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ISSN 1120•9720 - Mensile -TAXE PERCUE (TASSA RISCOSSA). UFFICIO CMP/2 ROSERIO - MILANO. Spedizione in abbonamento postale - 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano DISTRIBUZIONE ME.PE

E 8.00 “Italy only” - F E 14,50 - D E 18,00 - GR E 14,30 P E 15,40 - E E 12,80 - GB GBP. 11,50 - N NKR. 172,00 .S SKR. 170,00 - CH SFR. 23,00 - NL E 19,00.

REALLY.IT SPECIALE NEW YORK AND USA

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FLOU

THESIAPROGETTI


;OL MPULZ[ 4\YHUV .SHZZ www.lamurrina.com export@lamurrina.com


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CONTENTS DDN Design Diffusion News Direttore editoriale/Managing Editor Carlo Ludovico Russo c.russo@designdiffusion.com Direttore responsabile/Editor Rosa Maria Rinaldi r.rinaldi@ddworld.it Progetto graďŹ co e consulenza artistica Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi

NY/Exhibition

NY/Interior NY/Event Arch/USA Really.IT

Around the world

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FederlegnoArredo: B2B Mission Mazzucchelli Flou The new faces of the Flou bed Flexform in Manhattan Designer shopping SigniďŹ cant architecture The future and memory Standard hotels Beyond the Brooklyn Bridge A project by Studio HWKN at the PS1 John Chamberlain at the Guggenheim Dan Flavin at the Morgan Library A new Film Museum Furniture Made in Italy A loft in SoHo A passion for art Goodbye by Cattelan Steven Ehrlich restores Rudolf Schindler Three projects by Holzman Artistic professions The Origins of Fashion Colnago Bikes Sustainable Jewelry by Riccardo Dalisi A tribute to the DDL The Prisma in Milan Podere Bedano by Studio Vittorio Grassi Michele Caniato: Design Broker Design Selection: Outdoor Furniture Eindhoven Design

Cover 3&"--:*5 SPECIALE NEW YORK AND USA

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E 8.00 “Italy only� - F E 14,50 - D E 18,00 - GR E 14,30 P E 15,40 - E E 12,80 - GB GBP. 11,50 - N NKR. 172,00 .S SKR. 170,00 - CH SFR. 23,00 - NL E 19,00.

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Design Diffusion World srl Redazioni/Editorial OfďŹ ces Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5516109 Fax 02/5456803 Internet: www.designdiffusion.com www.designdiffusion.tv E-mail: ddn@designdiffusion.com

Redazione/Editorial staff Manuela Di Mari m.dimari@ddworld.it Production&fashion/lifestyle Laura Galimberti l.galimberti@ddworld.it Francesca De Ponti fra.deponti@ddworld.it Technology&research

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Editorial Spot NY/City Report Cover project Company/Product NY/Showroom Reportage/New York

Realizzazione graďŹ ca Graphic designer Antonietta Scuotri a.scuotri@ddworld.it

Corrispondenti speciali/Special correspondents Luciana Cuomo luciana_cuomo@yahoo.it Future strategies&global markets Cristina Battistella cristina.battistella@gmail.com Monica Pietrasanta monica@pallavicini.it Report Giulia Bruno giulia.bruno.r@alice.it Ecodesign Bradley Wheeler Architecture and design in the USA CoolNewProjects.com

Traduzione/Translation ITS, Monza Olga Barmine Hanno collaborato a questo numero: The following contributed to this issue: Michele Weiss, Cristina Fiorentini, Paolo Rinaldi, Valentina Dalla Costa, Laura Molteni, Alessandro Beltrami, Giulia Bruno, Bradley Wheeler/ CoolNewProjects.com, Elena Plebani, Cristina Molteni

Rosa Maria Rinaldi By Francesca De Ponti with G. Bruno, C. Battistella, L. Molteni, F. De Ponti, M. Weiss, P. Rinaldi, A. Beltrami, C. Molteni Francesca De Ponti Cristina Battistella Monica Pietrasanta Monica Pietrasanta Cristina Battistella Luciana Cuomo Luciana Cuomo Luciana Cuomo Luciana Cuomo Luciana Cuomo Giulia Bruno Alessandro Beltrami Alessandro Beltrami Michele Weiss Michele Weiss Valentina Dalla Costa Michele Weiss Michele Weiss Bradley Wheeler/CoolNewProjects.com Bradley Wheeler/CoolNewProjects.com Giulia Bruno Michele Weiss Michele Weiss Paolo Rinaldi Giulia Bruno Elena Plebani Cristina Battistella Michele Weiss Manuela Di Mari Paolo Rinaldi

Essentia bed manufactured by Flou design by thesiaprogetti photo by Cristina Fiorentini

FLOU

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UfďŹ cio abbonamenti Numero Verde 800/318216 Tel. 02/5516109 Fax 02/5456803

Editorial OfďŹ ce, Osaka Intermedia TS Bldg. 3-1-2 Tenma Kita-ku Osaka, Japan PubblicitĂ /Advertising DDA Design Diffusion Advertising srl Tel. 00816/3571525 Fax 3571529 Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5453009 – Fax Mensile/Monthly magazine 02/54.56.803 n. 185 maggio 2012 UfďŹ cio trafďŹ co/trafďŹ c department Prezzo/Price 8,00 euro Daniela D’Avanzo d.davanzo@ddadvertising.it Stampa/Printer Color Art Via Industriale 24/26 ContabilitĂ /Accounting 25050 Rodengo Saiano (BS) Norberto Mellini Tel. 030/6810155 n.mellini@ddadvertising.it

Fotolito Bitgraph Via Vittorio Veneto 8 20060 Cassina de’ Pecchi (MI), tel. 02/92278515/6/7 Spedizione in abbonamento postale - 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano Reg. Tribunale Milano n./Milan Court Reg.No. 278 del 7 aprile 1990 Printed in Italy )33.s

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Ăˆ vietata la riproduzione anche parziale All rights reserved Testi, disegni e materiale fotograďŹ co non si restituiscono Texts, drawings and photographs will not be returned ddn Prodotto, ddn Report, Showroom e Dall’azienda sono servizi publiredazionali ddn Product, ddn Report, Showroom and Dall’Azienda are all editorial advertising

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MERITALIA SpA tel.+39 031 743100 meritalia@meritalia.it Showroom via Durini 23, 20122 Milano tel. +39 02 76007701 durini@meritalia.it

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ph. Cristina Fiorentini

SPECIAL ON NEW YORK CITY

Non a caso, New York è il polo di attenzione su cui abbiamo concentrato le nostre energie giornalistiche di questo numero. L’occasione e l’incitamento ad approfondire argomenti ‘newyorkesi’ nascono da un incremento del successo del nostro prodotto d’arredo, che fortunatamente acquista sempre più riconoscimento e prestigio presso architetti e pubblico americani. La valorizzazione del Made in Italy trova conferma nell’a- pertura di nuovi showroom italiani monomarca, che ottimizzano conoscenza e distribuzione sul territorio americano. Ve li facciamo conoscere in anteprima, seguiti naturalmente dalla documentazione di loft ed abitazioni in cui il prodotto italiano diventa il protagonista dell’interior design. D’obbligo, a questo punto, una passeggiata visiva e informativa sulle innovazioni culturali e commerciali recenti. Negozi, mostre, musei, strade, architetture, hotel, parchi documentano l’incessante fenomeno di trasformazione, di cui la megalopoli resta unico esempio al mondo. Uno spazio particolare, che vorremmo restasse costante soprattutto nei numeri dedicati ai Paesi dei mercati emergenti, è il Really.it già conosciuto dai no- stri lettori sotto forma di numero speciale. Il gioco di parole, per chi non lo ricordi, riporta immediatamente al concetto di qualcosa di ‘totalmente italiano’, sia design, artigiAnato, food, architettura d’interni e d’esterni, moda, car design. Ancora una volta, la concentrazione dell’argomento potenzia il concetto di un ‘saper fare italiano’ da far conoscere nel mondo. It is no coincidence that New York City is the magnet we have concentrated our energies as journalists on in this issue. The opportunity and encouragement to investigate New York related issues come from the growing success of Italian furnishing products, which, luckily enough, are being increasingly acknowledged and appreciated by the American architects and general public. Testimony to the popularity of Italian design is also provided by the opening of Italian single-brand showrooms, which allow knowledge and distribution to be optimized across America. You can preview them here, while enjoying, obviously enough, material about lofts and homes where Italian-made products stand out as the key ingredient of interior design. A visual and informative walk through the latest cultural and commercial innovations is a must then. Stores, exhibitions, museums, streets, buildings, hotels and parks testify to the changes that are always underway in the megalopolis, as unequalled in any part of the world. Really.it means a special section, which we would like to be repeated – especially in the issues focused on emerging markets –. It is already known to our readers in the form of a special issue. Let us remind those who may have forgotten it, that the pun immediately evokes the concept of something “100% Italian-made”, whether design, crafts, food, interior and exterior architecture, fashion or car design. Our emphasis on the theme strengthens the concept, again, of the Italian know-how, which should be popularized worldwide.

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ORGOGLIOSAMENTE ITALIANA. cucina LiberaMente design Vuesse


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Design Diffusion World

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ALL’ARIA APERTA

Riscaldare e decorare con un unico complemento d’arredo non è più prerogativa solo degli interni: ora con Nature, la gamma di biocamini maisonFire dedicata agli esterni, si può assicurare, durante le mezze stagioni, un po’ di tepore anche in veranda, in terrazza o in giardino. Coccinelle o zebre sul camino-scultura Vulcano (che può essere lasciato bianco) e decoro effetto ‘prato’ per Rigoletto Grass, un modello più contenuto nelle dimensioni. Tutti i biocamini maisonFire funzionano a bioetanolo, non lasciano residui da combustione e sono a libera installazione: infatti, non essendoci bisogno della canna fumaria, sono posizionabili ovunque. www.maisonfire.it L.M.

IN THE OPEN AIR Heating and decorating with one furnishing complement is no longer the prerogative of interiors: with Nature, the range of biofireplaces by maisonFire for outdoor use, you can also warm – during mid-seasons – verandas, terraces or gardens. Ladybirds or zebras on the Vulcano fireplace/sculpture (which can be left white) and “grass-like” decoration for the more compact model, Rigoletto Grass. All of maisonFire’s biofireplaces run on bioethanol, are free from combustion residues and free-standing: since they do not require any chimney, they can be placed anywhere. www.maisonfire.it

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ESSENZIALITÀ MULTIPREMIATA Non ha ancora compiuto due anni di età ma ha già collezionato quattro riconoscimenti. La lampada Archetype di Luceplan si è fin da subito distinta per l’alto contenuto di innovazione associato alla semplicità di forma, concetto richiamato nel nome stesso del modello. La sospensione (con corpo in alluminio e diffusore in policarbonato) contiene una fonte luminosa a Led e si avvita – come se fosse una lampadina – a un cavo con attacco E27. L’idea porta la firma del team di designer danesi Goodmorning Technology. Archetype ha vinto il Red Dot Design Award 2012, è stata nominata Lampada dell’Anno 2012 dalla rivista danese di arredamento Bo Bedre ed è stata selezionata per concorrere alla prossima edizione del Premio Compasso d’Oro ADI e ai D&AD Awards 2012 (Inghiterra). www.luceplan.com Laura Molteni

MULTI-AWARD WINNING SIMPLICITY Although it is not two years old yet, it has already won four awards. The Archetype lamp by Luceplan immediately became synonymous with innovation combined with a simple shape, a concept which is also referred to in the name of the model. The suspension lamp (with an aluminium body and a polycarbonate diffuser) has a built-in LED light source and can be screwed – like a bulb – into an E27 socket. Designed by the Danish team, Goodmorning Technology, Archetype has won the Red Dot Design Award 2012, the ‘Lamp of the Year 2012’ award assigned by the Danish interior design magazine, Bo Bedre, and has been selected for the next edition of the ADI Gold Compass

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bofďŹ .com

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LA PLASTICA SI TRASFORMA

HEINEKEN INNOVATION CHALLENGE La casa produttrice della famosa birra lancia Heineken Innovation Challenge, sfida che vede impegnati designer e creativi al fine di individuare nuove soluzioni eco sostenibili per i suoi packaging. Janna Kyttanen, designer fondatore di FOC, è stato la star nella prima 48 Hours of Live Innovation in Amsterdam. Applicando innovative tecniche di stampa in 3D, ha interpretato con visione personale le linee guida del processo, e cioè condivisione di idee sostenibili sul futuro del packaging della birra, con particolare attenzione a riciclo, trasporto, materiale. Un visual artist, riproducendo sui muri della location i progetti di Kyttanen, ha seguito passo passo il processo creativo del designer, che contemporaneamente interagiva con gli osservatori attraverso i network. Heineken, convinta della possibilità di riduzione dell’impatto ambientale per mezzo di un diverso tipo di imballaggio, propone una competizione che segua anche criteri di flessibilità economica e tecnica. A giugno del 2012 sarà reso noto il vincitore tra i partecipanti più votati sul web e selezionati da esperti in sostenibilità, interni ed esterni all’azienda. www.freedomofcreation.com; www.3dsystems.com Giulia Bruno The well-known brewing company has launched the Heineken Innovation Challenge, with designers and creatives involved in finding new eco-sustainable solutions for its packaging. Janne Kyttanen, designer and founder of the FOC (Freedom of Creation) group, starred in the first edition of 48 Hours of Live Innovation in Amsterdam. Applying innovative 3D printing techniques, he gave a personal interpretation of the guidelines of the process – that is, sharing sustainable ideas about the future of beer packaging, with particular attention to recycling, transportation and materials. A visual artist reproduced Janne Kyttanen’s projects on the walls of the location to follow through the creative process of the designer, who was interacting with the viewers through the networks. They at Heineken, who believe that the environmental impact can be reduced by using a different type of packaging, organize a competition designed to follow, for example, economic and technical flexibility criteria; in June 2012, they will announce the winner among the contestants voted on the web and selected by in-house and outside experts in sustainability. www.freedomofcreation.com; www.3dsystems.com

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Plastic Technologies Award 2012 è il concorso, promosso da Promoplast srl e POLI.design con il patrocinio di ADI – Associazione per il Disegno Industriale, che, nella sua prima edizione, ha visto 122 partecipanti, 12 finalisti e 6 vincitori. Designer e progettisti, sviluppando proposte innovative per la trasformazione delle materie plastiche attraverso lo sfruttamento di sei tecnologie di produzione, hanno potuto prendere contatto con importanti aziende del settore, sponsor dei premi, che decideranno se mettere in produzione i progetti realizzati. Vincitore assoluto è il copri dissuasore in plastica di Santo Denti, mentre gli arredi urbani di Raul Frollà, secondo classificato, sono risultati vincitori della categoria Rotational moulding. Tra i progetti esposti a Milano in occasione di PLAST 2012, il tappeto volante in PVC di Francesco Parodi si trasforma in poltroncina per bambini, il cestino per casa o ufficio di Pietro Perbe facilita la raccolta differenziata comunicandone l’importanza. www.plastictechnologiesaward.it G.B.

TRANSFORMED PLASTICS

In its first edition, the Plastic Technologies Award 2012, promoted by Promoplast srl and POLI.design under the aegis of the Industrial Design Association, ADI, had 122 entrants, 12 finalists and 6 winners. Designers developed innovative ideas for processing plastics through six manufacturing technologies, thereby coming into contact with leading companies, as prize sponsors, which will decide whether to produce the projects. The first-prize winner is the bollard cover by Santo Denti, while the secondprize winner, the urban furnishings by Raul Frollà, was given the Rotational Mounding category award. The projects displayed in Milan in conjunction with PLAST 2012 included the magic PVC carpet – designed by Francesco Parodi –, which can be converted into a kids’ armchair, and the home or office basket – designed by Pietro Perbe –, which facilitates separated waste collection, thereby emphasizing its importance. www.plastictechnologiesaward.it


FIORI IN EQUILIBRIO

Con Leaf Vase basta un bicchiere e dell’acqua per sistemare qualche fiore reciso. Il particolare supporto in silicone si attacca ai contenitori tramite una clip nascosta sul retro e, grazie al suo morbido materiale, non rovina il vetro o la ceramica. Lo studio coreano che lo ha progettato si chiama ‘h,’ (che si legge ‘h comma’). L’intento del gruppo di designer è quello di indagare il rapporto tra oggetto e funzione durante l’utilizzo di tutti i giorni. www.hcomma.com Laura Molteni

BALANCED FLOWERS

L’ARTE SI FA SOSTENIBILE

Artisti di fama internazionale - tra cui Farhan Siki, ELASTIC Group of Artistic Research, Raffaele Iannello, Paolo Rui, Giorgio Lo Cascio – hanno esposto, a cura del regista scenografo Francesco Vitali, numerose opere ispirate ai temi di solidarietà e sostenibilità. La mostra, allestita tra il 25 marzo e il 21 aprile 2012 presso lo spazio Seicentro di via Savona a Milano, fa parte di E’vento green, rassegna multidisciplinare organizzata dalle associazioni culturali milanesi Naeli e Arya e dall’Istituto Nazionale di Bioarchitettura di Milano. L’iniziativa ha previsto anche un percorso interattivo guidato da Vittorio Piaggi di INBAR, in cui spiccano, tra gli altri, il progetto di un parco giochi sperimentale per bambini, la dimostrazione di un’eco illuminazione (Targetti), il giardino sospeso di Elsa Garden. A interagire con i più piccoli ha pensato lo street artist Frode, mentre il Gruppo ELASTIC ha illuminato l’edificio dell’esposizione con una performance audio-video. Le opere esposte sono state donate dagli artisti al Museo dei Bambini di Fossa (AQ) www.mubaq.org. Esempi concreti, dunque, di come l’arte, focalizzandosi sui problemi legati alla natura e alla solidarietà, possa essere di stimolo al cambiamento dello stile di vita delle persone. www.eventogreen.com Giulia Bruno

SUSTAINABLE ART

Internationally famous artists, including Farhan Siki, ELASTIC Group of Artistic Research, Raffaele Iannello, Paolo Rui and Giorgio Lo Cascio, had numerous works inspired by the themes of solidarity and sustainability displayed at an exhibition curated by the director and set designer, Francesco Vitali. Staged at Seicentro, via Savona, Milan, between March 25, 2012, and April 21, 2012, the exhibition was part of the multidisciplinary show, E’vento green, organized by the Milan-based cultural associations, Naeli and Arya, and the National Institute of Bioarchitecture in Milan. An interactive path, guided by Vittorio Piaggi of INBAR, was also set up; it featured, for example, the project for an experimental playground for kids, the demonstration of an ecolighting project (Targetti), and a suspended garden by Elsa Garden. The street artist, Frode, interacted with children; whereas Gruppo ELASTIC lit up the building accommodating the exhibition with an audiovisual performance. The artists donated the works on show to the Kids’ Museum in Fossa (AQ) www.mubaq.org. Real examples of how art can be focused on the problems connected with nature and solidarity, to encourage people to change their lifestyles. www.eventogreen.com

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With the Leaf Vase you just need a glass and some water to deal with cut flowers. The peculiar silicone base can be fastened to any containers through a clip hidden in the back and, based on its soft material, it damages neither glass nor ceramic. It was designed by Korean-based studio, ‘h’ (which should be read as ‘h comma’). It is the designer team’s goal to investigate the relationship between objects and functions during everyday use. www.hcomma.com


ORTI E DINTORNI Nel contesto storico della Villa Reale di Monza, la reggia estiva voluta da Maria Teresa d’Austria per la ‘salubrità dell’aria e all’amenità del paese’, all’interno dei Giardini delle Serre, area generalmente non aperta al pubblico, si svolgerà dal 22 al 27 maggio prossimo il Festival degli Orti. Una manifestazione rivolta a chi produce e a chi consuma: un invito alla corresponsabilità, alla condivisione, all’impegno, alla collaborazione, ma anche alla convivialità sui temi della natura e dell’ecosostenibile. Promosso ed organizzato da Terralab3.0 Associazione di Promozione Sociale, l’evento si articola in cinque sezioni e presenterà una serie di iniziative quali incontri, laboratori didattici per adulti e bambini, performance di maestri della cucina provenienti dal territorio, degustazioni di vini autoctoni e biodinamici, mercati di prodotti a km zero, e molto altro ancora. La sezione ‘orti sensoriali’ presenterà allestimenti ed installazioni mirate a valorizzare l’orto quale tramite di un migliore rapporto tra uomo e ambiente. L’iniziativa, curata da Alessandra Coppa, invita architetti, designer, florovivaisti, giardinieri ed agronomi, insieme alle aziende florovivaistiche, a proporre un allestimento vegetale, in lotti di 5 metri per 5, realizzando un percorso interattivo e percettivo con ortaggi, fiori ed erbe aromatiche, in grado di stimolare tutti i sensi. Il tempo trascorso in un ambiente naturale, il contatto diretto con la terra e i suoi prodotti, possono infatti generare vari benefici per la salute; l’orto può diventare diventare luogo del fare, dove rilassarsi, meditare, contemplare la natura e socializzare. Di conseguenza l’Orto Sensoriale può dare un grande contributo al benessere psico-fisico ed emozionale della persona, in particolare dei bambini, dei malati e dei soggetti più deboli. Nella sezione ‘show cooking’, a cura di Guido Ongaro, una cucina all’aria aperta ospiterà le performance di cuochi che cucineranno piatti con i prodotti dell’orto, valorizzando anche le ricette tradizionali della Brianza; il ‘mercato’ esporrà le realtà locali che coltivano e producono prodotti di qualità e che rappresentano una preziosa risorsa nell’ambito della filosofia del chilometro zero, e offrirà la possibilità di conoscere modalità di acquisto innovative e trasversali, come i Gas (Gruppi di Acquisto Solidali), le fattorie che effettuano vendita diretta e le cooperative del territorio. ‘Vino e territorio’, a cura di Roberta Castoldi, proporrà una serie di degustazioni all’insegna dell’identità e del rispetto del territorio, per conoscere i vini dei produttori che hanno recuperato vitigni autoctoni, scegliendo un metodo di coltivazione biodinamica, nel tentativo di tener vivo il dialogo tra cultura e natura. Inoltre ‘Incontri/Racconti’, a

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cura di Annamaria Mazzola e Roberta Castoldi, affronterà il tema dell’orto con un taglio trasversale, raccogliendo contributi e testimonianze provenienti da diverse realtà culturali e sociali, dall’orto sublime a quello sinergico, dall’orto urbano a quello terapeutico. Infine, la quinta sezione della manifestazione, a cura di Marina D’Alba, prevista durante il week end, sarà dedicata a bambini ed adulti che potranno sperimentare, in modo divertente e curioso, le tematiche di valorizzazione dell’ambiente e dell’alimentazione naturale; nei laboratori didattici i partecipanti si confronteranno sui temi dell’orticultura e della cucina naturale; i bambini si divertiranno con laboratori creativi a loro dedicati, tra cui l’’Ortogiocondo’ e i ‘Colori della Natura’. Inaugurazione aperta al pubblico lunedì 21 maggio, ore 18.00.Il programma completo, con orari ed elenco degli incontri è disponibile sul sito www.terralabtrepuntozero.org Cristina Molteni

VEGETABLE GARDENS AND ENVIRONS Against the historical background of the Royal Villa (Villa Rale) in Monza, the summer residence commissioned by Maria Theresa of Austria because of ‘the healthy air and pleasant place’, the Giardini delle Serre (greenhouse gardens), an area which is generally closed to the general public, host the Festival degli Orti (vegetable garden festival) from May 22 to May 27. The event is open to both producers and consumers: the goal is to encourage joint responsibility, sharing, teamwork as well as conviviality with regard to the themes of nature and eco-sustainability. Promoted and organized by the Social Promotion Association, Terralab3.0, the event is comprised of five sections and features several projects, including meetings, educational workshops for adults and children, performances by local master chefs, tasting of native and biodynamic wine, zero km product markets and much more. The section ‘orti sensoriali’ (sensory vegetable gardens) displays mounting projects and installations aimed at enhancing vegetable gardens as a means for a better relationship between man and the environment. The project, curated by Alessandra Coppa, involves architects, designers, nursery gardeners, gardeners and agronomists, in collaboration with nursery gardening companies, in developing a vegetable set-up, in lots 5x5 m in size, creating an interactive, perceptive

vegetable path with vegetables, flower and aromatic herbs stimulating all the senses. The time spent in a natural environment and direct contact with land and its produce can bring several health benefits, and a vegetable garden can become a dynamic place, where you can relax, reflect, gaze at nature and socialize: a sensory vegetable garden may play a major part in people’s psychophysical and emotional wellness, especially in children as well as in sick and weaker people. In the ‘show cooking’ section, curated by Guido Ongaro, an outdoor kitchen accommodates the performances of chefs preparing dishes with vegetable garden produce, also enhancing the traditional recipes of the Brianza area; ‘mercato’ (market) welcomes local growers of first-rate produce, a major resource within the zero km philosophy, while offering an opportunity to become familiar with innovative, cross purchasing methods, including Solidarity Purchasing Groups (GAS), farms involved in direct selling and local cooperatives. ‘vino e territorio’ (wine and region), curated by Roberta Castoldi, is the name for tastings connected with the identity of, and respect for, the region, to get to know wine by producers who have recovered native vines, choosing a biodynamic growing method, with a view to allowing culture to interact with nature. In addition, ‘incontri/racconti’ (meetings/ stories), curated by Annamaria Mazzola and Roberta Castoldi, deals with the theme of the vegetable garden according to a cross approach, gathering contributions and proofs from different cultural and social backgrounds, from sublime to synergetic vegetable gardens, from urban to therapeutic vegetable gardens. Finally, the fifth section of the event, curated by Marina D’Alba, scheduled for the weekend, is devoted to children and adults, who can test the themes of environment enhancement and natural food with fun and curiosity: in the educational workshops, the participants approach the themes of horticulture and natural cooking, and kids enjoy dedicated creative workshops, including ‘Ortogiocando’ (vegetable garden play) and ‘Colori della Natura’ (the colours of nature). The event kicks off (for the general public as well) on Monday, May 21, at 6:00pm; for the complete programme, including the times and list of the meetings, please check out www.terralabtrepuntozero.org


ECO–PISTE CICLABILI

Si realizzano dal riciclo di pneumatici per auto da smaltire. Antiscivolo, drenanti, resistenti a deformazioni dovute a radici o altro, resistono agli agenti atmosferici, all’attrito e, in caso di cadute, sono meno pericolose dell’asfalto. In più sono economiche, grazie ai bassi costi di realizzazione, di posa – velocissima, a tappeto – e di manutenzione, pressoché nulla. Le produce Ecoplus, azienda che si occupa di produzione di prodotti d’eccellenza per l’arredo urbano. Ecoplus separa la gomma dei pneumatici da acciaio e fibre, la ripulisce, la frantuma e, ricompattando i granuli, ottiene materiali adatti alla pavimentazione di campi per l’atletica, parchi giochi, eventi, piste ciclabili. La pannellatura di un chilometro di pista consente il recupero di 20.000 pneumatici con un risparmio sull’inquinamento non indifferente, se si pensa che in Italia, in un solo anno, il 25% dei 33 milioni di pneumatici da smaltire finisce bruciato in discariche abusive. L’eco-pista a basso impatto ambientale è stata presentata alla IX edizione di ‘Fa la cosa giusta!’, fiera del consumo critico organizzata da Terre di mezzo Eventi, insieme a BES, Bike Energy System, innovativo generatore di corrente a pedali che fornisce energia ad elettrodomestici e computer. www.ecoplus.com; www.socialice.it Giulia Bruno

ENVIRONMENTALLY FRIENDLY BICYCLE PATHS They are obtained from recycled car tyres to dispose of. Antislip, draining, resistant to deformation caused by roots or something else, weathertight, resistant to friction, and, in case of falls, they are not as dangerous as asphalt. What is more, they are cheap, due to the low production, (ultraquick) carpet laying and maintenance costs (they are almost maintenance-free). They are manufactured by Ecoplus, which is involved in the production of outstanding urban furnishings. They at Ecoplus separate tyre rubber from steel and fibres, clean it, smash it, and recompact the granules to obtain materials suitable for paving athletics fields, playgrounds, events and bicycle paths. Panelling one kilometre of a path allows 20,000 tyres to be recycled, which results in significantly reduced pollution: just think that, in Italy, in one year, 25% of the 33 million tyres to dispose of are burnt in unauthorised dumps. The eco-path with a low environmental impact was launched at the 9th edition of the critical consumption fair, ‘Fa la cosa giusta!’ (do the right thing), organized by Terre di mezzo Eventi, with BES, Bike Energy System, a groundbreaking pedal current generator which supplies household appliances and computers with power. www.ecoplus.com www.socialice.it

PEDALATA ECO–CHIC

La bicicletta, classico mezzo di trasporto della provincia italiana ed oggi sempre più usata anche in città, si presenta totalmente fatta a mano e su misura, nonché numerata, con Ribelle by Italia Veloce, atelier parmense noto per la tradizione di produzione ciclistica. Ribelle, con telaio dall’estetica rigorosa, esclusive scelte cromatiche e ruote con spesse gomme atte ad ammortizzare dissesti di strade e centri urbani, ha il manubrio avvolto con lo spago e l’aspetto robusto della bici di un tempo. Tutte le biciclette Italia Veloce possono entrare in un Registro Ufficiale sul web per raccontare la propria intera vita. www.italiaveloce.it G.B.

ECO – CHIC CYCLING The bicycle, a means of transport which is typically used in the Italian province and is becoming increasingly popular in cities as well, is made entirely by hand, customized and even numbered, with Ribelle by Italia Veloce, a Parma-based atelier renowned for its bicycle production tradition. Ribelle, which relies on an aesthetically rigorous frame, exclusive colours, wheels with thick tyres suited to uneven road surfaces and urban centres, and a handle tied up with string, looks as sturdy as old bicycles. All of the bikes manufactured by Italia Veloce can enter an Official Register on the Web to tell about their entire lives. www.italiaveloce.it

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romanoassociati.com

TWINdesign Twin, la prima e unica cabina doccia con abbinato uno spazio di servizio per la collocazione di elettrodomestici e non solo. E l’ambiente bagno si completa con il linguaggio del design.

20843 Verano Brianza (MB) Via Furlanelli, 29 telefono 0362/992244 e-mail: info@vismaravetro.it

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SOLAR ENERGY Michael Young firma Sunstich, orologio alimentato ad energia solare disegnato per il brand di Hong Kong o.d.m. Lanciato in occasione della Basel World Watch Fair, presenta un design minimale ed essenziale. A bassa manutenzione e di lunga durata, è pensato in modo che le sue funzioni possano essere gestite semplicemente sfiorando particolari punti sull’interfaccia touch screen. Sunstich è in grado di operare in modalità sia digitale sia LCA, anche nei giorni nuvolosi, grazie ad una batteria. www.michael-young.com Cristina Battistella Michael Young has designed the solar-powered watch, Sunstich, for the Hong Kong based brand, o.d.m. Launched in conjunction with the Basel World Watch Fair, it relies on minimal, simple design. All the features of this low maintenance, durable watch are managed by simply touching specific points on the interface. Sunstich operates in both digital and LCA mode. Back-up support for cloudy days is also provided by a battery. www.michael-young.com

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PURA FORMA

Nendo presenta Arobo, purificatore d’aria studiato per offrire la purezza della forma sferica nell’utilizzo combinato di aria e acqua. Sfruttando la forza centrifuga dell’acqua che, fatta ruotare in un serbatoio, sale lungo le pareti, Arobo la vaporizza grazie ad una ventola posizionata nel vano superiore. L’acqua non vaporizzata cola lungo le pareti stesse accumulandosi nel serbatoio, da dove viene riutilizzata. La perfetta circolazione dell’aria all’interno del purificatore è garantita dalla distanza fra i fori d’entrata e quelli di uscita. Il look pulito della perfetta forma sferica, risultata essere la più efficiente, è mantenuto dalla posizione nascosta dei punti d’inserimento di cavo elettrico, motore e strumentazione. Arobo è un oggetto che, come vuole l’arte di Nendo, fa riconoscere i ‘piccoli momenti’ del quotidiano. (Foto di Hiroshi Iwasaki). www.nendo.jp Giulia Bruno

PURE FORM Nendo presents Arobo, an air purifier designed to emphasize the purity of the spherical shape in the combined use of air and water, relying on the centrifugal force created by water revolving in a tank to draw the water into the upper compartment, from where a fan vaporizes it into the air. The water that is not vaporized is caught by the sides of the compartment and returns to the tank, from where it is reused. The air’s perfect circulation in the purifier results from the intake and outtake vents, which are a distance from each other. Research into the most efficient form for the water’s circulation determined the purifier’s spherical shape. The entry points for the electrical cord, motor and instrumentation are hidden, for a clean look. Arobo is an object which allows you to recognize the ‘little moments’ of everyday life, according to Nendo’s art. (Photos by Hiroshi Iwasaki). www.nendo.jp


UNA NUOVA SEDE PER PRATIC L’azienda friulana di Dino ed Edi Orioli, specializzata in progettazione provincial road, is protected by an 80-metre long black concrete e produzione di sistemi d’oscuramento per esterni, ha da poco inaugurato la nuova sede operativa e direzionale a Fagagna, in provincia di Udine. Si tratta di un vasto complesso costituito da un volume principale con lo stabilimento produttivo, un corpo che ospita gli uffici, ampio parcheggio, area di carico e scarico delle merci, showroom, luoghi dedicati al ristoro e un’area verde di 33.000 mq. L’opera, dello studio GEZA-Gri e Zucchi Architetti Associati, è stata progettata all’insegna di semplicità, sostenibilità ambientale e inserimento nel paesaggio. Essenziali corpi scuri, rivestiti da serramenti vetrati a tutta altezza e pannelli dalla colorazione viva e cangiante grazie al trattatamento con graniglia di marmo e calcestruzzo neri, diventano segni distintivi per chi viaggia sulla vicina strada provinciale. L’edificio dedicato agli uffici, allineato alla provinciale, è protetto da una trave di 80 metri in calcestruzzo nero dalla duplice funzione, estetica e climatica. Autonoma per la produzione di energia elettrica da fotovoltaico in quantità superiore al fabbisogno dell’azienda, la nuova sede integra gli elementi architettonici con screen solari prodotti dalla stessa Pratic, con evidente miglioramento del benessere ambientale e notevole risparmio energetico. Circondato da montagne e campi coltivati, ingentilito dal giardino tra i fabbricati, con il grande parcheggio leggermente interrato per contenerne l’impatto visivo, il complesso risulta una presenza in equilibrato dialogo con il paesaggio. Geza.Pratic di Mario Carpo, edito Silvana editoriale, con foto di Fernando Guerra, è il volume da poco in libreria voluto dai committenti di Pratic. www.pratic.it Giulia Bruno

NEW HEADQUARTERS FOR PRATIC

The Friuli-based company – owned by Dino and Edi Orioli – which specializes in designing and manufacturing awning systems, recently inaugurated the new operational and administrative offices in Fagagna, in the province of Udine. A large complex composed of a main volume with the factory, a body which accommodates the offices, a large car park, a goods loading and unloading area, a showroom, refreshment areas and a green area of 33,000 square metres. The project, carried out by GEZA-Gri and Zucchi Architetti Associati, is synonymous with simplicity, environmental sustainability and harmony with the landscape. Simply shaped dark bodies, covered with full-height windows and brightly coloured, iridescent panels as the result of treatment with black marble grit and concrete, mean distinguishing features for those driving on the nearby provincial road. The building with the offices, in line with the

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beam which performs a dual function – aesthetic and climatic –. The new headquarters are self-sufficient in the production of electricity – through photovoltaic panels – which exceeds the company’s requirements. In addition, the architectural parts match solar screens produced by Pratic, which translates into markedly improved environmental wellness and significant energy savings. Surrounded by mountains and tilled land, made to look more refined by the garden between the buildings, with the large slightly underground car park designed to reduce the visual impact, the complex achieves a good balance with the landscape. Geza.Pratic by Mario Carpo, published by SilvanaEditoriale, with pictures by Fernando Guerra, is the volume that recently became available in bookshops as the result of a project commissioned by Pratic. www.pratic.it


TRA DESIGN E ARTI APPLICATE

Erwan Boulloud è un designer francese che ha saputo dotarsi di un suo particolare stile, fortemente connotato da un’estetica postmoderna. Una produzione che poco ha a che fare con l’industriale, fatta di legno, vetro, metallo. Erwan arriva infatti dall’École Boulle, celebre istituzione parigina per l’insegnamento delle arti applicate. Lampade e arredi, seppur progettati mantenendo forme rigorose, sono frutto di ricerca e sperimentazione artigianale. Fra i suoi ultimi pezzi presentati, il mobile-scultura AAA: una cassettiera accartocciata su se stessa a causa di una cassaforte che sembra caduta dal piano di sopra. www.erwanboulloud.com Laura Molteni

HOVERING BETWEEN DESIGN AND APPLIED ARTS Erwan Boulloud is a French designer who has developed a peculiar style of his own, based on a post-modern aesthetic. His products are hardly connected with the industrial world; they are made of wood, glass and metal. Erwan was trained at the École Boulle, a well-known institution in Paris, where applied arts are taught. His lamps and furniture, which rely on rigorous forms, are the fruit of research on and experimentation with crafts. His latest pieces include the AAA chest of drawers / sculpture, twisted out of shape by a safe which looks as if it has fallen from above. www.erwanboulloud.com

PIATTAFORMA ANTI CRISI Afajolo.it è la nuova piattaforma web progettata per l’incontro di designer e produttori, dove si possono sperimentare innovativi progetti, trasformando la crisi in opportunità di lavoro. Fondata da Carla Zorzo, giovane designer padovana, Afajolo.it offre un’importante opportunità di scambio e comunicazione, raccogliendo i profili dei creativi registrati, le disponibilità tecniche dei produttori, notizie su materiali, riutilizzi, servizi, organizzazioni di team di lavoro… Kaleydoscopic Analysis for Products, forum per scambio di informazioni fra utenti, è il primo di una serie di strumenti studiati per la diffusione della creatività italiana. Si vuole creare un network open-source in grado di generare nuove attività, completandolo poi con una vetrina per la prevendita dei prodotti realizzati. www.afajolo.it Giulia Bruno

AN ANTI-RECESSION PLATFORM

LUCENTEZZA VS OPACITÀ Vincenzo De Cotiis presenta Gloss Design, vasi oggetto in resina e metallo, perfetti nella ruvida imperfezione data dall’evidenza di tracce del processo di realizzazione. Sono 150 pezzi unici in cui la resina colorata a mano mantiene le impronte della lavorazione in lucenti solchi graffiati. Coppe di ottone argentato riflettente e ottone in lega dall’aspetto invecchiato poggiano sui supporti geometrici in resina in una danza di luci e riflessi. Le forme pure ed essenziali degli oggetti cedono il ruolo di protagonista alla materia dal forte potere evocativo. Dice Marco Tagliaferro, art curator, che qui “l’Arte essenziale mostra la nudità stessa dell’apparire dell’opera e del mondo”. www.decotiis.it G.B.

BRIGHT vs OPAQUE Vincenzo De Cotiis presents Gloss Design, vases/objects made of resin and metal, perfect in their rough imperfection, as resulting from the evidence of signs of the manufacturing process. The collection comprises 150 single pieces, where handcoloured resin shows the mark of the working technique in bright, shallow cuts. Cups made of reflective silver-plated brass and alloy brass with an aged appearance rest on geometric resin supports, producing light and reflection effects. The pure, simple shapes of the objects give way to matter and its unique evocative power. According to the art curator, Marco Tagliaferro, here “essential art shows the plain appearance of the work and the world”. www.decotiis.it

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Afajolo.it is the new web platform developed to allow designers and manufacturers to meet, where innovative projects can be tried out, transforming the crisis into job opportunities. Established by the young Padua-born designer, Carla Zorzo, Afajolo. it means a major chance to exchange information and communicate, collecting the profiles of the registered designers, the manufacturers’ technical know-how, information on materials, reuse, services, organizations of work teams… Kaleydoscopic Analysis for Products, a forum for exchanging information among users, is the first of several instruments designed to promote Italian creativity. The goal is to develop an open-source network capable of generating new business, and then complete it with a showcase for pre-selling the products. www.afajolo.it


SUSTAINABLE FASHION

Al convegno ‘Sustainable fashion: an industry r-evolution’, che nel marzo scorso ha visto impegnati stilisti, designer, esponenti del mondo accademico e industriale italiano e britannico, si è fatto il punto sul tema di sostenibilità, eticità, responsabilità sociale nell’ambito della moda. Promosso da Camera Nazionale della Moda Italiana, Consolato Britannico di Milano con il contributo di ISKO™ e dell’Arts and Humanities Research Council britannico (www.ahrc.ac.uk), il meeting è stato momento di riflessione e approfondimento per arrivare a risultati sempre più positivi nel coinvolgere non solo aziende e ricercatori, ma anche consumatori. Christopher Sainty, Vice Ambasciatore britannico, Mario Boselli e Anna Zegna della Camera Nazionale della Moda Italiana, Fabiana Giacomotti, giornalista e docente all’ Università La Sapienza di Roma, hanno presentato i risultati della Prima Indagine sulla responsabilità sociale e ambientale nel settore della moda attuata da Avanzi, le esperienze innovative di brand rappresentativi a livello globale, come Gucci, Puma, ISKO™, le conclusioni scaturite da case studies aziendali da cui trarre spunto per nuovi modelli di design. Tra gli altri, interessanti il concetto dell’upcycling e la convergenza fra tessile e tecnologia con la produzione di nuovi tessuti, scaturiti dal progetto Textiles Environment Design (TED) del Chelsea College of Art and Design e illustrati dalle relazioni di Rebecca Earley e Dilys Williams dell’University of the Arts London. www.ukinitaly.fco.gov.uk www.cameramoda.it Giulia Bruno

At the meeting ‘Sustainable Fashion: an Industry R-Evolution’, held in March, fashion designers, designers, exponents of the Italian and British academic and industrial worlds discussed the themes of sustainability, ethicality and social responsibility in fashion. Promoted by the National Chamber for Italian Fashion and the British Consulate-General in Milan, with the support of ISKO™ and the British Arts and Humanities Research Council (www.ahrc.ac.uk ), the meeting was an opportunity for meditation and in-depth analysis, with a view to achieving increasingly positive results in involving companies and researchers as well as consumers. Christopher Sainty (British Deputy Ambassador), Mario Boselli and Anna Zegna (of the National Chamber of Italian Fashion) and Fabiana Giacomotti (journalist and lecturer at Università La Sapienza in Rome) presented the results of the first survey of social and environmental responsibility in the fashion world, conducted by Avanzi, the innovative experiences of world-leading brands, including Gucci, Puma and ISKO™, and the outcome of business case studies to rely on to develop new design models. Stress should be laid, for example, on the concept of upcycling and the meeting of textiles and technology, with the production of new fabrics, resulting from the Textiles Environment Design (TED) project, carried out by the Chelsea College of Art and Design and illustrated by the reports submitted by Rebecca Earley and Dilys Williams of the University of the Arts London.www.cameramoda.it

MOBILI SALVASPAZIO Vince il primo premio al ToBeEco di Expo Casa l’originale ‘mobile in movimento’ di Michele Barberio, giovane designer pugliese attento ai problemi di salvaguardia ambientale. Mo.Vi. è complemento d’arredo che da sedia diventa scrittoio, tavolino o addirittura lampada-comodino. La sua camaleontica multifunzionalità lo rende oggetto utile nei piccoli spazi delle case contemporanee, e soprattutto oggetto ecologico (se si pensa che risparmiando spazio si riduce l’impronta umana sull’ambiente). Mo.Vi., di fattura interamente artigianale, è di legno d’abete e pioppo nazionali, da aziende italiane certificate sulla gestione sostenibile del patrimonio forestale, è trattato con vernice atossica a base di acqua e cera ed è illuminato con luce LED. www.xyzfactory.com G.B.

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ROOM-SAVING FURNITURE The original ‘moving furnishing complement’ by Michele Barberio, a young Apulian designer who is aware of environmental protection problems, won first prize at the ToBeEco competition, launched by Expo Casa. Mo.Vi. means a living accessory which can be converted from a chair into a writing desk, a coffee table or even a lamp/bedside table. Based on its multifunctional character, it can be used in the small areas of contemporary homes, and, above all, it is an environmentally friendly object (just think that saving room allows the human impact on the environment to be reduced). Totally handcrafted Mo.Vi. is made of Italian fir and poplar, by Italian manufacturers certified for sustainable forest management, is treated with nontoxic water and wax based paint and fitted with LED lights. www.xyzfactory.com


we love we work we create Tavolo Tetris / design Giuseppe Bavuso Sedie Break / design Enzo Berti

Bross Italia srl Via Cividale - 33040 Moimacco Udine Italy t. 0039 0432 731920 f. 0039 0432 732922 info@bross-italy.com www.bross-italy.com


FRAME MOOOI AWARD 2012 È Bertjan Pot, con la sua lampada Stairway to Heaven, a essersi aggiudicato il primo posto del concorso organizzato dalla rivista olandese di interior design ‘Frame’ e dal marchio di arredi Moooi. Questa scenografica ‘sospensione’ dal nome evocativo è stata ideata per il bar di un teatro a Schiedam, nei Paesi Bassi: una scala a libretto posizionata a testa in giù e ricoperta da una moltitudine di lampadine Led (ben 308!) che ricordano le insegne dei luna park. Il vincitore è stato eletto da Philippe Starck, giudice dell’intera manifestazione, e dunque anche selezionatore dei 10 progetti finalisti. Il bando del concorso è stato lanciato a metà del 2011 con lo scopo di trovare il miglior complemento d’arredo progettato su misura per un interno. Come da regolamento, i lavori ammessi in finale possono ‘vivere’ anche al di fuori del contesto per cui sono stati realizzati. Molti pezzi entrati nella storia del design, infatti, sono stati inizialmente pensati per uno specifico evento, come la sedia Barcelona di Mies van der Rohe, disegnata nel 1929 per l’Esposizione Universale di Barcellona, o la Egg Chair di Arne Jacobsen, realizzata nel 1958 per l’hotel Radisson SAS di Copenhagen. A contendersi il premio di 25.000 euro, 891 designer di 79 paesi che hanno inviato la loro candidatura attraverso il sito framemoooi.com. Laura Molteni Bertjan Pot, with his lamp, Stairway to Heaven, won first prize at the competition organized by the Dutch interior design magazine, Frame, and the furniture brand, Moooi. This scene-stealing “suspension” lamp with an evocative name was designed for the bar of a theatre in Schiedam, Holland: a stepladder hung upside down and covered by a number of LED lights (no less than 308!) reminiscent of funfair signs. The winner was chosen by Philippe Starck, a member of the judging panel of the entire event, and thus one of the selectors of the 10 finalists. The competition was launched in mid-2011 with a view to finding the best customized furnishing accessory for interiors. Under the rules, the works shortlisted for the final can “live” outside the context they have been designed for. Many historymaking designer pieces were initially developed for a certain event; this was the case, for example, with the Barcelona chair by Mies van der Rohe, designed in 1929 for the International Exposition hosted by Barcelona, and the Egg Chair by Arne Jacobsen, designed in 1958 for the Radisson SAS hotel in Copenhagen. No less than 891 designers from 79 countries competed for the 25,000 euros prize, sending their applications through the website framemoooi.com

LA RINASCITA DELLA FOTOGRAFIA ISTANTANEA Impossible Project – lo dice il nome stesso – è un progetto ‘temerario’, che mira a tener viva la memoria dell’universo Polaroid attraverso la produzione di pellicole istantanee realizzate con tecnologie moderne (molti componenti chimici utilizzati originariamente sono ormai fuori produzione). L’idea nasce, in concomitanza dell’imminente chiusura dei vecchi stabilimenti Polaroid – siamo nel 2008 –, dall’incontro di due persone: André Bosman, ex dipendente della fabbrica olandese, e Florian Kaps, manager e artista appassionato di fotografia a sviluppo istantaneo. Giorno dopo giorno sono riusciti a riportare in auge una ‘tecnica’ espressiva amata da grandi artisti e fotografi come Warhol, Mapplethorpe, Araki, Newton, Maurizio Galimberti, e in grado di affascinare ancora le nuove generazioni (non dimentichiamo che fra le ‘app’ più utilizzate per fare fotografie con lo smartphone vi è proprio quella che ripropone l’effetto di una vecchia istantanea). Una rinascita che sta avendo fortuna anche grazie all’entusiasmo di appassionati di tutto il mondo che aiutano il progetto dedicandogli uno spazio nel loro negozio: dagli USA al Giappone, passando per Kuala Lumpur. In Italia accade a Roma, da Ars Imago Gallery, e a Milano, presso la Barbara Frigerio Gallery. In questi Impossible Corner Store si possono trovare nuove pellicole Impossible e rare pellicole Polaroid, macchine fotografiche e libri sull’argomento. Entrambe

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le gallerie d’arte organizzano mostre e workshop sulla fotografia istantanea; un occhio di riguardo va al loro programma di eventi. www.the-impossible-project.com L.M.

REVIVING INSTANT FILM PHOTOGRAPHY Impossible Project – as suggested by the name itself – means a “daring” project, aimed at keeping alive the memory of the

Polaroid world, through the production of instant films made with modern technology (many of the originally used chemical components are now out of production). The idea was conceived, in conjunction with the imminent closing down of the old Polaroid factories – in 2008 –, by two people: André Bosman, formerly employed at the Dutch factory, and Florian Kaps, a manager and artist keen on instant film photography. Day after day, they managed to revive an expressive “technique” loved by such great artists and photographers as Warhol, Mapplethorpe, Araki, Newton and Maurizio Galimberti, and still capable of fascinating new generations (it should be emphasized that the most widely used apps for taking photos with smartphones include the one that reproduces the effect of an old Polaroid). One of the secrets of the success of such revival is the enthusiasm of lovers from any part of the world supporting the project by devoting spaces in their shops: from the US to Japan, including Kuala Lumpur. In Italy, this is the case in Rome, at the Ars Imago Gallery, and in Milan, at the Barbara Frigerio Gallery. In these Impossible Corner Stores you can find new Impossible films and rare Polaroid films, cameras and related books. Both art galleries host exhibitions and workshops on instant film photography; the events staged there are well worth visiting. www.the-impossible-project.com


INTERIOR DESIGN TENDENCE Anche quest’anno Tendence, fiera internazionale dei beni di consumo, presenterà a Francoforte, dal 24 al 28 agosto, le nuove tendenze per la stagione autunno-inverno e il periodo natalizio (oltre ad un’anteprima delle collezioni primavera-estate del prossimo anno). Il settore Living proporrà prodotti eleganti ed emozionali per l’arredo d’interni, mentre al Giving si troveranno articoli da regalo creativi, prodotti di tendenza, lifestyle e gioielli preziosi. Previste anche diverse iniziative collaterali. Talents promuove i giovani designer e creativi del settore jewellery, offrendo l’opportunità di presentare i lavori a un pubblico internazionale e testare idee, progetti e prototipi direttamente con potenziali produttori. Next invece supporta l’ingresso sul mercato di aziende neo avviate orientate al design e alle tendenze. Nei nove padiglioni saranno ospitati espositori come Blomus, Boltze, Drescher, Eichholtz, Gilde Handwerk/Macrander Gruppe, Kare e Scholtissek, così come Alessi, Koziol e Menue A/S per il settore della cultura della tavola. www.messefrankfurt.com; www.tendence.messefrankfurt.com C.B.

MICRO-MEGA

Il fuoco tradizionale, intorno al quale spesso si sviluppa il centro nevralgico della casa, ben si può adattare ai nuovi standard di risparmio ed efficienza energetici con Micro-mega. Un focolare speciale che si distingue per la forma della sua camera di combustione di ridotte dimensioni (micro), comunque capace di regalare un ampio spettacolo (mega) grazie anche ad un gioco di integrazioni nei rivestimenti circostanti. La necessità di integrare stufe e caminetti a legna (fonte rinnovabile e fondamentale risorsa locale) in un sistema di riscaldamento completo, autonomo ed efficiente, ha portato Stûv, marchio Montexport, a concepire e sviluppare μM, Micro-mega. www.montexport.it Cristina Battistella The traditional fire, which is often the nerve centre of the home, can well cater to new energy saving and efficiency standards with Micro-mega. This unique fireplace stands out for the shape of its compact combustion chamber (micro), which can however offer a remarkable performance (mega), on the basis, for example, of built-in effects in the nearby coverings. The need to fit wood stoves and fireplaces (wood is a renewable source and a basic local resource) into a comprehensive, independent, efficient heating system led Stûv, a Montexport-owned brand, to conceive and develop μM, Micro-mega. www.montexport.it

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This year, as in the previous years, the international consumer goods trade fair, Tendence, showcases new trends for the autumn/winter and Christmas periods and also offers a preview of the spring/summer collections 2013, in Frankfurt (24-28 August. The Living area displays smart, emotional interior design products; whereas the Giving area is devoted to creative gifts, trendy products, lifestyles and precious jewels. Several collateral projects also stand out. Talents promotes young designers and creatives active in the jewellery industry, offering them an opportunity to show their works to an international public and test their ideas, projects and prototypes directly with prospective manufacturers. Whereas Next supports newly established, design and trend oriented companies, helping them bring their products into the market. The nine halls accommodate such exhibitors as Blomus, Boltze, Drescher, Eichholtz, Gilde Handwerk/Macrander Gruppe, Kare and Scholtissek, as well as Alessi, Koziol and Menue A/S for the tableware sector. www.messefrankfurt.com; www.tendence.messefrankfurt.com


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Volumi e proporzioni di piani, strutture ed elementi di servizio rispondono ad un preciso progetto in cui materia e forma si fondono in un insieme armonico di rara bellezza.

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SPORT YOUR FOOD. CIBO E ARTE NEL MONDO CONTRO LE BARRIERE

L’importante è partecipare: mai come questa volta il vecchio adagio sul prendere la competizione con filosofia ritrova il suo senso. In occasione dell’IMAFestival, una kermesse che punta a esaltare il talento internazionale di giovani creativi in ambiti diversi, è stata allestita una mostra competitiva itinerante in vista delle imminenti Olimpiadi di Londra 2012 che mette in relazione enogastronomia e sport: ‘Sport your food’ vede protagonisti cinque chef stellati e cinque artisti di fama internazionale che, in coppia, si sfideranno elaborando insolite ricette e nuove video-opere ispirate alle discipline olimpiche. Dopo la prima tappa al Museo della Scienza e della Tecnica di Milano a maggio, la mostra sbarca a New York nel mese di giugno, per poi finire a Londra, a luglio, poco prima del grande evento. Per l’inaugurazione milanese, il 5 maggio, sotto il segno dell’abbattimento delle barriere fisiche e mentali, è andata in scena anche una speciale coreografia di danzatori professionisti abili e diversamente abili, frutto della partnership tra IMAFestival e la compagnia Cie MixAbility, in cui i ballerini, grazie a un Family Dress, un abito collettivo fatto a mano indossato da 21 persone contemporaneamente, si ritrovano legati insieme da un sodalizio più forte di ogni diversità. Progetto di Do-Knit-Yourself, un gruppo di docenti NABA che sperimenta formule di partecipazione legate al ‘fare-a-maglia’ che si ispirano alla performance artistica e all’attivismo, è stato realizzato dagli studenti del corso di Fashion Design diretti da Nicoletta Morozzi. www.sportyourfood.com Michele Weiss

FOOD AND ART IN A WORLD AGAINST BARRIERS

The important thing is to participate: never was the old adage about taking competition with philosophy truer than here. For the IMAFestival, a fair that highlights the international talent of creative young people in various fields, a competitive travelling exhibition that brings food and sport together has been organized in view of the coming 2012 London Olympics: “Sport your food” will feature five starred chefs and five internationally-renowned artists who will pair up to challenge one another, developing unusual recipes and new video-works inspired by the Olympic disciplines. After the first stop at the Museum of Science and Technology in Milan in May, the exhibition will travel to New York in June then go on to London, in July, shortly before the great event. The inauguration in Milan, scheduled for May 5th, will be dedicated to tearing down all physical and mental barriers and will stage a special choreography involving professional non-disabled and disabled dancers, organized by the partnership between the IMAFestival and the Cie MixAbility company, in which the dancers, thanks to a Family Dress, a collective hand-made dress worn by 21 persons at the same time, will be bound together by a bond stronger than any diversity. This project by Do-Knit-Yourself, a group of professors from NABA who experiment with formulas for participation based on “knitting”, inspired by artistic performance and activism, was created by the students of the Fashion Design Programme directed by Nicoletta Morozzi. www.sportyourfood.com

TESSUTI PREZIOSI

Il lino è ricamato con filati lucenti, tramato di juta, intrecciato con strisce di cuoio tecnologico, assoluta novità nel mondo del tessile. Il velluto di lana, confortevole e avvolgente, dialoga con quello marezzato, sontuoso e teatrale, resistente al fuoco. Poi ci sono il velluto jacquard, il piccolo punto di lino e cotone, il tessuto in seta e cotone, in seta e lino… La collezione Dedar 2012 presenta cinquanta nuovi tessuti per oltre quattrocento colori diversi, realizzati con ricercate e inedite tecniche, come quelle usate per i grandi damaschi. Segni semplici, archetipici, ispirati ai costumi dei balletti russi o ai motivi tradizionali giapponesi, piccoli disegni geometrici, eleganti cromie in movimento grazie alla diversa luminosità dei filati: Dedar esplora e reinterpreta la tradizione nella ricerca di sempre nuove sensazioni. www.dedar.com Giulia Bruno

FINE FABRICS

Linen is embroidered with shiny yarns, woven with jute and strips of hi-tech leather, a brandnew material in the textile world. Comfortable, enveloping wool velvet interacts with watered, sumptuous, theatrical, fire-resistant velvet. Then there are jacquard velvet, small-stitched linen and cotton, silk and cotton fabric, silk and line fabric… The Dedar 2012 collection features fifty new fabrics in over four hundred colours, made according to new, refined techniques, like those used for damask. Simple, archetypal signs inspired by the costumes of Russian ballets or traditional Japanese patterns, small geometric designs, smart moving shades of colour resulting from yarns varying in brightness: Dedar explores and reinterprets tradition, while striving for new feelings. www.dedar.com

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DESIGN PLUS TEN Curata dallo stesso Design Museum di Holon, cittadina situata 20 minuti a sud di Tel Aviv, la mostra ‘Designers Plus Ten’ mette a confronto i lavori - due per ognuno dei 42 progettisti israeliani selezionati realizzati a distanza di 10 anni l’uno dall’altro. L’obiettivo, più che esibire gli oggetti, è documentare l’evoluzione dei designer da quando hanno terminato gli studi (anni 2000/2002) ad oggi. Capire il loro metodo di lavoro, da dove prendono ispirazione, quali sfide hanno affrontato e cosa vuol dire essere un designer israeliano. In mostra – fino al 20 maggio – manufatti provenienti dalle aree dell’industrial design, del tessile, della moda, del gioiello e della grafica. Il Design Museum Holon, realizzato da Ron Arad, è stato inaugurato nel 2010. Fa parte di un progetto di riqualificazione urbana che ambisce a far diventare la città un punto di riferimento per il design in tutto il Middle East. www.dmh.org.il Laura Molteni Curated by the Design Museum in Holon, a small town located 20 minutes’ drive south of Tel Aviv, the “Designers Plus Ten” exhibition features two objects for each of the 42 selected Israeli designers, made at intervals of 10 years from each other. The goal is to provide evidence of the designers’ growth – rather than displaying objects –, from the end of their studies (2000/2002) to today. Understanding their working methods, their sources of inspiration, the challenges they have met and what it means to be Israeli designers. On show – until May 20 – are products from the industrial design, textile, fashion, jewellery and graphic design industries. Design Museum Holon, designed by Ron Arad, opened in 2010. It is part of an urban redevelopment project which is aimed at making the city into a benchmark for design throughout the Middle East. www.dmh.org.il

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PARIS CAPITALE DE LA CREATION


RETAIL EXPERIENCE

Nel centro storico di Appiano Gentile, graziosa cittadina sulle colline comasche, ha aperto il primo Blendage Gallery Store. Nato dal desiderio di creare un’esperienza qualificata e originale di variety retail, e caratterizzato da un concept moderno, il nuovo negozio offre una gamma originale, cosmopolita e dinamica di oggettistica, design, arredo, arte ‘accessibile’, design del riutilizzo e modernariato (talvolta suggerito anche dalla stessa clientela). Pensato come un primo prototipo, si distingue per l’originalità del format, che coniuga una ricca varietà di proposte e un’esperienza di retail tipicamente metropolitana. Una miscela originale (blend, quella di profumi, tabacchi o whiskey) che mescola con un suo gusto particolare oggetti diversi, unici o comunque attentamente selezionati. Blendage vuol essere espressione di questo nostro tempo (age, epoca) e del bisogno di nuovi spazi di equilibrio e qualità, complementari rispetto alla distribuzione tradizionale o digitale e ai suoi modelli di fruizione spesso solitari o alienanti, soprattutto per chi sceglie di vivere al di fuori delle metropoli. Articolato su due piani intorno ad una tradizionale corte lombarda in ciotolato, è ricco di angoli e atmosfere invitanti. www.blendage.com Cristina Battistella

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In the historic centre of Appiano Gentile, a lovely town in the hills of the Como area, the first Blendage Gallery Store is now open. The fruit of the desire to provide a unique, first-rate variety retail experience, and based on a modern, characteristic concept, it offers an original, cosmopolitan, dynamic range of objects, design, furnishings, accessible art, reuse-oriented design and modern vintage furniture, as suggested, for example, by its own customer base. Conceived as an early prototype, it stands out for its fresh format, matching proximity with typically urban projects and retail experiences. An original mixture (blends of fragrances, tobaccos or whiskeys) where diverse, one-of-akind, accurately selected objects are combined according to a peculiar taste. Blendage is meant to epitomize our time (age, era) and the need for new balance and quality focused spaces, complementary to traditional or digital distribution and its models of use, which often prove to be solitary or alienating, especially for those who choose not to live in metropolises. The store, which occupies two floors, around a traditional Lombard courtyard with cobblestone paving, has plenty of attractive corners and pleasant atmospheres. www.blendage.com


NIMBUS, IL CIELO IN UNA STANZA NIMBUS, THE SKY IN A ROOM C’è una nuvola in una stanza. È vera, non è un miraggio. Si crea in un istante e in un istante scompare. L’ha realizzata Berndnaut Smilde, 34enne artista olandese (è nato a Groningen nel 1978, vive e lavora ad Amsterdam). Una combinazione misteriosa - Smilde non ha voluto rivelare i segreti del processo - di fumo, controllo della pressione e dell’umidità dell’aria, illuminazione teatrale. La scultura ha sempre ambito a confrontarsi con le dimensioni e le dinamiche della natura. Smilde (sulla scia di artisti come Olafur Eliasson) ribalta il piano e porta il fenomeno naturale (o la sua simulazione) negli spazi dell’arte, dotati di precise coordinate fisiche e concettuali. Nimbus è un’opera fragilissima, effimera per definizione, che esiste solo “in uno spazio di transizione”, come spiega l’artista stesso. “Sono interessato a quel momento di attrito che porta incertezza, alle situazioni in cui è impossibile determinare cosa sta succedendo”. A una prima versione del 2010, realizzata in scala 1:4 per Probe, uno spazio espositivo che esiste solo online, nel febbraio scorso Smilde ne ha fatto seguire una a dimensioni reali per HotelMariaKapel, project space e residenze d’artista ricavati in un edificio del XVI secolo a Hoom (Olanda). Charles Saatchi ha inserito nella propria collezione la fotografia di Nimbus II e la espone nella sua galleria londinese in Out of Focus, fino al 22 luglio. www.berndnaut.nl www.projectprobe.net www.hotelmariakapel.nl Alessandro Beltrami

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There is a cloud in a room. It is real; it is not a mirage. It is formed in an instant; it disappears in an instant. It was made by the 34-year-old Dutch artist, Berndnaut Smilde (born in Groningen in 1978, he now lives and works in Amsterdam). A mysterious mixture – Berndnaut Smilde did not want to reveal the secrets of the process – of smoke, air pressure and humidity control and theatrical lighting. Sculpture has always been aimed at dealing with the dimensions and dynamics of nature. Berndnaut Smilde (following in the footsteps of such artists as Olafur Eliasson) turns the plane upside down and takes the natural phenomenon (or its simulation) into art spaces, with specific physical and conceptual coordinates. Nimbus is an extremely delicate work, ephemeral by definition; it only exists in “transitional spaces”, as explained by the artist himself: “I’m interested in the moment of friction that brings uncertainty, and in such situations it is not possible to determine what exactly is going on”. An early version dating from 2010, made on a 1:4 scale for the online gallery Probe, was followed, in February, by a full-size one for HotelMariaKapel, project spaces and artists’ residences in a 16th century building in Hoom (Holland). Charles Saatchi has included the picture of Nimbus II in his own collection, and has it displayed at his gallery, Out of Focus, until July 22. www.berndnaut.nl www.projectprobe.net www.hotelmariakapel.nl


VIVERE CON I LIBRI

lontani senza alzarci dalla poltrona… ed è tutto lì vicino a noi, in un caleidoscopio di colori e caratteri, diligentemente in attesa sui ripiani, e basta allungare la mano verso lo scaffale per sentirci davvero a casa nostra”. ‘Vivere con i libri’, 150 foto a colori, Mondadori edizioni. www.electaweb.it Paolo Rinaldi

“Riporre un libro dopo averlo letto è un piacere sottile – racconta Margherita Pincioni nell’introduzione al volume di Giuseppe Molteni e Roberta Motta ‘Vivere con i libri’, edito da Mondadori. “Un piacere sottile, quasi sensuale, che ogni lettore conosce bene”. Ma cosa succede poi? Un libro bisogna riporlo, se lo si vuole conservare; e lo si può fare in diversi modi, dai più semplici, l’uno sopra l’altro, per esempio, ai più sofisticati, in mobili attrezzati appositamente, che chiamiamo librerie. In ordine alfabetico, cronologico, emozionale, estetico o spaziale, a seguire l’ultimo letto accanto al precedente. “In ogni caso la libreria svolge più funzioni – precisa Margherita Pincioni – in pratica può configurarsi come una parete attrezzata, un contenitore multiuso, o un diaframma divisorio in grado di suddividere spazi abitativi”. Fino a configurare ambienti esclusivamente dedicati a loro, i libri: ambienti appartenuti a uomini illustri del passato e a studiosi del presente. Giuseppe Molteni, fotografo, e Roberta Motta, architetto, documentano con belle immagini piacevolmente commentate da Margherita Pincioni gli innumerevoli modi di accumulare, disporre, conservare i libri. Le librerie fotografate sono una vasta galleria ricca di spunti da copiare, di ambienti diventati luoghi ideali per la lettura. ‘Vivere con i libri’, documentando librerie monumentali, dal disegno classico, di design contemporaneo e perfino eccentrico, dai rami degli alberi alle cassette per la frutta, corre anche in aiuto dei lettori affamati, pieni di libri che non hanno ancora la loro meritata collocazione. “Con i libri – conclude Margherita Pincioni – ci addentriamo in avventure che la vita non ci riserverà mai… viaggiamo in luoghi

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“Replacing a book after reading it is a subtle pleasure – wrote Margherita Pincioni in the introduction to the volume by Giuseppe Molteni and Roberta Motta, “Vivere con i libri”, published by Mondadori. “A subtle, nearly sensual pleasure, which is well known to every reader”. But what happens then? A book needs to be replaced, if it is to be kept, and this can be done in several different ways, from simpler ones – putting, for example, one on top of each other –, to more sophisticated ones, in specially equipped cabinets, known as bookcases. In alphabetical, chronological, emotional, aesthetic or spatial order, the latest read book following the one read before it. “However, a bookcase performs several functions – wrote Margherina Pincioni –. Indeed, it can be arranged like a fitted panel, a multipurpose cabinet, or a partition to separate living spaces from one another”. You can even shape rooms in such a way as to fully devote them to books: rooms which belonged to famous writers of the past and scholars of the present. The photographer Giuseppe Molteni and the architect Roberta Motta rely on beautiful images pleasantly commented by Margherita Pincioni, to show the countless ways of heaping, arranging and storing books. The photographed bookcases are a large gallery of ideas to imitate, room settings converted into places ideal for reading. “Vivere con i libri” deals with monumental bookcases, with classic, contemporary and even odd designs, ranging from tree branches to fruit crates, also supporting hungry readers, with plenty of books which still need to be properly placed. “With books – wrote Margherita Pincioni – we embark on adventures which life does

not have in store for us… We travel to far-off places, while sitting in our armchairs… And everything is near to us, in a kaleidoscope of colours and characters, diligently waiting

on our shelves; we just have to reach for the shelf to really feel at home”. “Vivere con i libri”, 150 colour pictures, published by Mondadori. www.electaweb.it


GRAPHIC DESIGN – NOW IN PRODUCTION Organizzata dal National Design Museum Cooper-Hewitt di New York City, in collaborazione con il Walker Art Center di Minneapolis, la mostra che riunisce il meglio della produzione grafica dal 2000 arriverà nella Grande Mela il prossimo 26 maggio. In mostra: libri, riviste, cataloghi, poster, immagini coordinate, caratteri tipografici e titoli di film selezionati per la loro capacità di essere all’avanguardia e rompere gli schemi culturali. All’immagine è data sempre più importanza, e in questo senso rientra anche la comunicazione visiva. Se un tempo, infatti, la grafica interessava solo addetti e appassionati, il pubblico, oggi, non è più passivo davanti a un layout; ha delle preferenze. Una sensibilizzazione che deriva dalle interfacce dei software di ultima generazione, dei social media, dei blog. Ma se in alcuni casi le mode creano un appiattimento di idee, nel settore grafico c’è chi è in grado di guardare avanti senza timori, creando innovazione perfino in un semplice accostamento di lettere. La sede di questo evento che celebra la libertà cretiva e di pensiero non sarà quella consueta, a pochi passi dal Museo Guggenheim,: il Cooper-Hewitt, infatti, sta ampliando i suoi spazi e dunque momentaneamente occuperà il Building 110 a Governors Island. Ingresso libero, fino al 3 settembre 2012. www.cooperhewitt.org Laura Molteni

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Organized by the Cooper-Hewitt, National Design Museum, in New York City, in collaboration with the Walker Art Center in Minneapolis, the exhibition that gathers together the best of graphic design production since 2000 kicks off in the Big Apple on May 26. Books, magazines, catalogues, posters, coordinated images, types and film titles selected for their cutting-edge ideas and departure from the cultural norm. Images are playing an increasingly significant role, and visual communication is also part of this process. While graphic design used to interest experts and lovers only, the general public is no longer passive when looking at a layout; they have their own preferences. Such awareness arises from the interfacing of latest generation software, social media, and blogs. Nevertheless, while fashions often result in standardized ideas, in graphic design as elsewhere, someone can look ahead, fearlessly, creating innovation, even by just combining letters. An exhibition celebrating creativity and freedom of thought. The venue of the event will not be the usual one, near the Guggenheim Museum: the Cooper-Hewitt is getting enlarged; so it will temporarily occupy Building 110 on Governors Island. Free admission; until September 3, 2012. www.cooperhewitt.org


TRASPARENZE NATURALI

Linee pulite e forme essenziali per Xenia, la nuova proposta di Drago per i divisori interni. In vetro e legno, è ideale per uffici, ristoranti, centri benessere, negozi e abitazioni. Con grande libertà compositiva, permette di realizzare divisori e pareti su misura per ambienti caratterizzati da eleganza, modernità e trasparenza, cui si combina la sensazione di naturalezza comunicata dal legno massello dei profili. Diverse le essenze e le finiture a poro aperto disponibili: dai toni caldi del rovere tinto cognac al minimalista rovere naturale, dall’affascinante venatura del noce canaletto al più severo colore del rovere tinto wengé. www.dragoitalia.it Cristina Battistella

GRANDMA’S KITCHEN Piatti semplici e gustosi, alla portata di tutti, sono il segreto della cucina di Franco Carlino, chef e proprietario della trattoria La Riviera nel New Jersey. Con il suo stile dedito al ‘cooking with passion and love’, ci accompagna alla riscoperta delle tradizioni e delle antiche ricette italiane, utili anche per condurre una vita moderna migliore e più salutare. Grazie al nuovo angolo con menù speciali per persone celiache, aperto nel 2008, La Riviera consolida il successo, riconosciuto anche dai più importanti quotidiani americani, fino a raggiungere il top tra i Ristoranti Italiani Gluten - Free. www.larivieratrattoria.com C.B.

NATURAL TRANSPARENCY Xenia, Drago’s new solution for internal partitions, relies on neat, simple shapes. Made of glass and wood, it is suited to offices, restaurants, wellness centres, shops and homes. Based on its free arrangements, it makes it possible to customize partitions and walls, thereby resulting in rooms synonymous with elegance, modernity and transparency, matched with a feeling of naturalness as emphasized by the solid wood used for the edges. It is available in several types of open-pore wood and finishes: from the warm shades of cognac-coloured oak to minimalist natural oak, from the charming grain of Canaletto walnut to more austere wenge-coloured oak. www.dragoitalia.it

NATUZZI A NEW YORK Continua ad essere un punto di riferimento il negozio di Natuzzi a New York, situato al numero 101 di Greene Street. Situato in un tipico edifico del quartiere di SoHo, l’elegante store è divenuto ormai un crocevia per visitatori di ogni parte del mondo. Disegnato dal Centro Stile Natuzzi, si estende su due piani collegati da una scenografica scalinata in cristallo illuminato e si distingue per l’accurata scelta dei materiali e degli arredi, pensati per valorizzare al meglio la ricca produzione dell’azienda italiana. www.natuzzi.com Francesca De Ponti A traditional benchmark, Natuzzi’s store, located at 101 Greene Street, New York City, in a typical building of the SoHo neighbourhood, has been drawing visitors from any part of the world. Designed by Natuzzi’s Style Centre, it occupies two storeys connected by a scene-stealing lighted glass staircase, and is synonymous with accurately selected materials and furnishings, designed to optimally enhance the Italian-based manufacturer’s large collection. www.natuzzi.com

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Simple, tasty dishes within everybody’s reach are the secret of Franco Carlino, chef and owner of La Riviera Trattoria in New Jersey. With his style devoted to “Cooking with passion and love”, he allows us to rediscover Italian traditions and old recipes. “La Riviera” relies on a new corner with special menus for celiac diners, opened in 2008, to further consolidate its success – which is also acknowledged by leading American newspapers –, and stand out as a top-end Italian gluten-free restaurant. www.larivieratrattoria.com


HOME MADE

Aiuta a preservare l’ambiente, è funzionale e anche divertente da usare. Il sistema domestico SodaStream per la produzione di bevande gasate è una piccola rivoluzione che dovrebbe entrare in tutte le case, in primis per abbattere drasticamente il consumo di bottiglie usa e getta. L’ultimo modello, SodaStream Source, progettato da Yves Béhar, si caratterizza per la linea essenziale e, pur essendo davvero poco ingombrante, permette di ottenere 60 litri di acqua frizzante con una sola bomboletta di anidride carbonica. Il sistema funziona meccanicamente ed è molto semplice da utilizzare, basta fissare con una piccola spinta l’apposita bottiglia e premere la parte superiore del dispositivo fino al raggiungimento del livello di ‘bollicine’ desiderato. Oltre all’acqua gasata è possibile creare bevande aromatizzate, dalla cola alla limonata, passando per gusti ‘diet’ o energy drink. www.sodastreamusa.com Laura Molteni

It helps protect the environment; it is functional, and also fun to use. The home system, SodaStream, for producing fizzy drinks means a small revolution which should enter everybody’s home, especially with a view to dramatically reducing the consumption of disposable bottles. The latest model, SodaStream Source, designed by Yves Béhar, is based on a simple shape and, despite its remarkable compactness, it allows no less than 60 litres of sparkling water to be obtained with one can of carbon dioxide. The system is operated mechanically and is user-friendly: you just have to slightly push the bottle to fix it, and press the upper part of the device, until the drink fizzes to your taste. As well as making sparkling water, you can also add the flavour of your choice to make your favourite drink, including cola, lemonade, diet sodas and energy drinks. www.sodastreamusa.com

ECO-SOLUZIONI PER FERROVIE SICURE Le ferrovie francesi scelgono rinnovamento del tratto fra Moret/ un’innovativa soluzione per il rinnovamento di un tratto ferroviario. L’installazione del geotessile di lunga durata DuPont™ Typar® SF conferisce sicurezza e basso impatto ambientale nella sostituzione e manutenzione di una massicciata deteriorata. La rete privata RFF e le ferrovie nazionali francesi SNFC, nel programma di

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Veneux-les-Sablons e Lione, utilizzano, per la prima volta su larga scala, il geotessile di DuPont noto per grande resistenza meccanica ed eccellenti prestazioni idrauliche e di filtrazione. Un macchinario multifunzionale, dopo la rimozione delle strutture contaminate, applica il DuPont™ Typar® SF su cui si posizionano nuova massicciata, traversine e binari. Nei tratti che interessano un’area protetta per l’approvvigionamento d’acqua, lungo i sentieri e lì dove automobili e pedoni possono attraversare i binari, è stato usato un tipo di geotessile per pacciamatura, il DuPont™ Plantex® Gold, che, pur mantenendo la permeabilità dell’acqua, rappresenta valida alternativa agli erbicidi altamente inquinanti usati comunemente nella lotta contro le erbe infestanti a rapida colonizzazione. La partnership fra ferrovie e

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DuPont Building Innovation, produttore di entrambi i geotessili, nel preservare e migliorare la qualità di approvvigionamento dell’acqua, la sicurezza di utenti e popolazione locale, ha contribuito al contenimento dei costi e alla gestione positiva dei rischi a lungo termine. www.dupont.com Giulia Bruno

ECO-SOLUTIONS FOR SAFE RAILWAYS The French railways have chosen an innovative solution to upgrade a railway track section. The installation of the durable geotextile, DuPont™ Typar® SF, results in enhanced safety and a low environmental impact in replacing and servicing a damaged ballast. Under the plan for renovating the track section between Moret/Veneux-les-Sablons and

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8-10 maggio 2012

Proposte

9-11 maggio 2012

Solarexpo+Greenbuilding

Verona

10-13 maggio 2012

Rimini Wellness

Rimini

19-22 maggio 2012

ICFF

New York

24-26 maggio 2012

SIDIM

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Cernobbio (Como)

Lyons, the private railway network, RFF, and the French national railways, SNFC, have used – for the first time on a large scale – DuPont’s geotextile, which is famous for its remarkable mechanical resistance and hydraulic and filtration performance. After the affected structures have been removed, a multifunctional machine applies DuPont™ Typar® SF, on which a new ballast, sleepers and tracks are installed. In the track sections found in protected water supply areas, along paths, and where cars and pedestrians are allowed to cross the tracks, they used the mulching geotextile, DuPont™ Plantex® Gold, which maintains water permeability, while functioning as a sound alternative to the highly polluting herbicides that are commonly used to fight rapid colonization weeds. The partnership between the French railways and DuPont Building Innovation, which produces both geotextiles, has been aimed at preserving and enhancing water supply quality, and users and the local population’s safety, thereby helping contain costs and deal with long-term risks. www.dupont.com


MEETING/ARCHITECTS & COMPANIES

FLA. MISSION B2B A NEW YORK ]b ?kZg\^l\Z =^ Ihgmb _hmh ]b <kblmbgZ?bhk^gmbgb FederlegnoArredo organizza una serie di incontri tra le aziende italiane e i principali studi di architettura e progettazione americani. FederlegnoArredo is organizing a series of meetings between Italian manufacturers and the major architectural and design ďŹ rms in America.


Gli Stati Uniti rappresentano da sempre una terra di grandi opportunitĂ  per le aziende italiane. Per questo motivo FederlegnoArredo organizza per i suoi associati una missione imprenditoriale, che si svolgerĂ  dal 20 al 23 maggio 2012, con incontri B2B presso i principali studi di architettura a New York City. Obiettivo dellâ&#x20AC;&#x2122;iniziativa, favorire lâ&#x20AC;&#x2122;instaurarsi di relazioni preferenziali tra le nostre principali realtĂ  imprenditoriali e alcuni dei piĂš grandi player sulla scena del progetto, attivi a livello internazionale sui fronti del residenziale, dellâ&#x20AC;&#x2122;ufďŹ cio e del contract. A Melissa Feldman, giornalista che collabora con diverse testate - tra cui per esempio â&#x20AC;&#x2DC;T Styleâ&#x20AC;&#x2122; del â&#x20AC;&#x2DC;New York Timesâ&#x20AC;&#x2122; e â&#x20AC;&#x2DC;Contractâ&#x20AC;&#x2122;- il compito di fare una sintesi, assieme a Patrizia Malfatti, collaboratrice di FederlegnoArredo, sulle novitĂ  e sulle tendenze presentate durante lâ&#x20AC;&#x2122;ultima edizione de I Saloni. Cosa che garantirĂ  una maggiore attrattivitĂ  allâ&#x20AC;&#x2122;e-

vento e unâ&#x20AC;&#x2122;importante risonanza mediatica. La settimana di ICFF New York è sempre ricca di eventi. Per questa ragione, oltre agli incontri presso le sedi degli studi, il 22 maggio è stata ideata una scenograďŹ ca crociera sullâ&#x20AC;&#x2122;Hudson River, pensata come occasione di rapporto diretto tra architetti e imprenditori. www.federlegnoarredo.it The United States have always been a land of great opportunity for Italian manufacturers. For this reason Federlegno Arredo is organizing a business mission for its members, to be held from May 20 to 23 2012, featuring B2B meetings with the major architectural ďŹ rms in New York City. The goal of this initiative is to establish preferential relationships between our most important companies and some of the major players on the design scene,

who work at the international level in the residential, ofďŹ ce and contract ďŹ elds. Melissa Feldman, a journalist who writes for several newspapers, including â&#x20AC;&#x2DC;T Styleâ&#x20AC;&#x2122; for â&#x20AC;&#x2DC;The New York Timesâ&#x20AC;&#x2122; and â&#x20AC;&#x2DC;Contractâ&#x20AC;&#x2122;, will be responsible for formulating a synthesis, together with Patrizia Malfatti who works with Federlegno Arredo, of the new trends and products shown at the last edition of I Saloni. This will make the event more attractive and offer greater media visibility. he ICFF New York week is chock full of events. This is why, in addition to the meetings with the ďŹ rms in their ofďŹ ces, a scenic cruise on the Hudson River has been conceived and organized on May 22nd as an opportunity to develop direct relationships between the architects and the manufacturers. www.federlegnoarredo.it

PROGRAMMA

PROGRAM

20 maggio Ore 19:30 BrieďŹ ng presso sala privata in un albergo di NYC 21 maggio Ore 10:15 Ritrovo presso la hall di un hotel di Manhattan Ore 10:30 Trasferimento in pullman presso Wilson Associates, 119 Fifth Avenue, 8th ďŹ&#x201A;oor (www.wilsonassociates.com) Ore 11:00-11:45 Presentazione e tour dello studio Ore 11:45-12:15 Presentazione novitĂ  Salone del Mobile 2012 da parte di Melissa Feldman e Arch. Patrizia Malfatti Ore 12:15-13:15 Incontri con architetti e interior designers. Pranzo a buffet Ore 14:00 Trasferimento in pullman presso SOM, 14 Wall street (www.som.com) Ore 15:00-15:45 Presentazione e tour dello studio Ore 15:45-16:15 Presentazione novitĂ  Salone del Mobile 2012, da parte di Melissa Feldman e Arch. Patrizia Malfatti Ore 16:15-17:15 Incontri con architetti e interior designers. Happy hour Ore 18:00 Trasferimento in hotel. Serata a disposizione 22 maggio Ore 10:15 Ritrovo presso la hall di un hotel di Manhattan Ore 10:30 Trasferimento in pullman presso HOK, 1065 Avenue of the Americas, 6th ďŹ&#x201A;oor (www.hok.com) Ore 11:00-11:45 Presentazione e tour dello studio Ore 11:45-12:15 Presentazione novitĂ  Salone del Mobile 2012, da parte di Melissa Feldman e Arch. Patrizia Malfatti Ore 12:15-13:15 Incontri con architetti e interior designers. Pranzo a buffet Ore 14:00 Trasferimento in pullman presso Perkins+Will, 215 Park Avenue South 4th ďŹ&#x201A;oor (www.perkinswill.com) Ore 15:00-15:45 Presentazione e tour dello studio Ore 15:45-16:15 Presentazione novitĂ  Salone del Mobile 2012 da parte di Melissa Feldman e Arch. Patrizia Malfatti Ore 16:15-17:15 Incontri con architetti e interior designers. Happy hour Ore 18:00 Trasferimento a Chelsea Piers Ore 18:30-22:00 Crociera sul ďŹ ume Hudson e cena con architetti ed interior designers (120 persone) su una imbarcazione privata. Ore 22:00 Rientro a Chelsea Piers e trasferimento in pullman in hotel 23 maggio Ore 08:30 Ritrovo presso la hall di un hotel di Manhattan Ore 08:45 Trasferimento in pullman presso Kohn Pedersen Fox Associates, 11 West 42nd Street (www.kpf.com) Ore 09:30-10:15 Presentazione e tour dello studio Ore 10:15-10:45 Presentazione novitĂ  Salone del Mobile 2012 da parte di Melissa Feldman e Arch. Patrizia Malfatti Ore 10:45-11:45 Incontri con architetti e interior designers. Pranzo a buffet Ore 13:00 Trasferimento in pullman presso la sede di AIA (American Institute of Architects), 534 LaGuardia Place (main.aiany.org) Ore 13:30-17:00 Incontri B2B con architetti e interior designers Ore 18:00 Trasferimento in hotel e conclusione

May 20 7:30 PM BrieďŹ ng in the private meeting room of a hotel in NYC May 21 10:15 AM Gathering in the lobby of a hotel in Manhattan 10:30 AM Bus leaves for Wilson Associates 119 Fifth Avenue, 8th ďŹ&#x201A;oor (www.wilsonassociates.com) 11:00 â&#x20AC;&#x201C; 11:45 AM Presentation and tour of the ďŹ rm 11:45 AM â&#x20AC;&#x201C; 12:15 PM Presentation of the new products presented at the Salone del Mobile 2012 by Melissa Feldman and architect Patrizia Malfatti 12:15 â&#x20AC;&#x201C; 1:15 PM Meetings with architects and interior designers. Buffet lunch. 2:00 PM Bus leaves for SOM, 14 Wall Street (www.som.com) 3:00 â&#x20AC;&#x201C; 3:45 PM Presentation and tour of the ďŹ rm 3:45 â&#x20AC;&#x201C; 4:15 PM Presentation of the new products presented at the Salone del Mobile 2012 by Melissa Feldman and architect Patrizia Malfatti 4:15 â&#x20AC;&#x201C; 5:15 PM Meetings with architects and interior designers. Happy Hour. 6:00 PM Return to hotel. Evening free. May 22 10:15 AM Gathering in the lobby of a hotel in Manhattan 10:30 AM Bus leaves for HOK 1065 Avenue of the Americas, 6th ďŹ&#x201A;oor (www.hok.com) 11:00 â&#x20AC;&#x201C; 11:45 AM Presentation and tour of the ďŹ rm 11:45 AM â&#x20AC;&#x201C; 12:15 PM Presentation of the new products presented at the Salone del Mobile 2012 by Melissa Feldman and architect Patrizia Malfatti 12:15 â&#x20AC;&#x201C; 1:15 PM Meetings with architects and interior designers. Buffet lunch. 2:00 PM Bus leaves for Perkins+Will, 215 Park Avenue South 4th ďŹ&#x201A;oor (www.perkinswill.com) 3:00 â&#x20AC;&#x201C; 3:45 PM Presentation and tour of the ďŹ rm 3:45 â&#x20AC;&#x201C; 4:15 PM Presentation of the new products presented at the Salone del Mobile 2012 by Melissa Feldman and architect Patrizia Malfatti 4:15 â&#x20AC;&#x201C; 5:15 PM Meetings with architects and interior designers. Happy Hour. 6:00 PM Bus to Chelsea Piers. 6:30 PM â&#x20AC;&#x201C; 10:00 PM Cruise on the Hudson River and dinner with architects and interior designers (120 people) on a private boat. 10:00 PM Return to Chelsea Piers and bus back to hotel. May 23 8:30 AM Gathering in the lobby of a hotel in Manhattan (currently in the phase of selection) 8:45 AM Bus leaves for Kohn Pedersen Fox Associates 11 West 42nd Street (www.kpf.com) 9:30 â&#x20AC;&#x201C; 10:15 AM Presentation and tour of the ďŹ rm 10:15 â&#x20AC;&#x201C; 10:45 AM Presentation of the new products presented at the Salone del Mobile 2012 by Melissa Feldman and architect Patrizia Malfatti 10:45 â&#x20AC;&#x201C; 11:45 AM Meetings with architects and interior designers. Buffet lunch. 1:00 PM Bus leaves for the headquarters of the AIA (American Institute of Architects), 534 LaGuardia Place (main.aiany.org) 1:30 PM â&#x20AC;&#x201C; 5:00 PM B2B Meetings with architects and interior designers 6:00 PM Return to hotel and conclusion.

Tra gli invitati a partecipare ai B2B ed alla serata in barca/The following ďŹ rms have been invited to participate in the B2B meetings and the evening cruise: )! )NTERIOR !RCHITECTS s 0ERKINS  7ILL s 3KIDMORE /WINGS  -ERRILL s 'ETTYS s (/+ s 'ENLSER s #ANNON $ESIGN s $ESIGN 2EPUBLIC s +OHN 0EDERSEN &OX s 7ILSON !SSOCIATES s 4ONY #HI s 9ABU 0USHELBERG s 4ED -OUDIS !SSOCIATES s &RANCIS #AUFFMAN s --OSER !SSOCIATES s 3WANKE (AYDEN #ONNELL !RCHITECTS s (,7 )NTERNATIONAL s 2OCKWELL 'ROUP s &8&7/,% s -ANCINI $UFFY s .""* s ""' ""'- s -+$! s 2OBERT !- 3TERN )NTERIORS s 0ERKINS %ASTMAN s 7!4' s 345$)/3 !RCHITECTURE s 3TONEHILL AND 4AYLOR s 40' !RCHITECTURE s ))$! s !)! s !3)$ s .EW 9ORK 4IMES -AGAZINE s)NTERIOR$ESIGNs#ONTRACTs$WELL

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REPORT

MAZZUCCHELLI

NASCE M49, LA BIOPLASTICA ECO-FRIENDLY

THE INVENTION OF M49, THE ECO-FRIENDLY BIOPLASTIC ]b <kblmbgZ;Zmmblm^eeZ

Leader mondiale nella produzione del materiale usato per le montature di occhiali, ovvero l’acetato di cellulosa, Mazzucchelli lancia una nuova bioplastica con molteplici e svariate applicazioni in diversi campi, in tutti i mercati dell’oggettistica di design e dell’accessorio moda, dagli occhiali al bijou. In fase di brevetto a livello internazionale, M49® è un acetato di cellulosa – il composto organico più diffuso in natura, estratto dalle fibre del cotone e del legno – che mantiene tutte le caratteristiche estetiche e di performance

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dell’acetato tradizionale ed è compatibile con altri polimeri, quali il policarbonato. Pur integrato da alta tecnologia, è un prodotto esclusivo ancora legato alla manualità della miglior tradizione artigianale. Gli ingredienti sapientemente impastati generano una materia malleabile che, grazie all’esperienza centenaria e al know how, viene plasmata in inimitabili effetti cromatici tridimensionali con notevoli risultati estetico-artistici. Messo a punto nei laboratori di ricerca Mazzucchelli, il nuovo materiale termoplastico eco-friendly ben in-

terpreta le nuove esigenze del nostro pianeta e del mercato. La sua inedita formula prevede un incremento della percentuale di elementi ottenibili da risorse rinnovabili ampiamente diffuse in natura. M49® è riciclabile, può essere rilavorato con diverse tecnologie dando vita a svariati prodotti. Sottoposto ad analisi approfondite presso laboratori specializzati, è stato dichiarato anche biodegradabile al 100%. La sua origine naturale si rivela al tatto con un piacevole ‘effetto caldo e setoso’. www.mazzucchelli1849.it


A world leader in the production of material used for eyeglass frames, cellulose acetate, Mazzucchelli launches a new bioplastic with a large variety of applications in many fields, in all markets from design to fashion accessories, from eyeglasses to jewellery. With a patent pending at the international level, M49® is a cellulose acetate – the most widespread organic composite in nature, extracted from cotton fibres and wood – that preserves all the aesthetic characteristics and the performance of traditional acetate, and is compatible with other polymers such as polycarbonate. Though it includes high technology, this is an exclusive product tied to the handcrafting processes of the finest artisanal tradition. The expertlymixed ingredients generate a malleable material which can be shaped, thanks to the company’s century-old experience and know-how, into inimitable threedimensional chromatic effects with remarkable aesthetic and artistic results. Developed in the research laboratories of Mazzucchelli, the new eco-friendly thermoplastic material interprets the new needs of our planet and of the market. Its innovative formula includes an increase in the percentage of elements that can be obtained from renewable resources widely found in nature. M49® is recyclable, it can be processed with a variety of technologies to create a wide range of products. Extensively tested in specialized laboratories, it has also been ascertained to be 100% biodegradable. Its natural origins may also be felt in its pleasant “warm and silky effect” to the touch. www.mazzucchelli1849.it

La nuova bioplastica M49 di Mazzucchelli presenta un notevole potenziale di sviluppo in tutti i mercati dell’oggettistica di design e dell’accessorio moda, grazie anche agli inimitabili effetti cromatici tridimensionali capaci di garantire elevati risultati estetico-artistici. The new M49 bioplastic by Mazzucchelli offers remarkable potential for development in all the markets of design and fashion accessories, thanks to its unique three-dimensional chromatic effects that guarantee superior aesthetic and artistic results.

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COVER/FLOU

LA VERA ESSENZA DEL DORMIRE THE REAL ESSENCE OF SLEEP ]bFhgb\ZIb^mkZlZgmZ “Pensare e sviluppare un prodotto di design significa tener conto di tutto il ciclo della sua vita dalla nascita alla dismissione, così come delle implicazioni sociali, economiche e ambientali che tutto ciò comporta”. È questo il credo di thesiaprogetti - studio di architettura e design nato dalla collaborazione di Mino Bressan e Donatella Santangelo, oggi coadiuvati da Nicolò Bressan e Sara Passalacqua -, ottimamente applicato al nuovo letto Essentia di Flou, massima espressione di leggerezza e contemporaneità. “Conceiving and developing a designer product means considering every single step of its lifecycle as well as its social, economic and environmental implications”. This is the belief of thesiaprogetti - an architecture and design studio established by Mino Bressan and Donatella Santangelo, who are now assisted by Nicolò Bressan and Sara Passalacqua -, excellently applied to Flou’s new bed, Essentia, synonymous with ultimate lightness and contemporaneity.


Come è nata la collaborazione con Flou? È iniziata nel Luglio del 2011, attraverso un comune conoscente. La proposta progettuale è di thesiaprogetti e Flou l’ha accolta subito favorevolmente apprezzandone concept e design. Da cosa nasce il progetto del letto Essentia? Essentia nasce da un’idea di due giovani designer, ora parte integrante di thesiaprogetti, durante il periodo di stage presso il nostro studio. Il concept del progetto è partito dalla consapevolezza che il riuso, l’essenzialità e il consumo minimo sono gli aspetti base della progettazione, in un’ottica legata ad una visione futura del fare. Abbiamo quindi pensato in termini di semplicità, di quantità minima di materiali, di asassemblabilità e semplicità di dismissione. Il tentativo è quello di ottenere il massimo con il minino. Da questa base concettuale abbiamo valutato possibili idee di artefatti che potessero riassumere, come principio di lavoro, il concetto generale “dalla culla alla culla”, in cui un prodotto semplice ed essenziale, studiato per essere disassemblato, può alla fine del suo ciclo di vita rimettere in uso i materiali di cui è composto. Il risultato è Essentia. Il termine Essentia riassume i concetti di semplicità, leggerezza e versatilità. In che modo li mette in pratica? La semplicità di questo letto è data dai pochi elementi costitutivi che ne determinano la funzionalità. Va oltre gli aspetti formali abbracciando tutto il processo, dal progetto al ciclo di vita del prodotto. La sua leggerezza non è solo legata alla semplice diminuzione di peso, ma anche ad un pensiero magistralmente espresso in ‘Lezioni americane’ di Italo Calvino. Quali materiali lo caratterizzano? Oggetto estremamente semplice, Essentia prevede un tubo metallico verniciato con vernici biocompatibili sia per il ring della base sia per la struttura della testata. Su quest’ultima è tesa una rete (resistente tessuto elastico) tridimensionale ed eco-compatibile che permette di ottenere la morbidezza della testata imbottita. Il piano a doghe è incorporato nella struttura in tondino di ferro che termina con appoggi a terra negli stessi colori del tessuto di rivestimento: bianco, argento e nero. Il letto utilizza pochi materiali, imitando la capacità della natura di ‘progettare e produrre senza spreco’ e di trasformare i rifiuti in nuo-

ve risorse quando un domani, alla fine del suo ciclo di vita, la rete tridimensionale sarà facilmente separabile, i materiali verranno impiegati nuovamente ed Essentia non diventerà il classico ‘mostro ecologico’. A che target si rivolge il letto Essentia di Flou? Esprime un modello di progettazione che tiene conto delle trasformazioni socio-economiche e dei cambiamenti in atto nel sistema ‘abitare’. Nello stesso tempo si caratterizza per l’aspetto giovane, essenziale e nel contempo tecnico. La versione con i Led integrati nella testata, che consentono di leggere a letto, è emozionale. Per tutte queste caratteristiche, Essentia è un prodotto ideale per la fascia ‘entry level’. What is the partnership with Flou the result of? It started back in July 2011, through a common acquaintance. The proposal made by thesiaprogetti was immediately welcomed by Flou, which appreciated both the concept and the design. What is the project for the Essentia bed the fruit of? Essentia is the fruit of an idea developed by two young designers, who are now an integral part of thesiaprogetti, during a training period spent at our studio. The concept of the project was based on the awareness that reuse, essentiality and minimum consumption is the foundation of design, according to a new vision of making. Hence we concentrated on simplicity, minimized consumption of materials, ease of assembly and disassembly. Our goal is to obtain the maximum with the minimum. On the basis of this concept, we considered some feasible ideas for artefacts which could sum up, as a working principle, the general concept “from the cradle to the cradle”, where a simple product, designed to be disassembled, makes it possible, at the end of its lifecycle, to reuse the materials it is made of. This approach has resulted in the Essentia bed. The term Essentia sums up the concepts of simplicity, lightness and versatility. How are these concepts implemented?

The simplicity of this bed arises from its few component parts, which allow for functionality. It goes beyond formal aspects, embracing the entire process, from the design to the lifecycle of the product. Lightness is connected with both reduced weight and a thought masterfully expressed in ‘Lezioni americane’ by Italo Calvino. What are the main materials it is made of? An extremely simple object, Essentia is fitted with a metal tube painted with biocompatible products, for both the ring of the base and the frame of the headboard. The latter accommodates a three-dimensional, eco-compatible net (made of durable stretch fabric) which allows a soft upholstered headboard to be obtained. The slatted base is built into the rod iron frame which ends with floor supports in the same colours as the covering fabric: white, silver and black. The bed uses just a few materials, imitating the ability of nature to ‘design and produce efficiently’, and turn wastes into new resources, when, at the end of the lifecycle, the three-dimensional net can be easily separated, the materials used again and Essentia does not become a classic ‘ecological monster’. What is the target of the Essentia bed, designed for Flou? It epitomizes a model of design where the emphasis is on socioeconomic transformations and the changes that are underway in the ‘living’ system. In addition, it relies on a fresh, simple yet technical appearance. The version with the LEDs built into the headboard, allowing you to read while in bed, is an emotional one. Based on these characteristics, Essentia is ideally suited to the entry level bracket.

Schizzi e fotografie del letto Essentia, design thesiaprogetti. Struttura in tubo metallico verniciato con vernici biocompatibili; testata in resistente tessuto elastico tridimensionale. Sketches and photographs of the Essentia bed, designed by thesiaprogetti. Tubular metal frame painted with bio-compatible products; headboard made of durable three-dimensional stretch fabric.

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COMPANY/PRODUCT

I NOVE VOLTI DI UN LETTO THE NINE FACETS OF A BED ]bFhgb\ZIb^mkZlZgmZ Strutture e testate diversamente personalizzate nelle forme e nelle finiture connotano la nuova collezione di letti e complementi realizzata da Flou. Nove modelli innovativi per comfort e design, capaci di soddisfare le richieste diversificate di un mercato in evoluzione. Frames and headboards in customized shapes and finishes are the key ingredients of Flou’s new collection of beds and furnishing complements. Nine models synonymous with groundbreaking comfort and design, to satisfy the different requirements of an evolving market.


Anche quest’anno Flou ha scelto il palcoscenico del Salone del Mobile di Milano per presentare un ricco ventaglio di prodotti versatili, diversi per gusto e target di riferimento, in risposta alle evoluzioni socio-economiche e alle nuove richieste del mercato, ‘dall’entry level’ al segmento più sofisticato. La tradizionale area dedicata al riposo vede protagonisti nove letti e undici complementi d’arredo firmati dagli affermati designer che da anni collaborano con Flou - quali Carlo Colombo, Rodolfo Dordoni, Emanuela Garbin e Mario Dell’Orto, Pinuccio Borgonovo, Riccardo Giovanetti - e da tre progettisti che per la prima volta disegnano per l’azienda medese: Fabrizio Batoni, Cuno Frommherz, thesiaprogetti. Qualità, sapienza artigianale, tecnologia avanzata e la produzione rigorosamente ‘made and manufactured’ in Italia sono i comuni denominatori di una collezione innovativa, in grado di dare risposte elevate in termini di comfort, design e versatilità. Ermes, il letto firmato da Rodolfo Dordoni, con il largo bordo in massello di noce Canaletto che incornicia la testata e la base, imbottite e rivestite in tessuto, pelle o Ecopelle sfoderabili, propone due diversi tipi di testata: una alta e larga quanto la base e la seconda bassa e allungata ai lati del letto. Realizzati nelle stesse finiture, comodino, settimanale, poltroncina, scrittoio e specchio completano la raffinata camera della collezione Ermes. Ideale come letto a centro stanza, il modello Olivier, disegnato da Emanuela Garbin e Mario Dell’Orto, propone testata e base rivestite in pelle sapientemente lavorata a intreccio o in pelle non lavorata, tessuto o Ecopelle per una camera di lusso discreta. Degli stessi designer è il modello Opera, che rievoca con la testata imbottita, connotata da cuciture verticali, lo stile Art Déco. Sama, design di Cuno Frommherz, è un importante letto matrimoniale ispirato alle linee rigorose degli anni Settanta, con fasce laterali in noce Canaletto che dalla base salgono a formare la testata e racchiudono il rivestimento in tessuto, pelle o Ecopelle. Un design originale definisce la testata, composta da due pannelli lievemente arcuati e separati al centro. Una testata fittamente trapuntata ‘a pinciatura’ personalizza invece il letto firmato da Carlo Colombo. Proposta in due altezze, la testata è rivestibile in tessuto o pelle totalmente sfoderabili, mentre l’alto bordo perimetrale è sempre in pelle non sfoderabile. Ideale espressione del letto tessile, il modello Stilnovo ideato da Fabrizio Batoni invita a sonni tranquilli con la sua

testata imbottita che si rastrema nella parte inferiore, decorata con tre bottoni in metallo brunito o in metallo bronzato. Completa con un letto matrimoniale le versioni poltrona-letto e divano-letto già in collezione il modello Celine di Riccardo Giovanetti, con la confortevole testata dalla forma morbida e arrotondata sui lati. Decisamente innovativo per il concept di thesiaprogetti è infine il letto Essentia in tondino di ferro, sul quale è calzato un particolare tessuto elastico; un modello particolarmente indicato per la fascia ‘entry level’. Il 2012 ha visto, come ogni anno, anche la creazione di una nuova Collezione Tessile Flou, originale nei materiali naturali, nei colori e nelle fantasie. Merita un cenno, infine, la scrivania Juta disegnata da Pinuccio Borgonovo per il segmento della camera dei ragazzi, in aggiunta ai comodini, ai comò e alle cassettiere della stessa serie già in produzione. www.flou.it

Pagina accanto, Stilnovo, design Fabrizio Batoni. Letto tessile con testata imbottita, rastremata nella parte inferiore e decorata con tre bottoni in metallo brunito o in metallo bronzato. Rivestimento sfoderabile in tessuto, pelle o Ecopelle. In questa pagina, Sama, design Cuno Frommherz. Versione con fasce laterali in noce Canaletto che dalla base salgono a formare la testata e racchiudono il rivestimento in tessuto, pelle o Ecopelle. La testata prevede due pannelli lievemente arcuati e separati al centro. Della stessa collezione, comodino a un cassetto con base in acciaio e struttura in noce Canaletto. Top a specchio bronzato o fumé.

Opposite, Stilnovo, designed by Fabrizio Batoni. Textile bed with an upholstered headboard tapering in the lower part, decorated with three burnished metal or bronzed metal buttons. Removable fabric, leather or eco-leather covers. Sama, designed by Cuno Frommherz. Version with Canaletto walnut sides rising from the base to form the headboard and hold the fabric, leather or eco-leather covers. The headboard is composed of two slightly curved panels separate from each other in the middle. Form the same collection, bedside table, designed by Cuno Frommherz. One-drawer bedside table with a steel base and Canaletto walnut frame. Bronzed or smoked mirror top.

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Accanto e sotto, Sanya, design Carlo Colombo. Letto matrimoniale personalizzato dalla testata fittamente trapuntata ‘a pinciatura’. In due altezze, la testata è rivestibile in tessuto o pelle totalmente sfoderabili, mentre l’alto bordo perimetrale è in pelle non sfoderabile. Il mobile settimanale con struttura perimetrale portante in alluminio e MDF, finitura laccata opaca nei colori: bianco, crema, sabbia, bronzo, grigio scuro, nero. In basso, Celine, Riccardo Giovanetti. Base con piano a doghe regolabili disponibile con o senza contenitore salvaspazio. Rivestimento sfoderabile nelle varianti in tessuto, Ecopelle o pelle.

Right and below, Sanya, designed by Carlo Colombo. Customized double bed with a thickly quilted headboard. Available in two heights; the headboard can be covered in fully removable fabric or leather; whereas the high frame is covered in nonremovable leather. Chest of drawers with aluminium and MDF supporting frame. Matt lacquered finish in the colours white, cream, sand, bronze, dark grey and black. Bottom, Celine, designed by Riccardo Giovanetti. Adjustable slatted base, available with or without room-saving compartment. Removable covers in fabric, ecoleather or leather variants.


This year, as in the previous years, they at Flou have chosen the Salone del Mobile in Milan to launch a wide range of versatile products, catering to different tastes and designed for different targets, in response to socio-economic changes and new market requirements, from the entry level bracket to the most sophisticated segment. The traditional sleeping area features nine beds and eleven furnishing accessories developed by established designers who have been working with Flou for several years – including Carlo Colombo, Rodolfo Dordoni, Emanuela Garbin and Mario Dell’Orto, Pinuccio Borgonovo, and Riccardo Giovanetti – and three designers who have worked for the Meda-based company for the first time: Fabrizio Batoni, Cuno Frommherz, thesiaprogetti. Quality, craftsmanship, state-of-the-art technology and Italian made and manufactured products are the common threads throughout an innovative collection, connected with unique comfort, design and versatility. The Ermes bed, designed by Rodolfo Dordoni, with a wide edge made of solid Canaletto wood framing both the headboard and the base, upholstered and covered in removable

fabric, leather or eco-leather, is available with two different headboards: one is as high and wide as the base; the other is low and elongated at the sides of the bed. Supplied in the same finishes, the bedside table, chest of drawers, lounge chair and mirror complement the refined bedroom suite of the Ermes collection. Ideally placed in the middle of the bedroom, the Olivier model, designed by Emanuela Garbin and Mario Dell’Orto, is fitted with a headboard and base covered in skilfully woven leather or unworked leather, fabric or eco-leather, for a discreetly luxurious bedroom. The Opera model, by the same designers, comes with an upholstered headboard, with vertical seams, reminiscent of the Art Deco style. Sama, designed by Cuno Frommherz,

is an imposing double bed inspired by the rigorous shapes of the 1970s, with sides made of Canaletto walnut rising from the base to form the headboard and hold the fabric, leather or eco-leather covers. The peculiarly designed headboard is composed of two slightly curved panels, separate from each other in the middle. The bed designed by Carlo Colombo is enhanced by a thickly quilted headboard, available in two heights, and covered in fully removable fabric or leather; whereas the high frame is covered in nonremovable leather. The Stilnovo model, designed by Fabrizio Batoni, ideally typifies textile beds, encouraging peaceful sleeps, with its upholstered headboard tapering in the lower part, decorated with three burnished metal or bronzed metal buttons. The Celine double bed, designed by Riccardo Giovanetti, has joined the armchair/bed and sofa bed versions, which were already available in the collection; it is fitted with a comfortable, softly shaped headboard with rounded sides. The concept developed by thesiaprogetti for the Essentia bed, made of rod iron, definitely stands out as innovative; covered with a peculiar stretch fabric, it is particularly suited to the entry level bracket. Like every year, 2012 has witnessed the creation of a new Textile Collection by Flou, based on original natural materials, colours and patterns. Finally, stress should also be laid on the Juta desk, designed by Pinuccio Borgonovo for the kids’ bedroom, in addition to the bedside tables and chests of drawers of the range that is already in production. www.flou.it

In alto, Olivier, design Emanuela Garbin e Mario Dell’Orto. Nella versione con testata e base rivestite in pelle lavorata a intreccio o in pelle non lavorata, tessuto o Ecopelle. Struttura in acciaio con piedini in alluminio verniciato color bronzo. Sotto, Ermes, design Rodolfo Dordoni. Un bordo in massello di noce Canaletto incornicia la testata e la base del letto, imbottite e rivestite in tessuto, pelle o ecopelle sfoderabili, con cuciture sartoriali. Tavolino con base in acciaio laccato bianco, top in marmo bianco di Carrara, bordo in massello di noce Canaletto con finitura lucidata in colore tradizionale o naturale.

Top, Olivier, designed by Emanuela Garbin and Mario Dell’Orto. In the version with headboard and base covered in woven leather or unworked leather, fabric or eco-leather. Steel frame with bronze-coloured aluminium feet. Below, Ermes, designed by Rodolfo Dordoni. An edge made of solid Canaletto walnut frames both the headboard and the base of the bed, upholstered and covered in removable fabric, leather or eco-leather, with fine seams. Ermes coffee table, designed by Rodolfo Dordoni. White lacquered steel base, white Carrara marble top, solid Canaletto walnut edge polished in a traditional or natural colour.

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NY/SHOWROOM

In Uptown NY, Flexform apre il nuovo showroom monomarca. In Uptown New York, Flexform opens its new single-brand showroom.


FLEXFORM

IN MANHATTAN ]b <kblmbgZ;Zmmblm^eeZ _hmh HldZk EZg]b Il nuovo showroom monomarca è destinato a diventare uno dei punti di riferimento più importanti d’oltreoceano per l’azienda. The prestigious new single-brand showroom is destined to become one of the most important points of reference overseas for the company.

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In una delle strade più rinomate di New York per il design Made in Italy, Flexform apre il nuovo showroom monomarca. In uno spazio arioso, luminoso, contemporaneo, l’azienda espone il meglio della propria produzione secondo un format espositivo consolidato, in grado di trasferire la sua idea di living e di lifestyle. Una serie di isole organizzate attorno ai prodotti best-seller – Grandemare, Groundpiece, Softdream, Magnum, Long Island – raccontano il modo unico con cui Flexform concepisce la zona living: attorno ad un pezzo forte ruotano con grande armonia e coerenza una serie di altri elementi d’arredo, poltroncine, tavolini, piccoli complementi, librerie e lampade. L’azienda, che conta già su un radicato consenso in USA, ha fortemente voluto questo spazio. “New York rappresenta uno dei punti di riferimento internazionali più importanti per l’arredamento, assieme a Londra, Milano e Parigi - spiega Matteo Galimberti, Communication Manager Flexform -. È indispensabile essere presenti con uno spazio strategico dedicato in esclusiva alla presentazione delle proprie collezioni, un punto di partenza per la diffusione dei monobrand”. L’azienda ha quindi deciso di investire nuove risorse e rinnovate energie in questo ambi-

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zioso progetto: ha coronato anni di successi sul mercato americano con l’apertura di una società Flexform NY che gestisse il nuovo showroom, confidando nella professionalità del partner locale. David Levy, proprietario dell’unico Flexform monomarca in USA al momento, crede fortemente nell’ulteriore sviluppo del marchio nel mercato statunitense e, in particolare, nell’attenta ed esigente sensibilità del pubblico della ‘grande mela’ verso il design Made in Italy. “Gli americani - secondo Antonella Cremonesi, agente Flexform USA - apprezzano i valori su cui il brand ha costruito la propria reputazione nel mondo, ovvero comfort, eleganza e qualità, ma anche i dettagli artigianali, il 100% Made in Italy e i materiali (cuoio, camoscio) che rendono i prodotti molto sofisticati”. “I nostri divani – aggiunge - sono riconosciuti come i più comodi fra i divani Italiani presenti in USA e, grazie al design, si sposano bene con qualsiasi tipo di casa e ambiente”. “Infatti - conclude - l’interpretazione del design ‘moderno’ di Flexform è molto invitante, non intimidisce. I nostri prodotti invogliano a sedersi, a rilassarsi e ad essere usati nella vita di tutti i giorni: non sono ‘oggetti di design’ da tenere in casa e solo da guardare, ma sono da vivere”. www.flexform.it

Nel nuovo spazio a New York, Flexform racconta la sua idea di living e lifestyle esponendo i best-seller. Di fianco e sotto, divano Feel good, progetto Antonio Citterio, e tavolino Vienna in legno, design Centro Ricerche Flexform. In the new space in New York, Flexform illustrates its idea of living and lifestyle in the display of its best-sellers. Across and below, the Feel good sofa, designed by Antonio Citterio, and the Vienna coffee table made out of wood, design Centro Ricerche Flexform.


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All’interno dello showroom: divano letto Winny, design Guido Rosati, e poltroncina Caroline ideata dal Centro Ricerche Flexform (in alto); due progetti di Antonio Citterio, il divano Grandemare (qui sopra) e la libreria Infinity (di fianco), sistema di contenitori modulari in metallo con infinite possibilità compositive, dove i vuoti e i pieni si completano armonicamente. Inside the showroom: the Winny sofa-bed, design Guido Rosati, and the Caroline armchair conceived by the Centro Ricerche Flexform (at top); two projects by Antonio Citterio, the Grandemare sofa (above) and the Infinity bookcase (across), a system of modular metal storage units with an infinity of possible compositions, where the solids and voids create a harmonic whole.

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In one of the most famous streets of New York for design Made in Italy, Flexform inaugurates its new singlebrand showroom. In an airy, bright, contemporary space, the company displays the best of its production in a consolidated exhibition format that conveys its idea of living and lifestyle. A series of islands organized around their best-selling products – Grandemare, Groundpiece, Softdream, Magnum, Long Island – exemplify the unique way that Flexform conceives the living area: a powerful piece provides the centre around which rotate a series of other elements such as armchairs, coffee tables, accessories, bookcases and lamps. The company, which can count on a firm

consensus in the USA, was determined to create this space. “New York represents one of the most important international points of reference for furniture, along with London, Milan and Paris. It is essential to be represented there with a strategic space dedicated exclusively to the presentation of your own collections, a starting point for the diffusion of singlebrand stores”, explains Matteo Galimberti, Communication Manager for Flexform. The company therefore decided to invest new resources and renewed energy into this ambitious project: it has crowned years of success on the American market with the opening of a new company, Flexform NY, which will manage the new showroom, relying on the professional


contribution of the local partner. David Levy, owner of the only Flexform singlebrand store in the USA at the moment, is a firm believer in the growth of this brand on the American market and, in particular, in the conscientious and demanding sensibility to Italian design of the public in New York. “Americans”, according to Antonella Cremonesi, the US agent for Flexform, “appreciate the values on which the brand has built its reputation in the world, which are comfort, elegance and quality, but also handcrafted detailing, 100% Made in Italy and the materials (leather, suede) that make our products so sophisticated”. “Our sofas”, she adds, “are recognized as being among the most comfortable Italian sofas

on the American market and thanks to their design, they can fit into any type of home or space”. “In fact”, she concludes, “Flexform’s interpretation of ‘modern’ design is very inviting, not intimidating. Our products make you want to sit down and relax, and to live with them every day: they are not ‘design objects’ to keep at home and just look at, they are there to be experienced”. www.flexform.it

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Momenti dell’inaugurazione dello showroom newyorkese Flexform. In alto, al microfono Michael Boodro, direttore Elle Decor USA, media partner della serata. Qui sopra, ancora al microfono: a sinistra, Giuliano Galimberti, export sales manager Flexform; a destra, David Levy, CEO Flexform NY. Di fianco, da sinistra: Elisa Velluto, EVDS PR e Flexform PR manager; Matteo Galimberti, communication manager Flexform; Daniela Sarracco, partner EVDS PR.

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Snapshots of the inauguration of Flexform’s New York showroom. At top, at the microphone Michael Boodro, director of Elle Decor USA, media partner for the evening. Above, again at the microphone: at left, Giuliano Galimberti, export sales manager of Flexform; at right, David Levy, CEO Flexform NY. Across, from left: Elisa Velluto, EVDS PR and Flexform PR manager; Matteo Galimberti, communication manager for Flexform; Daniela Sarracco, partner EVDS PR.


Qui sotto. In piedi da sinistra: Matteo Galimberti, communication manager Flexform; Amir Levy, general manager Flexform NY; Saul Galimberti, responsabile UfďŹ cio Tecnico. Seduti, da sinistra: David Levy, CEO Flexform NY; Pietro Galimberti, sales manager; Giuliano Galimberti, export sales manager Flexform. In centro, da sinistra: di nuovo Saul Galimberti e Matteo Galimberti insieme ad un ospite. Nelle altre immagini, ancora spiti presenti allâ&#x20AC;&#x2122;inaugurazione.

Below. Standing from left: Matteo Galimberti, communication manager Flexform; Amir Levy, general manager Flexform NY; Saul Galimberti, manager of the technical department. Seated, from left: David Levy, CEO Flexform NY; Pietro Galimberti, sales manager; Giuliano Galimberti, export sales manager Flexform. At centre, from left: again Saul Galimberti and Matteo Galimberti with a guest. In the other pictures, guests at the inauguration.

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NEW YORK

Il cubo di vetro dellâ&#x20AC;&#x2122;Apple Store, Fifth Avenue, icona dello shopping newyorkese. The glass cube of the Apple Store on Fifth Avenue, an icon of shopping in New York.


DESIGN & ARCHITECTURE ITINERARIES ]b En\bZgZ<nhfh _hmh <kblmbgZ?bhk^gmbgb


In questa pagina, l’Apple Store ha uno dei più alti fatturati al mondo ed è uno dei luoghi cult della Grande Mela. This page, the Apple Store has one of the highest volumes of sales in the world and is one of the cult spots in New York.

SHOPPING FIRMATO DESIGNER SHOPPING Grandi firme per grandi brand nella shopping experience newyorkese. Big names for big brands in the New York shopping experience.

Doppia firma in questo shopping tour newyorchese: una per il contenuto e l’altra per il contenitore. Entrambe radicate intorno ai forti concept che caratterizzano i flagship stores di importanti brand internazionali. Sulla 5th Avenue si inseguono il grande cubo di vetro del mitico Apple Store, tornato di recente alla ribalta per avere venduto la spettacolare cifra di 13mila iPad in sole 12 ore, a partire dalla giornata di debutto del nuovo modello. Il grande cubo è l’Apple Store dei record, non solo per essere uno dei negozi con il più alto fatturato per metro quadro al mondo, ma uno dei luoghi più visitati e fotografati della Grande Mela. Altro cult store sulla 5th avenue, è il Flagship di Hollister, preso di mira da gruppi di teen agers tra i 14 e i 18, che affidano all’appeal del brand il successo di un abbigliamento casual e di una ispirata immagine south californian. Per chi non sapesse, Hollister è un brand del gruppo Abercrombie&Fitch, che sta esportando nelle capitali europee il successo originale. In contatto con il SoCal lifestyle

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theme, la facciata dello store esibisce in proiezione ininterrotta di live video le onde di Huntington Beach, California. Non teme il tempo l’Armani 5th Avenue, il terzo flagship firmato da Doriana e Massimilano Fuksas, dopo i primi di Hong Kong e Tokyo Ginza. La garanzia di durata e il plus derivano dalla creatività di un brand che ha saputo trovare la giusta invenzione scenica, intorno a cui articolare i 4 piani delle collezioni. Il nucleo progettuale ed energetico dello store sta nella scala di collegamento tra i piani, realizzata in Italia, in acciaio rivestito in materiale plastico, che ne evidenzia l’aspetto scultoreo. Un elemento autonomo, non traducibile in geometria semplice, che origina un vortice di grande dinamismo attorno a cui fluisce l’universo Armani. Grandi firme per grandi brand in SoHO, quartiere generoso di spazi adatti alla shopping experience. Continua il successo di Alessi Store in Green Street, garantito dalla firma di Asymptote. Hani Rashid ha saputo dar forma al duplice imput di unire il coffee bar, primo e unico di Alessi nel


mondo, con le funzioni basiche del retail. E anche ha saputo integrare il brand con lo spirito del luogo. Un forte contributo viene dall’unicità dell’autore che sta dietro ad ogni elemento dello spazio. Hani Rashid ha disegnato tutto, dalla grafica al packaging e da questo alle tazze di carta, e il potere dell’illuminazione esalta tutti gli elementi unificandoli simultaneamente all’interno di uno spazio contenuto. Forte concept di progetto anche nel B&B Italia showroom in Greene Street. Grazie alla fusione delle tipologie di home, lounge e showroom, il loft classico e ben proporzionato del top brand italiano diviene uno scenario dinamico per le collezioni contemporanee di B&B Italia e di Maxalto. Progettato da Gabellini SheppardAssociates come un laboratorio “living and changeable” per l’incubazione di nuove idee, lo showroom presenta un’identità grafica e contemporanea felicemente sintonica a questo brand progressivo, in continua evoluzione. Ancora in SoHo, lo studio SANAA, Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa, autore del New Museum della Bowery, ha firmato il successo, a pochi blocchi di distanza, della boutique del fashion designer Derek Lam. Pavimenti di cemento grigi, mattoni imbiancati alle pareti e, soprattutto, una serie di stanze ovali trasparenti in acrilico per le diverse collezioni. Il tutto, all’interno di un building ottocentesco. L.C. In alto, l’interno dell’Apple Store progettato da Bohlin Cywinski Jackson. Qui sopra, lo showroom Axor NYC, nel Meatpacking District, ha aperto al secondo piano del Vitra store sulla 29 Ave.

At top, the inside of the Apple Store designed by Bohlin Cywinski Jackson. Above, the Axor NYC showroom, in the Meatpacking District, has opened on the second floor of the Vitra store on 29th Ave.

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Twin signatures in this shopping tour around New York: one for the content and the other for the container. Both rooted in the strong concepts that characterize the flagship stores of important international brands. On 5th Avenue, the pace is set by the great glass cube of the legendary Apple Store, recently in the headlines for having sold the spectacular amount of 13 thousand iPads in only 12 hours, on the day the new model made its debut. The big cube is the record-setter of Apple Stores, because it has one of the highest sales-per-square-meter ratios in the world, but is also one of the most frequently visited and photographed tourist stops in New York. Another cult store on Fifth Avenue is the Hollister Flagship store, overrun by groups of teenagers between the ages of 14 and 18, who attribute the brand’s appeal to the success of its casual wear inspired by the image of southern Californian. For anyone who is not familiar with it, Hollister is a brand of Abercrombie&Fitch, which is taking its original success to the European capitals. Reflecting the SoCal lifestyle theme, the façade of the store features a projection of uninterrupted live videos of the waves on Huntington Beach, California. Armani 5th Avenue, the third flagship store designed by Doriana and Massimiliano Fuksas, after Hong Kong and Tokyo Ginza, appears timeless. The guarantee of longevity and that extra touch derive from the creativity of a brand that has found just the right scenic invention around which to organize the 4 floors of the collection. The core of design and energy in the store lies in the staircase connecting the floors, made in Italy out of steel clad in plastic, which highlights its sculptural aspect. An independent element, which cannot be translated into simple geometry, it generates a

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powerful dynamic vortex around which the Armani universe swirls. Big names for the great brands in SoHo, a district with a large number of spaces suitable for the shopping experience. The popularity of the Alessi store in Green Street, guaranteed by the design of Asymptote, is undiminished. Hani Rashid has given form to the double input of the brief which required combining the coffee bar, the first and only one by Alessi in the world, with the basic retail functions. And it has also been successful in integrating the brand with the spirit of the place. An important contribution comes from the unique qualities of the author who is responsible for each element of the space. Hani Rashid designed everything, from the graphics to the packaging to the paper cups; the power of the lighting enhances all the elements and unifies them within a contained space. A strong design concept also underlies the B&B Italia showroom in Greene Street. Fusing the typologies of home, lounge and showroom, the classic well-proportioned loft of this leading Italian brand becomes a dynamic scenario for the contemporary collections of B&B Italia and Maxalto. Designed by Gabellini Sheppard Associates as a “living and changeable” laboratory for incubating new ideas, the showroom features a contemporary graphic identity that lives happily in harmony with this progressive constantly evolving brand. Also in SoHo, the firm SANAA, Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa, the authors of the New Museum in the Bowery, decreed the success of fashion designer Derek Lam’s boutique just a few blocks away. Grey concrete floors, white brick walls and above all a series of transparent acrylic oval rooms for the various collections. All inside a nineteenth-century building.


Pagina accanto, l’esterno del flagship store Hollister, brand Abercrombie&Fitch, sulla Quinta Strada. In questa pagina: a sinistra, interno di Hollister, brand ispirato al South Californian lifestyle; in basso, Armani Store sulla Fifth Ave., con la scala che è il nucleo del progetto di Doriana e Massimiliano Fuksas. Page across, the outside of the Hollister Flagship store, a brand by Abercrombie&Fitch, on Fifth Avenue. On this page: left, the interior of Hollister, a brand inspired by the Southern California lifestyle; below, the Armani Store on Fifth Ave., with the staircase that is the heart of the project by Doriana and Massimiliano Fuksas.

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A destra, lo showroom B&B Italia in SoHo è un progetto di Gabellini Sheppard Associates, in vetrina Husk di Patricia Urquiola. In basso. A sinistra, uno spazio shopping molto cool, il Taschen Store by Starck in SoHo: le pareti della libreria sono opera dell’artista brasiliana Beatriz Milhazes. A destra, il Prada Store in SoHo, progetto Rem Koolhas, studio OMA, conserva nel tempo la sua validità progettuale e commerciale, e resta un simbolo della shopping experience newyorchese. Right, the B&B Italia showroom in SoHo, is a project by Gabellini Sheppard Associates. In the window, Husk by Patricia Urquiola. Below. Left, a very cool shopping space, the Taschen Store by Starck in SoHo: the walls of the bookcase are by Brazilian artist Beatriz Milhazes. Right, the Prada Store in Soho, designed by Rem Koolhaas, studio OMA, has preserved its design and commercial value over time, and remains a symbol of the New York shopping experience.

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In alto, la boutique del fashion designer Derek Lam in SoHo, firmata dallo studio SANAA, Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa. In basso, Alessi Store in Green Street, progetto totale, spazio, grafica packaging delle tazze, di Hani Rashid, Asymptote New York. At top, the boutique by fashion designer Derek Lam in SoHo, designed by Studio SANAA, Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa. Below, the Alessi Store in Green Street, a total project, space, graphic design, the packaging of the cups by Hani Rashid, Asymptote New York.

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ARCHITETTURE SIGNIFICANTI

SIGNIFICANT ARCHITECTURE ]b En\bZgZ<nhfh _hmh <kblmbgZ?bhk^gmbgb La Cooper Union di Thom Mayne e l’Hypar Pavilion di Diller Scofidio+Renfro sono architetture forti e qualitative, che non temono di confrontarsi con il contesto urbano. The Cooper Union by Thom Mayne and the Hypar Pavilion by Diller Scofidio + Renfro are strong and well-designed architectural works, that are not afraid to address their urban context.

Firmata da Thom Mayne, Morphosis, la Cooper Union, 41 Cooper Square, è un iconic building che incarna valori e aspirazioni istituzionali, in qualità di Center for Advanced Education in Art, Architecture and Engineering. Il Centro, che raccoglie in un unico edificio tre dipartimenti universitari, in precedenza separati, si propone come veicolo di dialogo tra le discipline. In questa luce, si capisce come il fuoco del progetto Morphosis insista sugli spazi comuni e informali, che permettono e facilitano lo scambio di idee e una reale interdisciplinarità. Per questo la “piazza verticale”, una sorta di atrio pubblico iperbolico che offre una sorprendente serie di scorci sul quartiere, diventa il nucleo centrale dell’intervento. Chi entra al 41 di Cooper Square scorge una fuga scenografica di scale in acciaio ascendere verso la lounge ai piani superiori: la scala si inerpica per 4 piani, mentre, dal quinto al nono piano, un sistema di terrazze e sale studio è organizzato intorno al vuoto centrale. Incorporando tecnologie innovative e sostenibili nelle funzioni e nell’architettura dell’edificio, la Cooper Union ha stabilito un nuovo standard per la costruzione e il design di buldings istituzionali. In sintonia con la sua missione di provvedere una educazione gratuita e di alta qualità, l’edificio stesso appare didattico nelle sue trasparenze selettive e nella facciata sostenibile. L’edificio è in realtà totalmente sostenibile, con ventilazione e abbondante luce naturali e pannelli radianti al soffitto, per riscaldamento e raffreddamento. La pelle dell’edificio, in doppio strato di acciaio perforato, permette di ottimizzare il controllo energetico e di rendere visibili verso l’esterno le attività e la vita interna. Il limite tra dentro e fuori, tra pubblico e privato, si fa sempre meno netto. Il building è stato definito dal critico di architettura del The New York Times “un esempio di come creare un’architettura forte che non teme di coinvolgere il contesto urbano e di costituirsi come audace dichiarazione di genuino valore civico”. Altrettanto significativo, in altro modo e zona della città, è l’Hypar Pavilion al Lincoln Center for the Performing Arts, progettato dal bravissimo team di architetti dello studio newyorkese Diller Scofidio+Renfro, all’angolo tra Hearst Plaza e la 65th st. La doppia richiesta della committenza di creare un ristorante, senza sottrarre spazio pubblico al contesto, è stata soddisfatta da un unico gesto architettonico geniale. Il risultato è un edificio in cui il tetto è formato da un grande prato verde inclinato, concepito come naturale continuazione della piazza. La sala da pranzo principale del ristorante è allo stesso livello della piazza e, attraverso pareti vetrate, forma un tutt’uno con il contesto architettonico. Il ristorante e il prato sono orientati verso uno specchio d’acqua che, riflettendo il verde dell’erba, enfatizza la sua presenza. Il prato si curva in due direzioni

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La Cooper Union di Cooper Square, progetto di Thom Mayne di Morphosis, vista dal Cooper Triangle Park. The Cooper Union in Cooper Square, designed by Thom Mayne of Morphosis, seen from the Cooper Triangle Park.

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Dettagli della Cooper Union di Morphosis che mostra la pelle in doppio strato di acciaio perforato e la scenografica scala interna in acciaio che porta ai piani superiori. L’edificio è totalmente ecosostenibile.

Designed by Thom Mayne of Morphosis, the Cooper Union at 41 Cooper Square is an iconic building that incarnates institutional values and aspirations, as the Center for Advanced Education in Art, Architecture and Engineering. The Centre, which gathers three previously separate University departments into a single building, is conceived as a vehicle for the dialogue between disciplines. From this point of view, it is easy to understand how the focus of the Morphosis projects is on the informal common spaces, which encourage and facilitate the exchange of ideas and a truly interdisciplinary approach. For this reason, the “vertical square”, a sort of hyperbolic public atrium that offers a surprising series of views out onto the district, becomes the central core of the project. Upon entering 41 Cooper Square, one you see a scenographic perspective of steel stairs that rise towards the lounge on the upper floors: the stair climbs up 4 stories, whereas from the fifth to the ninth floors, a system of terraces and study rooms is organized around the central void. Incorporating innovative sustainable technology for the building’s functions and architecture, the Cooper Union has established a new standard for the design and construction of institutional buildings. In accordance with its mission to provide free quality education, the building itself appears educational in its selective transparencies and sustainable façade. The building really is totally sustainable, with natural ventilation and abundant sunlight, and radiating panels on the ceiling for heating and cooling. The building’s skin, made of a double layer of perforated steel, optimizes energy control and makes the indoor activities and the life of the

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building visible on the outside. The edge between inside and outside, between public and private, becomes less clear. The building was defined by the architectural critic of The New York Times as “an example of how to create a powerful architecture that is not afraid of involving the urban context and appears as a bold architectural statement of genuine civic value”. Equally significant, in a different way and in a different part of town, is the Hypar Pavilion at the Lincoln Center for the Performing Arts, designed by the fine team of architects from the New York firm Diller Scofidio + Renfro, at the corner of Hearst Plaza and 65th Street. The double requirement in the client’s brief, to create a restaurant without reducing the public

Details of the Cooper Union by Morphosis that highlight the skin made of a double layer of perforated steel, and the scenographic indoor steel staircase that leads to the upper floors. The building is totally sustainable.

space in the context, was satisfied in a single brilliant architectural gesture. The result is a building in which the roof is made up of a large tilted green lawn, conceived as the natural extension of the square. The main dining room of the restaurant is on the level of the plaza, and through glazed walls, forms a continuum with the architectural context. The restaurant and lawn are oriented towards a pool of water that reflects the green of the grass, thereby emphasizing its presence. The lawn curves in two directions to create access for people from the square and to dampen the noise of the city. Last but not least, the Lincoln Restaurant offers the finest Italian cuisine. Including desert.


In questa pagina, l’Hypar Pavilion al Lincoln Center for the Performing Arts, progetto dello studio newyorchese Diller Scofidio+Renfro. Le foto evidenziano il tetto dell’edificio, il Lincoln Restaurant, formato da un grande prato verde che segue la naturale inclinazione della piazza. Il prato consente l’accesso alle persone.

On this page, the Hypar Pavilion at the Lincoln Center for the Performing Arts, designed by the New York firm Diller Scofidio+Renfro. The photos highlight the building’s roof, the Lincoln Restaurant, composed of a large inclined green lawn, conceived as the natural inclination of the square. The lawn leads people in.

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Le grandi pareti vetrate della sala da pranzo principale dellâ&#x20AC;&#x2122;Hypar Pavilion, a livello della piazza, formano un tuttâ&#x20AC;&#x2122;uno con il contesto architettonico.

The large glazed walls of the main dining room in the Hypar Pavilion, on the level of the city square, integrate well into the architectural context.

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IL FUTURO E LA MEMORIA THE FUTURE AND MEMORY ]b En\bZgZ<nhfh _hmh <kblmbgZ?bhk^gmbgb

Due nuovi grattacieli downtown: la Beekman Tower di Gehry e la One World Trade Center di Libeskind con David Childs. Two new skyscrapers downtown: the Beekman Tower by Gehry and the One World Trade Center by Libeskind with David Childs.

Due nuovi grattacieli a valore altamente simbolico solcano il cielo di Lower Manhattan e inducono i residenti a sperare che il futuro di New York torni ad essere downtown. La Beekman Tower, firmata Frank Gehry, vanta un paio di primati: è la prima opera dell’archistar a Manhattan, e con, i suoi 267 metri, è il più alto edificio residenziale della metropoli e dell’emisfero occidentale. I primi inquilini hanno di recente preso possesso di alcuni dei 900 appartamenti su 76 piani della torre, struttura in cemento armato e facciate rivestite in pannelli di acciaio, che la rendono scintillante e increspata di onde, con giochi di luce mutevoli nelle diverse ore del giorno. Saranno i primi privilegiati a godere la vista a perdita d’occhio della baia e della parte meridionale dell’isola di Manhattan da questo avamposto della contemporaneità, in Spruce Street e sotto al ponte di Brooklyn. Non saranno solo ricchi inquilini ad abitare le residenze della Beekman Tower: la base, un solido blocco di mattoni rossi, ospiterà una scuola pubblica, il Downtown Hospital di NY, uno spazio commerciale e un parcheggio sotterraneo. È previsto naturalmente tutto il pacchetto di servizi che un’opera grandiosa richiede: biblioteca, piscine, palestra... La Torre di Gehry porta con sé, ancora una volta, le infinite polemiche finanziarie, politiche e tecnologiche, che da tempo sono consuetudine all’apparire di ogni sua nuova “scultura architettonica”. “Icona dell’architettura iconica”- così il Guardian ha definito Gehry - geniale sinonimo di sprechi, stravaganza, eccessi. Ma- a sentire Gehry - il grattacielo di Spruce Street ha una superficie di increspatura in acciaio inox che sembra costosa, ma che, in realtà, non costa più di una facciata standard. In ogni caso la Beekman Tower sta diventando l’edificio più ammirato e fotografato di New York. Merito anche degli italiani. L’acciaio portato dal Giappone a Detroit è stato modellato dalla Permasteelisa, l’azienda di Vittorio Veneto cha ha in curriculum progetti come il MoMa di New York e un teatro per concerti di Los Angeles, firmato anch’esso da Gehry. Ma che succede a Ground Zero? Tra mille polemiche, cresce la ex Freedom Tower di Libeskind, che ora si chiama One World Trade Center; non è più solo firmata Libeskind, ma anche David Childs, ed è costruita dagli onnipresenti Skidmore, Owings&Merrill. La Tower in progress, totalmente riflettente, mostra diverse deviazioni dal progetto originale, tra cui la pianta stessa, ottagonale e smussata agli spigoli, ma conserva l’altezza di 540 metri pari a 1776 piedi, come la data dell’in-

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dipendenza degli Stati Uniti. Salendo, la Torre si assottiglia, finché, intorno ai 400 metri di quota, il grattacielo si fermerà e sul tetto verrà collocata un’antenna di 100 metri, a forma di missile, rivestita in acciaio. A questa torre, New York affida il ruolo che fu delle Twin Towers, e, prima ancora dell’Empire State Building: il simbolo stesso della città. Il masterplan di Libeskind, la Central Community, prevede altre 3 torri meno alte, di Foster, Rogers e Fumihiko Maki, rispettivamente, un Performing Arts Center di Frank Gehry; un padiglione commemorativo che conduce al National September11Museum, un clamoroso Hub a forma di uccello che fuoriesce dalla terra, firmato Santiago Calatrava, e, infine, le due impronte delle Twin Towers, trasformate in grandiose fontane, con i nomi delle vittime scolpiti nel bronzo. Dell’ispirato progetto Libeskind rimane infatti l’idea di “non costruire dove la gente è morta, ma di creare qualcosa di positivo, un luogo per il ricordo”. Di non condannare New York ad un clima di tristezza, “ma di creare strade vitali, una comunità centrale”.

Sopra e, pagina accanto a sinistra, la Beekman Tower di Frank Gehry, opera prima dell’architetto in downtown Manhattan. Pagina accanto. In basso, vista della Torre di Gehry e del Ponte di Brooklyn. In alto a destra, Ground Zero, la ex Freedom Tower ribattezzata One World Trade Center, progettata da Libeskind e David Childs e costruita da Skidmore, Owings&Merrill.

Above and, page across at left, the Beekman Tower by Frank Gehry, the architect’s first building in downtown Manhattan. Below, page across, a view of Gehry’s Tower and the Brooklyn Bridge. At top right, Ground Zero, the former Freedom Tower, re-baptized One World Trade Center, designed by Libeskind and David Childs, and built by Skidmore, Owings & Merrill.


synonym for dissipation, extravagance, excess. But in Gehry’s opinion, a rippled stainless steel surface of the skyscraper on Spruce Street looks expensive, but actually costs no more than a standard façade. In any case, the Beekman Tower is becoming the most admired and frequently photographed building in New York. Credit must also be given to the Italians. The steel imported from Japan to Detroit, was shaped by Permasteelisa, a company based in Vittorio Veneto whose curriculum includes projects such as the MoMA in New York, and a concert theatre in Los Angeles also designed by Gehry. But what is happening at Ground Zero? A great deal of controversy surrounds the construction of Libeskind’s Freedom Tower, now known as One World Trade Center, which is no longer the design of Libeskind alone, but of architect David Childs as well, and built by the firm Skidmore Owings & Merrill. The Tower now Two new skyscrapers with a highly symbolic value will rise into the under construction, totally reflective, has undergone many changes sky of Lower Manhattan and induce residents to hope that the future since the original project, including the plan, which is octagonal of New York will once again reside downtown. The Beekman Tower, and rounded at the corners, but it has maintained its height of 540 designed by Frank Gehry, boasts several records: this is the first work metres, equal to 1776 feet, a reference to the year the United States by the archi-star in Manhattan, and at a height of 267 metres, it is won its independence. As it rises, the Tower becomes more slender the tallest residential building in the metropolis and in the Western until, at a height of around 400 metres, the skyscraper ends and the hemisphere. The first residents recently took possession of some of the roof supports an antenna 100 meters high, in the shape of a missile, 900 apartments on the 76 floors of the tower, a reinforced concrete clad in steel. New York attributes to this tower the role that once structure faced in steel panels, which make it shimmer and ripple belonged to the Twin Towers, and before that to the Empire State with waves, with plays of light that change at every hour of the day. Building: the symbol of the city itself. Libeskind’s master plan for They will be the first privileged group to enjoy the wide-open view the Central Community includes three additional smaller towers by over the bay and the southern tip of Manhattan, from this outpost Foster, Rogers and Fumihiko Maki, respectively, a Performing Arts of the contemporary on Spruce Street below the Brooklyn Bridge. Centre by Frank Gehry; a commemorative pavilion that leads to the The Beekman Tower will not be occupied by wealthy residents National September 11 Museum, an outrageous Hub in the shape alone: the base, a solid block of red bricks, will also host a public of a bird rising from the ground designed by Santiago Calatrava, school, the Downtown Hospital of New York, a shopping area and and finally, the two footprints of the Twin Towers, transformed underground parking. And naturally it will contain all the services into grandiose fountains, with the names of the victims sculpted in required in a grandiose work of architecture: a library, swimming bronze. What remains of Libeskind’s inspired project is the idea: pools, gymnasium… Gehry’s tower is again the object of infinite “not to build where people died. To create a place for remembering financial, political and technological controversies that arise every but at the same time to create something positive. Let’s not sink New time he introduces a new “architectural sculpture”. “An icon of York into an atmosphere of sadness, let’s create vivacious streets, let’s iconic architecture” – as The Guardian defined Gehry – a brilliant create a central community. I think we have done that.”

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HIGH STANDARD ]b En\bZgZ<nhfh _hmh <kblmbgZ?bhk^gmbgb Due Standard Hotel già divenuti icone newyorkesi per location, impatto visivo e concept, e un progetto residenziale di Jean Nouvel nel sempre più trendy Meatpacking District. Two Standard Hotels which have become icons in New York thanks to their location, visual impact and concept, and a residential project by Jean Nouvel in the increasingly trendy Meatpacking District.

In queste pagine, l’hotel The Standard East Village, progetto di Carlos Zapata, elegante grattacielo di 21 piani in vetro e acciaio. Sopra, il basement della torre; nella pagina accanto la Library. On these pages, The Standard East Village hotel, designed by Carlos Zapata, an elegant skyscraper with 21 floors made of glass and steel. In the photo above, the tower’s basement, on the page across, the Library.

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La rinascita di Downtown Manhattan avviene lungo due assi. A Est, nella Bowery, ex strada di maledetti e barboni, si moltiplicano i luoghi trendy, bar, negozi, restaurant, hotel. La torre firmata da Carlos Zapata, l’hotel The Standard East Village, è un elegante grattacielo in vetro e acciaio di 21 piani che svetta sul quartiere già trasformato dalla vicina Cooper Union di Morphosis. Zapata dice di essersi ispirato a un viso, che a partire da una piccola nuca si allarga verso l’alto, per dare al building una fisionomia decisa e creare quella forma dinamica e scultorea, poi descritta come un’ala di vetro sulla Bowery. Se all’esterno il volume dell’hotel è luminoso e leggibile, l’interno racconta tutta un’altra storia. Disegnato dal noto progettista italiano Antonio Citterio e arredato dai mitici pezzi di B&B Italia, l’interior design offre un’atmosfera calda che armonizza motivi grafici con elementi tradizionali, sia negli spazi comuni che nelle stanze. Premiato di recente dall’American Institute of Architect, AIA, The Standard New York si colloca a cavallo dell’High Line, la vecchia ferrovia trasformata in parco pubblico pensile dall’intervento degli architetti Diller Scofidio+Renfro e dei paesaggisti di James Corner Operations. La motivazione della giuria che assegna questo ambito riconoscimento di eccellenza nell’architettura parla di un building che armonizza perfettamente con il tessuto dell’ambiente circostante. Gli obiettivi di trasparenza e apertura guidano con successo il progetto e le scelte. Il risultato è di forte impatto visivo. Sospeso su piloni di cemento di 17 metri l’hotel di 20 piani, progettato da Todd Schliemann di Ennead Architects, contrappone l’asprezza della fredda struttura esterna in cemento armato a sorprendenti dettagli in mattoni, legno, metallo e vetro. La parete esterna rompe con l’architettura tradizionale degli hotel, sostituendo l’opacità con la trasparenza, la privacy con l’apertura e definendo nuovi paradigmi. Le vetrate a tutta altezza portano la città all’interno, suggerendo un’interazione visuale tra gli ospiti dell’hotel e i visitatori del parco sottostante. A pochi passi, praticamente sull’Hudson, risplende il 100 Eleventh Avenue, firmato da Ateliers Jean Nouvel, appartamenti di lusso dietro a un ritmo di mosaici azzurri cangianti col trascorrere del giorno. L’edificio bifronte, alto 23 piani, ha una facciata iconica che curva con gesto continuo, mentre quella posteriore presenta due

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fianchi semplici, rivestiti da lisci mattoni neri. La facciata in vetro e acciaio offre ai residenti panorami poliedrici, trasformando le finestre in giganteschi schermi aperti sull’esterno. 100 Eleventh Avenue ospita 72 appartamenti da uno, due o tre camere, cinque attici ed una spettacolare suite che si sviluppa per tutto l’ultimo piano. La facciata iconica è un assemblaggio di quasi 1700 lastre di vetro, alcune tra le più grandi mai utilizzate per un edificio residenziale negli Stati Uniti, incastonate in cornici di acciaio formate da 165 grandi pannelli che permettono ai vetri differenti inclinazioni e rotazioni. L’effetto creato da Nouvel ha prodotto una sorta di puzzle enigmatico, una membrana che riflette e rifrange la luce in visuali caleidoscopiche. Nella sua mutabilità, questo nuovo landmark di New York è nato, come la città stessa, per essere in perpetuo mutamento.

In questa pagina e nella pagina accanto in alto, libreria e guest room del The Standard East Village: il progetto di interior decoration è di Antonio Citterio and Partners; l’arredo è di B&B Italia, Flexform, Herman Miller; in area illuminazione, sono riconoscibili lampade di Flos, Marcel Wanders, Santa&Cole, Viabizzuno. Pagina accanto. In basso: a sinistra, The Standard New York, l’hotel sulla High Line progettato da Todd Schliemann, Ennead Architects, e premiato di recente dall’American Institute of Architects; a destra, il 100 Eleventh Ave., nuovo edificio residenziale con vista sull’Hudson firmato da Ateliers Jean Nouvel.

On this page and page across at top, the bookstore and guest room at The Standard East Village. The interior decoration project is by Antonio Citterio and Partners, the furnishings by B&B Italia, Flexform, Herman Miller. In the area of lighting, visible are lamps by Flos, Marcel Wanders, Santa e Cole, Viabizzuno. Page across, below: at left, The Standard New York, the hotel on the High Line, designed by Todd Schliemann, Ennead Architects, and winner of a recent award from the American Institute of Architects. At right, the 100 Eleventh Ave., a new residential building with a view over the Hudson River, designed by Ateliers Jean Nouvel.


The renaissance of Downtown Manhattan is taking place along two axes. To the East, in the Bowery, a street once the home of drifters and vagrants, there has been as surge of trendy bars, stores, restaurants and hotels. The tower designed by Carlos Zapata, the Standard East Village Hotel, is an elegant glass and steel skyscraper 21 stories high that dominates a neighborhood already transformed by the nearby Cooper Union building by Morphosis. Zapata says he was inspired by a face, starting with the nape of the neck and growing upwards, to give the building a gritty physiognomy and create the dynamic sculptural form that has been described as a glass wing over the Bowery. Whereas on the outside the volume of the hotel is luminous and legible, the inside tells a wholly different story. Designed by the renowned Italian designer Antonio Citterio and decorated with the legendary furniture by B&B Italia, the interior design offers a warm atmosphere that combines graphic motifs with traditional elements, both in the common spaces and in the rooms. The recent winner of an award by the AIA, the American Institute of Architects, the Standard New York hotel is located between the High Line, the old railroad track transformed into an elevated public park in the project by the architectural firm Diller Scofidio + Renfro and the

landscape architects at James Corner Operations. The jury’s motivation for awarding this coveted acknowledgment of architectural excellence, speaks of a building that harmonizes perfectly with the fabric of the surrounding area. The objectives of transparency and openness successfully guided the project and the decisions. The result packs a powerful

visual impact. Suspended on concrete pylons 17 metres high, the 20-story hotel, designed by Todd Schliemann of Ennead architects, contrasts the roughness of the cold outer structure made of reinforced concrete, with the surprising brick, wood, metal and glass details. The outer wall breaks with the traditional architecture of hotels, replacing opaqueness with transparency, privacy with openness and defining new paradigms. The full height glass windows bring the city inside, suggesting a visual interaction between the guests of the hotel and the visitors to the park below. Just a few steps away, practically on the Hudson River, shines 100 Eleventh Avenue, by the Ateliers Jean Nouvel, luxury apartments behind the rhythmic blue mosaic that shimmers as the light of day changes. The two-faced building, 23 stories high, has an iconic façade that curves in a continuous gesture, and a rear façade that displays two simple sides, clad in smooth black brick. The glass and steel façade offers residents multifaceted views, transforming the windows into giant screens open to the outside. 100 11th Avenue houses 72 one, two or three-bedrooms apartments, five penthouses and a spectacular suite that occupies the entire top floor. The iconic façade is an assemblage of almost 1700 glass panels, some of the largest ever used for a residential building in the United States, embedded into steel mullions composed of 165 large panels, that give the glass different planes of inclination and rotation. The effect created by Nouvel has produced a sort of enigmatic puzzle, a membrane that reflects and refracts the light into visual kaleidoscopes. In the way it changes, this new landmark for New York, like the city itself, was generated to be in perpetual mutation.

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NY/STREET LIFE

OLTRE IL PONTE DI BROOKLYN BEYOND THE BROOKLYN BRIDGE ]b En\bZgZ<nhfh _hmh <kblmbgZ?bhk^gmbgb


Pellegrinaggi nell’arte: DUMBO, il MoMA PS1, i graffiti della Jackson Avenue nel Queens. E un salto spiazzante Uptown per vedere l’ultima opera di Keith Haring a St. John The Divine. A pilgrimage into art: DUMBO, MoMA’s PS1, the graffiti on Jackson Ave. in Queens. And a startling trip Uptown to see Keith Haring’s last work at St. John the Divine.

DUMBO, Down Under the Manhattan Bridge Overpass, conserva i segni della sua storia industriale. I ciottoli nelle strade, le vecchie fabbriche e, ancora visibili, le rotaie del tram. All’alba del 1900, il quartiere si chiamava Fulton Ferry per via dei battelli a vapore e della fermata del traghetto che collegava Brooklyn e Manhattan. Ora è uno dei quartieri principali dell’arte, pieno di gallerie, negozi eclettici, ristoranti. Con la benedizione del Brooklyn Bridge, che ne accompagna il mito, e del festival che, una volta l’anno, il Dumbo Arts Center, centro no profit per l’arte contemporanea, organizza con una 3 giorni di installazioni, sculture, video, mostre, live performance e apertura al pubblico da parte degli artisti di quasi 160 studi privati. Oltre agli artisti newyorchesi si sono riversati qui molti giovani talenti europei a caccia di fama ed esperienze. Uno studio può costare anche 1000 dollari, dipende dalla vista, ma gli artisti in genere li condividono. Molti ricchi si sono trasferiti qui, così sono aumentati la sicurezza e i costi. Ma gli artisti da tempo sono preoccupati di un ‘andazzo’ che rischia di rendere Dumbo simile a SoHo, e di farli sloggiare per trasformarne gli studi in abitazioni di lusso, con vista sui ponti di Brooklyn e Manhattan. Maria Scarpini, restauratrice e pittrice, racconta l’evoluzione del quar-

tiere. “L’area si è sviluppata negli ultimi 10 anni, riempiendosi di artisti attratti dalla convenienza economica, oltre che dal fascino del luogo. Poi, un developer di nome Walentas ha praticamente comperato quasi tutti gli edifici commerciali e occupati da artisti, svuotandoli dei vecchi inquilini, ristrutturandoli e trasformandoli in condomini di lusso. Questi artisti sono stati rilocati in altri edifici ristrutturati, con affitti originali abbastanza bassi, in seguito rinnovati a prezzi alti. La zona si è andata trasformando, per diventare sempre più alla moda e sempre più cara. Ci sono comunque molti artisti che condividono gli spazi e molte persone che lavorano nel web. Io sono una pittrice e una restauratrice e sto in uno dei pochi edifici non di proprietà di Walentas. Nel settore del restauro c’è molta competizione e negli ultimi anni, con la crisi economica, il lavoro è molto diminuito”. Al di là del ponte, il quartiere di DUMBO, Down Under the Manhattan Bridge Overpass, diventato uno dei principali dell’arte a New York, ospita gallerie, negozi, ristoranti, studi di artisti.

Across the bridge, the district known as DUMBO - Down Under the Manhattan Bridge Overpass, has become one of the primary art districts in New York, with galleries, shops, restaurants, and artists’ studios.

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D.U.M.B.O., Down Under the Manhattan Bridge Overpass, preserves the vestiges of its industrial history. The cobblestones in the streets, the old factories, and still visible, the streetcar tracks. At the dawn of the twentieth century, the district was known as Fulton Ferry, because of the steamboats and the ferry boat that connected Brooklyn and Manhattan. Now it is one of the major art districts, full of galleries, eclectic boutiques, restaurants. With the blessing of the Brooklyn Bridge, that stands by its legend, and the festival organized yearly by the Dumbo Arts Center, a non-proďŹ t center for the contemporary arts, in a 3-day programme of installations, sculptures, videos, exhibitions, live performances and the almost 160 private artistsâ&#x20AC;&#x2122; studios open to the public. In addition to the New York artists, many young European talents have come here looking for fame and experience. A studio can cost up to 1000 dollars, depending on the view, but in general they are shared by several artists. Many wealthy city dwellers have moved here, increasing safety and driving up costs. But the artists worry about this trend

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Il MoMA PS1 nel Queens, affiliato al MoMA di NYC, ricavato da una ex scuola dell’800, è assai più di un museo, un luogo di incontro con performance musicali e artistiche ed exhibition frutto di audaci scelte espositive. In queste pagine, alcune recenti installazioni di giovani artisti internazionali.

The MoMA PS1 in Queens, affiliated with the MoMA in NYC, located in a former nineteenth-century school building, is much more than a museum, it is a gathering place with musical and artistic performances and shows that are the result of bold exhibition policies. In these pages, recent installations by young international artists.

that risks turning Dumbo into a new SoHo, forcing them to move so that their studios can be transformed into luxury apartments, with views of the bridges in Brooklyn and Manhattan. Maria Scarpini, a restorer and painter, talks about the evolution of the neighborhood. “The area has developed over the past 10 years, filling up with artists attracted by the low prices and the appeal of the area. Then, a developer named Walentas bought practically all the commercial buildings occupied by artists, evicted the old tenants, renovated the spaces and transformed them into luxury condos. These artists were relocated into other restored buildings, for which the original rents were rather low, but they were later renovated at high prices. The area was progressively transformed, becoming trendier and more expensive. There are still many artists who share spaces and people working on the web. I am a painter and restorer and live in one of the few buildings not owned by Walentas. In the field of restoration, there is a great deal of competition and in recent years, with the economic crisis, there is a lot less work to be found”.

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In alto. A destra, uno spiazzante rientro Uptown Manhattan ci conduce, in sintonia con i graffiti del Queens, alla Cattedrale di Saint John The Divine, che ospita una exhibition di artisti contemporanei. A sinistra, sull’altare della Cappella del St. Salvatore, l’ultima opera di Keith Haring prima della morte nel 1990, un trittico di graffiti in bronzo, donato dall’artista alla Cattedrale. In basso e nella pagina accanto, nel Queens, in Jackson Ave., vive l’esperienza di 5 Points, chilometri di murales autorizzati e di valore, opera di graffitari e writers di Manhattan, Brooklin, Bronx e Staten Island. At top. Right, a startling return to uptown Manhattan leads us, in continuity with the graffiti in Queens, to the Cathedral of Saint John The Divine, the venue for an exhibition of contemporary artists. Left, on the altar of the Chapel of St. Salvatore, the last work by Keith Haring before his death in 1990, a triptych of bronze graffiti, donated by the artist to the Cathedral. Below and page across, in Queens, on Jackson Ave., the experience of 5 Points lives on, kilometres of authorized and valuable ‘murales’, works by graffiti artists and writers from Manhattan, Brooklyn, the Bronx and Staten Island.

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Qui sopra: Maria Scarpini, pittrice e restauratrice, con studio in Dumbo, racconta lâ&#x20AC;&#x2122;evoluzione del quartiere negli ultimi 10 anni.

Above: Maria Scarpini, painter and restorer, with a studio in Dumbo, talks about the evolution of the district over the past 10 years.

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NY/EXHIBITION

WENDY

SMOG-RESISTANT PAVILION ]b @bnebZ;kngh

Sarà inaugurato il prossimo giugno nel cortile del MoMA PS1 di New York l’avveniristico progetto dello studio HWKN, vincitore della tredicesima edizione dello Young Architects Program. To be inaugurated next June in the courtyard of MoMA’s PS1 in New York is the futuristic project by the firm HWKN, winner of the thirteenth edition of the Young Architects Program.

Wendy è l’innovativo padiglione ecologicamente responsabile che da giugno e per tutta l’estate offrirà zone d’ombra, posti a sedere e fontanelle ai visitatori del MoMA PS1 a Long Island City. Il progetto temporaneo ideato per il festival musicale Warm Up sarà quest’anno realizzato all’insegna della sostenibilità e del riciclo. Una grande impalcatura metallica sosterrà la copertura in nylon trattato con uno spray a base di nanoparticelle di titanio in grado di neutralizzare gli inquinanti dell’aria. Si calcola che per il completo periodo estivo, Wendy ripulirà l’aria per l’equivalente delle emissioni di biossido di carbonio prodotto da 260 automobili a Long Island City. La forma, audace, è stata studiata per rendere più confortevole le zone circostanti, favorendo quindi l’aggregazione sociale. Dalle numerose braccia appuntite che svettano tutt’attorno nell’ambiente, getti d’aria fresca e di vapore acqueo mitigheranno l’atmosfera estiva. I materiali potranno poi essere smontati e riutilizzati. Il padiglione, che occuperà il cortile del MoMA PS1, si troverà a dialogare con le strutture circostanti, favorendo gli scambi fra le gallerie interne e quelle esterne del complesso. Sarà comunque sufficientemente lontano dal palco del festival perché i concerti possano essere attuati senza impedimenti, ma abbastanza vicino all’entrata per svolgere la sua funzione di filtro e suscitare contemporaneamente l’emozione di un grande impatto visivo. Wendy è creatura dello studio HWKN, dalle iniziali dei fondatori, Matthias Hollwich e Marc Kushner. Mixando ad arte innovative proposte, reminiscenze della cultura pop e la migliore tradizione architettonica, lo studio newyorkese si è specializzato sul tema del branding e nel produrre e sviluppare lavori particolarmente agili e adatti alla frenetica velocità del mondo contemporaneo. Reso noto da pubblicazioni su magazine internazionali, come Wallpaper, Bauwelt, A+U, Magazine Architects, Dwell, Surface, New York Times, lo studio HWKN è

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stato co-fondatore di Architizer.com, la più grande piattaforma dedicata all’architettura. Il nuovo padiglione rappresenta la punta avanzata della ricerca sui limiti dell’architettura come artefice di un’evoluzione sociale attenta e consapevole. Impegno sociale, riciclo e sostenibilità sono, d’altra parte, alcune delle linee guida del Young Architects Program, il concorso annuale con cui, dal 2000, il Museum of Modern Art e il MoMA PS1 offrono a neo laureati, architetti, designer ed artisti emergenti, l’opportunità di ideare e realizzare uno spazio all’aperto, temporaneo e ricreativo, per eventi live estivi. Il programma dal budget limitato coinvolge i giovani progettisti in ogni suo aspetto, dal progetto iniziale alla realizzazione finale dell’opera. YAP dal 2011 è presente anche in Cile con CONSTRUCTO e in Italia, dove, nella piazza del MAXXI di Roma, si inaugurerà, in contemporanea con la presentazione al pubblico di Wendy, l’installazione vincitrice di quest’anno, Unire/Unite, dello studio italo americano Urban Movement Design. In dicembre sarà selezionato il progetto che si realizzerà a Santiago del Cile. Tutti i progetti finalisti saranno esposti in una mostra dedicata. Il sito MoMA.org/YAP, che contiene l’archivio dei progetti delle edizioni passate, presenterà le proposte selezionate e quelle vincitrici di YAP Cile, YAP MAXXI e YAP in New York, Wendy, appunto. Wendy is the innovative ecologicallyresponsible pavilion which throughout the summer will offer shade, seating and water fountains to the visitors of MoMA’s PS1 in Long Island City. The temporary project conceived for the Warm Up music festival will be built this year in the name of sustainability and recycling. A large metal scaffolding will hold up the nylon roof treated with a titanium nano-particle spray that neutralizes the polluting particles in the air. It is estimated that

over the entire summer, Wendy will remove carbon dioxide emissions from the air equivalent to those produced by 260 automobiles in Long Island City. The daring form was developed to make the surrounding areas more comfortable, and to encourage social gathering. An array of spiky arms sticks out into the space to blast cool air and water mists that will take the edge off the summer heat. The materials can later be disassembled and reused. The pavilion, which will occupy the courtyard of MoMA’s PS1, will engage in dialogue with the surrounding buildings, stimulating an exchange between the indoor and outdoor galleries of the complex. It will in any case sit far enough from the stage of the festival to let the concerts take place unimpeded, but close enough to the entrance to serve as a filter and offer the emotion of a powerful visual impact. Wendy was designed by the firm HWKN, a name composed of the initials of the founders, Matthias Hollwich and Marc Kushner. Mixing art in their innovative proposals with reminiscences of pop culture and the finest architectural tradition, this New York firm is specialized in branding and in the production and development of particularly agile works that keep up with the frenetic speed of the contemporary world. Revealed in publications on international magazines, such as Wallpaper, Bauwelt, A+U, Magazine Architects, Dwell, Surface, New York Times, the firm HWKN is the co-founder of Architizer.com, the largest platform dedicated to architecture. The new pavilion represents the cutting edge of research into the limits of architecture in fostering conscious and aware social evolution. Social commitment, recycling and sustainability are, on the


In queste pagine alcuni rendering di Wendy, padiglione anti smog, che da giugno sarà installato nel cortile del MoMA PS1 di New York.

other hand, among the guidelines of the Young Architects Program, the annual competition thanks to which, since the year 2000, the Museum of Modern Art and the MoMA PS1 has offered recent graduates, architects, designers and young talents in the arts, the opportunity to conceive and build a temporary recreational open space for summer performing arts events. The program

has a limited budget and involves the young designers in every phase, from the initial project to the final construction of the work.Since 2011, the YAP has been brought to Chile with CONSTRUCTO, and to Italy where, in the square in front of the MAXXI in Rome, the inauguration of this year’s winning installation, Unire/Unite, by Italian-American firm Urban Movement Design, will take

On these pages, renderings of Wendy, the smog-resistant pavilion, which will be installed in June in the courtyard of the MoMA PS1 in New York.

place concurrently with the public presentation of Wendy. The project to be built in Santiago, Chile, will be selected in December. All the finalist projects will be displayed in a special exhibition. The website MoMA.org/YAP, which features the archives of projects from past editions, will present the winning and selected projects in YAP Chile, YAP MAXXI and YAP New York, meaning Wendy, of course.

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NY/ART

JOHN CHAMBERLAIN, LAMIERE PER IL GUGGENHEIM

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SHEET METAL FOR THE GUGGENHEIM

Lo hanno definito il Jackson Pollock della scultura per la furia e la dinamicità con cui assemblava lamiere d’acciaio dai bordi frastagliati e colori sgargianti. Scomparso il 22 dicembre scorso a 84 anni, John Chamberlain è protagonista fino al 13 maggio di una grande retrospettiva al Guggenheim Museum di New York, prima di spostarsi alla sede di Bilbao da marzo a settembre 2013. Lungo la grande spirale di Frank Lloyd Wright sono disposte quasi 100 opere in sequenza cronologica. John Chamberlain: Choices documenta sessant’anni di carriera esaminando i cambiamenti in scala, i materiali e le tecniche e soprattutto il processo di assemblaggio centrale nella definizione del suo metodo di lavoro. Se la maggior parte dei lavori sono esuberanti “collage” di frammenti di automobili schiacciati, contorti e piegati (il medium preferito dall’artista) in cui il colore non è superficie, come spesso nella scultura, ma ragione strutturale, non mancano le prime sculture monocromatiche in ferro e gli esperimenti in schiuma, plexiglass, carta, ai suoi ultimi grandi pezzi di sta-

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Qui sopra/top John Chamberlain, photo, Robert McKeever, courtesy Gagosian Gallery. Nella pagina accanto/opposite page, installazione/installation view, Choices, Solomon R. Guggenheim Museum, ©2011 John Chamberlain /Artists Rights Society (ARS), New York, photo David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation.


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gnola, mai mostrati prima negli Stati Uniti. Un lungo percorso creativo che oltre all’espressionismo astratto costruisce punti di contatto anche con la Pop Art (la materia industriale dai colori accesi che affascina e incarna la società dei consumi) e minimalismo (Donald Judd, che lo ammirava molto, riconosceva che il suo lavoro è “neutral, redundant and expressively structured”). Categorie estetiche così lontane che dimostrano la singolarità (e l’elusività) di John Chamberlain. www.guggenheim.org

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He has been defined as the Jackson Pollock of sculpture for the furious and dynamic way in which he assembles sheet metal with torn edges and bright colours. Passed away last December 22 at the age of 84, John Chamberlain is featured through May 13th in a major personal retrospective at the Guggenheim Museum in New York, which will travel to the Bilbao museum from March to September 2013. Along Frank Lloyd Wright’s great spiral, almost 100 works are arranged in chronological order. John Chamberlain: Choices documents his sixty-year career, focusing on the changes in scale, materials and techniques, and above all the assembly process that was key to the definition of his working method. While most of his works are exuberant “collages” of fragments of crushed, twisted and bent automobiles

(the artist’s favourite medium) in which color is not surface, as it often appears in sculpture, but structural reason, there are also early monochromatic steel sculptures and experimentations in foam, plexiglass, paper, and his last great pieces made of foil, never shown before in the United States. A long creative career that builds points of contact not only with Abstract Expressionism but with Pop Art (the brightly-coloured industrial material that fascinates and incarnates our consumer society) and minimalism (Donald Judd. who admired him greatly, recognized that his work was “neutral, redundant and expressively structured”). Such distinct aesthetic categories demonstrate the singularity (and elusiveness) of John Chamberlain. www.guggenheim.org

Pagina accanto/opposite page: vista generale/installation view, Choices, Solomon R. Guggenheim Museum, photo David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation; sotto/below, Untitled, ca.1960, photo Kristopher McKay. In questa pagina, a sinistra/this page, left: Lord Suckfist, 1989 Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Sammlung Brandhorst © 2011 John Chamberlain/Artists Rights Society (ARS), New York, photo Courtesy The Pace Gallery. A destra/right, Ultima Thule, 1967 © 2011 John Chamberlain/Artists Rights Society (ARS), New York, photo Courtesy Galerie Karsten Greve.

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NY/ART

ALLA LUCE DELLA GRAFITE I DISEGNI DI DAN FLAVIN

IN LIGHT OF GRAPHITE. THE DRAWINGS OF DAN FLAVIN ]b :e^llZg]kh;^emkZfb Pochi elementi al neon possono richiedere un lungo lavoro di progettazione. C’è l’avventura del pensiero nella prima retrospettiva dedicata alla grafica di Dan Flavin, allestita fino al primo luglio alla Morgan Library di New York. “My holy compulsion”, definiva Flavin il disegno. E non si stenta a crederlo. Oltre un centinaio di fogli che rappresentano tutte le fasi della sua carriera: i primi acquerelli astratti espressionisti degli anni 1950, studi per installazioni luminose, ritratti e schizzi di paesaggi, pastelli di barche a vela del 1980 (in un certo modo sorprendenti e che consentono la scoperta di un naturalismo dell’artista pochissimo noto). La mostra presenta inoltre circa cinquanta opere provenienti dalla collezione personale dell’artista, tra paesaggi del diciannovesimo secolo (come lavori della Hudson River School e disegni giapponesi) e fogli del ventesimo, con opere di artisti come Piet Mondrian, Donald Judd e Sol LeWitt. Il corpus che suscita più interesse è però quello legato alle installazioni luminose. Flavin disegna in fase di progettazione come a posteriori per documentare un lavoro realizzato. Se in questa seconda categoria rientrano fogli definiti in ogni dettaglio, nel primo caso si tratta di schizzi in cui l’artista insegue ed affina la struttura fino a trovare i giusti rapporti armonici. Una sorta di brainstorming che contrasta con la finitura architettonica di ogni tentativo. Si può così seguire la genesi di capolavori come Monuments for V. Tatlin. Pochi colpi di matita che cambiano il modo di vedere l’intera opera dell’artista.

In questa pagina/this page. A destra/right, Dan Flavin, In honor of Harold Joachim, Collection of Stephen Flavin © 2012 Stephen Flavin/Artists Rights Society (ARS), New York photo Graham S. Haber. A sinistra/left, Untitled (to the real Dan Hill) la 1978 © 2012 Stephen Flavin/Artists Rights Society (ARS), photo by Billy Jim, New York Courtesy of David

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Zwirner, New York. Nella pagina accanto/opposite page. In alto/top, sketch,1974 Collection of Stephen Flavin © 2012 Stephen Flavin/Artists Rights Society (ARS), New York Photo Graham S. Haber. In basso/ below ‘monuments’ for V. Tatlin, 1968 Collection of Stephen Flavin© 2012 Stephen Flavin/Artists Rights Society (ARS), New York photo Graham S. Haber.


A small number of neon elements can require an extensive design process. The adventure of thought is evident in the first retrospective dedicated to the graphics of Dan Flavin, on exhibit through July 1 at the Morgan Library in New York. “My holy compulsion” is how Flavin described drawing. And that is not hard to believe. Over a hundred drawings represent every phase of his career: the early Abstract Expressionist watercolours of the Fifties, studies for lighting installations, portraits and sketches of landscapes, pastels of sailboats dated 1980 (surprising in some ways, as they reveal the little-known naturalism of this artist). The exhibition also features about fifty works from the artist’s personal collection, which includes eighteenth-century landscapes (works from the Hudson River School and Japanese drawings) and drawings from the twentieth, with works by artists such as Piet Mondrian, Donald Judd and Sol LeWitt. The section of greatest interest is the one concerning the lighting installations. Flavin draws throughout the design phase and at the end to document the finished work. In the second category the drawings are defined down to the smallest detail, while the first includes sketches in which the artist works at and refines the structure until he finds just the right harmonic relationships. A sort of brainstorming that contrasts with the architectural finish of

each attempt. It is thus possible to follow the genesis of masterpieces such as Monuments for V.Tatlin. A few pencil strokes that change our way of perceiving the artist’s entire body of work. www.themorgan.org

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NY/FILM MUSEUM

NEW CINEMA ]b Fb\a^e^ P^bll _hmh <kblmbgZ?bhk^gmbgb Nei quartieri del Queens, dove si trovano tutte le case di produzione cinematografica della città, il Museo dell’immagine animata (Museum of Moving Images), unico nel suo genere negli Usa, cambia pelle e raddoppia gli spazi a disposizione del pubblico tra superficie espositiva e nuovi ambienti per gli oltre 130 mila oggetti della collezione. In the borough of Queens where the city’s film production companies are located, the Museum of Moving Images, the only one of its kind in the USA, changes its look and doubles the spaces open to the public, with exhibition spaces and new rooms for the over 130,000 objects in the collection.

Il cinema è bello da vedere ma anche da scoprire, in particolare ficcando il naso dietro le quinte. E immancabilmente è a New York la possibilità di conoscere i più grandi segreti dei capolavori del cinema americano e mondiale. Per scoprirli, basta andare nell’appena rinnovato ‘Museum of Moving Images’ – il Museo dell’immagine animata –, che si trova nel pittoresco quartiere del Queens, nell’edificio costruito per ospitare gli Astoria Studio, dependance newyorchese della Paramount Pictures realizzata negli anni Venti. Con 130 mila oggetti e cimeli, il museo, unico nel suo genere negli States, è concepito per portare i visitatori anima e corpo sui set del cinema, per capire tutti gli aspetti che fanno parte della complessa ‘vita’ di un film (e anche di una serie Tv). Clou della visita resta la collezione permanente principale del Museo, ‘Behind the screen’ – dietro lo schermo –, dislocata nel secondo e terzo piano dell’edificio, che accoglie 1400 artefatti tra abiti di scena, parti di set, arredi, oggetti, costumi, trucchi, poster, cineprese, riviste e altro ancora. Essendo il cinema il leitmotiv della visita, gli avventori hanno la possibilità di realizzare mini-sceneggiature, flip-book animati e altri video interattivi, oltre che vedere o rivedere classici e serie cult nella sala cinematografica, che proietta più di 400 film all’anno, con retrospettive complete di registi immortali come Cecille De Mille e John Ford, tra gli altri. Nel 2011 è stato completato un grande restyling architettonico del Museo dell’immagine animata a cura dello studio Leeser Architecture, con la totale riprogettazione del piano terreno e la realizzazione di una corte-giardino, con il brillante risultato di raddoppiare la vecchia superficie espositiva preesistente, il tutto con un costo di 67 milioni di dollari – gran parte messi a disposizione dalla

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municipalità di New York. Tra le altre novità, la nuova lobby caratterizzata da un grande muro su cui vengono proiettati spezzoni di film e video, alla cui fine si trova il Moving Image Café; dalla lobby, invece, un paio di tunnel di un intenso blu ‘Yves Klein’ portano alla nuova sala per proiezioni con 367 posti attrezzata per il 3D, concepita come una capsula per un immaginario viaggio nella storia del cinema, ancora tutta in blu, per dare la sensazione di fluttuare senza vincoli spazio-temporali. A sinistra della lobby, infine, una grande scalinata porta all’anfiteatro per videoproiezioni. Ai piani più alti, per finire, trovano spazio la nuova galleria per le mostre temporanee e il nuovo deposito per la collezione del museo, che mette a disposizione di studenti e ricercatori del settore i suoi 130 mila oggetti ricollocati per essere meglio conservati e anche più facilmente riesumati.

Sotto, la hall del rinnovato Museum of Moving Images nel Queens a New York. Alla parete, opera Persona Performa Panorama, di Ming Wong. Accanto, la porta d’ingresso del MMI e, a sinistra, un’immagine dell’edificio che ospita il MMI.

Below, the hall of the renovated Museum of Moving Images in Queens in New York. On the wall, Persona Performa Panorama by Ming Wong. Across, the entrance door to the MMI and, at left, a view of the building that hosts the MMI.

Cinema is wonderful to watch but also to discover, especially when you start snooping to see what goes on behind the curtains. And inevitably New York makes it possible to discover the great secrets of the masterpieces of American and international cinema. All you have to do is go to the newly renovated “Museum of Moving Images” located in the picturesque district of Queens, in the building built for the Astoria Studios, the New York division of Paramount Pictures created in the 1920’s. With over 130,000 objects and mementos, the museum, the only one of its kind in the United States, was conceived to carry visitors body and soul onto the film set, so that they can understand all the aspects of the complex “life” of a film (or a television series). The high point of the visit is the main permanent collection of the Museum, “Behind the screen”, distributed across the second or third floor of the building: it displays 1400 artifacts including costumes, parts of movie sets, furniture, objects, makeup, posters,


cameras, magazines and more. Given that cinema is the leitmotif of the exhibit, visitors can create mini-screenplays, animated flip-books and other types of interactive videos; they can see new or familiar classic films and cult series in the theatre, which screens over 400 films a year, with complete retrospectives of immortal directors such as Cecil B. DeMille and John Ford, among others. In 2011, an important architectural restyling of the Museum of Moving Images was completed by the firm Leeser Architecture, which

A fianco, la nuova caffetteria del MMI; sopra, l’organizzazione degli spazi interni (a sinistra) e uno spazio di raccordo (destra). Nella pagina accanto: in alto, la sala video interattiva del MMI e, in basso, una delle salette proiezione del museo. Cortometraggio ‘Game with stones’, 1965, di Jan Svankmajer. Across, the new café in the MMI; above, the organization of the indoor spaces (at left) and a connecting space (right). Page across: at top, the interactive video room at the MMI and, below, one of the small projection rooms at the museum. Short film ‘Game with stones’, 1965, by Jan Svankmajer.

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included the total redesign of the ground floor, the creation of a courtyard garden, with the brilliant result of doubling the existing exhibition spaces, all at a cost of 67 million dollars – most of them funded by the municipality of New York. Other new features include the new lobby, with a large wall on which film and video clips are projected, at the end of which is the Moving Image Café; from the lobby, a pair of intense blue “Yves Klein” tunnels lead to the new screening room with 367 seats equipped for 3D, conceived as a

time capsule for an imaginary journey through the history of film, also blue, to provide the sensation of floating without any space-time constraints. At the left of the lobby, finally, is a large staircase that leads to the amphitheatre for screenings. On the top floors, the space is occupied by the new gallery for temporary exhibitions and the new storage area for the museum collection, which opens to students and scholars in this field its collection of 130,000 objects, relocated for better preservation and easier re-exhumation.


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Sopra, una nuova sala proiezione realizzata nel corso del rinnovamento del MMI. A sinistra, dallâ&#x20AC;&#x2122;alto: la biblioteca multimediale del MMI e uno spazio del museo.

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Above, a new projection room built during the renovation of the MMI. At left, from top: the multimedia library at the MMI and one of the museum spaces.


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NY/INTERIOR

LA DOLCE VITA ]b Fb\a^e^ P^bll _hmh <kblmbgZ?bhk^gmbgb Il nuovissimo complesso residenziale ‘123 Third’ nella Grande Mela offre attici di lusso con panorami mozzafiato perfettamente arredati e rifiniti anche da Poliform, noto brand di design italiano. The brand new residential complex ‘123 Third’ in the Big Apple offers luxury penthouses with breathtaking views, perfectly furnished and finished by Poliform, the famous Italian design brand.

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Una veduta esterna del nuovo complesso residenziale ‘123 Third’ a East Unions Square, New York. Sotto e nella pagina accanto, il living di uno degli attici del complesso, con finiture di pregio e pezzi d’arredamento di design internazionale tra cui Poliform. An outdoor view of the new residential complex ‘123 Third’ at East Unions Square, New York. Below and page across, the living room in one of the penthouses in the complex, with valuable finishes and international design furniture, including pieces by Poliform.

Se in barba alla crisi state cercando una residenza di pregio a New York, è meglio che vi affrettiate, perché l’occasione rischia di scappare. Quasi tutti gli appartamenti più belli del lussuoso complesso residenziale nuovo di pacca 123 in zona East Unions Square, infatti, sono stati venduti (soprattutto i bi e trilocali), ma non disperate perché restano ancora dei super-attici con vista mozzafiato sull’Empire State Building, il Chrysler Building e i ponti di Williamsburg e Brooklyn, oltre che offrire uno scorcio privilegiato sulle strade di New York City downtown, che si può cogliere dalle generose terrazze. ‘123 Third’, com’è stato battezzato il progetto, a cura del brand americano Corcoran specializzato in residenze di pregio,

è una delle iniziative immobiliari recenti che hanno fatto più parlare di sé in città. Merito anche delle finiture di super-lusso, che guarda caso, parlano anche e soprattutto italiano, dal momento che Poliform, nota azienda del Belpaese specializzata in arredi di design top gamma, ha arredato gli ambienti - anche in cucina - con armadi customizzati in colore grigio pioggia e divani rifiniti in serie speciale. Si aggiungono elettrodomestici top gamma Miele e rubinetti di Dornbracht. I bagni principali sono realizzati anch’essi con un progetto apposito con mobiletti sospesi in noce, rubinetti Dornbracht, vasca Duravit e pareti rivestite di marmo statuario italiano e docce modulari con panche integrate. Progettato dallo studio Per-

kin Eastman, è in attesa di ricevere la certificazione LEED mentre a disposizione dei residenti nel complesso si trovano un fitness center e un i-Lounge multimediale, oltre a un giardino privato condominiale attrezzato con una cucina esterna e terrazza per prendere il sole.

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If despite the crisis you are looking for a fine residence in New York, you had better hurry, because this opportunity may pass you by. Almost all of the best apartments in the brand new luxury residential complex 123 in the area of East Union Square have been sold (especially the two and three-bedroom apartments), but don’t despair because there are still some superpenthouses with a breath-taking view of the Empire State Building, the Chrysler Building and the Williamsburg and Brooklyn bridges – which also offer an exclusive view of the streets of Downtown

In queste pagine, la cucina di un attico della torre ‘123 Third’ vista da angolature differenti, con in bella vista gli armadi. Tutto di Poliform/Varenna, noto brand italiano di alto design, ed elettrodomestici Miele. On these pages, the kitchen in a penthouse of the ‘123 Third’ tower seen from different angles, with a fine view of the cabinets designed by Poliform/Varenna, a renowned Italian brand cultivating quality design, and Miele appliances.

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new York, visible from their generous terraces. “123 Third”, as the project has been christened, built by Corcoran, an American brand specialized in exclusive residences, is one of the most talked-about recent real-estate projects in the city. One of the reasons are the super-luxury finishes which, quite coincidentally, happen to be mostly Italian: because it is Poliform, a famous brand from Italy specialized in upscale design furniture, that has decorated the spaces, with customized kitchen cabinets in rain grey, and sofas upholstered in a limited-edition;

with top-range Miele kitchen appliances and faucets by Dornbracht. The master bathrooms also feature custom-designed walnut hanging cabinets, Dornbracht faucets, Duravit tub and walls paneled in Italian statue-grade marble, with modular showers and built-in benches. Designed by the Perkin Eastman firm, it is awaiting LEED certification; at their disposition, residents of the complex will find a fitness centre and a multimedia i-Lounge, in addition to a private condominium garden equipped with an outdoor kitchen and sun terrace.


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Immagini del living di un appartamento extralusso di ‘123 Third’ con la terrazza sullo sfondo. Arredi Poliform. In basso, a sinistra, il bagno con pareti in marmo italiano, rubinetti Dornbracht e vasca Duravit. Views of the living room of an extraluxury apartment in ‘123 Third’ with the terrace in the background. Furniture by Poliform. Below left, the bathroom with walls in Italian marble, Dornbracht faucets and a Duravit bathub.


NY/INTERIOR

]b OZe^gmbgZ =ZeeZ <hlmZ

A LOFT IN SOHO Un loft realizzato dallo studio Space4architecture di New York, fondato nel 1999 da Guelfo Carpegna, Michele Busiri-Vici e Ulderico Micara. I tre progettisti condividono da trent’anni la medesima filosofia progettuale, in cui formazione europea e americana si fondono e collaborano per creare progetti dalle forme pulite e dalla semplicità funzionale. Il loft di queste pagine appartiene alla stilista Dana Barnes, che ha voluto un ambiente dove ogni confine, sia strutturale che materico, viene totalmente annullato. Un tipico appartamento newyorkese, dove la struttura solida viene affiancata da superfici lasciate grezze, materiali freddi come il metallo e il vetro si sposano con il legno caldo e la ceramica. I mattoni a vista disegnano il perimetro dello spazio domestico, come copertura un vero e proprio reticolo di tubature, le colonne scanalate definiscono l’impronta minimal e industriale che definisce e caratterizza questo progetto nel famoso quartiere di SoHo. Per dividere gli spazi gli architetti sono ricorsi a pannelli scorrevoli, strutture leggere e dinamiche che definiscono cucina, living, camera da letto, bagni e l’atelier dove la stilista lavora (questo spazio è diviso dal resto dell’appartamento da una scala composta da venti gradini, totalmente in legno). I pavimenti sono chiari, in rovere sbiancato, fatta eccezione per la camera dei più piccoli, che è in resina laccata. www.space4architecture.com

A loft designed by the firm Space4architecture in New York, founded in 1999 by Guelfo Carpegna, Michele Busiri-Vici, and Ulderico Micara. The three designers have shared the same design philosophy for thirty years, blending European and American training, and collaborating to create projects with clean forms and functional simplicity. The loft on these pages belongs to fashion designer Dana Barnes, who wanted a space that canceled every structural and material boundary. A typical New York apartment, in which the solid structure is combined with surfaces left unfinished, and cold materials such as metal and glass contrast with warm wood and ceramics. Open-face

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brick delineates the perimeter of the domestic space, covering a network of tubing, the fluted columns define a minimalist industrial look that characterizes this project in the famous SoHo district. The architects divided the spaces with sliding panels, lightweight dynamic structures that delineate the kitchen, living room, bedroom, bathrooms and the atelier where the fashion designer works (this space is divided from the rest of the apartment by a stair with twenty steps made out of wood). The floors are light in colour, made out of bleached oak, except in the children’s bedroom, where they are in painted resin. www.space4architecture.com


Nella pagina accanto, la zona dining è illuminata da un grande lucernario e caratterizzata da arredi orientali che ben si amalgamano con dettagli contemporanei. In questa pagina, dall’alto: la camera dei piccoli, con pavimentazione in resina lucida, e due dettagli della zona dining/living. La cucina, caratterizzata da isola e fuochi molto ampi, si apre all’abitazione, pensata come un unicum da vivere in collettività.

Page across, the dining area brings in the light from a large skylight and features Oriental furniture matched with contemporary details. On this page, from top: the children’s bedroom, with glossy resin floors, and two details of the dining/living room. The kitchen, which features an island and ample burners, opens onto the home, conceived as a unicum for collective living.

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La camera da letto è separata dal resto dell’ambiente da una parete in acciaio che scorre lungo la perpendicolare. La stanza da bagno, invece, non è solo ambiente di servizio ma vera e propria area relax. Pavimentazione in rovere sbiancato in entrambi gli ambienti, che sono uno il continuo dell’altro. The bedroom is separated from the rest of the space by a steel wall that runs along the perpendicular. The bathroom, on the other hand, is not just a service space but an actual relaxation area. The bleached oak floor covers both spaces, which flow into one another.

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NY/INTERIOR

A PASSION FOR ART

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Il loft e lo showroom costellati da opere d’arte pop di una coppia di coniugi newyorchese, mostrano come il gusto per il bello può coincidere bene con quello per una dimora ricca di gusto e vocata al savoir vivre. The loft and showroom of a New York couple, studded with Pop artworks, show that a taste for beauty can coincide with a home decorated with taste and dedicated to savoir-vivre.

L’importante è entrare nelle sue grazie e ottenere un invito a cena, per consumare nel caso una gustosa cenetta messa su dalla sofistica e sapiente ospite - artista e rinomata collezionista d’arte - Mirella Estrin, che con il marito condivide la passione per la creatività in tutte le sue forme. Al punto da consacrare la propria residenza, un loft a Manhattan, interamente al bello. A dire il vero, anche l’ufficio del marito, che commercia in pavimenti di parquet ad Harlem, è un tesoro di opere d’arte, e chissà se il suo antenato, fondatore del business, avrebbe mai immaginato che il suo erede, accanto ai legni pregiati con cui cesella sontuosi pavimenti, avrebbe costruito uno showroom con opere pop di artisti come Zhang Huan e, soprattutto, una piccola parte di una maxi opera realizzata con tremila volti delle vittime dei terribili attentati dell’11

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settembre 2001, ‘Gesture’, dell’artista di Brooklyn Manju Shandler. Tornando all’appartamento-museo, al suo interno sono esposte e custodite un gran numero di opere di artisti contemporanei, ma non mancano anche i pezzi di design molto ricercati, come i lampadari di Gaetano Pesce e il letto matrimoniale stile Early American. I grandi spazi che contraddistinguono questo generoso loft, impreziosito da pregiati parquet in legno di quercia ebonizzata ovviamente courtesy del padrone di casa, sono studiati attentamente per ospitare i quadri degli amici - e non - artisti, tra cui spicca una grande foto di Marina Abramovic (scatto di Marco Anelli), alcuni quadri di Roberto Ruspoli, mentre all’ingresso i visitatori sono accolti da una tela in grande formato di Jan Frank; formato simile per la tela sul muro della cucina, di Alex Stein. Tutto intorno ci sono

le opere – come Nove Teste, i Buddha d’oro e l’Arte povera – di Mirella Virgili, che in casa ha anche lo studio dove realizza quadri e sculture ispirate all’estremo Oriente e alla prima Pop Art, facendo anche tappa in Italia, ogni tanto, per qualche mostra personale, come quella romana di qualche anno fa.

In alto: a sinistra, un’opera d’arte riveste la parete dello showroom di parquet di Mr. Estrin. A destra, il salone. In basso, la facciata dello stabile e lo studio di Mirella Estrin ricavato nel suo loft newyorkese. At top: left, an artwork on the Mr. Estrin’s showroom wall; at right, the living room. Below, the façade of the building and Mirella Estrin’s studio located in her loft in New York.


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The important thing is to enter into her good graces and be invited to dinner, to enjoy a lovely meal whipped up by the sophisticated and knowledgeable hostess – artist and renowned art collector – Mirella Estrin, who shares a passion with her husband for creativity in all its forms. To the point that they have consecrated their own home, a loft in Manhattan, entirely to beauty. To tell the truth, the offices of her husband, who deals in parquet flooring in Harlem – is a treasure trove of artworks: who knows whether his ancestor, who founded the business, could ever have imagined that his heir would build a

showroom that, along with the fine woods with which he chisels sumptuous floors, would display works by pop artists such as Zhang Huan, and especially, a small part of “Gesture”, by Brooklyn artist Manju Shandler, the huge work composed of the three thousand faces of the victims of the terrible attacks on 11 September 2001. Going back to the apartment museum, it preserves and exhibits a large number of works by contemporary artists, though there are also many sophisticated design pieces, such as the chandeliers by Gaetano Pesce and the Early American style queensize bed. The large spaces that distinguish

this generous loft, with its fine ebonized oak parquet floors, obviously courtesy of the owner of the house, have been carefully studied to feature paintings by their artist friends – and not -, including a large photo of Marina Abramovic (taken by Marco Anelli), several paintings by Roberto Ruspoli, while at the entrance visitors are greeted by a large format canvas by Jan Frank; a similar format was chosen for the canvas on the kitchen wall by Alex Stein. All around are works – such as the Nine Heads, the Golden Buddha and Arte Povera – by Mirella like the one she held in Rome several years ago.


A fianco, il salone del loft con in primo piano un’opera di Mirella Virgili, ‘Nove Buddha’. Sopra, la cucina con dietro il bancone un quadro di Alex Stein. In alto, ancora il salone con la cucina sullo sfondo. Across, the living room in the loft with a work by Mirella Virgili, ‘Nove Buddha’, in the foreground. Above, the kitchen with a painting by Alex Stein behind the counter. At top, another view of the living room with the kitchen in the background.

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Qui in basso: a sinistra, la libreria del loft con alcune sculture; a destra, il tavolo da pranzo con una grande fotograďŹ a di Marina Abramovic di Marco Anelli e i lampadari di Gaetano Pesce. In alto: a sinistra, una veduta dâ&#x20AC;&#x2122;insieme del loft; a destra, la cucina. Below: at left, the bookcase in the loft with sculptures; at right, the dining room table with a large photograph of Marina Abramovic by Marco Anelli and chandeliers by Gaetano Pesce. At top: left, an overview of the loft; at right, kitchen space.

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In queste pagine, ufficio, showroom e ritratto del collezionista d’arte Mr. Estrin che commercia in pavimenti di parquet ad Harlem.

These pages, office, showroom and art collector Mr. Estrin’s portrait. He deals in parquet floorings in Harlem.

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NY/ART

COMPLETE CATTELAN ]b Fb\a^e^ P^bll _hmh <kblmbgZ?bhk^gmbgb

New York conquistata dal più celebre artista contemporaneo italiano val bene un’apertura del numero speciale dedicato alla Grande Mela. Proprio alla fine della sua carriera, la mostra è stata un grande omaggio con annessa anche un’ultima opera, quella finale: una cosmogonia del sistema Cattelan secondo lui medesimo. Trattandosi di uno che ha appeso le proprie opere d’arte… al cielo per quasi tutta la carriera, anche la sua prima annunciatissima personale al Guggenheim Museum di New York non poteva che svolgersi allo stesso modo: e così, ecco che 130 opere dell’ormai ex (ipse dixit…) scultore-performer veneto, probabilmente il più famoso (e ricco) artista italiano contemporaneo, hanno costellato le volte della sede newyorchese del museo, dando vita a un caos ragionato ovviamente da amare –o odiare - senza mezze misure, come è nel suo caso. “All” (aperta dal 4 novembre al 22 gennaio 2012), appunto, è il nome della retrospettiva, che ha ripopolato con dissacrante creatività cacofonica, come una sorta di poema visivo, in una nuova mega installazione, il celebre cono architettonico di Frank Lloyd Wright. Cattelan ha realizzato appositamente di persona questa nuova ultima impresa, che mette insieme molti dei suoi classici, riappesi in veste originale, come i bambini impiccati, il Giovanni Paolo II caduto, il cane impagliato, Hitler in ginocchio e via dicendo. Lo spettatore, salendo o scendendo dalla rampa elicoidale del museo, è stato inghiottito nel dedalo sospeso che sembra a guardarlo un monumento-totem di non facile contemplazione. New York conquered by the most famous contemporary Italian artists is well worth the opening page of a special issue dedicated to the Big Apple. At the very end of his career, the exhibition was a great tribute and even included a last work, the final one: a cosmogony of the Cattelan system as expressed by him himself. Considering that this is a man who has suspended his works of art… from the sky throughout most of his career, even his super-anticipated first one-man show at the Guggenheim Museum in New York could do no less: and so, over 130 works by the now ‘ex’ (ipse dixit…) sculptor-performer from the Veneto region, probably the most famous (and richest) contemporary Italian artist, has constellated the vaults of the New York museum, bringing to life a rational chaos that you either love – or hate – with no middle ground, his usual. “All” (open from 4 November to 22 January 2012), is the name of the retrospective, which repopulated the famous architectural cone by Frank Lloyd Wright with a desecrating cacophonic creativity, a sort of visual poem, with a new mega-installation. Cattelan personally created this latest undertaking, which brings together many of his classics suspended in their original version, such as the hanged children, the fallen Pope John Paul II, the stuffed dog, the kneeling Hitler, and so on. The spectator walking up or down the spiral ramp of the museum is swallowed up by the suspended labyrinth, which at first glance looks like monument-totem that is not easy to contemplate.

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Unâ&#x20AC;&#x2122;immagine dal basso dellâ&#x20AC;&#x2122;originale maxi installazione realizzata da Maurizio Cattelan in occasione della retrospettiva a lui dedicata dal Guggenheim Museum di New York.

A view from below of the original maxi installation made by Maurizio Cattelan for the retrospective dedicated to his work by the Guggenheim Museum in New York.

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USA/ARCH

PERFECTING THE PAST M^lmh  ;kZ]e^rPa^^e^k(<hheG^pIkhc^\ml'\hf ?hmh @kZgmFn]_hk] L’architetto Steven Ehrlich recupera un progetto di Rudolf Schindler a Inglewood (Los Angeles), California. Architect Steven Ehrlich nurses a Rudolf Schindler back to health in Inglewood (Los Angeles), California.

Un cimelio architettonico abbandonato, perso di vista e dimenticato è stato acquisito e reso nuovamente vitale dall’architetto Steven Ehrlich, AIA /Ehrlich Architects of Culver City. La dimora di 91 metri quadrati era stata progettata nel 1939 da uno dei padri fondatori del modernismo californiano, Rudolf Schindler, trasferitosi a Los Angeles nel 1920 per lavorare alle commesse di Frank Lloyd Wright nella California meridionale. La struttura fa parte delle tre case a un piano con facciate intonacate, realizzate da Schindler nella West Ellis Avenue, a Inglewood (a sud di downtown Los Angeles). Nel corso della sua storia, la residenza aveva avuto solo due proprietari e si trovava allo stato originale, anche se malridotto. Gli amanti dell’architettura modernista, che facevano di Los Angeles una meta dei loro pellegrinaggi, si domandavano se qualcuno avrebbe provveduto a salvare la residenza unifamiliare e, in caso affermativo, chi. A farla da padrone era il timore, genuino, che l’icona venisse acquistata per il valore del terreno, per poi essere demolita, come spesso è successo ad importanti architetture storiche. Da qui l’intervento di Ehrlich per salvare questa perla di progettazione. Ai fini di una ristrutturazione adeguata, Ehrlich si è innanzitutto proposto di immedesimarsi nell’architetto originale, chiedendosi “Cosa farebbe Schindler oggi?”. L’intento di Ehrlich era quello di onorare e preservare il vocabolario dell’opera, integrandolo con elementi moderni per uno stile di vita contemporaneo. Il primo passo è consistito in una delicata modifica della planimetria e in un adattamento alla vita del XXI secolo, aprendo intelligentemente la cucina al living. Questa mossa ha anche comportato la sostituzione dei contenitori e l’installazione di nuovi elettrodomestici. Durante questa fase iniziale, il bagno è stato considerato privo di rilievo storico, per cui è stato completamente ridisegnato e modernizzato con l’aggiunta di nuovi impianti idonei al progetto. Il secondo passo della campagna di recupero è stato quello

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La casa è una delle tre dimore realizzate da Schindler nella Ellis Avenue, a Inglewood. Nuovi elementi paesaggistici danno vita a un luogo d’incontro da condividere con il vicino. L’elemento architettonico sporgente in corrispondenza dell’entrata principale è stato ristrutturato, consentendo alla luce di penetrare più diffusamente, secondo l’intento originario di Schindler. A sinistra: prospetto del giardino. Le membrane impermeabilizzanti ora invisibili ricreano le linee parete-tetto arricciate di Schindler.

The house is one of three homes by Schindler on Ellis Avenue in Inglewood. New landscaping creates a communal gathering place with the neighbor. The architectural overhang by the front entrance was restored, allowing for more light to enter the home, the way Schindler originally intended. Left: garden elevation. The now invisible water proofing membranes recapture Schindler’s crisp wall-to-roof lines.


di conservare gli infissi originali in legno al meglio, sostituendo tuttavia i vetri singoli con vetro temperato. Nella seconda fase era inoltre previsto l’isolamento di tutte le pareti, dei soffitti e del tetto, nonché la sostituzione di un impianto ad aria forzata in amianto con un nuovo sistema di riscaldamento, ventilazione e condizionamento dell’aria. I cappucci in metallo aggiunti nel corso degli anni alle pareti in stucco esterne per tenere lontana la pioggia sono stati sostituiti con membrane impermeabilizzanti invisibili, per ricreare le linee parete-tetto di Schindler. Il camino originale in mattoni e intonaco è stato meticolosamente restaurato, per cui funge ancora da naturale punto focale. Nella terza e ultima fase l’attenzione è stata rivolta agli esterni dell’immobile, spostando un patio

in mattoni nel retro del giardino. Ehrlich ha inoltre progettato un pergolato in acciaio zincato ispirato alle verande del capolavoro di Schindler di Kings Road (1922), per offrire ombra e supporto a una vite di 70 anni coltivata nella tenuta. Infine, sono stati diffusamente piantati elementi paesaggistici resistenti alla siccità per collegare il cortile anteriore con l’abitazione vicina realizzata su progetto di Schindler, secondo lo spirito dell’originale intento modernista, nell’ottica di promuovere un senso di spazio condiviso. Con l’opera di ristrutturazione di Ehrlich, la Schindler House presenta una rinnovata vitalità che valorizza i suoi punti di forza architettonici. Per vedere un video di Steven Ehrlich, FAIA, e conoscere più da vicino l’opera dello studio, collegarsi al sito www.s-ehrlich.com

Sotto, il camino originale, meticolosamente restaurato, funge da punto focale del salotto. Pagina a fianco, in alto, vista dell’ingresso dal salotto. Vicino alle scale, nel progetto è stato reintrodotto un angolo studio. In basso, le credenze della cucina sono state sostituite e riconfigurate con l’installazione di nuovi elettrodomestici, in linea con l’approccio creativo di Schindler ai materiali e le esigenze degli occupanti.

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Below, the original fireplace was meticulously restored and serves as the focal point of the living room. Opposite. Top, the entrance viewed from the living room. By the stairs, a missing desk area was reintroduced to the plan. Bottom, the kitchen cabinetry was replaced and reconfigured with new appliances installed. All in keeping with Schindler’s inventiveness with materials and the needs of the occupants.


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A forlorn, long-lost and forgotten architectural relic has been acquired, resuscitated and nursed back to its former vitality, thanks to architect Steven Ehrlich, AIA of Ehrlich Architects of Culver City. The 91 square meter (981 square foot) house was created in 1939, by one of the founding fathers of California Modernism, Rudolf Schindler, who had relocated to Los Angeles in 1920 to work on Frank Lloyd Wright’s commissions in southern California. The structure is one of Schindler’s three single-story plasterfaçade homes on West Ellis Avenue in the city of Inglewood (21 kilometers/13 miles south of downtown Los Angeles.) Throughout the 70+ years of the project’s life, it had had only two owners and was in original but extremely poor condition. Architecture aficionados making the Los Angeles modernist pilgrimage wondered out loud whether the singlefamily detached residence would be rescued and if so, by whom? All the hand-wringing was due to the genuine fear that the icon would be purchased for its land value, and then succumb to the “wrecking ball,” as has befallen many an architectural icon along the way.

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Enter Architect Steven Ehrlich to save the West Ellis Avenue treasure. In order to properly renovate the design, Ehrlich first “channeled” the original architect by asking himself, “What would Schindler do today?” Ehrlich’s intention was to honor and conserve the vocabulary of the work, while adding modern amenities for contemporary living. Step one of the intervention was to delicately alter the plan and make it more responsive to twenty-first century life by cleverly opening up the kitchen to the living room. This move also included replacing cabinetry and installing new appliances. During this first wave, the bathroom was deemed to be without historic significance and therefore was completely redesigned and updated with new fixtures befitting the effort. Step two of the rescue campaign was to preserve the original wood window- and door frames as much as possible but replace the original singlepaned glazing with tempered glass. Phase two also included insulating all walls, ceilings and roof as well as replacing an asbestos FAU (forced air unit) system with a new rooftop HVAC (heating ventilation and air conditioning) unit and ducting.

Metal caps that had been added over the years to exterior stucco walls to keep the rain out were replaced with invisible waterproofing membranes, recapturing Schindler’s crisp wall-to-roof lines. The original brick and plaster fireplace was meticulously restored and once again serves as the natural focal point of the living room. The third and final step was to concentrate on the exterior of the property by relocating an existing brick patio to the back of the garden. Ehrlich also designed a galvanized steel trellis inspired by the sleeping porches of Schindler’s 1922 Kings Road masterpiece to provide shade and support for a 70-year-old grape vine growing on the property. Finally, extensive new droughtresistant landscaping was planted to tie together the front yard with the neighboring Schindler-designed home, in the spirit of the modernist’s original intention, which was to foster a sense of shared space. With Ehrlich’s restoration, the Schindler House has a renewed vitality that enhances its architectural strengths. See a video of Steven Ehrlich, FAIA, and more of the studio’s work @ www.s-ehrlich.com


Il patio originale in mattoni è stato spostato e un pergolato in acciaio, ispirato alle verande della Kings Road House di Schindler, sostiene una vite già presente in precedenza. Pagina a fianco, la cucina si apre ora sul salotto. Le condutture in amianto e la vecchia caldaia sono state sostituite da un nuovo sistema posizionato sul tetto. The original brick patio was relocated and a steel trellis - inspired by the sleeping porches of Schindler’s Kings Road House - now supports an existing grape vine. Opposite, the kitchen now opens up to the living room. Asbestos ducts and old furnace were replaced with a new roof top system.

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ARCHITECTURE/INTERIOR

COLUMBIA PUBLIC LIBRARY M^lmh ;kZ]e^rPa^^e^k(<hheG^pIkhc^\ml'\hf ?hmh`kZÛ^MhfD^lle^k I temi della creatività e della fantasia sono elemento portante del progetto della biblioteca realizzata a Columbia, nel Missouri, ideata da Holzman Moss Bottino Architecture, studio con sede a New York. The elements of creativity, imagination and enchantment have been combined in a single library in Columbia, Missouri, thanks to the efforts of Holzman Moss Bottino Architecture.

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La Columbia Public Library è contemporaneamente ‘meta’ architettonica e simbolo della celebrazione dell’apprendimento e della ricerca della conoscenza. Visitando la struttura per la prima volta, si viene immediatamente colpiti dalla geometria della struttura e dalla sua sovradimensionalità. Qui, piccoli spazi ‘giocano a nascondino’ con volumi più ampi, mentre balconate, ponti e corridoi sospesi interagiscono gli uni con gli altri contendendosi il titolo ufficioso di luogo di lettura più cool. Addentrandosi nell’anima del progetto, i visitatori si rendono conto della straordinaria quantità e qualità della luce naturale. È grazie all’abbondanza del vetro che la luce illumina copiosamente il cuore dell’edificio e contribuisce a mettere in evidenza gli strati delle molteplici forme, in un intreccio di strutture, colori e gioia di vivere. La disposizione degli spazi e l’ideazione della forma hanno a che fare con interno ed esterno in egual misura. L’intero edificio è caratterizzato da un semicerchio collegato a una torre d’ingresso conica visibile da downtown Columbia (che conta 108.500 abitanti). Costruita su più livelli, la torre funge metaforicamente e fisicamente da faro, richiamando l’attenzione su di sé e invitando al contempo i passanti ad avventurarvisi e a esplorare i tesori contenuti. Questo curioso faro sfaccettato è realizzato con lastre di vetro verticali separate da pan-

nelli di vetrocemento. L’effetto luminoso è osservabile in particolare durante le notti più buie, quando l’intera torretta è intensamente illuminata dal vigoroso bagliore dell’ambiente letterario. Oltre al notevole fulgore della luce e all’evidente briosità dell’architettura, un altro dei segreti fondamentali del successo e dell’interesse suscitato dai progetti di Holzman Moss Bottino risiede nell’essenzialità della tavolozza dei materiali accuratamente selezionati. Nel caso della Columbia Public Library, l’esterno in pietra variegata demarca le varie zone contenute nel semicerchio.

Sopra, veduta aerea dell’intero progetto. Nella pagina accanto, modello di studio in cartone del sito e schema di costruzione.

Above, an aerial view of the whole project. Opposite, cardboard study model of the site and building diagram.

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All’interno le singole aree presentano strutture e colori differenti, che conferiscono tratti distintivi e consentono loro di fungere da punti di riferimento. “Il nostro intento nella realizzazione del progetto non è stato soltanto quello di seguire le direttive ricevute, ma di andare oltre”, commenta Malcolm Holzman, FAIA, uno dei responsabili dello studio. L’architetto puntualizza che il concept iniziale non è stato semplicemente quello di ospitare dei libri, ma di creare “un ambiente che favorisse l’apprendimento e alimentasse la passione per la lettura nei fruitori di tutte le età”. Holzman Moss Bottino Architecture è attualmente impegnato nella realizzazione dei seguenti progetti: la McAllen City Performing Arts Facility (7.104 metri quadrati) a Mcallen City, nel Texas, la Buley Library della Southern Connecticut State University (11.148 metri quadrati) a New Haven, nel Connecticut, e la Fase II del Center for Contemporary Arts della Shepherd University (2.555 metri quadrati) a Shepherdstown, in West Virginia. www.holzmanmoss.com.

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Nella pagina accanto, vedute notturne che evidenziano la porosità dell’involucro esterno. Tagli sfaccettati consentono alla luce diurna di illuminare copiosamente l’interno, spezzando il ritmo della facciata.

Opposite page, night views emphasizes the porous exterior envelope. Faceted cuts influx copious daylight into the interior while breaking the rhythm of the facade.

The New York City-based firm designed the 9476 square meter (102000 square foot) Columbia Public Library not only as “destination” architecture, but also as a symbol of the celebration of life-long learning and the invigorating pursuit of knowledge. While visiting the facility for the first time, one is immediately struck by the geometry of the structure and its spirited dimensionality. Here, slots of space play “hide and goseek” with larger volumes while an interplay among balconies, bridges and suspended “skyways” vie with one another for the unofficial title of “coolest” reading spot in the “Show Me” state. As a visitor journeys deeper into the design’s core, the quantity and quality of the natural light is remarkable. The light is thanks to an abundance of glass which influxes copious illuminance into the heart of the building. The light helps emphasize the layers of the multitudinous shapes—all interwoven with textures, colors and joie de vivre. Both the layout and the envelope of the form have as much to do with the interior as the exterior. The entire edifice is zoned into a semicircle anchored at one end by a conical-shaped entrance tower that can be viewed from downtown Columbia (population 108500). Rising from the multi-level composition, the tower metaphorically and physically acts as a type of lighthouse, drawing attention to itself while at the same time inviting passersby within eyeshot (and beyond) to venture inside and explore the treasures contained within. This curious “lighthouse” is faceted with sheets of vertical glazing separated by panels of glass block. The “lighthouse effect” is especially visible during dark nights, when the entire “turret” is brightly illuminated from the hearty glow of literary ambiance.In addition to the remarkable effulgence of light and the obvious playfulness of the architecture, another key factor in the Holzman Moss Bottino recipe for successful and exciting

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campaigns is an essential palette of well-chosen materials. In the case of the Columbia Public Library, an exterior of varied stone demarcates the various zones contained inside the halfcircle opera. Inside, individual areas are textured (and colored) differently, giving each a distinctive character as well as serving as way markers. “Our intention in designing the project was not merely to accommodate the program brief, but to exceed it,” comments Malcolm Holzman, FAIA, one of the firm’s principals. The architect underscores that the initial concept was not only to house books, but moreover, to create “an environment that fosters

learning and fans the passion of reading for all ages.” Projects currently underway for Holzman Moss Bottino Architecture are the 7104 square meter (76465 square foot) McAllen City Performing Arts Facility in McAllen City, Texas, the 11148 square meter (120000 square foot) Southern Connecticut State University’s Buley Library in New Haven, Connecticut, and the 2555 square meter (27500 square foot) Phase II of Shepherd University’s Center for Contemporary Arts, in Shepherdstown, West Virginia. www.holzmanmoss.com.

La biblioteca è caratterizzata da forme complesse contenute in spazi semplici.

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Complex shapes within simple spaces characterize the library.


In alto a sinistra: una vista dal soppalco. In alto a destra, una delle sale riunioni, che possono fungere da aule in tutta la biblioteca. Sopra, il banco della reception. A destra, bambini si divertono con forme e motivi che stimolano la fantasia.

Top left, looking down from the mezzanine above. Top right, meeting rooms can serve as classrooms throughout the library. Above left, the reception desk. Right, children relish in shapes and patterns which stimulate the imagination.

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IMAGINON ImaginOn (Charlotte, Carolina del Nord) è un’architettura di fantasia e luce che funge da centro di apprendimento e festival della conoscenza per giovani di tutte le età. Questa fantasiosa creazione dello studio Holzman Moss Bottino Architecture collega la Public Library of Charlotte and Mecklenburg County e il Children’s Theater of Charlotte. Queste due rinomate istituzioni culturali condividono ora non solo la ragion d’essere ma anche il medesimo sito, che occupa un intero isolato di downtown Charlotte. La struttura soddisfa le esigenze dei quasi 2,4 milioni di abitanti della zona metropolitana e dei suoi sobborghi. Charlotte, North Carolina, is home to ImaginOn, an architecture of fantasy and delight that serves as an inspired center of active learning and a festival of knowledge for youth of all ages. This imaginative creation of the New York City firm Holzman Moss Bottino Architecture links the Public Library of Charlotte and Mecklenburg County and the Children’s Theater of Charlotte. These two renowned cultural institutions now have in common not only their shared raison d’être— the enlightenment of children—but also the same dedicated site, which occupies a full city block in downtown Charlotte. The facility caters to the nearly 2.4 million inhabitants living in the greater metropolitan area.

Sopra, la facciata principale, che invita i visitatori ad avventurarsi all’interno. A destra, alcuni degli spazi esterni protetti. Sotto, forme esterne che corrispondono perfettamente a quelle interne. Il ritmo spezzato della facciata offre ulteriori punti visivi. Nella pagina accanto, la tecnologia informatica è un punto focale della struttura.

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Top, the main facade invites visitors to venture inside. Right, some protected exterior spaces enhance the experience. Below, the interior form is dramatically expressed on the exterior. The expressed form on the exterior of the envelope breaks the cadence of the facade and adds visual high points. Opposite, computer technology is a main focus of the facility.


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La Spangler Library richiama bambini e adulti di tutte le età. In alto, le esposizioni interattive riscuotono molto successo. Qui sopra e a destra, aule dedicate alle arti dello spettacolo sono disseminate in tutto l’edificio. Pagina accanto. La stravaganza è un elemento dominante dell’intera opera dello studio. Uno dei due teatri si caratterizza per le dimensioni e la vicinanza del palcoscenico al pubblico.

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The Spangler Library attracts children (and adults) of all ages. Top, interactive displays are big hits. Above and right, individual performing arts classrooms are throughout the building. Opposite. Whimsy is a prevalent element in all of the firm’s work. One of two theaters add scale and proximity between the stage and the audience.


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THE WYLIE MUNICIPAL COMPLEX Il Wylie Municipal Complex è un’ampia struttura comunitaria progettata per la città di Wylie, in Texas (a nord-est di Dallas), in rapida crescita. La direttiva è stata quella di dare vita a un complesso costituito da tre elementi, per riunire il municipio, il centro ricreativo e la biblioteca pubblica. Per realizzare questo obiettivo, il team progettuale Holzman Moss Bottino Architecture ha ideato tre edifici collegati da una parete frontale in calcare del Texas di 213 metri di lunghezza. La parete in pietra ondulata si traduce in una significativa presenza costruttiva, ergendosi da un’altezza di 3 metri all’estremo angolo est della biblioteca fino a 14 metri in corrispondenza del Municipio di tre piani. La facciata in calcare è caratterizzata da funzioni speciali – la Camera di Consiglio, una pista e la Young Adult Lounge della biblioteca – ospitate in vigorosi volumi geometrici. The Wylie Municipal Complex is an expansive new community facility for the fast-growing City of Wylie, Texas (northeast of Dallas). The brief was to create a three-part complex which combined the community’s city hall, recreation center, and public library. To achieve this, the design team led by Holzman Moss Bottino Architecture, designed three buildings connected by a 213 meter (700 foot) long Texas limestone front wall. The undulating stone wall creates a significant civic presence as it rises from 3 meters (10 feet) tall at the far east corner of the library to 14 meters (45 feet) at the threestory City Hall. Special functions - the Council Chamber, running track, and library Young Adult Lounge - housed in strong geometric volumes punctuate the limestone face.

In alto, il complesso suddiviso in tre elementi riunisce il municipio, il centro ricreativo e la biblioteca pubblica. Sopra, l’estremità della struttura rende evidente l’aspetto curvilineo dell’architettura. A sinistra, uno dei due portali d’ingresso che delimitano i corridoi che attraversano la parete per giungere ai cortili d’ingresso. Sotto, modello del Wylie Municipal Complex che evidenzia la sinuosità dell’esterno.

Top, the three-part complex combines the community’s city hall, recreation center and public library. Above, the end of the facility makes evident the curvilinear aspect of the architecture. Left, one of two entry portals which mark passageways through the wall to entry courtyards beyond. Bottom, model of the Wylie Municipal Complex shows the exterior to be sinuous and undulating.

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Sopra, la pista che si snoda attraverso il centro ricreativo sovrastando in alcuni punti la parete da roccia. Sotto, lâ&#x20AC;&#x2122;amplia biblioteca dedicata ai bambini, immersa nella luce naturale. Colori e forme danno vita ad aree laterali della biblioteca dedicata ai bambini. Nella pagina accanto, una balconata avvolgente si affaccia sul centro ricreativo.

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Top, the running track looks down onto the climbing wall in the recreation center. Below, the voluminous childrenâ&#x20AC;&#x2122;s library is bathed in natural light. Colors and shapes make up side areas of the childrenâ&#x20AC;&#x2122;s library. Opposite, wraparound balcony overlooks the recreation center.


Z \nkZ ]b KhlZ FZkbZ KbgZe]b Really.it è il contenitore ideato da DDN per parlare di tutto quanto viene pensato e realizzato in Italia, nel presente o nel passato, nei territori del progetto, spaziando dal design all’artigianato, alla moda, allo sport, all’arte e al food. Naturalmente, selezionando materiali e immagini nel rispetto e alla ricerca della massima qualità che connotano il Made in Italy. Così, in queste pagine, si documenta il museo della moda e del costume recentemente aperto a Milano, attualizzandolo con la mostra dedicata alle eccellenze italiane. A seguire, la storia del design fa nuova luce su due grandi progettisti, i DDL e Riccardo Dalisi, riletti in chiave odierna in mostre ancora in corso e libri di nuova pubblicazione. Infine, due esempi progettuali di spazi pubblici e privati diventano modelli della progettazione contemporanea. Really.it is a column invented by DDN to talk about what is being conceived and made in Italy, in the present or in the past, in the areas of design, ranging from product design to craftsmanship, to fashion, sport, art and food. It will naturally select material and images that represent and seek out the finest qualities that distinguish Made in Italy. In this perspective, the following pages document the museum of fashion and costume that recently opened in Milan, reporting on its current exhibition dedicated to Italian fields of excellence. Then the history of design sheds new light on two great designers, DDL and Riccardo Dalisi, reconsidered in the light of today, in ongoing exhibitions and newlypublished books. And finally two examples of the design of public and private spaces become models of contemporary design.

Accanto, poltrona gonfiabile, De Pas, D’Urbino e Lomazzi per Zanotta. Across, inflatable armchair, De Pas, D’Urbino and Lomazzi for Zanotta.

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MESTIERI D’ARTE ARTS AND CRAFTS ]b @bnebZ;kngh Accessori per la moda, oreficeria, pelletteria, carta, tessuti, ricami, vetri, strumenti musicali: l’artigianato italiano è da secoli un’eccellenza del nostro paese e proprio nell’artigianato hanno radici grandi, medie e piccole imprese. Fashion accessories, goldsmithery, leather goods, paper, fabrics, embroidery, glassware, musical instruments: for several centuries crafts have been standing out in Italy; indeed, large, medium and small size businesses have been rooted in crafts.

Qualità tipica del territorio lombardo, la cultura del fare rende i mestieri d’arte interlocutori privilegiati nel mondo del lavoro. In occasione delle Giornate Europee dei Mestieri d’Arte, ‘Capi d’Opera. Le eccellenze del saper fare a Milano e in Lombardia’ a cura di Ugo La Pietra, con il sostegno di Vacheron Constantin, esplora diverse attività artigianali nella bella cornice di Palazzo Morando Costume Moda Immagine, a Milano. Particolarmente ricca di imprese per ragioni storiche e geografiche, la Lombardia vanta un effettivo primato per strutture produttive, diverse per tipologia e dimensioni ma sempre di alto valore qualitativo. Che siano a livello industriale come Valextra o Frigerio o piccole realtà come la bottega di Pierluigi Ghianda o il laboratorio d’argenteria De Vecchi, il rapporto con il progettista, architetto, designer favorisce da sempre la qualità del prodotto. Proprio la qualità è stato il criterio di scelta per le presenze alla mostra milanese, arricchita da piccoli laboratori dimostrativi della abilità artigianale lombarda, come il ricamo d’alta moda dell’atelier di Pino Grasso, che lavora, tra gli altri, per Schuberth, Lancetti, Valentino, Armani, Dolce & Gabbana. Il valore artigianale è mantenuto nel pieno rispetto delle tradizioni nelle opere della Scuola Orafa Ambrosiana, della Civica Scuola di Liuteria di Milano e della Fondazione Antonio Stradivari di Cremona; segue un percorso contemporaneo e innovativo nelle piccole serie di Edoardo Perri.

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In alto, borse Valextra, tra cui la 24 Ore, Compasso d’Oro nel 1954, foto Giulia Bruno. Qui, a sinistra, ricostruzione di due costumi di Lila de Nobili per Maria Callas ne La Traviata di Luchino Visconti (1955), per l’Accademia Teatro alla Scala. Sopra, l’incastonatore Matteo Audino della Scuola Orafa Ambrosiana, foto Giulia Bruno. Pagina accanto: l’artigiano Lorenzo Grignani all’opera su una borsa Valextra, foto Giulia Bruno; candeliere in argento T8 di Piero De Vecchi, Premio Triennale di Milano 1947, per Vhernier De Vecchi Design. Top, bags by Valextra, including the 24 Ore model, which won the Gold Compass Award in 1954, photo by Giulia Bruno. Left, reconstruction of two costumes designed by Lila de Nobili for Maria Callas in La Traviata by Luchino Visconti (1955), performed for Accademia Teatro alla Scala. Above, the setter Matteo Audino of Scuola Orafa Ambrosiana, photo by Giulia Bruno. Opposite: the artisan Lorenzo Grignani working on a Valextra bag, photo by Giulia Bruno; T8 silver candelabra by Piero De Vecchi, winner of an award at the 1947 Triennale in Milan, for Vhernier De Vecchi Design.

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I lavori di Michele De Lucchi, Massimiliano Adami, Duilio Forte esemplificano il fenomeno dell’impresa individuale, che vede l’impegno personale nell’ideazione, produzione, comunicazione e vendita della propria opera. ‘Capi d’Opera’ suscita curiosità e interesse nei confronti delle professioni d’arte, risvegliando l’attenzione sul patrimonio di attività, mestieri e tradizioni diventato famoso nel mondo come sinonimo di italian style.

Qui a fianco, Raffaella Grasso e la ricamatrice Erminia Castioni fra i ricami d’alta moda Pino Grasso, foto Giulia Bruno. Sotto, Derby a due fori con suola cucita Goodyear per Calzoleria Rivolta, foto Emanuele Zamponi 2012.

A hallmark of the Lombard region, the ‘culture of making’ allows art and crafts to function as preferred players in the working world. In conjunction with the Giornate Europee dei Mestieri d’Arte

Right, Raffaella Grasso and the embroiderer Erminia Castioni with Pino Grasso’s haute couture embroidery, photo by Giulia Bruno. Below, twohole Derby, with sewn Goodyear outsole, for Calzoleria Rivolta, photo by Emanuele Zamponi 2012.

(European Days of Arts and Crafts), ‘Art Garments. The excellence of the know-how in Milan and Lombardy’, curated by Ugo La Pietra, with the support of Vacheron Constantin, investigated arts and crafts against the beautiful background of Palazzo Morando Costume Moda Immagine, in Milan. Lombardy, which can boast many businesses for historical and geographical reasons, ranks first in the number of production facilities, which vary in type and dimensions, while sharing a high quality standard. Whether industrial enterprises, like Valextra and Frigerio, or small-size firms, like Pierluigi Ghianda’s workshop and the De Vecchi silverware workshop are involved, relationships with designers and architects have always involved giving priority to product quality. Quality meant the criterion for selecting the exhibitors at the event staged in Milan, enriched with small workshops demonstrating Lombard craftsmanship, including the haute couture embroidery of Pino Grassi’s atelier, which works, for example, for Schuberth, Lancetti, Valentino, Armani, Dolce & Gabbana. Such craftsmanship is maintained, while fully respecting traditions, in the works of the Scuola Orafa Ambrosiana, Civica Scuola di Liuteria in Milan, and Fondazione Antonio Stradivari in Cremona; Edoardo Perri’s small collections are based on a contemporary, innovative path. The works by Michele De Lucchi, Massimiliano Adami and Duilio Forte illustrate the phenomenon of one-man business concerns, which involve personal engagement in conceiving, producing, promoting and

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selling one’s own work. ‘Art Garments’ aroused curiosity and interest in art professions, drawing attention to arts, crafts and traditions which have become synonymous with Italian style worldwide.

In questa pagina, da sinistra in senso orario: piccolo laboratorio della Civica Scuola di Liuteria di Milano e Fondazione Antonio Stradivari, foto Giulia Bruno; struttura Eroica MSE1 (2006) di Michele De Lucchi, foto Michele De Lucchi; tavolo SKV (2004) di Duilio Forte per AtelierFORTE, foto Duilio Forte.

This page, from left, clockwise: small workshop held by Civica Scuola di Liuteria in Milano and Fondazione Antonio Stradivari, photo by Giulia Bruno; Eroica MSE1 (2006) by Michele De Lucchi, photo by Michele De Lucchi; SKV table (2004), designed by Duilio Forte for AtelierFORTE, photo by Duilio Forte.

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Da sinistra, in senso orario: tavolino Olas di Edoardo Perri e Dario Riva, realizzato da Carlo Bellini e Umberto Gnaro per Whomade; particolare di lavorazione di borse Valextra; pipa Velata in erica arborea (2010) per Pipa Castello di Carlo Scotti, foto Emanuele Zamponi 2012. Pagina accanto, particolare di abito architettura Archivio Mila Schรถn, foto Emanuele Zamponi 2012.

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From left, clockwise: Olas coffee table by Edoardo Perri and Dario Riva, made by Carlo Bellini and Umberto Gnaro for Whomade; peculiar working method for Valextra bags; Velata pipe, made of Erica arborea (2010), for Pipa Castello, owned by Carlo Scotti, photo by Emanuele Zamponi 2012. Opposite, detail of an architectural dress from Archivio Mila Schรถn, photo by Emanuele Zamponi 2012.


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LE ORIGINI DELLA MODA IN MOSTRA A MILANO THE ORIGINS OF FASHION ON EXHIBIT IN MILAN

Anche nel mondo del fashion conoscere il passato è importantissimo. A Milano il nuovo allestimento del Museo Costume Moda Immagine, nella splendida cornice di Palazzo Morando, ripercorre lâ&#x20AC;&#x2122;immagine femminile tra Ottocento e Novecento.

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Even in the world of fashion it is extremely important to understand the past. In Milan, the new exhibition at the Museo Costume Moda Immagine in the splendid venue of Palazzo Morando, reviews the image of women from the nineteenth through the twentieth centuries.


Non tutti lo sanno ma senza conoscere a fondo il proprio passato anche il mondo del fashion contemporaneo non sarebbe quello che è adesso. L’occasione per rimediare c’è: a Palazzo Morando è stata da poco inaugurata “L’immagine femminile a Milano dal 1848 al 1914”, il nuovo allestimento del museo Costume Moda Immagine, che, sull’onda lunga del Centocinquantesimo dell’Unità d’Italia, è dedicato all’abbigliamento delle donne nel Risorgimento e nell’Italia post unitaria. Al primo piano del magnifico palazzo settecentesco milanese, nelle sale della Pinacoteca e nell’appartamento Morando si possono vedere diciotto abiti eccezionali, selezionati da Alessia Schiavi e Elisabetta Chiodini, che illustrano i cambi di stile delle signore milanesi tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo, mostrando così uno spaccato dell’immagine della società meneghina a cavallo di due secoli. Ovviamente, per le dame della buona borghesia, l’abito, in quanto “divisa pubblica”, era tutto o quasi: nulla era lasciato al caso per offrire in società un’immagine impeccabile di sé. Imperava quindi ancora il “vitino da vespa”, che veniva perseguito attraverso i famigerati busti costrittori, e le crinoline, costituite da cerchi di ferro (le cercine) che gonfiavano a dismisura le gonne che, nell’ultimo trentennio dell’Ot-

tocento hanno rappresentato la più grande innovazione della moda femminile: la forma infatti mutò radicalmente, passando da quella cosiddetta a “campana” al modello “tulipano”, col rigonfiamento nella parte alta del didietro; mentre i colori dei vestiti erano armonici, soprattutto nella scelta dei colori da abbinare, e non meno accurata doveva essere la combinazione di tutti gli accessori. Sul finire del XIX secolo, invece, accade una piccola rivoluzione, con gonne e corsetti che apparvero completamente trasformati: le prime, abbandonato ogni rigonfiamento, cadevano dritte e morbide ai piedi, i secondi rinserravano in modo più ridotto e attillato i busti. Cappelli sempre più ampi – simili a parasoli – sostituirono i copricapo che, dagli anni Settanta, si erano progressivamente rimpiccioliti. Realizzata grazie al contributo di Baccarat, “L’immagine femminile a Milano dal 1848 al 1914” s’inscrive nel nuovo corso dell’amministrazione milanese, che punta a far “cambiare passo alla cultura cittadina, producendo allestimenti di alta qualità scientifica rispettando la coerenza dei luoghi che li accolgono”, secondo quanto dice l’Assessore alla Cultura, Moda, Design Stefano Boeri, illustrando il nuovo progetto espositivo a Palazzo Morando. http://www.costumemodaimmagine.mi.it/

Not everyone is aware of this, but without a deep understanding of its own past even the world of contemporary fashion would not be what it is today. Here comes an opportunity to make up for it: Palazzo Morando has recently inaugurated “The Image of Women in Milan from 1848 to 1914”, the new exhibition at the Museum of Costume Fashion Image, which in the wake of the celebrations of the onehundred fiftieth anniversary of the Unity of Italy, is dedicated to women’s dress during the Risorgimento and after the unification of Italy. On the first floor of the magnificent eighteenth-century palace in Milan, in the rooms of the Art Gallery and in the Morando apartment, eighteen exceptional dresses are now on display, selected by Alessia Schiavi and Elisabetta Chiodini, to illustrate the

way fashion changed for the ladies in Milan between the end of the nineteenth and the beginning of the twentieth centuries, providing an overview of the image of Milanese society at the turn of the century. Obviously, the ladies of the bourgeoisie considered their dress, their “public uniform”, to be everything or just about: nothing was left to chance as they sought to offer society an impeccable image of themselves. Still dominating the picture were the “wasp waist”, achieved by wearing the famous corsets that cinched the waist, and crinolines, made out of metal hoops that ballooned their skirts beyond measure and which in the last thirty years of the nineteenth century represented the most significant innovation in women’s fashion: the form in fact changed radically, from the socalled “bell” shape to the “tulip” style, in which bustles filled out the top of the dress at the back; the colours of the dresses were harmonious, as was the choice of colours matched to them, and the selection of accessories was equally meticulous. At the end of the nineteenth century, a small revolution occurred, completely transforming skirts and corsets: the former abandoned the idea of fullness, falling straight and soft down to the floor, the latter loosened the tight and slender shape of the busts. Hats grew larger – similar to parasols – replacing the headdresses that since the 1860’s had been progressively shrinking. Made possible by the support of Baccarat, “The Image of Women in Milan from 1848 to 1914” is part of the new course of the city government in Milan, which wants to “change the direction of culture in the city, producing exhibitions with a significant scientific quality that respect the coherence of the venues in which they are displayed”, says the City Councillor for Culture, Fashion and Design Stefano Boeri, illustrating the new exhibition project at Palazzo Morando. http://www.costumemodaimmagine.mi.it

In queste pagine, alcuni storici capi di moda femminile tra Ottocento e primo Novecento esposti nell’ultimo allestimento del Museo Costume Moda Immagine a Palazzo Morando. On these pages, historical women’s fashion items from the nineteenth and early twentieth centuries in the latest exhibition at the Museum of Costume Fashion Image at Palazzo Morando.

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PIÙ VELOCI DELLA LUCE ]b Fb\a^e^ P^bll

FASTER THAN LIGHT

Ernesto Colnago ha trasformato in lavoro la sua grande passione per le biciclette arrivando a costruire prototipi all’avanguardia usati da grandi campioni come Merckx e Saronni e reggendo l’urto con la globalizzazione. Ernesto Colnago transformed his great passion for bicycles into a job, building the avant-garde prototypes ridden by great champions such as Merckx and Saronni, and resisting the onset of globalization.

Dalla malasorte può nascere una storia di grande passione e successo italiana. Giovane ciclista professionista a cavallo degli anni Quaranta e Cinquanta, Ernesto Colnago si rompe una gamba dopo una caduta e, costretto a un periodo di riposo forzato a casa sua a Cambiago, alle porte di Milano, comincia a sviluppare quella che sarebbe diventata la sua nuova e duratura passione, costruire biciclette. Da hobby a professione il salto è immediato, la Colnago nasce nel 1952 e, in poco più di un decennio, diventa un punto di riferimento per tutti gli addetti ai lavori, rivaleggiando con la mitica Bianchi, e dando vita a modelli innovativi di due ruote portate alla gloria da campioni straordinari, come, tra gli altri, il “cannibale” Eddy Merckx, per cui viene realizzato appositamente il mezzo per il record dell’ora del 1972, e un grandissimo del ciclismo italiano, Giuseppe Saronni, plurivincitore del Giro d’Italia. Sembra ancora ieri ma è già passato più di mezzo secolo, anche se Ernesto è sempre in sella nonostante gli ottant’anni felicemente portati, e la sua azienda sempre a conduzione familiare non solo non ha sofferto l’arrivo della globalizzazione ma, addirittura, ha trovato modo di aprire una seconda sede niente meno che negli USA. Il segreto per restare competitivi, cura maniacale tipica degli artigiani del prodotto a parte, è la voglia di arrivare sempre prima degli altri, come dice lo stesso Ernesto Colnago: “La Colnago negli anni si è evoluta ed è sempre all’avanguardia nella ricerca e nello sviluppo di

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nuove tecnologie. Pur essendo una realtà di piccole dimensioni, paragonata ai colossi stranieri, utilizziamo il meglio del mercato in quanto a processi e materiali. Siamo stati i primi a realizzare i telai in fibra carbonio, i primi a utilizzarli con i corridori professionisti, scontrandoci contro il parere e le critiche degli altri. Ora, a distanza di anni, tutti i telai di alta gamma sono in questo materiale”. Per capire di chi stiamo parlando, Colnago già negli anni Ottanta aveva stretto un patto di ferro con il grande Drake dell’automobilismo italiano, Enzo Ferrari, arrivando a studiare le bici nelle gallerie del vento di Maranello. Adesso, dopo una serie di modelli innovativi, l’ultima arrivata, la “K.zero”, è una bici da fantascienza, “un’altra piccola rivoluzione in casa Colnago. È studiata per essere la bici più veloce di sempre e permettere ai nostri corridori professionisti di competere per vincere il Tour de France. Per questa due ruote, abbiamo fatto ampio uso delle tecnologie di cosiddetta derivazione aerospaziale, con le analisi dell’aerodinamica e le prove in galleria del vento”. La strada per non fermarsi mai, conclude il patron, è una sola: “L’azienda Colnago, da sempre, si regge sulla passione dei suoi singoli a partire dal nucleo familiare. L’unico modo che abbiamo di restare a galla in un mondo sempre più legato all’immagine è continuare a investire e guardare oltre, senza mai fermarci e senza scordare quello che per molti è il nostro punto di forza: il passato”. www.colnago.com

In queste pagine, due immagini della nuova bicicletta da corsa Colnago, la K.zero. Nelle foto storiche, Eddy Merckx in azione (a sinistra) e prima di una gara davanti a un modello storico Colnago.

On these pages, two views of the new Colnago racing bike, the K.zero. In the historic photos, Eddy Merckx in action (at left) and before a race in front of a historic Colnago model.


La C59 Colnago, top di gamma 2012 e Pierre Rolland della Colnago vince l’Etoile de Bessèges 2012. The C59 Colnago, top-of-the-line 2012 and Pierre Rolland from the Colnago team wins the Etoile de Bessèges 2012.

Bad luck can sometimes generate a story of great passion and success in Italy. As a young professional cyclist between the Forties and Fifties, Ernesto Colnago broke his leg during a fall, and was forced to observe a period of absolute rest at his home in Cambiago, outside Milan, during which he began to develop what would become his new lifelong passion, building bicycles. From hobby to profession, the step was a short one: he founded Colnago in 1952 and after little more than a decade, it had become a point of reference for all the professionals in the field, rivalling the legendary Bianchi, and creating innovative models of bicycles glorified by extraordinary champions such as, among others, Eddy Merckx the “Cannibal”, for whom he specifically built the bike that set the World Hour Record in 1972, and a great champion of Italian cycling, Giuseppe Saronni, a winner many times over of the Giro d’Italia. It seems like only yesterday, but more than half a century has gone by, even though Ernesto is still in the saddle despite his eighty years of age, which don’t show at all; his company, which is still run by the family, not only has not been hurt by the onset of globalization, but has even proven capable of opening a second headquarters in the United States. The secret for remaining competitive, apart from the maniacal attention typical of the craftsmen who make products, is the will to get there before everyone else, says Ernesto Colnago himself: “Over the years Colnago has evolved and is always at the cutting edge of research and development into new technologies. Though it is a small

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company, compared to the foreign giants, we use the finest the market has to offer in terms of processes and materials. We were the first to make carbon fibre frames, the first to use them with professional cyclists, against the better judgment and criticisms of everyone else. Now, years later, all of the highest-range frames are made of this material”. To get an idea of whom we are talking about, as early as the Eighties Colnago had already clinched an iron-clad deal with the wizard of the Italian automobile industry, Enzo Ferrari, studying his bicycles in the wind tunnel at Maranello. Now, after a series of innovative models, the latest arrival, the “K.zero”, is a bike straight out of sciencefiction, “another small revolution at

Colnago. It was developed to be the fastest bike ever and to give our professional cyclists the means to compete to win the Tour de France. For this bicycle, in fact, we have made ample use of technology borrowed from the aerospace industry, analyzing the aerodynamics and testing it in the wind tunnels”. There is only one way, concludes the owner, to keep going: “Our company Colnago has always been supported by the passion of the individuals working there, starting with the family. The only way we have to keep afloat in a world that is increasingly dependent on image is to continue investing and looking forward, without ever stopping and without forgetting what many feel is our strong point: the past”.


GIOIELLI SOSTENIBILI

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SUSTAINABLE JEWELS

Secondo Silvana Annichiarico, direttore del Triennale Design Museum, Riccardo Dalisi è l’ultimo esponente della tradizione animista del design italiano. I gioielli da lui creati, cento per la precisione e definiti sostenibili, “che siano fatti di ottone o di latta, di carta stagnola o di vetri colorati, questi gioielli – tutti rigorosamente realizzati a mano – a guardarli con attenzione, sembra respirino, pulsino, si muovano. Sembra abbiano in sé l’anima di chi li ha pensati, maneggiati, piegati, puntellinati, realizzati. Molto più che semplici ornamenti, lontanissimi dall’idea di sfarzo che spesso si accompagna alla tradizione orafa, ridisegnano in modo radicale la nozione stessa di valore, legandola non alla venale preziosità del materiale, ma all’originalità e all’unicità del

trattamento creativo a cui il materiale stesso è sottoposto”. L’omaggio ai gioielli di Riccardo Dalisi, il poeta-designer che ha teorizzato la decrescita istituendo il Compasso di Latta e che per primo ha sollevato nel gioiello la necessità di una maggiore responsabilità verso le risorse dell’ambiente e la valorizzazione del capitale territoriale è al Triennale Design Museum fino al 9 aprile, per poi spostarsi a Vicenza, nel Palazzo Thiene. Dalisi ha introdotto il tema del rifiuto, dello scarto nel gioiello, dimostrando che la preziosità non è quella dei materiali preziosi e che anche un piccolo pezzo di vetro o un coccio di ceramica possono avere una nuova vita, spesso migliore della precedente. Per il maestro napoletano, infatti, lo scarto non deriva da un’estetica artistica quanto

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piuttosto dall’esigenza di una visione etica del gioiello - e del progetto in generale - che rifugge la preziosità del materiale a vantaggio di materiali poveri, rifiuti e piccoli frammenti che per lui sono come “piccole anime da salvare”. “A volte mi dilungo a dipingere schegge di lavagna - scrive Dalisi - frammenti di lava del Vesuvio, di pietra calcare (…) ed ecco che quelle per me sono pietre preziose da incastonare, pronte a brillare…”. Affianca la mostra un volume/catalogo edito da Marsilio, a cura di Alba Cappellieri, professore di design del gioiello al Politecnico di Milano. “Questi gioielli – scrive – ben descrivono il mondo misterioso di Riccardo e le creature che lo abitano: alberi, fiori, stelle, comignoli su cui si posano placide colombe, porte e finestre che si aprono su foreste incantate popolate da giraffe, leoni ed elefanti, mani che accolgono, cuori che abbracciano, volti che sorridono dal balcone di un cammeo”. www.triennale.it; www.marsilioeditori.it

According to Silvana Annichiarico, Director of the Triennale Design Museum, Riccardo Dalisi is the last exponent of the animist tradition of Italian design. The jewels he has created – one hundred, to be precise –, defined as sustainable, “whether made of brass or tin, tinfoil or coloured glass – all made by hand – look as if they are breathing, pulsating and moving. They seem to

contain the soul of the person who designed, worked, bent, shaped and made them. Much more than just ornaments, totally unrelated to the idea of luxury which is often connected with the goldsmith’s tradition, they radically redesign the notion of value, relating it to the originality and uniqueness of the creative treatment the material is subjected to, rather than to its mere preciousness”. The

In queste pagine creazioni di Riccardo Dalisi, tratte da il Compasso di Latta, Ed. Triennale Design Museum, Fulvio Cutolo. Nella pagina precedente, ciondolo e prototipo spilla, sempre di Riccardo Dalisi, 2004, da Il gioiello sostenibile, ed. Marsilio. These pages, creations by Riccardo Dalisi, from ‘Il Compasso di Latta’ (Tin Compasses), published by the Triennale Design Museum, Fulvio Cutolo. Previous page, pendant and prototype brooch, by Riccardo Dalisi, 2004, from Il gioiello sostenibile (sustainable jewels), published by Marsilio.

tribute to the jewels of Riccardo Dalisi, the poet/designer who theorized degrowth, launching the ‘Compasso di Latta’ competition, and drew attention to the need to increase awareness of environmental resources and enhance local heritage in jewellery first is on at the Triennale Design Museum until April 9, and will then move to Palazzo Thiene, in Vicenza. Riccardo Dalisi pioneered the theme of waste and rejects in jewels, proving that preciousness does not arise from valuable materials, and that even a small piece of glass or a fragment of pottery can be brought to new life, often better than the

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previous one. According to the Neapolitan master, rejects result from the need for an ethical view of jewellery – and the project in general –, rather than from art aesthetics. The emphasis is on poor materials, wastes and small fragments, approached as “little souls to save”, and not on precious materials. “Sometimes I indulge in painting splinters of slate – wrote Riccardo Dalisi –, fragments of lava from Mount Vesuvius, limestone (…). Well, to me those mean precious stones to set, ready to shine…”. The exhibition is accompanied by a volume/ catalogue published by Marsilio and edited by Alba Cappellieri, a lecturer in jewel

design at Milan Polytechnic: “These jewels – she wrote – accurately describe Riccardo’s mysterious world and the creatures which live in it: trees, flowers, stars, chimney pots where peaceful doves alight, doors and windows opening onto enchanted forests inhabited by giraffes, lions and elephants, welcoming hands, embracing hearts, faces smiling from the balcony of a cameo”. www.triennale.it; www.marsilioeditori.it

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OMAGGIO AI DDL

A TRIBUTE TO THE DDL GROUP ]b @bnebZ;kngh

I cinquant’anni di progettazioni, allestimenti, oggetti, soluzioni urbanistiche e d’architettura di Jonathan De Pas (1932-1991), Donato D’Urbino, Paolo Lomazzi sono stati ricordati attraverso una selezione dei loro pezzi più noti in ‘La freschezza dell’idea’ e ‘Il gioco e le regole’, mostre allestite dalla Scuola del Design del Politecnico di Milano e la Triennale Design Museum.

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The fifty year history of the designs, mounting projects, objects, town planning and architecture solutions developed by Jonathan De Pas (1932-1991), Donato D’Urbino and Paolo Lomazzi was celebrated through a selection of their bestknown pieces in the exhibitions ‘La freschezza dell’idea’ (fresh ideas) and ‘Il gioco e le regole’ (play and rules), staged at the Design School of the Politecnico di Milano and the Triennale Design Museum respectively.


Nella pagina accanto, la famosa Joe prodotta da Poltronova, poltrona oversize in cuoio naturale, presente al Moma di NY. Accanto, Cloche, lampada da tavolo orientabile, prodotta da Sirrah. Sotto, sedia Palmira, produzione Zanotta.

I DDL, ‘designer del sessantotto’, iniziano l’attività negli anni sessanta, dimostrandosi subito assai sensibili ai cambiamenti dei costumi giovanili e alle trasformazioni in atto nel campo di architettura, arte, design. Già dai primi lavori emerge la tendenza ludicoironica assimilata attraverso le opere dei fratelli Castiglioni, di cui si dichiarano e si sentono discepoli. Sperimentano nuove tecnologie, tendenze artistiche, assemblamenti inusuali, cercando sempre di far emergere nell’oggetto finito l’idea iniziale. È ciò che Ornella Selvafolta definisce “ la freschezza dell’idea, il proposito intelligente, l’intuizione felice da cui scaturiscono le creazioni migliori”. Nascono la poltrona gonfiabile Blow (Zanotta 1967), la poltrona Joe (Poltronova 1970) famosissimo guantone da baseball in onore di Joe Di Maggio, l’appendi-abito Sciangai (Zanotta 1973) ispirato alle bacchette del celebre gioco, le sedute smontabili in legno, tela o cuoio (Zanotta 1974), la Due Cavalli (Driade 1969) poltrona che si rifà ai sedili della mitica automobile di quegli anni. E’ degli anni settanta la ricerca su strutture gonfiabili e nuovi materiali, sempre in stretto rapporto con l’ industria, tra cui Poltronova, Alessi e soprattutto Zanotta saranno gli interlocutori più attenti. Più di 2000 sono stati i progetti di architettura e industrial design che dal 1966 ad oggi gli architetti hanno sviluppato insieme a ricerche su tecnologie, materiali, idee legate alla ‘piacevolezza dell’abitare’. Spesso De Pas, D’Urbino e Lomazzi sono stati definiti creativi tout court… Donato D’Urbino affermò che “la creatività del designer opera in maniera contestuale, ha la testa

in cielo e i piedi per terra”. Lontani da manifestazioni emozionali e abbandoni espressivi, durante la loro lunga carriera, i DDL hanno operato le proprie scelte nella piena consapevolezza di canoni precisi. Vanni Pasca definisce la loro creatività come “..capacità di operare per la realizzazione delle regole nel contesto specifico… attraversamento della distanza tra la norma e ciò che poi concretamente si realizza”. Ai DDL è stato dedicato un esaustivo volume a cura di Santino Limonta, con testi di Giampiero Bosoni, Vanni Pasca, Ornella Selvafolta, RDE Editrice. The DDL group, defined as ‘designers of the 1968 movement’ started their career in the 1960s, immediately proving to be sensitive to changes in youth customs and transformations in architecture, art and design. Their early works already revealed a playful and ironic attitude, absorbed through the works of the Castiglioni brothers, of whom they felt they were disciples. They tested new technologies, art trends, peculiar assemblages, always trying to make the initial idea stand out in the finished object. This is what Ornella Selvafolta defined as “fresh ideas, smart purposes, successful intuitions resulting in the best creations”. Hence they designed the inflatable Blow armchair (Zanotta, 1967), the Joe armchair (Poltronova, 1970), a well-known baseball glove in honour of Joe Di Maggio, the Sciangai clothes stand (Zanotta, 1973), inspired by the straws of

Opposite, the well-known oversized armchair, Joe, manufactured by Poltronova, made of natural leather, on display at the MoMA, New York. Left, the swivel table lamp, Cloche, manufactured by Sirrah. Below, Palmira chair, manufactured by Zanotta.

the well-known game, the wood, canvas or leather knockdown seats (Zanotta, 1974), the Due Cavalli armchair (Driade, 1969), which is reminiscent of the seats of the mythic car dating from those years. In the 1970s they carried out research on inflatable structures and new materials, establishing close relationships with the manufacturers, including Poltronova, Alessi and, above all, Zanotta, the most attentive interlocutors. Since 1966 the architects have developed over 2000 architecture and industrial design projects, while being committed to research on technologies, materials and ideas connected with ‘pleasant living’. De Pas, D’Urbino and Lomazzi have often been defined as creative. According to Donato D’Urbino, “designers’ creativity works in a contextual manner; they have their heads in the sky and keep their feet on the ground”. Unrelated to any emotional manifestations and expressive abandon, during its long career, the DDL group has made its choices in the full awareness of clear-cut rules. Vanni Pasca defined their creativity as “the ability to work with a view to carrying out rules in specific contexts, cross the bridge between the standard and what actually becomes ‘bricks and mortar’ reality. The DDL group is the focus of an exhaustive volume edited by Santino Limonta, with texts by Giampiero Bosoni, Vanni Pasca, Ornella Selvafolta, RDE Editrice.

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REDEFINE YOUR HABITS ]b >e^gZ Ie^[Zgb _hmh <kblbgZ ?bhk^gmbgb

È una sorpresa scoprire che Stefano Carone non è un’architetto, ma un giovane laureato in economia e commercio e fondatore di uno studio di architettura d’interni. È proprio lì che, circondato da uno staff di collaboratori dinamici, ci racconta la sua esperienza. It is a surprise to learn that Stefano Carone is not an architect; he is a young economics graduate and founder of an interior architecture studio. It was there that, surrounded by a dynamic staff, he told us about his experience.

Nato nel 1970 dall’intuizione di supportare i progettisti più innovativi per trasformare radicalmente il comune modo di concepire lo spazio d’interni, non più scenario di azioni quotidiane, ma espressione del modo di vivere e lavorare, Il Prisma è uno studio d’integrazione di servizi a cui si rivolgono aziende che devono ristrutturare il proprio ufficio e quindi dalla riorganizzazione aziendale si arriva fino alla consulenza creativa. È il desiderio del cliente che fa nascere i progetti a cui Il Prisma risponde: si cerca di studiare l’evoluzione dell’organizzazione aziendale con un innovativo modo di lavorare relativo a quell’azienda, in un ambiente confortevole dove le persone si possano identificare con l’azienda stessa. Ancor prima di proporlo ai clienti, si sperimenta il concept: l’oggetto di studio diventa occasione di sperimentazione organizzativa per lo studio. Ecco perché è nato questo ambiente di lavoro con spazi che rivelano qualità e funzioni diverse dal consueto: per esempio, le riunioni si fanno seduti per terra per ‘destrutturare’ le gerarchie e favorire il rapporto. Lo spazio è open space perché l’ambiente aperto fa fluire la comunicazione fra i collaboratori. La sede dello studio è situata nel centro storico della vecchia Milano. Si entra a livello strada, si sale al primo piano dove ci sono gli spazi operativi dedicati alle attività pubbliche e un ampio terrazzo, si sale al secondo piano dove si trovano le sale riunioni. Una parete scorrevole può separare all’occorrenza l’ampio spazio, mettendola in comunicazione con lo spazio più informale della cucina, dedicata al lavoro di gruppo conviviale. Il lavoro de Il Prisma è frutto di un team di progetto formato da creativi, commerciali, ingegneri e coordinatori per fornire un risultato integrato degli aspetti creativi, economici e tecnici. Questo servizio porta a una ricerca continua e diventa anche formazione attraverso un processo di contaminazione di competenze. Il

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Al primo piano, open space suddiviso in zone: all’ingresso la ‘materioteca’ è dedicata alla presentazione di materiali, rendering, modelli dei progetti. Nell’area riunioni, panche e grandi cuscini su cui sedersi a terra. La cucina, nascosta dalle ante di un armadio verde acido, ha una parete in lavagna utile per gli appunti durante le riunioni conviviali che si svolgono intorno al grande tavolo con panca in legno grezzo; a soffitto lampade a cupola di Artemide. On the first floor, open-plan office divided into several areas: at the entrance, the ‘matherioteque’ is devoted to the presentation of materials, renderings, models of the projects. In the meeting area, benches and large cushions for sitting on the ground. The kitchen, hidden by the doors of an acid green cabinet, is fitted with a board panel, which can be used to take notes during the convivial meetings held around the big table with a raw wood bench; dome-shaped lamps by Artemide are hanging from the ceiling.

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confronto fra tutti porta alla definizione del progetto definitivo. Questi incontri si svolgono periodicamente e, una volta su quattro, vengono effettuati in luoghi architettonicamente significanti per conoscere altri ambienti e farne esperienza. All’interno, sono sempre benvenute le iniziative spontanee per sperimentare nuove tecniche costruttive e nuove organizzazioni aziendali. La nostra soddisfazione deriva dal fatto che stiamo realizzando il nostro modello di business, basato sul costante orientamento del cliente: per noi fonte di gratificazione e di sfida.

Qui sopra, la zona relax, spazio protetto da una parete rossa con lampada a forma di gatto, pareti e sedili realizzati con scarti di larice e pavimento in ghiaia. Pagina accanto, lo staff dello studio Prisma, e sale riunioni protette da elementi in cristallo trasparente Level arredate con tavoli e sedie Steelcase e lampade Artemide.

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Above, the relaxation area, protected by a red wall with a catshaped lamp, walls and seats made of waste larch and gravel floor. Opposite, the staff of the Il Prisma studio, and meeting halls protected by clear Level glass parts, furnished with tables and chairs by Steelcase and lamps by Artemide.

Il Prisma is a service integration office, on which the firms that have to renovate their offices can rely; their services range from company rorganization to creative consultancy. It was established in 1970, as the

result of the idea to support the most innovative designers to dramatically change the common approach to interiors, to be understood as an expression of the way of living and working, and no longer as a setting for everyday actions. It is the customer’s desire that brings life to the projects developed by “Il Prisma”: the goal is to study the evolution of the company organization


are held periodically, and, once every four times, they take place in architecturally significant venues, to allow the staff to become familiar with other backgrounds and acquire expertise. Spontaneous initiatives are always welcome in-house, to test new building

with an innovative way of working relating to that business, in a comfortable environment where people can identify with the company. A concept is tested in-house before being proposed to the customers: what is being studied becomes an opportunity for the office to be involved in organizational experimentation. This is the reason why this working environment has been created, spaces revealing unusual qualities and functions: for example, the staff are sitting on the ground during meetings, to “destructure” hierarchies and foster relationships. It is an open-plan office, because open spaces promote the communication flow. The office is situated in the historic centre of old Milan. You enter it on street level; then you go up to the first floor, which accommodates the operating areas, devoted to public business, and a large terrace; the meeting halls are located on the second floor. A sliding wall can separate the large area, if need be, connecting it with the more informal kitchen area, centred on convivial team work. Il Prisma’s projects are carried out by a design team composed of creatives, sales managers, engineers and co-ordinators, with a view to matching creative, economic and technical factors. Such service translates into commitment to ongoing research, and training through a process which involves contaminating skills. The final project is based on exchanges of views among the entire staff. The meetings

techniques and new types of company organization. Our satisfaction comes from the fact that we are implementing our business model, based on ongoing customer direction, which means a major source of gratification and a unique challenge to us.


ELEGANZA VERNACOLARE VERNACULAR ELEGANCE ]b <kblmbgZ;Zmmblm^eeZ Coniugare un’architettura essenziale e contemporanea con un ambiente ricco di natura e tradizione è la sfida lanciata dallo studio Vittorio Grassi nel progetto del Podere Bedano, situato a Casale Marittimo, Pisa, un piccolo comune dell’alta Maremma toscana a 10 km dal mare. La soluzione adottata, infatti, mantiene il carattere dell’architettura vernacolare maremmana, utilizzando materiali e tecnologie locali per la struttura esterna, abbinata ad un disegno minimale e puro degli interni; ristruttura i fabbricati esistenti e recupera i tratti salienti del paesaggio della Maremma toscana, favorendo la vista più spettacolare verso il mare e sostituendo la vegetazione estranea all’ambiente naturale toscano con ulivi, arbusti della macchia mediterranea, alberi da frutto e un vigneto. La riscoperta della storica vocazione agricola dei manufatti edilizi e del paesaggio ha portato al ridisegno dei terrazzamenti in pietra esistenti e al ripensamento dei percorsi, realizzando passaggi naturali per rendere più accessibili tutti i luoghi della proprietà. Nel progetto del casale, il cui nucleo originale risale al 1712, l’aiuto delle maestranze locali è stato fondamentale per la messa in opera di tipici elementi costruttivi locali, come la muratura in pietra a vista, ma anche per la ricerca di materiali di recupero quali legno di castagno, mezzane e mattoni in cotto, coppi ed embrici originali, provenienti da demolizioni di ruderi nella campagna circostante. Criteri innovativi nell’utilizzo di fonti energetiche rinnovabili garantiscono la copertura del 70% del fabbisogno energetico necessario per l’edificio e la piscina. www.vgrassi.it

Progettato dallo studio Vittorio Grassi, Podere Bedano, situato a Casale Marittimo (Pisa), mantiene il carattere dell’architettura vernacolare maremmana, utilizzando materiali e tecnologie locali per la struttura esterna.

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Designed by the Vittorio Grassi studio, Podere Bedano, located in Casale Marittimo (in the province of Pisa), has maintained the character of vernacular architecture of Maremma, using local materials and technologies for the exterior.


Combining simple, contemporary architecture with an environment rich with nature and tradition is the challenge launched by the Vittorio Grassi studio in the project for Podere Bedano, located in Casale Marittimo (in the province of Pisa, Tuscany), a small municipality in the Alta Maremma 10 km away from the sea. The implemented solution has maintained the character of vernacular architecture of the Maremma, using local materials and technologies for the exterior, matched with a minimal, pure design for the interior; the existing buildings have been renovated

In alto da sinistra, una mappa del podere Bedano, che si estende su quattro ettari di terreno e il casale ristrutturato, posto in un punto panoramico con vista sul paesaggio della Maremma toscana. Minimalismo dei dettagli e colore chiaro per gli interni (di fianco e nella pagina accanto). From top left, map of Podere Bedano, which covers a land area of four hectares, and the renovated farmhouse, located in a panoramic sight overlooking the landscape of Tuscan Maremma. Minimal details and a light colour are the hallmarks of the interior (right and opposite).

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and the salient features of the landscape of Tuscan Maremma recovered, thus supporting the more spectacular seaview and replacing the vegetation unrelated to the natural Tuscan environment with olive trees, shrubs of the Mediterranean scrub, fruit trees and a vineyard. The rediscovery of the time-honoured farming vocation of the buildings and landscape has made it possible to redesign the existing stone terracing and rethink the paths, developing natural landscapes, to make all the places of the estate more accessible. Under the project for the

farmhouse, whose original core dates from 1712, the assistance of local workers proved key to introducing typical local building elements, including the exposed stone masonry, as well as to searching for salvaged materials, such as chestnut wood, mizzens and fired bricks, pantiles and original flat roof tiles, from ruins demolished in the surrounding countryside. Innovative criteria in the use of renewable energy sources allow 70% of the energy requirements of the building and swimming pool to be satisfied. www.vgrassi.it


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FACCIAMO CRESCERE LE BUONE IDEE CULTIVATING GOOD IDEAS

Michele Caniato, presidente di Culture & Commerce e Material ConneXion, svela alcuni segreti di una professione, come quella del “broker creativo”, ancora poco nota al grande pubblico ma funzionale nel circuito del design internazionale.

Sopra, Michele Caniato, presidente di Culture&Commerce e, a destra, i designer Paola Navone e Piero Lissoni. Pagina accanto: in foto da sinistra, Adrienne Wheatley, director of Design Management Culture & Commerce, Michele Caniato, Alberto Lualdi, Robert Stern, David Rockwell, Dror Benshetrit. Above, Michele Caniato, president of Culture&Commerce and, at right, designers Paola Navone and Pierro Lissoni. Page across: in the photo from left, Adrienne Wheatley, director of Design Management Culture & Commerce, Michele Caniato, Alberto Lualdi, Robert Stern, David Rockwell, Dror Benshetrit.

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Michele Caniato, president of Culture & Commerce and Material ConneXion, reveals the secrets of his profession as a “creative broker”, little known to the public at large but functional within the circuit of international design.

Michele Caniato, presidente di Culture & Commerce e Material ConneXion, risiede da 15 anni a New York, dove si occupa di fare il talent scout di giovani creativi e di far decollare nuovi progetti con alcuni dei più importanti designer internazionali, come Philippe Starck, Marcel Wanders e gli italiani Paola Navone e Piero Lissoni. Come funziona il mestiere di broker per il design? Siamo i “coach” delle menti creative, e siamo molto fortunati a rappresentare grandi talenti. Con la nostra agenzia, Culture & Commerce, ci occupiamo della loro creatività, allo scopo di creare prodotti unici e commercialmente di successo, e il segreto del nostro lavoro sta nel capire cosa vuole il cliente per poterlo affiancare a un creativo che possa rispondere in maniera efficace e innovativa alle sue domande. Lavoriamo ascoltando e cercando soluzioni nuove. Qual è l’aspetto più bello del suo mestiere? Le sinergie multidisciplinari che si creano e che danno vita a un susseguirsi di progetti diversi. Un esem-


pio? Portare Matthew Rolston, noto fotografo americano, a progettare il Redbury Hotel di Los Angeles. Non è così strano, in fondo, i fotografi passano molto tempo a catturare l’essenza degli spazi e degli interni, quindi il loro punto di vista è unico e mirato. Un altro aspetto stimolante di questo lavoro è trattare con aziende che vogliono utilizzare il design come mezzo per migliorare il proprio business. Che qualità servono? Bisogna saper ascoltare le motivazioni che spingono una società a voler utilizzare il design come mezzo di comunicazione e business, e poi costruire il matrimonio con la creatività del designer prescelto. Io unisco il mio DNA italiano e la passione per il design con l’esperienza e conoscenza del mercato americano, il suo punto di vista e i bisogni dei consumatori. Design e sogno americano, è un binomio ancora valido nel Terzo millennio? Gli Stati Uniti continuano a essere una terra di grandi opportunità. Vivendo e lavorando qui per 15 anni ho imparato che le “buone idee” vengono sempre prese in considerazione e messe sul mercato. Per me il sogno americano è ancora vivo e in gran forma, nonostante la crisi economica. Gli Stati Uniti lottano costantemente per innovare e negli ultimi 15 anni la parola “design” ha acquistato valore nella quotidianità degli americani, e, grazie ad aziende come Apple, non viene più associata esclusivamente alla moda ma anche agli oggetti di uso comune… da una candela a un telefono. La funzionalità e il prezzo sono elementi chiave nel matrimonio tra il sogno Americano ed il design: gli Stati Uniti stanno democratizzando il design. Dall’altra parte dell’oceano, che cosa l’Italia può ancora dare di nuovo agli USA? L’Italia avrà sempre qualcosa da dare sia agli USA che al resto del mondo. Dalla creatività all’imprenditorialità, c’è sempre un asso nella manica, una soluzione per qualsiasi problema. La forza di affrontare la vita di tutti i giorni con un profondo senso di stile, bellezza e apprezzamento per la nostra storia. L’esempio è la grande vitalità del made in Italy, sempre più forte grazie alle sue radici storiche e reso più forte dalle nuove tecnologie nel design e nei materiali, aperto al futuro ma con ben saldi i valori che l’hanno reso grande agli occhi del mondo. Come vede infine l’evoluzione del design mondiale? Il design si evolve allo stesso passo della società per poterne soddisfare i bisogni. L’avanzamento tecnologico e l’importanza del design giovane ne determinano la direzione, come si può vedere dalle idee e dai talenti che emergono ogni anno dal Salone Satellite milanese. Questa manifestazione è l’humus perfetto di nuove idee che evidenziano come il futuro del settore è intrinsecamente legato alla funzionalità e al binomio prezzo/ qualità. Ci sono sempre più persone disposte a pagare grosse cifre per un oggetto di buon design, e così si rischia di creare un divario profondo tra la democratizzazione del design e quei prodotti che diventeranno esclusivi e accessibili a pochi, non deve accadere. Michele Caniato, president of Culture & Commerce and Material ConneXion, has lived in New York for the past 15 years, where he is a scout for creative young talents, and works on launching new projects with some of the world’s greatest international designers, such as Philippe Starck, Marcel Wanders and Italian designers Paola Navone and Piero Lissoni. How does the profession of design broker work? We serve as “coaches” for creative minds, and are very lucky to represent great talents. Our agency, Culture & Commerce, manages their creativity, with the goal of creating unique products that are successful on the market, and the secret of our work lies in understanding what the client wants in order to match him to a creative talent that can respond to his needs in an

effective and innovative manner. In our work, we listen and look for new solutions. What do you like best about your profession? The multidisciplinary synergy that is created and generates a series of different projects. For example? Recruiting Matthew Rolston, a renowned American photographer, to design the Redbury Hotel in Los Angeles. It is not that strange, if you think about it, because photographers spend a great deal of time

capturing the essence of spaces and interiors, so that their point of view is unique and specific. Another stimulating aspect of this job is dealing with companies that want to rely on design to improve their business. What qualities are required? You have to know how to listen to the motivations that lead a company to look to design as a means of business and communication, and then to wed it with the creativity of the designer you have chosen. I combine my Italian DNA and my passion for design with my experience and understanding of the American market, its perspective, and consumer needs. Design and the American Dream, is this combination still valid in the Third Millenium? The United States continue to be a land of great opportunities. Living and working here for 15 years I have learned that “good ideas” are always taken into consideration and taken on the market. For me the American Dream is still alive and in great shape, despite the economic crisis. The United States are always struggling to innovate and over the past 15 years the word “design” has appreciated in value in the everyday life of Americans: thanks to companies such as Apple it is no longer associated exclusively with fashion, but has extended to everyday objects as well.. from candles to telephones. Price and functionality are the key elements in bringing together the American Dream and design: the United States are bringing democracy to design. From the other side of the ocean, what innovation can Italy bring to the USA? Italy will always have something to give the USA as well as the rest of the world. From creativity to entrepreneurship, it will always have a card up its sleeve, a solution for any problem. The strength to face everyday living with a profound sense of style, beauty and appreciation for our history. One example is the remarkable vitality of Made in Italy, which is growing stronger thanks to its historical roots, and gaining power thanks to the new technology in design and materials, open to the future but resting on the solid foundations of the values that have brought it greatness in the eyes of the world. What do you think of the evolution of international design? Design is evolving at the same speed as society to satisfy its needs. Technological progress and the importance of young design are what determine its direction, as you can see in the ideas and talents that come out of the Salone Satellite in Milan every year. This event is the perfect humus for new ideas that show how the future in this sector is intrinsically bound to functionality and the relationship between price and quality. There is a growing number of people who are willing to pay a high price for a welldesigned object, and the risk is that of creating a profound gap between more democratic design and products that will become exclusive and accessible to the few. This is something that should never happen.

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DESIGN/SELECTION

RIFUGI TEMPORANEI TRANSITIONAL SHELTER ]bFZgn^eZ=bFZkb Per quanto stravagante possa sembrare, esistono elementi in parallelo e in sovrapposizione che accomunano un rifugio temporaneo progettato per le situazioni di crisi nei climi freddi e gli spazi outdoor delle nostre case. Ideato dagli studenti del Wood Program, Università di Aalto (Finlandia), ed esposto presso il Design Museum di Helsinki, all’interno della mostra Designworld, Liina nasce per provvedere in tempi stretti a situazioni d’emergenza che richiedono provvisori, ma solidi e sicuri, ambienti abitativi. Realizzato interamente in legno, bastano due adulti per montarlo, semplici attrezzi e sei ore di tempo. Tempi evocativi della ‘remise en forme’ dopo l’inverno di spazi all’aperto più o meno estesi. Un prefabbricato dove “people live through good design” – dicono alla Aalto -, durevole nel tempo e capace di essere migliorato, riposizionato, riciclato. Tutto ciò che ci auguriamo garantiscano i pezzi scelti appositamente per la stagione più calda. Per finire, un package che consenta un pratico storaggio per almeno 5 anni. Pronti per un rifugio temporaneo tutto personale. As extravagant as it may seem, there are parallel and overlapping elements common to both a transitional shelter designed for crisis situations in cold climates and the outdoor spaces of our own homes. Conceived by the students of the Wood Program, University of Aalto (Finland), and displayed at the Design Museum of Helsinki within the exhibition Designworld, Liina was designed to provide shelter rapidly in emergency situations that require temporary, but solid and safe living spaces. Made entirely out of wood, it takes only two adults six hours to assemble it, using simple tools. A time lapse reminiscent of the ‘remise en forme’ after the winter of large or small outdoor spaces. A prefabricated structure in which “people live through good design” – they say at Aalto, it is durable and can be improved, repositioned, recycled. This is what we hope will be guaranteed by the pieces we chose specifically for the hottest of seasons. And finally, the packaging makes it practical to store for at least 5 years. Ready for a highly personal transitional shelter.

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RODA Per zone pranzo in terrazza o in giardino, il tavolo della collezione Pier offre solidità ed eleganza grazie alle doghe in teak che, leggermente distanziate fra loro, giocano con la luce facendola filtrare. La nuova versione quadrata si affianca alle tre dimensioni rettangolari disponibili. Design Rodolfo Dordoni. For the dining area on the terrace or in the garden, the table from the Pier collection offers solidity and elegance thanks to the teak slats that are slightly spaced to play with the light and filter it. The new square version goes to join the three existing rectangular versions. Design Rodolfo Dordoni.

SCAB Rivisita la sedia classica Luisa Battaglia e la rende divertente e pratica appositamente per l’outdoor. Cokka è realizzata in polipropilene riciclabile rinforzato con fibra di vetro, stampato ad iniezione con tecnica air moulding; è impilabile e disponibile nelle varianti colore lino, arancio, rosso, verde pistacchio, fiordaliso, antracite. It reinterprets the classic Luisa Battaglia chair and makes it fun and practical specifically for the outdoors. Cokkaè is made out of recyclable polypropylene reinforced with fiberglass, and it is air moulded; the chair is stackable and available in several colour variations, including linen, orange, red, pistachio green, fiordaliso, anthracite.

TORREMATO Disegnata da Laura Cocchis per mimetizzarsi e creare punti di luce morbida e non invasiva, Evelina è una lampada da giardino rettangolare con all’apice un’apertura per far filtrare la luce, realizzata in ferro cor-ten, ferro cor-ten verniciato in diversi colori personalizzabili e vetro. Disponibile in due misure. Designed by Laura Cocchis to be camouflaged and create soft nonintrusive sources of light, Evelina is a rectangular garden lamp with an opening at the top to filter the light, made out of cor-ten steel, natural or painted in different colours that can be personalized, and glass. Available in two different sizes.


OSRAM Tre i modelli disponibili per NOXLITE® LED WALL per esterni: single sensor, double sensor e round sensor, con tonalità di luce fredda Cool White, dispongono di sensore crepuscolare e di presenza con tempo di accensione regolabile da 5 secondi a 10 minuti. La versione Round con tonalità di luce calda Warm White non dispone di sensore ed è ideale per i portici.

There are three different styles available for the NOXLITE® LED WALL for the outdoors: single sensors, double sensors and round sensors, with the cold Cool White light; they feature a day/night and motion sensor with switch-on times that can be adjusted from 5 seconds to 10 minutes. The Round version with Warm White light does not have a sensor and is ideal for porticoes.

ROYAL BOTANIA Compatto e facile da installare, Surf diventa rifugio dal sole e occasione di comfort, in giardino o in terrazzo, fissato al pavimento o appoggiato sulla base opzionale mobile. Realizzata in acciaio e rivestita in Batyline, è disponibile nei colori bianco, cappuccino, nero, turchese. Design Erik Nyberg, Gustav Ström & Kris Van Puyvelde. Compact and easy to install, Surf becomes a shelter from the sun and an opportunity for comfort, in the garden or on the terrace, fastened to the floor or supported on an optional moveable base. Made out of steel and clad in Batyline, it is available in white, cappuccino, black, turquoise. Design Erik Nyberg, Gustav Ström & Kris Van Puyvelde.

SERRALUNGA Due vasi nati dalla creatività di designer diversi ma affini: Primavera, di Eero Aarnio, è una grande coppa d’ispirazione classica, in cui forme semplici e basiche si incontrano; Cone, design Naoto Fukasawa, riprende la forma iconica del tradizionale vaso di fiori e lo esagera in una dimensione oversize che lo rende estremamente scenografico. Per entrambi, tecnologia di stampaggio rotazionale, disponibili in vari colori. Two vases generated by the creativity of different but like-minded designers: Primavera, by Eero Aarnio, is a large classically-inspired bowl, in which simple and basic forms come together; Cone, designed by Naoto Fukasawa, borrows the iconic form of the traditional flower vase and blows it up to an oversize dimension that makes it extremely scenographic. Both of them adopt rotational moulding technology, and the pieces are available in a variety of colours.

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ARTEMIDE Ha fissaggio a terra con flangia, la lampada da esterno a sorgente Led Eraclea, che ha corpo in cemento e schermo in materiale termoplastico. Design Neil Poulton. Fastened to the ground by a flange, the outdoor lamp with LED lighting Eraclea has a concrete body and a shade in thermoplastic material. Design Neil Poulton.

B&B Longseller dell’azienda, il sistema di divani Charles è ora outdoor: sempre flessibile e sottile, con il particolare piedino in alluminio a forma di ‘L’ rovesciata, il volume di struttura si svuota grazie ad una struttura leggera di alluminio e a una superficie esterna realizzata con un intreccio aperto, regolare e ortogonale, di nastri in polipropilene. Design Antonio Citterio. A company long-seller, the Charles system of sofas is now made for the outdoors too: as flexible and slender as always, with its particular aluminium upside-down L-shaped foot, the volume of the structure is lightened by the light aluminium structure and an outer surface made with polypropylene ribbon in an open weave, with a regular orthogonal pattern. Design Antonio Citterio.

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PIERANTONIO BONACINA Legno massello di larice per il tavolino, legno massello di Iroko per il lettino prendisole: rispettivamente Pallet, trattato con finitura grezza e piedini in materiale plastico, e Pallet Sun, con o senza ruote, telaio in alluminio e tela portante Batilyne® con regolazione dello schienale in differenti posizioni; materassino in poliuretano filtrante con rivestimento sfoderabile. Design Piero Lissoni.

CORO Di chiara ispirazione, Fellini rivisita le collezioni giocando coi colori e creando nuove cromie. Le sedie hanno struttura in acciaio inox satinato, seduta e schienale in tessuto per esterno. Design Stefano Gallizioli.

Displaying its evident inspiration, Fellini reinterprets the collections, playing with colours and creating new combinations. The chairs have a satinfinish stainless steel frame, seat and backrest in fabric for the outdoors. Design Stefano Gallizioli.

Solid larch wood for the side table, solid Iroko for the sun bed: respectively Pallet, treated with a rough finish and featuring feet made out of a plastic material, and Pallet Sun, with or without wheels, an aluminium frame stretched with load-bearing Batilyne® fabric, and a backrest that can adjust to several different positions; it has a cushion in filtering polyurethane with removable slipcover. Design Piero Lissoni.

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CORRADI Un mix tra progettazione, tecnologia nautica e design: la vela ombreggiante Defense è completamente avvolgibile in pochi secondi, grazie ad un meccanismo motorizzato o manuale. Realizzata in acciaio inox, alluminio anodizzato e tessuto poliestere resinato Tempotest Star® e Dacron®, ha manutenzione ridotta e ottima resistenza ad agenti atmosferici, salsedine e usura.

A mix of design, nautical technology and style: the Defense sunshade sail can be completely rolled up in just a few seconds, thanks to a motor-driven or manual mechanism. Made out of stainless steel, anodized aluminium and Dacron® and Tempotest Star® resin-treated polyester fabric, it requires little maintenance and is resistant to atmospheric conditions, salty sea air, and general wear and tear.

VONDOM Disegnata da Ramon Esteve, la famiglia di arredo outdoor Faz si arricchisce di tavolo a base metallica e poltroncina leggera in resina di polipropilene. Disponibili in differenti finiture e colori.

Designed by Ramon Esteve, the Faz outdoor furniture collection adds a new table with a metal base and a lightweight armchair in polypropylene resin. Available in a variety of different finishes and colours.


ARPER In due altezze, con piano rotondo oppure triangolare con angoli smussati, a 3 o 4 gambe, il tavolo Leaf trae ispirazione dall’osservazione della natura ed è realizzato con struttura in acciaio verniciato nei colori bianco, moka o verde e top in MDF idrofobo verniciato in massa nella sola colorazione grigia. Design by Lievore Altherr Molina. Available in two different heights, with a round or triangular top with rounded corners, with 3 or 4 legs, the Leaf table draws its inspiration from the observation of nature, and is made with a steel structure painted white, moka or green and a top made of waterproof MDF painted in the mass, available in grey only. Design Lievore Altherr Molina.

DEDON Prende ispirazione dalle barche a vela da regata, Jean-Marie Massaud, che ha sviluppato per la poltroncina pieghevole Sea-X una struttura particolarmente leggera e flessibile, ma allo stesso tempo estremamente robusta. I braccioli sono rivestiti in multistrato marino con finitura teak. Meticolosa attenzione ai dettagli, anche per colori e tessuti. Drawing inspiration from competitive sailboats, Jean-Marie Massaud has developed the folding chair called Sea-X, with a particularly lightweight and flexible frame that is extremely robust. The armrests are clad in waterproof plywood with a teak finish. Meticulous attention is paid to detail, in the colours and fabrics as well.

DRIADE Piani sfilabili e persino un vassoio rimovibile: un piccolo mobile, non un semplice carrello di servizio Trick, design Giuseppe Chigiotti, realizzato in legno di teak, dotato di ruote e ripiani facilmente estraibili, che, una volta fuori dalla struttura, assumono diverse funzioni. Foto Francesco Bolis. The shelves can slide out and off, and there is a removable tray: Trick is a little piece of furniture, not a mere serving cart; designed by Giuseppe Chigiotti, it is made out of teak, and features wheels and easy-to-remove shelves that can serve a variety of functions when slid out of the frame. Photo by Francesco Bolis.

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GREENWOOD-VENICE Ecosostenibile e riciclabile al 100%, Linea Deck è un modulo completo di tavole di legno composito, materiale prodotto attraverso il riutilizzo di farina di legno grezzo, derivante da scarto selezionato dell’industria del legno, e da una componente plastica poliolefinica ecologica che ha funzione protettiva ed impermeabilizzante. Ottima la resa estetica oltre a quella funzionale. Eco-sustainable and 100% recyclable, Linea Deck is a complete module of composite wood boards, a material produced by reusing raw wood powder, derived from selected waste from the woodworking industry, and an ecological polyolefin plastic component that protects and waterproofs. The aesthetic impact is excellent, as is the functional performance.

METALCOHOME IN-VITTO è una cucina modulare outdoor con alimentazione a gpl (predisposta anche con metano per gli interni), struttura in acciaio verniciato a polveri termoindurenti, in diversi colori, e rotelle su un lato per spostare facilmente la zona cucina da una parte all’altra del giardino o del terrazzo. In base alle dimensioni del modulo, il sistema può ospitare piastra, fuochi e lavello. Un ripiano laterale, a scomparsa, ne potenzia la funzionalità, diventando una comoda base di appoggio. Protetta da una cover in tessuto tecnico per l’inverno o in caso di pioggia. Configurazioni ad isola e a parete. Design AlfredoTasca, Marco De Luca, Raffaele Lazzari.

NARDI Non necessita di manutenzione a fine stagione, è prodotta interamente in Italia ed è riciclabile al 100%, testata a norma europea EN 581-1/2/3: Aria è una poltroncina con ampia seduta in polipropilene con set di cuscini imbottiti abbinati alla nuance della struttura, anche in contrasto. La struttura dogata, leggermente avvolgente, completa comfort e fruizione. Design Raffaello Galiotto.

IN-VITTO is a modular outdoor kitchen fueled by GPL (it can also be fueled by methane when used indoors), the steel frame painted with heat-hardening powders, in different colours; the wheels on one side make it easy to move the kitchen area from one part to another of the garden or terrace. Based on the size of the modules, the system can hold a grill, burners and a sink. A pull-out shelf on the side offers additional functionality, and becomes a convenient countertop. With a protective cover in technical fabric for the winter season or rainy days. Island or wall versions. Design Alfredo Tasca, Marco De Luca, Raffaele Lazzari.

It needs no maintenance at the end of the season, is produced entirely in Italy and is 100% recyclable, tested to meet European standards EN 581-1/2/3: Aria is an armchair with a large seat made out of polypropylene with a set of upholstered cushions matching or contrasting the colour nuance of the structure. The slatted structure, which wraps around slightly, offers comfort and ease. Design Raffaello Galiotto.

SENTOU EDITION Spirito rétro realizzazione artigianale per Acapulco, rieditata dopo ben 60 anni e fabbricata a mano in Messico. Struttura in acciaio laccato nero e seduta in corda di plastica anti-UV. Leggera, comoda e resistente al calore e agli agenti atmosferici. Design Oficina Kreativa. In vendita su www. madeindesign.it. A retro spirit and hand-crafted production for Acapulco, re-edited after 60 years and hand-made in Mexico. The steel frame is painted black, and the seat is made of antiUV ray plastic rope. Lightweight, comfortable and heat and weatherresistant. Design OficinaKreativa. Sold on the website www.madeindesign.it

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TAO Integra il nuovo sistema cucina la copertura Open Bar, dotata di, apertura motorizzata con telecomando e anemometro di sicurezza che attiva il meccanismo di chiusura quando il vento è troppo forte. Realizzata in alluminio anodizzato EN AW 6060/EN AW 6082 e tessuto outdoor in poliestere ultraresistente con coating PVC. DE CASTELLI Una famiglia di foglie luminose, Ginko, piccole sculture metalliche pensate per illuminare ma anche arredare i giardini. Realizzate in varie forme nelle ďŹ niture acciaio inox, cor-ten, acciaio maistral. Design Marco Zito.

A collection of luminous leaves, Ginko, small metal sculptures conceived to light and decorate gardens. Made out of various shapes in stainless steel, cor-ten or maistral steel ďŹ nishes. Design Marco Zito.

The Open Bar integrates the new kitchen system, featuring a motordriven opening mechanism with remote control, and a safety anemometer that activates the closing mechanism when the wind is too strong. Made out of EN AW 6060/EN AE 6082 anodized aluminium and outdoor fabric in ultraresistant polyester with a PVC coating.


PALAZZETTI Alain, barbecue a gas, si distingue per la particolare disposizione verticale dei bruciatori che consente una ripartizione del calore tale da offrire zone dedicate alla cottura simultanea di alimenti diversi. È dotato di cassetti coibentati per la conservazione in temperatura di cibi e bevande e l’ampia bacinella raccogli-sugo è asportabile, mentre l’assenza di viti o rivetti facilita le operazioni di pulizia manuale dei barbecue. Tutti i componenti sono smontabili senza ausilio di utensili per una facile pulizia. Alain, a gas barbeque grill, is distinguished by the particular vertical arrangement of the burners that distributes the heat in such a way as to offer areas dedicated to cooking different types of food all at the same time. It also features insulated drawers for the preservation of foods and beverages at the correct temperature and a large removable juice tray; the absence of screws and rivets makes it easy to clean the barbeque by hand. All the components may be disassembled without tools for easy cleaning.

PENTA Umberto Asnago e Carola Minotti firmano Filofilo, lampade da esterno ed interno con struttura in metallo verniciata antracite rivestita con profilo in pvc nei colori trasparente, verde smeraldo o glicine. Protezione Classe IP 44. Umberto Asnago and Carola Minotti are the designers of Filofilo, a lamp for the outdoors and indoors with a structure in anthracite-painted metal clad with PVC trim available in transparent, emerald green or wisteria colours. Protection Class IP 44.

PAOLA LENTI Francesco Rota firma tavolini Giro e sedia Ami: i primi con piano sottile in cemento alleggerito, privo di resine e completamente riciclabile, ruota su se stesso grazie ad una vite senza fine per variarne l’altezza; la seconda, realizzata con struttura in acciaio inox e rivestita con tessuto intrecciato a mano, cuscini di seduta removibili. Francesco Rota is the designer of the Giro tables and Ami chair: the former features a thin tabletop in lightened concrete, devoid of resins and completely recyclable, that turns on an endless screw to adjust the height; the latter, made with a stainless steel frame, is upholstered with hand-woven fabric, and has removable seat cushions.

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PRATIC Vivere gli spazi aperti in modo naturale, con il sole, ma anche con la pioggia e il vento: la pergola TecnicWood è realizzata in pino nordico lamellare assemblato con componenti in acciaio inox. Il pluviale in alluminio si inframmezza ai montanti in legno ottimizzando il deflusso dell’acqua e conferendo ulteriore pulizia estetica. Il telo in PVC oscurante è disponibile in bianco o in avorio così come i profili. Realizzata su misura o in versione autoportante.

Living in open spaces in a natural way, when it is sunny, but also when it is rainy or windy: the TecnicWood pergola is made out of laminated northern pine assembled with stainless steel components. The aluminium gutter is wedged between the wood posts to optimize water draining and also provide aesthetic clarity. The PVC shading fabric is available in white or ivory as are the profiles. It is custom-built or available in a self-supporting version.

EMU Quadrati o rettangolari, i tavoli della collezione Star hanno piano in lamiera zincata a caldo rinforzato con ulteriore struttura metallica sotto il bordo, e gambe in tubolare metallico unite a traverse in tubolare di sezione rettangolare e fissate al piano con viti in acciaio inox. Ora non più solo in color alluminio o nero, ma in ben 10 colorazioni.

Square or rectangular, the tables from the Star collection have a hot-dip galvanised sheet metal top with a reinforced metal structure under the edge. The metal, tubular legs are joined to tubular crosspieces with a rectangular cross-section and fastened to the table top with stainless steel screws. It is now available not only in the original aluminium or black, in 10 different colours.

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PEOPLE/AROUND THE WORLD

Orologi da tavolo di Kiki van Eijck. Table clocks by Kiki van Eijck.


EINDHOVEN DESIGN

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Ormai da più di un decennio, il design è entrato a far parte del DNA della città olandese di Eindhoven. Una città molto cresciuta nella sua storia industriale, tecnologica, innovativa e creativa. Lo si riconosce da molti segnali, divenuti icone del design: la Design Academy Eindhoven (segnalata da Time Magazine come “the school of cool’, una scuola che ha il merito di aver formato, negli ultimi venti anni, una moltitudine di giovani talenti), lo studio Philips Design (alla Philips è legato indissolubilmente il passato industriale della città), il rinnovato Van Abbe Museum, la Facoltà di Design Industriale della Technical University Eindhoven e, last but not least, l’annuale Dutch Design Week, la settimana del design che si svolge in ottobre e richiama migliaia di visitatori. Con quella del 2011, siamo ormai alla decima edizione. Con centinaia di eventi distribuiti in sessanta e più location, la mani-

festazione ha messo in mostra il lavoro di migliaia di designer; una dimensione notevole per i numeri e l’apprezzamento del pubblico che vi ha partecipato, in un’atmosfera che a tratti ricorda quella del Fuori Salone di Milano della zona Tortona. Tra quelli di centro città: Stadhuisplein, Klokgebouw op Strijp-S, deWitteDame, Kanaalstraat e Designhuis. Tra le collettive, Dutch Invertuals, che raggruppa, sotto la direzione di Wendy Plomp, una collettiva di giovani designer, usciti dalla Design Academy alcuni anni fa, con progettisti che di volta in volta cambiano, e un tema che cambia a sua volta ed è stato nella scorsa edizione quello della vulnerabilità: “Untouchables”; e Zona Ventosa, nel Temporary Art center, TAC. Nel corso del DDW, la settimana del design, si sono tenute mostre, numerose conferenze, workshop, sfilate di moda e seminari, dibattiti, presentazioni, esposizioni, letture e visite gui-

date. Per quanto riguarda le tendenze in generale, forse in risposta alla crisi, si notano due trend contrastanti ma collegati; le proposte di design si polarizzano verso soluzioni concrete e pragmatiche da un lato e verso ricerche e studi filosofici e teorici dall’altro. In particolare per quanto riguarda i lavori dei giovani laureati della famosa scuola. Matrice del design olandese resta l’approccio concettuale e una capacità di vendere non solo prodotti ma anche idee e concetti, capacità proprie da sempre degli olandesi, dotati di una creatività libera, non imbrigliata, nonché abili ed esperti commercianti. L’evento più atteso e ricco di promesse resta comunque la presentazione dei lavori finali della Design Academy Eindhoven. Divisa per sezioni, la mostra presenta le tesi progettuali degli studenti dopo i primi quattro anni di corso e i lavori finali dopo due anni di post-graduate.

A sinistra e in alto, vasi in ceramica di Cabinet of Curiosity. Nella pagina accanto, giacca/camicia di Jeroen van Tuyl, tessuto di Kiki van Eijck. Left and top, ceramics vases by Cabinet of Curiosity. Opposite, jacket/shirt by Jeroen van Tuyl, fabric by Kiki van Eijck.

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For over a decade design has been part of the DNA of Eindhoven, Holland. The city has experienced a significant growth in its industrial, technological, innovative and creative history. There are many signs to show this, veritable icons of design: Design Academy Eindhoven (acknowledged by Time Magazine as “the school of the cool”, which has trained a multitude of young talents over the past twenty years); the Philips Design studio (the city’s industrial past is indissolubly connected with Philips); the renovated Van Abbe Museum; the Faculty of Industrial Design, Technical University Eindhoven; last but not least, the Dutch Design Week, which is held every year in October, and draws thousands of visitors. 2011 marked the 10th edition of the event, with hundreds of shows staged in over 60 locations, to exhibit the works by thousands of designers; a significant dimension in terms of both figures and

popularity among the general public, in an atmosphere which is somewhat reminiscent of the offsite events (Fuori Salone) organized in conjunction with the Salone del Mobile in the Tortona area, Milan. The venues in the city centre include Stadhuisplein, Klokgebouw op Strijp-S, deWitteDame, Kanaalstraat and Designhuis. As for the joint exhibitions, the emphasis should be on Dutch Invertuals, which gathers together – under the direction of Wendy Plomp – a group of young designers who completed their studies at the Design Academy a few years ago, changing from time to time, just like the theme, the latest edition being focused on vulnerability, “Untouchables”, and Zona Ventosa, at the Temporary Art Centre (TAC). During the design week, DDW, they organized exhibitions, a number of conferences, workshops, fashion parades and seminars, debates, presentations, displays, lectures and guided tours. As

far as the general situation is concerned, two contrasting, though related trends stood out, maybe in response to the crisis; design is being centred, on the one hand, on real, pragmatic solutions, and, on the other, on philosophical and theoretical surveys and studies. This is true in particular for the works by young graduates from the well-known school. A conceptual approach and an ability to sell products as well as ideas and concepts was, and still is, the hallmark of Dutch design. These peculiarities have always belonged to Dutch people, who can boast free, unbridled creativity, and are trained dealers. However, the presentation of the final works of Design Academy Eindhoven was, and still is, the most eagerly awaited and promising event. Divided into sections, the exhibition features the students’ design theses after the first four years and the final works after two postgraduate years.

Accanto, occhiali dalla doppia montatura. Sopra: a sinistra, autoveicolo per percorsi estremi; a destra, di Gieke van Lon per Humade, New Kintsugi, tecnica giapponese di riparazione con colla dorata dei piatti in ceramica. Left, double framed eyeglasses. Above: left, motor vehicle for extreme routes; right, New Kintsugi, by Gieke van Lon for Humade, a Japanese gilded glue repair technique for ceramic plates.

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Accanto, progetto per una carrozzina degli studenti della Technische Universiteit, UniversitĂ  di Tecnologia di Eindhoven. Sopra: a sinistra, lampade di Annebet Philips; a destra, libreria bio-alveolare di Floris Wubben.

Left, project for a pram by students at Technische Universiteit, Eindhoven Technology University. Above: left, lamps by Annebet Philips; right, bio-honeycomb bookcase by Floris Wubben.

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In alto: a sinistra, Light Divider, pannello a led di Aoife Wullur; a destra, progetto di segnaletica urbana. Accanto, ‘Chicken and humans together’, progetto di pollaio di mariska hilhorst. Nella pagina accanto, armadio di Sander Lucas.

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Top: left, Light Divider, LED panel by Aoife Wullur; right, urban sign project. Right, ‘Chicken and humans together’, a project for a poultry pen by Mariska Hilhorst. Opposite, cabinet by Sander Lucas.


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Lampadario e tazze in ceramica di Cabinet of Curiosity. Chandelier and cups made of ceramic, by Cabinet of Curiosity.

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Lâ&#x20AC;&#x2122;Art Hotel Eindhoven, nel centro cittadino, in un ediďŹ cio ex industriale ristrutturato, offre ambienti piacevolmente arredati con molto buon gusto per il colore. Nelle immagini, il ristorante, il bar e una camera.

The Art Hotel Eindhoven, in the city centre, in a formerly industrial, renovated building, is the name for pleasantly furnished rooms in tasteful colours. Photos, the restaurant, the bar and a bedroom.

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ADDRESSES

Alessi

Greenwood-Venice

Roda

www.alessi.it

www.greenwood-venice.com

www.rodaonline.com

Arper

Hermann Miller

Royal Botania/Duemmegarden

www.arper.com

www.hermanmiller.it

www.duemmegarden.it

Artemide

Italia Veloce

Scab Design

www.artemide.it

www.italiaveloce.it

www.scabdesign.com

B&B

Luceplan

Sentou Edition

www.bebitalia.it

www.luceplan.com

www.sentou.fr

Coro

Maison Fire

Serralunga

www.coro.it

www.maisonfire.it

www.serralunga.com

Corradi

Mazzucchelli

Sodastream

www.corradi.eu

www.mazzucchelli1849.it

www.sodastreamusa.com

De Castelli

Metalcohome

Tao

www.decastelli.it

www.metalcohome.it

www.tao.eu

Dedar

Montexport

Torremato

www.dedar.com

www.montexport.it

www.torremato.com

Dedon/Roda

Nardi

Viabizzuno

www.rodaonline.com

www.nardigarden.it

www.viabizzuno.com

Drago

Natuzzi

Vondom

www.dragoitalia.it

www.natuzzi.com

www.vondom.com

Driade

Osram

www.driade.com

www.osram.it

Dupont

Palazzetti

www.dupont.com

www.palazzetti.it

Emu

Paola Lenti

www.emu.it

www.paolalenti.it

Flexform

Penta

www.flexform.it

www.pentalight.it

Flos

Bonacina Pierantonio

www.flos.it

www.pierantoniobonacina.it

Flou

Pratic

www.flou.it

www.pratic.it

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DDN INTERNATIONAL DISTRIBUTORS

BRAZIL MAGAZINE EXPRESS LTDA ED ABRIL - 4째 ANDAR AV. DAS NACOES UNIDAS 7221 - PINHEIROS 05425-902 - SAO PAULO Tel.+55 11 36446008 Fax +55 11 36447722 magexpress@magexpress.com.br CANADA L.M.P.I. 8155, RUE LARREY MONTREAL H1J 2L5 QC Tel.+1 514-3555610 Fax +1 514-3555676 lmpi@lmpi.com CHINA FOREIGN PRESS DISTRIBUTORS LTD 328 KWUN TONG ROAD, G/F WANDA INDUSTRIAL CENTRE. KOWLOON - HONG KONG Tel. +852 2566 4885 Fax +852 27998840 karen@foreignpress.com.hk CYPRUS HELLENIC DISTRIBUTION AG.LTD. LEMESOS AVENUE 204, LATSIA NICOSIA Tel. +357 22 878500 Fax + 357 22 489131 miacovides@hellenicmags.com DUBAI JASHANMAL NATIONAL CO.(L.L.C.) - NPP DIVISION P.O.BOX 1545 DUBAI Tel. + 971 4 2665964 Fax + 971 4 2650939 kumar@jashanmal.ae GREECE HELLENIC DISTRIBUTION AGENCY LTD. 1, DIGENI STREET 17456 ALIMOS Tel. + 30 2112114300 Fax + 30 2109936043 l.koutzavekiari@hdaath.gr GERMANY W.E. SAARBACH GMBH HANS BOCKLER STRASSE 19 50534 HURTH-HERMUELHEIM tel. + 49 223379960 fax + 49 2233799610 gabi.koerner@saarbach.de GREAT BRITAIN COMAG SPECIALIST DIVISION TAVISTOCK WORKS - TAVISTOCK RD. - WEST DRAYTON MIDDLESEX UB7 7QX tel. + 44 1895433811 fax + 44 1895-433801 Andy.Hounslow@comag.co.uk

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HONG KONG FASHION CONSULTANT LTD. 20/FI FLAT B CAUSEWAY TOWER 16-22 CAUSEWAY RD CAUSEWAY BA - HONG KONG Tel. + 852 25761737 Fax + 852 28950062

DESIGNNICE INC. 2F 491-10 BUN-JI DAEHEONG-DONG, JUNG-GU 301-803 DAEJEON Tel. + 82 422523151 Fax + 82 422523153 help@designnice.com

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YES BOOK INC. 3F, DAEKWANG BLDG, 62-67, CHANCHEN-DONG SEODAEMOONKU SEOUL Tel. + 82 2 31414300 Fax + 82 2 31410092 yes@yesbook24.com

TAIWAN SUPER TEAM INT. CO., LTD No.13 Alley 58, Lane 278, Yong Ji. Road Taipei Tel. 2 27685950/51 Fax 2 2 27654993 Superten@Ms15.Hinet.Net

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THAILAND ASIA BOOKS CO. LTD. NO. 65/66, 65/70 FL 7, CHAMNAN PHENCHATI BUSINESS CENTRE RAMA 9 RD. 10320 HUAYKWANG , BANGKOK Tel. +662 715 9000 Fax +662 715 9197 nisana_L@asiabooks.com

TAIYO TRADING CO.LTD. C/O MIKI BLDG. 12-12 SHIBUYA 2 CHOME SHIBUYA KU TOKYO 150 Tel. +81 3 34067221 Fax +81 3 548 59333 infopro@next-eye.net KOREA UPA - UNIVERSAL PUBLIC. AGENCY UPA BUILDING II SUITE 1002 - 20 HYOJE-DONG, CHONGRO-KU SEOUL Tel. + 82 2 36720044 Fax + 82 2 36721222 upa1706@kornet.net KOREA PUBLICATIONS SERVICE INC MAPO P.O.BOX 227 SEOUL (121-600) Tel. + 82 2 2 31419293 Fax + 2 31419291 kps_97@naver.com EUROAMBOOKS CO. #409, GEOPYEONG APT - 196 NONHYEON-DONG, GANGNAM-GU, SEOUL Tel. + 82 25403136 Fax + 82 25403137 euroambooks@yahoo.co.kr WORLD MAGAZINES CO. LTD. YUJIN BLDG. 101, 13-7 NONHYUN-DONG, KANGNAM-GU 135-010 SEOUL Tel. + 82 2 529 9123 Fax + 82 2 529 9124 world@worldmag.co.kr

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