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Cinema Flux is an opportunity to explore the contemporary territories of the film form, whe re the boundaries between cinema and visual art are blurred. The spaces of Teatrino Palaz zo Grassi will be inhabited for a whole day by a continuous flow of projections, video installations, performances, live sets and by a com munity of national and international artists, who will confront themselves with the public, sharing experiences, scenarios, imaginaries.

Cinema Flux è un’occasione per esplorare i territori contemporanei della forma film, dove i confini tra cinema e arte visiva si confondono. Gli spazi di Teatrino Palazzo Grassi saranno abitati per un’intera giornata da un flusso continuo di proiezioni, installazioni video, perfor mance, live set e da una comunità di artist* nazionali e internazionali, che si confronterà col pubblico, condividendo esperienze, scenari, immaginari.

LA STANZA LUCIDA, CHIARA CATERINA (20’) 2022 WHAT MEANS SOMETHING, BEN RIVERS (66’) 2016 CALYPSO, MARIANGELA CICCARELLO (43’) 2021 THE TWO SIGHTS, JOSHUA BONNETTA (89’) 2019

WITH: 10.0012.30

The event opens in the morning with a workshop moment, open to the Iuav community but also to cultural operators in the area or simple film enthusiasts: a dialogue on the different artistic and production practices of the filmmakers invited to the event, in a relaxed and informal atmosphere. Starting with thematic focuses chosen by the organisers, there will be a series of interventions by the authors - 15’ for each, with the possibili ty of screening extracts of works - and open spaces for discussion. Rather than a frontal lecture, this is a convivial moment between directors, artists and the audience, with the intention of encouraging encounters and comparisons on filmmaking.

L’evento si apre in mattinata con un momen to laboratoriale, aperto alla comunità Iuav ma anche a operator* culturali del territorio o semplici appassionat* di cinema: un dialogo sulle diverse pratiche artistiche e produttive dell* cineast* invitati all’evento, in un clima di steso e informale. A partire da focus tematici scelti dall* organizzator*, si susseguono gli interventi degli autori — 15’ per ognuno, con la possibilità di proiettare estratti di opere — e spazi aperti alla discussione. Più che di lezione frontale, si tratta di un momento conviviale tra regist*, artist* e pubblico, nell’intento di favorire incontro e confronto sul fare film.

Ismaïl Bahri

The work “Eclipses” is characteristic of Ismaïl Bahri’s practice. It mixes the “science” of the camera with an impromptu encounter in the landscape. The artist has grafted a paper shutter onto the camera lens. Wires hold it in position a few centimeters from the lens. The shutter is cut in the proportions of a 4/3 and lets only see what happens on a part of the image. The paper functions as a shutter but also as a screen. By a surface effect, this screen has the shape of a white halo, similar to a projection without film. It leads the eye to the margins and discovers life outside the camera’s field.

Ismaïl Bahri (Tunis, 1978) studied at the Higher Institute of Fine Arts in Tunis and then earned a doctorate in arts and sciences from the Uni versity of Paris 1 Panthéon-Sorbonne in Paris. He lives between Paris, Lyon, and Tunis. Ismaïl Bahri privileges video without neglecting drawing, photography and installation. His works are often the result of a series of opera tions whose actors are always simple elements taken from everyday life, while the plot develops in the interaction between them. His work incorporates numerous cultural and aesthetic references, developing sensitive and precise visual experiences. The basic materials used in his works are manipulated and finally tran sformed, often through mechanically inspired gestures and procedures related in one way or another to film or photography.

L’opera “Eclipses” è caratteristica della pratica di Ismaïl Bahri. Combina la “scienza” della macchina fotografica con un incontro estemporaneo nel paesaggio. L’artista ha innestato un otturatore di carta sull’obiettivo della macchina fotografica. I fili lo tengono in posizione a pochi centimetri dall’obiettivo. L’otturatore è tagliato secondo le proporzioni di un 4:3 e permette allo spettatore di vedere ciò che accade solo in una parte dell’immagine. La carta funge da otturatore ma anche da schermo. Grazie a un effetto di superficie, questo schermo ha la forma di un alone bianco, simile a una proiezione senza pelli cola. Conduce l’occhio ai margini e scopre la vita al di fuori del campo della macchina fotografica.

Ismaïl Bahri (Tunisi, 1978) ha studiato presso l’Istituto Superiore di Belle Arti di Tunisi e ha poi conseguito un dottorato in arti e scienze presso l’Università di Parigi 1 Panthéon-Sorb onne a Parigi. Vive tra Parigi, Lione e Tunisi. Ismaïl Bahri privilegia il video senza trascurare il disegno, la fotografia e l’installazione. Le sue opere sono spesso il risultato di una serie di operazioni i cui attori sono sempre semplici elementi presi dalla vita quotidiana, mentre la trama si sviluppa nell’interazione tra di essi. Il suo lavoro incorpora numerosi riferimenti culturali ed estetici, sviluppando esperienze visive sensibili e precise. I materiali di base utilizzati nelle sue opere vengono manipolati e infine trasformati, spesso attraverso gesti e procedure di ispirazione meccanica legati in un modo o nell’altro al cinema o alla fotografia.

Daniele Costa

This piece revolves around Trapezia Stroppia - La Trape, a drag queen from Milan’s Toilet Club who is a performer, an artist, a “girl from Porta Venezia” and the other manifestation of Aurelio, a graduate in Arts Communication and Didactics at the Brera Academy of Fine Arts. During the pandemic, La Trape started creating a series of videos and live streams on her/their Instagram profile, performing from her/ heir home, inside her/their room, mixing elements of stand-up comedy and intimate drag performances. In a rhythmic up and down that alternates hints of performances and intimate reflections, the video focu ses on the infinite range of contradictions blurring the boundaries of the individual as a concept, a notion that is continuously renegotiated and deconstructed.

Daniele Costa (Castelfranco Veneto, 1992). He began his artistic practice in 2014 focusing mainly on video. In 2015 he graduated at the University of Padua obtaining a first level de gree in Disciplines of the Arts, Music and Per forming Arts, then he completed his studies at the master degree course in Visual Arts at the Iuav University of Venice. His research fo cuses on the knowledge of the human body in two directions of personal introspection. On the one hand the internal functioning of the human body, based on medical-scientific insights, on the other the human singularity, the knowledge of the individual related to his history, his world and his person.

Il lavoro ruota attorno alla figura di Trapezia Stroppia – La Trape, drag queen del Toilet Club di Milano, performer, artista, “ragazza di Porta Venezia” e manifestazione altra di Aurelio, laureato in comunicazione e didattica dell’arte all’Accademia di Belle Arti di Brera. Durante la pandemia, la Trape ha dato vita a una serie di video e dirette sul suo profilo Instagram esibendosi all’interno della sua abi tazione privata, nella sua stanza, mescolando elementi di stand-up comedy e performance drag intime. In un saliscendi ritmato che alterna accenni di esibizioni e riflessioni intime, il video mette al centro l’infinita gamma di contraddizioni che fluidificano i confini del concetto di individuo, continuamente ri negoziati e destrutturati.

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Daniele Costa (Castelfranco Veneto, 1992). Inizia la pratica artistica nel 2014 dedicando si prevalentemente al video. Dopo la laurea di primo livello in Discipline delle Arti Musica e Spettacolo all’Università di Padova, comple ta gli studi in Arti Visive nel 2017 presso l’Università IUAV di Venezia. La sua ricerca si fo calizza sulla conoscenza del corpo umano in due direzioni di introspezione personale. Da una parte il funzionamento interno del cor po umano, basata su approfondimenti medi co-scientifici, dall’altra la singolarità umana, la conoscenza dell’individuo in rapporto alla sua storia, al suo mondo e alla sua persona.

Chiara Caterina

After completing a degree in film studies in Rome university and a diploma in cinemato graphy Chiara Caterina (Salerno, 1983) atten ded a post-degree in Le Fresnoy - Studio Na tional des Arts Contemporains in Lille (FR). Winner of numerous awards and selected in international festivals such as the 27th Eu ropean Media Art Festival in Osnabrück, the 30th Hamburg International Short Film Festi val, the 10th Berwick Film and Media art Fe stival, the Videoformes 2015 International Festival in Clermont-Ferrand, the Kasseler Dok und Video Fest. She is currently involved in the development of the documentary “Il domino, il diamante e il diavolo”, finalist at InProgress Milano Film Network 2018 and Premio Solinas doc 2019. “La stanza lucida”, her latest short film, is se lected at the 37th International Critics’ Week.

Back home after a break-up, a man finds himself in an empty room. The movements and actions he performs mark the time of his loneliness, and a few objects offer him temporary comfort, before a deep sleep seizes him. A lucid dream will initiate a healing process.

Chiara Caterina

Ritornato a casa dopo la fine di un amore, un uomo si ritrova negli spazi di una stanza vuo ta. I gesti e le azioni che compie scandiscono il tempo della sua solitudine e alcuni oggetti gli offrono conforto temporaneo prima che un sonno profondo lo catturi. Un sogno lucido darà inizio ad un rituale di guarigione.

Chiara Caterina (Salerno, 1983) è una filmma ker. Dopo la laurea al DAMS di Roma Tre e gli studi cinematografici in Direzione della foto grafia, si diploma in Francia presso Le Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains. Vincitrice di numerosi premi e selezionata in festival internazionali come il 27° Europe an Media Art Festival di Osnabrueck, il 30° Hamburg International Short Film Festival, il 10° Berwick Film and Media art Festival, il Vi deoformes 2015 International Festival di Clermont-Ferrand, il Kasseler Dok und Video Fest. Attualmente è impegnata nello sviluppo del documentario “Il domino, il diamante e il diavolo”, finalista a InProgress Milano Film Network 2018 e al Premio Solinas doc 2019. “La stanza lucida”, il suo ultimo cortometraggio, è selezionato alla 37 Settimana Internazio nale della Critica.

Ben Rivers

“What Means Something” is a portrait of her painter friend Rose Wylie made sporadically over the course of a year. Much like when Rose begins a painting, making a filmic portrait is an open engagement: the exact form will reveal it self in the making. The film grew from modest beginnings in which the two friends meet repe atedly at Rose’s house in Kent and she is filmed painting in her studio and garden, and became much longer than intended. Long sequences of encounters in which they simply observe this process, or read, look at sketchbooks, talk about painting, look at source material and sit in her jungle-like garden.

Ben Rivers (UK, 1972) has made around 40 fil ms. Awards include the EYE Art Film Prize; FI PRESCI International Critics Prize, 68th Venice Film Festival for his first feature film Two Ye ars At Sea; twice winner of the Tiger Award for short film at IFF Rotterdam. He recently collaborated with Anocha Suwichakornpong on Krabi, 2562.

“What means something” è un ritratto dell’ami ca pittrice Rose Wylie realizzato sporadicamente nel corso di un anno. Proprio come quando Rose inizia un dipinto, la realizzazione di un ritratto cinematografico è un impegno aperto: la for ma esatta si rivela nel corso del suo farsi. A partire da sporadici incontri nella casa di Rose nel Kent in cui viene ripresa mentre dipinge nel suo studio e nel giardino, la frequentazione dei due amici si fa sempre più intensa e il film diventa molto più lungo di quanto previsto. Lunghe sequenze di incontri in cui osservano semplicemente questo processo, oppure leggono, guardano i quaderni degli schizzi, parlano di pittura, guardano il materiale di partenza e si siedono nel suo giardino simile a una giungla.

Ben Rivers (Inghilterra, 1972) ha realizzato cir ca 40 film. Tra i premi ricevuti figurano l’EYE Art Film Prize; il FIPRESCI International Criti cs Prize, la 68ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia per il suo primo lungometraggio Two Years At Sea; due volte vincitore del Tiger Award per il cortometrag gio all’IFF di Rotterdam. Recentemente ha collaborato con Anocha Suwichakornpong per Krabi, 2562.

Anna Franceschini WITH Laura Pante

Anna Franceschini

WITH Laura Pante

“DISCOLITE” is a choreographic pattern that investigates the hybridisation between a hu man body and an object, it is a metonymy.

The looped pattern of gestures aims to become a “thing” in itself, an imaginary entity, a portable conglomerate of subjectivity that manifests itself episodically. The piece might be seen as an ulterior investigation in the vast field of “queerness”, where identity, after jumping over the boundaries of sex and gender, can be dispersed in a whirling fifth dimension of fluctuating images and embodied desires.

Anna Franceschini with her research investi gates objects, artifacts, commodities and their modes of display to re-discuss their role and configuration in the horizon of the aesthetics of capital. Underlying her investigation of reali ty is cinema understood as movement. Kinetic sculptures, performances and ba- chelor machines are, for Franceschi ni, a cinema made “by other means,” and animation, whether accidental or me chanically induced, consti tutes a means of arousing astonishment, disturban ce or simply a moment of empathy with “things.” She has a PhD in Visual and Me dia Studies and teaches at IULM University in Milan. Since 2022 she is Art-ba sed Researcher for AN-I CON, a research group funded by ERC -European Research Council - at the Department of Philosophy, University of Milan.

Laura Pante is a dancer and resear cher of theater theories and practi ces. She graduated in Visual Arts at the IUAV University of Venice, and since October 2020 she is a PhD student at the same university. In 2019, she concludes a period of ar tistic research at APASS (Advanced Performance and Scenographic Studies) in Brussels. Her artistic re search is actualised through cho reographic devices, performance, curatorial, pedagogical and writing projects in which it is the knowled ge of the body that stimulates new theoretical discourses and encou rages the development of transdi sciplinary practices.

“DISCOLITE” è un motivo coreografico che esamina l’ibridazione tra un corpo umano e un oggetto, è una metonimia. DISCOLITE è un’entità immaginaria, un conglomerato portatile di soggettività che si manifesta episodicamente. Il pezzo potrebbe essere visto come un’ulteriore indagine nel vasto campo della “stranezza”, dove l’identità, dopo aver saltato i confini del genere e del sesso, può essere dispersa in una quinta dimensione vorticosa di immagini fluttuanti e desideri incarnati.

Laura Pante è danzatrice e ricerca trice di teorie e pratiche del teatro. Laureata in Arti Visive presso l’Università IUAV di Venezia, da ottobre 2020 è dottoranda nel lo stesso ateneo. Nel 2019 conclude un periodo di ricerca artistica presso APASS (Advanced Performance and Scenographic Studies) a Bruxelles. La sua ricerca artistica si attualizza attraverso dispositivi coreografici, progetti performativi, curatoriali e pedagogici in cui sono i saperi del corpo a stimolare nuovi discorsi teorici e ad incentivare lo sviluppo di prati che trans-disciplinari.

Anna Franceschini con la sua ricerca indaga gli og getti, i manufatti, le merci, le loro modalità di espo sizione – il loro display –per ridiscuterne il ruolo e la configurazione nell’orizzonte dell’estetica del capitale. Alla base della sua indagine sulla realtà c’è il cinema inteso come movimento. Sculture cinetiche, performance e macchine celibi, sono, per Franceschini, un cinema fatto “con altri mezzi” e l’a nimazione, accidentale o indotta meccanicamente, costituisce un mezzo per suscitare stupore, tur bamento o semplicemente un momento di em patia con “le cose”. È Dottore di Ricerca in Visual e Media Studiese insegna presso l’Università Iulm di Milano. Dal 2022 è Art-based Researcher per AN-ICON, gruppo di ricerca finanziato da ERC – Euro pean Research Council – presso il Dipartimento di Filosofia dell’Università degli Studi di Milano.

Mariangela Ciccarello

Angela and Paola are preparing a play loosely based on The Odyssey. Angela plays the role of Ulysses and Paola plays his lover, who has summoned him from the dead for a final meeting. When the play intersects with the young women’s lives a rupture occurs. Transported, they reinvent themselves through new identities and the open space of the rehearsal stage. “Calypso” navigates between individual desire and collective unconscious, reclaiming mythology from its normative foundations.

Mariangela Ciccarello (Benevento, 1983) is an Italian visual artist and filmmaker. After living and studying in Italy, she earned two Master’s degrees, one in France, and the other in the US. Her prior short films have been featured at the Locarno Film Festival, Edinburgh In ternational Film Festival, Torino Film Festival, Film Society at Lincoln Center and Harvard Art Museum among other venues.

Angela e Paola stanno preparando uno spetta colo vagamente ispirato all’Odissea. Angela in terpreta Ulisse, mentre Paola veste i panni della sua amante Calypso, che lo ha fatto risalire da gli inferi per vederlo un’ultima volta. Quando lo spettacolo si intreccia con le vite delle giovani donne, qualcosa si rompe. Lasciandosi traspor tare, Angela e Paola reinventano sé stesse attraverso nuove identità e lo spazio del palcosceni co. “Calypso” naviga tra il desiderio individuale e l’inconscio collettivo, rievocando la mitologia nelle sue fondamenta normative.

Mariangela Ciccarello (Benevento, 1983) è un’ar tista e regista italiana. Dopo aver vissuto e stu diato in Italia, ha conseguito due master, uno in Francia e uno negli Stati Uniti. Oltre che al Torino Film Festival, i suoi lavori sono stati presentati al Festival di Locarno, al Festival di Edimburgo, al Film Society del Lincoln Center e presso l’Har vard Art Museum.

Set in the far western islands of Scotland’s Outer Hebrides, “An Dà Shealladh / The Two Sights”, is a sound forward documentary that cinematically re-connects the narratives of a disappearing oral tradition back to its physical environment. Analogue cinematography, field recordings, found tapes and interviews collected from several island communities are collaged together to explore the relation ship between place narrative, environment, and the reciprocal influences they exact upon one another.

Joshua Bonnetta (b.Canada 1979) is an interdi sciplinary artist working with sound and ima ge across installation, performance, and traditional cinema exhibition. His current works explore environmental sound through acou stic ecology and conservation bioacoustics frameworks. He is an Associate Professor in the Department of Cinema, Photography, & Media Art at Ithaca College. His sound works are published by Shelter Press, Canti Magne tici, and Senufo Editions.

Joshua Bonnetta

Ambientato nelle lontane isole occidentali delle Ebridi Esterne della Scozia, “An Dà She alladh / The Two Sights” è un documentario sonoro che ricollega cinematograficamente le narrazioni di una tradizione orale che sta scomparendo al suo ambiente fisico. La cinematografia analogica, le registrazioni sul campo, i nastri ritrovati e le interviste raccolte in diverse comunità delle isole sono messi insieme per esplorare la relazione tra la narrazione del luogo, l’ambiente e le influenze reciproche che esercitano l’uno sull’altro.

Joshua Bonnetta (Canada, 1979) è un artista interdisciplinare che lavora con il suono e l’im magine attraverso installazioni, performance e mostre cinematografiche tradizionali. I suoi lavori attuali esplorano il suono ambientale attraverso l’ecologia acustica e la bioacustica della conservazione. È professore associato presso il Dipartimento di Cinema, Fotografia e Media Art dell’Ithaca College. I suoi lavori sonori sono pubblicati da Shelter Press, Canti Magnetici e Senufo Editions.

Floris Vanhoof

“The Mirror Egg” is a miniature sitcom set inspired by the isolation period. The absurd si tuations for the inhabitants of the set create a flow of layered images. The central part is a 3-minute uncut reel that has been scripted like a programme: a 4-bit binary code and a long hex code, written on paper, have been used to position, layer and repeat what has been filmed on these 30 metres. A laser shi nes through the soap bubbles and 2 photodiodes listen to the light waves being bent across the changing surfaces. The bursting bubbles produce dynamic pops and the photons diffracted through the microscopic mo vements of the liquid soap produce glissandi.

Floris Vanhoof (1982, Antwerp) is interested in the hybrid forms of music, visual art, and film. His first projections -experimental films on 16 millimeter- evolved towards purely visual experiences which questioned our viewing patterns. Inspired by structural film and early electronic music, he builds installations, cre ates expanded cinema performances, and releases his music. Vanhoof makes his own instruments to explore the border between image, light, and sound.

“The Mirror Egg” è un set da sitcom in miniatura ispirato dal periodo di isolamento. Le si tuazioni assurde per gli abitanti del set danno vita a un flusso di immagini stratificate. La parte centrale è una bobina di 3 minuti non tagliata che è stata sceneggiata come un programma: un codice binario a 4 bit e un lungo codice esimale, scritti su carta, sono stati utilizzati per posizionare, stratificare e ripetere ciò che è stato filmato su questi 30 metri. Un laser brilla attraverso le bolle di sapone e 2 fotodiodi ascoltano le onde luminose che vengono piegate attraverso le superfici in continuo cambiamento. Le bolle che scoppiano producono schiocchi dinamici e i fotoni diffratti attraverso i microscopici movimenti del sapone liquido producono glissandi.

Floris Vanhoof (1982, Anversa) è interessato alle forme ibride di musica, arte visiva e cinema. Le sue prime proiezioni - film sperimentali su 16 millimetri - si sono evolute verso esperienze pu ramente visive che mettono in discussione i no stri modelli di visione. Ispirato dai film struttura listi e dalla prima musica elettronica, costruisce installazioni, crea performance cinematografi che espanse e pubblica la sua musica. Vanhoof costruisce i suoi propri strumenti per esplorare il confine tra immagine, luce e suono.

Francesco Cavaliere

Francesco Cavaliere

Francesco Cavaliere (Piombino, 1980) is a visual artist, writer and sound producer born in Tu scany, Italy, in 1980. He lives and works between Berlin and Turin. His works are capable of enli vening his listeners’ inner states through a poly morphic activity that combines writing, sound, voice, drawing, sculpture, which together sti mulate the imagination, undertaking long jour neys crossed by ephemeral presences. He writes sound stories and music based on particles of sound, noise and language, often integrated with installation and scenographic elements or live performance, showing a particular taste for the most diverse forms of exoticism. Over the years he has developed a veritable dictionary to catalog the metamorphic beings that inha bit his own abstract fantasy universe: hybrids of objects, animals, plants, planets, trails, cosmic objects and physical and perceptual phenome na generated by glass, minerals and voices, recorded and performed with digital and analog technologies.

Tape music made in Athens, Greece during the big fires of the august 2021. Each sound was created and recorded to orchestrate a sort of imaginary OST (original sound track). Something to create moving pictures with no images but only sound. Orchestral Presets, FM Synthesis and reel to reel manipulation are the main ingredients of this music piece.

Tape music registrata ad Atene, Grecia durante i grandi fuochi dell’agosto 2021. Ogni suono è stato creato e registrato per orchestrare una sorta di colonna sonora immaginaria. Qualcosa che ascoltando potesse creare delle immagini senza che ne venissero proiettate. Presets orchestrali, sintesi FM e minime ma nipolazioni su nastro sono i principali ingredienti che costituiscono questo lavoro.

Francesco Cavaliere (Piombino, 1980) è un arti sta visivo, scrittore e musicista che vive e lavora tra Berlino e Torino. Il suo lavoro si sviluppa in un’attività polimorfa che integra scrittura, suono, voce, disegno, scultura, che mirano nell’insieme a stimolare l’immaginazione, intraprendendo lunghi viaggi attraversati da presenze effimere. Scrive racconti sonori e composizioni musicali spesso integrati con elementi installativi escenografici. Negli anni ha sviluppato un vero e proprio dizionario catalogando gli esseri me tamorfici che abitano un suo universo astratto e fantastico: ibridi di oggetti, animali, piante, pianeti, tracce, oggetti cosmici e fenomeni fisi ci e percettivi generati dal vetro, dai minerali e da voci registrate e performate con tecnologie analogiche.

A cura di PAN, Pierluca Ditano e Alessandro Vangi, con la collaborazione di Noa Bonino

Attività finanziata dal Senato degli Studenti dell’Università Iuav di Venezia e sostenuto dal Master MOVIES - Moving Images Arts e dal dipartimento film del Centre Pompidou.