TECNICAS DE DIBUJO

TĂŠcnicas de dibujo

La tĂŠcnica es el procedimiento por medio del cual se busca obtener un determinado resultado. Es entonces una serie de protocolos, normas y reglas que se usan para alcanzar un determinado fin.

Dentro del dibujo, se puede hablar de las siguientes tĂŠcnicas:

INDICE TIPOS DE DIBUJOS TECNICAS SECAS: LAPIZ GRAFITO

Técnicas de dibujo SAMUEL MENDEZ DAVID MORALES

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CARBONCILLO

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CRETA, SANGUINA Y SEPIA

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LAPICES DE COLORES

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LAPICERO

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PLUMILLA

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YESOS PASTEL(GRASO,SECOS) MARCADORES (PLUMONES)

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ACUARELAS

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ACRILICOS

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TINTA CHINA

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TECNICAS NO CONVENCIONALES

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REFERENCIAS ARTISTICAS

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Técnicas de dibujo

Técnicas de dibujo

Introducción Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como la delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro; toma nombre de acuerdo al material con el que se hace.1 Es una forma de expresión gráfica que plasma imágenes sobre un espacio plano, considerado parte de la pintura y una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal y ha sido utilizado por la humanidad para transmitir ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, sus ideas, costumbres y cultura.

El dibujo es el lenguaje universal, ya que sin mediar palabras es posible transmitir ideas de modo gráfico que resulten comprensibles para todos. Hay dibujos que son reconocidos dentro de una cultura, denominados símbolos. Otros ejemplos son los pertenecientes a la señalética, actividad que se encarga de comunicar parámetros de comportamiento en determinada locación por medio del lenguaje gráfico.

Paul Valéry decía que las tres grandes creaciones humanas son el dibujo, la poesía y las matemáticas.

Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y contornos. Se trata de una abstracción de nuestra mente que permite fijar la apariencia de la forma, puesto que el ojo solo percibe masas coloreadas de diversa intensidad. Los dibujos artísticos suelen ser representaciones de objetos o escenas donde el artista ve, recuerda o imagina. Estos pueden ser realistas: un ejemplo son los retratos o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al grado de perder cierta aproximación con la realidad (como las caricaturas), relativamente alejados de la realidad (los dibujos animados y los cómics), hasta llegar a lo surrealista y lo abstracto.

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Técnicas de dibujo

Técnicas de dibujo

Tipos de dibujo

D

e acuerdo con lo que se desea representar o hacia donde se debe enfocar, el dibujo se clasifica en:

Dibujo Artístico: El “Dibujo Artistico” se define como el tipo de dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de acuerdo con su propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo de dibujo requiere aptitudes especiales como las personales y naturales.

Dibujo Técnico: Se dice que el “Dibujo Técnico” es el lenguaje gráfico universal técnico normalizado por medio del cual se manifiesta una expresión precisa y exacta y, su objetivo principal es la exactitud precisamente. Las aptitudes para esta clase de dibujo por lo general son adquiridas, es decir, que se llega a él a través de un proceso de conocimiento y aprendizaje.

Que se subdivide en “Dibujo Técnico Especializado”, según la necesidad o aplicación los más utilizadas o difundidos en el entorno técnico y profesional. Cada uno se caracteriza porque utiliza una simbología propia y específica generalmente normalizada legalmente.

Dibujo Geométrico: Es aquel que se representa por medio de gráficas planas. Dibujo geométrico constituye un verdadero y novedoso sistema de enseñanza estructurado para garantizar, tanto al alumno de los primeros años de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e Ingeniería -bachilleres o peritos mercantiles- un rápido manejo y posterior dominio de la mano sobre el plano.

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Dibujo Mecánico El dibujo mecánico se emplea en la representación de piezas o partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos, aviones, helicópteros y máquinas industriales. Los planos que representan un mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas, son llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento, plano de pieza.

Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones gráficas para su colocación, y armar un todo, son llamados planos de montaje.

Dibujo Arquitectónico Al introducirnos en el dibujo arquitectónico nos ubicamos en la concepción visual que altera el paisaje urbano, los espacios físicos de una obra o infraestructura civil y que es elaborada a escala de reducción para luego ser representada a una escala real o natural, tiene como finalidad ayudar al hombre en su contexto social, cultural e interdisciplinario con su ambiente, forma parte de lo que en fenomenología explica el porque,

según las experiencias humanas, se logra una mejora en la calidad de vida. La arquitectura ayuda a moldear la forma de vida de una sociedad y del individuo colectivamente.

El dibujo arquitectónico, abarca una gama de representaciones gráficas con las cuales realizamos los planos para la elaboración de edificios, casas, quintas, autopistas etc...

Se dibuja el proyecto con instrumentos precisos, con sus respectivos detalles, ajuste y correcciones.

La técnica es el procedimiento por medio del cual se busca obtener un determinado resultado. Es entonces una serie de protocolos, normas y reglas que se usan para alcanzar un determinado fin.

Dentro del dibujo, se puede hablar de las siguientes técnicas:

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Técnicas de dibujo

Técnicas de dibujo LAPIZ

L

ápiz o lapicero es un instrumento de escritura o de dibujo. Consiste en una mina o barrita de pigmento (generalmente de grafito y una grasa o arcilla especial, pero puede también ser pigmento coloreado de carbón de leña) y encapsulado generalmente en un cilindro de madera fina, aunque las envolturas de papel y plásticas también se utilizan.

Un lápiz que tenga una mina hecha con más arcilla mezclada con el grafito es un lápiz más resistente. Se diferencian, por una parte, con las letras H (del inglés hard = duro) y B (del inglés black = negro), y, por otra parte, con un número de 1 a 4, siendo el número 4 el más duro. También puede haber combinaciones de las letras: HH, por ejemplo, se refiere a una mina muy dura.1 Los lápices modernos se fabrican industrialmente mezclando el polvo de grafito y arcilla molidos finamente, agregando agua, formando minas largas que se cuecen en un horno (compartimientos térmicamente aislados). Las minas resultantes se sumergen en aceite o cera fundida, que se filtra en los agujeros minúsculos del material, dando por resultado una escritura más lisa. Un tablón de

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CARBONCILLO madera con varios surcos paralelos largos se corta para formar un listón, y las tiras de grafito y arcilla se insertan en los surcos. Otro tablón acanalado se pega encima, de manera que el ensamble final es cortar todo en lápices individuales, que luego se barnizan o se pintan.

Este material es de los más antiguos, ya se lo utilizaba para realizar los dibujos en las cavernas. Esta técnica se caracteriza por permitir realizar dibujos muy elaborados.

el carboncillo es negro.3 Según cuenta el poeta Paul Valéry,6 Degas explicaba su pintura como el resultado de una serie de operaciones que comenzaban por la definición del dibujo a carboncillo sobre papel, preferentemente papel de calco.

Hecho el primer dibujo, y siempre sobre el mismo papel, sin servirse de otros dibujos o estudios aparte, realizaba también a carbonEn su tratado técnico, Il libro dell’arte (Libro del cillo las correcciones o Arte), de principios del siglo XV, Cennino Cenni- a justes que estimase ni recomendaba atar un carboncillo de sauce a oportunos, reforzando una caña para poder distanciarse de la superfi- los trazos iniciales. Una cie a pintar –en su época sobre tabla o al fres- vez completo el dibujo, co4 – y trazar así el dibujo preparatorio con el podía aplicar el color carboncillo en una mano y con una pluma de ave en sus pinturas al pastel en la otra, para borrar el trazo si fuese necesario. de forma convencional Como material empleado en dibujo, mientras el o por medio de un procarbono cristalizado del grafito usado en lápi- cedimiento de su invención, ces5 permite moverse con facilidad3 sobre el pa- aplicando el fijador en capas pel y trazar líneas precisas,3 y más finas, gracias sucesivas desde el dibujo inicial, a la posibilidad de afilar el lapicero,3 el carbonci- y coloreando sobre el fijador, de llo deja trazos más gruesos e imprecisos. Asimis- modo que el dibujo a carboncillo se mo, se presta al difumino, permitiendo así efectos y mantiene «congelado» o sellado sin altonos variados. Por otra parte, el negro del grafito teraciones bajo las sucesivas capas de color. tiende a dejar un lustre metálico5 y gris, mientras

En arte, sobre todo en el dibujo o la pintura, el carboncillo es el «palillo de brezo, sauce u otra madera ligera»,1 como olivo o abedul,2 carbonizado, usado para aplicar los trazos del dibujo.

También puede referirse a la obra creada con él.1 Aunque es utilizado típicamente para realizar el boceto, también puede presentarse como obra acabada, habitualmente junto con otros materiales como sanguina o lápiz, y es especialmente valorado para realizar retratos

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Técnicas de dibujo

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creta sepia y sangina

SEPIA.-

LAS CRETAS

C

onsisten en pigmento en polvo con arcilla aglutinados con goma de tragacanto o metilcelulosa. La cantidad de aglutinante determinasi los pasteles serán más blandos. Son similares a los pasteles pero ligeramente más duras y grasas, se pueden mezclar con el carboncillo o el lápiz a carbón.

De consistencia más dura que el carboncillo, el pastel, la sanguina y la sepia. Generalmente se fabrican en colores blanco, negro, los “Ideal para combinar con colores de la sanguina y de la sepia. Son muy luminosas y permanentes, difíciles pasteles, carbonzillos, sanguide borrar. Aunque se difuminan relativa- na y sepia para blanquear los mente bien.

tonos.”

SANGUINA. La sanguina es una variante del pastel, es decir pigmentos secos en polvo. se fabrica a base de óxido de hierro. Los matices de esta piedra, llamada hematite, van desde el escarlata al carmesí, del rojo al castaño o rojo muy oscuro. Está mezclado con caolín, que es un tipo de arcilla de altísima finura y calidad con la que se fabrica la porcelana.

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Es otra variante del pastel. Es caolín coloreado Se llama así por que su color antiguamente se obtenía de la tinta de la sepia o jibia un cefalópodo parecido al calamar. Actualmente este color se sintetiza, es marrón o terracota oscuro. No rojizo como la sanguina. Es muy resistente a la luz y se fabrican en tonos claros y oscuros.

Tiene la particularidad de que combinada con el blanco y el negro se consiguen dibujos aparentemente a todo color, ideal para retratos y especialmente desnudos por sus tonos delicados. En el argot profesional a esta técnica se la conoce como dibujo “a tres colores”.

Cómo usarlos: Lápiz sanguina grasa: Produce un trazo brillante. Es resistente al agua debido a los componentes de cera que lo componen. Dureza media.

Lápiz sanguina no grasa: Es el lápiz tradicional de esbozo y dibujo. Produce una trazada seca de color terracota. Es ideal para mezclar con pastel y carbonzillo. Dureza media.

Lápiz sepia clara y oscura: Ideales para trabajar con pasteles y carbonzillos. Dureza media.

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historia

lapices de color

U

La historia del lápiz de color no está del todo clara. Está bien documentado el uso de materiales de arte hechos de cera como los crayones, sin embargo, se remonta a la Grecia Clásica y más tarde fue documentado por el erudito romano Plinio el Viejo.7 Los materiales de arte hechos de cera fueron apreciados por los artistas durante siglos, debido a su resistencia a la degradación, la vivacidad y brillantez de sus colores y sus singulares calidades de registro.7 Aunque los lápices de color fueron previamente empleados para “revisar y marcar” durante décadas, no fue sino hasta inicios del siglo XX que se produjeron lápices de color de calidad artística. Entre los fabricantes que empezaron a producir lápices de color de calidad artística figuran Faber-Castell en 1908 y Caran d’Ache en 1924, seguidos por Berol Prismacolor en 1938.8 Otros fabricantes notables son Blick Studio, Cretacolor, Derwent, Koh-i-Noor Hardtmuth, Lyra, Schwan Stabilo y Staedtler.

n lápiz de color es un material de arte formado por una mina pigmentada, encerrada dentro de una funda cilíndrica de madera. Al contrario de los lápices de grafito y carbón vegetal, la mina de los lápices de color está hecha a base de cera o aceite, conteniendo proporciones variables de pigmentos, aditivos y aglutinantes.1 También se fabrican lápices con minas solubles en agua (acuarela) y lápices pastel, así como minas de color para portaminas.

Los lápices de color varían enormemente en términos de calidad y utilidad; la concentración de pigmentos en la mina, la fotoresistencia de los pigmentos, la durabilidad del lápiz de color y la suavidad de la mina son algunos indicadores de la calidad de una marca y, en consecuencia, de su precio. En general no existe una diferencia de calidad entre los lápices de color con minas a base de cera/aceite y aquellos con minas solubles en agua, aunque algunos fabricantes indican que sus lápices acuarela son menos luminosos que aquellos con minas a base de cera/aceite.

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EN OTROS PAÍSES COMO EL REINO UNIDO, CANADÁ, AUSTRALIA Y MÉXICO - ENTRE MUCHOS MÁS - SE HAN FORMADO ORGANIZACIONES Y SOCIEDADES PARA LOS ARTISTAS DEL LÁPIZ DE COLOR

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Técnicas de dibujo

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lapicero

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Es un instrumento de escritura consistente en una punta de carga, que contiene una bola, generalmente de acero o wolframio, que en contacto con el papel, va dosificando la tinta a medida que se la hace rodar, del mismo modo que un desodorante de bola.

Las obras con bolígrafo sigue atrayendo el interés en el siglo XXI. Los artistas contemporáneos reciben reconocimiento por su uso específico de los bolígrafos, por su capacidad técnica, la imaginación y la innovación.

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l bolígrafo puede ser de punto fino, mediano o diamante. Es el instrumento de escritura más popular y utilizado del mundo.

El bolígrafo es básicamente un tubo de plástico o metal que contiene la tinta y que tiene, en un extremo, la punta de escritura, que engarza una pequeña esfera o bola, de la que toma el nombre, y que sirve para regular la salida de tinta al papel de forma fluida y constante. Este tubo o “carga” (de tinta) se encuentra en el interior de un armazón que permite asirlo con comodidad.

Dicho armazón puede ser de dos partes (base y tapón) o de una sola, con diversos mecanismos que sacan o retraen la punta de la carga para protegerla de golpes y evitar que manche cuando se lleva en el bolsillo. Su producción a gran escala ha hecho que el costo sea muy bajo y lo ha convertido en el instrumento universal de escritura manual.

Desde el momento de su invención, el bolígrafo se ha convertido en un medio de arte versátil para los artistas profesionales, así como para los doodlers aficionados por ser baratos y ampliamente disponibles, y portátiles. Por lo tanto, esta herramienta común de la escritura es también una fuente del arte alternativo.

Se pueden utilizar las técnicas de lápiz y tinta tradicionales como «punteado» y «esgrafiado» para crear medios tonos o la ilusión de la forma y el volumen.

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os bolígrafos se pueden clasificar en distintas categorías: Punto: Fino o mediano, es decir, el grosor de la escritura.

Vida útil: desechable o recargable.

Mecanismo de apertura: tapa, pulsador o giro.

Material del que están hechos: plástico, metálico o bioplástico.

Las obras con bolígrafo sigue atrayendo el interés en el siglo XXI. Los artistas contemporáneos reciben reconocimiento por su uso específico de los bolígrafos, por su capacidad técnica, la imaginación y la innovación. Más recientemente, el artista británico James Mylne ha estado creando arte fotorrealista usando en su mayoría bolígrafos negros, a veces con Famosos artistas del siglo XX, tales como Andy color mezclado-media mínima.

Warhol, entre otros, han utilizado los bolígrafos en Obras de arte de Mylne es poalgún momento durante sus carreras.13 El artista pular en Londres e internacionalcoreano Il Lee ha estado creando grandes y abs- mente a través de Internet. tractas obras de arte solo con el uso del bolígrafo desde principios de la década de 1980.14 Su obra ha sido expuesta en Seúl (Corea del Sur) y América.

La disponibilidad del color de la tinta, y la sensibilidad a la luz, son algunas de las preocupaciones de los artistas del bolígrafo.9 Los errores son un riesgo mayor para ellos. Si se dibuja una línea, por lo general no puede ser borrada.10 Además, el “blobbing” de la tinta sobre la superficie de dibujo, y los “saltos” de flujo de tinta, requieren una consideración cuando se utilizan los bolígrafos para propósitos artísticos

Desde mediados de la década de 1980, Lennie Mace ha creado imaginativas obras de arte utilizando solo el bolígrafo, de diversos contenidos y complejidad, aplicándolos a superficies no convencionales, como la madera y el tejido vaquero.10 Lennie Mace acuñó términos como PENtings y Media Graffiti para describir su variada producción.

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plumilla Un plumín o plumilla (diminutivo ambos de pluma, en latín pinna ), es un dispositivo que imita la función de una pluma de ganso, usado para entintar una superficie con el propósito de escribir o dibujar sobre ella, usualmente sobre papel, después de mojarlo (sumergiéndolo) en el tintero cuando se acaba la tinta. Aunque normalmente es metálico, hecho de una chapa delgada de acero, de unos tres centímetros de largo, hay otros materiales (como vidrio). El plumín se asegura en un portaplumas, antiguamente, hecho de madera.

Recibe este nombre (que es diminutivo de pluma) dado que los primeros instrumentos usados ​​por el hombre, con la misma finalidad, fueron los cálamos y las plumas de ganso.1 El plumín de acero surgió, a mediados de 1800, sustituyendo a la pluma de ganso hasta que empezó a entrar en desuso durante la década de 1920 cuando fue reemplazado por la pluma estilográfica y más tarde en la década de 1950 por bolígrafo y el rotulador .

Los plumines de acero se utilizan, aún en caligrafía y otros fines artísticos.

También hay plumines enteramente de vidrio.

Punta pequeña de metal con una incisión o corte en el centro, que está fija en el extremo de una pluma estilográfica o se coloca en el extremo de un mango y se utiliza para escribir o dibujar con tinta.

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Hay artistas que no necesitan más. Hacen un dibujo de líneas, sugiriendo con delicadeza algunas zonas de sombra, aunque la mayor parte del papel permanece en blanco. Hay que dibujar muy bien para hacer tal cosa. No es posible ni el error ni la corrección. No hay sombra que oculte inseguridades ni disfrace con volumen un dibujo deficiente. Mediante trazos más o menos cortos cercanos, superpuestos o trenzados, conseguimos un tramado que da volumen al dibujo creando zonas de sombras, desde grises delicados, hasta llegar al negro total. Aunque se ilustran a continuación algunas de las posibles formas de hacer ésto, mejor analizar con detenimiento los ejemplos de distintos autores que en esta entrada aparecen, elegidos para observar distintas posibilidades. La sutileza de Rico, la complejidad de Fortuny, más trabajada, las largas y finas líneas de Whistler... Ya vimos en una entrada anterior, comentando un libro de Pennel sobre dibujantes y grabadores, que fue en el siglo XIX cuando este arte alcanzó su máxima expresión, altura no superada. Dibujantes franceses, españoles, italianos, americanos, entre otros, lo hicieron florecer para ilustrar las revistas que, por primera vez, generalizaron el acceso a imágenes para los lectores.

Vimos que Fortuny, Viergé, Rico, Casanova en España y otros como Lalanne en Francia o Whistler, americano, en Londres, de quienes ya hemos hablado, crearon obras maestras con esta técnica pictórica.

La técnica de la plumilla renuncia a muchos recursos de los que otras modalidades de pintura o dibujo disponen. Tenemos líneas, renunciamos a las medias tintas, al color, pero mediante sugerencias y no pocas convenciones debemos obtener sombras y planos en nuestra composición, resaltar aquello que es fundamental en la obra, ejando en un lugar secundario lo accesorio.

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yeso graso y seco El arte del dibujo al pastel pertenece a las llamadas técnicas secas, ya que a diferencia de la pintura al óleo o la acuarela, no se utiliza ningún disolvente y se aplica directamente sobre la superficie de trabajo.

Como soporte es común utilizar papel de buena calidad, de buen gramaje, de color neutro no blanco y de ligera rugosidad, aunque la técnica es lo suficientemente versátil como para que se pueda usar sobre otras superficies.1 Generalmente es rápida y permite realizar correcciones con gran facilidad, razón por la cual es escogida por muchos artistas.

Esta técnica se inventó, probablemente, en Francia e Italia a finales del siglo XVI, aunque había sido empleada ya por Leonardo da Vinci gracias al impulso de Jean Perréal.

El pastel conoció su edad de oro en el siglo XVII, donde sus colores francos y su capacidad para reproducir fielmente los tejidos, las texturas y las luces lo hicieron inseparable del medio del arte del retrato. Fue adoptado por numerosos pintores como Charles Le Brun, Robert Nanteuil o Joseph Vivien.

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Fue en el siglo XVIII cuando conoció su apoteosis. Era el medio de moda para pintar retratos, y se solía usar en una técnica mixta con gouache. Los pintores Maurice Quentin de La Tour y Rosalba Carriera son especialmente bien conocidos por su técnica al pastel. Quentin de La Tour fue conocido como el “príncipe de los pastelistas”; empleó un método de fijación del pastel hoy en día desaparecido. Los retratos de Jean Siméon Chardin (16991779) y bodegones son aún muy admirados. Tanto Chardin como Jean-Baptiste Perronneau y Jean-Étienne Liotard exploraron otras vías más espontáneas o intimistas. El pastel, símbolo de la gracia del Antiguo Régimen, cayó en desuso después de la Revolución francesa en beneficio del neoclasicismo y de la pintura al óleo.

Aunque este medio no ha vuelto jamás a recobrar ese lugar dentro del mundo artístico, continuó utilizándose, de manera destacada, por los impresionistas (Edgar Degas) y por los nabis (Édouard Vuillard).

Mary Cassatt presentó el impresionismo y esta técnica a sus amigos en Filadelfia y Washington y de ahí entró el pastel en los Estados Unidos. Pese a que ahí sólo se usaba de manera ocasional en los retratos, a finales del siglo XIX, de igual modo que la acuarela, se hizo más popular (Metropolitan Museum of Art de Nueva York). En 1885 se fundó la Society of Painters in Pastel (Sociedad de dibujantes al pastel).

El dibujo al pastel se hizo popular en el arte moderno debido a la amplia gama de colores brillantes aportados.

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Plumones

TÉCNICAS DE DIBUJO

Materiales EL rotulador es un invento japones de principios de los 60, es la consecuencia de la evolución del pincel. Lo más correcto sería llamarle, pluma de fieltro, puesto que tienen depósito como algunos pinceles japoneses.

TÉCNICAS DE DIBUJO Los Copic son rotuladores de tinta con base de alcohol empleados principalmente en trabajos de diseño gráfico y bellas artes. Muy utilizados para colorear los dibujos de Manga. No son tóxicos y son libres de ácido.

Técnica del trazado El trazado, o línea fina o gruesa, es la forma de aplicar la tinta. Aunque tambien se puede utilizar el puntillismo o la aplicación de texturas por modulos de repetición, pequeños trazos, circulos, etc.

Para la aplicación de fondos o superficies amplias utilzaremos rotuladores de punta ancha, en forma de pincel o también bisel.

Para coloración de pequeños espacios, texturas o detalles, puntas medias y finas en forma de bala.

Los rotuladores Copic son posiblemente los mejores rotuladores o al menos los más usados para colorear ilustraciones. De gran calidad y con una gran variedad de colores se utilizan para los trabajos profesionales. La marca que los fabrica es la empresa japonesa Too. Existen más marcas que comercializan rotuladores: Staedtler, Pentel, Stabilo, Royal Sovereign Magic Marker o Letraset, siendo esta última con su serie Tria Pantone la más profesional.

Base volátil (alcohol): secan más rápido Magic Market 123 Edding 600 Pentel Stabilo 50 Mecanorma 116 Pantone de Letraset 203 Características.

Base acuosa: Staedtler punta fina Marcadores-pinceles Mars

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-Punta semirrígida permite cubrir grandes superficies de manera uniforme.

-Se autoalimenta de tinta.

-La tinta seca con rapidez y ello permite superponer y yuxtaponer colores casi al instante.

Existen actualmente 4 tipos diferentes de Copic :

Técnica

Copic Marker : Son la gama más profesional. Su forma es cuadrada para un mejor agarre y para evitar que rueden el las superficies. Tienen doble punta, una biselada y la otra que es un fino pincel, son recargables y las puntas intercambiables. En ambos tapones llevan grabado su código y son aptos para la aerografía. 214 colores.

En la técnica del rotulador se aplica directamente sobre el papel el color deseado, realizandose la mezcla tonalidad sobre tonalidad, con un acabado donde prima la transparencia, de forma similar a la acuarela.

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TÉCNICAS DE DIBUJO

TÉCNICAS DE DIBUJO

Acuarelas La técnica de la acuarela consiste en aplicar capas semi-transparentes, que se irán superponiendo para conseguir colores más oscuros. Se pinta de claro a oscuro, es decir, no se pinta el color blanco, sino que se reserva el blanco del papel.

Dibujo Técnica Acuarela Una de las técnicas mas usadas es la del papel mojado, también se conoce como acuarela húmeda. Consiste en mojar o humedecer el papel sobre el que vamos a pintar y, a continuación, con el pincel bien cargado de color damos pinceladas, horizontales, suaves, inclinado el papel para que corra el color consiguiendo un degradado. Después, y una vez seca la primera capa, se pueden superponer (1) distintos baños. Si los baños anteriores no se han secado se mezclaran los colores, produciendo, la mayoría de las veces, efectos no deseados. Mientras que el papel este húmedo, si añadimos colores o tintas, tenderán a expandirse, obteniendo unos efectos muy interesantes. Se puede hacer por medio de goteo (2), o bien añadiendo colores con el pincel e inclinando el papel en la dirección que queramos para que corra el color (3).

Otra es la utilización del color en el papel completamente seco, también se conoce como acuarela seca. Se aplican baños tenues, superponiendo uno sobre otro, cuando este seca la capa inferior. También se podrían emplear colores intensos y finales. En la resolución de un tema, normalmente, se emplean ambas técnicas, la acuarela húmeda para cubrir y colorear grandes superficies, segundos planos, cielos, etc., y la segunda para resaltar primeros planos

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La aplicación de un color sobre otro ya seco, las superposiciones, tienen una gran importancia en la acuarela. Se considera uno de los procesos necesarios para añadir calidades abstractas al color. frío y a continuación el cálido, el resultado es totalmente diferente.

El color frío neutraliza al cálido ensuciándolo.

Cuando un color resulte opaco o apagado y queremos darle luminosidad, se deberá velar con una tinta más luminosa y transparente.

Tensar el papel 1.Para pintar, el primer paso será tensar el papel. El papel se tensa para evitar que se arrugue cuando lo mojemos, pues el papel mojado se expande.

2.Primero, con cúter o tijera, cortamos el papel a la medida que deseemos. Después, con una esponja empapada, mojamos el papel.

3.Cuando se seque, el papel intentará encogerse hasta su tamaño original, pero no podrá hacerlo por estar sujeto.

4.La siguiente vez que lo mojemos, con las acuarelas, ya no se expandirá de nuevo, y de ese modo evitaremos que se arrugue.

1. Pinceles Redondos Se utiliza sobre la punta, aplicando presión se puede dirigir el espesor de la pincelada. Es el pincel más importante para las técnicas de pinceladas clásicas, comas, S, lágrimas y pétalos.

El color básico, color general o de fondo, influirá en todos los colores transparentes que le superpongamos. Por regla general, en las superposiciones, se debe aplicar primero el color mas cálido, por ejemplo, para obtener un color anaranjado, pondremos primero el color rojo y, una vez seco, superpon dremos el amarillo (observad fig. 1); para el violeta, primero bañaremos con color rojo y después con el azul.

2. Pinceles Planos También llamados carrados, se conocen como cuadrados.Estos pinceles tienen la forma del pelo cuadrada 3. Pinceles Especiales: Pincel Angular - Angular Shader (Plano con los filamentos cortados en ángulo)

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TÉCNICAS DE DIBUJO

TÉCNICAS DE DIBUJO

Acrilicos La pintura acrílica es una clase de pintura que contiene un material plastificado, pintura de secado rápido, en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico.

Son solubles en agua, pero secan muy rápido y una vez que secaron son muy resistentes al agua. Al secar se modifica ligeramente el tono, más que en el óleo.

• Pátina: es la técnica que da un efecto de envejecido. Se aplica una capa de pintura

acrílica negra o de un color oscuro. Luego se aplica con un pincel viejo o esponja, dando toquecitos, la pintura acrílica del color deseado, de modo que deje ver parte del fondo oscuro.

Los acrílicos tienen ventajas y limitaciones, y es tarea del pintor decidir si puede aprovechar unas a pesar de las otras. Como medio, no tienen nada que ver con los óleos; la sustancia y cuerpo de los colores son más semejantes a los de la acuarela, gouache y temple. Los pintores al temple de Florencia habrían usado acrílicos, pero no los venecianos como Tiziano (1487-90/1576) y Tintoretto (1518-94),

Algunas de las técnicas que se pueden emplear con este tipo de pintura son: • Aguada: Es pintura acrílica diluida con agua, la cual da un acabado translúcido y poco consistente, con un efecto lavado.

Se aplica una mano de pintura satinada del mismo color de la aguada, se deja secar. La aguada se prepara diluyendo en partes iguales pintura acrílica y agua. La aguada se aplica con una brocha ancha y de forma despareja.

La técnica del pincel seco, familiar para pintores al óleo y acuarelístas -se deja el pincel seco, con las cerdas ligeramente abiertas- da buenos resultados con pintura acrílica, clara o espesa

• Esponjado: se aplica la pintura acrílica con esponja, dando golpecitos suaves sobre la superficie. Esta técnica da un aspecto rugoso. La pintura acrílica para el esponjado debe estar un poco diluida. Para la aplicación, se moja la esponja en pintura y se escurre el exceso antes de aplicar.

• Trapeado: esta técnica consiste en la aplicación de la pintura acrílica con una brocha bien cargada, para luego extenderla con un trapo arrugado.

• Marmolado: esta técnica es una imitación del mármol, es difícil de rea-

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lizar, pero el resultado lo vale. Se aplica pintura acrílica base de un color liso. Luego se pasa un trapo para esfumar la pintura. Con un pincel fino, se dibujan líneas irregulares como las vetas del mármol. Las líneas se difuminan con una brocha luego de pintadas.

• Craquelado: es una técnica de agrietado desparejo. Se obtiene aplicando una mezcla de polvo de tiza con pintura acrílica

Pinceladas Puede obtenerse con acrílicos un acabado con pinceladas visibles, tan fácilmente como con óleos. La pintura debe estar sin diluir o con muy poca agua o medio acrílico. En el «Tarzán» de Peter Blake, la cabeza revela fuertes pinceladas, que crean una superficie viva, en fuerte contraste con el color plano del cielo.

Pinceladas.

• Esponjado: se aplica la pintura acrílica con esponja, dando golpecitos suaves sobre la superficie. Esta técnica da un aspecto rugoso. La pintura acrílica para el esponjado debe estar un poco diluida. Para la aplicación, se moja la esponja en pintura y se escurre el exceso antes de aplicar.

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Tinta china

TÉCNICAS DE DIBUJO

La tinta china es una técnica milenaria que se utiliza para dibujar en blanco y negro principalmente, aunque hay de muchos colores. Se trabaja mucho el dibujo y los efectos con pinceladas. Son famosos los dibujos y pinturas japoneses del estilo Sumi-e, en el que con trazos simples se representan las formas. En estas obras es necesario desarrollar la práctica y el manejo del trazo con los pinceles La tinta china también se trabaja con una plumillas, y se crean buenas obras a base de dibujo lineal, punteados, manchados y otros efectos.

Plumilla de tinta china.

Hay que tener mucho cuidado con las gotas, borrones y con tocar la tinta cuando aún no se ha secado…

Se aconseja el papel sin demasiada texturas, de dibujo.

TÉCNICAS DE DIBUJO

Mientras que en la antigüedad la tinta china se preparaba al momento del uso, hoy es posible adquirir frascos con tinta china ya preparada y lista para utilizar. Se trata de una sustancia más bien densa. Una de sus principales características es que resulta inerte desde el punto de vista químico: los rayos solares, de este modo, no la modifican. Esto hace que, pese al paso del tiempo, los trazos realizados con tinta china no se decoloren.

Como curiosidad

podemos mencionar que a la tinta china incluso se le han atribuido propiedades mágicas: hay quienes sostienen que con ella se puede curar el herpes zóster, la enfermedad virósica también conocida como culebrilla, al “encerrar” el virus con sus trazos. La medicina, sin embargo, explica que el tratamiento de la culebrilla sólo puede ser paliativo y debe realizarse con antivirales y analgésicos

para minimizar el efecto de los síntomas.

Ideal para aquellos que tienen mucha paciencia y saben crear ilustraciones con cariño y creatividad.

Los monjes zen Sengai y Hakui, por su parte, lo utilizaron para ejercitar la meditación ya que se dieron cuenta de que la disciplina necesaria para dominar esta técnica.

A estos pigmentos de color negro se les añade un aglutinante y agua para formar la tradicional tinta china, que comenzó a utilizarse en China en el siglo III antes de Cristo, luego llegó a Japón y finalmente se expandió por el mundo.

Para dominar el sumi-e es necesario aprender a dejar a un lado esas ideas e imposiciones que intentan dominarnos, que juzgan cada paso que damos y limitan nuestra creatividad y nuestro desarrollo personal. Al tomar el pincel debemos despojarnos de nuestros miedos y volvernos receptivos de nuestro entorno, conectarnos con nuestro interior sin permitir que ninguna barrera se interponga entre nosotros y el papel

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TÉCNICAS DE DIBUJO

Técnicas de dibujo no convencionales pintar con cafe Solemos usar el café como bebida pero, ¿Sa- fuerte que tenga aspecto oscuro, bastante denbías que también se puede utilizar como pintura acuarela para cuadros?. Seguramente ahora mismo estés pensando que en Monkee estamos locos y experimentamos con el café de todas las formas pero te aseguro que es una práctica muy habitual entre los expertos de acuarelas. De hecho, el vino, el té o el café se utilizan para teñir todo tipo de telas. En este Post te vamos a enseñar cómo hacer pintura con café.

Tranquilo es muy fácil. No tienes porqué complicarte la vida haciendo mezclas imposibles. Además, seguramente ya tengas la materia prima requerida para este tipo de pinturas. ¿QUÉ NECESITAS PARA PREPARAR LA PINTURA CON CAFÉ?

PINCELES: En realidad puedes usar cualquier herramienta compatible a la densidad y textura del café.

(Pincel, dedos, cucharillas, etc.).

UN RECIPIENTE: Lo necesitarás para introducir la mezcla. Lo ideal es que ésta contenga poco agua. El objetivo es conseguir un café muy

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so y pegajoso.

PAPEL ESPECIAL PARA ACUARELA O ACRÍLICO: Necesitarás este soporte de papel para tu obra.

CAFÉ EN POLVO. Puede ser café molido o soluble. Te recomiendo que no te compliques mucho y directamente uses café soluble ya que ahorrarás bastante tiempo y trabajo. Pero cualquiera de las dos opciones te sirven igual.

AGUA CALIENTE: Lo necesitas para disolver el café. Para el café soluble también te lo recomendamos, te facilitará el proceso.

Antes de empezar a pintar usa un borrador en un papel acuarela y encuentra los tonos que quieras usar porque al secarse notarás que sobre este soporte el color es distinto.

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aerosol(graffiti) En el lenguaje común, el grafiti es el resultado de pintar textos abstractos en las paredes de manera libre, creativa e ilimitada con fines de expresión y divulgación donde su esencia es cambiar y evolucionar; buscando ser un atractivo visual de alto impacto, como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde. Es uno de los cuatro elementos que conforma la cultura Hip Hop. Se llama pintada, grafito1 o grafiti (las dos últimas del italiano graffiti, graffire, y este a su vez del latín scariphare, ‘incidir con el scariphus’ —estilete o punzón, con el que los antiguos escribían sobre tablas) a una modalidad de pintura libre, destacada por su ilegalidad, generalmente realizadas en espacios urbanos. Su origen se remonta a las inscripciones que han quedado en paredes desde los tiempos del Imperio romano, especialmente las que son de carácter satírico o crítico.

Para denominar estas inscripciones de época arqueológica es más frecuente el uso de la palabra «grafito»

El tiempo entre 1971 y 1975 se denomina Era Pionera, ya que el grafiti como era conocido tuvo giros de estilo y popularidad.

etc; junto a un amplio repertorio de caricaturas y dibujos en lugares menos afectados por la erosión, como en cuevas-santuario, en muros enterrados, en las catacumbas de Roma o en las ruinas de Pompeya y Herculano, donde quedaron protegidos por la ceniza volcánica. De época moderna se conocen también ejemplos, hechos por marineros y piratas que en sus viajes, al pisar tierra, dejaban sus iniciales o sus seudónimos marcados sobre las piedras o grutas, quemando un trozo de corcho.

Entre los romanos estaba acentuada la costumbre de la escritura ocasional sobre muros y columnas, esgrafiada y pintada, y se han encontrado múltiples inscripciones en latín vulgar: consignas políticas, insultos, declaraciones de amor,

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aerografia

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Una aerografía es una técnica de aplicación por aspersión o difuminación aérea de pintura sobre una superficie u objeto y es similar a la aplicación por spray en la confección de los grafiti, pero en este caso, utiliza una herramienta denominada aerógrafo para su aplicación. La aerografía es una técnica artística que requiere de un cierto grado de entrenamiento, para ello se utiliza una fuente de aíre a presión positiva, mangueras neumáticas, compresor, proporcionando aire por Efecto Venturi sobre un aerógrafo que mezcla aire y pigmento prediluido en un solvente que lo proyecta en forma atomizada.

Debido a que es difícil realizar la técnica, que depende del artista y de la calidad de los equipos para lograrlo, la realización de la misma requiere una cierta preparación de los profesionales o estudiantes de arte. Los resultados son muy superiores a la aplicación con pincel o brocha y tienden a compensar la dificultad inicial.

Para esta técnica, se utiliza un instrumento llamado aerógrafo, que se conecta a un compresor de aire y crea finos chorros de aire con pequeñas gotitas atomizadas de pigmento. Los estudiosos de esta técnica dicen que el arte de la aerografía apareció en los tiempos prehistóricos, cuando hombres lanzaban pigmentos en las cavernas a través de tubos procedentes de huesos.

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TÉCNICAS DE DIBUJO Aplicaciones La aerografía se usa para artes plásticas en superficies regulares y en especial irregulares, pintado de objetos de geometría variada, en especial el maquetismo, tatuajes sobre piel conocido como body paint , aplicaciones automotrices, enchulados, o graffitis. Incluso también hay un tipo de pintura comestible y se utiliza para decorar tartas principalmente.

La aplicación a escala industrial de la aerografía se realiza en fábricas automotríces, talleres de restauración, lacados artesanales, tratamientos de superficies, etc.

referencias artistas 31

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ARTISTAS

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algunos artistas exponente de cada tecnica TECNICAS SECAS

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TÉCNICAS DE DIBUJO El pastel conoció su edad de oro en el siglo XVII, donde sus colores francos y su capacidad para reproducir fielmente los tejidos, las texturas y las luces lo hicieron inseparable del medio del arte del retrato. Fue adoptado por numerosos pintores como Charles Le Brun, Robert Nanteuil o Joseph Vivien.

FEDERICO URIBE es un talentoso artista colombiano radicado en Miami quien trae una propuesta muy interesante en escultura, utilizando materiales de uso cotidiano.

Estudió arte en la Universidad de los Andes de Bogotá y luego hizo una especialización en Bellas Artes de New York.

“Pencilism” es uno de sus trabajos más impresionantes, se trata de una serie en la que utiliza piezas de lápices de colores fragmentados, a veces unidos con amarres plásticos, para crear increíbles paisajes esculpidos, animales, cuadros y figuras humanas, incluso en tres dimensiones.

Raul Pazos, no muestra su vision de la realidad, presentando imagenes sin orlas, su espacio preferido es el papel, tan antigua herramienta y fundametal arma para crear una buena ilustracion, pero aun le falta explorar nuevos materiales.

Trabaja con el claro oscuro, luz y sombra ,dualidad eterna que lo acompaña, siempre en constante aprendizaje, es autodidacta por falta de paciencia.

Busca la exactitud en los detalles, contrastada con la irrealidad del efecto espacial, con capacidad en convertir en temas los detalles visuales de la realidad, creando un aspecto ludico entre el titulo y el icono.

La busqueda de dominar la materia y el espacio, quizas nos muestras introspeccion. “ mi arma es un lapiz, mi escudo es un papel”...

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A pesar de que no existen cuentas conocidas de patrocinios oficiales, las empresas de bolígrafos han mostrado su apoyo a los artistas que utilizan sus productos. Lennie Mace creó en 1993 una réplica a color de la “Mona Lisa” de Leonardo da Vinci, para la empresa Pilot Pen, utilizando únicamente sus bolígrafos (mostrado en la galería inferior). Por otro lado está el artista británico JAMES MYLNE, quien creó una réplica de “La joven de la perla” de Vermeer en el año 2010, utilizando únicamente bolígrafos BIC, como parte de una campaña organizada por dicha empresa.

Fue en el siglo XVIII cuando conoció su apoteosis. Era el medio de moda para pintar retratos, y se solía usar en una técnica mixta con gouache. Los pintores Maurice Quentin de La Tour y Rosalba Carriera son especialmente bien conocidos por su técnica al pastel. Quentin de La Tour fue conocido como el “príncipe de los pastelistas”; empleó un método de fijación del pastel hoy en día desaparecido. Los retratos de Jean Siméon Chardin (1699-1779) y bodegones son aún muy admirados. Tanto Chardin como Jean-Baptiste Perronneau y Jean-Étienne Liotard exploraron otras vías más espontáneas o intimistas. El pastel, símbolo de la gracia del Antiguo Régimen, cayó en desuso después de la Revolución francesa en beneficio del neoclasicismo y de la pintura al óleo.

BANSKYSu trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta.

Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su

biografía.

Aunque este medio no ha vuelto jamás a recobrar ese lugar dentro del mundo artístico, continuó utilizándose, de manera destacada, por los impresionistas (Edgar Degas) y por los nabis (Édouard Vuillard).

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Este pintor de acuarelas realiza obras de temas naturales con una grandísima sabiduría. Utiliza todos los trucos o técnicas que se deben conocer si se pinta con acuarela.

Es una artista que comparte su

Hasta un tema tan simple como un tronco de árbol acaba siendo espectacular en las manos de Zoltan Szabo.

Si bien encontrar la inspiración muchas veces puede resultar difícil, ella asegura que obtiene la esa fuerza creativa de su madre y recuerda que desde pequeña su mamá era quien se aseguraba de que ella tenga un lugar donde pintar.

Técnicas básicas que utiliza: ◦Mojado sobre mojado. ◦Reservas (para proteger los elementos blancos y más claros). ◦Veladuras y aguadas de acuarela. ◦Pincel seco.

Con estas técnicas, mucha paciencia y mucho arte, logra reproducir las hierbas, los reflejos del agua, las texturas, o las formas precisas de una planta. Estos elementos son su belleza, lo atractivo de sus acuarelas.

Es un acuarelista al estilo tradicional en el sentido de trabajador, representando la naturaleza con realismo y conociendo el valor del color acertado.

talento mostrando sus hermosas y coloridas ilustraciones de animales con plumones y colores con sus seguidores.

La ilustradora norteamericana, procedente de Georgia, asegura que crea sus ilustraciones con plumones y lápices de colores.

Ella ha aprendido a respetar las opiniones de los demás respecto a su trabajo, aunque siempre existen aquellos que solo quieren criticar. Es cierto que no puedes complacer a todos y con este trabajo esa ley no es la excepción.

Katy Lipscomb Tecnica de plumones o marcadores

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TÉCNICAS DE DIBUJO Fernando Garrido Robres.

Nacido en Madrid en 1.958.

Nieto materno del pintor y músico D. Antonio Robres Agoiz.

Pintor especializado en tinta china ejecutada con pluma, pincel y bambú.

Miembro de la Agrupación de Acuarelistas de Andalucía.

Miembro de la Agrupación Acuarelista de Ceuta.

Miembro del Colectivo Artístico “Ventana Plástica”. Sevilla.

Pintor colaborador con UNICEF. Pintor de la Art Wanson Gallery desde Octubre de 2011.

Robres pinta desde su infancia pero hasta el año 2001 no se mete en el mundo del arte, recibiendo clases en la Universidad Popular de Dos Hermanas, en Sevilla.

Durante 4 años se aficiona cada vez más a la pintura, pero un hecho hace que deje los pinceles. Vuelve a pintar como una necesidad imperiosa de comunicarse y dejar constancia de sus vivencias al entrar en contacto estrecho con Marruecos y el mundo árabe, hasta el punto de contraer matrimonio con una mujer marroquí. Animado por pintores consagrados y críticos de arte que ven en lo que hace algo totalmente distinto a lo habitual, ya que utiliza la tinta china para expresar el costumbrismo árabe dignificando lo cotidiano de la vida, se dedica con ahínco a la pintura comenzando a realizar en el año 2010 sus primeras exposiciones individuales exclusivamente con tinta.

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TÉCNICAS DE DIBUJO Artista estadounidense y maestro del expresionismo abstracto, nacido en el año 1929 en Wyoming, EEUU, entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso, el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. Se distanció del arte figurativo y desarrolló técnicas como el splashing o el dripping, consistentes en lanzar pintura al lienzo o dejarla gotear encima de este (action painting). Durante el periodo 1949-1950. Peggy Guggenheim fue su mecenas, quien le entregaba una mensualidad para subsistir.

La pintura más famosa de Jackson Pollock: “Nº5 , 1948” tiene el record de subasta al venderse en la no poca cantidad de 140 MDD (USD140.000.000), el cuadró fue pintado con la técnica “dripping” (chorreo de pintura sobre el lienzo)

Jackson Pollock Tecnica: Acrilico

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Guía completa de pintura y dibujo: técnicas y materiales C Hayes, JMI Delgado Técnicas y materiales del arte A Fuga, E Roig El gran libro del dibujo: la historia, el estudio, los materiales, las técnicas, los temas, la teoría y la práctica del dibujo artístico http://www.artelista.com/ https://es.wikipedia.org

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BIBLIOGRAFIA