GREAT THINGS //SMALL DOSES
Great Things // Small Doses verkent de veelzijdigheid van het kunstenaarschap. Niet alleen schilderkunst, maar ook sculpturen worden tentoongesteld. Wat deze expositie uniek maakt, is dat het artistieke proces van de deelnemende kunstenaars heeft geleid tot werken die niet eenduidig zijn gedefinieerd als puur schilderkunst of beeldhouwkunst. Ze belichamen eerder de grenzeloze mogelijkheden die ontstaan wanneer kunstenaars traditionele genres durven te overstijgen. Het resultaat is een internationale groepstentoonstelling met een gevarieerde inhoud, die een breed publiek van kunstliefhebbers met verschillende wensen en verwachtingen zal aanspreken.
De geselecteerde kunstwerken voor Great Things // Small Doses variëren niet alleen in medium en genre, maar behandelen ook diverse onderwerpen, zowel op klein als groot formaat. Thema's variëren van de filosofie van perceptie en diepgaande interesse in de natuur tot een onderzoek naar beweging, de betekenis van duurzaamheid en zelfs een verkenning van het schilderkunstige proces zelf.
COVA Art Gallery nodigt u van harte uit om deze nuances en meer te ontdekken in een diverse tentoonstelling die, net als het leven zelf, de prachtige dingen in kleine hoeveelheden aanbiedt.
RIIKKA HYVÖNEN
Riikka Hyvönen, geboren in 1982 in Rovaniemi, Finland en momenteel woonachtig en werkzaam in Londen, is geïntrigeerd door het ter discussie stellen van vanzelfsprekende waarheden, waarbij ze haar kunst beschouwt als het ideale middel hiervoor. Dit besef kwam onverwachts op een bepaald moment, na een aantal omzwervingen, toen ze zich realiseerde dat ze altijd al kunstenaar had moeten zijn. Haar diepgewortelde interesse in verschillende culturen, waaronder de popcultuur, vormde een vruchtbare basis voor het ontdekken van haar artistieke talenten. Hyvönen's bewonderenswaardige doorzettingsvermogen stelde haar in staat om van haar passie haar beroep te maken.
Een van Hyvönen's uitdrukkingen van interesse in culturele diversiteit komt tot uiting in haar documentatie van roller derby, een van de weinige full-contact sporten die voornamelijk door vrouwen worden beoefend. In de roller derby-subcultuur worden kneuzingen en blauwe plekken op een totaal andere manier gewaardeerd dan daarbuiten; ze worden beschouwd als tekenen van trots, als onderscheidingen of liefdevol als 'derby love kisses'. Het delen van foto's van deze 'onderscheidingen' is essentieel binnen de digitale cultuur die verbonden is met deze relatief onbekende sport, omdat gekneusde billen gezien en openlijk bewonderd moeten worden.
Het is deze gedeelde, feministische geest van de sport die indruk maakte op Hyvönen en haar inspireerde om in 2015 te beginnen met haar onverwacht delicate, en misschien zelfs sexy, portretten van echte atleten. Deze vrouwen worden, in de woorden van Hyvönen zelf, volledig geobjectiveerd, maar op dezelfde manier waarop ze dat zelf, buiten het veld en via hun foto's, ook doen.
Hyvönen's kunstwerken balanceren tussen schilderkunst en beeldhouwkunst en weerspiegelen haar onderzoek naar de psychologische betekenis van blauwe plekken en de huid in de roller derby-subcultuur.
Hyvönen is bijzonder gefascineerd door de huid vanwege haar dubbele rol als fragiel en beschermend orgaan, dat zowel tijdelijke als blijvende sporen van onze levenservaringen draagt. Met behulp van materialen zoals hout, MDF, leer en glitter legt Hyvönen de kneuzingen en blauwe plekken vast op doek, waarbij ze even indrukwekkend en kleurrijk zijn als op de huid zelf.
Hyvönen studeerde af aan de Hyvinkää Art School in Zuid-Finland. Ze zette haar studie voort aan Goldsmiths College, University of London, waar ze in 2015 haar Bachelor of Fine Art behaalde. In 2018 voltooide ze haar Master of Fine Arts aan de Academy of Fine Arts in Helsinki. Haar kunstwerken zijn eerder tentoongesteld in zowel solo- als groepsexposities in Finland, Engeland, België, Duitsland, Frankrijk en de Verenigde Staten, en ze heeft deelgenomen aan kunstbeurzen zoals de London Art Fair, Art Helsinki en Contemporary Art Now Ibiza. Haar werk is opgenomen in diverse museale collecties.
TUESDAY BRUISEDAY
80 x 110 x 18 cm
Gemengde techniek, leer, hout 2021
THE RADDEST BRUISE I EVER HAD
80 x 100 x 15 cm
Gemengde techniek, leer, hout
MARTIN KACMAREK
Geboren in 1996 in Spišská Nová Ves, Slowakije, verkent Martin Kačmarek in zijn schilderkunst de subtiele verschillen tussen 'buiten leven' en 'buitenleven'. Terwijl 'buiten leven' verwijst naar de actieve handeling van het leven in de buitenlucht, benadrukt 'buitenleven' juist alles wat zich daar afspeelt - aan de andere kant van de gebouwde muren - en vraagt eerder om observatie dan om participatie.
Deze twee concepten komen duidelijk naar voren in Kačmarek’s schilderijen. De actie van 'buiten leven' weerspiegelt zich in zijn keuze van technieken en materialen, zoals acrylverf, olieverf en spray paint. Deze zijn het resultaat van zijn frequente schildersessies en plein air, waarbij vooral het gebruik van spray paint voor graffiti een interactie met de omgeving symboliseert.
Aan de andere kant wordt het 'buitenleven' in zijn werk vertegenwoordigd door thema's zoals de natuur, haar bewoners en bewerkers. Deze elementen dienen als een registratie van het leven buiten de gebaande paden, en domineren zijn schilderijen als een eerbetoon aan de natuur, haar bewoners en bewerkers.
FARMERS PORTRAIT 2
6O × 6O cm
FARMERS PORTRAIT 1
60 × 60 cm
Acrylverf & airbrush op linnen 2022
Acrylverf & airbrush op linnen 2022
Hoewel Kačmarek een voorliefde heeft voor het buitenleven, betekent dit niet dat hij een afkeer heeft van het moderne. Integendeel: digitale media en graphics zijn een dankbare bron van inspiratie voor de kunstenaar en zijn duidelijk terug te vinden in zijn beeldtaal. De gezichten van zijn afgebeelde figuren roepen herinneringen op aan vroege videogames, maar roepen tegelijkertijd ook associaties op met tronies, de historische portretstudies van anonieme modellen.
Kačmarek’s gebruik van acrylverf, olieverf en spray paint resulteert in humoristische afbeeldingen die op speelse wijze de sociaal geaccepteerde of geconditioneerde esthetische normen ter discussie stellen. Vorm, compositie, kleur, structuur en representatie worden uitvoerig onderzocht binnen het spectrum van het verfmedium, zonder beperkingen door conventies in uitvoering of thematiek. Het resultaat zijn verrassende kunstwerken die getuigen van een onbevangen, maar oprechte interesse in alles wat zich buiten afspeelt, en in eenieder die hierbij betrokken is.
Martin Kačmarek behaalde zijn diploma in 'Promotional Art' aan een secundaire school voor houtbewerking, waar hij leerde ontwerpen voor tentoonstellingen en commerciële ruimtes. Na een tussenjaar schreef hij zich in aan de kunstacademie in Banská Bystrica, Slowakije, waar hij afstudeerde. Zijn kunstwerken zijn eerder tentoongesteld in verschillende solo- en groepsexposities in Slowakije, België, Duitsland en de Verenigde Staten. Ook nam hij deel aan kunstbeurzen zoals Contemporary Art Now Ibiza en Estampa Contemporary Art Fair Madrid.
SANDER REIJGERS
Sander Reijgers, geboren in 1977 in Alphen aan den Rijn, creëert kunstwerken die het resultaat zijn van een langdurig proces, uitgevoerd met veel geduld en toewijding. Zijn werken bestaan uit gekleurde oppervlakken die vele lagen verf bevatten en vanwege hun individuele droogtijden een tastbare geschiedenis vormen die vaak meerdere jaren teruggaat.
Reijgers' werk onthult een fascinatie voor materiaalgebruik en schilderkunstige handeling, waarbij kenners wellicht verwijzingen zien naar de action painters van het abstract expressionisme. Binnen deze stroming is de fysieke handeling van het schilderen het uitgangspunt, waarbij het kunstwerk dient als een herinnering aan de actie van de kunstenaar in tijd en ruimte, eerder dan een afbeelding op zich. Reijgers' composities kunnen worden gezien als tijdcapsules die het creatieve proces documenteren, maar verschillen op het punt van spontaniteit en het werk van action painters; zijn creaties komen juist voort uit zorgvuldige overwegingen.
Oppervlak, verfmedium, kleur en tijd zijn de variabelen die leidend zijn in Reijgers' kunst en die de letterlijke én figuurlijke kaders vormen waarbinnen hij opereert. De natuurlijke wisselwerking tussen deze factoren resulteert in structuren die typerend zijn voor zijn werk en vereisen dat hij zich vrijwillig overgeeft aan hun autonome interactie. Zijn composities zijn niet alleen het product van zijn eigen acties, maar ook van de inherente eigenschappen van de gebruikte materialen en de omstandigheden waarin ze worden toegepast.
De organisch gegroeide constructies van Sander Reijgers nodigen de beschouwer uit om op een vernieuwende manier naar schilderkunst te kijken. Niet alleen het oppervlak aan de voorzijde van het doek trekt onze aandacht, maar ook de randen en zijkanten zijn essentieel voor een volledig begrip van Reijgers' creatieve proces. Hiermee wordt het traditionele, centrale beeldvlak van het schilderij uitgebreid met de 'periferie', die van even groot belang is. De driedimensionaliteit van het werk overstijgt bovendien de traditionele grenzen tussen schilder- en beeldhouwkunst. Reijgers manipuleert zijn schilderkunstige materiaal bijna als een plastisch medium, dat zich niet alleen in hoogte en breedte laat vangen, maar ook in diepte, resulterend in een excentriciteit die zich uitstrekt naar alle delen van de ruimte.
Sander Reijgers behaalde zijn Bachelor of Fine Arts aan de Hogeschool voor de Kunsten Utrecht (HKU) in 2006 en voltooide in 2014 zijn opleiding tot eerstegraads docent beeldende kunsten. Zijn werk is eerder tentoongesteld in diverse solo- en groepsexposities in Nederland, Duitsland en de Verenigde Staten, en heeft deelgenomen aan kunstbeurzen zoals Art Rotterdam, PAN Amsterdam en Art The Hague.
x 40 cm
30
Acrylverf op linnen 2022 DAGBOEK 1
30 x 40 cm
op linnen 2022
Acrylverf
DAGBOEK 2
30 × 40 cm
KONSTANTIN BENKOVICH
Konstantin Benkovich, geboren in 1981 in Volkhov, een dorp nabij SintPetersburg, studeerde af aan de Stieglitz State Academy of Art and Design in 2007 met een specialisatie in Artistieke Metaalbewerking. Inmiddels daagt Benkovich met zijn werk de gevestigde orde in de kunstwereld uit.
Waar individuen als Jeff Koons en Damien Hirst worden bewonderd in de kunstscene, kiest Benkovich voor verzet. Terwijl genoemde kunstenaars wereldwijd lof ontvangen voor hun briljante productieteams, innovatieve technieken en dure materialen, excelleert Benkovich juist op een conceptueel niveau met eenvoudige materialen. Zijn vermogen om andere kunstenaars op het gebied van compositie te overtreffen is opvallend.
De laatste jaren stonden in het teken van grote projecten en museale exposities voor Benkovich. Zo wist hij in 2017 de aandacht te trekken met het gewaagde project Dog Koons, recht voor het Russisch Museum in Sint-Petersburg. Deze sculptuur, gemaakt van staaldraad, vormde een tegenhanger van de welbekende Balloon Dog-kunstwerken van Jeff Koons.
Naast dit succes is Benkovich actief op verschillende locaties in Europa, zoals Montenegro, waar hij projecten uitvoerde in Kotor en Budva. In samenwerking met Pussy Riot en andere bekende Russische artiesten en kunstenaars nam hij eind 2017 deel aan de groepsexpositie Russian PostSoviet Actionism in Saatchi Art Gallery in Londen.
Gezien de gerenommeerde status van deze galerie in de wereld van de hedendaagse kunst zijn de toekomstverwachtingen hooggespannen voor Benkovich. Hoe zal zijn conceptuele werk zich ontwikkelen? En in hoeverre kan het materiaal waarmee hij werkt de beschouwer esthetisch uitdagen? Deze vragen zullen de komende jaren worden beantwoord en COVA Art Gallery houdt zich graag aanbevolen om u op de hoogte te houden van deze ontwikkelingen.
30 x 30 x 40 cm
Staal
20 x 25 x 20 cm
Staal 2016 SKULL
TYCHO VAN ZOMEREN
Tycho van Zomeren (1989), woont en werkt in Utrecht, en maakt kunst waarbij licht en ruimte onmiskenbare elementen zijn. Dat ervaar je direct bij een bezoek aan het atelier van Van Zomeren. Een warm welkom in een onverlichte gang kondigt al aan wat volgt: een ruimte met hoge plafonds, badend in helder daglicht en ogenschijnlijk opgeruimd. Hier, in deze serene omgeving, creëert de kunstenaar met zorg zijn werk, waarbij geen detail aan het toeval wordt overgelaten. De helderheid van licht en ruimte vertaalt zich naar een doortastende werkwijze. Kleuren, vormen en composities worden zorgvuldig afgewogen en pas tot leven gebracht wanneer ze voldoen aan de visie van de kunstenaar.
Het rustige, serene atelier biedt niet alleen letterlijk, maar ook figuurlijk ruimte aan het creatieve proces van Van Zomeren. Deze omgeving vormt een ideale voedingsbodem voor zijn uitzonderlijke kunst. Licht en ruimte zijn niet alleen praktische elementen van de werkruimte, maar dringen ook door tot de doeken van de kunstenaar. Dit wordt duidelijk in Van Zomeren’s recente serie, waar donkere silhouetten tegen kleurrijke, bijna lichtgevende achtergronden contrasteren. De scherpe contouren van de silhouetten steken af tegen de grenzeloze, kleurrijke ruimte, wat een intrigerende en dynamische spanning creëert.
70 x 60 cm
Acryl & olie op linnen
2022
FOREGLOW 2
MAXIM WAKULTSCHIK
Het werk van Maxim Wakultschik, geboren in 1973 in Minsk, Belarus, kenmerkt zich door een wiskundige precisie, waarbij hij uit de chaos van vrijstaande elementen formele regelmaat creëert. Zijn complexe en gelaagde objecten spelen een prachtig spel met licht en schaduw, wat altijd een centrale rol heeft gespeeld in de beleving van zijn kunst. Het eindresultaat is een kleurrijke en ruimtelijke weergave van de realiteit, die verandert naarmate de kijker verschillende standpunten inneemt. Dit moedigt een proactieve benadering en interactie met het kunstwerk aan.
Op elfjarige leeftijd begon Wakultschik zijn kunstopleiding aan het WitRussische Lyceum van de Kunsten, waar hij de grondbeginselen van de klassieke kunst leerde. Zijn interesse in het Duitse expressionisme werd al vroeg gewekt, wat hem ertoe bracht om als student kennis te maken met de stad Düsseldorf. Na een jaar als uitwisselingsstudent in Düsseldorf te hebben doorgebracht, besloot Wakultschik zich in deze stad te vestigen. In 1992 begon hij zijn studie aan de Kunstacademie van Düsseldorf, waarna hij zich ontpopte tot een gevierd kunstenaar.
Vanaf 1994 begon Wakultschik reliëfs te verwerken in zijn kunst, wat sindsdien als een rode draad door zijn carrière loopt. Deze techniek, waarvoor hij grote bekendheid verwierf, blijft terugkomen in zijn series. Zijn carrière kreeg een boost en zijn stijl kreeg steeds meer een eigen vorm. Zijn naam is binnen de Duitse grenzen bekend en wordt steeds meer internationaal gewaardeerd.
Maxim Wakultschik houdt zich voornamelijk bezig met de rigide grenzen van klassieke afbeeldingen. Zijn uitbreidingen op het klassieke beeld omvatten vaak structuur en object-achtige elementen, die het klassieke beeld transformeren tot een modern geheel. Door verschillende technieken en materialen te gebruiken, zoals olie- of acrylverf in combinatie met hout, papier, glas en metaal, creëert hij unieke kunstwerken. Het belangrijkste thema in zijn werk zijn gezichten, die worden gepresenteerd als schilderijen, objecten en reliëfs.
20 x 20 x 9 cm
Gemengde
lak op hout 2022 I SAW HER ONCE BEFORE
media,
20 x 20 x 9 cm
Gemengde media, lak op hout 2022 LIPS
35 x 22 x 9 cm
Gemengde media, lak op hout
2022
LICIA
ZDENEK KONVALINA
Zdenek Konvalina (geboren in 1979, Brno, Tsjechië) is een multidisciplinaire kunstenaar die internationale erkenning heeft gekregen als performing artist en later in zijn carrière zich ontwikkelde in abstract-expressionistisch schilderen. Als het werk van Konvalina in één woord moet worden beschreven, dan zou 'beweging' het meest passend zijn. Zijn carrière als één van 's werelds meest vooraanstaande dansers heeft hem een diep begrip gegeven van het belang van subtiliteit en nuance, eigenschappen die een belangrijke rol spelen in zijn artistieke werk. Konvalina's kunst is geworteld in sociale observaties en persoonlijke ervaringen, die de aandacht van de kijker trekken door geleidelijke beweging.
Deze beweging evolueert subtiel in kleur en diepte, versterkt door het polariserende effect van licht en kleur.
Door het gebruik van spray paint als dominante methode krijgen Konvalina's kunstwerken een vluchtige kwaliteit. De resulterende driedimensionale effecten stimuleren niet alleen optische beweging, maar dagen de kijker ook uit tot fysieke beweging. Het werk van Konvalina straalt een rigoureuze en gedisciplineerde training uit van perfect gechoreografeerde bewegingen en vormen. Hoewel zijn kunst soms lijkt te berusten op toeval, zoals een dans die op toevalligheden lijkt te rusten, onthullen zorgvuldig aangebrachte lijnen op het doek onmiskenbaar een voorbedacht plan.
Met een nieuwsgierigheid naar de huidige invloeden op onze samenleving – van digitalisering en internetcultuur tot veranderende omgevingsfactoren – stelt Konvalina zich de vraag hoe we ons als mens aanpassen en of we in staat zijn om de kernproblemen van de huidige maatschappij te benoemen en aan te pakken. Geïnspireerd door de zoektocht naar harmonie en balans, streeft de kunstenaar naar inspiratie, reflectie en introspectie bij de kijker. Dit alles doet Konvalina terwijl hij de kijker aanspoort om de essentie van het huidige moment te waarderen.
DRAWING TO SEE
Gemengde techniek op linnen 2022
DRAWING TO REMEMBER
60 x 50 cm
Gemengde techniek op linnen 2022
60 x 50 cm
DRAWING TO THINK
60 x 50 cm
Gemengde techniek op linnen 2022
CASPER BRAAT
Casper Braat (1991), woont en werkt in Amsterdam en presenteert met zijn werk het alledaagse als pure extravagantie, gedreven door zijn fascinatie voor de consumptiemaatschappij. Ongeacht waar men zich bevindt, is consumptie diepgeworteld in het dagelijks leven. Gemak wordt boven alles gewaardeerd in onze maatschappij, aangewakkerd door een verlangen naar luxe en een obsessie voor het nieuwe. Merken en bedrijven domineren en vormen grotendeels de wereldwijde kapitalistische cultuur.
Braat's sculpturen en installaties verheerlijken het alledaagse door het gewone op een voetstuk te plaatsen. Monumentaal van materiaal, zijn Braat's werken gemaakt om eeuwig te blijven bestaan, als herinnering aan de overdaad van het heden voor toekomstige generaties. Technisch scherp en met oog voor detail, lijken Braat's sculpturen, installaties en films perfect gepolijst aan de oppervlakte. Echter, deze subliem statische weergave van de realiteit fungeert slechts als spiegel voor de toeschouwer. Onder dit gepolijste oppervlak is de problematische aard van onze toegeeflijke cultuur duidelijk zichtbaar en nodigt de toeschouwer uit om te wachten tot hun reflectie barst. Door gebruik te maken van klassieke productiemethoden, met nadruk op handwerk en het gebruik van materialen zoals marmer en goud, verheft hij het alledaagse tot het iconische.
Zijn motto? Laten we onze gecommercialiseerde wereld vieren, inclusief alle gebreken, althans zolang we kunnen.
2020 COFFEE MAKER
x 50 cm
2020 IRON
60 x 50 cm
60
Carrara marble
Carrara marble
