Clemens Wolf #2

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Galerie Nikolaus Ruzicska, Salzburg, September 28, 2017 Opening address by Günther Oberhollenzer Clemens Wolf’s studio in Vienna’s 15th district is a highly charged place. Charged by the force and the presence of the works created here, but also by the passion and enthusiasm of the artist, which are utterly charming and engaging. When you look around—it is an art space and at the same time a workshop, storeroom, and to a certain extent a living space as well—you’ll be in no doubt: Wolf knows exactly what he’s doing. Be it stencil painting, steel or wire mesh objects, analogue black and white landscape photography or indeed the new parachute pieces: the creative execution is confident and clear, the design idiom precise and unembellished. Wolf is an artist for whom direct craftsmanship, working away at the material, are still hugely important. He masters the materials he uses with the utmost accomplishment, indeed he plays with them: the cheap packing paper becomes a widely used tool, the worked steel a lightweight ornament, the old wire mesh fence an abstract geometric panel painting, and the obsolete parachute an object for sculptural painting. I first met Clemens Wolf in 2008 in the context of the Austria Contemporary exhibition at the Essl Museum. Together with my colleague Christine Humpl, I was on the hunt for new, exciting artistic positions, emerging artists. At the time, we were won over by the precision and pictorial sense with which Wolf explored urban space. In his search for places that have been abandoned to nature, empty industrial complexes or dilapidated ruins, but also building sites cordoned off by fences and barriers, he is fascinated by the aura of decay, as well as by the incompleteness and the ambiguity of the menace that emanates from these places. He transforms that which is visible into an individual formal idiom, whereby the stroke of artistic genius lies in the creative potential of the stencil, with which he is familiar from his time as a graffiti and street artist, and which he knows how to transpose from the wall to “traditional” art media, particularly canvas painting. Having left the stencil, initially a mere tool, on the canvas of some paintings, thereby making it an integral, almost relieflike component of the image, he subsequently elevated it to an artwork in its own right by cutting fence patterns out of massive steel panels using a Fast keine Bühne mehr, 2007 plasma cutter. Like three-dimensional drawings, he hangs these on the wall or positions them in a space. The grid structure is not only a component of Wolf’s work process, but indeed represents essential thematic content as a grille or mesh. The construction site or wire mesh fence—an urban barrier and symbol of delineation as well as transparency—is a longstanding feature, an ever-recurring motif. In the exhibition, we see a series of entirely new images in which the structures seem to dissolve to a greater extent (Expanded Metal Painting). Here Wolf has exchanged the paintbrush for a length of metal, a geometric grid form. “I no longer depict,” the artist stresses, “rather, I use the material to create an arrangement, an orchestration.” Wolf is detaching himself from depiction (of industrial plants, fences and barriers, of a composed reproduction) and shifting the composition and the material to the foreground more than ever before. He is liberating himself from a planned way of working, and is freer, more spontaneous and more intuitive in his execution—which I like to consider more of an artistic transformation than a development. At the same time, he constantly asks himself to what extent one can abstract an object. Initially still thoroughly structured, the images become ever less figurative across a number of micro-steps, the structures becoming blurred and the length of metal virtually unrecognizable. As a result, geometric forms become something almost organic. Wolf has us participate directly in this process of dissolution, we see the traces of the work; nothing is wiped away or disguised. This process is underpinned by a conceptual approach, a focus on form inherency and self-referentiality in material and technique. It is a type of painting with self-reflexive


Günther Oberhollenzer

intensification, which develops from the handling of the painting and is reflected in its fundamental characteristics; a kind of painting whose focus is on the formation of the color, the material, the work process. Yet every concept is senseless if it is not sensory, the artist says. Wolf is a great advocate of sensoriality—the surface of the painting, the folds (which we have yet to touch upon), the length of metal, the rhythmic waves that develop from this … all of this makes music. From the intuitively felt and unforeseen an immediate visual and haptic tension emerges—just as heartache is the defining force behind intense, good blues music. Wolf continually reinvents his art and skillfully explores the boundaries of painting and sculpture. Some time ago he discovered a new material for himself and his work that is not normally associated with art: parachute fabric. In the Paintings he still used it in a rectangular format as if it were a theater-like curtain, but he moved on and now arranged Expanded Metal Painting #14, 2017 it—as in the works on display here (Parachute Objects)—freely as tondi in the space. Even if this represents an entirely new step in Wolf’s artistic work, continuities are visible in the use of waste materials (the artist uses obsolete parachutes that are more than twenty years old) and in the exploratory addressing of material and surface. Two types of parachute, the reserve parachute and the main parachute, are treated with epoxide resin and oil. Wolf places great emphasis on revealing the material, since the two types are different in terms of texture: the reserve chute is uncoated, while the main chute is coated, which means that (as with different canvases), the resin and the oil paint are absorbed differently. Wolf dips the chutes in resin and paint and designs circular shapes with a powerful arrangement of folds, which he intuitively and deliberately makes not entirely symmetrical. The resin dries in around half an hour, so that is the amount of time he has for his composition. Then it has to be just right—an irretrievable moment as corrections are no longer possible. The artist cannot say precisely where the paint is ultimately going to hold; controlled chance plays an important role here. Wolf recycles everything, including the parachute cords and the residual resin. The Line Drawings are powerful, spontaneously sketched drawings in the truest sense, but there is also something very delicate about them. They are reminiscent of an expressive, abstract kind of painting, as well as of Japanese calligraphy, whereby the title includes a little wordplay, since “line” refers to both the cords and the lines of the drawing. When does painting begin? What can painting still signify in this day and age? For Wolf, painting is light and space; as far as the artist is concerned the classic panel Line Drawing #2 (blue), 2017 image is an unsatisfactory way of expressing oneself artistically; he detaches himself from definitional limitations and two-dimensional boundaries. For him, everything can be painting. His work involves experimentation with the possibilities painting offers, with creative work processes and questions of composition. Under the dictate of composition, material and surface are molded, given a surface feel and a sensoriality, while aesthetic moments are captured and conserved. As, for example, with the fold, the “grande dame” of painting, or the flowing rhythm of a length of metal. Yet ultimately it is about that magical moment when Wolf no longer thinks, when he forgets construction and theory and finds his own authentic expression, honestly and entirely in control of himself. When he leaves his comfort zone, dances nimbly to his own rhythm, in his natural movement, it is in this flow that he composes wonderful works of art in which we can all share.

Günther Oberhollenzer




Galerie Nikolaus Ruzicska, Salzbourg, le 28 septembre 2017 Discours d’ouverture de Günther Oberhollenzer

L’atelier de Clemens Wolf, situé dans le 15ème arrondissement de Vienne, est un lieu envoûtant. Imprégné de l’énergie, de la présence des œuvres exposées, mais aussi de la passion et de l’enthousiasme de l’artiste, tout cela vous happe et vous enveloppe. On regarde autour de soi, dans cet espace artistique qui est en même temps un atelier, un dépôt et aussi un peu un espace d’habitation, et là, une chose est sûre : Wolf sait exactement ce qu’il fait. Qu’il s’agisse de peinture au pochoir, de ses objets en acier et en grillage, de photographie de paysages, analogue, en noir et blanc ou bien de ses nouveaux objets à base de parachutes : la réalisation artistique est claire, assurée, le langage des formes précis se passe d’accessoires. Wolf est un artiste qui accorde beaucoup d’importance au travail manuel, directement sur la matière et pour qui travailler les matériaux est primordial. C’est avec brio qu’il maîtrise les matières premières utilisées, qu’il joue avec elles : un banal papier kraft devient une ressource précieuse utilisée à profusion ; l’acier est travaillé et transformé en ornement léger, le vieux grillage de fer devient un tableau abstrait géométrique et le parachute usagé est recyclé en objet peint sculptural. C’est en 2008 que j’ai fait la connaissance de Clemens Wolf dans le cadre de l’exposition Austria Contemporary au musée Essl. En compagnie de ma collègue Christine Humpl, nous étions à la recherche de nouvelles approches artistiques intéressantes, ce que l’on appelle les emerging artists. A l’époque, Wolf nous avait convaincus par la qualité de son regard de peintre, explorant précisément l’espace urbain. Quand l’artiste se met à la recherche de terrains vagues abandonnés, de sites industriels délaissés, de ruines délabrées, ou de chantiers entourés de grilles et de barrières, c’est l’aura du délabrement, de l’inachevé et de la menace polyforme qui en émane, qui fascine l’artiste. Il transforme ce qu’il voit en un langage formel personnel où le génie du geste artistique réside dans le transfert du potentiel créatif du pochoir – technique qu’il maîtrise parfaitement en tant qu’ancien artiste de rue, graffeur – du Fast keine Bühne mehr, 2007 mur de rue vers un support plus traditionnel comme la toile. Le pochoir, à l’origine un simple outil, reste souvent apposé sur la toile ; en relief sur la surface, il devient partie intégrante de l’œuvre. Puis, Wolf le transforme en objet artistique à part entière en découpant au plasma des motifs de clôture à partir de plaques d’acier massif. Tels des dessins en trois dimensions, il les accroche alors au mur ou les dispose dans l’espace. La structure de grille est plus qu’une composante de son processus de travail, elle forme un quadrillage, un réseau qui véhicule un contenu essentiel. Le grillage et la clôture de chantier, barrières urbaines par excellence, symboles de démarcation, mais aussi de perméabilité marquent fidèlement, en motif récurant, l’œuvre de l’artiste. Dans l’exposition, nous pouvons voir une série de tableaux complètement nouveaux dans lesquels les structures semblent se dissoudre encore plus (Expanded Metal Painting). Il a troqué son pinceau contre un morceau de métal déployé, une forme géométrique de grille. « Je ne représente plus », souligne l’artiste, « je prends le matériau pour créer un arrangement, une mise en scène. » Wolf se détache ainsi de la représentation (de sites industriels, de grillages et de barrières, d’une reproduction composée), il replace la composition et le matériau au premier plan. Il s’émancipe d’un processus de travail planifié, il est plus libre, spontané, intuitif – signifiant plutôt une transformation artistique qu’un développement. En même temps, il pose continuellement la question de savoir jusqu’où 67

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rendre abstrait un objet. Encore structurés au début, les tableaux deviennent peu à peu, au fil de « mini-pas », de moins en moins figuratifs : les structures s’estompent, le métal déployé est à peine reconnaissable. Et ainsi, les formes géométriques acquièrent un aspect organique. Wolf nous donne à voir directement ce processus de dissolution : nous voyons les traces du travail, rien n’est effacé, ni dissimulé. Cette démarche repose sur une approche conceptuelle et suppose une confrontation à l’inhérence de la forme, à l’autoréférence au matériau et à la technique. Cette peinture, où l’autoréflexivité est poussée à son paroxysme, est issue du geste du peintre, renvoie aux qualités fondamentales de la peinture-même. Une peinture qui, lors de sa conception, se concentre sur la couleur, le matériau et sur le processus créatif. Or, un concept dépourvu de sensualité n’a pas de sens, selon l’artiste. Wolf est un fervent défenseur de la sensualité – la surface peinte, les plis (nous en reparlerons), le métal déployé duquel surgissent ces ondes rythmiques... créant une certaine musique. A partir du ressenti intuitif et de l’imprévu naît cette tension visuelle quasi palpable – il en est de même pour tout bon blues : c’est la peine de cœur qui donne l’impulsion créatrice. Wolf réinvente sans cesse son art et sonde habilement les frontières entre peinture et sculpture. Depuis quelque temps, il a découvert pour son travail un Expanded Metal Painting #14, 2017 nouveau matériau, inhabituel sur la scène artistique : la toile de parachute. Dans ses Paintings, il l’utilisait tel un rideau de théâtre, dans un format carré. Désormais, comme on peut la voir dans les œuvres présentées (Parachute Objects), il l’arrange en tondo en composition libre dans l’espace. Ces arrangements représentent certes un pas artistique tout nouveau, mais témoignent d’une continuité évidente dans l’utilisation de matériaux usagés (l’artiste utilise des parachutes mis au rebut, vieux de plus de vingt ans), ainsi que de son exploration constante des matières et surfaces. Deux sortes de parachutes, le parachute principal et celui de réserve, sont enduits de résine époxyde et d’huile. Wolf tient à distinguer les deux matériaux car ils sont de qualités différentes : contrairement au parachute principal, le parachute de réserve n’est pas enduit. Ainsi, les toiles respectives (comme les différentes sortes de toiles pour tableaux) absorbent différemment la résine et l’huile. Wolf plonge les parachutes dans la résine et dans l’huile, puis compose des formes circulaires aux drapés profonds dans un geste intuitif et consciemment asymétrique. La résine sèche en une demi-heure environ, le temps imparti à la composition. Et là, moment crucial et irréversible, l’œuvre est figée, corrections impossibles. L’artiste ne peut pas savoir exactement où la peinture sera au final. Le hasard orchestré joue un rôle important. Wolf utilise tout, jusqu’aux suspentes des parachutes, aux restes de résine. Les Line Drawings sont, au sens premier du terme, des dessins spontanés, forts, comme jetés sur le support, où réside en même temps quelque chose de filigrane et de délicat. Elles nous rappellent tout autant la peinture abstraite expressive que la calligraphie japonaise. Sans oublier que leur titre contient un petit jeu de mots : « line » en anglais renvoie au « lien » et à la « ligne ». Où commence la peinture ? Que signifie la peinture aujourd’hui ? Pour Wolf, la peinture est lumière et espace ; pour l’artiste, l’espace classique du tableau Line Drawing #2 (blue), 2017 ne suffit pas à son expression artistique, et c’est ainsi qu’il s’extrait des restrictions définies et des limites bidimensionnelles. Pour lui, tout peut être peinture. Son travail est l’expérimentation des possibilités offertes par la peinture, selon un parcours de création et dans une recherche de composition. Sous le diktat de la composition, les matières et les surfaces sont formées et elles deviennent haptiques, sensuelles : l’artiste capture des moments esthétiques pour mieux les conserver : tel le pli, la « grande dame » de la peinture ou le rythme fluide du métal déployé. Mais en fin de compte, il s’agit de cet instant magique où Wolf ne pense plus, oublie la construction et la théorie pour trouver son expression authentique, sincère et toute à lui. Et, quand il quitte sa zone de confort, il danse, léger, à son rythme, retrouvant son mouvement naturel et, dans ce flux, il compose de merveilleuses œuvres d’art auxquelles il nous convie tous.

Günther Oberhollenzer