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Agosto 2013

La feria verde:

agricultura orgánica y local

Teatro al mediodía: cobra vida

La Vuelta: La tediosa tarea

Sketching Lab: santo grial del diseño visual


Contenido 4

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Art City Tour

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Holi One: Primer edición Costa Rica

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Carta Editorial

La Feria Verde

La Casa del Artista

Exposición Grabados 2013

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Ecoedición: ¿había alguna vez escuchado esta palabra?

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Uno a uno con Pablo Herrera

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Teatro al Medio día

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Sketching Lab Costa Rica

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Sorry Zorrito

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La Vuelta: la tediosa tarea

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CNFL: prácticas ambientales sostenibles

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Enamórate de tu Ciudad

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Entrevista: The Esoteric Birthday Entrevista: Comunidad CCE: José Alberto Hernández Tesis: Vaso Lleno Tesis: Hecho a la tica ¡Hazlo tú mismo! Editorial: Vuelta de hoja

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Carta Editorial Adri Matamoros

Pasión e intuición Durante la pasada edición de Convergencia en Universidad Veritas se escucharon recurrentemente términos conflictivos: innovación, estrategia, proceso. Curiosamente, nadie apuesta demasiado por ellos; nadie se atrevería a negar su necesidad o que dan resultados, eso no está en discusión. Pero parece haber más apuestas por la pasión, la intuición en el diseño. Personalmente me inclino por ellas. Veamos, el arte ha existido por millones de años, la innovación se da en todos los campos, muchas veces revolucionando el mundo en que vivimos. Hace 621 años fue el descubrimiento de América, en el siglo XVIII la Revolución Industrial, en 1945 la bomba atómica; en 1969 el primer hombre pisa la luna y en 1989 aparece la World Wide Web. Y el mundo ha cambiado. Claro que el éxito de dichos eventos no se encuentra en la estrategia que siguieron, ni en los estudios detrás sino en una idea, una idea llevada a término con pasión.

Quizá la mayor ventaja del diseño es que la gran mayoría de personas que se dedican a ello lo hacemos por amor a la profesión, gracias a la extendida creencia que no es forma de hacerse millonario. ¡En hora buena un prejuicio! Manuel Travisany comentaba en su charla que innovar es una necesidad para ganar, pero es un tema de pasión. Se necesita inspiración. Y sobre todo explicaba que la mejor forma de motivarse es ver hacia delante, siempre con la vista puesta en el destino. Quizá en algún momento algo haya descorazonado a un estudiante de diseño: me destrozaron el proyecto, no entiendo la utilidad de la materia, creo que esto no es lo mío; la eterna crisis existencial del homo sapiens. Pero cuando eso sucede, si de verdad se ama lo que se hace tan solo miremos hacia el futuro.

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Malabaristas y acróbatas Sábados 9am, en los parques de San José


El esperado recorrido cultural Art City Tour, que lleva a sus invitados en busetas por todo San José, se celebró una vez más el pasado miércoles 17 de julio. Su cuarta edición del 2013, incluyó un total de 22 espacios expositivos, entre galerías, museos, centros culturales y casas de arte. El Art City Tour es un programa de GAM Cultural, gestionado desde la sociedad civil. Durante los recorridos, los visitantes tienen acceso gratuito a todos los espacios culturales partici-

pantes y a las unidades de transporte habilitadas durante la noche. El paseo gratuito empezó a las 5 p.m. y las respectivas busetas para cada línea arrancaron a las 5:30 p.m. Esta edición contó con cinco estaciones iniciales: Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), el Museo de Jade del Instituto Nacional de Seguros, el Museo Nacional, los Museos del Banco Central (Plaza de la Cultura) y una ruta adicional en el MADC. Entre las exposiciones abiertas se pudieron observar pinturas de Carlos Tapia en la Tienda eÑe, fotografías de Fotoclub de Costa Rica

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en la Galería Nacional, la exposición colectiva internacional de Proyectos Ultravioleta en el MADC y Coesão escultural en el Centro de Estudios Brasileños (Santa Ana). Además, “Ante un fusilamiento” pude ser observada en TEOR/éTica (Teorética) junto con una retrospectiva de videos de Frank Pineda y la sorpresa del Museo de Basura, frente a Casa Italia, entre muchas otras opciones de arte y cultura. Una de las novedades fue la incorporación de la Universidad Veritas entre los productores de actividades de la noche. En la estación Veritas se exhibieron una selección de corto-


Reportaje

Nana Boschini

metrajes en el MAC, se realizó un intercambio de ropa (free the clothes) en el MADC, se presentaron esculturas y animaciones, tanto en los Museos del Banco Central como en la sede de la universidad. También se contó con cocina contemporánea, un photobooth a cargo de la Escuela de Fotografía y cortometrajes de ficción. El tour finalizó a las 9 p.m., y tuvo una fiesta de cierre en el bar La Concha de la Lora, ubicado en Barrio La California. Sus próximas ediciones serán el 11 de setiembre y el 15 de noviembre.

El Museo de la Basura tuvo un objetivo primordial: Darle el espacio desocupado para Museo de las Mujeres

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Reportaje Nana Boschini

Primera edición en Costa Rica El Holi One reunió a unas 9000 personas en el centro de eventos Pedregal, en San Antonio de Belén, para presenciar la primera edición costarricense de este mundialmente famoso festival de colores. Acreditado por sus atrayentes juegos de polvos de distintos colores de neón, el evento mezcla música electrónica y similar con un ambiente festivo del que los costarricenses sacaron provecho.

El Holi One está basado en el famoso festival Holi de la india, un acto celebrado al inicio del verano que conmemora la historia de Holika, una Princesa india dentro de la mitología Hindú. Los organizadores del evento aseguraron haber vendido 9.000 entradas, que hicieron ver al área abierta de Pedregal inundada de humanos cubiertos en sudor, sonrisas y color. El festival tuvo un duración mayor de

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12 horas y ofreció un entretenimiento continuo con base en toldos, atracciones comerciales y un gigantesco escenario colocado al centro del lugar. El comienzo del festival vino con el set del artista costarricense, Dj Piloy, quién tuvo la difícil tarea de calentar el ambiente justo cuando el público recién se asentaba en Pedregal y compraba sus tiquetes para bebidas.


La alegría de la fiesta electrónica continuó a lo largo de los diferentes grupos presentándose. El primer DJ internacional fue Christopher Cherubin, alemán con una producción más relajada. Así transcurrió la jornada: fluida, con un público que no se dejó caer en ningún momento, y con mayor número de clímax que la cantidad de artistas presentes en el cartel; detonando una experiencia que tiene el viento a favor para volver a celebrarse en el país. Luego de un pronto a otro, los asistentes al festival se vieron rodeados y cubiertos pro potentes colores azul, rosado, naranja, verde y amarillo. Tras la presentación de Cherubin, se celebró el primer lanzamiento simultáneo de polvos al aire, actividad que se repetiría cada hora hasta dar por terminado el día y el festival. De pronto, la gran mayoría de las cabeceras y los pedazos de piel al descubierto estaban empapadas de potentes colores azul, rosado, amarillo, naranja y verde. Ese debut del polvo colectivo generó lo esperado: una espectacular nube cromática sobre los asistentes, que al par de segundos desaparecía del panorama; una vez despejado el cielo, la banda local Alphabetics arrancó su presentación.

Santos&Zurdo apareció después para inyectar su característico world music electrónico bañado en los sonidos del sitar, guitarra eléctrica, bajo y tornamesa, en el acto más referencial a la cultura hindú del Holi One. Las entradas podían ser adquiridas en SpecialTicket.net y todos sus puntos de venta autorizados. Los boletos tenían un valor único de ¢19.000 y cada bolsa de polvo zun valor de ¢1300 c/u, enlazando su lema “todos somos uno”. La regla era que todos los asistentes debían llegar vestidos de blanco.

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La feria verde En un país que promueve la compra y venta de productos agrícolas locales mediante las ferias, la Feria Verde, un campo ferial que se enorgullece de la agricultura orgánica y local, se lanzó en 2008 con la intención de sobresalir de la industria con una visión distinta de las demás. La Feria Verde se originó hace 5 años cuando un grupo de personas de distintas profesiones decidieron unirse con la idea única de crear un espacio en donde la gente pudiera intercambiar ideas y valores dentro de un entorno sostenible. Buscaban crear una feria que fomentaba la venta y compra de productos y alimentos con el fin de apoyar la misma comunidad en San José. Después de casi dos años de trabajo, el grupo logró realizar su sueño; se inauguró la Feria Verde de Aranjuez el 15 de mayo del 2010 – el Día del Agricultor. La Feria Verde es un mercado sin fines de lucro que busca promover un estilo de vida sostenible en Costa Rica mediante un ambiente sano y amigable; la feria es un punto de encuentro en el que la gente puede disfrutar de un ambiente local y amistoso. La Feria Verde se mueve para impulsar la venta de productos

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y alimentos locales y orgánicos para lograr un efecto positivo tanto en el país como en el planeta. Cree que el apoyo de los comercios y productores locales mejora la sociedad y conciencia cultural, además de fortalecer el bienestar de la comunidad ferial. La comunidad ferial ha lanzado un modelo para la producción y el consumo local que buscar conectar los consumidores con los agricultores de forma directa y así generar un conexión personal con la comunidad y a la vez gestionar consciencia sobre los efectos de sus hábitos de compra. Esta interacción de persona a persona permite un vínculo en el que tanto el consumidor como el productor goza de un ambiente donde la confianza, amistad, y conocimiento están presentes. Además de una amplia variedad de productos agrícolas orgánicas, alimentos frescos, así como panes, lácteos, huevos, mermeladas, galletas, vinos, aceites, mieles, y más, la feria cuenta con medicinas naturales, productos de limpieza y productos ecológicos. Hay kioscos de ropa hecha a mano, bolsos y joyería, y hasta accesorios y ropa para las mascotas. Además de una gran var-


Reportaje

Maggie Hathaway

iedad de productos artesanales y productos alimentarios, la feria promueve la degustación; hay varios kioscos que sirven desayunos calientes y frescos hechos con ingredientes locales, café orgánico, y todo tipo de panadería y bocaditos. La comunidad ferial va más allá de la simple venta de productos y degustación; tiene muchas actividades deportivas y recreativas, eventos culturales, arte local, y productos artesanales. Dan clases educativas sobre la sostenibilidad y el medio ambiente y estimulan a la gente a que venga a aprender y conocer más sobre su país. La Feria Verde no se contenta con estas reuniones semanales; la comunidad trabaja junto con diferentes organizaciones como MAOCO, CEDECO, el Ministerio de Agricultura y Ganadería Costarricense (MAG) y el

Programa de Pequeñas Donaciones (PPD) de Las Naciones Unidas para iniciar una solución para obtener una certificación orgánica nacional ajustada a la lay costarricense. Su desarrollo se centra en la producción sostenible de pequeña escala, y busca poder certificar estos pequeños negocios independientes mediante certificaciones accesible legalmente y de bajo costo. El local también cuenta con un lugar de reciclaje para que los visitantes puedan traer sus desechos reciclables a la feria y deshacerse responsablemente de ellos.

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La feria ha visto un aumento significante tanto de los vendedores como de los visitantes, un crecimiento sumamente inspirador; los creadores de la Feria Verde han cultivado una comunidad de personas que se unen con las misma visión y pasión, y estas cualidades le permitirán a que siga siendo algo más que una simple feria. La Feria Verde son todos los sábados de las 7 AM – 12 MD.


La Casa del Artista Existe en Costa Rica un lugar en donde los artistas nacionales se reúnen, una comunidad de mentes creativas cuya meta no es simplemente fomentar su pasión, sino también despertar este mismo fervor en los demás. Este lugar se llama La Casa del Artista, un centro de formación en el que los pintores, escultores, grabadores, dibujantes, y artesanos en las diferentes áreas artísticas pueden aprender, encontrar su orientación vocacional, y hasta formarse espiritualmente. Las Casa del Artista es la única institución pública de formación artística con casi cincuenta años de experiencia en la promoción de las artes plásticas y aplicadas mediante la enseñanza, creación artística, y cultivación artesanal. Al abrirse las puertas a la comunidad artística, La Casa del Artista ha recibido una multitud de estudiantes que tienen de 6 a más de 80 años. Son de distintos niveles educativos, entidades, y clases sociales, pero todos impulsados por el mismo deseo de entender mejor

el mundo de arte, ya sea para fines de crecimiento artístico personal o el desarrollo de una vocación artística profesional que les puede servir más adelante en sus vidas. Fundado en 1951 por Olga Espinach Fernández, la Casa del Artista fue creada para promover las artes plásticas en Costa Rica. Olga Espinach Fernández les dio cursos

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de arte a los niños de la calle para estimular su interés por la formación artística, la cual se relacionaba estrechamente con el desarrollo social. En 200, pasó a formar parte de las instituciones del Ministerio de Cultura bajo la dirección del Museo de Arte Costarricense. En agosto del mismo año, la escuela creó la Sede Regional de Alajuela, ubicada en el Centro Alajuelense de la Cultura, la cual desplazó los servicios de formación artística a otras provincias y regiones en Costa Rica. En 2012, el edificio de La Casa del Artista fue restaurado después de haber sido declarado un Patrimonio Histórico Arquitectónico. El Centro de Investigación y Conservación del Patrimonio Cultural llevó a cabo dicha restauración, y le dio paso a su reinauguración en diciembre de 2012. Hoy en día, el edificio nuevamente renovado refleja el renacimiento de la pasión que la ha impulsado desde hace tantos años. Los pasillos están decorados con las esculturas, pinturas, y diferentes obras de los estudiantes. Existe un auditorio, galerías privadas, nueva aulas (una dedicada a cada discipli-


Reportaje

Maggie Hathaway

na) e instalaciones para la exhibición de piezas seleccionadas. La escuela está equipada con todos los recursos necesarios para que tanto los estudiantes como los profesores puedan llevar a cabo sus trabajos. Para brindar la información más reciente a los estudiantes, la escuela cuenta con un Centro de Documentación de Biblioteca, un centro de investigación en donde el estudiante puede aprovechar del acceso a más de 2000 libros de historia, biografías, catálogos, análisis de obras y técnicas de las artes plásticas y aplicadas. El centro también brinda equipo y material audiovisual y la reproducción de documentos para el uso tanto de los profesores como de los estudiantes. Pero la formación artística no se limita a las oportunidades brindadas por la escuela; La Casa del Artista complementa sus objetivos con las actividades del Museo de Arte

Costarricense. Desde su unificación creativa en 2000, ambas comunidades han logrado fomentar juntas la pasión y desarrollo artístico mediante programas y cursos que responden a una demanda en el campo de la formación artísticas de acuerdo a las expectativas de los estudiantes. Se ha creado un Plan de Estudios avalado por el Consejo Superior de Educación, el cual delimita una estructura educativa basada en tres categorías: docencia, extensión y regionalización e investigación y producción. La Escuela Casa del Artista refleja la cultura manifestada en su forma más creativa y pura, el arte y diseño nacional.

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Reportaje

Maryam Morales

Exposición grabados 2013 “Grabado: el grabado en cualquiera de sus manifestaciones se parece mucho a la vida: ambos están sujetos a la prueba y al error, al tanteo, al ensayo, práctica y edición. El grabado conserva esa raíz artesanal que de inmediato nos remite a un pasado no muy lejano donde las cosas eran tan “nuevas”, había que dibujarlas-grabarlas para dejar constancia de haber sido visitadas por ojos humanos” Alejandro Villalobos Cabezas, profesor de grabado.

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En el recorrido por las paredes de las Casa Del Artista, se puede observar mucho trabajo de punta seca y xilografía. El grabado en punta seca es similar a la del grabado en buril. El artista dibuja la imagen sobre una lámina de zinc, cobre, acrílico o plástico sin tratar, utilizando un instrumento que se asemeja a un lápiz, con punta de diamante, o simplemente de algún metal afilado. Por otro lado, la xilografía es una técnica de impresión con plancha de madera, donde el diseño se talla a mano con un buril. Se utiliza habitualmente una sola matriz para cada página, en la cual se entinta y se presiona contra un soporte (como el papel) y se obtiene la impresión del relieve. El grabado es un trabajo bastante arduo y dejado de lado por la mayoría de los diseñadores. Sin embargo, es una técnica muy manual que le da al diseño un aspecto totalmente orgánico y diferente. Se pueden observar cantidad ilimitada de temas: leyendas urbanas, tradiciones costarricenses, el hombre como un complemento de la naturaleza, la muerte, la mujer como diosa, surrealismo, abstracción y en su gran mayoría vegetación y naturaleza. Generalmente, los temas de tradiciones y leyendas, fueron grabados muy realistas de la cultura costarri

cense. Se podían observar con detalle los campesinos y algunas de las leyendas más tenebrosas. La figura humana también se hizo presente, sin embargo, cada uno de los artistas representó a su manera y gusto este tema. Tal es el caso del artista Jorge Zamorán que tituló su grabado “La habitación del tiempo”. Él representa muy bien el concepto que quiere transmitir. Juega con tiempo y el espacio de una manera muy simple de entender, aunque en términos explicativos se haga más difícil. Esta es la ventaja y riqueza del arte, se puede expresar lo que sentimos por medio de un diseño, algo que tal vez no podemos hacer con palabras. Cada artista tiene su forma de trabajar tanto el material y los colores,

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como la forma de transmitir la idea del diseño. De esto me di cuenta al observar los únicos 2 retratos que se encontraban en la exposición. Uno de estos era el Quijote, diseñado por Gilberto Gonzáles, donde los trazos eran simples. Rescata los gestos del personaje y las expresiones del mismo, esto lo hace por medio de líneas sueltas que poco a poco le van a ir dando forma al retrato. Por otro lado, otra estudiante de la Casa del artista llamada Adriana Salazar Nietzen, utiliza trazos más fuertes, pero a la vez concisos y controlados.

Se nota el detalle y la gran cantidad de tiempo que le dedicó a esta pieza y a su excepcional diseño. Ambos artistas trabajaron con la técnica de punta seca. La mujer se representa en varias ocasiones como una figura esbelta y propia del movimiento del modernismo. Ana Catalina Vargas quiso representar a la mujer e hizo su propio grabado llamado “Apropiación de Alfonso Mucha” donde utilizó la técnica también de punta seca. En términos generales es una exposición de gran valor cultural. Rescata temas nacionales y naturales, es una forma de transmitir lo que cada artis-

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ta piensa y siente. Esta exposición se encuentra en la Casa del artista y estará del 8 al 28 de agosto del 2013. Una experiencia que definitivamente lo hará pasar un rato agradable y a la vez, apoyando el talento costarricense.


Reportaje

Maryam Morales

ECOEDICIÓN

¿Había alguna vez escuchado esta palabra?

En el mundo del diseño, es algo que realmente tenemos que tomar en cuenta a la hora de hacer nuestros diseños. La ecoedición consiste en editar una publicación minimizando los impactos medioambientales que se producen a lo largo de todo el proceso, desde el diseño hasta la distribución. Se tiene que tomar en cuenta los materiales en donde vamos a imprimir nuestro trabajo, el stock y hay que pensar de igual manera en el embalaje utilizado para la

distribución. Algunos de los objetivos de la ecoedición son: • Reducir el consumo de materias primas, mediante la utilización de productos reciclados. • Disminuir el volumen de residuos generados y facilitar su reciclaje. • Minimizar la contaminación atmosférica y acústica. • Optimizar al máximo la vida útil de una publicación, y por lo tan-

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to, evitar el consumo de nuevas materias. • Reducir los consumos de agua y de recursos energéticos. • Disminuir el stock sin disminuir la rentabilidad. • Promover la utilización de nuevos soportes, y en cuanto sea posible, que se evite el uso desmesurado del papel. • Promover el ecodiseño en las publicaciones. • Promover una gestión ambi


ental sostenible en el sector editorial. • Promover el empleo de calidad y la igualdad de oportunidades de la plantilla en todo el proceso, así como la asunción de políticas relativas a la Responsabilidad Social de las Empresas. Alcances de la ecoedición: • A cualquier empresa relacionada con el sector editorial y gráfico. • Empresas de tipografía, offset, calcografía, huecograbado, relieves, flexografía, serigrafía e impresión digital. • Empresas de encuadernación industrial y acabados • A la ciudadanía que podrá demandar publicaciones con un tipo de edición mucho más sostenible, ambiental y socialmente, frente a la edición convencional. Esto de ser ecológicos parece estar de moda, entonces: ¿Por qué no implementarlo en los diferentes sistemas de impresión que tenemos a nuestra disposición? Alrededor del mundo

Diseñadores apoyando la ecología desde los diferentes sistemas de impresión... exist e n muchas e m p re s a s relacionadas con el sector editorial y gráfico, una gran parte de estas han hecho cambios en la impresión de los trabajos. Desde la impresión digital hasta el huecograbado se han metido en esta temática, bastante beneficiosa tanto para la empresa, como para el cliente. Un claro ejemplo de lo esto es la empresa Konarka Technologies, ubicada en Massachusetts desde el 2001, la cual lleva mucho tiempo trabajando duro para desarrollar un producto de energía solar asequible. Esta empresa imprime las placas solares con una impresora de inyección de tinta común. Realmente utiliza el proceso y mecanismo de una impresora, pero sustituye la tinta por el material de células fotovoltaicas y el papel por las piezas de plástico flexible. Otro ejemplo que nos ayuda a imaginar la manera de involucrar el diseño y la ecología, es el de la empresa Nanosolar ubicada en California desde el 2002. Esta empresa ha estado trabajando en los avances de las na-

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nopartículas solares. Este método se ha desarrollado tanto, que en la actualidad, pueden afirmar que al aplicar el equipo de la industria gráfica para producir energía solar-fotovoltaica, ahorra dinero y mucho tiempo. Un diseñador que sepa cómo implementar la ecoedición en sus trabajos, sin duda tiene un punto a favor. Una agencia siempre anda buscando nuevas ideas para ahorrarles a sus clientes algo de dinero. Si los diseñadores se pueden unir a este cambio y conocer a fondo del tema, es un avance tanto para el diseñador, la empresa y por supuesto una ayuda extra que se le hace al planeta.


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Uno a uno con Pablo Herrera 1. ¿Cuál es la misión y visión de Hotel Sugar Beach?

Pablo Herrera, gerente del Hotel Sugar Beach en Playa Pan de Azúcar en Santa Cruz, Guanacaste, nos contestó algunas preguntas acerca de su trabajo, el diseño, y el orgullo costarricense.

En el Hotel Sugar Beach trabajamos primeramente sobre una escala de valores que es la que guía nuestra manera de actuar, de cumplir con nuestros compromisos, de negociar y de operar como empresa sostenible. También poseemos una misión que define lo que somos y una visión que expresa lo que queremos ser. Estos tres elementos han sido pensados para que trabajen juntos e influyan todo el proceso operativo del Hotel Sugar Beach. Nuestros valores son el servicio, calidad, respeto, sostenibilidad, transparencia y mejoramiento continuo. Somos un hotel que ofrece un servicio hospitalario, confortable, de descanso, auténtico y ante todo de calidad, a través de un servicio personalizado; siempre velando por la sostenibilidad. El Hotel Sugar Beach busca crecer de la mano con la sostenibilidad, hacer partícipe al cliente en las prácticas verdes que se realizan y promover el desarrollo en la comunidad local. 2. ¿Qué importancia tiene el diseño corporativo de Hotel Sugar Beach y qué es la imagen que se quiere transmitir con él? El diseño corporativo cumple un papel importante a la hora de presentar el Hotel ante el público. Para nosotros es vital el mantener una imagen corporativa reconocible para perpetuar nuestra presencia

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Entrevista

Maggie Hathaway

de marca con nuestros clientes existentes o clientes potenciales. Tenemos un logotipo oficial cuyos colores reflejan la calidez de la zona donde nos encontramos. Asimismo, tiene una limpieza y sencillez que refleja lo que queremos ser – un lugar fresco, tranquilo, de calidad que provee al huésped un ambiente de calidad sin llegar a ser ostentoso ni pretencioso. Como valoramos la transparencia, nos gusta mantenernos fieles a nuestra imagen con todo lo que diseñamos – para mantenernos reales a lo que somos. Otro punto importante que estamos manejando es el tener una identidad unificada con nuestro hotel hermano, Villa San Ignacio, camino a Poás de Alajuela. Estamos conscientes de que la continuidad en el diseño en ambas propiedades van a transmitirle al público nuestro estilo y valores, y nos va a permitir ser identificados fácilmente cuando el cliente tenga la necesidad de buscar un lugar de descanso, recreo o evento corporativo.

3. ¿Cómo están vinculados el diseño de programas de protección y concientización del medio ambiente y la formación de Hotel Sugar Beach? En la actualidad, poseemos el nivel 3 de 5 dentro del programa de Certificado de Sostenibilidad Turística de parte del Instituto Costarricense de Turismo. Es por esto que en toda la operación del Hotel Sugar Beach se toman decisiones que beneficien tanto al ambiente, a la comunidad donde vivimos y a las finanzas del Hotel. Velamos por ahorrar agua y energía al máximo, compramos productos a granel en entregas semanales para disminuir empaques, visitas de camiones grandes y disminuir la huella de carbono. En nuestra cartera de proveedores tenemos empresas certificadas que también están comprometidas con el programa de CST. Tenemos programas de reciclaje y de reutilización de envases en la cadena de suministros con nuestros proveedores. Gozamos con el privilegio de tener en la propiedad gran cantidad de

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árboles y plantas nativas del bosque tropical seco, y buscamos siempre reforestar con especies nativas que no alteren nuestro ecosistema. Complementando con el programa de CST del ICT, también somos parte del programa Bandera Azul Ecológica y tenemos el orgullo de poseer dos banderas azules en Playa Pan de Azúcar: La primera en Categoría Playas y la segunda en Categoría Cambio Climático. Todas estas acciones, sumadas al entrenamiento que damos a nuestros colaboradores, dan fe de nuestro compromiso con la protección del ambiente y la sostenibilidad que buscamos entre recursos y finanzas saludables del Hotel Sugar Beach.


4. ¿Por qué es importante la responsabilidad social y cómo ha logrado Hotel Sugar Beach implementarla a nivel nacional?

colaboradores. Somos conscientes de que no se puede trabajar en aislamiento, sino creemos en trabajar con nuestros vecinos.

Creemos en ser un agente de cambio en la comunidad de Puerto Potrero y por lo tanto, tenemos varias maneras en las cuales asumimos nuestra responsabilidad social. Como empresa, creemos en generar recursos para ayudar a crear empleos en la zona, entrenar personal, colaborar con las entidades locales y crecer todos juntos. Precisamente, uno de los puntos en los que somos evaluados para el programa de CST es el nivel de compromiso con la comunidad y con el mejoramiento de nuestros

El Hotel Sugar Beach dona 1% de sus ganancias de la renta de habitaciones a organizaciones locales de educación y para becas. Algunas de las organizaciones con las que trabajamos son: Abriendo Mentes es una organización sin fines de lucro, que ofrece clases de inglés gratuitas y actividades culturales en Potrero. CEPIA (Cultura, Educación y Psicología para Niños y Adolescentes) es una asociación sin fines de lucro en Costa Rica que busca promover la cultura, salud, deporte

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y educación de niños y adolescentes en comunidades rurales costeras de Guanacaste, Costa Rica. La Paz es una escuela preescolar, primaria y secundaria, privada, sin fines de lucro, que ofrece educación experimental a jóvenes de diversos idiomas y culturas en Guanacaste, Costa Rica. Esperamos también continuar con nuestros esfuerzos de entrenamiento e involucramiento de nuestro personal con organizaciones locales, para ayudar apoyar, liderar y hacer la diferencia en la comunidad. 5. ¿Cómo ha logrado Hotel Sugar Beach resaltar la cultura y tradición costarricense a pesar de ser una empresa dirigida en


su mayoría al turismo extranjero? Nuestra tienda de souvenirs en el Hotel funciona como medio de promoción de artistas locales y de artesanos del área. Tenemos pinturas y cuadros de artistas locales, manualidades y artesanías en barro de Guanacaste y camisetas con diseños ticos. También exhibimos bolsos de una microempresa de mujeres de la zona y confecciones hechas con material reciclado. En

nuestro

restaurante, servimos platillos que destacan los sabores nacionales y locales. Tenemos el desayuno típico y los famosos casados al almuerzo. Hemos hecho paquetes especiales con menús que capturan lo mejor de la dieta Chorotega y tenemos salsas tropicales que emplean frutas como la fresa, piña, maracuyá y tamarindo. De esta manera, podemos educar a los turistas con platillos que nunca han probado y ofrecer distintas versiones de recetas que pueden sorprender a los mismos locales. Para actividades especiales y eventos contratamos a músicos de Santa Cruz, Liberia, Tamarindo y Comunidad, así que

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es común el encontrarse a un trío de guitarras y requinto tocando la marcha nupcial a orillas de la playa o a una marimba sazonando un baile a ritmo de salsa, merengue y cumbias. Aproximadamente un 90% de todo el personal del Sugar Beach es costarricense. Por lo tanto, muchas de las ideas y métodos de trabajo y actividades que surgen en el hotel provienen de costarricenses - aunque estamos orientados a atender a una población no costarricense en su mayoría.


Teatro al MediodĂ­a 24


Reportaje

maryam morales

“Excelente, realmente nos hicieron reir, reflexionar y sobre todo, pasar un rato súper ameno con la familia en medio del trajín diario... ” Yolanda Jimenez Cubillo “Estuvo excelente. La participación de los artistas en

escena están a la altura de la clase teatro del que uno realmente disfruta. Y lo mejor: el teatro a un 90% lleno...

Luis Castro

“¡Me encanta! Excelente iniciativa del Teatro Nacional por ofrecernos esta oportunidad al alcance económico de todos los costarricenses... ” Blanca Jimenez Harder

Opinión de los espectadores en las redes sociales

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“Teatro al mediodía” es un exitoso programa que nació hace 5 años de la iniciativa del Teatro Nacional. Muchas veces nos hemos cansado de visitar los mismos lugares de siempre, ¿Por qué no visitar el teatro de vez en cuando? Todos los martes a las 12:10 tenemos la oportunidad de disfrutar de una amplia gama actividades, entre las que se destacan la música, la danza y por supuesto el teatro. “El objetivo de estos espacios es ofrecer espectáculos artísticos de calidad al público en un horario no tradicional, pero atractivo, en el cual la familia costarricense tendrá la oportunidad de visitar el Teatro y presenciar las obras escénicas que los artistas han preparado para el deleite de todos”, manifestó la directora del Teatro Nacional, Adriana Collado. El Teatro Nacional cobra vida al tratar fomentar la conservación del patrimonio material y la promoción de las artes escénicas del más alto nivel artístico. La programación artística del Teatro al mediodía es una síntesis de las preocupaciones sociales, políticas, estéticas y económicas de un pueblo, aspecto que se ha venido trabajando desde hace tiempo por los tomadores de decisiones que hayan pasado por esta entidad. La iniciativa ha acercado a muchos costarricenses que nunca antes habían tenido la oportunidad de visitar el Teatro Nacional y presenciar una función de teatro, un concierto de música, una coreografía o un espectáculo especial de cualquiera de las artes escénicas.

Es ideal para que los padres lleguen con sus hijos, para el estudiante universitario, para el que trabaja en el área de San José, etcétera. Si bien es cierto, es un horario poco común, pero es esta característica la que le ha dado tanto respaldo a través de los años. Sin duda alguna, este espacio llegó para quedarse y martes tras martes, se ha convertido en una cita de cientos de personas, con nuevas audiencias que demandan nuevas ofertas. La entrada tiene un costo de 1500 colones y se hace un 50% de descuento a adultos mayores y a estudiantes que presenten el carné. Las entradas se pueden conseguir en la boletería del Teatro Nacional. El costo es realmente accesible para todo costarricense que quiera pasar un rato agradable. La oferta es variada para todos los gustos y presupuestos, así que no hay excusas, atrévase a descubrir lo que posee el talento joven del país. ¡Todos los martes al mediodía en el Teatro Nacional de Costa Rica!

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Reportaje

Adri Matamoros

COMUNICAR IDEAS, RÁPIDA Y EFECTIVAMENTE: EL SANTO GRIAL DEL DISEÑO VISUAL, SKETCHING LAB SE DEDICA A DESARROLLAR ESTA DESTREZA Y EN ESTA OCASIÓN HAN TOMADO LA UCR.

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Bocetear es una forma rápida y efectiva de comunicar ideas y una herramienta de comunicación visual esencial para diseñadores y creativos. Los bocetos manuales son empleados para formular, expresar, organizar y comunicar ideas de una forma práctica y efectiva. Es quizá el camino más efectivo para cambiar y modificar ideas. Sketching lab promueve el dibujo manual y las habilidades de boceteo como la herramienta perfecta para desarrollar ideas innovadoras. La idea del programa es mejorar el conocimiento y habilidades del dibujo a mano, tan olvidado en la era tecnológica. “Este proyecto fomenta la práctica constante del dibujo como mecanismo para incrementar la creatividad”, comenta José Gamboa, fundador de Sketching Lab. Desde sus inicios, Sketching Lab trae a Costa Rica especialistas en el arte y el diseño visual dispuestos a enseñar a través de la práctica. Se aprende a ir dibujando a velocidades de más de mil palabras por minuto, de eso se trata el programa, no es sólo bocetear una idea sino hacerlo rápido, sin dejar que ningún detalle escape por las grietas de la imaginación. Sketching Lab nace hace tres años,

cuando Gamboa participó en la promera edición del FID (Festival Internacional de Diseño), donde conoció a los diseñadores de Plex Studio durante el taller que tuvo la oportunidad de impartir en esa ocasión (convirtiéndose. en el taller más solicitado en todas las ediciones del FID). Como la misma idea del FID, el programa no era pensado para ser pequeño ni local, sino más bien de calidad internacional para dar la oportunidad de aprender a más personas, así, Plex Studio y Sketch Aerobics se unen para crear Sketching Lab. Los creadores son: Mario Ramírez y David Meléndez, ambos diseñadores de productos y fundadores de Plex Studio; y José Gamboa, creador del Sketch Aerobics y diseñador industrial para Slingshot PDG en Estados Unidos. A pesar de la aparente centralización del conocimiento a las áreas del diseño de productos, el Sketching Lab está dirigido a diferentes perfiles, ha cobrado gra reconocimiento entre estudiantes de arte, arquitectos, diseñadores de interiores, producto, creativos en animación, diseñadores de modas y de joyería; diseñadores publicitarios y gráficos; diseñadores industriales y de producto; directores creativos y animadores; en general todos

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aquellos interesados en aprender como organizar sus ideas innovadoras con éxito. La más reciente edición del taller se realizó los pasados 1, 2 y 3 de agosto, en las instalaciones de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica. Se contó con la presencia de Spencer Nugent (Diseñador industrial), Jeff MacDonald (ilustrador y Diseñador industrial) y José Argotti (Diseñador Industrial). La idea del taller es promover entre los participantes la colaboración de equipo y aprender activamente con los expositores durante tres días de práctica, no sólo teoría. Fueron, sin duda, tres días sumamente enriquecedores para los participantes, llenos de música, ejercicios, pura acción. Los días 2 y 3 de agosto se desarrollaron en forma de taller, 16 horas de toería y práctica, abordando los concepto básicos de dibujo, diseño, como elemento nuevo, el desarrollo de personajes; diseño de texturas y elementos gráficos, en esta ocasión se emplearon referentes indígenas del país. El taller abordó también lo que es el renderizado 2d, incluyendo ahora demostraciones de técnicas avanzadas de comunicación visual con dibujo digital, pero promoviendo siempre conservar los primeros pasos creativos de forma manual. El tercer día se centró en el refinamiento de la comunicación visual, y sobre todo, habilidades para resolver problemas. Uno de los pilares

del sketching es nunca arrugar o desechar un dibujo, una vez empezado es mejor terminarlo, dejar que evolucione pero no eliminarlo del proceso creativo. Los resultados finales sorprendieron a los participantes porque realmente se puede apreciar una mejora en la técnica demostrada en esos tres días, reconociendo la importancia de la práctica constante. Las metas del taller una vez más se vieron alcanzadas: los ejercicios promueven aprender haciendo, esto elimina la frustración que las técnicas comunes suelen provocar en los estudiantes y jóvenes diseñadores.

En palabras de José Gamboa:

“Creamos Innovación visual fomentando la comunicación visual”. Aprender rápidas técnicas de comunicación visual prueba ser enriquecedor. Costa Rica se está convirtiendo rápidamente en uno de los ejes del diseño más importantes de Centroamérica. En los últimos años ha habido un tangible amento en el número de iniciativas de diseño que parecen haberse afianzado bastante en la comunidad creativa local. Una de las herramientas más exitosas: el Sketching lab.

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Sketching map

AGOSTO 2013

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Sketching map

lab

Julio 2013. Escuela de Bellas Artes, UCR

Spencer Nugent Jeff MacDonald Diseñador Industrial de la Universidad Brigham Young, Estados Unidos. Creador de los blogs idsketching. Com y sketch-a-day. com, con tutoriales de dibujo enfocados al diseño industrial. Fundador del estudio TMINUS. Trabajó como diseñador para ASTRO STUDIOS. Ha diseñado productos para empresas como Kyocera, General Motors y Nike.

Ilustrador y Diseñador Industrial, graduado como Master en Animación de la Universidad SCAD, Estados Unidos. Creador y fundados de STUDIO FRESH. Entre sus clientes de encuentra Black Box Creative (Warner Bros Music), Crystal Fish Entertainment y The Aspen Brands Company.

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José Argotty Diseñador industrial de la Universidad de Nariño, Colombia. Diseñador de imagen de BAMBARABANDA. Ha sido ganador de “El reconocimiento al Buen Diseño”, Argentina 2008.


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Reportaje

Maggie Hathaway

Sorry Zorrito El diseño costarricense se ha manifestado de manera innovadora en lo que es Sorry Zorrito, una página independiente de diseño en donde se puede encontrar información sobre temas relacionados al diseño como la animación, fotografía, ilustración, producción audiovisual, arquitectura, moda y arte gráfico. La revista inició en el 2008 como una iniciativa de estudiantes de Ingeniería en Diseño Industrial del Instituto Tecnológico de Costa Rica; la idea era crear una página, o revista en línea, que diera a conocer los trabajos creativos de los estudiantes. Empezando con unas simples noticias y artículos, la revista digital se difundió a lo largo de la comunidad creativa y dejó de ser una página que promovía solamente las colaboraciones de del instituto. El grupo de creativos también se expandió a incluir otros estudiantes y profesionales de distintas áreas creativas. Ahora, Sorry Zorrito es un espacio colaborativo que fomenta el aprendizaje, difusión, y colaboración de creatividad. Comparte recursos relacionado tanto con el diseño nacional como el diseño internacional. Expone proyectos e iniciativos nacionales y colabora con diseñadores y estudiantes en diferentes eventos y trabajos que ayudan a mejorar el diseño en el país. Para los que quieren dar a conocer algún trabajo, evento, o noticia, se puede crear un perfil en algún sitio especializado como Flickr o Cargo Collective, se une al grupo de la página y se publica lo que se quiere compartir con la comunidad

creativa costarricense. La revista de diseño divide la información que publica en cuatro secciones: especiales, artículos, cortos, y noticias. Los temas abarcan la animación, arquitectura, cine y video, arte, ilustración, gráfico, fotografía, interactivo, interior, moda, música, producto, publicidad, recursos y web.

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La página le ofrece a su audiencia varias maneras de contactar o colaborar con ella; tiene presencia en Facebook, Twitter, Flickr, Tumblr, Vimeo, y hasta un blog propio de la empresa para que el público de Sorry Zorrito pueda interactuar y compartir más fácilmente mediante los diferentes medios electrónicos.


Reportaje

Mariana Boschini

La vuelta: la tediosa tarea Sin duda alguna, el ingenio tico traspasa fronteras. A esto es lo que apuestan dos jóvenes estudiantes, Raúl y Raúl; ambos estudiantes de la carrera Cine y Televisión en la Universidad Veritas. Sánchez y Cabrera se dieron a la tarea de interpretar el papel de productores generales, directores, guionistas y personajes principales de la misma. Junto a un equipo técnico, algunos de ellos también conformados por estudiantes Veritas, le dan vida al guión Hacer “vuelta” se refiere a la acción de visitar al traficante, en este caso el dealer de turno, para realizar la compra de la marihuana. En el capítulo piloto toda la concepción de La Vuelta queda explicada, por lo menos para

aquellos que cuenten con el conocimiento de la misma acción, tanto si es por experiencia propia como por “cultura general”. Es una suerte de mandado que tiene una connotación cómica, pues aparte de ser una “vuelta” considerada ilegal, el trámite termina siendo tan burocrático como cualquier otro en Costa Rica. Alrededor de la naturaleza graciosa y tediosa de ese suceso, estos dos jóvenes estudiantes de cine decidieron desarrollar la historia de dos personajes consumidores del psicoactivo. Así nació La vuelta , una serie virtual que se transmite por medio de su canal en YouTube. Todas las semanas, los “Raúles” se dedican a recorrer las calles de la ciudad en busca

de un dealer que, al parecer, nunca es el mismo. A lo largo del episodio se dedican tanto a contar de manera cómica la experiencia de hacer vuelta como hacer seguimiento a la vida de los personajes. Conozcámoslos un poco, Raúl Sánchez quién es empleado del INCOIN (Instituto de Coadyuvancia Interdepartamental) es una entidad del gobierno de origen y funciones desconocidas, según ellos mismos describen; y Raúl Cabrera, comediante de Stand Up Comedy, esto último sucede en la vida real. Esta primera serie web en Costa Rica fue estrenada el pasado 20 de abril, famosa fecha conocida por ser 420 (cuatro veinte) puesto que es un


término usado inicialmente en Estados Unidos para referirse al consumo de cannabis y por tanto, una forma de identificarse a uno mismo con la subcultura del canabis. La primera temporada cuenta con una lista de 13 episodios en total, con una duración aproximada de 10 minutos cada uno. Los episodios fueron lanzados uno por semana todos los jueves a partir de las 10pm, o más tarde, dependiendo de las dificultades técnicas. La primera parte de la temporada transcurrió desde su fecha de inicio hasta el 6 de junio, dejando (según palabras de ellos) una seca de un mes, para la cuál la serie arrancó nuevamente el 4 de julio. La idea de crear la primera serie web se comenzó a formar a mediados del 2012, cuando los Raúles se pusieron a idear personajes, historias… lo que eventualmente resultaría en la creación de un equipo de trabajo con colaboradores ad honórem, o bien “por amor al prójimo”. Con un lenguaje que podría ser considerado vulgar para muchos, pero relativamente común para el costarricense promedio, La vuelta pone sobre la mesa dos temas que son de suma importancia para algunos sectores de la población: la legalización de la marihuana y las problemáticas del narcotráfico. A la fecha, tienen más de 6000 “Me Gusta” en su página de Facebook y poco más de 4000 suscripciones en su canal de YouTube. Para el final de temporada, el episodio fue lanzado a las 4:20 del jueves 8 de agosto. Actualmente cuentan con más de 200.000 reproducciones en su canal de YouTube. La serie logra su cometido, hablar de un tema tabú con comedia.

Raúl Cabrera Interpretado por sí mismo, mejor conocido como “Raulito”. A pesar de la diferencia de edades, tiene una relación con Melissa, pero a lo largo de la primera temporada los veremos luchar por estar juntos y superar diferentes obstáculos que se les presenten. Es comediante de Stand Up Comedy y muy geek.

Raúl Sánchez Interpretado por sí mismo. Trabaja en el ente gubernamental INCOIN, le gusta fumar marihuana con Raulito, tuvo una novia llamada Camila que estaba celosa de Raulito. Lucha por destruir un proyecto en contra de la marihuana sin THC, y contará con la ayuda de Mariana y “Tocola”.

Melissa Smith Interpretada por Melissa Diakova. Es la novia de Raulito y la hija del Gringo, el dealer más importante de la serie y el que más odia a Raulito por acostarse con su hija. El Gringo tiene una mata de droga que hace alucinar a otro nivel, Raúl se roba esta mata sin saber que al final tendría consecuencias.

Mariana Alvarado Interpretada por Tyana Fae. Es la novia de Raúl Sánchez y ex-amiga de Camila. Forma parte del equipo en contra del Proyecto de Marihuana sin TCH junto a Raúl y “Tocola”. Es actriz de profesión y es secuestrada por el Gringo cuando intenta recuperar la mata que Raúl se robó.

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CNFL: Prácticas Ambientales Sostenibles El Departamento de Recursos Naturales de la Compañía Nacional de Fuerza y Luz (CNFL), promueve por medio de la Finca Demostrativa de Prácticas Ambientales Sostenibles (PAS), conceptualizadas como las actividades que modifican la forma de producir y manejar la finca, evolucionando de una actividad contaminante y degradante de los recursos suelo, agua, biodiversidad, a un proceso productivo más limpio, con uso apropiado junto con el intercambio de conocimientos armonizados por la estrategia pedagógica de aprender haciendo. Logrando sistemas agrícolas cada vez más parecidos a los ecosistemas naturales. Desde 1993 el Departamento de Recursos Naturales promueve proyectos y experiencias para la

empresa como la conservación de bosques, reforestación, conservación del suelo, monitoreo de aguas, tecnologías limpias, capacitación a actores sociales, educación ambiental y la cooperación interinstitucional. La finca es un espacio de tres hectáreas, cuenta con zonas verdes que brinda una imagen integral entre lo rural y lo urbano. Ubicado en el Plantel Dulce Nombre de Coronado, cuenta con varias estaciones de trabajo: mariposario, centro de manejo de residuos sólidos, biojardinera, biodigestor, lombricario, invernaderos de hidroponía y orquídeas, entre otros. Esta finca cuenta con tres invernaderos: hidropondeas y el mariorio. on tres invernaderos: el de hidroponeros de hidroponía, orquídeas y

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mariposario. El propósito principal del invernadero de hidroponía consiste en desarrollar talleres de capacitación dirigidos a la población en general, relacionados con el manejo de prácticas aplicables a la Agricultura Urbana y fomentar esta alternativa productiva con el objetivo de producir alimentos sanos, y a la vez crear la posibilidad de generar ingresos económicos por medio de la comercialización de los productos obtenidos. ¿En qué cosiste la hidroponía? Es un método utilizado para cultivar plantas usando soluciones minerales en vez de suelo agrícola. El cultivo sin suelo es justamente un conjunto de técnicas recomendables cuando no hay suelos con aptitudes agrícolas disponibles. Las raíces reciben una


Reportaje

Nana Boschini

solución nutritiva equilibrada disuelta en agua con todos los elementos químicos esenciales para el desarrollo de las plantas, que pueden crecer en una solución mineral únicamente, o bien en un medio inerte, como arena lavada, grava o perlita, entre muchas otras. El esquema consiste en: una fuente de agua que impulsa por bombeo agua a través del sistema, recipientes con soluciones madre -nutrientes concentrados-, cabezales de riego y canales construidos donde están los sustratos, las plantas, los conductos para aplicación del fertiriego y el recibidor del efluente. El invernadero de orquídeas tiene como finalidad desarrollar talleres de formación a la población para evitar que se continúe extrayendo estas especies de los bosques. Estas capacitaciones pueden de igual manera generar ganancias económicas a pequeños productores. El mariposario facilita desde el punto de vista de la Educación Am-

biental, mostrar un ciclo de vida natural desarrollándose en un hábitat artificial, consecuentemente ilustra apropiadamente la importancia del manejo antrópico adecuado, para que la vida funcione en conformidad con las necesidades. Estación Reutilización de Residuos Especialmente diseñada para impartir talleres de reciclaje y reutilización de residuos. Cuenta con un equipo especial para elaboración de papel reciclado. La estación puede ser visitada o bien solicitada por el interesado para que se le imparta el programa de capacitación de manualidades con material reutilizable como por ejemplo plástico (PET), bolsas plásticas, partes de equipos de cómputo, vidrio, tetrapack, tetrabrick, hojalatería, aluminio, cartón, discos de acetato, papel periódico, entre otros. El reciclaje, permite un ahorro considerable de energía y

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materia prima, como la madera y los bosques. El reciclaje no implica el no reforestar, significa no talar demás, y contribuye a incrementar la edad de utilización de los bosques bajo cultivo. Asimismo, disminuye la cantidad de residuos que van a los ríos y botaderos. El reciclaje y la reutilización de residuos se han convertido para muchos ciudadanos en su principal fuente de ingreso.


Reportaje maryam morales

Enam贸rate de tu ciudad 40


-Parque España, -Jardín de Paz -La merced -Morazán -CENAC Todos los sábados del año, los parques de San José se llenan de música, juegos, talleres, pintacaritas, teatro, conciertos y baile. “Enamorate de tu ciudad” nace de la iniciativa del Banco Popular y el Ministerio de Cultura, Juventud y deportes como una opción para disfrutar de los parques que existen en San José. Es una opción para las familias que quieran divertirse y pasar un rato agradable. Es una nueva opción para salir de la rutina, para rescatar de algún modo las tradiciones costarricenses, ya que se pueden encontrar juegos como los zancos, tizas, la cuerda, sacos, entre otros. No hay límite de edad, tanto niños como adultos se pueden divertir. Para los más pequeños de la casa hay juegos, talleres de manualidades y un rincón de lectura. Durante el día ellos y sus padres pueden disfrutar de un

show en el parque España bastante peculiar. Se trata de un payaso y su mascota “Doña Laura”. Este perro hace miles de trucos, por lo que llama la atención de los curiosos a su alrededor, el show es dedicado a los niños, ya que los involucra y cuenta con la participación de todos estos pequeños. Por los alrededores de este mismo parque, se encuentra el famoso titiritero Randall Sánchez, el cual captura la mirada de todos, ya que le da vida al títere con sus movimientos extraordinarios. Se acerca a cada persona y le da abrazos, los llena de alegría al ver como un simple títere adquiere tanta personalidad. Pero los más grandes no se quedan atrás. Para los jóvenes y adultos hay talleres de danza contemporánea,

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danza africana, zumba, yoga, hip hop, break dance, entre otros. Estos talleres son impartidos por conocedores del baile en cada una de estas áreas. En cada parque hay una zona de juegos de mesa. Algunos más conocidos como el ajedrez, damas chinas, dominó, jenga, y otros menos conocidos, pero que llaman por igual la atención de todos los espectadores. Las actividades no terminan aquí, durante todo el recorrido por los diferentes parques, se pueden encontrar talleres de artes visuales. Estos son espacios que le permiten a cada persona explorar su creatividad. Uno de estos talleres se titulaba “Retrato” y consistía en pasar por 5 mesas, en donde cada mesa representaba una


técnica diferente; desde el grafito hasta el collage. Otro taller contaba con la participación de Felicia Rodríguez, quien impartía el taller de arcilla. Se podía ver desde los niños hasta los adultos haciendo diferentes figuras como tortugas. Y arte y el diseño no se quedaron atrás, ya que 17 de agosto hubo una feria de Diseño, donde pequeñas empresas llegaban a mostrar sus mercancías. The HappyFactory fue una de estas empresas que estaba en el parque España participando en Enamórate de tu ciudad. Los artículos que promocionaban son para un público joven y divertido, especialmente para chicas. Anillos, aretes, pulseras, collares y lazos, son solo algunos de los artículos disponibles. Esta es una gran oportunidad para que las personas puedan comprar a un buen precio esta bisutería, ya que la mayoría de estas pequeñas empresas no tienen una tienda fija, y es más costoso mandar los productos por correo, aparte del riesgo que se corre en dejar los encargos en tiendas ajenas a la empresa. Los otros puestos contaban con la participación de tiendas como: Puercospin, Oh Yei, Hojalata, Donato sugar, The accesorios maracuyá, Jonny be good, Anima, Indie Road, entre otros. Realmente es una actividad que une a toda la familia y los hace pasar un rato diferente. No todos los días podemos pasar los parques de San José con la seguridad y la diversión como

se hace todos los sábados. Hay policías cuidando cada parque, asegurándonos un ambiente agradable. La música de los diferentes parques hace que la gente se anime a participar y ver lo que le ofrecen todos estos espacios. No hay excusas para perderse algún sábado en Enamorate de tu ciudad. Esta es una pequeña probadita de lo que fue este 17 de agosto, sin embargo, cada sábado tiene sus propias actividades e historias que contar. Anímese a salir de la rutina y venir a disfrutar de muchas actividades programadas para el disfrute de todos los ciudadanos costarricenses.

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E n t r e v i sta Adri Matamoros/Nana Boschini

En Costa Rica, Nadia Mendoza y Guillermo Tovar trabajan para terminar el primer largometraje animado hecho en el país:

The Esoteric Birthday.

Han trabajado en el filme por los últimos dos años y esperan terminarlo en diciembre. Describen su poco convencional película como un filme animado digital experimental.

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The Esoteric Birthday cuanta la historia de una niñita muy peculiar que está por convertirse en una poderosa bruja. Debe pasar por una ceremonia de iniciación que involucra una serie de peligrosas pruebas. Todo tiene lugar en una fantástica y misteriosa isla tropica, con más de cincuenta personajes, como una grupo de brujos intergalácticos, una secta religiosa de animales salvajes, una par de gemelas Amazonas caníbales y muchos más. Guillermo y Nadia forman Interdimensional Studio, listo para presentarse al mundo con este filme. Tuvimos la oportunidad de conversar con


Guillermo Tovar, profesor, además, de la Universidad Veritas. ¿Cómo Studio?

nace

Interdimensional

Bueno nace el año pasado, es un estudio que fundamos mi esposa Nadia Mendoza y yo; para darle una cara, una marca para el proyecto este grande que íbamos a hacer, que es la película en la que estamos trabajando. Nace con esa idea, de que ya hubiera una marca para que este proyecto no saliera nada más bajo el nombre de nosotros sino que saliera con una imagen que pudiéramos promover, que pudiéramos instalar en un mercado y bajo la cuál pudiéramos sacar los siguientes proyectos, digamos ya sean películas, videojuegos o cosas pero que esa fuera la marca para todos los proyectos creativos en animación. ¿Cómo surge la idea de la película The Esoteric Birthday? La idea de hacer una película animada se remonta antes de que nos conociéramos, así desde carajillos; bueno, es un sueño de casi todos los carajillos o de muchos por lo menos, pero empezamos a hablar de la posibilidad de meternos en animación y de hacer una película ya hace muchos años, como diez años empezamos a darle vueltas, como que tuanis hacer una película animada y como haríamos y no sé que. Empezamos la carrera en el 2005 en la Veritas con la idea de aprender las bases para nosotros poder hacer la película, ese fue con el objetivo con el que nos metimos a la carrera. La empezamos a hacer una vez nos graduamos, terminamos en el 2010 y en enero del 2011 empezamos la película. Toda la carrera fue hecha incluso con el objetivo de poder tener

las herramientas para hacerla; y en sí la película es un guión de Nadia y el arte, digamos todo como se ve, es mío, y la dirección es de ambos. ¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde la primera idea a la actualidad? Digamos, cuando empezamos en el 2011 no ha cambiado mucho la historia. El guión sigue siendo el mismo, los personajes, las situaciones. Ha habido uno que otro cambio, pero básicamente ahí se mantiene lo más importante. Como es un proyecto artístico, no es una animación tradicional, sino que es muy, pues eso, artístico, entonces ha habido mucho espacio para cambiar la forma en que están hechos los personajes, la animación o los tiempos de la animación; hemos tenido todo el espacio disponible porque nosotros lo gestionamos así, planeamos todo para que pudiera haber ese espacio para explorar, entonces si ha cambiado mucho. El concepto que yo tenía de lo que es hacer una película en el 2011 cuando empezamos a ahora a mediados del 2013 es totalmente diferente, a pesar de que sí se mantiene la misma historia.

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¿A nivel personal y profesional qué significa la película para ustedes? A nivel creativo como artistas es increíblemente estimulante, porque es un proyecto, di para uno, es como el Everest creativo, hacer una película involucra diseño, personajes, ambientaciones, animación que es una especialidad, storytelling, digamos contar la historia es una especialidad; el guión. Es como demasiadas áreas, yo no digo que sea lo más difícil de hacer, pero para nosotros en nuestra mente era como la montaña, escalarla. Entonces, obviamente, cuando uno hace un reto grande es muy estimulante. A nivel profesional nos ha servido para alcanzar cierto status, porque no es lo mismo hacer un cortometraje que ya hacer una película, es como el imaginario de la gente ya es como otro nivel, entonces profe-


sionalmente yo creo que también ha sido positivo. Al trabajar en una universidad de diseño, ¿usted diría que el día a día con los estudiantes le ha ayudado a evolucionar su estilo personal de diseño? Sí, yo diría que sí, porque tienen otra información que uno no tiene, para empezar hay otro tipo de gustos, intereses y etc. Entonces muchos estudiantes están dispuestos con deseos de compartir y enseñar y etc. Uno obviamente como que amplía el conocimiento, eso es muy estimulante para uno, uno aprende mucho y también en sí del proceso de trabajo de los estudiantes, como uno está encima y está viendo como trabajan y esto y el otro, yo siento que yo aprendo tanto como pueden aprender los estudiantes, cien por ciento.

Su estilo artístico es muy diferente, ¿cómo llegó a desarrollarlo? ¿Tiene algunos referentes de diseño, de arte, que lo hayan marcado? Siempre tuve el arte cerca porque mi abuelo materno era artista y caricaturista, entonces yo siempre tuve el dibujo ahí cerca, y mi papá no es artista, es ingeniero, pero el era como dibujante amateur, así de hobby, entonces también tenía libros de ilustradores y cosas de fantasía, entonces siempre estuve como expuesto a eso fue algo muy importante; pero es una cosa que siempre quise, viendo esos libros desde carajillo, era tener un estilo propio. Qué chiva cuando yo tenga algo que sea mío, siempre fue una cosa, una inquietud con la que trabajé toda mi vida. Yo siento que llegue a un punto de madurez que, la primera vez que yo dije esto definitivamente esto mío, esto yo no

le visto en ningún artista tal vez fue por ahí de los 25 años; pero toda la vida dibujé, nunca paré de dibujar. Toda la escuela yo dibujaba, todo el colegio dibujaba, ya en serio me mande a dibujar como diciendo “esta va a ser mi profesión” como a los 20 y tantos años, y como a los 25 es que yo dije “esto si es mío definitivamente”. Y de ahí en adelante nada más he ido madurando y madurando. Sabiendo que en Costa Rica la industria del cine no se encuentra muy desarrollada, debe estar orgulloso de ello, sabemos que en el país existen prejuicios respecto a dedicarse al arte ¿qué le diría a las personas que se encuentran en esta encrucijada? ¿Ha valido la pena dedicarse a ello? Yo creo que es eso, como yo estoy en el área de lo artístico porque en la

animación también de repente están los servicios, por ejemplo los servicios que se ofrecen para publicidad. Pero específicamente mi área, que es la expresión artística, claro uno como artista es demasiado estimulante poder hacerlo, expresarse. Independientemente de que si se

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puede hacer plata o no, que si se puede hacer mucha plata o también no se puede hacer nada; eso yo creo que tiene que ver con otras cosas de cómo uno se gestione, de cómo uno se mueva, pero a nivel de poder expresarse obvia y definitivamente que vale la pena tomar el tiempo, el espacio y el riesgo de hacer proyectos, cortometrajes, largometrajes o cosas interactivas que sean estimulantes para uno como persona. Si uno no tiene ese estímulo y no hace cosas que uno quiere hacer, ¿qué es uno? Entonces sí, definitivamente vale la pena. Y a nivel de que si es un orgullo estar al principio de esta faceta de la industria, no es tanto como orgullo sino como emocionante. Es emocionante porque es lo que estaba mencionando ahora, yo puedo hacer lo que quiera como no hay tres rutas establecidas así como en carretera de piedra como inamovibles, en realidad yo puedo irme hacia donde me

sin ideas preconcebidas? Cuando empiezo ya a trabajar, cuando ya estamos en un proyecto, trato de aislarme del aprendizaje técnico nuevo. O sea, no empiezo a ver más tutoriales, trabajo en Flash y Photoshop, trato de no ver tutoriales nuevos de Flash o de Photoshop, todo el aspecto técnico que digamos que me olvido, simplemente para con el que tengo para dedicarme creativamente. Luego tampoco veo mucho, es una época en que no veo muchas cosas nuevas de animación o de cine, etc. Más bien me aislo de todas las referencias y me meto como decir en un capullo para realmente compenetrarme con ese mundo que estamos desarrollando, como vivir ahí por así decirlo y después ya cuando termino, si viene ya una época en que investigo un montón, consumir cuanta película pueda haber y montones de películas que he ido guar-

de la gana entonces eso obviamente es muy chiva, para uno como artista es muy estimulante. ¿Podría hablarnos un poquito de su proceso de trabajo? Cuando empieza un proyecto, ¿prefiere buscar referencias o tirarse al agua

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dando durante todo este proceso, como ‘esta la voy a ver después` y la bookmarkeo pero trato de aislarme lo más posible para poder compenetrarme. (¿Toda la película está hecha en Flash?) Sí, toda la película está hecha en Flash. Después los fondos se exportan a Photoshop, se le meten texturas, iluminación, etc. Después la animación en Flash y los fondos en Photoshop se llevan a After Effects donde se compone todo. Sólo esos tres programas se usan. Siendo egresado en Animación Digital y dedicándose a dar clases en esa área ¿encuentra diferencias significativas entre los estudiantes de animación y nosotros en diseño publicitario? ¿Cree que deberíamos compenetrarnos más?


Hoy por hoy es demasiado importante estar en muchas disciplinas, yo no creo que sea tan positivo que todo esté compartimentado, porque la realidad profesional no es compartimentada, cada vez más es un network, una red de disciplinas y de contactos, entonces definitivamente seria realmente provechoso que las carreras pudieran tener esa interacción. Así como diferencias entre uno y otro no, tal vez en sensibilidad porque di obviamente los maes están ahí haciendo monstruos y muñequitos y no sé que, y ustedes están en otra área. Entonces di tal vez en gustos y sensibilidad, pero así como diferencias no. Es nada más que son áreas diferentes, pero yo si creo que sea un beneficio que se puedan relacionar con la gente de cine, con la gente de producto.

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Entrevista

Nana Boschini

El hecho de poder estudiar una carrera es un regalo, pero estudiar una carrera que involucre la creatividad es un bonus que recibe cada estudiante de las áreas en las Ciencias de la Comunicación. Así lo demuestran dos personas importantes en Comunidad, el actual y la antigua Director Ejecutivo, Víctor Esquivel y Lilliana González, respectivamente. Logramos contactar a ambos y hacerles una entrevista acerca de los que ellos piensan y sienten sobre la publicidad y comunicación actual del país. Entrevista realizada a Víctor Esquivel, actual Director Ejecutivo de ASCAP / Comunidad de Empresas de Comunicación Comercial de Costa Rica. ¿Qué significa Comunidad a nivel personal y profesional? Una institución a la cual le tengo mucho aprecio. Profesionalmente ha significado el mejor logro de mi carrera por las responsabilidad que conlleva el puesto que desempeño. ¿Porqué decidió trabajar en esta área? Mercadeo y Publicidad siempre han sido áreas que me apasionan y que mejor forma de hacer que al frente de la institución que represente la mayor parte de la industria de la comunicación. A parte de ser un reto personal, por tratarse de algo “nuevo” para mi. ¿Cuál ha sido la mejor experiencia de trabajar en Comunidad? Trabajar con los Directores Generales de las empresas asociadas, ya que todos son personas de una gran calidad humana. Y la otra gran experiencia haber sido responsable de la organización del Festival Volcán, que es el evento mas importante de la industria publicitaria de nuestro país.

¿Porqué un Portfolio Night en Costa Rica? Porque es un evento diferente a lo tradicional y también porque busca darle una oportunidad a los nuevos profesionales de conocer cara a cara a quienes podrían ser sus jefes.

parte de una persona creativa? Extrovertido, que piensa diferente, que no teme decir lo que piensa, que cuestiona todo, imaginativo, apasionado, disciplinado.

Sabemos que las experiencias personales ayudan a generar mejores campañas, ¿podría mencionar alguna que haya marcado una diferencia en su carrera? (No respondió).

¿Cree que la publicidad y los medios de comunicación influyen en la vida de las personas? Si totalmente, porque las cosas que vemos y escuchamos tienen el poder de afectar positiva o negativamente nuestros sentimientos y por ende el estado de ánimo.

Si bien una carrera creativa no es seguir pasos estipulados, para usted, ¿qué cualidades deben formar

Muchas personas critican la publicidad cuyo origen radica en Costa Rica, ¿cuál cree que sea la razón?

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¿Cuál sería la mejor opción para eliminar esta tendencia? Esto se da por una sencilla razón, prácticamente la totalidad de la publicidad se hace para un anunciante y normalmente ellos son los que deciden que se hace, y suelen cerrarse a las propuestas creativas. La mejor opción para cambiar esto es lograr acercar a los anunciantes a nuestra industria para que logren entender que la creatividad es algo que les puede generar mucho dinero, si se abren a las nuevas ideas. Con su experiencia, ¿qué podría decirle a los que recién empiezan a estudiar una carrera en las Ciencias de la Comunicación? Que es una gran industria, con un gran potencial, con lo cual deben tomarlo con mucha seriedad y que es muy importante que tengan mente continuar preparándose, ya que muchos una vez que terminan el bachillerato universitario se conforman con eso

Entrevista realizada a Lilliana González, antigua Directora Ejecutiva de ASCAP / Comunidad de Empresas de Comunicación Comercial de Costa Rica. Trabajó en la misma desde mayo de 1998 hasta junio del 2013. ¿Qué significa Comunidad a nivel personal y profesional? Para mí, Comunidad es una organización sin fines de lucro que, a nivel profesional y personal, busca el desarrollo del talento creativo costarricense, por medio de capacitaciones y concursos que estimulan la creatividad. ¿Porqué decidió trabajar en esta área? Porque considero que la creativi-

dad es la principal característica con la que Costa Rica se puede dar a conocer a nivel mundial; y así se ha demostrado desde el año 2008 en Cannes Lions (el festival creativo más importante del mundo); ya que desde ese año, Costa Rica gana Leones (los premios de este festival). ¿Cuál ha sido la mejor experiencia de trabajar en Comunidad? La posibilidad de conocer a muchas personas de la industria, aliados, grandes amigos y conocer a muchas personas comprometidas con la creatividad y el desarrollo del talento costarricense. Es increíble ver que día a día, las agencias son competencia, pero se reúnen para trabajar conjuntamente para que el nivel creativo

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del país sea ganador a nivel mundial. ¿Porqué un Portfolio Night en Costa Rica? Porque en ese afán de buscar el desarrollo creativo costarricense, el Portfolio Night acerca a los estudiantes con sus futuros empleadores. La posibilidad de recibir tips para montar la carpeta, dará oportunidad a los jóvenes de obtener un trabajo más adelante, cuando estén listos. Sabemos que las experiencias personales ayudan a generar mejores campañas, ¿podría mencionar alguna que haya marcado una diferencia en su carrera? Cada uno de los concursos creati-


vos nacionales que organizamos en Comunidad (cuando trabajé en ella) ha sido una enseñanza. Siempre hay algo qué mejorar para el concurso siguiente y la retroalimentación del público ha sido vital para ese crecimiento. Si bien una carrera creativa no es seguir pasos estipulados, para usted, ¿qué cualidades deben formar parte de una persona creativa? Tener orden, responsabilidad, conocimiento, aprender a trabajar en equipo, consultar cuando hay dudas, leer mucho, conocer la actualidad del país y del mundo, escuchar a su alrededor, saber reconocer los pequeños detalles que hacen grande la vida. Y es sano aplicar el día a día de nuestras vidas a nuestro trabajo. ¿Cree que la publicidad y los medios de comunicación influyen en la vida de las personas? Claro que sí. La publicidad persuade al público a tomar una acción. Por eso, los publicistas tenemos el compromiso de trabajar con moral y ética, para no inducir al público a cometer acciones erróneas. Muchas personas critican la publicidad cuyo origen radica en Costa Rica, ¿cuál cree que sea la razón? ¿Cuál sería la mejor opción para eliminar esta tendencia? Nadie es profeta en su tierra… Lastimosamente, el tico tiene una política “serrucha pisos” que no permite que algunas personas sobresalgan… Me parece que esta tendencia, aunque me parece ha ido disminuyendo, siempre está presente en nuestras vidas, y en todos los ámbitos. Tratamos de buscarle el pelo a la sopa, de encontrar un defecto en una persona que sobresale… Lo que debemos hacer es aprender a valorar lo que hacemos como socie-

dad; aprender a que el logro de una persona es el logro de todos. A nivel de Comunidad, hemos aprendido con el pasar del tiempo que ganamos más si ganamos todos; y que un León, o premio de creatividad, se lo gana una agencia específica, pero lo gana el país, como un todo. Con su experiencia, ¿qué podría decirle a los que recién empiezan a estudiar una carrera en las Ciencias de la Comunicación? Yo les diría: Disfruten lo que estudian. Háganlo con pasión. Manténganse informados del acontecer nacional e internacional. Sean tolerantes y respetuosos con las personas que no piensan igual a Ustedes. Observen y no contravengan las leyes (tanto en su vida personal como profesional, aplicando la legislación de la publicidad), y actualícense siempre, pues la industria de la publicidad cambia año con año, semestre con semestre, mes con mes; con los cambios de las tecnologías. Gracias a estas amables personas podemos entender que la comunicación juega un papel muy importante en la identidad y accionar del costarricense. A través de la publicidad y los medios, las personas pueden estar informadas y tomar esta información y hacerla de alguna utilidad para sí mismos. La publicidad juega un papel muy importante en las personas, por eso ¡ojo!, hay que entender y saber comunicar nuestras ideas.

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“Lo que debemos hacer es aprender a valorar lo que hacemos como sociedad; aprender a que el logro de una persona es el logro de todos.

Estimular la creatividad y promoverla como valor inspirador y detonante de resultados positivos para nuestros asociados, sus clientes y para el desarrollo de nuestras organizaciones.


Reportaje

Adri Matamoros

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Exposición de 16 de Julio al 09 de agosto, 2013.José Alberto Hernández El Centro Cultural de España (CCE) ha ofrecido por cerca de un mes una maravillosa exposición con motivo de los nueve años de colaboración del artista José Alberto Hernández con la institución. Hernández se presenta como uno de los artistas gráficos costarricenses más reconocidos de las últimas generaciones. Es curioso como muchas veces las personas no reconocen el arte como debiera ser, ¿cuántas veces habremos pasado la vista por un afiche de Hernández sin pensar quién es el

artista detrás de él? Independientemente de si lo consideramos interesante o no. El caso es que la cantidad de trabajo editorial que ha realizado en el país es extensa, el CCE ha recogido absolutamente toda la obra que él ha realizado para ellos en una exposición abierta que permite al visitante deleitarse en la observación y el análisis del diseño. Cada pieza puede ser llevada a las manos del espectador con el fin de que sea mejor apreciada, especialmente por la fuerte presencia de brochures y las difundidas “Programaciones de Actividades Mensuales”. Cada pieza de Hernández posee

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una frescura e identidad inconfundibles, las técnicas empleadas no son predecibles y distan de aburridas. Quizá unos de los mayores logros de la exposición sea la oportunidad de ver una evolución en su trabajo desde el 2004 hasta el presente 2013. La fuerza que posee la colección frente a esta cronología es notable, es fácil encontrar un conocido tríptico o un cd con una caja como la de tantos otros, pero la evolución de los mismos es grande, sin descanso, cada proyecto ha cambiado, algunos se han simplificado y otros se han convertido en piezas de más difícil construcción, pero ciertamente revelan un diseñador que no se cansa de buscar que su obra


sea descrita por esos términos que todos soñamos: única, diferente, inesperada. A la par de su trabajo para el CCE José Alberto Hernández ha logrado ganar gran reconocimiento dentro de la Red de Centros Culturales, siendo el encargado en el 2012 de crear la imagen gráfica del más reciente encuentro Mundial de Centros “Enredados”, convocado por la AECID en Madrid. Es reconocido, además, por su incansable labor editorial, como la reciente edición de lijo y libro arte para el Ministerio de Cultura y Juventud de Costa Rica: El Quijote entre nosotros. José Alberto Hernández: José Alberto Hernández (1978) es

diseñador gráfico y fotógrafo costarricense, formado en la Escuela de Artes Plásticas de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Costa Rica, donde obtuvo su licenciatura (2005). Como diseñador se ha especializado en cubrir exclusivamente al sector artístico y cultural, donde desarrolla el concepto visual, producción y edición de sus encargos. Como fotógrafo lleva doce años desarrollado un ensayo fotográfico temático. Ha expuesto individualmente en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo –MADC- (2007 y 2011), TEOR/éTica (2003), San José, Costa

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Rica; colectivamente en The Museum of Contemporary Art -MOCA- de Los Ángeles, IDB Cultural Center, Washington DC; Art Museum of Americas -OEA-, Estados Unidos; Museo de Arte Contemporáneo y Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, Chile; Central de Diseño/ Matadero, Madrid, España; Museo de Bellas Artes de Taipei, Taiwan; Centro León, Santiago de los Caballeros, Museo de Arte Moderno, República Dominicana; MUCARoma y Museo Franz Mayer en México DF; Centro de Artes Visuales de Yucatán, Centro Cultural de España.


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Reportaje

La generación hedonista. También conocida como la generación Y, jóvenes que hoy contamos entre 32 y 16 años, una generación que marca una nueva era, que es blanco fácil de críticas de parte de generaciones anteriores. Millenials, Generación Google o iGeneration son términos aplicados a la misma generación y que la describen más directamente. Sin embargo, durante la defensa de su proyecto de graduación por el grado de Licenciantura en la Universidad Veritas, Cristina Gomar prefirió llamarnos (e incluirse a ella misma) la generación hedonista. La simple elección de dicho término marcó la dirección que tomaría el desarrollo de su proyecto. Vaso lleno es una iniciativa que se desarrolla considerando los elementos más intrínsecos de esta generación, reconocidos por alguien que nació en ella. Un proyecto que destaca entre muchos otros, cada cuatrimestre me es agradable acudir a todas las defensas públicas que me sea posible, empaparse de los temas actuales que abordan colegas diseñadores es muy importante, pero este llamó mi atención, y la de todos los presentes (que, dicho sea de paso, llenaron el Auditorio Roberto Sasso). Pero más allá de una cuidadosa presentación el proyecto entero está desarrollado con lo que sólo se puede llamar pasión. Cristina Gomar inicia explicando lo que es esta generación, y es que es su público meta, en lugar de dividirlos por edades, gustos, razón socioeconómica, etc, decide llegar a un público amplísimo que comparte una sola cosa: el mundo en el que nacimos y vivimos. Somos una generación que no conoce de las guerras mundiales como la Generación X, somos dueños de la tecnología, la comunicación en

redes mundiales, la música digital; la tecnología ha creado una generación conectada alrededor del mundo 24/7, acostumbrados a tener lo que queramos con un clic, hedonistas vendría siendo la descripción ideal. Vaso lleno trata de llegar al lado menos estimulado de esta generación: el humano. Observa la insatisfacción que sacude al mundo e intenta hacer algo al respecto. Vaso lleno es un proyecto sumamente personal, alimentado por las experiencias de su creadora, quien admite que en algún momento perdió fe en la publicidad, y durante dicha crisis encontró algo mejor: la

Adri Matamoros

El resultado final es una campaña atrevida, diferente, difícil de encontrar en el país. Activa, honesta e interactiva, nadie que caiga en un solo elemento de la campaña podría ignorarlo. Básicamente le grita al público ¡sean felices! publicidad que se fija en el humano y no en el producto. Por supuesto que en muchos aspectos requirió una investigación sumamente profunda, realizada de forma meticulosa y el resultado final se revela fuerte, levantado sobre bases sólidas, psicología, sociología, conocimiento, todo se revela en la campaña.

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Reportaje Maryam Morales

HECHO A LA TICA El pasado martes 11 de junio del 2013, en el Auditorio Roberto Sasso Sasso de la Universidad Veritas, se presentó el estudiante Adrián Zamora Cordero con su proyecto para optar por el grado de licenciatura en Diseño Publicitario. Dicho proyecto se realizó para el Centro de Investigación Y Conservación del Patrimonio Cultural, el cual es una dependencia del Ministerio de Cultura y Juventud, que procura fortalecer la diversidad cultural de los costarricenses por medio de acciones para la preservación de las manifestaciones culturales. El objetivo principal de la campaña fue el de propiciar un redescubrimiento de la ciudad de San José para generar conciencia y que atraiga a la vez, a la población joven. Fondos de pantalla, volantes, prensa, banner, muppies, afiches, vallas, camisas, pines, pulseras, y por supuesto las redes sociales. Fueron las piezas que se cotizaron para poner a funcionar la campaña. Los jóvenes tienen muy poca información acerca de las actividades culturales que se hacen en la capital. Es por eso que este proyecto busca promover la conciencia cultural de cada joven costarricense. Las redes sociales ahora son parte fundamental en la vida de estos, es por la misma razón, que esta tesis propone un libro digital en la misma página del Centro de Investigación y Conservación del Patrimonio Cultural.

Esto funcionaría por medio de la red social Twitter, creando un hashtag (#hechoalatica) donde las personas puedan publicar sus fotos de los diferentes lugares en San José y compartir la experiencia con otras personas. Periódicamente se estaría renovando el libro digital en la página oficial del Centro y las personas podrían accesar a este de forma gratuita, y hasta descargarlo de la misma página. El proyecto Hecho a la Tica, por medio de esta metodología, busca com-

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partir con los jóvenes la riqueza cultural, intercambiando y generando información valiosa sobre museos, galerías, parques, monumentos, teatros y la cantidad ilimitada que San José tiene para ofrecer a sus habitantes, con el fin de reforzar la identidad costarricense. Redacción: Maryam Morales


¡Hazlo tú mismo! Arte botánico: siluetas con pintura spray ¡Deja que tu creatividad fluya! Esta sencilla manualidad te permitirá a mostrar tu lado artístico y crear piezas únicas que se puede colocar en cualquier parte de la casa para asombrar a todos tus invitados. Este proyecto económico pide solo los materiales más básicos, y te incentiva a aprovechar de la hermosa naturaleza que te rodea.

Lo que necesitas: Papel duro o cartulina Pintura spray (del color que gustes) 2 brochas Plato o paleta para pintura Variedad hojas, flores, o ramas Goma adhesiva Marco o cuadro

Tip: Para asegurare de que tu obra quede con el mejor acabado, coloca las hojas, flores, y ramas entre dos hojas de papel y prensa las hojas dentro de dos libros grandes durante 1-2 días para que queden planos y más fáciles de usar.

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Entretenimiento

Maggie hathaway

Paso 1: Coloca todos los materiales en una mesa de trabajo

Paso 2: Pinta toda la superficie de la hoja de papel con el color de pintura que has escogido

Paso 3: Con la goma adhesivo, pega ligeramente las hojas, flores, o ramas a la superficie pintada, asegurándose de presionar bien los bordes de las plantas Después de dejar secar tu creación, agrégale unos detalles que lo harán destacar. Con la brocha, pinta ligeramente sobre el diseño para darle textura o, con una pintura diferente, pinta detalles sobre la silueta para darle un efecto extra. Si quieres trabajar con varias capas, puedes repitir los pasos 3-5 para lograr un efecto multi-dimensional.

Paso 4: Con la pintura spray, rocia cuidadosamente la superficie, manteniendo siempre una distancia de .5m y siempre de la izquierda hacía la derecha para lograr un acabado liso y limpio

Paso 5: Después de rociar toda la superficie con la pintura spray, quita cuidadosamente las plantas o flores usadas, teniendo cuidado de no manchar el papel.

Una vez que tengas tus obras listas, móntalas sobre un marco y colócala en la pared. Juega con variaciones de colores y plantas para crear varias versiones de siluetas para después hacer un montaje collage.

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VUELTA DE HOJA

Gigantes caídos Con frecuencia escuchamos decir que muere una marca, a pesar de ser una metáfora conocida, también es una de las más debatidas. ¿Realmente muere una marca? En mercadeo se maneja la teoría de que sí, las marcas tienen vida, nacen, maduran y mueren. El reto de cualquier publicista es encontrar una forma de evitar que eso suceda, tomar una marca a punto de morir y devolverla a su mayor punto de éxito. ¿Qué interfiere en estas situaciones? Un ejemplo reciente es el de Nike. Todos conocen a Nike de una u otra forma, su logo es icónico, ¿quién se atrevería a pensar que una marca tan presente esté en decadencia? Un anuncio reciente en el que aparece Tiger Woods declarando “Ganar se encarga de todo” ha sido destrozado por la crítica, calificado de insensible, pero sobre todo no se puede negar que los recientes escándalos en su vida privada evitan que un solo anuncio borre dicha impresión del público con una victoria. Al parecer Nike ha olvidado poner el buen ejemplo en sus anuncios. Pero el comercial no es muy difer-

ente de la línea que llevó a Nike a la cima, se ha forjado una imagen con comerciales enérgicos, confiados, sólidos, cuyos slogan se volvieron parte de la fraseología popular: “Deben ser los zapatos (Gotta be the shoes)”, “No se gana plata, se pierde el oro (You don’t win silver, you lose gold)” y “No soy un modelo a seguir (I am not a role model)”. Pero recientemente pareciera que Nike no logra un oro. Expertos sugieran varias razones. La primera es que mucho del éxito de Nike se debe a la maravillosa actuación de sus atletas. No hay mejor ejemplo que Michael Jordan, exitosísima dupla. Pero últimamente Nike ha apadrinado varios escándalos: Tiger Woods, Lance Armstrong y Kobe Bryant; lo que cuestiona su habilidad para juzgar a los atletas y al mercado. Esto es un efecto en la imagen de la marca, pero la segunda razón que se sugiere es inevitable para cualquier otra: la madurez. Esto representa un reto porque ya no se es el nuevo, la novedad quedó atrás, Nike corre el riesgo de ser víctima de su propio éxito. Entre más grande es la marca más difícil mantenerse actual. Y aquí ataca la demografía. Los consumidores que amaban la marca entre los ochentas y noventas ahora son mayores, los jóvenes consumidores percibe Nike diferente. Todos conocen la marca, pero no es lo misma que tener lealtad hacia ella. Y todos saben que independientemente de qué tan bien lo haga Nike

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un adolescente no querrá usar los mismos zapatos que su papá, aunque sea el padre más genial. Añadamos a esta mezcla que debido a que Nike revolucionó el mercado de la publicidad deportiva es ahora modelo a seguir, muchos han imitado su estrategia. Es un tributo a Nike, pero también añade presión a lo nuevo. Algunas marcas que han seguido el mismo camino son igualmente fuertes: Adidas, Reebok, ESPN, Old Spice y Red Bull, por mencionar algunos. Nike ha desarrollado nuevas formas de manejar el mercado, ya no se trata del comercial de treinta segundos y Nike lo sabe. Así que sólo nos queda esperar y observar ¿cómo se levanta un gigante? Y ¿qué otras marcas están en la misma situación? Aún más importante, ¿cómo le sacamos provecho?


Editorial

Adri Matamoros

Crisis de trabajo En una sociedad capitalista como la nuestra es común que aquello que escogemos hacer por el resto de nuestras vidas sea considerado una de las decisiones más importantes de nuestras vidas. Pero cuando la respuesta es que debemos escoger algo que reporte dinero y nos asegure seguridad económica, buena las elecciones obvias no siempre son las que nos harán más felices. Quiere decir que si lo que más amo en la vida es la música debo ignorarlo y graduarme en administración de empresas, o derecho o tal vez medicina. Las opciones siguen siendo las mismas que hace 50 años, pero eso no quiere decir que sea real. Un músico, un pintor, escultor, diseñador gráfico, animador digital, todos pueden vivir de su trabajo; no es fácil pero nadie dijo que la vida fuera fácil. Entonces, ¿porqué siguen juzgando nuestro trabajo por los resultados económicos que pueda reportar? También hay otro escenario oscuro en la vida de un diseñado, nuevamente debido a la economía. Cuando alguien se decide a dedicar su vida al diseño está lleno de sueños, es decir ¿quién no tiene sueños? Pero más allá de eso existe la firme creencia de que vamos a trabajar por el arte. Todos los días criticamos el trabajo casi de fábrica que sale en publicidad, juramos que jamás haríamos algo así, que siempre seremos fieles a nuestro arte, a la eterna búsqueda de innovar. ¿Quiere decir que ninguno de los

actuales profesionales en publicidad pensó eso al empezar? Llegados a ese punto en el que se trata de ser fiel a uno mismo o tener ingresos muchos no tienen más opción que escoger la segunda opción. Pero tal vez no haya que escoger, podríamos dejar de intentar cambiar al mundo y empezar por pequeños cambios, un solo cliente convencido de hacer algo diferente puede ser el inicio de muchos otros y eso depende de nosotros. Ningún cliente va a aceptar tomar un riesgo si el publicista con el que trata no demuestra fe en su propuesta.

El diseño es un acto de fe, si nosotros mismos no sentimos pasión por lo que hacemos, nadie más lo hará por nosotros, y pasaremos a ser un eslabón más en la fábrica de publicidad genérica.

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Portada: “Soy artista” por Adriana Matamoros Fotografía: Mariana Boschini, Maggie Hathaway, Adriana Matamoros, Maryam Morales Ilustraciones editorial: Adriana Matamoros Publicidad: Mariana Boschini, Maggie Hathaway, Adriana Matamoros, Maryam Morales Redacción y edición: Mariana Boschini, Maggie Hathaway, Adriana Matamoros, Maryam Morales Universidad Veritas IIC-2013

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2013


Revista radar final