UNTREATED

una forma de expresión personal sin restricciones ni convencionalismos.

Este producto editorial es un trabajo académico centrado en la moda, las últimas tendencias y la cultura pop, dirigido a jóvenes de 15 a 18 años. Su concepto gráfico se basa en la libertad de expresión y la autenticidad, con un estilo desenfadado y “desorganizado”, transmitiendo una sensación de libertad y autenticidad. La idea es mostrar que la moda es una forma de expresión personal sin restricciones ni convencionalismos. Para ello, se utiliza el estilo collage, que enfatiza esta creatividad y rompe con las normas tradicionales del diseño, permitiendo una representación visual vibrante y dinámica.

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Portada con animación que se activa con la aplicación Artivive

CRÉDITOS:

DISEÑO POR:

Daniela Tamayo FOTOGRAFÍA POR:

Daniela Tamayo

EDICIÓN POR:

Daniela Tamayo

DIAGRAMACIÓN POR:

Daniela Tamayo

PUBLICIDAD POR:

Daniela Tamayo iMPRESIÓN:

Índigo Express

ALGO SOBRE MÍ

Hola, soy Daniela Tamayo, estudiante de Diseño Gráfico en la PUCE. Recientemente, diseñé una revista como parte de un proyecto académico, enfocándome en la moda y la cultura pop. Este trabajo no solo me permitió desarrollar habilidades en el uso de herramientas digitales como InDesign, Photoshop e Illustrator, sino que también me brindó la oportunidad de profundizar en el diseño editorial.

FUENTES DE INVESTIGACIÓN

★ Bagrelife. (18 de Dic de 2022 ). Brujas de los noventa o esa estética llamada whimsigothic . Obtenido de https://bagre.life/contenido/cultura-pop/brujas-noventa-tendencias-whimsigothic-gotico/

★ Bagrelife. (2 de Octubre de 2022 ). Rosalía, la dualidad de una motomami . Obtenido de https:// bagre.life/contenido/cultura-pop/rosalia-motomami-album-criticas-cultura-pop/

★ Bagrelife. (28 de Julio de 2022). Barbie, ícono de la cultura pop. Obtenido de https://bagre.life/ contenido/cultura-pop/barbie-icono-de-la-cultura-pop/

★ Betancourth, K. (12 de Nov de 2023 ). Queer, la re-evolución de la moda. Obtenido de https:// bagre.life/contenido/opinion/queer-la-re-evolucion-de-la-moda/

★ Designs, S. (s.f.). Album Cover Art: ‘Everycent Records’ Record Store Price Tag Sticker Print.

★ Espinosa, . C. (22 de Enero de 2023 ). Vivienne Westwood: ¡Dios salve a la Dama del Punk! . Obtenido de https://bagre.life/contenido/cultura-pop/vivienne-westwood-moda-punk/

★ Grey, E. d. (8 de Octubre de 2023). Resumen de la Semana de la Moda de París Primavera Verano 2024, o lo que las marcas de lujo no querían que vieras. Obtenido de https://es.runwaymagazines. com/recap-paris-fashion-week-spring-summer-2024-or-what-luxury-brands-didnt-want-you-to-see/

★ Images, G. (s.f.). Priscilla.

★ Spaeny, S. C. (Febrero de 2024). Dear Priscilla. (F. S. Baqueiro, Entrevistador)

★ Zamarrón, I. (13 de Julio de 2023). Obtenido de Forbes, México: https://www.forbes.com.mx/ tu-proximo-outfit-sera-de-ropa-segunda-mano-este-mercado-no-deja-de-crecer/

★ GETTY IMAGES

★ REUTERS

Diseñado

para romper moldes.

6-10

ARTÍCULO:

Tu próximo outfit será de ropa de Segunda Mano

DRESSROOM DRESSROOM

DRESSROOM

ENTREVISTA: Dear Priscilla

11-13

15-16

BARBIE: Ícono de la cultura popular

ROSALÍA: la dualidad de una Motomami

14

DRESSROOM DRESSROOM DRESSROOM

REPORTAJE:

17-19

QUEER: La revolución de la moda

BRUJAS DE LOS NOVENTA: o esa estética llamada Whimsigothic

26-27

Vivienne Westwood: ¡Dios salve a la reina del Punk!

20-25

28-29

FOTOGALERÍA

30-34

CRÓNICA: Semana de la Moda de París, Primavera - Verano 2023 - 2024

Tu próximo outfit será de ropa de

Grandes cadenas minoristas como Shein o Zara empiezan a explorar la viabilidad de la venta de ropa de segunda mano, un mercado con altas expectativas de crecimiento, y México no se queda atrás.

Escrito por: Israel Zamarrón Fotografías sacadas de: Standard Design

El próximo outfit que comprarás será de segunda mano, si no es que ahora mismo ya consumes ropa de este tipo. El mercado de ropa de segunda mano goza de buena salud y cada vez más personas (y marcas) forman parte de la re circulación de la moda. Si la compraventa de segunda mano como libros, automóviles, viviendas o celulares, computadoras y aparatos electrónicos re acondicionados ya es algo normalizado, ¿por qué no habría de serlo también la ropa?

Cinthya Trejo, clients team director de Human Connections Media (HCM), considera que esta tendencia muestra que los fabricantes y las marcas se encuentran frente a un perfil de un consumidor joven, consciente e informado, que aboga por

un consumo responsable y busca una buena relación calidad-precio; “un comprador que valora una producción respetuosa con el medio ambiente, el reciclaje de materias primas y la reducción de las Emisiones de CO2”

“Esas mismas generaciones de consumidores son las que han impulsado, el auge de la moda rápida y ultra rápida, lo que ayuda a explicar por qué incluso las principales empresas de moda rápida ahora están adoptando la venta de segunda mano en tiendas y en línea”

Hugo Gómez Oliver, CEO de HCM México, comenta que el 60% de los

consumidores han descubierto una marca o la han comprado por primera vez en el mercado de segunda mano, “lo que pone de manifiesto la gran oportunidad que tienen las marcas de aumentar su alcance a nuevos clientes participando en el mercado de la reventa”.

“La gestión directa de la reventa por parte de las marcas puede ser útil, aunque puede implicar un uso intensivo de recursos, limitar el alcance de clientes y suponer un riesgo de volumen e inventario. Por eso, la posibili-

El volumen de negocio del mercado de ropa de segunda mano fue estimado en 36,000 millones de dólares y para 2025 podrá duplicarse. De hecho, se estima que la proporción de prendas de ropa usada aumentará en el armario estándar

9% a 18%

dad de asociarse con una plataforma de segunda mano es vista como una solución mutuamente beneficiosa para algunas marcas”, añade.

“Mientras que los compradores empiezan a experimentar el atractivo de las compras de segunda mano, las marcas también ven cada vez más importante este tipo de reventa para sus programas de sostenibilidad. Hoy en día, las marcas ya no se preguntan si participar en la reventa, sino cuál es el mejor modelo para hacerlo”, destaca Cinthya Trejo.

el segmento de la segunda mano representa aproximadamente un

del total de la industria de artículos personales de lujo. 15%

DONDE LA GENERACIÓN Z COMPRA EL Y VENDE UN

35% 44%

destacando un aumento del 28% 29% en hombres en mujeres

Marcas de primera, ropa de segunda mano

El gigante minorista chino Shein es un claro ejemplo. Si bien es considerado uno de los principales impulsores del modelo de fast fashion, junto con el grupo español Inditex (Zara, Lefties, Pull & Bear, Bershka), ha empezado a mojarse los pies en la piscina de la venta de ropa de segunda mano con su sitio Shein Exchange.

Esta incursión en el mercado de segunda mano representa un cambio significativo en la estrategia de la marca, que busca diversificar su oferta y responder a la creciente demanda de moda sostenible por parte de los consumidores. Hennes & Mauritz AB también está dando pasos hacia la sostenibilidad con el lanzamiento de una plataforma de reventa en línea en colaboración con ThredUp. Esta asociación refleja el compromiso de H&M de ofrecer alternativas más sostenibles a sus clientes y reducir su impacto ambiental. Al recibir prendas usadas y ofrecer créditos a los clientes por cada artículo devuelto, H&M está fomentando el reciclaje y la reutilización de la ropa, promoviendo así una economía circular en la industria de la moda.

El éxito de estas iniciativas demuestra que las marcas de primera pueden desempeñar un papel importante en la promoción de la moda de segunda mano y contribuir a la construcción de un futuro más sostenible para la industria de la moda. Al aprovechar su influencia y alcance, estas marcas pueden inspirar a otros actores del sector a seguir su ejemplo y adoptar prácticas más éticas y responsables.

Se estima que en 2028 el clóset se verá así:

Las prendas de segunda mano, suscripciones y alquiler van a estar en el

TOP 3

de las principales categorías de mayor crecimiento rápido.

Conforme los consumidores adopten nuevos modelos de venta al por menor, los grandes almacenes perderán la MITAD

Ropa de segunda mano 13%

El Futuro de la Moda de Segunda Mano

A medida que la moda de segunda mano continúa ganando popularidad y aceptación en todo el mundo, es probable que su impacto siga creciendo en los próximos años.

A medida que más personas adopten un estilo de vida sostenible y busquen alternativas a la moda rápida, es probable que la demanda de ropa de segunda mano siga aumentando.

En respuesta a esta demanda creciente, es probable que veamos más marcas y minoristas tradiciona-

les incursionar en el mercado de la moda de segunda mano. Ya hemos visto ejemplos de esto con empresas como Shein, Zara y H&M, que han lanzado plataformas de reventa en línea y están explorando formas de integrar la moda de segunda mano en sus operaciones comerciales.

Además, es probable que veamos un crecimiento continuo en el número y la diversidad de plataformas de comercio electrónico dedicadas exclusivamente a la venta de ropa de segunda mano.

El Impacto Social y Ambiental de la Moda de Segunda Mano

Aspecto de la contaminación

Emisiones de gases de efecto invernadero (GEI)

Consumo de recursos hídricos

Generación de residuos textiles

Contaminación química

Impacto en la biodiversidad

Estadística

La industria de la moda es responsable del 10% de los gases de efecto invernadero, el doble de las emisiones combinadas del transporte aéreo y marítimo.

El consumo de agua en la producción textil es significativo y contribuye a la contaminación del agua.

Cada año, millones de toneladas de ropa son producidas, usadas y desechadas, contribuyendo a la generación de residuos textiles.

El uso de productos químicos nocivos y tóxicos en la producción de ropa provoca contaminación del agua y del aire, así como problemas de salud para los trabajadores.

La producción y el consumo de moda rápida afectan negativamente a la biodiversidad y a los ecosistemas naturales.

Desde un punto de vista ambiental, la moda rápida ha sido durante mucho tiempo una de las industrias más contaminantes del mundo. La producción masiva de ropa nueva consume grandes cantidades de agua, energía y recursos naturales, y genera toneladas de residuos textiles cada año. Además, los productos químicos utilizados en el proceso de fabricación de la ropa nueva pueden tener efectos nocivos en la salud humana y en el medio ambiente.

La moda de segunda mano ayuda a mitigar estos problemas al extender la vida útil de la ropa existente y reducir la necesidad de producir nuevas prendas. Al reutilizar y reciclar la ropa usada, se reduce la cantidad de desechos textiles que van a parar a los vertederos y se conservan los recursos naturales necesarios para fabricar ropa nueva. Esto a su vez ayuda a reducir la huella de carbono de la industria de la moda y a proteger el medio ambiente para las generaciones futuras.

Además de su impacto ambiental, la moda de segunda mano también tiene importantes beneficios sociales y económicos. Al proporcionar una fuente de ingresos adicional para las personas que venden su ropa usada, ayuda a empoderar a las comunidades locales y a reducir la dependencia de la economía informal. También ofrece una forma asequible de acceder a prendas de calidad para aquellos que de otra manera no podrían permitírselo, lo que contribuye a reducir la desigualdad económica y promover la inclusión social.

Análisis Estadístico de la Industria de la Moda en 2023: Impacto Económico, Tendencias y

Retos

Medioambientales

Categoría

Ventas al por menor en 2019

Proyección para 2030

Estadística

$1,9 billones

$3 billones

Número de trabajadores en la industria 430 millones

Principales empresas por ingresos (2021) LVMH, Christian Dior, Nike

Principales consumidores de moda EE.UU. y China

Segmento de ropa de mujer (2018) $804 billones

Tasa de crecimiento anual de ropa de mujer 4,81%

Segmento de ropa masculina (2018)

Proyección para moda masculina en 2025

$483 billones

$740,8 billones

Mercado de ropa infantil (2018) $169 billones

Proyección para ropa infantil en 2023 $239 billones

Mercado de vestidos de novia

Proyección para atuendo nupcial en 2022

Principales empresas de moda por capitalización bursátil

$32,5 billones

$43,500 billones

Inditex, Nike, LVMH, TJX, Hennes & Mauritz, Hermes, Rolex SA, Fast Retailing, Adidas, Chanel

Contribución de la moda al carbono 10% de emisiones mundiales

Moda frente a vuelos y envíos (carbono)

Supera a vuelos y envíos combinados

Productos textiles desechados 85% termina en vertederos cada año

Ropa desechada en vertederos 57%

Microfibras de plástico en los océanos

Responsables de 35% de todas las microfibras de plástico

Sofia Coppola, célebre por su estética única y sus historias profundas, ha cautivado a la audiencia con películas como The Virgin Suicides y Lost in Translation. Ahora, inspirada por la autobiografía de Priscilla Presley, Coppola se embarca en un nuevo proyecto sobre la vida de la esposa de Elvis Presley.

Escrito por Fernanda Sela y Valeria Baqueiro para la Revista Elle México. Fotografías obtenidas de Getty Images.

Para Sofia Coppola, llevar la historia de Priscilla Presley al cine fue una decisión natural. Le atrajo la transformación de Priscilla, la moda y el glamour de la época, y se identificó con su experiencia como madre. Inspirada por estos elementos y pensando en su propia hija adolescente, Coppola decidió cómo enfocar su próximo proyecto. Cuando MUBI ofreció una entrevista con Coppola

y la protagonista, fue una oportunidad imperdible. Durante la entrevista, Coppola, desde la Ciudad de México, compartió su entusiasmo por la ciudad y su enfoque relajado, a pesar del ajetreo de las entrevistas y el estreno mundial.

Fernanda Sela (FS): En muchas de tus películas vemos a los personajes desarrollarse, casi siempre cambian y crecen. Además, temas como la pérdida de la inocencia o el coming of age son recurrentes, ¿cómo los abordaste aquí?

Sofia Coppola (SC): Al final, esta película se trata de contar la historia desde la perspectiva original sin juzgarla y solo permitir al público experimentar lo que Priscilla sentía. Sin embargo, han surgido muchas conversaciones sobre este tema, hay mucho que decir acerca de los roles de la mujer en aquella época y lo que se esperaba de ellas.

FS: En tu libro Archive dices que la historia de una niña que trata de navegar el mundo actual siempre te resulta interesante. ¿Qué aprendiste y descubriste sobre ti misma en esta historia? ¿Qué tienen en común Priscilla y tú?

SC: Es difícil saber qué aprendí de la película, me toma tiempo absorberlo todo, pero pasé una temporada muy interesante con Priscilla y compartimos mucho. Para empezar a las dos nos gusta mucho la moda y somos muy femeninas, pero también me identifiqué con el hecho de que las dos somos madres; y ella tuvo que tomar decisiones importantes basadas en el hecho de serlo. Creo que la historia en general tiene muchas cosas con las que te puedes identificar, como tener cierta edad y querer ser independiente y sentirse grande. Me acuerdo, cuando yo tenía quince años me sentía grande y ahora que tengo una hija de dieciséis años, no me la imagino viviendo sola… Para mí fue la primera vez que trabajo con una historia en la que pude ver las dos perspectivas: la de ser una adolescente y la de ser madre de esa adolescente.

FS: Hay una escena, cuando Priscilla regresa de Graceland a casa de sus padres y se ve completamente diferente. La ropa, el maquillaje y el pelo son totalmente distintos. Desde mi punto de vista, ese momento marca el cambio o la transformación de niña a mujer. ¿Qué escena representa mejor para ti la transformación?

SC: Me acuerdo de ese momento en el libro, de su mamá preguntándole qué había pasado en ese tiempo. La transición se sentía muy extrema y creí que era necesario verla, pero a lo largo de la película hay varios momentos clave que marcan esta transformación, los fui identificando mientras adaptaba el libro y algunos los decidí filmar. Por ejemplo, cuando se dan su primer beso, el gesto en la cara de ella es diferente, sabe que se está convirtiendo en una mujer y entra a una nueva etapa.

FS: ¿Cómo encontraste a tus personajes? Jacob (Elordi) y Cailee (Spaeny), quedan muy bien juntos.

SC: El casting fue muy importante porque la historia se basa en dos personajes importantes y necesitábamos que no distrajeran, pero que representaran muy bien a los personajes. Cuando conocí a Cailee sentí que se veía joven, pero que era perfecta para el papel. Tiene todas las cualidades para el papel, tiene cierta delicadeza femenina, pero al mismo tiempo hay en ella una fuerza interna. Además pasó tiempo con Priscilla. En cuanto a Jacob, no sabía cómo encontrar a alguien tan específico y un amigo lo sugirió; cuando lo conocí se me hizo tan carismático y charming que supe que esas eran las mismas cualidades que Elvis debió haber tenido para ser

irresistible, además de tener cierta sensibilidad.

Cailee Spaeny me saluda en una llamada de Zoom con un look totalmente desenfadado y la piel más luminosa que he visto.

Valeria Baqueiro (VB): Antes que nada, déjame felicitarte por qué hiciste un trabajo excepcional, te llevaste el Volpi Cup a mejor actriz en Venecia y recibiste elogios de la misma Priscilla Presley. ¿Qué fue lo más desafiante de interpretar a este icono de la cultura pop?

Cailee Spaeny (CS): Creo que fue el hecho de que interpretaba a un personaje real, a una persona real que

Me encanta la manera en que representa a las mujeres jóvenes porque creo que es muy auténtica.

Cailee Spaeny habla de Sofia Coppola

iba a ver la película al final de este viaje, y la responsabilidad que tenía de hacerlo bien, representar su historia de una manera que ella se sintiera vista y hacerlo bien para ella.

VB: Empiezas interpretando a una niña de catorce años que conoce a su ídolo y evoluciona en una mujer que toma el control de su propia vida. ¿Cómo lograste retratar esa transformación en tu actuación?

CS: Fue muy difícil. Especialmente con un rodaje de treinta días que filmamos fuera de orden e interpretar esa progresión. Así que hice todo el trabajo de preparación que pude, me tomé el tiempo para sentarme con la misma Priscilla para repasar este capítulo de su vida, leer Elvis and Me muchas veces, tomar tantas notas y ver tantos vídeos como pude, y luego tomar decisiones sobre cómo iba a diferenciar el papel, las edades y abordar la progresión que ella experimenta. Fueron diferentes edades para interpretar, desde los catorce hasta finales de los veinte, y pasar de ser una niña y luego convertirse en madre de una niña y condensarlo en una película de dos horas es difícil… así que me apoyé mucho en el departamento de peinado, maquillaje y vestuario, eso fue clave para anclar me y saber dónde estaba en el viaje y durante el día. Realmente dependía de qué peluca

tenía puesta para recordar en qué momento estaba, podía tener catorce años en una hora y a la siguiente estar embarazada, fue complicado mantenerme centrada. Solo cruzas los dedos y esperas haber hecho suficiente investigación, pero también tienes que apoyarte mucho en tus compañeros creativos mientras estás filmando y esperar que se sienta auténtico.

VB: ¿Qué elemento clave consideras que fue esencial en tu representación de Priscilla?

CS: Lo que ella me dijo fue que, incluso a través de todos los momentos oscuros y las etapas tumultuosas de la relación, me asegurara de que expresara amor. Que hubiera una verdadera conexión y un verdadero cuidado entre ellos. Ese fue nuestro desafío, asegurarnos de mostrar ambos lados de la historia y que, al mismo tiempo, los dos fueran verdaderos. Así que es una historia compleja, se encuentra en una zona gris y es un poco complicada a veces; pero intentamos contar el lado humano de ella y ser lo más honestos posible. Y lo logramos.

VB: ¿Hay algo más que puedas contarnos de tus encuentros con Priscilla que todavía no sepamos? CS: No sé si la gente sabe esto, pero en Memphis, muy tarde en la noche, Elvis alquilaba todo el cine y se quedaban hasta tarde. Seleccionaba personalmente sus películas favoritas y hacía maratones de películas que se prolongaban hasta altas horas de la no che. Todos tenían que estar allí y nadie podía quedarse dormido. Tenían que estar despiertos hasta tarde y ver la selección de Elvis. A él le encantaba Marlon Brando, James Dean y Peter Sellers. Era un gran cínico y les encantaba ver películas juntos.

Las escenas que más disfruté fueron en las que ella se estaba divirtiendo y las que no disfruté, en las que no la estaba pasando bien. Cuando Elvis dice “necesitas hacer tus maletas, necesitas irte”, interpretar esa pelea no fue divertido.

Rosalía, la dualidad de una

Rosalía refleja en su nuevo álbum Motomami la dualidad, el contraste, la transformación, la metamorfosis.

Escribe bagrelife, Quito - 02 Oct 2022 Fotografías de: Getty Images

Rosalía, la artista española conocida por su innovadora mezcla de géneros y estilos, ha presentado su segundo álbum de estudio titulado “Motomami”, que ha generado tanto expectación como controversia. Este disco marca un cambio significativo en comparación con sus trabajos anteriores, como “Los Ángeles” y “El mal querer”. Mientras que estos últimos fueron aclamados por la crítica y el público, “Motomami” ha recibido críticas mixtas desde su lanzamiento.

El concepto detrás de “Motomami” es una combinación de la palabra “moto”, que significa duro o fuerte en japonés, y “mami”, una expresión española que se refiere a una mujer con el poder de dar vida. Rosalía utiliza esta dualidad para explorar temas como el amor, el sexo, la familia, el dinero y la fama. El álbum fue escrito durante un período en el que la artista estuvo lejos de casa debido a la pandemia, lo que añade una capa adicional de introspección y transformación a las letras y melodías.

A diferencia de su álbum anterior, “El mal querer”, que se centraba en una narrativa cohesiva inspirada

en una novela occitana del siglo XIII, “Motomami” es más personal y humorístico. Rosalía ha dejado claro que no busca un análisis profundo de su trabajo, sino más bien una conexión emocional y una expresión libre.

El álbum ha generado debates sobre la apropiación cultural, ya que Rosalía fusiona elementos del flamenco, la rumba catalana y otros estilos españoles con influencias internacionales. Sin embargo, la artista defiende su enfoque multicultural, citando sus propias experiencias fami liares y su visión de la música como una expresión libre y divertida.

A nivel de marketing, Rosalía ha utilizado diversas estrategias para pro mocionar el álbum, desde adelantos en TikTok hasta grafitis en ciudades de todo el mundo. Además, ha cultivado una relación cercana con sus segui dores, enviándoles regalos y compar tiendo contenido exclusivo a través

Ícono de la cultura pop

A sus 63 años, Barbie se mantiene vigente y el rosa, su color, es un ícono de la cultura pop. No solo en Ecuador sino en el mundo entero.

La película de Barbie dirigida por Greta Gerwig no solo es un tema de cine, sino también de moda, gracias al talento de Jaqueline Durran, la diseñadora de vestuario ganadora del Óscar por Mujercitas en 2020. Durran, conocida por su trabajo en Atonement y Ana Karenina, ha demostrado su habilidad para crear icónicos atuendos, como el vestido verde de Atonement.

En su reciente trabajo en Spencer (2021), Durran vistió a Kristen Stewart como Lady Di, mostrando una Diana

más personal y humana al incluir detalles como una chaqueta que pertenecía a su padre. Este enfoque único convierte el vestuario en una pieza clave de la película.

Ahora, Durran se enfrenta al desafío de vestir a Barbie en la próxima película sobre la muñeca icónica, interpretada por Margot Robbie. Aunque solo se han revelado dos looks hasta ahora, estos han generado gran interés en el mundo de la moda, con un claro guiño a los estilos noventeros de Barbie.

Escribe bagrelife, Quito - 28 Jul 2022

El “Barbie core” se ha convertido en una tendencia, inspirada en la estética de la muñeca y marcada por el distintivo color rosa. Celebridades como Zendaya y Hailey Bieber ya han adoptado este estilo, que evoca la nostalgia de los años ochentañ

Después de años de loungewear neutro, la sociedad busca liberación y alegría en la moda, y el Barbie core ofrece precisamente eso. Jaqueline Durran tiene la oportunidad de crear un diseño de vestuario tan impactante como Clueless o The Nanny, desafiando los prejuicios sobre el color rosa y demostrando su capacidad para capturar la esencia de una época en la cultura popular.

UNTREATED - ARTÍCULO VARIADO

En el inicio del siglo XXI, la música del tocadiscos de mi padre me envuelve, invitándome a bailar mientras sostengo un antiguo disco de vinilo. La portada, con su hombre elegante en tonos otoñales, despierta cuestionamientos sobre los límites de la vestimenta y los roles de género. Este acto de vestir según el género es una construcción social, evidente en la historia desde la época clásica hasta la actualidad. Desde Hércules y Onfalia hasta las santas travestidas, la vestimenta siempre ha sido una forma de expresión de la identidad de género y la identidad ideológica. Las instituciones han temido la ruptura de estos paradigmas, como lo demuestra la exclusión del travestismo de los trastornos mentales en el Manual Diagnóstico y Estadístico de la Asociación Americana de Psiquiatría. La vestimenta es una manera de desafiar los discursos sociales y políticos, una expresión de lo que somos y lo que queremos comunicar al mundo.

Hoy en día, la moda es cada vez más queer, desafiando las normas establecidas. Prendas que antes estaban reservadas para un solo género ahora son utilizadas de manera indistinta por una variedad de grupos sociales y culturales. Esta evolución nos recuerda la valentía de aquellos que lucharon por la libertad de expresión a través de la vestimenta, desde Alexander McQueen hasta Thierry Mugler.

La historia de la moda está marcada por visionarios como John Galliano y Vivienne Westwood, que encontraron inspiración en la diversidad y la excentricidad de la sociedad. Gracias a la re-evolución queer, hoy tenemos el privilegio

“Cierro los ojos y recuerdo, como si escuchará a todo volumen, una vieja canción en un vinilo desgastado por el uso y el tiempo, en el antiguo y ya casi obsoleto tocadiscos manual de mi padre”.

de expresarnos auténticamente, lejos de los prejuicios y paradigmas impuestos. La moda es mucho más que “solo ropa”; es una forma de expresar nuestras ideas, deseos y miedos, así como de honrar la memoria colectiva y la lucha por la libertad de expresión.

Escribe Karla Betancourth, Quito - 12 Nov 2023

"Bocados que ronronean"

Su gran sentido de la moda y estilo la llevaron a convertirse en un ícono y vestuarista de jóvenes que hallaron en sus creaciones un referente estético revolucionario.

De Gran Bretaña han salido muchos, muchísimos, y muy destacados representantes del arte. Charles Chaplin, Queen, Pink Floyd, los Rolling Stones, Led Zeppelin, los Beatles, Danny Boyle, Guy Ritchie, Ridley y Tonny Scott, los Monty Python, David Bowie, Cristopher Nolan, Anthony Hopkins, Amy Winehouse, Harry Styles, and so on…

Cada uno, desde su espacio, ha roto esquemas y presentado propuestas realmente enriquecedoras. Y la verdad, no sé qué sería de la cultura sin ellos.

En ese mismo punto del planeta nació Vivienne Isabel Swire (1941 –2022), conocida como Vivienne Westwood, una diseñadora de modas provocadora, rebelde y que supo materializar el verdadero significado de la vanguardia.

En la década de los setenta, hubo una crisis económica a nivel mundial que desterró al movimiento hippie y la idea de vivir en amor, paz y armonía. La caída del acuerdo de Bretton Woods, la crisis del petróleo del 73 y la recesión económica en gran parte de Europa y Estados Unidos causaron olas enormes de despidos, condiciones laborales precarias, deserción escolar, huelgas masivas, entre otros.

De este descontento surgió el movimiento punk, el mismo que aglutinó a jóvenes que buscaban rebelarse ante el sistema y despreciaban a los representantes del rock de los sesenta por haberse rendido ante la publicidad y las reglas de juego de ese sistema al que aborrecían.

“Para sus creadores y su público, el punk era la identidad cultural de la ira, la privación de derechos y la rebelión. El auge y el apetito por la escena punk a finales de los 70 y principios de los 80 no se limitó únicamente a la música. Se convirtió en una ideología que generó literatura, poesía, moda y rebeldía política”, escribió Simon Ingram en su artículo ¿Qué fue el punk y por qué asustaba tanto a la gente?, Publicado en la revista National Geographic.

Escribe Manuela Carcelén Espinosa, Quito - 22 Ene 2023 Fotografías de Getty Images, y Vivienne Westwood Oficial.

Nació el 8 de abril de 1941 en Tintwistle, un pueblo pequeño de Inglaterra. Se mudó a Londres con su familia de clase trabajadora. Estudió para ser parvularia. Se casó y tuvo un hijo. Hasta ahí, todo normal.

Un día como hoy, ayer o mañana, lo mismo da, conoció a Malcolm McLaren, promotor de música y amante de la moda. Vivienne se separó de su esposo y se mudó en 1965 con McLaren, y ambos abrieron Let it rock, una tienda en el 430 de King’s Road, que se convirtió en corto tiempo en el foco de la anti moda y la naciente estética punk. El objetivo era que ese espacio se convirtiera en un “asesor de moda” de las bandas que se identificaban con aquella cultura underground.

Vivienne era la diseñadora y su gran sentido de la moda y el estilo la llevó a convertirse en un ícono y vestuarista de jóvenes, que hallaban en sus creaciones un referente estético revolucionario.

Como parte de ese proceso, Woodstock y McLaren decidieron cambiarle el nombre a la boutique por SEX, un término mucho más atractivo y provocador. El resultado fue el esperado, más público, más bandas, más movimiento. A partir de ese momento, McLaren se convirtió en el representante y promotor de los Sex Pistols y los New York Dolls, y Vivienne los vistió para sus diferentes presentaciones y conciertos. Y no solo eso, en 1979 Vivienne coescribió la letra de una canción de los Sex Pistols, Who Killed Bambi?

La confección de prendas estaba inspirada en prostitutas, motociclistas, en el sadomasoquismo y la pornografía. Utilizaba mucho cuero,

charol, cadenas, collares con púas, tachas, faldas escocesas. A eso se debe sumar las crestas y los cortes de cabello asimétricos.

Uno de sus diseños de camisetas más reconocidos es el de “God Save The Queen” que hizo para los Pistols y para su canción que lleva el mismo nombre, la cual critica a la monarquía y el status quo. A pesar de eso, Vivienne conoció a Isabel II y fue honrada en 1992 con la Orden del Imperio Británico.

Por supuesto, tenía que hacer algo que rompiera con lo establecido, y adivinen qué… Acudió al palacio de Buckingham sin ropa interior. “Quería enseñar mi atuendo girando la falda. No se me ocurrió que, estando los fotógrafos prácticamente de rodillas, el resultado sería más glamuroso de lo que esperaba”, contó en una entrevista para The Guardian. “Oí que la imagen divirtió a la Reina”.

Westwood era irreverente. En 1989 fue portada de la revista Tatler, posó como Margaret Tatcher y en la parte inferior decía: “Esta mujer fue una vez punk”.

Cuando la ves, sabes que ella tiene algo que decir, algo que reclamar y una razón para alzar su voz. Viv Albertine, vocalista y guitarrista de la banda de punk femenina The Slits, contó sin vergüenza alguna que la sola presencia de Westwood era tremendamente intimidatoria, pero capaz de generar admiración. “Vivienne y Malcolm utilizan las prendas para impresionar, irritar y provocar una reacción, pero también para inspirar un cambio”, dijo Albertine en su biografía Clothes, Clothes, Clothes, Music, Music, Music,.

romántico”, contó en sus memorias. “Ahí es cuando empecé a pensar en piratas. Era una idea de salir de la isla, la pequeña isla en la que estaba atrapada, y profundizar en la historia”.

texturas y diversos materiales y textiles que daban cuenta de un giro creativo pero siempre con su sello: la vanguardia.

Ya en 1982, lanzó una colección en la que las modelos utilizaban sujetadores sobre la ropa (aunque no lo crean mis queridos centennials, eso fue una gran revolución) y un

“Soy muy anárquica y perversa con lo que hago con la ropa, pero lo que busco es la sencillez… Lo mejor de mis prendas, la forma en que te hacen sentir grandioso y fuerte, tiene que ver con la forma sexy en que enfatizan tu cuerpo y te hacen consciente de él”, contó en 1983 para una publicación de la revista Harpers & Queen.

Westwood desarrolló una excelente relación con la generación de supermodelos, lo que permitió que muchas de sus pasarelas sean inolvidables, así como varios vestidos de novia que lucieron, por ejemplo, Carrie Bradshaw, la cerdita Peggy, Miley Cyrus.

Me parece obvio, en este punto, decir que Vivienne fue mucho más que el punk. Y, por supuesto, que los mensajes políticos a través de la moda son su herencia estética. Fue una activista que nunca se quedó con la boca cerrada.

Vivienne Westwood conoció a Carlo D Amario y se mudó a Italia, donde trabajó para Giorgio Armani.

Creo su primera colección masculina y completa y obtuvo el galardón a Mejor Diseñadora en los premios British Fashion Council.

El director Robert Altman recreó un desfile de Vivienne en la película Prêt-à-porte.

Diseño los uniformes de las dependientas de la tienda de lencería Agent Provocateur y ganó el premio de Chandon Fashion Tribute.

Además de su notoriedad por sus reiteradas posturas ideológicas dentro de sus colecciones y pasarelas mainstream, Westwood fue una figura importante en diversas manifestaciones políticas, como la que realizó frente a la Embajada de Ecuador en Londres en favor de Julian Assange, creador de WikiLeaks y principal expositor de crímenes de guerra por parte de Estados Unidos.

Le preocupaba mucho si podría cambiar el mundo y que sea un lugar mejor para vivir. Siempre encontró espacios para arremeter con potentes mensajes políticos y se convirtió en una luchadora activa contra el cambio climático, contra el consumismo desmedido, la producción inconsciente y el maltrato animal.

Se abrió al público la retrospectiva Vivienne Westwood, en el museo de Londres. Kate Moss asistió a la inauguración.

Fue inaugurada la muestra Vivienne Westwood: Princess punk 34 Years in Fashion.

2008

Diseñó para Greenpeace el logo de su campaña Save The Artic.

Murió a los 81 años, en su casa de Clapham, al sur de Londres.

Esta tendencia reivindica la estética de las brujas. El primer requisito para el conjuro de iniciación es, desde luego, lucir como ellas.

Escribe bagrelife Quito - 18 Dic 2022

TikTok ha sido fundamental en la difusión de nuevas tendencias, y entre ellas destaca el “whimsigothic”, una estética en auge en 2022. Esta tendencia combina elementos fantásticos y góticos, caracterizándose por cortes coquetos e inusuales junto con colores oscuros y una estética sombría. Influenciada por el resurgimiento de la estética Y2K en 2021, el whimsigothic fusiona tendencias de finales de los noventa y principios de los 2000. Sus textiles incluyen terciopelo, encajes y transparencias, mientras que las joyas combinan perlas, piedras y metales, inspiradas en la espiritualidad wicca.

La estética whimsigothic se ha popularizado en plataformas como TikTok y Pinterest, donde millones de videos y publicaciones muestran diferentes outfits siguiendo este estilo. Se espera que esta tendencia evolucione en los meses de otoño e invierno, influenciada por el estilo

El estilo whimsigothic está influen ciado por series y películas de los noventa, como “Sabrina, la bruja adolescente” y “Charmed”, así como por el universo cinematográfico de Tim Burton y películas como “Hocus Pocus” y “Drácula, de Bram Stoker”. Estos referentes culturales han mar cado la moda de la época y continúan inspirando esta estética.

Diseñadores como Christian Lacroix, John Galliano y Anna Sui han creado colecciones que reflejan la estética whimsigothic, con influencias victorianas, renacentistas y bohemias. Además, artistas como Stevie Nicks, Kate Bush, Florence and the Machine y Lorde han adoptado esta estética en su imagen, convirtiéndose en referen tes de esta moda.

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Semana de la Moda de París Primavera - Verano

2023 - 2024

Virginie Viard de Chanel. REUTERS/Benoit Tessier

Resumen de la Semana de la Moda de París

Primavera Verano 2024, o lo que las marcas de lujo no querían que vieras.

Crónica de Eleonora de Gray Editora jefe de RUNWAY REVISTA.

La Semana de la Moda de París se desarrolló como ninguna otra, y para alguien como yo, que ha asistido a los desfiles de París, Milán y Nueva York durante más de dos décadas, los cambios fueron innegables. A lo largo de los años, generaciones de

diseñadores han ido y venido, las marcas de moda han cambiado sus estrategias de marketing y las tendencias han entrado y desaparecido. Este año, sin embargo, me sentí como si me hubieran metido en una comunidad pequeña e independiente. El estilo personal se ha convertido en un circo de exceso y vulgaridad. Las exuberantes muestras de estilo personal se han transformado en simples payasadas, dejando atrás el arte sutil que alguna vez definió esta industria. Las marcas, alguna vez veneradas y codiciadas, ahora pasan desapercibidas,

a medida que el interés colectivo en ellas se reduce a un susurro.

En esta era de preocupaciones apremiantes como el cambio climático y la degradación ambiental, la flagrante ignorancia de la industria de la moda es difícil de entender.

La presencia de “celebridades” desconocidas en los espectáculos sólo subraya la des-conexión de la industria con la realidad.

En esos momentos, no pude evitar reflexionar sobre las raíces de todo esto, tratando de comprender dónde nos encontramos ahora. La Semana de la Moda de

Historia de la industria de la moda

Desde los albores de la cultura humana, nuestra fascinación por la apariencia personal ha sido evidente. La ropa y las joyas, de intrincados diseños, han servido durante mucho tiempo como formas de autoexpresión y decoración. Este concepto de moda ha estado entrelazado con la propia cultura desde sus inicios, reflejando la esencia de la identidad humana en su entorno. La conciencia de nuestra apariencia sigue siendo una faceta central de nuestra existencia.

A medida que las sociedades progresaron y cuando comenzamos a acuñar monedas de plata y oro para pagar los bienes y servicios, se convirtió en un punto de inflexión en nuestra cultura. Esta transición condujo a la estratificación de la sociedad humana en diferentes castas. La moda se convirtió en un atributo distintivo, un marcador visual del estatus de cada uno. Cuantas más monedas se poseían, mayor era la capacidad de adquirir obras de arte exquisitas, adornarse y distanciarse de las castas inferiores.

El tiempo pasó y los siglos XVIII y XIX fueron testigos del auge de la industrialización. La producción

Mientras reflexiono sobre esta desconcertante transformación, no puedo evitar preguntarme qué pasó con esta industria y por qué se degeneró tan irremediablemente. La Semana de la Moda de París de antaño, caracterizada por su elegancia y brillantez creativa, parece un recuerdo lejano. En su lugar, ahora nos encontramos en un mundo que a menudo parece más parecido a un circo que a una celebración de estilo y sustancia

París 2023 me hizo sentir como un extraño en una tierra que alguna vez fue familiar. Es hora de que la industria re-descubra su esencia, se re-conecte con la realidad y acepte la urgencia de nuestros tiempos. Es hora de reflexionar sobre de dónde venimos y hacia dónde nos dirigimos. Todas estas preocupaciones plantean interrogantes sobre las raíces de la industria de la moda en el siglo XXI, los principios sobre los que se fundó y el precipicio al que debe caer.

de telas y materiales preciosos se convirtió en actividad industrial. Sin embargo, la esencia de cómo abordamos la moda y los diseñadores permaneció inalterada. Los sastres/ diseñadores continuaron extendiendo invitaciones a su distinguida clientela, invitándolos a sus salas de exposición para dar vida a su propia imagen. Aquí, en medio del proceso creativo, nacieron prendas excepcionales y únicas, que encarnan la individualidad y las aspiraciones de quienes las usan.

Evening Dress, Brooklyn Museum Costume Collection at The Metropolitan Museum of Art.

Virginie Viard de Chanel. REUTERS/Benoit Tessier

Semana de la Moda de París 2023

Si bien la semana de la moda de Milán, como siempre, es un gran lugar de elegancia y gracia, esta semana de la moda de París dejó muy mal sabor de boca. Personas mal o extrañamente vestidas, de comportamiento grosero, arrasaban las calles antes de la entrada a los espectáculos, comprobaban con los dientes enormes collares falsos “dorados”, sacudían algunas partes del cuerpo, gritaban, desfiguraban los lujosos salones de los hoteles con bombas de colores. – así es como luce hoy la Semana de la Moda de París. Hasta aquí la elegancia y la gracia.

Mariposas vivas muriendo en las faldas de Undercover

Se podría argumentar que este enfoque tiene como objetivo captar la atención de la generación más joven, la Generación Z. Esta generación emergente busca activamente su papel en el mundo y está profundamente involucrada en diversas iniciativas sociales y ecológicas. Sin embargo, uno no puede evitar preguntarse si la colocación de cientos de mariposas vivas dentro de faldas de burbujas es un medio eficaz para transmitir un mensaje sobre la necesidad de proteger el medio ambiente. Pero ¿qué pasa con esas mariposas vivas que mueren en las faldas? Brand Undercover mostró este concepto poco convencional como parte de su colección Primavera Verano 2024.

Un diluvio de K-Pop en la Semana de la Moda de París

Esta vez, fuimos testigos de una afluencia sin precedentes de niños y niñas de K-Pop entre los invitados. Esta nueva ola de asistentes VIP parecía haber reemplazado a los influencers. K-Pop, abreviatura de

Victor Virgile, Getty Images

Undercover Primavera Verano 2024

pop coreano, aportó un elemento entrañable a la escena. Sin embargo, era evidente que muchos de ellos no hablaban francés ni inglés, lo que dejaba poco espacio para una interacción significativa. Su enfoque principal parecía ser mostrarse con sus lindos atuendos en lugar de prestar atención a las colecciones presentadas o los desfiles. Y reunía a la entrada de cada espectáculo a mucha gente muy joven que tenía curiosidad por verlos.

Incluso antes del desfile de Pierre Cardin, me sorprendió la enorme cantidad de jóvenes reunidos. Para mi sorpresa, cuando pregunté por su presencia, muchos de ellos desco-

nocían el legado de Pierre Cardin. Su motivo principal para estar frente a la entrada del programa era echar un vistazo a las figuras del K-pop que podrían aparecer. La misma escena que noté antes de cada espectáculo, con una multitud de asistentes jóvenes y entusiastas animando no al diseñador, sino anticipando a un potencial artista de K-pop.

Esta estrategia sirve como medio para conseguir clackers “gratuitos”, beneficiando a las grabaciones de vídeo oficiales. Sin embargo, en términos de lo que aporta a la Semana de la Moda de París o a los propios diseñadores, la respuesta parece ser “NADA”.

Hyunjin

Colección Primavera Verano 2024 de Balenciaga, bajo la dirección de Demna Gvasalia, se ha sumergido más profundamente en un reino de lo que sólo puede describirse como puro absurdo y provocación. La noción de “concepto” en este contexto parece ser una excusa apenas velada para lo que sólo puede calificarse como una deformación de la moda y un descenso a la perversidad. La colección Primavera Verano 2024 de Balenciaga parece deleitarse en la controversia porque sí, con una mezcla de influencias y elecciones que desafían la comprensión. Es una colección que plantea serias dudas sobre la dirección de la industria de la moda y su responsabilidad de promover un discurso cultural positivo y significativo.

La colección Primavera Verano 2024 de Balenciaga parece ser otra desviación de la moda convencional. Parece abarcar elementos de subversión, incorporando diferentes influencias y elecciones no convencionales.

La moda es a menudo un reflejo de cambios culturales y sociales, y diseñadores como Demna Gvasalia son conocidos por su capacidad para provocar controversia.

Rapsodia de Balenciaga y Merilyn Menson

asistiendo a Versace (Imagen: proporcionada por Versace)

Cortesía de Balenciaga.

La colección Primavera Verano 2024 de Balenciaga, bajo la dirección de Demna Gvasalia, se ha sumergido más profundamente en un reino de lo que sólo puede describirse como puro absurdo y provocación. La noción de “concepto” en este contexto parece ser una excusa apenas velada para lo que sólo puede calificarse como una deformación de la moda.

Y luego está la inquietante elección de cerrar el desfile con una novia de Balenciaga, que parecía una “nueva novia” para Marilyn Manson. Manson, cuyas acciones han inspirado asesinatos en Estados Unidos, no debería ser glamoroso en ningún contexto de la moda.

Todavía se podría pensar que todo esto es “una expresión artística”. Pero el resultado está aquí y es tan simple como eso: miles de piezas de Balenciaga se han estado marinando en tiendas como Saks y Bloomingdale’s durante los últimos años. Nadie quiere comprarlos.

Hago esta “adición especial” el 11 de noviembre, simplemente para mostrar el punto. Saks Fifth Avenue envió recientemente a todos sus clientes un boletín sobre Balenciaga 834 piezas en ventas masivas con un descuento del 30-70%. Pude ver piezas mostradas en mayo de 2022 de la colección Balenciaga x Adidas, etc. Saks, como muchos otros grandes almacenes, no sabe cómo deshacerse de este enorme stock “no deseado” de ropa de Balenciaga.

Y esa es la realidad de todo. Pero aparentemente Balenciaga y su empresa matriz, Kering, están intentando ocultar estos resultados.

Dior Primavera Verano 2024 Prêt-à-porter “Hechicería y monstruos, o las brujas modernas encantan”

Colección Primavera Verano 2024 de Dior, “Brujería y monstruos, o las brujas modernas encantan, “ es una desviación desconcertante de la estética típicamente elegante y sofisticada de la marca. La visión de Maria Grazia Chiuri de brujas convertidas en monstruos está, lamentablemente, ejecutada de una manera que carece de gusto y refinamiento. Los mensajes feministas pegados en las paredes, aunque importantes, se sienten fuera de lugar y forzados, intentando compensar la falta

de coherencia en los diseños. La afirmación: “El fucsia con amarillo no es un malvavisco; es mi manera de resaltar lo que está mal y lo que está bien”, se siente más como un intento desesperado de salvar una colección que no cumple con las expectativas. La paleta de colores de ceniza, manzanilla y pociones de amor sólo sirve para hacer que la colección parezca aún más sombría y poco atractiva. La transformación del patrón Mille-fleurs de Dior en un motivo oscuro carece de la sofisticación que uno esperaría de la marca.

Cortesía de Dior

Buleador hoy, delincuente mañana.