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Precio: $200.00 pesos / 2007-2008

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selecci贸n de artistas emergentes para nuevos coleccionistas

EDITORIAL


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MART, Selección de artistas emergentes para coleccionistas es una publicación de: FABRICA DE ARTE de Fundación Murrieta, A.C. y Editorial Cuarta Pared, S.C.

Directorio FÁBRICA DE ARTE de Fundación Murrieta, A.C. Consejo de Gobierno Rolando Keller Torres / Presidente Victoria Márquez Mees / Secretaria Patricia Berumen Rocha Lucía García Mejía Clara López Loyo Magdalena Salgado Campos Bertha Cea Echenique Lorena Zaragoza Reyes Oscar Scolari Romero Manuel Saénz Fucugauchi Marco A. Hernández Murrieta

Editorial Cuarta Pared, S.C Director General / Editor

Erik D. Ramírez Enciso Director de Arte

Sergio A. Ruiz Carrera Difusión

Blanca Espinosa Asistente de Redacción

Ivonne Domínguez

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Director de Contenido

Alfonso Maldonado Ochoa Jefe de Redacción

Gina Partida Director de Promoción y Eventos

Roberto Lingard Supervisor de Distribución

Gabino González

selección de artistas emergentes para nuevos coleccionistas, es una publicación anual de Editorial Cuarta Pared, S.C. y Fábrica de Arte de Fundación Murrieta, A.C., Primera Edición 2007 - 2008. Todos los Derechos Reservados. Prohibida la reproducción total o parcial del contenido. La editorial no asume responsabilidad por cualquier consecuencia derivada de la fabricación, funcionamiento y/o utilización de las obras que se publican. Las notas firmadas reflejan la opinión de los autores sin que ello implique solidaridad de esta guía con su contenido. Domicilio de la publicación: Río Pánuco 199-1, Cuauhtémoc, México, D.F. 06500. Impreso y hecho en México.


mART 2007, selección de artistas emergentes para nuevos coleccionistas MARCO ANTONIO HERNANDEZ MURRIETA M. ¿PORQUE HACER ESTA SELECCIÓN? Intento ser coleccionista de arte, llevo más de 10 años aprendiendo a serlo y he concurrido por varias etapas comprando obras, exclusivamente por el placer de admirarlas. Quizá la primera haya sido la mejor y la más disfrutable, teniendo como única guía mi gusto, o bien, también he adquirido obra sólo por el valor de la firma. Incluso adquirí obras que en su momento me gustaron mucho y con el paso de estos años me pregunto qué pasaba por mi cabeza aquel día que las compré. Esta ha sido mi experiencia al introducirme en el mundo del arte contemporáneo. Cierta ocasión, pensando en cómo alguien joven, sin experiencia ni conocimientos en arte, pero con ganas de adquirir una obra, podría guiarse para saber si lo que compra es más que una pieza decorativa o algo que realmente valga la pena, surgió la idea de crear una publicación que fuese de ayuda para este público inexperto. Esta pieza debería no sólo dar el punto de vista del crítico o del experto en arte, sino también el de otros integrantes del mundo de la plástica que rara vez son tomados en cuenta, como son los galeristas, los coleccionistas e inclusos otros artistas. ¿Por qué contar con una publicación y no ir simplemente a una galería de prestigio? Porque las galerías son en general lugares que invitan a no entrar, siempre vacías, con la puerta cerrada que generalmente se abre sólo con cita previa; con obras sin precio a la vista, que igual pueden costar una cantidad impagable, o bien estar al alcance de las posibilidades del furtivo visitante. Pero la verdad es que la gran mayoría de las veces nos da pena preguntar, así que mejor no entramos. Con esta idea en mente, nos hemos reunido Alfonso Maldonado, Mireya Escalante, Ercilia Gómez y el que aquí escribe, para formar un comité editorial que apoya y lleva a cabo esta publicación; de ahí surge mART. Este comité amplió y sobrepasó su objetivo original, que inicialmente sólo intentaría apoyar a los que se podrían interesar en ser coleccionistas, y ahora se convierte en una manera concreta de apoyar a los artistas en la difusión de su obra. Por ello pretendemos que esta selección sea anual.

¿QUÉ NO ES ESTA PUBLICACIÓN? No es un estudio o tratado sobre el arte emergente en nuestro país, tampoco es una lista de los principales artistas emergentes que están sobresaliendo en estos momentos, ya que lo limitado del alcance de nuestra convocatoria no lo permite. No es un oráculo que adivine el futuro que depara a estos artistas, ni tampoco las predicciones de una firma financiera que avale las obras como inversiones a futuro; es simplemente la opinión de un grupo de conocedores del arte con diferentes antecedentes y edades, que con una metodología imparcial y objetiva, alejada de amiguismos e influyentismo, guíe a posibles interesados en la compra de arte como objeto de goce y disfrute, y a lo mejor, como una posible inversión que preserve su valor en el tiempo, siendo este último punto, el menos importante de todos. En esta selección no están todos los que deberían estar, ni todos los que están conjuntan lo mejor del arte emergente. ¿QUÉ SE PRETENDE CON ESTA PUBLICACIÓN? 1. Promover artistas que inicien su trayectoria. 2. Iniciar en el coleccionismo y/o en la compra de arte a nuevos y más amplios públicos. 3. Detectar a los artistas con gran calidad estética y con alto potencial de inversión. METODOLOGÍA De acuerdo al criterio del Consejo Editorial, se entenderá por artista emergente tanto aquellos que se inician en el proceso de búsqueda de un estilo propio en las artes plásticas, como aquellos que ya tienen una expresión consistente pero cuyas obras todavía no están consolidadas en el mercado. Por lo tanto, no es requisito que sean jóvenes, pero si que su expresión sea innovadora y vanguardista y que no estén muy valorados en el mercado, por lo que los precios de venta de su obra deben ser máximo de $8,000.00 dólares americanos.


No hubo restricción de técnica, por lo que podrían presentarse todo tipo de obras plásticas como pintura, escultura, arte objeto, instalación, video, fotografía, multimedia, arte electrónico, performance y técnicas mixtas diversas. Pasos 1) Lanzamiento y publicación de la convocatoria para participación, abierta por tres meses (abril, mayo y junio del 2006), cada artista participante debió presentar: a. Fotos de cinco obras en formato jpg de 800 x 600 pixeles, b. Descripción e intencionalidad de cada obra. Máximo una cuartilla por obra c. Textos de la crítica (si se tenía) incluirlos en una cuartilla. d. Currículo sintetizado (una cuartilla). e. Precios de mercado de cada una de las obras presentadas. f. Datos personales: Nombre completo y seudónimo, fecha de nacimiento, dirección, teléfono y correo electrónico. g. El material se presentó en CD y un juego impreso en original. Resultado: Se recibieron 231 participaciones de diferentes puntos del país. 2) Conformación de un Comité de Preselección que dio una revisada general al material recibido descartando a quienes no cumplieran con las definiciones y requisitos de la convocatoria, dicho comité estuvo integrado por cinco personalidades del mundo del arte, cada uno de los cuales contó con un voto, la selección se hizo sobre la base de votación simple, pasando los que tuvieran un mínimo de tres o más votos. La lista de preseleccionados no podía ser mayor a 75 ni menor a 55. Resultado: Se hizo una pre selección de 78 participantes 3) Conformación de un Comité de Selección integrado por 12 personalidades del mundo del arte con 5

perfiles diferentes: coleccionistas, galerista, artistas, curadores y críticos. Dicho comité calificó numéricamente en un cuestionario estandarizado con una escala del 1 al 10, siete elementos de la obra, los cuales tuvieron diferente valor a la hora de la ponderación, siendo estos elementos a calificar y su valor para la conformación del resultado final los siguientes: Elementos a calificar

% de valor en la calificación final

Solidez conceptual (la importancia de la idea dentro de la obra) Técnica (la ejecución física de la obra) Consistencia (la congruencia entre el concepto y la ejecución) Valor actual de la obra (relación precio obra) Perspectiva de mercado (valor como inversión a futuro) Impacto de la obra (contribución del artista al mundo del arte) Calidad de la obra (equilibrio entre los puntos evaluados) TOTAL

15% 15% 20% 5% 5% 20% 20% 100%

A fin de que cada integrante pudiera actuar con un máximo de libertad dicho Comité no se reunió de manera colegiada y cada uno en lo individual calificó a los 78 participantes seleccionados. Con la idea de evitar favoritismos y situaciones irregulares cada miembro del Comité de Selección aceptó y firmó un código de ética de 9 puntos, los cuales son: LOS MIEMBROS DE PANEL DE SELECCIÓN DECLARARON: 1. No poseer ningún lazo comercial o de negocios (dependencia económica, sociedad, representación, etc. -se excluye de este tipo de relación a la adquisición de obra en el pasado-) con ninguno de los artistas que calificaron. 2. No poseer ningún lazo familiar por consanguinidad o política hasta en tercer grado con ninguno de los artistas que calificaron. 3. No recibir ni aceptar durante todo el proceso que duró su pertenencia al panel de selección, ningún tipo de gratificación, regalo, obsequio, precio especial y en general cualquier condición favorable de parte de los artistas que calificaron. 4. Calificar únicamente sobre la base de la calidad y méritos de la obra del artista, sin tomar en cuenta ningún tipo de relación o percepción que se tuvo del mismo como persona.


5. Ser justos en su calificación. 6. No dejarse influenciar o presionar por ninguna persona para emitir su calificación. 7. Evitar durante su pertenencia, conflictos de interés y recibir beneficios privados derivados de su participación en el panel de selección. 8. A declarar cualquier interés privado relacionado con los artistas a calificar y a tomar medidas para resolver los conflictos de interés que surgieron. 9. A ser responsables frente a la comunidad artística y los integrantes de mART, por sus decisiones y acciones en el proceso de selección.

a. Breve currículo del artista b. Intencionalidad de su obra c. 5 imágenes de obras seleccionadas por él mismo acompañadas de una ficha técnica con los siguientes datos:

Al final del periodo de evaluación, se reunieron por parte del Consejo Editorial los cuestionarios de calificación y se procedió a realizar un vaciado de las mismas, después de lo cual se sumó y promedió los resultados numéricos, se seleccionaron a los artistas que obtuvieron un 75% o más de aprobación del panel de expertos, estos fueron los incluidos en esta primera edición.

d. Datos del artista para ser contactado directamente por los interesados (nombre, dirección, correo electrónico, teléfono, teléfono celular, página web etc.).

i. Nombre de la obra ii. Técnica iii. Fecha de ejecución iv. Dimensiones v. Precio de venta o referencia (aun sí la obra ya fue vendida o no se encuentra a la venta)

Resultado: Selección de 51 artistas emergentes a ser publicados.

3. La Fundación Murrieta, Editorial Cuarta Pared, ni ninguno de los miembros del Consejo Editor de esta guía es intermediario entre los artistas seleccionados y cualquier comprador interesado, desde el inicio del proceso de selección hasta el momento de la publicación de la misma y durante dos meses posteriores a la aparición de esta.

4) Se procedió a informar a los interesados sobre el resultado de la selección, solicitándoles a los artistas a ser incluidos el material final que seria publicado, se dejó en manos de cada uno las decisiones sobre las obras, así como el material escrito a publicar

4. El Comité de Preselección y el Comité de Selección irá cambiando anualmente de manera escalonada, esto es 2 el próximo año y 3 el siguiente en el de Preselección e igualmente 6 el próximo año y 6 el siguiente en el de Selección.

Resultado: Se recibió material de 47 artistas. Al momento de ver esta selección se tomó en cuenta que: 1. Los artistas fueron publicados en orden alfabético, sin que su calificación obtenida influyera en el lugar donde se ubicara.

5. Sabemos que esta metodología cuenta con muchos defectos, esperamos irlos corrigiendo en un futuro para poder hacer una mejor selección y una mejor publicación, por eso invitamos a todos los lectores y críticos a hacer sus sugerencias por escrito al correo fundacionmurrieta@ yahoo.com donde les aseguro que serán leídas todas y cada una de sus criticas y sugerencias.

2. Cada artista cuenta con cuatro páginas dentro de la guía las cuales contienen la siguiente información:

Muchísimas gracias por su atención y espero nos veamos el próximo año.


Notas sobre lo emergente… Ana Elena Mallet

Según la mayoría de los diccionarios, el término emergente alude a algo "que emerge", que nace, que brota… En fechas recientes, lo emergente pareciera referirse sobre todo a dos fenómenos: por un lado, a las economías subdesarrolladas que ascienden su nivel de producción, "sus ventas al exterior, colocándose como competidor de otras economías más prósperas y estables por los bajos precios de sus productos", por el otro, al arte joven que está invadiendo los espacios comerciales e institucionales de la escena del arte internacional. Desde esa perspectiva, lo emergente alude, entonces, al consumo y al desarrollo de nuevas economías. Lo que nos concierne tiene que ver con lo anterior y también con el arte. Artista emergente es aquel que comienza su carrera y que está, en principio, en la búsqueda de un lenguaje propio. Hace algunas décadas, el artista emergente tenía que forjar primero un estilo, luego un nombre, para finalmente poder sustentar una carrera artística y precios justos en un mercado tan fluctuante como el del arte. El cada vez más estructurado sistema que sustenta la escena artística, compuesto de galerías, casas de subastas, museos, bienales, curadores, dealers y coleccionistas, entre otros actores, ha conseguido que la demanda del trabajo artístico sea cada vez mayor. Así, las buenas obras de los artistas consolidados escasean, y las pocas disponibles cuestan fortunas. Por otra parte, la voracidad y capacidad de reproducción del propio sistema del arte han determinado el surgimiento de nuevos fenómenos hacia los cuales volcar la atención. El primero, el arte joven al que ya nos referimos, y al segundo podemos llamarle coleccionismo emergente. 1 Diccionario de la Real Academia Española 2 Obtenido de http://es.wikipedia.org

Hace unos años, para ser coleccionista era necesario ser millonario. Era bien visto destinar una partida de lo que se tenía y gastarlo en arte, que lo mismo servía de ornato o de inversión, si se tenía buen ojo. La atención que desde hace algunos años empezó a tener el arte joven ha podido abrir nuevos campos de acción, como el coleccionismo de los no iniciados, el ya mencionado coleccionismo emergente. El nuevo coleccionismo no se estructura alrededor de fortunas internacionales. Coleccionistas hoy, pueden ser lo mismo adultos con un alto poder adquisitivo, sin necesariamente ser los propietarios de una trasnacional, y también jóvenes universitarios que con su mesada pueden comenzar a pagar a plazos una pieza realizada por un artista emergente. Uno nunca sabe si en cinco años ese artista será la nueva estrella en el firmamento del arte contemporáneo y sus precios alcanzarán los miles de dólares. El coleccionismo comienza a masificarse bajo los mismos patrones que lo hizo en otros tiempos: símbolo de estatus y de cierta cultura, pero mucho más incluyente en términos económicos. Por supuesto, ante este fenómeno, surgen galerías que facilitan que esto ocurra, poniendo al alcance de muchas más carteras una pieza por debajo de los $1,000 dólares. La cantidad de egresados de las carreras vinculadas al arte aunada al gran número de becas, apoyos e incluso la participación, hasta cierto punto inusual de las grandes marcas por acercarse al fenómeno del arte contemporáneo, han ayudado, de alguna manera, a forjar una escena emergente –de artistas y coleccionistas– que poco a poco están contribuyendo a que el campo del arte actual se consolide y se abra a nuevos públicos, lo mismo que a nuevos coleccionistas que, sin ser millonarios bien pueden aprender, gozar y, ¿por qué no?, también invertir en arte contemporáneo.


Para huir del contemporary resort Nicolás Alvarado Contemporary Resort parecía un nombre especialmente pertinente para el hotel inaugurado al interior del parque de diversiones estadounidense Walt Disney World en un 1971 en que la palabra contemporary comenzaba a revelarse imbuida de resonancias de progreso y futuro. Enclavado en un paraje natural de exuberante verdor –el hasta entonces virgen Lake Buena Vista, a las afueras de Orlando, Florida– e integrado a un proyecto insuflado por el hálito modernizador del American Way of Life, el flamante desarrollo hotelero –porque tal es el significado de la palabra resort– llevaría por nombre Contemporary ya sólo porque parecía no haber mejor término para definir su vocación y, por extensión, la del proyecto que habría de albergarlo. El Contemporary Resort sería contemporáneo porque se asumía inexorablemente inscrito en la época (entonces) actual. Contemporáneo porque –¡oh, maravilla del progreso tecnológico!– su atrio sería surcado no por uno sino por dos monorrieles, cápsulas aerodinámicas capaces de transportar a los visitantes en minutos a cualquier otro punto del parque. Contemporáneo porque el proyecto mismo había sido encomendado desde finales de los 60 al arquitecto Welton Becket, nombre clave de la modernidad arquitectónica estadounidense, y porque dicho proyecto contemplaba la erección de una estructura de concreto y acero en la que habrían de ser insertadas habitaciones prefabricadas, amuebladas y decoradas –hasta ejemplar de la Biblia y papel de baño incluían–, susceptibles de ser removidas y vueltas a colocar de manera individual en caso de eventual remodelación. Y contemporáneo, finalmente, porque, ya por designio, su esquema cromático (rojo, azul, amarillo) se pretendía influido por aquello que comenzaba a ser llamado arte contemporáneo en esos años y que incluía a la sazón tanto a los expresionistas abstractos como a los cultores del pop art. El gusto le duró poco. Lo primero en acusar signos de obsolescencia habría de ser la concepción arquitectónica

misma, cuyo carácter modular se revelaría falaz al asentarse las habitaciones en la estructura y devenir inamovibles. Y, finalmente, terminaría por desaparecer la paleta cromática primaria de la decoración para ser sustituida en fecha reciente –2005– por colores suaves, líneas puras, muebles de diseño sencillo y televisores de plasma. (¿La razón? De acuerdo a la literatura publicitaria, un afán por mantener el hotel, justamente, contemporáneo.) Contemporary Resort sigue llamándose. Lástima que de contemporáneo no le queden más que las ínfulas trasnochadas. Ahora, una definición. Si buscamos la palabra resort en el Shorter Oxford English Dictionary y nos detenemos en la primera acepción del término, descubriremos que, antes que destino vacacional, su significado primigenio es el de "cosa a la que uno tiene recurso; uso de algo en tanto ayuda, para asistirse, o como medio para un fin". Resort es, pues, recurso, y last resort es último recurso (con tintes de desesperación), y only resort es único recurso (instalados ya de plano en la antesala del caos). A partir de tal definición, la expresión contemporary resort –ya sin las altas y bajas de la marca comercial– se revela, en la traducción, recurso contemporáneo. Lo contemporáneo usado en tanto ayuda, para asistirse, como medio para un fin. ¿Quién dijo yo? ¿Quién dijo arte (contemporáneo)? "Ohhh!This is socontemporary,contemporary,contemporary!": tal habría de ser el cántico, proferido con sonriente ironía y repetido en tanto hipnótico mantra, que diera la bienvenida a los visitantes a la edición 2005 de la Bienal de Venecia –acaso la feria de arte más importante del mundo–, entonado por un coro de 30 actores amateur. ¿Eran sus intérpretes un grupo de activistas políticos o de tránsfugas de la comedia (¿dell’arte?) musical? Para nada. Quienes repetían tales estrofas a intervalos regulares, apostados a las afueras del pabellón alemán, habían


sido contratados por Tino Seghal, artista que a sus 29 años ostentaba la etiqueta del más joven en haber representado jamás a Alemania en la Bienal, y sus cánticos constituían una acción artística –o una situación, de acuerdo a la terminología de Seghal– cuya intención se antoja de una claridad prístina: presentar al mundo del arte –es decir a la comunidad de artistas, curadores, críticos, galeristas y coleccionistas– un espejo en el que ver reflejada la vacuidad de su esnobismo. ¿Por qué han venido todas estas personas aquí?, preguntose Seghal, sólo para responderse que, por lo que podía verse, ni ellas mismas lo sabían bien a bien. O, dicho de otro modo, porque el aparato del arte es "¡tan contemporáneo, contemporáneo, contemporáneo!" (¡ohhh!) y poco importa el significado de tal palabra, siempre y cuando esté –como, de hecho, está– de moda. "En ninguna otra época de la humanidad ha habido tanta actividad artística bien pagada… y tan poco Arte", afirma el español Félix de Azúa, en un ensayo más bien reaccionario (disfrazado de Diccionario de las Artes y editado por Anagrama) en el que también se permite caracterizar el mundo de lo que llamamos arte contemporáneo como marcado por "su flujo de capital, sus inyecciones estatales y burocráticas, el acceso de enormes masas al espectáculo artístico, su hibridación con la publicidad y los medios de formación de masas, su dependencia de la industria del ocio [y] su globalización". Si bien De Azúa se antoja un poco gruñón y trasnochado –parece gustarle el cliché del artista desnutrido y atormentado, alejado del bullicio de la falsa sociedad (por no hablar de los beneficios del mercado)–, su argumentación parece tener un punto irrefutable: el arte ha terminado por insertarse de lleno y de plano en la cruel y voluble lógica de la moda, fenómeno del que la veneración irrestricta y universal al adjetivo "contemporáneo" parece revelarse el más notorio de los síntomas. This is so contemporary, contemporary, contemporary, therefore this is soooooo fashion! (¿Otra copita de Krug?)

El problema no es del arte –que, como el mismo De Azúa se ve obligado a reconocer, sigue liberando "múltiples actividades, espectaculares, estúpidas, juguetonas, políticas, sorprendentes, cretinas, pretenciosas, ingeniosas, insignificantes, profundas, conmovedoras, miméticas, imbéciles, sublimes, aburridas, comerciales, curiosas, triviales o sensacionales que siguen produciendo aquellos que se dedican a las artes"– sino de su público, que se obstina en llamarlo contemporáneo ya sólo para convencerse de que es de moda y de novedá o, para ponerlo en los términos de aquella (por cierto, ya no tan nueva) campaña publicitaria de Pepsi, "lo de hoy". Dicen que nada hay tan viejo como las noticias de ayer y yo asiento, tan sólo para añadir que no hay arte tan vetusto como el arte contemporáneo de hace cinco minutos. Y es que, como aquel Contemporary Resort del mágico mundo de Disney, nuestro tan en boga contemporary resort (es decir nuestro recurso de lo contemporáneo) amenaza con convertir el arte que se hace hoy y se hará mañana en mero producto de deshecho, bueno sólo para su exhibición en el acaso encantador, pero seguro prescindible, museo de las minucias. Éste –como todos los que lo han precedido y todos los que lo seguirán– debe ser un tiempo de arte. De arte figurativo y realista e hiperrealista y abstracto y conceptual y postconceptual. De pintura y escultura e instalación y video y performance e intervención y acción y –si Tino Seghal así lo dice– de situación. Coincidamos con Tom Wolfe –el entrañablemente neoconservador autor de La palabra pintada– en rebelarnos ante la idea de que el arte se haya vuelto "completamente literario" y las obras sólo existan "para ilustrar el texto". Al mismo tiempo, defendamos nuestro derecho a ser conmovidos por obras que trasciendan el mero discurso de lo bello y coqueteen con la filosofía o, incluso, con la provocación. El arte puede prescindir de todos los adjetivos salvo de uno: el que queda cifrado en la palabra "bueno". Lo bueno dura. Y lo que dura no será jamás contemporáneo.


"El boom por la compra de activos 'bellos'" El Arte como Inversión

Ercilia Gómez Maqueo

Los records de ventas alcanzados en las últimas subastas de Nueva York y Londres, y el furor desatado por las ferias de Arte como ART Basel, Art Forum, Armory Show, Spot, MACO y en especial Basel-Miami, reflejan el voraz apetito por coleccionar objetos artísticos, pero sobre todo por invertir en arte, fenómeno muy reciente que es el que analizaré más adelante en este artículo. El coleccionismo, por su parte, ha existido desde tiempos remotos y ha sido ya analizado desde muy diversas ópticas y perspectivas, pues a partir de la prehistoria el ser humano se ha caracterizado por cuidar, conservar y hasta atesorar amorosamente todo aquello que le parece bello y estimulante, provocándole sensaciones diversas. En cambio, el fenómeno de la inversión en arte nunca se había mostrado tan franco, sino hasta la última década del siglo pasado. Y ha crecido de una manera sorprendente y vertiginosa, sobre todo durante el primer lustro de este nuevo siglo. En efecto, la venta de obras de arte ha alcanzado ciertos niveles de precios que eran imposibles de imaginar hace 10 años. En Julio de 2005 se batió el récord histórico pagado por una obra de arte, cuando Ronald Lauder pagó por el retrato de Adele Bloch-Bauer de Gustav Klimt 135 millones de dólares. Anteriormente, el máximo precio pagado por un Picasso -el retrato de Dora Maar- fue de 105 mdd, aunque justo es reconocer que Picasso tiene 5 obras ranqueadas entre los cuadros de más de 90 mdd, récord difícil de superar. No mucho después, en el año de 2006, se batiría

nuevamente el récord del precio máximo pagado por un cuadro cuando se vendió el "Cuadro Num.5 de 1948", de Jackson Pollock, por 141 mdd al financiero mexicano David Martínez. Adicionalmente, según la información de Art Price, las ventas anuales de arte sobrepasan los 4 mil mdd, presentando crecimientos sostenidos de más de 10% en promedio anual durante los últimos 5 años. Aunque parezca increíble, todos los pronósticos apuntan a que esta tendencia de crecimiento sostenido se mantendrá para el 2007, y aseguran los expertos que el mercado puede seguir creciendo, a tambor batiente, durante los próximos 5 años. Los argumentos para sostener este pronóstico son los siguientes: a) Mercado en plena expansión: Hoy por hoy, el mercado del Arte es uno de los más dinámicos de la economía y se encuentra en un vigoroso crecimiento, pues un número cada vez mayor de jóvenes empresarios y agentes financieros están dirigiendo sus recursos hacia la compra de arte. A este fenómeno también se le suma el factor "China". Este poderoso ariete irrumpe en el mercado del arte, de una manera espectacular, al multiplicar por diez veces su valor inicial, al pasar de 100 mdd a 1000 mdd en sólo cuatro años, obligando a las subastadoras internacionales a instalar sucursales en Beijing e iniciar operaciones inmediatas.


b) Mercado Global: Tradicionalmente los mercados de arte presentaban actividades vigorosas en Nueva York, Londres y algunas otras ciudades europeas, como Berlín. Por esa razón, los coleccionistas más poderosos provenían de dichas ciudades. Actualmente, los coleccionistas sobresalientes provienen de todos los países del mundo, tal es el caso de Bernardo Paz, el magnate del metal, de Brasil; el joven empresario mexicano Eugenio López de Jumex; C. I. Kim, magnate del comercio Koreano y los Cisneros, de Venezuela, sólo por mencionar algunos. Pero es altamente probable suponer que los próximos grandes coleccionistas puedan emerger también de Rusia, China, los Emiratos Árabes o de la India, y de otros países asiáticos. Lo que tenemos ahora, es que un coleccionista mexicano puede ir a comprar a China y viceversa, mientras que antes el mercado de arte era preponderadamente un fenómeno local, es decir, los mexicanos compraban arte de artistas mexicanos en México y los Suizos compraban arte de artistas suizos en Suiza. Hoy eso quedó atrás. c) El arte como el nuevo activo en los portafolios de inversión: hace apenas 5 años, desde la publicación del índice Mei/ Moses (Michael Moses y Jianping Mei investigadores de la universidad de Nueva York), las obras de arte comenzaron a incorporarse de manera sistemática a los portafolios de inversión financiera. A través de este índice se comprobó que los rendimientos alcanzados por el mercado del arte

eran mayores que los de los bonos y otros activos financieros reportados en índices como el S&P 500 y el Dow-Jones. En México también el "IPAR Bueno/Maqueo" (Índice de Precios del Arte en México, estructurado y desarrollado por Patricia Bueno y Ercilia Gómez Maqueo y publicado en el 2002), confirmó la información de que los precios de las obras de arte había crecido más que los precios del oro, la bolsa y el Dow-Jones. Y por lo tanto, quienes habían invertido en arte, habían obtenido rendimientos mayores que aquellos que optaron en otros activos. A partir de estas demostraciones técnico económicas, es probable esperar que mucho inversionistas, aún sin conocer este mercado, dirijan sus recursos hacia él. d) Diversificación del mercado como válvula de seguridad: una de las principales características del mercado del arte es que cada obra de arte es única e irrepetible, y cualquiera puede llegar a ser importante. Adicionalmente, en la actualidad los artistas están trabajando con múltiples formatos, técnicas y soportes que proporcionan una gran cantidad de opciones para los coleccionistas, quienes por seguridad pueden diversificar y diferenciar sus inversiones de manera muy amplia, obteniendo mayor seguridad frente a posibles quebrantos. Las anteriores razones son suficientes para sostener que el mercado del arte está en plena expansión y no colapsará, por lo menos a mediano plazo.


¿Y EN MÉXICO QUE PASA? De acuerdo con los datos actualizados del IPAR hasta el 2005, encontramos que de 1988 a 2005, es decir en 17 años, los rendimientos acumulados alcanzados por el mercado del arte, superaron incluso al IPC, (índice de precios y cotizaciones de la bolsa de valores mexicana), ya que mientras que el IPC creció en 1671%, el arte lo hizo en 1731% durante el mismo periodo. Estos resultados son impresionantes, debido a que la bolsa mexicana de valores registró un crecimiento extraordinario en este periodo, mucho más alto que el Dow-Jones, el ORO y los CETES. EN SUS MARCAS, LISTOS… Después de analizar las cifras anteriores, todos, incluidos las amas de casa, los pequeños ahorradores, inversionistas grandes y pequeños, museos y el público en general, deberíamos salir corriendo, cartera en mano y empezar a comprar obras de arte antes de que los precios se disparen y sean inaccesibles para nuestros bolsillos. Desafortunadamente, estas operaciones no son tan sencillas, ya que el mercado del arte es de especialistas y de carácter imperfecto, pues no existe información confiable, pública ni abundante sobre los precios de venta. Y tampoco existen suficientes lugares especializados en su venta y distribución que pongan la obra a disposición de públicos más amplios. También es un mercado altamente volátil donde la percepción cuenta más que los datos "duros" y por si fuera poco, no es fácil distinguir entre arte de buena o mala calidad.

El arte contemporáneo es un terreno muy resbaladizo y saber seleccionar obras de calidad frente a la variedad y diversidad de los productos artísticos que nos ofrecen es, en realidad, muy difícil. Esto nos puede llevar a caer en el máximo riesgo que presenta este mercado para los que quieren invertir en él: COMPRAR ARTE DE MALA CALIDAD que no prevalezca en el mercado y no tenga trascendencia ni permanencia en el tiempo. Para disminuir el riesgo a un nivel razonable, se requiere desarrollar la intuición y el "ojo estético" para estar en capacidad de seleccionar las obras de mayor calidad posible. Desarrollar la intuición significa aprender a ejercitar el ojo estético que todos tenemos, para después intentar explicar con argumentos el porqué un determinado objeto nos produce tal conmoción y atracción, aunque también confusión o rechazo, al igual que una gran cantidad de sentimientos y sensaciones diversas. La clave, entonces, es tiempo y también esfuerzo, tiempo para aprender a "VER"; tiempo para leer y documentarse; tiempo para poder comparar, vincular, acertar y equivocarse, y desde luego tiempo para rectificar. Y sobre todo: tiempo para disfrutar de la obra, aspecto más importante de todo este proceso, desde mi punto de vista. Puede suceder también que por el estilo de vida de ciertas personas, no sea posible darse el tiempo o simplemente no estén lo suficientemente motivados para gastarlo en estos asuntos, No pierdan el tiempo: pregunten y déjense guiar por un experto. Esta decisión no es mala o buena en si misma. Muchas personas que comienzan


tomando decisiones apoyadas en los argumentos de sus asesores, terminan desarrollando un gran ojo estético. El secreto: dejar al tiempo hacer su trabajo, acumular experiencias artísticas múltiples, equivocarse y acertar, pero también rectificar e insistir. Este es el precio exigido para alcanzar exitosamente la regla de oro del buen comprador: SOLAMENTE ADQUIRIR PIEZAS DE ALTA CALIDAD. Si usted cree que puede hacerlo por mérito propio, ¡que bueno! Si no, no lo dude, consulte a un asesor e inicie lo antes posible su adiestramiento como coleccionista. El hacerlo le ahorrará mucho tiempo, dinero y esfuerzo y le facilitará el camino para adquirir sus obras, con mayor grado de seguridad. Uno de los objetivos de publicar la "GUÍA DE ARTISTAS EMERGENTES PARA COLECCIONISTAS" es precisamente facilitarle la tarea al público en general, atraer compradores que inicien su colección propia, comprando obras de jóvenes artistas que han pasado por las necesarias etapas de valoración y evaluación de un comité de especialistas que garantiza, si no la calidad de las obras que aquí se presentan, sí que los artistas cuentan con los atributos para convertirse, el día de mañana, en genios del mercado. Desde luego que comprar obras de jóvenes que apenas inician su producción artística es altamente riesgoso porque no se tiene la seguridad de que estos autores continúen adelante con sus carreras profesionales. Sin embargo, podemos decir que este riesgo se ve compensado por los relativos bajos precios de las obras y la posibilidad de obtener muy altos rendimientos en el futuro. Existe un nicho de artistas al que llamo "los artistas

emergentes de todos los tiempos"….clasificación que incluye a artistas que ya desarrollaron un estilo y un lenguaje propio, que cuentan con trayectorias consolidadas y con el reconocimiento de la crítica especializada; que han expuesto en museos de calidad tanto de México como en el extranjero, pero que por lo vanguardista y propositivo de su trabajo -que se renueva en cada exposición-, son artistas cuyos precios se mantienen, por razones que no logro entender a cabalidad, en niveles relativamente bajos. Artistas de esa categoría y calidad SI SON UNA VERDADERA GARANTIA PARA LOS INVERSIONISTAS, porque es claro que son artistas que ya aseguraron un lugar en la historia del arte de nuestro país y que, sin embargo, sus precios siguen estando accesibles y su obra se mantiene a la vanguardia. A los inversionistas les diría: Señores busquen obra de este tipo de artistas y no se van a equivocar. Algunos nombres son: Carlos Aguirre, Mónica Castillo, Diego Toledo y Carlos Arias, entre otros. Desarrollar una colección de arte, que también le reporte utilidades, puede tomarle de 10 a 12 años, cuando menos. Si usted es joven, no se tarde, mientras más rápido inicie su formación como coleccionista, más rápido estará preparado para asumir los retos de un inversionista profesional. Si se considera una persona mayor, debe tener en cuenta que estará construyendo un patrimonio muy importante para sus hijos y nietos. Asimismo, aprender a invertir en arte es una actividad muy emocionante y divertida. Claramente, la aprovechará al máximo y enriquecerá múltiples aspectos de su vida, de su trabajo y de su familia.


Convocatoria mART 2008 Con el propósito de promover la producción, distribución y comercialización del arte contemporáneo a través de la difusión y la valoración de la obra de artistas emergentes, la Fundación Murrieta convoca a los artistas plásticos a participar en la selección para ser incluidos en "mART, Selección de Artistas Emergentes para Coleccionistas 2008" que será publicada por FABRICA DE ARTE de Fundación Murrieta y la Editorial Cuarta Pared. Esta publicación pretende llevar de la mano a aquellos interesados en iniciarse en la compra de arte emergente no sólo como una buena inversión económica, sino también como un medio para iniciarse en el coleccionismo y por lo tanto, en el disfrute de las obras de arte de manera cotidiana. El placer estético que brinda el arte es un gusto adquirido mediante el contacto constante con las distintas manifestaciones artísticas.

a. Fotos de cinco obras en formato jpg de 800 x 600 pixeles. b. Descripción e intencionalidad de su obra. Máximo una cuartilla. c. Textos de la crítica (si se tiene) incluirlos en una cuartilla. d. Currículo sintetizado (una cuartilla). e. Precio de venta o referencia (aun sí la obra ya fue vendida o no se encuentra a la venta). f. Datos personales: nombre completo y seudónimo, fecha de nacimiento, dirección, teléfono y correo electrónico. Si cuenta con galería, incluir también los datos de la misma. g. El material deberá presentarse en CD y un juego impreso en original.

BASES DE PARTICIPACIÓN 1. La presente convocatoria se extiende del 1 de junio al 31 de octubre del 2007. 2. Podrá participar de manera individual todo artista profesional que trabaje y produzca en México. Sin restricción de edad o de estudios académicos. También podrán participar colectivos en las mismas condiciones que los artistas individuales. 3. Se entenderá por artista emergente tanto aquellos que se inician en el proceso de búsqueda de un estilo propio en las artes plásticas, como aquellos que ya tienen una expresión consistente pero cuyas obras todavía no están consolidadas en el mercado. Por lo tanto, no es requisito que sean jóvenes, pero si que su expresión sea innovadora y vanguardista y que no estén muy valorados en el mercado, por lo que sus precios deben ser máximo de $8,000.00 u.s. dólares. 4. No hay restricción de técnica, por lo que podrán presentarse todo tipo de obras plásticas como pintura, escultura, arte objeto, instalación, video, fotografía, multimedia, arte electrónico, performance y técnicas mixtas diversas. 5. No podrán participar los artistas que hayan sido publicados anteriormente en mART.

LA FALTA DE ALGUNO DE ESTOS REQUISITOS AMERITA LA DESCALIFICACIÓN INMEDIATA DEL PARTICPANTE.

ENVÍO DE DOCUMENTACIÓN Y FOTOGRAFÍAS: Para poder participar cada artista deberá presentar obligatoriamente:

Se deberán enviar los documentos a: Fundación Murrieta / Editorial Cuarta Pared Río Pánuco 199 Col. Cuauhtémoc, C.P. 06500 Del. Cuauhtémoc México D.F. Teléfonos: (55) 5705 6173 / 5525 5955 5525 0696 / 5525 1500 Los artistas deberán entregar personalmente o por servicio de mensajería la documentación en la Fundación Murrieta / Editorial Cuarta Pared, siendo la fecha limite el día miércoles 31 de octubre de 2007 a las 17:00 horas, como máximo. No se aceptará documentación INCOMPLETA, ni fuera de la fecha límite. En caso de que se enviara por paquetería se tomará como referencia la fecha del matasellos del correo. DERECHOS DE PUBLICACIÓN En el momento en el que los artistas envían sus documentos para el proceso de selección, aceptan ceder los derechos de reproducción de sus fotografías e información para ser publicados en mART, Selección de artistas emergentes para nuevos coleccionistas.


PROCESO DE PRESELECCION Y SELECCIÓN FINAL DE PARTICIPANTES Se tomará en cuenta la calidad de la obra, la solidez conceptual de esta, su ejecución y perspectivas de mercado, entre otros criterios de selección. 1. El Consejo Editorial de la publicación, nombrará un comité de preselección compuesto por cinco personas profesionalmente reconocidas, quienes realizarán una preselección de los artistas que serán presentados a un panel de expertos para una selección final. 2. La lista de preseleccionados no podrá ser mayor a 75 ni menor a 50. 3. Para la segunda etapa se conformará un panel de expertos de prestigio, que no podrán ser miembros del comité de preselección Estará conformado por curadores, coleccionistas, galeristas, críticos y artistas, los cuales asignarán calificaciones numéricas a los diferentes puntos a evaluar, incluidos en un cuestionario estandarizado. Cada uno de estos puntos tendrá un valor porcentual previamente establecido por el consejo de la publicación de tal manera que se obtenga una calificación ponderada de cada uno de los artistas. 4. De acuerdo con esa lista se calcularán las calificaciones y se seleccionarán los 50 artistas mejor calificados que tengan un 75% mínimo de aprobación del panel de expertos. Los 50 artistas así seleccionados, serán los definitivos para ser incluidos en la segunda edición de la guía. Sin embargo, no importará que el número de artistas publicados sea menor (en caso de que no alcancen el 75% antes especificado). 5. Los artistas seleccionados serán publicados por orden alfabético sin importar su posición en la lista, con el fin de no limitar las posibilidades de desarrollo de cada uno de ellos. 6. El equipo de preselección y el panel de expertos contará con un reglamento y un código de ética que regule su participación. 7. Cada uno de los artistas seleccionados será publicado con los siguientes elementos: fotografías de obra, su precio, breve currículum, breve descripción de la intencionalidad de la obra, comentario de alguno de los miembros del panel de expertos y datos de contacto.

8. Los artistas seleccionados se comprometen a enviar fotografías de alta resolución si así lo requiere la publicación, para lo cual el editor se los solicitará específicamente a cada uno. 9. El panel de expertos actuará con la máxima libertad y discreción pero tomará en cuenta los siguientes aspectos del artista y sus obras: – Solidez conceptual (la importancia de la idea dentro de la obra) – Técnica (la ejecución física de la obra) – Consistencia (la congruencia entre el concepto y la ejecución) – Valor actual de la obra (relación precio obra) – Perspectiva de mercado (valor como inversión a futuro) – Impacto de la obra (contribución del artista al mundo del arte) – Calidad de la obra (equilibrio entre los puntos evaluados) 10. La lista de artistas resultante de este proceso de selección será inapelable. 11. La participación en esta selección implica la aceptación de todos los puntos de la convocatoria. 12. Cualquier punto no especificado en esta convocatoria, será resuelto por el Consejo Editorial. INFORMACION SOBRE LOS SELECCIONADOS Todos los participantes recibirán una carta por correo electrónico, donde se hará de su conocimiento la lista de los artistas seleccionados por el panel de expertos a más tardar el día 29 de febrero de 2008. Para mayor información contáctenos en: mart@cuartapared.com.mx o al teléfono 5535 8959 de 9:00 a 19:00 hrs. La Fundación Murrieta no se compromete a devolver el material entregado, sea o no seleccionado para su publicación. No obstante el material estará disponible para los interesados en las oficinas de Editorial Cuarta Pared del 3 al 31 de marzo de 2008, teléfonos (55) 5525 5955 / 5525 1500.


Contenido 22 Mina Bárcenas

26 Oscar H.

30 David

34 Emilio Chapela

38 Edgar

62 Gilberto

66 Mónica

70 Alessa Esteban

74 Ulises

78 Gerardo García

102 Berta Kolteniux

106 Juan Pablo

110 Ana Paula

114 Leonardo

118 Brenda

142 Jimena V.

146 Alejandro

150 Benjamín

154 Emanuel

158 Fabián

Jiménez

Esparza

Krauze

Schlaepfer Prevot

Bravo Hernández

Espinosa

Macías

Solano Bolio

Camargo

Rendón

Martínez Lanz

Torres

Pérez

Figueroa

Eduardo Martínez

Tovar

Cobián

de la Garza

Anayatzin Ortíz

Ugalde


02 Daniel Alcalá

06 Marcela Armas

10 Ricardo

14 Plinio

18 Laura

42 Jesús

46 Aldo

50 Pablo

54 Ale

58 Carolina

82 Adela

86 Saúl

90 Rebeca

94 Ricardo

122 Dianne

126 Angelina

130 Mariel

134 Miguel Rodríguez 138 Tania Ximena

162 José Antonio

166 Héctor

170 Arturo

174 Gustavo

Guzmán

Contreras

Goldbard

Pearce

Vega Macotela

Lozano

Córdoba

Gómez

Pérez

Velázquez

Atl Laguna

Cotama

González Díaz

Quevedo

Vera

Ávila

de la Puente

Harispuru

Sepúlveda

Villegas

Balboa

Esparagoza

98 Alberto Ibáñez Cerda

Ruiz

178 Cynthia Yee


Daniel Alcalá Guzmán

Plaza México 2005 23 x 15 x 1.5 cm. Papel recortado $ 5,750.00 M.N.

Nace en Piedras Negras, Coahuila, México (1974). Realizó estudios de Arte en la ciudad de Saltillo. En el 2002 ingresa a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado (E.N.P.E.G.) La Esmeralda, de la Ciudad de México. Realizó su primera exposición individual titulada Paisaje, en la Galería de la Escuela de Artes Plásticas Rubén Herrera, en Saltillo. Exposiciones colectivas: Exposición Internacional de Intercambio Tokio-México, en la Galería Itabashiku Narimasu, de la Escuela de Arte de Sokei, en Tokio, Japón; las exposiciones Pretextos y Contextos en Torno a la Imagen, y Revisión 60.84, con los más destacados artistas coahuilenses; Decaedro, Proyectos para un muralismo Zombi, y Esto es Aquello, exposición inaugural de la Galería Arroniz, ambas en la Ciudad de México. En el 2006, participó en las Bienales más importantes a nivel nacional, como Art Fest, World Trade Center 06, la XII Bienal Diego Rivera, en Guanajuato, y la 3ra. Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán, en la ciudad de Mérida. Participó con la Galería Arroniz, en la edición 2006 de la feria de arte contemporáneo Scope en Miami, Florida.


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El lugar de tus sueños 2007 28.5 x 20.5 cm. Papel recortado 47 dibujos $ 23,000.00 M.N.

Descripción de la obra El trabajo de Daniel Alcalá Guzmán es un acercamiento del espectador y su obra. El artista busca que a través de esta proximidad, el visitante vaya descubriendo la imagen generalizada, seguida de los detalles, lo que está vedado y por último, lo que se encuentra escondido. Lo que logra Daniel al formalizar estos mapas acromáticos recortados en un papel blanco y montarlos sobre una superficie del mismo color, es que la sombra actúe como dibujo, y este efecto sólo se consigue cuando uno se acerca lo suficiente. En un instante se realiza un acto de razonamiento mutuo, un diálogo silencioso pero profundo, una conversación íntima entre la obra y el espectador. A lo largo de su trabajo ha mostrado interés en las temáticas urbanas y las ciudades, y elije espacios que ha recorrido alguna vez, convirtiendo el acto de hacer estos mapas en tránsitos mentales, como volver a caminar por estas calles.


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Le Plan 2006 70 x 100 cm. Papel recortado $ 11,500.00 M.N.


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Mapa (D.F.) 2006 82 x 70 cm. Papel recortado $ 11,500.00 M.N.

Saltillo 2006 70 x 70 cm. Papel recortado $ 9,200.00 M.N.

Datos de contacto: Galería Arroniz. Arte Contemporáneo Plaza Rió de Janeiro 53, P.B. Col. Roma, C.P. 06700, Mexico, D.F. T. +(55) 5511 7965 +(55) 5511 6723 www.arroniz-arte.com alcala1974@hotmail.com info@arroniz-arte.com


Marcela Armas Lozano

Un dĂ­a de trabajo 2007 8 min. 40 seg. Video (Tiraje de 5 copias) $ 13,800.00 M.N. cada copia


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Estanque II 2006 200 cm. de diámetro x 6 cm. de altura Contenedor, manija y aceite quemado de automóvil $ 46,000.00 M.N.

Nace en Durango (1976). Es egresada de la Universidad de Guanajuato, con estudios en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de la U.P.V., en Valencia. Ha participado en talleres de creación artística con Guillermo Santamarina y Abraham Cruzvillegas. Formó parte de Los Ejecutistas en Guanajuato, grupo interdisciplinario formado por artistas, músicos, poetas y arquitectos. Es becaria del FONCA y forma parte del programa de residencias del Centro Multimedia del CENART. Obtuvo el primer premio de escultura ARTFest05. Algunas exhibiciones: Haus der Kunst, Guadalajara, Jalisco; Ciclo de Videoarte Mexicano en el Museo de Arte Reina Sofía, Madrid; Muca Roma, México; Museo de Arte Carrillo Gil, México; Tijuana, B.C.; Ocurrence Gallery, Montreal; Centro de Cultura, Valencia; Museo de la Ciudad, Querétaro; X Teresa AA, México y Centro Cultural Carevolta, Valencia.


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Indio descuartizado 2006 15 x 12 cm. Etiqueta de cerveza $ 15,000.00 M.N. Impresión cromógena $ 13,800.00 M.N.

Descripción de la obra Marcela Armas recurre a distintos medios para reflexionar sobre diversos temas como pueden ser la formación de sistemas y estructuras sociales, hábitos y normas laborales, a partir de consideraciones sobre la institucionalización de las personas. El movimiento implícito en la gente, sus dinámicas sociales y la comprensión de la ciudad, como organismo o conductor de energías, se captura a través de imágenes

descontextualizadas de su ámbito tradicional. Ya sea a través del movimiento real, la utilización de material o la desintegración del mismo, esta artista conceptual logra producir analogías visuales y funcionales que provocan una nueva interpretación de la urbe principalmente, de la naturaleza racionalizada y modificada y su relación con el ser humano.


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Vida humana 2006 90 x 60 cm. Cobre / baquelita $ 17,250.00 M.N.

La cosecha 2002 Dimensiones variables Proyección de video en loop sobre cuaderno $ 46,000.00 M.N.

Datos de contacto: Calle Sabino 121-6 Col. Santa María la Ribera C.P. 06400, México, D.F. T. + (55) 5541 5024 T. + (55) 5946 7984 marcelarmas@hotmail.com


Ricardo Atl Laguna

Horror Vacui 2005 28 cm x 21 cm. Veinte dibujos Tinta china sobre papel $ 35,000.00 M.N.

Nace en Tlaquepaque, Jalisco (1980). Es egresado de la E.N.P.E.G., La Esmeralda, México, D.F. Centra su trabajo en las instalaciones, la escultura, el dibujo y el video. Ha compartido su obra en el RAIN Meeting México y en el Forum Lenteng, Jakarta Indonesia. Desde el 2004 ha colaborado en El Despacho en diversos proyectos documentales. Recibió una beca de La Colección Jumex para cursar el Taller Integral de Fotografía y Medios Alternativos en el Centro de la Imagen. Sobresale su participación en varias exposiciones como Sky Heaven, durante el Horizon Art Bienal, Fukushima Japón, e Igual / Diferente, Ediciones Plan B en Oaxaca.


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Girasol 2006 Plata sobre objeto orgánico $58,000.00 M.N.

Descripción de la obra La obra de Ricardo Atl está compuesta de elementos que pertenecen a diversas disciplinas como la escultura, la gráfica y el video; perfiles independientes que se unen y divergen en momentos disímiles dentro de su discurso. La concepción para sus instalaciones surge de la contemplación y de la escritura, mientras que el tiempo se encarga de afinar las ideas para que la obra llegue a su realización. Ricardo se centra en tres conceptos: el vacío, el silencio y la presencia: el vacío que viene de la contemplación, de la inmensidad indiferente a la condición humana, el silencio que surge de una aparente inmovilidad y la presencia del espectador que la misma obra exige. Actualmente Ricardo trabaja en una bitácora donde realiza un ejercicio literario usando aforismos y dibujos, asumiendo el proceso creativo como un devenir no lineal lleno de notas y fragmentos; “hojas que se vuelven el primer lugar de edición de futuras obras”.


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La Distancia Entre Nosotros 2006 4 figuras de 15 cm. aprox. (vista general) Instalaci贸n Colecci贸n Jan Hendrix $35,000.00 M.N.


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Libro, Libro 2001 28 cm x 21 cm. fotocopias y empastado $ 11,500.00 M.N. Colección Laureana Toledo

Datos de contacto: Galería la Refaccionaría Bucareli 128, interior del Edificio Vizcaya Col. Juarez, C.P. 06600, México, D.F. atlaguna027@yahoo.com.mx www.galerialarefaccionaria.com


Plinio Ávila

The objects I’ve lost 2005 Medidas variables Tinta sobre papel (200 dibujos de objetos hechos de memoria) $50,000.00 M.N.

Nace en Zacatecas (1977). Realiza un postgrado en Hoger Instituut loor Schone Kunsten. Antwerp, Bélgica, de 1999 a 2006. Exhibiciones individuales: Amberes, Bélgica; Rotterdam, Holanda; Velzeke, Bélgica; Glasgow, Escocia; México, D.F. y Albuquerque NM, USA, entre otras. Ha recibido algunos premios entre los que destacan: Premio de Adquisición; Salón Estatal de Pintura “Juan Manuel de la Rosa” y Fellowship de la Fundación Tamarind, Albuquerque NM. USA.


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Louvre 2006 90 x 140 cm. Óleo sobre tela $20,000.00 M.N.

Descripción de la obra Su formación bicultural (mexicana y norteamericana) le brinda la posibilidad de ofrecernos una nueva visión que muestra la pérdida de fe tanto en el arte como en la religión. Sus obras son autorretratos que representan preguntas trascendentales enfocadas hacia el dolor, la soledad, las dudas y los deseos desde un punto de vista humorísticamente personal. Ahora bien, también pueden ser representaciones de metáforas entre lo psíquico y metafísico, entre lo secular y lo divino.

Por ejemplo, sus pinturas son la imagen de espacios vacíos, explorando la percepción entre lo bi y lo tridimensional. De esta forma, el espectador alcanza un altísimo nivel de contemplación y tranquilidad sumergiéndose en una inevitable meditación. En la obra de Plinio, los modos de representación pueden estar basados en elementos de fe o de la religión con la cual él creció, o bien, algún museo o el mismo ser humano.


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Jedes Dasein scheint in sich rund 2006 100 x 190 cm. de diametro Ă“leo sobre polyester $60,000.00 M.N.


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m rt / 17 MARTaFON 2006 220 x 100 cm. de diametro AcrĂ­lico sobre madera $40,000.00 M.N.

Atelier F-11 HISK. Antwerpen, Belgium 2005 60 x 40 cm. AcrĂ­lico sobre tela (de la serie Corners) $5,000.00 M.N.

Datos de contacto: Ignacio Ramirez 106 Lomas de la Soledad, Zacatecas, Zac. T. +(492) 922 2835 +(492) 892 0601 plinio@plinioavila.com www.plinioavila.com


Laura Balboa

Sin título Si usted se ubica a un metro de distancia de este punto podrá ver que esto es un texto, si se ubica a cinco metros entonces podrá ver que esto es una línea. 2001 120 x 90 cm. técnica mixta, vinilo sobre pizarra $17,250.00 M.N.


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m rt / 19 Nace en la Ciudad de México (1979). Su formación académica se realiza en la E.N.P.E.G. La Esmeralda y la licenciatura Diseño Gráfico en FES Acatlán, UNAM. Ha completado su formación con varios cursos y talleres de diferentes temáticas, como el arte contemporáneo y estrategias de comunicación visual. Entre sus exposiciones se encuentran: Arte Contemporáneo, Marco, Cd. de México; Selección del Concurso del Festival Internacional de Artes Electrónicas y Video, Transitio MX, Cd. de México; Art by flavors, División Apple®, Altavista, Cd. de México; Rotación XVIII, Museo Universitario de Ciencias y Arte, Muca Roma, Cd. de México y Video experimental, Taller de video E.N.P.E.G., CNA, Cd. de México. Actualmente se desempeña como coordinadora de imagen de Centro de Diseño, Cine y Televisión, Cd. de México.

Sín título 1999 90 x 180 cm. Técnica mixta. Recorte de vinil sobre estireno, señalización $17,250.00 M.N.

Descripción de la obra El punto central de la obra se encuentra en la reflexión sobre el avance tecnológico desde su no desarrollo; su no lugar, o bien, desde su necesidad cultural. Diferentes formas de expresión resaltan cada tema, desde el manejo del lenguaje y su ubicación, hasta el sentido de imágenes. La artista busca en su espectador un analítico flexible de la forma, para generar sentidos específicos y a la vez auto referenciales basados en las convenciones lingüísticas del lenguaje escrito y la síntesis gráfica. Igualmente hace uso de características mercadológicas (en relación a las frases o statements utilizados en playeras) para plasmar una postura pesimista del entorno humano, la comunicación y la existencia; para después concluir que el único arte válido es aquel que carece de lógica y sentido y, por tanto, corresponde con su contexto. A través del lenguaje escrito se genera una disfunción al descomponer y componer el texto, que no generan sentido o significación alguna, pero evidencian la necesidad y dependencia de comunicación del humano con su entorno. Igualmente hace patente la identidad de un producto por su color y la relación de éste con la memoria y dependencia del consumidor en los espacios masivos.


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Sin tĂ­tulo 2003 55 x 70 cm. TĂŠcnica mixta, prenda del guardarropa de la autora con inserciĂłn (en dorso) de frase de vinil sin depillar. $ 23,000.00 M.N.


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Dreamcard® Private Shows 2005 Tarjeta 5 x 3.8 cm. funda 13.7 x 17.2 cm. Técnica mixta, tarjeta Dreamcard, caja, blister, instructivo de uso y póliza de garantía, avalúo no disponible, pieza única $17,250.00 M.N.

Tide® (serie Supermarket) 2002 14 x 13 x 7 cm. Técnica mixta, impresión digital sobre papel satinado y laminado, calcado de empaque de producto, digitalización, impresión sobre papel, laminado y ensamblaje $11,500.00 M.N.

Datos de contacto: Garash Galería Álvaro Obregón 49 Col. Roma, C. P. 06700, México, D.F. T. +(55) 5207 9858 informes@garashgaleria.com Laura Balboa Anáhuac 31A Col. Roma Sur, C.P. 06760, México, D.F. T. +(55) 5584 9479 beep@jjjolll.com


Mina Bárcenas Jiménez

Serie: Ratoneras S/T La Habana, 2006 90 x 60 cm. Impresión digital en papel de algodón $5,175.00 M.N.

Nace en La Habana, Cuba (1965). Graduada de Ingeniería en Informática, ISPJAE, La Habana, Cuba. Estudia Diseño Gráfico en CELA, Mérida, Yucatán. Desde 1990 ha cursado diferentes talleres de Fotografía y Diseño Gráfico en Cuba y México. Desde 1991 radica en Mérida. En 2000 se nacionaliza mexicana. Exposiciones individuales: en el Centro de la Imagen, D.F., Oaxaca, Xalapa, Mérida, Belice y La Habana, Cuba. Ha publicado en Aperture, Image and Imagination; Palabras y Miradas y Cuarto Oscuro, entre otras.


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Ratoneras S/T M茅rida, 2006 90 x 60 cm. Impresi贸n digital en papel de algod贸n $5,175.00 M.N.


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Serie: Trazas S/T La Habana, 2003 90 x 60 cm. Piezografía en papel de algodón $5,175.00 M.N.

Descripción de la obra Las obras de Mina Bárcenas describen sus mapas vivenciales dentro de un límite entre lo privado y lo público. Sus representaciones son casi siempre icónicas, llenas de texturas monocromáticas, que dan la sensación de ser parte de un sueño y como tal, proyecta una sensación de desvanecimiento. Su creación se traduce en recuerdos, en la búsqueda forzada de la continuidad, del miedo, el desarraigo y la fe. Los temas son variados: van desde reflexiones sobre la identidad, la pertenencia, la migración, la diáspora, la ficción y la realidad, el mito y la utopía. La mirada de Mina es la de un espectador furtivo que enriquece la composición y agrega un sentido adicional a lo que parece no tenerlo. Mirna nos obliga a observar lo que nos pone enfrente y nos invita a echar una mirada hacia adentro, antes de hacernos escapar por algún hueco.

Serie: Trazas S/T La Habana, 2003 90 x 60 cm. Piezografía en papel de algodón $5,175.00 M.N.


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Serie: Trazas S/T 90 x 60 cm. La Habana, 2003 Piezografía en papel de algodón $5,175.00 M.N.

Datos de contacto: Calle 45, 499-A entre 58 y 60 Mérida, Yucatán, México. C.P. 97000 T. +(999) 923 4400 C. +(999) 48 55 37 myra@sureste.com myramina@hotmail.com


Oscar H. Bravo Hernández

Cartografía de Paisaje (Acción in-sitú) 2006 DVD 4 min. 55 seg. Edición de 3 videos firmados y numerados $19,550.00 M.N.

Nace en Puebla, México (1977). Estudió Artes Plásticas en el Instituto de Artes Visuales del Estado de Puebla y cursó el Taller Arte y Migración impartido por Diego Medina, en la Universidad Iberoamericana. Participó en eventos colectivos como: ARTEEMERGENTE, Bienal Nacional Monterrey 06, Monterrey N. L.; EJECT, Primer Festival Internacional de Videoperformance, Ex-Teresa, CENART, Casa Vecina2006, México, D.F.; 6º Encuentro Estatal Arte Contemporáneo, Puebla, Puebla; ECLECTICO, video-acción Espacio Alternativo LA PERRERA, Cholula, Puebla; Video-performance, Casa de Cultura sala José Manzo Puebla; 5º Encuentro Estatal Arte Contemporáneo, Puebla, Puebla; 5ª Bienal Puebla de los Ángeles, U. IBEROAMERICANA Puebla, Puebla y Primer Concurso de Arte en Vidrio, Video-Acción, Monterrey, Nuevo León. Cuenta con una exposición individual: Instalación sonora, Galería de Arte Contemporáneo y Diseño Puebla, Puebla.


Altruismo (Acción in-sitú) 2005 DVD 2 min. 41 seg. Edición de 3 videos firmados y numerados $19,550.00 M.N.

Descripción de la obra Oscar Hernain Bravo es un artista visual que gusta de realizar acciones e intervenciones en espacios públicos, interactuando con los elementos y espectadores que azarosamente convergen en el contexto en donde se desarrolla la obra y partiendo de situaciones cotidianas o sucesos habituales. El contacto tan directo con la gente genera diversos ambientes, dudas y conflictos que incitan en Oscar a la realización de nuevas acciones planteando un escape irónico o un doble discurso. Viajar en transporte público, recorrer una y otra vez el mismo camino a casa, el caos vial o simplemente el hablar con la gente, son situaciones que provocan situaciones surreales para espectadores involuntarios; crean escenarios efímeros que inducen a reflexionar sobre las causas y consecuencias de la acción en proceso. El video y fotografía son los medios que utiliza para documentar y presentar la obra.


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28 / m rt Puente (Intervención in-sitú) 2006 140 x 188 cm. Impresión digital sobre lona microperforada Edición de 5 fotografías firmadas y numeradas $19,550.00 M.N.

Enmarcado de Graffiti (Intervención in-sitú) 2006 140 x 210 cm. Impresión digital sobre lona microperforada Edición de 5 fotografías firmadas y numeradas $19,550.00 M.N.


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Curvilíneo (Intervención in-sitú) 2006 140 x 188 cm. Impresión digital sobre lona microperforada Edición de 5 fotografías firmadas y numeradas $19,550.00 M.N.

Datos de contacto: Calle Cuitlahuac 109 Lomas de San Miguel C. P. 72573 Puebla, Pue. T. +(222) 216 2044 +(222) 179 8791 C. +(222) 388 1718 hernainbravo@hotmail.com hernainbravo@yahoo.com.mx


David Camargo

Inútil Contenerse 2005 Proyección de 300 X 225 cm. 3 min. 20 seg. DVD (NTSC) $ 1,500.00 M.N. C / DVD

Nace en San Juan del Río, Querétaro, (1985). Estudiante del 8º semestre de la carrera de Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Ha participado en distintas exposiciones colectivas como: Vortice, en Casa Borda, Taxco Guerrero; Desnudo Urbano, en el Faro de Oriente; Grupo Fractum en Casa Talavera, en la ciudad de México y El Cuerpo Permanente, Contraloría General, México, D.F. En el 2005 impartió el taller; Arte en movimiento (taller de realización en video) financiado por el Programa de Apoyo a las Iniciativas Sociales y Productivas de Jóvenes en la delegación Iztapalapa. Su trabajo en video ha sido seleccionado para exhibirse en distintos festivales nacionales e internacionales: Expresión en Corto 2005, Guanajuato, Guanajuato; Festival Sestao Fantástico 2005, Bizkaia, España y KINOKI, México, D.F. Actualmente es integrante del Grupo Calavera, avocado a la realización de videos independientes.


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Cubos 2006 Proyecci贸n de 300 X 225 cm. 1 min. 50 seg. DVD (NTSC) $ 1,000.00 M.N. C / DVD


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Aquí sentado 2006 60 X 80 cm. Esmalte Alquidalico y óleo / tela $ 10,000.00 M.N.

Descripción de la obra La serie Fragmentos se define como un juego de relaciones formales en el cual el espacio y la forma se encuentran determinados por los limites del marco, sin esta referencia, lo que entendemos visualmente como espacio, seria otro segmento más en la estructura infinita de representaciones que constituyen esta ficción abstracta. Mediatizados por los variados marcos de referencia que delimitan nuestra experiencia (moral, religión, arte, estado, medios masivos de comunicación, etcétera) nos es imposible descifrar y apropiarnos de lo real si no es a través de estos mecanismos de control que condicionan nuestra percepción del mundo. El fragmento es una invitación a desdibujar estos límites y completar la imagen de esta quimera que parece no tener fin, como las entrañas del espectro visual que nos envuelve sin percatarnos de su presencia absoluta.


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m rt / 33 Fragmento VII (de la serie fragmentos) 2005 100 X 120 cm. Acrテュlico / tela $ 15,000.00 M.N.

Fragmento XIII (de la serie fragmentos) 2005 30 X 40 cm. Acrテュlico / tela $ 8,000.00 M.N.

Datos de contacto: Calle Nube 8, Edificio Magenta. Dpto. 204 Col. Los テ]geles, C.P. 09830, Mテゥxico D.F. T. +(55) 5614 7400 C. +(55) 1388 4782 david_camargo3@hotmail.com


Emilio Chapela Pérez

León, Sapporo, Heineken, Guinness 2003 40 x 45 cm. (Políptico) Polaroid $ 12,650.00 M.N.

Nace en la ciudad de México (1978) y actualmente es acreedor de la Residencia Artística otorgada por el FONCA (Fondo para la Cultura y las Artes) en el ISCP en Nueva York, NY, E.U.A. Participó en el Programa Integral Fotografía y Medios Alternativos impartido en el Centro de la Imagen, México, D.F. Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad Iberoamericana, México D.F. Exposiciones individuales: |EDS| GALERIA y en el Trolebús Galería, en la ciudad de México, entre otras. Exposiciones colectivas: Centro de la Imagen, en el X-Teresa Arte Actual, El Faro de Oriente y Durban, Sudáfrica.


Este - Oeste 2005 70 x 70 x 240 cm. Sal y acero oxidado $ 40,250.00 M.N.


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36 / m rt Untitled 2007 1min. 28 seg. Video $ 9,200.00 M.N.

Descripción de la obra Emilio Chapela busca representar, en un espacio sumamente abstracto, códigos específicos provenientes de distintos sistemas como es el azar, el tiempo, los juegos de estrategia, o simplemente, acciones cotidianas. Al mismo tiempo, le ha interesado alterar los productos de consumo cotidiano transportándolos a un espacio ajeno donde ya no puedan ser reconocidos como objetos, pero sí como paisajes naturales, pinturas abstractas, o simplemente colores. La experimentación de los elementos tratados como si fueran "especies" de la naturaleza lleva al espectador a la reflexión del fenómeno entendido como parte del ecosistema urbano, de modo que la diversidad de productos se transforma en un tipo de biodiversidad dentro del espacio urbano.


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256 Drinks 2006 340 x 250 cm. (políptico) C-print $138,000.00 M.N.

Autoretrato (1975 – 2005) 2003 70 x 50 cm. Sobre posición digital en Lambda $ 23,000.00 M.N.

Datos de contacto: EDS Galería Elizabeth Díaz-Soto Lord Byron 53, Polanco, C.P.11560 México, D.F. T. +(55) 5281 3674 F. +(55) 5280 9835 eds.info@gmx.net


Edgar Cobián

Acercamiento II 2007 21.5 x 28 x 6 cm. Papel Bond recortado $ 23,000.00 M.N.

Nace en Guadalajara, Jalisco (1970). Hoy por hoy, es un uno de los jóvenes artistas tapatíos de mayor actividad y resonancia en el país. Egresado de la licenciatura en Artes Visuales por la Universidad de Guadalajara en 2002. Fue miembro fundador del Colectivo de Acción y Creación Artística (C.A.C.A.); ha participado en diversas exposiciones colectivas bajo la curaduría de Patrick Charpenel, Rubén Méndez, Cristián Silva, Mónica Ashida y Vanesa Bohórquez. Hasta el momento cuenta con tres exposiciones individuales y su obra ha sido exhibida en espacios como Casa del Lago, D.F., Ramis Barquet, Monterrey, Galería Arena México Arte Contemporáneo y Central de Arte Guadalajara, entre otros. Actualmente colabora con la Galería Charro Negro Guadalajara, con quien ha participado en las ferias Zoo Art Fair 2006, Londres; Scope Miami 2006, y Scope Nueva York 2007. Su nombre se encuentra las listas de artistas de colecciones nacionales e internacionales como Alma Colectiva Guadalajara, Colección Charpenel Guadalajara, y las colecciones de Emily Chane, NY; Kathryn T. & Adam B. Frisch, Colorado USA; y Catherine Petit, Londres, por mencionar algunas. Vive y trabaja en Guadalajara.


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Cabezas 2006, Ed. de 3 25 x 15 x 6 cm. Resina poliĂŠster y esmalte acrilico $ 17,250.00 M.N.


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Sin titulo (Bosque) 2006, Ed. de 3 30 x 40 cm. Impresión digital $ 6,900.00 M.N.

Descripción de la obra

Datos de contacto: Galería Charro Negro Fermín Riestra 27, C.P. 45168 Zapopan, Jalisco. T. +(33) 3636 8701 maria@charronegro.com www.charronegro.com

Edgar Cobián nos presenta una serie de elementos que pueden ser fácilmente reconocidos. Sin embargo, de la forma en que lo hace, o dentro del contexto en el que los sumerge, su interpretación se convierte en un mensaje distinto y el espectador se obliga a una nueva definición del objeto de arte. Los materiales son diversos, casi siempre tridimensionales. Y los personajes que nacen de ellos, provocan un doble discurso que incide en lo humorístico, en lo ridículo, en lo reflexivo, en lo imaginativo y muchas veces en lo perverso. Las formas son aparentemente arbitrarias, asexuadas, melancólicas y atentan en contra de la propia naturaleza. No obstante, no nos son del todo ajenas y un proceso conciente de visualización logra que esas deformidades adquieran una actitud similar a la antropología y psicología del ser humano. Como "productos de la imaginaría de un niño retorcido", la obra de Edgar explora y expone la delicadeza de la vida humana, contraponiendo su contenido y enfatizando su fragilidad.


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Miedo en los ojos de otro 2006 Instalaci贸n, Medidas Variables Vasos de unicel, agua y tinta $ 28,750.00 M.N.

Sin titulo Serie, Everything is Possible 2006 28 x 21.5 cm. L谩piz sobre papel $ 5,750.00 M.N.


Los sueños del pasajero demorado 2005 150 x 130 cm. Acrílico sobre tela $ 20,700.00 M.N.

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Jesús Contreras Nace en Ixtepec, Oaxaca (1981). Concluye la Licenciatura en Artes Plásticas en la E.N.P.E.G. La Esmeralda, México, D.F. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Exposiciones Individuales: Espacio Alternativo de la Galería de La Esmeralda, Ciudad de México; Line up Gallery, Londres, Inglaterra y Sala B del Centro Cultural Juchitán A. C. Exposiciones colectivas: más de 15 entre las que destacan: Museo de Arte Contemporáneo, Aguascalientes; Casa de Cultura de Celaya Guanajuato y Museo de Arte Moderno, Ciudad de México.

Descripción de la obra Para Jesús Contreras todos lo medios visuales (TV, cine, documental, videojuego, Internet, revistas, etc.) tienen el mismo valor y han de considerarse con la misma equidad ante los ojos. Cada pieza, vista desde su totalidad, es una muestra de la impureza, de lo híbrido y de la interacción en la memoria, asumiendo el recuerdo de esa imagen como un espasmo. En su obra, Jesús nos presenta una estética heterogénea a través de cuerpos reconfigurados por elementos individuales que subrayan su eclecticismo dentro del discurso de una memoria abierta, tan obtusa y amplia que se desvanece y muta. El artista intenta observar su mundo colectando momentos individuales para señalizar su generalidad, y en ciertos momentos controlados, convive con el espectador estableciendo una simbiosis en la selección de motivos de identidad mutua, propia de su generación. La labor de recordar es la intención de sus objetos. Los recuerdos son su materia y, junto con la reflexión y racionalización del tiempo proporciona formas e imágenes sintetizadas.


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44 / m rt El legado de los viudos 2006 160 x 200 cm. AcrĂ­lico sobre tela $ 27,600.00 M.N.

Time to say good bye 2005 150 x 130 cm. AcrĂ­lico sobre tela $ 20,700.00 M.N.


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m rt / 45 Time to growing up 2006 160 x 140 cm. Acrílico sobre tela $ 23,000.00 M.N.

My perfect World 2005 170 x 150 cm. Acrílico sobre tela $ 20,700.00 M.N.

Datos de contacto: Eduardo Pallares y Portillo 207 Parque San Andrés, Coyoacán C.P. 04040, México, D.F. T. +(55) 5544 6881 artconcept_2004@hotmail.com


Aldo Córdoba

Espacio en construcción (Iteración 7) 2005 11 x 14 pulgadas, serie de 10 fotografías Impresión a color $ 5,000.00 M.N. c / u

Nace en la Ciudad de México (1981). Cursó la carrera de artes visuales en la E.N.P.E.G. La Esmeralda, con especialidad en escultura y multimedia. Ha colaborado con la obra de otros artistas como Antoni Abad, en la página Sitio Taxi y en proyectos colectivos con el grupo Konic Theater. Exposiciones nacionales e internacionales: Museo Leopoldo Flores, UAEM; Galería de La Esmeralda; Sala hHipertextual, MUNAL; embajada de México en Austria; Makita Art Center, Tokio y Museu da Imagem e do Som, Sao Paulo. En 2003, fue galardonado con el premio Philips ArtExpression obteniendo el 1er lugar a nivel nacional y 2do a nivel Latinoamérica. Actualmente forma parte de la planta docente de la Escuela Superior de Artes de Yucatán, ESAY.


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Espacio en construcci贸n (Iteraci贸n 3) 2005 11 x 14 pulg. serie de 10 fotograf铆as Impresi贸n a color $ 5000.00 M.N. c / u


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Descripción de la obra Aldo Córdoba asimila el paisaje como un elemento que construye un determinado espacio. El paisaje es una imagen transformada en un lugar de acontecimientos. Con este argumento, Aldo busca crear rutas en el espacio cotidiano que permitan retrasar el dinamismo de la urbe, creando máquinas que lentamente se pliegan en la percepción. Los argumentos de la lógica funcionalista se transforman en una ficción que se asume como un nuevo proceso de construcción espacial, una virtualización transfigurada de un paisaje continuo e infinito. En las obras que aquí se presentan, la lógica deconstructiva crea diferentes estructuras para romper con el pensamiento funcionalista de la ciudad; la reconstrucción -¿o deconstrucción?- de una imagen y la transformación a través de pliegues, rupturas, desfases e iteraciones, son estrategias para articular la mirada hacia de un nuevo paisaje.

Paisaje móvil (espacio de contemplación) 2005 Dimensiones variables Instalación interactiva (pasto y ordenador) $ 7,000.00 M.N.


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Línea de horizonte transitable 2006 90 x 60 cm. Impresión a color $ 5,000.00 M.N. Jruhrojhnekdñvn 2005 300 K Pagina Web en programación HTML $ 3,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: FFCC. de Cuernavaca 4-A Col. Barranca Seca C.P. 10580, México, D.F. T. +(55) 5630 6143 aldo.cordoba@gmail.com


Pablo Cotama

De las 4 nobles verdades chihuahueño 2006 180 X 180 cm. Temple magro sobre lino $ 27,600.00 M.N.

Nace en Cd. Ixtepec, Oaxaca (1978). Cursó la carrera de Artes Visuales en la E.N.P.E.G. La Esmeralda. Es licenciado en Diseño de la Comunicación Grafica por la UAM. Su formación visual se ha dado a través de toda clase de programas de televisión interrelacionada con el estudio del conocimiento, transitando a través de las neurociencias, la psicología, la astrofísica, la historia del arte, las religiones, el juego y los juguetes, marcando una influencia determinante en su trabajo visual. En el 2005 obtuvo la presea Alfredo Zalce y el premio de adquisición de la Quinta Bienal Nacional de pintura y grabado Alfredo Zalce. Fue acreedor a la beca Jóvenes Creadores del FONCA en el periodo 2005 – 2006. Cuenta con una exposición individual Alteridad MAX, en el Centro Cultural Juchitán A.C, y ha participado en más de 15 exposiciones colectivas. Actualmente ha enfocado la experimentación de materiales extra pictóricos y técnicas en desuso, que van desde la pintura de plástico al temple magro.


Heraclito Guigusano 2007 200 X 200 cm. Acrílico e incrustaciones de plástico sobre tela $ 28,750.00 M.N.

Citric Cherry Fruit Fly 2006 180 X 180 cm. Acrílico e incrustaciones de plástico sobre tela $ 28,750.00 M.N.


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Kingdom sleep 2007 200 X 200 cm. Acrílico e incrustaciones de plástico sobre tela $ 28,750.00 M.N.

Descripción de la obra Incrustados en esta inmensa red de conexiones equivocadas, en la que lo cotidiano es lo invisible, podemos encontrar gigantescos y llamativos "señalamientos" que toman lo más representativo de la banalidad inyectada -en los juguetes- para utilizarla contra sí misma. El espectador vacuo y propenso a saturarse hasta el hartazgo de todo tipo de imágenes, es burlado y atraído al chocante juego alegórico que representa la condición humana, vista desde los ojos de Pablo Cotama. Sin recurrir a experiencias ultrafísicas, profundamente emocionales o elevadamente filosóficas, Cotama atraviesa el umbral que va de lo vano a

lo profundo, tan simple como lo haría un niño al jugar. Así, con una clara observación de lo patente, con la simple descripción del uso natural y jugando a descifrar las posibilidades de la razón en los títulos y las frases de las pinturas, es como quizá podamos comprender su sentido "oculto". Sin embargo, el trabajo del espectador y el de su autor va más allá: se requiere de un análisis sobre uno mismo, sobre la propia concepción, sobre cómo cada quien ve las cosas y lo que reclama de ellas.


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Non Plus Ultra 2006 190 X 380 cm. Acrílico e incrustaciones de plástico sobre tela $ 48,300.00 M.N.

Datos de contacto: Eduardo Pallares y Portillo 207 Parque San Andrés, Coyoacán C.P. 04040, México, D.F. T. +(55) 5336 2696 C. +(55) 1198 2302 cotamatoys@yahoo.com estrigiforme@hotmail.com


Ale de la Puente


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m rt / 55 Quién 2006 45 x 60 cm. C-print $ 16,100.00 M.N.

Todos Nosotros 2005 120 x 185 cm. (35 imágenes de 22 x 16.5) C-print sobre filme transparente laminado en acrílico espejo $ 46,000.00 M.N.

Nace en México D.F. (1968). Estudió diseño industrial (México D.F.), artes y oficios (Barcelona, España) y construcción naval (Sausalito, Ca.). Acreedora a la beca Pollock-Krassner Foundation, así como a la beca de Jóvenes Creadores en dos ocasiones. Su obra forma parte de la Colección Jumex. Es autora del libro Una Memoria Impredecible en proceso de publicación apoyada por el FONCA a través del Programa de Fomento a Proyectos y Conversiones Culturales, 2006. Exposiciones individuales: Celda Contemporánea, México D.F.; kbk Arte Contemporáneo, México D.F.; MCCLA de San Francisco, California y Torre de los Vientos, México D.F. Exposiciones colectivas: TWSite, Tokio, Japón; La Colección Jumex, Ecatepec; Museo Reina Sofía, Madrid, España; Ex-Teresa Arte Actual, México D.F.; Antiguo Colegio de San Idelfonso y Haraakka, Finlandia 2000.


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…y a pesar de todo, …el presente tarda en hacerse pasado 2006 (Still) 13 min. 02 seg. Video digital sin audio. 9:6 $ 40,250.00 M.N.

Descripción de la obra Para Ale de la Puente, el describir su trabajo implica hablar del pasado, ignorando el presente continuo e ignorando también, la evolución constante de la creatividad "esa cualidad impredecible del rumbo de una idea". Esta artista recurre constantemente a las preguntas como herramientas de su obra. Considera que las respuestas son el conocimiento surgido a partir de su conciente o inconciente. "Disfruto indagar sobre las cualidades poéticas y filosóficas, de la experiencia, la identidad, las

relaciones, los encuentros… y del tiempo en el espacio compartido". Su proceso creativo evita entretener al tiempo. Mientras ella trabaja, el mundo susurra y ella va creando una nueva metáfora de sí misma. "El intento, la constancia, la obsesión, la terquedad, el error, el fracaso, tienen una temporalidad distinta a la del éxito, donde… "el presente tarda en hacerse pasado". La acción y su tiempo llevan consigo una representación, un simbolismo, una semiótica de las circunstancias tanto generales como personales.


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…y a pesar de todo, …el presente tarda en hacerse pasado 2006 (Still) 13 min. 02 seg. Video digital sin audio. 9:6 $ 40,250.00 M.N.

…y a pesar de todo, …el presente tarda en hacerse pasado 2006 (Still) 13 min. 02 seg. Video digital sin audio. 9:6 $ 40,250.00.00 M.N.

Datos de contacto: Kbk Arte Contemporáneo T. +(55) 5203 2965 +(55) 5250 7147 info@kbkart.com aledelapuente@yahoo.com


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Carolina Esparagoza Nace en la Ciudad de México (1977). Egresada de la E.N.P.E.G. La Esmeralda. Ha participado en exhibiciones colectivas, festivales y muestras de video, instalación, arte objeto, fotografía y arte electrónico. Ha expuesto individualmente en Garash Galería y en la Caja Negra, espacio del Museo Universitario de Ciencias y Arte de Ciudad Universitaria. Ha contado con apoyos de producción del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes del que le fue entregada la Beca Jóvenes Creadores, del Instituto Mexicano de la Juventud, y del Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes. Su última realización fue una residencia artística en l´Ecole Régionale des Beaux-Arts de Saint-Etienne, Francia.


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DESCRIPCIÓN DE LA OBRA De la serie Memorias, resalta el proyecto Proceso Fosfográfico por la peculiaridad de la técnica que además responde a la naturaleza del motivo. La obra materializa imágenes de dibujos animados de las décadas de 1970 y 1980; caricaturas que viven en el recuerdo de una generación. Las imágenes son plasmadas, mediante un proceso fosfográfico, en televisiones blanco y negro de cinco pulgadas. Éste proceso consiste en dibujar desde el interior de la pantalla del televisor, utilizando ésta como un lienzo y, manipulando como instrumento de dibujo, al haz de electrones que activa el recubrimiento de fósforo, que hace posible visualizar imágenes electrónicas. Bajo este sencillo principio de generación, de imágenes monocromáticas, se basa la propuesta plástica, en la que se utiliza una imagen fija -blanco y negro-, a manera de plantilla y se reproduce por miles de horas en una pantalla de televisión; alterando físicamente (quemando, ennegreciendo) el fósforo del interior del cinescopio, de manera que la imagen se plasma lentamente hasta lograr un dibujo permanente y evidencia a su vez, la nostalgia generacional.


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S / T, de la serie memorias 2005 12 x 10 x 17 cm. Fosfografía en CRT 5” $17, 250.00 .M.N. c / u

DATOS DE CONTACTO Garash Galería Álvaro Obregón 49, Col. Roma, C.P. 06700, México, D.F. T. +(55) 5207 9858 informes@garashgaleria.com


Gilberto Esparza Escultura de descenso 2003 7 min. 40 seg. Video (Tiraje de 5 copias) $ 17,250.00 M.N.


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Cáncer de urbe, línea 2006 70 x 50 cm. Impresión cromógena Tiraje de 10 copias $17,250.00 M.N.

Nace en la ciudad de Aguascalientes (1975). Terminó sus estudios de Artes Plásticas en la Universidad de Guanajuato y en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos, U.P.V. en Valencia, España. Ha participado en talleres de experimentación artística con Guillermo Santamarina, Maris Bustamante, Nunik Sauret, y con el colectivo Los Ejecutistas del cual fue miembro. Actualmente desarrolla organismos y sistemas mezclando alta y baja tecnología utilizando desechos industriales para intervenir el espacio público. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en México y en el extranjero. Participó en el Festival Lascas, Un Arte Mexicano Actual, Québec; Small pieces big spaces, Galería Ocurrence, Montreal; Taller Internacional de Artistas KM0, Bolivia; Festival de Arte Electrónico VideoBrasil, y Transitio Mx Festival Internacional de Artes Electrónicas y Video, México, D.F. y Rigor Mortis. PLATAFORMA 06, Puebla. En 2006 fue becario por el FONCA y recibió el primer premio en Vida 9, Telefónica de España. Es residente del Centro Multimedia del CENART. Obtuvo el primer premio en ARTFest05, WTC, México y mención honorífica en la Bienal de Yucatán 06.


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Rigor Mortis 2006 Dimensiones variables. Intervención con objetos encontrados, actuadores neumáticos, motores y circuitos electrónicos $ 34,500.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA Su obra surge de la reflexión sobre el crecimiento compulsivo de la ciudad y la acumulación apremiante de deshechos. El Cáncer Urbano es una proliferación acelerada, desordenada y descontrolada de elementos de un sector, que invaden otros elementos "sanos" del entorno. En Rigor Mortis varios dispositivos neumáticos, motores y un sistema electrónico hacen que los objetos se golpeteen o vibren generando sonidos y recorridos visuales y sonoros en todo el espacio, evidenciando la vida que conserva la fábrica aún después de

abandonada. Escultura en Descenso es la representación de una pelota de 90 cm. de diámetro que contiene 80 litros de agua y desciende desde la alta periferia hasta el centro de Guanajuato, recorriendo sus callejones. Al desplazarse por superficies irregulares se transmuta y se adapta a las formas del terreno que encuentra a su paso y Nómada es una pieza que se traslada en la vía pública por medio de un sistema basado en un conjunto de motores que la hace capaz de reconocer su entorno y transitar en él.


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m rt / 65 Cáncer de urbe, luminarias. 2006 70 x 50 cm. Impresión cromógena Tiraje de 10 copias $ 17,250.00 M.N.

Nómada 2006 60 x 60 x 80 cm. Zapatos, aluminio, motores y circuitos electrónicos $ 69,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Calle Sabino 121-6 Col. Santa María la Ribera C.P. 06400, México, D.F. T. +(55) 5541 5024 muypieth@hotmail.com


M贸nica Espinosa


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Doblez 2006 Instalación 41 piezas, plastilina epóxica, acrílico, resina, poliuretano $ 25,000.00 M.N. Six minutes 2004 7 min. Video still $ 13,000.00 M.N.

Nace en México D.F (1977). Fotógrafa de profesión, cuenta con la licenciatura en Artes Plásticas de la E.N.P.E.G. La Esmeralda. También posee estudios de licenciatura de Comunicación y Filosofía en la UNAM. Ha tomado una diversidad de cursos cuya temática va desde el cine hasta la filosofía oriental, pasando por el arte y el periodismo. Su actividad profesional tiene lugar en la docencia dentro de la UNAM y también como parte de una empresa privada que ofrece los servicios de diseño de arte y caracterización. Su desarrollo artístico ha tenido diferentes espacios de los que resaltan: Strawberry fields, OPA, Guadalajara; muestra de video, Garash Galería, México D.F; en la Semana Cultural, L.B., Museo Universitario del Chopo, México DF.; Polly Gallerie, Karlsruhe Alemania; Fest video, San Francisco y Actuelle Kunst aus México, en Galerie der Hochschule, Braunchsweig, Alemania.


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Team back 2003 Dimensiones variables Diapositiva $ 10,000.00 M.N.

Tasa 2004 Dimensiones variables Fotografía $ 5,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA El testimonio de Mónica Espinosa revela un sitio particular: el viaje de lo mayor a lo menor, de la perspectiva del universo en crecimiento hasta el movimiento del polvo al caminar. Su obra se realiza con la intención de dejar espacios abiertos, el sentir y a la interpretación del espectador. En sus propias palabras: "Una obra que cuenta

invocaciones y secretos, es un asunto de simpatía, donde las cosas bailan en el aire como pelusas matutinas y hay que caminar de puntitas para no levantar más". El arte es el espacio de encuentros y desencuentros; en su hacer, revela secretos y los crea, finalmente invita al espectador, generando en él una expectativa.


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Noche Blanca 2005 41.5 x 42 cm. Dibujo impresión fotográfica $ 15,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Sur 115 A. Manzana 13, Lote 12, J. Rosas C.P. 08700, Iztacalco México, D.F. T. + (55) 5657 2387 encoreautre@hotmail.com


Alessa Esteban Rendón

Dear Wendy 2006 145 X 210 cm. Oleo sobre tela $ 60,000.00 M.N.

Nace en Guadalajara, Jalisco (1978). Estudió en la E.N.P.E.G. La Esmeralda y cuenta con una Maestría en Teoría para la Formación en Psicoanálisis. Ha sido merecedora de algunas becas como la de La Academia Internacional de Bellas Artes de Salzburgo y la de Salzburg Künstlerhaus Studio, ambas en Austria. Participó en proyectos como Al Agua Patos (cuento ilustrado) con Uribe-Ferrari Editores; en el libro titulado Mi Primer Libro de Dibujo editado por Daniel Guzmán y en la revista Re-generación. Exposiciones individuales: KBK Arte Contemporáneo, Virgin Hill, México D.F.; Proyectos Monclova: Sisters in your Closet, México, D.F. y Open Studio: Twisted Sisters. Exposiciones colectivas: Miami Scope, Festival de Arte, Miami, Con Art & Idea Galerie-Vienna; Ramis Barquet Galery, Nueva York y Ramis Barquet Galería, Monterrey, Nuevo León.


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Bang! 2006 139 X 113 cm. Óleo sobre tela $ 56,500.00 M.N.

The Fire Lover 2006 250 X 200 cm. Óleo sobre tela $ 60,000.00 M.N.


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DESCRIPCIÓN DE LA OBRA A través del dibujo, la pintura y la fotografía, Alessa refleja un interés muy particular por las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud. Por un lado, su obra es la representación de un claro recuerdo de su infancia y de la relación que mantuvo con sus hermanas, y por el otro, esta joven artista ha empezado a crear personajes derivados de ciertas patologías psíquicas que justifican la ausencia de momentos olvidados, de episodios que han quedado en blanco dentro de su memoria. "Las relaciones personales están basadas en miles de sentimientos primitivos con los cuales crecemos". Sus imágenes representan una nueva cultura, una nueva forma de vivir y de sobrevivir, una lucha a partir de los deseos propios, sentimientos transformados, perversiones y también de necesidades que se descubren poco a poco. Alessa gusta de representar juegos psicológicos para provocar la dualidad entre dulzura y perversidad. De primera instancia, sus imágenes se ven apacibles y tiernas, pero cuando les dedicamos una segunda mirada, muestran dolor y tortura. Recreando estos juegos e historias es como ella logra la identidad de su producción plástica.

DATOS DE CONTACTO: KBK Arte Contemporáneo Ubaldo Kramer Petrarca 239-8, Polanco, C.P. 11560, Mexico, D.F. T. +(55) 5250 7147 F. +(55) 5203 2965 info@kbkart.com Eje Central Lázaro Cárdenas 1144-203 Col. San Simón, C.P. 03660, México D.F. T. +(55) 8500 4286 C. +(55) 2199 4160 yocosta@poetic.com


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Walking my Sisters 2006 155 X 233 cm. Óleo sobre tela $ 63,500.00 M.N.

The Incestuous Lover 2006 250 X 200 cm. Óleo sobre tela $ 60,000.00 M.N.


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Ulises Figueroa Nace en la ciudad de México (1977). Es egresado de la E.N.P.E.G. La Esmeralda. A partir del 2002 su obra comenzó a mostrarse en diversas exposiciones individuales y colectivas. De las colectivas destacan: Stil Biuti, Centrum Sztuki Wspólczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie, Polonia; Ventifacto, Garash Galería, México; Gachapón, Garash Galería, México; Breve historia contada a mano, Centro de Arte Joven de Madrid, España; Intervenciones, Centro Nacional de la Artes, México; La Fraternidad Universal para la Promoción y Defensa de M. Bondarchuk, Galería ART & IDEA, México. Ha realizado un par de exposiciones individuales: Aquí Brazil Cambio y Fuera, Casa de Cultura Azcapotzalco, México, y De Dentro Hacia Fuera y de Arriba Hacia Abajo, STC Metro, México. Desde el 2003 imparte cursos y talleres en La Colección Jumex y otras instituciones.

Sin título (vainilla y chocolate) 2005 27 cm de diámetro c / u Fibra de vidrio y pintura $ 9,450.00 M.N. c / u


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60 000 000 a.c. 2006 10 m. de long. Poste de concreto encontrado, reconstruido y montado en cables de acero $ 28,350.00 M.N.

Bisonte 2007 35 x 25 cm. Tinta y pintura acrílica sobre papel $ 7,350.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA El principio de toda expresión artística, es para Ulises Figueroa, la comunión entre la imaginación y la materia. La primera proporciona las nuevas formas con el fin de devolverle al mundo el facto sorpresivo, y la segunda -la materia- que, en su peculiar flexibilidad, cede ante la manipulación de la imaginación del artista. Esta unión es identificada por Ulises como la materia mística, indispensable al mundo que ya no es natural, pero comprende mejor nuestra realidad. "Hacer escultura, hacer más mundo, no es sino el parto que cualquier idea o imagen padece para materializarse". Para el artista, la expresión en su obra es la voz del mundo dispuesta a reinventarse y re-significarse, proceso debido al cual nos sigue siendo admirable y propio.


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Una mantarraya no es un tibur贸n aplastado 2004 55, 45, 40 y 35 cm. de long. Modelado en plastilina $10,500.00 M.N. c / u


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041012 PA 2006 65 cm. de long. c / u Fibra de vidrio, carnaza, tela y pintura $ 26,250.00 M.N. c / u

DATOS DE CONTACTO: Garash Galería Álvaro Obregón 49, Col. Roma, C.P. 06700, México, D.F. T. + (55) 5207 9858 informes@garashgaleria.com


Gerardo García de la Garza

Vehicle 2007 60 X 50 X 150 cm. Instalación acción pausada / brazo robótico $ 126,000.00 M.N.

Nace en la ciudad de México (1970). Su obra se traduce en instalaciones con video, sonido, música y objetos. Forma parte de objectnotfound.media.laboratory (México) y ha participado en exhibiciones y festivales en Sudáfrica, Nueva York, España, Holanda, Argentina, Cuba, Francia, Ecuador, Perú, India y Suiza. Otros espacios en los que ha expuesto: 3a Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán, México; transitio_mx Festival internacional de Artes Electrónicas y Video, México; Museo Tamayo, México; 10mo Festival Internacional de Video y Arte Electrónico, Perú; Museo de Arte Moderno México; 1ra Bienal Internacional de Buenos Aires, Argentina; 7a Bienal de La Habana Cuba; Central Museum, Utrecht, Holanda, 3er. Festival Internacional de Arte Electrónico 404, Argentina; Centre Culturel du mexique, París y Arco, Madrid. Ha realizado proyectos de música y exploración sonora como: Zanahoria, Audiosexo, Ruiditos, Obab y 53% (México). En 1999 fue becario del Centro de Escritores de Monterrey y en 2000 del FONECA de Nuevo León. Actualmente explora el campo de la robótica. Vive y trabaja en la ciudad de México y Monterrey.


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Serigrafías artificiales 2007 115 X 145 cm. madera Instalación pasto arificial $ 42,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA Sus herramientas principales son el video, la robótica y el espectador-participante. Algunas de sus representaciones son homenajes o conmemoraciones a personajes célebres como Joseph Beuys, El Che Guevara, Cristóbal Colón, Abraham Lincoln o Benito Juárez. La intervención de un brazo robótico, la tecnología, el juego quinético, el óptico y el tiempo en objetos de la vida cotidiana hacen que el asistente (y actor transitorio) descubra un segundo y tercer significado a una realidad proporcionada por este artista, en la cual uno se convierte en cómplice, testigo o simplemente espectador pasivo. El mundo actual y los nuevos lenguajes del arte permiten que Gerardo no tenga límites en sus instalaciones, creando paisajes, escenas y discursos incomparables que va proyectando en innumerables formatos.


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Bipolar-mesa redonda 2007 Medidas variables Video instalaci贸n seis canales / loop infinito / ntsc / color / sonido $126,000.00 M.N.

Dinero-money 2007 Medidas variables Instalaci贸n proyecci贸n de 35 diapositivas $ 42,000.00 M.N.


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Massive target T.V. 2004 28 min. c / u Video instalaci贸n 2 videos / proyecci贸n paralela / ntsc / color / sonido $52,500.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: gerardo@ggdelag.org www.ggdelag.org T. +(55) 5543 2446


Adela Goldbard

Aviones 2006 180 x 80 cm. Impresión cromógena, laminado mate, montada en trovicel con bastidor de madera $ 8,500.00 M.N.

Nace en la Ciudad de México (1979). Cursó la licenciatura en Lengua y Literaturas Hispánicas en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Realizó estudios de fotografía en la Escuela Activa de Fotografía, así como en el Centro de la Imagen. Su obra fue seleccionada dentro de la XII Bienal de Fotografía, así como en el Encuentro Nacional de Arte Joven 2004, de la Casa de Cultura de Aguascalientes. Exposiciones individuales: en la Casa de Cultura de San Juan del Río, Querétaro, y en la Casa de Cultura La Pirámide, D.F. Exposiciones colectivas: la Casa Principal, Veracruz; la Galería de la Alianza Francesa de Polanco, D.F. y en la Casa de Cultura de Azcapotzalco, D.F., entre otras. Actualmente es Coordinadora de la sección de Artes Visuales de la revista de literatura y gráfica Viento en Vela, es docente de literatura y de fotografía a nivel primaria y preparatoria y fotógrafa independiente.


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Luciérnagas 2006 180 x 72 cm. Impresión cromógena, laminado mate, montada en trovicel con bastidor de madera $ 8,000.00 .M.N.

Borregos 2006 190 x 64 cm. Impresión cromógena, la minado mate, montada en trovicel con bastidor de madera $ 8,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA Ficciones es un proyecto que invita a la reflexión de la posible irrealidad dentro de un mundo real, o de lo real a partir de la irrealidad. La serie de imágenes que nos presenta Adela exhiben un doble sentido; como construcción que, en cuanto producto de la mano, es real; sin embargo, la ficción proviene de la apariencia que ocasiona la imagen. La ilusión de realidad –o surrealidad– se construye a partir de la interpretación del espectador, sin la cual, la obra no podría ser completada. La elaboración de lo real a partir de algo irreal es el proceder para el relato de la vida propia. La ficción es, a final del día, lo real y también la posibilidad de la irrealidad de lo real.


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Burbujas 2006 180 x 72 cm. Impresi贸n crom贸gena, laminado mate, montada en trovicel con bastidor de madera $ 8,000.00 M.N.


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Lago 2006 180 x 72 cm. Impresión cromógena, laminado mate, montada en trovicel con bastidor de madera $ 8,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Monclova 2 – 15, Col. Roma, México, D.F. T. +(55) 5574 0299 +(55) 1797 3509 adelagol@yahoo.com


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Saúl Gómez Nace en México, D.F. (1980). Estudió la licenciatura en la E.N.P.E.G. La Esmeralda. Exposiciones Individuales: Garash Galería. Exposiciones Colectivas: CEDART Diego Rivera; La Estación Gallery; Bienal de Gráfica Diego Rivera, Museo Casa Diego Rivera, Guanajuato; Talleres de Producción 1998-2003, Galería la Esmeralda y La Casa del Estudiante.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA

S/T 2006 190 x 190 cm. Óleo sobre tela $ 23,100.00 M.N.

Dentro de un ambiente caluroso y sofocante, sea en el interior o en el exterior, Saúl somete diversos elementos -casi siempre comida- a su cocimiento. Algo que se quema, ya sea por el fuego directo, por el calor del sol o por la lava del volcán, busca una nueva interpretación de acuerdo al paisaje que lo rodea y a sus cualidades. Los elementos, naturales o procesados inquieren una identificación directa con su alrededor. La cerveza líquida, por ejemplo, es eco del océanooleaje-espuma. El tratamiento figurativo y espacial recuerdan un poco a los pintores pop quienes sin ninguna restricción, descontextualizan al objeto de uso cotidiano para recontextualizarlo en un mundo imaginativo y sofisticado que sólo se puede entender a través de la mirada subjetiva del arte. "¿dónde está el paisaje? Se busca el acceso a distintas configuraciones y apreciaciones acerca de éste".


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S/T 2005 42 x 42 cm. Ă“leo sobre tela $ 12,600.00 M.N.

S/T 2005 42 x 42 cm. Ă“leo sobre tela $ 12,600.00 M.N.


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S/T 2005 42 x 42 cm. Óleo sobre tela $ 12,600.00 M.N.

S/T 2005 111 x 83 cm. Óleo sobre tela $ 12,600.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Garash Galería Álvaro Obregón 49, Col. Roma C.P. 06700, México, D.F. T. +(55) 5207 9858 informes@garashgaleria.com Saúl Gómez Cerrada Pinozuarez 84, Col. Fco. I. Madero C.P. 54467, Estado de México T. +(55) 5823 0672 chaloodoogs@yahoo.com.mx


Rebeca González Díaz

Screem No. 2 2004 100 x 100 cm. Técnica Mixta $12,000.00 M.N.

Nace en Monterrey, Nuevo León (1978). Estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Monterrey. Se ha desempeñado como Diseñadora Web y Multimedia desde 1999 a la fecha. En el 2000 incursionó en la pintura asistiendo a cursos impartidos en el taller de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León; tiempo más tarde decide profundizar y formalizar sus conocimientos artísticos, por lo que en el 2003 viaja a España para cursar el Master en Teoría y Práctica de las Artes Plásticas Contemporáneas impartido por la Universidad Complutense de Madrid. Exposiciones individuales y colectivas: Nuevo León, Coahuila, Zacatecas y Durango. En el extranjero en EUA, Cuba, Australia y España.


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The Meeting (Scene 2) 2006 140 x 70 cm. Acrílico sobre tela $ 17,000.00

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA Nuestra percepción del mundo y la manera de comunicarnos se ha visto afectada; los medios masivos y el ciberespacio están creando una nueva condición humana: la de la tele-presencia, provocando un problema de carácter social de acuerdo a las nuevas formas de mantener una relación con los demás y con el mundo. La tecnología llega a controlar gran parte de nuestras vidas; dependemos de ella para realizar nuestros trabajos y ya domina nuestra comunicación llegando a modificar nuestro lenguaje. "Considero conveniente detenernos un momento a pensar hacia dónde vamos con tal urgencia, ya que de nada sirve el progreso de la tecnología y de la ciencia si éstas no se desarrollan bajo un fondo moral y con sentido humanista" comenta Rebeca. Es así como su obra representa una exploración de la condición humana mediatizada por una red de información infinita, haciendo énfasis en la importancia de la emotividad de los humanos hacia este rizoma cibernético que nos conduce cada vez más al aislamiento.


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The Meeting (Scene 1) 2006 140 x 70 cm. AcrĂ­lico sobre tela $ 17,000.00 M.N.

The Meeting (Scene 3) 2007 140 x 70 cm. AcrĂ­lico sobre tela $ 17,000.00 M.N.


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Screem No.4 2005 100 x 100 cm. T茅cnica Mixta $ 12,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Justiniano 769, Col. Cumbres, 3er Sector, C.P. 64610, Monterrey, Nuevo Le贸n T. +(81) 8300 2867 C. +(81) 1023 8548 rebeca@rebecatomelloso.com www.rebecatomelloso.com


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Ricardo Harispuru

Tour Eiffel (de la serie 1 Segundo) 2005 60 x 90 cm. Registro fotográfico de acciones realizadas en sitios históricos, retardando 1 segundo el disparador de la cámara $ 10,500.00 M.N. (SIGUIENTE PÁGINA) Vigilante 2007 Dimensiones variables Fieltro, fibra de poliester, vestimenta $ 15,750.00 M.N.

Nace en México, D.F. (1971). Es licenciado en Comunicación (Universidad Nuevo Mundo) y Licenciado en Artes Plásticas (E.N.P.E.G. La Esmeralda). Sus estudios se han diversificado hacia la filosofía, semiótica, fotografía, instalación, video y arte conceptual. Realizó una residencia en la École Nationale Supérieure d´Art de Nancy, en Francia. Exposiciones colectivas: The Center of Contemporary Art, en Tel Aviv, Israel; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid, España y en el D.F. Exposiciones individuales: en Garash Galería; en la Galería La Esmeralda, y en la Galería de Arte Mexicano. Hasta el año 2006 impartió materias y seminarios de arte y comunicación en la Universidad Nuevo Mundo. En el 2001, CONACULTA le otorgó la beca de producción artística del PADID, y en el 2002, recibió la beca Jóvenes Creadores del FONCA.


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96 / m rt DESCRIPCIÓN DE LA OBRA "Desconfío del lenguaje, trabajo desde la impotencia… Toda interpretación tangible surge por una conciencia de limitación…Toda idea latente se origina por una limitación de conciencia" Es así como Ricardo Harispuru describe su obra. Todo elemento se puede descontextualizar de su entorno y queda libre de cualquier relación, así como del tiempo: "es la ley universal de la impotencia, y esto genera un mundo implícitamente ridículo en proceso". Para Ricardo, el arte se trata de la toma de decisiones y no de la creación en sí. "La obra es la representación materializada de la decisión, sujeta a la posibilidad de la materia". Es así como el arte adquiere un carácter de posibilidad,

movilidad y subjetividad. "El arte haría todo lo posible por lo poco posible". En su obra también interfiere el azar que determina la suerte de la discusión, una actividad indeterminada que sobrevive ante la pregunta, ¿qué es el arte y para qué sirve? Ricardo Harispuru se hace esta pregunta de forma humorística, a manera de juego. Algunos conceptos latentes surgen a partir de dudas ante lo existente y algunos hechos tangibles se originan por la fe en lo que no existe. Sin embargo, su propuesta artística brinda confianza, pero no complacencias ni condescendencias. "Confío en el arte, juego para la posibilidad".

Historieta para el mediodía 2 2006 Animación cuadro por cuadro, a partir de dibujos originales / DVD / 8 min. 30 seg. $ 21,000.00 M.N.


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Power (Error Sessions) 2006 14.8 x 20.5 cm. cada dibujo Lápiz sobre papel en 296 dibujos consecutivamente calcados $ 31,500.00 M.N. Gravedad Cero En proceso desde 2001 22.5 x 29 x 6 cm. cada libro Lápiz sobre papel, para archivar 1000 km. de línea trazada (distancia entre la tierra y la última capa atmosférica) Precio: No en venta

DATOS DE CONTACTO: Garash Galería Alvaro Obregón 49, Col. Roma C.P. 06700, México D.F. T. +(55) 5207 9858 www.garashgaleria.com informes@garashgaleria.com info@ricardoharispuru.com www.ricardoharispuru.com


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Alberto Ibáñez Cerda Nace en Torreón, Coahuila (1964). Estudió Artes Plásticas en la Universidad de las Américas, Puebla. En 2002 ganó una beca de la Fundación Pollock-Krasner de Nueva York y en 2003 obtuvo la mención honorífica especial en pintura en la VI Bienal Monterrey FEMSA. Principales exposiciones individuales: Galería de Arte Contemporáneo, Puebla; Tatar Gallery, SCOPE Miami y Galería Yvonamor Palix, París, entre otras. Algunas exposiciones colectivas: Galería de Arte Contemporáneo, Puebla; MARCO, Monterrey y Mexican Cultural Institute, San Antonio, Texas.

El objeto de la pintura no. 5 2005 100 x 130 cm. Acrílico sobre tela $ 30,000.00 M.N. Página anterior: El grito 2006 180 x 150 cm. Óleo sobre tela $ 40,000.00 M.N.


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Blanco sobre blanco 2006 70 x 70 cm. Óleo sobre tela $ 22,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA Uno de los principales retos de la pintura actual, directamente relacionado con su vigencia en el contexto del arte contemporáneo, se traduce a su representación visual. El trabajo de Alberto Ibáñez Cerda se fundamenta en la utilización de innovadoras técnicas formales y conceptuales que permiten abordar dicha problemática y ampliar sus posibilidades discursivas

a través del uso de recursos fotográficos y digitales como lo es el uso simultáneo de la figuración y abstracción y diferentes lenguajes pictóricos. Estas estrategias llevan implícito un sentido de análisis o crítica de las condiciones y límites de la representación pictórica, convirtiendo a las obras en instrumentos de autocrítica, de una autocrítica hacia la pintura como intención discursiva en sí misma.


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Chocolate 2007 100 x 130 cm. Óleo sobre tela $ 30,000.00 M.N.

Negro sobre negro 2007 70 x 70 cm. Óleo sobre tela $ 22,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Calle 14 oriente 1447-B, Barrio de San Juan Aquiahuac San Andrés Cholula, Puebla T. +(222) 247 4142 vacaibanez@yahoo.com.mx


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Berta Kolteniux Krauze Nace en la Ciudad de México (1958). Estudió en la ENAP, UNAM, y en Corcoran College of Art and Design. Ha expuesto internacionalmente en numerosas ocasiones y en más de 50 colectivas. Expuso Antártica en el Instituto Cultural Mexicano de San Antonio, Texas y Cold and Warm en Washington, DC; recibió crítica en The Washington Post y en Dallas Morning News por Traveling. En el 2003 se inició como curadora con la exposición Fisión / Fusión, Arte Contemporáneo de México y E.U. En el 2005 expuso en la Galería Skape, Corea. Desde su regreso a México expone en la galería Drexel, Monterrey y participa en Art Fest - WTC, Centro Cultural de España, Museo Nacional de la Estampa y en la Galería Metropolitana, UAM.

Línea roja, 2006 200 x 83 cm. Óleo, yeso / madera $ 46,000.00 M.N.

Chrome 2006 198 x 35 x 35 cm. c / u Óleo / madera, 112 paneles intercambiables estructura de madera $ 80,500.00 M.N. por columna


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Turbulencia en plata 2006 71 x 183 cm. Óleo / madera $ 46,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA La exploración de Berta Kolteniux inicia desde los cimientos de la pintura abstracta. La configuración general es en paneles individuales de diversos formatos que componen el muro. Más el contenido de cada expresión artística tiene como base dos experiencias particulares: el espectáculo de la nieve y el cambio de las estaciones. Los paisajes nevados inducen a la artista a la reflexión sobre la soledad del hombre, contrastando con el color de las hojas de otoño hacia un despertar ante la vida. Es una reflexión de lo efímero, de la vida y la muerte. A esta exploración le sigue la investigación sobre el color y sobre el tiempo encontrando en el óleo; la forma más eficiente de expresión, por la infinita gama de tonos y por la permanencia cromática que esta técnica proporciona.


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Blanc 2003 91 x 239 cm. Óleo, yeso, acrílico, grafito / madera $ 52,000.00 M.N.

Azul metálico 2003 84 x 107 cm. Óleo, acrílico, gouache, metal, yeso / madera $ 40,500.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Chilpancingo 13 Col. Condesa C.P. 06100, México, D.F. T. +(55) 5574 2754 C. +(55) 1567 7739 bkolteniuk@yahoo.com www.arteven.com


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Juan Pablo Macías

Historia del Ojo 2005 2 min. 30 seg. Video proyección 2/2 + 2 copias de artista $ 2,500.00 M.N.

Nace en Puebla (1974). Exposiciones colectivas: Primera Bienal de Bruselas y la Décima de Istanbul; P74 Center and Gallery, Ljubljana; Musee d’art Contemporain du Val de Marne, Paris; Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Moscú-NCCA; Estetica della Resistenza en colaboración con Alfredo Jaar, Fondazione Ratti, Como, Italia; Assab-One Milán y Künstlerhaus Bethanien, Berlín. Exposiciones individuales: Puebla; Arena México; Ciocca Arte Contemporanea, Milán y The Page Center, Omaha. Han publicado su trabajo en Flash Art, Tema Celeste, Nero, Exibart, Arte e Critica, Art Nexus y Criticarte. Fue curador de Multitudinario: La pregunta por la colectividad y sus formas, SAPS, Bunker o no Bunker: Por una profilaxis del sujeto, Ramis Barquet y Regeneraciones, Plataformas y Espacios Utópicos, para Plataforma-Puebla. Es mentor del Transart Institute de Austria.


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DESCRIPCIÓN DE LA OBRA La obra de Juan Pablo Macías es una irrupción al ámbito de la normalidad a través de una plataforma discursiva de diferentes acciones. El encuentro entre la máquina de representación y el sujeto sucede creando la sorpresa de lo inesperado mediante la avería o la interrupción momentánea, rebasando toda expectativa, y más aún, ampliando la percepción de una realidad causal. La técnica que le es propia, la fotografía, está destinada a manifestar los otros efectos de una causa, cuya derivación es en apariencia, previsible. De tal suerte que en cada movimiento se originan relaciones de reflejo, sonido, luz y color que, más que irrepetibles, conforman el detalle que hace la diferencia. "El trabajo de Juan Pablo Macías ha apuntado hacia un abandono de la lógica que constituye el dispositivo ocular como determinante de una realidad artificiosa de separación y endurecimiento de la experiencia vivida".

Axon-Into Reality / From The Master Blaster Series, 2007 Video-acción y video instalación documental doble video proyección medidas variables 2 / 2 + 2 copias de artista $ 4,000.00 M.N.


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Sleeo of(f) Reason 2005 Video-instalación 2 reproductores de video, proyector y monitor de 14” medidas variables 2 / 2 + 2 copias de artista $4,000.00 M.N.

Petardo 2006 Video-acción y video-instalación Documental proyección monocanal, amplificador, tensores y cubo de plástico negro adaptable al espacio. Medidas variables 2 / 2 + 2 copias de artista $ 3,500.00 M.N


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Cracks, on John Holloway 2006 Video-instalación 2 reproductores de video, proyector, monitor de 14” y espejo medidas variables 2 / 2 + 2 copias de artista $4,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Cumbres de Maltrata 263 Int. 16, Col. Narvarte, México, D.F. T. +(55) 5639 9145 macias.juanpablo@gmail.com


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Dibujo de púas 2006 50 X 207 cm. Impresión digital $ 4,600.00. M.N.

Ana Paula Martínez Lanz Nace en la Ciudad de México (1979). Es licenciada en Artes Plásticas egresada de la Universidad de las Américas, Puebla y estudió fotografía en el Instituto Morelense de las Artes en Cuernavaca, Morelos. Desarrolló un proyecto fotográfico para Geoconservación, A.C., el cual consiste en el manejo integrado de la Chinantla en la Sierra Norte de Oaxaca. Exposiciones Individuales: Universidad de las Américas Puebla; Museo Taller de Grabado Erasto Cortés, Puebla. Exposiciones Colectivas: Quinta Bienal de Puebla, Universidad Iberoamericana; Galería de Arte Contemporáneo y Diseño, Puebla; Exposición itinerante de obras premiadas en los Encuentros de Arte Contemporáneo de Puebla, Galería Punto y Línea, Oaxaca.

Avión 2006 80 X 60 cm. Impresión digital $ 3,500.00. M.N.


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DESCRIPCIÓN DE LA OBRA: El proyecto Grafos está basado en la producción de imágenes digitales a través de la experimentación entre la representación fotográfica y el dibujo sobre distintos soportes de impresión digital. Las imágenes son construidas a partir de la intervención de fotografías digitales en blanco y negro en las que el elemento primordial es la línea. Cables de luz, antenas, rejas, púas, castillos de construcción, cables de teléfono, entre otros, son los motivos que esta artista utiliza. Para Ana Paula, el proyecto Grafos, más que fotografía es "gráfica experimental". La suma del lenguaje gráfico más el lenguaje fotográfico crea un conflicto visual en una misma imagen, cuestionando los límites de estos dos medios y la frontera que los separa.

Dos dibujos 2006 58 X 100 cm. Impresión digital $ 4,100.00. M.N.


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Cables 2005 96 X 126 cm. Impresi贸n digital $ 5,200.00. M.N.

Cruz 2006 60 X 100 cm. Impresi贸n digital $ 5,800.00. M.N.

DATOS DE CONTACTO: 6 Oriente 611, San Andr茅s, C.P. 72810, Cholula, Puebla T. +(222) 296 5036 C. +(951) 170 1888 anapmlanz@yahoo.com


Leonardo Eduardo Martínez

Migrantes De la serie Mariposarios 2006 Variables Mixta (papel porno recortado) $15, 750.00 M.N.

Nace en Orizaba, Veracruz (1977). Actualmente reside en la Ciudad de México. Entre varias exposiciones individuales se encuentra Fragmentos, presentada en el Museo de Arte del Estado de Veracruz y Naturaleza Muerta, en Origina Galería de Arte Contemporáneo, México D.F. De otras tantas exposiciones colectivas, resalta su participación en Scope Art Miami 05; Galería Reyes+Hass, Miami; la Colectiva de Artistas Orizabeños, Galería Escapar-arte, Orizaba, Veracruz, y por último, la exposición Body Art. DADA X, realizada en México, Distrito Federal.


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Migraci贸n de Dinero De la serie Mariposarios 2006 40 X 60 cm. Mixta (acr铆lico, madera y papel dinero recortado) $15, 750.00 M.N.


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Naturaleza Muerta 2006 Variables Mixta (espejo, esfera, motor, cable, plantas sintéticas, pasto y musgo natural, mariposas recortadas de papel dinero, cráneos y brillantina) $54,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA La naturaleza -íntegra o modificada- obtiene el papel protagónico en la obra de Leomar. Sus interpretaciones de la misma abarcan lo vivo y lo muerto, lo material e inmaterial. La oposición entre los elementos naturales y los no naturales, yace armónicamente, ello es posible gracias a la fusión de diferentes órdenes. En cada una de sus creaciones, el testigo o espectador es quien da sentido al relativo caos habitual, pero en un segundo instante se convierte en el creador, pues vuelve convencional aquello que, por definición, se opone a ello. La obra es una invitación a la constitución de lo natural.

DATOS DE CONTACTO: Llama 193, Sto. Domingo, Coyoacan, México, D.F. T. +(55) 5156 9537 C. +(55) 3414 9247 leomarvdj@hotmail.com


Desastre 1 2006 Variables Mixta (peceras, aves sintéticas, acrílico, brillantina, unicel y palillos de madera) $52,500.00 M.N.

Geografía mental 2007 Mixta (unicel, chaquira, pegamento, acrílico y madera) $21,000.00 M.N.


Brenda Anayatzin Ortíz Mi cama 2006 160 X 100 cm. Impresión digital $ 5,000.00 M.N.

Nace en la ciudad de México (1982). Para el 2004 concluye la licenciatura en Artes Visuales de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. En 2006 es seleccionada en el programa Arte por Todas Partes, llevado a cabo por el Gobierno del Distrito Federal. Entre sus exposiciones individuales está Mi Casa y Mi Cara (¿Te Parece Familiar?) presentada en el edificio de Sistemas de Transportes Eléctricos, a la que siguen exposiciones colectivas como Visiones Fotográficas presentada en el Polyforum Siqueiros y Poco a Poquito, exposición de instalaciones. Actualmente participa en el Seminario de Medios Múltiples dirigido por el artista José Miguel González Casanova y asiste al Curso de Iluminación impartido por Saúl Serrano en el Centro Arte Fotográfico.


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Saliendo de casa 2006 140 X 110 cm. Impresi贸n digital $ 4,000.00 M.N.


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Simultáneas 2005 11 X 14 pulg. Impresión cromógena $ 2,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA La obra de Brenda Anayatzin expresa la aplicación de otra resolución de la realidad que surge a partir de la percepción subjetiva de lo cotidiano. En palabras de la artista: "busco evidenciar lo que cotidianamente es invisible a los ojos, pero que es subjetivamente perceptible". La obra apunta a la separación de la

cotidianidad, más no de su olvido. La integración proviene de la percepción individual de los componentes comunes de la vida, logrando la manifestación de la vivencia relativa del tiempo. Si bien, tal expresión parece inaccesible a los otros, las formas presentes en la obra hacen inevitable la identificación con ella.


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Gabriel y yo 2006 160 X 75 cm. Impresión digital $ 9,000.00 M.N.

Nuestra mesa 2006 160 X 100 cm. Impresión digital $ 5,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Agustín Romero Ibañez 150 Col. Presidentes Ejidales, México, D.F. T. +(55) 5656 8796 C. +(55) 2309 5614 anayatzin@gmail.com


Dianne Pearce Wallflowers (las jóvenes que se quedan juntas a la pared porque nadie les saca en el baile de la escuela) 2003 Dimensiones variables filigrana de yeso hecha a mano en 21 diseños distintos $17,250.00 M.N.

Nace en St. Thomas, Canadá (1965). Estudió en el Nova Scotia College of Art and Design, y se tituló como maestra en artes visuales de la Universidad Nacional Autónoma de México. Ha recibido becas por parte de la Secretaría de Relaciones Exteriores de México, del Foreign Affairs Canada, del Canada Council for the Arts, el Ontario Arts Council y del Conseil des arts et des lettres du Québec. Ha expuesto en los artist-run centre de su nativo Canadá, y en el Museum London, Museum for Textiles, el Art Gallery of Nova Scotia y el Nickel Arts Museum. En México, ha expuesto en la Universidad Autónoma Metropolitana, el Museo Universitario del Chopo, Ex-Teresa Arte Actual, y la Universidad de Guanajuato. Fue seleccionada a participar en el 9no. Salón Bancomer y en el 1er. Programa de Artes Visuales del SIVAM. A nivel internacional, ha expuesto en París, Madrid, Marbella, Milán y Miami.


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Seis objetos para abrir la piel 1997 y 2003 55 x 46 x 46 cm. Ă“leo sobre vidrio, texto grabado al agua fuerte, tabla para cortar, mantel tejido $ 23,000.00 M.N.


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Sublime alienación 2007 60 x 180 cm. c / u serie de 8 (2 en foto) Juegos didácticos de tamaño humano, colocados en piso, el público los teje con aguetastablones, vinílica, hoyos perforados, agujetas $ 23,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA En su obra manifiesta un interés muy particular por el papel tapiz, por el color y por la creación de sensaciones confortables y relajantes. Estos elementos no son más que recuerdos de su infancia que estuvo repleta de muestrarios de color y selecciones de tapicería que ensamblaban perfectamente en los bordes. "El patrón y la textura se han vueltos importantes en mis piezas debido a las particulares conexiones que tiene tradicionalmente el dominio femenino con el hogar y la moda, el cual revela estatus social, clase, y buen

gusto". También cuenta con otros tantos instrumentos que aluden a la comida y al hogar. No con la intención de enfermar o curar… o nutrir, sino tender hacia la reparación por medio de la remoción, la eliminación o la ausencia. Más aun, en su nuevo trabajo busca la creación de un nuevo lenguaje –voz, risas, sonidos– como autoridad. "Mi nueva obra adopta esta táctica 'indisciplinada' con la intención de cruzar fronteras y mezclar otros puntos de vista, estilos de vida, culturas y lenguajes".


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m rt / 125 Calladito te ves más bonito 2005 Dimensiones variables, 37 x 48 cm. Cada hule 48 diseños de hule picado, en 9 diferentes colores Picado de hule: Mtro. Luis Vivanco Ramírez $ 17,250.00 M.N.

Palabras de sabiduría / Abuso verbal 2003 Dimensiones variables serie de 4 textos para pared, frases tomadas de cuatro libros, letras recortadas de manteles de plástico $ 17,250.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Ignacio Zaragoza 51 Col. Barrio Santa Catarina, C.P. 04010, México, D.F. T. +(55) 5658 9559 dpearce@cablevision.net.mx


Angelina PĂŠrez

Patineto 2006 50 X 20 X 31 cm. Barro policromado con tĂŠcnica mixta sobre metal $ 7,500.00 M.N.


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Doña Flor 2004 180 X 30 X 350 cm. Variable según el espacio Instalación de 14 Personajes Barro policromado $ 75,000.00 M.N.

Nace en la ciudad de México (1953). Estudió Técnicas de la Escultura en la Academia de San Carlos (UNAM) y Técnicas de la Cerámica y Escultura del Barro en los Talleres del IMSS, en México, D.F. Exposiciones individuales: Jardín de las Esculturas y Museo Casa Principal Jalapa, Veracruz; Casa de la Cultura, Tampico; Galería Lart 23, Casa de la Primera Imprenta y Museo del Chopo, México, D.F.; Galería Atelier, San Miguel Allende; Museo de la Sierra Gorda, Jalpan, Querétaro; Archivo General de la Nación, Campeche y Museo de Arte Moderno MACAY, Mérida, entre otras. Exposiciones colectivas: 34 Festival Cervantino, Guanajuato; Bienal de Cerámica, Monterrey; Bienal de Arte Universitario, Toluca; Bienal Olga Costa, Guanajuato y Bienal del Juguete Arte Objeto, México, D.F.


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Hombres Grises y de Gris 2003 280 X 170 X 90 X 65 X 40 cm. Variable seg煤n se instale M贸vil Premio adquisici贸n UAEM $ 75,000.00 M.N.


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DESCRIPCIÓN DE LA OBRA

De Azul Pintando el cielo 2006 164 x 41 x 62 cm. Barro policromado en técnica mixta / sobre metal Colección Sr. Marco Landucci $25,000.00 M.N.

"La vida diaria… habitual… cotidiana, me plantea toda suerte de preguntas. No me sorprenden el héroe ni el villano. Lo que me conmueve del hombre y me mueve a expresar son los actos pequeños y los gestos comunes, familiares, particulares y graciosos que hacemos a diario". El interés de Angelina se enfoca en descubrir los instantes usuales de la vida actual para posteriormente referirlos en su obra. Sus creaciones son historias que provocan una introspección en el espectador multitudinario causando contradicciones y diferencias sin importar su procedencia. "Me gusta ver cómo la gente más diversa encuentra siempre una referencia a sí o a alguien que ha visto o conoce". El humor, la risa, el sueño, la memoria, la fragilidad, el equilibrio y la dualidad son ingredientes de un lenguaje, formulado por Angelina y asimilable por cualquiera. Son componentes que nos invitan a crear nuevas historias distintas a las que ella nos enseña.

En Rosa y en Doré 2006 58 x 15 X 15 cm. Barro policromado con técnica mixta / Soporte de madera y acrílico $ 7,500.00 M.N. c / u

DATOS DE CONTACTO: 16 de Septiembre 4, Col. Allende C.P. 37760, San Miguel de Allende, Guanajuato T. +(415) 1524 041 angelinapi@gmail.com


Mariel Quevedo

Shared Skins 2006 Medidas variables Instalación Interactiva $ 50,000.00 M.N.

Nace en la Ciudad de México (1980). Es artista visual egresada de la E.N.P.E.G. La Esmeralda. Su trabajo ha sido expuesto en distintas instituciones como la UNAM, La Salle, la Universidad del Estado de México y el Centro Nacional de las Artes. Fue seleccionada para participar en Estación Arte 2007 con el proyecto Shared Skins. En 2006 organizó la exposición de medios electrónicos video.exe. Ha sido beneficiaria del programa Artes por Todas Partes y del Apoyo a Proyectos Artísticos y Culturales del Instituto Mexicano de la Juventud. Colaboró junto con Antoni Abad en el webcast a través de celulares Sitio*Taxi. Ha participado en numerosos talleres prácticos y teóricos sobre multimedia entre los que destacan, el Taller de improvisación sonora, impartido por Rogelio Sosa; el seminario El Espacio Social de los New Media, impartido por Dr. José Luis Brea; el taller Tecnología Interactiva en el Arte Electrónico, impartido por Eugenio Tisselli y Jose Lozano.


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Crinoid Star 2007 80 x130 cm. Acrílico sobre tela $16,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA La obra de Mariel es multidisciplinaria abarcando la pintura, la instalación y los medios electrónicos. Con pleno uso del cromatismo, esta artista muestra nuevos procedimientos de visualización –en tiempo real– que proyectan espacios de relación e interacción entre uno o más cuerpos. La intención es cuestionar la integridad de la imagen a partir del encuentro entre lo más íntimo de cada individuo con un cuerpo compartido, anónimo y virtual. También explora el concepto de la contaminación visual a partir del mundo orgánico. Con la superposición de organismos, plantas y animales, se genera un fluido inestable dentro de un plano bidimensional. Las imágenes son un hibrido de representaciones brillantes que generan una nueva piel, una composición en movimiento que revela una naturaleza plástica y artificial.


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Broadcast Spawning 2006 80 x100 cm. Acrílico sobre tela $ 14,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Av. México 68, Rinconada Precolombina Edificio Tiahuanaco, Depto. 403 Pedregal de Carrasco, Coyoacán, C.P. 04700, México D.F. T. +(55) 5665 1683 C. +(55) 2309 7097 F. +(55) 5666 5048 jollycobbles@yahoo.com jollycobbles@gmail.com


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Espectral Bommie 2 2007 80 x 100 cm. Acrílico sobre tela $ 14,000.00 M.N.

Espectral Bommie 2006 80 x 100 cm. Acrílico sobre tela $ 14,000.00 M.N.


Miguel Rodríguez Sepúlveda

Paisaje Promedio en Azul (azul con 18% de reflejancia) 2006 200 x 300 cm. Impresión fotográfica Políptico Edición de 5 copias $ 55,000.00 M.N.

Nace en Tampico, Tamaulipas (1971). Creció en Cerro Azul, Veracruz y a partir de 1986 radica en Monterrey, Nuevo León, en donde estudió arquitectura, fotografía profesional y empezó su carrera en las artes. Desde el 2003 reside en Ciudad de México. Exposiciones individuales: (15) Monterrey, Tampico, México, D.F., La Habana, Belo Horizonte Brasil y Caracas. Exposiciones colectivas: (más de 90) México, Francia, España, Argentina, Eslovaquia, Estados Unidos, Brasil, Venezuela y Sudáfrica, entre otros. A la fecha ha recibido un total de 25 distinciones por su trabajo a nivel regional, nacional e internacional. Ha obtenido becas a la creación artística FONECA y FINANCIARTE, ambas del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León. Así como la beca de creación artística FONECAT del Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes y Artes por Todas Partes del Gobierno del Distrito Federal.


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Apuntes para Madona 2006 50 x 70 cm. Papel perforado por l谩ser Edici贸n de 10 copias $ 17,500.00 M.N. cada copia


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Huella (credencial del Instituto Nacional Electoral IFE) 2004 5.5 x 8.5 cm. Herida en dedo registrada en credencial del IFE Plástico $ 75,000.00 M.N. copia fotográfica 60 x 50 cm. Edición de 5 $ 17,500.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA En el trabajo de Miguel Rodríguez Sepúlveda se pueden detectar dos vertientes: la primera es el registro de situaciones donde queda implícita alguna experiencia vivida o alguna sensación, y la segunda procura una serie de mecanismos que provocan una nueva experiencia como un evento inserto en un nivel reflexivo. Miguel juega con el espectador de forma que incita en él situaciones poco esperadas y sobre todo, probablemente no deseadas, de forma que el momento vivido o absorbido después de estar frente a la obra no sólo es visual, sino que involucra más sentimientos y otros sentidos. A este artista le interesan las experiencias –como materia prima– en la elaboración de una obra de arte. También se ha mantenido cercano a la práctica fotográfica como medio y base de investigación.


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Lengua 2003 23 x 29 x 4 cm. Corrector líquido en diccionario $ 75,000.00 M.N. Copia xerografía encuadernada Edición de 10 $ 17,500.00 M.N.

Conservación de la Energía Cinética 2003 Medidas variables Galleta masticada sobre muro Edición de 5 copias $ 45,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: T. +(55) 1998 3776 C. +(55) 2148 8797 mikedca@hotmail.com www.miguelrodriguezsepulveda.com


Tania Ximena Ruiz

Nace en Cd. Sahagún, Hidalgo (1985). Actualmente es estudiante de la licenciatura en la E.N.P.E.G. La Esmeralda. Cuenta con una exposición individual titulada Sopas!!!, realizada en el Centro Recreativo Xalapeño, en Veracruz, exposición que se centra en la técnica gráfica. Por otra parte ha participado en varias exposiciones colectivas, la mayoría con trabajo en dibujo, de las que resaltan: Sol y Carne, en la Galería Traeger-Pinto, México, D.F. y una Exposición Internacional de Intercambio de Arte Tokio-México, Galería La Esmeralda, México D.F.


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El fluido que respiraba por las branquias 2006 130 x 120 cm. Tinta serigráfica / Vinil $ 6,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA El dibujo, como identidad gráfica, es el medio por el que Tania Ximena expresa tan distintos encuentros. La emisión de la obra va desde lo pasivo como lo es la identificación del que mira con el que es mirado, hasta la actividad constante del encuentro con otros, pasando por la violencia de estar frente al abismo. Más no se presentan como momentos separados, sino como el camino al origen, de cuyo punto inicial se parte hacia otro modo del habitar y del ser: "allí miro a mi acompañante y su ojo es el mío, su frente se extiende por debajo de mi nariz, ante tal polifurcación de la carne el dolor se mitiga, he dejado de ser para estar, y sin embargo, todavía puedo documentarlo". Su obra representa una constante búsqueda del origen que al mismo tiempo es el comienzo de un viaje, de sombra y recuerdo... así lo endémico. "Solo queda la huella del tránsito por la vida como duda de lo vivido, Norman Mailer se pregunta ante sumergirse en Miller; ¿Cuál es la naturaleza de esa verdad que encontramos en la página?" Summer III Presto 2007 130 x 120 cm. Tinta serigráfica / Vinil $ 6,000.00 M.N.


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Oxido 2006 21 x 28 cm. tinta / papel $ 800.00 M.N.


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Miles de manos que se confunden con sábanas 2006 21 x 28 cm. Tinta / papel $800.00 M.N.

Masa en mutación 2006 21 x 28 cm. Tinta / papel $800.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Nevado 174, Col. Portales, C.P. 03300, México, D.F. C. +(55) 2218 4522 ximenavolar@gmail.com


Jimena V. Schlaepfer Prevot

De la serie La visita 3 2007 50 x 70 cm. Papel engomado y tinta negra $ 10,000.00 M.N.

Nace en la ciudad de México (1982). Siendo muy pequeña, cambia su residencia a Oaxaca realizando sus estudios en aquella ciudad. Actualmente radica en la ciudad de México y acaba de cursar el último año en la licenciatura en Artes Plásticas en la E.N.P.E.G. La Esmeralda. Es becaria del FONCA en el área de Medios Alternativos. Cursó el taller de escultura en la Academia de Beaux-Arts de Saint Josse ten Noode en Bruselas, el Taller de Dibujo de Figura Humana con la pintora Susana Walt; un curso de Fotografía en el Instituto Fotográfico Álvarez Bravo y el Taller de Pintura en la Escuela Rufino Tamayo, todos en la Ciudad de Oaxaca. Exposiciones individuales: Galería y Café La Pasión en la Ciudad de Oaxaca. Exposiciones Colectivas: Taller Rufino Tamayo; Galería y Café La Pasión; Facultad de Ciencias de la UNAM, Cd. de México; Bienal Alberto Gironella: Museo Guillermo Spratlig con el Colectivo Fierro, Taxco, Guerrero; Bienal Nacional de Arte Visual Universitario, Toluca, entre otras.


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DESCRIPCIÓN DE LA OBRA Un mundo imaginario es el que nos demuestra Jimena en su obra. Sus cuadros son la representación de pequeños fragmentos de un universo fantástico y personal; dicho de otra manera, se trata de fragmentos de una utopía propuesta por la artista. Figuras acuáticas y terrestres se trazan y emergen entre las texturas y unos cuantos colores. Sin embargo, estos seres (imaginativos y no) poseen tanta fuerza y tanta vida, que logran nacer de su espacio para rebasar los

límites que la misma Jimena les ha impuesto. La técnica utilizada es a base de papel engomado, la cual representa para la joven artista, una forma alternativa de construir una imagen pictórica que no se limita a lo bidimensional, sino que tiene la oportunidad de expandirse, de salir de los márgenes del bastidor y de adquirir volumen. Es así como la obra se vuelve mucha más esplendida, más interesante y por ende, hace más enriquecedora su experiencia visual.

Calamar. 2007 50 x 70 cm. Papel engomado y tinta negra $ 10,000.00 M.N.


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Medusa-Venado 2007 50 x 70 cm. Papel engomado y tinta negra $10,000.00 M.N.

De la serie La visita 2007 50 x 70 cm. Papel engomado y tinta negra $ 10,000.00 M.N.


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De la serie La visita 2 2007 50 x 70 cm. Papel engomado y tinta negra $ 10,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Peten 407 Col. Narvarte, México, D.F. C. +(55) 2092 4723 jimenasp@yahoo.com Galería Proyectos Monclava Frontera 96. Col Roma, C.P. 06700, México, D.F. C. +(55) 1800 4150 info@proyectosmonclova.com www.proyectosmonclova.com


Alejandro Solano Bolio Nace en México D.F (1974). Se graduó de la licenciatura en Ingeniería Mecánica por la UAM, Azcapotzalco. Actualmente estudia la licenciatura en Artes Plásticas en la E.N.P.D.G. La Esmeralda. Exposiciones colectivas: participó en Pass the world / pass the drawing, organizada por Horse Move Project Space (HMPS), Amsterdam, Holanda, enfocada al dibujo; también participó en el evento de video Polyester Prince Film & Music Rambling Road Show, en La Faena, en la ciudad de México, centrada en el video, y por último en el coloquio nacional El efecto de Nietzsche, en el Museo de la Ciudad de Querétaro, donde trabajó pintura.

The precise temperature of the darkness 2006 57 x 72 cm. Lápiz sobre papel $ 3,000.00 M.N.


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Listen 2006 53 x 80 cm. Ă“leo sobre tela Obra vendida $ 6,000.00 M.N.

3 veces 2005 38 min. 24 seg. Video $ 5,000.00 M.N.


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Is over 2005 65 x 95 cm. Lápiz sobre papel $ 3,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA "Que le hace ser humano al ser humano? no sé si es una pregunta que pudiera contestar, pero creo que se puede intentar desde varios lugares dentro del terreno del arte". Alex Bolio parte de una perspectiva especializada del objeto que le ha sido proporcionada por su formación como ingeniero mecánico. Esta visión científica delimita, cataloga y proporciona un sentido funcional a todo objeto que existe en un mundo natural y su relación con el ser humano y el espacio. Bajo esta visión, en la que ubica la funcionalidad del mundo y a la vez la estructura de la naturaleza, acaricia los límites de los objetos para darles una nueva condición. Sin embargo, la preocupación central está en la pregunta y la constante incertidumbre acerca de la ubicación del hombre bajo estos dos términos de la experiencia. El arte es para Alex Bolio, la posibilidad de rebasar las demarcaciones de los objetos para proporcionar una relación distinta con el ser humano.


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Noiseless 2006 66 x 101 cm. Lápiz sobre papel $ 3,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Norte 4, 6102, Col. Popo C.P. 11480, México, D. F. C. + (55) 2245 1254, T. + (55) 5250 4626 alex_bolio_01@yahoo.com


Benjamín Torres

Nace en la Ciudad de México (1969). Cursó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Ha participado en más de 30 exposiciones colectivas tanto en México como en Japón, E.U., Canadá y España. Cuenta, a la fecha, con 5 exposiciones individuales siendo la más reciente, Contenido Neto y sus Derivados, en la galería Art&Idea en la ciudad de Nueva York. Fue becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA en la especialidad de escultura. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México.


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Contenido Neto 2006 200 x 86 x 30 cm. (cada anaquel) vaciados en yeso $ 35,000.00 M.N. (cada anaquel con 150 piezas aprox) $ 8,000.00 M.N. (set de 24 piezas)


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DESCRIPCIÓN DE LA OBRA Benjamín utiliza la escultura figurativa para la representación de Contenido Neto. Este proyecto representa una serie de objetos cotidianos: 24 productos desiguales y multiplicados. En este caso se trata específicamente de productos de supermercado, que son reducidos a sus características básicas y desposeídos de todo color, mediante un proceso de vaciado en yeso utilizando como moldes los mismos empaques de los productos. De tal manera que el resultado final es una traducción del espacio negativo a positivo, haciendo un paralelismo entre el objeto artístico y el producto de consumo.


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DATOS DE CONTACTO: T. +(55) 5969 1353 benjamintc@hotmail.com GalerĂ­a ART & IDEA 529 W 20th street, Floor 7, New York, NY 10011 T. +(212) 462 2600 F. +(212) 462 2510 info@art-idea.com www.art-idea.com


Emanuel Tovar Nace en Guadalajara, México (1974). Obtuvo la licenciatura en Artes Visuales con orientación en escultura de la Universidad de Guadalajara. Realizó el taller Arte Contemporáneo y participó en el III Encuentro Internacional de Profesores y Estudiantes de Artes Plásticas, Cuba. Sus exposiciones son: Súper Punk, Arena México, Guadalajara y Bombiux-Tix-Tix, en el Museo Raúl, Gdl, México. Entre las exposiciones colectivas en las que ha participado están: Dicen que finjo o miento (La ficción revisada), Central de Arte en WTC Guadalajara; Sólo los Personajes Cambian, Marco, Monterrey; Declaraciones, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid y Distort, Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F. También destaca como cofundador de Clemente Jacqs.

Happy birthday to me 2007 45 x 20 x 14 cm. Plastilina epóxica $ 25,300.00 M.N.


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m rt / 155 Palo Verde 2005 6 min. 5 seg. Video $ 11,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA La intención general del artista puede señalarse en la exageración de elementos cotidianos y convencionales de la vida, contrastados con un contexto inadecuado, creado por él mismo. Igualmente se puede apreciar la configuración de personajes excéntricos en situaciones cotidianas, a través de acciones que se realizan comúnmente por personajes poco usuales, lo que genera una extraña tensión que pone en cuestión la idea preconcebida del otro. El artista experimenta también con los instantes de un motivo de convivencia, tomando imágenes y empalmándolas, buscando dar una representación general del lugar y de los personajes que, al encimarse y repetirse, generan una sutil deformación que alude a algo muy diferente de una foto panorámica. Otra expresión de contrastes, es el motivo del maquillaje y de los disfraces que son usados para encajar en los estándares de belleza preestablecidos, exagerando y llegando la evidente vanidad hasta lo más grotesco.


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La Fiesta 2007 75 x 300 cm. FotografĂ­a digital $ 38,000.00 M.N.


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La Modificada 2007 75 x 100 cm. Fotografía digital $ 23,000.00 M.N.

Sin titulo 2007 30 x 30 x 40 cm. Madera pintura vinílica $ 26,500.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Galería Charro Negro Fermín Riestra 27 C.P. 45168, Zapopan, Jalisco T. +(33) 3636 8701 maria@charronegro.com www.charronegro.com


Fabián Ugalde Habitat 2005 Tinta Vinilmate Tela plastificada 200 x 170 cm. $51,750.00. M.N.

Egresado de la E.N.P.E.G. La Esmeralda. Incursionó en distintos medios antes de enfocarse en la práctica pictórica. En agosto del 2000, Ugalde recibió el 1er. premio en la X Bienal de Pintura Rufino Tamayo y, en octubre del mismo año, un 1er. premio en el 3er. Salón de Octubre, Gran Premio Omnilife en la categoría de pintores menores de cuarenta años. Exposiciones: Cinco Continentes y Una Ciudad, Museo de la Ciudad de México; Comic Release: Negotiating Identity for a New Generation, Pittsburgh Center for the Arts, E.U.A.; MesoAmérica: Oscilaciones y Artificios, Centro Atlántico de Arte Contemporáneo, Gran Canaria, España y El Placer de lo Parecido. Signos y Metáforas, Instituto de México en Washington, Washington D.C., E.U.A.


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Hidden bombs detected 2006 Tinta Vinilmate/ Tela plastificada 150 x 150 cm. $ 40,250.00 M.N.


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160 / m rt Imported art sinking 2006 Tinta Vinilmate/ Tela plastificada 200 x185 cm. $ 57,500.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA La obra de Ugalde parte de la referencia directa con su tiempo; vivimos en una época en la cual la información se difunde a velocidades vertiginosas y esto provoca un impacto inmediato. En su obra plasma, mediante la iconografía del cartoon -conjunto de elementos gráficos simples pero de gran contundencia semántica-, una asimilación de contenidos fácilmente reconocidos a través de la interpretación, ya sea por lo llamativo a los sentidos o a la inteligencia. Sus imágenes son el producto de una selección meticulosa, que deben cumplir con una suficiente flexibilidad de lectura y a la vez de configuración inconfundible. La reivindicación gira en torno al encuentro de una capacidad significativa dentro una iconografía aparentemente bidimensional. "En este sentido, el artista, más que ir en busca de una obra neopop, está constantemente enfrentado a un problema técnico que implica llevar los temas que le interesan a un punto máximo de eficacia semántica, donde no existan excesos descriptivos pero tampoco síntesis encriptadas que impidan una lectura sencilla".


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Recuperaci贸n territorial 2006 Tinta Vinilmate/ Tela plastificada 150 x 150 cm. $ 36,800.00 M.N.

The cat walk monster 2006 Tinta Vinilmate/ Tela plastificada 180 x 180 cm. $ 57,500.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Donceles 1, Dpto. 203, Col. Centro Hist贸rico, C.P. 06010, M茅xico, D.F. T. +(55) 5521 7102 C. +(55) 3712 7676


JosĂŠ Antonio Vega Macotela

The passage of time 2007 88 x 55 cm. Collage $ 6,500.00 M.N.


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Breathing breathless 2006 88 x 55 cm. Collage $ 6,500.00 M.N.

Hearthbeat 2006 88 x 55 cm. Collage $ 6,500.00 M.N.


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164 / m rt Breathing 2006 88 x 55 cm. Collage $ 6,500.00 M.N.

Nace en la ciudad de México (1980). En el 2000 ingresa a la Escuela Nacional de Artes Plásticas donde estudia con los maestros Ulises García Ponce de León y José Miguel González Casanova, además de comenzar su instrucción externa con el pintor Manel Pujol Baladas. En el 2002 ingresa al Seminario de Medios Múltiples dirigido por González Casanova donde desarrolla proyectos multidiciplinarios y de intervención en el espacio público, enfocados a la vivencia y especulación del tiempo. Ha participado en varias bienales nacionales y actualmente se encuentra en la producción del segundo tomo del libro Medios Múltiples.


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m rt / 165 DESCRIPCIÓN DE LA OBRA "El tiempo de trabajo se concentra en la obtención de dinero, el tiempo de ocio en el consumo. El dinero se ha transformado en la representación social del tiempo por excelencia". La serie de Time Exchange tiene por objetivo la expresión del tiempo subjetivo intercambiado y sustituido. La serie se extiende a 365 actividades que simbolizan la realización de un año, mismas que quedan plasmadas en la flexibilidad del collage. Dos sujetos en cuestión plasman una misma experiencia pero vivida en diferente lugar. El tiempo aparece bajo dos ritmos distintos; uno en base a la actividad real y el otro en base al ritmo interno (corporal) de aquel que imagina la actividad, tal como el ritmo cardíaco y/o de respiración. Es así que el cuerpo humano se convierte en el medidor del tiempo a través de los latidos del corazón, la respiración y su desplazamiento en el espacio. Todo ha quedado registrado en dibujos, imágenes digitales y escultura-vestido.

Time essamblage 2006 180 x 156 x 200 cm. Ensamblaje $22,000.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Apango 1 Mz 7 Col. Berriozabal, C.P. 07180, México D.F. T. +(55) 5303 1942 asanisimas@gmail.com


Héctor Velázquez Gutiérrez Nace en la ciudad de México (1965). Asistió a la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, y posteriormente realizó estudios de escultura en la Escuela Superior de Arte de la Universidad de Berlín y en la Academia Estatal de Artes Plásticas de Stuttgart, ambas en Alemania. Ha recibido varios premios y reconocimientos. A su vez, ha presentado su obra en exposiciones, tanto individuales como colectivas, en México y el extranjero. Después de radicar unos años en Berlín, recientemente estableció su residencia en la ciudad de México.


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168 / m rt Página anterior: Beso 2002 135 x 65 x 85 cm. Yeso e hilo de algodón $ 9,200.00 M.N. Arriba: Retratos de Toumani Cámara 2003 23 x 19 x 29 cm. Yeso e hilo de algodón $ 46,000.00 M.N. Abajo: Manos de Anette Kuhn 2003 38 x 45 x 12 cm. Yeso e hilo de algodón $ 46,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA El abrumador flujo de imágenes, la información que recibimos diariamente, las nuevas tecnologías y los medios de comunicación, condicionan la relación con nuestro cuerpo. Este vínculo se restringe cada vez más debido a exigencias como oprimir teclas, ver a través de monitores o accionar diversos aparatos. Frente a un mundo virtual, la obra se ha orientado a dirigir la atención hacia el cuerpo remitiéndonos a un horizonte interior. Hector busca, que a través de su propuesta, regresemos la mirada a un principio reflexivo para reconocer su autenticidad y sus necesidades. Desde este punto, la obra se ha avocado a explorar la relación entre el cuerpo, sus sensaciones y sus sentimientos. La piel es uno de lo ejes principales de la obra, pues se le considera la contenedora de emociones y fuente de renovación emocional y psíquica, de ahí el vinculo con la imagen de Xipe Totec, dios del México antiguo, deidad de la primavera y renovación de la tierra. En la serie de piezas tituladas Topografías, la construcción, a partir de manos y brazos, crea especies de paisajesplantas-cuerpos, con los cuales se expanden los limites físicos del cuerpo y la mezcla con otros entornos.


Arriba: Gritos 2002 Medidas Variables Yeso e hilo de algodon $ 34,500.00 M.N. c / u Abajo: Retratos de María Teresa Gutiérrez y Héctor Velázquez 2003 33 x 28 x 12 cm. Yeso e hilo de algodón $ 46,000.00 M.N.

Datos de contacto: Terreno Baldío Arte Orizaba 87, Col. Roma, C.P. 06700, México, D.F. T. +(55) 2454 4013 y 14 info@terrenobaldioarte.com www.terrenobaldioarte.com Héctor Velázquez Gutiérrez velazgut@hotmail.com


Arturo Vera

Nace en la ciudad de Veracruz (1967). Estudió la carrera de Humanidades en la Universidad de las Américas, Puebla. En el 2001 incursionó en la fotografía concibiéndola como una pasión, por lo que decide estudiarla profesionalmente en el International Center of Photography de Nueva York, donde también trabajó como asistente de fotógrafos de moda y de retrato corporativo. En diciembre del 2005, el Museo de Bellas Artes de México en Chicago adquirió dos de sus fotografías y en octubre de 2006 montó su primera exposición individual en la fototeca del estado de Veracruz con sede en el puerto, con el trabajo titulado Alberca. Actualmente trabaja en una serie de retratos de mujeres indígenas.


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m rt / 171 Alberca color 4 De la serie Alberca 2006 20 x 20 pulg. Impresión cromogénica $ 20,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA: La serie "Alberca" retrata a un grupo de mujeres mayores mientras aprenden a nadar. Además de ser señoras en una piscina, para Arturo Vera representan el inicio de una exploración más amplia de la situación actual de algunos grupos de mujeres que se encuentran al margen de los relatos en los que ellas también son partícipes. Desde la percepción de este artista, la mujer ha sido la principal fuerza de cambio y de evolución en nuestra sociedad durante las últimas tres o cuatro décadas. Sin embargo, no todas las mujeres son cómplices de esta dinámica y no todas han sido reconocidas. A través de su trabajo busca documentar la vida y las actividades de estas señoras a manera de acompañar y ser testigo fiel de ese cambio que es, probablemente, el más importante que ocurre actualmente en nuestra sociedad. Alberca señora Sonia De la serie Alberca 2006 20 x 20 pulg. Impresión cromogénica $ 20,000.00 M.N.


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DATOS DE CONTACTO: Azueta 243, Col. Flores Mag贸n, C.P. 91900, Veracruz, Ver. T. +(229) 915 0090 +(984) 119 9243

Arturo Vera lady at the pool De la serie Alberca 2006 20 x 20 pulg. Plata sobre gelatina $ 20,000.00 M.N.


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Expo alberca 2.1 De la serie Alberca 2006 20 x 20 pulg. Plata sobre gelatina $ 20,000.00 M.N.

Expo alberca 2.2 De la serie Alberca 2006 20 x 20 pulg. Plata sobre gelatina $ 20,000.00 M.N.


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Gustavo Villegas Nace en México DF (1976). Ganó recientemente el Premio de Adquisición en la Bienal Arte Emergente Monterrey; Primer Lugar en la Bienal Nacional Julio Castillo en la ciudad de Querétaro; el Premio Nacional de la Acuarela Guati Rojo, México D.F y dos menciones honoríficas en Colima y Guadalajara. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas. Sigue explorando la temática urbana, especialmente el paisaje y las historias que se narran en ello. Disciplinado artista con una alta producción, es invitado a exponer en el 2007 en Gotemburgo, Suecia y Nueva York. Actualmente reside y trabaja en Querétaro.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA Este artista pinta óleos sobre tela y madera, retratos y paisajes urbanos que revelan su afán por llamar la atención hacia temas como la discriminación o el existencialismo que imponen las urbes, desde situaciones vitales cotidianas. Cuando Villegas pinta paisaje urbano y retratos persigue una finalidad: plasmar el paisaje externo e interno del ser humano, quien suele ser el centro de la composición o la composición misma. Los elementos son una especie de escenografía que sustenta al principal personaje de todas las obras de Villegas, con la simplicidad de la presencia de "cualquiera". Su formación como diseñador contribuye al proceso técnico: a partir del primer boceto por computadora, en el manejo y aplicación de los colores sobre las telas y las maderas, en el uso de los materiales y en la forma de expresarse plásticamente. Pero, junto al diseñador, está su convicción de artista que trasciende la técnica con su hondura expresiva. Mediante formatos fragmentados expresa el carácter inconexo de la sociedad. A través una conjunción de encuadres -medium shots y sobre todo en extreme close-up-, nos cuenta la historia de la gente.


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Ser…¿o no? del 5 al 25 2006 114 x 114 cm. Óleo y gráfito sobre lámina emuslionada para impression en offset $ 28,000.00 M.N.


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Amén 2006 120 x 160 cm. Óleo sobre tela $ 36,500.00 M.N.


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Cautela 2006 40 x 160 cm. Óleo sobre tela $ 18,000.00 M.N. Sra. Celofán 2006 40 x 160 cm. Óleo sobre tela $ 18,000.00 M.N. Más allá del significante SIS 23 2006 90 x 130 cm. Óleo y vinil sobre lámina galvanizada $ 20,250.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: Loma de San Juan 6, Loma Dorada, C.P. 76060, Santiago de Querétaro, Querétaro. T. +(442) 2953 743 C. +(442) 1222 466 gustavo@gustavovillegas.com www.gustavovillegas.com


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Cynthia Yee Nace en Chihuahua, México, (1982). Es licenciada en Artes Plásticas de la E.N.P.E.G. La Esmeralda, y cuenta con estudios en comunicación visual. Exposiciones individuales: El amor infinito, Pintura, Bar La Vorágine. México D.F, y 3 fines de semana en el Chopo, Pintura, Tianguis cultural del Chopo. Exposiciones colectivas: Pass the word - pass the drawin’ - A drawing exhibition, organizado por The Horse Move, Project Space (HMPS), Ámsterdam; D.I.Y; mass-media: los videos, Video-instalación dentro del marco del FAME Foro sobre Arte y Medios Electrónicos, Galería Hilario Galguera y Colectivo CADUCO, campaña de stickers.

Ensamble de la serie "Polaroids de mis Idolos" 2006 Medidas variables Fotografía Polaroid $ 2,000.00 M.N. Siguiente Página: S/T 2006 31 x 35 cm. Acrílicos $ 2,500.00 M.N.


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Reliquia # 2 2006 135 x 92 cm. Lápices de colores sobre tabla $ 3,000.00 M.N.

DESCRIPCIÓN DE LA OBRA Su obra, constituida principalmente por el dibujo, la fotografía y el video, relata una construcción personal a través de sus imágenes favoritas relacionadas con el Rock and Roll y sus ídolos: "La música y el 'fandom' a la par de la experiencia religiosa: La contemplación y el deseo, como uno de los ejes centrales de la obra". Transitando por una tradición musical y la cultura

del mass-media, con el soporte recurrente en T-shirts y stickers, toca temas tan diversos como el dolor, el deseo o el poder de la contemplación, "dónde estas imágenes se vuelven reliquia". Cynthia Yee logra plasmar imágenes que rebasan los contenidos habituales de los espacios comunes y expresan su cualidad distintiva.


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Pastel # 6 2007 29.5 x 41.5 cm. Lรกpices de colores sobre papel $ 1,500.00 M.N.

Pastel # 12 2007 41.5 x 29.5 cm. Lรกpices de colores sobre papel $ 1,500.00 M.N.

DATOS DE CONTACTO: T. +(55) 3408 5798 cynthia_yee_amezaga@yahoo.com ediciones_menta@yahoo.com


Exposiciones temporales Cyberlounge arte electrónico Panorámica cine / video Intersticios obras de sitio específico Noches de jazz y Turibus caja de herramientas actividades y recursos para enriquecer tu experiencia en el museo Centro de documentación Tienda | Café Horario del museo Martes a domingo, 10:00 a 18:00 horas Fotografía Gerardo Peña

Paseo de la Reforma y Gandhi s/n Bosque de Chapultepec México, D.F., 11580 Tels. (5255) 5286 6519 (5255) 5286 6529 Fax: (5255) 5286 6539 www.museotamayo.org info@museotamayo.org


FORO UNIVERSAL

SUPERFICIE: 463.77 MTS ALTURA: 11 MTS CAPACIDAD: 1000 PERSONAS

GALERÍA

GALERÍAS: dr. atl mario orozco rivera SUPERFICIE: 314 MTS CUADRADOS ALTURA: 5 MTS CAPACIDAD DE OBRA: 90 EN FORMATO MEDIO ILUMINACIÓN: NATURAL Y ARTIFICIAL PUNTUAL DE 50 A 300 LUX

ESPACIOS

ALTERNOS

DIRECCIÓN CULTURAL: dircultura@polyforumsiqueiros.com.mx sereducativos@polyforumsiqueiros.com.mx polyforumkids@polyforumsiqueiros.com.mx

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Mart 2007-2008  

Selección de artistas emergentes para nuevos coleccionistas.

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