REVISTA MALBA

N° 1

MALBA Arte y escultura

LOS TEJIDOS COMO ARTE Hilos entrelazados en fotografías.

REFLEJOS DE UNA SILUETA Contraformas Entrelazadas

BELLEZA DEL ARTE FEMENINO La Mujer Simbolizada

AÓ TEXTILES DE LAS ARTES Artistas Paraguayos

EL ATENEO GRAND SPLENDID Una libreria espléndida

MUSEO DE BELLAS ARTES Descendencia artística argentina

museo MALVINAS Heroes Patrios

TEATRO COLÓN En su esplendor

MAMBA El Moderno más presente

FUND. PROA CAFÉ Y LIBROS Un espacio de exposicion cultural

ENTRE ARTE Y MODA 60 años de trayectoria

KIM PETRAS La icónica

Universidad Nacional Autonoma de Honduras Revista de Arte y Cultura Enero -Junio 2022 Vol. N° 1 Directora CAC-UMAH/ Coordinadora general: Olga Joya Coordinador academico: Marvin Hanahoria Diseño / Maquetación: Barbara Laveire Impresión: Imprenta lberia Comayagagüella,honduras.

Tiraje: 1,000 ejemplares Redactores y redactoras: Daniela Navarrete Margarita Vanini Daniel Medina Marvin Banahora Isabel Pérez Marta Hernandez Carlos Lanza Miguel Romero German Banahora Jubol Volorio Imagen de portada: Gabriela Zúniga F. ...........................................................................

Centro de Arte y Cultura, edificio entre 2da y 3era avenida,frente al paque La Libertador.

Telefono:2239-8755

Todos los derechos reservados / impreso en Honduras-2022

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EDITORIAL El diseño editorial refleja la cultura y la sociedad de la época en la que se produce.

No solo conocer a los medios impresos, sino también a los formatos digitales.

Abundantes periódicos y revistas se divulgan en línea y necesitan de un diseño manifestado para llegar a su público.

El desarrollo de publicaciones para tabletas va en aumento, al igual que las aplicaciones móviles para diferentes libros.

Los diseños de las revistas, de hecho, están basados en una composición tipográfica clara, desde el texto principal hasta el título. Hallar el patrón y la clase de tipografía adecuada ayudará a la revista en general y a sus publicaciones en particular a que pueden encontrar su voz específica y atraer a los lectores. Existen muchos enfoques diferentes, pero uno de los más importantes es el minimalismo. Algunas características complementarias pueden crear más impacto sobre todo cuando hablamos de escoger tipografías para las noticias en sí, lo cual queremos que esta sea nuestra imagen actual. Esta edición se propone generar un número más práctico y legible, moderno y audaz.

SUMARIO 04

LOS TEJIDOS

06

LOS REFLEJOS DE

08

museo de ARTE

10

LA BELLEZA DEL

COMO ARTE

UNA SILUETA

LATINOAMERICANO

ARTE FEMENINO

11

AÓ EP. TEXTILES DE

12

LIBRERIA EL ATENEO

14

MUSEO NACIONAL

LAS ARTES VISUALES

GRAND SPLENDID

15

museo MALVINAS

16

TEATRO COLÓN

18

museo de

19

FUND. PROA

arte moderno

CAFÉ Y LIBROS

20

ENTRE ARTE Y MODA

22

KIM PETRAS

DE BELLAS ARTES

03 | Arte&cultura | 2022

Los

teji dos

como

arte

T

radicionalmente se ha utilizado el término «arte» para referirse a cualquier habilidad o maestría, un concepto que se alteró durante el Romanticismo, el período del siglo XIX, cuando el arte llegó a ser visto como «una facultad especial de la mente humana clasificada junto con la religión y la ciencia».6​Esta diferencia entre oficio y bellas artes se aplica a las artes textiles, donde el término «arte textil» se usa para describir objetos decorativos a base de textiles que no están destinados para el uso práctico. El tratamiento del diseño y el color, así como las fibras utilizadas, permiten reconocer la identidad cultural de diversos pueblos en todo el mundo, en la confección artesanal de sus trajes típicos, así como telas, alfombras, tapices, bordados y encajes. Se utilizan para su fibras vegetales, lana, pelo, seda, plumas o fibras sintéticas.

Principalmente clasificadas dentro de las artes aplicadas, desde mediados del siglo XX la ampliación del concepto de las artes visuales y la búsqueda de los artistas de nuevas formas de expresión ha llevado al tejido y a la creación de obras con textiles a un lugar destacado dentro del arte contemporáneo.

“LA BELLEZA PERECE EN LA VIDA, PERO ES INMORTAL EN EL ARTE”

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Historia del uso de las plantas en las artes textiles Las fibras naturales han sido un aspecto importante de la sociedad humana desde el año 7000 aC, y se sospecha que se utilizaron por primera vez en telas ornamentales desde el año 400 aC en la India, donde se cultivaba por primera vez el algodón. Las fibras naturales se han usado durante los últimos 4000 a 5000 años para hacer telas, y las fibras vegetales y animales fueron la única forma en que la ropa y las telas se pudieron crear hasta 1885, cuando se fabricó la primera fibra sintética. El algodón y el lino son dos de las fibras naturales más comunes que se usan hoy en día, pero históricamente las fibras naturales se formaron en la mayoría de las partes de la planta, incluidas la corteza, el tallo, la hoja, la fruta, los pelos de las semillas y la savia.

identidad de la fibra vegetal en textiles antiguos Microscopía óptica, microscopía electrónica de transmisión normal y, más recientemente, microscopía electrónica de barrido (SEM) se utilizan para estudiar restos textiles antiguos para determinar qué fibras naturales se utilizaron para crearlos.

Una vez que se encuentran los textiles, las fibras se extraen usando un microscopio óptico y se usa un SEM para buscar las características en el textil que muestran de qué planta está hecha. En el lino, por ejemplo, los científicos buscan estriaciones longitudinales que muestren las células del tallo de la planta y las estriaciones cruzadas y los nudos que son específicos de las fibras de lino. El algodón se identifica por el giro que se produce en los pelos de la semilla cuando las fibras se secan para tejerlas. Este conocimiento nos ayuda a saber dónde y cuándo se produjo por primera vez el cultivo de plantas que se usan en textiles, lo que confirma el conocimiento previo que se obtuvo al estudiar la época en la que se alinearon diferentes artes textiles desde una perspectiva de diseño.

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El reflejo del autorretrato

D

esde el momento en que los artistas comienzan a reivindicar su posición social e intelectual frente al artesano, la propia imagen del pintor es en múltiples ocasiones el objeto de sus mismos pinceles. El espejo se convierte en un objeto imprescindible en los talleres neerlandeses, de Van Eyck a Vermer, y aparece con frecuencia representado en los cuadros. Nicolaes Maes se pinta ante su caballete reflejado en un espejo al fondo de la habitación de El tamborilero desobediente, (c. 1655) junto, seguramente, al retrato de su propia familia.En la segunda mitad del siglo XX, Lucian Freud hizo de su figura uno de sus temas predilectos y, al igual que Maes, se acompañó de dos de sus hijos en Reflejo con dos niños (Autorretrato) (1965).

El espacio del espectador también desde muy temprano, descubrimos el interés de muchos artistas por representar lo que se encuentra fuera del cuadro. En el evangelista San Lucas (1478), el pintor germano Mälesskircher pinta un interior lleno

de detalles; junto al toro, símbolo del evangelista, el mobiliario o los libros, aparece un pequeño espejo que refleja un interior con tres ventanas, una puerta y algunos muebles. A través de ese espejo el artista juega con la perspectiva y consigue aumentar el espacio del cuadro en todas direcciones, hacia el fondo a través de la ventana y en el sentido contrario a través del espejo. Frente a la visión predominante en Italia del cuadro como una ventana donde la pintura es autosuficiente, esta tendencia de utilizar los reflejos para eliminar los límites del marco se extendió en el contexto centroeuropeo en el siglo XVII, y particularmente a través del género de las naturalezas muertas; un buen ejemplo, Bodegón con fuente china, copa, cuchillo, pan y frutas de Jan Jansz. Van de Velde III, donde a través del cristal de la copa observamos los distintos reflejos que provoca la luz de unas ventanas situadas fuera de nuestro campo visual. Trescientos años más tarde, encontramos ese mismo dominio de las leyes de la óptica en la obra de Richard Estes y de muchos de sus compañeros hiperrealistas.

Los

reflejos de una

silueta “EL FIN DEL ARTE ES DAR CUERPO A LA ESCENCIA SECRETA DE LAS COSAS, NO EL COPIAR SU APARIENCIA”

El arte es, por lo tanto, un reflejo de la sociedad que habita.

No podríamos entender ni disfrutar de las grandes pirámides sin la intensa relación de la sociedad egipcia con la muerte y con el faraón. ¿Crees que la escultura griega no tiene relación con la filosofía del momento? ¿Podemos entender la creación artística de Velázquez (y del Barroco español) sin la situación de crisis del siglo XVII y con las figuras de los monarcas Felipe III y Felipe IV? Efectivamente, la creación artística, hay que contextualizarla siempre. Solo así entenderemos mejor las estéticas, los gustos y las técnicas. No podemos hacer un recorrido completo por la historia de los estilos y las técnicas artísticas y cada uno de los contextos históricos, pero sí es importante que tengas presente que la cuestión política, económica, social y cultural son determinantes a la hora de entender los procesos artísticos que se dan en cada territorio y en cada momento. De ahí que, aún habiendo estilos que son comunes a territorios más o menos amplios, cada zona lo adapta a un lenguaje propio, que tiene que ver con situaciones tan variadas como las influencias.

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museo de arte latinoamericano

museo malba

E

l Museo de Arte Latinoamericano, conocido como MALBA, es uno de los museos más importantes de la Ciudad de Buenos Aires. Se destaca por su riqueza patrimonial: alrededor de 400 obras de los más destacados artistas modernos y contemporáneos de Latinoamérica.

El museo abrió sus puertas en el año 2001 teniendo por misión la conservación, estudio, colección y difusión del arte de la región desde inicios del siglo XX hasta el presente. Interior del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos AiresSu edificio, es imponente, es tan bello por fuera como por dentro. Tiene un diseño moderno de estilo deconstructivista, gracias al uso de techos vidriados la luz natural permite apreciar mejor las obras de arte.

El Museo de Arte Latinoamericano es un proyecto de la Fundación Eduardo F. Costantini, una institución sin fines de lucro que cubre financieramente el déficit anual del museo.

El MALBA surge gracias a la donación de la valiosa Colección Costantini que incluye pinturas, dibujos, grabados, esculturas, fotografías, instalaciones y objetos de artistas desde México y el Caribe hasta la República Argentina. Eduardo Costantini es un exitoso empresario argentino multimillonario y amante del arte.

Desde 2004 se ha encarado un ambicioso Programa de Adquisiciones para incrementar el patrimonio cultural del museo a partir de los aportes de la Fundación, de donaciones públicas y privadas, así como también préstamos de obras.

En nuestra visita podremos disfrutar de:

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● Su colección permanente: piezas de renombrados artistas entre los que podemos destacar a Frida Kahlo, Wifredo Lam, Diego Rivera, Antonio Berni, Alejandro Xul Solar, Emiliano Di Cavalcanti, Jorge de la Vega, Tarsila do Amara, Lygia Clark, Guillermo Kuitca.

● Sus exposiciones que van rotando a razón de 4 veces por años. ● Emisión en su cine: películas propias o de directores consagrados. ●

Actividades literarias: presentaciones de libros, conferencias, charlas y debates, encuentros con autores y homenajes escritores.

● Además, cuenta con una tienda donde podremos adquirir objetos de diseño: iluminación, hogar, escritorio, accesorios y joyería.

● Podremos tomar o comer algo en el exclusivo Café, del museo.

FUE CREADO CON EL OBJETIVO DE COLECCIONAR, PRESERVAR, ESTUDIAR Y DIFUNDIR EL ARTE LATINOAMERICANO.

te recomendamos ●

Llevá tu cámara o móvil con buena carga de batería, seguramente vas a sacar muchas fotos. No está permitido usar flash pero podés tomar fotos de todas las obras que te gusten.

● La

música será una gran compañía a la hora de caminar.

●

Andá con tiempo suficiente porque son muchas obras y cada una tiene muchos detalles para observar.

● No descuides tus objetos de valor (bolso, cámara, notebook). ●

Si pensas comprar algo en la tienda MALBA, llevá el dinero suficiente porque los objetos de la tienda no son económicos.

●

Aprovechá los Miércoles la entrada está a mitad de precio.

●

Si venir a visitarnos un día Sábado o Domingo podés aprovechar para conocer la Feria Artesanal de Plaza Francia.

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La

Belleza del arte

FEMENINO

La mujer se encuentra simbolizada de diferentes formas en el arte, una de ellas es simbolizando su belleza con algun retrato e inmortalizarlo mediante la creación del mismo.

E

l museo abrió sus puertas en 1895 en las Galerías del Bon Marché, lugar de las actuales Galerías Pacífico. El patrimonio del museo se vio ampliamente incrementado gracias a las nuevas adquisiciones y las donaciones, por lo que el museo tuvo que ser trasladado al Pabellón Argentino, en la Plaza General San Martín.

En 1932 el museo fue trasladado de nuevo, esta vez a la Casa de Bombas (lugar en el que se encontraban las estaciones de bombeo y depósitos de agua), donde permanece en la actualidad. Explorando el museo, está compuesto por más de 12.000 obras, una biblioteca artística con más de 150.000 volúmenes y un auditorio de 320 metros cuadrados.

Entre las miles de obras propiedad del museo se incluyen pinturas, grabados, dibujos, esculturas, tapices y otros objetos, exhibiendo un total de 700 elementos a lo largo de 34 coloridas salas. Dentro del patrimonio de arte internacional del museo, la colección permanente cuenta con obras de destacados pintores y escultores argentinos que se entremezclan con las obras de conocidos artistas como Picasso, Goya, Monet, Manet, Renoir, Van Gogh, Rubens, Cézanne, El Greco y Rodin

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Aó Episodios textiles de las artes visuales en el Paraguay

La exposición presenta 16 trabajos producidos entre 1993 y 2022 que recuperan prácticas textiles en la obra de diez artistas estrechamente vinculados con el Paraguay.

La exposición recupera prácticas textiles de diez aartistas vinculados al Paraguay: Marcos Benítez, Félix Cardozo, Claudia Casarino, Feliciano Centurión, Arnaldo Cristaldo, Ricardo Migliorisi, Mónica Millán, Osvaldo Salerno, Joaquín Sánchez y Karina Yaluk. Algunos de los artistas adoptan tipos tradicionales de tejido (como son el ñandutí, el poyví y el encaje yú, que tienen hondas raíces precoloniales y coloniales) para explorar en el tiempo presente cuestiones locales. Otros renuevan operaciones de bordado, estampado o montaje para hilar relatos sobre el rol importante que tienen las mujeres, también el trabajo, el medio ambiente, la lengua que nos habita y sus traducciones.

Aó resignifica una poética de lo textil que guarda el hilo de las historias cotidianas compartidas.

La visita al “Aó” se encuentra desde el 1 de Abril hasta el 2 de agosto de 2022 en el museo Malba, ubicado en Avenida Presidente Figueroa Alcorta 3415, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

“Desde sus múltiples rostros, la historia del Paraguay ha estado siempre atravesada por el tejido. Aó es la palabra en guaraní que nombra todas sus posibilidades: atuendo, adorno, abrigo.

En cada tejido se pone en juego una forma de alfabeto. Las manos enlazan, asumen trama y urdimbre, registran hilo a hilo sus propias historias. Los tejidos populares paraguayos relatan historias de las personas que los realizan (mayormente mujeres) y los emplean en el ámbito doméstico o laboral”. explica Lía Colombino, Directora del Museo del Barro. Cuando el arte contemporáneo convoca al textil tradicional recupera esa domesticidad, fascinado por un trabajo que insiste en su condición artesanal o por el uso de algunos de sus elementos. “En ese procedimiento, los relatos cambian: los textiles de uso popular crean nuevos discursos en obras cuyos códigos estéticos en primera instancia les serían ajenos”, destaca la curadora.

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LIBRERIA

EL ATENEO grand

splendid

Una joya arquitectónica.

E

l Ateneo Grand Splendid es un edificio llamativo. Una gran vidriera con libros, un cartel con su nombre, los pliegues de una arquitectura de principio de siglo XX. Sin embargo, al entrar, todo se vuelve inmenso.

Al fondo, a lo lejos, el telón rojo abierto, a los lados, los palcos y en el techo, pasando los libros de la entrada, una cúpula pintada al óleo por Nazareno Orlandi. Las luces cálidas y los ornamentos completan el paisaje de un museo vivo hecho librería. Antes de estar colmada de libros, el Ateneo fue el Teatro Nacional Norte hasta que, en 1917, se tiró abajo y se construyó un sueño de la modernidad argentina: el Grand Splendid, un inmenso cine-teatro de vanguardia.

El edificio es un símbolo de la cultura porteña, en él tuvieron lugar conciertos de ballet, ópera y las primeras películas sonoras emitidas en Buenos Aires, el sello Nacional Odeón, bajo el cual empezó a grabar Carlos Gardel en 1920, tenía allí su sede. De hecho, la sala en la que grababa aún existe, aunque no se puede visitar. También en los altos del edificio

comenzó su primera transmisión oficial LR4 Radio Splendid, en 1923, hizo algunas de las primeras grabaciones de los grandes cantantes de tango de la época. Los pequeños palcos originales, la cúpula pintada a mano y el telón tipo griego carmesí que colabora con la actual cafetería ubicada en el antiguo escenario, provocan una atmósfera única que obliga a considerar al edificio como una visita obligada en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Actualmente, en un lugar sin acceso al público, se encuentra un cuarto en el que Carlos Gardel grabó algunos de sus exitosos tangos, La librería actual mantuvo las características del teatro y el cine. La cúpula pintada a mano, los balcones originales, la ornamentación dorada, el telón de terciopelo y la iluminación los mantienen presente. Las sillas en todo el edificio, incluyendo las de los palcos, están todavía intactas. Actualmente, los clientes pueden revisar los libros incluso desde los palcos antes de la compra y además pueden acceder a la cafetería en el fondo del local, justo sobre lo que fue el escenario del teatro.

UNA CÁPSULA DEL TIEMPO QUE PERMITE TRASLADAR AL VISITANTE A UN MOMENTO HISTÓRICO DETERMINADO, Y QUE HACE DE LA ACCIÓN DE ENCONTRAR Y LEER UN LIBRO, UNA EXPERIENCIA PARTICULAR

museo

nacio nal a r t e s de bellas

estrenado en 1895, el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires recoge y expone la mayor sucesíon artística de Argentina, compone uno de los principales museos de Latinoamérica.

L

a manera en que se representa a la mujer en el arte, en las fotografías, en el cine, en la publicidad y en otras formas de representación visual, en las distintas etapas de la historia, nos da señales para analizar y comprender cómo se ha considerado, como fue vista la mujer como persona, es decir, la representación es una manera de conocer cómo pensaba la sociedad y qué papel tenía reservada para la mujer en aquel entonces, como si éste fuera un destino para la mayoría de las mujeres del cual no se librarían.

La mujer se ha representado de diferentes maneras a lo largo de la historia, dando énfasis o importancia a unos aspectos u otros en función de la mentalidad, de las creencias y valores de cada época. Para comprender correctamente esta idea es preciso reconocer que el conocimiento objetivo sobre cualquier tema es relativo, pues depende de circunstancias históricas, del contexto, de la presión de grupos sociales, etc.

EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES DE BUENOS AIRES ES UNO DE LOS PRINCIPALES MUSEOS DE LA CIUDAD Y RESULTA INTERESANTE GRACIAS A LA VARIEDAD DE SUS EXPOSICIONES.

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Por esta razón cambian tanto las ideas que las personas tenemos de cómo funciona la naturaleza, la sociedad y nuestra mente y siempre se comete el error de que nuestra generación ha llegado a la verdad absoluta, sobre todo respecto a las anteriores generaciones. Por ejemplo, con el surgimiento de las primeras vanguardias, el desnudo femenino, más allá de la simple idea de inmortalizar la belleza de la mujer, aparecerá más adelante, claramente asociado al erotismo y la sexualidad, y las obras claramente sugerentes abandonarán de a poco la inocencia que alguna vez tuvieron, relacionándose también con los cambios sociales en los que la mujer adquiere mayor libertad social, comenzando por sí misma y por su propio cuerpo, entonces no solamente dejan de representar una simple idea de belleza, sino cada vez se van empoderando.

museo

E

MAlvinas

l Museo Malvinas e Islas del Atlántico Sur fue creado en junio de 2014 por el gobierno argentino y funciona en el predio que pertenecía a la Escuela de Mecánica de la Armada, en Buenos Aires, desde el día 10 de junio.

El museo depende del Ministerio de Cultura de la Nación.

Los objetivos que tiene este museo son: 1. Difundir, comunicar, exhibir y concientizar a todos los habitantes de la nación acerca de la soberanía argentina sobre las Islas Malvinas e Islas del Atlántico Sur, particularmente las Georgias del Sur y Sandwich del Sur. 2. Promover la reivindicación de la Causa Malvinas como una causa Argentina, latinoamericana y universal.

3. Difundir e intervenir en los temas atinentes a la reivindicación de la soberanía nacional sobre las Islas Malvinas en el marco de los pilares democráticos y los principios de Paz, Memoria, Verdad y Justicia.

4. Recordar y rendir homenaje a los argentinos que entregaron sus vidas y en defensa de las Islas Malvinas a lo largo de nuestra historia como Nación.

5. Organizar y promover la realización de actividades, jornadas, simposios y eventos en el país y en la región, tendientes a reforzar las acciones precedentes.

El museo es interactivo y en cada estación de las cuatro en que se divide hay «experiencias sensoriales», desde el viento característico de las islas y el mar, hasta el sonido de aviones de guerra. También incluye un memorial a los caídos en la guerra de 1982, en una plaza abierta a la que se puede llegar a través de un muelle que conecta el museo con un espacio al aire libre, que recrea la geografía y el paisaje de las islas que pelearon nuestros heroes, así como su flora y fauna.

El edificio del museo posee tres niveles. En sus muestras y salas se homenajea a las personas, principalmente argentinos, que participaron en la historia de las islas y se incluyen aspectos

de la naturaleza (flora y fauna) y geografía del archipiélago, mostrándose como una extensión insular de la Patagonia. Las salas poseen muestras audiovisuales que incluyen soporte de tecnología LCD y táctil. Se exhiben objetos históricos, textos literarios, imágenes, pinturas, cartas y documentos históricos, sonido ambiente, fotografías, mapas y planos. En el sector histórico, se incluye tanto la guerra de 1982, como la ocupación de 1833 y las resoluciones de las Naciones Unidas sobre la disputa territorial. El museo también posee el bar Puerto Rivero, con el nombre dado a Puerto Argentino/Stanley en 1966 por el Operativo Cóndor en honor al Gaucho Rivero, y la sala infantil «La Asombrosa Excursión de Zamba en el Museo de las Islas Malvinas» instalada por el canal Paka-Paka​.

El auditorio del museo, desde el 28 de agosto de 2015, se llama Orlando Gustavo Pascua, en homenaje a un excombatiente de la guerra de 1982.

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Teatro Colón HISTORIA DEL TEATRO COLÓN Fue inaugurado el 25 de mayo de 1908 con la ópera Aida de Giuseppe Verdi.

El edificio se erigió para reemplazar al antiguo Teatro que se encontraba ubicado en la manzana que hoy ocupa el Banco Nación, frente a la Plaza de Mayo, y que funcionó allí entre 1857 y 1888.

Su piedra fundamental se colocó el 25 de mayo de 1890.

Esto, con la ambiciosa intención de inaugurarlo para la celebración de los 400 años del descubrimiento de América, que se cumpliría el 12 de octubre de 1892. El proyecto inicial perteneció al arquitecto Francesco Tamburini, quién falleció en 1891. Fue sucedido por su socio, el arquitecto Víctor Meano, creador del Palacio del Congreso Argentino. Meano introdujo algunas modificaciones al plan original y continuó con las obras hasta 1894, cuando la construcción comenzó a estancarse por cuestiones financieras. Tampoco vería finalizado el proyecto, ya que en 1904 sería asesinado por su ex mayordomo. A partir de aquí el Gobierno encargó al arquitecto belga Jules Dormal la finalización de la obra. Este último, también realizaria varias

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modificaciones estructurales, imprimiendo un estilo francés en la decoración Finalmente, el 25 de mayo de 1908, se llevó a cabo la primera función a cargo de la Gran Compañía Lírica Italiana, en la sala principal del teatro.

No obstante, algunos sectores del edificio todavía no habían sido terminados, como el Salón Doradoy las marquesinas de hierro sobre las calles Libertad y Cerrito. Desde finales del siglo XIX arquitectos, maestros de obra y albañiles italianos, importando, adaptando y creando técnicas y materiales, dieron un nuevo perfil a muchas ciudades Latinoamericanas como, por ejemplo, São Paulo y Buenos Aires que adquieren una fisonomía particular con los nuevos edificios y monumentos y con las casas chorizo y el ladrillo a la vista. Entre ellos se destaca Francesco Tamburini quien, con sus diversos proyectos, dio una determinada característica a la arquitectura pública argentina de la época. Además de Escuelas, Bancos y Hospitales, Tamburini trazo el perfil definitivo de la Casa de Gobierno con la explícita misión de presentar la nación y

ENTRE LAS CALLES CERRITO, VIAMONTE, TUCUMÁN Y LIBERTAD DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES, SE ENCUENTRA UNO DE LOS MEJORES TEATROS DEL MUNDO, EL YA CENTENARIO TEATRO COLÓN.

del Teatro Colon de Buenos Aires, la capital de un país que afirmaba su federalismo. El vocabulario arquitectónico que Tamburini trajo de Italia y del que se sirvió para la mayoría de sus proyectos, sumado a la arquitectura que encuentra a su llegada a Argentina y que ve y ‘vive’ durante los siete años que allí reside, crea su propio idioma. Sus espacios y la ornamentación y decoración que utiliza, creando un estilo que se mantendrá en vigencia hasta el af rancesamiento del interior de la Casa de Gobierno y del Teatro Colón.

“LA ARQUITECTURA DEL TEATRO COLÓN Y LA COMUNIDAD ITALIANA“.

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Museo de

Arte Moderno

E

l Museo de Arte Moderno de Buenos Aires fue creado en 1956 por iniciativa del crítico de arte Rafael Squirru, fundador y primer director de la institución. Squirru era en ese entonces un joven abogado, entusiasta eterno y apasionado por la cultura. Se configuró como uno de los mayores promotores del arte argentino y acompañó a los artistas de su tiempo. Fue amigo de artistas como Tomás Maldonado o Quinquela Martín que ejercieron en él un constante impulso hacia el gusto por el arte y la cultura.

A 62 años de su fundación, el Moderno cuenta por primera vez con su sede completa. La remodelación y ampliación del edificio de Av. San Juan 350, iniciada en 2005 e inaugurada su primera etapa en 2010, durante este año alcanzó su finalización y fue reinaugurado el 12 de julio de 2018.

Esta ampliación mejora la experiencia de los visitantes y aumentar el espacio para la exhibición de nuestro Patrimonio.

En este proyecto se propuso una circulación por la parte trasera del edificio con un punto de conjunción en una nueva escalera escultórica que ordena el recorrido a la vez que interpela al visitante con sus distintos puntos de vista y el contraste de materiales: hierro, mármol y espejos.

También se abrieron ventanas que permiten la entrada de luz natural y distintas vistas del barrio de San Telmo. Además de las nuevas salas de exhibición, el Moderno inaugura una nueva Sala de Educación, un café, la ampliación de la tienda y una circulación más cómoda y accesible que comunicará de manera dinámica los cinco niveles del edificio.

“EL NUEVO EDIFICIO PROPONE DISTINTOS ESPACIOS DE ENCUENTRO QUE SE ALTERNAN CON LAS SALAS PROPONIENDO UNA MAYOR INTERACCIÓN ENTRE LOS VISITANTES”

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FUND.

PROA

CAFÉ Y

LiBROS “HACE MÁS DE DIEZ AÑOS REALIZA DESPLIEGUES EVENTUALES DE ARTISTAS NACIONALES, EXTRANJEROS. ORGANIZA TEMARIOS DE EDUCACIÓN Y DE CANJE CON CÉLEBRES ENTIDADES CULTURALES”

F

undación Proa es un centro de arte contemporáneo con sede en el tra-dicional barrio de La Boca de la ciudad de Buenos Aires. Actualmente, cuenta con un extenso repertorio de libros, e incluso un espacio donde se pue-de apreciar la vista hacía el río, mientras se toma un buen café. Diez años después de su apertura, Fundación Proa encaró un proceso de renovación que concluyó en 2008 con la inauguración de su nueva sede. Es un antiguo edificio de fachada italianizante y tres pisos que cuenta con cuatro salas de exhibición, un auditorio multimedial, una librería especializada, un restaurante y terraza, además de espacios de acción y apertura al público y una fachada transparente para comunicar experiencias desde el interior hacia el barrio. El proyecto y dirección de las obras es del estudio Caru-so-Torricella de Milán, el mismo que en 1996 transformó el antiguo edificio en un emble-mático punto de referencia para el arte con-temporáneo en Buenos Aires.

En el proyecto de remodelación, a los dos lados del histórico y restaurado frente de la casona que hospedó originalmente a la Fun-dación Proa en La Boca, se incorporaron dos fachadas de vidrio de estilo contemporáneo, tanto tecnológica como visualmente. Es recomendable reservar mesa si se quiere ir a consumir dentro del restaurant, ya que es un lugar elegido y muy concurrido por los argentinos y turistas, los fines de semana, in-cluídos los feriados nacionales.

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entre

ARTE

y

moda

Gino Bogani, el mítico DISEÑADOR le puso un broche de oro al encuentro de lo mejor de la semana de la moda ARGENTINA. Presentó en el MALBA una gran colección retrospectiva que recorrió sus 60 años de trayectoria.

L

a pasarela alta -tal como solía usarse antaño iba desde el pie de las escaleras mecánicas hasta el lugar donde están las boleterías en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. El museo se convirtió por un día en la locación perfecta para un desfile de moda perfecto: el de Gino Bogani. Insuperable, además de exuberante, festivo, histórico, conmovedor. Fue el cierre de la Semana de la Alta Costura que organizó Elina Fernández por primera vez.

Siguiendo la impronta de su marido Eduardo Costantini coleccionista, fundador y presidente del MALBA-, con este evento se perfila como una potencial mecenas de la moda argentina. Las presentación en este espacio tan exquisito tuvo el propósito de darle visibilidad al diseño argentino de alta gama, por fuera del circuito comercial masivo Gino Bogani fue el broche de oro. Una retrospectiva de su trayectoria como creador de prendas de lujo y a medida se convirtió en una muestra de arte. Por eso, el entorno, no podría haber sido mejor para repasar piezas representativas

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de cada momento histórico y entender en la curaduría cuál es el sello del artista: una identidad que no se define por colores, trazos, siluetas ni un estilo determinado, sino que absorbe vanguardias de cada época y las pone en juego en diseños obras que configuran una personalidad fuerte, a la vez de dinámica y diversa. La suya y la de las siluetas de las mujeres para quienes fueron creadas. Un concepto que, además, se evidenció en el casting de “mannequins”. Convivieron modelos jóvenes actuales con aquellas, ya “maduras”, que fueron las primeras en lucir los Bogani. Hoy por hoy muchas firmas, al buscar captar aceptación en sus públicos, adhieren a la tendencia de desprejuiciar la edad avanzada y exhiben la belleza de personas que trascendieron la juventud. El desfile con el que culminó la Semana de la Alta Costura podría haber sido, en ese sentido, una excelente estrategia de marketing acorde a la actualidad. Sin embargo, la ostensible autenticidad descartó la posibilidad de una estrategia. Gino Bogani convocó a sus ex modelos y conocidas amigas, ellas acudieron

LAS 179 PASADAS FUNCIONARON CUAL ENCICLOPEDIA VIVIENTE. NO SOLAMENTE POR LOS PERÍODOS HISTÓRICOS QUE INVOCABAN LAS PIEZAS, SINO PORQUE ESTUVIERON PRESENTES ABSOLUTAMENTE TODAS LAS ACEPCIONES DEL VOCABULARIO DE LA HAUTE COUTURE: DRAPEADOS, VOLADOS, FLECOS, PLISADOS, PINZAS, MOÑOS, ESTAMPAS.

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El arte y la música se combinan para generar diversidad en todo el mundo, junto con Kim Petras como icono del momento

K

im Petras está en su era de ascensión. Pisándole los talones a su último EP, Slut Pop, y una gran cantidad de actuaciones eléctricas en los EE. UU., la cantante pionera encabezará el festival Pride de este año en la ciudad de Nueva York. Para Petras, este es el surgimiento de su vida, ya que recuerda vívidamente los días actuando en los antros gay de la ciudad. “Siento que Nueva York es donde comenzó mi carrera”, comparte el joven de 29 años con V. “Ahí es donde se tocó mi música por primera vez. Entonces, para mí, siempre es especial tocar en Nueva York. Pero encabezar Pride es el siguiente nivel, es como un maldito sueño”.

Dependiendo de con quién hables, Orgullo puede tener muchas definiciones. Puede significar ser libre de ser quien eres, celebrar a tus amigos y familiares o ser un aliado de la comunidad LGBTQ+, y para Petras, es todo lo anterior.

No se limita a una definición, aprecia la interpretación única de cada persona del mes y sus festividades. Este Orgullo, especialmente, el floreciente cantautor tiene mucho que agradecer. Durante nuestra conversación con Petras, ella se asegura de reconocer a su familia (y la familia elegida) que la ha apoyado a ella y a sus pasiones desde el principio: Nacido en Colonia, Alemania, la cantante de “Coconuts” siempre estuvo destinada a ser el centro de atención. Interesada en seguir una carrera en la música desde que era preadolescente, se podía encontrar a len su habitación, escribiendo canciones en su cuaderno. Y aunque fue aquí donde descubrió su amor por la música, comparte que su infancia no siempre fue la más fácil. “Sabía muy, muy joven que mi cerebro no coincidía con mi cuerpo”, compartió. “Fue mucha lucha y odio hacia uno mismo. Luego, una vez que hice mi transición completa, sentí que mi vida comenzó una vez que todo eso terminó” Kim Petras está en su era de ascensión. Pisándole los talones a su último EP, Slut Pop, y una gran cantidad de actuaciones eléctricas en los EE. UU., la cantante pionera encabezará el festival Pride de este año en la ciudad de Nueva York. Para Petras, este es el surgimiento de su vida, ya que recuerda vívidamente los días actuando en los antros gay de la ciudad. “Siento que Nueva York es donde comenzó mi carrera”, “Ahí es donde se tocó mi música por primera vez despues de tanta espera.

22 | Arte&cultura | 2022

“EL ORGULLO SIGNIFICA CELEBRAR A LAS PERSONAS EN MI VIDA, QUIENES SIN ELLOS ME HABRÍA PERDIDO REALMENTE. ”

I DON´T IT AL

Petras comparte que, a pesar de los altibajos, siempre podía confiar en la música para ayudarla a superarlo. “Siento que eso es lo que me conectó con la música porque podía hablar de mis sentimientos y no de mi género”, dice. Y después de algunos años de introspección y de perfeccionar meticulosamente su oficio, Petras irrumpió en escena con su tema de 2017, “I Don’t Want It at All”. No es alguien que se aleje de su verdadero yo, se ha hecho un nombre como alguien que siempre ha sido ella sin disculpas, en la vida, pero también en la música. Su último EP, Slut Pop, es un buen ejemplo de esto, donde Petras rompe el estigma detrás del sexo y, en cambio, fomenta el empoderamiento y el pensamiento positivo del sexo.

“Se supone que te hace sentir bien contigo mismo”, explica.

“Pero también quería quitarme la vergüenza de la palabra ‘zorra’ o dormir con quien quieras”.

“Es un nuevo capítulo y me encanta un disco conceptual, así que definitivamente es eso”