Coup vol.1 número 4. Éxtasis

ÉXTASIS 27 de Febrero de 2021; Éxtasis; Volumen 1, número 4

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Indice

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04 Marihel Dennisse Jiménez Díaz

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CARTA EDITORIAL

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Francisco Caviedes (México)

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Conejo Muerto (México)

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Juan Carlos Astudillo Sarmiento (Ecuador)

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Sonam Jain (India)

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Bransha Gautier (Austria)

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Carmen Elena Casas Nieto (España)

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“Para llevar aquí o para ir comiendo” Por Carmen Casas

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Epifanía Psytrance Por Daniel Carpinteyro

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Call of papers

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Publicación de obra artística y diseño

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Call for artistic work

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GALERÍA

DIALOGO

LITERATURA

CONVOCATORIAS

Coup - Revista digital se terminó de editar el día 27 de Febrero de 2021 Cd. De Puebla - Cd. De México Áreas de interés de la revista: Artes y otras disciplinas, sociología, pedagogía en arte y diseño, filosofía

Éxtasis lo sublime en el arte Por M. Jiménez Díaz

DIRECTORIO

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Nervios ópticos del otro lado de la pantalla:

Autor: Francisco Caviedes Fotografía creada exclusivamente para la revista

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CARTA EDITORIAL

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omo siempre es un gusto saludarlos, estamos comenzando un nuevo año y nos da mucho gusto presentar nuestro número Éxtasis. Pero antes que nada queremos despedir con mucha tristeza a dos de nuestros fundadores de nuestra amada revista COUP, quienes han decidido salirse del proyecto por razones personales y laborales, reduciendo su participación a ser colaboradores, de modo tal que, el Coeditor Daniel Carpinteyro nos compartirá algunos de sus poemas, ensayos u otros trabajos en nuestros números, separándose de la línea editorial por el momento.

También Areli Rodríguez quien fuese encargada de la difusión, promoción y community manager pasará a ser a ser colaboradora con algunas ilustraciones para nuestros futuros números. Es una noticia que afrontamos de la manera más positiva para no detener nuestras publicaciones y seguir ofreciéndoles contenido de calidad y novedoso.

Por otro lado, queremos ofrecer una disculpa a todos nuestros lectores, investigadores y artistas que han participado con nosotros en números anteriores, ya que a causa de nuestras agitadas vidas laborales, las Marihel Dennisse Jiménez Díaz

Editora

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publicaciones han presentado algunas carencias, que estamos corrigiendo exhaustivamente en nuestra línea editorial, sin embargo les decimos que todas sus participaciones se reunirán con el cuidado correspondiente en nuestro futuro número que se llamará Fe de erratas, el cual publicaremos en cuanto tengamos nuestros respectivos derechos de autor, mismos que nos encontramos gestionando. Por lo cual les pedimos que tengan un poco de paciencia, ya que serán corregidos y publicados en forma adecuada. También les queremos decir que sufriremos algunos cambios en el transcurso, sin perder nuestra línea de trabajo que es siempre presentar contenido relevante y de calidad para seguir ampliando los panoramas del arte, de igual modo lograr que más artistas sean vistos y su trabajo reconocido. Sin más queremos agradecerle a cada uno de ustedes que nos acompañan en cada publicación y a nuestros nuevos lectores, artistas e investigadores que confían en nosotros para la publicación de sus trabajos y nos ayudan a ampliar nuestros horizontes, debido a que cada vez llegamos a público de diferentes nacionalidades interesados en participar en nuestro pequeño espacio de divulgación artística y teoría del arte.

con esculturas que por medio de la forma abstracta muestra la relación entre el material y las relaciones interpersonales y familiares. De Viena, Austria Bransha Gautier, presenta obras que, si bien su colorida paleta es interesante, sus imágenes envueltas en un torbellino de color tienen mucho que decir aunado a las expresiones de sus rostros, la frescura de las imágenes nos invita a la contemplación. De la Mancha, España Carmen Casas quien reside actualmente en la ciudad de México, nos regala el placer de la comida aunque más bien sería la evidencia de lo que fuese una deliciosa comida, sus obras nos remiten a esos momentos simples de la vida acompañados de comida, ruidos, risas y discusiones que compartimos con familiares, amigos y en algunas ocasiones con desconocidos; sin olvidar la critica que realiza a los procesos de producción de la industria alimenticia, que causan daños en nuestros organismos, en el medio ambiente y la invisibilización de la obra de mano.

En este número abordamos el tema del “Éxtasis” para el cual hemos realizado una meticulosa investigación de cómo se concibe esta sensación en el arte, por lo cual nuestra presente publicación expresa que el embeleso abarca muchas emociones, la mayoría de ellas importantes para la producción artística que se ven replicadas algunas veces en los espectadores al mismo tiempo que el éxtasis no solo está enfocado hacia lo positivo de las emociones, también puede ser ocasionado por el trauma, el dolor e incluso el sufrimiento del otro y que se encuentra estrechamente vinculado al placer visual que este nos pueda proporcionar.

En esta ocasión nuestra portada es una fotografía del fotógrafo Francisco Caviedes originario de la ciudad de México, al igual que encontraran otras fotografías que nos hablan del encanto femenino y la sensualidad, las texturas presentadas acompañadas de las poses, están enfocadas a la belleza y glamour, haciendo hincapié en que la sensualidad femenina es algo que se puede obtener sin muchas pretensiones, de igual manera en galeria contamos con la participación del “Conejo Muerto” quien acepto realizar una ilustración para nuestro número. Desde Cuenca, Ecuador, Juan Carlos Astudillo Sarmiento; mediante la fotografía muestra las variaciones de lo común, los espacios en que habitamos, la realidad económica e incluso la presencia inaudita del abandono, que se hace presente en casas, calles y personas. De Chandigarh, India contamos con la participación de la artista Sonam Jain quien participa 6

En la sección de diálogo encontrarán el texto "Para comer aquí o para llevar" de Carmen Casas en la que nos cuenta parte de su experiencia creativa. El poema de esta ocasión de la sección de literatura, nos habla de las epifanías que se presentan en un momento determinado cuando una persona entra en un viaje inducido por sustancias psicotrópicas, en donde el deseo y la figura femenina se ven transfigurados en paisajes, que terminan en esa sensación de nausea, muy parecida a la que en muchas veces se siente en diferentes momentos de la vida.

Sin más, deseamos que este número los deleite, les toque sus fibras sensibles al leer y contemplar el trabajos de los artistas que se presentan aquí, de igual manera, proporcione un panorama diferente sobre lo sublime del arte y su éxtasis.

La editora.

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ÉXTASIS Lo sublime en el arte

Por: M. Jiménez Díaz

“[…]La idea de une epifanía como creación: si bien podemos experimentar fugazmente el encanto epifánico, solo el arte nos permite comunicarlo a los otros, es más; la mayoría de las veces solo el arte lo hace brotar de la nada, dando un significado a nuestras experiencias” (Eco 2010)

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omo artista y creadora, puedo dar testimonio de que existe un momento perenne en la vida de los artistas, y es, ese momento sublime del éxtasis que nos envuelve cuando concluimos una pieza, es una sensación maravillosa que es complicado describirla, sin embargo, para que se tenga una idea más clara es parecido a esos momentos que te dejan sin aliento. Este relámpago emocional que te fulmina se ha vinculado filosófica e históricamente al arte pero, sobre todo al creador como ente hacedor de arte, no obstante, este arrebatamiento de emociones que muchas veces no podemos explicar, debido a que pasan por múltiples facetas durante la creación, que van desde la frustración hasta el silencio mental, de esta serie de emociones lo que sin duda se busca ocasionar en los espectadores, es el momento de silencio mental, del arrobamiento ante lo que están viendo, la sensación de lo sublime, en sus diferentes modalidades. Infortunadamente el espectador no siempre es golpeado por esa sensación cuando se enfrenta a una obra, incluso uno mismo cuando es asistente a exposiciones y consumidor visual del arte, no siempre logramos sentir un momento de embelesamiento ante la creación de otro, algunas veces caemos en ese momento incomodo de la

extrañeza y considerando que eso puede ser una emoción perceptual interesante, debido a que normalmente la mayoría de las muestras pasan entre la indiferencia y esa sensación de no haber visto nada, así que es normal que el público quien no es participe de la creación de una pieza de arte no logre sentir o ver algo cuando tiene un acercamiento de este tipo.

Esto puede ser consecuencia de varias cosas, algunos de estos factores son el entorno cultural y visual al que se enfrentan las personas día a día, la búsqueda de la inmediatez, la falta de bagaje cultural, puesto que muchos se quedan en el campo visual del consumo sin escudriñar más opciones que lo que les aparece indicado en plataformas que a la mayoría de las personas les gusta, por otro lado vivimos en sociedades que con el uso de internet tenemos una exorbitante información visual, que van desde imágenes estereotipadas hasta películas que buscan captar la atención de las personas dentro de los primeros minutos, si no esta se vuelve lenta, aburrida y se pierde todo el interés de lo que se ve en la pantalla, lo que promueven las plataformas de comunicación; e incluso las altas expectativas que se generan entorno a una película, una imagen, una muestra de arte o un suceso esperado; las que casi

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siempre son insatisfechas, sumando a la necesidad de que se debe de seducir de primera instancia la atención sin presentar tantos problemas de comprensión del significado. Es decir “a través de la percepción podemos captar e interpretar la realidad.

Nuestro conocimiento del mundo no va a depender sólo de la suma de sensaciones […], sino también de las asociaciones significativas que realizamos con cada una de ellas y según nuestra experiencia previa” (Roberto Aparici 2006), por lo tanto, nuestra percepción ante una imagen determinada y nuestras sensaciones frente a ellas de alguna forma están condicionadas a todo lo anterior. A causa de ello es que muchas veces no sentimos ese embelesamiento cuando nos enfrentamos a una obra de arte, ya que no logra rozar nuestras fibras sensibles que se encuentran debajo de muchas ideas preconcebidas entre otros factores, debido a que la imagen puede ser tan común que ya pierda toda capacidad de impresionar o simplemente no tenga la fuerza para llamar nuestra atención.

y posteriormente un personaje importante de la Bauhaus Alemana, pero, ¿qué pasa cuando las obras que observas te dejan esa sensación de que hizo falta algo más? Dicha percepción que tuve al salir de la sala puede ser fabricada por diferentes factores, ya que al ingresar en una sala en la cual te indican como debes de realizar el recorrido, el ambiente tan controlado, incluyendo los textos e información presentada, pareciendo más una exposición de archivo histórico que de obra, justo para cubrir la carencia de estas. Todo ello en lugar de ocasionar una sensación agradable o el deleite visual en el espectador ocasiona que se caiga en el lugar común, produciendo esa sensación de insuficiencia.

Lo anterior no quiere decir, que la exhibición fuera decadente, el lenguaje visual de las obras era sin duda lo que sabemos que es un Kandinsky, sin embargo, no sufres ese suceso estético que podrías disfrutar, la obra es en menor o mayor medida lo que se esperaba y puede ser a causa del ambiente tan marcado de los museos, que en algunas veces parece que estas entrando a un refrigerador, en el cual incluso respirar o comentar algo ocasiona un ruido que molesta a los guardias de la sala e incluso la prohibición de iniciar el recorrido por donde te apetezca más, inclusive se asemeja al ritual que se da en torno al ingresar en un templo religioso, en donde debes de guardar compostura y susurrar, no sea que molestes a los devotos que están rezando, aunque el espacio este completamente vacío.

Es curioso, como ese instante de suspensión se hace presente en la mayor parte de los espectadores cuando nos afrontamos a una obra de arte consagrada como tal, ya sea por museos y coleccionadores privados o por la historia del arte, efectivamente me refiero a los grandes y clásicos artistas de siglos pasados, quienes ciertamente hicieron algo más que pintar, esculpir, incluso hablo aquí del readymade o del L´objet trouvé, los artistas imprimieron en sus obras sensaciones, que aún hoy en día logran tocar nuestras fibras sensibles, en donde alcanzamos el éxtasis ese momento que sus creadores tuvieron en alguna etapa de realización o finalización de determinada obra y que se replica en nosotros. Aunque también es cierto que no todas las obras de arte anteriores a nuestro siglo logran provocarnos algo, un ejemplo de ello fue la exposición de Kandinsky que tuvo lugar en el Palacio de Bellas Artes, en la Ciudad de México en el 2018, en este caso influyen diversos elementos algunos de ellos son que era una exposición esperada y que muchos deseábamos ver, aunado a esto están las expectativas de lo que esperábamos ver “las obras icónicas” de Kandinsky un pintor muy importante de las vanguardias rusas

Por lo tanto, la visita al museo se vuelve menos impactante que ver la obra desde un ordenador o hasta en un libro, sabiendo que ninguno de los dos le hace justicia a los colores reales, sin embargo, te producen una sensación de embelesamiento y en tu mente el primer sobresalto de la imagen es inmediata y natural, posteriormente empiezas a buscar la forma o a vincularla con tu conocimiento previo, pero entiendes la explosión de los colores que plasmo Kandinsky en su composición que se encuentra estrechamente vinculada con las ondas del sonido de la música, las figuras geométricas toman otro sentido e incluso la línea o el punto, todo ello en conjunto de la composición te da una sensación de armonía.

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En contraste con la otra exhibición “Pasajero 21, El japón de Tablada”, que se encontraba en exhibición al mismo tiempo que “Pequeños mundos” de Kandinsky; las obras producían un impacto más que el de la veneración invitaban a ser vistas, recorridas, saboreadas con la vista, más que pasar un rápido vistazo por ellas, ya que la sala no estaba abarrotada de gente. Cada espacio planteado como sala, poseía demasiada información visual, las acuarelas mostraban un mundo del color, en donde no importa lo que supieras de los tablones japoneses o su arte, la experiencia simplemente fue diferente.

La cara de los espectadores era parecida al placer que proporciona algo que te gusta.

Algunos de los comentarios al salir de la sala, eran como comparaban las exposiciones, en cuanto no existía punto de comparación, más que la experiencia, el comentario común fue que no vieron nada en la de Kandinsky, incluso decían que les había gustado por mucho la exposición de “Pasajero 21”, coincidí con esos comentarios puesto que a mí también me gusto más la segunda que no era por la cual visitaba el museo, esto puede ser a causa de que no había generado expectativas de la exposición, de que el ambiente al entrar aunque fuese en el mismo museo no tenía un recorrido marcadamente impuesto, aunque si tuviera el inicio y el final premeditado, incluso a los custodios de la sala, se les notaba más relajados, como si esa obra no fuera tan importante como la Kandinsky, en cuanto ambas son relevantes.

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hay más de tres guardias en una sala, a causa de esto, disipa el sentido de lo que está viendo y se deja influenciar no solo por sus expectativas, sino también por el ambiente generado en el espacio que en lugar de transmitir comodidad, se vuelve un recorrido que hay que realizar rápido, suscitando un mundo de sensaciones que están lejos del disfrute y la contemplación.

tiempo que necesita un individuo para percibir una imagen y su decodificación va a estar estrechamente vinculado a su historia y su contexto sociocultural y tecnológico” (Roberto Aparici 2006).

allá de lo sensible dado” (Tirado 2002). Ahora bien, no es que sea un placer negativo como lo denomina Kant, el arte es otorgante de lo sensible, cavilando que en algunas ocasiones no busca que se encuentre el significado del discurso o de los conceptos porque puede que estos sean demasiado evidentes que no necesiten ser descubiertos o razonados, puesto que no todo el arte tiene un trasfondo conceptual en sí mismo, algunas ocasiones la obra de arte es un concepto que está ahí palpable hablando de algo sin información escondida, que es lo que pasa con imágenes icónicas como la “Capilla Sixtina” de Miguel Ángel, el “Pensador” de Rodin o las obras de Mark Rothko, entre otras, que al contemplarlas nos encontramos ante ese momento de silencio mental en donde no buscamos atribuirles más sentido que el que tienen ya por sí mismos y dejamos que la imagen nos diga lo que tenga que decir.

Razón por la cual, el espectador se detendrá más tiempo ante una imagen y la contemplara, esto incluye el poder visual de la imagen para atraer la atención del público, en lugar de echar un rápido vistazo, se detendrá a descubrirla y comprenderla.

A consecuencia de ello, en la filosofía se han abordado a las artes plásticas o visuales como agente de lo sublime, es decir “el placer de lo sublime está cargado de admiración y respeto ante el objeto que lo proporciona […], Kant lo califica de <agrado negativo>. La negatividad del placer, en lo sublime, radica en que el sujeto se percata de su propia incapacidad para ir más

Moviment o Moviment I. Kandinsky. The State Tretyakoy Gallery

Es decir, el acto del éxtasis que se puede sentir ante una obra en un museo se puede ver afectado si el mismo museo genera una marcada diferencia entre dos exhibiciones relevantes de pintura que tienen mucho que aportar, incluso si impone la veneración y suscita una marcada discrepancia entre dos exhibiciones, esto indudablemente también afecta al espectador, quien pierde un poco de autonomía cuando

Ahora bien, si vemos al arte (cualquier tipo de arte) como agente que suministra un soplo de exaltación emocional que se presenta en el momento en que nuestros sentidos interactúan, las de mayor peso siempre serán las visuales, a causa de que estas, “proporcionan más información, es la que exige mayor trabajo de desciframiento y de interpretación. El 10

Cerezos de la casa de Kuki en Naka-no-cho.Utagawa Kunisada. Colección Biblioteca Nacional de México (UNAM). Exposición "Pasajero 21"

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Del mismo modo, el embelesamiento puede ser ocasionado por el aura de grandeza en la que se ha envuelto esa obra, algo parecido como lo que sucede en la “Mona Lisa” de Da Vinci, que es la pintura más consumida y reproducida, como consecuencia de ese halo de misterio y desciframiento que tiene la imagen; proporcionada por historiadores de arte y estudios de rayos equis que se le han realizado, entorno a la cual se han perpetrado diversas teorías vinculadas a la idea de que era el mismo Da Vinci vestido de mujer o que representa la dualidad de la feminidad y la masculinidad, sin incluir que es la obra que ha sido robada más veces, por lo tanto la admiración de esta obra en el museo de Louvre (aunque sea una réplica ya que se dice que la pintura original se mantiene en resguardo) te conduce a un estado de contemplación “puro”. Sin embargo, lo más importante de esta obra es la técnica del sfumato en la pintura, en la cual mediante el difuminado del óleo se logra hacer una transición amable entre las sombras y las luces, sin hacer el paso drástico entre los tonos y los medios tonos, para de igual manera dar la sensación de profundidad.

Otro caso es el de las “Meninas o La Familia de Felipe IV” de Diego Velázquez que al igual que la obra anterior; tiene muchas historias y teorías que han acrecentado su importancia, sin olvidar que es considerada la obra maestra del pintor.

La trascendencia del momento captado con gran fidelidad acompañada de algunas ideas entorno a un simbolismo oculto, los cuales son atribuidos a los intereses científicos del pintor, entre otras; sin embargo, lo suntuoso de la obra es la imagen en sí, la capacidad visual de representar un espacio con una composición impecable, la marcada tendencia hacia la sección aurea, que te conduce a contemplar la pintura como un todo, sin cargar la vista hacia un extremo u otro, incluso la aparición del mismo artista en el espejo que se encuentra presente en la escena. Una pintura maravillosa, que no necesitaba ser colmada de simbolismos y misticismo; que lo que es tangible, esta pintura logra captar un retrato familiar en una situación

peculiar e incluso se podría considerar normal, debido a que las poses se ven naturales, sin más pretensiones que el poder de adquisición o ser de la nobleza, por lo que entre la familia se pueden ver las figuras de los empleados domésticos.

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momento de calma mental dando paso solo a la percepción visual.

pueden ver figuras humanas que recuerdan a los Atlantes y que dan la sensación de ser esculturas empotradas de manera armónica a la pared, que dentro del simbolismo de la imagen refiere a la protección y sostenimiento que proporciona un ser “divino” que se unen a la imagen central es el coronamiento de la Familia Barberini.

Por lo tanto, el arte otorga una realidad promovida por una representación del creador la cual determina un efecto, que puede corresponder o no a lo que se buscaba, esto es consecuencia de que la realidad percibida es individual y cada individuo percibe lo que quiere ver o lo que logra entender, no es un absoluto, de manera que los fines situados en la obra y la actividad artística no necesariamente coinciden entre el espectador y el creador, simplemente la obra es la creación libre de la practica artística que responde a diversos intereses tanto del artista como de quien la solicita.

Aquí como podemos contemplar en la imagen, la ilusión de la bóveda y las columnas está muy bien lograda, al mismo tiempo que una sola fotografía logra transmitir la sensación de espacialidad, la composición del fresco, sus colores hacen que la mente no se preocupe por encontrar la codificación de lo que hay ahí, conduciéndote a ese tris del éxtasis causado por el logro de que algo alcanzo tus fibras sensibles, propiciando ese

Las meninas. Diego Velazquez. 1656, óleo sobre lizo. Museo del Prado, Madrid.

Estas son algunas de las obras más sonadas del arte, que te tocan y te conducen a un momento de exaltación el mismo que puede ser ocasionado por las historias detrás de ellas o por el poder intrínseco que posee la obra, sin embargo, hay otras como el fresco “El triunfo de la divina providencia” de Prieto Da Cortona Berrettini, realizada entre 1633 y 1639, como parte de la decoración del Palazzo Barberini en Roma. Es una imagen poderosa, con un estilo evidentemente barroco, que te proporciona esa sensación de lo sublime, que responde al simple hecho de que es bello, su composición recuerda a la Capilla Sixtina, solo que en este caso el fresco se desborda por las paredes de modo que, no solo está contenida en la bóveda del salón, sino también en las columnas que son ilusorias se

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El Triunfo de la divina providencia. Pietro da Cortona. Fresco. 1639

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Dentro del arte contemporáneo también podemos hablar del éxtasis ocasionado por una obra de arte y este no solo aborda los elementos naturales, también lo impresentable, la trascendencia, el terror, lo inmoral, la naturaleza, la tecnología lo siniestro, el poder, entre otros como lo expresa Simon Morle en “The sublime”. Por mencionar algunos ejemplos, se encuentra el trabajo del artista Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) quien en sus obras el uso de las luces de color son parte primordial, al igual que busca reproducir elementos naturales, la experimentación con el agua, el color y el espacio, sacándolos de su lugar habitual y llevándolos a un espacio expositivo o en medio de la ciudad. Algo distintivo de sus obras “es que entiende el mundo desde la perspectiva

Con las obras de Eliasson se puede encontrar lo que se ha denominado el “genio artístico” en el cual tanto el artista como el espectador perciben una belleza de la idea, la verdad de lo que es un sujeto o un objeto y sus múltiples posibilidades.

“El genio creador completa a la naturaleza y ésta se da cuenta de haber conseguido la mayor luminosidad en su presencia mediante el contemplador reflexivo de la obra de arte. El

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The green river series, 1998 The Menil Collection, Houston, 2004. Photo:

Es decir, la composición de la obra de arte es fundamental para que el espectador pueda de alguna manera comprender la imagen que mira, de igual manera le debe de transmitir un orden en los objetos, la perspectiva si esta aparece, en el cual incluso los excesos deben de estar armónicamente integrados, acompañados de los efectos de la luz y sombra. Es a razón de ello que lo bello es algo provisto por la percepción y los sentidos, incluso puede ser individual puesto que también responde al reconocimiento de lo que nos proporciona algún tipo de placer.

Oren Slor

Eliasson convierte al asistente en parte de sus obras, puesto que son transitables, algunas de ellas pueden ser tocadas siendo intervenidas de cierta forma por el asistente, sus acciones la hacen lúdica. Una de sus obras más llamativas y se puede decir que icónicas es la instalación de las cuatro cascadas en el East River de Manhattan “The New York City Waterfalls” (2008), la cual ocasiona que las personas que transitaban cada día en ese lugar tuvieran una ruptura visual del paisaje cotidiano, añadiendo ahora una cascada artificial al puente de Brooklyn. Una obra monumental a la que todos podían acceder sin necesidad de ingresar al museo y hacerles sentir en un espacio más natural. Otra de sus obras fue teñir con pigmentos ecológicos efímeros las aguas de Estocolmo, Tokio, Los Ángeles y Noruega “Green river series” (1998). Con su trabajo busca que el espectador lleve sus sentidos hacia otras posibilidades que le permitan percibir el espacio, la luz o la reflectividad del material, abriendo un suceso de reparar en otra realidad, la cual este modelada a consecuencia de nuestra realidad cultural y sea repensada e incluso hasta quebrantada, ya que pierde sentido en nosotros causa del impacto visual que genera el artista en cada una de sus obras.

artista tiene la facultad de concebir lo bello realizando su anticipación del ideal de la naturaleza, y el contemplador reflexivo la facultad de reconocer este ideal bajo su expresión artística” (Tirado 2002).

Debido a que el artista se encarga del ¿Por qué? mientras su equipo de trabajo en su estudio resuelve el ¿cómo? de su idea, por lo tanto, el artista nunca pierde de vista la idea que tiene, alcanzando un ideal natural que permite múltiples objetivaciones, pero que al verlo toca las fibras sensibles del ser y se asume como un objeto real que existe y es parte de un puente o una pequeña cascada refractando un arcoíris individual a cada espectador en la sala de un museo o galería.

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kantiana de la configuración de la realidad por parte del sujeto que proyecta sus esquemas subjetivos para dar un sentido cultural al mundo.

Por ello, con su arte, trata de fomentar otro tipo de miradas sobre el mundo con percepciones y sensaciones nuevas.” (Cué 2015).

The New York City Waterfalls, 2008 Photo Julienne Schaer/ Courtesy

Ahora bien, si entendemos “la belleza como armonía y proporción de las partes (derivada de Pitágoras), y la belleza como resplandor expuesta” (Eco 2010) entonces la obra de arte cualquiera que sea y sea visualmente proporcionada, armónica y con ciertos contrastes podría conducirnos al momento de embelesamiento fuese actual o una obra de arte clásica. Por otro lado, el equilibrio visual que se obtenga, puesto que la belleza no es exclusiva de un solo elemento, se encuentra en la armonía de estos, en su proporción siendo un todo en su representación, como lo indicaría el canon de la sección aurea o los tipos de composición.

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Otra artista que muestra el momento del éxtasis sin que fuera premeditado fue Marina Abramovic (Yugoslavia, 1946) en su performance “The artist is present” que tuvo lugar en el MoMA, New York en 2010. La relevancia de este performance es el reencuentro casi inesperado que tuvo la artista con su ex pareja sentimental Uwe Laysiee mejor conocido como “Ulay”, en ese momento en el que se encuentran frente a frente, es inevitable establecer contacto físico para ambos, el público que se encontraba contemplando la escena se sumerge en ese instante en la misma emoción de arrobamiento de los artistas, un suceso que conmociono a todos los presentes, que incluso cuando se ve el registro de video, uno se siente conmovido con la escena 1

sociales y la moralidad. Su trabajo como el de muchos artistas que se dedican al performance ha sido criticado de masoquista, provocador, entre otros términos, lo cual refieren a que ocasiona algo en el espectador que lo mueve de su realidad y en parte eso es lo que hace el éxtasis y la epifanía revelan algo que se percibe en el momento, es instantáneo cambiando el sentido de la realidad.

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Otra manifestación artística que nos puede conducir a ese encuentro con el embelesamiento es la fotografía, un ejemplo de ello es la obra del fotógrafo japones Hiroshi Sugimoto (Tokio 1948), quien se inspira en el concepto de lo sublime en sus trabajos el proceso en su trabajo es parecido a la epifanía, se da mediante una visión de lo que busca lograr, su praxis se basa en la prueba y el error para lograr lo que ha imaginado previamente, algunas de sus series son “Dioramas”, “Theaters” y “Seascapes”.

Las fotografías finales que obtiene nos muestran la grandeza de la naturaleza, el estudio del agua y sus posibilidades, la inmensidad de un paisaje a cielo abierto, la fuerza de la repetición de objetos que están cargados de simbolismos divinos, la luz y su incidencia para generar una atmosfera, la disposición armónica y premeditada de los edificios, las calles, los rituales culturales o individuales entorno a diversas acciones determinadas, las imágenes resultantes nos llevan a un instante previo de nuestras vidas, por ejemplo, como cuando niños vemos por primera vez el mar desde una playa, nos sorprendemos y somos pequeños ante una gran masa azul que se funde con el cielo en el horizonte

Marina Abramovic y Ulay. MoMA 2010. Imagen tomada de: https://www.metalocus.es/es/noticias/ulay-se-presenta-ante-marina-abramovic

el performance "Rhythm O", este performance es interesante debido a que muestra no solo como las personas son capaces de dañar premeditadamente a otro ser humano e incluso le harían lo que le desean hacer a sus cuerpos, por ejemplo pudo llegar un suicida potencial que no se atreve a quitarse la vida y cortarle las muñecas a la artista ya que ella proporciono esa libertad de hacerle lo que uno quisiera. Llevando al límite el cuerpo y no solo eso, las relaciones

Entre otras cosas podemos decir que los performance de Abramovic tiene un cierto sentido de lo sublime en relación a la lucha, el placer, el dolor e incluso lo traumático que puede llegar a ser la relación corporal que tiene una persona con su propio cuerpo como se vio en

1 Para más información véase https://www.youtube. com/watch?v=OS0Tg0IjCp4&feature=emb_imp_woyt&ab_ channel=GMazz

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Sugimoto Caribbean Sea, Jamaica, 1980

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cree saber. Su obra habla acerca de problemas sociales, que caen en lo económico y político, su significación de la obra va incluida en el título que, si bien las personas prestan atención en ellos, no hay más que querer descifrar solo cuestionarse la realidad en la que creemos que vivimos y la que no queremos ver. Su obra SEFT-1 (Sonda de exploración Ferroviaria Tripulada, 2006-2011) que realizo en colaboración con Andrés Padilla Domene, fue un proyecto de carácter artístico e investigación de saber ¿qué sucede con los espacios ferroviarios en desuso?, que si bien muchas partes de esos trayectos están abandonados y son tierra de nadie, nos muestra la realidad de la sociedad mexicana, sobre todo de aquellas comunidades que su economía estaba basada en la industria ferrocarrilera y que cayeron en el olvido y abandono, cuando el ferrocarril de pasajeros dejo de funcionar o el ferrocarril comercial dejo de hacer paradas en esas estaciones; como puede ser el caso de varias regiones Istmeñas, las cuales no solo tienen precariedad económica, sino que también existe un fuerte número de analfabetos, por mencionar un ejemplo se encuentra Chivela municipio de Asunción Ixtaltepec del Estado de Oaxaca México; en donde según datos del IINEGI en una población de 624 habitantes hay 112 analfabetos, 117 no tienen ninguna escolaridad, 229 tienen una escolaridad incompleta. 99 tienen una escolaridad básica y 89 cuentan con una educación post básica. Un total de 73 de la generación de jóvenes entre 15 y 24 años han asistido a la escuela, la media en escolaridad entre la población es de 5 años .2

Potraints. Eolo Perfido. Captura de pantalla de su página web https://www.eoloperfido.com

"Los inicios de la vida están envueltos en un mito: Que haya agua y aire. Fenómenos vivientes generados espontáneamente a partir del agua y el aire en presencia de luz, aunque eso podría sugerir con la misma facilidad una coincidencia aleatoria como una Deidad. Digamos simplemente que resultó ser un planeta con agua y aire en nuestro sistema solar, y además, precisamente a la distancia correcta del sol para las temperaturas requeridas para generar vida. Si bien es difícilmente inconcebible que al menos uno de esos planetas exista en los vastos alcances del universo, buscamos en vano otro ejemplo similar. Misterio de misterios, el agua y el aire están ahí delante de nosotros en el mar. Cada vez que veo el mar, siento una sensación de seguridad, como si visitara mi hogar ancestral; Me embarco en un viaje de ver.

(Sugimoto s.f.)"

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Otro fotógrafo que nos recuerda lo sublime mediante lo atroz es el italiano Eolo Perfido (Roma, Italia) quien en su trabajo creativo nos muestra diferentes facetas que van desde lo perturbador hasta la línea editorial y la moda.

Se puede decir que sus trabajos Creative, Clownville, Potraints, son los que mejor muestran su trabajo como fotógrafo artístico, en lo cual sus imágenes nos conducen a una parte de la realidad que incluso solo se pueden asociar momentáneamente con filmes de suspenso, drama o terror, sin embargo la preparación, el maquillaje, el juego de la luces, la atmosfera que crea para sus imágenes las vuelve únicas, poderosas e invitan a su contemplación aunque al mismo tiempo en ocasiones pueden provocar un rechazo fascinante.

El artista mexicano Ivan Piug (Guadalajara, México, 1977) quien en su trabajo muestra un poco de simpleza acompañada de la complejidad, sus instalaciones creadas a partir de objetos comunes, nos hablan del poder que tiene el

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Lo cual nos indica que la posible recuperación y habilitación de esas líneas ferroviarias implicara un gran beneficio económico, de comunicación, modernización y educación en muchas de esas comunidades.

artista para crear arte desde narrativas políticas mezcladas con la creatividad, los resultados de sus imágenes nos conducen a lo sublime del acto social, el abandono, las ruinas, invitando al espectador a cuestionarse lo que ve y lo que

2 Cfr. http://www.nuestro-mexico.com/Oaxaca/AsuncionIxtaltepec/Chivela

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iconografía multicolor que se le atribuye a los hippies y sus viajes psicodélicos, que son expresados en diversas caricaturas, series o películas, como una explosión de felicidad llena de colores. Sus obras son mosaicos con millones de pastillas coloridas o blancas, que forman imágenes icónicas, como son los arcoíris y soles sonrientes, su producción al parecer se encuentra en armonía con las autoridades ya que no ha tenido ningún problema con ellas, sobre todo porque son certificadas como obra de arte en lugar de drogas, cada una de estas pastillas están selladas en los vitrales que las contienen. Lo interesante de estas obras va más allá de que se encuentran realizadas con miles de estas píldoras, la venta de su obra supone “narcotráfico” poniendo en riesgo la credibilidad de las galerías de arte que las comercian, sin embargo, el artista maneja un certificado “en el cual declara que son obras de arte y no contienen drogas ilegales”. Por lo tanto, puede ser considerado como narcoarte, controversial y muchas veces poco aceptado por la sociedad antidrogas, sin embargo “Chemical X” no es un diller.

Las pastillas de éxtasis cobran un sentido cuando él artista les da forma, las saca de su contexto habitual, incluso en algún momento alude a las fantasías que puede producir la sustancia, algo así como la idea psicodélica del movimiento hippie, o les añade un logotipo, una caricatura aludiendo un poco a la sociedad del consumo, el capitalismo y el entretenimiento social, poniendo en jaque a la industria que comercializa, posiciona arte y artistas, en el cual el principal negocio es ganar dinero y pocas veces se cuestiona de la veracidad de los materiales, como fue en su caso ya que al principio 3 creían que las píldoras eran “imitación”

SEFT-1 (Sonda de Exploración Ferroviaria Tripulada) 2006-2011. Iván Piug y Andrés Padilla Domene, imagen tomada del sitio web del

"Es un proyecto que propone la exploración de vías de ferrocarril en desuso como punto de partida para la reflexión y la investigación en torno al proyecto moderno y la idea de progreso; su importancia histórica, sus implicaciones sociales, circunstancias y contextos actuales. Aborda dos polos de la experiencia social de la tecnología: la utilidad y el desecho. (Piug s.f.)"

Otro caso interesante del arte y el éxtasis se encuentran las obras realizadas con la droga “éxtasis” del artista “Chemical X”, él no compra las drogas, las fabrica, añadiendo colores, formas dándole un sentido a las píldoras, su laboratorio continuamente es trasladado a diversos sitios para evitar ser asaltado, el proceso de elaboración es complejo ya que una parte del laboratorio es para presionar los espacios en blanco y obtener el color correcto, y otra que se encuentra ubicada en otro espacio y es utilizada para realizar la producción artística. Chemical X se inspira en la

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Chemical X ecstasy-art-pill-sculpture

artista http://www.ivanpuig.net/seft.html

3 Para más información visítese: https://www.chemicalx.co.uk/

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Las posibilidades del arte son infinitas, incluso para hablar de lo sublime y del éxtasis, que como se ha planteado a lo largo del texto no solo se inclina hacia las cosas bellas, ya que lo bello puede ser dado en el arte mediante la composición y armonía de los elementos, también lo sublime y su arrobamiento se hace presente en temas como el dolor, el miedo, la inmensidad, el vacío, los espacios naturales artificiales, los desastres e incluso la producción de drogas sintéticas que adquieren un sentido cuando el arte se lo proporciona y este puede ser personal, social o el que el creador busque proveerle, por lo tanto

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diversos materiales y recursos para generar diálogos que confronten al espectador, no solo buscan que exista esa conexión emocional entre el creador, la obra de arte y el espectador, ahora la incomodidad ante las obras resulta una forma de embelesamiento, aunque tal vez no se pueda decir lo mismo de las obras que no provocan más que inapetencia, aunque el bagaje cultural que posea el espectador sea amplio, si la obra de arte no es contundente no lograra transmitir nada y caerá en la extrañeza e indiferencia, escasamente percibida o recordada por las personas.

Referencias

Por lo tanto, en el éxtasis como lo sublime de la obra de arte vista como la “denotación es lo que literalmente nos muestra una imagen, es lo que percibimos inmediatamente. La denotación está conformada por todos los elementos observables: desde la más pequeña unidad de análi-sis como es el punto o la línea, hasta los objetos de distintos tamaños” (Roberto Aparici 2006), si no percibimos nada en la imagen o el objeto su percepción será la de un objeto que produjo extrañeza y que desencajaba con lo demás.

Chemical X, “Love & Death” is a six-foot high skull-and-crossbones with an asking price of £100,000

“el ideal sigue siendo un lenguaje impersonal, preciso, exacto, capaz de embellecer cualquier tema únicamente con la fuerza del estilo <<es por esto que no hay temas ni bellos, ni temas vulgares y que podría establecerse casi como axioma, desde el punto de vista del arte puro, que no hay ninguno, que el estilo por si solo es una manera absoluta de ver las cosas>>” (Eco 2010)

De tal modo que el lenguaje del arte y su capacidad transformadora tienen la posibilidad de crear mundos y sacarnos de nuestra realidad por un breve momento, ayudándonos a cuestionarnos las posibilidades de lo real, lo que creemos saber y percibimos, de las epifanías, lo social, emocional, la modernidad y la tecnología, no solo es el arte por el arte mismo o su muerte, actualmente el arte ha experimentado con

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Cué, Elena. Alejandra de Argos. 09 de 06 de 2015. https://www.alejandradeargos.com/ index.php/es/completas/8-arte/431-olafureliasson (último acceso: 02 de 02 de 2021).

Eco, Umberto. Historia de la Barcelona: DEBOLSILLO, 2010.

belleza.

Morley, Simon. The sublime. Documents of contemporary art. Whitechapel Gallery, London and The MIT Press, Cambridge, Massachusetts. 2010

Para finalizar, el arte promueve mediante la estimulación visual referencias cognitivas que todos poseemos, emociones, sensaciones, objetos, situaciones, temas sociales, políticos, económicos, entre otros que buscan tomar un lenguaje propio para que el espectador tenga una visión crítica del mundo, no solo es lo que sentimos los artistas cuando culminamos una obra de arte o el entusiasmo que sentimos durante su producción y es lo que logramos transmitir con nuestros trabajos de modo que “[…] lo sublime es un efecto del arte (no un fenómeno natural) a cuya realización contribuyen determinadas reglas y cuyo objeto es procurar placer” (Eco 2010)

Piug, Ivan. SEFT-1. s.f. http://www.ivanpuig. net/seft.html (último acceso: 04 de 02 de 2021).

Roberto Aparici, Agustín García Matilla, Jenaro Fernandéz Baena, Sara Osuana Acedo. La imagen Análisis y representación de la reallidad. Barcelona: Gedisa S.A, 2006.

Sugimoto, Hiroshi. HIROSHI SUGIMOTO. s.f. https://www.sugimotohiroshi.com/ (último acceso: 04 de 02 de 2021).

Tirado, Crecencio Grave. Verdad y Belleza, un ensayo sobre la antología estética. Ciudad de México: Universidad Nacional Autonoma de México, 2002.

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FRANCISCO CAVIEDES “Jamás presento una persona en posición de indefensión, por lo cotrario, procuro que se presente siempre como fuerte y libre. No pretendo cosficarlas, dado que siempre se muestran como seres humanos, pero si trabajo intensamente con las formas abstractas, en estilos tipo bodyscapes o partes de cuerpo.”

cuerpo. La fotografía de Budar y el retrato se convierten en una dinámica divertida.

Cree firmemente en que la fotografía es una construcción aislada de lo real, sin olvidar la fotografía documental o periodística en el que la lente del fotógrafo es la encargada de ser el testigo del mundo. Sus influencias voluntarias del mundo de la fotografía son Jeanloup Sieff, Robert Doisneau y Julia Margaret Cameron; y una involuntaria Jan Saudek.

Su estilo está muy marcado por la plástica cuando se trata de fotografía de retratos y desnudo. En sus sesiones fotográficas tiene una especial inclinación hacia las modelos que viene de sesiones de pintura que de modelos acostumbradas a la fotografía. Su objetivo no es contar una historia sino más bien generar una interpretación del espectador, a partir de los recursos que proporciona la composición, iluminación, el encuadre o la postproducción. Con su trabajo busca transmitir belleza incluso en las fotografías abstractas, en las cuales muestra armonía y la belleza implícita en el sujeto. Lo más importante para Francisco es que el observador de la foto tenga una relación personal con el objeto, buscando transmitir algo de intimidad entre el que observa y el sujeto fotografiado.

En sus fotografías podemos apreciar la forma, volumen y rostros, así como la mirada del glamour y la belleza implícitos, de igual manera el problema de la forma femenina como elemento de representación, la complicación radica en el acto de que la mujer es uno de los elementos naturales más complejos y difíciles de abordar, desde casi cualquier perspectiva de arte u oficio. Pero también es uno de los más atractivos, a causa de que presenta la posibilidad de mostrar un cuerpo (a una persona) tan complejo, que además pueda adoptar formas suaves, hace que la idea de mujer se pueda mezclar con paisaje o con la fuerza de erotismo, fabricando per-sonajes a partir de los rostros. Exposición: Abstracciones noviembre 2020

Título: Sin título Año: 2017 Técnica: Fotografía digital (En estudio) Medidas: 2735x1824

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otógrafo de closet, debido a que no se considera un profesional del área, es un estudioso de la técnica y la expresión derivada de ella, el planteamiento de su representación visual se da mediante los acertijos visuales que intencionalmente psicologiza basándose en las formas del

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Título: Sin título Año: 2020 Técnica: Fotografía digital (En estudio) Medidas: 3648x5472

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Título: Sin título Año: 2017 Técnica: Fotografía digital (En estudio) Medidas: 640x959

Título: Sin título Año: 2017 Técnica: Fotografía digital (En estudio) Medidas: 3648x5472

Serie: Drap (1) Año: 2020 Técnica: Fotografía digital (En estudio) Medidas: 1824x2736

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“Dibujar es Invocar/Traducir/Liberar” Conejo Muerto es dibujante de historieta, ilustrador freelance y docente universitario UNARTE. Ha publicado dos historietas impresas con su pesonaje disidente el Conejo Pepito Guarro: “CiuDark en Peligro de Extensión”, Nube9 Ediciones; 2019 y “Hasta el fin del mundo”, Editorial Lunetario; 2013. Co-editó la primera Antología de Cómic HECHO EN PUEBLA, Nube9 Ediciones, 2017. Ha sido becario en el Programa de Públicos Específicos Puebla 2019, PECDA 2016, FONCA 2008, FOESCAP 2006.

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JUAN CARLOS ASTUDILLO SARMIENTO “Una fotografía puede transmitir muchas sensaciones ahí es cuando se convierte en un arte.”

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scritor, fotógrafo, periodista y académico originario de la Cuenca, Ecuador. Durante su carrera ha publicado varios libros de poesía como “Los caminos del espejo” (1999), con el que ganó una mención de honor del Premio Jorge Carrera Andrade (2003) y Espiralia (2013). En sus libros más recientes, El tiempo semejante (2020) y El vértigo del nido (2020), explora las posibilidades expresivas de la fotografía y la poesía al crear un diálogo que enfrenta lo lírico con lo visual.

Sus fotografías nos invitana reflexionar sobre lo cotidiano, cuestionarnos lo que vemos, al mismo tiempo que hacen visibles las brechas sociales que siempre han estado ahí, pero muchas veces se quieren ocultar, como son la pobreza extrema, el abandono, la precariedad social, el contraste del espacio rural y sus habitantes con las grandes urbes que poseen de todo en donde la pobreza y la marginación social, se ocultan entre las multitudes. Sin embargo, se hacen presentes en todo momento.

Título: Sin título Série: Urbanismos Técnica: Fotografía digital Año: 2019

Título: “Cry Wolf” Año: 2021 Técnica: Intervención digital

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l interés del Conejo Muerto es explorar las posibilidades del dibujo utilizándolo como nodo interdisciplinario de su producción artística.

ser cómica, sin dejar de lado la reflexión y veracidad de muchos de sus comentarios que se presentan principalmente en Canijo Conejo. Su técnica y su obra apuntan hacia la originalidad, algunas veces colorida o En su trabajo se puede contemplar una en blanco y negro, logrando la amalgama clara postura política y crítica hacia factores perfecta entre el breve discurso y la imagen. sociales, la vida cotidiana, la realidad y al “artista” de una forma que incluso puede 28

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CONEJO MUERTO

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Título: Sin título Série: Urbanismos Técnica: Fotografía digital Año: 2019

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Título: Sin título Série: Urbanismos Técnica: Fotografía digital Año: 2019

Título: Sin título Série: Urbanismos Técnica: Fotografía digital Año: 2019

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Título: Sin título Série: Urbanismos Técnica: Fotografía digital Año: 2019

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isual Artist originally from Chandigarh, India. Her inspiration comes from topics such as family, friends, the relationship between a mother and her children, as well as relationships. This thematic inclination is motivated by the signs of affection that she has towards his family and friends, showing them in his artistic works, her search in his artistic work is that the public feels familiar with the feelings at the same time that they make it of them.

In her sculptures the use of materials such as wood, clay, stone, wax and ceramics, sewen to a clean technique is shown, which leads us a bit to Naïf art or abstractionism, however they are convincing with her emotions, exposing the natural relationships between the human and the environment as well as personal affective relationships, while showing the unity between materials and forms.

Título: Blind Witnesses Año: 2019 Técnica: Barro y madera Medidas: 13’’x 14’’

Título: Couple Año: 2019 Técnica: Cera Medidas: 4’’x 6’’x 11’’

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rtista visual originaria de Chandigarh, India. Su inspiración proviene de temas como la familia, amigos, la relación que hay entre una madre y sus hijos, así como las relaciones de pareja. Esta inclinación temática es motivada por las muestras de afecto que tiene hacia su familia y amigos, poniéndolas de manifiesto en sus trabajos artísticos, su búsqueda en su trabajo artístico es referente para que el público se sienta familiarizado con los sentimientos al mismo tiempo que los hagan suyos.

En sus esculturas el uso de materiales como madera, barro, piedra, cera y cerámicas cosidos a una técnica limpia, que nos conduce un poco al arte Naif o el abstraccionismo, sin embargo, son contundentes con sus emociones dejando expuesta las relaciones naturales entre el humano y el medio ambiente, así como las relaciones personales afectivas, al mismo tiempo que muestran la unidad entre los materiales y las formas.

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Título: Families Año: 2018 Técnica: Medios mixtos Medidas: 6’’x 17’’x 49’’

Título: Friendships Año: 2018 Técnica: Medios mixtos Medidas: 15’x 13’ x 24’

Título: Unity Family Año: 2018 Técnica: Cerámica Medidas: 5’’x 7’’x 11’’

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SONAM JAIN

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BRANSHA GAUTIER

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rtista multidisciplinaria que reside en Viena. Su trabajo está enmarcado por la exploración cultural de las tribus étnicas, la preservación de las artes, las culturas indígenas, las técnicas que utiliza mayormente son: fotografía, pintura, imágenes animadas y filmes.

En su práctica artística, las reflexiones que se plantea se mueven entrono a las temáticas de los hilos del tiempo, la memoria, la desaparición y la identidad. Su trabajo se mueve entre dos vertientes una es mostrar la belleza y singularidad de cada cultura, mediante sus rituales, danzas tribales y populares, su vestimenta tradicional, la segunda es sobre la existencia de la conexión y unidad de todos y cada uno de nosotros.

Título: Buddha Año: 2018 Técnica: Medios mixtos/ tela Medida: 28 x 43 cm

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films.

ultidisciplinary artist living in Vienna. Her work is framed by the cultural exploration of ethnic tribes, the preservation of the arts, indigenous cultures, the techniques that she uses are photography, painting, animated images and

In her artistic practice, the reflections that she poses move around the themes of the threads of time, memory, disappearance, and identity. Her work moves between two aspects, one is to show the beauty and uniqueness of each culture, through its rituals, tribal and popular dances, its traditional clothing, the second is about the existence of the connection and unity of each and every one of we.

Título: “Blue portrait” Año: 2020 Técnica: Fotografía digital

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Título: “Self-Celebration” Año: 2018 Técnica: Fotografía digital

Título: “World of wonders within” Año: 2020 Técnica: Medios mixtos/ tela Medidas: 60x80cm

Título: “Holy fest” Año: 20218 Técnica: Medios mixtos/ tela Medidas: 60x80cm

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CARMEN ELENA CASAS NIETO

Título: Lunes 17 de octubre de 2016 Año: 2016 Técnica: Fotografía análoga Medidas: 10x15 Título: Viernes 14 de octubre de 2016 Año: 2016 Técnica: Fotografía análoga Medida: 10x15

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omo artista visual y docente, analiza los procesos en torno a la comida para visibilizar condiciones de precariedad social, económica, territorial y de género. Retoma el espacio urbano, en concreto la Ciudad de México, como punto de inflexión con su lugar de origen, una localidad rural situada en el corazón de La Mancha, España.

Su propuesta hace una crítica a la economía hegemónica desde las propuestas de la economía feminista. En particular desarrolla tres ejes: los procesos de la industria alimenticia, como el abuso y violencia hacia los animales o la toxicidad de las comidas procesadas; la explotación de los cuerpos feminizados, a través de la invisibilidad de los trabajos de cuidados y

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el trabajo reproductivo; y el habitar bajo el ritmo que exige el proceso de acumulación capitalista, expresado en los extenuantes tiempos de transporte y hasta la limitación en el horario para alimentarnos.

aparatos digestivos, sobremesas rurales frente a las capitalinas, manos de mujeres cocinando, vísceras expuestas a modo de chorizos o carnitas, o animales amorfos despojados de su hábitat.

Por medio de la fotografía, el dibujo, la pintura y el vídeo muestra los efectos de estas violencias: cuerpos enfermos, escasez de vínculos afectivos, pérdida y olvido de saberes en torno a nuestros cuidados, supuestas deformaciones en nuestros

A su proceso creativo le da un tratamiento sutil y delicado que, contrasta con los temas que aborda, con el objetivo de transformar estas experiencias devoradoras en posibilidades que cuestionen la vida hacia una que merece ser vivida.

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Título: Domingo 23 de octubre de 2016 Año: 2016 Técnica: Fotografía análoga Medida: 10x15

Título: Martes 7 de febrero de 2017 Año: 20217 Técnica: Fotografía análoga Medidas: 10x15

Título: Domingo 16 de abril de 2017 Año: 20217 Técnica: Fotografía análoga Medidas: 10x15

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Título: Jueves 13 de octubre de 2016 Año: 2016 Técnica: Fotografía análoga Medida: 10x15

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PARA COMER AQUÍ O PARA LLEVAR COMIENDO Por: Carmen Casas

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puestos de tlacoyos y quesadillas, sin olvidar el café sobre la calle Ayuntamiento o los jugos en la esquina de López con Vizcaínas.

Los días que nos apetecía comer sentadas alrededor de una mesa y completar los tres tiempos acudíamos con Ernestina, la dueña de un comedor vegetariano en la calle Artículo 123, cuyo nombre lo describe: el mejor del centro.

Aprovechábamos para comer en lugares que se nos hacían familiares a la cocina y sala de nuestra casa (departamento).

Estas partes de nuestro hogar se extendían hacia calles aledañas para brindarnos más espacio, pues no eran celosas y a ellas les gustaba que saliéramos a recorrer y conocer lugares con funciones semejantes. A partir de estos recorridos me di cuenta; cómo algunas áreas de la calle que no

Cuando nosotras, las personajes principales, salíamos al mercado, nos encontrábamos todo tipo de alimentos. Solíamos tomar la calle López, que nos quedaba de camino al mercado de San Juan, el que se ubica al lado del metro Salto del Agua, donde acostumbrábamos a ir a distraernos con exquisitos

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estaban dentro de la estructura llamada hogar se convertían en una extensión de este y lo completaban.

nos quema y a la vez pinta nuestros dedos, el vaso y la ropa. Esa mancha revela la imagen de un tiempo que se nos escurre y escapa de entre los dedos.

Nosotras generábamos esa propagación de espacio mediante nuestros recorridos. La repetición iba marcando distancias, caminos y a fin de cuentas trazos que creaban un dibujo llamado plano. Ese plano partía de la casa y se construía comprendido en nuestro marco cotidiano. Me di cuenta de que la comida del día a día, podía convertir nuestro lugar en un lugar más holgado, que ampliaba las fronteras de lo que identificábamos como hogar.

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Al leer Sobre el Tiempo de Guido Indij (el cual habla de las diferentes facetas del tiempo) acerté un dato interesantísimo y contaba que “puntualidad y plusvalía no son similares solo en sus letras, sino que la puntualidad es factor indispensable para la generación de plusvalía (requisito del que sobrevive la economía capitalista)”. Fue aquí, donde por fin topé al responsable de muchos de mis desayunos arruinados. A causa de ello, me pareció útil la idea huella del tiempo sobre un contexto, en este caso representado por un mantel y acompañado con un archivo de fotografías. Durante un período de 28 días (entre los meses de octubre y noviembre de 2016) un mantel de papel se convirtió en el protagonista de mi vida. A partir de ese momento me acompañó al estreno cada mañana, para trazar sobre él todas las comidas que llevaría a cabo en una misma jornada.

Una mañana pensando en mi tesis, una tesis que propone e incita a reflexionar sobre el tiempo que disponemos a diario para comer, me pregunté ¿cómo habito el tiempo? ¿cómo rinde mi tiempo a lo largo de una jornada? ¿lo vivo o lo padezco? ¿se distiende o se acorta? Como el tiempo no podía darme una opinión le puse voz a partir de imágenes. El proceso creativo de estas imágenes se ejecutó en el marco de lo cotidiano, abordado en el cerco de mi propia comida, exactamente a partir de lo que yo ingería. No quería distraerme con las miles de opcio-nes que habitaban afuera, no necesitaba variedad entre tacos, quesadillas y gorditas, sino más bien centrarme y concentrarme en el plato, sumergido en lo que lo sostenía y lo rodeaba: tiempo y espacio.

En definitiva, la terca intención en este ejercicio estaba puesta en archivar el ir y venir de los platos, vasos, cubiertos, servilletas, tortillas, pan, salsas, aguacates y otras cosas que habitaban en la mesa. De esta manera buscaba transmitir una amalgama de formas y líneas que detonaran la imagen de un esquema, un esquema que se cocinaba mientras comía.

El entorno y el tiempo son conceptos que se enuncian de muchas maneras, sin embargo, los retomo a través de sus huellas. Ese vestigio del que hablo lo desentierro de mi imaginario citadino, uno de los ejemplos lo encuentro en una de esas mañanas que sales corriendo para no llegar tarde a clase y sin haber desayunado te lanzas con tu café en mano.

Al paso rápido el café salta y se derrama por los bordes haciendo un recorrido que cae,

Al concluir esta repetitiva actividad, teniendo esa sensación de haber perdido el tiempo, lo dejé reposar. Después de unos meses revisé las fotografías y me encontré con esquemas no premeditados que se salían del mantel, 1 Guido Indij (ed.), Sobre el tiempo, La maraca editora, Argentina, 2008

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A principios de octubre del 2015 llegamos a una casa con cocina. Veníamos de haber vivido en otras casas con cocina, aquello no nos sorprendía.

El equipo familiar durante los dos años y medio de maestría lo completamos principalmente dos personajes junto a otros rotativos.

Cocinábamos y comíamos, era de nuestras acciones favoritas en el día. En innumerables ocasiones se extendía a otros invitados porque nos gustaba compartir nuestra casa, nuestro tiempo y nuestra comida.

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que no lo abrazaban, como los tacos de canasta, la bolsa de habas, las tortillas con un poco de sal y salsa... Debido a que esas formaban parte también de mis comidas, que las ingería en el transcurrir y discurrir no del mantel, sino más bien de mis pies sobre la calle, mientras cumplía con ese deber de plusvalía

Para comer aquí o para llevar comiendo (página 3), anexo de la tesis: Mientras comemos. El tiempo de nuestro menú en un diario de artista, impresión láser en papel bond, 28x40 cm, 2019.

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Esta sociedad capitalista y global logra una arraigada tradición que nos provoca en nuestros cuerpos graves problemas de digestión, pintando también nuestras paredes estomacales a modo de huella. Estas dolencias son formadas por un consumo veloz de alimentos como: la comida rápida, el sándwich de máquina, el café de máquina, exceso de azúcares, carnes, entre otros, buscando adaptarnos a los ritmos capitalistas que se incrustan en nuestras vidas.

La “doliente” pérdida de tiempo completando mis manteles y tomando fotografías me reencontró con mi aparato digestivo esta vez libre de gases y calambres. Durante esos 28 días y llevando a cabo una acción a veces aburrida, otras excitante, meticulosa, curiosa y hasta obsesiva, convertí mi hábito de comer con prisa en un hábito de cuidado y de atención en lo que ingería.

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Y fue así mediante la epifanía que me retracté y de pronto reconsideré toda esta labor, ¡había logrado que mi proceso creativo formara parte de mi sana digestión!

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que no lo abrazaban, como los tacos de canasta, la bolsa de habas, las tortillas con un poco de sal y salsa... Debido a que esas formaban parte también de mis comidas, que las ingería en el transcurrir y discurrir no del mantel, sino más bien de mis pies sobre la calle, mientras cumplía con ese deber de plusvalía

Para comer aquí o para llevar comiendo (página 3), anexo de la tesis: Mientras comemos. El tiempo de nuestro menú en un diario de artista, impresión láser en papel bond, 28x40 cm, 2019.

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Esta sociedad capitalista y global logra una arraigada tradición que nos provoca en nuestros cuerpos graves problemas de digestión, pintando también nuestras paredes estomacales a modo de huella. Estas dolencias son formadas por un consumo veloz de alimentos como: la comida rápida, el sándwich de máquina, el café de máquina, exceso de azúcares, carnes, entre otros, buscando adaptarnos a los ritmos capitalistas que se incrustan en nuestras vidas.

La “doliente” pérdida de tiempo completando mis manteles y tomando fotografías me reencontró con mi aparato digestivo esta vez libre de gases y calambres. Durante esos 28 días y llevando a cabo una acción a veces aburrida, otras excitante, meticulosa, curiosa y hasta obsesiva, convertí mi hábito de comer con prisa en un hábito de cuidado y de atención en lo que ingería.

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Y fue así mediante la epifanía que me retracté y de pronto reconsideré toda esta labor, ¡había logrado que mi proceso creativo formara parte de mi sana digestión!

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Para comer aquí o para llevar comiendo (página 5), anexo de la tesis: Mientras comemos. El tiempo de nuestro menú en un diario de artista, impresión láser en papel bond, 28x40 cm, 2019.

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Para comer aquí o para llevar comiendo (página 5), anexo de la tesis: Mientras comemos. El tiempo de nuestro menú en un diario de artista, impresión láser en papel bond, 28x40 cm, 2019.

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LITERATURA

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S

omos ante todo posibilidad

jadeaba con esas pupilas Somos ante existencia desbordadas por la anfeta

Por: Daniel Carpinteyro

todo

derrame

de

y los pezones exaltados por el frío

transformación que sobre sí se verifica

último track de un rave al aire libre.

y luego se propaga sobre el orden de las cosas exteriores.

Somos huérfanos fotones, nada escatimamos por volver al haz

Somos la constantes

permutación

de

las

y del caos generador la quintaesencia. y dentro de él zaherir la oscuridad del mundo Somos armonía y somos semilla para entibiar en claridad al ojo del verdor y somos exogamia y somos desahuciado el intríngulis de las especies. al lacrimal exhausto, al magullado párpado Y aunque la negrura casi me obturaba hidratarle con el semen de la playa la vigilia matutina. estaba preocupado de que fuera a Sólo un soplo sobre el polvo vomitarme encima. y desentumecer las articulaciones abandonar el sótano donde algún alineador nos ha mentido que pertenecemos.

Pero hablaba demasiado entrecortado y en su labio inferior me perturbaba Sin título, Ilustración digital. Areli Rodríguez, 2021

el aleteo de una carnada caprichosa.

En su aliento algo no acababa de podrirse.

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LITERATURA

EPIFANÍA PSYTRANCE

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CALL OF PAPERS

PUBLICACIÓN DE OBRA ARTISTICA Y DISEÑO

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La revista digital arbitrada Coup de arte contemporáneo convoca a artistas e investigadores que se encuentren interesados en la publicación de artículos e investigaciones que tengan envergadura en arte y sus entrecruces con otras disciplinas, del mismo modo participan artículos filosóficos y; arte y pedagogía a participar en su “Call of papers” abierta permanentemente.

Los artículos, reseñas y ensayos deben respetar las siguientes características:

•Deberán estar en formato Word

•Tipografía Times New Roman a 11pt, con interlineado de 1,5

•Incluir título al inicio del documento.

•Resumen de 300 palabras en español e ingles

•Incorporar algunas palabras clave. Se sugiere entre 5 y 7 palabras clave

•El sistema de citas debe respetar la norma internacional APA (American Psychological

Association). Por ello, las notas al pie de página deben ser utilizadas sólo para comentarios y

consideraciones complementarias al cuerpo central del texto. Para mayores referencias sobre

el sistema de citación solicitado, se sugiere visitar el sitio web http://normasapa.com

•En caso de que el documento contenga imágenes, están deben de respetar los derechos de autor,

las imágenes, de haberlas, deben estar debidamente citadas y estar incorporadas al cuerpo del texto,

de igual manera deben de ser enviadas en formato .jpg a tamaño carta en máxima resolución.

•La extensión mínima será de 4 cuartillas y máximo de 12, más la bibliografía correspondiente.

•El archivo deberá ser nombrado: Ensayo/ Reseña/ Artículo (dependiendo del caso) y titulo

•El envío no ha sido publicado previamente y tampoco se ha enviado previamente a otra

revista (o se ha proporcionado una explicación en Comentarios al editor).

Al participar aceptan cualquier cambio que se sugiera por los árbitros. Al mismo tiempo aceptan los cambios realizados para su publicación por el equipo editorial de la revista Coup de arte contemporáneo.

NOTA: En un solo documento aparte deberán enviar una breve semblanza y reseña académica con lo más relevante de la trayectoria del autor y datos de contacto, del mismo modo debe de especificar si se publica bajo un seudónimo y contener el nombre completo del autor.

Enviar una fotografía Retrato del autor, tamaño A4 a 200 pixeles por pulgada para el directorio de la revista.

Los archivos deberán ser enviados como datos adjuntos, al siguiente correo: coup.arte@gmail. com En el asunto del correo favor de colocar: “call of papers” y el nombre del autor.

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•Categorías que incluyen: Pintura, dibujo, ilustración. fotografía, escultura, instalación, performance y new media, collage, Street art, arte digital, arte textil, ilustración, diseño y novela gráfica, en caso de ser video, enviar fotografías y el link para ver el video.

•El formato de las imágenes debe de ser tamaño carta, formato retrato o paisaje, dependiendo de las necesidades de la obra •La resolución de las imágenes debe de ser de alta calidad (150 dpi o más) •Las imágenes deberán ser guardadas por el nombre de la pieza o numeradas.

•Deberán estar en una carpeta dentro de un único archivo “Zip” •Subido a una plataforma: Mega, DropBox o Google drive o por correo electrónico

Enviar link del archivo en un correo junto con un archivo Word donde contenga la siguiente información:

•Ficha técnica de la pieza(s): autor (nombre completo y seudónimo), técnica, medidas, año (estas deberán estar numeradas) •Breve semblanza curricular que contenga lo más relevante de su trayectoria artística, no mayor a una cuartilla.

•En caso de ser necesario una breve descripción de la pieza o las piezas.

•Una fotografía del autor formato A4 a una resolución mínima de 200 pixeles por pulgada para el directorio de la revista

Al participar en la convocatoria aceptan los términos y condiciones expuestos aquí.

Si las imágenes no cumplen los requisitos serán descartadas inmediatamente.

Nuestras convocatorias no tienen cuota de participación.

Los archivos y el link deberán ser enviados al correo coup.arte@gmail.com

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CONVOCATORIAS

CONVOCATORIAS

Los autores/as deberán cerciorarse de que su envío cumpla con las características anteriores. Se devolverán a los autores/as aquellos envíos que no cumplan estas directrices.

La revista digital Coup de arte contemporáneo invita a artistas visuales, plásticos, fotógrafos y diseñadores que quieran publicar su obra; a enviar una selección mínimo 5 fotografía máximo 10 con las siguientes características:

INDICE

COUP

ARTISTAS

DIRECTORIO

CALL FOR ARTISTIC WORK

INDICE

ÉXTASIS

Francisco Caviedes (Ciudad de México, 1965)

Coup visual magazine online invites artists worldwide to participate in the Coup magazine of contemporary art and the publication of this artistic or design work, in the next issues of the Coup magazine.

•The categories include: •Painting •Photography

•Sculpture and installation art

•Performance and new Media •Collage

•Street art

•Textile art

•Digital art •Illustration

CONTACTO

Ig: https://www.instagram.com/caviedesfrancisco Fb: https://www.facebook.com/francisco.caviedes Patreon: www.patreon.com/caviedes

Conejo Muerto (Puebla 1974)

Features:

Artista visual, dibujante de historieta, ilustrador freelance y docente universitario UNARTE. Cuenta con una amplia trayectoria.

CONTACTO

•5 or 10 Photography of each work in high resolution, in A4 format.

•The name of each photo is the title of the work.

•All photos may be in a unique zip file without password.

A Word document that contains the next information:

•Statement of artist

•Semblance of the artist

•Contact information

•Work certificate: author, title of the work, technique, size, year

•A photograph of the author in A4 format at in high resolution, for the magazine directory

CONVOCATORIAS

Estudió la licenciatura de Filosofía en la UNAM. Actualmente trabaja en el ICAT, UNAM. Dentro de su trabajo fotográfico se encuentra el registro de eventos del ICAT, se ha vinculado con proyectos de investigación artística con el Posgrado de Artes y Diseño, PAPIT, entre otros. Su trabajo como fotógrafo aficionado y estudioso de la técnica se encuentran retratos y tomas de cuerpo completo en ambientes que dan la sensación de la intimidad.

By participating in the call, you accept the terms and conditions set out here.

If the images do not meet the requirements, they will be discarded immediately Our call is free The files should be sent to the following email: coup.arte@gmail.com

Ig: @conejo_muerto FB:Conejo Muerto TW: Con3joMu3rto

Juan Carlos Astudillo Sarmiento (Cuenca, Ecuador 1979) Escritor, fotógrafo, periodista y académico cuencano. Durante su carrera ha publicado varios libros de poesía como Los caminos del espejo (1999), con el que ganó una mención de honor del Premio Jorge Carrera Andrade; del Profundo Albedrío (2003) y Espiralia )2013). Por otra parte, su obra fotográfica está recogida en los libros Reflejos y armonía, Parque Nacional Cajas (2014) y Cuenca, paso a paso (2016). También, ha sido incluido en antologías de poesía ecuatoriana producidas en Venezuela, México y España, mientas que sus fotografías han aparecido en revistas especializadas en Argentina, Costa Rica, EE.UU. Y España. Su trabajo como periodista e investigador le ha llevado a desarrollar La voz de Quingeo y La voz de Chobsi (2010), Educación sostenible en Yasuní (2012) y Cultura turística (2019) y Las voces que cuentan (2020). Además, es director del proyecto Salud a la Esponja, de creación literaria y visual.

CONTACTO

Web: www.tugaastudillo.com https://issuu.com/tugastudillo mail: tugastudillo@gmail.com Teléfono: 593 0999519358

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INDICE

COUP

DIRECTORIO

DIRECTORIO

INDICE

ÉXTASIS

Sonam Jain (Chandigarh , Punjab, India; 1996) Es maestra en Bellas Artes, por el M.F.A Advanced Special Diploma in Sculpture. Dentro de su trayectoria cuenta con numerosas exposiciones algunas de ellas son “Annual Art Exhibition of Government College of Art” desde 2014 al 2018; “Annual Art Exhibition”, Punjab Lalit Kala Akademi, 2018; “On the spot Painting Competition at the Rose Festival”, 2018; “International Online Art Competitons”, Bindass Artist Group, 2019; “Annual Art Exhibition”, Chandigarh Lalit Kala Akademi, 2020; “International Online Art Exhibition on the theme Covid 19”, Nirantar, 2020; “An Online Group Art Exhibition”, Vivid Exclusive Art Gallery, 2020; Sfumato International Online Art Exhibition, 2020; “White Esprit Presents Online” Exposición internacional de arte, 2021.

She is a Master of Fine Arts, by the M.F.A Advanced Special Diploma in Sculpture. Within her career she has numerous exhibitions, some of them are “Annual Art Exhibition of Govern-ment College of Art” from 2014 to 2018; “Annual Art Exhibition”, Punjab Lalit Kala Akademi, 2018; “On the spot Painting Competition at the Rose Festival”, 2018; “International Online Art Competitons”, Bindass Artist Group, 2019; “Annual Art Exhibition”, Chandigarh Lalit Kala Akademi, 2020; “International Online Art Exhibition CONTACTO on the theme Covid 19”, Nirantar, 2020; “An Online Group Art Exhibition”, E-mail: sonajain256@gmail.com Vivid Exclusive Art Gallery, 2020; Sfumato International Online Art ExhibiTeléfono: +91887566584 tion, 2020; “White Esprit Presents Online” International Art Exhibition, 2021.

Carmen Elena Casas Nieto (la Mancha, España, 1989) Es Maestra en Artes Visuales en el área de Arte y Entorno por la Universidad Nacional Autónoma de México y Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. Actualmente colabora en el programa de la Secretaría de Cultura “Talleres de Artes y Oficios Comunitarios” con una propuesta creativa y relacional llamada Cocinando Libros. Además, participa en el Seminario Cultura Visual y Género. Crisis y contagio, anticuerpos teóricos y economías feministas. En el 2018 presentó la pieza VACA LOCA en la feria de arte mexicana SALÓN ACME. En ese año participó en varias exposiciones colectivas como Recorrido: treinta días. Veintisiete miradas en torno a lo cotidiano en Valparaíso Chile; también fue parte de una colectiva en Galería Casa Viva en la Ciudad de México con su pieza: Píldora para el día después del Chicharrón. En 2014 fue becada durante seis meses por la Secretaría de Relaciones Exteriores para la realización de una Residencia de Artistas para Extranjeros con el proyecto Mientras Comían.

Bransha Gautier (Viena, Austria, 1981) Estudio en la Academia Audiovisual, la licenciatura Ciencias en Nuevos Medios y Artes Audiovisuales, así como la Formación autógena “Método Silva”, Certificado Silva International INC, en Belgrado, Serbia y en la academia de Bellas Artes , Belgrado, Serbia. Algunas de sus exposiciones y premios son la “2ª Bienal de Arte al Óleo Dafen”, Museo Dafen en Shenzhen, China; Academia de Arte Birla “Hablando Gandhiana” en Kolkata, India; “Premio Dragón de China” en Shenzhen; 8ª Bienal Internacional de Arte de Beijing, Museo Nacional de Arte en China; 20ª Bienal de Londres; 18ª Bienal de Arte Asiático entre otras.

She studied at the Audio-visual Academy, the Bachelor of Science in New Media and Audio-visual Arts, as well as the Autogenous Training “Silva Method”, Certificate Silva International INC, in Belgrade, Serbia and at the Academy of Fine Arts, Belgrade, Serbia. Some of her exhibitions and her awards are the “2nd Dafen Oil Art Biennial”, Dafen Museum in Shenzhen, China; Birla “Speaking Gandhian” Art Academy in Kolkata, India; “China Dragon Award” in Shenzhen; 8th Beijing International Art Biennale, National Museum of Art in China; 20th Lon-don Biennale; 18th Biennial of Asian Art among others.

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CONTACTO

Web: www.bransha.com Ig: https://instagram.com/ branshagautier Fb: https://www.facebook.com/ bransha.gautier

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CONTACTO

Email: ccarmencasas@gmail.com Tumblr: carmencasas.tumblr.com Ig: @carmen_.casas

INDICE

COUP

EQUIPO DE COUP E-mail: coup.arte@gmail.com Fb: @revistacoup.artecontemporaneo Ig: @couprevista Twitter: @Coup_arte Web: https://issuu.com/coup.arte

COLABORADORES

Editor y redactor de contenido Dennisse Jiménez Díaz Puebla Daniel Carpinteyro Puebla

Areli Rodríguez Pérez Puebla

Departamento de arte y diseño editorial Brenda Alejandra Sorchini CDMX

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Enrique Maraver Puebla

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