Programmheft donaufestival 2016

Krems â „ Austria

April 29 - May 7 2016

inhaltsverzeichnis Vorwort

4

Performance / Installation Music (Tag 1 – 6) Film / Soundart / ART

Datum

6 21 34

Service Tickets 52

52 buSTRANSFER Vorverkaufsstellen/Infos 53 Veranstaltungsorte 54 Timetable siehe Anhang

ARTIST

SEITE

A 06.05.

07.05.

Angel-Ho ( Music) Atom TM: TEXTUREN

B 07.05.

01.05.

Babyfather ( Blanck Mass

C 05.05.

Cut Hands

D 07.05.

DJ Koze

E 29.04. - 01.05.

Elisabeth Bakambamba Tambwe: CHARLIE AND THE ANGELS / RECONSTRUCTION / FLÈCHE ( Installation/VIDEO/PERFORMANCE) Evian Christ ( Music)

30.04.

( Music)

Music) ( Music)

30 30

28 26

M 05.05.

30.04.

29.04.

01.05.

01.05.

05.05. - 07.05.

Manuel Knapp ( Music) Maurice Louca ( Music) Mbongwana Star ( Music) Mogwai play Atomic ( Music) Monk Parker ( Music) Monster Truck & Theater Thikwa: DSCHINGIS KHAN

29 25 22 27 27 18

O 29.04.

26.04.

Omar Souleyman ( Oneirogen ( Music)

P 07.05.

01.05.

16.04. - 04.06.

01.05.

Pantha du Prince presents The Triad ( Music) Pedro Costa: NE CHANGE RIEN ( Film) Peter Tscherkassky: COMING ATTRACTIONS ( ART) Pierre Bastien ( Music)

32 35 37 26

R 05.05.

29.04. - 07.05.

07.05.

29.04.

05.03. - 02.10.

13.03. - 19.06.

Rashad Becker with members of Alarm Will Sound ( Music) Roberta Lima: QUEER WAY ( Installation/Performance) Rødhåd (Dystopian, Token Records) ( Music) RP Boo ( Music) Rubén D'Hers: QUEBRADA ESCONDIDA ( SOUNDART) Ryan Mitchell, Ben Zamora und Casey Curran: WHO WITH THEIR FEAR IS PUT BESIDE THEIR PART ( Installation)

28 7 33 23 36 9

12&13 25

Fatima Al Qadiri

G 29.04.

07.05.

Gaika ( Music) 23 Gelatin, KlitClique und Elikuka: KARAOKEMACHINE - PARTIZIPATIVER SING 19 A LONG YOUR SONG GUTEN ABEND ( PERFORMANCE/ Music) 28 Ghédalia Tazartès ( Music) God's Entertainment: NIEMAND HAT EUCH EINGELADEN - TEIL II DER 10&11 NEUEN EUROPÄISCHEN TRAGÖDIE / AL PARADISO - EINE INSTALLATION, DIE ZUM SCHWEIGEN BRINGT! ( Performance/Installation) Good Sad Happy Bad ( Music) 28

05.05.

29.04. - 07.05.

05.05.

H 24.04. - 02.05. Hatsune Miku:

Initiiert von Mari Matsutoya in Zusammenarbeit mit Laurel Halo, Darren Johnston, LaTurbo Avedon und Martin Sulzer: STILL BE HERE

25

17&22

( PERFORMANCE/INSTALLATION/ Music)

29.04.

Hieroglyphic Being

( Music)

I 30.04.

Islam Chipsy

J 30.04.

01.05.

06.05.

25.04. - 07.05.

Jean-Luc Godard: ONE PLUS ONE ( Film) John Cassavetes: SHADOWS ( Film) Juliana Huxtable ( Music) Julius Deutschbauer, David Jagerhofer und Barbara Ungepflegt: KUNSTINSPEKTION DONAU ( Performance)

K 30.04.

Kode9

( Music)

( Music)

SEITE

Le1f ( Music) Lotic ( Music)

F 30.04.

( Music)

ARTIST

L 06.05.

06.05.

33

( Music)

Datum

30 32

29

( Music)

artistS a-Z

22 25 35 35 31 15&16 25

( Performance)

23 26

Music)

S 29.04. - 07.05. Saint Genet: FRAIL AFFINITIES ( Performance) 30.04.

Shackleton presents: POWERPLANT ( Music) 07.05.

STATION ROSE: PiXXL_HALL INCL. PUBLIC BRAIN SESSION 2.0 ( PERFORMANCE/ 30.04. ( Music) Stefan Fraunberger: T 30.04.

07.05.

06.05.

Tara Transitory aka One Man Nation Tim Hecker ( Music) Total Freedom ( Music)

W 05.05.

Wolf Eyes

( Music)

( Music)

8 24 19 Music)

24 30 32 31 29

5

donaufestival 2016 – redefining arts Mit dem donaufestival 2016 geht nun eine das Festival maßgeblich prägende Ära unter der künstlerischen Leitung von Tomas Zierhofer-Kin zu Ende. Er war für das donaufestival der Jahre 2005-2016 wahrlich der richtige Kopf, der es klug verstanden hat, das Festival gänzlich neu und andersartig zu positionieren. In den Anfangsjahren noch skeptisch beäugt, ist das donaufestival nach etwas mehr als einer Dekade zweifelsfrei zu einer unumstrittenen, zeitgenössischen Festivalposition in ganz Österreich und in einem internationalen Kontext avanciert.

Inhaltliche Signale wie eben jenes des donaufestival haben aber auch ganz erheblich zum neuen kulturpolitischen Image des Landes Niederösterreich im Sinne von Weltoffenheit, Internationalität und des zeit-

genössischen Anspruchs beigetragen.

Gerade in den vergangenen Jahren und Monaten hat sich die Welt radikal verändert und so ist auch die Kunst noch stärker als bisher gefordert, als gesellschaftspolitischer Katalysator zu wirken und dabei unorthodoxe Denk- und Lösungsansätze anzubieten. Eben diese Rolle hat das donaufestival kompromisslos gespielt und gelebt!

Daher werden wir in der Kulturpolitik des Landes Niederösterreich weiterhin alles tun, um diesen künstlerischen Freiraum auch in den kommenden Jahren für das donaufestival zu gewährleisten.

Bleiben Sie dem donaufestival und seinem neuen künstlerischen Leiter ab 2017, Thomas Edlinger, als Gäste auf dieser künstlerischen Suche unter dem Motto „redefining arts“ treu und gehen Sie auch weiterhin diesen spannenden künstlerischen Weg mit uns!

DR. ERWIN PRÖLL

Landeshauptmann

Die gesellschaftspolitische Aufgabe von Kunst kann nicht darin bestehen, im aufgeklärten, bürgerlichen Sinn gesellschaftskritisch zu sein. Dafür gibt es weit geeignetere Medien und Zuständigkeiten! Kunst, wenn wir sie ernst nehmen, ist vielmehr die fundamentale Aufhebung des Normativen, die sinnliche wie intellektuelle Erfahrung einer anderen möglichen Welt. Indem sie uns die NichtNorm, den radikal anderen Blick auf die uns umgebende Welt ermöglicht, stellt sie einerseits das gesamte System unseres Denkens, Empfindens und Handelns in Frage und eröffnet andererseits utopische Möglichkeitsfelder, die das Potential einer grundlegenden Neuausrichtung von Denken und Handeln in sich tragen.

Dass angesichts der menschlichen Tragödien von Krieg, Terror, Ausbeutung, Unterdrückung, Umweltzerstörung und der daraus resultierenden Flucht die große Krise des Abendlandes ausgerufen wird, ist nicht unbegründet! Die gegenwärtige Situation ist das Ergebnis unseres noch immer zutiefst kolonialen und imperialen Denkens und Agierens!

Das künstliche Paradies der humanistischen abendländischen Werte basiert jedoch auf einem monetären wie intellektuellen Reichtum, der nur durch Unterdrückung und Ausbeutung „der Anderen“ entstehen konnte.

Angesichts dieser historischen, wie noch immer aktuellen Tatsache ist das verzweifelte Hochhalten der westlichen

Werte - verbunden mit einer aggressiven weiteren Abschottung und Ausgrenzung - der hilflose Ausdruck des Scheiterns eines neuen Denkens und Handelns in der abendländischen Welt. Die pervertierte Falschdeutung dieser Werte durch rechte AggressionstreiberInnen einerseits, und die zutiefst verachtenswerten Gräueltaten ihres ungeistesverwandten Lagers von 9/11 bis Bataclan andererseits, sind die tragischen Symptome des Versagens antiimperialistischen wie antikolonialen Gedankengutes.

Das donaufestival 2016 versteht sich als Manifest der Nicht-Norm, des anderen, des postkolonialen Blicks auf eine Welt des Grauens. Aber die Statements unserer KünstlerInnen sind auch Ausdruck von Hoffnung und Utopie, ein Appell zu einem neuen Denken, Handeln und Empfinden.

Ich bedanke mich beim besten Festivalteam, das man sich wünschen kann, bei meinen wunderbaren Ko-KuratorInnen Istvan Gyöngyösi, Gabrielle Cram und Klaus Moser, unseren grandiosen KünstlerInnen und bei unserem nicht weniger grandiosen Publikum und somit für eine sensationelle Zeit in Krems! Und ich melde mich schon jetzt als Stammgast bei meinem Nachfolger und hochgeschätzten Kollegen Thomas Edlinger ab dem Frühling 2017 an.

Tomas Zierhofer-Kin Künstlerischer Leiter donaufestival

_ Saint Genet

7

PERFORMANCE/INSTALLATION

A

13.03. – 19.06.

Ryan Mitchell, Ben Zamora und Casey Curran

25.04. – 07.05.

Julius Deutschbauer, David Jagerhofer und Barbara Ungepflegt

29.04. – 07.05.

Saint Genet

29.04. – 07.05.

Roberta Lima

29.04. – 07.05.

God’s Entertainment

29.04. – 01.05.

Elisabeth Bakambamba Tambwe

29.04.

Monster Truck & Theater Thikwa

07.05.

Station Rose

07.05.

Gelatin, KlitClique und Elikuka

Fr, 29.04.

Sa, 30.04.

So, 01.05.

Do, 05.05.

Fr, 06.05.

Sa, 07.05.

17:00 – 20:30 10:00 – 20:30 10:00 – 20:30 10:00 – 20:30 10:00 – 20:30 10:00 – 20:30

Fr, 29.04.

Sa, 07.05.

20:00 – 20:20 18:00 – 18:20

PERFORMANCE

Roberta Lima Queer Way

INSTALLATION / PERFORMANCE Uraufführung

(siehe S. 37)

Initiiert von Mari Matsutoya in Zusammenarbeit mit Laurel Halo, Darren Johnston, LaTurbo Avedon und Martin Sulzer 05.05. – 07.05.

INSTALLATION

Hatsune Miku

29.04. - 07.05.

Klangraum Krems Arkadenhof

In ihren Performances stellt Roberta Lima tradierte Konzepte von Schönheit zur Diskussion, indem sie klassische Modernismen mit Kabeln, Kameras, Monitoren, Projektionen und anderen Geräten konterkariert. Gegenwärtig visualisiert die Künstlerin Produktionsbedingungen auf dieselbe Art, wie sie das in ihren früheren Performances mit ihrem Körperinneren getan hat. Limas aktuelle Arbeiten beziehen sich auf den technischen Aspekt ihrer Reflexionen über Body Politics - den zumeist weiblichen Körper als Politikum - um den Raum zu gestalten. Dazu manipuliert sie die Formensprache von Minimal Art und Architektur, wie den Kubus oder den Zylinder in den Arbeiten „Displacement, White Box New York, 2012“ und „Future Past Light Cones, MUSAC León / Spanien, 2015“.

Diese Elemente werden durch feministische Aktionen approbiert – was wiederum zum Ziel hat, den spezifischen Handlungsort von Architektur und Kunst freizugeben, indem Lima ihn mit ihren Handlungen kontaminiert. Zum donaufestival kehrt

sie mit der Arbeit „Queer Way“ zurück, einem queeren Fluss, der sich im starken Gegensatz zum zirkularen Kreuzgang des Minoritenklosters definiert. Dazu erschafft sie so genannte „Objects of Seeing“, mit dem Ziel ihre eigenen Erfahrungen als Migrantin und Feministin öffentlich zu machen.

Sie beschreibt ihre Skulpturen als statische Objekte, die mittels körperlicher Interaktion in Bewegung gesetzt werden können. Die Skulpturen, wie auch der migrantische Körper selbst, haben Schwierigkeiten sich im vorgegebenen, fixen geometrischen Rahmen frei zu bewegen. Mit den „Objects of Seeing“ verbindet Roberta Lima den Innenhof mit dem überdachten Kreuzgang und ermöglicht so einen veränderten Blickwinkel auf die Dinge und Menschen im Hof. Sie versucht einen Bruch des Raumes herbeizuführen, indem sie seine Funktion umwertet und die Dekonstruktion kolonial wie religiös vorherbestimmter Muster und Zwänge beschwört.

Die Performances finden unter Mitwirkung von Pêdra Costa und das_em statt.

8

9

29.04. - 07.05.

B

13.03. - 19.06.

Kunsthalle Krems/Zentrale Halle

Fr, 29.04.

Sa, 30.04.

So, 01.05.

Do, 05.05.

Fr, 06.05.

Sa, 07.05.

B

18:30 – 21:00 17:00 – 19:30 14:30 – 17:00 14:30 – 17:00 18:30 – 21:00 17:30 – 20:00

Kunsthalle Krems/Zentrale Halle

Öffnungszeiten: Di. - So. 10:00 – 18:00 an Festivaltagen von 10:00 – 21:00 geöffnet

Ryan Mitchell, Ben Zamora und Casey Curran

Saint Genet

Who With Their Fear Is Put Beside Their Part

Frail Affinities PERFORMANCE

INstallation

Uraufführung

Auftragswerk

Mit „The Dorothy K“ - damals noch unter dem Namen Implied Violence und im Verbund mit dem Parenthetical Girls-Sänger Zac Pennington sowie Hermes Phettberg begann im Jahr 2010 die Zusammenarbeit des donaufestival mit dem Autor, Regisseur und Performancekünstler Derrick Ryan Claude Mitchell. 2014 folgte in Koproduktion mit dem Luminato Festival in Toronto Mitchells internationaler Durchbruch mit der gleichermaßen existentiellen wie bildgewaltigen Arbeit „Paradisiacal Rites“. Dass Ryan Mitchell seit geraumer Zeit seine Truppe nach Sartres „Heiligem Genet“ benennt, mag in einem existentialistischen Grundkonsens darüber liegen, dass Genie keine Gabe ist, sondern vielmehr eine Strategie, die wir in ausweglosen Situationen entwickeln. Unterstützt und bewundert vom Theatermagier Robert Wilson und der Ikone radikaler Performance-Kunst Marina Abramovic geht Ryan Mitchell in seiner Arbeit nicht nur an psychische sondern auch an physische Grenzen.

2016 kehren Saint Genet mit einem mehrteiligen Werkkomplex nach Krems zurück. In einer 72-stündigen Performance/Installation im April letzten Jahres, die eine Prozession von einer verlassenen Fabrik in Traiskirchen ins Zentrum von Wien beinhaltete, lag der Kern von Ryan Mitchells neuer Migrationstragödie, die er im Rahmen des donaufestival präsentiert.

Die Uraufführung der sechstägigen Performance „Frail Affinities“ verweist poetisch wie satirisch auf die Tragödie der „Donner Party“ aus dem Jahr 1846. Eine Gruppe von SiedlerInnen, die die USA durchquerte, musste unvorstellbare Gräuel durchstehen, nachdem sie im Sierra Nevada Gebirge in einen Schneesturm geraten war. Die Tragödie der Menschen auf Flucht in eine neue, bessere Welt endet in Bildern traumatischer Erfahrungen zwischen Tod und Kannibalismus. Saint Genets Methode beruht auf Bildern, die zu Obsessionen werden und eröffnet psychische wie physische Räume an einer Grenze, wo sich Leiden, Schmerz, Freude, Delirium und Tod begegnen.

Einen Teil des Werkkomplexes bildet die raumgreifende Installation „Who With Their Fear Is Put Beside Their Part“. Diese in Koproduktion von donaufestival mit der Kunsthalle Krems und den Wiener Festwochen 2017 entstandene Installation bildet auch den visuellen Hintergrund für die Uraufführung der sechstägigen Performance „Frail Affinities“ beim diesjährigen Festival. Die BesucherInnen dringen dabei in eine Welt von unheilvoller Schönheit von Ryan Mitchell, dem Installationskünstler Ben Zamora und dem kinetischen Bildhauer Casey Curran ein. TeilnehmerInnen wie BeoachterInnen treten gleichermaßen in ein lebendiges Szenario ein, in dem bei jedem Schritt sogar der Boden unter den Füßen deutlich spürbar werden wird. Die ätherische und eindringliche Präsenz von herabhängenden Leuchtstoffröhren, gepaart mit der sich langsam bewegenden kinetischen Skulptur, schafft ein permeables Environment, das zwischen physischem Erlebnis und skulpturaler Struktur changiert und eine Welt am Rande von schwelendem Terror und eines euphorischen Kollapses heraufbeschwört.

Regie/Text: Derrick Ryan Claude Mitchell Konzept der Installation: Derrick Ryan Claude Mitchell, Ben Zamora, Casey Curran Lichtinstallation: Ben Zamora Kinetische Installation und Floor Design: Casey Curran Performer: Darren Dewse, Matt Drews, Sara Edwards, Derrick Ryan Claude Mitchell, MKNZ, Lily Nguyen, NKO, Jessie Smith Musiker: Brian Lawlor (Piano/Synthisizer), D. Salo (Piano/Synthisizer), Emily Stewart (Violine), Judith Reiter (Viola), Julia Pichler (Violine), Lukas Lauermann (Cello) Komposition: Brian Lawlor, D. Salo Choreografie: Jessie Smith Kostüm & Maske: Robinick Fernandez Assistenz: Jordan Christianson Video: Alexander Nowak Lichtdesign: John Torres Sounddesign: Ryan Kelly Soundregie: Lily Nguyen technische Betreuung Installation: NKO Dramaturgie: Melissa Henry Company Manager: Sara Edwards Die Installation ist eine Koproduktion von donaufestival, Kunsthalle Krems und Wiener Festwochen 2017.

10

11

29.04. - 07.05.

E

29.04. - 07.05.

Messegelände/Halle 1

Fr, 29.04.

Sa, 30.04.

So, 01.05.

Do, 05.05.

Fr, 06.05.

Sa, 07.05.

E

20:00 – 21:30 20:00 – 21:30 17:30 – 19:00 18:30 – 20:00 20:00 – 21:30 20:00 – 21:30

Messegelände/Halle 1

Fr, 29.04.

Sa, 30.04.

So, 01.05.

Do, 05.05.

Fr, 06.05.

Sa, 07.05.

God’s Entertainment

14:00 – 16:00 14:00 – 16:00 14:00 – 16:00 13:30 – 15:30 14:00 – 16:00 18:00 – 20:00

God’s Entertainment

NIEMAND HAT EUCH EINGELADEN - TEIL II DER NEUEN EUROPÄISCHEN TRAGÖDIE

Al Paradiso – eine Installation, die zum Schweigen bringt!

INSTALLATION

PERFORMANCE

Uraufführung

Kaum eine KünstlerInnen-Gruppe hat das donaufestival seit seiner Neupositionierung so intensiv begleitet und geprägt wie God´s Entertainment. Am Anfang noch als unbekannte Newcomer und Geheimtipp sind die Wiener Theater-IkonoklastInnen wie Theater-RetterInnen zu Stars der internationalen Performance-Szene avanciert. Mit ihrer „Neuen Europäischen Tragödie“ demonstrieren sie einmal mehr, dass politisches Theater bürgerliche Folklore ist und dass es einzig um den Moment gehen kann, in dem Theater politisch wird!

Anstatt sich damit zu begnügen, die Performance anhand der aktuellen Flüchtlingstragödie zu beschreiben, ist nun wesentlich tiefer zu fragen, wie es bereits vor 60 Jahren Jean Paul Sartre im Vorwort zu Frantz Fanons Buch „Die Verdammten dieser Erde“ tat: „Und was tut Europa? Dieses Geschwätz von Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit, Liebe, Ehre, Vaterland, was weiß ich. Das hindert uns nicht daran, gleichzeitig rassistische

Reden zu halten: dreckiger Neger, dreckiger Jude, dreckiger Araber. Liberale und zarte Seelen – mit anderen Worten, Neo-Kolonialisten – geben sich schockiert über diese Inkonsequenz. Ob aus Irrtum oder schlechtem Gewissen: nichts ist bei uns konsequenter als ein rassistischer Humanismus, weil der Europäer nur dadurch sich zum Menschen hat machen können, dass er Sklaven und Monstren hervorbrachte“.

Und wenn diese „fremden Monstren“ heute übers Mittelmeer um Leben und Tod zu uns flüchten, schreiben wir groß NIEMAND HAT EUCH EINGELADEN!, denn heute sind wir gefesselt, gedemütigt, krank vor Angst: auf der tiefsten Stufe. Aufgrund der derzeitigen europäischen Umstände zeigt die Performance durch Collagen und Bilder konsequent, worin der/die ZuschauerIn die eigene machtlose Nacktheit im Theater wiedererkennen kann. Solange man sich auf dieser Seite Europas machtlos und frustriert betrachtet, kann man immer noch auf die andere Seite der Mauer flüchten. Ihr seid am Zug!

Gibt es doch so etwas wie einen guten Tod? Dieser Frage widmet sich die diesjährige erste Ausgabe des Magazins „Philosophie“. Um sich mit der Aktualität der Frage philosophisch zu befassen, überhaupt zu begreifen sterblich zu sein, versuchen die AutorInnen ihre PhilosophieAbonnentInnen „das Sterben zu lehren“.

Sie paraphrasieren die alte Schule, die besagt, dass mit dem Tod die Perzeption von Wärme oder Kälte, von Licht oder Schatten, der Liebe oder des Hasses aufhört. Sie begründen ihre kulturwissenschaftliche These darauf, dass der Tod das Eindringen eines endgültigen Schweigens in das lebhafte Gespräch unseres Daseins bedeutet. Wann können wir aber von einer Perzeption des politischen Sterbens in Europa sprechen?

Wann ist der Zustand des Nichtseins ein politischer Tod? Wir können nicht gleichzeitig vom übermenschlichen Schicksal im Mittelmeer und von der europäischen Freiheit sprechen. Die europäische Freiheit, in der wir glauben zu leben, zeigt sich als Verhängnis für die Anderen. Diejenigen, die dem Tod zu entfliehen suchen, laufen ihm gleichzeitig entgegen.

Das Sterben im Mittelmeer zu rekonstruieren war nie die Aufgabe von „Al Paradiso“.

Sondern sich einzukapseln und sich fallenzulassen, um alleine den Zustand des politischen Nichtseins zu erleben, ohne dabei mit den dramatischen Bildern aus den Medien konfrontiert zu werden, führt zur Befreiung von linken Tabus. Diese Befreiung entsteht nicht durch blinde europäische Empathie gegenüber fremden Kulturen, sondern durch objektive Akzeptanz der Eigenständigkeit all derjenigen, die aufgrund ihres Andersseins noch keinen Zugang zum „Paradiso“ haben.

Performance/Installation: Von & mit God´s Entertainment Musik & Klanggestaltung: Peter Kutin Eine Produktion von God's Entertainment in Koproduktion mit Schauspiel Leipzig und donaufestival.

Mit freundlicher Unterstützung der Kulturabteilung der Stadt Wien MA7.

12

13

29.04. – 01.05.

A

29.04. - 01.05.

Forum Frohner/ Foyer

Fr, 29.04.

Sa, 30.04.

So, 01.05.

17:00 – 20:30 10:00 – 20:30 10:00 – 20:30

Elisabeth Bakambamba Tambwe

A

Forum Frohner

Fr, 29.04.

Sa, 30.04.

So, 01.05.

17:30 – 18:30 16:00 – 17:00 17:30 – 18:30

Elisabeth Bakambamba Tambwe

CHARLIE AND THE ANGELS

FLÈCHE

Installation

PERFORMANCE

RECONSTRUCTION

Uraufführung

VIDEO

Österreichische Erstaufführung

In ihren Arbeiten verschränkt die in Wien lebende und arbeitende Choreografin und bildende Künstlerin Elisabeth Bakambamba Tambwe Tanz und Performance mit visueller Kunst und Klang. Oftmals finden ihre Live-Performances in installativen Räumen statt, die sie so vom Ausstellungsraum in einen Bühnenraum transformiert. Ihren zentralen Themenkomplex - nämlich die Manipulation von Körpern in der westeuropäischen wie kongolesischen Gesellschaft durch öffentliche Ereignisse oder in der Öffentlichkeit präsente Tendenzen - wird sie in gleich drei Arbeiten, der Performance „Flèche“, der Installation „Charlie And The Angels“ und der Videoarbeit „Reconstruction“ beim donaufestival erkunden.

In der Installation „Charlie And The Angels“ wird das Eierlegen als Kraftprobe präsentiert. Das überzüchtete europäische Huhn, ein wiederkehrendes Sinnbild in ihrer Arbeit, verkörpert die Monstrosität aber auch den Abstieg des Westens und des mit ihm verbundenen Massenkonsums.

Die Überzüchtung der industriellen Hühner sowie der Stress der Legebatterien führen zu Frustration, Langeweile, Aggression und manchmal sogar zu Kannibalismus.

Diese Installation ist eine Reflexion über unsere Konsumgesellschaft, in der wir Tiere aber auch andere globale Ressourcen systematisch respektlos behandeln und kolonialisieren.

Die politische Dimension eines Ortes tritt oft durch Landansprüche zutage.

Kriege brechen im Namen der Erhaltung oder Beseitigung einer bestimmten Grenze aus. Grenzen, die nur ideologische und subjektive Spuren auf der Erde hinterlassen.

In „Flèche“ ist der Körper ein Kompass, der uns hilft, unseren Weg zu finden. Die Zeit löscht kontinuierlich die Erinnerungen der Erde, deshalb können wir uns auf sie nicht wirklich verlassen. Im Gegenzug dazu wird der Körper zum wichtigsten Tank für das menschliche Gedächtnis.

Mit „Flèche“, einem choreografischen Projekt für zwei PerformerInnen, entwirft Elisabeth Tambwe eine inszenierte Manipulation von Körpern und Objekten innerhalb einer Videoinstallation.

Wer programmiert unsere Körper? Unsere Kultur, kein Zweifel, aber sind wir nicht auch mehrfache Körper, die von unseren Lebenserfahrungen geformt wurden?

Elisabeth Tambwes kontinuierliche Befragung des sozialen Körpers - einer bekannten Landschaft, die oft beruhigend wirkt - zielt darauf ab, unsere Realität zu benennen und zu charakterisieren. Die Körper werden neu erfunden und geben so dem Betrachter freien Raum für eine persönliche Interpretation.

Installation, Konzept, Choreografie: Elisabeth Bakambamba Tambwe Tanz, Performance: Sebastian Gec, Elisabeth Bakambamba Tambwe Dramaturgie: Philippe Riera Licht, Gestaltung: Martin Schwab Sound, Video: Nicolas Spencer Konzept, Bühnengestaltung: Grégory Crapet Produktion, Management: Claire Granier Recherche: Benoit Jouan, Adriana Cubides Eine Produktion von DIG UP Productions in Koproduktion mit donaufestival.

15

25.04. - 07.05.

F

Stadtcafé Ulrich

Amtsstunden täglich von 14:00-20:00, ab 18:00 gemütliches Denunzieren und Lamentieren bei Imbiss und Trank Notrufnummer: +43 (0) 664 84 19 306 kunstinspektionDONAU@gmx.at

Julius Deutschbauer, David Jagerhofer und Barbara Ungepflegt Kunstinspektion DONAU

DUB AND THE HEART OF DARKNESS KODE 9 and LAWRENCE LEK pres. NØTEL| PORTER RICKS ECHOSPACE | FUCKHEAD pres. HEART OF DARKNESS DEADBEAT feat. TIKIMAN | POLE| LEE „SCRATCH“ PERRY ILPO VÄISÄNEN pres. I-LP-O IN DUB | ROLY PORTER COLIN STETSON and SARAH NEUFELD | AÏSHA DEVI THOMAS ANKERSMIT | WREKMEISTER HARMONIES EARTHEATER | TAPES | THE CONSTITUTE | PETER KUTIN OPCION | HYPERCYCLE | ULRICH TROYER | COLUMBOSNEXT ASFAST | SHE SPREAD SORROW | TREIBGUT HEY-Ø-HANSEN | TRAURIGES TROPENORCHESTER … and more t.b.a.

FESTIVAL INFO WWW.HEARTOFNOISE.AT

Beim donaufestival 2016 beziehen drei InspektorInnen Posten in Krems.

Erstatten Sie Anzeige! Deutschbauer, Jagerhofer und Ungepflegt ermitteln!

Das Team der Kunstinspektion DONAU fordert die Bevölkerung von Krems auf, Missstände oder Verdächtigungen jeglicher Art zur Anzeige zu bringen. Es kann sich dabei um Kunst- bzw. Kulturanzeigen handeln, es kann der Hund des Nachbarn oder das Fehlen von weiblichen Straßennamen angezeigt werden, ein Monopol oder die Schließung einer Bankfiliale usw.

Allen Anzeigen wird nachgegangen bzw. mittels des schwarzen Einsatzwagens Ape 50 Europe mit Blaulicht und Megafon nachgefahren.

Das Wachzimmer steht allen offen. Zusätzlich zu den Amtsstunden laden die InspektorInnen täglich ab 18:00 zum gemütlichen Denunzieren und Lamentieren. Dabei liegen die bereits angezeigten Tatbestände und Delikte nicht nur zur Einsicht auf, sondern werden auch diskutiert und verhandelt. Es können live neue Fälle zur Anzeige gebracht werden.

Außen am Wachzimmer ist ein Beschwerdebriefkasten angebracht, wo die BürgerInnen – auch außerhalb der Dienstzeiten! - ihre Anzeigen einwerfen können, entweder mit ihrem Namen versehen oder anonym. Es wird gebeten, die dafür vorgesehenen Anzeigeformulare zu verwenden (siehe Rückseite).

Diese sind auch an neuralgischen Orten aufgelegt, gehen als Postwurf an jeden Haushalt in der Region und können als PDF-File von der Homepage des Festivals heruntergeladen werden.

Unterstützt wird die Kunstinspektion DONAU durch Beiträge in den Medien, einen Blog und eine Art Wandzeitung.

Die Idee hinter der Kunstinspektion DONAU besteht darin, die Verhältnisse umzudrehen, die Kunst selbst zum Ordnungshüter zu machen, um die Regeln des Alltags bzw. die Normalität zu überwachen und als Normalität vor den Übergriffen durch Kunst zu schützen oder sie eben diesen auszusetzen.

Mit freundlicher Unterstützung von Stadtcafé Ulrich.

17

29.04.

✁

Anzeige an die Kunstinspektion DONAU

A

Besuchen Sie uns im Wachzimmer im Stadtcafé Ulrich, Südtirolerplatz 7, 3500 Krems oder nutzen Sie die Beschwerdebriefkästen vor dem Café oder am Festivalgelände. In dringenden Fällen wählen Sie die Notrufnummer +43 (0)664 84 19 306 oder senden Sie uns eine E-Mail an kunstinspektionDONAU@gmx.at

Klangraum Krems Minoritenkirche

Fr, 29.04.

19:00 – 19:45

Hatsune Miku Still Be Here

Performance/Installation

Anzeige erstattet von:

Auftragswerk/Österreichische Erstaufführung

Name:

Geb. Datum:

Geschlecht:

Nationalität:

Familienstand:

PLZ/Ort:

Straße:

Telefon:

E-Mail:

„I want you to re-make me.

I sing and exist only for you.“

Beruf:

„Still Be Here“ ist eine kollaborative Performance, die den Blick auf die sich multiplizierenden Realitäten um Popstars des 21.

Jahrhunderts lenkt und den Dynamiken nachspürt, die sich zwischen Fans, Unternehmen und gesellschaftlichen Sehnsüchten entwickeln.

Seit ihrer Erfindung 2007 in Japan, ist Hatsune Miku (der Name bedeutet „der erste Sound der Zukunft”) zum ultimativen Popstar geworden und hat sich von einem Sprachsynthesizer zu einem angehimmelten, konstruierten Cyber-Star mit unzähligen Auftritten in Stadien als virtuelle 3D-Projektion und über 100.000 weltweit veröffentlichten Songs entwickelt.

„Still Be Here“ erforscht Hatsune Miku als Kristallisation kollektiven Verlangens, verkörpert durch ein virtuelles Idol mit türkisfarbenen Haaren, das für immer 16 Jahre alt bleibt. Indem es die Dekonstruktion dieses perfekten Stars beobachtet, gelangt das Publikum zu der unheimlichen Erkenntnis, dass Miku lediglich eine leere Hülle ist, auf

Anzeige erstattet gegen: Name/Institution: PLZ/Ort:

Straße:

Telefon:

E-Mail:

Angaben zum Sachverhalt: Ort des Vorfalls: Datum/Uhrzeit/Zeitraum des Vorfalls:

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Sachverhaltsdarstellung:

Ort, Datum

Unterschrift

Inspektor

die wir unsere eigenen Fantasien projizieren.

In dieser Leerstelle wird die Topologie des Verlangens innerhalb einer vernetzten Community greifbar und Miku zur Metapher des weiblichen, von Lizenzen, Verhaltensregeln und sozialer Etikette geprägten Körpers. Die Performance dekonstruiert diesen Körper kritisch und reflektiert Möglichkeiten, ihn durch Aneignung zu überschreiten.

Die Performance und Installation entstehen mit Hilfe einer Collagen-Methode aus von UserInnen generierten Songtexten und bezieht sich dabei auf viele andere Mitwirkende sowie zahlreiche AutorInnen und Creative Commons-UserInnen aus dem Netz, deren Werke aufbereitet und mit neuen Bedeutungen aufgeladen werden.

Initiiert von Mari Matsutoya in Zusammenarbeit mit Laurel Halo, Darren Johnston, LaTurbo Avedon und Martin Sulzer Produziert im Auftrag von CTM Festival und transmediale festival for art and digital culture, in Koproduktion mit donaufestival, Barbican und Metal. Diese Arbeit beinhaltet eine Adaption von Hatsune Miku, © Crypton Future Media, Inc. 2007, lizensiert unter CC BY-NC: http://creativecommons.org/lincenses/by-nc/3.0/ „Still Be Here“ ist eine nicht-kommerzielle Veranstaltung, die unabhängig von Crypton Future Media organisiert wird.

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05.05. - 07.05.

A

Forum Frohner

Do, 05.05.

Fr, 06.05.

Sa, 07.05.

A

17:00 – 18:30 18:00 – 19:30 16:00 – 17:30

07.05.

Klangraum Krems Minoritenkirche

Sa, 07.05.

PUBLIC BRAIN SESSION 2.0

16:00 – 20:00 17:00 & 19:00

Station Rose

Monster Truck & Theater Thikwa

PiXXL_HALL INCL. PUBLIC BRAIN SESSION 2.0

Dschingis Khan

Installation /

PERFORMANCE

Österreichische Erstaufführung

Die Tendenz der westlichen Welt, ihr eigenes Normensystem, ihre eigene Ästhetik auf das gefürchtete und unterjochte Fremde zu projizieren, hat eine lange Tradition.

Dass Exotismus keinesfalls ein harmloses ästhetisches Spiel ist, sondern Ausdruck von Rassismus, wird in der Performance „Dschingis Khan“ des deutschen Kollektivs Monster Truck ebenso deutlich, wie die Tatsache, dass Rassismus und Behindertenfeindlichkeit ihre gemeinsamen Wurzeln in denselben Untiefen unseres Denkens haben.

Monster Truck arbeiten seit Jahren mit SchauspielerInnen des Theater Thikwa zusammen, das sich „Der Geist lässt sich nicht behindern“ auf ihre Fahnen geschrieben hat.

Menschen mit Down-Syndrom, einst wegen ihres Aussehens „mongoloid“ genannt, zeigen uns den Alltag der Mongolen.

Die radikale Umwertung von Norm und Nicht-Norm wird dadurch noch extremer aufgeladen, dass Monster Truck uns ein Spiel vorführen: genaue Anweisungen zu den Bühnenhandlungen, Lob und Tadel für die Bühnenleistung in Echtzeit kratzen zusätzlich am System unserer neoliberalen Leistungsgesellschaft wie am System Theater an sich. Und es stellt sich die entscheidende Frage: Dreht sich der Spieß um?

Wer spielt mit wem?

music

Uraufführung

In schwere Felljacken gehüllt sollen die PerformerInnen ihre vermeintliche Authentizität und Wildheit zur Schau stellen. Sie bekommen Handlungsanweisungen und werden zu Tableaus arrangiert. Ausgeleuchtet und mit Sound unterlegt werden sie auch noch in ihren banalsten Verrichtungen mit tieferer Bedeutung aufgeladen. Die Maschinerie des Theaters läuft auf Hochtouren, um das größtmögliche Andere zu produzieren.

Ein Anderes, in das wir unsere Ängste und Sehnsüchte auslagern können, und das wir wahlweise bemitleiden, fürchten, begehren oder verklären können.

Dschingis Khan, der mächtigste Herrscher aller Zeiten, erscheint degradiert zu einer billigen Kirmesattraktion, in der sich Vorstellungen von fremdländischer Exotik mit landläufigen Ideen von geistiger Behinderung vermischen.

Von und mit: Sabrina Braemer, Jonny Chambilla, Manuel Gerst, Sahar Rahimi, Oliver Rincke, Mark Schröppel, Ina Vera Dramaturgie: Marcel Bugiel Musik: Mark Schröppel Produktionsleitung: ehrliche arbeit – freies Kulturbüro Künstlerische Mitarbeit: Alisa Hecke, Matthias Meppelink Eine Produktion von Monster Truck in Kooperation mit Theater Thikwa und in Koproduktion mit FFT Düsseldorf, Pumpenhaus Münster, Ringlokschuppen Mülheim und SOPHIENSÆLE. Gefördert aus Mitteln des Regierenden Bürgermeisters von Berlin – Senatskanzlei – Kulturelle Angelegenheiten, Kunststiftung NRW, Kultursekretariat NRW, Rudolf Augstein Stiftung, LAG Soziokultur NRW und Fonds Darstellende Künste e.V.

Als PionierInnen der Digital Culture performen die Künstlerin Elisa Rose und der Komponist Gary Danner aka Station Rose aktuelle audiovisuelle Kompositionen, die exklusiv für das donaufestival kreiert wurden.

Sie mixen diese mit digitalen Werken, die seit 1988 entstanden sind. Für das Auftragswerk „PiXXL_HALL“ wird der gesamte Klangraum Krems Minoritenkirche sowohl als Konzertwie auch als Installationsraum live bespielt. Im raumgreifenden vierstündigen Media-Environment werden STATION ROSE auch ihre

„Public Brain Session“ neu konzipieren. Diese war ursprünglich 1989 auf Atari- und AmigaComputern programmiert worden, wurde dann zusammen mit dem Cyberspace-Vordenker Timothy Leary weiterentwickelt und wird nun ins Jahr 2016 transportiert: „PUBLIC BRAIN SESSION 2.0“ ist eine mit heutiger Technik umgesetzte Uraufführung der Alpha- und Theta-Wellen-Kunstform von STATION ROSE, inspiriert von orientalischer Ästhetik, die sie während ihrer Kairo-Residency 1988 kennenlernten. Mit freundlicher Unterstützung von 4youreye

07.05.

E

Messegelände/Halle 2

Sa, 07.05.

23:30 – 00:30

Gelatin, KlitClique und Elikuka KARAOKEMACHINE partizipativer sing a long your song guten abend PERFORMANCE Auftragswerk/Uraufführung

Zum Abschluss des Festivals erweitern sich die 8 Plattfüße von Gelatin, deren Auftritte immer wieder einem Totalschaden und autotradierten Erlebnismodellen gleichen, um die radikal feministische KlitClique und dem Moskauer Volldampf Duo Elikuka.

Die KünstlerInnen laden zu einem feuchte Höschen fröhlichen Karaoke, das die Verhältnisse von Norm, Nichtnorm und Norman, zweimal ridikül durcheinander verliebt sich heute at first sight, guten abend.

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MUSIC TAG

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Fr, 29.04.

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Sa, 30.04.

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So, 01.05.

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Do, 05.05.

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Fr, 06.05.

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Sa, 07.05.

Hatsune Miku

Initiiert von Mari Matsutoya in Zusammenarbeit mit Laurel Halo, Darren Johnston, LaTurbo Avedon und Martin Sulzer

Mbongwana Star/Hieroglyphic Being/Gaika RP Boo/Omar Souleyman TAG

Stefan Fraunberger/Shackleton/Islam Chipsy Kode9/Evian Christ/Maurice Louca/Fatima Al Qadiri

Unser Neues:

spritzig fruchtig pils.

Schlanke 2,9% Alc.

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Pierre Bastien/Oneirogen/Blanck Mass Monk Parker/Mogwai TAG

Ghédalia Tazartès/Rashad Becker with members of Alarm Will Sound/Babyfather/Good Sad Happy Bad/Manuel Knapp/Cut Hands/Wolf Eyes TAG

Tara Transitory aka One Man Nation/Angel-Ho Lotic/Total Freedom/Easter/Juliana Huxtable/Le1f Das sinnliche Zusammenspiel der internationalen Aromahopfensorten Triskel, Simcoe und Cascade – ein einzigartig erfrischendes Geschmackserlebnis.

www.trumer.at

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Atom TM/STATION ROSE/Tim Hecker Pantha du Prince/DJ Koze/Rødhåd

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29.04. TAG

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HATSUNE MIKU „Still Be Here“ In Japan begeistert sie die Massen und das, obwohl es sie nur virtuell gibt: Hatsune Miku ist ein animierter 3D-Charakter und Protagonistin der Ausnahmeperformance „Still Be Here“, initiiert von der Künstlerin Mari Matsutoya, dem Choreographen Darren Johnston und den Medienkünstlern LaTurbo Avedon und Martin Sulzer. Der Hype rund um das digitale Pop-Phänomen dient ihnen als Ausgangspunkt eines Next-Level-Mediendiskurses. Während Grenzlinien von aktuell und virtuell, Fiktion und Realität verschwimmen, wird der normierte, kontrollierte und fremdgesteuerte weibliche Körper des Stars dekonstruiert, um so das Wechselverhältnis zwischen Begehren und Wunschvorstellungen kritisch zu hinterfragen. Die Sounds, die Miku zum Leben erwecken, steuert niemand geringerer als die New Yorker ProgessivElectronica Koryphäe Laurel Halo bei. (siehe Seite 17)

MBONGWANA STAR Afrofuturismus revisited. Dass sich in Kinshasa, der Hauptstadt der DR Kongo, musikalisch seit geraumer Zeit so einiges tut, dürfte spätestens seit Konono N°1 kein Geheimnis mehr sein. Auch die befreundete Band Mbongwana Star hat letztes Jahr für gehöriges Aufsehen gesorgt. Die zwei Generationen umspannende Formation – darunter auch Mitglieder der legendären Gruppe Staff Benda Bilili, einer Gemeinschaft von an Polio

erkrankten Straßenmusikern – schafft es problemlos zwischen treibenden Afrobeats, Perkussionsfinkeleien und roughen Gitarrenriffs einen organischen Mix aus Dub, Post-Punk, 60er Acid-Rock und traditioneller Soukous-Musik zu verrühren. Als ehemalige Straßenmusiker gewohnt auf improvisierten Instrumenten zu spielen, ist ihr Klang nach wie vor roh und macht vor allem wahnsinnig Spaß.

HIEROGLYPHIC BEING Von Numerologie, New Age Mystik und SciFi Literatur über Stockhausen zu Sun Ras Afrofuturismus – Jamal Moss interessiert sich für alles Outer-Spacige. Als Hieroglyphic Being liegen seine Roots zwar ganz klar im House seiner Heimatstadt Chicago, doch ein bisschen „Space is the Place“-Vibe lässt sich auch hier finden. Bekannt für seine homogenen Sets aus angezerrten Acid-Synths und brachialem Bassgewummer, durchbricht Moss gerne die Grenzen in Richtung Industrial, Noise und Jazz. Geht es nach ihm, feuert er seine polyrhythmischen Tracks ab, um seine Hörer kathartisch zu reinigen. Sonische Therapie mit Hilfe von Acid und industriellem Funkenflug also. Er selbst nennt das Ganze dann rhythmischen Kubismus und Synth-Expressionismus.

GAIKA Gaika war der Name eines südafrikanischen Klanführers, dessen Volk von britischen

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Besetzern kolonialisiert wurde. Zweihundert Jahre später ist es ein junger Brite mit afro-amerikanischen Wurzeln, der sein idiosynkratisches Hip-Hop-Projekt so benennt und damit ein Zeichen des Widerstands und der Selbstermächtigung setzt. Gaikas Lyrics sind kompromisslos, seine Vocals klingen entfremdet, synthetisch-futuristisch und tragen im Kern einen Appell: Revolte gegen Rassismus, Diskriminierung und Polizeigewalt. Der ursprünglich aus der Bildenden Kunst kommende Musiker, setzt dafür auf aggressive Selbstinszenierung. Im Streetwear-Cyborg Outfit, behangen mit Tribalschmuck klagt er die Gesellschaft an und bricht gleichzeitig mit den Vorurteilen der Rezeption einer sogenannten Black Music, die sich in Großbritannien v.a. auf Grime und Hip-Hop beschränkt. Bewusst dringt er in Nischen vor und entdeckt im Experiment die Freiheit eines potentiell authentischen Ausdrucks. Das Ergebnis ist eine Mischung aus Soul, Dub, Grime, Dancehall und Hip-Hop und gleichzeitig ein Befreiungsschlag gegen jegliche Form der Normierung.

RP BOO Kavain Space aka RP Boo gilt neben Spinn und dem vor zwei Jahren verstorbenen DJ Rashad als Ziehvater des Chicagoer Footworks. Ursprünglich als Sound zu TanzBattles entstanden, geht es in Space' Projekt nach wie vor hauptsächlich um Dynamik und möglichst labyrinthische Verschach-

telungen seiner radikal reduzierten Loops.

Die synkopierten Beatpatterns und minimalistischen Vocalsnippets werden dann in einer so erbarmungslosen Geschwindigkeit losgelassen, dass man sich fühlt als würde man sich auf den Treppen M.C. Eschers in trippige Höhen strampeln. Immer wieder hört man den Ghetto House Sound Chicagos durch, gleichzeitig ist RP Boo Meister subtiler Leichtfüßigkeit und komprimierter Energie.

OMAR SOULEYMAN Als vor einigen Jahren der Release eines syrischen Acts auf Sublime Frequencies erschienen ist, hätte wohl noch niemand vermutet, dass dieser eine solche Begeisterung auslösen würde. In seinem Heimatland Syrien schon lange kein Unbekannter mehr, ist Souleyman mittlerweile auch in der westlichen Hemisphäre auf den großen Festivalbühnen zu sehen und gilt als einer der angesagtesten Nahost-Acts überhaupt. Das Rezept ist eine moderne Fusion aus regionalen Variationen traditioneller Dabke-Musik. Souleymans irisierend-energetische Stimme findet ihre Entsprechung in den ornamental-orientalischen Keyboardläufen, die der legendäre Musiker Rizan Sa'id in frenetischer Geschwindigkeit in die Tasten klopft. Das Ergebnis ist hypnotischer Synth-Pop-Folk, der es schafft uns in psychedelische Ekstase zu manövrieren.

3_ Omar Souleyman

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2_ Gaika

Transkulturelle Topographien Von Afro-Futurismus zu virtuellem Meta-Pop

1_ Mbongwana Star

Beginnzeiten und Veranstaltungsorte der Konzerte siehe Timetable

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30.04. TAG

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Stefan Fraunberger Der Klanghermeneutiker und sonische Linguist Stefan Fraunberger fusioniert in seinem Auftragswerk „ “ (barzakh: Zwischenbereich/Jenseits) die Klänge eines persischen Saiteninstruments namens Santur mit Fieldrecordings, die in Syrien, Pakistan und im Irak entstanden, zu einem evokativakustischen Narrativ. Die Basis bilden pentatonische Klangläufe, die sich gegenund zueinander bewegen und dabei dichte Texturen bilden. Das dynamische Spiel lässt die diffizilen Klänge des Elektro-Psalteriums in Moirémustern aufflirren und erinnert in manchen Momenten an die frühe Minimal Music oder impressionistische Kompositionen. Es entstehen transzendentale Klangwolken, die den Zuhörer einhüllen - elektronische Psalme, die zwischen Sinuswellen und Katharsis, Erinnerung und direktem Erleben oszillieren. Grundlage für die Performance sind arabische Texte aus dem 12. Jahrhundert.

Shackleton presents: Powerplant Sanfte Soundmodulationen, choral verschachtelte Vokalsamples, warmes Basswummern, dazu arabisch inspirierte, synkopisch verspielte Drumsamples - die hermetischen Klangwelten, in die Shackleton uns entführt sind unverwechselbar elegant und voller subtiler Nuancen. Sein sphärischer, streng reduzierter Ambient Dubstep steht an der Grenze zum Minimaltechno.

Mit dem aktuellen Projekt „Powerplant“

schlägt der Wahlberliner nun ein neues Kapitel auf und widmet sich der Zusammenführung von Neuer Musik und Clubsound.

In Kollaboration mit drei Perkussionisten wurde ein elaboriertes Konzept erarbeitet, das einerseits auf Notation und präzisem Timing, andererseits auf freier Improvisation beruht. Im Wechselspiel von natürlichem und elektronischem Puls entstehen eigenständige Polyrhythmen, die sich zu einem organisch wabernden Ganzen zusammenfügen.

Islam Chipsy Electro Chaabi ist ein ägyptisches Tanzmusik-Genre, das auf simplen Drum-Kits und Yamaha Keyboard-Sounds basiert.

Ursprünglich entstanden, um Hochzeitsgesellschaften mit Gute-Laune-Nummern in Stimmung zu bringen, hat die allgemeine Beliebtheit des Chaabi mittlerweile einen Modernisierungsschub ausgelöst und ihn zu einer autonomen Stilrichtung heranwachsen lassen. Seit einiger Zeit kursiert ein wahrer Hype um ihn, in dessen Zentrum Islam Chipsy steht. Der für sein virtuoses Spiel gefeierte Musiker, dessen Finger in atemberaubender Geschwindigkeit über die Tasten laufen, bringt arabische Harmonien so funky zum Klingen, dass es einem den Mund aufsperrt. Seine Keyboardsounds klingen dabei zudem fast so angezerrt wie die typischen Acid-Synths der 1990er. Es ist die Kombination aus Hingabe, Lebenslust und Humor, die die Menge entfesselt zum Tanzen bringt.

Kode9

Maurice Louca

Steve Goodman ist ein Musikallrounder.

Nicht nur, dass er seinen Doktortitel mit einer Arbeit zum Thema „Sonic Warfare“, also Kriegsführung mit akustischen Mitteln verfasst hat und als Teil der „Cybernetic Culture Research Unit“ Kodwo Eshun, Mark Fisher oder Nick Land seine Kollegen nennen durfte, gilt er mit seinem Alias Kode9 auch als einer der Überväter von Dubstep. Auch sein 2004 gegründetes Label Hyperdub zählt mit Acts wie Fatima Al Qadiri, Ikonika, Burial oder Laurel Halo zu einem der profiliertesten Labels in punkto progressiver Bassmusik.

Von dem musikalischen Trendscout ist in seinem DJ-Set ein Querschnitt seines Labelrosters zu erwarten ergo wummernde Fraktal Beats und alle möglichen Synkopen-Sprünge zwischen Footwork, Progstep, UK Funky, Future Dub und Grime.

Maurice Louca ist eine zentrale Figur in der alternativen Musikszene Kairos. Wie sein Kollege Islam Chipsy ist auch er dem Chaabi verpflichtet, überschreitet diesen aber in Richtung Experiment und biegt auch mal in eine sanftere, melancholischere Richtung ab. In seinen Sets verwebt Louca dichte polyrhythmische Motive mit Samples traditioneller Instrumente und entfremdeter Stimmen aller Welt zu tanzbaren Klangteppichen. Zwischen Komposition und Improvisation, leben seine Dancefloorbeats von den typischen rhythmischen Verschiebungen der ägyptischen Popmusik, aber auch von wunderschönen, starrsinnigen Vokalsamples, die sich an die durchdringenden Basslines seines Bandkollegen schmiegen.

Evian Christ Aggressive, tief wummernde DancehallBässe, breitspurige Trance-Synths, trappiges Perkussions-Gefrickel und minimale, dafür umso coolere Vocalsamples - der junge Brite Joshua Leary aka Evian Christ hat sich mit seinen brutalen Sounds innerhalb kürzester Zeit vom Soundcloud-Insider-Act zu einem der erfolgreichsten Post-Grime Produzenten entwickelt. Nebenbei hostet er größenwahnsinnige Trance-Raves, produziert Sounds für Kanye West oder feiert auf der Yacht von Rick Ross.

FATIMA AL QADIRI Die aus Kuwait stammende Musikerin schafft es einmal mehr zeitgenössischen Kunstdiskurs und Gesellschaftskritik mit ihrem musikalischen Output zu verknüpfen.

So schreibt sich in akustische Signaturen stets ein sozio-politischer Subtext ein. Ihre gläsernen Sounds stehen bewusst in einem Naheverhältnis zu Muzak und referieren auf eine überdigitalisierte, zunehmend von sich selbst entfremdende Gesellschaft.

6_ Kode9

4_ Fatima Al Qadiri

Erruptive Off-Beat Verwicklungen Von Nah-Ost-Funk bis Post-Grime

5_ Stefan Fraunberger

Beginnzeiten und Veranstaltungsorte der Konzerte siehe Timetable

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01.05. TAG

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Beginnzeiten und Veranstaltungsorte der Konzerte siehe Timetable

Pierre Bastien

Oneirogen

Es knarzt, knackst, kratzt, klopft, dröhnt, fiepst und scheppert. Die schrulligen Klangorganismen, die der Komponist und Multi-Instrumentalist Pierre Bastien zum Leben erweckt, generieren ganz eigensinnige Klänge. Er assembliert dafür diverse (Alltags-)Gegenstände, verbindet diese mit Riemen und Rädchen und bringt sie dann mit gefinkelten Konstruktionen zum Klingen. Betrieben von kleinen Uhrwerken halten sie konstante Rhythmen: Loops, zu denen Bastien auf diversen Instrumenten frei improvisiert. In seinen Live-Sets formieren sich die fragilen Klangerzeuger zu einem mechanischen Orchester, das die Free-JazzLäufe des Franzosen begleitet. Seine neueste Arbeit „Silent Motors“ ist ein aus unzähligen Zahnrädern gebasteltes sperriges Instrument, das stur den Takt vorgibt. Es ähnelt den kinetischen Skulpuren von Jean Tinguely oder den selbstgebauten Instrumenten des Fluxus-Künstlers Joe Jones und wirkt wie aus einer anderen Zeit. Bastien stellt seinem Miniatur-Orchester in diesem Set-Up zudem Ausschnitte früher Found-Footage Musikclips zur Seite, die mit den Klängen auf wundersame Weise zu interagieren beginnen. Ein magisches One-Man Band Projekt - animistische Musique Concréte als multisensorisches Erlebnis.

Der Name ist Programm. Oneirogen, aus den griechischen Worten oneiros (Traum) und gen (erzeugen) abgeleitet, entführt an abgründig psychedelische Orte. Ursprünglich hat Mario Diaz de Leon, der Musiker der sich hinter dem vielsagenden Synonym verbirgt, Neue Musik studiert, nennt dabei Scelsi und Xenakis als wichtige Einflüsse und hat sein Debutalbum gleich mal auf John Zorn's Tzadik Label herausgebracht. Als Oneirogen zollt er seiner Sozialisierung in den dunklen, undergroundigen Genres Tribut. Hier projiziert er apokalyptische Visionen ans innere Auge. Seine Sets gleichen düsteren Hypnosesitzungen. Ein wuchtiges Pendel schlägt aus, kurz darauf versinkt man in gewaltigem Rauschen und taucht in zerklüfteten Szenerien des Unbewussten wieder auf.

Die tiefschürfenden Bilder des New Yorkers werden von dämonisch verzwirbelten Synths entworfen, unter denen ein brachialer Puls pocht. Ein klassischer Komponist als DoomMetal-Noise-Head - eine Mischung, die es auf jeden Fall in sich hat.

Blanck Mass Nachdem er es mit der Rainbow-RockFormation Fuck Buttons zu neopsychedelischem Ruhm gebracht hat, schlägt Ben Power mit seinem Soloprojekt Blanck Mass technoidere Wege ein. Zwar wuchtet es hier immer noch gewaltig, doch diesmal wird konzise,

mitunter tanzbar produziert. Während der Bass konstant durch die Gehörgänge rummst und poltert, klingen die in allen Spektralfarben flirrenden Synthlines wie im Fieberwahn zusammengepflückt. Eine über die nächste gelegt, schichten sie sich zu explosiven Klangflächen bis am Ende ein Frequenzspektrum erreicht ist, das einen umbläst. Fast kontrapunktisch dazu steht das Konzept des neuen Albums „Dumb Flesh“. Denn im Graubereich von Techno, Synth-Noise und Elektropop möchte Power die Fragilität und den konstanten Zerfall des menschlichen Körpers ausstellen. Akustisches Bombardement, das zum Kollaps auffordert.

Monk Parker Der gravitätische Roots Folk des Texaners Monk Parker jagt einem die Gänsehaut über den Rücken. Voller Pathos, der zwischen melancholisch und besonnen changiert, schunkeln uns seine narkotischen Americana-Walzer durch diverse Gefühlswelten.

Während im Hintergrund die Streicher und Bläser aufjaulen, Gitarren schleppend nachhallen und das Schlagzeug andächtig rasselt, legt uns Parker in intimen, surreal schrulligen Texten sein Herz zu Füßen. Sein existentialistisches Songwriting erinnert an Folk-Legenden wie Robbie Basho und Townes Van Zandt - es ist rohe Herzkammermusik, durch deren Adern Country und Blues fließt. Trotz aller nostalgischen Gefühle

9

beweist Monk Parker aber, dass authentischer Ausdruck und anachronistischer Klang keine Gegensätze sein müssen.

Mogwai play Atomic Seit zwei Dekaden führen Mogwai nun schon vor, was shoegazing heißt: Gitarrenriffs durch möglichst viele Delay- und ReverbEffekte schleusen und langsam und andächtig losschrammeln. Irgendwo zwischen Emo und Atmo ziehen die wabernden Gitarrennebel der schottischen Band in ein verschwenderisches Meer von Gefühlen. Mittlerweile gelten Mogwai neben Tortoise und Godspeed You! Black Emperor als eine der einflussreichsten Post-Rockbands ihrer Zeit. Mit ihrer mittlerweile dritten Soundtrackarbeit, diesmal zur BBC-Produktion „Storyville - Atomic: Living in Dread and Promise“ beweisen sie, dass sie auch Meister des effektvollen Sounddesigns sind. Aus der Musik zum Dokumentarfilm, der das nukleare Zeitalter kritisch reflektiert, ist mittlerweile ein Album entstanden, das Mogwai nun auch live präsentieren.

Verhuschte, pathosaffine Musik zum darin Schwelgen und melancholisch Werden.

9_ Monk Parker

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8_ Oneirogen

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7_ Mogwai

Konspirative Körper/ Transzendentales Rauschen

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05.05. TAG

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Beginnzeiten und Veranstaltungsorte der Konzerte siehe Timetable

Ghédalia Tazartès

Babyfather

Mindestens so exzentrisch wie sein Name, klingt auch die Musik des französischen Ausnahmekünstlers Ghédalia Tazartès. Seit mehr als dreißig Jahren ist sein primäres Instrument die Stimme, deren klangliches Spektrum von Obertongesang, Summen, Röcheln bis zu kargen Rezitativen so ziemlich alles abzudecken vermag. Die psychoakustischen Klangbilder des Autodidakten formen sich zu paradoxer, widersprüchlicher Musik, die zugleich fesselt und befreit. Seine Performances sind intensiv auratisch und von irritierender Intimität.

Nach seinem letzten, überraschend rockigen Album auf Rough Trade, kehrt Dean Blunt mit seinem Alias Babyfather und einer Handvoll alter, unveröffentlichter Tracks zu Hyperdub zurück. Zu minimalistischen Beats, verpackt in schlichten Loops, sinniert der Brite in knappen Worten über das Leben.

Es handelt sich um skizzenhafte Abrisse, so flüchtig und beiläufig, als wären es akustische Tagebucheinträge. Chamäleonartig taucht Blunt in Purple Drank Hip-Hop, Trap, Dub oder Hypnagogic Pop ein. Zusammengehalten werden die genre-variierenden Lo-Fi Tracks durch die charismatische Stimme des Briten. Das Ergebnis klingt abgeklärter, exzentrischer und düsterer als man es von der mittlerweile aufgelösten Weirdo-Formation Hype Williams (gemeinsam mit Inga Copeland) kennt.

Rashad Becker with members of Alarm Will Sound In ihrem neuen Projekt geht das New Yorker Ensemble Alarm Will Sound, das u.a. für Neuinterpretationen zerebraler Electronica bekannt ist, einen Schritt weiter und lädt Rashad Becker zu einer Kollaboration ein. Der Berliner gilt nicht nur als ein profilierter MasteringEngineer, mit seiner einzigartige Fähigkeit Sounds organisch auszugestalten und fiktionale Narrative in Klangtexturen zu übersetzen, hat er sich auch in der progressiven Elektronik-Szene etabliert. In Zusammenarbeit mit einigen Mitgliedern des Ensembles werden nun poetische Stücke kreiert, die zwischen natürlichem Klang und elektronischer Modulation ihr Eigenleben führen.

Good Sad Happy Bad Es scheint nichts zu geben, was Mica Levi nicht kann. Gerade erst mit dem European Film Award for Best Composer für ihren Soundtrack zu „Under The Skin“ ausgezeichnet, kehrt sie mit ihrer Band Good Sad Happy Bad und einem neuen Album im Gepäck zurück zum Songwriting. Der Avant-Art-Pop der ehemaligen KompositionsstudentInnen ist betörend simpel gehalten. Hier schlackert die Gitarre, das Keyboard wird ohne Allüren geschlagen und das Schlagzeug dilettantisch

geklopft. Zusammengehalten werden die verschrobenen Popsongs von Levis bluesiger Stimme. Die Britin raspelt ihre Textzeilen mit einer so schrulligen Lässigkeit herunter, wie es sonst nur Daniel Johnston oder Jarvis Cocker können. Ausgeprägte akustische Spleens versteckt in widerspenstigen Popmelodien.

Manuel Knapp Der Österreicher Manuel Knapp ist extremer Grenzgänger. Egal ob als Musiker, Filmemacher oder Bildender Künstler, in all seinen künstlerischen Arbeiten äußert sich sein Hang zu strengen, reduzierten Konstruktionen und die Faszination für das Sublime.

Knapp konfrontiert uns mit kristallinen Noisewänden. Archaisch und elementar, als würde man bei tobender Lautstärke von einer riesigen Welle unters Meer gedrückt, offenbart sich die Eleganz seiner Kompositionen erst, wenn man sich auf die apokalyptische Reizüberflutung einlässt. Sein Live-Set (Auftragswerk) ist ein akutes Klangereignis, das direkt auf den Körper wirkt und unser Sensorium attackiert. Immersiv, fordernd, radikal.

Cut Hands Ex-Whitehouse Enfant terrible William Bennett meldet sich als Cut Hands mit einem neuen Release zurück. Erneut wendet sich der ehemalige Power-Elektroniker der

tribalistischen, afrikanischen und haitianischen Musik zu und schleust synkopierte Beatmuster durch elektronische Devices. Es sind rhythmische Texturen, die wie Blueprints fungieren und so harsch nach vorne drängen, als würde man auf Betonwände und Metallplatten eindreschen. Seine Albentitel - wie zuletzt „Afro Noise“ - , aber auch die Live-Set begleitenden Projektionen - frühe FoundFootage Aufnahmen indigener Völkerwerfen ein ambivalentes Licht auf das Projekt des notorischen Provokateurs und stellen die Frage nach der Legitimation kultureller Aneignung innerhalb eines postkolonialen Diskurses. Ein durchaus kontroverses Projekt.

Wolf Eyes

Wolf Eyes sind die legendäre Noise-BerserkerFormation rund um John Olsen, Nate Young und James Baljo. Als würden sie alle bösekrachig-düsteren Genres der Musikwelt in einem rostigen Hexenkessel zu einer schwarzen Schlacke verschmelzen wollen, schalfen es Wolf Eyes mit einer unverschämten Nonchalance Noise, Psych Rock, Hardcore, Industrial und Metal zu einer Krawallsuppe zu verpanschen. Irgendwie beruhigend, dass ihnen die rotzige In-your-Face-Haltung auch nach zwanzig Jahren noch erhalten geblieben ist. Auch ihre Live-Shows sind nach wie vor wuchtig, unmittelbar und spontan.

12_ Manuel Knapp

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11_ Cut Hands

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10_ Wolf Eyes

Erratische Polyphonien

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06.05. TAG

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TARA TRANSITORY AKA ONE MAN NATION Die Musikerin, Video- und Konzeptkünstlerin Tara Transitory ist eine zentrale Gestalt in der Transgender-Community Südostasiens. Das erklärte Ziel ihres Musikprojekts „One Man Nation“ ist es, Grenzen zu sprengen. Ihre Live-Auftritte gleichen akustischen Seancen. Sie sollen in einen Zustand kollektiver Trance versetzen und eine Out-Of-Body Erfahrung auslösen, in der sich Körper und Selbst aufzulösen beginnen. Indem Transitory Field-Recordings unterschiedlicher Orte mit von Kontaktmikros abgenommenen Körpergeräuschen, melancholischen Synthflächen, Vocalsamples und massiven Beats kombiniert, möchte sie alle Körper zu einem verschmelzen und einen body in transition erzeugen. Ihr neuartiger Clubsound wird auf diese Art zu einem Medium für Transgression und das Überkommen aller Schranken.

Angel-Ho Letztes Jahr erst hat der südafrikanische Künstler Angel-Ho, gemeinsam mit den befreundeten MusikerInnen nkisi und Chino Amobi das Label-/Kollektiv NON Records ins Leben gerufen und folgt damit einer akut politischen Agenda. Dringendstes Ziel von NON: hegemoniale Strukturen zu durchbrechen, Reste kolonialer Mentalität zu entlarven und zu zerstören, um Selbstbestimmung zu ermöglichen. Diaspora, Zionismus, LGBT-Rechte sind in diesem

Zusammenhang entscheidende Schlagworte.

Die Kampfansage von Angel-Ho setzt sich im akustischen Raum fort und findet in harschen Samples ihre Entsprechung: bellende Hunde, splitterndes Glas, Maschinengewehrgeratter wechseln sich mit donnernden Beats ab. In der klanglichen Apokalypse findet das Zerschmettern von festgefahrenen Hierarchien statt. Zeitgenössische Clubmusik, die sich wieder auf ihre politischen Wurzeln besinnt.

Lotic Sein Sound ist düster, aggressiv und roh, gleichzeitig hysterisch, superslick und perfekt produziert. Spätestens seit seinem letzten Release auf Tri Angle gilt Lotic als eines der Aushängeschilder dekonstruierter Clubmusik.

Sein experimenteller Ansatz und die überbordend heterogene Sample-Ästhetik, verbinden ihn mit Musikerfreund M.E.S.H, mit dem der Björk-Produzent vor einigen Jahren das Berliner Janus Kollektiv ins Leben gerufen hat.

Immer wieder durchschlägt Lotic mit Glitchsamples und wildem Geknatter, feingliedrig-melodiöse Synthlines und lässt seine Tracks auf diese Art zwischen Aufbau und Zerfall oszillieren. Unter all dem Broken-Beat-Gedonner pulsiert dafür eine gehörige Portion libidinöse Energie.

Total Freedom Total Freedom verquirlt mit konfrontativer Geste Mainstream- und Underground-

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tracks. Seine eklektischen Sets amalgamieren R&B, Hip-Hop, Pop und Filmsoundtracks wie selbstverständlich mit Grime, Ballroom House, Metal oder diffusem dystopischem Krach und schaffen dabei eigenständige akustische Räume.

EASTER Post-Ekstase, Pre-Hangover - das Art-Pop Projekt Easter liefert den authentischen After-Hour-Soundtrack zu durchgefeierten Nächten in den dunklen Clubs Berlins. Während Stine Omar in ihrer unterkühlt-légèren Spoken-Word Performance, mit charmantem norwegischem Akzent über Alien Babies, Soja Proteine und Regelschmerzen referiert und dabei an Inga Copeland oder eine sedierte Miss Kittin erinnert, sorgt Boss mit seiner reduzierten Dark-Synth-Wave Grundierung für kodeindurchtränkte Vibes.

Juliana Huxtable Sie beschreibt sich selbst als „Cyborg, Cunt, Priestess, Witch, Nuwaubian princess”, ist gleichzeitig Künstlerin, Autorin, Djane, It-Girl, Mitglied des queeren KünstlerInnenkollektivs „House of Ladosha” und weltweite Schlüsselfigur der TransgenderCommunity.

Mit ihrem wöchentlichen Club Shock Value, in dem sie Resident Djane ist, wühlt sie mittlerweile halb New York auf. In ihren eklektischen Dj-Sets sampelt sie so ziemlich

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alles, was knallt. Von Madonna zu Marilyn Manson, Death Grips oder Bone Thugs'n Harmony – sie schafft es, Mainstreamtracks subversive Botschaften zu entlocken und collagiert diese mit eigenen Gedichten. Ihre Sets unterwandern auf diese Art den Majoritätsdiskurs, ohne auf Popkultur zu verzichten.

Rebellischer Cut-up im besten und tanzbarsten Sinne.

In Kooperation mit bliss

Le1f Eigentlich hat er Ballett und Modern Dance studiert, mittlerweile zählt Khalif Diouf aka Le1f, neben Mykki Blanco und Zebra Katz, zu der schillerndsten Erscheinung der homosexuellen New Yorker Rapszene. Es verwundert wenig, dass sein letztes Jahr erschienenes Debutalbum gleich mal von Kanye West's Kollaborateur Evian Christ und Lunice produziert wurde. Le1f glaubt an die subversive Kraft der Musik. Seine schrillen HipHop Tracks richten sich gegen Homo- und Transphobie, Misogynie und Rassismus, sind aber gleichzeitig sexy und witzig. Während im Hintergrund die Synths nervös flirren und crunke Beats abgefeuert werden, teast seine Stimme ohne Ende. Auch seine neonfarbenen Videos bleiben nachhaltig in Erinnerung: schrill, schräg und hyperslick, kreieren sie eine neue Form von Glamour-Booty Rap, irgendwo zwischen Fashion-Avantgarde und Ballroom-Vogue.

14_ Le1f

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13_ Lotic

Smash all Boundaries!

Queere Heterotopien zwischen Ballroom-Ekstase und kollektiver Trance

15_ Tara Transitory

Beginnzeiten und Veranstaltungsorte der Konzerte siehe Timetable

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Beginnzeiten und Veranstaltungsorte der Konzerte siehe Timetable

Atom TM „TEXTUREN“ Es gibt wohl wenige, die mit so vielen unterschiedlichen Pseudonymen in die Irre führen, wie Uwe Schmidt. Atom Heart, Dropshadow Disease, Lisa Carbon, Geez N Gosh, Phresh Phantasy, Atom TM, die Liste ist lange und die elektronischen Genres, die Fischer bereits erkundet hat, wohl noch länger. Es ist aber vor allem seine Liebe zu acid-durchtränktem, basslastigem Techno und Trance, der sich wie ein roter Faden durch die Projekte zieht. Als Atom TM schlägt der Frankfurter MultiElektroniker mitunter minimalistischere Wege ein und bringt das Resultat u.a. auf RasterNoton, dem deutschen Label für sublimen Techno heraus. Der Subbass wummert in der Magengrube, darüber legt sich ein straighter, sehnsuchtsvoller Groove. Atom TM wird im Setting der Installation des visionären AV-Duos STATION ROSE performen.

STATION ROSE Der Musiker Gary Danner und die Medienkünstlerin Elisa Rose, gelten als PionierInnen in der Fusionierung von Klang- und Computerkunst und präsentieren ihr Auftragswerk im Klangraum Krems Minoritenkirche (siehe Seite 19).

Tim Hecker Tim Hecker ist ein Meister seines Fachs. Die liquiden Klangwolken des Ambient-Masterminds führen in entrückte Sphären, die

zwischen gegenwärtiger Imagination und aktualisierter Erinnerung oszillieren. Wie ein Aquarellmaler setzt Tim Hecker Klangpunkte, die zerfließen und sich in der Dauer ausfalten. Klar beeinflusst von den frühen Minimalisten, scheut er sich nicht vor Dissonanzen und mikrotonalen Harmonien, die umso schöner und melancholischer nachhallen. Das breite Spektrum seiner Farbpalette, das Spiel mit Nuancen von Licht und Schatten und das gekonnte Verhüllen seiner Klangquellen, öffnen so enigmatische Geisterwelten, die Zeit und Raum ineinander fallen lassen. Gehüllt in einen Kokon aus sanft-verwaschenen Klängen, setzt irgendwann ein Trancezustand ein, der einen fortträgt.

Pantha du Prince presents THE TRIAD Hinter dem klingenden Namen Pantha du Prince verbirgt sich der arrivierte Elektronik-Produzent Hendrik Weber. Gekonnt mischt dieser Techno, Ambient, House und verspielte Percussionsamples zu eleganter, introvertierter Elektronik. Sein Sound basiert auf melancholisch-liquiden Atmo-Scapes, über die er fragiles, metallen schimmerndes Gefrickel laufen lässt, während darunter die fülligen Beats rollen. Die Räume, die dabei entstehen sind kristallin und dennoch bestechend geschmeidig. Und auch seine Live-Sets sind vielschichtig: sie sind zwar definitiv tanzbar, eignen sich aber genauso gut auch dazu, die Augen zuzumachen, davon zu

driften und dabei den eigenen Körper zu vergessen. Zahlreiche Kollaborationen u.a. mit den deutschen Diskurs-Rockern Tocotronic oder der elektro-akustischen Formation The Bell Laboratory belegen das vielseitige Talent des Hamburger Produzenten.

DJ Koze Stefan Kozalla ist ein umtriebiger Zeitgenosse. In den 1990ern mit der Hamburger HipHop Formation Fischmob groß geworden, folgte kurz darauf der Wechsel zu der Band International Pony und seinem Soloprojekt Adolf Noise, dessen Albentitel wie „Wo die Rammelwolle fliegt“ oder Hits wie „Arbeitslos“ und „Deine Reime sind Schweine“ wohl noch allen in Erinnerung sind. Seit 2000 wühlt Kozalla sich als DJ Koze auch in Richtung Deep Techno vor und das mit genauso großem Erfolg. Schließlich ist Kozalla auch als DJ einer der witzigsten Gestalten am deutschen Tanzmusikhimmel. In seinen Sets mischt Koze optimistisch-heiteren Techno mit Leftfield Hip-Hop und Pop und scheut dabei weder vor zuckersüß-souligen Vocalsamples, noch einem post-glamourösen William Shatner-Exkurs und sonstigen charmant-schrullige Irrwitzigkeiten zurück.

Koze bewahrt sich einen selbstironischen Unterton. Das zaubert einem ein breites Grinsen aufs Gesicht und kickt einfach.

Rødhåd (Dystopian, Token Records) Rødhåd zählt zu einem der gefragtesten DJs Berlins und bespielt neben obligatorischen Clubs wie dem Berghain mittlerweile auch die großen internationalen Festivalbühnen.

Selbst Musikerkollegen wie Robert Hood, Jeff Mills oder Marcel Dettmann sind begeistert von ihm. Ähnlich wie die eben genannten ist Rødhåd Perfektionist. Hat man seine Marathon-Sets einmal gehört, muss man staunen wie hypnotisch und organisch deepe Technotracks sich zueinanderfügen können.

Rødhåd schichtet federnden Dub-Techno mit diversen perkussiven Elementen zu pulsierenden, frei flottierenden Klanginseln. Bereits in den 1990ern hat sich Rødhåd mit seinen selbstorganisierten Open-Air Parties einen Namen gemacht. Seit einiger Zeit betreibt er gemeinsam mit zwei Freunden die Clubreihe Dystopian, in der er auch als Resident DJ an den Plattentellern steht und auch ein gleichnamiges Label gibt es mittlerweile.

Atmosphärischer, subtiler Techno, der uns zwischen konzentrierter Meditation und besinnungsloser Tanz-Trance alles abverlangt, ohne sich dabei aufdrängen zu müssen.

In Kooperation mit Grelle Forelle

18_ Tim Hecker

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17_ Rødhåd

16_ DJ Koze

Klangarchitektur zwischen minimal und sublim

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FILM

30.04. - 07.05.

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Kino im Kesselhaus

30.04.

Jean-Luc Godard: ONE PLUS ONE

Pedro Costa: NE CHANGE RIEN

FILM

01.05.

07.05.

John Cassavetes: SHADOWS

Soundart

05.03. – 02.10.

Rubén D‘Hers: QUEBRADA ESCONDIDA

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16.04. – 04.06.

Peter Tscherkassky: COMING ATTRACTIONS

1+1=3 Godard/Costa/ Cassavetes Der Impuls, Musik im Film als „ästhetische Materie“ (Jean-Marie Straub) zu begreifen, verbindet Jean-Luc Godards subversiven Blick auf die Rolling Stones, Pedro Costas minimalistische Studie mit Jeanne Balibar und John Cassavetes‘ freie Improvisation in der New Yorker Jazzund Beatnikszene. Alle drei Filmemacher verkörpern radikale Positionen des Kinos, die – abseits von MusikerInnenporträts und Konzertmitschnitten – experimentelle Formen der filmischen Arbeit mit Musik entwerfen.

So, 01.05. 11:00 Filmfrühstück / 12:30 Film

NE CHANGE RIEN

Regie: Pedro Costa, Portugal/F 2009

Eine minimalistische Filmstudie über das Verhältnis von Gesang und Sängerin: Pedro Costa folgt der Schauspielerin und Sängerin Jeanne Balibar von den Proben bis zur Aufnahme, von Rockkonzerten bis zu Gesangsstunden lyrischer Musik, vom Dachboden in Sainte-Marie-aux-Mines bis zur Bühne in einem Café in Tokyo, von „Johnny Guitar“ bis zu Jacques Offenbachs „La Périchole“.

Sa, 30.04. 14:00

Sa, 07.05. 11:00 Filmfrühstück / 12:30 Film

Regie: Jean-Luc Godard, GB 1968

Regie: John Cassavetes, USA 1959

ONE PLUS ONE

Jean-Luc Godard addiert scheinbar unzusammenhängende Sequenzen zu einem allegorischen Spielfilm, der gleichzeitig auch experimentelles Musikvideo ist: die Arbeit der Rolling Stones an ihrem Song „Sympathy For The Devil“, den agitatorischen Kampf der Black Panthers, das Interview einer politische Parolen sprayenden Revoluzzerin und die Deklamation von „Mein Kampf“ durch einen faschistischen Porno-Buchhändler.

SHADOWS

John Cassavetes Künstlermelodram kreist episodenhaft um drei Geschwister einer schwarzen Familie, die sich in der New Yorker Jazz- und Beatnikszene bewegen.

Originalschauplätze, Improvisation, Spontaneität und die u.a. von Charles Mingus eingespielten Soundtracks durchziehen diese Jam-Session für Regisseur, Darsteller und Kamera.

Freier Eintritt zu den Filmen mit donaufestival Ticket. Frühstück: EUR 8,75 (vor Ort in der Filmbar zu bezahlen) Achtung: aufgrund der limitierten Plätze bitte rechtzeitig für das Frühstück und/oder den Film unter 02732 / 90 80 33 reservieren.

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05.03. - 02.10.

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16.04. - 04.06.

Klangraum Krems Kapitelsaal

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an Festivaltagen von 10:00 – 20:30 geöffnet

an Festivaltagen von 10:00 – 21:00 geöffnet

Rubén D’Hers

Peter Tscherkassky

Quebrada Escondida

COMING ATTRACTIONS

SOUNDART

ART

unterschiedlicher Geschwindigkeit rotieren. Ein Stück Stoff, das an den Motoren befestigt ist, streift die Saiten. So entsteht eine sich konstant ändern de Klangwolke.

Abhängig vom physikalischen Zustand der Instrumente und der Raumtemperatur, wird sich die Struktur der Stimmungen im Lauf der Zeit leicht verändern.

Peter Tscherkasskys Filme lassen den Blick nicht zur Ruhe kommen und fordern den Betrachter dabei unablässig heraus. In den Filmen der Ausstellung „Coming Attractions“ werden Fragmente analoger Werbefilme und Filmtrailer inhaltlich ad absurdum geführt. Tscherkasskys ästhetischer Umgang mit filmischem Material ist dabei längst nicht bloß dekonstruktivistisch

oder antiillusionistisch – seine Arbeiten sind von einem radikal produktionsästhetischen, experimentell-strukturellen Denken bestimmt. Ihn interessieren die Möglichkeiten dezidiert analoger Bearbeitung, d.h. des direkten und unmittelbaren Zugriffs auf das filmische Bildmaterial.

In Kooperation mit Galerie Stadtpark.

In Kooperation mit Klangraum Krems Minoritenkirche.

ESTHER STOCKER, UNTITLED, 2009 (DETAIL), COURTESY ESTHER STOCKER UND KROBATH WIEN, FOTO: ANDY STAGG

Der in Berlin lebende venezolanische Gitarrist und Klangkünstler Rubén D’Hers präsentiert in seiner Arbeit „Quebrada Escondida“ 15 Saiteninstrumente, welche sich auf dem Boden des Kapitelsaals befinden. Von der Decke hängt eine Wolke aus Kabeln, welche knapp bis zu den Saiten der Instrumente ragen. Am Ende der Kabel befinden sich Gleichstrommotoren, die frei über den Instrumenten schwingen und mit

Galerie Stadtpark

KUNSTHALLE KREMS FRANZ-ZELLER-PLATZ 3, 3500 KREMS T +43 2732 908010, WWW.KUNSTHALLE.AT

TEAM:

PROKURA: Liselotte Grand Klaus Moser

Künstlerische Leitung: Tomas Zierhofer-Kin

Produktion: Liselotte Grand Sophie Pachner Jochen Gruber

Musikalische Konsulenz: Klaus Moser Geschäftsführung: Albrecht Großberger Ruth Pieber

13/03—19/06/2016

Büroleitung: Eva Huber

Ticketing: Joanna Schild Maria Öhlinger Iris Auer-Möseler Buchhaltung: Katharina Nolz (NÖKU)

Technische Leitung: Frank Lischka

Haus- & Veranstaltungstechnik: Ernst Steindl Christoph Schedl

Presse/Öffentlichkeitsarbeit: Barbara Pluch

Webmaster: Andreas John (NÖKU)

Marketing/Kommunikation: Klaus Moser Daniela Freistetter Ines Fernau

REINIGUNG: Berta Bichea

Copyrights: Seite 4/5: Saint Genet © Promo Seite 7: Roberta Lima © Lauren Klocker Seite 8: Saint Genet © Steven Miller Seite 9: Ben Zamora Lichtinstallation (Rendering) © Zamora Seite 10: God’s Entertainment © Rolf Arnold Seite 11: God’s Entertainment © Rolf Arnold Seite 12: Elisabeth Bakambamba Tambwe © Karolina Miernik Seite 12: Charlie And The Angels © Stefan Röhrle Seite 13: Elisabeth Bakambamba Tambwe © DIG UP Seite 15: Julius Deutschbauer, David Jagerhofer und Barbara Ungepflegt © Promo Seite 17: Hatsune Miku © LaTurbo Avedon/ Crypton Future Media, INC. www.piapro.net Seite 18: Monster Truck & Theater Thikwa © Ramona Zuehlke Seite 19: STATION ROSE © CHAOS Seite 19: Gelatin, KlitClique und Elikuka © Promo Seite 22/23: (1) Mbongwana Star © Promo; (2) Gaika © Promo; (3) Omar Souleyman © Flavien Prioreau Seite 24/25:(4) Fatima Al Qadiri © Camille Blake; (5) Stefan Fraunberger © Johanna Magdalena Guggenberger; (6) Kode9 © Promo Seite 26/27: (7) Mogwai © Brian Sweeney; (8) Oneirogen © Katrin

Albert; (9) Monk Parker © Adrian Whipp Seite 28/29: (10) Wolf Eyes © Doug Coombes; (11) Cut Hands © Promo; (12) Manuel Knapp © Sophie Thun Seite 30/31: (13) Lotic © Alex de Brabant; (14) Le1f © Promo; (15) Tara Transitory © Miriam de Saxe Seite 32/33: (16) DJ Koze © Promo; (17) Rødhåd © Torsten Roman; (18) Tim Hecker © Todd Cole Seite 35: one plus one © Koch Media Seite 36: Quebrada Escondida © Rubén D’Hers Seite 37: Filmstill: Coming Attractions, 2010, 35 mm, SW, 25 min © Peter Tscherkassky Copyrights_Timetable: Mbongwana Star © Florent de La Tullaye / Gaika © Promo / Stefan Fraunberger © Johanna Magdalena Guggenberger / Kode9 © Promo / Monk Parker © Adrian Whipp / Oneirogen © Katrin Albert / Babyfather © Promo / Wolf Eyes © Doug Coombes / Tara Transitory © Miriam de Saxe / Lotic © Elias Johansson / Rødhåd © Torsten Roman / Tim Hecker © Nico Stinghe

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Waidegg – Das Handformat macht mit der Aktion „Jetzt 3 Wochen gratis testen“ derzeit von sich reden. Max Manus, Österreichs führender Hersteller von Handtellern in Originalgröße, bezichtigt den STANDARD, seine Kompakt-Ausgabe im Handformat in Anlehnung an seine linke Hand gestaltet zu haben. Eine Klage wird in zweiter Instanz in Erwägung gezogen, in erster Instanz ist sie bereits abhandengekommen. Derzeit geht man in belesenen Kreisen davon aus, dass das Handformat an sich wohl schon fast so alt ist, wie die Hand selbst – oder doch so alt wie das beliebte Gesellschaftsspiel „Schere, Stein, Papier“, in dem jedes Handformat ein anderes schlägt. „Wenn eine Zeitung schon im

Flexibel im Format, unbeugsam im Inhalt. Jetzt 3 Wochen gratis lesen. Gleich bestellen unter: derStandard.at/Testlesen

dem Thema gesagt haben, viel eher jedoch stammt die Aussage von dem Rapper HaHaND$, dem Drechsler handfester Sprüche.

Aus heimischen Politikerkreisen war zuletzt wenig zu vernehmen, nicht zum Thema Handformat, sondern ganz allgemein.

Ein neuerliches Gutachten der Argru HAND (Heutige Angehende Neue Denker) will nun einen Zusammenhang zwischen dem Lesen des Handformats in kritischen Kreisen und der Handlichkeit unbeugsamen Journalismus im Allgemeinen herstellen, was wohl insofern als gegeben zu erachten ist, als die Neuen Denker überdurchschnittlich häufig auch Abonnenten einer gewissen Qualitätszeitung – Name der Re-

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Für den Klangraum Krems Minoritenkirche schafft Jeroen Vandesande in seiner Klanginstallation CIRCUIT03 Instrumente, die akustische Rückkoppelungen erzeugen. Dabei bewegen sich Lautsprecher in sechs Glasröhren von oben auf Mikrophone zu, die am unteren Ende befestigt sind. Durch die Form und Länge der Röhren, die Position der Lautsprecher sowie der BesucherInnen im Raum ändert sich die Komposition.

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Ermäßigungen gelten nur im Vorverkauf. An der Abendkassa sind nur Tickets zum Vollpreis erhältlich.

Büro der NÖ Festival und Kino GmbH Minoritenplatz 4, A-3500 Krems an Werktagen von Mo–Do 09:00–16:00, Fr 09:00–13:00, an Festivaltagen ab 10:00 Tickethotline +43 (0) 2732 90 80 33

Außerdem bieten wir ein Wahlabo mit frei kombinierbaren Tagespässen an.

Die im Wahlabo getroffene Auswahl der Tage ist verbindlich: EUR

62,-

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3-Tagespass (Tage frei wählbar)

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93,-

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onlinebonus Onlinetickets auf www.donaufestival.at Alle OnlinebucherInnen erhalten ermäßigte Tarife. Buchbar bis 18:00 Uhr des jeweiligen Festivaltages. Bestellung/Kauf mittels Sofortüberweisung, eps-Online-Überweisung oder Kreditkarte spesenfrei.

EUR 9,Sichern Sie sich bitte rechtzeitig Ihr RückfahrtBusticket im Vorverkauf. Bustickets können ausschließlich im Vorverkauf im Büro der NÖ Festival und Kino GmbH, unter + 43 (0) 2732 90 80 33 oder online gekauft werden.

(keine Wahlabos und Bustickets erhältlich)

Tickets in allen Raiffeisenbanken in Wien und Niederösterreich sowie auf www.ticketbox.at

bahn Zugverbindungen nach Krems finden Sie unter www.oebb.at.

Der letzte Zug Richtung Wien fährt um 21:51.

Der erste Zug Richtung Wien fährt an Freitagen und Samstagen um 04:29, an Sonn- und Feiertagen um 05:51.

Barrierefreiheit siehe www.donaufestival.at

In allen Geschäftsstellen von: www.oeticket.com Tel.: +43 (0)1 96 0 96

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2-Tagespass (Tage frei wählbar)

Das donaufestival bietet zwei unterschiedliche Bus-Abfahrtszeiten pro Festivalabend von Krems nach Wien an (um 23 Uhr sowie 20 Minuten nach Ende des letzten Konzerts, Ausnahme: So, 01.05. – nur 20 Minuten nach Ende des letzten Konzerts).

Vorverkauf von Tagespässen:

(zzgl. Vorverkaufsgebühr)

Vollpreis

BUSTRANSFER

Externe vorverkaufstellen

(zzgl. Vorverkaufsgebühr)

Allgemeine Hinweise

Besetzungs-, Programm- und/oder Ablaufänderungen sowie Änderungen bei den Beginnzeiten sind vorbehalten und berechtigen nicht zur Rückgabe oder zum Umtausch der Karten. Alle Preise verstehen sich inkl. gesetzlicher MwSt. Es gelten die AGB und die Hausordnung der NÖ Festival und Kino GmbH. Kostenloser Schutz gegen gesundheitsgefährdende Lärmeinwirkungen: Die BesucherInnen nehmen ausdrücklich zur Kenntnis, dass aufgrund der Lautstärke der veranstalteten Konzerte die Gefahr von Gesundheitsschäden nicht ausgeschlossen werden kann. Der Veranstalter stellt BesucherInnen daher gegen allfällige gesundheitsgefährdende Lärmeinwirkungen einen kostenlosen Gehörschutz zur Verfügung. Für eintretende Schäden an der Gesundheit der BesucherInnen lehnt der Veranstalter folglich eine Haftung für den Fall ab, dass die BesucherInnen vom kostenlos zur Verfügung gestellten Gehörschutz keinen Gebrauch gemacht haben. Bitte beachten Sie das Rauchverbot in allen unseren Spielstätten.

ALLGEMEINE INFOS UND SERVICE

Die Website www.donaufestival.at bietet Ihnen ausführliche Informationen zu Programm, Beginnzeiten, sowie zur Anreise und weiterführenden Angeboten in der Kulturlandschaft Wachau und Umgebung. Informationen über Unterkünfte in Krems und Umgebung finden Sie unter www.krems.info. In unserer Mediathek finden Sie wie gewohnt erste musikalische und visuelle Einblicke in das kommende Programm.

First come, first served

Aufgrund unterschiedlicher Raumkapazitäten der Spielorte bitten wir zu berücksichtigen, dass der Zutritt teilweise stark limitiert ist. Bei manchen Produktionen gibt es keinen Nacheinlass.

ABHOLUNG TICKETS/ARMBÄNDER

An Festivaltagen von 10:00 - 20:00 im Klangraum Krems Minoritenkirche, Minoritenplatz 5, 3500 Krems/Stein und ab 13:00 beim Ticketcontainer am Messegelände, Utzstraße 12, 3500 Krems.

ERMÄSSIGUNGEN

Für Personen bis zur Vollendung des 26. Lebensjahres, OnlinekundInnen, DerStandard-AbonnentInnen, Club Ö1, Raiffeisen KundInnen sowie Raiffeisen Clubmitglieder, Kulturticket NÖ, mica Club, KundInnen der HYPO NOE Landesbank AG, Mitglieder des Vereins der Freunde der Kunstmeile Krems und des Fördervereins Kulturbezirk St. Pölten, Zivil- und Präsenzdiener, Menschen mit Behinderung und eine Begleitperson. RollstuhlfahrerInnen erhalten 50% Ermäßigung (nur telefonisch bestellbar). Ermäßigte Karten werden nur gegen Vorlage der Ermäßigungsberechtigung/Onlinebestätigung ausgegeben!

BesucherInnen mit Kulturpass Hunger auf Kunst und Kultur erhalten nach Verfügbarkeit und Voranmeldung freien Eintritt.

IMPRESSUM

TEXTE

Grafik

Herausgeber: NÖ Festival und Kino GmbH Minoritenplatz 4, A-3500 Krems www.donaufestival.at

Shilla Streika Tomas Zierhofer-Kin

ATZGEREI.com Stand: 15.02.2016

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veranstaltungsorte

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Krems / Stein

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Kino im Kesselhaus Campus Krems

Dr.-Karl-Dorrek-Straße 30, 3500 Krems

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Krems / Zentrum

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Messegelände

Halle 1/Halle 2/Lounge/ Stadtsaal/Ticketcontainer Utzstraße 12, 3500 Krems

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Kunsthalle Krems

Zentrale Halle Franz-Zeller-Platz 3, 3500 Krems

Bahnhof

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Klangraum Krems Minoritenplatz

Minoritenkirche/Kapitelsaal/Arkadenhof/ Forum Frohner/Ticketschalter Minoritenplatz 5, 3500 Krems

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Campus Krems

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Stadtcafé Ulrich

Südtirolerplatz 7, 3500 Krems

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Galerie Stadtpark

Josef-Wichnerstraße 2, 3500 Krems

Gehzeiten (Beispiele sind zirka Angaben in Minuten) E

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15 Min.

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i INFOPOINT Informationen rund um das Festival erhalten Sie im Klangraum Krems Minoritenkirche (10:00 – 20:00), beim Ticketcontainer am Messegelände (ab 13:00) sowie im Foyer der Messehallen (ab 19:00).

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HALTESTELLE BUSTRANSFER

Ringstraße/Stadtpark, 3500 Krems

festivalgastronomie E

Kulinarik und Kaffee.

Alles spielt eine Rolle!

Wir rollen und rühren, zapfen und brühen.

Mahlzeit! w w w.espresso-w ien.at

HARRY’S GASTROTAINMENT

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Messegelände & Klangraum Krems Minoritenkirche Für warme Speisen und Snacks (insbesondere die legendären Schnitzelsemmeln) sowie Getränke aller Art ist gesorgt. w w w.harr ys.co.at

KUNST.SPIEL

FILMBAR

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Kunsthalle Krems Montag Ruhetag Dienstag bis Sonntag von 9:00 – 18:00 Uhr, an Festivaltagen bis 21:00 Uhr.

STADTCAFÉ ULRICH

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Frühstück, Mittag- und Abendessen Mo - Do, 07:00 - 23:00, Fr & Sa, 07:00 - 24:00, So & Feiertag, 09:00 - 23:00

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Die Filmbar mitten auf dem Campus ist der Geheimtipp zum entspannten Beisammensein mit Freunden, zum Genießen von Kaffeespezialitäten, ausgesuchten Weinen und internationalen Gerichten.

Mi – Fr, 17:00 – 24:00, Sa, 11:00 – 24:00, So, 10:00 – 23:00 w w w.f ilmbar-kulinarium.at

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ESPRESSO

Messegelände (ab 19:00)

Ă–sterreichische Post AG/Sponsoring Post 05Z036145S NĂ– Festival und Kino GmbH, Minoritenplatz 4, 3500 Krems