5-star Met Hotel which was inaugurated recently in the docklands of Salonika in Greece. With its 212 bedrooms and a number of suites, the Met Hotel can be described as the new interpretation of the city hotel, specific for business travelers.

The façade is simple with clean geometric lines; there is strong contrast between the white walls and the gray stone facing. The alternation of black and pale finishes is the common denominator in all of the interiors. The different areas are also connected by the ad hoc graphic decorations, patterns that constantly entwine. Each piece of furniture in the Met Hotel was chosen carefully and is luxurious without being excessive. Lamps, armchairs, tables and pieces of furniture have been produced by the most famous brands of international design – B&B Italia, Minotti, Maxalto, Vitra, Molteni, Fritz Hansen, Flos, Moooi. The common areas in the hotel provide maximum comfort for the guests. There are several conference halls, a SPA, an indoor swimmingpool, Turkish bath, fitness center and a large solarium. There are also two bars, one

of which on the rooftop, and two restaurants – one specializing in Asian cuisine and the other to satisfy the international taste buds. However, the most astounding feature of the Met Hotel is the contemporary art used to decorate the interiors.

The pieces have been created by internationally renowned artists, including Bill Viola and Andrea Gursky. This is the first time that the common spaces of a hotel have been designed as museum quarters. The corridors are also used as abstract passages but wonderful pathways for observing the artistic creations, forgetting for a moment that this is a hotel.

Pianta di una stanza/The layout plans for a room

Pianta di una suite/The layout plans for a suite

L’elegante interno di una delle stanze.

I colori dominanti sono, ancora una volta, il bianco e il nero. Gli arredi scelti sono tutti pezzi di design.

The elegant interiors of one of the rooms. Again, the predominant colors are black and white. The pieces of furniture are all design items.

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La piscina coperta con pareti e pavimento rivestiti in legno, e altre immagini delle stanze. A lato, la sala conferenze, la palestra e la zona lounge.

The indoor swimming-pool with wooden walls and floors, and other shots of the rooms. To the side, the conference hall, the fitness center and the lounge area.

La SPA, al piano interrato/The SPA, located in the basement

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BEIRUT

BURGUNDY txt: Ester Pirotta interior design: Riad Kamel – Anonymes Architectes lighting design: PSLAB

Nel Saifi Village, una delle zone più vivaci della capitale libanese, dove nuovi locali si alternano a gallerie d’arte e laboratori artigianali, è stato recentemente inaugurato un raffinato ristorante pensato per una giovane clientela internazionale

An elegant restaurant was recently inaugurated in Saifi Village, one of the liveliest areas of the Libanese capital, Beirut. where newly-opened clubs alternate with art galleries and artisan workshops.

It has been designed specifically for a young international clientele L’interior designer Riad Kamel di Anonymes Architectes, autore del progetto di ristrutturazione, è intervenuto in uno spazio al piano terra di un edificio del periodo ottomano, danneggiato durante la guerra civile e malamente rimaneggiato da un colonialista francese, dando vita a un ambiente elegante, fortemente caratterizzato dalla struttura a volta del soffitto. L’obiettivo del progettista era la creazione di un guscio, una sorta di carrozzeria che permettesse di generare scenari in evoluzione e un’atmosfera adatta alla generazione della ‘post war society’, giovani ricchi di cultura internazionale tra i 25 e i 40 anni. Il gruppo PSLAB – costituito da ottanta architetti, designer e tecnici che dal 2004 si occupano di ‘luce’ – ha sviluppato il progetto illuminotecnico partendo dalle linee guida dell’intervento di Riad Kamel, ossia dare rilievo alla struttura in legno ad archi del soffitto e sottolineare la suddivisione funzionale dello spazio in due aree, wine bar da un lato e ristorante dall’altro.

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Le lampade a sospensione, create ad hoc dai PSLAB per Burgundy, dominano visivamente il volume principale e sono disposte su due file parallele che seguono i lati lunghi del rettangolo che definisce la pianta del locale. Sospesi alle volte ad arco, questi oggetti luminosi sono costituiti da sezioni coniche di tubi di colore nero, raggruppati in modo da creare una sorta di mazzo di fiori capovolto, in cui i singoli tubi partono dal centro e, con un movimento radiale, si inclinano a partire da 25° fino a raggiungere i 45°. In questo modo si crea un profilo inferiore curvo, con un andamento opposto a quello della volta del soffitto. L’area in prossimità dell’entrata del ristorante è invece illuminata da una serie di proiettori a forma conica di colore nero opaco, le cui

parti tecniche alloggiano nelle gole delle travi in legno che sottolineano la struttura della volta. Riad Kamel ha optato per una combinazione elegante e sobria di materiali quali il legno chiaro per la struttura della volta, il cemento per il pavimento, la rete metallica e il metallo verniciato nero e bronzo per il divisorio con pattern geometrico. I PSLAB hanno lavorato in sinergia con l’interior designer, scegliendo colori scuri – prevalentemente il nero – per le lampade e i proiettori, divenuti, come spesso accade nei loro interventi, elementi funzionali e decorativi al tempo stesso. L’atmosfera che ne deriva è quella di un ambiente raffinato, intimo ed accogliente, dove poter assaporare piatti della cucina francese di alto livello e un’ottima selezione di vini.

Sono le lampade a sospensione, create ad hoc dai PSLAB, a connotare lo spazio del ristorante Burgundy. Sospesi alle volte ad arco, gli oggetti luminosi sono costituiti da sezioni coniche di tubi di colore nero, raggruppati in modo da creare una sorta di mazzo di fiori capovolto, in cui i singoli tubi partono dal centro e, con un movimento radiale, si inclinano a partire da 25° fino a raggiungere i 45°.

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The interior designer was Riad Kamel of Anonymes Architectes, who was responsible for the restructuring project. He intervened on the ground floor of a building from the Ottoman period. It had been damaged during the civil war and badly rennovated by a French colonist but now is an elegant ambience with a marvellous vaulted ceiling. The designer wished to create a shell, a sort of matrix that would generate changing scenarios and an atmosphere suitable for the ‘post war society’, wealthy, internationally-educated young people aged between 25 and 40 years. PSLAB – a group of 80 archtects, designers and technicians – has been specialized in lighting design since 2004. These experts developed an illumination technology project, starting from Riad Kamel’s design guidelines – emphasis given to the wooden arches of the ceiling and underlining the functional subdivision of the space into two distinct area – a wine bar on one side and a restaurant on the other. The suspension lamps were designed by PSLAB specifically for Burgundy and these components visually dominate the main area; the lamps are arranged in two parallel lines along the long sides of the rectangular room. They hang from the vaulted ceiling, luminous objects consisting of a conical sections of black piping, collated into something that resembles a bunch of flowers that have been turned upside-down; the individual pipes start from the center and with a radial progression, slope from an initial angle of 25° to reach 45°. This creates a profile which is the exact opposite of the vaults in the ceiling. The area close to the entrance of the restaurant is illuminated by a series of conical projectors in opaque black; the technical componentss have been recessed in the wooden beams and emphasize the structure of the vault. Riad Kamel opted for an elegant cutting-edge combnation of materials – pale wood for the structure of the vault, cement for the flooring, the metal grid and metal that has been painted black or bronze for the geometrically-patterned partition. PSLAB worked in close-contact with the interior designer, selecting dark colors – with black predomimnating – for the lamps and projectors. As often happens in their projects, these are functional and decorative elements together. The resulting ambience is elegant, intimate and welcoming, where guests can taste delicacies of top quality French cuisine and an excellent selection of wines.

The suspension lamps, custom-designed by the architects of PSLAB, add a special touch to the Burgundy restaurant. They hang from the vaulted ceiling, luminous objects consisting of a conical sections of black piping, collated into something that resembles a bunch of flowers that have been turned upside-down; the individual pipes start from the center and with a radial progression, slope from an initial angle of 25° to reach 45°.

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FUORI DAL TEMPO BACK IN TIME txt: Maria Galati/ph: Sarah Angel Bezzecchi progetto: Barbara Soddu

Casa Baladin è un luogo fuori dalle mode e dagli stili e non all’avanguardia, poiché l’avanguardia domani è già diventata storia passata

Casa Baladin is a place that does not follow fashion and is not avant-garde, because the designers believe that by tomorrow, avant-garde will be history “…Casa Baladin è situata nel centro storico del comune di Piozzo, piccolo paesino nel cuneese. L’immobile fa parte di un complesso con caratteristiche architettoniche di valore; la porzione di fabbricato in questione è, infatti, la parte rustica di una proprietà nobiliare che si affaccia sulla piazza principale del paese. Circondata da una serie di corti e cortili interni era stata eretta come collegamento tra le proprietà di due famiglie, i cui figli, promessi sposi, poterono così passeggiare e transitare da un palazzo all’altro attraverso un passaggio coperto. A questo collegamento era poi stata annessa una zona molto ampia adibita a fienile, ricovero di masserizie in genere, cantine e, si suppone, l’alloggio di un eventuale custode… Alle spalle dell’immobile, un bellissimo giardino interno è l’affaccio privilegiato e, allo stesso tempo, un punto verde assolutamente godibile…” e così che l’architetto torinese Barbara Soddu inizia a raccontarci il lungo percorso progettuale, che ha dato vita a questo luogo magico.

Dopo questa premessa, ci accingiamo ad entrare in Casa Baladin. Un’emozione molto forte ci colpisce. Dopo aver varcato la soglia, già nel giardino, sembra di vivere

un’altra esistenza, di avere lasciato la vita normale fuori, e di essere catapultati in un luogo dove, finalmente, potersi rilassare, lasciandosi tutto alle spalle. Le sensazioni avvertite sono molteplici. Si sente sulla propria pelle, guardandosi attorno, lo scorrere del tempo, ma allo stesso tempo ci si accorge che ci sono delle influenze, nella progettazione, che arrivano da altri luoghi, luoghi vissuti profondamente, da un viaggiatore attento, che è riuscito a farle sue e che, qualcuno, con una grande maestria è riuscito a interpretarle dando vita al progetto. La prima regola per un buon progettista è saper guardare dentro l’anima del suo committente e creargli un ambiente che rifletta il suo modo di essere, come un vestito cucito su misura. Per riuscirci bisogna sapere ascoltare e vedere ciò che si cela dietro a significati nascosti e avere una forte empatia con la committenza. Casa Baladin è stato un lavoro lungo, dove la tecnologia ha avuto uno spazio marginale, ma è un luogo ricco di decori, di lavoro artigianale, dove i diversi attori, che hanno partecipato alla realizzazione dell’opera, compreso il committente, sono stati uno di fianco all’altro, in una quasi convivenza. Questa vicinanza ha fatto sì che il risultato sia stato stupefacente. Il committente, Teo Musso, è una personalità del luogo. Fondatore de Le Baladin, officina di birra, dove poter assaporare birre artigianali, è forse un precursore, della birra artigianale in Italia, accompagnata da piatti dal sapore deciso. Teo, pur essendo molto legato a Piozzo, è un viaggiatore del mondo, e ha un forte legame, con il Mediterraneo. Alla constatazione che si respira un’atmosfera molto etnica, Barbara Soddu ha ribattuto: “alcuni sono venuti a Casa Baladin e hanno detto che è etnica… secondo me non è vero!

Nel senso che, quando l’ho iniziata, ho detto a Teo ‘qui niente etnico, assolutamente!’ Poi stai con lui, condividi strappi della sua vita e capisci che tanto è legato e innamorato della sua Piozzo, quanto Teo è cittadino del mondo. La madre dei suoi figli è berbera; lui vive più in albergo che a casa… insomma come non tener conto di tutto ciò! Ho però voluto che non ci fosse uno stile preciso ma solo strappi di memoria. Teo è tutto ciò che è Casa Baladin, dal baldacchino cinese, alle due porte del Seicento italiano, al Filofocus, alla zona tecnologica con apparecchiature Mac. Ho vissuto tre anni

Per Casa Baladin, Barbara Soddu non ha seguito uno stile definito, mixando contemporaneità e memoria storica, gusto italiano e oggetti del mondo. Sopra, il camino marocchino; a lato, l’angolo bar.

Architect Barbara Soddu did not design Casa Baladin in a specific style; she mixed the contemporary with past memories, Italian items with international articles. Above, the Morrocan fireplace; to the side, the bar.

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Due vedute del ristorante e, ancora, il camino marocchino. Nella pagina accanto, scorcio della zona bar di Casa Baladin, una casa fuori dalle mode e dagli stili.

Two views of the restaurant and the Moroccan fireplace. On the opposite page, a view of the bar in Casa Baladin, a hospitality structure that does not follow fashion or styles.

concentrandomi con estrema attenzione nel cercare di leggere dentro di lui ciò che lui è, ciò in cui crede. Tornando all’etnico, certo ci sono dei pezzi etnici, ma c’è di tutto e soprattutto quello che c’è è emozione. Io mi sono emozionata molto a farla, ma mi dicono che una forte emozione la provano praticamente tutti coloro che vi vengono accolti. Volevo una casa fuori dalle mode e dagli stili e non all’avanguardia, poiché l’avanguardia domani è già diventata storia passata, e so di esserci riuscita perché è stata molta la gente che mi ha detto che è come uscire dal tempo e dallo spazio, passi quel portone e potresti essere ovunque e in qualsiasi momento. Casa Baladin è stato frutto della voglia di emozionare e non delle scelte tecnologiche anche se loro sono state fondamentali per ottenere questi risultati”. Analizziamo, ora, da un punto di vista più tecnico il progetto. L’idea di partenza era quella di mantenere il più possibile integra la struttura originaria, e così sono stati aggiunti, ai vecchi tramezzi, solo pochi muri, facendo in modo che, rispetto allo stato di fatto, l’assetto interno non venisse troppo alterato. Il locale è diviso in una grande sala, una piccola zona bar, con pezzi musicali di grande valore, l’hammam, un’area dedicata ai fumetti e a internet, e le camere a tema. Ogni stanza infatti è un viaggio, dove Teo ha voluto regalare ai suoi ospiti sensazioni che arrivano da altri luoghi, grazie all’uso di decorazioni, materiali, tessuti diversi a seconda del tema che si vuole rappresentare. In facciata, sono state recuperate le aperture originali, e i serramenti sono stati realizzati in ferro, con una patinatura che dà l’idea del ferro arrugginito. Nella scelta dei materiali, il progettista e il committente si sono orientati su materiali naturali, niente cemento armato e niente sostanze chimiche intossicanti, nemmeno nelle resine con cui sono stati realizzati i pavimenti, a base calce. Le decorazioni, che differiscono a seconda degli ambienti, sono state scelte e ideate dal progettista, ma insieme alla maestria di due decoratrici, Gian Piera Aghemo, Claudia Tommasuolo, e Francesca Ramello, che si è occupata della realizzazione delle decorazioni a rilievo della camera cinese, del bagno turco e dei pavimenti. Gli arredi sono il frutto dello girovagare di Barbara Soddu, con e senza Teo, per le vie del mondo, da Parma a Parigi, dai mercatini di Milano. Questo lavoro di pensiero e di ricerca è durato più di un anno su 3 anni di durata del cantiere.

Tessuti e tappezzerie arrivano tutti da quello che all’epoca era la Bottega Baladin di Mondovì, un rimando ai vecchi negozi di paese di 40 anni fa, dove si poteva comprare un gomitolo di filo, una padella e un etto di acciughe, ma anche un rimando alle botteghe d’arte rinascimentali. L’illuminazione ha dato spazio alla modernità ma non

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Two views of the ‘Chinese’ bedroom. On the opposite page, the ‘African’ bedroom and bathroom. Bottom, the ‘European’ one.

alla moda. Come racconta la progettista: “non riesco a scegliere il design se non è prima passato e sopravvissuto al vaglio del tempo”. I pezzi di design all’interno degli ambienti sono tanti, dalle lampade Parentesi di Flos alle invenzioni di Ingo Maurer; l’illuminazione tecnica di Viabizzuno ha permesso di creare dei giochi di luce dal forte impatto visivo. L’inserimento del corpo illuminante all’interno del muro dà la sensazione, che, parte del muro stesso si stia staccando, lasciando così intravedere spiragli luminosi. Ma non c’e solo il design, c’è tanta poesia e storia raccontata dalle lampade vintage di Vox populi, le Spiridon e tutto il mondo arabo.

E per chiudere, Casa Baladin è stata anche un esempio di edificio a basso impatto dal punto di vista energetico, è scaldata con un impianto a pavimento alimentato con pannelli solari, tanto da poter scaldare l’immobile per il 90% solo col solare; stessa cosa dicasi per il raffrescamento nella stagione calda.

Due vedute della camera ‘Cina’. Nella pagina a lato, stanza e bagno ‘Africa’; in basso, la camera ‘Europa’.

“…Casa Baladin is located in the historical center of the City of Piozzo, a small town near Cuneo. The building is part of a complex with prestigious architectonic features; the portion of the building in question is actually the rustic part of an aristocratic property that overlooks the city’s main square. Surrounded by a series of courtyards, it was built to connect the properties of two families to allow their betrothed children who could move easily between the two mansions through a roofed corridor.

This connection adjoined a large haybarn, which was used to store everything the farm required and presumably provided accomodation for the guardian.

Behind the building, there is a beautiful internal garden which can be admired and enjoyed to the full...” these are the words of Turin-based architect, Barbara Soddu, as she describes the long design pathway which gave rise to this magical venue.

So let’s take a look inside Casa Baladin. Emotions run wild on entering the garden; it is like walking into another existence; everyday life has been left outside the walls and we have been launched into a place where we can finally relax leaving all our troubles behind. Different sensations overwhelm us. As we look around, the passing of time is tangible; however, we are aware that the design has been influenced by other periods, places experienced by curious travelers, who have adopted them as their own and that, someone with great skill has interpreted, giving life to the project.

The first rule that a good designer must apply is to look deep inside the soul of his/her client and create an ambience that reflects his persona, to create something like a suit that has been made-to-measure by a tailor. In order to do this, the designer needs to listen and see what is hiding behind the occult meanings; there must be strong empathy with the client. Casa Baladin required a lot of time; technology was only of marginal importance; however, it is a place that is rich in decoration, arts and crafts, where the various players (including the client) worked closely side-by-side.

This intense collaboration resulted in something truly wonderful. The client, Teo Musso, is a local celebrity. He founded Le Baladin, a brewery that was possibly the first in Italy to produce delicious homemade beer. Teo’s heart is in Piozzo but that does not prevent him from being a global traveler, the countries of the Mediterranean being among his favorites. On being told that the atmosphere is extremely ethnic, Barbara Soddu commented: “It’s true! Some people have come to Casa Baladin and commented that it has an ethnic flavor... I really don’t feel that is the case! What I mean is that, when I started out, I actually said to Teo ‘no ethnic style here OK?” Then you spend time with him, you share glimpses of his life and you understand that he is deeply attached to his beloved Piozzo, as much as he is a citizen of the world.

The mother of his children is a Berber; he spends more of his time in hotels than

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at home... how could I possibly not consider that! What I had hoped for was the absence of a specific style; I wanted to see just flashes of his memories. Teo is everything that you see in Casa Baladin – from the Chinese canopy bed, to the two, Seventeenth-century doors, from the modern fireplace to the technological area with AppleMac machines. I spent three years trying to interpret this person, who he is and what are his beliefs. Getting back to the subject of ‘ethnic’. I had no choice but to include some ethnic pieces, but there is a bit of eveything, and strong emotions in particular. I found that this project was extremely stimulating and the same has be said by the majority of people who come here. I wanted to create somewhere that did not follow fashion or reflect a particular style; I didn’t want anything that was avant-garde, simply because the avant-garde of today is the history of tomorrow.

According to the people who have been here, I have been successful; they tell me that it is like being without time and space once you pass through the doors. They could be anywhere at any time. Casa Baladin was designed to stimulate emotions and was not based on technological decisions, even though technology was fundamental in achieving these results”. Let’s analyze the project from a more technical point of view. The core idea was to maintain the original structure as intact as possible; just a few walls were added meaning that the internal arrangement remained basically unchanged. The structure was split into one large hall, a smaller bar area containing valuable musical instruments, a Hammam, an area dedicated to cartoons and Internet and theme bedrooms. Each bedroom is a trip into the unknown where Teo wished to allow his guests to savor sensations from other countries, through the decorations, materials, fabrics which differ to suit the theme represented.

The original windows were reclained and the iron frames were given a patina inspired by rust and age. The designer and the client both opted for natural materials, no reinforced concrete and no toxic chemicals, not even in the resins used in the flooring.

The decorations differ depending on the ambience and were chosen and created by the designer with the highly-skilled assistance of interior decorators, Gian Piera Aghemo, Claudia Tommasuolo, and Francesca Ramello. They joined forces to create the relief decoration in the Chinese bedroom, the Turkish bath and the floors. The pieces of furniture were sourced during Barbara Soddu’s travels, with and without Teo, across the world – from Parma to Paris to the Milan flea markets. The planning and research stages accounted for one of the three years of the project. Fabrics and wallpapers are all typical of what was the Bottega Baladin di Mondovì of old, a reference to the local stores from 40 years ago, where it was possible to buy a ball of wool, a saucepan and a handful of anchovies; however, the design is also reminscent of the shops of Renaissance art. Illumination exalted the modernity but not the fashionable trends. As the designer explained: “I cannot opt for a design if it has not withstood the test of time”. The interiors have been decorated with many design pieces – the lamps Parentesi by Flos to the inventions of Ingo Maurer.

Technical illumination by Viabizzuno created impact lighting effects. Recessing the light fitting in the inside walls gives the sensation that a part of the wall itself is separating, providing glimpses of luminous coils. But it’s not just the design; there is a lot of poetry and history associated with the vintage lamps by Vox populi, the Spridons and the Arab world in general. In conclusion, Casa Baladin is a wonderful example of a building with low energy impact; it has an underfloor heating system with 90% of the power from solar panels; these also provide the energy for the cooling system essential for the warmer summer months.

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HOTEL FAVORITA txt: Paolo Rinaldi/ph: Pedro Lobo progetto: Nuno Sottomayor interior design: Sam Baron

Chi era la favorita? Una donna che per la sua bellezza e intelligenza godeva dei favori di imperatori e re

Who was the favored one? She was a lady who was revered by Emperors and Kings for her beauty and intelligence Un nome iconico, attribuito a questo albergo in Portogallo, nella zona storica di Oporto.

Hotel Favorita era un vecchio edificio, che è stato ristrutturato da Nuno Sottomayor e arredato da Sam Baron. Gli interni di hotel Favorita sono un mix di mobili vintage e arredi di design. Ma non si può dire che si tratti di un hotel di design, piuttosto di un albergo estremamente confortevole, dove si riceve una calda accoglienza. Grazie a Sam Baron che ha curato, insieme con Isabel Abreu, ogni singolo dettaglio, con particolare cura agli ambienti comuni che sono molti, senza trascurare quelli che sono gli spazi privati delle camere e i bagni. L’area della lounge, infatti, è stata pensata sia per raggruppare sia per isolare: ciascuno può fare come più gli conviene, tra mobili antichi e altri moderni, conversare con gli amici o leggere in santa pace. Gli inglesi potrebbero chiamare cozy l’hotel Favorita, ma vi risalta invece invece un’idea di nitore e semplicità che quella parola non implica. I percorsi interni sono tipici di una vecchia casa portoghese, con una bella scala, pareti bianche, pavimenti a piastrelle di ceramica o a doghe di legno scuro. I corridoi sono mini gallerie private con opere di Julio Dolbeth e Ruy Santos della galleria Dama Aflita della città di Oporto, la più famosa del Portogallo. In tutto vi sono sette stanze, tra camere doppie, suite e attico, il ristorante La Bombarde e un giardino. Le suite si possono attrezzare diversamente in funzione di quante persone vi soggiornano e in definitiva sono state pensate per medi o lunghi soggiorni: Oporto merita di essere visitata con calma e attenzione.

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The iconic name has been given to this hotel in Portugal, in a historical district of Oporto. Hotel Favorita was an old building restructured by Nuno Sottomayor and furnished by Sam Baron. The interiors of Hotel Favorita are a mixture of vintage pieces and design furnishings. However, what results is not a design hotel; on the contrary, it is an extremely comfortable hotel where a warm welcome awaits guests. The creative minds of Sam Baron and Isabel Abreu looked after even the smallest design details, with special attention paid to the numerous common areas and the private quarters of the bedrooms and bathrooms. The lounge area was specially designed for socialization and for solitude; each guest can choose to sit among modern or antique furniture, to chat with friends or sit and read in peace. International guests would probably class Hotel Favorita as cozy; however, the lasting impression is one of clean lines and simplicity, foreign to the idea of coziness. The interior passages are in the typical style of a Portuguese home, with a wonderful stairway, white walls, ceramic tiles for the floors and dark wood slats.

The corridors can be compared to small private art galleries displaying works by

Julio Dolbeth and Ruy Santos from Oporto’s Dama Aflita gallery, the most important in Portugal. There are seven bedrooms, a mixture of double rooms, suites and attics, the restaurant La Bombarde and a garden. The suites can be arranged to accommodate the number of guests and have been designed for medium or long stays. Ideal for the guests, as the city of Oporto deserves to be visited properly.

In alto, l’arrivo all’ultimo piano; qui sopra, un soggiorno arredato con mobili vintage e arredi di design, come in tutto l’albergo. Nella pagina a lato, la tromba delle scale.

Top, the access to the top floor; above, a lounge furnished with vintage and design pieces, a style carried throughout the entire hotel. On the opposite page, the stairwell.

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In alto, un bagno e un terrazzino; qui sopra, una veranda con mobili in ferro.

Nella pagina a lato, due camere da letto di cui una si trova in mansarda.

Top, a bathroom and a terrazzo; above, a veranda with iron furniture.

On the opposite page, two bedrooms, one of which in an attic.

PYLA SUR MER LA CO(O)RNICHE txt: Claudia Sugliano/ph: Philippe Garcia progetto: Philippe Starck

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“Il luogo più forte, più poetico, più surreale, più potente della natura”: questo il pensiero di Philippe Starck verso il magnifico spettacolo che si apre nel punto, in cui egli ha realizzato uno dei suoi ultimi, felici progetti

“The strongest location, the most poetic, the most surreal, the most powerful of nature”: these are Philippe Starck’s thoughts on the magnificent scenario that unfolds where he has produced his latest, highly successful projects Si tratta dell’hotel La Co(o)rniche in Aquitania, esattamente a Pyla sur Mer, affacciato sull’Atlantico e all’ingresso del bacino di Arcachon, chiuso in lontananza dalla punta del Cap Ferret. È un territorio di estrema bellezza e ricchezza, derivata anche dal fenomeno delle maree che, secondo Starck, amante appassionato dell’oceano, “permette di fare incredibili passeggiate quasi fino al fondo marino”. Qui si trova la duna più alta d’Europa, che raggiunge un’altezza di 150 metri, un fenomeno davvero spettacolare ed incantatore. Non a caso questi luoghi già un secolo fa avevano attirato l’attenzione di un grande imprenditore, Louis Gaume, arrivato nel bacino d’Arcachon nel 1912. Incoraggiato dal successo di Pyla sur Mer, stazione fondata da Daniel Meller, egli divenne il promotore di Pyla-Plage, un nuovo quartiere come appoggiato alla duna e, quindi sorta di città idealmente situata in seno alla natura. Gaume fece costruire case solide, in stile neo-basco, con profonde arcate, che proteggono dal sole. Anche la Co(o)rniche nasce così, come un relais di caccia, che il famoso designer francese, nella primavera 2010, fa rinascere nella veste di hotel di charme, con la

collaborazione dell’ex giocatore di rugby e poi ristoratore di gran nome William Téchoueyres, proprietario di questo luogo magico. Proprio per essere in piena sintonia con un ambiente naturale di incredibile bellezza, Starck si allontana dai suoi standard di lusso abituali e rispetta al massimo l’anima della vecchia casa. Guardiano di questa abitazione in stile neo-basco è un vecchio albero di tamarindo: dopo avere salito la scala in mattoni, già l’ingresso è sorprendente, con piastrelle in cemento che formano come una sorta di originale tappeto persiano. Aiuole squadrate di erbe aromatiche guidano verso il ristorante, mentre una porta conduce alla reception. Qui tutto è stato conservato come in origine, i mobili di legno scuro, gli affreschi naif, a cui fanno da contrappunto delle sculture, quasi vetrine in vetro ed acciaio che all’interno celano piccoli tesori.

Sulle travi corrono frasi dall’Amor folle del surrealista André Breton. L’artista francese Aristide Najean, non nuovo a collaborazioni con Starck, ha realizzato un grande lampadario in vetro di Murano che illumina la scala, e sui muri giallo ocra e nero spiccano dei collage misteriosi e poetici, brandelli di fotografie, di cartoline, disegni, con suggestioni dei lavori di Jacques Prévert e di Max Ernst. La Co(o)rniche ha 12 stanze e 11 di esse si aprono sul fantastico panorama della cartolina che ne ispira il nome (Moulleau, Ferret, Corniche, Banc d’Arguien); al primo piano tutte hanno una terrazza o un balconcino.

L’arredo è una sorta di mix tra ambiente di casa di vacanza e spirito esotico dell’hotel: quasi tutte le camere hanno il letto al centro, mentre i colori delle pareti passano dal bianco, al giallo limone pallido, al rosa tenero, delicate sfumature che catturano dolcemente la luce del giorno. Il tappeto riprende qualche frase de L’uomo che ride di Victor

Un’abitazione in stile neo-basco è stata tramutata con rispetto da Philippe Starck in un hotel di charme. Di fronte alla Baia d’Arguin, la grande piscina a sfioro sembra dissolversi tra dune dorate, foreste e spiagge.

The neo-Basque mansion was tastefully transformed into a charming hotel

by Philippe Starck. The large infinity swimming pool in front of the Bay of Arguin seems to melt into the golden sand dunes, the forests and the beaches.

Hugo. Il ristorante vibra di accenti marini, sotto forma di un hangar di un’ex allevamento di ostriche: vetrate, legno di pino bianco, cucina a vista, dove brilla l’acciaio inox.

Al centro, un grande tavolo di marmo bianco, sovrastato da un lampadario di cristallo, luogo ideale per feste di nozze e celebrazioni. Di fronte alla Baia d’Arguin, la grande piscina a sfioro sembra magicamente dissolversi tra dune dorate, foreste e lunghe, interminabili spiagge, riflettendo la mutevole luminosità della Costa d’Argento.

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The project in question is Hotel La Co(o)rniche in Aquitania, Pyla sur Mer, facing onto the Atlantic Ocean and at the entrance to the waterfront city of Arcachon, which is closed in the distance by the tip of Cap Ferret. The territory is beautiful and rich, derived from the tides that, according to Starck, who is passionate about the sea “create incredible landscapes that extend almost to the bottom of the ocean”. Here we find the tallest dunes in Europe, which reach a height of 150 meters, a truly spectacular, enchanting phenomenon.

It is no coincidence that one hundred years ago, this area had already attracted the attention of a major entrepreneur, Louis Gaume, who reached the city of Arcachon in 1912. Driven by the success of Pyla sur Mer, which was founded

by Daniel Meller, he promoted Pyla-Plage, a new district that appeared to rest on the dunes, a sort of city that is perfectly surrounded by nature.

Gaume constructed solid neo-Basque homes, with wide arches that protect against the sun. Co(o)rniche was built along the same lines, like a hunting lodge.

In the Spring of 2010, the famous French designer converted the building into a charming hotel with the help of the former rugby player turned landlord, William Téchoueyres, who owns this magical place. To reflect the hamony of this location and its incredible natural beauty, Starck distanced his ideas from the usual luxury and focused on the soul and spirit of this old building.

An old tamarind tree stands-guard over the neo-Basque construction; visitors climb up brick steps and move inside an astonishing entrance which hss been decoated with cement tiles that create a sort of original Persian rug.

Square patches producing aromatic hebs lead the visitors towards the restaurant and a door leads to the reception. Here everything has been preserved in its original state, the furnisture in dark wood, the naif frescos which contrast the sculptures, almost like display units in glass and steel which protect the small treasures. Along the beams, phrases of Amor folle by the surrealist André Breton.

The French artist, Aristide Najean, who has worked with Starck, created a large chandelier in Murano glass which illuminates the stairwell, and on the yellow and black walls, mysterious poetic collages, photographs, postcards, drawings, with suggestions of the works by Jacques Prévert and by Max Ernst.

Hotel Co(o)rniche has 12 bedrooms and 11 of them provide picturesque views which inspired the names (Moulleau, Ferret, Corniche, Banc d’Arguien); all the bedrooms on the first floor have a terrazzo or a balcony.

The style of furnishing is a mixture of holiday home and the exotic of hotel: the bed has been positioned at the center of the room in most cases; the colors on the walls range from white, pale lemon, soft pink – all delicate shades that gently the daylight. The rug carries a few phrases from a book by Victor Hugo.

The restaurant vibrates with marine accents, under the roof of the former oyster farm: glass, planks of white pine wood, a visible kitchen where the stainless steel components shimmer and shine. At the center, a large white marble table lies beneath a crystal chandelier, an ideal place for wedding receptions and parties.

Positioned in front of the Baia d’Arguin, the large infinity swimming-pool appears to dissolve magically into the golden sand dunes, forests and endlessly-long beaches, reflecting the changing luminosity of the Cote d’Argent.

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Nelle pagine precedenti, alcune vedute del ristorante sito in un hangar di un’ex allevamento di ostriche. L’arredo delle camere da letto è una sorta di mix tra ambiente di casa di vacanza e spirito esotico dell’hotel.

On the previous pages, some views of the restaurant inside a former oyster farm. The furnishings in the bedrooms express the idea of a holiday home mixed with the exotic spirit of the hotel.

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MESTRE L’ambiente principale del negozio con prospettive e angolature diverse.

In evidenza in entrambe le immagini l’illuminazione a led incassata nelle mensole e il design dalle linee diamantate che caratterizza gli arredi espositivi. Al centro, le due grandi sedute ovali. In basso, uno scorcio dell’area dedicata agli accessori in vetro extrachiaro e profili in specchio.

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The main area of the store with a range of prospects and angles. Both images show the Led fittings recessed in the shelves and the pattern of the diamondshaped lines that characterize the display units. At the center, the two large oval seats. Below, a shot of the area dedicated to the accessories in extra-clear glass with mirror trim.

CAPPELLETTO txt: Arianna Callocchia/ph: Marco Bosa progetto: Marco Morello, Luciano Bordin – Bordò studio

Un design essenziale ed elegante ha ispirato la volontà di rinnovare l’immagine di un’attività commerciale storica, nel rispetto del lavoro svolto dalla generazione precedente

A clean elegant design was the inspiration behind the plans to revamp the image of a long-standing commercial activity, in full respect of the work performed by previous generations Si presenta così il negozio Cappelletto Calzature di Mestre, in una continuità tra il vecchio e il nuovo, fra la tradizione e la contemporaneità. Il progetto, a firma dello studio padovano Bordò, traduce in chiave contemporanea il concetto di design per calzature portato, per primo a Mestre, dal fondatore di questa storica e rinomata famiglia di commercianti veneti che ha marchiato con il proprio nome una linea di calzature di qualità. Il cliente può muoversi in piena libertà grazie agli ampi spazi e all’ottima organizzazione dei locali così da osservare agevolmente la completa esposizione delle calzature facilitata dalle vetrine aperte e dal design minimale e funzionale. Sedute ovali di color bordeaux, progettate su misura quasi a voler lasciare la firma dello studio Bordò, arricchiscono il negozio e con le loro forme sinuose contrastano le linee rette e le superficie piane degli arredi. Elementi che, oltre a dare un tocco di morbidezza all’ambiente, non creano ostacoli visivi e garantiscono la necessaria fluidità al movimento dei numerosi visitatori e clienti. Per riuscire a far coesistere stile e modernità con le esigenze commerciali, lo studio Bordò ha progettato un negozio dove convivono superfici trasparenti e opache, linee rette e curve, colori chiari e scuri in un mix di spazi e

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materiali differenti. La zona abbigliamento è stata pensata, ad esempio, come uno showroom dove un’ampia tenda in velluto fucsia nasconde l’area dedicata alla prova delle collezioni. Illuminazione a led, acciaio lucido a specchio e vetri incolori contraddistinguono il corner degli accessori per riflettere la luce e valorizzare il prodotto, mentre supporti in laccatura nera lucida e ottone trattato a cera, dal gusto un po’ retrò, caratterizzano il reparto delle calzature per donna. L’ampia zona delle casse, realizzata in vetro nero, è stata studiata in modo da offrire anche uno spazio di lavoro per la realizzazione del packaging di vendita. Una particolare cura caratterizza pure elementi apparentemente secondari come le mensole tanto da differenziarle le une dalle altre.

Quelle presenti sulla parete portante divisoria tra i due ambienti sono disegnate con una forma a diamante sfaccettato e sono laccate con una tonalità di grigio chiaro più scura a decrescere dal basso verso l’alto allo scopo di dare un’idea di leggerezza e creare un seppur minimo effetto di movimento. Per alleggerire la presenza scenica del muro portante e dei suoi 60 cm di spessore, sono stati realizzati elementi scuri nelle aree perimetrali e chiari al centro. La ricchezza nella scelta dei materiali va a caratterizzare anche le finiture e gli arredi: lastre di ottone e laccature nere lucide sono state scelte per gli espositori a terra; acciaio cromato e laccature lucide color tortora per le mensole centrali; parquet in listoni di rovere di terza scelta tinto in teck e trattato a olio posato appositamente con tre larghezze differenti per il pavimento. L’illuminazione è stata studiata accuratamente per presentare al meglio le calzature ed enfatizzare il design degli arredi che sono illuminati al led mentre nelle zone a luce diffusa sono state installate luci a corpi alogeni e a ioduri. Un negozio che rappresenta insomma un luogo particolarmente accattivante dove si assiste al magico incontro tra un design originale e un prodotto made in Italy di grande qualità.

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Planimetria e sezione del negozio progettato dallo studio Bordò. A lato, vista dell’angolo accessori realizzato a nicchie illuminate a led che enfatizzano le trasparenze del vetro extrachiaro e la lucentezza dello specchio.

Layout and section of the store designed

by Studio Bordò. To the side, view of the accessories corner, alcoves that have been illuminated with Led lighting, emphasizing the transparency of the extra-clear glass and the shimmer of the mirror.

This is a brief description of the shoe store Cappelletto Calzature in Mestre. It is a continuation between the old and the new, between tradition and the modern.

The project was designed by the Padua-based studio Bordò, which has translated the concept of shoe design into a modern language. This idea was brought to Mestre for the first time by the founder members of the famous, long-standing family of Venetian traders who gave their name to a brand of quality footwear.

The customers can move around the store easily, thanks to the open spaces and the excellent interior organization. The complete range of footwear is clearly visible in the open display cabinets, which have a minimal, highly-functional design.

Oval, wine-colored seating has been custom-designed to leave Studio Bordò’s mark on the ensemble. The seating adds a luxurious touch to the store and the sinuous shapes contrast the straight lines and the flat surfaces of the other fixtures and fittings. These elements inject a softer touch into the ambience but do not obstruct

the view and guarantee the essential freedom of movement of the numerous visitors and clients. In order to blend the old and the new with business requirements, Studio Bordò designed a store with a series of transparent and opaque surfaces, straight and curved lines, pale and dark colors in a mixture of spatial components and different materials. For example, the clothing department was devised as a showroom where a large drape in fuchsia-pink velvet hides the changing rooms.

Led lighting, highly-polished steel and clear glass identify the corners for the accessories and reflect the light, exalting the products, while wax-polished black and brass support fittings, in a slightly retro style, characterize the ladies department.

The sales counter has been created in black glass and was designed to provide a spacious area for packaging the sales. Special care and attention has been paid to apparently secondary elements such as the shelving which are all different.

The shelves fitted to the partition weight-bearing wall between the two areas have

been decorated with a beveled diamond shape and have been dipped in gray which fades upwards giving the idea of lightness and also injecting a sensation of movement. To lighten the scenic presence of the weight-bearing wall and its 60 cm thickness, darker elements have been added to the peripheral areas and paler ones at the center. The wealth of materials also include the finishes and the furnishings: slabs of polished brass and black glossy lacquer were selected for the floor-level displays; chrome-plated steel and dove-gray gloss lacquer for the central shelving; teak-stained, oil-treated oak parquet slats in three different widths for the flooring.

The illumination was carefully designed to present the footwear at its best and to emphasize the furnishings which have been illuminated with Led fittings; halogen and iodide light fittings have been installed to provide the general lighting throughout. This store is unusually attractive and visitors can witness the magical meeting between original design and top quality products Made in Italy.

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THE HOTEL txt: Paolo Rinaldi progetto: Jean Nouvel

Jean Nouvel aveva già costruito sulle rive del lago di Lucerna un imponente edificio, il Culture and Convention Center. Dobbiamo pensare che si trovasse a suo agio in questa bella città svizzera quando fu chiamato di nuovo a lavorarci a un progetto di albergo, che ha segnato un’epoca di felici invenzioni legate all’arte

Jean Nouvel was already involved in the construction of the impressive Culture and Convention Center on the banks of Lake Lucerne. We have to assume that he felt very much at home in this beautiful Swiss city and was more than happy to accept a new contract for the constructon of a hotel, that marked the era of joyful inventions associated with art

Un suite del The Hotel: a soffitto una scena del film Matador di Almodovar.

Nella pagina a lato, la facciata laterale dell’albergo con tutte le camere illuminate.

A suite in ‘The Hotel’: on the ceiling, a scene from Almodovar’s film, Matador.

On the opposite page, the side facade of the hotel with all of the bedrooms illuminated.

L’albergo, che si chiama semplicemente The Hotel, ha già qualche anno di vita, ma non è invecchiato, come è accaduto ad altri. L’idea che stava dietro a questo albergo di sette piani consisteva in qualcosa che all’epoca fece scalpore e impressionò notevolmente.

Nouvel intese coinvolgere emotivamente l’ospite combinando spiritualità, eleganza e un design rarefatto e tuttavia incisivo. Ma soprattutto volle legare quelle che sono sempre state semplici camere d’albergo al mondo in cui viviamo, al mondo dei sentimenti e delle passioni, attraverso le immagini erotiche dei film di culto. E dove disporle queste immagini se non nel soffitto delle suite, 25 per l’esattezza, dove l’occhio vaga prima di socchiudersi in un sonno riparatore? The Hotel non è soltanto un albergo diverso da tanti altri, soprattutto quelli delle grandi catene che ripetono pedissequamente il proprio stile ovunque si trovino nel mondo; essere diversi non è poi così difficile, ma esserle in maniera intelligente e irripetibile, questo sì è molto difficile. Come è molto difficile descrivere questo albergo se non come, banalmente, un ‘dreamlike hotel’. Soprattutto di notte con tutte le finestre illuminate a mostrare gli affreschi a soffitto, opera di Alain Bony. L’arredo, tutto su disegno, compone armonicamente legno e acciaio, con alcune invenzioni, come l’armadio a torre che bisogna far girare per trovare il lato aperto. I bagni sono stati definiti a ragione “sexy and cool”. Bisogna anche dare atto di fiducia e chiaroveggenza a Urs Karli, l’imprenditore che ha affidato l’operazione a Jean Nouvel. A lui si devono la gestione e scelte decisive come il Bam Bou Restaurant, di cucina francese profumata di spezie asiatiche.

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The name is simply The Hotel; it was built some time ago but does not show the signs of age typical of its contemporaries. The design orientation of this 7-storey hotel was something that cause a stir at the time.

Nouvel aimed to emotionally involve the guests, combining spirituality, elegance and rarefied yet cutting-edge design. But above all, he wanted to connect hotel bedrooms to the outside world, the world of emotions and passions, through the erotic images from classic cult films. And where is the best place for this images if not the ceilings of the 25 suites; a lasting memory before drifting to sleep. The Hotel is different to the large chains that are cloned across the world; and being different is not particularly difficult. The problem lies with creating something unique and intelligent. Describing this as a “dreamlike hotel” comes naturally, particularly at night, when the illumination exalts the wonderful frescos by Alain Bony. The furnishings are all custom designs in wood and steel; some are new inventions, such as the wardrobe tower which must be swiveled to find the opening. The bathrooms are “sexy and cool”. Credit must be given to the clear vision of Urs Karli, an entrepreneur who entrusted the operation to Jean Nouvel. He was responible for the hotel management and the amenity choices such as The Bam Bou Restaurant, which provides French cuisine enhanced with Asian spices.

Da sinistra, in senso orario: la bussola di passaggio dalla reception al bar; il ristorante; una scena dal Casanova di Federico Fellini; un bagno e il bar.

Tutte le suite hanno arredi su disegno e soffitti decorati con scene sensuali tratte da film di culto.

From left, in a clockwise direction: a passageway from the reception to the bar; the restaurant; a scene from Casanova by Fellini; a bath and the bar. All of the suites have been furnished with custom pieces; the ceilings have been decorated with sensual scenes from film classics.

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