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ISSN 1120•9720 - Mensile -TAXE PERCUE (TASSA RISCOSSA). UFFICIO CMP/2 ROSERIO - MILANO. Spedizione in abbonamento postale - 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano DISTRIBUZIONE ME.PE

€ 8.00 “Italy only” - F € 14,50 - D € 18,00 - GR € 14,30 P € 15,40 - E € 12,80 - GB GBP. 11,50 - N NKR. 172,00 .S SKR. 170,00 - CH SFR. 23,00 - NL € 19,00.

DESIGN DIFFUSION

NEWS

SPECIALE NEW YORK

BELGIUM DESIGN

PROGETTO CULTURA

EMANUELA GARBIN MARIO DELL’ORTO

FLOU

175


NISSAN JUKE. IL PRIMO CROSSOVER COMPATTO DI NISSAN. URBANPROOF ENERGISED. www.nissan-juke.it Valori massimi: consumo ciclo combinato 7,6 l/100 km. Emissioni CO2 ciclo combinato: 175 g/km.


Not all houses are created equal Le tue idee al centimetro numero verde 800 233 752


ddn 175

CONTENTS DDN Design Diffusion News Direttore editoriale/Managing Editor Carlo Ludovico Russo c.russo@designdiffusion.com Direttore responsabile/Editor Rosa Maria Rinaldi r.rinaldi@ddworld.it Progetto grafico e consulenza artistica Graphic layout & art consultant Franco Mirenzi

Editoriale

Realizzazione grafica Graphic designer Antonietta Scuotri a.esse@ddworld.it Redazione/Editorial staff Manuela Di Mari manuela.dimari@ddworld.it Production&fashion/lifestyle Laura Galimberti laura.galimberti@ddworld.it Technology&research

5 Changing a little bit

Corrispondenti speciali Special correspondents Luciana Cuomo luciana_cuomo@yahoo.it Future strategies&global markets Monica Pietrasanta monica@pallavicini.it Report Giulia Bruno giulia.bruno.r@alice.it Ecodesign Bradley Wheeler Architecture and design in the USA

Traduzione/Translation ITS, Monza Olga Barmine Hanno collaborato a questo numero: The following contributed to this issue: Giulia Bruno, Elisabetta Colombo, Giovanna Davos, Cristina Fiorentini, Elviro Di Meo, Michele Weiss, Francesca De Ponti

Rosa Maria Rinaldi

Spot

16 Le news di DDN

G. Davos, G. Bruno, L. Galimberti

Report

34 OMBG

Giovanna Davos

36 Avenanti

Giovanna Davos

Cover project

38 Emanuela Garbin e Mario Dell’Orto per Flou

Laura Galimberti

Progetto Cultura

44 Rietveld’s Universe/Mondrian Exhibition

Manuela Di Mari/Michele Weiss

50 Centro Culturale a Ranica/Abitare verde

Giulia Bruno

56 Holon Museum by Ron Arad/Post Fossil/ADI Index

Laura Galimberti/Francesca De Ponti

62 Design in the street/Sperone Gallery

Luciana Cuomo

80 Bill Moggridge/Cooper-Hewitt

Luciana Cuomo

84 Dreaming the Last Supper

Luciana Cuomo

90 Italians: food&design and skyscrapers

Luciana Cuomo

New York

104 Mad mania

Elisabetta Colombo

Reportage

108 New Belgian design world

Manuela Di Mari/Michele Weiss

Barcellona

116 Genial Mariscal/El Born/Nanimarquina

Manuela Di Mari/Michele Weiss/Laura Galimberti

Architettura

122 Museo Ferrari

Elviro Di Meo

Living

126 Scelte di design

Laura Galimberti

Reportage

128 Funny&kitsch/Ethno store/Eco&green

Paolo Rinaldi

Production

136 Wellness&design

Monica Pietrasanta Guardaroba 16.32, design Emanuela Garbin e Mario Dell’Orto per Flou Foto Cristina Fiorentini

ISSN 1120•9720 - Mensile -TAXE PERCUE (TASSA RISCOSSA). UFFICIO CMP/2 ROSERIO - MILANO. Spedizione in abbonamento postale - 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano DISTRIBUZIONE ME.PE

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Cover

Design Diffusion World srl Redazioni/Editorial Offices Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5516109 Fax 02/5456803 Internet: www.designdiffusion.com www.designdiffusion.tv E-mail: ddn@designdiffusion.com Pubblicità/Advertising DDA Design Diffusion Advertising srl Via Lucano 3, 20135 Milano Tel. 02/5453009 – Fax 02/54.56.803 Ufficio traffico/traffic department Daniela D’Avanzo d.davanzo@ddadvertising.it Contabilità/Accounting Norberto Mellini n.mellini@ddadvertising.it

SPECIALE NEW YORK BELGIUM DESIGN PROGETTO CULTURA EMANUELA GARBIN MARIO DELL’ORTO

FLOU

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Ufficio abbonamenti Numero Verde 800/318216 Tel. 02/5516109 Fax 02/5456803 Editorial Office, Osaka Intermedia TS Bldg. 3-1-2 Tenma Kita-ku Osaka, Japan Tel. 00816/3571525 Fax 3571529 Mensile/Monthly magazine n. 175 marzo 2011 Prezzo/Price 8,00 euro Stampa/Printer Color Art Via Industriale 24/26 25050 Rodengo Saiano (BS) Tel. 030/6810155

Fotolito Bitgraph Via Vittorio Veneto 8 20060 Cassina de’ Pecchi (MI), tel. 02/92278515/6/7 Spedizione in abbonamento postale 45% - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano Reg. Tribunale Milano n./Milan Court Reg.No. 278 del 7 Aprile 1990 Printed in Italy ISSN 1120•9720

Distribuzione all’estero Sole agent for distribution Abroad A.I.E. - Agenzia Italiana di Esportazione spa - via Manzoni 12, 20089 Rozzano (Mi) tel. 02/5753911- fax 02/57512606 e-mail info@aie-mag.com www.aie-mag.com DISTRIBUZIONE ME.PE Distribuzione in libreria Bookshop distribution Joo Distribuzione via F. Argelati 35, 20143 Milano

È vietata la riproduzione anche parziale All rights reserved Testi, disegni e materiale fotografico non si restituiscono Texts, drawings and photographs will not be returned ddn Prodotto, ddn Report, Showroom e Dall’azienda sono servizi publiredazionali ddn Product, ddn Report, Showroom and Dall’Azienda are all editorial advertising

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Design Diffusion World edita le testate / Includes also heads: DDN Design Diffusion News OFARCH – Ofx System – Casa Di – Decor Living – DDN Edizione Russa – DDB – Design Diffusion Bagno – DHD – Hotel Design Diffusion – DDN Cucine International – ITS News – Hot Cold – D*Lux – Car Design – DDN Köln Design – DDN New York Design – DDN Mosca Design – DDN Valencia Design – DDN Milano Design – DDN Londra Design – DDN Dubai Design

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EDITORIAL

CHANGING A LITTE BIT

DDN si trasforma a piccoli passi. In sintonia e in sincronia con la frammentazione informativa e progettuale del mondo contemporaneo, il nostro magazine modifica la propria rigorosa struttura di contenitore esclusivo di notizie e reportage di design da e per il mondo, in un territorio elastico e multiforme, in cui gli argomenti di settore si alternano a flash culturali legati al mondo della moda, musica, arte, danza, teatro e altro ancora. Il cambiamento di DDN va verso una comunicazione soft, quasi liquida, secondo il termine che designa la società odierna. Quasi un acquario virtuale del progetto in cui osservare sotto lente di ingrandimento faune e flore note e sconosciute. Chiaramente e comunque sempre filtrate dall'occhio dell'internazionalità. Gli incroci dei contenuti avvengono per affinità di luogo, ma anche per assonanze fisiche o visive. Così il lungo reportage dedicato all'evento Cosmit a New York percorre il design della città accompagnato da visioni piccole e grandi su eventi metropolitani d'altra natura: mostre importanti, personaggi, gallerie d'arte, miniproduzioni di moda, luoghi di incontro. E ancora alla famosa architettura rietveldiana si affiancano odierne ipotesi costruttive ecosostenibili di case-vacanza. Il design fiammingo si intreccia con l'architettura belga. Quasi a formulare un inventario di elementi in cui il grande e famoso dà vita al piccolo sconosciuto e questo a sua volta offre linfa nuova alle lezioni dei maestri. Buona lettura

DDN has changed a little bit. In line with the information and design fragmentation of the contemporary world, our magazine has changed its strict structure as a unique container of news and reports on design from and for the world, in a flexible, varied area, where design-related issues alternate with cultural flashes connected with fashion, music, art, dance, theatre and much more. DDN is being aimed at providing soft, nearly fluid communication, according to the term that indicates today’s society. Almost a virtual aquarium of design, where the known and unknown fauna and flora can be examined under a magnifying glass. Obviously and always filtered through the eyes of internationality. The contents are crossed with each other on the basis of similarities between places as well as of physical or visual assonance. Hence the extensive report on the event organized by Cosmit in New York deals with design in the city as accompanied by small and large scale views of other urban events: major exhibitions, figures, art galleries, mini fashion productions, meeting places. What is more, Rietveld’s well-known architecture harmonizes with environmentally sustainable building concepts of holiday houses. Flemish design intertwines with Belgian architecture. As if to draw up a list of elements where the big and well-known starts the small and unknown, which, in turn, vivifies masters’ teachings. Foto Oskar Landi

Enjoy your reading!

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Mercedes-Benz è un marchio Daimler.

Nuova Classe CLS. Ritorna alle origini. Del desiderio. Dal 29 gennaio negli show room Mercedes-Benz. Consumo combinato (l/100 km): da 7,0 (CLS 350) a 6,0 (CLS 350 CDI). Emissioni CO2 (g/km): da 164 (CLS 350) a 159 (CLS 350 CDI). 800 77 44 11 mercedes-benz.it

Attiva il lettore di QR Code su smartphone e vivi giorno per giorno la nuova Mercedes-Benz CLS.


•Collegati al sito www.mercedes-benz.it/ar-cls, segui le istruzioni per il download dell’applicazione e preparati ad immergerti in un’esperienza unica. •Avvicina questa pagina alla tua webcam e preparati ad una nuova percezione della realtà.


UNA STORIA

A LIETO INIZIO.

Da semplici materiali, siamo diventati splendidi pezzi di qualità: letti, biancheria, guardaroba. Adesso siamo un progetto unico, pensato da chi aveva già fatto la storia del letto. Una camera bella, comoda e funzionale per i tuoi sogni. Perché pensiamo che i sogni siano fatti di fantasia, è vero. Ma è proprio dietro questi che il più delle volte si nasconde la realtà. Come nella camera da letto Flou.


COMPOSIZIONE [

CAMERA COMPLETA.

Nathalie matrimoniale, rivestimento tessuto 1°categoria sfoderabile e nuova base contenitore con doghe ortopediche, 2 comodini Juta, Guardaroba 16.32 larghezza 2.905 mm con ante battente finitura termostrutturata e disegno a rilievo resistente al graffio, attrezzatura standard. A partire da 5.000₏, escluso materasso e accessori.

[ Prodotti in Italia con Garanzia Europea. [ Flou è certificata in base alle norme ambientali ISO 14001.


ARCHITETTURA design Giorgio Soressi

www.erbaitalia.it info@erbaitalia.it


HU2 DESIGN

RICORDATI DI SPEGNERE LA LUCE

Decorativi, funzionali, educativi. I CO2 Factory Reminder Sticker del collettivo londinese Hu2 Design rivisitano, in chiave ‘green’, l’adesivo da parete, miniaturizzando aziende, catene di montaggio e cicli di produzione con riferimento al tema della sostenibilità ambientale. Collocati vicino a una presa di corrente o sugli elettrodomestici, gli sticker spiegano come si produce energia e quali sono le possibili conseguenze sull’ambiente, a seconda delle diverse forme di approvvigionamento utilizzate. L’invito è quindi quello di non eccedere nei consumi, facendo un uso più consapevole delle fonti energetiche. La collezione è realizzata in un materiale vinillico adesivo privo di PVC e clorina. www.hu2.com Giovanna Davos

REMEMBER TO TURN OFF THE LIGHT

PROMEMORIA

ARREDI IN MINIATURA Romeo Sozzi, ebanista, designer e ani-

Decorative, functional, educational. The CO2 Factory Reminder Sticker by the London-based Hu2 Design collective is the result of an environmentally friendly approach to wall stickers, miniaturizing businesses, assembly lines and production cycles, in relation to the theme of environmental sustainability. Placed near power sockets or on household appliances, the stickers explain how energy is produced and how the environment may be affected, depending on the forms of supply used. Hence it means a way to remind you not to waste energy and to use energy sources more consciously. The collection is made from a PVC and chlorine free vinyl adhesive. www.hu2.com

ma creativa di Promemoria, rivisitando la tradizione settecentesca dei ‘meubles miniature’, un tempo destinati ai collezionisti più aristocratici e visionari, traduce in formato ‘ridotto’ alcuni dei must dell’azienda. Tra questi, la sedia Bilou Bilou, dal 1988 declinata in mille varianti di trama e colore, oggi disponibile in versione ‘baby’ e rivestita in tessuti tattili a tinte forti. www.promemoria.com Laura Galimberti

MINIATURE FURNITURE Romeo Sozzi, cabinet maker and creative soul of Promemoria, rivisits the 18th century tradition of ‘meubles miniature’, which used to be meant for aristocratic, visionary collectors, to produce some of the company’s flagship products in smaller sizes. This is the case, for example, with the Bilou Bilou chair, which has been developed into countless texture and colour variants since 1988, and is now available in a ‘baby’ version, covered with tactile fabrics in bright hues. www.promemoria.com

ONAO

ANTISTRAPPO La cartiera giapponese Onao e l’industrial designer Naoto Fukasawa hanno collaborato alla realizzazione di Siwa. Serie eterogenea di oggetti - dalle borse alle pantofole, dai cappelli alle agende ai cestini - accomunati dalla particolarità del materiale con cui sono realizzati: carta sgualcita, che non si strappa. Per essere precisi il materiale è il Naoron, ricavato da polpa di legno e poliolefine, utilizzando l’antica tecnica di lavorazione della carta washi-suki. Il composto è morbido, flessibile, impermeabile, resistente e rivela appieno la sua texture quando spiegazzato. Perfetta sintesi tra eredità storica e innovazione tecnologica. www.onao.co.jp G. D.

TEARPROOF The Japanese-based paper maker, Onao, and the industrial designer, Naoto Fukasawa, teamed together to create the Siwa series. A mixed range of objects – from bags to slippers, from hats to diaries and boxes – sharing the peculiar material they are made from: crumpled paper which does not tear easily. Naoron is the material, developed from wood pulp and polyolefins, using the old paper manufacturing method, washi-suki. It is soft, flexible, waterproof, durable, and fully reveals its texture when creased. A perfect blend of historic heritage and technological innovation. www.onao.co.jp

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I.S.H. Frankfurt 15/03/2011_19/03/2011 Pad. 3.1 Stand A93

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www.antoniolupi.it_pantarei, design carlo colombo_foglio, design mario ferrarini_nochina, design riccardo fattori_ il canto del fuoco, design domenico de palo_a.d. riccardo fattori_ph. zerotremedia


ANTRAX-IT

ENERGIA PULITA Cod_E, il sottilissimo radiatore elettrico comandato con controllo remoto a radiofrequenza di Antrax IT, usato dall’azienda per condizionare e riscaldare tutti i propri uffici, è alimentato dagli stessi nuovi pannelli fotovoltaici che garantiscono elettricità all’intero circuito produttivo. Ideale per le abitazioni passive o in classe A, Cod_E, disegnato da Andrea Cosetta, può sostituire l’impianto di riscaldamento convenzionale, senza far uso di combustibili fossili. www.antrax.it Giulia Bruno

CLEAN ENERGY Cod_E, the ultrathin electric radiator with radio frequency remote control by Antrax IT, is used by the company to aircondition and heat all of its offices, with power supplied by the same new photovoltaic panels that provide the entire manufacturing circuit with electricity. Ideal for passive or Arated homes, Cod_E, designed by Andrea Cosetta, can replace the conventional heating system, with no need for fossil fuels. www.antrax.it

LONDRA

ANISH KAPOOR AT KENSINGTON GARDENS Saranno visibili fino al 13 marzo le straordinarie opere di Anish Kapoor, raccolte dallo scorso autunno ai Kensington Gardens di Londra grazie alla mostra Turning the World Upside Down, organizzata dalla Serpentine Gallery con The Royal Parks. Quattro le sculture in acciaio inossidabile scelte per questa esposizione ‘en plein air’, per la prima volta esposte insieme a Londra, che riflettono e distorcono il suggestivo paesaggio dei giardini, testimoniandone addirittura il cambiamento di stagione. Nell’immagine, ‘Sky Mirror, Red 2007’ (© 2010 Dave Morgan). www.serpentinegallery.org; www.royalparks.org.uk Laura Galimberti Anish Kapoor’s unique works – joined together at Kensington Gardens, London, within the exhibition Turning the World Upside Down, organized by the Serpentine Gallery and The Royal Parks, will be showcased until March 13. Four stainless steel sculptures have been chosen for this outdoor exhibition. Never before shown together in London, they reflect and distort the charming garden landscape, even testifying to the changing seasons. Photo, ‘Sky Mirror, Red 2007’ (© 2010 Dave Morgan). www.serpentinegallery.org; www.royalparks.org.uk

HELLA JONGERIUS: MISFIT Presentata in anteprima lo scorso febbraio al museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam, durante la mostra omonima, la nuova monografia edita da Phaidon ‘Hella Jongerius: Misfit’ dedicata all’opera della designer olandese. Il testo è strutturato in 4 ipotetiche conversazioni tra l’autrice, Louise Schouwenberg, e la Jongerius stessa, che ha collaborato attivamente alla realizzazione del progetto editoriale. In esame, i metodi lavorativi, la disillusione nei confronti della perfezione del prodotto industriale e lo sviluppo dei suoi progetti più importanti. Completano la monografia i saggi di Alice Rawsthorn e Paola Antonelli, due voci autorevoli del design contemporaneo. Il volume è stato progettato dalla graphic-designer olandese Irma Boom. Phaidon sta inoltre preparando una Collector’s edition del volume accompagnata da un esclusivo vaso progettato dalla designer e prodotto dalla Royal Tichelaar Makkum. In inglese, euro 39,95. www.phaidon.com L.G.

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The new monograph on the Dutch designer’s work, ‘Hella Jongerius: Misfit’, published by Phaidon, was launched at Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, in February, in conjunction with the exhibition having the same title. The main text of the book is composed of 4 hypothetical conversations between author Louise Schouwenberg and Hella Jongerius, who took an active part in the publishing project. The emphasis is on her working methods, disillusion with the perfection of much industrial product design, and the development of her main designs. The monograph also contains two essays by contemporary design experts Alice Rawsthorn and Paola Antonelli. The volume was designed by the Dutch graphic designer, Irma Boom. In addition, they at Phaidon are preparing a collector’s edition of the volume, presented with a unique vase designed by Hella Jongerius for Royal Tichelaar Makku . Language: English: retail price: Euro 39.95. www.phaidon.com


w w w. e c l i s s e . i t


ALBORNO/GRILZ

UN GIOCO DI SOTTRAZIONI Creata nel 2007 dai progettisti Fabrizio Alborno e Ginevra Grilz, la collezione di mobili del marchio Alborno/Grilz è stata pensata per chi desidera pezzi unici e di qualità, dove protagonista è il mobile stesso, senza compromessi. Più forma e meno funzione, quindi, in un gioco di sottrazione alla ricerca del giusto compromesso tra chi utilizza il prodotto e il prodotto stesso. Il tutto all’insegna del rispetto per l’ambiente. Ecco i principi su cui è stata costruita la prima collezione, Vessel (nelle immagini). Dematerializzazione innanzitutto, quindi strutture ridotte all’essenziale. Lavorazioni artigianali e disegno al di sopra delle mode, per una lunga durata tecnica ed estetica del prodotto. Totale riciclabilità dei componenti nel momento della dismissione. Utilizzo di legni non provenienti da foreste primarie. Finiture realizzate con cere naturali per le parti in legno, e verniciatura che riduce drasticamente la presenza di solventi sintetici per le parti in metallo. www.alborno.com Laura Galimberti

REMOVAL EFFECTS Developed in 2007 by designers Fabrizio Alborno and Ginevra Grilz, the furniture collection manufactured by Alborno/Grilz is intended for those interested in one-off, first-rate pieces, where furniture is the key player, without compromise. Hence more form and less function, which produces removal effects, while striving for the right compromise between the user and the product itself, respect for the environment being a top priority. Here are the principles the first collection, Vessel (photos), is based upon: dematerialization and basic structures; craftsmanship and design unrelated to fashion, with a view to technical and aesthetic product durability; fully recyclable components; use of wood other than that coming from primary forests; wood parts finished with natural wax, and metal parts painted with products where the synthetic solvent content has been dramatically reduced. www.alborno.com

ZAAFDESIGN

IL VETTORE COMODO Globike, ovvero la bicicletta della ‘mobilità globale’, ispirata ai principi di ergonomia che coniugano stile e comfort. È stata progettata da ZAAFDesign, prestando attenzione alla forma e all’analisi dell’energia necessaria per generare il movimento. Telaio in carbonio, freni a disco, cambio integrato, tubi in titanio. E un sistema rivoluzionario di regolazione della distanza tra sella e manubrio, calcolato sul punto di fulcro dei pedali sui cavi, al fine di ottimizzare la posizione in base alla conformazione anatomica dell’utilizzatore, sia in altezza sia in profondità. Tutto questo dà vita a un mix di design e tecnologia, che garantisce al tempo stesso leggerezza, flessibilità e controllo della struttura e delle forcelle. La Globike ha vinto il primo premio alla Seoul Cycle Design Competition. www.zaafdesign.com Giovanna Davos

THE COMFORTABLE VECTOR Globike – that is, the bike for “global mobility”, inspired by the ergonomic principles that match style and comfort. It was designed by ZAAFDesign, which placed emphasis on both the shape and the analysis of the energy required to produce movement. Carbon frame, disc brakes, integrated gear, titanium tubes, and a revolutionary regulation system of the interior wires for the distance between the saddle and the

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handlebar, to obtain the optimal position, in both height and depth, depending on the user’s anatomical shape. All of this results in a perfect blend of design and technology, which is also the name for remarkable lightness, flexibility and control of the frame and forks. The Globike won first prize at the 2010 Seoul Cycle Design Competition. www.zaafdesign.com


ECOLOGIA AD ARTE restituisce al suo contesto d’origine l’artista poliedrico e innovatore, che deve la fama a generi come il comico e il grottesco e alle fantasiose coreografie per feste, cortei e mascherate. www.comune.milano.it/palazzoreale Giulia Bruno

ARTFUL ECOLOGY

Le famosissime teste composte di Giuseppe Arcimboldo, artista milanese cinquecentesco, sono esposte a Palazzo Reale fino al 22 maggio nella mostra curata da Sylvia Ferino, in stretto collegamento con la National Gallery of Art di Washington (catalogo Skira). Fra disegni, pitture, preziosi oggetti dalle officine artigianali milanesi dell’epoca, Arcimboldo

The world-famous composite heads by the 16th- century Milanese artist, Giuseppe Arcimboldo, are on display at Palazzo Reale, Milan, until May 22, in an exhibition curated by Sylvia Ferino, in close collaboration with the National Gallery of Art, Washington (catalogue published by Skira).Among drawings, paintings, precious objects from Milan’s contemporary craft workshops, “Arcimboldo” brings the versatile, innovative artist renowned for such genres as the comic and grotesque ones and imaginative settings for festivals, parades and masquerades back to his original environment. www.comune.milano.it/palazzoreale

EMILIO CAVALLINI

STILISTA TESSITORE

È la storia prodigiosa dell’imprenditore toscano che, fedele alla passione giovanile per l’arte, la moda, la libertà, ha trasformato la calza da banale capo d’abbigliamento in vestito per la gamba. Oggi, lo Stilnovo spa, il suo stabilimento di San Miniato, produce trentamila pezzi al giorno e circa quattro milioni su ordinazione da tutto il mondo. Emilio Cavallini ha “incontrato la calza” e ne ha fatto “l’abito per la gamba”, innalzandola (la calza) “alla dignità di un’opera proiettata verso il non materiale”, inoltrandosi insieme a lei “nell’inimmaginabile spazio della metafisica”. Il ricco volume, a cura di Benedetta Barzini, racconta il viaggio del creatore di calze femminili, che fu tra i primi a proporre il collant e a inventare il seamless, calze per rivestire il corpo intero. Cavaliere, Ufficiale, Commendatore della Repubblica, Leone d’Oro per la moda a Venezia nel 1989, con boutiques in tutto il pianeta, l’imprenditore/artista/tessitore studia matematica e architettura per creare oggetti quasi frattali, dove la calza diventa la materia, e l’ordinato splendido archivio è espressione realizzata di intuizioni e idee sempre nuove, punto di partenza per avventure non ancora vissute, per “perdersi e ritrovarsi nell’universo”. ‘Emilio Cavallini’, edito Skira, attraverso le parole di eminenti critici d’arte, quali Sergio Risaliti, Yuri Primarosa, Laura Cherubini, Silvia Pegoraro, illustra con immagini emozionanti e vivaci lo spirito, la vita, l’arte di un uomo che ha voluto “massacrare la banalità” senza mai dimenticare il proprio senso estetico. www.skira.net G. B.

A FASHION DESIGNER AND WEAVER

DEVON & DEVON

NUOVO SHOWROOM

Nizza, Boulevard Victor Hugo, 19, a due passi dalla splendida Promenade des Anglais: Devon & Devon apre il suo secondo showroom francese monomarca in un signorile palazzo stile Belle Epoque. Al piano terra le icone del brand si fanno ammirare attraverso quattro grandi vetrine. Un ambiente luminoso, elegante e raffinato accoglie i visitatori, assistiti nelle loro scelte al piano inferiore, dedicato alle soluzioni creative e alle consulenze progettuali. www.devon-devon.com G. B. Nice, Boulevard Victor Hugo, 19, near the magnificent Promenade des Anglais: Devon & Devon has opened its second single-brand showroom in France, in an elegant Belle Époque style building. On the ground floor, the icons of the brand can be admired through four large windows. The visitors, who are welcomed by a bright, smart, refined ambience, are helped to make their choices on the lower floor, which is devoted to creative solutions and design consultancy. www.devon-devon.com

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This is the prodigious story of the Tuscan entrepreneur who – faithful to his early passion for art, fashion and freedom – transformed hosiery from an ordinary item of clothing into a dress for the leg. Nowadays Stilnovo spa, namely its factory in San Miniato, manufactures 30,000 pieces a day and approximately 4,000,000 pieces a year, ordered from any part of the world. Emilio Cavallini “met tights” and used them to dress women’s legs, raising them “to the dignity of a work projected into the nonmaterial”, venturing “into unimaginable metaphysical spaces” together with them. The rich volume by Benedetta Barzini tells about the journey of the designer of women’s hosiery, a pioneer of tights and the inventor of seamless garments to dress the entire body. A Cavaliere del Lavoro, Ufficiale, Commendatore della Repubblica and winner of the “Leone d’Oro” prize for fashion in Venice in 1989, with boutiques in every corner of the planet, the entrepreneur/artist/weaver studies mathematics and architecture to create nearly fractal objects, where tights are turned into matter, and the tidy, beautiful archives accommodate ever-new intuitions and ideas, as a starting point for adventures yet to be experienced, “to get lost and find oneself in the universe”. Based on the words of such distinguished art critics as Sergio Risaliti, Yuri Primarosa, Laura Cherubini and Silvia Pegoraro, and exciting, lively pictures, ‘Emilio Cavallini’, published by Skira, deals with the spirit, the life, the art of a man who wanted to “massacre triviality”, without ever forgetting about his own aesthetic sense.

ERRATA CORRIGE

Sul numero di gennaio, DDN 174, è stata erroneamente scambiata un’immagine di copertina che avrebbe dovuto invece essere relativa al libro ‘Cronache da un giardino’ di Paolo Pejrone. Ce ne scusiamo e pubblichiamo di seguito la giusta copertina. In the January issue, DDN 174, a cover picture was exchanged; actually, it should have concerned the book ‘Cronache da un giardino’ by Paolo Pejrone. We apologize for our mistake. Below you will find the right cover.


SEGNI & DISEGNI

Volti pensosi, aggressivi, ridenti o perplessi esprimono con pochi, potenti segni le emozioni dell’anima. Nell’opera alchemica dell’artista le realtà umane scrutate nello sforzo della ricerca interiore, si trasformano in segni e colori. Ingegnere, viennese di nascita, bolognese d’adozione, Carlo Giampiccolo subisce il fascino di Piero della Francesca e di Andy Warhol e nei suoi lavori si trovano tracce dei colori matissiani e della forza di Picasso. In una pluridecennale produzione Giampiccolo sperimenta il magico mondo di pittura e disegno su supporti d’ogni genere, dagli imballaggi usati, a vecchi fogli di giornale, a scarti di produzione. Offre così nuova vita a materiali non più in uso, abbandonati nelle discariche delle nostre città, attraverso i ritratti di personaggi incontrati nel suo viaggiare intorno al mondo. Giulia Bruno

SIGNS & DRAWINGS Thoughtful, aggressive, smiling or puzzled faces reveal the emotions of the soul through just a few, powerful signs. In the artist’s alchemic work, human situations, as scrutinized in the effort of the inner search, are transformed into signs and colours. An engineer born in Vienna, Bologna being his adoptive city, Carlo Giampiccolo is fascinated by Piero della Francesca and Andy Warhol. In his work, you can find traces of both Matisse’s colours and Picasso’s strength. In his decades-long career, Giampiccolo has been experimenting with the magic worlds of painting and drawing on any media, from used packaging to old newspaper sheets and production rejects. Hence he breathes new life into disused materials, left in the dumps of our cities, through the portraits of people met while travelling around the world.

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EUMENES

LA FORMA DELL’INNOVAZIONE Interessante la collezione che ha debuttato durante l’ultima edizione di Maison&Objet, presso lo store Silvera, proposta dal nuovo marchio di complementi d’arredo Eumenes. Nato dall’esperienza imprenditoriale di Marco Dolcino, si propone con un numero contenuto di prodotti, estremamente flessibili dal punto di vista funzionale ed estetico. Questa prima collezione riguarda due famiglie di prodotti, quattro pezzi in tutto, per un’infinità di varianti e combinazioni cromatiche. Pensati da Paola Navone, la seduta Euphoria e il tavolo Eus (nell’immagine): la prima utilizza il Woodstock, materiale usato nel settore automotive, accoppiato anche con poliuretano morbido e tessuti; il secondo ha base in metallo verniciato in diversi colori e piano disponibile in tre materiali diversi, che ne definiscono radicalmente l’estetica. La famiglia di prodotti firmata da Jean-Marie Massaud, che comprende la seduta Arkys e il tavolo Aracne, è stata pensata con lo stesso approccio progettuale, che punta su innovazione, personalizzazione e ricerca. Una collezione ‘mutante’, che offre già centinaia di varianti. www.eumenes.it Laura Galimberti

AHHA PROJECT

1000 UOVA BOLLITE

THE FORM OF INNOVATION The collection launched by the new brand of living accessories, Eumenes, in conjunction with the latest edition of the exhibition Maison & Objet, at the Silvera store, should be emphasized. Based on Marco Dolcino’s business expertise, it is composed of a limited number of products, which stand out as functionally and aesthetically flexible. This first collection comprises two product lines – four pieces altogether –, which make countless colour variants and combinations possible. The Euphoria seat and the Eus table (photo) were designed by Paola Navone: the former is made of the material used in the automotive industry, Woodstock, as matched with soft polyurethane and fabrics; the latter is fitted with a metal base painted in several colours and a top available in three different materials, which have a major impact on the aesthetic. The product line designed by Jean-Marie Massaud – that is, the Arkys seat and the Aracne table – relies on the same design approach, as focused on innovation, customization and research. A ‘changing’ collection, which comes in hundreds of variants already. www.eumenes.it

CRISTALPLANT + MDF ITALIA

ANNUNCI CREATIVI Terza edizione per Cristalplant Design Contest, il concorso promosso da Cristalplant e MDF Italia con l’obiettivo di individuare prodotti innovativi e di ricerca. Realizzati col materiale (il primo): poliedrico e tecnologicamente avanzato a base di cariche minerali naturali; e ispirati allo stile dell’azienda (la seconda). La partecipazione è gratuita e aperta ai giovani creativi nati dopo l’1 gennaio 1971. I progetti vincitori saranno selezionati da una giuria qualificata e premiati durante la settimana del design milanese, presso Superstudio Più. www.cristalplant.it G. D.

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CREATIVE ANNOUNCEMENTS Cristalplant® Design Contest, at its third edition, is promoted by Cristalplant and MDF Italia with a view to locating innovative, research-oriented products. Made from the material (the former), versatile and technologically advanced, based on natural minerals; and inspired by the company’s style (the latter). Participation is free of charge and open to designers born after January 1, 1971. The winning projects will be selected by an expert jury, and the prize-giving ceremony will be hosted by Superstudio Più, in conjunction with Milan Design Week 2011. www.cristalplant.it

La Biomass Bag dello studio Ahha Project (sede a Seoul e Milano) si basa su un concetto semplice. La biomassa è una preziosa fonte di energia, che si accumula, in larga misura, all’interno delle nostre cucine. Ma si calcola che solo il 40% dei rifiuti, in Germania, finisca nei bidoni bio, poiché molte persone faticano a separare la spazzatura biologica dal resto dell’immondizia. Una borsa biodegradabile, realizzata in acido polilattico (PLA), facile da usare e sigillare, potrebbe risolvere il problema, costringendoci a riconsiderare le nostre abitudini di smaltimento. Basta leggere le etichette stampate su ogni sacchetto per avere un riscontro della potenza energetica consumata. Il contenuto della borsa è, infatti, sufficiente per percorrere 10 km in auto, lavare 30 kg di bucato, ricaricare il cellulare 300 volte, bollire l’acqua per 100 tazze di tè, tostare 500 fette di pane etc. ahhaproject.com Giovanna Davos

1000 BOILED EGGS The Biomass Bag, designed by Ahha Project (with offices in both Seoul and Milan) is based on a simple concept. The biomass is an invaluable source of energy, which is largely accumulated in our kitchens. However, it has been estimated that only 40% of waste, in Germany, ends up in bio bins, since many people have difficulty in separating biological from other rubbish. A biodegradable bag, made of polylactic acid (PLA), easy to use and seal, might deal with the problem, making us reconsider our waste disposal habits. You just have to read the labels printed on each bag to learn about energy power consumption. Indeed, the contents of the bag are enough to drive 10 km, wash 30 kg laundry, recharge your mobile phone 300 times, boil water for 100 cups of tea, toast 500 slices of bread etc. ahhaproject.com


IL DESIGN GIOVANE

cof designincucina di Colzani Marco e Fausto & C sas via Virgilio 3 20833 Giussano (MB) tel. +39 0362860683 fax +39 0362861665 www.cofcucine.com info@cofcucine.com


I Saloni compiono 50 anni. Dal 1961 Milano ospita la manifestazione fieristica incentrata su design, cultura, mondo dell’industria, declinati nel linguaggio della creatività che ha reso così famosa l’Italia. Durante la conferenza di presentazione dei Saloni 2011, il noto presentatore televisivo Bruno Vespa ha intervistato personaggi d’eccezione: Ornella Vanoni, Irene Grandi, Oscar Farinetti, Matteo Marzotto, Alberto Tomba e Arianna Errigo si sono alternati nell’esporre le proprie opinioni sui Saloni. Carlo Guglielmi, Presidente COSMIT e Rosario Messina, Presidente FederlegnoArredo, hanno messo in luce l’importanza del passato successo come potente incentivo verso una continua crescita. Se dai 12.100 visitatori del 1961 si è arrivati ai 297.460 del 2010 e i 328 espositori iniziali distribuiti su 11.000 mq sono diventati 2720 su una superficie netta di 210.500 mq, non mancano le premesse per la ripresa. L’evento si è concluso con la rappresentazione ‘Mani grandi, senza fine. Nascita e ascesa del design a Milano: i Castiglioni, Magistretti, Manghi, Sottsass, Viganò, Zanuso’, di e per la regia di Laura Curino e da lei superbamente interpretata. La rappresentazione, prodotta da Piccolo Teatro di Milano, COSMIT con Fondazione Giannino Bassetti, FederlegnoArredo, Camera di Commercio di Milano e quella di Monza-Brianza, è la prima tappa del progetto ‘Realizzare l’improbabile. Il design a Milano: ascendenze e prospettive’. Laura Curino ha voluto portare al Teatro Studio Expo storie, idee, tratti dei maestri del design italiano e delle aziende a loro collegate, Cassina, Castelli, Gandini, Barassi, Bitossi, Sarfatti. Guardano dunque al futuro i Saloni 2011. Molti eventi collaterali porteranno cultura e innovazione in città. Triennale Design Museum inaugurerà il 5 aprile la quarta edizione con ‘Le fabbriche dei sogni’, dedicata agli uomini e alle aziende che hanno contribuito a creare il sistema del design italiano. Il progetto è di Martin Guixé, la cura scientifica è stata affidata ad Alberto Alessi. Fino al 26 febbraio 2012. ‘La mano del grafico’ torna a Villa Necchi Campiglio riprendendo le passate esposizioni. Dall’ 8 aprile all’8 maggio. Il visionario Theatrum Naturae creerà un nuovo mondo di luce nel centro di Milano: ‘Cuore di Bosco’ farà rinascere l’antico piccolo bosco sacro venerato come locus in una Piazza San Fedele fitta di alberi di luce, immersi nella nebbia padana. Dal 12 al 27 aprile. Otto ambienti progettati da Denis Santachiara porteranno in Piazza Duomo le ultime scoperte scientifiche reinterpretate in forma d’opere d’arte. ‘Principia: stanze e sostanze delle arti prossime’ è una mostra immaginifica sul futuro. Dal 12 aprile al 1 maggio. Informazioni su convegni, seminari, anteprime in agenda nel periodo si potranno ottenere in tempo reale sul proprio iPhone o smartphone collegandosi al sito di COSMIT grazie alla piattaforma mobc3. Martedì 12 aprile 2011, presso il quartiere espositivo di Rho Fiera, prenderanno il via il Salone Internazionaledel Mobile, che occuperà anche i padiglioni 16 e 20 con l’estensione del settore design; il Salone Internazionale del Complemento d’Arredo; la biennale di Euroluce con la nuova collocazione in 4 padiglioni monoplanari (9-11 e 13-15) collegati tra loro; la biennale Salone Ufficio collocato ai padiglioni 22-24 situati di fronte a Euroluce tra gli ingressi di Porta Ovest e Porta Sud; il Salone Satellite, che presenta progetti di giovani creativi, ripropone il concorso per favorire contatti mirati fra gli under 35 e le aziende espositrici e, in accordo con l’ADI (Associazione per il Disegno Industriale) offre il supporto a chi desidera l’iscrizione dei propri lavori al Registro Progetti. Fino a domenica 17 aprile. www.cosmit.it Giulia Bruno

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I Saloni is celebrating its 50th birthday. Since 1961 Milan has been hosting the fair focused on design, culture, and the industrial world, in the language of creativity, which has allowed Italy to become so famous. During the conference held to introduce I Saloni 2011, the well-known anchorman, Bruno Vespa, interviewed a few special guests: Ornella Vanoni, Irene Grandi, Oscar Farinetti, Matteo Marzotto, Alberto Tomba and Arianna Errigo took turns in expressing their opinions on I Saloni. Carlo Guglielmi, Chairman of COSMIT, and Rosario Messina, Chairman of Federlegno-Arredo, emphasized the importance of past success as an enormous boost to ongoing growth. Since the 12,100 visitors in 1961 rose to 297,460 in 2010, and the 328 initial exhibitors over an area of 11,000 square metres have increased to 2,720 over a net area of 210,500 square metres, no doubt the standards have been set for recovery. The event ended with the performance ‘Great Hands, Without End. The Birth and Ascent of Design in Milan: the Castiglionis, Magistretti, Manghi, Sottsass, Viganò, Zanuso’, written, directed and outstandingly played by Laura Curino. The show, produced by the Piccolo Teatro di Milano, COSMIT in collaboration with Fondazione Giannino Bassetti, Federlegno-Arredo, and the Chambers of Commerce of Milan and Monza-Brianza, is the first stage of the project ‘Achieving the Improbable. Design in Milan: Origins and Prospects’. Laura Curino wanted to stage stories, ideas, portraits of both the masters of Italian design and the companies connected with them, namely Cassina, Castelli, Gandini, Barassi, Bitossi and Sarfatti, at Teatro Studio Expo. Hence I Saloni 2011 looks to the future. Many side events are promoting culture and innovation in the city. On April 5, the Triennale Design Museum opens the fourth edition, with ‘Dream Factories’, centred on the people and companies who took an active part in creating the Italian design system. The project has been


pubsrl.it

drawn up by Martin Guixé, with Alberto Alessi as scientific curator. Until February 26, 2012. ‘The Hand of the Graphic Designer’ is back at Villa Necchi Campiglio, building on the format of the previous editions. From April 8 to May 8. The visionary Theatrum Naturae will transform the heart of Milan into a new lighting world: ‘Cuore di Bosco’ (the woods’ heart) will revive the old, small sacred woods venerated as a locus in Piazza San Fedele, thick with trees swathed in the Po Valley mists. From April 12 to April 27. Eight room settings designed by Denis Santachiara take the latest scientific discoveries as reinterpreted in the form of works of art to Piazza Duomo. ‘Principia: Forward Arts’ is an exhibition devoted to an imagined future. From April 12 to May 1. Information on the conferences, workshops and previews scheduled in conjunction with I Saloni will be available in real time on your iPhone or smartphone by logging onto the COSMIT website through the mobc3 platform. On Tuesday, April 12, 2011, the following events kick off at the Rho fairgrounds: the International Furniture Show, which also occupies Halls 16 and 20, with an extension of the design sector; the International Furnishing Accessories Exhibition; the biennial International Lighting Exhibition, Euroluce, with the new arrangement in 4 interconnected single-storey halls (9-11 and 13-15); the International Biennial Workspace Exhibition, SaloneUfficio, in Halls 22-24, opposite Euroluce, between the West and South Gates; SaloneSatellite, where the emphasis is on projects by young designers, has launched, again, the competition designed to encourage targeted contacts between designers under 35 years of age and exhibiting companies, and, in agreement with the Industrial Design Association, ADI, it provides support to those interested in entering their works in the Design Register. Until Sunday, April 17. www.cosmit.it

Exhibiting at ISH-Frankfurt Hall 4.2 - Stand E03

SIXTY

Thermostatic

.net Mixers


ERNESTOMEDA E LISTONE GIORDANO PROGETTO COMUNE L’ormai consolidata partnership fra Ernestomeda e Listone Giordano prende il via anche in Italia: Ernestomeda Contract e Listone Giordano Contract danno inizio alla collaborazione rivolta al mondo del Real Estate in un sofisticato open space di 360 mq nel cuore della vecchia Milano commerciale. Già da anni i due prestigiosi brand hanno unito le rispettive competenze per offrire al mercato internazionale affidabilità, qualità di prodotti, artigianalità di produzione, cura per estetica e design: riscuotendo notevole successo in svariati paesi, come Cipro o la Spagna, dove l’elegante spazio espositivo di Barcellona è punto di riferimento per studi di architettura e imprese di costruzioni nel settore dei grandi progetti. L’Ernestomeda Loft di via Col di Lana 8 a Milano, sede della partnership, si rivolge ad architetti, professionisti del Real Estate, promotori immobiliari, impresari edili, presentando i pavimenti in legno di alta gamma Listone Giordano, fiore all’occhiello del gruppo Margaritelli, e l’ampia collezione di cucine Ernestomeda. Novità della proposta milanese sono le iniziative dei due gruppi tese ad aggiungere pregio alle varie operazioni immobiliari interessate: una serie di servizi di consulenza accompagna l’utenza, dalle prime fasi del progetto d’arredamento fino alle realizzazioni finali. La Contract Division di Ernestomeda ha pensato di inserire il prodotto cucina nel capitolato delle unità abitative in vendita, con la possibilità di personalizzare la cucina con soluzioni studiate ad hoc, evitando la standardizzazione dell’offerta. In questa maniera, promuovendo le attività di co-marketing con le imprese, si accorciano i tempi di vendita, con evidenti vantaggi non solo economici per l’acquirente finale. L’Ernestomeda Contract Division con il team dedicato al Real Estate si propone dunque come vero e proprio partner di operazioni immobiliari, garantendone valore e qualità. Sono in programma le aperture di due nuovi spazi dedicati al contract a Barcellona e al Cairo. E ancora, Listone Giordano ed Ernestomeda, fedeli alla passione per la bellezza, l’arte, la cultura, supportano ‘Michelangelo Architetto’ importante mostra di disegni del grande architetto scultore cinquecentesco. Castello Sforzesco, Milano, fino al 25 maggio 2011. www.ernestomedacontract.com; www.listonegiordano.com Giulia Bruno

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A SHARED PROJECT The established partnership between Ernestomeda and Listone Giordano has also reached Italy: Ernestomeda Contract and Listone Giordano Contract have started working together in the real estate industry, in a sophisticated open plan showroom covering an area of 360 square metres, in the heart of Milan’s old commercial district. The two prestigious brands have been joining their respective skills together for years, to provide the international market with reliability, first-rate products, craftsmanship, care for aesthetic and design, proving tremendously successful in several countries, including Cyprus and Spain – Barcelona’s elegant showroom means a benchmark for architectural studios and building companies involved with large-scale projects. The Ernestomeda Loft in via Col di Lana 8, Milan, the headquarters of the partnership, targets architects, real estate professionals, real estate promoters and building contractors, displaying the high-end wooden floors by Listone Giordano, Margaritelli’s flagship product, and the large kitchen collection by Ernestomeda. The Milanese partnership is closely connected with the two groups’ new projects as aimed at adding value to the real estate


transactions concerned: users are provided with several consultancy services, ranging from the early stages of interior design projects to end solutions. The Ernestomeda Contract Division has included kitchens in the specifications of the living units on sale, offering an opportunity to customize one’s kitchens through specially studied solutions, thereby avoiding standardization. Promoting co-marketing with businesses results in shorter sales times, which produces clear-cut economic and other benefits for end buyers. Hence the Ernestomeda Contract Division relies on the real estate team to stand out as a partner in real estate transactions, delivering value and quality. Two new contract focused showrooms are being opened in Barcelona and Cairo respectively. In addition, faithful to their love for beauty, art and culture, Listone Giordano and Ernestomeda support ‘Michelangelo Architetto’, a major exhibition of drawings by the great 16th century architect and sculptor. Sforzesco Castle, Milan, until May 25, 2011. www.ernestomedacontract.com www.listonegiordano.com

In questa pagina, dall’alto e in senso orario, installazione di Ernestomeda Loft a Milano; progetti Listone Giordano realizzati in un loft al Cairo, all’Hotel Marina di Sorrento, nel living room di una residenza privata in Canada. Pagina accanto, una visione interna e l’ingresso dell’Ernestomeda Loft a Milano.

This page, from top and clockwise, installation at the Ernestomeda Loft in Milan; projects by Listone Giordano, carried out in a loft in Cairo, at the Marina Hotel in Sorrento, and in the living room of a private residence in Canada. Opposite, interior view and entrance to the Ernestomeda Loft in Milan.

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RES

PORTE ALLA MANO

Sabia Design Center è un vasto showroom di materiali edilizi, sito a Pietragalla, provincia di Potenza. Punto di forza dello spazio è l’Area Emotional, che accoglie il visitatore all’ingresso, presentando un nuovo concept per l’esposizione del design: prodotti di fascia alta che creano ambiente, per suggestionare, influenzare, attrarre e stupire, con la bellezza di colori, superfici, forme e materiali, accostati in combinazioni di stili di vita e proposte esclusive. Ogni pezzo diventa una soluzione da vivere, da toccare, non solo da guardare, come le pareti divisorie di RES. L’area è, infatti, progettata con porte e sistemi di chiusura del marchio lombardo che contribuiscono a realizzare una rassegna qualificata di prodotto, orientata all’architettura e al design. In sintesi, una ‘macchina espositiva’ per clienti e professionisti dell’interior design. www.resitalia.it Giovanna Davos

DOORS TO ENJOY The Sabia Design Center is a large showroom of building materials, located in Pietragalla, in the province of Potenza. The Emotional Area stands out, welcoming visitors at the entrance, on the basis of a new concept for displaying design: high-end products creating an ambience, to fascinate, influence, draw and amaze you,

through the beauty of colours, surfaces, shapes and materials, matched to combine lifestyles and one-off designs. Each piece develops into a solution to enjoy, to touch – and not only to look at –, like the partition walls by RES. The area is fitted with doors and closing systems of the Lombard brand, thereby resulting in an outstanding architecture and design oriented display of products. In a nutshell, an “exhibition machine” for customers and interior design professionals. www.resitalia.it

TOKUJIN YOSHIOKA

IPAD IN VETRINA Porta la firma di Tokujin Yoshioka, il primo flagship store di 132 5. Issey Miyake, nuovo marchio dello stilista giapponese, basato sull’idea della rigenerazione e ri-creazione, nonché evoluzione di A piece of Cloth. ‘Il modo di vendere’ crea il concept del negozio, prima ancora dell’interior design. I vestiti sono, infatti, indossati da cinque manichini trasparenti (appesi al soffitto), che non sottraggono attenzione ai protagonisti dello spazio. Per avere informazioni sui pezzi della collezione c’è un iPad, a cui è affidato il compito di spiegare le tecniche sartoriali e costruttive che danno vita agli abiti. Tutt’intorno, nessuna nota di colore, solo bianco e ampie vetrate trasparenti, che giocano con i riflessi di luce. Foto Yoshinaga Yasuaki. www.tokujin.com G. D.

IPAD ON DISPLAY The first flagship store of 132 5. Issey Miyake, the fashion designer’s new brand, based on the idea of regeneration and recreation and an upgrade of A Piece of Cloth, was designed by Tokujin Yoshioka. “The way of selling”, rather than interior design, is what creates the concept of the store. The clothes are worn by five transparent dummies (hanging from the ceiling), which do not take attention away from the key players in the showroom. An iPad is available to provide information about the pieces of the collection – that is, to explain the tailoring/ dressmaking and manufacturing techniques used for the clothes. All around, no notes of colour; only white, and large transparent windows, which interact with light reflections. Photography by Yoshinaga Yasuaki.www.tokujin.com

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3-6 marzo 2011

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Istanbul

9-12 marzo

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Singapore

16-18 marzo

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Bangkok

12-17 aprile

I Saloni

Milano


DHD HOSPITALITY CONTRACT HOTEL DESIGN DIFFUSION

ISSN 182413746 – A 22,00 – GR 13,50 – P 17,00 – E 18,00 – GB BP. 17,00 – NL 16,00 – Italy only 10,00 – B 13 – P.Cont. 11,80

Spedizione in abbonamento postale - D.L. 353/2003 (conv.in L.27/02/2004 n.46) art.1, comma 1, DCB Milano

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DESIGN DIFFUSION WORLD s.r.l. Via Lucano, 3 20135 Milan - Italy

Tel. +39 02-5516109 Fax +39 02-5456803 e-mail: info@designdiffusion.com http://www.designdiffusion.com

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REPORT

OMBG

ACQUA SICURA

di Giovanna Davos

Una nuova linea di miscelatori termostatici, studiati per applicazioni in ambito medicale e per il contract. Tecnologicamente avanzati e certificati dai maggiori enti di controllo internazionali. Per un uso in totale sicurezza. È la novità proposta da Ombg.

A new range of thermostatic mixers, designed for applications in the medical and contract industries. Technologically advanced and certified by leading international control institutions. Totally safe. This is what is new at Ombg.

Della collezione HPM, a sinistra, incasso termostatico con rubinetto di chiusura. Al centro, doccia termostatico esterno con uscita inferiore, doccia termostatico esterno con uscita superiore e vasca termostatico. A destra, lavabo termostatico e lavello termostatico, con bocca alta e squadrata.

Specializzata nella produzione di miscelatori termostatici, Ombg introduce sul mercato una serie di prodotti per il settore medico (ospedali, case di cura, nurseries, ricoveri per anziani) e il contract (alberghi, palestre, piscine, centri benessere). HPM -High Performance Mixers- è il nome della collezione, che comprende modelli per lavabo, lavello, doccia incasso, doccia esterno, vasca e le corrispondenti versioni temporizzate. Tutti miscelatori ad alta prestazione, interamente realizzati in Italia e soggetti a severi test di valutazione. Predefinita la temperatura a 38°C, che si mantiene stabile, o con minime variazioni (+/- 1°C), anche a fronte di notevoli o repentine differenze di pressione. Gli articoli, inoltre, sono forniti di bottone Legionella e relativo fermo: due elementi che permettono di raggiungere la tempe-

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ratura massima consentita dal sistema idraulico, fino a 70°C, al fine di disinfettare il miscelatore ed eliminare il batterio della Legionella. Il procedimento di sterilizzazione può essere eseguito soltanto da un tecnico o da personale qualificato. L’utente finale potrà, al massimo, incrementare la temperatura da 38°C a 46°C (+/-2°C), in perfetta sicurezza, senza rischio di scottature. Sia i modelli esterni sia quelli da incasso sono completati da valvole di chiusura per facilitare la manutenzione o l’eventuale sostituzione di componenti sul miscelatore singolo. www.ombg.net

SAFE WATER Ombg, which specializes in the production of thermostatic mixers, has launched a range of products designed for the medical sector (hospitals, nursing homes, nurseries, old people’s homes) and the contract market (hotels, gyms, swimming pools, wellness centres). HPM -High Performance Mixers- is the name of the collection, which comprises models for washbasins, sinks, built-in showers, outdoor showers, baths and the equivalent timed versions. All high-performance mixers, entirely made in Italy, and subjected to stringent tests. Temperature is preset at 38 °C and kept stable, with very little variations (+/- 1 °C), even in the presence of significant or sudden pressure changes. In addition, the

From the HPM collection, left, thermostatic mixer with closing tap. Centre, exposed thermostatic shower with lower outlet, exposed thermostatic shower with upper outlet and thermostatic bath. Right, thermostatic washbasin and thermostatic sink, with high, square mouths.

products are fitted with the Legionella button and related safety catch, which make it possible to reach the maximum temperature allowed by the hydraulic system, namely 70 °C, so that the mixer can be sanitized and the Legionella bacterium eliminated. Sterilization must be performed by trained personnel. The end user is only allowed to increase temperature from 38 °C to 46 °C (+/-2 °C), totally safely, without risking getting burnt. The external and built-in models also come with stop valves, for easier maintenance or replacement of parts on the individual mixer. www.ombg.net


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Poste Italiane s.p.a. - Spedizione in Abbonamento Postale D.L. 353/2003 (con.in L. 27/02/2004) art. 1, comma 1, DCB Milano. (TASSA RISCOSSA)

Bimestrale di architettura e design

R â‚Ź 13,00 -  â‚Ź 12,00 - E â‚Ź 11,50 - â‚Ź 15,50 -  â‚Ź 16,00 I+aly (nly â‚Ź 7,00

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INTERNATIONAL MAGAZINE OF ARCHITECTURE AND DESIGN

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REPORT

AVENANTI

PAROLA D’ORDINE: DIVERSIFICARSI

di Giovanna Davos

Avenanti è uno dei marchi storici nella realizzazione di mobili classici. Lavora il legno con impegno e attenzione, nel rispetto della tradizione artigiana. E da qualche anno produce anche vini di qualità. A denominazione di origine controllata.

Avenanti is a time-honoured brand of classic furniture. They work wood with dedication and attention, while respecting craft tradition. What is more, for a few years they have been producing registered designation of origin fine wines.

Costruire mobili e produrre vino. Sono le due vocazioni di Avenanti, alle quali dedica, da sempre, la stessa passione e professionalità. La prima vocazione ha una lunga tradizione, che risale al 1870. Impostata sulla ricerca di forme stilistiche accurate e materiali altamente qualitativi, così da garantire prodotti autentici e valorizzabili nel tempo, ancora oggi prevede lavorazioni in gran parte manuali: dalle tinteggiature alle patinature con decori floreali. Per ogni pezzo, una scheda tecnica ne illustra le caratteristiche e le materie prime utilizzate, tutte in vero legno certificato. Le colleLa Vie en Rose, nuova collezione griffata Avenanti, disegna ambienti per la zona giorno e notte. A sinistra, il marchio dell’azienda vitivinicola Terracruda.

La Vie en Rose, the new collection by Avenanti, comprises furniture for the living and sleeping areas. Left, the trademark of the Terracruda wine growers and producers.

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zioni comprendono mobili per la zona giorno e notte, studiati nei minimi dettagli per arredare ambienti accoglienti. Recentemente, per festeggiare i 140 anni di attività, la produzione è stata allargata anche al settore cucine, sempre classiche nelle linee, ma con contenuti tecnici moderni per offrire un valore aggiunto importante in termini di scomponibilità e praticità di utilizzo. L’interesse enologico, invece, si consolida nell’azienda vitivinicola Terracruda, sita nel comune di Fratte Rosa (PU). Qui, si imbottigliano 15 tipologie di vini, tutti rigorosamente doc, da quelli base a quelli selezionati: Bianchello del Metauro, Ross Pergola e Sangiovese dei colli Pesaresi. Nell’ottica di tutela della qualità del prodotto, si impiegano le migliori tecnologie e attrezzature di vinificazione, pur mantenendo uno stretto contatto con il territorio. Diversi i progetti in corso, tra cui quello del recupero dei vitigni autoctoni ormai in disuso. www.mobiliavenanti.it

WATCHWORD: DIVERSIFICATION Building furniture and producing wine: these are the two lines of business they at Avenanti have always been committed to, with the same enthusiasm and professional attitude. The former business is synonymous with an established tradition, dating from 1870. Based on accurate stylistic forms and outstanding materials, to provide genuine products which can be enhanced in time, it was and still is connected with largely manual working methods: from painting to coating with floral decorations. Each piece comes with a technical data sheet which deals with the specifications and the raw materials used, all made from real certified wood. The collections comprise furniture for the living and sleeping areas, developed down to the smallest detail, to furnish cosy

rooms. To celebrate the 140th year of business, production was recently extended to include kitchen furniture, classic in style though with modern technical contents, to provide a competitive edge in terms of both modularity and functionality. Whereas their interest in wine has been fostered through the Terracruda wine growers and producers, based in the municipality of Fratte Rosa (in the province of Pesaro and Urbino). Fifteen types of registered designation of origin wines are bottled there, ranging from basic to select ones: Bianchello del Metauro, Ross Pergola and Sangiovese dei colli Pesaresi. The best wine-making techniques and equipment are used to preserve the quality of the product, while maintaining a close relationship with the area. Several projects are underway, including the one for the reclamation of disused native vines. www.mobiliavenanti.it


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ANNALISA RIVA

JANIETA EYRE

/THE VISITORS ATTAK CINQUE COSE CHE I BEATLES POSSONO INSEGNARCI SUL DESIGN

JOE VELLUTO: FUNCOOLDESIGN /THE FACEBOOK SHOW TM

CAMILLA NORRBACK/

STORIE IN WHITE/

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COVER PROJECT/FLOU EMANUELA GARBIN E MARIO DELL’ORTO

GUARDAROBA 16.32: PERSONALITÀ MULTIPLA a cura di Laura Galimberti

MULTIPLE PERSONALITIES

Il Guardaroba non ha mai avuto tanta personalità. Merito di Emanuela Garbin e Mario Dell’Orto, che hanno ideato per Flou un prodotto da declinare in totale libertà, secondo il proprio stile e le proprie emozioni. The wardrobe has never had so many personalities. Thanks to Emanuela Garbin and Mario dell’Orto, who have designed a product for Flou that can be freely composed to suit one’s own style and emotions.


In questa pagina, in evidenza, l’incredibile versatilità interna di Guardaroba 16.32: cassetti, contenitori, ripiani luce, appendiabiti estraibili, contenitori in cuoio, etc. Qui sopra, maniglia modello Pontechiuso. Nella pagina accanto, anta modello Texture, in tessuto, con profilo in alluminio bronzato. Design Emanuela Garbin e Mario Dell’Orto.

On this page, highlights of the incredible internal versatility of the Guardaroba 16.32: drawers, containers, lit shelving, pull-out hangers, leather storage cases, etc. Above, the Pontechiuso handle. Page across, the Texture door, made out of fabric, with a profile in bronze-finished aluminium. Design by Emanuela Garbin and Mario Dell’Orto.

16.32 è la linea di Guardaroba di Flou che offre la massima flessibilità: nell’ottimizzazione degli spazi, nella libertà di scegliere ante, attrezzature interne, materiali, tessuti e colori, nelle finiture di grande qualità. Il progetto è di Emanuela Garbin e Mario Dell’Orto, che ci raccontano in queste pagine le sue caratteristiche. Quale storia ha accompagnato la nascita del prodotto? Il Guardaroba risponde alla necessità di Flou di completare l’offerta dell’area notte. Il nostro approccio è stato quello di pensare, più che a un sistema vero e proprio, a un contenitore per vestiti, un oggetto che potesse avere lo stesso valore di un letto, di un comò o di una specchiera, caratteristica che ci ha permesso di differenziarlo dai prodotti già esistenti. Di fatto si è trattato dell’evoluzione di una serie di complementi, tra cui un baule-armadio che avevamo già progettato per l’azienda. Per noi è stata una sfida interessante: da anni non facevamo che disegnare armadi bianchi e incassati a muro, che potessero mimetizzarsi nella camera da letto. In che modo questa collezione si identifica con il mondo Flou? Tutto è ispirato al tessile, che da sempre caratterizza Flou. Oltre alla possibilità di rivestire l’anta con il tessuto, magari in coordinato con il letto e gli accessori, anche vetro e metallo si presentano come texture che ricordano la tela. Persino il legno diventa qui una trama vera e propria. Le ante sono tutte realizzate con materiali innovativi e coperti da brevetto, rivestite da una superficie perfettamente continua, senza giunture o interruzioni. Dal punto di vista tecnico, in cosa consiste la sua modularità? Il modulo base è di 48 centimetri. Che può ripetersi o al quale si possono sommare sottomoduli di 16 o 32 cm. Quindi 96 (48+48), oppure 64 (48+16), e così via… Le combinazioni sono infinite e, insieme alle finiture proposte, contribuiscono a creare continuità o discontinuità sulla facciata. Quali altre possibilità di personalizzazione offre? La peculiarità dei Guardaroba 16.32 sta nell’incredibile versatilità interna: cassetti, ripiani luminosi, griglie, vassoi, vani portacravatte, cinture o oggetti. Tra gli accessori più ricercati ricordiamo il portagioie, la scarpiera e il servetto. E, ancora, gli elementi a scomparsa, come il portabiancheria e lo specchio, presenti solo quando è necessario. Anche le maniglie contribuiscono a caratterizzare i Guardaroba in mille modi diversi… Avete studiato tutto voi? Certo. Anche le maniglie infatti hanno un ruolo fondamentale nel concetto di armadio-oggetto. Ce ne sono alcune molto semplici, che quasi si mimetizzano sull’anta, e

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IL DESIGN GIOVANE

cof designincucina di Colzani Marco e Fausto & C sas via Virgilio 3 20833 Giussano (MB) tel. +39 0362860683 fax +39 0362861665 www.cofcucine.com info@cofcucine.com


Qui sopra, con Guardaroba 16.32 a otto ante battenti modello Style e maniglie Pontechiuso, lo storico letto Tadao, laccato bianco lucido, disegnato da Vico Magistretti. A sinistra, tra i tanti elementi che arricchiscono il Guardaroba, le maniglie Bracciale, Pontechiuso e Mezzaluna. A destra, dettagli del modulo tre cassetti in vetro.

Above, with the Guardaroba 16.32 featuring 8 hinged Style doors and Pontechiuso handles, the historic Tadao bed designed by Vico Magistretti, in a glossy white painted finish. At left, some of the many elements that enrich the Guardaroba: the Bracciale, Pontechiuso and Mezzaluna handles. At right, details of the glass module with three drawers.

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Qui a sinistra, letto Guia con contenitore, design Carlo Colombo. Il Guardaroba 16.32, sul fondo, è composto da due ante scorrevoli modello Texture, con specchio stampato argento, e quattro ante battenti modello Star, laccate lucido grigio scuro. Sotto, letti Tadao, design Vico Magistretti, laccati bianco lucido, con Guardaroba 16.32 a tre ante battenti modello Bamboo e due ante battente modello Texture in ecopelle con profilo lucido e, sul fondo, consolle Prins in pelle. Pagina accanto, Guardaroba 16.32 composto da quattro ante battenti modello Star bianco laccato lucido e due ante scorrevoli modello Metal in alluminio. Letto Prins, design Carlo Colombo. Tutto di Flou, come i coordinati copripiumino.

Here at left, the Guia bed with storage, design Carlo Colombo. The Guardaroba 16.32, in the background, is composed of two sliding doors in the Texture style, with a silver printed mirror, and four hinged doors in the Star style, in a glossy dark grey finish. Below, Tadao beds, design Vico Magistretti, in a glossy white finish, with Guardaroba 16.32 composed of three hinged doors in the Bamboo style and two hinged doors in the Texture style covered in eco-leather with a glossy profile and in the background, the Prins console in leather. Page across, the Guardaroba 16.32 composed of four hinged doors in the Star style painted glossy white and two sliding aluminium doors in the Metal style. Prins bed, design Carlo Colombo. All by Flou, like the coordinated linens.

The handles also help characterize the Guardaroba in a thousand different ways‌ Did you develop them too? Of course. The handles also play a fundamental role in the concept of the wardrobe-object. Some of them are very simple, and are almost camouflaged on the door, and others give them a powerful characterization, such as the Mezzaluna or Bracciale models. How has the collection evolved? Did you make any changes to the

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first model you presented two years ago? The Guardaroba 16.32 is a product that is growing. We have added a large number of elements over the past two years. We always try to keep the offer up to date, both in aesthetic and in functional terms. Soon new doors will be added to the catalogue with new and original finishes. www.flou.it


FLOU

GOOD SLEEPING, GOOD LIVING Con l’introduzione dei Guardaroba, Flou completa la propria offerta e si apre all’intera zona notte. Ce ne parla Massimiliano Messina, direttore generale Flou. “Da 32 anni ci dedichiamo al ‘buon dormire’ e da 32 anni i nostri clienti ci chiedono invariabilmente di produrre anche gli armadi. Non li abbiamo mai voluti fare perché giudicavamo inutile aggiungere ad un mercato già saturo un prodotto uguale o comunque molto simile a quelli in commercio. Lunghe ricerche, test su materiali innovativi e una buona dose di creatività ci hanno permesso due anni fa di dare vita a Guardaroba capaci di sottolineare l’anima tessile di Flou: è stato proprio partendo dal tessuto che siamo arrivati ad altri materiali. Oggi possiamo affermare che, nella sua continua evoluzione, l’offerta Flou è passata dal ‘buon dormire al vivere bene in camera da letto’. With the introduction of the Guardaroba wardrobes, Flou completes its selection and opens into the entire sleeping area. We talk about it with Massimiliano Messina, director general of Flou. “We have been dedicated to ‘good sleeping’ for 32 years, and for 32 years our clients have invariably asked us to produce wardrobes too. We never wanted to make them because we thought it would be useless to move into a saturated market with a product identical or at least very similar to all the others. A lengthy research process, tests on innovative materials and a healthy dose of creativity led us two years ago to create the Guardaroba wardrobes that emphasize Flou’s ‘textile spirit’ , because we started with fabrics and then moved on to other materials. Today we can state that, in its continuous evolution, Flou’s selection has moved from ‘good sleeping’ to ‘living well in the bedroom’.

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PROGETTO SIMPLY RIETVELD di Manuela Di Mari All’interno del gruppo di artisti e architetti che diede vita al movimento del neoplasticismo e che fondò nel 1917 in Olanda la rivista De Stijl - in olandese, ‘Lo Stile’ -, lo scambio più simbiotico fu sicuramente quello tra Piet Mondrian e Gerrit Thomas Rietveld. Il medesimo segno geometrico - la disposizione asimmetrica dei piani orizzontali e verticali -, declinato in disegno dal primo e trasformato in tridimensione dal secondo, segnò indelebilmente quell’arco di tempo pioniere del Movimento Moderno. Dalla pittura all’architettura, uno scambio straordinario, come straordinario fu lo sviluppo e la resa estetica e funzionale da parte di Rietveld, architetto di Utrecht, il cui linguaggio è ancora oggi immediatamente riconoscibile. Vera anticipatrice del Bauhaus, tra le punte d’iceberg di una intensa e vivida produzione di elementi d’arredo, resta impressa nella memoria, anche solo visiva, la sedia ‘red and blue’ con struttura nera e gialla secondo disegno geometrico, la cui produzione e vendita è dal ’72 esclusiva mondiale di Cassina. Come pure la famosa seduta Zig-Zag o la lampada da soffitto Hanging Lamp. La sedia rosso-blu, simbolo del movimento stesso, disse Rietveld, “fu costruita con lo scopo di dimostrare che con semplici pezzi lavorati a macchina era possibile fare qualcosa di bello, una creazione spaziale. La semplicità è garanzia di vera qualità”. Della scomposizione quadridimensionale, del superamento dei codici formali attraverso la disarmonia quale emancipazione dalla prospettiva resta proprio questo: l’esemplificazione. L’intezione è il raggiungimento di un equilibrio puramente visivo, anche attraverso l’utilizzo dei colori primari, capace di esercitare un’influenza positiva sulla vita sociale. La positività attraverso l’essenza prosegue anche nelle opere architettoniche di Rietveld, un discreto numero concentrato soprattutto su territorio olandese e intorno al distretto di Utrecht. Nella progettazione degli edifici, in gran parte residenziali, ancora asimmetria, sfalsamento geometrico, dialogo formale tra volumi e colori primari. Estrema attenzione a funzionalità e economicità, relazione dipendente col tempo e con lo spazio. Casa Schröder, ne è l’esempio sommo, patrimonio dell’Unesco dal 2000, stacco netto con l’architettura antecedente il 1924, sua data di costruzione. Distribuita su due livelli e su misura per la padrona di casa e le sue tre figlie, lo spirito di Rietveld tro-

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va la sua massima espressione al piano superiore, dove un open space ridotto all’osso e inondato di luce si trasforma, secondo necessità, in maniera dinamica e sempre diversa, grazie ad un ingegnoso sistema di pannelli scorrevoli e a ribalta. Numerose possibili permutazioni accompagnate dalle consuete scelte cromatiche per intensificarne l’effetto plastico. Agli antipodi, per committenza e destinazione d’uso, il complesso popolare Robijnhof 13, un intero quartiere a schiera sorto nel ’58, esempio di creazione degli spazi a servizio e beneficio del sociale. Qui è l’altezza stessa dei vari blocchi ad essere alternativamente sfalsata, per permettere a tutti di far entrare la preziosa luce del Nord. L’Universo Rietveld è stato appena celebrato, dalla città natale, nell’arco di un intero anno, insieme ad una mostra che ha voluto raccogliere il genio e l’intelligenza di un personaggio che ha lasciato il segno nella storia.


Within the group of artists and architects who originated the neo-plastic movement and founded the magazine De Stijl – in Dutch, “The Style” – in Holland in 1917, the most symbiotic exchange was undoubtedly between Piet Mondrian and Gerrit Thomas Rietveld. The same geometric sign – the asymmetrical disposition of horizontal and vertical planes - , developed in drawing by the former and transformed into three dimensions by the latter, indelibly marked that pioneering moment of the Modern Movement. From painting to architecture, an extraordinary exchange, just as extraordinary as the development, and the functional and aesthetic achievements by Rietveld, an architect from Utrecht, whose language is immediately recognizable even today. A true forerunner of the Bauhaus, one of the tips of the iceberg of an intense and exciting furniture production, the ‘red and blue’ chair remains stamped in our visual memory, with its black and yellow structure and geometric

design, manufactured and sold exclusively throughout the world since 1972 by Cassina, along with the famous Zig-Zag chair or the Hanging Lamp. The red and blue chair, the very symbol of the movement, explained Rietveld “was built with the purpose of demonstrating that using simple machine-processed pieces it was possible to make something beautiful, a spatial creation. Simplicity is the guarantee of true quality”. Exemplification is what remains of the four-dimensional deconstruction, of the abandonment of formal rules in the use of disharmony, seen as the emancipation from perspective. The intention is to achieve a purely visual balance, using primary colours, that can exercise a positive influence on social life. A positive quality by means of essence is a concept that Rietveld also pursues in his architectural works, many of them built in Holland and in the vicinity of Utrecht. The design of the buildings, most of them residential, is distinguished by their asymmetry, by the shift

CULTURA

In alto, un ritratto di Gerrit Thomas Rietveld e, accanto, Bolderwagen/Beach Buggy (19221923), collezione Centraal Museum, Utrecht, foto Ernst Moritz. Qui sopra, da sinistra: esterni del complesso popolare Robijnhof 13 (foto Robert Glas) e di Casa Schröder (©Centraal Museum, Utrecht/Ernst Moritz 2009).

At top, a portrait of Gerrit Thomas Rietveld and, across, Bolderwagen/Beach Buggy (1922-1923), from the collection of the Centraal Museum, Utrecht, photo Ernst Moritz. Above, from left: outdoor views of the public housing complex at Robijnhof 13 (photo Robert Glas) and of the Schroeder House (©Centraal Museum, Utrecht/Ernst Moritz 2009).

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in geometry, by the formal dialogue between volumes and primary colours; by how careful they are to be functional and economic, relationships that depend on time and space. The Schroeder House, a UNESCO world heritage site since 2000, is the finest example of this approach, a clean break with architecture before 1924, the year it was built. Distributed on two floors and custom-designed for the owner of the house and her three daughters, Rietveld’s spirit finds its greatest expression on the top floor, where an austere open space flooded with light is transformed as needed in a dynamic and ever-changing process, thanks to an ingenious system of sliding and pull-down walls. It offers a large number of possible transformations, accompanied by the usual choice of colours to intensify the sculptural effect. Totally opposite, in terms of client and usership, is the public housing block Robijnhof 13, an entire district of townhouses built in 1958, an example of the creation of spaces for social service and benefit. In this case the height of the various blocks is alternated, so that every unit can receive the precious light of the North. Rietveld’s universe has just been celebrated in his native city for an entire year, with an exhibition that condensed the genius and intelligence of a man who left his mark in history.

Photo Kim Zwarts

Photo Ernst Moritz

Photo Kim Zwarts

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Photo Kim Zwarts

Pagina accanto e sopra, all’interno di Casa Schröder (Utrecht) , una serie di pannelli scorrevoli e a ribalta crea un ambiente dinamico specie al piano superiore, dove un open space dà origine, all’occorreza, a tre camere da letto, bagno e tre piccoli soggiorni. La casa, abitata dalla proprietaria sino al 1985, dopo un restauro ad opera di Bertus Mulder, è ora un museo aperto ai visitatori ed è diventata patrimonio UNESCO nel 2000; ©Centraal Museum, Utrech. Qui accanto, da sinistra: Steltman Chair, (1963) e Berlin Chair (1923), design Gerrit Rietveld con Gerard A. van de Groenekan; © Centraal Museum Utrecht/Ernst Moritz.

Page across and above, inside the Schroeder House (Utrecht), a series of sliding and revolving panels create a dynamic space especially on the top floor, where the open space can be converted, as required, into three bedrooms, a bath and three small parlours. The house, which was lived in by its owner through 1985, was restored by Bertus Mulder and is now a museum open to visitors. It became a UNESCO World Heritage Site in 2000 (©Centraal Museum, Utrecht). Across, from left: the Steltman Chair, (1963) and the Berlin Chair (1923), design Gerrit Rietveld with Gerard A. van de Groenekan; © Centraal Museum Utrecht/Ernst Moritz.

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Qui sopra, esterno e interno di The Smedes House, Den Dolder, The Netherland, tutt’oggi abitata, progetto di Rietveld; © Centraal Museum, foto Robert Glas. Sotto, un’immagine della mostra ‘Rietvel’s Universe’, in primo piano, ‘Red and Blue Chair’ (1918); ©Centraal Museum, foto Ernst Moritz.

Above, outdoor and indoor views of The Smedes House, Den Dolder, The Netherlands, still lived in, a project by Rietveld; © Centraal Museum, photo Robert Glas. Below, an image from the exhibition ‘Rietveld’s Universe’: in the foreground, the ‘Red and Blue Chair’ (1918); ©Centraal Museum, photo Ernst Moritz.

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VIAGGIO NELL’ARTE TOTALE di Michele Weiss Per capire l’eccezionale importanza delle avanguardie artistiche novecentesche Parigi resta la meta fondamentale. Al Centre Pompidou, fino al 21 marzo 2011, è in atto una grande mostra dedicata a Piet Mondrian e al movimento astratto ‘De Stijl’. Occasione da non perdere poiché era dal 1969 che nella capitale francese non allestivano una rassegna così importante sull’opera del celebre pittore olandese che, nella Ville des Lumièrs della prima metà del Novecento ha speso la parte migliore della propria attività d’artista, interfacciandosi con gli altri movimenti (cubismo-dadaismo su tutti) e gli artisti e i creativi in tutti i settori, tra cui Jean Arp, Le Corbusier, il fotografo André Kertesz e tanti altri ancora. La prima parte dell’esposizione, attraverso un centinaio di quadri segue l’evoluzione stilistica di Mondrian, dal confronto iniziale con il cubismo di Picasso e Braque fino agli sviluppi del Neoplasticismo, alla ricerca ‘dell’arte totale’, una visione in cui la realtà naturale viene via via abbandonata verso un’astrazione radicale senza compromessi. Seguendo una prassi ormai consolidata nelle ultime rassegne parigine sui grandi Maestri del Novecento, una sala è dedicata alla ricostruzione fedele del celebre atelier parigino di Mondrian in rue du Départ 26 a Montparnasse, luogo cardine della vita bohèmienne cittadina. La seconda parte della mostra, invece, cerca di far luce sui rapporti tra Mondrian e il movimento astrattista De Stijl, da lui fondato insieme al connazionale Theo Van Doesburg: avanguardia interessata alla relazione della forma artistica con le scoperte scientifiche dell’epoca, creata in Olanda e trapiantata a Parigi tra le due Guerre.

A JOURNEY INTO TOTAL ART An important exhibition dedicated to Mondrian and the abstract De Stijl movement in Paris represents the work of one of the most vital painters and avant-garde movements of the twentieth century. To understand the exceptional importance of the twentieth-century artistic avant-gardes, Paris remains a fundamental destination. The Centre Pompidou, through March 21 2011, is holding an important exhibition dedicated to Piet Mondrian and the “De Stijl” abstract movement. This is an opportunity not to be missed, since 1969 was the last time the French capital put together such a significant survey of the works of this celebrated Dutch painter, who spent most of his artistic life in the City of Lights during the first half of the twentieth century, coming into contact with other movements (Cubism and Dadaism primarily), artists and creative talents in all fields, including Jean Arp, Le Corbusier, photographer André Kertesz and many others. The first part of the

exposition, which displays one hundred paintings to explain Mondrian’s stylistic evolution, from his initial approach to Picasso and Braque’s Cubism to the development of Neo-Plasticism, in search of “total art”, a vision that progressively abandoned natural reality to achieve a radical and uncompromising abstraction. Following a practice that has become consolidated in recent exhibitions on the great Masters of the twentieth century, a room is dedicated to the faithful reconstruction of Mondrian’s famous atelier in Paris in Rue du Départ 26, Montparnasse, a key site of the city’s Bohemian life. The second part of the exhibition, on the other hand, seeks to illustrate the relationships between Mondrian and the abstract De Stijl movement, which he founded in collaboration with his compatriot Theo Van Doesburg: this was an avant-garde movement interested in the relationship between artistic form and the scientific discoveries of the time, founded in Holland and transplanted to Paris between the two World Wars.

A sinistra, ritratto di Piet Mondrian, foto Andre Kertesz,1926. In alto, una ricostruzione dell’atelier dell’artista.

At left, a portrait of Piet Mondrian, photo Andre Kertesz, 1926. At top, a reconstruction of the artist’s atelier.

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THE COURTYARD IN RANICA di Giulia Bruno A Ranica, non lontano da Bergamo, è stato da poco inaugurato un nuovo Centro Culturale dotato di biblioteca civica, auditorium, asilo nido, scuola di danza e teatro, bar e spazi per il tempo libero. La cittadina lombarda, sviluppata attorno all’antico borgo medioevale all’ingresso della Val Seriana, ha voluto dare nuovo impulso al territorio dotandolo di una struttura contemporanea in grado di diventare catalizzatore della vita urbana. Il Centro intitolato a Roberto Gritti, insigne musicista folk bergamasco, è stato pensato come fulcro di cultura e formazione da un lato, punto di aggregazione dall’altro. DAP studio e Paola Giaconia, che firmano il progetto, hanno voluto per l’edificio una “struttura in grado di aprirsi alla vita della città”. I volumi dalle linee nette e pulite giocano fra il vuoto della piazza centrale e il pieno della costruzione. I livelli fuori terra, sollevati dal suolo, accolgono ad ogni ora del giorno i flussi pedonali, accompagnandoli verso la corte interna, che dialoga con la struttura. Due corpi sovrapposti, uno vetrato trasparente, l’altro reso leggermente opaco da lastre di policarbonato alveolare colorato, abbracciano la corte, suggerendo lo scambio fra le attività interne e l’esterno. Il progetto ha vinto il premio OAB Architettura, promosso dall’Ordine degli Architetti della Provincia di Bergamo, come migliore opera pubblica. E non a caso: Elena Sacco e Paolo Danelli di DAP studio si occupano da anni di progettazione di spazi pubblici destinati ad attività culturali; hanno ricevuto una menzione al premio Medaglia d’Oro all’Architettura Italiana e sono stati nominati per il premio Mies van der Rohe 2011 per la partecipazione alla Biennale di Architettura di Venezia 2010. Paola Giaconia, docente di progettazione architettonica presso la California State University e la Kent State University, sedi di Firenze, affianca l’attività professionale alla ricerca.

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In queste pagine, alcune immagini esterne del Centro Culturale Roberto Gritti, Ranica (Bergamo). Foto Alessandra Bello.

These pages, exterior views of the Roberto Gritti Culture Centre, Ranica (Bergamo). Photography by Alessandra Bello.


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In Ranica, not far from Bergamo, they recently inaugurated a new Cultural Centre complete with municipal library, auditorium, nursery, dance and theatre school, coffee bars and spaces for free time activities. In the small Lombard town, which has grown around the old medieval village, at the entrance to Val Seriana, they wanted to give a new boost to the area, providing it with modern facilities capable of developing into a catalyst for urban life. The Centre, named after Roberto Gritti, a distinguished Bergamoborn folk musician, has been designed, on the one hand, as a cultural and educational hub, and, on the other, as a meeting point. The designers, DAP studio and Paola Giaconia, wanted the building to rely on a “structure which could open up to city life”. The volumes, based on clean-cut lines, interact with both the empty space of the central square and the full space of the construction. The above-ground levels welcome pedestrian flows at any time of the day, leading to the inner courtyard, which harmonizes with the structure. Two bodies on top of each other – one glassed in and transparent, the other made slightly opaque by coloured honeycomb polycarbonate sheets – enclose the courtyard, suggesting an exchange between indoor and outdoor activities. The project won the OAB Architettura award – promoted by the Architects’ Association in the Province of Bergamo – as best public work. And this was no coincidence: Elena Sacco and Paolo Danelli of DAP studio have been designing public spaces for cultural activities for several years; they were given a special mention at the competition Medaglia d’Oro all’Architettura Italiana (Gold Medal for Italian Architecture) and were nominated for the Mies van der Rohe 2011 award for their participation in the International Architecture Exhibition, Venice 2010. Paola Giaconia, who is a lecturer in architectural design at California State University and Kent State University, Florence Program, is involved with both professional work and research.


Alcune immagini della Biblioteca del Centro Culturale Roberto Gritti, Ranica (Bergamo). Pagina accanto, la corte interna. Foto Alessandra Bello.

Views of the Library of the Roberto Gritti Culture Centre, Ranica (Bergamo). Opposite, the inner courtyard. Photography by Alessandra Bello.

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ABITARE VERDE di Giulia Bruno Quattro unità abitative assolutamente ecocompatibili, rappresentano MOVIT, nuovo brand delle case mobili Pircher. Della stessa dimensione ma diverse per design e organizzazione dello spazio interno, Sunset, Moonriver, Coral e Belville diventeranno presto i rifugi sicuri dei migliori villaggi turistici nelle località più belle ed eleganti non solo italiane. Pircher Oberland, che le produce e commercializza con il nuovo marchio MOVIT, le ha volute secondo i massimi criteri di sostenibilità ambientale e risparmio energetico. Nel nuovo brand c’è tutto il Green Dream di Pircher: attenzione per il cliente finale, sicurezza e salute dei collaboratori, impegno sociale e ambientale, prodotti e ciclo produttivo ecosostenibili. L’azienda altoatesina, da sempre profondamente rispettosa della natura, ha usato legname proveniente da foreste ecosostenibili, contribuendo alla salvaguardia delle risorse naturali, mettendo poi in atto procedimenti di lavorazione ecologici. Le case mobili, che hanno ottenuto la prestigiosa certificazione Casa Clima, si propongono anche come microabitazioni ideali per tutti coloro che scelgono uno stile di vita consapevole e responsabile, senza rinunciare a bellezza, qualità e benessere. Hangar Design Group, che ha progettato Sunset, Moonriver e Coral, e Matteo

Astolfi, designer di Belville, hanno studiato gli interni in un’ottica di affidabilità e funzionalità, offrendo soluzioni innovative nella garanzia di massimo comfort e alta qualità residenziale. Per gli esterni hanno preferito seguire linee asciutte e pulite, con qualche variante per consentire a ciascun modello

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l’inserimento ottimale nell’ambiente circostante. Dopo Planit®, prefabbricato modulare di design, vincitore nel 2010 del Red Dot Design Award e nominato al German Design Council, ora MOVIT è la nuova sfida di Pircher Oberland nel rapporto fra architettura e territorio. www.pircher.eu


GREEN LIVING Four absolutely eco-compatible living units, represent MOVIT, the new brand of Pircher moveable housing. All the same size, but different in terms of design and organization of the interior space, Sunset, Moonriver, Coral and Belville will soon become safe shelters in the finest tourist villages in the most beautiful and elegant locations, in Italy and abroad. Pircher Oberland, which manufactures and sells them under the new brand MOVIT, chose to build them according to the highest standards of environmental sustainability and energy savings. The new brand fully encompasses Pircher’s Green Dream: attention to the consumer, safety and health of its employees, social and environmental commitment, ecosustainable products and production cycle. The company from the Alto Adige region, which has always worked with the greatest respect for nature, uses lumber from ecosustainable forests, contributing to the preservation of our natural

resources, which is then processed using ecological means. The moveable houses, which have obtained the prestigious Casa Clima certification, are also ideal as microhomes for anyone who chooses a conscious and responsible lifestyle that is not willing to forsake beauty, quality and wellness. The Hangar Design Group, which designed Sunset, Moonriver and Coral, and Matteo Astolfi, the designer of Belville, studied the interiors to be reliable and functional, offering innovative solutions that guarantee maximum comfort and a superior residential quality. For the outdoors they chose clean and ascetic lines, with some variations that allow each model to fit perfectly into the surrounding environment. After Planit®, the prefabricated modular design unit, winner of the 2010 Red Dot Design Award and nominated by the German Design Council, MOVIT is Pircher Oberland’s latest challenge to the relationship between architecture and the territory. www.pircher.eu

In questa pagina, dall’alto: casa mobile Pircher Movit Sunset; un interno della Pircher Movit. Nella pagina accanto: sopra, Pircher Movit Belville, sotto, Pircher Movit Moonriver.

This page, from top: Pircher Movit Sunset mobile house; interior view of the Pircher Movit mobile house. Opposite: above, Pircher Movit Belville; below, Pircher Movit Moonriver.

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HOLON, ISRAEL STREAMLINED MUSEUM

di Laura Galimberti foto di Yael Pincus

A un anno dalla sua inaugurazione, il Design Museum di Holon in Israele, progettato da Ron Arad, conferma la sua vocazione al mondo del progetto, della creatività e dell’innovazione.

A year after its inauguration, the Design Museum in Holon in Israel, designed by Ron Arad, confirms its vocation towards the world of design, of creativity and innovation. Il tratto che lo ha reso riconoscibile in tutto il mondo, nonché segno distintivo del suo progettista, sono le cinque grandi fasce in acciaio ‘arrugginito’ che definiscono la facciata, sintetizzate anche nel logo del museo. È stato un approccio estremamente plastico quello di Ron Arad, progettista israeliano che vive e lavora a Londra, a cui è stato affidato il compito di disegnare il primo museo nazionale dedicato al design e all’architettura di Holon, città a pochi chilometri da Tel Aviv. Costruito su un’area di 3700 metri quadrati, la struttura è stata concepita per armonizzare spazi aperti e semiaperti, che i cinque nastri in acciaio cor-ten di diverse gradazioni di rosso, a seconda del grado di ossidazione, abbracciano e legano in un’unica struttura armonica. Due le gallerie principali che ospita: la Upper Gallery, 500 mq circa a cielo aperto, sfrutta l’abbondanza di luce naturale e risulta l’ideale per ospitare grandi oggetti tridimensionali; la Lower Gallery, 250 mq, è uno spazio più intimo, in grado di creare un legame stretto tra lo spettatore e gli oggetti esposti. In aggiunta a que-

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ste, una serie di spazi destinati a mostre minori o dedicati alla didattica. Il Design Museum di Holon, in realtà, non è solo un’architettura museale fine a se stessa, ma il simbolo di un programma di rigenerazione durato sedici anni, che ha coinvolto la città israeliana trasformandola in un centro internazionale dedicato alla cultura. Il museo si è imposto infatti con una missione ben precisa: esplorare l’impatto del design sulla vita di tutti i giorni e le sue relazioni con gli spazi pubblici. Un’arena creativa per esaminare il mondo del progetto, i suoi principi e le sue interpretazioni, favorendo il dialogo internazionale e cercando di mettere in evidenza la sua importanza nella società contemporanea. Il programma annuale, elaborato dal direttore creativo Galit Gaon, prevede infatti esposizioni site-specific, affidate a curatori internazionali, ma anche mostre itineranti provenienti dai musei di tutto il mondo. In divenire, una collezione permanente dedicata alla storia del design israeliano e un archivio interattivo creato a fini didattici. www.dmh.org.il


Il Design Museum di Holon, progettato da Ron Arad, si caratterizza per le cinque grandi fasce in acciaio Cor-Ten, di gradazioni di rosso differenti in base allo stadio di ossidazione.

The characteristic that has made it recognizable around the world, and the distinctive sign of its designer, are the five large ‘rusty’ steel ribbons that define the façade, and are also synthesized in the museum’s logo. The approach by Ron Arad, the Israeli designer who lives and works in London, entrusted with the task of designing the first national museum dedicated to design and architecture in Holon, a city just a few kilometers from Tel Aviv, is extremely sculptural. Built on an area of 3700 square meters, the building was conceived to

harmonize open and semi-open spaces, enclosed by the five ribbons in corten steel in various tones of red, depending on the degree of oxidation, which tie it into a single harmonious structure. It hosts two major galleries: the Upper Gallery, 500 square meters open to the sky, exploits the abundance of natural light and is ideal to host large threedimensional objects; the Lower Gallery, 250 square meters, is a more intimate space, that can create a tight relationship between the spectator and the objects on display. In addition, a series of spaces for minor

The Design Museum in Holon, designed by Ron Arad, is distinguished by the five large bands of Cor-Ten steel, in different tones of red depending on the degree of oxidation.

exhibitions or educational purposes. The Holon Design Museum, is actually not an architectural museum in and of itself, but the symbol of a regeneration program lasting sixteen years, which has involved the Israeli city and transformed it into an international centre dedicated to culture. The museum in fact has a very specific mission: to explore the impact of design on everyday life and its relationship to public spaces. A creative arena in which to examine the world of design, its principles and its interpretations, advancing international dialogue and highlighting its importance in contemporary society. The annual program, developed by the creative director Galit Gaon, will feature sitespecific installations, entrusted to international curators, as well as traveling exhibitions from museums around the world. In progress, a permanent collection dedicated to the history of Israeli design and an interactive archive established for educational purposes.www.dmh.org.il

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FOSSILI DEL FUTURO

Qui sopra, un interno del Design Museum Holon, che ospita la mostra ‘Post Fossil: excavating 21st century creation’, a cura di Li Edelkoort.

‘Post Fossil: excavating 21st century creation’ questo il titolo della quarta esposizione ospitata dal Design Museum di Holon fino al 30 aprile 2011, che raccoglie i lavori di oltre 60 progettisti contemporanei da tutto il mondo e mostra come il design del futuro può ispirarsi a forme arcaiche, materiali organici e tecniche di lavorazione del passato. Curata dalla trend setter olandese Li Edelkoort per la galleria 21_21 Design Sight di Tokyo nella primavera scorsa, riprogettata e ampliata per questa nuova destinazione, la mostra induce a riflettere su come una nuova generazione di designer, in un momento storico di grandi cambiamenti come l’attuale, sta cercando di ripercorrere le proprie radici, ricercando la propria storia dalle origini del mondo. Tra i tanti progettisti scelti per testimoniare questa nuova tendenza, ricordiamo l’olandese Pieke Bergmans, lo spagnolo Nacho Carbonell, gli israeliani Arik Levy e Boaz Cohen, lo slovacco Tomas Libertino, l’inglese Peter Marigold, la norvegese Tanja Saeter, gli olandesi di Studio Job. www.dmh.org.il Laura Galimberti

Above, an interior view of the Design Museum Holon, currently showing the exhibition ‘Post Fossil: excavating 21st century creation’, by curator Li Edelkoort.

A sinistra/left, Family Lamp, Atelier Van Lieshout. Qui sotto/here below, Drawn from Clay, Atelier NL Lonny van Ryswyck.

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FOSSILS OF THE FUTURE ‘Post Fossil: excavating 21st century creation’ is the title of the fourth exhibition held by the Design Museum in Holon through April 30 2011, gathering the works of over 60 contemporary designers from around the world, and showing how the design of the future can be inspired by archaic forms, organic materials and working techniques of the past.Curated by Dutch trendsetter Li Edelkoort for the gallery 21_21 Design Sight in Tokyo last spring, redesigned and expanded for this new destination, the exhibition leads to considerations on how a new generation of designers, in a historic moment of great change such as ours, is trying to review its own roots, searching for its own history since the origins of the world. The many designers selected to illustrate this new trend include Dutch designer Pieke Bergmans, Spanish designer Nacho Carbonell, Israelis Arik Levy and Boaz Cohen, Slovakian Tomas Libertino, English designer Peter Marigold, Norwegian Tanja Saeter, and the Dutch Studio Job. www.dmh.org.il

Dall’alto/from top: Mad Cow, Samuel Ben Shalom; Do hit, Marijn van der Poll; Spilt Box, Peter Marigold; Lover’s Chair, Nacho Carbonell (foto/photo by Nacho Carbonell Studio).

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In senso orario/clockwise: Crystal Virus, Pieke Bergman; Menorah, Reddish Studio; ‘PS I’m a chair’, Vincent Geraeddts; Cad Gatan, Tal Gur.

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VERSO IL COMPASSO D’ORO di Francesca De Ponti È uscito l’ADI Design Index 2010, ultimo tassello dell’accurato lavoro di selezione di progetti che concorrono all’assegnazione del Compasso d’Oro effettuato dall’Osservatorio Permanente del Design. Si chiude così un triennio di ricerca che, grazie alla progressiva crescita qualitativa e numerica delle commissioni territoriali, ha visto un notevole incremento delle candidature (passate da 1.230 nel 2008 a 2.306 nel 2010) e ha portato all’individuazione di 387 prodotti eccellenti. Da segnalare l’inserimento delle due nuove categorie del design dei servizi e del design dei materiali, che vanno ad aggiungersi a quelle esistenti offrendo uno specchio ancora più fedele dello stato di fatto della disciplina. Il volume, caratterizzato dalla bella grafica di Italo Lupi, è stato presentato a Milano, il 30 novembre 2010, nell’ambito di una conferenza stampa in cui l’Associazione per il Disegno Industriale ha annunciato importanti novità. La prossima assegnazione del premio avverrà infatti a Roma, in concomitanza con le celebrazioni per Centocinquantenario dell’Unità d’Italia, e sarà accompagnata da ben due mostre: la tradizionale esposizione che accompagna l’evento con tutti i pezzi presenti negli ultimi tre Index e un’esibizione di respiro nazionale, che illustrerà la storia dei nostri ultimi cinquant’anni utilizzando fisicamente i prodotti premiati con il Compasso d’Oro nel corso di tutte le precedenti edizioni. www.adi-design.org

TOWARDS THE COMPASSO D’ORO The 2010 ADI Design Index has just been released: this is the last step in the meticulous selection process of the projects that will compete for the Compasso d’Oro, carried out by the Permanent Observatory on Design. This is the conclusion of a three-year search process which, thanks to the progressive rise in the quality and number of regional commissions, has witnessed a remarkable increase in the number of candidates (from 1230 in 2008 to 2306 in 2010) and has led to the selection of 387 excellent products. It is important to highlight the addition of two new design categories, the design of services and the design of materials, which join the existing categories to offer a more accurate reflection of the state of the art in this discipline. The book, which features the fine

Shortcut, Boffi, Nendo/Oki Sato

Noto, Artemide, Michele De Lucchi

Mark, Flou, Carlo Colombo

Loom, Paola Lenti, Axel Russmeyer

graphic design by Italo Lupi, was presented in Milan on November 30, 2010, during a press conference in which the Association for Industrial Design made a number of important announcements. This year the awards will be conferred in Rome, concurrently with the celebrations for the one-hundred and fiftieth anniversary of the Unification of Italy, and will be supported by two exhibitions: the tradition exhibition that accompanies the event, displaying all the pieces in the past three issues of the Index, and an exhibition of national importance, illustrating the history of our past fifty years by physically presenting the products that have won the Compasso d’Oro in all its previous editions. www.adi-design.org

BUR Ragazzi, Bur, Mucca Design

Bauer '09, CPF Bauer, Simone Ciotola

Mobnotes, Mobnotes, Christian Grassi, Gino Micacchi

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NEW YORK

DESIGN IN THE STREET di Luciana Cuomo foto di Oskar Landi

Tra i nuovi luoghi ‘verdi’ di Manhattan, l’High Line, il parco ricavato su una linea ferroviaria dismessa, su progetto Diller Scofidio + Renfro, è meta di passeggiate panoramiche sul West Side. Cespugli spontanei e piante coltivate ‘stagionali’ si mescolano tra vecchi binari e panchine in cemento e legno, secondo il progetto dell’architetto paesaggista James Corner Field Operations. In alto, la mappa con i luoghi d’accesso alla sopraelevata.

Among the new ‘green’ locations in Manhattan, the High Line, a park reclaimed from an abandoned railway line and designed by Diller Scofidio + Renfro, is the destination for scenic promenades along the West Side. Wild bushes and ‘seasonal’ cultivated plantings are interspersed among the old tracks and wood and cement benches, in a project by landscape architects James Corner Field Operations. At top, the map with the entrance points to the High Line.


Ma cos’è l’italianità? Una risposta concreta, anche se non esaustiva, la delineano le vetrine dei circa 20 showroom di arredamento che si sono lasciati coinvolgere dal progetto I Saloni Milano a New York: una vera e propria sfida ai newyorchesi lanciata da FederlegnoArredo e Cosmit con Ice e Ministero dello Sviluppo Economico per attrarre il pubblico ad ammirare, e ad acquistare, i prodotti creati dall’ingegno italiano. E, in realtà, gli argomenti di seduzione sono forti, così come appaiono sotto le vivide luci dell’inverno newyorchese che illuminano le meraviglie del design italiano nei distretti specializzati di Downtown, nel quartiere di SoHo, con epicentro in Green Street, e a Midtown, nei building A&D e D&D, che ospitano alcune delle marche top italiane. Protagonisti di questa passeggiata inaugurale del 29 dicembre scorso, che ha aperto un mese e pas-

sa di festeggiamenti, sono i marchi top del design d’arredo, già sul mercato locale da più o meno tempo, che possono vantare eleganti showroom in piena attività. Il progetto, nelle intenzioni degli organizzatori, si propone di far convergere sull’arredo italiano gli occhi del mondo, a partire da quelli americani. Come presidente Cosmit, Carlo Guglielmi si dichiara “elettrizzato di condividere la bellezza della creatività e della cultura italiana con la città di New York. Pensiamo a New York come alla capitale creativa del mondo e a Milano come la capitale internazionale del design. Per questo siamo partiti da qui, per iniziare a celebrare i 50 anni di vita dei Saloni del Mobile”. “Siamo orgogliosi incalza Rosario Messina, leader della Federazione LegnoArredo - di approdare con questo evento negli Stati Uniti, all’interno di un mercato, come quello americano, che è strategico per l’Italia, con-


vinti che contribuirà ad innescare la scintilla di un progetto di ripresa e crescita del Made in Italy, di cui già avvertiamo le prime avvisaglie”. Accanto ai prodotti in vetrina, si discute di ‘Italian Design Beyond the 20th Century’ all’Istituto Italiano di Cultura a New York, diretto da Roberto Viale. Esprimono il loro parere protagonisti ed esperti della disciplina come Franco Raggi, che traccia un approfondito scenario degli ultimi 50 anni, Cinzia Ferrara, che entra nello specifico del design della luce, l’americano Steven Burks, che collabora con alcuni marchi top del settore, e Bill Moggridge, che dirige il prestigioso Cooper-Hewitt, National Design Museum. Autore di uno stimolante articolo

sul concetto di ‘italianità’, Riccardo Viale, che come direttore di Istituti italiani di Cultura ha accumulato una bella esperienza sul campo, traccia un profilo dei caratteri che la contraddistinguono, nella realtà, nell’immaginario globale e nelle percezioni diffuse. Insomma italianità, a livello sensoriale, evocherebbe arte, cultura, cibo, fashion, automobili; mentre a livello emozionale starebbe a significare vacanza, buon clima, buon cibo, bellezza, amicizia. A livello razionale italianità starebbe per linguaggio e storia. Secondo le classifiche, gli italiani sarebbero percepiti, in assoluto, come primi al mondo in Design e Style. D’altra parte la classifica delle esportazioni che vede Food and Wines,

Clothing and Fashion, Furniture ai primi posti starebbe a confermarlo. Ma, attenzione, cosa rende veramente italiano un prodotto? Non basta che sia fatto - Made -, nè che sia pensato - Thought - in Italia, deve essere Behaved in Italy. Come dire conclude Viale nel suo articolo -, connesso al comportamento italiano, alla gente, allo stile, alla storia, al paese, alla vita sociale. In conclusione, l’unica soluzione per il successo dei prodotti italiani nel mondo consiste nell’investire in Ricerca e Sviluppo ed aumentare il tasso di valore aggiunto tecnologico dei prodotti. Il mix di tecnologia e design è il solo mezzo per battere la concorrenza sleale che da ogni parte del mondo si appropria dell’italianità.

Il presidente FederlegnoArredo Rosario Messina, sulla porta dello showroom Flou in Greene Street. Accanto, Manuela Messina, Flou, e Giovanni De Ponti, amministratore delegato FLA. Sotto, scorci del parco High Line e, riconoscibili, le nuove architetture di Gehry e Nouvel.

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The president of FederlegnoArredo Rosario Messina, at the door of the Flou showroom in Greene Street. Across, Manuela Messina, Flou, and Giovanni De Ponti, CEO of FLA. Below, views of the High Line park, and, recognizable, the new architectural works by Gehry and Nouvel.


So what does it mean to be Italian? A concrete, though not exhaustive, response may be found in the windows of the 20 furniture showrooms that agreed to be involved in the project I Saloni Milano a New York: a veritable challenge to New Yorkers launched by Federlegno Arredo and Cosmit with the Institute for Foreign Trade (ICE) and the Ministry for Economic Development, the goal of which is to attract the public to admire and purchase the products created by Italian talent. And in fact, the case for seduction is powerful, as it appears under the bright New York winter lights, that illuminate the wonders of Italian design in the specialized districts Downtown, in

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the SoHo district, epicenter in Greene Street, and Midtown, in the A&D and D&D buildings, which host some of the top Italian brands. The stars of this inaugural promenade last December 29th, which opened a month and a half of celebrations, are the top brands of designer furniture, long or only recently active on the market, and that can boast elegant and busy showrooms. The project, in the intentions of the organizers, is to focus the eyes of the world on Italian furniture, starting with American eyes. As the president of Cosmit, Carlo Guglielmi stated that he was “electrified at sharing the beauty of Italian creativity and culture with the city of New York. We consider New York to be the creative capital of the world and Milan the international capital of design. That is why we left here, to begin the celebrations for the 50th anniversary of the Saloni del Mobile”. “We are proud”, continues Rosario Messina, leader of Federazione LegnoArredo – to bring this event to the United States, into the American market, which is strategic for Italy, convinced that this will

help spark the project for the recovery and growth of Made in Italy, the first glimmer of which we are already seeing.” Along with the products in the windows, a discussion was held on “Italian Design Beyond the 20th Century” at the Italian Institute of Culture in New York, directed by Roberto Viale. There to E express their opinion were protagonists and experts in the discipline, such as Franco Raggio, who offered an in-depth overview of the past fifty years, Cinzia Ferrara, who specifically discussed the design of lighting, American designer Steven Burks, who has collaborated with some of the top brands in the field, and Bill Moggridge, who directs the prestigious Cooper-Hewitt National Design Museum. The author of a stimulating article on the concept of “Italian-ness”, Riccardo Viale, who as director of the Italian Institute of Culture has accumulated significant experience in the field, traces a profile of its distinguishing characteristics, in actual reality, in the global imagination, and in the general perception.

“Italian-ness”, at the level of the senses, evokes art, culture, food, fashion, automobiles; at the emotional level, it means vacation, a good climate, good food, beauty, friendship. At the rational level Italian-ness means language and history. The surveys say that Italians are perceived as the world leaders in Design and Style. On the other hand, this is confirmed by Italy’s top ranking in the export of Food and Wines, Clothing and Fashion, and Furniture. But to be more precise, what makes a product truly Italian? It is not enough for it to be “made”, or “conceived” in Italy, it must be “behaved” in Italy. Meaning, concludes Viale in his article, connected to Italian behaviour, to the people, the style, the history, the country, to its social life. In conclusion, the only solution for the success of Italian products in the world is to invest in Research and Development, to increase the degree of added technological value in the products. The blend of technology and design is the only way to beat the international competition that underhandedly presents itself as Italian.

A sinistra: in primo piano, Massimiliano Messina, Flou, e Carlo Ludovico Russo, DDN. Qui accanto: Sarah Natkins, Culture&Commerce, e Raffaella Pollini, Diomedea, responsabili per la comunicazione dell’evento I Saloni Milano a New York. In basso, scorci della passeggiata sull’High Line nel West Side.

At left: in the foreground, Massimiliano Messina, Flou, and Carlo Ludovico Russo, DDN. Across: Sarah Natkins, Culture&Commerce, and Raffaella Pollini, Diomedea, responsible for the public relations of the event I Saloni Milano a New York. Below, view of the promenade along the High Line on the West Side.

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Sopra, in Greene street, interno dello showroom Flou dedicato alla cultura del dormire. In foto, modello Pinch by Rodolfo Dordoni. Sotto, Carlo Guglielmi, presidente Cosmit, e Roberto Snaidero, past president FLA, cavalcano una Harley Davidson in Greene St., SoHo.

Above, in Greene Street, the interiors of the Flou showroom dedicated to the culture of sleeping. In the photograph, the Pinch model by Rodolfo Dordoni. Below, Carlo Guglielmi, president of Cosmit and Roberto Snaidero, past president of the FLA, riding a Harley Davidson in Greene St., SoHo.

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Party nel flagship store Boffi Usa a Manhattan con le collezioni Bath&Kitchen del marchio leader italiano. Nelle foto: in alto, Alessandra e Nicolò Gavazzi; qui sopra, Bice Marceca e Monica Pastore, rispettivamente communication manager e junior project manager; a destra, corner Boffi con il sistema Duemilaotto, tavolo in pino e lampada modernariato by Piero Lissoni.

Party at the Boffi Usa flagship store in Manhattan with the Bath&Kitchen collections of the leading Italian brand. In the photos: at top, Alessandra and Nicolò Gavazzi; here above, Bice Marceca and Monica Pastore, respectively public relations manager and junior project manager; at right, the Boffi corner with the Duemilaotto system, a pinewood table and a vintage lamp by Piero Lissoni.

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Presentazione dei nuovi modelli nello showroom di Artemide in Greene. In foto, Doride floor disegnata da Karim Rashid.

Presentation of the new models in the Artemide showroom in Greene St. In the photo, Doride floor lamp designed by Karim Rashid.

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Luciana Cuomo e Carlo Ludovico Russo, DDN, centauri in Greene Street. Accanto, nel loft Lualdi in SoHo, presentazione della prima collezione di porte di firma americana. In foto, Raffaella e Chiara Lualdi con Rasomuro.

Luciana Cuomo and Carlo Ludovico Russo, DDN, easy riders on Greene St. Across, in the Lualdi loft in SoHo, presentation of the first collection of American-designed doors. In the photo, Raffaella and Chiara Lualdi with Rasomuro.

Nella pagina accanto, Laura Anzani, managing director Poliform Usa, fotografata nello showroom di New York all’interno della cabina armadio Ego di Giuseppe Bavuso, un best seller dell’azienda sul mercato americano.

Page across, Laura Anzani, managing director of Poliform Usa, photographed in the New York showroom inside the Ego walk-in closet by Giuseppe Bavuso, a company best-seller on the American market.

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LAURA ANZANI/POLIFORM USA

Vorremmo farti una foto vicino a un prodotto Poliform davvero ‘italiano’... Scelgo una cabina-armadio, come prodotto messaggero di italianità. Come Poliform nasciamo sistemisti nella zona notte, e in questo siamo riconosciuti leader di mercato, non solo americano ma mondiale. A noi italiani piace il bello nella casa, nel vestire... Insomma, siamo un popolo cui piace il lifestyle. Che c’è di diverso tra questa e una cabina americana? Quelle americane sono cabine fatte su misura, con una qualità paragonabile a quella artigianale europea. La nostra invece diventa un prêt-à-porter industriale: solo noi italiani sappiamo industrializzare l’artigianalità. Come Poliform diamo grande importanza all’armadio, oltreché alla bellezza, come momento importante del nostro privato. E, in cucina, cosa piace ai newyorchesi? Non vogliono una cucina asettica, solo per cucina-

re, ma da vivere. Uno spazio importante dell’abitare, che favorisca un incontro di persone. Perché, questo non esiste nella cultura americana? C’è sempre stato su alcuni mercati e non su altri. Nelle grandi città come New York, l’americano raramente passa del tempo a casa; preferisce spenderlo in posti dove socializzare. Diverso è l’uso dell’ambiente cucina nelle grandi ville della costa ovest, come a Los Angeles. Quindi, su cosa insisterà il messaggio della vostra comunicazione? La nostra identità è quella del lifestyle e su questo da qualche anno vertono le nostre campagne sia Poliform che Varenna. Che è il sentirsi vivi nella propria casa: nei nostri spazi espositivi si ritrovano questi ambienti caldi; anche un pubblico un pò intimorito, da noi trova ispirazione per possibili stili abitativi.

C’è una italianità anche nei comportamenti e nel servizio? Una italianità di Laura Anzani nel suo lavoro? La nostra è un’azienda non solo di prodotto, il nostro cliente è quanto di più importante abbiamo. Quindi abbiamo cercato di trasferire questa forte passione anche al nostro team americano. E sono orgogliosa di affermare che, grazie alla scuola Poliform, l’operazione è riuscita, in breve tempo. Il servizio, oltre al prodotto, ci rende quello che siamo. Come Poliform quindi posso dire che l’italianità è esportabile a livello globale e che le persone sono tutto.

We would like to take your picture next to a truly “Italian” Poliform product. I choose a wardrobe as a product that conveys Italian-ness. Poliform began as a manufacturer of systems for the nighttime area, and in this sphere we are the recognized market leaders, not only in America but around the world. We Italians like beauty in the home, in the way we dress.. As a people we enjoy our lifestyle. What is so different about this and an American wardrobe? American wardrobes are custom-made, with a quality that is comparable to European handcrafting quality. Ours is an industrial prêt-aporter: only the Italians know how to industrialize craftsmanship. As Poliform, we attach great importance to the wardrobe, and to beauty, as an important element of our private life. And, in the kitchen, what do New Yorkers like? They don’t want an ascetic kitchen just to cook in, but one to live in. An important living space, that encourages socialization. Why, if there is no such thing in American culture? There always has been on some markets and not on others. In important cities such as New York, the American rarely spends time at home; he prefers to spend it in places where he can socialize. The kitchen is used differently in the large homes on the West Coast, for example in Los Angeles. Therefore, what will your advertising message be? Our identity is lifestyle and that is what our campaigns for both Poliform and Varenna have focused on in recent years. It means feeling alive in our own home: our showroom spaces feature these sort of warm spaces, and a rather timid public can find inspiration here for possible living styles. Is there an Italian-ness in behaviour and in service? An Italian-ness in the way Laura Anzani approaches her job? Ours is a company that does not just make products, our customer is our most important asset. We have therefore tried to convey this fervent passion to our American team. And I am proud to state that, thanks to the Poliform school, the operation was quickly successful. The service, in addition to the product, makes us what we are. As Poliform, I can therefore say that Italian-ness can be exported at the global level and that people are everything.

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Nello showroom di Fontana Arte, in occasione dell’Italian Design Street Walking a Manhattan, il mitico Teatro alla Scala fa da sfondo alle collezioni di lampade.

In the Fontana Arte showroom, during the Italian Design Street Walking event in Manhattan, the legendary Teatro alla Scala serves as a backdrop for the lamp collection.

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Why such an atypical location for a furniture brand? After searching at length, we decided to aim for the highest visibility, between West Broadway and Spring, in an area that is clearly fashion. We also wanted a European look, a warm, inviting, more friendly atmosphere for a product to live with, not just to look at. Our intentions were interpreted perfectly by Space Architects, designers specialized in the world of fashion: they are doing Prada, they have just finished Kiton in Las Vegas and Missoni in Malibu. They know their way around different worlds than ours. The message in the store windows? Warmth and emotion to attract the public with the Italian style and design, to fit into American domestic eclecticism. A warm image that pays attention to detail. The bright red of the model in the window proved surprising. The number of colours available in the Scavolini catalog allow us to be fashion. In addition, elements such as the painted finishes or the objects by Fornasetti are perceived as sexy or glamourous by the American public. And we want to communicate with the consumer. The name Scavolini SoHo Gallery? We wanted the name to associate our product with art. The brief is to convey the distinguishing characteristics of Scavolini, the ample selection of products and to maintain intact the image of our hospitality in the world. This showroom is the first Scavolini flagship store in the United States.

FRANCESCO FARINA/SCAVOLINI USA Perché questa location un pò atipica per un brand di arredamento? Dopo una lunga ricerca, abbiamo deciso di acquistare il massimo della visibilità, tra West Broadway e Spring, in un’area dichiaratamente fashion. Poi volevamo un’impronta europea, un ambiente caldo, invitante, più friendly, per un prodotto vissuto, e non solo da guardare. Ci hanno perfettamente interpretato gli Space Architects, progettisti specializzati nel mondo del fashion: stanno facendo Prada, hanno finito Kiton a Las Vegas e Missoni a Malibu. Sanno come muoversi in mondi diversi dal nostro. Il messaggio della vetrina? Calore ed emozione per attrarre il pubblico con lo stile e il design ialiano, da integrare con l’ecletti-

smo domestico americano. Un’immagine calda e attenta al dettaglio. Una certa sorpresa l’ha destata il colore rosso deciso del modello in vetrina. Il numero di colori disponibili nel catalogo Scavolini ci consente di diventare fashion. Inoltre, elementi come il laccato o gli oggetti di Fornasetti sono percepiti come sexy o glamour dal pubblico americano. E noi vogliamo comunicare al consumatore finale. Il nome Scavolini SoHo Gallery? L’abbiamo chiamata così per associare l’arte al prodotto. Il briefing è quello di trasmettere i tratti di salienti Scavolini, l’ampia gamma di prodotto e di mantenere intatta l‘immagine della nostra ospitalità nel mondo. Questo showroom è il primo flagship store Scavolini negli Stati Uniti.

Francesco Farina, C.E.O. Scavolini Usa, fotografato nella nuova Scavolini SoHo Gallery, il grande flagship store newyorchese progettato da Space Architects e appena inaugurato in West Broadway.

Francesco Farina, CEO of Scavolini USA, photographed in the new Scavolini SoHo Gallery, the big New York flagship store designed by Space Architects and recently inaugurated on West Broadway.

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Qui sopra, Giulia Molteni, retail manager Molteni&C, ritratta nello showroom in Greene St. con la cucina Hi-Line di Ferruccio Laviani. Accanto, il divano Bend di Patricia Urquiola, in versione glamour giallo-sole, nello showroom B&B Italia a SoHo. Sotto, Enrico Provasi, che partecipa alla missione I Saloni Milano in New York. Nella pagina accanto, un best seller della collezione Matteograssi in vetrina nel multistore ddc, domus design collection, in Madison Avenue.

Above, Giulia Molteni, retail manager of Molteni&C., portrayed in the showroom on Greene St. with the HiLine kitchen by Ferruccio Laviani. Across, the Bend sofa by Patricia Urquiola, in the sun-yellow glamour version, displayed in the B&B Italia showroom in SoHo. Below, Enrico Provasi, who participated in the I Saloni Milano mission in New York. Page across, a best seller from the Matteograssi collection in the window of the ddc, domus design collection, multistore on Madison Avenue.

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In alto, la vetrina Matteograssi nello showroom ddc a New York. Accanto, ancora nel multistore ddc, location del made in Italy di design a Manhattan, Glas Italia Gallery firmata Piero Lissoni. Sotto, il nuovo Minotti Flagship Store in Madison Avenue è un progetto di Rodolfo Dordoni. Nelle foto, i due livelli dello showroom monomarca e, sul divano More, da sinistra, i fratelli Babak, Daniel e Siamak Hakakian, ddc, responsabili della gestione. Pagina accanto, lo showroom La Murrina al D&D Building in Midtown espone i modelli nel contesto della tradizionale strumentazione dei ‘maestri’ muranesi.

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At top, the Matteograssi window in the ddc showroom in New York. Across, again in the ddc multistore, a venue for design Made in Italy in Manhattan, the Glas Italia Gallery by Piero Lissoni. Below, the new Minotti Flagship Store in Madison Avenue is a project by Rodolfo Dordoni. In the photo, the two levels of the single-brand showroom, and, on the More sofa, from left the Babak brothers Daniel and Siamak Hakakian, ddc, managing directors. Page across, the La Murrina showroom at the D&D Building in Midtown, displays their models surrounded by the traditional tools used by the ‘masters’ on Murano.


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N.Y.

A sinistra, lo showroom Tre-P&Tre-Più, all’A&D Building, espone alcuni best seller sul mercato americano, tra cui i modelli Planar e Radarnuova. Accanto, visitatori nel Luceplan Store in Greene St., SoHo. Riconoscibili i modelli Hope, by Gomez-Paz e Rizzatto, e Lady Costanza, Paolo Rizzatto, che illumina le mitiche poltrone di Bonacina Pierantonio. Nella pagina accanto, nuova location nella Bowery della Sperone Westwater Gallery, firmata Foster+Partners. L’ascensore rosso a vista caratterizza l’edificio.

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At left, the Tre-P&Tre-Più showroom at the A&D Building, exhibits some of its bestsellers on the American market, including the Planar and Radarnuova models. Across, visitors to the Luceplan Store on Greene street, SoHo. Several models are recognizable, including Hope by GomezPaz and Rizzatto, and Lady Costanza, Paolo Rizzatto, as they light the legendary armchairs by Bonacina Pierantonio. Page across, the new Bowery location of the Sperone Westwater Gallery, designed by Foster+Partners. The open red elevator characterizes the building.


NORMAN FOSTER SPERONE GALLERY

Perché questa location un po’ atipica per un brand di arredamento? Dopo lunga ricerca, abbiamo deciso di acquistare il massimo della visibilità, tra West Broadway e Spring, in area dichiaratamente fashion. Poi volevamo un’impronta europea, un ambiente caldo, invitante, più friendly, per un prodotto vissuto e non solo da guardare. Ci hanno perfettamente interpretato gli Space Architects, progettisti specializzati nel mondo del fashion: stanno facendo Prada, hanno finito Kiton a Las Vegas e Missoni a Malibu. Sanno come muoversi in mondi diversi dal nostro.Il messaggio della vetrina?Calore ed emozione per attrarre il pubblico con lo stile e il design ialiano, da integrare con l’eclettismo domestico americano. Una immagine calda e attenta al dettaglio. Una certa sorpresa l’ha destata il colore rosso deciso del modello in vetrina. Il numero di diventare fashion. Inoltre, elementi come il laccato glamour dal pubblico americano. E noi vogliamo comunicare al consumatore finale.Il nome Scavolini SoHo Gallery?L’abbiamo chiamata così per associare l’arte al prodotto. Il briefing è di trasmettere i salienti Scavolini, l’ampia gamma di prodotto e di mantenere intatta l‘immagine della nostra ospitalità nel mondo. Questo showroom è il primo flagship store Scavolini negli Stati Uniti. Next to the New Museum by SANAA and close to the Cooper Union University by Thom Mayne, in a street and a district, the Lower East Side, currently involved in a full-blown process of regeneration, the new Sperone Westwater Gallery, at 257 Bowery, stands out for its height, width – 25 meters of street front -, depth – 100 meters, and personality. It towers amidst the brick façades, luminous, with the dynamic sign of the red elevator cube that moves constantly between the first 3 floors of the 8-story building. Simple, Cartesian, made out of translucent glass and sheet steel, its façade creates a diaphragm between the busy street and the space inside, which at the moment hosts the audio/video installation For Children/For Beginners by American artist Bruce Naumann, winner of the Golden Lion at the Biennale di Venezia 2009, for best foreign artist. Foster+Partners, commissioned in 2008 to design the new space, imagined it as “a response to the physical characteristics of the site, to the dynamic metropolitan quality of the Bowery, and also as a desire to rethink the way in which the public comes into relation with art, in a gallery structured vertically”. In order, the new location of the Sperone Westwater Bowery follows the earlier locations in the Meatpacking District and SoHo. But the roots of the gallery – it is well known – lie in Italy, in Turin, where in the early Sixties, Gian Enzo Sperone launched the American Pop Art artists and later, in the gallery in Rome, showed programs related to the American and European avant-gardes and Italian Arte Povera.

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N.Y.

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WHY DESIGN NOW?

BILL MOGGRIDGE, DIRECTOR OF THE COOPER-HEWITT

Al Cooper-Hewitt National Design Museum di New York è in corso la 4a Triennale dal titolo Why Design Now?, che mostra i progetti globali più innovativi sviluppati intorno a problemi umani ed ambientali e organizzati secondo 8 chiavi di sviluppo: energia, mobilità, comunità, materiali, prosperità, salute, comunicazione, semplicità. Ne parliamo con il nuovo direttore Bill Moggridge.

‘Why Design Now?’ mi sembra una bella domanda... Alla domanda posta a designer e progettisti in tutte le parti del mondo, la mostra risponde con 134 esempi suddivisi per tema. Una risposta che penso sia molto riuscita e che si impone come estremamente contemporanea. I curatori del progetto sono 4/5: ma devo chiarire che io non c’entro e non posso prendermi alcun merito, perché sono arrivato qui alla fine di marzo, ma mi piace molto tutto ciò che si trova nel museo. Ritengo che i curatori siano riusciti ad evidenziare gli aspetti complessi e stimolanti del design secondo il punto di vista del pubblico. Molte risposte riguardano le tematiche sociali e la sostenibilità. Lei è al primo anno di direzione. Quali idee pensa di sviluppare? Il nostro intento è di rivolgerci a 5 diverse tipologie di pubblico: quello tradizionale - e forse il più importante - del museo, abituato a sostenere il design; il grande pubblico, quello tradizionale dei 19 musei che fanno parte della Smithsonian Institution, la cui missione è promuovere la conoscenza nelle diverse discipline. In questo caso il nostro compito è di far comprendere meglio il design alla gente. Abbiamo poi i bambini e i giovani, cui è dedicato un dipartimento didattico molto solido e un sito web da cui gli insegnanti possono scaricare le lezioni. Poi ci sono i professionisti nelle diverse discipline del design, che noi sentiamo il dovere di contribuire a interconnettere. Infine sentiamo un impegno forte verso tutti i leader del paese, perché hanno bisogno di aiuto per capire il valore che può venire dal design per trovare soluzioni innovative in ambiti diversi. Questi pubblici li vogliamo sostenere tutti, con particolare riguardo agli ultimi 2, i professionisti e la leadership, che saranno per noi le nuove aree di ampliamento.

In che rapporti siete con le diverse istituzioni newyorchesi del design? Pensiamo a noi come un’organizzazione nazionale e siamo qui per sostenere tutte le forme di design. Saremo lieti di vedere la nuova Triennale di Milano qui a New York; ci piace il design proposto dal MoMA, così come tutto quanto aiuti il design a essere capito e riconosciuto da un maggior numero di persone. Siamo qui per sostenere il design in generale e non consideriamo alcuno di questi aspetti in concorrenza con gli altri. Riteniamo che il nostro compito sia di aiutarli. La missione del Cooper-Hewitt è la promozione del design nazionale? Sono 3 gli obiettivi strategici: uno riguarda il museo stesso, a livello sia fisico che virtuale. Innanzitutto ampliarci on line. Il secondo si propone di favorire una migliore comprensione del design in qualsiasi angolo dell’America. Il terzo è quello di imporci come un’autorità internazionale del design, il che significa essere globali. Abbiamo una rappresentanza globale, accogliamo gli altri paesi e cerchiamo di farci riconoscere dalle persone che comprendono il design oltre che dalle migliori organizzazioni presenti nel resto del mondo. Al dibattito promosso dall’Istituto di Cultura Italiana, lei ha parlato di alcuni cambiamenti possibili per il design italiano? Penso che l’Italia sia già straordinaria in numerosi aspetti del design e che, relativamente a questi, debba mantenere le posizioni e non cambiare. Chi realizza mobili con grande maestria deve continuare a farlo e i giovani designer devono continuare a realizzare le loro creazioni. Al contempo, vi è anche una sfida, legata all’Italia in generale più che specificamente al design, che consiste nel cercare di integrarsi con il mondo globale. Il mondo globale è ora interconnesso al punto che occorre essere in grado di utilizzare le risorse di qualsiasi parte del mondo. Vi è necessità di sfruttare nuove tecnologie e opportunità. Ritengo che per il design italiano si renda necessario un allargamento che permetta al paese di fiorire rispetto al resto del mondo. Va considerato come si vive in un ambiente globale e quale debba essere l’approccio alla nuova tecnologia. E io penso che l’Italia non abbia ancora focalizzato questo aspetto. Quindi pensa che l’Italia si debba evolvere a livello di sensibilità ambientale e sociale? Esatto. Se si confronta l’Italia con la Scandinavia, si

può verificare che il concetto della sensibilità sociale è molto più affermato in Scandinavia. Se si confronta l’Italia con l’America, si può verificare che il concetto di sensibilità tecnologica è molto più affermato in America. Se si guarda all’Asia, e si pensa alla Corea, ci si rende conto che in quel paese l’approccio a design e tecnologia è più efficace che in Italia. Vi sono dunque numerose opportunità per concentrarsi su nuovi temi o ampliare quelli precedenti. Ho comunque l’impressione che potrebbe essere piuttosto importante per la cultura e l’economia italiane abbracciare alcuni di questi nuovi aspetti, senza però, tengo a ribadirlo, rinunciare a quelli esistenti. Cosa apprezza in particolare della cultura e del design italiani? La storia straordinaria: in Italia, adoro trovarmi nei luoghi dove la cultura, la cultura architettonica e artistica hanno 2000 anni. La comprensione dell’esperienza umana è fantastica, ricca e profonda. E se si guarda ai progetti individuali, in contrapposizione a quelli collettivi, ci si confronta con la passione e l’apprezzamento per il lavoro degli architetti e designer di maggior talento. Design rinascimentale della qualità più alta. Persone che hanno avuto, ed hanno, un’influenza unica, da Ettore Sottsass a Renzo Piano. Favoloso.

Bill Moggridge, in foto, è il nuovo direttore del Cooper Hewitt Design Museum di New York.

Bill Moggridge, in the photo, is the new director of the Cooper Hewitt Design Museum in New York.

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The Cooper-Hewitt National Design Museum in New York is currently holding the 4th Triennial entitled “Why Design Now?”, highlighting the most innovative global projects developed to solve human and environmental problems and organized on the basis of the 8 keys to development: energy, mobility, community, materials, prosperity, health, communication, simplicity. We talk about it with the new director Bill Moggridge. “Why Design Now?” sounds like a good question… That is the question we asked designers and planners all around the world, and the exhibition responds with 134 examples divided into themes. An answer that I believe is very successful and has emerged as extremely contemporary. There are 4/5 curators for this project: but I would like to make it clear that I have nothing to do with it and can take no credit for it, because I only arrived here at the end of March. But I really like everything in the Museum. I believe the curators were able to highlight the complex and stimulating aspects of design from the public’ point of view. There are many answers to social themes and sustainability. This is the first year you are director. What ideas are you thinking of developing? Our intent is to address 5 different typologies of public: the traditional public of the Museum – and perhaps the most important one – that

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has always sustained design; the wider public, the traditional public of the 19 museums that comprise the Smithsonian Institution, whose mission is to promote knowledge in the various disciplines. In this case our task is to give people a better understanding of design. Then there are the children and young people, to whom we dedicate a very solid educational department and a website from which the teachers can download lectures. Then there are the professionals in the various disciplines of design, which we feel it is our responsibility to interconnect. Finally we feel a strong commitment towards the leaders of this country, because they need help to understand the value that design can bring to the development of innovative solutions in many fields. These are the kinds of public that we would like to sustain, with particular attention to the last 2, the professionals and the leadership, which will be our next areas of growth. What is your relationship with the different design institutions in New York? We think of ourselves as a national organization and we are here to sustain all forms of design. We are happy to see the new Triennale di Milano here in New York; we like the design shown by the MoMA, like everything else that helps design to be understood and recognized by the greatest number of people. We are here to advance design in general and we do not consider any of these aspects to be in competition with the others. We believe our

task is to help them. Is Cooper-Hewitt’s mission the promotion of national design? We have 3 strategic objectives: one involves the Museum itself, both on a physical and virtual level. First and foremost to expand online. The second is to encourage a better understanding of design in every corner of America. The third is to establish the Museum as an international authority on design, which means becoming global. We have a global representation, we give hospitality to other countries and try to be recognized by people that understand design and by the finest organizations in the rest of the world. At the debate sponsored by the Italian Institute of Culture, you spoke of several possible changes that Italian design should strive for. I believe that Italy is already extraordinary in many aspects of design, that, in these aspects, it should maintain its position and make no changes. The manufacturers who make furniture so masterfully, must continue to do so and the young designers must continue to develop their creations. At the same time, there is also a challenge, which involves Italy in general rather than design specifically, that consists in trying to fit into the global world. The global world is now so interconnected that it is important to be able to use resources in any part of the world. There is a need to exploit new technologies and opportunities. I believe that Italian design needs to grow so


that the country can blossom. We must consider that we live in a global space, and meditate on what our approach to new technology should be. I believe that Italy hasn’t focused on this point yet. So you think that Italy needs to evolve at the level of environmental or social sensibility? Exactly. If we compare Italy to Scandinavia, we see that the concept of social sensibility is much more firmly established in Scandinavia. If we compare Italy to America, we see that the concept of technological sensibility is far more established in America. If we look towards Asia and think of Korea, we see that in that country the approach to design and technology is more effective than in Italy. There are therefore many opportunities to concentrate on new themes or to expand on older ones. My impression in any case is that it would be rather important for the Italian culture and economy to embrace some of these new factors, without, I insist, abandoning what it already has. What do you appreciate in Italian culture and design in particular? Its extraordinary history: in Italy, I adore going to places where the culture, the architectural and artistic culture are 2000 years old. Its understanding of the human experience is fantastic, rich and profound. If we look at individual projects, rather than collective ones, we address the passion and appreciation for the world of the most talented architects and designers. Renaissance design of the finest quality. People who have had, and still have, a unique influence, from Ettore Sottsass to Renzo Piano. Fabulous.

Progetti in mostra alla 4a Triennale ‘Why Design Now?’ del Cooper Hewitt di New York. In alto, Mahangurina thresher, prototipo formato da rottami di bicicletta, acciaio e cartone. Al centro, da sinistra: lanterne ricaricabili a batteria solare; giacca formata da 29.000 etichette di plastica fissate alla pelle di agnello; alcuni progetti grafici. In basso, Z-10 concentrated solar-power system, in polipropilene, vetro specchiato, acciaio inox, componenti fotovoltaici, ceramiche e rame. Pagina accanto, prototipo MIT Citycar, Smart Cities.

Projects on exhibit at the 4th Triennale “Why Design Now?” at the Cooper Hewitt in New York. At top, Mahangurina thresher, a prototype made from used bicycle parts, steel and cardboard. At center, left, lanterns with a rechargeable solar battery. Across a jacket made out of 29,000 plastic labels attached to the lambskin. At right, graphic design projects. Below, Z-10 concentrated solar-power system, made out of polypropylene, mirrored glass, stainless steel, photovoltaic components, ceramic and copper. Page across, the MIT Citycar prototype, Smart Cities.

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N.Y.

DREAMING THE LAST SUPPER

Ambasciatori per il design italiano a New York, due eventi di altissimo profilo firmati da artisti di fama internazionale, già noti come testimonial in situazione precedenti: il cineasta gallese Peter Greenaway e l’americano Bob Wilson, regista, artista e attore dal complesso curriculum multimediale. Entrambi creativi abituati ad operare su terreni sperimentali, innovativi, interdisciplinari, al limite della trasgressività, hanno colto l’occasione fornita loro dagli sponsor dell'operazione I Saloni Milano a NY, Cosmit-FLA, Ice e Ministero dello Sviluppo Economico, per mettere in scena le straordinarie qualità che contraddistinguono il design italiano, rendendolo leader mondiale. Infatti, quale modo migliore di testimoniarne i contenuti culturali ed artistici, se non attraverso il contributo creativo di due artisti e uomini di spettacolo eccellenti quali Bob Wilson e Peter Greenaway? Regista e artista poliedrico, con opere esposte in musei e gallerie di tutto il mondo, Leone d’Oro per la scultura alla Biennale di Venezia, il primo si impegna

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in un riuscito accostamento tra design e danza, espressa, quest’ultima, da Roberto Bolle, étoile alla Scala e primo ballerino dell’American Ballet Theatre di NY, per definizione figura iconica a cavallo tra le due culture in gioco nell’evento di Manhattan: la cultura italiana, impegnata, per l’occasione, a fare spettacolo e la cultura americana, coinvolta ed affascinata dall’innovatività della rappresentazione scenica affidata a Wilson e a Bolle. “Io e Bob Wilson ci siamo incontrati lo scorso anno a Milano - racconta Bolle - e subito c’è stata la volontà di collaborare a un nuovo progetto”. Così è nata l’installazione Perchance to Dream, che lo vede protagonista di una serie di video ritratti, intrecciati al design italiano, espresso da alcuni capolavori, che sono ormai dei classici nella percezione del pubblico. Il risultato è sorprendente: una serie di scene dark-still life che sono real life, precisa Wilson, popolate da pezzi di design che appaiono sopravvissuti ad una catastrofe epocale, e per questo magici ormai e destinati all’eternità, intervallate da video

ritratti di Roberto Bolle, colto in attimi di movimento immobile. Bolle non danza come ci si aspetterebbe, se non con impercettibili batter di palpebre, con sorrisi che si trasformano lentissimamente e con quanto altro la scatenata fantasia creativa di Wilson mette in opera, per esaltare grazia, fisicità, bellezza e anche humour del grande ballerino. “Il primo impatto con l’occhio del visitatore è un’immagine fissa - spiega Franco Laera, con Change Performing Arts curatore e produttore degli eventi italiani a New York -, ma basta avvicinarsi per percepire il movimento, quasi il respiro e il contrarsi dei muscoli”. La mostra Perchance to Dream debutta in anteprima al Center 548 di Chelsea, nel corso di una inaugurazione ufficiale che vede, accanto a un pubblico vip, i protagonisti istituzionali della settimana del design milanese: l’ambasciatore Umberto Vattani, presidente Ice, Rosario Messina e Carlo Guglielmi per Federlegno e Cosmit rispettivamente. Grande fierezza e orgoglio di essere italiani e di portare nella capitale degli States spetta-


Leonardo’s Last Supper by Peter Greenaway. Immagini tratte dalla vision multimediale presentata al Park Avenue Armory di Manhattan: a sinistra, le Nozze di Cana del Veronese; in questa pagina, frammenti da The Last Supper e, riconoscibile, il ballerino Roberto Bolle, incarnazione di bellezza rinascimentale. Progetto e produzione Change Performing Arts.

Leonardo’s Last Supper by Peter Greenaway. Images from the multimedia vision presented at the Park Avenue Armory in Manhattan: at left, the Wedding at Cana by Veronese; on this page, fragments of The Last Supper and, recognizable, dancer Roberto Bolle, the incarnation of Renaissance beauty. Project and production by Change Performing Arts.

coli di tanto valore a testimoniare la vitalità del binomio design-arte. Scena straordinaria anche all’Armory, sulla Park Avenue, imponente edificio neogotico, ex-caserma del Settimo Reggimento di Cavalleria, ripristinato per accogliere performance d’arte e cultura, impossibili da ospitare nei normali spazi teatrali cittadini. Al centro dell’immenso spazio che è in grado di esibire in scala reale il Refettorio milanese di Santa Maria delle Grazie, sta Mr Greenaway, che spiega al pubblico le premesse dello sua ‘vision’ Leonardo’s Last Supper, in prima assoluta a Manhattan dove resterà per più di un mese. Le singole parti della performance non sono del tutto inedite, perchè già viste a Milano, Venezia e Shanghai, ma l’insieme... si, l’insieme è nuovo e abbagliante. Qualcuno dice che The Last Supper è meglio qui, che nel suo vero habitat del cenacolo milanese. Altri dicono che le Nozze di Cana del Veronese, altra parte dell’ambizioso progetto del regista inglese, stanno meglio nell’Armory, che a Parigi, al Louvre di fronte alla Gioconda, dove finirono trafugate dall’ennesimo furto di Napoleone Bonaparte che le scippò al loro nido veneziano. Entrambe le opere sono cloni, riprodotti a meraviglia grazie alle più avanzate tecnologie utilizzate da Adam Lowe con Factum Arte. “Se Leonardo vivesse nel nostro tempo, impavido, temerario e sperimentatore infaticabile, utilizzerebbe le tecnologie visuali più evolute, cercando di spingerne i confini sempre oltre il conosciuto. Con la necessaria modestia abbiamo percorso alcune strade che immaginiamo avrebbe preso, per suscitare meraviglia, provocare la reazione intellettuale e spirituale di fronte a questo momento profondissimo dell’Ultima Cena, con tutto ciò che significa e profetizza”. (Peter Greenaway)

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PETER GREENAWAY Il regista inglese, nato nel cinema, dice di essere da tempo lontano da un media che ritiene in crisi. “Ho voluto provare ad unire i due mondi quello della pittura, che ha 2000 anni e quello del cinema, giovane di poco più di un secolo. Ho supposto che fosse possibile stabilire un dialogo tra i 2 mezzi, mescolandone i vocabolari; a usare la pittura per fissare dei limiti e incorniciare l’immagine e ad usare il cinema per far muovere il dipinto, farlo cambiare, fargli avere una vita temporale e una colonna sonora. Abbiamo scelto 10 opere famose, di varie epoche, figurative e non, che potremmo definire cinematiche, per grandezza e ambizione, piene di vita, create da autori che vanno da Leonardo e Veronese a Michelangelo e Jackson Pollock - su cui speriamo di lavorare presto - e altri ancora, e gli abbiamo dato movimento e cambiamento di ombre, di colori, di chiaroscuro, di atmosfere, gli abbiamo dato musica e gli abbiamo dato dialogo. Questo lavoro che si serve di tutte le tecniche e i supporti teatrali, nel tentativo di riportare alla vita i capolavori dell’arte occidentale, nasce dal desiderio di ravvivare l’educazione visuale che gli occhi moderni hanno perso nel guardare alla pittura. Non è nostra intenzione trasformarli in cinema, nè in opere d’arte animate. Nè, tanto meno, in cartoons. Cambiando il colore, il contrasto, i chiaroscuri... Proviamo a rendere questi dipinti cinematici, in modo originale. Con l’aiuto della tecnologia multimediale, con la proiezione di luci e immagini, noi proviamo o celebrarne il significato”. Heralding Italian design in New York are two very high-profile events by internationally renowned artists, who have served as testimonials in earlier situations: Welsh filmmaker Peter Greenaway and American Bob Wilson, director, artist and actor with a complex multimedia career. Both creative professionals, who habitually explore experimental, innovative, interdisciplinary terrain bordering on transgression, accepted the opportunity offered to them by the sponsors of the operation “I Saloni

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The English director, who has always worked in film, says that he has taken his distance for some time from a media that he believes to be experiencing a critical moment. “I wanted to try and combine two worlds, the world of painting which dates back over 2000 years and the world of film, which is less than a century old. I imagined that it would be possible to establish a dialogue between the 2 media, mixing their vocabularies; to use painting to establish limits and frame the image and to use film to make the painting move, to make it change, to give it a temporary life and a soundtrack. We chose 10 famous works, from various eras, figurative and not, which could be described as cinematic in terms of size and ambition, full of life, created by authors ranging from Leonardo and Veronese to Michelangelo and Jackson Pollock – which we hope to work on soon – and others again, and we have given them movement and variations in shadow, colours, chiaroscuro, atmosphere; we have added music and created a dialogue for them. “This work, which adopts all the techniques and supports of the theatre, in the attempt to bring the masterpieces of western art to life, arises from the desire to revitalize the visual education that our modern eyes have lost when they look at painting. It is not our intent to transform them into film, or into animated works of art. Nor into cartoons. By changing the colour, the contrast, the chiaroscuro.. we are trying to make these paintings cinematic in an original way. With the help of multimedia technology, and the projection of lights and images, we are trying to celebrate their meaning.”

Milano a NY”, Cosmit-FLA, ICE and the Ministry for Economic Development, to focus on the extraordinary qualities that distinguish Italian design, and make it the world leader. What better way to show off its cultural and artistic substance than through the creative contribution of two excellent artists and performers, such as Bob Wilson and Peter Greenaway? A director and multifaceted artist, whose works are shown in museums and galleries around the

world, winner of the Golden Lion for sculpture at the Biennale di Venezia, Bob Wilson worked on a successful combination between design and dance, the latter expressed by Roberto Bolle, Etoile at La Scala and Principal Dancer of the American Ballet Theatre in New York, by definition an iconic figure straddling the two cultures concerned by this event in Manhattan: Italian culture, intent on putting on a show for the occasion, and American culture, attracted and fascinated by the innovative quality of the


Accanto: Peter Greenaway al Park Avenue Armory e, sullo sfondo, The Last Supper. In questa pagina, Perchance To Dream, installazione di Robert Wilson con Roberto Bolle, primo ballerino dell’American Ballet Theater in NYC ed etoile della Scala. In basso, una scena popolata da icone del design italiano. Riconoscibili sotto i riflettori, lampada La Murrina e poltrona Matteograssi.

Across: Peter Greenaway at the Park Avenue Armory, and in the background, The Last Supper. On this page, Perchance to Dream, installation by Robert Wilson with Roberto Bolle, the principal dancer of the American Ballet Theatre in NYC and Etoile at La Scala. Below, a scene populated by icons of Italian design. Under the bright lights, lamps by La Murrina and chairs by Matteograssi.

dramatic representations developed by Wilson and Bolle. “Bob Wilson and I met last year in Milan, explained Bolle, and we immediately agreed to collaborate on a new project”. This was the genesis for the installation “Perchance to Dream”, in which he stars in a series of video portraits linked to Italian Design, expressed by a number of masterpieces which have become classics in the eyes of the public. The result is surprising: a series of dark-still life scenes that are real-life, specifies Wilson, populated by design

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ROBERTO BOLLE Étoile del Teatro alla Scala e primo ballerino dell’American Ballet Theatre di New York, testimonial della bellezza italiana. È una novità o hai già frequentato il design italiano? Il design è una delle eccellenze italiane di cui anch’io vado orgoglioso, che ammiro e che sicuramente uso, nelle lampade in particolare ma anche in altri oggetti. E che potrei forse usare anche di più. Dove vivi? Ho casa a Milano e anche qui a New York, mi divido tra due teatri e vivo in due città. Sei adatto a fare un confronto tra culture, e a dare un parere su questo nostro tema dell’italianità... Comunque essere italiani nel mondo vuol sempre dire avere dietro una nazione che nei secoli ha parlato di arte e cultura e che le esporta nel mondo. Bellezza, arte, cultura hanno fatto grande il nostro paese e quindi essere un artista italiano vuol dire farsi portatore di questi valori. Quanto alle 2 città, Milano e New York sono molto diverse, per energia, struttura e cultura. È difficile paragonarle. Però io sono contento di vivere in entrambe. Cosa senti in prima persona? Io sono orgoglioso, rivendico la mia italianità, sono felice quando parlano di me come di un artista italiano, che è primo ballerino a NYC, che si esibisce al Metropolitan, che emerge e ha successo internazionale. Questo fa bene all’immagine dell’Italia, paese di eccellenze, come il design, la moda, la cultura musicale, espressa ad esempio da un direttore d’orchestra del livello di Riccardo Muti. Tutte eccellenze che portano il nome italiano nel mondo. È la prima volta che un italiano diventa primo ballerino dell’American Ballet. Lei lo ha voluto ? Assolutamente, era uno dei miei sogni, perché l’American Ballet e il Metropolitan a New York sono al top del livello mondiale.

Uno dei videoritratti di Roberto Bolle nell’installazione Perchance To Dream di Bob Wilson.

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One of the video-portraits of Roberto Bolle in the installation ‘Perchance to Dream’ by Bob Wilson.

An Etoile of the Teatro alla Scala , and principal dancer of the American Ballet Theatre in New York, he is an endorsement for Italian beauty. Is this new to you or are you already familiar with Italian design? Design is one of Italy’s excellences which I am very proud of, which I admire and definitely subscribe to, for lamps in particular, and other objects as well. And which I could probably make even greater use of. Where do you live? I have a home in Milan and one here in New York, I divide my time between two theatres and live in two cities. You are in a position to make a comparison between two cultures, and provide an opinion on our theme of what constitutes Italian-ness. In any case, being Italian in the world means being supported by a nation that over the centuries has created art and culture and exports them all over the world. Beauty, art, culture have made our country great and therefore being an Italian artist means holding these values high. As for the 2 cities, Milan and New York, they are very different, in terms of energy, structure and culture. It is hard to compare them. But I am very happy to live in both of them. What do you personally feel? I am proud, I stand by my Italian identity, it makes me happy to be described as an Italian artist, who is a principal dancer in New York City, who performs at the Met, who has taken his place as an internationally successful artist. This is positive for the image of Italy, a land of excellences, in design, fashion, musical culture, expressed for example by a conductor such as Riccardo Muti. All these excellences sustain the name of Italy throughout the world. This is the first time ever that an Italian has become a principal dancer with the American Ballet. Is this something you wanted? Absolutely, it was one of my dreams, because the American Ballet and the Metropolitan in New York are at the pinnacle of international dance.


Opening di Perchance To Dream al Center 548 di Chelsea, NYC. Qui a destra, taglio del nastro tricolore con l’ambasciatore e presidente ICE Umberto Vattani (da sinistra), Robert Wilson, Roberto Bolle, Carlo Guglielmi e Rosario Messina. In basso, a sinistra, Adam Lowe, Factum Arte, autore dei cloni utilizzati da Peter Greenaway.

Opening of ‘Perchance to Dream’ at the Center 548 in Chelsea, NYC. Here right, the red-white and green ribbon-cutting ceremony with the ambassador and president of the ICE Umberto Vattani (from left), Robert Wilson, Roberto Bolle, Carlo Guglielmi and Rosario Messina. Below, from left, Adam Lowe, Factum Arte, author of the clones used by Peter Greenaway.

Qui sopra, al centro, Elisabetta Di Mambro e Franco Laera, Change Performing Arts. A destra, Riccardo Viale, direttore dell’Istituto italiano di cultura a NYC.

pieces that look like they have survived an epochal disaster, and therefore appear magical and destined to last forever, interspersed with video portraits of Roberto Bolle, captured in moments of immobile motion. Bolle does not dance as you would expect, if not with an imperceptible batting of the eyelashes, with smiles that gradually change, and much more that Wilson’s boundless creativity dreams up to highlight the grace, the physical power, beauty and even the humour of this great dancer. “The first impact on the eye of the visitor is a fixed image – explains Franco Laera, the curator and producer of the Italian events in New York with Change Performing Arts, but on closer look the movement becomes perceptible, as the breathing and contraction of the muscles”. The exhibition “Perchance to Dream” had its preview at the Center 548 in Chelsea, during the official inauguration. The VIP guest list also included the institutional protagonists of the Milan design week: Italian ambassador Umberto Vattani, the

president of ICE, Rosario Messina and Carlo Guglielmi for Federlegno and Cosmit respectively. There was great pride and satisfaction in being Italian and for having brought such fine events into the design capital of the States to testify to the vitality of the combination design-art. There was an extraordinary scene at the Armory as well, on Park Avenue: an impressive neo-Gothic building, the former quarters of the Seventh Regiment of the Cavalry, it has been renovated as a venue for art and for cultural performances that are impossible to fit into the usual theatre spaces in the city. At the center of the immense space which can hold a full-scale reproduction of the Refectory of Santa Maria delle Grazie in Milan, stands Mr. Greenaway, explaining to the public the premises for his “vision” of Leonardo’s Last Supper, premiering in Manhattan, where it will be visible for over a month. The individual parts of the performance are not all premieres, because they have been seen in Milan, Venice and Shanghai, but all together… Yes, the whole is new and

Above, centre, Elisabetta Di Mambro and Franco Laera, Change Performing Arts. At right, Riccardo Viale, director of the Institute of Italian Culture in NYC.

amazing. Some say that “The Last Supper” looks better here than in its original location in the Refectory in Milan. Others say that Veronese’s “The Wedding at Cana”, the other part of the English director’s ambitious project, looks better in the Armory than in Paris, hanging in the Louvre in front of the Mona Lisa, where they were brought after being stolen by Napoleon Bonaparte from their home in Venice. Both works are clones, beautifully reproduced thanks to the highly advanced technology developed by Adam Lowe with Factum Arte. “If Leonardo lived in our time, as the courageous, impetuous and tireless experimenter that he was, he would use the most advanced visual technology, trying to force its limits beyond what we know… With all due modesty we have explored several routes that we imagine he might have undertaken, to inspire awe, to provoke an intellectual and spiritual reaction before this profound moment of the Last Supper, with everything that it means and portends” (Peter Greenaway).

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ITALIANS


di Luciana Cuomo foto di Oskar Landi

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FOOD & DESIGN “Oggi abbiamo fatto la storia... e adesso andiamo a mangiare”. Disse Camillo Benso Conte di Cavour, un giorno di aprile del 1859 dopo aver letto il proclama di guerra contro l’Austria. Ma, a New York, dove andiamo? Da Eataly naturalmente, il nuovo indirizzo in Manhattan che non conosce rivali. Ci siamo andati e non abbiamo dubbi che sia ‘the best’. Mozzarella prodotta in loco, da ragazzi mandati a studiare in Italia, ad Andria. Chinotto e gazosa, popolari ormai tra i clienti, più della Coca Cola. Marchi dal buon sapore antico: birra Menabrea, acqua Lurisia, pasta Afeltra di Gragnano... vini sceltissimi. Parole chiave: sostenibilità, responsabilità, condivisione. Imprimatur di Slow Food. Creatività di Oscar Farinetti, genio del marketing e profeta del buon sacro food italiano. Niente stereotipi, pizza-spaghetti, ma alta cucina colta e profes-

Qui sopra, Dino Borri e Graziella Farinetti, protagonisti dello straordinario successo di Eataly a New York. A destra, Carlo Ludovico Russo, editore DDN, con Franco Carlino, ristoratore italiano a New York. Sotto, strumenti di lavoro utilizzati da Eataly, per promuovere la tradizione culturale dell’italian food. In apertura, il building all’incrocio tra la Broadway e la 5th.

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sionale. Mission: offrire a un pubblico ampio - ormai mondiale - cibi di alta qualità a prezzi sostenibili, comunicando al tempo stesso i criteri produttivi, il volto e la geostoria di tanti produttori che costituiscono il meglio dell’enogastronomia italiana. Diverse aperture, in Italia e all’estero, preparano il grande boom newyorkese. L’opening di questi 5000 metri quadrati di benessere e felicità in nome dell’italian food avviene il 31 agosto scorso. Il successo è misurabile. Nelle prime 6 settimane il fatturato è di 7 milioni e mezzi di dollari, più della metà viene dalla vendita di prodotti alimentari, il 47% dalla ristorazione. Ogni giorno passano da Eataly, all’incrocio tra la Fifth e la Broadway, giusto di fronte al Flat Iron, 2/3mila persone. Un successo clamoroso tocca ai salumi e formaggi, seguiti da pasta fresca e panetteria, carne, frutta e pesce. Il food-pensiero di Farinetti

Above, Dino Borri and Graziella Farinetti, protagonists of the extraordinary success of Eataly in New York. At right, Carlo Ludovico Russo, editor of DDN, with Franco Carlino, an Italian restaurateur in New York. Below, kitchen tools used at Eataly, to promote the cultural tradition of Italian food. On the opening page, the building on the corner of Broadway and 5th.

non suona una solipsistica musica tutta italiana, ma punta ad armonizzare e integrare prodotti e persone. I migliori italiani e i migliori americani, perché cose come carne, frutta e verdura non si possono importare facilmente, ma vanno messi a punto in loco. Così pure si integrano conoscenze e competenze di professionisti italiani e americani del food. Il mix più audace è nella panetteria, dove il numero uno è romeno, il numero due americano, le farine e il lievito sono italiane e il forno è spagnolo. In Eataly NYC lavorano 500 persone, ci sono 600 posti a sedere e 20 chef; 7 ristoranti, gelateria, bar, rosticceria, enoteca, scuola di cucina, casalinghi e oggetti made in Italy, libreria, agenzia viaggi e uno schermo con notizie dalla stampa. La ristrutturazione dello spazio è firmata dallo studio TPG Architecture: i pavimenti in cemento, calcestruzzo, piastrelle e mosaico sono originali. Il patron Oscar Farinetti è azionista di maggioranza, seguito dal gruppo Bastianich-Batali che possiede 16 ristoranti a NY e una quota del 24% e dalla famiglia Saper. Eataly ha il merito di avere ‘gastronomicamente’ sponsorizzato la giornata inaugurale dell’Italian Design street walking in New York.


La raffinata grafica di alcuni brand storici esposti da Eataly.

The sophisticated graphics of several historic brands on display at Eataly.

“Today we have made history… and now let’s go eat”. Said Camillo Benso Conte di Cavour, one day in April 1859 after reading the proclamation of war against Austria. But where do we go in New York? To Eataly naturally, the new location in Manhattan that has no rivals. We went there and have no doubt that it is the best. Mozzarella produced in-house, by young people who were sent to Italy to study, in Andria. Chinotto and gazosa have become more popular here among the customers than Coca Cola. Brands with good oldfashioned flavour: Menabrea beer, Lurisia water, Afeltra pasta from Gragno… The finest of wines. Key words: sustainability, responsibility, sharing. Imprimatur by Slow Food. The creativity of Oscar Farinetti, a marketing genius and prophet of good sacred Italian food. No stereotypes, pizzaspaghetti, but fine cuisine, cultured and professional. Mission: to offer a wide-ranging public – a global public – fine quality food at sustainable prices, and simultaneously to convey the production standards, the face and the geohistory of the many producers who constitute the best of Italian gourmet food. A number of other venues in Italy and abroad were a prelude to the great boom in New York. These 5000 square meters of wellbeing and happiness in the name of Italian food opened last August 31st. The success is measurable. In the first six weeks, it brought in 7 and a half million dollars, more than half from the

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Nel megastore dell’italian food, c’è il più vasto assortimento di pasta fresca e secca mai visto a New York. In alto e sotto, lo spazio dedicato a casalinghi e piccoli arredi ‘italiani’, e la fornitissima enoteca.

The Italian food megastore features the largest assortment of fresh and dried pasta ever seen in New York. At top and below, the space dedicated to kitchen equipment and small furniture accessories from Italy, and the well-stocked wine department.

sale of food products, 47% from the restaurant. Every day, 2 to 3 thousand people pass through Eataly, located on the corner of Fifth and Broadway, right in front of the Flat Iron Building. Incredibly popular are the cold cuts and cheeses, followed by fresh pasta and bread, meat, fruit and fish. Farinetti’s food-thinking does not just play a solipsistic all-Italian music, but seeks to harmonize and include products and people. The best Italian and the best American, because things like meat, fruit and vegetables are not easy to import, they must be perfected in loco. Therefore the knowledge and competence of both Italian and American food professionals are brought together. The most audacious blend is in the bakery, where the number one is Romanian, the number two is American, the flour and yeast is Italian, and the oven is Spanish. Eataly in NYC has 500 employees, 600 seats and 20 chefs; 7 restaurants, an ice-cream parlour, bar, gourmet take-out, wine bar, cooking school, a store for kitchen supplies and objects made in Italy, a bookshop, travel agency and a screen with news from the press. The renovation of the space is by the firm TPG Architecture: the cement floors, concrete, ceramic tiles and mosaics are original. The owner Oscar Farinetti is the principal stockholder, followed by the Bastianich-Batali group which owns 16 restaurants in New York and 24% of the stock, and by the Saper family. Eataly has the merit of being the “food” sponsor for the inauguration day of ‘Italian Design Street Walking’ in New York.

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TINCATI

NEW YORK Il sofisticato negozio milanese apre uno store di lusso sulla 5th Avenue. Nato a Milano nel 1965 ad opera di Piero Tincati per rendere sempre più elegante il manager e l’uomo, in poco tempo, con i figli Angela e Antonio, Tincati è diventato sinonimo di abbigliamento prestigioso anche per capi femminili ed articoli per juniores. Nel corso degli anni i punti vendita multimarca si sono moltiplicati: fiore all’occhiello, quello della centralissima Via Gesù. È giunto ora il momento di volare a New York con un brand proprio, valorizzando le potenzialità di un marchio reso solido da quasi mezzo secolo di successo. Il 30 novembre scorso prende vita l’avventura americana che, con il supporto di Centrobanca, si concretizza in una raffinata maison con sede nell’ambita palazzina di 5 piani nel cuore della città. Elegantemente allestito da Giulio Arosio di Status Contract, in completa armonia con l’inconfondibile stile che già a Milano Antonio Tincati ha voluto per i propri showroom, il negozio newyorkese, oltre ai piani dedicati alla vendita, offre bar e sartoria interni. Perché per gli esclusivi tessuti Tallia di Delfino, Loro Piana e Manhattan, realizzati appositamente, è di rigore la presenza di proposte sartoriali. Il Sud America e il Far East sono le prossime mete dei negozi monomarca Tincati che, in un progetto di franchising, porteranno qualità e italian style anche ad Hong Kong e Dubai, dove due corner sono già attivi. www.tincati.mi.it Giulia Bruno The sophisticated Milanese-based brand has opened a luxury store in Fifth Avenue. Founded in Milan in 1965 by Piero Tincati, with a view to making managers and men look increasingly elegant, Tincati relied on Piero’s children, Angela and Antonio, to soon become synonymous with glamorous wear, which included women’s garments and juniors’ items. Over the years the multibrand sales points have been growing in number, the one in centrally located Via Gesù standing out as the flagship store. The time then came for them to fly to New York City with a brand of their own, making the most of the potentialities of the brand which had become established nearly half a century ago, based on the well-deserved success achieved by the wellintegrated Tincati team. The American project became bricks and mortar reality on November 30, 2010; Centrobanca’s support turned into a refined maison headquartered in the sought-after 5-storey building in the heart of the city. Elegantly appointed by Giulio Arosio of Status Contract, in complete harmony with the unmistakable style that had already been chosen by Antonio Tincati for his showrooms in Milan, as well as the sales floors, the New York store can also boast a bar and a dressmaking/tailoring shop. Indeed, dressmaking/tailoring suggestions are a must for the specially made luxury fabrics by Tallia di Delfino, Loro Piana and Manhattan. South America and the Far East are the next destinations of the single-brand Tincati shops, which – under a franchising project – will be taking Italian quality and style to Hong Kong and Dubai, where two corners are already being operated. www.tincati.mi.it

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NOTTI INSONNI A NEW YORK Si chiamano Malas Noches le borsettine da sera disegnate da Olga Bruno, in vendita a New York. L’umile fagiolo e il bozzolo di farfalla hanno ispirato la loro sinuosa linea arrotondata. Con la forma ergonomica dalla geometria simmetrica, vogliono essere un tributo a chi fa le ore piccole nelle serate più mondane. Prodotte in Italia in serie limitata da artigiani esperti, sono tutte al naturale: il pellame proveniente da specie impiegate a fini alimentari è arricchito da pietre semipreziose dal-

l’antico significato, come l’ammonite sacra al dio egizio Ammon, il cristallo di rocca canalizzatore di trasparenza mentale, il quarzo fumè, quello dei sogni. Nel progetto, la base delle borsette è studiata per trasformarle in veri piccoli oggetti d’arredamento come un curioso portapenne o una eccentrica fioriera o semplicemente un esotico soprammobile. www.malasnoches.it Giulia Bruno

THE LAST NEWSPAPER

Al New Museum una mostra curata da Richard Flood e Benjamin Godsill. Una riflessione sul ruolo dei giornali oggi a partire dalle influenze cubiste e futuriste, passando all’uso che ne fecero gli artisti negli anni ’50/’60, sino al presente, che li vede in corsa a competere con internet. Se gli artisti sono stati i primi a mettere in discussione la struttura della notizia, ora è il pubblico che deve controllare (e divenire) la stampa. Le installazioni al New Museum indicano nuovi modi per descrivere il mondo contemporaneo e renderlo più leggibile. L.C. The New Museum hosted an exhibition co-curated by Richard Flood and Benjamin Godsill. Reflections about newspapers’ current role, from cubist and futurist influences, through the way they were used by artists in the 1950s-1960s, to the present, which involves competing with the Internet. While artists questioned the structure of news first, it is now the general public that should control (and become) the press. The installations on show at the New Museum suggest new ways of describing the contemporary world and making it easier to understand.

RESTLESS NIGHTS IN NEW YORK CITY

The evening bags designed by Olga Bruno and available in New York City are called Malas Noches. Their sinuous, rounded design was inspired by the humble bean and the butterfly cocoon. Based on an ergonomic shape and a symmetric structure, they are meant as a tribute to those used to attending society events that continue into the wee small hours. Produced in Italy in limited editions by trained craftspeople, they are totally

natural: the hides from species used for food purposes are enhanced by semiprecious stones with old meanings, including ammonites (sacred to the Egyptian god Ammon), rock crystal (a catalyst for mental transparency), and smoked quartz (enriching dreams). Under the project, the bases have been designed to transform the bags into real interior decoration objects, like a peculiar pen holder, an odd flower bowl, or just an exotic ornament. www.malasnoches.it


SPAZIO VIVO AT MOMA L’innovativo mobile disegnato da Virgilio Forchiassin per Snaidero mostrò alle donne sin dal 1968 come avrebbero potuto muoversi in cucina, attivamente e liberamente, all’interno di uno spazio reale. Ora, esposto al Museum of Modern Art, all’interno della bella exhibition ‘Counter Space: Design and the Modern Kitchen’ gioca un ruolo di primo piano, tra fotografie, stampe lavori multimedialie installazioni artistiche, nella storia della trasformazione della cucina nel XX secolo. L.C. The innovative kitchen designed by Virgilio Forchiassin for Snaidero showed women, as early as 1968, how they could move in the kitchen, namely in a real space, actively and freely. Currently on display at the

Museum of Modern Art, within the beautiful exhibition “Counter Space: Design and the Modern Kitchen”, it played a key role – among photographs, prints, multimedia works and art installations – in the 20th century history of kitchen transformation.

VISTA SULLA BOWERY

Il nuovo The Cooper Square Hotel ha gli interni firmati Antonio Citterio, l’architettura di Carlos Zapata e uno splendido punto di vista, dalla penthouse al 21mo piano, sul tessuto urbano di una zona, come la Bowery, in piena trasformazione. Citterio ha dato agli interni il design elegante e il comfort che ne caratterizzano la cifra progettuale, mentre Zapata, con la facciata in vetro curva e asimmetrica, ha creato un segnale visivo alto e riconoscibile. L.C.

The Cooper Square Hotel is the name for a new project, with interiors by Antonio Citterio, architecture by Carlos Zapata, and a magnificent view of the urban fabric of the Bowery (a neighbourhood which is undergoing dramatic changes) from the penthouse on the 21st floor. Antonio Citterio’s interiors are synonymous with elegant design and comfort, as typically shared by his designs; whereas Carlos Zapata has relied on a curved, asymmetric façade to give the building a high, recognizable visual sign.

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UN GRATTACIELO TUTTO ITALIANO

Luciana Cuomo foto Oskar Landi

AN ALL-ITALIAN SKYSCRAPER

A pochi passi dall’Empire. La costruzione del Setai Fifth Avenue si deve a Bizzi&Partners Development, società immobiliare che opera su scala mondiale, con il progetto degli architetti Gwathmey& Siegel , gli stessi che - per intenderci - si sono occupati del restyling del Guggenheim Museum e della New York Public Library a NYC. Il building, alto 200 metri e 60 piani, ospita un hotel a 5 stelle con 157 stanze e quasi 240 appartamenti residenziali di alto profilo, il cui costo varia tra i 21mila e i 34mila dollari al metro quadro.Tra gli acquirenti spiccano alcuni calciatori di punta, come il brasiliano Kakà, il portoghese Figo, il francese Patrick Vieira. Il ristorante ai Fiori esibisce il top chef newyorkese Michael White. Il costo dell’operazione, tutta finanziata con soldi italiani da una cordata di banche tirata da Unicredit, è valutato sui 670 milioni di dollari. L’ambasciatore italiano negli Usa, Giulio Terzi di Sant’Agata, alla recente inaugurazione del Setai Fifth Avenue, ha elogiato l’operazione firmata dal sistema Italia nella sua eccellenza finanziaria, bancaria e imprenditoriale. Un insieme che dà il meglio di sè nel cuore di Manhattan, a partire dai capitali e costruttori, sino all’industria del design e dell’arredamento, coinvolta nelle abitazioni, nelle suites, nella lobby e nel ristorante dell’hotel con top brand italiani come Poliform, Varenna e Cassina. Bizzi&Partners Development, casa madre a Milano e sedi nelle capitali del mondo, a partire da NYC, ha un peso dominante nella cordata che ha vinto la gara per il progetto di sviluppo immobiliare nell’ex area Falck a Sesto San Giovanni, firmato di Renzo Piano.

Il Setai Fifth Avenue, grattacielo a 60 piani, costruito da Bizzi&Partners Development, è un progetto recente, firmato da Gwathmey&Siegel Architects.

The Setai Fifth Avenue, a 60-story skyscraper, built by Bizzi&Partners Development, is a recent project by Gwathmey&Siegel Architects.

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In the heart of Manhattan, a few steps from the Empire State Building. The construction of Setai Fifth Avenue is the merit of Bizzi&Partners Development, a world-scale real-estate development company, with a project by architects Gwathmey Siegel, the firm responsible for the restyling of the Guggenheim Museum and the New York Public Library in NYC. The building, 200 meters and 60 stories high, has a 5-star hotel with 157 rooms and almost 240 upscale apartment units, with a cost ranging from 21 thousand to 34 thousand dollars per square meter. Apartments have been purchased by several important football players, such as Brazilian Kakà, Portughese player Figo, French footballer Patrick Vieira. The restaurant “Ai Fiori” flaunts top New York chef Michael White. The cost of the operation, financed with Italian money by a group of

banks led by Unicredit, is estimated at 670 million dollars. The Italian ambassador to the US, Giulio Terzi di Sant’Agata, at the recent inauguration of Setai Fifth Avenue, praised the operation conducted by system-Italy at its financial, banking, and entrepreneurial best, an excellence at its finest in the heart of Manhattan, in terms of capital and builders, and even of the design and furniture industry, which contributed to the homes, the suites, the lobbies and the hotel restaurant with top Italian brands such as Poliform, Varenna and Cassina. Bizzi&Partners Development, with its headquarters in Milan and offices in the major world capitals, starting with NYC, plays a prominent role in the group that won the competition for the real-estate development project in the former Falck industries area in Sesto San Giovanni, designed by Renzo Piano.

Lobby del Setai Fifth Avenue, con ingresso all’Hotel. In alto, Roberto Magnoni, Bizzi&Partners. Una suite residenziale, firmata, come l’intero hotel e gli appartamenti, da top brand italiani, tra cui Poliform - nelle foto -, e Cassina.

The lobby of Setai Fifth Avenue, with the entrance to the Hotel. At top, Roberto Magnoni, Bizzi & Partners. A residential suite, furnished, like the entire hotel and the apartments, by top Italian brands including Poliform – in the photos -, and Cassina.

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OVERLOOKING

CENTRAL PARK

Nel cuore di New York, a due passi da Columbus Circle, la storica Trump International Tower ospita un appartamento con vista su Central Park, con arredi rigorosamente italiani. Il progetto d’interni, firmato dalla designer Christine Snider, prevede uno stile contemporaneo dove il rigore del design è ‘spezzato’ da elementi di grande valenza decorativa, come le luci della collezione Veneziano New Classic di La Murrina. In the heart of New York, a short walk from Columbus Circle, the historic Trump International Tower features an apartment with a view over Central Park, decorated exclusively with Italian furniture. The interiors project, by designer Christine Snider, is developed in a contemporary style in which the austerity of the design is ‘broken’ by elements that are highly decorative, like the lights from the Veneziano New Classic collection by La Murrina. In queste pagine, gli interni dell’appartamento nella Trump International Tower (qui sopra), in Central Park West. Per l’illuminazione è stata scelta la collezione Veneziano New Classic di la Murrina, che prevede pezzi realizzati in vetro soffiato a mano, in varie dimensioni e configurazioni, principalmente su misura. Foto di Oskar Landi.

On these pages, the interiors of the apartment in the Trump International Tower (above), in Central Park West. For the lighting the designer chose the Veneziano New Classic Collection by La Murrina, with pieces handmade out of blown glass, in various shapes and configurations, mostly customized. Photos by Oskar Landi.

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MAD MANIA di Elisabetta Colombo

Sullo sfondo dell’America degli anni ’60, la serie più celebrata della televisione racconta le storie dei ‘mad men’, ambiziosi pubblicitari di Madison Avenue, e delle loro mogli, amanti, dattilografe, segretarie. Tra drink (numerosi), sigarette (innumerevoli), battute fulminanti e menzogne. Tutto racchiuso in una scatola scenica esemplare, fatta di dettagli stilosi, accurati e significativi. Che stanno facendo tendenza. “Now I am quietly waiting for the catastrophe of my personality to seem beautiful again, and interesting, and modern”. Le parole chiave di Mad Men si trovano in un libro - Meditations in an Emergency -, guarda caso uno dei pochi citati nella serie. Bello, interessante, moderno. Tre aggettivi validi sia per il prodotto televisivo di Matthew Weiner (acclamato e pluripremiato), sia per il protagonista di questo capolavoro: il misterioso e affascinate Don Draper, marito, padre, amante, instancabile direttore artistico della Sterling Cooper, l’agenzia pubblicitaria di Madison Avenue (New York) per la quale lavora, e che offre lo spunto narrativo al ‘drama’. Uno di quei personaggi che dormono poco, mangiano meno, fumano e bevono pesantemente e altrettanto compulsivamente fanno sesso, in ufficio o altrove. E come lui, gli altri protagonisti. Tutti cinici e perfetti, crudeli, ma raffinati, conservatori e oppressivi. Quasi invidiabili per libertà, come dice Natalia Aspesi. “Nessuno si pone limiti che non siano di ipocrisia moralistica, nessuno pensa al colesterolo, all’ambiente”. Le donne cotonate, imbustate e sottomesse. Gli uomini vincenti, sempre col cappello, spietatamente competitivi. Tutti sull’orlo del baratro, “tra carriere, rivalità, campagne riuscite e perdute, ambizioni, frustrazioni, nevrosi, corna, divorzi, riconciliazioni, infarti, passato inconfessabile, segreti, perdizioni, tradimenti, menzogne”. Questo per quanto riguarda il lato umano. Quello scenografico è un formidabile ritratto dell’America degli anni ’60 - i primi anni ’60 -, tempo di eleganza e ordine, tra boom economico, emancipazione sociale e personale, discriminazione razziale, omosessualità clandestina, femminilità esplosiva, seppur casta. Quando morivano John Fitzgerald Kennedy e Marilyn Monroe e c’era l’invasione della Baia dei Porci. Proprio sulla base di queste ambientazioni, Mad Men è diventato un cult, un fenomeno di costume capace di influenzare la moda, a colpi di gonne a ruota e cravatte sottili. Lanciando veri e propri revival di gusto, negli ambienti, negli oggetti, nel trucco, negli abiti, nei luoghi e nei gesti, ma anche nei sentimenti, nei comportamenti e nei rapporti tra le persone. Sono i particolari la forza di questo tv show, e la perfetta ricostruzione degli interni, in cui nulla è fuori posto. Pensare che la qualità nasce da un limite economico, ovvero un budget basso, che impediva alla produzione di girare molto in esterna. Così per necessità, prima, e per scelte artistiche, dopo, si è deciso di puntare sulle atmosfere e sulle piccole cose. Dai tendaggi con le frange alle poltrone di velluto, dalle cucine country ai frigoriferi bombati, fino ai televisori senza telecomando, con immagini mosse, sempre disturbate. L’ufficio di Don Draper, su tutti, è una pregevole miniatura di stile, fatta di arredi modernisti, non necessariamente costosi, perché è importante che Mad Men appaia reale, non iconico. Quindi, sedute con schienali in bambù, lampade Bauhaus, scrivania con piedi in acciaio e piano sporgente, pannellature in legno di noce per movimentare le pareti, posacenere su piedistalli, dispenser girevole di sigarette. Ai mobili americani, ispirati al design danese, si abbinano pezzi autentici, come le sedie di Peter Hvidt e Orla Molgaard e la Eames Executive Chair. E ancora, divani ‘boxy’, poltrone squadrate e tavolini da caffè di Futurama (negozio di Los Angeles che ricopia arredi vintage). Tolti i desk in acciaio cromato dell’agenzia (e la testiera del letto dei Draper), costruiti ad hoc, tutti gli altri oggetti e suppellettili, compresi i tessuti e le penne, sono originali del periodo oppure riproduzioni. Saccheggiati nei vari haunts for props, tane per arredi scenici. Anche i colori sono studiati nel dettaglio, per valorizzare gli ambienti e completare gli attori. Quindi, il blu accentua la complessità di Don; le pareti scozzesi, nei toni del marrone, e le carte da parati azzurre o verdi fanno risaltare i capelli biondi della moglie; e la rossa Joan Holloway non si posiziona mai contro sfondi rosa o arancione. Gli esiti sono irresistibili. La comunità del

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Sopra, i protagonisti di Mad Men, serie americana trasmessa su AMC. A destra, ufficio in stile, d’ispirazione modernista, e Jon Hamm in arte Don Draper, il protagonista. A sinistra, ‘Il mondo illustrato di Mad Men’, a cura di Dyna Moe. In vendita su Amazon.

Above, the stars of Mad Men, the American television series broadcast by AMC. At right, an office in a Modernist style, with Jon Hamm as Don Draper, the star. At left, ‘The Illustrated World of Mad Men’, by Dyna Moe. Sold by Amazon.


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design è in fermento per rintracciare arredi d’epoca negli indirizzi di culto della serie (Modernica, Room Service, Xcape, Deja Vu, Funnel, Vintage Collective etc.) oppure per disegnare nuove collezioni d’ispirazione (il caso più eclatante è quello di Bark Furniture, sede in Cornovaglia). Anche perché il set, così come i personaggi, si evolve e si modifica nel corso degli episodi, offrendo via via nuovi suggerimenti e idee. Sull’altro versante, quello della moda, gli stilisti

si danno al retro, Prada e Louis Vuitton in testa. Sulle passerelle e per le strade tornano i guanti bianchi, le pochette, i gemelli, il fermacravatta, il portasigarette piatto. Ricompaiono i completi centrati in vita, di buon taglio, ma non aderenti, i fazzoletti nel taschino, la brillantina nei capelli. Si rispolverano le gonne ampie, i bustini contenitivi, le labbra rosse, le curve morbide. Nei negozi, spopolano corsetti, collant con reggicalze, tacchi 10, cosmetici vintage. Compaiono

poster, Barbie e bambole di carta con le forme di Don Draper, Joan Holloway e Peggy Olson. Spuntano libri di ricette, fumetti, giochi, bozzetti, applicazioni per iPhone e iPad, perfino una finta autobiografia di Roger Sterling. A proposito, le poesie di Frank O’Hara, citate in apertura, sono balzate nella Top 50 dei libri più venduti su Amazon, dopo la messa in onda della puntata in cui Don Draper le sfoglia e le legge. Non si vive di sola tv!

Against the background of 1960’s America, this celebrated television series tells the story of the “mad men”, the ambitious Madison Avenue advertising executives and their wives, lovers, stenographers, secretaries; the drinks (lots of them), the cigarettes (countless), searing comments and lies. All in an exemplary set design, distinguished by stylish, accurate and significant details. That are setting the trend. “Now I am quietly waiting for the catastrophe of my personality to seem beautiful again, and interesting and modern”. The key words for Mad Men may be found in a book – Meditations in an Emergency – coincidentally one of the few mentioned in the series. Beautiful, interesting, modern. Three appropriate adjectives for the television show produced by Matthew Weiner (highly acclaimed and a multiple prize-winner), and for the star of this masterpiece: the mysterious and fascinating Don Draper, husband, father, lover, tireless artistic director of Sterling Cooper, the Madison Avenue advertising agency in New York that he works for, who is the basis for the storyline in this drama. One of those characters that sleeps very little, eats even less, smokes and drinks heavily and just as compulsively seeks out sex, in the office and elsewhere. And like him, all the other characters. They are all cynical and perfect, cruel but sophisticated, conservative and oppressive. With an enviable freedom, as Natalia Aspesi comments. “None of them draw any limits except hypocritically moralistic ones, nobody even considers their cholesterol or the environment”. The women are all submissive with their teased hair and tight girdles. The men are winners, they wear hats and are ruthlessly competitive. All of them stand on the edge of an abyss, victims of their “careers, rivalries, successful campaigns and lost accounts, ambitions, frustrations, neuroses, betrayals, divorces, reconciliations, heart attacks, guilty pasts, secrets, perditions, duplicity, lies”. This is the human side. The scenographic side is a formidable portrayal of America in the Sixties, the early Sixties, an age of elegance and order, the era of the economic boom, of social and personal emancipation, racial discrimination, clandestine homosexuality, explosive yet chaste femininity. When John Fitzgerald Kennedy and Marilyn Monroe died, and the Bay of Pigs was invaded. This is the setting that has made Mad Men a cult, a cultural phenomenon that is influencing fashion with circle skirts and thin ties. Launching revivals in taste, spaces, objects, makeup, clothing, places and gestures, in behaviour and in relationships

between people. The power of this TV show lies in the details, and the perfect reconstructions of the interiors, where nothing is out of place. To think that the quality was the product of budget limits that prevented the producers from filming much out on location. So out of necessity first, and as an artistic choice later, it was decided to focus on atmospheres and the small things. From curtains with fringes to velvet armchairs, country kitchens and rounded refrigerators, televisions without remote control, with wavy, disturbed images. Don Draper’s office, more than any, is a remarkable miniature of style, with its modernist, though not necessarily expensive, furniture; because what is important is that Mad Men must look real, not iconic. Hence the chairs with bamboo backs, Bauhaus lamps, desks with steel feet and jutting tops, walnut panels to spruce up the walls, ashtrays on pedestals, revolving cigarette dispenser. The American furniture, inspired by Danish design, is combined with authentic pieces such as the chairs by Peter Hvidt and Orla Molgaard and the Eames Executive Chair. As well as “boxy” sofas, squarish armchairs, and a coffee table from Futurama (a Los Angeles store that copies vintage furniture). Apart from the chromeplated steel desks in the agency (and the headboard on the Drapers’ bed), built ad hoc, all the other objects and knick-knacks, including the fabrics and pens, are period originals or reproductions. Scavenged in the many haunts for props. Even the colours are studied down to the last detail, to enhance the spaces and characterize the actors. The blue accentuates

Don’s complexity; the plaid walls, in shades of brown, and the blue or green wallpaper highlight his wife’s blond hair; Joan Holloway’s red hair is never shown against pink or orange backgrounds. The results are irresistible. The design community is in a frenzy to find period furniture at the serie’s cult addresses (Modernica, Room Service, Xcape, Deja Vu, Funnel, Vintage Collective etc.) or to design new collections inspired by it (the most obvious case is Bark Furniture, based in Cornwall). Because the set, like the characters, evolves and changes from episode to episode, offering new suggestions and ideas. As for the fashion side of it, designers are dedicating themselves to retro, Prada and Louis Vuitton leading the pack. On the runways and on the streets, there is a return to white gloves, pochette bags, cufflinks, tie clips, flat cigarette cases. Suits centred on the waist are back, wellcut but not tight, as are pocket squares and hair gel. The same is true for wide skirts, shapely bodices, red lips, soft curves. Stores are selling out corsets, tights with garters, 10 cm heels, vintage cosmetics. Out come the posters, Barbies and paper dolls in the shapes of Don Draper, Joan Holloway and Peggy Olson. There are recipe books, comic books, games, sketches, applications for iPhone and iPad, even a fake autobiography by Roger Sterling. By the way, the poetry of Frank O’Hara, quoted at the beginning, has become one of the Top 50 bestsellers on Amazon, following the episode in which Don Draper leafed through it and read the poems. You can’t live on television alone.

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Da quattro a dieci, sono i set per episodio nei quali si gira la serie. Sei fissi, i restanti variabili. Tutti accuratamente ‘vestiti’. Sotto, lounge chair reclinabile, produzione 2010 di Bark Furniture. A destra, cabinet danese del 1965, disegnato da Peter Hvidt e O. Molgaard-Nielsen. Nella pagina accanto, la campagna Louis Vuitton autunno/inverno 2010 dedicata agli anni ’60.

From four to ten, these are the sets per episode in which the series is shot. Six of them are permanent, the rest change. All of them are accurately ‘dressed’. Below, a reclining lounge chair, produced in 2010 by Bark Furniture. At right, a Danish cabinet dated 1965, designed by Peter Hvidt and O. Molgaard-Nielsen. Page across, the Louis Vuitton Fall/Winter 2010 campaign dedicated to the Sixties.

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NEW BELGIAN DESIGN WORLD di Manuela Di Mari

Ufficialmente insignito di ‘internazionalità’ dalla Biennale Interieur 2010 di Courtrai, il design belga continua a difendere il suo spazio nel panorama mondiale, rinsaldando quell’identità sperimentale e di ricerca manifesta cresciuta proprio in questo distretto delle Fiandre nell’arco di tutte le 22 edizioni della manifestazione. Fucina di idee sin dai suoi esordi – da qui sono passati Verner Panton, Jean Prouvé, Dieter Rams, Gio Ponti, e poi Konstantin Grcic, Alfredo Häberli, Michael Young, Jasper Morrison -, Interieur è diventata il rilevatore che monitora una creatività, quella belga, mai insistente e troppo presente, ma in silente fermento, sempre in procinto di manifestarsi, il cui interesse è comprovato dalle numerose partecipazioni. Teste note incluse.

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Dal compianto Maarten Van Severen allo Xavier Lust di oggi, che sforna prodotti per DePadova, Driade, MDF Italia, FEG, la matrice belga ha come ingredienti di base tecnologia, sostenibilità, qualità della vita, bisogni fondamentali. Le percentuali del composto si perdono nell’amalgama, ma non è difficile immaginare le domande che generano la ricetta. Le stesse che si pone Design Flanders - o Design Vlaanderen, in fiammingo -, associazione ministeriale, presente in biennale, che promuove il design belga. Cos’è il design di servizio? E il design sociale? C’è una relazione tra le tecniche di produzione e le modalità d’uso di un prodotto? Risponde parzialmente un lavoro (un film in digitale) all’interno della collettiva dal titolo ‘It all starts with a good design’. Tutto ha inizio con un

buon design: non la ricerca della forma giusta, ma il rispettoso equilibrio tra uso onesto dei materiali, funzionalità e logica delle forme. Naturalmente, solidi valori come questi devono riuscire ad inserirsi nel contesto contemporaneo, fatto di connessioni veloci, dimensioni virtuali, comunicazione in internet e social network, e con una generazione che parla linguaggi eterei. ‘The new world’, come la nuova generazione possa riuscire a coniugare le facce di due ambiti che sembrano apparentemente divergere, è stato, a ragione, il tema della biennale 2010, che ha toccato e attraversato le varie sezioni della manifestazione: dal concorso di design per i giovani talenti ai forum, dalla mostra ‘I vicini’ – uno sguardo ai paesi circostanti - a ‘Design at Work’ – piattaforma


per l’innovazione e lo sviluppo -, dall’ospite d’onore Junya Ishigami al designer dell’anno Bram Boo. “Guardare oltre i confini e potere così abbracciare l’innovazione e il futuro” – è l’intenzione dichiarata di Dieter Van Den Storm, coordinatore del progetto della Biennale, a cominciare dall’aspetto più formale, le nuove divise di steward e hostess di Interieur disegnate dalle stiliste Cléo Baele e Sarah Bos di Black Balloon, a quello sostanziale dei progetti industriali.

La nuova divisa di steward e hostess per l’edizione 2010 di Interieur, Biennale di design belga, disegnata dalle stiliste Cléo Baele e Sarah Bos di Black Ballon.

The new uniform for stewards and hostesses at the 2010 edition of Intérieur, the Belgian design Biennial, by fashion designer Cléo Baele and Sarah Bos from Black Balloon.


MADE IN FIANDRE CREATIVI ALLA RISCOSSA! di Michele Weiss Le tre regioni del Belgio uniscono le forze ai Saloni milanesi: i due eventi maggiori saranno allestiti nel loggiato della Pinacoteca di Brera. Della serie i miracoli della creatività: dove non arriva la politica ci pensa il design. In occasione della settimana milanese del mobile, i creativi delle tre regioni del Belgio uniscono le forze concentrando, in un’unica sede espositiva, il loggiato della Pinacoteca di Brera, due rassegne inserite nel programma del FuoriSalone. I due eventi, organizzati rispettivamente da WBDM e da Design Flanders, puntano a portare il meglio del design delle Fiandre a Milano. La prima, “5 anni di attività – Designed in Brussels”, è una retrospettiva composta dai ritratti fotografici di 25 designer presenti dal 2007 al Salone svelando gli oggetti-icone di ciascuno di loro (tra questi, Sylvain Willenz, Big-Game, Nathalie Dewez, Maarten de Ceulaer e Jean-François d’Or). Lightness – Luce e leggerezza nel design belga, è invece una selezione di sistemi d’illuminazione presenti a Euroluce ma anche di opere ispirate alla leggerezza nel senso fisico e filosofico del termine, attraverso le novità proposte da vari designer e aziende, tra i quali: ALFRED by M. Mees & C. Biasino - aM by S. Goemaere & M. Cardinael - Michaël Bihain - Damien Bihr/BIHRD. Bram Boo - Alain Gilles - Janen Randoald for LABT - Norayr Khachatryan - Xavier Lust - .MGX by Materialise Alain Monnens/IDAM - Oxygène/designed by C. Dobbs, S. Schöning, D. Venlet - NG design - Gauthier Poulain - Luc Ramael - Samsonite Europe - Annick Schotte -

Un tributo all’artigianalità europea, con il tappeto Beiras Bloom e i pouf Bonnet Bi, entrambi disegnati da Onno Raadersma per Casalis. Pagina accanto, in alto, da sinistra: per interni, esterni, ufficio, diventa un corpo unico se accostate le sedute, ‘b-lined’, in acciaio inossidabile, design Anita Nevens per Colect; di Bulo, la riedizione del tavolo Cintrée disegnato da Jules Wabbes.

A tribute to European craftsmanship, with the Beiras Bloom carpet and the Bonnet Bi footrests, both designed by Onno Raadersma for Casalis. Page across, at top, from left: for the indoors, the outdoors, the office, ‘b-lined’, made out of stainless steel, becomes a solid body when linked together, design Anita Nevens for Colect; by Bulo, a re-edition of the Cintrée table designed by Jules Wabbes.

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stAen by Stijn Van der Auwera – Studio Simple & Valerie Traan Gallery Tamawa/designed by Big-Game e Sylvain Willenz - Mathias van de Walle. Nota a margine finale, il Salone Satellite accoglierà una rassegna promossa da WBDM consacrata a nove designer emergenti selezionati dalla giuria del Cosmit.

MADE IN FLANDERS: DESIGNERS, CHARGE! The three Belgian regions have joined forces for the exhibitions in Milan, I Saloni: the two main events are staged in the portico of the Pinacoteca di Brera. The wonders of creativity: design will achieve what politics cannot. In conjunction with the furniture week in Milan, the designers of the three Belgian regions have joined forces, concentrating two exhibitions which are part of the Fuorisalone programme in one display venue, namely the portico of the Pinacoteca di Brera (Brera Art Gallery). The two events, organized by WBDM and Design Flanders respectively, are aimed at bringing the best of Flanders design to Milan. The former, “5 anni di attività – Designed in Brussels”, is a retrospective of the photographic portraits of 25 designers who have been taking part in the International Furniture Show in Milan since 2007, revealing the iconic objects of each of them (including Sylvain Willenz, Big-Game, Nathalie Dewez, Maarten de Ceulaer and Jean-François d’Or). Whereas the latter, “Lightness – Luce e leggerezza nel design belga”, presents a selection of lighting systems on display at the International Lighting Exhibition, Euroluce, as well as works inspired by lightness in the physical and philosophical sense of the term, through the new items developed by several designers and manufacturers, including the following: ALFRED by M. Mees & C. Biasino - aM by S. Goemaere & M. Cardinael - Michaël Bihain Damien Bihr/BIHRD. - Bram Boo - Alain Gilles - Janen Randoald for LABT Norayr Khachatryan - Xavier Lust - .MGX by Materialise - Alain Monnens/IDAM - Oxygène/designed by C. Dobbs, S. Schöning, D. Venlet - NG design - Gauthier Poulain - Luc Ramael - Samsonite Europe - Annick Schotte - stAen by Stijn Van der Auwera – Studio Simple & Valerie Traan Gallery Tamawa/designed by Big-Game and Sylvain Willenz - Mathias van de Walle. Finally, it should be pointed out that SaloneSatellite features an exhibition – promoted by WBDM – on nine up-and-coming designers selected by the Cosmit jury.


In basso, ricorda una navicella spaziale, la lampada a sospensione LGTM-X01, design Carl Hagerling, che emana luce calda grazie alla finitura interna oro; produzione Dark.

Below, reminiscent of a space ship the LGTM-X01 suspension lamp, designed by Carl Hagerling, diffuses a warm light thanks to its gilded interior finish; produced by Dark.

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A sinistra, dall’alto: prodotta da Delta Light, è realizzata in alluminio, Husk, la lampada a sospensione di forma conica; può essere montata ad incasso, a parete o a soffitto On Line, la lampada dotata di un innovativo magnete ed un sistema tecnologico all’avanguardia che consentono di fissare una vasta varietà di corpi illuminanti ad un binario, progetto di Bart Lens. Sopra, dalla collettiva di Design Flanders, Diane Steverlynck ha disegnato Tight Stool, uno sgabello in legno tenuto insieme con una corda in poliestere che stringe i pezzi, produzione Trico International.

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At left, from top: produced by Delta Light, Husk is a cone-shaped suspension lamp made out of aluminium; the On Line lamp, which can be recessed, or wall and ceiling mounted, features an innovative magnet and an avant-garde technological system that make it possible to fasten a variety of lighting fixtures to a track; project by Bart Lens. Above, from the Design Flanders collective, Diane Steverlynck designed the Tight Stool, a wooden stool held together by a polyester rope wrapped around the pieces, manufactured by Trico International.


In alto, da sinistra: panca e tavolo per esterno in un unico blocco per Hopper, design Dirk Wynants, produzione Extremista; un tentativo verso il ‘non mobile’, la sedia Mosquito è disegnata da Michael Bihain per Wildspirit. Al centro, emettono acqua calda a 60° e 100°, grazie ad una cartuccia brevettata, i rubinetti Twin Taps di Quooker. Accanto, ha vinto il Red Dot Design Award 2009 lo sgabello a dondolo Monarchy, in faggio o quercia, design Yiannis Ghikas per Feld.

At top, from left: a bench and table for the outdoors in a single block by Hopper, design Dirk Wynants, manufactured by Extremista; an attempt at non-furniture, the Mosquito chair is designed by Michael Bihain for Wildspirit. At center, dispensing hot water at 60° and 100° thanks to a patented cartridge, the Twin Taps faucets by Quooker. Across, the Monarchy rocking stool, winner of the Red Dot Design Award in 2009, is available in beech wood or oak, design Yiannis Ghikas for Feld.

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È completamente modulabile, la libreria XYZ, in acero o quercia, design Lhoas&Lhoas per Kazaar. Per 2, 3 o 4 persone, il tavolino/tavolo per esterni Trento Tip-Up è prodotto da Manutti.

Completely modular, the XYZ bookcase is made out of maple or oak, design Lhoas&Lhoas for Kazaar. For 2,3 or 4 people, the Trento Tip-Up table/side table for the outdoors is manufactured by Manutti.

Officially branded as “international” by the Biennial Interieur 2010 in Courtrai, Belgian design continues to defend its place on the world scene, reinforcing its identity as patently experimental and research-oriented, bred here in this district of the Flanders throughout the 22 editions of the event. A wellspring of ideas since its very debut – participants have included Verner Panton, Jean Prouvé, Dieter Rams, Jo Ponti, as well as Konstantin Grcic, Alfredo Haberli, Michael Young, Jasper Morrison have all participated – Interieur has become a monitor for Belgian creativity, never too overstated and obvious, but silently brewing, always on the verge of emerging, with a level of interest that is proven by the many people attending. Including famous personalities. From the late Maarten Van Severen to today’s Xavier Lust, who turns out products for DePadova, Driade, MDF Italia, FEG, the basic ingredients of Belgian design are technology, sustainability,

FABBRICHE DAL VOLTO

UMANO di Michele Weiss

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the quality of life, man’s fundamental needs. The proportions of the blend are lost in the mixture, but it is not hard to imagine the questions that generate the recipe. The same questions that are raised by Design Flanders – or Design Vlaanderen, in Flemish – a ministerial association participating in the Biennial to promote Belgian design. What is service design? And social design? Is there a relationship between production techniques and the way that a product is used? A partial answer is provided by a work (a film in digital form) participating in the collective and entitled ‘It all starts with a good design’: not just the search for the right form, but the respectful balance between the honest use of materials, functionality and the logic of forms. Naturally, solid values such as these must successfully fit into the contemporary context, which is composed of fast connections, virtual dimensions, communication through Internet and social networks, and with a generation

that speaks ethereal languages. ‘The New World’, how the new generation can bring together the faces of two apparently diverging contexts, was the theme of the 2010 Biennial, which touched and permeated every section of the event: from the design competition for young talents at the forum, from the exhibition ‘The neighbors’ – a look at neighbouring countries –, to ‘Design at Work’ – a platform for innovation and development, from the guest of honour Junya Ishigami to the designer of the year Bram Boo. “To look beyond the frontiers and thus embrace innovation and the future” is the intention stated by Dieter Van Den Storm, coordinator of the Biennial project, starting with the more formal aspects, the new uniforms for the stewards and the hostesses of Interieur designed by fashion designers Cléo Baele and Sarah Bos from Black Balloon, and moving on to the more substantial issues of industrial projects.


IPB – Challenge premia un nuovo edificio sostenibile realizzato dagli architetti di Goedefroo+ Goedefroo in una delle aree più trafficate del Belgio. La sfida era di quelle appassionanti e anche particolarmente difficili: creare un nuovo edificio di carattere industriale ed ecologico, pensato esplicitamente per i bisogni delle persone che ci lavorano, e tra l’altro in una delle aree più critiche d’Europa, a fianco dell’autostrada E17 che taglia a metà la regione più industrializzata del Belgio – luogo, va da sé, poco dotato di appeal naturale -. La notizia è che gli architetti fiamminghi di Goedefroo+Goedefroo sono riusciti nell’impresa, progettando la fabbrica con annessi uffici dell’azienda belga Callens EMK – specializzata nella produzione di calore e soluzione energetiche per la grande industria – a Waregem: il loro lavoro, infatti, è stato insignito dal prestigioso IBP-Challenge, riconoscimento a cura degli architetti belgi per premiare i migliori progetti green in ambito pubblico e industriale. Questo risultato vincitore, votato all’eco-sostenibilità, ha delle linee estetiche insolite e interessanti: le aperture laterali nella facciata, realizzata con grandi pannelli d’acciaio, sono come delle branchie che si spalancano per regalare ancora più ossigeno e luce agli interni, costruiti invece in cemento e caratterizzati da ampi openspace per favorire al massimo ventilazione e illuminazione naturale. Al contempo, l’originale design delle aperture assume anche una valenza simbolica non secondaria, avendo il compito di contribuire alla protezione dell’ambiente interno dall’infelice ubicazione, puntando così a dare una maggiore intimità e personalizzazione al luogo di lavoro.

FACTORIES WITH HUMAN FACES This year the IPB – Challenge competition was won by a new sustainable building designed by goedefroo + goedefroo architecten in one of the busiest areas in Belgium. An exciting, extremely tough challenge had to be taken up: creating a new industrial, environmentally friendly building, especially designed to satisfy the requirements of the people who work there, in one of Europe’s most critical areas, along the E17 motorway, which cuts Belgium’s most industrialized region in half – that is, a place with little natural appeal –. The Flemish-based studio, goedefroo+goedefroo architecten, succeeded in the enterprise, designing the factory and offices of Belgian-based Callens EMK – which specializes in heat production and energy solutions for big industry – in Waregem: their work won the prestigious IBP-Challenge competition between architects involved with green design for public and industrial buildings. The winning project, which stands out as environmentally sustainable, can boast a peculiar, intriguing design: the side openings in the façade, made up of large steel panels, look like gills which open wide to supply the interiors with even more oxygen and light. The interiors, made of concrete, are fitted with large open spaces for optimized ventilation and natural lighting. In addition, the peculiarly designed openings also play a major symbolic role, since they are supposed to help protect the interior environment from the inconvenient location, with a view to providing cosy, customized workplaces.

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A destra, Javier Mariscal regge sornione le lettere giganti che introducevano la sua personale a La Pedrera, Barcellona. Sopra, dalla mostra, giochi grafici e di colori su stoffa.

At right, a surly Javier Mariscal holds the giant letters that introduced his personal exhibition at La Pedrera, Barcelona. Above, from the exhibition, graphic patterns and colours on fabric.

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GENIAL

MARISCAL!

di Manuela Di Mari

Mille volti e uno solo. Vive di vita propria la personalità istrionica di Javier Mariscal, che si divincola dai suoi lavori come il genio dalla lampada, strega con un sorriso ammaliatore, prende per mano e conduce nei rivoli infiniti di mondi fantastici, onirici e fluttuanti, sempre ludici e spensierati, impalpabili come le nuvole. È prima di tutto immateriale la dimensione creativa di questo eterno niño dell’arte visiva che sembra aver bisogno solo di una matita e nulla più perché un mondo fiabesco e animato si dispieghi ai suoi piedi. Poeta della ’linea’, quella che le scuole di grafica insegnano a rispettare quale primordio del tratto, non è per sua natura costringibile in alcuna etichetta. Fumettista, grafico, designer, architetto,

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artista. Scultura, pittura, cinema, moda. Cercare di focalizzare ambiti o categorie è come guardare il mondo attraverso lenti astigmatiche. In perpetuo movimento, comincia come ideatore di fumetti, raccontando storie che sono quasi un diario della sua vita a Barcellona, driblando poi con scioltezza da progetti per hotel e negozi alla stesura di rac-

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conti per bambini, al design di mobili e accessori d’arredo, alla grafica più disparata (packaging, segnaletica, immagine coordinata…) sino a quella per l’American’s Cup e alla mascotte olimpica di Barcelona ’92. Alla Pedrera di Barcellona, in una bella mostra appena conclusa, un concentrato della sua spontaneità e freschezza, leggibili lungo un

percorso in cui i confini tra mondo reale e immaginario si fanno acquosi. “Prima stupire, poi affascinare. Dopo convincere”, questo il motto di Mariscal che, per autodefinirsi, snocciola una serie di aggettivi per una volta non frutto della sua fantasia: “insolente, irriverente, giocoso, intelligente, ingegnoso, impertinente, audace, generoso…”


In queste pagine, ancora Mariscal a La Pedrera. A destra, la cascata di disegni e schizzi a mano libera da attraversare fisicamente. Sopra, una intera parete di cover per vari magazine. Sotto, da sinistra: Cobi, la mascotte delle Olimpiadi di Barcellona del 1992; il Crash! di una Chrysler degli anni ‘50, caricatura/paradosso del consumismo di quel periodo storico.

On these pages, Mariscal again at La Pedrera. At right, the cascade of drawings and freehand sketches to walk through physically. Above, an entire wall of magazine covers. Below, from left: Cobi, the mascot of the 1992 Olympics in Barcelona; the Crash! of a 1950’s Chrysler, a caricature/paradox of consumerism in that historical period.

A thousand faces and only one. Javier Mariscal’s histrionic personality has a life of its own, as it seeks to break out of his works like the genie of the lamp, seducing with an alluring smile, taking you by the hand to lead you into the infinite rivulets of fantastic, fluctuating dream-like worlds, playful and carefree, as intangible as the clouds. Immaterial is the word for the creative dimension of this eternal niño of visual arts, who seems to need no more than a pencil to make an animated fairy-tale world unfurl at his feet. A poet of the ‘line’, that which graphic schools teach their students to respect as the origin of drawing, he cannot for his very nature be constrained into any category. Cartoon artist, graphic designer, architect, artist. Sculpture, painting, film, fashion. To try and focus on one area or category is like looking at the world through lenses for astigmatism. In perpetual motion, he started out as a cartoon artist, telling stories that were like a diary of his life in Barcelona, then moving easily between projects for hotels and stores to writing books for children, to the design of furniture and decorating accessories, to the most disparate graphic design projects (packaging, signage, corporate image..), to the America’s Cup and the mascot for the 1992 Olympics in Barcelona. At the Predrera in Barcelona, in a fine exhibition that just recently ended, a concentrate of his freshness and spontaneity was shown along an itinerary where the borders between the real and the imaginary world become blurred. “First astound, then fascinate. Then convince” is Mariscal’s motto, as he defines himself with a string of adjectives that for once is not the product of his imagination: “insolent, irreverent, playful, ingenious, impertinent, audacious, generous…”

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EL BORN VUOLE RINASCERE di Michele Weiss Una mostra allestita nel mercato più grande e fascinoso di Barcellona, chiuso nel 1974 e mai più destinato ad altri usi, rilancia il tema della vitalità degli spazi pubblici. C’era una volta il più grande spazio per la vendita di frutta e verdura di Barcellona, il mercato del Born, soprannominato la “cattedrale di ferro e vetro”: ottomila metri quadri di superficie in uno dei quartieri più carichi di fascino e storia del capoluogo catalano. C’era una volta perché dal 1974, anno della sua chiusura definitiva, il luogo giace tristemente abbandonato nel suo vetusto splendore, nonostante i tentativi (a vuoto) di trovargli una nuova identità e restaurare la splendida architettura originaria. A risollevare la questione ci ha pensato l’artista madrileno Jorge Mañes, con la mostra Born Again, una serie di pitture multimediali e installazioni ispirate a un famoso reportage fotografico realizzato, nel 1963, dal fotografo Joan Colom e dedicato alla gente che frequentava il mercato del Born tutti i giorni. Partendo dal lavoro di quest’ultimo, usando un linguaggio a cavallo tra arte e design, Mañes riafferma la necessità di mettere in atto autentiche relazioni tra i luoghi, le persone e le merci. Per lanciare ulteriormente il tema, in concomitanza alla mostra, che è rimasta aperta fino al 31 gennaio allo spazio B dell’ex mercato del Born, è stata fatta anche una campagna di “Guerrilla street art” che ha tappezzato i muri del centro di Barcellona con alcune icone della mostra col risultato di suscitare scalpore in città.

...WANTS TO RETURN TO LIFE An exhibition mounted in Barcelona’s biggest and most charming market, closed down in 1974, and never used for other purposes again, revived the theme of the vitality of public spaces. Once upon a time there was the largest sales venue for fruit and vegetables in Barcelona, the Born market, nicknamed “the iron and glass cathedral”: an area of eight thousand square metres in one of the districts with the most charm and richest with history in the Catalan capital. Once upon a time, because since 1974, when it was finally closed down, it has been sadly deserted in its old splendour, despite the (failed) attempts to find a new identity for it and renovate the magnificent original architecture. The question was raised again by the Madrid-born artist, Jorge Mañes, with the exhibition Born Again, featuring multimedia paintings and installations inspired by a well-known photographic reportage made, in 1963, by the photographer, Joan Colom, focused on the people who used to frequent the Born market every day. Jorge Mañes relied on the photographer’s work and a language hovering between art and design, to reaffirm the need to establish real relations between places, people and goods. To further promote the theme, a “Guerrilla street art” campaign was also launched in conjunction with the exhibition, which was open in Sala B, in the former Born market until January 31; the walls of Barcelona’s city centre were covered with a few icons of the exhibition, thereby causing a stir in town.

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BARCELLONA L’ESSENZA DI NANIMARQUINA

L’azienda spagnola di tappeti apre il suo primo negozio a Barcellona in un ex garage all’angolo tra avenida Diagonal e calle Rosselló. Gli interni, ricavati in un ampio spazio di 750 metri quadrati disposti su tre livelli, riflettono chiaramente l’essenza del brand che gioca su uno stile sempre in equilibrio (o contrasto) tra modernità e tradizione. Casse in legno usate come espositori e mobili antichi definiscono l’arredo e sottolineano una certa familiarità ai concetti di riuso e riciclo. Una serie di oggetti scovati dai progettisti nei loro viaggi in Asia, Africa o Sudamerica accompagnano le collezioni Nanimarquina e ne svelano le fonti di ispirazione. www.nanimarquina.com Laura Galimberti

THE ESSENCE OF NANIMARQUINA The Spanish-based carpet manufacturer has opened its first shop in Barcelona, in a former garage on the corner of avenida Diagonal and calle Rosselló. The interior, which covers an area of no less than 750 square metres on three floors, clearly mirrors the essence of the brand, which is based on a style where modernity and tradition harmonize (or contrast) with each other. Wood cases used as displays and old furniture stand out, suggesting a certain familiarity with the concepts of reuse and recycling. Several objects found by the designers on their trips to Asia, Africa and South America accompany the Nanimarquina collections, revealing the main sources of inspiration. www.nanimarquina.com

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ESTETICA AUTOMOBILISTICA CAR AESTHETICS di Elviro Di Meo

Dalla matita di Jan Kaplicky nasce a Modena, a pochi metri dalla casa natale, il polo museale dedicato a Enzo Ferrari. Un progetto avveniristico, a partire dal ‘cofano’ di alluminio giallo che rimanda alla mente il rumore scoppiettante delle dream cars, agli arredi bianchi, pensati come moduli flessibili che caratterizzano il layout espositivo. Protagoniste indiscusse, le auto. In mostra come opere d’arte, poggiate su pedane di design, segneranno il filo conduttore delle rassegne temporanee, accompagnate da oggetti e contributi audiovisivi dell’automobilismo modenese. Una struttura dal valore fortemente identitario sia per il luogo, sia per la memoria storica, in cui la forma e l’avveniristico design, dai colori squillanti, cromati e lucidi, rimandano alla mente il rumore scoppiettante di una delle creazioni più celebri dell’ingegno italiano: la mitica ‘rossa’. Saranno dedicati a Enzo Ferrari, capostipite della dinastia, e all’automobilismo sportivo i cinquemila metri quadrati del nuovo complesso museale, prossimo all’inaugurazione, realizzato a pochi metri dalla casa natale in cui nacque, nel 1898, il fondatore del celebre brand. Di fronte ad essa, prende forma una galleria espositiva, dove l’involucro – l’ormai famoso ‘cofano’ di alluminio giallo - avvolgerà la casa stessa, senza sovrastarla, come una mano aperta. Comunicare la vocazione motoristica del territorio modenese e la storia di un uomo, capace di accettare le sfide più ardite: questi i principi ispiratori della moderna costruzione, destinata a diventare una tappa obbligata per gli appassionati e meta ambita per il turismo culturale e industriale. Il concept architettonico è stato sviluppato dall’Atelier Future Systems di Londra, di cui era titolare l’architetto Jan Kaplicky, improvvisamente scomparso, prima di veder completata la sua opera. La direzione artistica e il progetto degli interni sono stati affidati ad Andrea Morgante, fondatore del neonato Shiro Studio e co-progettista del museo insieme a Kaplicky. L’edificio futuristico e tecnologicamente caldo, così da saper raccontare al mondo la passione che sta dietro alla produzione delle dream cars, con la sua estetica ‘automobilistica’, tale da rappresentare un’icona per la città di Modena, è situato nelle immediate vicinanze del centro storico e degli stabilimenti Maserati, sorti nell’area della prima espansio-

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ne storica della città, appena fuori le mura, avvenuta agli inizi del Novecento. Area, questa, al centro di un profondo processo di trasformazione e di riqualificazione degli spazi esistenti, un tempo occupati dai grandi complessi industriali, con la realizzazione di un polo funzionale, assai diversificato, attrezzato con residenze, uffici, negozi e ristoranti. L’idea progettuale di Kaplicky è stata, naturalmente, influenzata dalla presenza della dimora storica di Ferrari, vista come il generatore culturale e il baricentro architettonico dell’intero spazio museale. Il volume della galleria dialoga con la casa in modo complementare, avviluppandosi intorno all’organismo preesistente e adattandosi ad esso. L’altezza massima registra, infatti, lo stesso valore riportato dal colmo di copertura della casa natale, mentre in pianta la facciata della galleria si mostra come un sinuoso raccordo, dettato dalla planimetria dell’abitazione; presentandosi, così, come un diaframma osmotico fra esterno ed interno. Sarà un complesso ad alto risparmio energetico ed elevata sostenibilità ambientale, poiché progettato sui principi di bioclimatica e costruito con materiali e soluzioni impiantistiche all’avanguardia. L’allestimento dei vari ambienti della casa, sottoposta a un lungo intervento di restauro, comunicherà al visitatore, rendendolo partecipe attraverso sofisticate tecnologie, la storia del protagonista, del pilota e del costruttore, che fu Enzo Ferrari, ma anche l’ineguagliabile percorso che lo ha visto protagonista: la composizione del suo talento, la sua interpretazione dell’automobile e l’evoluzione che ne è conseguita. Il layout espositivo si serve di arredi modulari, dal colore bianco cangiante, in grado di ospitare oggetti, documenti, fotografie, e ampi schermi, simili alle pagine di un libro sfogliabile. Arredamento flessibile anche per la galleria, nella quale saranno ubicati un centro di documentazione, uno spazio per la didattica museale, una conference-room, uno store ed un ristorante-caffetteria. Protagoniste indiscusse, le auto. Vere signore dell’allestimento, esposte come opere d’arte su pedane di design, verranno periodicamente sostituite, in relazione alle mostre temporanee, con una modalità rinnovabile e dinamica, accompagnata da oggetti e contributi audiovisivi riferiti all’automobilismo modenese. www.fondazionecasanataleenzoferrari.it


Rendering del nuovo spazio espositivo, concepito come una galleria dal design innovativo e funzionale: l’abbraccio tra l’involucro giallo – “un incontro tra tradizione e modernità”, come scrive Kaplicky – e la casa Natale di Enzo Ferrari. Qui sotto, sezione longitudinale dell’intero polo museale.

Rendering of the new exhibition space, conceived as a gallery with an innovative and functional design: the embrace between the yellow enclosure – “a meeting between tradition and modernity”, writes Kaplicky – and the house where Enzo Ferrari was born. Below, a longitudinal section of the entire museum complex.

The museum centre dedicated to Enzo Ferrari, designed by Jan Kaplicky, is located in Modena, just a few metres away from his birth home. A futuristic project, from the yellow aluminium “bonnet”, which is reminiscent of the sputtering noise of dream cars, to the white furniture, conceived as flexible modules, which characterize the display layout. Cars will unquestionably stand out. Displayed like works of art on designer platforms, they are going to prove to be the common thread throughout temporary exhibitions, being accompanied by objects and audiovisual aids regarding the car manufacturers based in the Modena area. A building which has a remarkable impact on both the place and historical memories, where the shape as the futuristic design, based on bright colours, are reminiscent of the sputtering noise of one of the best known Italian made products: the fabulous “red” car. The five thousand square metres of the new museum complex, which will soon be inaugurated, will be dedicated to Enzo Ferrari, the progenitor of the

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dynasty, and motor racing. It has been built just a few metres from the home where the founder of the wellknown brand was born, in 1898. Opposite it, there takes shape an exhibition gallery, whose shell – the well-known yellow aluminium “bonnet” – will envelop the house, without rising above it, like an open hand. Communicating the talent for cars in the Modena area and the history of a man who could take up the riskiest challenges: these are the inspiring principles of the modern building, which is going to become a key venue for car enthusiasts and a sought-after destination for cultural and industrial tourists. The architectural concept was developed by London-based Future Systems, a design office owned by architect Jan Kaplicky, who passed away suddenly, before seeing his work completed. Andrea Morgante, founder of the newly established Shiro Studio and designer of the museum with Jan Kaplicky, is

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responsible for the art direction and interior design. The futuristic, technologically warm building – it tells the world about the passion behind the manufacturing of dream cars, with its car-like appearance, so that it stands out as an icon for Modena – is located in close proximity to the old town and the Maserati factories, built in the area of the early historic expansion of the city, which occurred just outside the walls, in the early 20th century. Such area has been subjected to dramatic transformation and redevelopment of the existing spaces, which had been occupied by big industrial complexes, with the building of a functional, extremely diversified centre, complete with residences, offices, shops and restaurants. Obviously enough, Jan Kaplicky’s design idea was influenced by the presence of Ferrari’s historic home, which was approached as the cultural ‘generator’ and architectural core of the entire

museum. The volume of the gallery interacts with the house complementarily, enveloping the pre-existing body and adjusting to it. The maximum height equals the value of the covering top of Enzo Ferrari’s birth home; whereas the façade of the gallery looks like a sinuous connection, suggested by the plan of the house; hence it stands out as an osmotic diaphragm between the outside and the inside. The complex will be the name for remarkable energy savings and high environmental sustainability, because it has been designed according to bioclimatic criteria and built with state-of-theart materials and system solutions. The set-up of the various rooms of the house, which has been subjected to long renovation jobs, will tell visitors about Enzo Ferrari’s history as a driver and manufacturer, allowing them to take an active part through sophisticated technology. The emphasis will also be on his

unrivalled career: the formation of his talent, his interpretation of cars and the development that resulted from it. The display layout relies on iridescent white modular furniture, which can accommodate objects, documents, photographs and large screens, similar to the pages of a book to leaf through. Flexible furniture will also be found in the gallery, which will house a documentation centre, a museumrelated teaching area, a conference room, a store and a restaurant/cafeteria. Cars will unquestionably stand out. The key players of the mounting project, displayed like works of art on designer platforms, they will be replaced at regular intervals, in relation to temporary exhibitions, according to a changeable, dynamic approach, being accompanied by objects and audiovisual aids regarding the car manufacturers based in the Modena area. www.fondazionecasanataleenzoferrari.it


Alcuni interni dello spazio disegnato da Kaplicky – un edificio futuristico e tecnologicamente caldo, così da saper raccontare al mondo la passione che sta dietro alla produzione delle dream cars – e gli ambienti dell’abitazione sottoposta a un lungo intervento di restauro. L’allestimento comunicherà al visitatore, rendendolo partecipe attraverso sofisticate tecnologie, la storia del protagonista, del pilota e del costruttore, che fu Enzo Ferrari.

Interior views of the space designed by Kaplicky – a futuristic and technologically warm building, that can describe to the world the passion that lies behind the production of these dream cars – and the spaces of the home, which underwent a lengthy restoration process. The exhibition layout will use sophisticated technologies to involve the visitor and explain the history of Enzo Ferrari, protagonist, race car driver and constructor.

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Il soggiorno è il fulcro intorno a cui ruota l’intera abitazione: attraverso grandi porte finestre si accede al terrazzo, accessoriato come un giardino. Sempre dal soggiorno, attraverso una doppia porta a vetri, si entra in cucina e nel bagno ospiti. Dallo stesso spazio parte anche la scala rivestita in pietra chiara che porta al piano superiore della zona notte. L’arredamento è composto da divano Bloom e sistema a parete Headline di FEG, mobile retrodivano Modus per Porada e tavolino Girabox per Orsenigo, entrambi disegnati da Giovanna Azzarello, luci a parete Vice Versa di Delta Light. The living room is the heart of the entire flat: large French windows give access to the balcony, which is equipped like a garden. From the living room, you can also go into the kitchen and the guest bathroom, through a French door. From there the light stone clad staircase leads to the upper floor, which accommodates the sleeping area. The furniture comprises a Bloom sofa and a Headline wall system by FEG, a cabinet behind the sofa by Porada and a Girabox coffee table by Orsenigo, both designed by Giovanna Azzarello, and Vice Versa wall lamps by Delta Light.

SCELTE DI DESIGN DESIGNER CHOICES

di Laura Galimberti foto di Cristina Fiorentini

All’interno di un nuovo quartiere nella vecchia Milano, l’architetto Giovanna Azzarello ha progettato un appartamento su due piani e terrazzi, tenendo come filo conduttore un uso particolare della luce naturale e artificiale. L’assenza di barriere amplifica inoltre la percezione degli spazi interni. L’evanescenza è protagonista assoluta. Gli stessi muri sono stati dipinti con materiale ecologico a base di madreperla, per mimetizzarne i contorni. L’illuminazione artificiale è stata studiata in maniera minuziosa: suddiviso in quinte come a teatro, ogni spazio ha effetti voluti e scelti per esaltare solo quanto deve essere illuminato. www.giovanna-azzarello.com

In a new district in old Milan, architect Giovanna Azzarello has designed a two-storey flat with balconies, relying on a peculiar use of natural and artificial light as a common thread throughout it. In addition, the absence of barriers results in an enlarged perception of interior spaces. Evanescence is the number one ingredient. The walls have been painted with an environmentally friendly mother-of-pearl material, to hide their contours. Artificial lighting has been painstakingly studied: divided into sets like in a theatre, each space can boast deliberate effects to emphasize but what needs to be lit. www.giovanna-azzarello.com L’ambiente cucina, molto tecnologico, è limitrofo alla zona pranzo: cucina Salvarani a doghe laccate nere con elettrodomestici acciaio cromo; lampadario De Majo; pavimento vintage serie Alaska di Giorio Pavimenti in legno. The state-of-the-art kitchen stands next to the dining area: cupboards by Salvarani with black lacquered slats and chrome steel household appliances; chandelier by De Majo; Alaska vintage floor, by Giorio Pavimenti in Legno.

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Giovanna Azzarello, architetto, si occupa di progettazione edile, privata, commerciale, pubblica e di industrial design. Dopo la ricerca sulla sicurezza domestica per portatori di handicap, supportata dal Centro Nostra Famiglia di Bosisio Parini, nasce nel 1994 la collaborazione con Flou, sfociata nell’ideazione del letto Toy. Tra le molte aziende con cui collabora: Porada, Archetipo, Orsenigo, Futura, I 4 Mariani, Doimo, Annibale Colombo. Nel campo dell’edilizia, il suo impegno è rivolto soprattutto al ripristino conservativo e al recupero del patrimonio artistico. Da qui nasce, nel 2000,

Al piano superiore, la zona notte con camera da letto, cabina armadio e bagno. Anche qui, come nel soggiorno, non ci sono barriere che impediscono il passaggio della luce naturale. La porta a doppie ante in vetro satinato e la grande porta finestra sul terrazzo dilatano lo spazio. Letto Suite, cabina armadio Cargo e mensole di Feg. Porte Swing di Lualdi.

On the upper floor, the sleeping area, with a bedroom, a walk-in wardrobe and a bathroom. There, as in the living room, there are no barriers to prevent natural light from filtering through. The double glazed glass door and the large French door on the balcony result in an enlarged perception of interior spaces. Suite bed, Cargo walk-in wardrobe and shelves by Feg. Swing doors by Lualdi.

Nella zona pranzo: tavolo Samburu e sedie Tama, design Marconato & Zappa per Porada; mobile sospeso Headline di FEG; porta scorrevole filomuro in vetro opalino Swing di Lualdi; calorifero Platt di Brem; lampadario O-Space di Foscarini; placche Eclettis.

In the dining area: Samburu table and Tama chairs, designed by Marconato & Zappa for Porada; Headline wall-mounted cabinet by FEG; Swing flush sliding door made of opal glass by Lualdi; Platt radiator by Brem; O-Space chandelier by Foscarini; Eclettis plates.

la collaborazione con il Comune di Milano. Tra le opere progettate, recupero e ristrutturazione di un edificio liberty con destinazione ad uso ricreativo per l’Associazione Ciechi e il restauro della scuola Elementare Carlo Poerio. Nel 2008 ha assunto l’incarico di direzione artistica per il rifacimento interno e degli arredi del teatro Grassi. Architect Giovanna Azzarello is involved in building, private, commercial, public and industrial design. Following research on home safety for the disabled, supported by Centro Nostra Famiglia di Bosisio Parini, in 1994, she started working with Flou, which translated into the Toy bed. The many companies she works with include Porada, Archetipo, Orsenigo, Futura, I 4 Mariani, Doimo, and Annibale Colombo. As for building, she mainly carries out preservative renovation and artistic heritage restoration projects. This has led to a partnership with the Municipality of Milan, established back in 2000. Her works include the renovation of a Liberty style building to be used for recreational purposes, for the Association for the Blind, and the renovation of the Carlo Poerio primary school. In 2008, she became the art director of the project for the renovation of the interiors and furnishings of the Grassi Theatre.

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FUNNY & KITSCH

testo e foto di Paolo Rinaldi

A Vienna, tradizione e innovazione si sposano nel design così come sono proprio il passato e il presente a scandire il ritmo della città. Sulla scia del suo passato glorioso, ispirandovisi e insieme rifiutandolo consapevolmente, o giocando con esso, il giovane design viennese ha sviluppato un linguaggio formale autonomo, ma anche rivoluzionario o perlomeno con caratteristiche allarmanti. La Vienna Design Week è molto ricca di presenze, con la sua rassegna di design: dai mobili all’oggettistica, ai prodotti industriali e soprattutto alle ricerche sperimentali. In cooperazione con diversi partner, per dieci giorni la città si trasforma in teatro e piattaforma del design. Coinvolge l’antico e vecchio tessuto commerciale cittadino mettendolo a confronto con il nuovo, cioè con il design di oggi. Chi visita la capitale austriaca nel periodo della design week trova un affascinante mix di tradizione e innovazione: un giovane mondo creativo che arricchisce la città di tocchi avanguardistici. Vienna Design Week si svolge da ormai quattro anni nella prima decade di ottobre. I designer vengono coinvolti nel progetto Passionwege, che li mette a contatto con fabbricanti e negozi: l’occasione per loro di cimentarsi concretamente con il prodotto e insieme un coinvolgimento della realtà commerciale della città. E un’occasione per scoprirne anche lati poco noti. Sono negozi di nome che hanno ospitato il design e fabbriche, ma anche studi professionali, concept store e negozi di fiori. Insomma, il tessuto urbano a tutto vantaggio del nuovo. E viceversa. Partecipano anche le istituzioni ufficiali. Al MAK, Austrian Museum of Applied Arts, la collettiva ‘Eyes wide shut: Design & Crime’ metteva in luce la tensione tra la tentazione di mascherare i giochi di ruolo e l’evidenza dell’esposizione oggettuale (nella collettiva spiccava Nina Levett); in un’altra sala, una seconda

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Qui sopra, l’allestimento provocatorio con finte bottiglie molotov del gruppo BreeadEscalope. Qui a sinistra, il lupo dormiente nel letto in legno di Tina Lehner. Nella pagina accanto, l’allestimento di Nina Levett per la mostra ‘Eyes wide shut: Design & Crime’.

Above, the provocative installation with fake Molotov cocktails by the group BreadEscalope. At left, a wolf sleeps in the wooden bed by Tina Lehner. Page across, the installation by Nina Levett for the exhibition ‘Eyes wide shut: Design & Crime’.

esposizione, di mobili della raccolta ‘Minimal’, Art and Furniture from the Mak collection. Una collettiva di giovani, tra i quali Martin Walde, ha partecipato a una mostra nel Wien Museum di Karlsplatz mentre MuseumQuartier ha ospitato la mostra Contemporary Design by Contemporary Artists. Helmut Palla è un artista-designer fuori dal coro: lavora tutti i materiali possibili, raccoglie objets trouvé, smonta quello che trova e lo rimonta in modo originale, recupera oggetti e li riassembla in forme nuove, strane e allarmanti, mostruosamente poetiche. In mostra, in un salone della Akademie der bildenden Kuenste Wien, un centinaio di sedute assemblate nei modi più imprevedibili, ritagliate, fatte a pezzi e rimesse poi insieme. Molto alla maniera di Duchamps. La sua mostra si chiamava ‘You take a seat, i take a picture’: i visitatori erano invitati a scegliere una seduta e farvi-

si fotografare seduti, per le immagini del catalogo. L’atelier di design di Graz White Elephant, formato da Tobias Kestel e Florian Puschmann, noto per le sue creazioni sperimentali e l’oggettistica, si incontra e scontra con la tradizione della Neue Wiener Werkstaette. Lo spirito creativo si è abbinato così a un’azienda di prestigio di vecchia tradizione e dall’ampia gamma di possibilità di produzione. I ragazzi di White Elephant si sono sbizzarriti tra l’altro a mettere a nudo divani e poltrone, rivelandone la struttura nascosta e trasformandoli in poetici scheletri di legno. Provocatorio l’allestimento con finte bottiglie molotov del gruppo BreadEscalope in un negozio di camini e apparecchi per il riscaldamento. Concettuale l’intervento grafico di Jessica Hansson per il negozio di Waescherflott, i cui articoli di produzione vanno dalla camicia al pigiama, mentre Franz Maurer, desi-

gner del vetro e altri materiali, si cimenta con cioccolatini anche dorati nella forma del calco di un capezzolo femminile, ospite di Lichterloh, design art antiques. E non manca il riferimento al mondo delle favole: il lupo di Cappuccetto Rosso dorme beato sotto le coperte nel letto in legno di Tina Lehner, nel negozio di Futonwerk. www.viennadesignweek.at

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Sopra, da sinistra: le sedie smembrate di Helmut Palla e l’intervento grafico di Jessica Hansson per il negozio di Waescherflott. Qui a sinistra, tavolo e sedie, uniti tra loro, di Martin Walde.

Above, from left: the dismembered chairs by Helmut Palla and the graphic design project by Jessica Hansson for the Waescherflott store. At left, table and chairs joined together, by Martin Walde.

In Vienna, tradition and innovation are brought together in design, just as past and present together establish the rhythm of the city. In the wake of its glorious past, inspired by it, yet consciously rejecting it, or playing with it, young design in Vienna has developed an independent formal language, which is revolutionary or at the very least a tad alarming. Vienna Design Week is very well attended, with its survey of design: from furniture to objects, to industrial products and especially experimental research. In cooperation with a selection of partners, the city turned into a theatre and a platform for design over ten days. With a very special approach: to involve the old and ancient commercial fabric of the city and bring it together with the new, meaning with the design of today. Visitors to the Austrian capital over design week will find a fascinating blend of tradition and innovation: a young creative world that enriches the city with touches of the avantgarde. Vienna Design Week has been held over the past four years over the first ten days of October. The designers are involved in the Passionwege project, which brings them into contact with manufacturers and retail stores: this is an

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opportunity for them to address the product concretely and to become involved in the commercial reality of the city. It is also an opportunity to discover its more hidden aspects. Design was shown in famous stores, as well as factories, professional studios, concept stores and flower stores. The entire urban fabric was used to highlight the new. And vice-versa. The official institutions participated too. At the MAK, the Austrian museum of applied arts, the collective “Eyes Wide Shut: Design & Crime”, highlighted the tension between the temptation to mask role games and the evident exposition of the object (the work of Nina Levett stood out in the collective); another room featured a second exhibition of furniture from the “Minimal” collection of Art and Furniture at the Mak. A collective of young talents, including Martin Walde, participated in an exhibition at the Wien Museum in Karlsplatz, whereas the MuseumQuartier featured the exhibition Contemporary Design by Contemporary Artists. Helmut Palla is an uncommon artist and designer: he works with every possible material, collects found objects, takes apart what he finds and puts it back together in an original way,

reclaims objects and reassembles them into new, strange and alarming, monstrously poetical forms. On exhibit, in a space inside the Akademie der Bildenden Kuenste Wien, a hundred chairs were assembled in the most unpredictable of ways, whittled away, broken into pieces and put back together. A lot like Duchamp. This exhibition is called “You take a seat, I take a picture”: the visitors were invited to choose a chair and let their picture be taken as they sat in it, for the catalog. The design studio from Graz, White Elephant, alias Tobias Kestel and Florian Puschmann, known for their experimental creations and accessories, addresses and challenges the tradition of the Neue Wiener Werkstaette. The creative spirit is thus combined with a prestigious company distinguished by its ancient tradition and by the wide range of production possibilities. The guys at White Elephant had fun stripping sofas and chairs, revealing their hidden structure and turning them into poetical wood skeletons. BreadEscalope was responsible for a provocative installation of fake Molotovs in a store selling fireplaces and heating devices. Jessica Hansson designed a conceptual graphic project for the Waescherflott store, which produces a wide range of articles from the shirt to pyjamas; while Franz Maurer, a designer working with glass and other materials, presented chocolates, some of them gold, in the form of a woman’s nipple, at Lichterloh, design art antiques. And of course there is always a reference to the world of fairy tales: Little Red Riding Hood’s Wolf sleeps comfortably under the blankets in Tina Lehner’s wooden bed, in the Futonwerk store. www.viennadesignweek.at


Sopra, da sinistra: una creazione sperimentale dell’atelier di design White Elephant, formato da Tobias Kestel e Florian Puschmann, e alcuni disegni del progetto Sturm gegen Stillstand di Dyson. Qui a sinistra, le sedie a riposo di un bar nel centro di Vienna e, sotto, i cioccolatini in forma di calco di capezzolo femminile di Franz Maurer. In basso, un ambiente del concept store Habari.

ETHNO STORE

Above, from left: an experimental creation by the design studio White Elephant, i.e. Tobias Kestel and Florian Puschmann, and drawings of the project Sturm gegen Stillstand by Dyson. Here at left, the chairs at rest in a bar in the centre of Vienna and, below, chocolates in the shape of a woman’s nipple by Franz Maurer. Below, a space in the Habari concept store.

testo e foto Paolo Rinaldi

Habari è un concept store indirizzato all’offerta di prodotti etnici, piccoli mobili e complementi per la casa, provenienti da paesi africani: tessuti, tappeti, ceramiche, gioielli, lampade e oggetti vari. Molto artigianato e sculture in legno. Marocco, Senegal, e Sud Africa sono i paesi più rappresentati. Di grande succcesso è lo sgabello Lola, su disegno: un pezzo di arredo multifunzionale in diverse varianti, realizzato con rivestimenti di materiali inconsueti come rafia o altre fibre di palma, pelliccia d’Impala e tessuti di cotone della Tanzania e del Camerun. Un tessuto veramente inconsueto è il Bogolan del Mali: un cotone tinto con succo di fango e di corteccia d'albero. La struttura portante dello sgabello è in metallo nero o argentato. Ogni pezzo è unico: il tessile o la forma dei sedili possono variare gli uni dagli altri in colore e modello a causa dell'uso di materiali naturali e tessuti fatti a mano. Impressionanti gli spazi di esposizione: grandi e affollati di merce nel piano terreno, labirintici i sotterranei, cantine con soffitti voltati e strutture di mattoni a vista dove sono esposti soprattutto tappeti, tessuti a metraggio, piccoli mobili in legno scolpito. www.habari.at

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Habari is a concept store specialized in ethnic products, small furniture and accessories for the home, from African countries: fabrics, carpets, ceramics, jewels, lamps and a variety of objects. Particularly well represented are craft items and wood sculptures. Morocco, Senegal and South Africa are the main countries of origin. A great success is the Lola stool, custom-designed: a multifunctional piece of furniture available in several versions, it is finished with unusual materials such as raffia or other palm fibers, Impala fur and cottons from Tanzania and Cameroon. A highly unusual fabric is the Bogolan from Mali: a cotton coloured with a juice made of mud and tree bark. The bearing structure of the stool is made out of metal painted black or silver. Each piece is one of a kind: the fabric or the form of the seats can change in terms of colour or style thanks to the use of natural materials and handwoven fabrics. The exhibition spaces are very impressive: they are large and crowded with merchandise on the ground floor; the basement level is a labyrinth, featuring cellars with vaulted ceilings and bare-brick structures which serve to display the carpets, fabrics sold by length, small sculpted wood pieces of furniture. www.habari.at

ECO & GREEN testo e foto Paolo Rinaldi

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Il Boutiquehotel Stadthalle di Vienna è il primo albergo viennese ad aver conquistato la european eco-label, un prestigioso eco-flower; ed è anche il primo hotel al mondo a zero-energy-balance. L’edificio annesso, di nuova costruzione, è infatti una passive house. L'acqua viene riscaldata da pannelli solari mentre quella piovana, raccolta sul tetto dell'hotel, viene utilizzata per l'irrigazione del giardino e per gli scarichi dei servizi igienici. Sui tetti e le pareti interne di questo albergo a conduzione familiare, con un bel giardino e camere accoglienti dal design personalizzato, cresce rigoglioso il verde. Spiritose installazioni luminose sono inserite nei vani delle scale. Le camere superior dispongono di un set per la preparazione del tè e del caffè e quando il clima è mite, si può fare la prima colazione nel giardino. Lo Stadthalle non si trova esattamente nel centro cittadino, ma tuttavia in una posizione strategica, nei pressi della Westbahnhof, la stazione metropolitanaa occidentale, e della principale via commerciale, la Mariahilferstraße, con ottimi collegamenti anche tranviari. Nei pressi passa anche la pista ciclabile che conduce al centro di Vienna (e chiunque dimostri di essere arrivato in treno o in bicicletta ha diritto a uno sconto del 10%). In tutte le camere è disponibile la connessione internet wireless gratuita.www.hotelstadthalle.at In questa pagina, le decorazioni luminose nei pianerottoli delle scale del Boutique Hotel Stadthalle: tazze e cuscini. Nel pagina accanto, il cortile verde dell’albergo e, in alto, un sotterraneo dello store Habari e lo sgabello Lola.

On this page, the lighting decorations on the landings of the stairs in the Boutique Hotel Stadthalle: cups and pillows. Page across, the green courtyard of the hotel and, at top, the basement of the Habari store and the Lola stool.

The Boutiquehotel Stadthalle in Vienna is the first Viennese hotel to earn the European eco-label, a prestigious eco-flower; it is also the first hotel in the world at zero-energy balance. The newly-built addition is in fact a passive house. The water is heated by solar panels, and the rainwater, collected on the roof of the building, is used to

water the garden and for the bathroom toilets. Luxuriant vegetation grows on the roofs and inner walls of this family-run hotel, with a lovely garden and welcoming custom-designed rooms. Witty lighting installations fill the stairwells. The superior rooms are equipped with a tea or coffee corner, and when the weather is warm, breakfast

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is served in the garden. The Stadthalle is not exactly in the city centre, but its location is strategic, near the Westbahnhof, the western subway station, and the main shopping avenue, the Mariahilferstraße, with excellent connections including the streetcar. Nearby a bicycle path leads to the centre of Vienna (and anyone who proves they have come by train or bicycle gets a 10% discount). All the rooms have a free wireless Internet connection. www.hotelstadthalle.at

A destra, la lounge del Boutique Hotel Standhalle e sotto, decorazioni luminose nelle scale.

At right, the lounge of the Boutique Hotel Standhalle and below, lighting decorations in the stairwell.

FROM EAST AND WEST Vienna è sempre stata considerata la frontiera dell’Oriente: i Turchi si sono fermati alle sue porte, ma gli scambi culturali, etnici e gastronomici sono sempre stati frequenti. E hanno lasciato segni notevoli. Dal lontano Iran sono arrivati esuli al tempo della Rivoluzione persone che hanno aperto ristoranti dove ancora oggi si gustano le vivande di quel paese, in stanze dall’arredo nostalgico e rievocativo, con arazzi, vecchie stampe e strumenti musicali alle pareti, con sottofondo di musica tradizionale. Seidenstrasse, la via della seta, è un piccolo e delizioso ristorante iraniano nella Joergenstrasse, che a Vienna convive con ristoranti di design come il nuovo Motto am Fluss, situato come fosse un motoscafo filante sul canale del Danubio, nella stazione di attracco per il Twin City Liner, subito accanto alla Schwedenplatz. Su due piani, cucina di pietanze regionali e biologi-

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testo e foto di Paolo Rinaldi

che, curato dal gastronomo alla moda Bernd Schlacher, questo locale trendy a prima vista potrebbe essere scambiato per una nave. L'arredamento ricorda lo stile veneziano degli anni Cinquanta: panche e tavoli con le gambe slanciate e oblique tipiche di quell'epoca. Pavimenti con piastrelle bianche e nere e una cura particolare per i dettagli come lampade o bicchieri. Al ristorante sono annessi il bar e un negozio di specialità gastronomiche con prodotti bio. Si possono acquistare pane fatto in casa e pasticceria, latticini, formaggio e uova di galline allevate a terra. Al secondo piano si trova il Motto Café, con una grande terrazza. Un piazza meravigliosa per fare colazione, con specialità di pasticceria irresistibili e un piccolo menu per placare eventuali languorini. www.restaurant-seidenstrasse.at, www.motto.at/mottoamfluss


Bernd Schlacher, at first glance this trendy venue could be mistaken for a ship. The furniture is reminiscent of the Viennese style in the 1950’s: benches and tables with slender and oblique legs typical of that era, floors with black and white tiles, and great attention to details such as lamps or goblets. Connected to the restaurant are a bar and a gourmet food store featuring organic products. It sells home-made bread and bakery items, milk products, cheese and free-range eggs. The second floor hosts the Motto CafÊ, with a spacious terrace. A lovely square where one can have breakfast, with irresistible specialty pastry and a menu offering light snacks. www.restaurant-seidenstrasse.at, www.motto.at/mottoamfluss

A sinistra, un ambiente del ristorante Motto am Fluss e sotto, il ristorante iraniano Seidenstrasse.

At left, a room in the Motto am Fluss restaurant and below, the Iranian restaurant Seidenstrasse.

Vienna has always been considered as the border to the East: the Turks stopped at its doors, but cultural, ethnic and food exchanges have always been frequent. And they have left extraordinary marks. Exiles from distant Iran came during the Revolution, and opened restaurants which still serve the foods from that country, in rooms with a nostalgic and evocative dĂŠcor, with tapestries, old prints and musical instruments on the walls, with a background of traditional music. Seidenstrasse, the Silk Route, is a small and delicious Iranian restaurant on the Joergenstrasse, which coexists, in Vienna, with design restaurants such as the new Motto am Fluss, looking a motorboat roaring along the canal of the Danube, with a docking station for the Twin City Liner, right next to the Schwedenplatz. Located on two floors, with a regional organic cuisine by fashion gourmet

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HOME WELLNESS

di Monica Pietrasanta

Progettare SPA domestiche personalizzate, in grado di rigenerare il corpo e la mente nel massimo della privacy e della libertà: è questa la nuova frontiera del wellness, tesa a soddisfare in tutti i modi le più sofisticate richieste ‘ad personam’. Progettare saune, bagni turchi e attrezzature professionali dagli ingombri ridotti, in grado di coniugare esercizio fisico e relax all’interno delle mura domestiche, è stata la sfida raccolta negli ultimi anni dalle aziende specializzate in fitness e wellness con risultati a dir poco inimmaginabili. Hammam e SPA private non hanno più niente da invidiare al miglior centro benessere grazie ad una progettazione su misura in grado di rivisitare gli antichi rituali ad esso legati in chiave contemporanea e di garantire in pochi metri quadrati le migliori performances ‘ad personam’. Le numerose manifestazioni sul tema dell’home wellness, nate recentemente in tutto il mondo, testimoniano del resto un'offerta sempre più ampia con prodotti differenziati per optional, dimensioni e prezzo. L’area SPA per la casa tende a comprendere le nuove cabine doccia emozionali multifunzione, bagno turco, vasche idromassaggio, saune e appena possibile viene abbinata ad essi una piccola area fitness per l’esercizio fisico. In queste aree ‘dedicate’, individuate ogni volta dal progettista in

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un ambiente apposito o, quando ciò è impossibile, nell’area bagno o nella camera da letto, l'atmosfera è riscaldata da sofisticati impianti di illuminazione, diffusori di essenze e sistemi audio-video. Nascono così spazi multisensoriali dove, circondati da speciali sequenze cromatiche, immersi nella musica e ‘coccolati’ dai profumi preferiti, si può ritrovare un ideale rilassamento di mente, corpo e spirito. Frutto della collaborazione di aziende leader del settore con designer di fama internazionale, i nuovi prodotti per il wellness sono fortemente connotati dalla sperimentazione di materiali, colori, nuove tecnologie e soprattutto da un design più sofisticato, allineato al design d'interni per meglio integrarsi in tutti gli spazi abitativi. Il design soddisfa il gusto estetico dell'utente, l'uso di materiali pregiati offre piacevoli sensazioni al tatto mentre l'olfatto può godere della dispersione nell'area di essenze profumate. Il ‘silenzio’ è infine garantito dalla nuova generazione di impianti idromassaggio per vasca ma anche dall'adeguato isolamento acustico delle nuove porte in cristallo di

cabine docce, saune e bagno turco in grado di mantenere comunque un buon ‘continuum’ visivo con l’ambiente circostante. Le ultime tendenze del wellness lifestyle per gli hammam domestici vedono in cima ai sogni di tutti la sauna domestica. Preposta al rilassamento fisico e mentale, la sauna, grazie al calore secco, favorisce un'abbondante sudorazione con la conseguente espulsione di tossine attraverso la dilatazione dei pori. La pratica regolare migliora la circolazione sanguigna, rilassa, disintossica, riduce l'ansia e scarica la tensione nervosa. Sotto il profilo estetico le cabine sauna indoor come quelle outdoor per spazi privati sono connotate dalla scelta di materiali e dettagli di alta qualità: lo stile va da quello tradizionale finlandese allo stile più minimal cittadino, rigorosamente in legno. Per l'installazione si può scegliere tra sauna autoportante o realizzata in opera, su misura o con dimensioni standard, con interno perlinato o arricchito da cornici e decori artistici. Per allietare la permanenza all'interno, quasi tutte le cabine sono oggi dotate di un impianto stereo, da


cui si diffondono musiche rilassanti, mentre luci colorate si alternano nel corso del trattamento per favorire una volta in più il relax. Le combinazioni preferite possono essere salvate nei profili utente come scenari preimpostati sia per la temperatura che per la musica e l'illuminazione. Molto apprezzato è altresì il bagno turco, noto anche come hamman o bagno di vapore per le sue proprietà tonificanti e rilassanti. Ideale per combattere lo stress e la tensione, questo rito migliora l’equilibrio psicofisico nonché l'aspetto estetico, grazie all'azione combinata di calore che coadiuva la circolazione sanguigna e linfatica, sciogliendo le tossine e favorendone l'eliminazione attraverso la sudorazione. I più innovativi bagni turchi domestici, grazie alla ricerca avanzata e combinata di design e tecnologia, coinvolgono tutti i sensi. Il loro interno, tradizionalmente rivestito in mosaico ma oggi anche reinterpretato con materiali innovativi quali il Duralight®, garantisce un comfort ideale con comode panche per sedersi e sdraiarsi. Continua ad essere apprezzata sia in casa che, dove

possibile, sulla terrazza esterna per il periodo estivo, la minipiscina con idromassaggio. Le vasche più trendy uniscono forme pulite ed ergonomiche al massimo comfort di seduta interna con morbidi poggiatesta. Disponibili in configurazioni diverse, dalle più essenziali alle più accessoriate, tra cui scegliere quella più adatta alle proprie esigenze per un bagno solitario o in compagnia, grazie a mescole innovative, nascondono completamente alla vista la tecnologia e mantengono più a lungo la temperatura dell’acqua preferita. La giusta miscela di aria ed acqua fuoriesce dagli appositi jet per andare ad influire con un massaggio puntuale sui punti più nevralgici del corpo. Gli ultimi sistemi idromassaggio garantiscono la massima silenziosità, consentendo di godersi un bagno rilassante anche di notte. All’abbattimento dell’inquinamento acustico aggiungono un notevole risparmio energetico, pur offrendo un’efficacia potenziata. La gestione è resa più semplice dall’uso del telecomando o di sofisticati pannelli touch a bordo vasca. Caratterizzate da un'architettura ampia e

luminosa, le nuove cabine doccia multifunzione sono in grado di assecondare i desideri a seconda delle necessità del momento con un potente getto d'acqua, una benefica nuvola di vapore al profumo dell'essenza preferita o una piacevole sauna. Dotate di getti a cascata, fari con led colorati, sistema audio, garantiscono oggi anche un’interfaccia elettronica semplificata. Per gli sportivi irriducibili ma anche per chi ha capito l’importanza della pratica quotidiana della ginnastica dolce, dallo streching allo yoga, dal pilates al Tai Chi, per il rilassamento e la tonificazione del corpo, anche l’area fitness riserva nuove sorprese per la casa. Panche, pedane, cyclettes e macchinari di ultima generazione, spesso pieghevoli per ridurre al minimo l’ingombro una volta terminato l’allenamento, offrono programmi di personalizzati da svolgere nella massima sicurezza. Tecnologicamente avanzati (spesso dotati di interfaccia multimediale integrata in uno schermo TV) consentono di salvare su una chiave USB il proprio allenamento preferito.

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Designing custom spas for the home, to regenerate the body and the mind in total privacy and freedom: this is the new frontier of wellness, which aims to fully satisfy the most sophisticated demands “ad personam”. The design of saunas, Turkish baths and professional equipment in compact form, that can offer both exercise and relaxation inside the home, was the challenge faced in recent years by manufacturers specialized in fitness and wellness with results that are, to say the least, unbelievable. Hammam and private spas on a level with the finest wellness centres, thanks to “customized” design that reinterprets the ancient bathing “rituals” in a contemporary key and guarantees the highest performance “ad personam” in just a few square meters. The many events related to the theme of home wellness, which have recently sprouted up throughout the world, bear witness to a growing selection with products that differ in options, sizes and prices. The Spa area in the home tends to include the new emotional multi-functional shower stalls, Turkish baths, whirlpools, saunas, and if possible, to have them coexist with a small fitness area for physical exercise. In these “dedicated” areas, which the designer locates in specific areas or, when this is impossible, in the bath or bedroom area, the atmosphere is heated by sophisticated lighting systems, essence dispensers and audio-video systems. They create multi-sensorial spaces where, surrounded by special chromatic sequences, bathed in music and “soothed” by favourite perfumes, one can find ideal relaxation of mind, body and spirit. Resulting from the collaboration between the leading manufacturers in the field and internationally renowned designers, the new wellness products are strongly characterized by the experimentation with materials, colours, new technologies and especially by their more sophisticated design, in tune with interior design to fit better into any living space. The design satisfies the user’s aesthetic taste, the use of fine materials offers pleasant sensations to the touch, and the sense of smell can enjoy the dispersion of perfumed essences in the space. “Silence” is guaranteed by the latest generation of whirlpool systems for the bath supported by the adequate acoustic isolation of the new glass doors in shower stalls, saunas and Turkish baths that still maintain visual continuity with the surrounding space. The latest trends in wellness lifestyles for domestic hammams place the domestic sauna at the top of the list of everyone’s dreams. Made for physical and mental relaxation, the dry heat of the sauna stimulates copious sweating that helps remove toxins by dilating the pores of the skin. Regular saunas improve blood circulation, are relaxing, detoxify, reduce anxiety and nervous tension. From an aesthetic point of view, the “indoor” and “outdoor” sauna cabins for private spaces are characterized by the choice of finest quality materials and details: the styles range from traditional Finnish to the most minimal urban style, rigorously made of wood. For the installation, one can choose self-supporting

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saunas or built-in masonry saunas, custom made or standardized, lined with wood inside or enriched with artistic cornices and decors. To make the sauna experience more enjoyable, almost all the cabins are equipped with a stereo system, which plays relaxing music, while coloured lights alternate during the treatment to heighten the sense of relaxation. Preferred combinations can be saved in the user profiles as default scenarios that regulate the water temperature, music and lighting. Equally appreciated is the Turkish bath, also known as hammam or steambath for its toning and relaxing properties. Ideal for fighting stress and tension, this ritual improves physical and psychological balance, as well as the aesthetic factor, thanks to the combined action of the heat that improves the circulation of blood and the lymphatic systems, dissolving toxins and eliminating them in the process of sweating. The most innovative domestic Turkish baths, thanks to advanced research and the combination of design and technology, involve all the senses. Inside, they are finished with traditional mosaic walls and floors or reinterpreted in innovative materials such as Duralight®, guaranteeing ideal comfort with restful benches to sit and lie down on. The hot tub, both indoors and when possible on the terrace outside during the summer, continues to be popular. The trendiest tubs blend clean and ergonomic forms with maximum seating comfort inside and soft pillows. Available in a variety of configurations, from the most essential to the most accessorized, one can choose the version that best fits one’s personal needs for a bath alone or in good company, thanks to innovative blends that completely conceal the technology and maintain the selected water temperature. The right blend of air and water is issued from specific jets to gently massage the most neuralgic points of the body. The latest whirlpool systems guarantee almost total silence, making it possible to enjoy a relaxing bath even at night. This reduced sound pollution is accompanied by a significant energy savings, while offering greater power. It is easier to manage thanks to a remote control or sophisticated “touch” panels on the edge of the tub. Characterized by an ample light-filled architecture, the new multi-purpose shower stalls can fulfil any desire depending on the needs of the moment, with a powerful water stream, a beneficial cloud of steam that can be perfumed with one’s favourite essence, or a pleasant sauna. Equipped with waterfall streams, lighting fixtures featuring coloured LED lights, audio systems, they also provide a simplified electronic interface. For dyed-in-thewool sportsmen, and those who understand the importance of mild daily exercise, from stretching to yoga, from Pilates to Tai Chi, for relaxing and toning the body, the fitness area reserves new surprises for the home. Benches, treadmills, bicycles and latest-generation exercising equipment, which can often fold to compact size once the workout is finished, offer personalized programs that can be performed safely. Technologically advanced (and often complete with a built-in multimedia interface on a TV screen), they make it possible to save preferred training sessions on a USB pen drive.

EFFEGIBI Firmata da Talocci Design, prevede una fonte angolare e panche con struttura in alluminio e seduta in teak. La porta è in acciaio inox lucido e vetro temperato 8 mm.

Designed by Talocci Design, it features a corner source and benches with an aluminium structure and teak seating. The door is made of polished stainless steel and 8 mm tempered glass.

DURAVIT Un telecomando con display comanda tutte le funzioni: temperatura, umidità dell’aria, luce colorata e sistema audio. Le combinazioni preferite possono essere salvate nei profili utente. Inipi Solo offre spazio sufficiente per due persone. La versione Inipi Ama può essere posta frontalmente o lateralmente alla cabina doccia.

A remote control with a display regulates all the functions: temperature, humidity in the air, coloured light and audio system. Favourite combinations can be saved in the user profiles. Inipi Solo is large enough to fit two people. The Inipi Ama version can be installed frontally or next to the shower cabin.


GLASS Firmata da Doshi Levien Design, Ananda è un progetto ‘su misura’, modulare e componibile, con pareti in mosaico, panca in cemento Ductal®, mobile multifunzione in cemento con top in cristallo, fonte d’acqua in ceramica e aroma-dispenser. Un soffione in ceramica riversa la luce nell’ambiente circostante.

Designed by Doshi Levien Design, Ananda is a “custom” project, modular and easy to combine, with mosaic walls, a bench in Ductal® cement, a multi-purpose cement cabinet with a glass top, a ceramic water source and aroma-dispenser. A ceramic showerhead spills the light into the surrounding space.

IDEAL TONAX Disegnata da Marc Sadler, Tonax è una cabina doccia con soffione a pioggia, getti idromassaggio, bagno turco, aromaterapia, cromoterapia. Nelle versioni rettangolare o quadrata, in 3 diverse dimensioni.

Designed by Marc Sadler, Tonax is a shower cubicle with a rain stream, body massage jets, Turkish bath, aromatherapy, chromo-therapy. In the rectangular or square versions, in 3 different sizes.

JACUZZI Minipiscina per l'outdoor con morbidi poggiatesta interni. Nelle versioni a incasso e freestanding, con differenti tipologie d’idromassaggio. Design Kaluderovic & Condini.

Mini-hot tub for the outdoors with soft pillows inside. In built-in and freestanding versions, with different whirlpool typologies. Design by Kaluderovic & Condini.

OVER LINE Lettino ad acqua multifunzionale per trattamenti di benessere. Con l'effetto ad onda, generato dallo spostamento dell’acqua all’interno del materasso ergonomico, permette di effettuare un massaggio in profondità. Consente di abbinare anche trattamenti di cromoterapia.

Multifunctional waterbed for wellbeing treatments. The wave effect, generated by the motion of the water inside the ergonomic mattress, makes it possible to perform deep massage, and combine it with chromo-therapy treatment.

PILATECH Attrezzo per gli appassionati di Pilates, alto 210 cm. È dotato di rotaia e agganci per le molle per poter eseguire le trazioni verso il basso e di barra in legno per l'impugnatura.

A machine for Pilates fans, 210 cm tall. It features a track with hooks for the roll down springs and wood bar to grip.

STARPOOL Sauna finlandese per due persone. In meno di 3 metri quadrati propone una nuova declinazione della tradizione nordica, all’insegna di aromi emozionali, musica e quattro percorsi benessere.

Finnish sauna for two. In less than 3 square meters it offers a new interpretation of Nordic tradition, with emotional aromas, music and four well-being programs.

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TECHNOGYM Tapis roulant firmato da Antonio Citterio con Toan Nguyen. È dotato di un' interfaccia multimediale integrata in uno schermo TV di 19” per connessione iPod/iPhone, porta USB per visualizzare/ascoltare film, mp3, foto, video clips; giochi, IPTV e Plug&Train che consente di salvare su una chiave il proprio allenamento preferito.

Treadmill designed by Antonio Citterio with Toan Nguyen. It has a multimedia interface built into a 19” TV screen to connect iPod/iPhones, a USB port to watch/listen to films, mp3 files, photos, video clips; games, IPTV and Plug&Train making it possible to save favourite training sessions on a pen drive.

Qui e in apertura, la piscina sul tetto, ricavata in una scatola di vetro, dell’Andels Hotel, nella cittadina polacca di Lodz.

Here and opening pages, the swimming pool on the roof – built in a glass box – of the Andels Hotel, in Lodz, Poland.

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TEUCO Idromassaggio silenzioso che elimina tutti i rumori artificiali del sistema, lasciando udire solo il suono rilassante dell’acqua in movimento. Nell'immagine, la minipiscina Seaside 641, Talocci Design.

Silent whirlpool bath that eliminates all the artificial noises in the system, leaving only the relaxing sound of the water in motion. In the picture, the Seaside 641 hot tub, Talocci Design.

VILLEROY&BOCH Sistema idromassaggio con bocchette incorporate a filo parete nello stesso colore della vasca da bagno che risultano quasi impercettibili a sistema spento. La vasca è prodotta in Quaryl®, una mescola di quarzo e acrilico, brevettata in esclusiva da Villeroy&Boch in grado di mantenere la temperatura dell’acqua.

Whirlpool system featuring incorporated jets flush with the wall in the same colour as the bathtub, making them almost invisible when the system is shut off. The bathtub is made out of Quaryl®, a mixture of quartz and acrylic, with an exclusive patent by Villeroy&Boch that keeps the water temperature constant.


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Delta Light Italia via I° Maggio, 16/A-Terrafino 50053 Empoli (Fi) tel. 0571 82226 fax 0571 83594 www.deltalight.it

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Devon&Devon viale Alessandro Volta, 46 50131 Firenze tel. 055 5001173 fax 055 5000628 office@devon-devon.com www.devon-devon.com

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Duravit Italia via Faentina, 207 F 48124 Ravenna (Ra) tel. 0544 509711 fax 0544 501694 info@it.duravit.com www.duravit.it

Effegibi via Gallo, 769 47522 Borello di Cesena (Fc) tel. 0547 372881 fax 0547 372924 info@effegibi.it www.effegibi.it Ernestomeda via dell'Economia, 2 861025 Montelabbate (Pu) tel. 0721 48991 fax 0721 4899780 info@ernestomeda.it www.ernestomeda.it Eumenes via Trento, 1/B 20060 Cassina de’ Pecchi (Mi) tel. 02 36647900 fax 02 36647901 www.eumenes.it Feld bvba Diamantstraat 8 B-2200 Herentals tel. +32 14 28 61 28 fax +32 14 23 10 20 info@feld.be www.feld.be Flou via Cadorna, 12 20036 Meda (Mi) tel. 0362 3731 fax 0362 343199 info@flou.it www.flou.it FontanaArte alzaia Trieste, 49 20094 Corsico (Mi) tel. 02 45121 fax 02 4512660 info@fontanaarte.it www.fontanaarte.it Glas Italia via Rivolta, 5 20050 Macherio (Mi) tel. 039 2323202 glas@glasitalia.com www.glasitalia.com


Glass idromassaggio via Baite, 12/E (Z.I.) 31046 Oderzo (Tv) glass@glassidromassaggio.it www.glassidromassaggio.it Ideal Standard via Domodossola, 19 20145 Milano tel. 02 28881 fax 02 2888200 www.idealstandard.it Jacuzzi Europe S.S. Pontebbana, km 97,200 33098 Valvasone (Pn) tel. 0434 859111 info@jacuzzi.it www.jacuzzi.eu La Murrina via Isonzo, 26 22078 Turate (Co) tel. 02 969 752 81 fax 02 969 75 212 design@lamurrina.com www.lamurrina.com Listone Giordano Margaritelli Italia 06089 Miralduolo di Torgiano (Pg) tel. 075 988681 fax 075 9889043 info@listonegiordano.com Lualdi via Piemonte, 13 20010 Mesero (Mi) tel. 02 9789248 fax 02 97289463 info@lualdiporte.com www.lualdiporte.com Luceplan via E.T. Moneta, 44/46 20161 Milano tel. 02 662421 fax 02 66203400 luceplan@luceplan.com www.luceplan.com Manutti www.manutti.com

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Paola Lenti via Po, 100 a 20036 Meda (Mb) tel. 0362 344587 fax 0362 71204 info@paolalenti.it www.paolalenti.com

Starpool via Stazione 38030 Ziano di Fiemme (Tn) tel. 0462 571881 fax 0462 571899 info@starpool.it www.starpool.it

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Pilatech via Turati, 28/A 22060 Cabiate (Co) tel. 031 766599 info@pilatech.com www.pilatech.com

Technogym via Perticari, 20 47035 Gambettola (Fc) tel. 0547 56047 fax 0547 650505 informazioni@technogym.com www.technogym.com

Molteni&C via Rossini, 50 20034 Giussano (Mb) tel. 0362 359.1 fax 0362 354448 customer.service@molteni.it www.molteni.it

Pircher Oberland via Rienza, 43 39034 Dobbiaco (Bz) tel. 0474 971111 fax 0474 972270 numero verde 800 233 447 www.pircher-spa.com

Nanimarquina Esglèsia10, 3er D E-08024 Barcelona tel. +34 932 376 465 fax +34 932 175 774 info@nanimarquina.com www.nanimarquina.com

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Promemoria via per Como, 84/a Valmadera (Lc), tel. 0341 581021 www.promemoria.com

ONAO CO.,LTD. 184-3 Takata Ichikawamisato-cho Nishiyatsushirogun,Yamanashi 409-3606 Japan tel. +81-(0)55-272-0321 fax +81-(0)55-272-0323 overseas@onao.co.jp www.onao.co.jp Over Line via Quaranta, 45 20135 Milano info@overline.eu www.overline.it

Teuco Guzzini via Virgilio Guzzini zona Industriale Fermi 62010 Montelupone (Macerata) www.teuco.it Tre-P&Tre-Più via dell’Industria, 2 20034 Birone di Giussano (Mi) tel. 0362 861120 fax 0362 810292 trep@treptrepiu.com www.treptrepiu.com Villeroy & Boch AG casella postale 1120 D-66688 Mettlach tel. +49 (0) 6864810 www.villeroy-boch.com

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