Liliana Porter was born in Buenos Aires, Argentina, in 1941. She is one of her country’s most exemplary conceptual artists. Through printmaking, paintings, drawings, photographs videos, installations, theater, and public art, she explores representation, time, and their relationship with what we call reality. Her work is easily recognizable from that mixture of humor and anguish, banality and the possibility of meaning. For example, in the photographic series Forty Years (2013), she juxtaposes her hand as it looks today with an image of that same hand from the 1970s, crossed by an expressive pencil line traced on the wall. Often she moves from laughter to tears through situations she constructs out of found objects, which she isolates against a neutral background. Her artistic journey began early, at the age of twelve, when she enrolled at the Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano in Buenos Aires. From ages 16-19 she lived and studied visual arts in Mexico City, where she held her first exhibition at age 17. She returned to Buenos Aires to take classes at the Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón and continued her training at the Escuela Superior Ernesto de la Cárcova’s printmaking workshop, with Professors Fernando López Anaya and Ana María Moncalvo. In 1964 she traveled to New York, where she has lived ever since. Together with Luis Camnitzer and José Guillermo Castillo, she founded the New York Graphic Workshop, a printmaking workshop and key center of operations for the development of conceptual art. During that period Porter worked with shadows, wrinkles, and empty space on the boundaries between the object and its image. At the participatory installation Wrinkle (1969), for example, she accumulates offset prints that become wrinkled. Shortly thereafter, in 1973, her work was exhibited at the Museum of Modern Art in New York and was awarded a prize at the Cali (Colombia) Biennial. In the 1980s she began to include the use of inanimate objects, toys, and figurines in her narratives, a cast of characters that became her personal stamp. With them she creates dialogues among beings from different times and places. At first her characters were photographed; then they invaded the format of the picture and destroyed it, erasing the borders of time and discipline, and ultimately attaining video form. Currently they have expanded to the third dimension in her theatrical productions. Regardless of format, Porter builds scenes in which humor and evil, tenderness and dismay, as well as a poetic perspective on life, reign in equal measure. Her work has been exhibited in more than 35 countries and in over 450 group exhibitions, at venues including the Museum of Modern Art, the Whitney Museum of American Art, the New Museum, Museo Tamayo, the Blanton Museum of Art, and the J. Paul Getty Museum. She was recognized with a Guggenheim Fellowship in 1980, three fellowships from the New York Foundation for the Arts (1985, 1996, 1999), the Mid Atlantic/NEA Regional Fellowship (1994), and seven PSC-CUNY research prizes (1994-2004). She was a professor at Queens College, CUNY, until 2007. Individual shows of her work have been held at institutions such as the Museo
Nacional de Artes Visuales in Montevideo; Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson in San Juan, Argentina; Museso de Arte de Zapopan in Guadalajara, Mexico; the Sicardi Gallery in Houston; the Barbara Krakow Gallery in Boston, and Galerie Mor-Charpentier in Paris. In 2017 Porter’s work was included in Viva Arte Viva at the Venice Biennale, the 57th International Art Exhibition, with a widely acclaimed work: El hombre con el hacha y otras situaciones breves (The Man with the Axe and Other Brief Situations), an installation in which she condenses her most memorable characters with other, new ones in flash fiction that describes a great tragedy. In that same year she made her debut with Domar el león y otras dudas (Taming the Lion and Other Questions), her third theatrical production at the Second Performance Biennial, Parque de la Memoria in Buenos Aires. Her work can be found in public and private collections like the Tate Modern, the Museum of Modern Art, the Whitney Museum of American Art, Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires, the Philadelphia Art Museum, Museo de Bellas Artes in Santiago, the Fogg Art Museum at Harvard University, Museo de Arte Moderno in Bogotá, the Metropolitan Museum of Art, the Smithsonian Museum of American Art, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, and the Daros Collection. The artist is represented by galleries in Europe, Latin America, and the United States.
He was born in Buenos Aires, Argentina, in 1961. At the age of nine, he began his studies at the workshop of Ahuva Szlimowicz, where he remained for a decade. In 1974, at age 13, he had his first individual show at Garería Lirolay in Buenos Aires. From 1980 to the present, he has presented more than 50 individual shows at some of the world’s most prestigious museums and contemporary art galleries, notably: The Museum of Modern Art (MoMA, New York, 1991), Kunsthalle Basel (Basel, 1990), Musée d’Art Contemporain (Montreal, 1993), Centre de Arte Hélio Oiticica (Rio de Janeiro, 1999), Museo de Arte del Banco de la República (Bogotá, 2006), The Drawing Center (New York, 2012), Pinacoteca do Estado De São Paulo (São Paulo, 2014), and Centre PasquArt (Biel, Switzerland, 2017). The artist is represented by Hauser & Wirth and Sperone Westwater, with whom he has exhibited regularly for 25 years. He has participated in countless collective shows,including the São Paolo Biennials (1985, 1989, 1998), Documenta IX (Kassel, 1992), Carnegie International (Pittsburgh, 1995), and the Istanbul Biennial (Istanbul, 2001), among many other international exhibitions. His first retrospective show was organized by the IVAM (Valencia, 1993) and the Museo Rufino Tamayo (Mexico, 1993). In 1994, another retrospective of his pictorial work, Burning Beds, a Survey 1982-1994, was presented at the Wexner Center for the Arts (Columbus, Ohio, 1994) and the Whitechapel Art Gallery (London, 1995). His retrospective show, Guillermo Kuitca: Works 1982-2003, organized by the Museo Reina Sofía in Madrid, was presented first in Spain and then traveled to the Museo de Arte Latinoamericano in Buenos Aires (MALBA) after 17 years without a showing in Argentina. In the United States, Everything: Guillermo Kuitca, Paintings and Works on Paper 1980-2008, was on exhibit between 2009 and 2011 at the Miami Art Museum (Miami), the Walker Art Center (Minneapolis), the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington), and the Albright-Knox Art Gallery (Buffalo). His work can be found in public and private collections throughout the entire world, including venues such as: the the Metropolitan Museum of Art and the MoMA in New York, the Art Institute of Chicago, the Tate Gallery in London, the Museo de Arte Reina Sofía in Madrid, the Los Angeles County Museum of Art, the Stedelijk Museum in Amsterdam, the 21st Century Museum of Contemporary Art in Kanasawa, Japan, the Museum of Fine Arts in Houston, the Museo Nacional de Bellas Artes and MALBA-Colección Costantini in Buenos Aires, among many others. In 2007, Guillermo Kuitca was the artist chosen to represent Argentina at the 52nd Venice Biennial, in addition to being invited to take part in the International Pavilion at that same Biennial. In 1991 Kuitca created the Programa de Talleres para las Artes Visuales (Workshop Program for the Visual Arts) in Buenos Aires. Known as the Kuitca Fellowship and in association with various cultural and educational institutions, it contains a work and discussion space for more than one hundred young artists and new talent from various disciplines, all of whom have received scholarships since the inception of the program.
In 2004 he was named Honorary Professor at the University of Buenos Aires (UBA). His theatrical activity includes directing his own shows, Nadie olvida nada (Nobody Forgets Anything) and El mar dulce (The Sweet Sea) in 1982 and 1984, respectively. Especially noteworthy among his lighting and stage design projects is the scenery for García Lorca’s The House of Bernarda Alba (2002) at the Sala Martín Coronado in the Teatro San Martín, as well as his stage design for Richard Wagner’s The Flying Dutchman at the Teatro Colón in Buenos Aires (2003). In 2008 the New York Metropolitan Opera House invited Kuitca to present an individual show at the recently opened Gallery Met. In 2009 Kuitca was commissioned to design the permanent curtain for the Winspear Opera House in Dallas, the new headquarters of the Dallas Opera. In 2014, the Fondation Cartier pour l’Art Contemporain in Paris invited him to select works from his collection to present there at an exhibition called Les Habitants. In 2017, a new, expanded version arrived at the Centro Cultural Kirchner in Buenos Aires with the title Les Visitants, consisting of the work of 23 international artists – among them Kuitca’s “David’s Living Room Revisited” – an audio-visual space in collaboration with David Lynch and Patti Smith. In 2017 the publishing houses KBB and JRP/Ringier published a book containing a broad selection of 500 of Kuitca’s drawings, created between 1971 and 2017.
Nicola Costantino was born in Rosario, Argentina, in 1964. She studied Fine Arts in her birthplace, specializing in sculpture. Her attention was always focused on her surgeon father’s operating room as well as on her mother’s dressmaking factory. In these two environments the origins of many of her works can be found. For example, for Peletería con piel humana (Fur Shop with Human Skin, 1997), she created an epidermis-like fabric with which she designed, cut, and sewed purses, shoes, dresses, and coats. Or Savon de Corps (Body Soap, 2004): a soap made with 3% of her own body fat, obtained through liposuction. A controversial medium, no doubt, but the soaps appeared on the cover of the catalogue for the show Dangerous Beauty at the Chelsea Museum in New York. A corset made of that same skin is part of the MoMA collection. Sculptor, taxidermist, cook, designer – always on the lookout for new techniques, and for a while now, the protagonist of her own photographs and videos, Costantino is one of the most celebrated contemporary Argentine artists. It is impossible to be indifferent to her work, which conceals a political, economic, and social critique behind a façade of delicate beauty, while making allusions to art history and the recent Argentine past. She flirts with death and perversion so as to emphasize the violence we inflict upon ourselves, on animals, or on those we love. That is the framework for interpreting Animal Motion Planet (2004), a series of orthopedic devices for unborn animals. Following an early fascination with the issues of the Pinacoteca de los Genios (Gallery of Geniuses), she completed her university studies, and her development continued under the tutelage of sculptor Enio Iommi. She took a taxidermy course at the Museo Nacional de Ciencias Naturales in Rosario and later participated in a workshop with Pablo Suárez, who recommended her for the first group of the Barracas Workshop of the Antorchas Foundation. In 1995 she held a residency at the Houston School of Art. She also ventured into the industrial sector, where she learned to make silicone molds and polyester resin casts, which she then injected with flexible polyurethane foam. She used this technique to produce another of her most successful series, models of unborn animals with which she constructed friezes and sculptures, such as her Ternerobolas (Calf Balls), of up to 95 cm. in diameter. Two of her pieces can be found in the Museo Nacional de Bellas Artes collection. Her international career took off in 1998, when she represented Argentina at the São Paulo Biennial with her human skin boutique. Since then she has participated in many shows at museums throughout the world, notably Liverpool (1999), Tel Aviv (2002), and Zurich (2011). In 2000 she held a solo exhibition at Deitch Projects (New York). Gastronomy is another source of inspiration: she had created works from chains of chickens, and the with the bacchanal Cochon sur Canapé (Pig on a Canapé), which was sampled in 1993 at the J.B. Castagnino Museum in Rosario. Currently she is experimenting with molecular gastronomy and gelation, a glimpse of
which was provided at arteBA 2017. Her meeting with Gabriel Valansi in 2006 marked her entrance into the world of photography, with more than 30 images impersonating the works of Antonio Berni – La mujer del sweater rojo (The Woman in the Red Sweater) – which had so fascinated her in the pages of the Pinacoteca – Man Ray, Richard Avedon, Leonardo da Vinci, and Caravaggio. She won the Salón Nacional’s Grand Prize for that achievement in 2007. Her interest in video performance led her to create the self-referential work Trailer (2010) and to take on the historical figure of Eva Perón in Rapsodia inconclusa (Unfinished Rhapsody), with which she represented her country at the 55th Venice Biennial in 2013. This was a 360-degree panoramic video in which the artist reproduced Evita’s wardrobe, rooms, hairdos, and gestures. In 2014 she was the protagonist of her own biopic, La Artefacta, which was shown at film festivals and won an award at Rimini. Directed by Natalie Cristiani, this film blurs the borders between documentary and fiction, revealing its creative mechanisms. Her most recnt production features the Fountain of Life from Bosch’s The Garden of Earthly Delights in sculptural form, surrounded by a photographic frieze of a desert landscape: El Verdadero Jardín Nunca es Verde (The Real Garden Is Never Green), 2016.
Eduardo Stupía was born in Vicente López, Argentina, in 1951. He studied at the Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano in Buenos Aires. He is an essential figure in the redefinition of drawing within the field of contemporary Argentine art. He exhibits his work locally and internationally, and he has participated in competitions and salons since 1973. He was awarded the two most important art prizes his country offers: the Gran Premio del Salón Nacional and the Gran Premio del Salón Municipal Manuel Belgrano for Drawing. Initially his language was linked to the comics, but he soon developed a distinctive, personal style through line drawing, painting, and graphics, employing visual games in which his knowledge of art history, literature, film, and his passion for jazz converge. His large-scale works are free-wheeling improvisations, offering a counterpoint between areas of colorful filigree and dense calligraphy (with Asian influences), as well as others containing empty spaces or spreading blots, shadows, textures, preliminary sketches, and layers of glaze. Almost always achromatic, Stupía uses pencils of different thicknesses, charcoal, graphite, pastels, oils, oilbars, acrylics, or synthetic enamel. It is impossible to say if his work is drawing or painting. Stupía is a polymath. From 1992-2011 he was art director of the quarterly Diario de Poesía, and from 1999 to 2009 he designed cover art for Adriana Hidalgo Publishers. Currently he serves on the board of directors for the cultural journal Las Ranas. He has translated (from the English) novels and essays for several publishers. In the area of film, he directed media relations for several local distributors. Since 1986 he has taught Visual Arts, and he has been a judge for municipal and national competitions as well as for film festivals. He is one of the most discerning art critics on the circuit, the author of numerous reviews of artists and exhibitions, as well as a writer of articles on the esthetics and politics of art for local and international media. Together with Luis Felipe Noé, he has directed, since 2006, a cycle of drawing exhibitions at the Borges Cultural Center, La línea piensa (The Line Thinks). He is also a percussionist. Among other distinctions, he has been honored with the Leonardo Prize for Artist of the Year, First Prize in Drawing from the Arawak Art Foundation, First Prize in the Exxon Foundation Competition, and the Konex Platinum Prize. His work can be found in collections at MALBA, the Museo Nacional de Bellas Artes, the Museo de Arte Moderno, and the Museo Eduardo Sivori (all in the city of Buenos Aires); at the Museo de Arte Contemporáneo in Rosario (Macro), and in the Museo Caraffa in Córdoba, to name just a few. One of his installations from the 1980s was acquired by MoMA in New York and displayed between November 2007 and February 2008 as part of a collection called New Perspectives in Latin America Art 1930-2006: Selections from a Decade of Acquisitions. The Pérez Art Museum in Miami has added one of his more recent pieces. In 2012 Stupía was invited to the 30th São Paulo Biennial, where he presented a retrospective exhibition. In his own country he has held individual shows at the Centro Cultural Recoleta (1999, 2006, 2011), the Centro Cultural Parque España
in Rosario (2010), the Museo Nacional de Bellas Artes, Neuquén branch (2017) and at the Colección Fortabat (2017), in addition to exhibitions at various galleries. Under the auspices of Galería Jorge Mara-La Ruche he has participated in fourteen shows at the arteBA Fair between 2004-2017; at the Pinta Air Fair (2008, New York); on eight occasions at the Madrid ARCO Fair, between 2009-2017; at ArtRio (2012, 2013); at Basel Miami from 2011-2015; and at Basel Hong Kong (2013 and 2014). Additionally he has had exhibitions at Dan Galería, São Paulo (2009); at the Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia, Spain (2010); at Rosenfeld Porcini Gallery, London (2013); at various branches of Galería Xippas (2013, Punta del Este; 2014, Paris; 2015, Montevideo); and Baro Galería, São Paulo (2015). Especially noteworthy among the collective shows, salons, and prizes in which he has participated are: Contemporary Argentine Masterworks, at the International Gallery of the Smithsonian Institution, Washington, D.C. (2010); Realität und Utopie, Argentinas künstlerische Laufbahn der Gegenwart, Akademie der Kunste, Berlin, Germany (2010); Biennial of Drawing and Engraving, Taipei (1999); Salón de Dibujo Fundación de Arte Arawak (Santo Domingo, 1995, 1997); 9th Triennial of India (1997); and the Bienal de Arte Interamericano (Guadalajara, Mexico, 1994).
Pablo Siquier was born in Buenos Aires, Argentina, in 1961. He is one of the great Argentine artists to emerge from the decade of the 1980s. He studied at the Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón and at the workshops of Pablo Bobbio and Araceli Vázquez. He was a member of Grupo de la X, showing his work with them in 1987. Currently he shares a workshop with another member of that group, Jorge Macchi, in the Buenos Aires neighborhood of Villa Crespo. Siquier’s iconic works, inspired by geometry, are as monumental as they are minimalist. His style is immediately recognizable: intricate constructions made of black lines on a white background; he abandoned color in 1993. His system of representation consists of the shadow of a white object against a white background, its shape becoming evident only through the darkness it projects. At first it was just a symbol. Then the complexity of his shape systems began to increase. At first there were acrylic paintings. Later he began using self-adhesive vinyl. Sometimes his work invades the surrounding space in navigable installations made of iron, or alternatively expanding in the form of charcoal directly applied to walls. Demanding the highest standards of himself, he insists that each exhibition mark an evolution vis-à-vis the one, single painting he claims to be eternally creating. Methodical and detail-minded, he chooses the most difficult path: for example, he is capable of obsessive feats like the creation of a 13-meter-high mural made of lines calculated to the exact millimeter; a three-ton iron installation; or another project made of 5000 small, hand-painted wooden rods, each with 50 colored dots. His repertory arises from observing the façades and the combination of ornaments he watched for years from bus windows. In his creative process, he is interested in architectural elements, decorative motifs, abstract representations of the urban fabric, and signs developed by design. His geometry is infused with emotional content, like the drawing of a tablecloth from his childhood or the grill of an automobile. He is also inspired by minimalist music and classical literature. But above all, Siquier translates the spirit of the city into lines, while at the same time embellishing it: his murals – whether made of ceramic, painted, baked aluminum, vinyl, or enamel – can be found in emblematic places like the Carlos Pellegrini station of the subway “B” line, Güemes Sanatorium, Puerto Madero, and the Centro Cultural General San Martín. His indoor venues have included one-man shows at the Museo Nacional de Bellas Artes in Buenos Aires, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, the Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires, and the Museo Pedro de Osma in Lima, among others. He represented Argentina in the Mercosur Biennials in Porte Alegre (1999) and São Paulo (2004), Brazil; Havana, Cuba (2006); and Cuenca, Ecuador (1991). His work forms part of public and private collections in Brazil, France, Spain, the United States, Peru, Chile, and Argentina. Among other galleries, he has shown his work at Ruth Bencazar, Buenos Aires;
Baró, São Paulo; Karpio, San José, Costa Rica; Xippas, Paris and Geneva; Sicardi, Houston; and Von Hartz, Miami. He has been honored with the Harrods Art Prize, Salon Gunther (1991); the Spanish Ministry of Culture Fellowship (1991); the Fondo Nacional de las Artes Fellowship (1995); First Prize in the Novartis competition (1997); Honorable Mention in the Constantini Prize competition (1997); the Young Artist of the Year Prize from the Art Critics’ Association (1998); a Jury Honorable Mention in the Constantini Prize competition (1999 and 2000); the Civitella Ranieri Foundation Fellowship (2002); and the Konex Platinum Prize for Painting: 2007-2011 (2012), among others. Despite having been mostly self-taught, he has enjoyed a long teaching career. He is adjunct professor and Forbes Chair of Graphic Design since 1999 at the F.A.D.U. of the University of Buenos Aires, where he has taught since 1988. He has also held the titles of adjunct professor and Bisollino Chair of Painting Development at the Universidad Nacional de Artes since 2004, where additionally he teaches a Theoretical Production workshop. In 2010 he directed the Artwork Analysis Seminar for the Artists’ Program at the Universidad Tocuato Di Tella.
Liliana Porter nació en Buenos Aires, Argentina, en 1941. Es una de las artistas conceptuales más emblemáticas de su país. A través de grabados, pinturas, dibujos, fotografías, videos, instalaciones, teatro y arte público, investiga sobre la representación, sobre el tiempo, y sobre la relación con lo que llamamos realidad. Su obra es fácilmente reconocible, por esa mezcla de humor y angustia, banalidad y posibilidad de sentido. Por ejemplo, en la serie de fotografías Forty Years (2013) enfrenta su mano actual con la de los años 70, que es recorrida por una línea gestual trazada en lápiz sobre la pared. Muchas veces, pasa de la risa a la emoción a través de situaciones que construye con objetos encontrados, que aísla sobre un fondo neutro. Su recorrido en el arte comenzó temprano, a los 12 años, cuando ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano en Buenos Aires. De los 16 a los 19 años vivió y estudió artes plásticas en la ciudad de México, donde hizo su primera exposición, a los 17 años. Regresó a Buenos Aires para cursar la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y continuó formándose en el taller de grabado de la Escuela Superior Ernesto de la Cárcova, con los profesores Fernando López Anaya y Ana María Moncalvo. En 1964 viajó a Nueva York (desde entonces reside allí). Junto con Luis Camnitzer y José Guillermo Castillo fundó el New York Graphic Workshop, taller de grabado y centro de operaciones clave para el desarrollo del arte conceptual. En ese tiempo, Porter trabajaba con sombras, arrugas y el espacio
Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1961. Comenzó su formación en el taller de Ahuva Szlimowicz a los 9 años, en el que permaneció por una década. En 1974, a la edad de 13 años, realizó su primera muestra individual en la Galería Lirolay de Buenos Aires. Desde 1980 a la actualidad, ha realizado más de 50 muestras individuales en algunos de los más prestigiosos museos y galerías de arte contemporáneo de todo el mundo, entre las que se destacan las exhibiciones en The Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, 1991), Kunsthalle Basel (Basilea, 1990), Musée d’Art Contemporain (Montreal , 1993), Centro de Arte Hélio Oiticica ( Río de Janeiro, 1999), Museo de Arte del Banco de la República (Bogotá, 2006), The Drawing Center (Nueva York, 2012), Pinacoteca do Estado de São Paulo (Sao Paulo, 2014) y Centre PasquArt, (Biel, Suiza, 2017). El artista es representado por Hauser & Wirth y Sperone Westwater con quienes exhibe regularmente desde hace 25 años. Ha participado en innumerables muestras colectivas incluyendo las bienales de San Pablo (1985, 1989, 1998), Documenta IX (Kassel, 1992) Carnegie International (Pittsburgh, 1995), Istambul Biennale (Estambul, 2001), entre muchas otras exhibiciones internacionales. Su primera muestra antológica fue organizada por el IVAM (Valencia, 1993), y el Museo Rufino Tamayo (México D.F., 1993). En 1994 otra antológica de su obra pictórica Burning Beds, a Survey 1982-1994 se presentó en el Wexner Center for the Arts (Columbus, Ohio, 1994) y Whitechapel Art Gallery
Nicola Costantino nació en Rosario, Argentina, en 1964. Estudió Bellas Artes en su ciudad natal, y se especializó en escultura. Su mirada estuvo siempre atenta al quirófano de su padre cirujano tanto como al taller de costura de su madre. En esos dos ámbitos se encuentra el origen de muchas de sus obras. Por ejemplo, para Peletería con piel humana, 1997, creó una tela símil epidermis, con la que diseñó, cortó y cosió carteras, zapatos, vestidos y tapados. O Savon de Corps, 2004: un jabón hecho con un 3% de su grasa corporal, obtenida en una liposucción. Generó polémica, pero los jabones fueron tapa del catálogo de la muestra Dangerous Beauty (Belleza peligrosa) en el Chelsea Museum de Nueva York. Un corset de aquella piel integra la colección del MoMA. Escultora, taxidermista, cocinera, diseñadora, siempre en la búsqueda de nuevas técnicas y, desde hace un tiempo, protagonista de sus fotografías y videos, Costantino es una de las más celebradas artistas contemporáneas argentinas. Su obra nunca deja indiferente y esconde críticas políticas, económicas y sociales detrás de un aspecto de delicada belleza, además de citas a la historia del arte y al pasado reciente argentino.
Eduardo Stupía nació en Vicente López, Argentina, en 1951. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano de Buenos Aires. Es un artista fundamental en la redefinición del dibujo en el arte contemporáneo argentino. Expone local e internacionalmente, y participa en premios y salones desde 1973. Obtuvo los dos reconocimientos más importantes de su país, el Gran Premio del Salón Nacional y el Gran Premio del Salón Municipal Manuel Belgrano en la especialidad Dibujo. En sus inicios su lenguaje estuvo ligado al comic, pero pronto desarrolló una impronta personal y distintiva a través de líneas, pintura y grafismos, juegos gráficos donde convergen su conocimiento de la historia del arte, la literatura y el cine, y su pasión por el jazz. Sus obras de gran tamaño son zapadas de gestos libres e improvisados, donde hay contrapuntos entre zonas de filigrana abigarrada y espesas caligrafías (con rasgos orientales), y otras de vacío o expansión de manchas, sombras, texturas, borrones y acumulaciones de veladuras. Acromáticas casi siempre, utiliza lápices de diversos grosores, carbonilla, grafito, pastel a la tiza y al óleo, óleo en barra, acrílico o esmalte sintético. Es imposible decir si su obra es dibujo o pintura. Stupía cultiva múltiples saberes. Desde 1992 hasta 2011 ejerció la dirección de arte del periódico trimestral Diario de Poesía, y desde 1999 hasta el 2009 ha diseñado el arte de tapa de la Editorial Adriana Hidalgo. Actualmente, integra el Consejo de Dirección de la revista cultural Las Ranas. Es traductor
Pablo Siquier nació en Buenos Aires, Argentina, en 1961. Es uno de los grandes artistas argentinos surgidos en los años 80. Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y en los talleres de Pablo Bobbio y Araceli Vázquez. Integró Grupo de la X, con el que expuso en 1987. Con uno de los integrantes, Jorge Macchi, hoy comparte taller en el barrio porteño de Villa Crespo. La suya es una obra icónica, de inspiración geométrica, tan monumental como minimalista. Su estilo se reconoce a simple vista: intrincadas construcciones de líneas negras sobre fondo blanco –abandonó el color en 1993–. Su sistema de representación es la sombra proyectada de un objeto blanco sobre fondo blanco, y su forma sólo se evidencia por la oscuridad que arroja. Primero era sólo un símbolo. Luego fue incrementando la complejidad de sus sistemas de formas. Al principio eran pinturas en acrílico. Más tarde comenzó a emplear el vinilo autoadhesivo. La obra a veces invade el espacio en instalaciones transitables de hierro o se expande en carbonilla directamente sobre los muros. Exigente consigo mismo, cada muestra debe marcar una evolución respecto de ese único cuadro que dice estar siempre pintando. Detallista y metódico, elige el camino más difícil: es capaz, por ejemplo, de
vacío sobre el límite entre el objeto y su imagen. En la instalación participativa Arruga (1969), por ejemplo, acumula impresiones offset que se van arrugando. Pronto, en 1973 su obra fue exhibida en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, y fue premiada en la Bienal de Grabado de Cali, Colombia. En los ‘80 comenzó a incluir en sus narraciones el uso de objetos inanimados, juguetes y figuritas, un elenco de personajes que se fue convirtiendo en su sello. Con ellos compone diálogos entre seres de diferentes tiempos y ámbitos. Sus personajes fueron primero fotografiados, se metieron en el formato del cuadro y lo rompieron, borraron los límites del tiempo y las disciplinas, y llegaron más tarde al video. En la actualidad, salieron a la tercera dimensión en sus puestas teatrales. En cualquier formato, Porter construye escenas en las que reinan tanto el humor como lo siniestro, la ternura y el desazón, y una mirada poética de la vida. Su obra ha sido exhibida en más de 35 países, en más de 450 exposiciones colectivas, incluidas las del Museo de Arte Moderno, el Museo Whitney de Arte Americano, el Nuevo Museo, el Museo Tamayo, el Museo Blanton de Arte y el Museo J. Paul Getty. Fue reconocida con una beca Guggenheim en 1980, tres becas de la Fundación Nueva York para las artes (1985, 1996, 1999), el Mid Atlantic / NEA Regional Fellowship (1994) y siete premios de investigación PSC-CUNY (de 1994 a 2004). Fue profesora en Queens College, CUNY hasta 2007. Se han realizado exposiciones individuales de su obra en instituciones como el Museo Nacional de Artes Visuales en Montevideo; Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson en San Juan, Argentina; Museo de Arte de Zapopan en Guadalajara, México; Sicardi Gallery en Houston; Barbara Krakow Gallery en Boston, en Estados Unidos, y Galerie Mor-Charpentier en París. En 2017, el trabajo de Porter se incluyó en Viva Arte Viva, La Biennale di Venezia, 57ª Exposición Internacional de Arte, con una obra muy celebrada: El hombre con el hacha y otras situaciones breves, una instalación en la que condensa a sus personajes más recordados y otros nuevos en microrrelatos que componen una gran tragedia. También durante ese año, debutó con Domar al León y otras dudas, su tercera producción teatral en la segunda Bienal de Performance, Parque de la Memoria en Buenos Aires. Integra colecciones públicas y privadas como TATE Modern, Museo de Arte Moderno, Museo Whitney de Arte Americano, Museo Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires, Museo de Arte de Filadelfia, Museo de Bellas Artes en Santiago, Museo de Arte Fogg en la Universidad de Harvard, Museo de Arte Moderno en Bogotá, Museo del Barrio, Museo Metropolitano de Arte, Museo de Arte Americano Smithsonian, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Colección Daros. Galerías en Europa, América Latina y los Estados Unidos representan al artista.
(Londres, 1995). Su muestra retrospectiva Guillermo Kuitca, Obras 1982 2003 organizada por el Museo Reina Sofía de Madrid se presentó primero en España para luego viajar al Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) después de 17 años sin exponer en la Argentina. En los Estados Unidos, Everything: Guillermo Kuitca, Paintings and Works on Paper 1980- 2008, se exhibió entre 2009 y 2011 en el Miami Art Museum (Miami), Walker Art Center (Minneapolis), Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington) y Albright-Knox Art Gallery (Buffalo). Su obra es parte de colecciones públicas y privadas del mundo entero entre las que figuran el Metropolitan Museum of Art y el MoMA de Nueva York, The Art Institute of Chicago, la Tate Gallery de Londres, el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, el LACMA de Los Angeles, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el 21st Century Museum of Contemporary Art de Kanasawa, Japón, The Museum of Fine Arts de Houston, el Museo Nacional de Bellas Artes y MALBA-Colección Costantini, de Buenos Aires, entre muchos otros. En 2007, Guillermo Kuitca es el artista elegido para representar a la Argentina en la 52 Bienal de Venecia, además de ser invitado a participar simultáneamente en el pabellón internacional de la misma Bienal. En 1991, Kuitca crea el Programa de Talleres para las Artes Visuales en Buenos Aires. Conocido como la Beca Kuitca y siempre en asociación con diversas instituciones culturales y educativas, se constituye en un espacio de trabajo y discusión para más de cien jóvenes artistas y nuevos talentos en distintas disciplinas, que fueron becados desde la creación del programa. En el 2004, es designado Profesor Honorario de la Universidad de Buenos Aires (UBA). Su actividad teatral incluye la dirección de sus propios espectáculos Nadie olvida nada y El mar dulce en 1982 y 1984, respectivamente. Entre sus trabajos de Iluminación y escenografía se destaca, en 2002, el diseño escenográfico para La casa de Bernarda Alba, de García Lorca en la Sala Martín Coronado del Teatro San Martín. En 2003, realiza la escenografía de Der Fliegende Holländer, de Richard Wagner, para el Teatro Colón de Buenos Aires. En 2008, el Metropolitan Opera House de New York, invita a Kuitca a realizar la primera muestra individual de la recién inaugurada Gallery Met. En 2009, Kuitca recibe el encargo de diseñar el telón permanente de la Winspear Opera House en Dallas nueva sede de la Opera de Dallas. En 2014, por invitación de la Fondation Cartier pour l’artcontemporain de París selecciona obras de la colección y presenta allí la exposición Les habitants. En 2017, llega al Centro Cultural Kirchner de Buenos Aires como Les visitants, en una nueva versión expandida, que comprende la obra de 23 artistas internacionales -entre ellas la instalación de Kuitca “David’s Living Room Revisited”un espacio pictórico sonoro en colaboración con David Lynch y Patti Smith. En 2017, las editoriales KBB y JRP/Ringier publican un libro que compila una extensa selección de 500 dibujos realizados entre 1971 y 2017.
Coquetea con la muerte y la perversión para poner de manifiesto la violencia que infligimos sobre nosotros mismos, sobre los animales o sobre quienes queremos. En ese sentido hay que leer Animal Motion Planet, (2004), una serie de máquinas ortopédicas para animales nonatos. Luego de una temprana fascinación con los fascículos de la Pinacoteca de los Genios, pasó por la universidad, y su formación continuó con el escultor Enio Iommi. Tomó un curso de taxidermia en el Museo Nacional de Ciencias Naturales de Rosario, y después participó en una clínica de obra con Pablo Suárez, quien la sugirió para el primer grupo del Taller de Barracas de la Fundación Antorchas. Durante 1995 residió en la Houston School of Art. También incursionó en industrias donde aprendió a hacer moldes de silicona y matricería en resina poliéster, a los que luego inyecta espuma flexible de poliuretano. Con esta técnica logró otra de sus series más exitosas, la de los calcos de animales nonatos con los que construyó frisos y esculturas como los Ternerobolas de hasta 95 cm de diámetro. Dos piezas integran el acervo del Museo Nacional de Bellas Artes. Su carrera internacional despegó en 1998, cuando representó a la Argentina en la Bienal de San Pablo con su boutique de piel humana. Desde entonces participa en numerosas muestras en museos de todo el mundo, entre los que se destacan Liverpool (1999), Tel Aviv (2002) y Zurich (2011). En 2000 realizó una muestra individual en Deitch Projects (Nueva York). La gastronomía es otra inspiración: ha hecho obras de cadenas de pollos y la bacanal Cochon sur canapé, que se degustó en 1993 en el Museo J. B. Castagnino de Rosario. Actualmente se encuentra experimentando en cocina molecular y gelificaciones, que anticipó en arteBA 2017. El encuentro con Gabriel Valansi en 2006 significó su entrada al mundo de la fotografía, con más de 30 imágenes en las que personifica obras de Antonio Berni –La mujer del sweater rojo, que tanto le fascinaba en las páginas de la Pinacoteca–, Man Ray, Richard Avedon, Leonardo da Vinci y Caravaggio. Ganó el Gran premio de honor del Salón Nacional por esa labor en 2007. Su interés en la videoperformance la condujo a crear la obra autorreferencial Trailer (2010), y a abordar un personaje histórico como Eva Perón en Rapsodia Inconclusa, con la que representó al país en la 55ª Bienal de Venecia, en 2013. Una videoinstalación inmersiva en la que la artista reproduce su vestuario, ambientes, peinados y gestos. En 2014 fue protagonista de su propia película biográfica, La Artefacta, que recorrió festivales y salió premiada de Rímini. Con dirección de Natalie Cristiani, los límites del documental y la ficción se desdibujan para mostrar sus mecanismos creativos. Su última producción tiene a la Fuente de la Vida de El Jardín de las Delicias del Bosco como protagonista hecha escultura, rodeada por un friso fotográfico con un paisaje desértico: El Verdadero Jardín Nunca es Verde, (2016).
de inglés, y ha traducido novelas y ensayos para varias editoriales. En el área cinematográfica, se desempeñó como jefe de prensa de diversas distribuidoras locales. Ejerce la docencia en Artes Visuales desde 1986, y ha actuado como jurado en premios municipales y nacionales, y en festivales cinematográficos. Es uno de los más refinados críticos de arte del circuito, autor de numerosas reseñas sobre artistas y exposiciones, así como de notas sobre estética y políticas del arte publicadas en medios locales e internacionales. Con Luis Felipe Noé, dirige desde 2006 un ciclo de exposiciones de dibujo en el Centro Cultural Borges, La línea piensa. Como músico, es percusionista. Entre otras distinciones, ha sido galardonado con el Premio Leonardo al Artista del Año, Primer Premio de Dibujo de la Fundación de Arte Arawak, Primer Premio Exxon Foundation Award, y el Premio Konex de Platino. Su obra integra las colecciones del Malba, Museo Nacional de Bellas Artes, Museo de Arte Moderno y Museo Eduardo Sívorí, en la ciudad de Buenos Aires; del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro) y del Museo Caraffa de Córdoba, entre otros. Uno de sus trabajos de los años 80 ha sido adquirido por el MoMA de Nueva York y expuesto, entre noviembre de 2007 y febrero de 2008, en la muestra grupal New Perspectives in Latin American Art 1930-2006: Selections from a Decade of Acquisitions. El Pérez Art Museum de Miami ha incorporado una de sus piezas más recientes. En el año 2012 fue artista invitado a la 30ª Bienal de San Pablo, en la que presentó una muestra antológica. En su país, ha realizado muestras individuales en el Centro Cultural Recoleta (1999, 2006, 2011), Centro Cultural Parque España de Rosario (2010), Museo Nacional De Bellas Artes, sede Neuquén (2017) y en Colección Fortabat (2017), además de exposiciones en diversas galerías. Con la galería Jorge Mara-La Ruche ha participado en 14 ediciones de la feria arteBA entre 2004 y 2017; en Pinta Art Fair (2008, Nueva York); en ocho oportunidades en la feria madrileña ARCO, entre 2009 y 2017; en ArtRio (2012, 2013); en Basel Miami (2011 a 2015), y Basel Hong Kong (2013 y 2014). En el exterior, expuso en Dan Galeria, San Pablo (2009); en el Instituto Valenciano de Arte Moderno, Valencia, España, (2010); Rosenfeld Porcini Gallery, Londres (2013); en diversas sedes de la Galería Xippas (2013, Punta Del Este; 2014, París; 2015, Montevideo) y Baro Galeria, San Pablo (2015). Entre las muestras colectivas, salones y premios en los que ha participado se destacan Contemporary Argentine Masterworks, International Gallery, Smithsonian Institution, Washington D.C. (2010); Gegenwart Realität und Utopie, Argentinas künstlerische Laufbahn der Gegenwart, Akademie der Kunste, Berlín, Alemania, (2010); Bienal de Dibujo y Grabado de Taipei, China (1999); Salón de Dibujo Fundación de Arte Arawak (Santo Domingo, 1997, 1995); 9th Triennial Of India (1997), y Bienal De Arte Interamericano (Guadalajara, México, 1994).
proezas obsesivas como un mural de 13 metros de líneas pensadas al milímetro, una instalación de tres toneladas de hierro u otra de 5.000 pequeñas varas de madera pintadas a mano con 50 puntos de colores cada una. Su repertorio nace de la observación de las fachadas y la combinación de ornamentos que vio durante años desde las ventanas de los colectivos. En su proceso creativo le interesan las estructuras constructivas, los motivos decorativos, las representaciones abstractas del tejido urbano y los signos desarrollados por el diseño. En su geometría se filtran contenidos emocionales y afectivos, como el dibujo de un mantel de la infancia o la parrilla de un automóvil. También lo inspiran la música minimalista y la literatura clásica. Pero más que nada, Siquier traduce en líneas el espíritu de la ciudad, y a la vez, la embellece: sus murales de cerámicos, de aluminio pintado y horneado, de vinilo o de esmalte pueden verse en lugares emblemáticos como la estación Carlos Pellegrini de la línea B del subte, en el Sanatorio Güemes, en Puerto Madero o en el Centro Cultural General San Martín. Puertas adentro, expuso de manera individual en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires y en el Museo Pedro de Osma de Lima, entre otros. Representó a la Argentina en las bienales de Mercosur, Porto Alegre (1999) y San Pablo (2004), Brasil, la Habana, Cuba (2006), y Cuenca, Ecuador (1991). Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas en Brasil, Francia, España, Estados Unidos, Perú, Chile y la Argentina. Entre otras galerías, exhibió su obra en Ruth Benzacar, Buenos Aires; Baró, San Pablo; Karpio, San José de Costa Rica; Xippas, París y Ginebra; Sicardi, Houston, y Von Hartz, Miami. Ha merecido las distinciones Harrods en el Arte, Salón Gunther (1991); Beca del Ministerio de Cultura de España (1991); Beca del Fondo Nacional de las Artes (1995); Primer Premio Novartis (1997); Mención, Premio Constantini (1997); Premio al Artista Joven del Año, otorgado por la Asociación de Críticos de Arte (1998); Mención del jurado, Premio Constantini (1999 y 2000), Beca Civitella Ranieri Foundation (2002), y Premio Konex de Platino en la categoría Pintura: Quinquenio 2007–2011 (2012), entre otros. Pese a su formación mayormente autodidacta, tiene una larga carrera docente. Es profesor adjunto de la carrera de Diseño Gráfico de la F.A.D.U. de la Universidad de Buenos Aires, Cátedra Forbes, desde 1999, donde fue docente desde 1988. También es profesor Adjunto de la Cátedra Bisollino, Proyectual de Pintura, en la Universidad Nacional de Artes desde 2004, donde además dicta un Taller de Producción Teórica. En el Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella, dirigió en 2010 el Seminario de Análisis de Obra.
THE ACQUISITION OF CONTEMPORARY TESTIMONY BECOMES A GIFT THAT TRANSFORMS AND IMPROVES THE LIVES OF THOUSANDS PEOPLE.
AMIA: The Jewish Community of Argentina
OUR MISSION: To foster the wellbeing and development of Jewish life in Argentina at individual, family and institutional levels, in order to ensure continuity, support the values of our people and consolidate our sense of Community.
OUR VISION: To be the best social organization in Argentina and to carry out our activities through actions based on Jewish values.
OUR VALUES: Life. Memory. Justice. Tradition. Continuity. Equality. Respect. Solidarity.
AMIA IN NUMBERS:
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