Revista Diversidad 2016

SEAMOS NOSOTROS,

SEAMOS ALEGRES

#30 Canvas

Una idea que se convirtiรณ en RAYARTE

30 motivos para celebrar

octubre 2016

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INDICE

Palabras del Decano Byron Rabe

A LAS PUERTAS DEL CONGRESO

RAYARTE 2016

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MOTIVOS PARA

CELEBRAR

Noviembre 2016 Octavo semestre - Diseño Gráfico.

Universidad de San Carlos de Guatemala Diagramación: Claudia Alvarado Fernando Juárez Michelle Bishop Ilustración: Michelle Bishop

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Un vistazo a la gráfica

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AÑOS DISEÑADORES DÍAS

UNA IDEA QUE SE CONVIRTIO EN

RAYARTE

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Palabras del Decano Byron Rabe

E

s casi como un espejismo que se presenta difuso entre la distancia del tiempo y la resonancia de las ideas y las emociones. Es el efecto del tiempo y los recuerdos. Y es que sin darme cuenta han pasado 30 años llenos de vicisitudes y logros, de alegrías y sinsabores. 30 años que nos han dejado saudades y una cantidad de enseñanzas y experiencias.

Todo inició cuando el decano Eduardo Aguirre, formara una comisión para crear la carrera de Diseño Gráfico integrada por jóvenes profesionales que tenían entre 25 y 30 años. Todos soñadores con la sensación de tener el mundo en la mano, amantes del arte y el diseño, energéticos y optimistas, pero sobre todo, con nuevas ideas y expectativas y abiertos a enfrentar un nuevo mundo que se hacía prometedor y lleno de retos. Esta comisión la integramos con Gladys Mendizábal, Roberto Leal, Felipe Hidalgo, Salvador Gálvez y Zully Molina.

Tras varios meses de trabajo, entre diferencias y coincidencias, entre reclamos y risas, entre sueños y esfuerzos, la comisión presentó la propuesta de creación del Programa de Técnico Universitario de Diseño Gráfico. Nuestra mayor alegría se dio cuando la propuesta fue aprobada por el Consejo Superior Universitario en noviembre de 1986, hace exactamente 30 años. Y para mi una doble satisfacción, cuando ese mismo mes, la Junta Directiva me honró con nombrarme el primer director de la carrera.

A inicios de 1987 se iniciaron las labores académicas y administrativas.

Desde un principio la carrera se planteó con un enfoque innovador que perseguía la vanguardia en lo tecnológico, en lo social y en lo didáctico. Se partió de un modelo educativo basado en el Lenguaje Total de la Educación que orientaba el plan técnico pedagógico y

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buscaba una mayor claridad y comprensión de lo que se esperaba lograr en la carrera de forma integral. Se desarrollaban jornadas de actualización e integración docente en las que participábamos alegres y generosos. Se impulsaron cursos para el trabajo en equipo, para la planeación didáctica, para la enseñanza de la creatividad. Muchas acciones y actividades académicas, sociales y culturales. Pero quizás lo más importante fue el nivel de coordinación y entrega del sector docente y la armonía e identificación del sector estudiantil.

Lo que más nos ayudaría en épocas posteriores fueron los sólidos fundamentos sobre los que la carrera se formó.

Pero como pasa en la vida, no todo fue color de rosa. Con mucha tristeza e incertidumbre, en 1990 dejé la dirección de la carrera debido a que se habían elegido nuevas autoridades facultativas.

A partir de entonces comenzaron a surgir confrontaciones entre arquitectura y diseño gráfico y entre estudiantes y docentes con las nuevas autoridades. Sólo el coraje de ese entonces evitó que la creciente profesión del diseñador visual desapareciera de nuestra universidad. Las nuevas autoridades cortaron el apoyo, bloquearon el proceso de graduación, agregaron requerimientos para los créditos extracurriculares, ya difíciles de adquirir por la evidente animadversión de la AEDA hacia los alumnos de la nueva carrera. Incluso se prohibió que los docentes de Diseño Gráfico impartieran clases, pero la mayoría incumplió esta orden, dando clases hasta en los patios y gradas. En fin, pasaron muchas cosas durante este período, pero gracias a la energía de toda la comunidad de Diseño Gráfico se logró una unión impresionante entre docentes y estudiantes.

La confrontación llegó a tal punto que el Consejo Superior Universitario tuvo que intervenir y acordó en mayo de 1993, la elaboración de un Proyecto de creación de la Escuela no facultativa de Diseño Gráfico. El Proyecto lo entregamos en agosto de 1993. Incluía el diseño del edificio para la escuela, la creación de la Licenciatura de diseño gráfico y de otras carreras como diseño industrial y artesanal, diseño del paisaje, diseño textil y diseño de interiores. Una vez cumplida la tarea de elaborar el Proyecto de Creación de la Escuela no Facultativa de Diseño Gráfico, sólo quedaba que fuera aprobado

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por el CSU, pero esto nunca sucedió.

El escenario volvería a cambiar en 1994 cuando tomó posesión como decano el arquitecto Julio Corea y tuve el honor de ser seleccionado por Junta Directiva, como secretario de la facultad. Con mayor voluntad política y acciones creativas, se logró resolver la situación y encaminar nuevamente la carrera de Diseño Gráfico. Parecía que por arte de magia los problemas sustantivos habían desaparecido y diseño gráfico comenzó a fortalecerse de nuevo.

Con la creación del Pensum 95 de Arquitectura, se acordó crear un semestre de área común entre arquitectura y diseño gráfico.

Esta decisión, además de buscar la eficiencia administrativa y el mejoramiento académico de ambas carreras, perseguía evitar que se formaran posiciones antagónicas, dando la oportunidad de que los estudiantes de ambas carreras se conocieran desde un principio y convivieran pacíficamente dentro de la facultad. Pronto las diferencias fueron superadas. Años después otra administración eliminaría el área común.

En el 2004 inició la licenciatura en diseño gráfico que se había planteado desde la época de la crisis. Posteriormente durante varios años trabajamos para actualizar el enfoque curricular y crear un innovador pensum, que comenzó a funcionar a partir de 2011. En la actualidad se está haciendo una nueva revisión al pensum de la carrera que contiene otra serie de innovaciones y actualizaciones. La permanente visión de actualización curricular ha permitido fortalecer la enseñanza del diseño y ha llevado a que estudiantes y docentes estén haciendo historia a nivel nacional e internacional, de lo cual estamos muy orgullosos.

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Quienes iniciamos diseño gráfico y quienes se han ido incorporando a los largo de estos 30 años, sabemos que esta carrera tiene magia, produce éxtasis de entusiasmo y creatividad, hace que nos sintamos mejor y nos realicemos personal y profesionalmente. Con todas nuestras diferencias formamos una gran familia que camina con distintas ideas y sobre disímiles recovecos que persiguen un alto nivel de calidad y desempeño.

A estas alturas se ha demostrado que los temores que se tenía al principio, cuando algunos personajes se oponían a la creación de las carrera, eran infundados. La pertinencia social de la carrera, su identificación con la filosofía de la Universidad de San Carlos y el el beneficio que puede generar para el desarrollo de nuestro país, están mas que comprobados.

Hoy después de 30 benditos años, doy gracias a la omnipresencia que hizo factible este reto; a quienes pusieron su esfuerzo por proponer, sostener y desarrollar una increíble carrera, y a los docentes y estudiantes que se han subido al poderoso viento que recorre el espacio sutil del pensamiento creativo, que lleva, al alucinante mundo de la imagen.

Un brindis con el néctar de las musas, por el engrandecimiento permanente de una carrera noble por naturaleza e innovadora por principio, que ha sabido adaptarse a cada situación y a cada época .

Felicidades a toda la comunidad de Diseño Gráfico.

Byron Rabe DECANO

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A LAS PUERTAS DEL CONGRESO

RAYARTE 2016 Escrito por Lic. Luis Gustavo Jurado Duarte

A

rriba, abajo, adelante, atrás.

Sin importar a donde orientes tu vista, te darás cuenta que es prácticamente imposible encontrar un espacio libre de imágenes visuales.

Es posible que algunas imágenes llamen poderosamente nuestra atención. Otras posiblemente pasen inadvertidas, lo cierto es que nunca antes como hoy, la imagen visual ha saturado todos y cada uno de nuestros espacios vitales, incluso aquellos que los nacidos antes del año 2000 considerábamos como bastiones de nuestra intimidad.

Lo cierto es que cada imagen visual es producto de un proceso de diseño ejecutado por un diseñador, sea este especializado en Diseño Editorial, en Diseño digital, Diseño Publicitario, Diseño Tipográfico, entre otras muchas variantes, y es que pocas veces somos conscientes de la gran cantidad de profesiones fundamentadas en los principios básico del diseño, en la creación de ideas que poco a poco se materializan y nos permiten, como nunca, gozar de imágenes que hacen nuestra vida un collage infinito de sensaciones.

En este marco, pocas veces, por no decir nunca, somos conscientes de la necesidad de interpretar las imágenes que percibimos a través de nuestros sentidos, lo cual pare-

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ciera poco o nada importante para el común de los mortales, y sin embargo fundamental para aquellos dedicados en cuerpo y alma al diseño en cualquiera de sus ramas.

Puntos, líneas, colores, luces, sombras, en infinitas combinaciones, son una mínima parte de un vasto lenguaje que el diseñador está obligado a conocer y utilizar en cada uno de sus proyectos. ¿Pero quién enseña a los diseñadores el lenguaje propio de la imagen visual?, ¿es algo que se aprende o es algo innato?.

De ninguna forma es objetivo de este pequeño escrito profundizar en este tema, sin

embargo, estoy seguro que los profesionales del diseño estarán de acuerdo en que la formación profesional del diseñador incluye dotar a los estudiantes de conocimientos básicos para que pueda hacer una correcta lectura de las imágenes visuales.

“Leer” con propiedad los códigos y signos visuales, permite al profesional del diseño utilizarlos eficaz y efectivamente en todos sus procesos creativos.

Podríamos profundizar sobre el tema, sin embargo, el objetivo original de este escrito era presentar y dar la bienvenida al Congreso Rayarte 2016. Un Congreso organizado por los estudiantes y profesores de la Escuela de Diseño Gráfico de la Universidad de San Carlos dirigido a estudiantes, profesores, profesionales y personas interesadas en el diseño, fundamentalmente gráfico.

Este año, Rayarte nos ofrece la gran oportunidad de escuchar y participar en talleres dirigidos por cinco diseñadores de talla internacional procedentes de Argentina, Brasil, España, Estados Unidos y México. Además, Rayarte

2016 ofrece a los participantes la posibilidad de participar en talleres dirigidos por los mejores diseñadores nacionales; exposiciones; y la premiación del concurso 30 Canvas, un certamen que reunió 30 diseñadores que en 30 días diseñaron un logotipo destinado a conmemorar los 30 años de fundación de la Escuela de Diseño Gráfico de la Universidad de San Carlos de Guatemala.

El logotipo ganador de 30 Canvas, seleccionado y calificado por un jurado formado por doctorandos en Diseño Gráfico de la Universidad de Palermo, Buenos Aires, Argentina, será la imagen del Año del Diseño, un año en el cual esperamos que todas las Facultades y Escuelas de Diseño guatemaltecas interactúen en actividades académicas, sociales, culturales y deportivas organizadas con el fin de unir a los profesores y estudiantes que sienten pasión por la creatividad y el diseño.

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Posiblemente el lector aún no entienda la conexión entre los primeros párrafos de este escrito con el Congreso Rayarte y el Año del Diseño. Simple, Rayarte 2016 y el Año del Diseño pretenden ser espacios de encuentro en donde profesionales, catedráticos y estudiantes tengan la oportunidad de conocerse, escucharse, intercambiar ideas, hablar de diseño al mismo tiempo que diseñan. En definitiva, un espacio reservado para todos aquellos cuyas imágenes, más temprano que tarde, serán parte del ámbito público o privado en todos los niveles: local, nacional, regional, y por qué no, continental o mundial.

Esperamos que el Congreso Rayarte 2016 cumpla con las expectativas de cada uno de los participantes y sea realmente el espacio de encuentro que los amantes del diseño necesitaban en Guatemala. Tengan la seguridad que desde ya trabajamos en la organización del Congreso Rayarte 2017, un evento hecho por diseñadores para diseñadores. Sin lugar a dudas el mejor Congreso de Comunicación Visual nacional organizado por los mejores Diseñadores Gráficos del futuro.

Bienvenidos al Congreso Rayarte 2016.

MOTIVOS PARA

CELEBRAR Por Emperatriz Pérez

H

ace 30 años, en 1986 un grupo de académicos hicieron una propuesta sobre una carrera innovadora a nivel técnico, la cual, ofrecía alternativas a estudiantesque no podían terminar una licenciatura.

Para ese entonces, Guatemala estaba en una situación post conflicto y la Universidad de San Carlos, desde la facultad de Arquitectura le apostó a un proyecto novedoso que permitiría a través de un nivel técnico formar expertos en el área del diseño y la comunicación visual. Docentes profesionales y de diferentes áreas impartieron clases por los siguientes 19 años en un programa que poco a poco ha dado la oportunidad a estudiantes que se han destacado en diferentes áreas del diseño. Constantemente se encuentran sus créditos en soportes y medios impresos y digitales en el país.

“Una carrera innovadora” En el año 2004, el programa se convierte en escuela y hoy es una institución que ha marcado tendencias y se ha adaptado a las exigencias que demanda la actualidad. Esta propuesta es ahora una carrera donde los jóvenes han encontrado respuesta a sus inquietudes artísticas y habilidades gráficas.

Es en este escenario, donde convergen la enseñanza y la práctica del diseño, donde la novedad impregna de nuevos brillos a través del congreso RAYARTE 2016, donde la simbiosis entre los docentes y los estudiantes buscan crear una experiencia inolvidable como marco de referencia para la celebración de los 30 años de Diseño Gráfico en Guatemala

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Han sido 3 décadas de cambios, se han roto paradigmas en cuanto a la concepción de la carrera y se ha elevado su nivel. De una demanda publicitaria, ha pasado al diseño de libros, páginas web, interactividad, plataformas educativas, juegos y mucho más. También aplica con éxito diferentes técnicas, como la fotografía, la ilustración y la creatividad. Ha sido en la incertidumbre donde el diseño ha encontrado su camino porque cada día la sociedad necesita comunicarse mejor y el poder de la imagen gobierna sobre el texto. La comunicación visual, forma parte de la globalización y busca actualizarse cada cierto tiempo. Es en este proceso, donde la Escuela de Diseño Gráfico, visualiza su invención.

De forma paralela, la tecnología, como su mejor aliada ha desarrolladoespecializados para el diseño, la conceptualización, la estética, la funcionalidad y la semiótica son elementos que se han fusionado en el diseño y la comunicación visual. La estrategia de comunicación se ha planteado o replanteado en el área empresarial, social, política y educativa. Sus códigos y símbolos han servido para reconocer marcas, pero también para identificarse con movimientos artísticos, deportivos y sociales. Con todo esto se quiere decir que el diseño es omnipresente porque sirve para reconocer lo que sirve y lo que gusta. Hay muchos motivos para estar feliz y 30 años para celebrar, pero lo más importante es que se han creado diseñadores creativos, listos para volar.

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Por: Paula Rivas, Perla Mora, Andrea Martínez, Jessica Mansilla y Estefany Calderón

“El kitsch es una parodia de dicha catársis, donde se vuelve imposible trazar una línea entre lo que es verdadera ficción estética (arte) y lo que es meramente basura sentimental (kitsch)”.

– Theodor Adorno

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egún Fotonostra (diccionario de Diseño y Fotografía) Kitsch ‘‘es una palabra de origen alemán referida a una expresión artis-tica que surge de la necesidad de expresar la felicidad de una clase media sin grandes metas intelectuales. Lo kitsch se limita a buscar el placer por la ostentación y por el derroche de formas y colores’’.

En sí, no hay un objeto kitsch. Lo que es kitsch es la relación del sujeto con un objeto, ya sea artístico o no artístico. La relación de algo material o no material, con una persona o con el mundo. Es reciclar y mezclar formas, deseos, objetos, relaciones o creencias, y crear nuevas y más divertidas cosas.

Suárez Carballo (2013) hace referencia a tres diferentes formas en las que coexisten las representaciones del kitsch: la primera, consiste en la discusión sobre la relatividad de la estética; el segundo, es la búsqueda de soluciones que aparentemente no requieren de mayor esfuerzo alguno, y la tercera, consiste en la inclinación por el uso de objetos obsoletos o muy representativos de otra época.

‘‘Cualquier cosa es potencialmente kitsch’’

Esta tendencia no es nada nuevo, viene de la burguesía de Múnich entre los años 1860 y 1870, y desde siempre la hemos visto en nuestras calles, desde los carteles de “Piolin” en las ferias, hasta la decoración interior de las camionetas, para nosotros en Guatemala eso puede ser “popular” pero debemos de agregarle el término “arte” ya que es la forma en donde se expresan y denuncian aspectos de nuestra cultura y sociedad.

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En Guatemala nos hemos caracterizado desde siempre por no tener y hacer cosas neutras y aburridas, somos un país de extremos y no hay término medio aquí . Por lo tanto, no es ninguna sorpresa que todo lo que tiene que tener colores ricos y saturados con modelos salvajes que en circunstancias normales no podían ir bien juntos, pero de alguna manera lo hacen.

Somos un país kitsch, divertido y colorido, somos un espacio donde caben diferentes estilos, cada objeto existe de forma individual, pero son parte sustancial de nuestra esencia.

Esta nueva forma de diseño, en contra de lo funcional, también es conocida como “diseño sin diseño” rechaza cualquier tipo de norma establecida anteriormente. Es un diseño espontáneo, inmediato y actual. Tiene un carácter popular y siempre busca incorporar en sus diseños, elementos artesanales.

El término kitsch comenzó a utilizarse para referirse a copias baratas, a arte sin valor o de mala calidad, aunque eso era en Alemania, para nosotros en Latinoamérica fue un boom! ah, y lo sigue siendo. Es el pan nuestro de cada día, en Guatemala es nuestra verdadera esencia, todo lo que vemos es made in china, de plástico y colorido, es lo que somos.

Pero no lo neguemos, es lo que gusta y atrae a las masas. Es caminar por la sexta y encontrarnos con recuerditos para toda ocasión, es ir a la feria y darte cuenta con que te topaste con miles de artículos de plástico, que al final puede que no sirvan, pero ¡oh sorpresa!, los compraste. Es llegar a la tienda de la esquina y no ver ni un pedazo de la pared porque el chino lo tiene tapizado de carteles o se le ocurrió la magnifica idea de escribir sobre ella Tienda la Bendición. Todos los artículos para el hogar, al mejor preSio Es subirte a la camioneta y encontrar más decoraciones que en la casa de tu abuelita para navidad, pero aceptémoslo; que sería de nosotros si no viéramos a diario las ocurrencias de los pilotos.

Aunque la mayoría de lo kitsch aparece en los lugares que frecuenta el pópulo, sabemos que esta tendencia no es exclusivamente de una clase social, es la cultura visual de toda una sociedad que vive en un mismo país.

“Guatemala, más escandalosa que la moto que te pasa rebasando en el periférico a la cual le acaban de cambiar el escape para que haga más bulla”

El término kitsch comenzó a utilizarse para referirse a copias baratas, a arte sin valor o de mala calidad, aunque eso era en Alemania, para nosotros en Latinoamérica

“Guatemala es una jungla,

una jungla de concreto y colores estridentes” 13

Un vistazo a la gráfica

Gabriela Solis, Carolyn Mérida y Grethel Lucero.

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os buses públicos de Latinoamérica, especialmente los extraurbanos (que van de la ciudad al interior del país), se caracterizan por ser unidades de transporte que derrochan colorido y hacen que el paisaje de nuestros pueblos sean mucho más pintorescos. En Guatemala se les llama la camioneta, o la burra.

Si se analiza bien, ésta se caracteriza por tener un aire elegante. Todas las tipografías (son muchas) tienden a ser Serif, o Cursivas bold.

En “las camionetas” es posible notar que los dueños de los buses quieren personalizar sus unidades y es por ello que a través de tipografías creativas (por lo regular hechas a mano) decoran el bus con nombres de sus seres queridos, haciendo que las unidades de transporte sean personalizadas.

El significado de la tipografía usada en los buses es un elemento de diseño que siempre nos ha intrigado.

En realidad los elementos gráficos con los que un pueblo proyecta su identidad, difícilmente se podrían clasificar, pero existen patrones que se pueden identificar a simple vista.

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La gráfica en los buses Encierra mucho más allá que la identidad cultural visual, nos deja ver patrones conductuales estereotipados en Latinoamérica como el malinchismo, el machismo, la religión, la mirada masculina, la agresión verbal implícita y explícita hacia ambos sexos, plasmada en imágenes y en frases utilizando el doble sentido y con alta connotación sexual.

Es así como podemos observar un gran despliegue de colorido, texturas y formas tapizando la superficie de unidades viejas y desvencijadas, para dotarlas de gran personalidad, cubriéndolas de imágenes de llamas, de aves fénix, numerosos emblemas de la marca Mercedes Benz y sin faltar la

interesante señal de cruce realizadas en madera con la imagen de una “manita” apuntando una dirección con el dedo o la voluptuosa figura del cuerpo de una mujer desnuda.

Se destaca también la tipografía de adorno, altamente decorada y elaborada con gradaciones en colores chillantes y destellos luminosos con los cuales se escribe el número de la unidad y su recorrido, imposible obviar de igual manera la rotulación del nombre de la unidad móvil los cuales también presentan esa característica del pueblo, la combinación de nombres extranjeros con nombres locales.

Si queremos ir aún más allá, tampoco se descuida el interior del vehículo y puede verse diversidad de materiales de re-

cubrimiento del tablero como el peluche o el estampado en “animal print” el toque “tecnológico” con el uso de CDs , y estampas religiosas o un par de zapatitos de bebé colgados del retrovisor.

Los buses en Latinoamérica son además de vehículos de transporte de personas, vehículos de transmisión de nuestra rica, ecléctica y llamativa identidad cultural.

En cualquier caso, lo cierto es que la convivencia de to-

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das estas imágenes, tipografías artísticas o no, por las que se producen y reproducen significados se da en un campo en continua expansión de posibilidades.

Es por eso que en Guatemala es muy común ver este estilo de pertenencia en los buses urbanos y extraurbanos ya que cada piloto quiere personalizar su unidad, esto hace que la mayoría de guatemaltecos tengan esta cultura visual de ver textos muy sobrecargados, frases graciosas y hasta algunas ilustraciones.

Por: Gabriela Ocampo, Miguel Lozano y Carlota Callejas

A

l hablar de murales urbanos se debe tener en cuenta que todo empezó con la pintura mural de los egipcios hasta los mayas. En ese tiempo la pintura mural ha tenido una gran evolución.

Pintura mural es una obra de arte que está directamente relacionada con la arquitectura, ya que esta es “el lienzo” de los murales.Las pinturas murales en el pasado era la iconografía de las pinturas rupestres, que intentaban transmitir la historia a través de ellos. Una obra muy conocida que dio una gran evolución a los murales fue el “Guernica”,

de Pablo Picasso, que su tema era una clara protesta ante la guerra civil española en el siglo XX. Toranzo Graciela (2014). Pintura mural es un tipo de arte que tiene como soporte un muro, es por ello que se dice que está ligada a la arquitectura. Esta técnica viene desde el mural renacentista. Y a pasado una gran evolución desde la técnica del fresco, medio fresco y seco. Hoy en día los murales se realizan con una infinidad de materiales que van desde la pintura acrílica hasta el aerosol.

La historia de los murales surge tras las necesidades de las instituciones sociales que se valen de él para comunicar algún tipo de mensaje. Su función, su tema, sus intenciones y su estilo cumplen una función especifica, sensibilizar a los observadores a ciertos mensajes o motivar ciertas actitudes y acciones.

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En Guatemala Al hablar del pasado como no mencionar a dos grandes artistas guatemaltecos:Roberto González Goyri y Efraín Recinos.

Fue un reconocido pintor y escultor considerado uno de los más preclaros representantes del arte guatemalteco junto a Efraín Recinos, Carlos Mérida y otros. Goyri tuvo un gran aporte al muralismo del país.

Goyri participó en la elaboración de los murales del Centro Cívico: el Instituto Guatemalteco de Seguridad Social, fachada oriente del Crédito Hipotecario, y fachada poniente del Banco de Guatemala. Estas obras, por su dimensión, probablemente son y serán las más emblemáticas del maestro.

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Además de estos murales están el Monumento a Tecún Umán, en el Bulevar Liberación; mural pictórico para el Museo de Arqueología y Etnología de Guatemala; Escultura en hierro para la Corporación de Occidente; diseño del mural en la Calzada Los Próceres, y el proyecto del mural para la fachada del exterior del auditorio del IGGS. Sus murales tenían su marca, ya que cualquiera de ellos se podía distinguir gracias a la técnica que utilizaba.

Efraín Recinos también fue un artista muy destacado y reconocido por sus murales en la ciudad de Guatemala. Murales siempre llamativos, que dejaban un mensaje en ellos, murales que representan hoy en día la cultura guatemalteca.

En la actualidad Los murales con el paso de tiempo han llegado a ser considerados una forma de arte y de expresión de la misma, esto no siempre ha sido así, ya que en el pasado eran considerados como acto de vandalismo.Estos murales urbanos se han convertido en una muestra artística para jóvenes guatemaltecos. No solo reflejan la cultura del país, sino que también le aportan arte a las calles y avenidas de Guatemala.

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Son una forma de expresión artística que mezcla el graffiti y la ilustración, estos intentan dar un impacto a los espectadores, es por ellos que se realizan en zonas que son altamente transitadas. Por lo general estos murales siempre dejan un mensaje.Estos murales son la evolución de los antiguos murales que se realizaban en la época prehistórica. Posteriormente a finales de los años sesentas, el joven llamado Demetrius empieza a escribir su apodo y el número de su calle, en las paredes, autobuses, en lugares públicos de Nueva York. Esta onda llega hasta Guatemala.

Y así es como va teniendo más auge en nuestro país

En la actualidad los murales urbanos están teniendo más importancia, ya que cuentan con apoyo de grandes compañías y organizaciones como por ejemplo Quezalteca, una marca que ha apoyado a los murales guatemaltecos para así destacar y dar importancia la cultura del país.

De la mano con la ayuda de artistas guatemaltecos los murales han logrado poner en alto la cultura de Guatemala, sus colores y sus tradiciones.

Entre ellos se encuentran Armando Seb, de Huehuetenango, Kevin Velásquez y EMPI, cuyos murales se encuentran en el Parque Central de Huehuetenango, La avenida reforma de la zona 9 y en 4 grados norte.

Estos murales están yendo más allá de las calles, ya que también se están trabajando en lugares turísticos y muy visitados por los turistas.

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Murales de la USAC Prácticamente desde que se fundo la USAC, esta ha sido todo un “lienzo” para plasmar en sus edificios murales. Estos murales cuentan historias y gritan mensajes.

Según Edwin Castro en un artículo para Prensa Libre de octubre del años pasado comentó que hoy en día estos murales son creados por estudiantes de la escuela superior de arte.

El mas reciente es el de “Ideal, sacrificio y justicia”, en el edificio M5, de la Escuela de Ciencia Política, en el campus central.

Este fue dirigido por el maestro Maugdo Vásquez, coordinador de Artes Visuales de la ESArte, USAC. Este mural consta de tres partes:

Un ideal En el lado izquierdo de la balanza se presentan cuatro mazorcas de maíz, roja, negra, blanca y amarilla, en alusión a los cuatro grupos étnicos que conforman la nación guatemalteca; mayas, mestizos, garífunas y xincas. La balanza está inclinada hacia la derecha en donde se situó la Constitución Política de la República de Guatemala.

En la parte superior se ve una mujer que representa a la madre naturaleza que sopla un halo de vida. Con un mundo al fondo, una mano de piel oscura y otra blanca se entrelazan, para representar la fraternidad entre las naciones y la responsabilidad de la ECP, en la formación de profesionales en el ámbito de las relaciones internacionales.

Mural “Ideal, sacrificio y justicia”, pintado por estudiantes de la Escuela Superior de Arte (ESArte), de la Universidad de San Carlos de Guatemala (Usac). (Foto Prensa Libre: Hemeroteca PL)

Tres diosas ancestrales simbolizan la edad, el tiempo y las estaciones del año. Una de ellas es una madre con un niño que sostiene varias mazorcas de maíz, como símbolo de que la naturaleza está en constante cambio y renovación

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El sacrificio Vásquez, explica la mayor cantidad de imágenes se dibujó al centro del mural que simboliza el sacrificio. En ella se presenta la etapa de sufrimiento y vivencias que afrontó la ECP, la Usac y la sociedad guatemalteca en los años de la cruenta guerra interna en Guatemala, en la que fueron sacrificados muchos de los estudiantes, profesores y líderes sancarlistas.

Se presentan ocho mártires relacionados con la ECP y Usac, entre ellos: Víctor Rodríguez Jaramillo y su esposa Silvia Azurdia Utrera, Aarón Ochoa Ramírez, Hugo Gramajo López y Carlos Contreras Conde, estudiantes de la Escuela de Ciencia Política, secuestrados y asesinados en 1989. Además Manuel Colom Argueta y Oliverio Castañeda, figuras icónicas de la lucha universitaria.

La justicia

Prensa Libre 31 de Octubre de 2015 Artículo “Mural en la Usac presenta historia reciente de Guatemala” Arte Mural - La Ilustración, Luis Seoane, Editorial Sudamericana, Buenos Aires, 1974.

Toranzo, G. (2014). Murales. Buenosaires.gob.ar. Revisado 13 Septiembre 2016, de http://www.buenosaires.gob.ar/areas/cultura/murales/ extras/creditos.html

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La pared número tres o derecha del mural, es una idealización de la justicia. En la parte superior la madre naturaleza presenta a un graduado en la Escuela de Ciencia Política de la Usac, cuya misión es convertirse en un agente de cambio dentro de la sociedad en la que le corresponda trabajar. Ambientan esta escena actividades del qué hacer político, proselitista, profesional, gubernamental y de solidaridad, entre otras.

Figuras que representan una marcha enérgica de los diferentes sectores de la sociedad guatemalteca recuerdan a la población su protagonismo en el destino de la nación.

Finalmente, un personaje dentro de un círculo y una diagonal, hace referencia a “no más guerra, no más armas”. Refuerza la escena una niña mestiza que coloca un clavel blanco en el cañón de un fusil, con el clamor “no más abuso de poder, no a la violencia, sí a la vida digna y a libertad”.

UNA IDEA QUE SE CONVIRTIO EN

RAYARTE R

Escrito por: Claudia Anabella Leal Rivera.

Catedrática. Escuela de Diseño Gráfico.

ayarte es el Congreso de Comunicación Visual de la Escuela de Diseño Gráfico de la Universidad de San Carlos de Guatemala, surge en el año 2013 como un proyecto académico realizado por los estudiantes del sexto ciclo de la carrera de Diseño Gráfico, cuyo objetivo era “vincular la teoría con la práctica, e integrar en una experiencia de aprendizaje el conocimiento, habilidades y actitudes para gestionar un Congreso de Comunicación Visual y Cultura Urbana, dirigido a diseñadores gráficos y profesionales de carreras afines” (Informe Final Publicación y Redacción La Pared, 2013).

Los profesores generadores de esta idea fueron los Arquitectos: Julio Tórtola, Gabriel Barahona, Brenda Penados y los Licenciados en Diseño Gráfico y Comunicación Social: Lourdes Pérez, Mónica Noriega, Wendy Herrera, Sandra Argueta, Betzaida de Paguaga, Fernando Fuentes, Stuardo Samayoa y César Padilla.

El primer congreso llevó por nombre La Pared y se llevó a cabo en el Convento de las Capuchinas, Antigua Guatemala. En esa oportunidad se contó con conferencistas y talleristas de la talla de Antonio Campollo, Billy Aguilar, Guate Graff Crew, Luigi Coguox entre otros. En este primer Congreso los estudiantes creadores de la imagen visual fueron Nasly Velasco, Ricardo Velasco, Zahira Hernandez, Iveth Juarez, y Pablo Arana

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En el año 2014, se toma la decisión de dar continuidad a la organización del Congreso como proyecto académico, y se ve la necesidad de crear una marca que pudiera reinventarse año con año. Así surge Rayarte, nombre propuesto por los mismos estudiantes, quienes afirmaron que “Rayarte es el principio de una idea, ya que el origen de todo diseño parte de una raya o garabato que evolucionará y se convertirá en un diseño digno de atención, comunicará un mensaje e influenciará en el espectador. Estos rayones no son únicamente para propuestas gráficas, también se realizan al momento de conceptualizar e idear estrategias. Rayarte también crea un concepto de analogía con el modismo que suelen usar los guatemaltecos: “te rayaste” dando énfasis al sentimiento de orgullo y pasión.”

Este primer Rayarte se llevó a cabo en Club Majadas y contó entre sus conferencistas y talleristas con Pancho García, Jorge Letona, Colectivo Oniroide, entre otros. Los estudiantes creadores de la marca fueron María José Ortis, Giancarlo Róbelo, Nicté Montiel, Alba Hernández, Flavio García y Ana Lucía Viato, con el apoyo de Samael Solorzano en el manejo de la línea gráfica.

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El Congreso Rayarte 2015 fue innovador en cuanto a que los estudiantes idearon un circuito de museos en el Centro Histórico de la ciudad de Guatemala, realizando talleres en el Museo de Tipografía, Museo del Ferrocarril, Museo de Historia, Arte Centro de la Fundación Paiz y el Museo de la Universidad de San Carlos de Guatemala como sede central del Congreso.

Por primera vez se contó con dos conferencistas internacionales: Estudio Pupila de Costa Rica y Estudio Futura de México, además de conferencistas y talleristas nacionales como Cindy Ruano, Zapato Verde, entre otros. La línea gráfica para este congreso fue creada por los estudiantes Andrés Higueros, Koraima Catalán y Sara Ortega

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En el 2016, Rayarte se lleva a cabo en el Hotel Crown Plaza, contando con la presencia de reconocidos conferencistas internacionales como Felipe Taborda de Brasil; Zigor Zamaniego de España; Estudio Menta de México y Marcelo Di Franco de Estados Unidos. Las creadoras de la imagen visual de este año son las estudiantes Michelle Orozco y María Fernanda Bolaños, quienes indican que la misma está basada en figuras imposibles, que utilizan el espacio fluctuante conflictivo ilusorio, como las figuras de Escher.

Rayarte 2016 coincide con la celebración de los 30 años de fundación de la Escuela de Diseño Gráfico, y da inicio a lo que se ha denominado el Año del Diseño, el cual pretende unir a todas las Facultades y Escuelas de Diseño Gráfico del país a través de la organización de actividades académicas, sociales, culturales y deportivas que finalizarán precisamente con Rayarte 2017.

En el marco de esta celebración se organizó el concurso 30 Canvas, el cual convocó a 30 Diseñadores Gráficos para que aceptaran el reto de diseñar un logotipo conmemorativo por estos 30 años. Los logotipos participantes en este concurso estarán presentes en Rayarte 2016 en donde se premiará el logotipo ganador.

En conclusión, Rayarte es más que un Congreso de Comunicación Visual, es un espacio académico sobre el diseño y la creatividad, es formación y actualización pensada para profesionales, catedráticos, pero sobre todo para estudiantes, quienes a través de la participación y organización de este tipo de eventos adquieren competencias que les permitirán ser, en un futuro no lejano, diseñadores reconocidos nacional e internacionalmente.

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#30Canvas AÑOS DISEÑADORES DÍAS

Por: Licda. Sharon Alonzo

a Escuela de Diseño Gráfico fue fundada en 1986 e inició su funcionamiento en 1987. En estos 30 años se han formado profesionales de alto nivel y que han alcanzado reconocimiento a nivel nacional e internacional. Algunos han construido sus carreras en las más prestigiosas agencias, estudios y empresas de Guatemala y otros países de Latinoamérica, y algunos han sido emprendedores de éxito.

Por lo que al cumplir 30 años, la Escuela de Diseño Gráfico realiza la primera bienal y concurso de diseño, que convoca a 30 de los diseñadores más talentosos representativos de las distintas cohortes para que participen en la creación del logotipo conmemorativo de los 30 años de fundación de la Escuela, quiénes en un plazo de 30 días realizaron sus propuestas.

Para la evaluación se contará con un jurado internacional conformado por postulantes al doctorado en diseño de la Universidad de Palermo, Buenos Aires, Argentina , que validará y seleccionará un logotipo ganador.

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Lo que ha permitido generar engagement entre los egresados y la Escuela de Diseño, estrechando vínculos para que compartan de su experiencia con las nuevas generaciones, entusiastas, enérgicas y ansiosos por expandir su aprendizaje fuera de las aulas universitarias.

La I Bienal de Diseño a través de #30Canvas, ha generado una interacción positiva en los medios de comunicación digitales, no solo entre los diseñadores sino en la industria de la comunicación visual, lo que ha generado awareness de la inauguración de las actividades conmemorativas a los 30 años, las cuales se realizarán en el marco del Año del Diseño.

Sin lugar a dudas, la imagen que el Jurado Internacional seleccionada que se dará a conocer el 3 de noviembre en el cierre del Congreso Rayarte, representará dignamente el talento y la excelencia que caracteriza a los diseñadores gráficos de la Universidad de San Carlos.

GUATEMALA ¿IDENTIDAD PROPIA?

Autores: Joanna Morales, Andrea Calderon, Aldo Perez

L

a controversia es imposible de evitar con ciertos temas, y la identidad visual de Guatemala como país es uno de ellos. Puede haber muchos puntos de vista sobre el tema, pero principalmente existen dos.

En primer lugar está quienes ven en Guatemala una identidad nacional y cultural dominado por el aspecto folklórico de las tradiciones. Los hermosos y brillantes colores de lostrajes tradicionales y artesanías, la forma colorida de representar al país en las pinturasartesanales.

Pero fuera de toda presión social y estereotipo ¿será genuina su respuesta? Si se deja de lado la condescendencia para responder de manera directa, es probable que la mayoría respondería que esos elementos tradicionales no los representan.

Y no porque no les guste la imagen atractiva que este lado presenta, o porque nosepan apreciar el legado cultural que las tradiciones guatemaltecas ofrecen, es solo que el que algo sea fascinante y ancestral no implica que eso sea un factor definitivo de la identidad.

Pero por otro lado, se encuentran quienes proponen una identidad nacional no basada en elementos folklóricos ancestrales, sino en una realidad más urbana y contemporánea.

Si se realizara un sondeo para preguntarle a la población que tan identificados se sienten con loselementos folklóricos con los que usualmente se representa al país, es probable que muchosresponderían que se sienten plenamente identificados.

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Guatemala es mucho más que eso.”. No se trata de insultar o menospreciar la herencia cultural, sino de plantear un problema para buscar una solución.”

Desde corta edad, a los niños se les enseñan los símbolos patrios, lo que representa Guatemala y que debemos amarla, pero cada día el número de personas que no se identifica con el país es mayor. Y no es suficiente dejar el problema

de lado porque se considera que es un problema social, de educación o simplemente una falta de valores patrios inculcados.”. Como diseñadores, nuestro trabajo es ser creadores cultura, enriqueciendo el acervo visual del que al mismo tiempo somos consumidores. Y parece increíble que, sabiendo la importancia que tiene la identificación de una marca con el usuario, el problema de plantear una identidad visual guatemalteca no haya sido tratado con la importancia que merece.

Entonces hay que cuestionar si se trata únicamente de un problema estético o si es también cultural. Porque el guatemalteco se enorgullece de hablar de sus hermosos trajes típicos pero la realidad es que el número de personas que lo utiliza se reduce constantemente. Pero ¿cómo identificarse con algo a lo que no se tiene acceso? los precios de las prendas tradicionales son elevados debido a su difícil fabricación artesanal, por lo que no está al alcance de la gran mayoría. Sin embargo, existe otra dimensión del problema, el de la discriminación y el racismo. Quienes utilizan los trajes típicos de sus comunidades sufren a menudo de menosprecio y burlas, lo que desmotiva su uso. Tampoco falta quienes vean esta vestimenta como recordatorio de los orígenes adversos de la tradición.

Actualmente existen algunos esfuerzos para explorar

y construir la identidad visual guatemalteca, que van más allá de una fachada turística, sino que están motivados por un verdadero amor al país. ¿Por qué no apoyar a esas marcas nacionales y dejar de depender de la influencia extranjera? ¿Por qué pagar sumas grandes por productos importados, pero no una suma menor por productos realizados aquí? ¿Por qué tener la idea de que lo de otros es mejor que lo propio? O mejor aún, ¿por qué no descubrir lo que es verdaderamente guatemalteco?

No se pretende decir que sea malo tener influencia externa o buscar conocer lo que hay fuera de Guatemala, ¿pero no sería mejor si los diseñadores comenzaran a buscar su identidad guatemalteca para luego compartirla con el resto de guatemaltecos?Guatemala necesita muchas cosas, pero principalmente necesita algo que la identifique como un grupo unido y que no la divida internamente. Algo que pueda llamar con orgullo “propio”.

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Y no es solo de recordar glorias pasadas, es crear nuevas. Es que los jóvenes puedan tener una identidad para que no la busquen fuera, para que los mayores puedan alegrarse de ver su legado en el mundo actual. Es incluir y no excluir. Es dejar de aferrarse al pasado y traerlo al presente. Es dejar de marginalizar a los “indígenas” y sus artesanías, esencontrar algo que sea de algo que sea de todos y para todos.

Podría parecer que estas palabras son controversiales, porque atacan la identidad que Guatemala cree tener. Pero la crítica real es hacia la falta de reflexión, de búsqueda. Hacia el miedo de cuestionar lo establecido, y hacia la actitud que excluye a ciertos sectores de la sociedad.

Y es sobre los hombros de los diseñadores en los que recae la responsabilidad de trazar nuevas perspectivas, de buscar una nueva identidad que se afiance en el pasado, pero que se proyecte alfuturo. Las nuevas alternativas están allí, emergen escondidas a plena vista, ¿y cuál es el trabajodel diseñador, sino el de hacer relevante un mensaje?

REINTERPRETACIÓN DEL IMAGINARIO

GUATEMALTECO

E

Por:Axel Flores, Abigail Cabrera, David Lechuga, Rocio Román

n Guatemala, el imaginario colectivo es muchas veces útil, al momento de desarrollar proyectos gráficos y conseguir, de esta manera la eficaz identificación del público objetivo; por tratarse de símbolos con los que la sociedad ha establecido, sin darse cuenta, un lazosentimental.

La apropiación del entorno para la efectiva comunicación de mensajes, es entonces, un acto que los diseñadores gráficos llevan a cabo casi por pura intuición; la síntesis es parte deldiseñador, como la cultura es parte de la sociedad/identidad.

La imaginería que se genera dentro de la cosmovisión del guatemalteco diariamente, espara los ciudadanos, algo carente de significado, por la cotidianidad que representa, pero de fondo (y muy a favor del diseñador) tiene más significado del que se asume, pues es de gran importancia al ser parte fundamental de la identidad cultural colectiva.

La construcción de la cultura visual guatemalteca, se da gracias a los diversos estímulos creados por artistas visuales, artesanos y comunicadores, mediante la explotación de la semiótica visual, mientras se utilizan símbolos cotidianos aptos para el grupo objetivo, y así obtener una aceptación casi defini-

tiva del mismo, bajo criterios puntuales de traducción de la imagen “real” a la imagen sintetizada. Al adoptar una cultura visual, el público objetivo se hace parte de una identidad como grupo, con lo cual se sienten identificados e incluidos dentro de una “zona de confort visual”.

Trasladar todos los insumos en una síntesis gráfica debería ser el resultado final de todo el proceso en el que el diseñador gráfico se nutre de todo lo que le es útil, “La perfección se consigue, no cuando no haya más que añadir, sino cuando no hay nada más por quitar.”

(Saint-Exupéry, A., s. f.)

El diseñador da forma visual a las comunicaciones. Éste no es un acto simple, donde las opciones posibles pueden alinearse de la mejor a la peor. Los procesos de decisión en el diseño de comunicación visual se caracterizan por implicar muchas variables, y la información disponible acerca de ellas es siempre incompleta.

Todo mensaje crea su propio contexto o se inserta en un contexto que le confiere credibilidad.

Los diseñadores siempre deben tratar de basar sus decisiones, tanto como sea posible, en información confiable y explicable, pero el proceso de dar forma siempre requiere «un salto al vacío», de una serie de recomendaciones hasta la creación de una forma visual; es un proceso que precisa demasiadas decisiones para que puedan ser tomadas en una forma lineal y digitalmente controlada.

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La credibilidad de un mensaje es afectada por la relación entre los valores culturales de la audiencia y los que ésta percibe en el mensaje y en el medio en que aparece.

Mientras la credibilidad es un factor que da lugar a la aceptación, muchos diseñadores toman elementos cotidianos y de estos crean puentes invisibles para el aprovechamiento de la cultura en un lugar y así darle un giro culturalmente aceptado, creando un buen diseño y comunicando de manera efectiva. La cultura como elemento reintegrable de la gráfica para la optimización de la comunicación.

Dentro de la sociedad guatemalteca, existen diversos proyectos que merecen sermencionados, gracias que el estudio detrás de ellos, ha dado como resultado soluciones gráficas y comunicacionales sorprendentes. Tales como:

Bicimetro Guatemala Transporte para ciclistas en la ciudad de Guatemala. Cada ruta identificada por la gráfica en el “bicimetro”, dependiendo de los monumentos icónicos de cada zona.

Teco Arte Iniciativa del Banco Industrial, que convocó a 44 artistas guatemaltecos, para plasmar por medio del arte y las particulares alcancías con forma de tecolotes, la cultura de trabajo, esfuerzo y ahorro que caracteriza al guatemalteco.

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Café Barista y Museo Ixchel “Toma el arte de Nuestras Raíces” Trajes típicos de Guatemala quedan plasmados en colección de tazas, en conmemoración al décimo aniversario de Café Barista en Guatemala.

Cristha Fuentes

Wanderlust Wear

Crea valor en el trabajo artesanal mediante diseños únicos de zapatos hechos a mano.

Bajo el concepto de experiencias y viajes, consigue dignificar al artesano y su maravilloso trabajo de tejidos típicos, que quedan plasmados en los diseños de zapatos, tenis, bolsas y demás accesorios..

Carolina Niño Bûro Composiciones gráficas basadas en los símbolos que identifican a el país alrededor del mundo, que además hacen sentir orgullo a los ciudadanos.

San Martín, Sabores de nuestra Guatemala Con motivo de celebrar las fiestas patrias, se crea esta colección de tazas utilizando tecolotes como ícono representativo, además de patrones típicos que son fáciles de encontrar en artesanías guatemaltecas.

La comunicación visual se ocupa de la construcción de mensajes visuales con el propósito de afectar el conocimiento, las actitudes y el comportamiento de la gente. Ésta surge del deseo o necesidad de transformar una realidad actual por una deseada. El diseñador gráfico, es entonces responsable de la estrategia de comunicación desde su creación, hasta el desarrollo de la misma. Pues la identidad visual está fundamentada en cómo la sociedad decide aceptar o rechazar, por

esto es tan importante tomar aspectos que le hagan sentir identificada y transformarlos en una síntesis de cultura visual que brinde una identidad representada, y cumpla al mismo tiempo con los objetivos establecidos.

Referencias ● Phillips, J., Saint-Exupéry, A. D., & Favrod, C. (1994). Poet and pilot Antoine de Saint-Exupéry. Zurich: Scalo.

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al, el Sandov Por: Dani Castañeda Ingrid Salguero Mayra A. Vázquez y Nancy

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LA NUEVA

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ESTRELLITA LA F

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