NGT

Dolomiti Contemporanee

01. pp. 6

Fattoria Vittadini 02. pp. 9

Ramdom 03. pp. 10

Wonder Grottole 04. pp. 14

Palazzo Grenoble 05. pp. 16

Kulturfactory 06. pp. 19

Casa degli Artisti 07. pp. 23

Landworks 08. pp. 25

Fondazione Bevilacqua La Masa 09. pp. 28

Villa Lena 10. pp. 30

Fondazione Pistoletto Cittadellarte 11. pp. 31

Accademia Mediterranea dell'Attore 12. pp. 33

Corte Ospitale 14. pp. 37 Cross 13. pp. 34

Palazzo Butera 15. pp. 39

Base 17. pp. 42 Artinvita 16. pp. 41

Palazzo Monti 18. pp. 45

REINVENTARE LA MOBILITÀ ARTISTICA IN EUROPA

RÉINVENTER LA CIRCULATION ARTISTIQUE EN EUROPE

CHRISTIAN MASSET

Ambasciatore di Francia in Italia

FR

ITIl Nouvo Grand Tour è un esempio molto concreto della cooperazione franco-italiana in ambito culturale e della creazione artistica, in linea con l’essenza e con le parole del Trattato del Quirinale, siglato a novembre 2021. Le residenze che partecipano a questo programma offrono ai giovani artisti europei un modo unico per scoprire il patrimonio e la scena artistica italiana, grazie a un accompagnamento curastoriale che gli viene messo a disposizione. È un progetto unico nel suo genere in Europa, perché sposa valori di condivi sione, scambio, apertura e dialogo, i valori propri dell’Unione europea. È un progetto che si iscrive anche in quell’impegno comune e costante dei paesi partecipanti a favore dell’unità europea e in quel desiderio condiviso di rilanciare e approfondire il progetto europeo. Una missione cara anche ai partner che rendono possibile la realizzazione di questo progetto, frutto di un finanziamento pubblico e privato. Con vocazione a svilupparsi attraverso partenariati nuovi e grazie alle molte residenze che hanno espresso il desiderio di unirsi al programma, il Nuovo Grand Tour si impegnerà, già dalla prossima edizione, a promuovere anche l’accoglienza dei giovani artisti italiani in Francia.

Ci tengo a ringraziare i responsabili e i direttori delle residenze che si sono associati con entusia smo al programma del Nuovo Grand Tour e che accompagnano quotidianamente i giovani creatori, per fare di questo soggiorno in Italia una tappa importante – se non decisiva – del loro percorso artistico. Ringrazio inoltre i membri della giuria che hanno analizzato con sguardo attento e professio nale tutte le candidature ricevute per questa prima edizione. Infine, rivolgo i miei più calorosi ringra ziamenti all’OFAJ – Office Franco-allemand pour la jeunesse e ad Ardian, partner del Nuovo Grand Tour, che ha permesso a cinquanta giovani artisti di vivere un’esperienza indimenticabile a contatto con la ricchezza e la diversità culturali italiane.

Le Nouveau Grand Tour constitue une illustration très concrète de la coopération franco-italienne dans le domaine de la culture et de la création artis tique, conformément à l’esprit et au texte du traité du Quirinal, signé en novembre 2021. Les rési dences qui participent à ce programme offrent à de jeunes artistes européens un moyen unique d’aller à la rencontre du patrimoine et de la scène artistique italienne, grâce à un accompagnement curatorial mis en place dans le cadre de ces séjours. Il s’agit d’un projet unique en son genre en Europe, qui épouse les valeurs de partage, d’échange, d’ouver ture et de dialogue propres à l’Union européenne. Il fait aussi écho à un engagement commun et constant des pays participants en faveur de l’unité européenne et au souhait partagé de relancer et d’approfondir le projet européen. Une mission également chère aux partenaires qui permettent la réalisation de ce projet grâce à un cofinancement à la fois public et privé. Appelé à se développer à travers de nouveaux partenariats et grâce aux nom breuses résidences qui ont manifesté le souhait de rejoindre le programme, le Nouveau Grand Tour s’attachera, dès sa prochaine édition, à favoriser également l’accueil des jeunes artistes italiens en France.

Je tiens à remercier les responsables et direc teurs des résidences qui se sont associés avec enthousiasme au programme du Nouveau Grand Tour et qui accompagnent au quotidien les jeunes créateurs, afin de faire de ce séjour en Italie une étape importante – voire décisive – de leur parcours artistique. Je remercie également les membres du jury qui ont porté un regard attentif et professionnel sur toutes les candidatures reçues pour cette pre mière édition. Enfin, j’adresse mes plus chaleureux remerciements à l’OFAJ – Office Franco-allemand pour la jeunesse ainsi qu’à Ardian, partenaires du Nouveau Grand Tour, qui ont permis à cinquante jeunes artistes de vivre une expérience inoubliable au contact de la richesse et de la diversité cultu relles de l’Italie.

IL NUOVO GRAND TOUR:

UNA NUOVA MAPPA DEL CUORE

HÉLÈNE KELMACHTER

IT

Nell’autunno del 2022, l’Ambasciata di Francia in Italia e l’Institut Français Italia hanno inaugurato un ambizioso programma di residenze artistiche per giovani talenti europei. Dal 1° settembre, sono quasi cinquanta gli artisti francesi e tedeschi di meno di trent’anni ad essere stati ospitati in diciot to residenze partner in tutta Italia. Dal Piemonte alla Puglia, dalla Lombardia alla Toscana, passando per la Basilicata, l’Abruzzo, la Sicilia, la Campania, ma anche il Veneto e la Sardegna, il Nuovo Grand Tour traccia una simbolica “mappa del cuore”, che riflette i legami culturali, forti e duraturi, tra l’Italia e la Francia.

Rivisitando la tradizione storica del Grand Tour che, nei secoli XVII e XVIII, permetteva a giovani intellettuali, artisti e scrittori europei di viaggiare alla scoperta del patrimonio artistico della penisola e di perfezionare la propria formazione, il program ma di residenze del Nuovo Grand Tour offre ai giovani neolaureati delle scuole d’arte l’opportunità senza precedenti di soggiornare nei luoghi della cultura, di sperimentare nuove tecniche o nuove prospettive e di mettere in discussione il proprio lavoro dialogando con i professionisti locali che li ospitano.

Aperto a tutti i campi della creazione, il Nuovo Grand Tour riunisce artisti visivi e performativi, favorendo la multidisciplinarietà e la sperimentazione del possibile. Di età compresa tra i ventidue e i trent’anni, i cinquanta artisti di questa prima edizione sono stati scelti dai responsabili di ciascu na delle residenze che li ospitano, in dialogo con una giuria di professionisti e artisti composta da Francesca Corona, direttrice artistica del Festival d’Automne di Parigi, Olivier Dubois, danzatore e coreografo, Luca Lo Pinto, direttore artistico del MACRO di Roma, Emmanuelle Orenga de Gaffory, direttrice della galleria Emmanuel Perrotin di Pari

gi, e Morgane Tschiember, artista visiva.

Il Nuovo Grand Tour è originale e multidisci plinare, perché mette insieme più realtà, offrendo agli artisti la possibilità di soggiornare in palazzi affrescati o in vecchi edifici industriali, in case in ristrutturazione di antichi villaggi minerari, o ancora in una villa d’artista ai piedi del Vesuvio.

Facendo dell’Italia intera un laboratorio creati vo, il Nuovo Grand Tour mette a disposizione degli artisti non solo un ambiente favorevole per sogna re, ispirarsi o sperimentare, ma anche il supporto curatoriale di un team di professionisti appassionati che, in ogni residenza, costituiscono un legame prezioso con il Paese, aprendo momenti di condivi sione o di incontro, la restituzione di una tappa del lavoro, o addirittura un invito alla programmazione al termine della residenza.

Dislocati in regioni diverse dell’Italia, i cin quanta artisti del Nuovo Grand Tour si riuniranno nella realizzazione di un originale progetto finale: un’installazione collettiva di cinquanta bandiere disegnate da ciascuno di questi creatori - artisti vi sivi e performativi - che verrà presentata a Palazzo Farnese a Roma. Questa installazione, che incarna simbolicamente lo spirito del Nuovo Grand Tour, diventerà ambasciatrice del programma e della sua diversità.

Con la Germania come ospite d’onore per la sua prima edizione, il Nuovo Grand Tour è desti nato a svilupparsi su scala più ampia, aprendo il programma a nuove residenze, ad altri Paesi di accoglienza e ad artisti di altre nazionalità. In un’ottica di scambio, dialogo e reciprocità, i giovani artisti italiani saranno invitati a soggiornare in Fran cia per la prossima edizione del Nuovo Grand Tour, che confermerà, così, con maggiore convinzione, la sua dimensione europea.

FR

L’Ambassade de France en Italie et l’Institut Français Italia ont lancé, à l’automne 2022, un ambitieux programme de résidences artistiques destiné aux jeunes talents européens. Ce sont ainsi près de cinquante artistes français et alle mands, de moins de trente ans, qui, depuis le 1er septembre, sont accueillis dans dix-huit résidences partenaires à l’échelle de l’ensemble du territoire italien. Du Piémont aux Pouilles, de la Lombardie à la Toscane, la Basilicate, les Abruzzes, la Sicile, la Campanie, en passant par la Vénétie ou la Sar daigne, le Nouveau Grand Tour dessine une carte du tendre qui reflète les liens culturels, forts et pérennes, entre l’Italie et la France.

Revisitant la tradition historique du Grand Tour qui, aux XVIIe et XVIIIe siècles, permettait aux jeunes intellectuels, artistes et écrivains européens de voyager pour découvrir le patrimoine artis tique de la péninsule et parfaire leur formation, le programme de résidence du Nouveau Grand Tour offre aux jeunes diplômés des écoles d’art une occasion inédite de séjourner dans des lieux de culture, de faire l’expérience de nouvelles techniques ou de nouvelles lumières, d’interroger leur pratique en dialogue avec les professionnels locaux qui les accueillent.

Ouvert à tous les champs de la création, le Nouveau Grand Tour réunit des plasticiens comme des artistes de la scène, privilégiant la pluridis ciplinarité et l’expérimentation des possibles. Âgés de vingt-deux à trente ans, les cinquante artistes de cette première édition ont été choisis par les responsables de chacune des résidences qui les accueillent, en dialogue avec un jury de professionnels et d’artistes composé de Francesca Corona, directrice artistique du Festival d’Automne à Paris, Olivier Dubois, danseur et chorégraphe, Luca Lo Pinto, directeur artistique du MACRO à Rome, Emmanuelle Orenga de Gaffory, directrice de la galerie Emmanuel Perrotin à Paris, et Mor gane Tschiember, artiste plasticienne.

Pluridisciplinaire, le Nouveau Grand Tour a aussi pour originalité de réunir des réalités mul tiples offrant aux artistes l’occasion de séjourner dans des palais ornés de fresques ou d’anciens bâtiments industriels, des maisons en cours de réhabilitation dans un ancien village minier ou une villa d’artiste au pied du Vésuve.

Faisant de l’ensemble de l’Italie un laboratoire de création, le Nouveau Grand Tour met à disposi tion des jeunes créateurs non seulement un cadre propice à la rêverie, à l’inspiration ou à l’expérimen tation, mais également un accompagnement cura torial par une équipe de professionnels passionnés qui, dans chaque résidence, constitue un lien précieux avec le pays, ouvrant vers des moments de partage ou de rencontre, de restitution d’une étape de travail, voire une invitation pour une programmation à venir.

Dispersés à l’échelle de toute l’Italie, les cinquante artistes du Nouveau Grand Tour seront réunis dans un projet original de restitution : une installation collective de cinquante drapeaux dessinés par chacun de ces créateurs – plasticiens comme artistes de la scène , qui sera présentée au palais Farnèse à Rome. Emblématique de l’esprit du Nouveau Grand Tour, cette installation se fera l’ambassadrice du programme et de sa diversité.

Avec l’Allemagne comme invité d’honneur pour sa première édition, le Nouveau Grand Tour est appelé à se développer à plus large échelle, ouvrant le dispositif à de nouvelles résidences, à d’autres pays hôtes et à d’autres nationalités d’artistes. Dans un souci d’échange, de dialogue et de réciprocité, de jeunes artistes italiens seront invités à séjourner en France, dès la prochaine édition du Nouveau Grand Tour qui confirmera ainsi de manière encore plus affirmée sa dimen sion européenne.

DOLOMITI CONTEMPORANEE

Dolomiti Contemporanee è un progetto sorto nel 2011 nelle Dolomiti Patrimonio dell'Umanità. Il progetto tocca grandi siti abbando nati o sottoutilizzati, come ex fabbriche, ex architetture storiche, civili e militari, particolarmente significative, o aree territoriali depresse. Questi “siti perduti”, nella montagna dolomitica, sono al centro di una serie articolata di programmi di rigenerazione territoriale, che vogliono riguadagnare risorse preziose, concependo per esse nuove de stinazioni d'uso. Ci si occupa di Paesaggio e di Patrimonio dunque, attraverso un pensiero concreto che affronta nodi problematici. La riflessione intellettuale sull'identità della montagna contemporanea, sulle sue potenzialità e sulle sue criticità, viene condotta attraverso una pratica operativa, sul campo. I siti di progetto sono riattivati grazie alla Residenza internazionale, che è l'Istituto centrale del progetto. Ogni anno, centinaia tra artisti, curatori, architetti, designers, paesaggisti, filosofi, esperti del territorio, popolano i siti riattivati, contribuendo al loro riscatto.

Dolomiti Contemporanee est un projet qui a vu le jour en 2011 dans les Dolomites, site classé au patrimoine mondial. Le projet englobe de grands sites abandonnés ou sous-utilisés ; d'anciennes usines, des constructions historiques, civiles et militaires particulièrement importantes, ou des zones territoriales en déclin. Ces "sites perdus" dans les Dolomites, sont au centre d'une série de programmes de régénéra tion territoriale, qui visent à récupérer des ressources précieuses, en concevant de nouvelles utilisations pour celles-ci. Le paysage et le patrimoine sont donc traités à travers une réflexion concrète qui aborde di verses problématiques. La réflexion intellectuelle sur l'identité de la montagne contemporaine, ses poten tialités et ses limites, est menée à travers une pratique de terrain. Les sites du projet sont réactivés grâce à la Résidence internationale, qui est l'institut central du projet. Chaque année, des centaines d'artistes, conservateurs, architectes, designers, paysagistes, philosophes et experts en la matière investissent les sites réactivés, contribuant ainsi à les faire revivre.

IT

LE MERLE

Harold Jodeau (1998) e Alice Lagarde (1997)

LE MERLE: (duo) Un giorno abbiamo messo un pesce in una caffettiera e lo abbiamo chiamato il Merlo, e da questo nome è nato il nostro duo.

Dai nostri aneddoti comuni prendono forma delle trame.

Disegniamo 200 m2 di tessere, nascondia mo ragni ballerini, spariamo fuochi d'artificio, ci mascheriamo da rane, raccogliamo in una fialetta le lacrime degli uccelli.

FR Harold Jodeau (1998) & Alice Lagarde (1997)

LE MERLE : (duo) Un jour nous avons mis un poisson dans une cafetière et nous l’avons appelé le Merle et de ce nom est né le duo.

De nos anecdotes communes se déclinent des motifs.

On dessine 200 m2 de tuiles, on cache des « daddy long legs », on tire des feux d’artifices, on se masque de grenouilles, on récolte dans une fiole des larmes d’oiseau.

IT

JULES DUMOULIN

Jules Dumoulin (1993, Parigi) si è laureato a Villa Arson nel 2018 e da allora ha sviluppato una pratica di scultura che nasce da un lavoro di raccolta adoperato nello spazio urbano. Ha la convinzione, sfumata di misticismo o animismo, che siano gli oggetti a trovare noi, piuttosto che il contrario. Si appropria di questi oggetti, queste forme, li plasma, li rielabora. Li riproduce in cera colorata, in stampa 3D, in pietra, in vetro o addirittura in bronzo. In questo modo, cerca di creare un alfabeto di forme per alimentare e definire la sua pratica di scultura.

FR

Jules Dumoulin (1993, Paris) est diplômé de la Villa Arson en 2018 et développe depuis une pratique de la sculpture issue d’un travail de collecte, dans l’espace urbain. Il a la croyance, teintée de mysticisme ou d’animisme, que ce sont les objets qui nous trouvent, plutôt que l’inverse. Ces objets, ces formes, il s’en empare, les moule, les retravaille. Il les reproduit en cire teintée, en impression 3D, en pierre, en verre ou même en bronze. Il cherche, ainsi, à constituer une forme d’alphabet de formes visant à nourrir et définir sa pratique de la sculpture.

ALEXIA TRAWINSKI

ITAlexia Trawinski (1993, Alsace) si è formata in Francia e Germania con gli artisti Silvia Bächli, Markus Vater e Pia Fries. Dai loro insegnamenti conserva il desiderio di collegare la pittura allo spazio. Dal 2019 sviluppa una pratica murale basata sul collage di carta. Disegno, pittura e architettura si uniscono. Intervenendo diretta mente nello spazio dello spettatore, la pittura si presenta a noi in modo diverso. Non è più un oggetto, è un corpo nello spazio.

FR

La formation d'Alexia Trawinski (1993, Alsace) s'est faîte entre la France et l'Allemagne auprès des artistes Silvia Bächli, Markus Vater et Pia Fries. De leurs enseignements, elle garde ce désir de lier la peinture à l'espace. Depuis 2019 elle développe une pratique du mural basée sur le collage de papier. Dessin, peinture et architec ture se rejoignent. En intervenant directement dans l’espace du spectateur, la peinture se présente à nous autrement. Elle n’est plus un objet, elle est un corps dans l’espace.

FATTORIA VITTADINI

Compagnia di danza contemporanea, Fattoria Vittadini ha sede dal 2018 a Spazio Fattoria, situato all'interno di Fabbrica del Vapore a Milano. Factory di produzione, ricerca, formazione, residenze ed eventi nell’ambito delle arti performative, Fattoria Vittadini è un luogo aperto a contaminazioni e sinergie per la creazione di progetti nazionali e internazionali con focus su arte performativa, creatività e inclusione.

Compagnie de danse contemporaine, Fattoria Vittadini est installée depuis 2018 au Spazio Fattoria de Fabbrica del Vapore à Milan. Fabrique de production, de recherche, de formation, de résidences et d'événements dans le domaine des arts du spectacle, la Fattoria Vittadini est un lieu ouvert aux contaminations et aux synergies pour la création de projets nationaux et interna tionaux axés sur l'art du spectacle, la créativité et l'inclusion.

CANDICE LÉONARD (LEON)

IT

"Ho studiato per sei anni all'Ecole Supérieure des Beaux-Arts de l'Île de la Reunion. Durante il mio corso di laurea, ho iniziato il mio progetto personale sulla nozione di corpo attraverso la psi cosomatica dell'uomo e le fobie, interessandomi particolarmente al corpo nello spazio. Durante i due anni di master ho voluto sviluppare il tema del trauma e dei complessi, concentrandomi anche sui ricordi e sulla memoria del corpo. Sono sempre rimasta molto aperta a tutte le discipline, ma ammetto di essermi innamorata della scultura e di essere stata sorpresa dalla Performance. Per quanto riguarda il tessuto, rimane un pilastro della mia pratica."

FR

« J’ai étudié durant six ans à l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de l’Île de la Reunion. Dès l’année de la licence, j’ai débuté mon projet personnel sur la notion du corps à travers la psychosomatique de l’homme et les phobies, en m’intéressant au corps dans l’Espace. Au cours des deux années de master, j’ai voulu développer le sujet des trau matismes et des complexes, axé sur le souvenir et la mémoire du corps. Je suis toujours restée très ouverte à toutes disciplines, mais je reconnais être tombée amoureuse de la sculpture et m’être laissée surprendre par la Performance. Le textile quant à lui perdure comme fil conducteur. »

Associazione di Promozione Sociale che si occupa di produzione culturale e artistica con sede a Castrignano dei Greci in provincia di Lecce, Ramdom ha come scopo di promuovere progetti legati al contemporaneo con respiro internazionale in dialogo con i territori in cui opera. Le sue attività includono mostre, produzioni artistiche, residenze e workshop, oltre a due progetti di ricerca in pro gress come Indagine sulle Terre Estreme e DEFAULT. Nel 2016 ha lanciato il programma di residenze Sino alla fine del mare dedicato ad artisti e curatori under trentacinque.

KORA, sua base operativa a partire del 2021, è un luogo di produzione e ricerca con 1600mq dedicati a mostre temporanee e per manenti, laboratori e formazione. Uno spazio multidisciplinare al cui interno sono attive anche una biblioteca, un bookshop, un bar, un’area dedicata ai bambini e spazi per conferenze, eventi, performance e spettacoli dal vivo. Ramdom è tra i soci fondatori di STARE, associazione delle residenze d’artista italiane, nata nel 2021.

Association de promotion sociale qui s'oc cupe de la production culturelle et artistique, basée à Castrignano dei Greci dans la province de Lecce, Ramdom a pour objectif de mettre en œuvre des projets contemporains de portée in ternationale en dialogue avec les territoires dans lesquels elle opère. Ses activités comprennent des expositions, des productions artistiques, des résidences et des ateliers, ainsi que deux projets de recherche en cours ; Indagine sulle Terre Estreme et DEFAULT. En 2016, elle a lancé le programme de résidence Sino alla fine del mare dédié aux artistes et commissaires de moins de trente-cinq ans.

Le KORA, sa base opérationnelle depuis 2021, est un lieu de production et de recherche avec 1600m² dédiés aux expositions temporaires et permanentes, aux ateliers et à la formation. Un espace multidisciplinaire dans lequel on trouve également une bibliothèque, une librairie, un café, un espace pour enfants et des espaces destinés aux conférences, événements, perfor mances et spectacles vivants.

Ramdom est l'un des membres fondateurs de STARE, une association de résidences d'artistes italiennes, créée en 2021.

EVA AYACHE VANDERHORST

IT

Eva Ayache Vanderhorst, nata nel 1994, è un'artista visiva diplomata all'École nationale d'art supérieure de Paris-Cergy e all'École natio nale supérieure d'arts appliqués Duperré. Pratica pittura, installazione, performance e fotografia. La sua ricerca multidisciplinare si concentra sugli spazi interstiziali, tra sogno e realtà. È interessa ta alla questione della trasmissione, al paesag gio frammentato dell'identità, in un contesto familiare postcoloniale legato alle sparizione e le perdite.

FR

Eva Ayache Vanderhorst, née en 1994, est une artiste plasticienne diplômée de l'École nationale d'art supérieure de Paris-Cergy et de l'École nationale supérieure d'arts appliqués Duperré. Elle pratique la peinture, l'installation, la performance et la photographie. Pluridiscipli naire, sa recherche porte sur les espaces d’interstices, entre rêve et réalité. Elle s'intéresse à la question de la transmission, au paysage morcelé de l'identité, dans un contexte post colonial familial traversé par les disparitions et les zones de l'oubli.

IT

JULIETTE BAIGNÉ

Artista visiva, danzatrice e scenografa, Juliet te Baigné (1997) vive e lavora a Parigi. Diploma ta all'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décor atifs de Paris, proviene inizialmente dal mondo della danza e della musica, dove ha studiato per quindici anni presso i conservatori di Parigi. Queste pratiche portano il corpo al centro della sua ricerca. Si concentra su come il movimento possa essere un vettore di equilibrio e salute. Il suo lavoro è legato alla filosofia taoista. Attual mente lavora come artista visiva (Frontières, con Les Nouveaux Collectionneurs, Espace Voltaire), come performer (Apparaître encore, Diane Cherry, Beaux Arts de Paris), come scenografa, illustratrice e insegnante (Ateliers du Carrousel).

FR Artiste visuelle, danseuse, et scénographe Juliette Baigné (1997) vit et travaille à Paris. Diplômée de l’Ecole nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris, elle vient initialement du milieu de la danse et de la musique où elle a suivi l’enseignement des conservatoires de Paris pendant quinze ans. Ces pratiques amènent le corps au centre de sa recherche, corps dont les mouvements deviennent un vecteur d’équilibre et de santé. Son travail est imprégné de la philo sophie taoïste. Actuellement, elle mène une activité d’artiste plasticienne (Frontières, avec Les Nouveaux Collectionneurs, Espace Voltaire), de performeuse (Apparaître encore, Diane Cherry, Beaux Arts de Paris), de scénographe, d’illustra trice et de pédagogue (Ateliers du Carrousel).

MARIE HERVÉ

&

ELSA MARTINEZ

IT

Marie Hervé e Elsa Martinez lavorano come duo dal 2019. Laureate all'Ecole Nationale Supérieure de la Photographie d'Arles (FR), lavorano ad un progetto di ricerca a lungo termine sullo spazio mediterraneo e le sue costruzioni storiche, architettoniche e culturali. Lavorando tra l'Italia e il sud della Francia, il loro lavoro disegna una circolazione visiva tra Malta, la Corsica, la Grecia, la regione del Maghreb, l'Italia meridionale e la Sicilia; costruendo un archivio personale in costante evoluzione. Esplorando la materialità della fotografia e dell'oggetto stampato, collaborano a progetti editoriali - rispettivamente come co-fondatrici della casa editrice MYTO e del laboratorio di risografia UltraViolet (Marsiglia). Sono vincitrici della borsa di studio Eurazéo nel 2020 e hanno esposto a La Villette e all'Hôtel de l'Industrie (Parigi), per Jeune Photo Occitanie (Sète), alla Librairie du Palais (Arles), al REA! Fiera (Milano) e al FRAC Paca (Marsiglia).

FR

Marie Hervé et Elsa Martinez travaillent en duo depuis 2019. Diplômées de l’Ecole Nationale Supérieure de la Photographie d'Arles (FR), elles se sont engagées dans un projet de recherche au long cours sur l'espace méditerranéen et ses constructions historiques, architecturales et culturelles. Travaillant entre l'Italie et le sud de la France, leur travail dessine une circulation visuelle entre Malte, la Corse, la Grèce, la région du Maghreb, l'Italie du Sud et la Sicile ; construisant une archive personnelle en constante évolution. Explorant la matérialité de la photographie et de l'objet imprimé, elles collaborent dans le cadre de projets éditoriaux - respectivement en tant que co-fondatrices de la maison d'édition MYTO et de l'atelier de risographie UltraViolet (Marseille). Elles sont lauréates de la bourse Eurazéo en 2020 et ont exposé à La Villette et à l'Hôtel de l'Industrie (Paris), pour Jeune Photo Occitanie (Sète), à la Librairie du Palais (Arles), à la REA! Fair (Milan) et au FRAC Paca (Marseille).

CORNELIA BUCHHEIM

IT

Cornelia Buchheim (1993, Weimar) si è diplomata nel 2020 alla Kunsthochschule Burg Giebichenstein Halle nel dipartimento di pittura e arte del tessuto. Da allora uno dei suoi temi principali è l'arazzo. Molte delle opere di Cornelia Buchheim riguardano la funzione delle immagini, il sistema di riferimenti alle immagini o l'analisi delle narrazioni pittoriche. Il suo interesse per il lavoro interdisciplinare l'ha predestinata a proget ti di arte pubblica già durante gli studi. Inoltre ha creato numerosi progetti, come ad esempio un film d'animazione sull'interfaccia tra arte e filosofia, in collaborazione con l'Istituto Heinrich-Heen. di Düsseldorf.

FR

Cornelia Buchheim (1993, Weimar) a obtenu son diplôme en 2020 à la Kunsthochschule Burg Giebichenstein Halle dans le département de peinture et d'art textile. Depuis lors, l'un de ses principaux sujets porte sur la tapisserie. De nom breux travaux de Cornelia Buchheim traitent de la fonction de l'image, du système de référence à l'image ou de l'analyse de récits picturaux. Son intérêt pour le travail interdisciplinaire la pré destinait déjà pendant ses études à des projets d'art public. En outre, elle a créé de nombreux projets, par exemple un film d'animation traitant de la frontière entre l'art et la philosophie, en coopération avec l'Université Heinrich-Heine de Düsseldorf.

WONDER GROTTOLE

Wonder Grottole è un’impresa sociale il cuo obiettivo è quello di favorire la rigenerazione del centro storico del borgo di Grottole (MT) grazie al recupero di alcune case in disuso, unito all’attrazione di nuove energie dall’esterno in connessione e scambio con la comunità locale, in modo tale da creare nuovi cortocircuiti, sguardi, idee, opportunità che possano essere segnali di cambiamento in grado di aiutare a generare fiducia e riattivare l’economia locale.

Wonder Grottole est une entreprise sociale dont l'objectif est de favoriser la régénération du centre historique du village de Grottole (MT). Cette régénération est permise par la récupération de quelques maisons désaffectées, combinée à l'attraction de nouvelles énergies de l'extérieur en connexion et en échange avec la communauté locale, de manière à créer de nouveaux courts-circuits, aperçus, idées, et opportunités pouvant être des signaux de changement qui génèrent la confiance et à réactivent l'économie locale.

ZOÉ LEDOUX

JULES BENVENISTE

IT

Zoé Ledoux è un’artista francese, nata a Rouen il 28 maggio 1997. Vive e lavora a Marsiglia. Ha studiato all’ensba di Lione, all’isdat di Tolosa e alle Belle Arti di Marsiglia. Il suo piatto preferito è pane, burro e marmellata di fichi. Lavo ra sulle installazioni in situ, sulla scrittura e la per formance, ma ama anche la fotografia e un giorno vorrebbe diventare pittrice. Si interroga sulla sua vita di artista, sul suo lavoro, sulle sue paure e sulle sue passioni. Espone ovunque vengano accettati i suoi lavori, e il suo colore preferito è il rosa. I suoi hobby sono lo sport, l’impaginazione su In-Design e la cucina. Il suo sogno è diventare una grande artista, perché scrivano innumerevoli biografie sulla sua carriera.

FR

Zoé Ledoux est une artiste française. Elle est née le 28 mai 1997 à Rouen. Elle habite et travaille à Marseille. Elle a étudié à l’ENSBA Lyon, l’isdat Toulouse et aux Beaux-Arts de Marseille. Son plat préféré est la tartine painbeurre-confi ture à la figue. Elle travaille l’installation in-situ, l’écriture et la performance mais apprécie aussi la photographie et souhaiterait un jour être peintre. Elle questionne sa vie d’artiste, son travail, ses craintes et ses passions. Elle expose là où l’on accepte ses candidatures d’appel à participation. Sa couleur préférée est le rose. Ses hobbies sont le sport, la mise en page in-design et la cuisine. Son rêve est de devenir une grande artiste pour que l’on écrive d’innombrables biographies sur son parcours.

IT

Jules Benveniste (1995) è nato e cresciuto a Roma. Si è laureato all’Université Paris 3 (in Teatro/ Letteratura moderna), all’ENSATT (in Recitazione) e alla Scuola Holden (in Scrittura), e si è formato come attore con Dynamis Teatro, Marc Ernotte, Amahì Camilla Saraceni, Jan Fabre Teaching Group e David Clavel. In Francia ha lavorato con Anna Nozière, Valérian Guillaume e Sabrine Ben Njima. In Italia ha creato per il Festival ARTINVITA "Chants d'Amour" con Alvise Sinivia e Noémi Boutin, tratto da Britten e Genet, e porterà in tournée "Monday" di Dynamis Teatro con ENEA. La sua carriera di at tore e scrittore lo ha portato in Libano e in Québec. È autore di PleurePASpapa (che sarà portato in scena ad aprile 2023) e ha fondato la società BougierTOTO. Entra nel mondo della scrittura teatrale per giocare con i diversi linguaggi.

FR Jules Benveniste (1995) naît et grandit à Rome. Diplômé de Paris 3 (Théâtre/Lettres Mo dernes), ENSATT (Jeu), Scuola Holden (écriture), il se forme comme comédien avec Dynamis Teatro, Marc Ernotte, Amahì Camilla Saraceni, Jan Fabre Teaching Group et David Clavel. En France, il travaille avec Anna Nozière, Valérian Guillaume et Sabrine Ben Njima. En Italie, il crée pour le Festival ARTINVITA « Chants d’Amour » avec Al vise Sinivia et Noémi Boutin, autour de Britten et Genet ; et tournera « Monday » de Dynamis Teatro avec ENEA. Son parcours d’acteur et d’écrivain l’a mené au Liban et au Québec. Il est l’auteur de pleurePASpapa (création avril 2023) et monte la compagnie BougierTOTO. Il entre au théâtre pour jouer avec les différents langages.

PALAZZO GRENOBLE

Palazzo Grenoble, sede dell'Institut français di Napoli e del Centro di Ricerca Jean Bérard, ospita gli artisti programmati dai partner locali (musei, festival, gallerie, ecc.). Costruito nel 1884 dall'architetto napoletano Lamont Young, Palazzo Grenoble è in stile neorinascimentale. Fu acquistato dal governo francese nel 1933 e da allora è rimasto il centro delle attività culturali e accademiche legate alla Francia. Ospita una mediateca e una sala cinema.

Le Palazzo Grenoble, siège de l’Institut français de Naples et du Centre de Recherche Jean Bérard accueille des artistes en dialogue avec la programmation des partenaires locaux (musées, festivals, galeries…). Construit en 1884 par l’architecte napolitain Lamont Young, le Palazzo Grenoble est de style néo-Renaissance. Il a été acheté par le gouvernement français en 1933 et est resté le centre des activités culturelles et universitaires liées à la France depuis. Il regroupe une médiathèque, un espace d'exposition et une salle de cinéma.

IT

JOHANNA ROEHRIG

Laureata alla Royal Academy of Music di Londra, la violinista tedesca Johanna Roehrig sta svolgendo un'intensa attività concertistica a livello internazionale. I momenti salienti degli ultimi anni includono impegni con orchestre come la Royal Philharmonic Orchestra di Londra, la Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz e la NDR di Hannover. Plurivincitrice di concorsi internazionali, è radicata nel panorama musicale europeo e realizza progetti di influenza classica e di genere trasversale di propria ideazione, sostenuti da Deu tsche Musikrat, GVL, e Yamaha. Johanna Roehrig suona un violino di Jacob Stainer del 1675, Absam, gentilmente prestato da un generoso sponsor at traverso la J&A Beare's International Violin Society.

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Diplômée de la Royal Academy of Music de Londres, la violoniste allemande Johanna Roehrig s'est produite dans de nombreux pays. Parmi les faits marquants de ces dernières années figurent des engagements avec des orchestres tels que le Royal Philharmonic Orchestra de Londres, la Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz et le NDR de Hanovre. Plusieurs fois lauréate de concours internationaux, elle est ancrée dans la scène musicale européenne et réalise des projets d'influence classique et transversaux de sa propre conception, soutenus par Deutsche Musikrat, GVL et Yamaha. Johanna Roehrig joue sur un violon de Jacob Stainer de 1675, Absam, aimablement prêté par un généreux sponsor par l'intermédiaire de l'International Violin Society de J&A Beare.

ROMAN KNIPPING-SOROKIN

IT

Roman Knipping-Sorokin è un artista visivo e ricercatore di media digitali con sede ad Ambur go. Ha studiato all'Università Zeppelin di Friedri chshafen e al Goldsmiths College dell'Università di Londra. Nel suo lavoro artistico e di ricerca si occupa di autenticità, formazione dell'opinione e potere dell'immagine in movimento. Ha co-fondato EYESONTHEWALL Ltd. - un'etichetta visiva incentrata sull'immagine della musica. Attraverso la sua etichetta, ormai riconosciuta a livello inter nazionale, Roman ha collaborato con numerose fondazioni e artisti di fama internazionale, tra cui la London Symphony Orchestra, Les Sœurs Labéque e Moby, e con festival come l'iTunes Festival, Hyte e Mysteryland.

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Roman Knipping-Sorokin est un artiste visuel et chercheur dans le domaine des médias numé riques, basé à Hambourg. Il a étudié à l'université Zeppelin de Friedrichshafen et au Goldsmiths College de l'université de Londres. Dans son travail artistique comme dans ses recherches, il traite de l'authenticité, de la formation de l'opi nion et du pouvoir de l'image en mouvement. Il a cofondé EYESONTHEWALL Ltd. - un label visuel axé sur l’image de la musique. A travers son label, maintenant reconnu sur la scène internationale, Roman a collaboré avec plusieurs fondations et artistes de renommée internationale, dont l'Orchestre symphonique de Londres, les Sœurs Labéque et Moby, et des festivals tels que l'iTunes Festival, Hyte et Mysteryland.

NINA ALVAREZ

IT Nina Alvarez (1995) si è laureata all'École Nationale Supérieure des arts décoratifs de Paris, nella sezione di scenografia, e contemporanea mente si è formata alla scuola di teatro La Volia. Ha lavorato come scenografa per lo spettacolo KoHtakt, andato in scena agli Amandiers di Nanterre, e per Tchekhov trois fois quatre, un laboratorio diretto da Alain Françon e Guillaume Lévêque con gli studenti del terzo anno del CNSAD.

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Diplômée de l'École Nationale Supérieure des arts décoratifs de Paris, section scénographie, Nina Alvarez (1995) suit parallèlement une forma tion au sein de l’école d’art dramatique La Volia. Elle a travaillé comme scénographe pour le spec tacle KoHtakt qui s’est joué à Nanterre Aman diers, ainsi que pour Tchekhov trois fois quatre, un atelier de travail dirigé par Alain Françon et Guillaume Lévêque avec les élèves de troisième année du CNSAD.

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AZILIZ BUSNEL

IT

Aziliz Busnel (1997) si è laureata all'IAE di Lille in Comunicazione e Cultura e, dopo aver svolto un servizio civile in India del Nord, ha deciso di iniziare a recitare. Nel 2019 è entrata nella scuola di teatro La Volia di Parigi. Ha recitato in diversi cortometraggi, tra cui Les Idiots di Jules Audry e nel lungometraggio Le Colibri di Ilyana Ambrosio e Anto Luka. Nel settembre 2021 si è unita al collettivo teatrale Fréquence 7 e ha iniziato un progetto di co-scrittura e regia con Nina Alvarez.

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Diplômée d'une Licence Communication Culture à l'IAE de Lille, et après avoir effectué un service civique en Inde du Nord, Aziliz Busnel (1997) décide de se lancer dans le théâtre. Elle intègre l'école d'art dramatique La Volia à Paris en 2019. Elle a joué dans plusieurs courts-métrages dont Les Idiots de Jules Audry et dans le longmétrage Le Colibri d'Ilyana Ambrosio et Anto Luka. Elle rejoint le collectif de théâtre Fréquence 7, en septembre 2021, et y démarre une co-écriture et mise en scène avec Nina Alvarez.

KULTURFACTORY

Kulturfactory è un luogo di residenza dedicato alle performing arts, alla sperimentazione, al multimedia, alla ricerca di nuove forme di creazione, produzione, riflessione. Nella missione Shocking art through art, che riprende quella del collettivo kulturscio’k, si riassume il senso di questo esperimento: riunire artisti diversi e provenienti da diversi paesi nell’emergenza di dare una spinta concreta alla pro duzione di nuove idee e sistemi di programmazione. Kulturfactory si trova nel Vallo di Lauro e affaccia sul Vesuvio che ha ispirato con la sua fragilità e onnipotenza alcuni degli artisti ospiti ed il team di kulturscio’k alla ideazione nel 2023/2024 di un happening performativo internazionale dedicato ai temi dell’ implosione / esplosione.

Kulturfactory est un lieu de résidence dédié aux arts de la scène, à l'expérimentation, au multimédia et à la recherche de nouvelles formes de création, de production et de réflexion. Sa mission Shocking art through art, qui fait écho à celui du collectif kulturscio'k, résume le sens de cette expérience : réunir divers artistes de différents pays dans l'urgence de donner une impulsion concrète à la production de nouvelles idées et de nouveaux systèmes de programmation.

Kulturfactory est situé dans le Vallo di Lauro et fait face au Vésuve, dont la précarité et l'omnipotence ont inspiré certains des artistes invités et l'équipe de kulturscio'k, pour concevoir une performance qui se déroulera en 2023/2024 et consacrée aux thèmes de l'implosion/explosion.

ANDRÉA JANKOVIC & OXANNA

BASSIOUK-BERTRAND

IT Andréa Jankovic e Oxanna Bassiouk-Bertrand lavorano insieme da tre anni. Producono video, installazioni sonore e visive e pubblicazioni, in particolare sotto forma di rivista. Hanno conse guito il Diploma Nazionale Superiore in Espressio ni Plastiche (DNSEP) col massimo dei voti e con lode alla Villa Arson nel 2022.

Andréa Jankovic (nata a Parigi nel 1998) è un'artista visiva e grafica. Il suo lavoro, orientato principalmente sul 3D e sulla realtà aumentata, si interroga sul tema dell'immagine femminile attra verso la riappropriazione di immagini stereotipa te. Utilizza i metodi per catturare l'attenzione - gli stessi utilizzati da Internet e più in particolare nel mondo della pubblicità - per creare un universo visivo riflessivo. Il lavoro che sviluppa passa anche attraverso la Serbia, da cui provengono i suoi genitori e con cui mantiene un forte lega me. Le sue immagini, a volte molto ironiche, si sviluppano attorno al concetto di icona femminile - l'icona che occupa un ruolo centrale nella cultura religiosa ortodossa.

Oxanna Bassiouk-Bertrand è nata a Montpellier nel 1998. Il suo lavoro si concentra quasi esclusivamente sulla scrittura. I suoi testi, in for ma semi-riflessiva, semi-teorica e semi-narrativa, affrontano il tema della femminilità, dello sguardo femminile del desiderio e dello sguardo sulla don na come oggetto del desiderio. L'autrice affronta anche il tema dell'Ucraina, di cui è originaria la madre, e dove vive parte della sua famiglia.

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Andréa Jankovic et Oxanna Bassiouk-Bertrand travaillent en collaboration depuis trois ans. Elles réalisent des vidéos, des installations sonores et visuelles et des éditions, notamment sous forme de magazine. Elles ont obtenu leur DNSEP avec les félicitations du jury à la Villa Arson en 2022.

Andréa Jankovic (née à Paris en 1998) est artiste visuelle et graphiste. Principalement orienté vers la 3D et le virtuel, son travail questionne le thème de l’image féminine à travers la réap propriation d’images stéréotypées. Elle utilise les méthodes de captation de l’attention utilisées sur Internet et plus particulièrement dans le monde de la publicité au profit d’un univers visuel réflexif. Le travail qu’elle développe touche également la Serbie, dont ses parents sont originaires, et avec laquelle elle conserve un lien fort. Ses images, parfois très ironiques, s'articulent autour du concept d’icône féminine - l’icône occupant une place centrale dans la culture religieuse ortho doxe.

Oxanna Bassiouk-Bertrand est née à Montpel lier en 1998. Sa pratique se développe presque exclusivement autour de l'écriture. Ses textes, sous une forme semi-réflexive, semi-théorique, semi-narrative, abordent le thème de la féminité, du regard désirant féminin et du regard porté sur les femmes comme objets de désir. Elle aborde également le sujet de l’Ukraine, dont sa mère est originaire, et où vit une partie de sa famille.

PAULINA BRUNNER

IT Paulina Brunner (1995, Mannheim). Non ha mai smesso di scrivere da quando ha imparato a farlo e qualche anno dopo, si è formata in danza classica e contemporanea. Poi, ha studiato book art in Germania e ha completato un semestre all'estero presso la Kunsthogskolen di Oslo. Il suo lavoro ha fatto parte di mostre e progetti in Europa e all'estero, tra cui mostre collettive a Oslo, Berlino, Francoforte e Tokyo. La sua pratica artistica è legata al testo e al movimento, al linguaggio e alla danza, ed è nutrita da pratiche quotidiane. Si concentra sull’incontro tra pensiero e sentimento, tra il movimento e l’espressione, e esplora questo incontro attraverso performance, testi, danza, libri e video.

FR

Paulina Brunner (1995, Mannheim). Elle n'a jamais cessé d'écrire depuis qu’elle a appris à le faire puis s’est formée quelques années plus tard en danse classique et contemporaine. Elle a ensuite étudié l'art du livre en Allemagne et a ef fectué un semestre à l'étranger à la Kunsthogskolen d'Oslo. Son travail a été exposé en Europe et à l'étranger, notamment à Oslo, Berlin, Francfort et Tokyo. Sa pratique artistique s'articule autour du texte et du mouvement, du langage et de la danse, et se nourrit de pratiques quotidiennes. Elle se concentre sur la rencontre de la pensée et du sentiment, du mouvement et de l'expression, et explore cette rencontre à travers la performance, le texte, la danse, les livres et la vidéo.

IT

ANNA MARTYNENKO

Anna Martynenko (1994, Ucraina) è una foto grafa con sede a Berlino. Si è laureata con un ma ster in fotografia presso la Burg Giebichenstein University of Art and Design di Halle, nel 2019, e ha anche studiato Tecniche audiovisive presso l'Università Maria Curie Skłodowska di Lublino nel 2015. Tra le mostre recenti selezionate figurano Identities, Galerie SLP, Berlino, 2022; Men, Spoiler Galerie, Berlino; Mirrors and Reflections, Galleria Millepiani, Rome. Anna Martynenko ha partecipato alla residenza tedesco-ucraina Re:Main sponsorizzata da Stiftung EVZ nel 2019 ed è stata selezionata per il programma di residenza Helikon Art nel 2022.

FR

Anna Martynenko (1994, Ukraine) est une photographe basée à Berlin. Elle est dîplomée d’une maîtrise en photographie à l'Université d'art et de design Burg Giebichenstein à Halle en 2019, et a également étudié les techniques audio visuelles à l'Université Maria Curie Skłodowska à Lublin en 2015. Parmi ses récentes expositions, citons Identities, Galerie SLP, Berlin, 2022 ; Men, Spoiler Galerie, Berlin ; Mirrors and Reflections, Millepiani Gallery, Rome. Elle a participé à la résidence germano-ukrainienne Re:Main parrai née par Stiftung EVZ en 2019 et a été sélection née pour le programme de résidence Helikon Art en 2022.

THOMAS MOPIN VIERS

LUKA PETIT

IT

Thomas Mopin Viers (1995) è un artista-desi gner che vive e lavora a Parigi dopo aver studiato architettura e design tra Parigi e Amsterdam. Nel 2018 ha fondato uno studio di ricerca e produzio ne, Niveau Zéro Atelier. Utilizzando gli strumenti dell'architettura, dell'arte e del design, lo studio sviluppa una pratica incentrata sull'indagine del territorio, degli usi e delle relazioni che vi si svol gono. Impostando un metodo di lavoro localizza to, mira a entrare in un ciclo creativo con i luoghi che lo ospitano. Da questo posizionamento nasce una pratica multi-scala, che va dall’aspetto speri mentale all'ultra-funzionale.

FR

Thomas Mopin Viers (1995) est un artistedesigner, il vit et travaille à Paris après avoir étu dié l'architecture et le design entre Paris et Ams terdam. En 2018, il fonde un studio de recherche et de production, Niveau Zéro Atelier. Grâce aux outils de l’architecture, de l’art et du design, l’atelier développe une pratique centrée sur un travail d’investigation du territoire ainsi que des usages et relations qui s’y déploient. En mettant en place une méthode de travail localisée, il s’agit de rentrer dans un cycle créatif avec les lieux qui l'accueillent. De ce positionnement découle une pratique multi-échelle, allant de l’expérimental à l’ultra-fonctionnel.

IT

Vivo a Bagnolet, ho 22 anni e sono cresciuto tra Francia e Inghilterra. Il mio interesse per la sperimentazione visiva nasce dalla realizzazione di video musicali e dalla ricerca sull'arte sperimen tale durante i miei studi alla Sorbonne Nouvelle. Mescolo projection mapping, visuals audio-reattivi e video, ma anche la fotografia ha un ruolo centrale. Il mio lavoro cerca di prendere in considerazione le "situazioni limite": crisi individuali o collettive che ci spingono ai limiti dell'ordinario e smascherano brutalmente l'assurdità di questo ordinario. Uso questa nozione spingendo i parametri digitali al loro limite, in modo che forme inaspettate e criptiche emergano dagli errori della macchina.

FR

J’habite à Bagnolet, j’ai 22 ans et j’ai grandi entre la France et l’Angleterre. Mon intérêt pour l'expéri mentation visuelle est né de la réalisation de clips musicaux et de recherches sur l'art expérimental pendant mes études à la Sorbonne Nouvelle. Je mélange « projection mapping », visuels audioréactifs et vidéo, mais la photographie occupe une également une place centrale. Mon travail tente de prendre en compte les « situations limites » : les crises individuelles ou collectives qui nous poussent aux limites de l'ordinaire, et démasquent brutale ment l'absurdité de cet ordinaire. J'utilise cette no tion en poussant les paramètres numériques à leur limite afin que des formes inattendues et cryptiques émergent des erreurs de la machine.

CASA DEGLI ARTISTI

Casa degli Artisti è un centro di residenza, produzione e fruizione che pone al centro della sua attività la ricerca e il lavoro degli artisti nell’ambi to delle arti visive, performative, sonore, applicate, della letteratura e del pensiero. Un luogo a vocazione interdisciplinare e internazionale, con uno sguardo aperto alla città, alla sfera pubblica e allo spazio urbano, per connettere l’arte e la società e mantenere la sua funzione di bene pubblico.

La Casa degli Artisti est un centre de résidence, de production et de réalisation qui se concentre sur la recherche et le travail des artistes dans les domaines des arts visuels, du spectacle, du son et des arts appliqués, de la littérature et de la pensée. Un lieu à vocation interdisciplinaire et internationale, avec un regard ouvert sur la ville, la sphère publique et l'espace urbain, pour relier l'art et la société et maintenir sa fonction de bien public.

MARTHA MARIA LE BARS

MATTHIEU HEMMER

IT

Martha Maria Le Bars (1994, Brest) vive e lavora a Parigi. Si è laureata all'ESSA Duperré e ai Beaux-Arts de Nantes. È residente presso lo studio Wonder/Fortin di Clichy. Crea un dialogo tra pittura, scultura e installazione e compone con il tempo, lo spazio, la luce e le parole. Elabora protocolli e dispositivi, li usa, li sposta per creare ambienti speculativi che permettono alla materia e al colore di dispiegar si in modo indipendente. Giocando con la lentezza, la dolcezza e la fragilità, secondo velocità diverse, il suo lavoro va contro il movimento della globa lizzazione e descrive un mondo in metamorfosi, a volte in estinzione. Da questa estinzione nascono di solito gli inizi di una nuova scoperta.

FR

Martha Maria Le Bars (1994, Brest) vit et tra vaille à Paris. Elle est diplômée de l’ ESSA Duperré et des Beaux-Arts de Nantes. Elle est résidente aux ateliers Wonder/Fortin à Clichy. Elle fait dialoguer la peinture, la sculpture et l’installation et compose avec le temps, l’espace, la lumière et les mots. Elle élabore des protocoles et dispositifs, les use, les dé place afin de provoquer des environnements spé culatifs qui permettent à la matière et la couleur de se déployer indépendamment. Jouant avec lenteur, douceur, et fragilité, selon différentes vitesses, son travail s’inscrit à contre-courant de la mondialisation et décrit un monde en mouvement, en métamor phose, en extinction parfois. De cette extinction naissent généralement les prémices d’une nouvelle découverte.

IT

Matthieu Hemmer è nato a Parigi nel 1993. Ha frequentato il campus ENS di Cachan durante il liceo scientifico prima di iscriversi alle Beaux Arts di Parigi. Durante gli studi si è occupato della progettazione di showroom, atelier e degli uffici del marchio Lemaire. Nel 2018 ha organizzato la sua prima mostra personale alla galleria Framboise e ha aperto uno spazio espositivo a Parigi con Cecil Serres. Nel 2019 si è trasferito in una piccola città nei Paesi della Loira, a Varades. Nell’autun no 2022 il suo lavoro è presentato al Mo.Co di Montpellier e alla chiesa Saint-Jean-de-Moustiers di Arles.

FR

Matthieu Hemmer est né en 1993 à Paris. Il fréquente le campus de l’ENS à Cachan durant son lycée scientifique avant de s’inscrire aux Beaux Arts de Paris. Il s’engage dans l’élaboration du design des showroom, atelier et bureau de la marque Lemaire en même temps que ses études. En 2018, il organise sa première exposition personnelle à la galerie Framboise et ouvre avec Cecil Serres un espace d’exposition à Paris. En 2019, il s’installe dans une petite ville des Pays de la Loire, à Varades. Son travail est présenté au Mo.Co de Montpellier et à l’église Saint-Jean-deMoustiers d’Arles à l'automne 2022.

LANDWORKS

Landworks è un'Associazione di Promozione Sociale che opera in siti dismessi e abbandonati sviluppan do progetti innovativi di sperimentazione e produzione artistica multidisciplinare con l’obiettivo di generare processi di valorizzazione permanente e impatti sociali e culturali positivi. Abbracciando le più svariate discipline creative e performative, LW sviluppa progetti di innovazione sociale e culturale: organizza workshop e laboratori sperimentali, residenze artistiche, di studio e ricerca, tirocini formativi, allestimenti museali, eventi culturali e ricreativi, conferenze, seminari, festival, attività di marketing culturale. Sceglie l’Argentiera, ex borgo minerario del Nord Sardegna, oggi in parte abbandonato e disuso, come base operativa, immenso campo sperimentale a cielo aperto, luogo dove condividere esperienze ed emozioni. La scommessa sul futuro dell’Argentiera nasce dalla volontà di lavorare con il patrimonio, riconquistando il possesso dei lasciti in dismissione e abbandono come opportunità, appunti sui quali è possibile riscrivere nuove storie e una nuova identità.

Landworks est une association de promotion sociale qui travaille dans des sites désaffectés et aban donnés en développant des projets innovants d'expérimentation et de production artistique multidisciplinaire dans le but de générer des processus de valorisation permanents et des impacts sociaux et culturels positifs. Embrassant un large éventail de disciplines créatives et performantes, Landworks organise des ateliers et des laboratoires expérimentaux, des résidences artistiques, d'étude et de recherche, des stages de formation, des installations muséales, des événements culturels et récréatifs, des conférences, des séminaires, des festivals et des activités de marketing culturel.

Elle choisit Argentiera, un ancien village minier du nord de la Sardaigne, aujourd'hui en partie aban donné et désaffecté, comme base d'opérations : un immense champ d'expérimentation à ciel ouvert, un lieu de partage d'expériences et d'émotions. Le pari sur l'avenir d'Argentiera naît du désir de travailler avec le patrimoine, en reprenant possession des héritages abandonnés et désaffectés pour en faire des oppor tunités, des notes sur lesquelles réécrire de nouvelles histoires et une nouvelle identité.

ANNA CAMBIER

IT Mi chiamo Anna Cambier, sono un'artista mul timediale franco-tedesca affascinata dalle diverse percezioni della realtà e dallo scorrere del tempo. Quest'anno ho terminato il mio corso di laurea in Arti Interdisciplinari presso la Zuyd Hogeschool di Maastricht, nei Paesi Bassi. Recentemente la mia pratica artistica si è spostata dalla creazione di di pinti multimediali alla trasformazione di questi in mondi 3D. Mi piace creare esperienze immersive e realtà ludiche in cui le persone possano entrare e interagire. "Trasformazione" è un termine molto importante per me, in quanto sono affascinata dal confondere il confine tra i mezzi, i soggetti, gli oggetti, il familiare e l'assurdo.

FR Je m'appelle Anna Cambier, je suis une artiste multimédia franco-allemande fascinée par les différentes perceptions de la réalité et le temps qui passe. Cette année, j'ai terminé ma licence en arts interdisciplinaires à la Zuyd Hogeschool de Maastricht, aux Pays-Bas. Récemment, ma pratique artistique est passée de la création de peintures multimédia à la transformation de celles-ci en mondes 3D. J'aime créer des expé riences immersives et des réalités ludiques dans lesquelles les gens peuvent entrer et interagir. La "transformation" est un terme très important pour moi, car je suis fascinée par l'effacement de la frontière entre les supports, les sujets, les objets, le familier et l'absurde.

IT

LUCILE MARSAUX

Nata a Tolosa nel 1994, Lucile Marsaux vive e lavora a Rennes. Dopo aver conseguito il DNSEP (Diploma Nazionale Superiore di Espressione Plastica) presso la Scuola di Belle Arti di Ren nes, con specializzazione in design, ha deciso di perseguire un'esplorazione sensibile dell'oggetto. L’oggetto si impone nella sua pratica artistica in quanto collante tra le persone. Riutilizzando oggetti di recupero, archetipi e abilità artigianali, esplora gli indicatori che legano ciascuno di noi al tempo presente. Allontanandosi dalla questione funzionale, va alla ricerca del valore mnemonico e relazionale della loro presenza accanto agli esseri umani.

FR

Née à Toulouse en 1994, Lucile Marsaux vit et travaille à Rennes. Après un DNSEP aux Beaux-Arts de Rennes option design, elle décide de poursuivre une exploration sensible de l’objet. C’est en sa qualité de lien entre les personnes que celui-ci s’impose dans sa pratique artistique. En réinvestissant des objets de récupération, des archétypes et des savoirs faire artisanaux, elle explore les marqueurs qui ancrent chacun de nous dans le temps humain. S’éloignant de la question fonctionnelle, elle part en quête de la valeur mnésique et relationnelle de leur présence aux côtés des humains.

MAXIMILIAN SCHATZ

IT

Nella sua ricerca, il designer Maximilian Schatz (1995) lavora all'esplorazione di nuovi sistemi di materiali e alla rivelazione del potenzia le innovativo di processi produttivi consolidati. Mette costantemente in discussione i sistemi e le limitazioni esistenti, creando così una nuova struttura per i suoi progetti e le sue idee. I suoi concetti innovativi fondono colori, consistenze, materiali e tracce della loro lavorazione in oggetti tangibili. Dopo la laurea alla Bauhaus-Universität di Weimar nel 2020, il suo lavoro è stato esposto al Supersalone di Milano e alla Berlin Design Week. Durante la sua residenza all'Argentiera, in Sardegna, nell'ottobre 2022, ha realizzato una struttura modulare che trasforma i resti di un vecchio muro in un invitante spazio pubblico con vista sul mare e sulla città.

FR

Dans ses recherches, le designer Maximilian Schatz (1995) s'attache à explorer de nouveaux systèmes de matériaux et à révéler le potentiel d'innovation des processus de production établis. Il remet constamment en question les systèmes et les limites existants, créant ainsi une nouvelle structure pour ses conceptions et ses idées. Ses concepts innovants fusionnent les couleurs, les textures, les matériaux et les traces de leur transformation en objets tangibles. Diplômé du Bauhaus-Universität Weimar en 2020, son travail a été exposé à la Supersalone de Milan et à la Berlin Design Week. Lors de sa résidence à Ar gentiera, en Sardaigne, en octobre 2022, il a créé une structure modulaire qui transforme les restes d'un ancien mur en un espace public accueillant avec une vue sur la mer et la ville.

FONDAZIONE BEVILACQUA LA MASA

La Fondazione Bevilacqua La Masa, istituzione pubblica legata al Comune di Venezia, da oltre un secolo, promuove e sostiene il lavoro degli artisti. Fondata da Felicita Bevilacqua La Masa nel 1898 per fornire uno spazio per i giovani artisti, la Fondazione sta ora sviluppan do la propria missione producendo numerose mostre in vari luoghi della città per sostenere nuovi artisti e per valorizzare la collezione, che si arricchisce ogni anno di numerose acquisizioni.

La Fondation Bevilacqua La Masa, une institution publique liée à la municipalité de Venise, pro meut et soutient le travail des artistes depuis plus d'un siècle. Fondée par Felicita Bevilacqua La Masa en 1898 pour offrir un espace aux jeunes artistes, la Fondation développe aujourd'hui sa mission en produisant de nombreuses expositions dans différents lieux de la ville afin de soutenir les nouveaux artistes et de valoriser la collection, qui s'enrichit chaque année de nombreuses acquisitions.

CAMILLE LE MEUR

JONATHAN SOBEL

IT

Camille Le Meur (1997, Nogent sur Marne) è diplomata al KASK di Gand (2021) e all'ENSBA di Lione (2019). È stata selezionata per l'Art Contest nel 2021 e vincitrice del premio Horlait-Dapsens nel 2021. Come scultrice, estrae forme, elementi e frammenti architettonici, con cui disegna spazi per accogliere sembianze di mobili. Utilizzando materiali poveri, oggetti ed elementi a nostra disposizione, lavora alla ricerca di consistenze e materiali. Così, esplora e sperimenta l'ambivalen za dei materiali e delle loro forme. Crea ambiguità sullo status, la funzione e l'esistenza di ciascuno di questi pezzi per mettere in discussione lo stato della composizione e l'economia visiva e materia le del nostro ambiente.

FR

Camille Le Meur (1997, Nogent-sur-Marne) est diplômée de la KASK à Gand (2021) et de l’ENSBA Lyon (2019). Elle a été sélectionnée pour Art Contest en 2021, et lauréate du prix Horlait Dapsens en 2021. Sculptrice, elle extrait des formes, éléments et fragments architecturaux, avec lesquels elle vient dessiner des espaces pour accueillir des semblants de mobiliers. En utilisant des matériaux pauvres, des objets et des éléments qui sont à notre disposition, elle travaille à une recherche de textures et de matières. Ainsi, elle explore et expérimente l’ambivalence des ma tériaux et de leurs formes. Elle crée une ambiguïté sur le statut, la fonction et l’existence de chacune de ces pièces dans le but de questionner l’état de la composition et de l’économie visuelle et maté rielle de notre environnement.

IT

Nella prima fase dell’apprendimento possono manifestarsi alcuni disturbi di dislessia.

Quella di Jonathan Sobel, che si è rivelata invalidante, per lui è stata anche benefica: da bambino non ha mai smesso di usare la matita, principale strumento di espressione dell’artista che è diventato. Dopo il diploma ottenuto nel 2021 all’Accademia delle Belle Arti di Parigi, il suo lavoro si concentrano sulle parole o sulla loro assenza. L’engramma, questa parola-immagine, per l’artista risuona: è la traccia cerebrale di un’espe rienza passata che può essere fatta rivivere.

Da un sistema quadrato a una generazione aleatoria, queste connessioni di parole e immagini tendono a essere frammentate e armonizzate allo stesso tempo, per cercare sempre di sbloccare caselle e collegamenti nuovi.

FR

Lors des premiers apprentissages, certains troubles dyslexiques peuvent se manifester. Parce qu’elle s’est avérée bloquante, la dyslexie de Jonathan Sobel lui a conjointement été bénéfique : l’enfant n’a jamais posé son crayon, principal outil d’expression de l’artiste qu’il est aujourd’hui. Diplômé en 2021 des Beaux-Arts de Paris, son travail porte autour des mots ou de leur absence. L’engramme, cette image-mot, résonne chez l’artiste : il est la trace cérébrale d’une expé rience passée susceptible de reviviscence.

D’une trame protocolaire à une génération aléatoire, ces connexions d’images-mots tendent à la fois à se fractionner et à s’harmoniser pour toujours essayer de débloquer de nouvelles cases et liaisons.

VILLA LENA

Villa Lena è un agriturismo nel cuore della Toscana rurale, che offre alloggi per vacanze, un ristorante tradizionale e una fondazione artistica senza scopo di lucro. La tenuta si trova in provincia di Pisa, nel cuore di 500 ettari di boschi, vigneti, oliveti e orti. La Fondazione ha l’obiettivo di sostenere gli artisti contemporanei internazionali che lavorano nell'arte, nella musica, nel cinema, nella letteratura, nella moda e in altre discipline creative, promuovendo occasioni di dialogo multidisciplinare.

La Villa Lena est un site d’agritourisme situé au coeur de la Toscane rurale, constitué d’un hébergement de vacances, d’un restaurant traditionnel et d’une fondation artistique à but non lucratif. Le domaine est situé dans la province de Pise, au cœur d’un terrain de 500 hectares de bois, de vignobles, d'oliveraies et de jardins potagers. La fondation a pour vocation de soutenir les artistes contemporains internationaux travaillant dans les domaines de l'art, de la musique, du cinéma, de la littérature, de la mode et d'autres disciplines créatives, et de favoriser les possibili tés de dialogue pluridisciplinaire.

LUCIE PLUMET

IT

Lucie Plumet (1992) si è diplomata all'INSAS in montaggio e a La Fémis in regia. I suoi cortome traggi "DAMIEN DÉCEMBRE" e "La jeune fille et ses tocs" sono stati selezionati in festival interna zionali come il Festival Internazionale del Film di Rotterdam o il Festival di Locarno. Sostenuta dalla residenza Créations en Cours presso gli Ateliers Médicis, dal 2020 sta girando un documentario su una scuola elementare di Dohem, un villaggio nel nord della Francia. È anche vincitrice della borsa di studio FoRTE della Regione Île-de-France per il suo documentario "Grand Paris, Retour à Cachan". Il suo ultimo cortometraggio "DONOVAN S'ÉVADE" con Yoann Zimmer e Aurélia Petit è stato presen tato al festival Côté-Court e sarà presto trasmesso su Arte.

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Lucie Plumet (1992) est diplômée de l’INSAS en montage et de La Fémis en réalisation. Ses courts métrages, « DAMIEN DÉCEMBRE » et « La jeune fille et ses tocs » sont sélectionnés dans des festivals internationaux comme l’International Film Festival de Rotterdam ou le festival de Locarno. Soutenue par la résidence Créations en Cours des Ateliers Médicis, elle tourne depuis 2020 un documentaire sur une école primaire à Dohem, un village du nord de la France. Elle est également lauréate de la bourse FoRTE de la Région Île-deFrance pour son documentaire « Grand Paris, Retour à Cachan ». Son dernier court-métrage «DONOVAN S'ÉVADE » avec Yoann Zimmer et Aurélia Petit a été présenté au festival Côté-Court, et sera bientôt diffusé sur Arte.

FONDAZIONE PISTOLETTO CITTADELLARTE

I programmi di residenza della Fondazione Pistoletto Cittadellarte / UNIDEE puntano a fornire strumenti agli "artivatori" - ossia ai creatori che lavorano tra pratiche artistiche, processi di cambiamento sociale e collaborazioni con comunità esterne al mondo dell'arte – mettendo insieme momenti di ricerca interdisciplinare, scambio di conoscenze e attività pratiche. L'obiettivo del programma è quello di dare ai partecipanti l'opportunità di attivare, sviluppare o rafforzare iniziative artistiche collegate alle ecologie locali. La residenza è aperta ad artisti e curatori interessati ad esplorare i temi su cui Cittadellarte lavora da sempre: responsabilità sociale, trasformazione urbana, processi artistici partecipativi, demoprassi, modelli alternativi di sviluppo economico locale, sostenibilità nell'industria della moda e delle costruzioni. La residenza offre uno spazio per progettare e sviluppare la ricerca sul rapporto tra arte e sfera pubblica e rappresenta un punto di riferimento per lo scambio di conoscenze teoriche e pratiche per una comunità globale di agenti sociali attivi nei loro contesti locali.

Les programmes de résidence de la Fonda zione Pistoletto Cittadellarte / UNIDEE visent à fournir des instruments aux "artivateurs" - c'està-dire les créateurs qui travaillent à la frontière entre les pratiques artistiques, les processus de changement social et les collaborations avec des communautés extérieures au monde de l'art -, en combinant des moments de recherche interdiscipli naire, d'échange de connaissances et d'activités pratiques. L'objectif du programme est d'ouvrir aux participants la possibilité d'activer, développer ou renforcer des initiatives artistiques en lien avec les écologies locales.

La résidence est ouverte aux artistes et aux conservateurs intéressés par l'exploration des thèmes sur lesquels Cittadellarte a toujours travaillé : responsabilité sociale, transformation urbaine, proces sus artistiques participatifs, démopraxie, modèles alternatifs de développement économique local, durabilité dans les industries de la mode et de la construction. La résidence offre un espace où planifier et développer des recherches sur la relation entre l'art et la sphère publique, et représente un point de référence pour l'échange de connaissances théoriques et pratiques pour une communauté glo bale d'agents sociaux actifs dans leurs contextes locaux.

IT

JULIETTE ALHMAH

Juliette Alhmah (1994) ha compiuto studi umanistici prima di iscriversi al Master di Fotogra fia dell’École nationale supérieure Louis-Lumière, in cui si è laureata nel 2019. Nel 2018 ha parteci pato a uno scambio con l’Accademia libanese di Belle Arti di Beirut, ed è lì che le questioni sullo sguardo, sull’intimità e sull’effimero sono diventa te essenziali nel suo lavoro.

Il suo approccio alla fotografia le permette di esplorare il confine tra realtà e fantasia, tra norma e margine. Il lavoro di Juliette è transdisciplinare, la fotografia dialoga con la scrittura, il suono e gli oggetti.

FR

Juliette Alhmah (1994) étudie d’abord les sciences humaines avant d'intégrer le Master Photographie de l’École nationale supérieure Louis-Lumière, dont elle est diplômée depuis 2019. En 2018, elle effectue un échange avec l’Académie Libanaise des Beaux-Arts de Beyrouth, où les problématiques du regard, de l'intime et de l’éphémère deviennent essentielles dans son travail.

Son approche photographique lui permet d’explorer la frontière entre la réalité et le fan tasme, la norme et la marge. Elle développe une pratique transdisciplinaire où la photographie dialogue avec l’écriture, le son et les objets.

ANDRÉA SPARTÀ

IT Nato nel 1996, Andréa Spartà vive e lavora tra Parigi e Digione. Ha studiato musica speri mentale e concreta al Conservatorio Regionale di Chalon sur Saône e arte all'École Nationale des Beaux-Arts di Digione. Ha mostrato il suo lavoro in luoghi come la Kunsthalle di Berna, la Cité Internationale des Arts di Parigi e il Musée des Beaux-Arts di Dole. Le sue creazioni, principal mente sculture, richiamano cose che ci circonda no, immagini comuni a tutti, oggetti della società, che lui singolarizza, dando a vedere un “essere qui”, uno spostamento dell'oggetto al soggetto.

FR

Né en 1996, Andréa Spartà vit et travaille entre Paris et Dijon. Il a étudié la musique expé rimentale et concrète au Conservatoire Régional de Chalon sur Saône et les arts visuels à l'École Nationale des Beaux-Arts de Dijon. Il a exposé dans des lieux tels que la Kunsthalle de Berne, la Cité Internationale des Arts de Paris ou le Musée des Beaux-Arts de Dole. Son travail, principale ment sculptural, convoque des choses qui nous entourent, des images communes à tous, des objets de société, qu’il singularise, donnant à voir un être-là, un déplacement de l’objet au sujet.

ACCADEMIA MEDITERRANEA DELL'ATTORE

L'Accademia Mediterranea dell'Attore è stata creata nel 2016. Il progetto nasce dal desiderio di offrire nuove opportunità di formazione e promozione della cultura dello spettacolo dal vivo alle giovani generazioni.

PHYSALIS

IT

Camille Cimper (1997), con il nome d'autore Physalis, si è laureata nel 2022 con un Master in ricerca sul fumetto presso l'Università di Poitiers e l'École Supérieure Européenne de l'Image, ad Angoulême.

È specializzata nella pratica del disegno dal vivo e sta lavorando a una tesi sull'argomento, interrogandosi sul posto del gesto disegnato all'interno della performance dal vivo. Il suo inte resse per l'idea di mescolare disegno e musica sul palcoscenico l'ha portata a creare il suo spettacolo: Pink Leaves, in collaborazione con The Quiet Screamers, una “garage band” rock di Parigi.

L'Accademia Mediterranea dell'Attore a été créée en 2016. Le projet est né du désir d'offrir aux jeunes générations de nouvelles opportunités de formation et de promotion de la culture du spectacle vivant.

FR

Camille Cimper (1997), sous son nom d’au trice Physalis, est fraîchement diplômée d’un Master recherche en bande dessinée obtenu en 2022 à l’Université de Poitiers et à l’École Supé rieure Européenne de l’Image, à Angoulême. Elle se spécialise dans la pratique du dessin en direct et élabore un mémoire sur le sujet, questionnant la place du geste dessiné au sein du spectacle vivant. Son intérêt pour ce concept mêlant dessin et musique sur scène la pousse à créer son propre spectacle : Pink Leaves, en collaboration avec The Quiet Screamers, groupe garage rock basé à Paris.

CROSS

CROSS è un progetto dell'Associazione LIS LAB Performing Arts nato nel 2014 e dedicato alla valorizzazione del territorio. Situato tra le sponde del Lago Maggiore e del Lago d'Orta, in Piemonte, il progetto CROSS apre un dialogo fertile tra patrimonio culturale, paesaggio e arti performative. L'associazione valorizza il territorio attraverso l'utilizzo di molti spazi urbani, come il Teatro Il Maggiore, la Casa Elide Ceretti, Villa Giulia, ma anche case private, condomini, strade, piazze e quartieri, spazi naturali, laghi, montagne e giardini storici. L'obiettivo del progetto è quello di riunire diverse attività di produzione, formazione e promozione al fine di valorizzare i linguaggi della performance contemporanea, promuovendo al contempo l'interdi sciplinarità.

CROSS est un projet de l'Association LIS LAB Performing Arts née en 2014 et dédiée à la valorisation du territoire. Enraciné entre les rives du lac Majeur et du lac d'Orta, dans le Piémont, le projet CROSS ouvre un dialogue fertile entre patrimoine culturel, paysage et arts du spectacle. L’association valorise le territoire à travers l'utilisation de nombreux espaces urbains, tels que le Teatro Il Maggiore, la Casa Elide Ceretti, la Villa Giulia, mais aussi des maisons privées, des immeubles, des rues, des places et des quartiers, des espaces naturels, des lacs, des montagnes et des jardins historiques. L'objectif du projet est de réunir différentes activités de production, de formation et de promotion afin de valoriser les langages de la performance contemporaine, tout en favorisant l'interdisciplinarité.

MATHIS BERCHERY

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ANGÈLE MANUALI

IT

Il collettivo Uklukk è stato creato nel 2015 da Angèle Manuali (1992), video performer, e Mathis Berchery (1993), artista visivo e autore, entrambi insegnanti di yoga. Riuniti dall'antropologia, dalle narrazioni orali e dalla fabbricazione della conoscenza, creano performance collettive e installazioni immersive, forme innovative di indirizzo e interazione. Sono stati presentati al CAC La Criée (Rennes), al Kunstverein (Kiel, Germania), al Festi val Provence Art Contemporain. Nel 2020-2021 sono sostenuti dall'OFAJ, dal DRAC Bretagne, dall'Ocean Summit per il loro progetto interna zionale L'eau d'ici. Nel 2020, diventano Uklukk - Maison de Recherche, dove confluiscono i loro progetti e le loro collaborazioni transdisciplinari, tra cui gli eventi di poesia e performance IN-OUIE, la radio Uklukk "Faire société". Nel 2021 avviano il progetto COMICO, un soggiorno di incontro e di ricerca nell'arte e co-dirigono una residenza espo sitiva presso i laboratori Buropolis di Marsiglia.

FR

Le collectif Uklukk est créé en 2015 par Angèle Manuali (1992), performeuse vidéaste, et Mathis Berchery (1993), plasticien et auteur, tous deux professeurs de yoga. Réuni.e.s autour de l’anthropologie, les récits oraux et la fabrication des savoirs, ils créent des performances collectives et des installations immersives, formes innovantes d'adresse et d'interaction. Elles ont été présentées au CAC La Criée (Rennes), à la Kunstverein (Kiel, All), au Festival Provence Art Contemporain. En 2020-2021, ils sont soutenus par l'OFAJ, la DRAC Bretagne, l'Ocean Summit pour leur projet international L'eau d'ici. En 2020, ils deviennent Uklukk - Maison de Recherche, où sont réunis leurs projets et collaborations transdisciplinaires, dont les événements IN-OUIE poésie et performance, la Radio Uklukk « Faire société ». En 2021 ils initient le projet COMICO séjour de rencontre et recherche en art et co-di rigent une résidence d'exposition aux ateliers Buropolis à Marseille.

EMMA PINOTEAU

ITEmma Pinoteau (1993) è un'artista visiva, performer e cantante che vive a Poitiers. Dopo aver studiato arti sceniche, si è iscritta all'École Européenne Supérieure de l'Image de Poitiers (EESI) e ha fondato con altri cinque studenti il collettivo di artisti Brasier. Ha collaborato con la Cie du Théâtre dans la Forêt per la creazione dei progetti Balades Martiennes e Radiorama. Con Axel Amiaud forma il duo Guerrières e sviluppa una pratica musicale e performativa. Concentra la sua ricerca sul tatuaggio occidentale contem poraneo e sviluppa una serie di performance che mescolano la creazione di suoni, il canto, la lettura e la linea di sangue (tecnica di tatuaggio senza inchiostro).

FR Emma Pinoteau (1993) est une artiste plasticienne, performeuse et chanteuse vivant à Poitiers. Après des études d’Arts du spectacle, elle intègre l’École Européenne Supérieure de l’Image de Poitiers (EESI) et fonde avec cinq autres étudiants le collectif d’artistes Brasier. Elle collabore avec la Cie du Théâtre dans la Forêt pour la création des projets Balades Martiennes et Radiorama. Avec Axel Amiaud, ils forment le duo Guerrières et développent une pratique mu sicale et performative. Elle oriente sa recherche sur le tatouage occidental contemporain et développe une série de performances mêlant création sonore, chant, lecture et bloodline (technique de tatouage sans encre).

FLORIAN DELLA CORTIGLIA

IT

Florian della Cortiglia (1996) è un giovane artista laureato alla scuola d'arte di Parigi - Cergy. Propone i frammenti di un'ideo-ecologia con temporanea, presentando i frutti delle frizioni tra ambienti urbani e rurali, concentrandosi sui temi dell'appropriazione territoriale spontanea, della commensalità, dell’adattabilità e della ferocia.

Ipotizza un nuovo sistema di credenze visive attraverso le finzioni, in cui specula sui probabili stili di vita futuri, radicati nella bio-mimetica e nello sviluppo intuitivo.

FR

Florian della Cortiglia (1996), jeune artiste récemment diplômé de l’école d’ art de ParisCergy propose les fragments d'une idéo-écologie contemporaine, présentant les fruits des frictions entre les environnements urbains et ruraux en se concentrant sur les thèmes de l'appropriation territoriale spontanée, de la commensalité, de l'adaptabilité et de la sauvagerie.

Il émet l'hypothèse d'un nouveau système de croyances visuelles par le biais de fictions, dans lesquelles il spécule sur des modes de vie futurs probables, ancrés dans le bio-mimétisme et le développement intuitif.

CORTE OSPITALE

Corte Ospitale è uno spazio aperto e abitato che vuole essere generatore di processi creativi e culturali, sia per gli artisti che produce e che ospita in residenza, sia per il territorio e le comunità locali. Per gli artisti, la Corte Ospitale è un luogo protetto, una casa-fabbrica creativa e libera dove creare, sperimentare e dialogare. Con una particolare attenzione alla drammaturgia contemporanea e ai nuovi linguaggi scenici, questa istituzione è un punto di riferimento per le giovani compa gnie, che vengono accompagnate e sostenute nel loro processo creativo.

La Corte Ospitale est un espace ouvert et habité qui se veut générateur de processus créatifs et cultu rels, tant pour les artistes qu'elle produit et accueille en résidence que pour le territoire et les communau tés locales. Pour les artistes, la Corte Ospitale est un lieu protégé, une maison-usine créative et libre où ils peuvent créer, expérimenter et échanger. Avec un attachement particulier à la dramaturgie contemporaine et aux nouveaux langages de la scène, l’institution est un point de référence pour les jeunes compa gnies, qui sont accompagnées et soutenues dans leur processus de création.

TEDDY BOGAERT

&

JESSIE CHAPUIS

IT

Teddy Bogaert è attore e regista, formatosi alla Comédie de Valence e poi all'Ecole Supérieure d'Art Dramatique de Paris. Ha lavorato con Chri stophe Honoré, Vincent Ecrepont, Gwénaël Morin, Floriane Comméléran e Nathalie Béasse. Attratto dal teatro di movimento e dai testi contemporanei, è membro del Collectif du Prélude, che punta a mettere in scena negli spazi pubblici. Inoltre, Teddy insegna pratica teatrale ai ragazzi nelle scuole con il Théâtre de la Bastille e la Comédie de Valence. Nel 2018 ha co-creato la Compagnie du Coup Monté, che ha realizzato all'attivo tre spettacoli: Madame Shakespeare, oltre a La Folle Allure (tratto dal romanzo di Bobin) e SIAMO, Histoires de fugues.

FR

Teddy Bogaert est acteur et metteur en scène, formé à la Comédie de Valence, puis à l'Ecole Supérieure d'Art Dramatique de Paris. Il travaille notamment avec Christophe Honoré, Vincent Ecrepont, Gwénaël Morin, Floriane Comméléran et Nathalie Béasse. Attiré par le théâtre de mouve ment et les textes contemporains, il est membre du Collectif du Prélude, qui crée en espace public. Teddy enseigne aussi la pratique théâtrale auprès des scolaires avec le Théâtre de la Bastille et la Comédie de Valence. En 2018 il co-crée la Compa gnie du Coup Monté, qui compte trois spectacles à son actif : Madame Shakespeare, ainsi que La Folle Allure (d'après le roman de Bobin) et SIAMO, Histoires de fugues. Durant sa résidence à la Corte Ospitale, il a travaillé avec Jessie Chapuis.

PALAZZO BUTERA

Dopo il restauro, Palazzo Butera è stato trasformato in un laboratorio aperto alla città, che utilizza la storia, la cultura, la scienza e l'arte come catalizzatori dello sviluppo sociale. Il palazzo comprende un bookshop, spazi espositivi, installazioni appositamente create da Anne e Patrick Poirier e opere di David Tremlett. La collezione di Francesca e Massimo Valsecchi comprende quadri antichi, oggetti d'arte, mobili inglesi disegnati da grandi architetti, acquerelli di artisti itineranti e opere contemporanee. Artisti e curatori sono i benvenuti in residenza.

Après sa restauration, le Palazzo Butera a été transformé en un laboratoire ouvert sur la ville, utilisant l'histoire, la culture, la science et l'art comme catalyseurs du développement social. Le palais réunit une librairie, des espaces d'exposition, des installations réalisées spécialement par Anne et Patrick Poirier, ainsi que des interventions de David Tremlett. La collection de Francesca et Massimo Valsecchi comprend des tableaux anciens, des objets d’art, des meubles anglais conçus par de grands architectes, des aquarelles d'artistes voyageurs et des œuvres contem poraines. Des artistes et curators y sont accueillis en résidence.

ALINA RÖBKE

EMMA THOLOT

IT

Alina Röbke (1994) si è laureata alla Kunsthochschule Mainz. Nelle sue opere basate sulla ricerca, utilizza carta, tessuto ed emulsioni sensibili alla luce per mettere in relazione in modo performativo i materiali con il suo corpo. Dal 2019 lavora nel duo di artisti /POKY su formati ibridi interdisciplinari e si interroga sull'arte contem poranea come fenomeno sociale, collettivo, architettonico, scultoreo e performativo. I suoi recenti lavori sono stati esposti, tra l'altro, presso la Künstlerhaus Bethanien (2022, Berlino), Simul tanprojekte (2022, Colonia), Kunsthalle Mainz (2021), WIRWIR (Berlino, 2021) e Babour Gallery (2019, Gerusalemme).

FR Alina Röbke (1994) est diplômée de la Kunsthochschule Mainz. Dans ses travaux de recherche, elle utilise du papier, du tissu et des émulsions photosensibles pour établir un lien performatif entre les matériaux et son corps. De puis 2019, elle travaille au sein du duo d'artistes /POKY sur des formats hybrides interdiscipli naires et interroge l'art contemporain en tant que phénomène social, collectif, architectural, sculptural et performatif. Ses œuvres récentes ont été exposées, entre autres, au Künstlerhaus Bethanien (2022, Berlin), Simultanprojekte (2022, Cologne), Kunsthalle Mainz (2021), WIRWIR (Ber lin, 2021) et Babour Gallery (2019, Jérusalem).

IT

Emma Tholot si è diplomata alle Arts Décoratifs di Parigi e alle Belle Arti di Roma. Il suo lavoro parte da situazioni documentarie, che mette a confronto con l’universo dei miti, dei racconti e delle leggende. Il suo lavoro è strettamente legato al Mediterraneo e alle sue terre, nelle quali cerca di creare le “utopie concrete”, che ospiterebbero l’immaginario. Emma inserisce nel presente figure familiari e talvolta arcaiche per interrogarsi sul valore che hanno oggi; ne deriva una ricerca su come si mantengono vivi i riti e le storie della comunità, i cibi, gli abiti, le credenze e i desideri che legano tra loro gli esseri viventi. Video, fotografia, installazio ne, cucito, collage, arte culinaria, sono tutti mezzi che le permettono di dare forma a un ideale.

FR

Emma Tholot est diplômée des Arts Décoratifs de Paris et des Beaux-Arts de Rome. Son travail se construit à partir de situations documentaires, qu’elle confronte à l’univers des mythes, des contes et des légendes. Celui-ci est intimement lié à la Méditerranée et à ses terres, sur lesquelles elle cherche à créer des « utopies concrètes », qui hébergeraient l’imaginaire. Elle injecte alors au pré sent des figures familières et parfois archaïques afin d’en questionner l’actualité ; émerge alors une do cumentation sur la façon dont on maintient éveillés les rites communautaires et les histoires, nourri tures, tenues, croyances et désirs, qui soudent les êtres vivants entre eux. La vidéo, la photographie, l’installation, la couture, le collage, l’art culinaire, sont autant de médiums qui lui permettent de mettre en forme un idéal.

ARTINVITA

Artinvita - Festival Internazionale degli Abruzzi nasce nel 2018 dalla collaborazione tra l'associazione Abruzzo Insensi e il Theatre de Léthé di Parigi - Collectif 2 plus diretto da Amahì Camilla Saraceni. L'obiettivo è avvicinare l'arte alla vita, creare ponti tra le culture, in un rapporto diretto con un pubblico nuovo e un territorio che ha bisogno dell'intervento dell'arte e dell'innovazione per riflettere sul presente e costruire prospettive di sviluppo sostenibile in linea con le esigenze dell’oggi.

Artinvita - Festival Internazionale degli Abruzzi est né en 2018 de la collaboration entre l'associa tion Abruzzo Insensi et du Théâtre de Léthé à Paris - Collectif 2 plus dirigé par Amahì Camilla Saraceni. L'objectif est de rapprocher l'art de la vie, de créer des ponts entre les cultures, dans une relation directe avec un nouveau public et un territoire qui a besoin de l'intervention de l'art et de l’innovation pour réfléchir sur le présent et construire des pers pectives de développement durable en accord avec les besoins contemporains.

FR

BAPTISTE ANNE

IT

Baptiste Anne (1997) si è diplomato all'Ecole Européenne Supérieure d'Art de Bretagne. Esplo ratore e osservatore dei fenomeni della foresta, è particolarmente legato agli alberi. Progetta dispositivi ricchi e variegati tra sperimentazioni condotte nella foresta, performance, video, dise gni, scritti, che esaminano il suo rapporto fisico e sensibile con l'albero e con i modi in cui viene trattato. Contemplativo, capace di dialogare con le piante, Baptiste ha anche condotto ricerche documentarie nel campo della scienza ma anche della letteratura e della poesia per arricchire ed estendere le sue esperienze con generosità, umo rismo e sensibilità.

Baptiste Anne (1997) est diplômé de l’Ecole Européenne Supérieure d’Art de Bretagne. Scruta teur et observateur de phénomènes repérés dans la forêt, il est particulièrement attaché aux arbres. Il conçoit des dispositifs riches et variés entre expé riences menées en situation dans la forêt, performances, vidéos, dessins, écritures, témoignant tous singulièrement de ses interrogations quant à la vie et à la croissance du végétal, du rapport physique et sensible à l’arbre, de son inquiétude quant aux conditions qui lui sont accordées. Contemplatif, apte à dialoguer avec les plantes, Baptiste a par ailleurs mené des recherches documentaires dans le domaine de la science mais également du côté de la littérature et de la poésie pour enrichir et prolonger ses expériences avec générosité, humour et sensibilité.

BASE Milano è un progetto di innovazione e contaminazione culturale, nel cuore di Zona Tortona, a Milano. Con i suoi 12.000 m2, oltre 200 artisti in residenza, più di 400 eventi e 500.000 visita tori all'anno, BASE è un hub creativo di portata internazionale e un centro di ricerca, sperimentazione, produzione e coproduzione di iniziative culturali dall’alto valore sociale.

BASE Milano est un projet d'innovation et de contamination culturelle, au coeur de la Zona Torto na, à Milan. Avec ses 12 000 m2, plus de 200 créateurs accueillis en résidence, plus de 400 événe ments et 500 000 visiteurs par an, BASE est un pôle créatif d'envergure internationale et un centre de recherche, d'expérimentation, de production et de coproduction d'initiatives culturelles à haute valeur sociale.

ALBAN MAGD & ELISABETH VERRAT

IT

Élisabeth Verrat, artista-fotografa (1996, Nice), si è laureata alle Beaux-arts de Marseille. "Il mio lavoro plastico, basato sulla fotografia e la narrazione, cerca di provocare spostamenti di sguardo e di scala tra il microscopico e il macroscopico. Durante le mie peregrinazioni, cerco di estrarre dal paesaggio dettagli insospettabili. Usare la fotografia per modificare la percezione che ho della realtà. Durante le mie passeggiate, il mio obiettivo si concentra sempre sulla terra e tenta il legame che ci unisce ai cieli. Offro alle mie osservazioni terrestri un nuovo carattere, per in terrogare la storia di un luogo. Le mie indagini e i loro enigmi si intrecciano per ricostituire, come di fronte a un buco nero, una memoria cancellata.”

Alban Magd (1996, Parigi) si è laureato alle Beaux-Arts de Marseille, con una specializzazione in design. Le opere dell'artista-designer sono radicate nei paesaggi urbani. Camminando senza meta, come una deriva nella città, e disegnando quello che osserva, il suo intento è quello di far emergere nuove pratiche specifiche ad ogni luogo. Il suo lavoro esiste su scale diverse per in tervenire sul territorio, al fine di punteggiare e di segnare nuovi itinerari, come i percorsi metropoli tani. Praticare un territorio secondo nuovi codici, nuovi assi, gli permette di interrogare l'ambiente che lo circonda per suggerire nuovi modi di vivere e di abitare uno spazio.

"Abbiamo unito la nostra pratica di artisti e designer da quando ci siamo incontrati al Pavillon Bosio di Monaco. Vogliamo esplorare e scoprire le città, confrontarci con la loro storia. Cerchiamo di creare un dialogo tra l'arte, la città e i suoi abitan ti, proponendo una nuova lettura della storia della città. Le nostre opere, sculture che emergono dalle forme esplorate sul territorio, sono esposte in situ".

FR Élisabeth Verrat, artiste-photographe (1996, Nice) est diplômée des Beaux-arts de Marseille. « Tourné vers la photographie et le récit, mon travail plastique cherche à provoquer des bascu lements du regard et des échelles entre microscopique et macroscopique. Lors de mes déambulations, je m’efforce d’extraire des paysages, les détails insoupçonnés. Utiliser la photographie pour modifier la perception que je peux avoir du réel. Mon objectif est toujours tourné vers la terre lors de mes marches, et tente de capter le lien qui nous unit aux cieux. J’offre à mes observations terrestres un caractère nouveau, pour interroger l’histoire d’un lieu. Mes enquêtes et leurs énigmes s’entremêlent pour reconstituer, comme face à un trou noir, une mémoire effacée. »

Alban Magd (1996, Paris) est diplômé des Beaux-Arts de Marseille, option design. Les œuvres de l’artiste-designer prennent racine dans les paysages urbains. En marchant sans destina tion, comme une dérive en ville, et dessinant ses observations, son intention est de faire émerger des pratiques et des usages inédits, propres à chaque lieu. Sa pratique existe à différentes échelles pour intervenir sur le territoire, afin de ponctuer et dessiner de nouveaux itinéraires, à l’image des sentiers métropolitains. Pratiquer un territoire selon de nouveaux codes, de nouveaux axes, lui permet d’interroger l’environnement qui l’entoure pour suggérer de nouveaux usages et de nouvelles façons de vivre, et d’habiter un espace.

« Nous associons notre pratique d’artiste et de designer depuis notre rencontre au Pavillon Bosio à Monaco. Nous souhaitons parcourir et partir à la découverte des villes, nous frotter à leurs histoires. Nous cherchons à créer un dialogue entre art, ville et habitants, en proposant une nouvelle lecture de l’histoire de la ville. Nos œuvres, des sculptures issues de formes explo rées sur le territoire, sont exposées in situ. »

CHRISTOPHER AMM

ROSALIE PIRAS

IT

Christopher Amm (1992) è un artista visivo che vive a Berlino. Ha studiato arti visive presso la Staatliche Akademie der Künste di Karlsruhe, l'Accademia di Belle Arti di Napoli e l'Università delle Arti di Berlino, dove si è laureato nel 2019 nella Masterclass del professor Mark Lammert. Ha rice vuto una borsa di studio dalla Studienstiftung des Deutschen Volkes, ha vinto l’Helmut-Thoma-Preis 2019 e attualmente beneficia di una borsa di studio dell'Akademie der Künste Berlin. Dal 2021 al 2022 ha avuto un incarico in qualità di insegnante presso l'UdK di Berlino.

Il suo lavoro è versatile ed eterogeneo nella tecnica e nella forma. Utilizza murales, disegni, libri d'artista, opere su carta, oggetti e film. Nel suo lavoro e nelle sue collaborazioni - conferenze e produzioni teatrali - si interroga sulle correlazioni esistenti tra le arti e le questioni sociali e storiche.

FR Christopher Amm (1992) est un artiste visuel vivant à Berlin. Il a étudié les arts visuels à la Staat liche Akademie der Künste de Karlsruhe, à l'Acca demia di Belle Arti de Naples et à l'Université des Arts de Berlin, où il a obtenu son diplôme en 2019 dans la Masterclass du professeur Mark Lammert. Il a obtenu une bourse de la Studienstiftung des Deutschen Volkes, le Helmut-Thoma-Preis 2019 et est actuellement soutenu par une bourse de l'Akademie der Künste Berlin. De 2021 à 2022, il a occupé une mission d'enseignement à l'UdK Berlin. Son travail est polyvalent et hétérogène sur le plan technique et formel. Il utilise la peinture murale, le dessin, les livres d'artistes, les œuvres sur papier, les objets et le film. Dans son travail et ses collaborations - conférences et productions théâtrales - il interroge les corrélations existantes entre les arts et les questions sociales et historiques.

IT

Rosalie Piras (1997), che ha conseguito recen temente la laurea magistrale all'École des Beau x-Arts de Dijon e un diploma post-laurea all'Opéra de Dijon, è un'artista che si occupa di progettazione di spazi e oggetti, lavorando sulla nozione di design sociale. È particolarmente interessata allo spazio urbano, agli spazi abbandonati e ai giardini inutilizzati. Il suo lavoro si interroga su modi alter nativi di abitare la città nel quotidiano. Crea spazi comuni, moduli effimeri, favorevoli all'incontro, alle interazioni sociali legate al territorio, ai suoi abitanti, ai loro desideri e ai loro bisogni. I suoi interventi frugali, spesso realizzati in tessuto e legno, sono pretesti per l'ospitalità e l’aggregazione che incoraggiano nuovi rituali e mostrano agli utenti la possibilità di appropriarsi del proprio ambiente nel tentativo di raggiungere un benessere emancipa torio, sia collettivo che individuale.

FR

Récemment diplômée d’un Master à l'École des Beaux-Arts de Dijon et d’un post-diplôme à l’Opéra de Dijon, Rosalie Piras (1997) est une artiste en design d’espace et d’objet, travaillant autour de la notion de design social. Elle s’in téresse particulièrement à l'espace urbain, aux espaces délaissés, aux jardins inexploités. Son travail interroge les façons alternatives d'habiter la ville au quotidien. Elle crée des espaces communs, des modules éphémères, propices à la rencontre, aux interactions sociales liées au territoire, à ses habitants, leurs envies et leurs besoins. Ses inter ventions frugales, souvent en tissu et en bois, pré textes à l’hospitalité et au regroupement invitent à de nouveaux rituels tout en montrant aux usagers la possibilité de s’approprier leur environnement pour essayer d'atteindre un bien être émancipa teur à la fois collectif et individuel.

PALAZZO MONTI

Au coeur de Brescia, dans un bâtiment historique du XIIIe siècle décoré de fresques de 1750, le Palazzo Monti a été converti en un lieu de création, accueillant des artistes qui partagent leur quoti dien et expérimentent différentes pratiques artistiques : peinture, photographie, sculpture, arts visuels et design. Les résidents sont invités à s'immerger dans un contexte unique propice à la créativité. À ce jour, ce sont plus de 200 artistes de 50 pays qui ont créé des peintures et des gra vures, des oeuvres et des objets en céramique, en fer, en bronze, en marbre ou en bois, inspirés par les savoir-faire italiens. Totale ment indépendant, le projet a été fondé en 2017, financé et curaté par Edoardo Monti, un jeune collectionneur et conservateur passionné.

Nel cuore di Brescia, in un edificio storico del XIII secolo decora to con affreschi del 1750, Palazzo Monti è stato trasformato in uno spazio creativo che ospita artisti che condividono il loro quotidiano e sperimentano diverse pratiche artistiche: pittura, fotografia, scultura, arti visive e design. I residenti sono invitati a immergersi in un contesto unico che favorisce la creatività. Ad oggi, più di 200 artisti provenienti da 50 Paesi hanno creato dipinti e stampe, opere e og getti in ceramica, ferro, bronzo, marmo o legno, ispirandosi al knowhow italiano. Totalmente indipendente, il progetto è stato fondato nel 2017, finanziato e curato da Edoardo Monti, giovane appassionato collezionista e curatore.

UGO SÉBASTIÃO

ITUgo Sébastião (1998) vive e lavora a Lione. Lì ha studiato design e poi ha iniziato gli studi artistici in Alsazia, prima di tornare a Lione per conseguire una laurea magistrale in Belle Arti. La sua pratica si basa principalmente sull'uso della pittura, ma non smette mai di interrogarsi su "cosa sia un pittore". Si considera "un artista che usa la pittura, che può evocare la sua storia, pur essendo esterno a ciò che è". Il suo lavoro è quello di un editor che seleziona, taglia e ridimensiona. Mettendo in di scussione il luogo onnipresente dell'immagine, egli dipinge per far emergere una maggiore percezione della nostra visione, del nostro tempo, attraverso la materialità, lo spazio fisico dell'opera, i suoi colori e i suoi gesti.

FR

Ugo Sébastião (1998) vit et travaille à Lyon. Il y étudie d’abord le design puis commence des études artistiques en Alsace avant de revenir effectuer un master aux Beaux Arts de Lyon. Sa pratique s’articule principalement autour de l'utilisation de la peinture, toutefois il ne cesse d'interroger « ce qu'est un peintre ». Il se considère comme « un artiste qui utilise la peinture, qui peut convoquer son histoire, tout en étant extérieur à ce qu’elle est ». Son travail est celui d’un mon teur qui sélectionne, découpe et redimensionne. Interrogeant la place omniprésente de l’image, il peint pour amener une perception accrue de notre vision, de notre époque, par la matérialité, l’espace physique de l’œuvre, ses couleurs, et ses gestes.

FLASHBACK

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CLAIRE BOUFFAY

IT

Claire Bouffay (nata nel 1997) lavora tra diverse discipline, e in particolare tra la scultura, il design, la ceramica, le alternative all’intelligenza numerica e le pratiche DIY. Attraverso queste pratiche, cerca di ripensare i sistemi in cui ci evolviamo e i modi in cui interagiamo con il nostro ambiente. I suoi esperimenti le permettono di confrontarsi con materiali inaspettati, come alberi di tulipani, kernos o scatole di Amazon, e così facendo, di mettere in discussione le nozioni di valore e produzione.

FR Claire Bouffay (née en 1997) travaille au croi sement de plusieurs disciplines et notamment de la sculpture, du design, de la céramique, de l’alter-numérisme et des pratiques DIY. A tra vers ces pratiques, elle cherche à repenser les systèmes dans lesquels nous évoluons et les ma nières dont nous interagissons avec notre envi ronnement. Ses expérimentations lui permettent de se confronter à des matériaux inattendus, comme les tulipières, les kernos, ou encore les cartons d’Amazon et ce faisant de questionner les notions de valeur et de production.

CHLOÉ POITEVIN

Avendo una formazione da grafica pubblici taria, il mio rapporto con l'immagine è il frutto di una lenta decostruzione delle regole dell'impa ginazione e delle norme editoriali. Attraverso un lavoro che mette insieme stampa, editing, suono, video e performance, dispongo nello spazio una successione di oggetti e di schizzi che traggono origine dalle fasi salienti della mia vita intima e dallo sviluppo della mia sensibilità. Un invito ad apprezzare queste installazioni in movimento come frammenti di un libro sparsi nello spazio.

FR

Initiée par une formation de graphiste publicitaire, mon rapport à l’image est le produit d’une lente déconstruction des règles de mise en page et des exigences éditoriales. À travers une pratique croisant impression, édition, son, vidéo et performance, je déploie dans l’espace une succession d’objets et de saynètes trouvant leur origine dans les étapes clés de ma vie intime et le développement de ma sensibilité. Une invitation à appréhender ces installations mouvantes comme les fragments d’un livre disséminés dans l’espace.

Nell'autunno del 2021, alcuni artisti sono stati ospitati a Palazzo Monti, alla Fondazione Bevilacqua la Masa, alla Fondazione Pistoletto Cittadellarte e a Villa Lena nell'ambito di una prefigu razione del Nuovo Grand Tour, che ha permesso al progetto di definire i suoi assi principali.

Questa esperienza, che gli artisti hanno accettato di condividere, ci ha permesso di comprendere le aspirazioni e le aspettative dei giovani artisti di oggi.

A l'automne 2021 quelques artistes ont été accueillies au Palazzo Monti, à la Fondazione Bevilacqua la Masa, à la Fondazione Pistoletto Cittadellarte et à la Villa Lena dans le cadre d'une préfiguration du programme du Nouveau Grand Tour, permettant ainsi d'en définir les axes majeurs. Cette expérience qu'elles ont accepté de partager nous a permis de cerner les aspirations et les attentes des jeunes artistes d'aujourd'hui.

RAHEL GOETSCH

IT

Di stanza tra Berlino e Francoforte, Rahel Goetsch (nata nel 1993) sviluppa una pratica tra disegno, scultura e creazione di libri d'artista. Il suo lavoro è stato esposto in mostre collettive a Berlino, Francoforte, Gerusalemme e Monaco. Ha studiato alla Berlin-Weissensee Art Academy e alla Städelschule di Francoforte.

FR

Basée à Berlin et à Francfort, Rahel Goetsch (né en 1993) développe une pratique entre le des sin, la sculpture et la création de livres d'artiste. Son travail a été présenté dans des expositions collectives à Berlin, Francfort, Jérusalem et Mu nich. Elle a étudié à l'académie d'art Weissensee à Berlin et à la Städelschule de Francfort.

IT

CAMILLE PRADON

Il lavoro di Camille Pradon è allo stesso tempo plastico, concettuale e critico. Video, installa zione, fotografia, disegno e ceramica, Camille Pradon coltiva un linguaggio formale che gioca sulla porosità tra i mezzi. Utilizzando l'immagine come materiale sensibile, conduce una ricerca approfondita sui concetti di spostamento e di narrazione frammentaria.

FR

Camille Pradon développe une œuvre à la fois plastique, conceptuelle et critique. Vidéo, installation, photographie, dessin et céramique, Camille Pradon cultive un langage formel qui joue sur la porosité entre les médiums. Utilisant l'image comme matériau sensible, elle mène une recherche approfondie sur les concepts de dépla cement et de récits fragmentaires.

PRIMI INCONTRI DEL NUOVO GRAND TOUR

LES PREMIÈRES RENCONTRES DU NOUVEAU GRAND TOUR

IT

L'Ambasciata di Francia in Italia e l'Institut Français Italia ospitano a Palazzo Farnese i primi Incontri del Nuovo Grand Tour, che riuniscono tutti gli artisti partecipanti e i direttori delle residenze italiane e francesi, i direttori delle scuole d'arte, i curatori e i rappresentanti istituzionali. Nel corso della giornata, una serie di tavole rotonde permet terà di affrontare i grandi temi che attraversano e animano il progetto del Nuovo Grand Tour, dal tema della professionalizzazione dei giovani artisti al dialogo tra attori pubblici e privati per la realiz zazione di programmi di residenza, passando per la valorizzazione dei territori e le implicazioni europee di tale programma. Queste riflessioni incrociate ci permetteranno di immaginare il futuro del Nuovo Grand Tour, in una dimensione europea ancora più decisa e che si concretizzerà, a partire dall'edizione 2023, con l'accoglienza di giovani artisti italiani in Francia.

Le tavole rotonde saranno moderate dai giornalisti di Exibart e si terranno in francese, italiano e tedesco con traduzione simultanea.

FR

L’Ambassade de France en Italie et l’Institut Français Italia accueillent les premières Rencontres du Nouveau Grand Tour, qui réunissent, dans les salons du palais Farnèse, l’ensemble des artistes du programme ainsi que les directeurs de résidences italiennes et françaises, des directeurs d’écoles d’art, des curateurs et des représentants institution nels. De tables-rondes en retours d’expérience, les grandes thématiques qui traversent et animent le projet du Nouveau Grand Tour seront abordées, de la question de la professionnalisation des jeunes artistes au dialogue entre les acteurs privés et publics pour la mise en œuvre des programmes de résidences, en passant par la valorisation des territoires ou encore les enjeux européens d’un tel programme. Ces réflexions croisées permettront d’envisager l’avenir du Nouveau Grand Tour, dans une dimension européenne encore plus affirmée et avec, dès l’édition 2023, l’accueil de jeunes artistes italiens en France.

Les tables-rondes sont modérées par les jour nalistes d’Exibart et se déroulent en français, italien et allemand avec traduction simultanée.

PROGRAMMA DELLA GIORNATA

9:30

APERTURA DEGLI INCONTRI DA PARTE DELL’AMBASCIATORE CHRISTIAN MASSET

9:45 - 10:30

TAVOLA ROTONDA

DIVENTARE ARTISTA: RIFLESSIONI SULLA PROFESSIONALIZZAZIONE

DEVENIR ARTISTE : LA PROFESSIONNALISATION EN QUESTION

Emmanuel Tibloux, direttore della Scuola Nazio nale di Arti Decorative, Parigi Silvia Simoncelli, NABA Head of Education –Roma, NABA, Nuova Accademia di Belle Arti Valentina Kastlunger, direttrice artistica, Casa degli artisti, Milano Martha Le Bars, artista del NGT (Casa degli artisti) Matthieu Hemmer, artista del NGT (Casa degli artisti)

Alina Röbke, artista del NGT (Palazzo Butera, Palermo)

10:30 - 10:45

RACCONTI

DALLE RESIDENZE

PALAZZO MONTI, BRESCIA

Edoardo Monti, Palazzo Monti Chloé Poitevin, artista del NGT Ugo Sebastiao, artista del NGT

10:45 - 11:30

TAVOLA ROTONDA

POLITICHE PUBBLICHE E INIZIATIVE PRIVATE: UN DIALOGO VIRTUOSO PER IL FUTURO DELLE RESIDENZE

Charlotte Morel, direttrice delle arti visive, Città di Lille Donatella Ferrante, consulente Direzione Gene rale dello Spettacolo del MiC

Natasha Cox, curatrice, Villa Lena, Toiano Linda di Pietro, direttrice artistica di Base, Milano Katharina Scriba, Direttrice della Fondazione Fiminco, Romainville

11:45 - 12:30

TAVOLA ROTONDA

VIAGGIARE/CREARE/ESPORRE: LA RESIDENZA COME PRATICA ARTISTICA VOYAGER/CRÉER/EXPOSER : DE LA RÉSI DENCE COMME PRATIQUE ARTISTIQUE

Jean-Michel Othoniel, artista e membro dell’Aca démie des Beaux-arts

Sylvain Bellenger, direttore del Museo di Capodi monte, Napoli

Guy Robertson, direttore della Residenza MahlerSol Lewitt, Spoleto

Juan Sandoval, direttore dei Programmi di residenza UNIDEE, Citadellarte-Fondazione Pistoletto, Biella Andréa Spartà, artista del NGT (Fondazione Pistoletto Cittadellarte)

12:30 - 12:45 RACCONTI

DALLE RESIDENZE FONDAZIONE BEVILACQUA LA MASA, VENEZIA

Stefano Coletto, curatore della Fondazione Bevilacqua-La Masa

Elisabeth Verrat, artista del NGT

Alban Magd, artista del NGT

Jonathan Sobel, artista del NGT

Camille Le Meur, artista del NGT 13:00 PRANZO A BUFFET 14:30

INTERVENTO DI EVA NGUYEN BINH Presidente dell’Institut français (Parigi)

14:45 - 15:30 TAVOLA ROTONDA

L’EUROPA DEL NUOVO GRAND TOURLA CIRCOLAZIONE DEGLI ARTISTI AL CENTRO DELLE RELAZIONI CULTURALI EUROPEE?

L’EUROPE DU NOUVEAU GRAND TOUR – LA CIRCULATION DES ARTISTES AU CŒUR DES RELATIONS CULTURELLES EUROPÉENNES ?

Anne Tallineau, segretaria generale dell’OFAJ Bénédicte Alliot, direttrice della Cité internatio nale des arts, Parigi

Joachim Bernauer, direttore del Goethe Institut, Roma

Christopher Amm, artista del NGT (BASE) Rosalie Piras, artista del NGT (BASE)

15:30 - 15:45

RACCONTI

DALLE RESIDENZE CROSS, NEBBIUNO

Antonella Cirigliano, direttrice Cross Angelo Benedetto Cafa, Cross Mathis Berchery, artista del NGT Angèle Manuali, artista del NGT

Emma Pinoteau, artista del NGT Florian della Cortiglia, artista del NGT

15:45 - 16:30

TAVOLA ROTONDA

RESIDENZE ARTISTICHE E VALORIZZAZIONE DEI TERRITORI RÉSIDENCES ARTISTIQUES ET VALORISATION DES TERRITOIRES

Alexander Von Vegesack, fondatore della Rési dence de Boisbuchet, Lessac Mathias Schwartz-Clauss, direttore della Rési dence de Boisbuchet

Marco Cicolini, direttore artistico Artinvita, Abruzzo

Baptiste Anne, artista del NGT (Artinvita)

Maximilian Schatz, artista del NGT (Landworks, Sardegna)

Le Merle - Harold Jodeau & Alice Lagarde, artisti del NGT (Dolomiti contemporanee)

16:45 - 17:00

RACCONTI

DALLE RESIDENZE

WONDER GROTTOLE, MATERA

Andrea Paoletti, fondatore, Wonder Grottole

Rocco Pisilli, Wonder Grottole

Olivier Dubois, coreografo, membro della giuria

Morgane Tschiember, artista, membro della giuria

Jules Benveniste, artista del NGT

Zoé Ledoux, artista del NGT

17:00 - 17:45

TAVOLA ROTONDA

CREAZIONE E INCLUSIONE - LA RESIDENZA COME LUOGO DI ATTIVISMO SOCIALE E DI INCONTRO CON IL PUBBLICO

CRÉATION ET INCLUSION : LA RÉSIDENCE

COMME LIEU D’ACTIVISME SOCIAL ET DE RENCONTRE DES PUBLICS.

Baptiste Lignel, fotografo ed ex Direttore didatti co della scuola Kourtrajmé, Montfermeil

Anna Gesualdi, artista e curatrice, Altofest, Napoli

Giulia Guerra, Direttrice, Corte Ospitale, Rubiera Teddy Bogaert, artista del NGT (Corte Ospitale)

Simone Frangi, curatore

17:45 - 18:00

RACCONTI

DALLE RESIDENZE

KULTURFACTORY, DOMICELLA

Alessia Siniscalchi, artista e Direttrice di Kulturfactory

Thomas Mopin Viers, artista del NGT

Luka Perkins Petit, artista del NGT

Oxanna Bertrand & Andréa Jankovic, artisti del NGT

Paulina Brunner, artista del NGT Anna Martynenko, artista del NGT

18:00 - 18:15

CONCLUSIONE DEGLI INCONTRI ONOFRIO CUTAIA

Direttore generale Creatività Contemporanea, MIC 18:30 - 19:30 VISITA DI PALAZZO FARNESE con Clément Bady e Pierre-Bénigne Dufouleur (Ecole Française de Rome) 19:30 - 20:30 PERFORMANCE DI KAZY LAMBIST

20:30 - 00:00 DJ SET DI FRANCESCA BIANCHI

BÉNÉDICTE ALLIOT

IT

Bénédicte Alliot ha conseguito un dottorato in studi anglofoni ed è stata docente all’Università di Paris-Diderot. È stata direttrice dell’Institut français del Sudafrica a Johannesburg, poi Ad detta culturale all’Ambasciata di Francia a Nuova Delhi, in India. È stata Direttrice del dipartimento delle Stagioni culturali all’Institut français di Parigi. Dal 2016 è Direttrice generale della Cité internationale des arts, un centro di residenza che accoglie 326 artisti, scrittori, registi, coreografi, drammaturghi, provenienti da oltre 100 Paesi, situato nel cuore di Parigi, nei quartieri di Marais e di Montmartre.

FR

Bénédicte Alliot est docteure en études anglo phones et a été maître de conférences à l’Université Paris-Diderot. Elle a occupé le poste de directrice de l’Institut français d’Afrique du Sud à Johannesburg, puis celui d’attachée culturelle à l’Ambassade de France à New Delhi en Inde, puis a dirigé le pôle des Saisons culturelles à l’Institut français à Paris. Depuis 2016, elle est directrice générale de la Cité internationale des arts, centre de résidences qui accueille 326 artistes, écrivains, cinéastes, danseurs, dramaturges de plus de 100 pays, et situé au centre de Paris, dans les quar tiers du Marais et de Montmartre.

SYLVAIN BELLENGER

IT

Sylvain Bellenger è Direttore Generale del Museo e Real Bosco di Capodimonte dal 2015. In precedenza ha lavorato negli Stati Uniti all’Art Institute di Chicago come Searle Chair e Curatore del Dipartimento di Pittura e Scultura Europea dal Medioevo al ventesimo secolo. Ha lavorato all’In stitut National d’Histoire de l’Art (INHA) di Parigi dal 2005 al 2010 in qualità di Curatore capo del patrimonio, inoltre è stato presidente e curatore del Dipartimento di pittura e scultura europea e americana del Cleveland Museum of Art dal 1999 al 2005.

Ex borsista Focillon alla Yale University, Kress Fellow presso il CASVA (Center of Advanced Studies in Visual Arts) National Gallery of Art di Washington DC e Curatorial Getty Fellow al Getty Research Center di Los Angeles, Sylvain

Bellenger ha diretto il Musée Girodet a Mon targis dal 1987 al 1991 e il Castello e i Musei di Blois dal 1992 al 1999. Specialista del XIX secolo, ha curato numerose mostre in Europa e negli Stati Uniti.

FR Sylvain Bellenger est directeur général du Museo e Real Bosco di Capodimonte depuis 2015. Il a précédemment travaillé aux États-Unis à l'Art Institute of Chicago, en tant que titulaire de la chaire Searle et conservateur du département de la peinture et de la sculpture européennes du Moyen-âge au XXe siècle. Conservateur en chef du patrimoine à l'Institut national d'histoire de l'art (INHA) à Paris de 2005 à 2010, il a également été président et conservateur du département des peintures et sculptures européennes et américaines au Cleveland Museum of Art de 1999 à 2005.

Ancien boursier Focillon à l'Université de Yale, Kress Fellow au CASVA (Center of Advanced Studies in Visual Arts) National Gallery of Art, Washington DC, et Curatorial Getty Fellow au Getty Research Center à Los Angeles, il a dirigé le Musée Girodet à Montargis de 1987 à 1991 et le Château et les Musées de Blois de 1992 à 1999.

Spécialiste du XIXe siècle, il a été commissaire de nombreuses expositions en Europe et aux États-Unis.

ANGELO BENEDETTO CAFÀ

IT (1966, Roma)

Angelo Benedetto Cafà studia moda all’Acca demia di Moda e Costume di Roma e lavora per alcuni anni nell’ambito della Moda anche creando un proprio marchio.

Si ritira successivamente in un monastero buddista dove si specializza in tecniche di meditazione. Per alcuni anni si applica allo studio delle neuroscienze. Attraversa varie esperienze lavorative, dalla creazione di oggetti e mobili di design ricavati da materiali di riciclo e prosegue lo studio delle pratiche spirituali, olistiche e per la cura e la consape volezza di se.

Angelo Benedetto Cafà étudie à l’Académie de la mode et du costume de Rome et travaille pendant plusieurs années dans le secteur de la mode, en créant sa propre marque.

Il se retire ensuite dans un monastère bouddhiste où il se spécialise dans les techniques de méditation. Pendant plusieurs années, il se consacre à l’étude des neu ro-sciences. Il passe par diverses expériences professionnelles, de la création d’objets et de meubles design à partir de matériaux recyclés à l’étude des pratiques spirituelles, holistiques, de soin de soi et de conscience de soi.

JOACHIM BERNAUER

IT

Joachim Bernauer ha studiato canto a Berlino e ha conseguito con un dottorato sull’opera lirica di Friedrich Schiller. Da 1993 lavora per il Goe the-Institut. A Los Angeles ha diretto la residenza per artisti Villa Aurora, dopo di che ha lavorato per molti anni nei Goethe-Institut di San Paolo e Lisbona.

Prima di arrivare a Roma, Joachim Bernauer ha diretto il dipartimento culturale della sede centrale del Goethe-Institut a Monaco di Baviera. Ora presso l’istituto di Roma, è anche responsabile generale della rete degli istituti di cultura tedeschi in Italia (Torino, Milano, Trieste, Genova, Napoli e Palermo).

FR

Joachim Bernauer a étudié le chant à Berlin et a obtenu un doctorat sur l’opéra lyrique de Frie drich Schiller. Depuis 1993, il travaille pour l’Insti tut Goethe. A Los Angeles il a dirigé la résidence d’artistes Villa Aurora, après quoi il a travaillé de nombreuses années au sein des Instituts Goethe de San Paolo et de Lisbonne. Avant d’arriver à Rome, il a dirigé le département culturel du siège de l’Institut Goethe à Munich. Aujourd’hui à l’Institut de Rome, il est également directeur général du réseau des instituts culturels allemands en Italie (Turin, Milan, Trieste, Gênes, Naples et Palerme).

MARCO CICOLINI

IT Marco Cicolini vive a Roma e si occupa di crea zione, direzione, organizzazione e produzione di progetti culturali e artistici. È laureato in estetica contemporanea. A Roma collabora principalmen te con la Biennale MArteLive, che nel 2020 è stata riconosciuta come uno dei 20 progetti italiani premiati dal Creative Programme Europe. Dal 2018 è direttore artistico e fondatore con Amahì Saraceni di Artinvita - Festival Internazionale d'Abruzzo, in collaborazione con il Théâtre de Léthé di Parigi. Dirige diversi festival e progetti: CortoLive - Premio di cortometraggi per giovani registi, Cinema Express - Premio di cortometraggi argentini e balcanici e Danza Battente, un festival di danza urbana creato nel 2022.

FR

Marco Cicolini vit à Rome et s'occupe du développement, de la direction, de l'organisation et de la production de projets culturels et artistiques. Il est diplômé en esthétique contemporaine. Il col labore principalement avec la Biennale MArteLive reconnue en 2020 parmi les 20 projets italiens primés par le Creative Programme Europe. Depuis 2018, il est directeur artistique et fondateur avec Amahì Saraceni d'Artinvita - Festival International des Abruzzes, en collaboration avec le Théâtre de Léthé de Paris. Il dirige plusieurs festivals et projets : CortoLive - Prix des court métrages pour jeunes cinéastes, Cinema Express - Prix de courts-métrages d’Argentine et des Balkans, et Danza Battente, un festival de danse urbaine créé en 2022.

ANTONELLA CIRIGLIANO

IT

Antonella Cirigliano vive e lavora tra Milano e Verbania sul Lago Maggiore. Laureata in Filosofia, da oltre 20 anni si occupa di ricerca teatrale e performing arts. È regista e curatrice di percorsi sensoriali; dirige Festival e Rassegne con tema l’interazione tra varie pratiche espressive. È do cente di Tecniche Performative per le Arti Visive in Naba di Milano, dove insiste con una ricerca sui linguaggi del contemporaneo e le arti performati ve. Dirige CROSS Project a Verbania e Ameno con un programma di Festival, Residenze e Award.

Antonella Cirigliano vit et travaille entre Milan et Verbania, sur le lac Majeur. Diplômée en phi losophie, elle est impliquée dans la recherche théâtrale et les arts du spectacle depuis plus de 20 ans. Elle est directrice et curatrice de plusieurs parcours sensoriels et dirige des festivals et des revues ayant pour thème l'interaction entre diverses pratiques artistiques. Elle enseigne les techniques d'interprétation pour les arts visuels à la Naba de Milan, plus particulièrement les lan gages du contemporain et des arts performatifs. Elle dirige le projet CROSS à Verbania et Ameno avec un programme de festivals, de résidences et de prix.

STEFANO COLETTO

IT

Stefano Coletto si è laureato in Storia dell'Arte presso l'Università Ca' Foscari di Venezia. Ha insegnato Storia dell'Arte e si è occupato di didat tica dell'arte anche applicata ai nuovi media. Dal 2014 è docente presso la Fondazione Arti Visive di Modena nel Corso per Curatori e nel Master di Fotografia. Si occupa di formazione, interessandosi ai temi di antropologia, sociologia, estetica dei media e sul rapporto arte e scienza. Dal 2003 lavora come curatore presso l'Isti tuzione Fondazione Bevilacqua La Masa. Dal 2005 al 2010 ha ideato e coordinato il proget to internazionale Tomorrow now. Pratiche ar tistiche contemporanee nella cultura digitale. Dal 2010 coordina l’attività della Bevilacqua La Masa, occupandosi del dialogo e della formazione dei giovani artisti e dell’organizza zione e gestione degli spazi espositivi.

FR

Stefano Coletto est diplômé en histoire de l'art de l'université Ca' Foscari de Venise. Il a enseigné l'histoire de l'art et s'est occupé de la didactique de l'art appliquée aux nouveaux médias. Depuis 2014, il enseigne à la Fondazione Arti Visive de Modène dans le cadre du cours pour conserva teurs et du master de photographie. Il est impli qué dans l'éducation et s'intéresse à l'anthropo logie, la sociologie, l'esthétique des médias et la relation entre l'art et la science. Depuis 2003, il travaille en tant que conservateur à la Fondation Bevilacqua La Masa. De 2005 à 2010, il a conçu et coordonné le

projet international Tomorrow now. Pratiques artistiques contemporaines dans la culture numérique. Depuis 2010, il coordonne les activités de la Fondation Bevilacqua La Masa, en s'occupant du dialogue et de la formation des jeunes artistes ainsi que de l'organisation et de la gestion des espaces d’exposition.

NATASHA COX

IT

Natasha Cox è un'organizzatrice e curatrice artistica interessata a siti alternativi per l'appren dimento e la collaborazione a lungo termine.

E la curatrice della Fondazione Villa Lena e si occupa di facilitare il programma annuale di residenze e di lavorare con gli artisti per sviluppare le loro pratiche e le loro reti, esplorando nuove modalità di scambio e apprendimento nell'ambito delle arti.

Natasha è anche Arts Editor di Fieldnotes. In passato ha tenuto workshop e collaborato con istituzioni come Tate Exchange, UCL Institute of Education e University of the Arts London. Ha programmato diversi progetti, tra cui Assembly Point e Supernormal Festival.

FR Natasha Cox est une organisatrice et curatrice artistique qui s'intéresse aux sites alternatifs d'ap prentissage et de collaboration à long terme.

Elle est curatrice à la Fondation Villa Lena, ce qui inclut l'animation du programme de résid ence annuel et le travail avec les artistes pour développer leurs pratiques et leurs réseaux, en explorant de nouvelles voies d'échange et d'apprentissage dans le domaine des arts.

Natasha est rédactrice artistique à Fieldnotes. Dans le passé, elle a dirigé des ateliers et col laboré avec des institutions telles que la Tate Exchange, UCL Institute of Education et Univer sity of the Arts London. Elle a programmé un certain nombre de projets, dont Assembly Point et Supernormal Festival.

ONOFRIO CUTAIA

IT

Onofrio Cutaia è Direttore Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. Giunge al Complesso del San Michele dopo aver ricoperto per anni il ruolo di Direttore Genera le Spettacolo (2015-2020) e prima ancora di Direttore Generale per le Politiche del Turismo (2014-2015). Noti i suoi trascorsi in ambito teatra le, come Direttore generale dell'ETI Ente Teatrale Italiano e del Teatro Mercadante di Napoli, che sotto la sua guida diventa Teatro Stabile ad iniziativa pubblica.

FR

Onofrio Cutaia est Directeur Général de la Créati vité Contemporaine au Ministère de la Culture. Il arrive au Complesso del San Michele après avoir occupé pendant des années le poste de directeur général du divertissement (2015-2020) et, auparavant, celui de directeur général des politiques touristiques (2014-2015). Son parcours dans le domaine théâtral est bien connu, puisqu'il a été directeur général de l'ETI Ente Teatrale Italiano et du Teatro Mercadante de Naples, qui est devenu sous sa direction le Teatro Stabile ad iniziativa pubblica.

LINDA DI PIETRO

IT

Linda Di Pietro è Chief Cultural Officer di BASE Milano. Già visiting fellow della School of The Arts Institute of Chicago, Linda Di Pietro è docente di progettazione culturale contemporanea all'Università Cattolica del Sacro Cuore e all'U niversità di Pavia. Collabora come consulente al Programma Culturability di Fondazione Unipolis e al programma europeo S+T+ARTS per Bi-Lo gic/Fondazione MAXXI. Dal 2007 al 2018 con Indisciplinarte, ha coordinato la programmazione e i servizi del CAOS, centro culturale nato a Terni dalla riconversione dell’Opificio Siri, e diretto il festival internazionale della creazione contempo ranea di Terni. Nel 2018 e 2019 è stata manager culturale del Progetto Manifattura Tabacchi di Cagliari. È membro del cultural advisory board del British Council Italia e cofondatrice de Lo Stato Luoghi, rete italiana della rigenerazione urbana a base culturale.

FR Linda di Pietro est Chief Cultural Officer de BASE Milano. Ancienne chercheuse invitée à la School of The Arts Institute of Chicago, elle enseigne le design culturel contemporain à l'Università Cattolica del Sacro Cuore et à l'Università di Pavia. Elle colla bore en tant que consultante au programme Cultu rability de la Fondazione Unipolis et au programme européen S+T+ARTS pour Bi-Logic/Fondazione MAXXI. De 2007 à 2018, avec Indisciplinarte, une société de conception artistique et de développe ment territorial, elle a coordonné la programmation et les services de CAOS, un centre culturel né à Terni de la reconversion de l'Opificio Siri, et a dirigé le festival international de la création contemporaine de Terni. En 2018 et 2019, elle a été responsable culturelle du projet Manifattura Tabacchi à Caglia ri. Elle est membre du conseil culturel du British Council Italia et cofondatrice de Lo Stato Luoghi, un réseau italien de régénération urbaine basé sur la culture.

OLIVIER DUBOIS

IT

Olivier Dubois è diventato ballerino professionista all’età di 23 anni e ha subito collaborato con grandi artisti del settore come Karine Saporta, Angelin Preljocaj, Jan Fabre e Sasha Waltz. Questi incontri gli hanno permesso di creare il suo primo assolo nel 2006, Tout l'or du monde, che è stato un successo internazionale. Nell'ottobre 2011, la rivista Dance Europe lo ha classificato tra i 25 migliori ballerini del mondo. Insegna all’Opera di Stato di Vienna, alla Scuola Nazionale di Atene e al Ballet Preljocaj. Quest'anno, tre dei suoi spettacoli sono presentati al Festival Bolzano Danza: Swan Blast, Come Out e Prêt à baiser

FR

Devenu danseur professionnel à l'âge de 23 ans, Olivier Dubois collabore très vite avec de grands chorégraphes tels que Karine Saporta, Angelin Preljocaj, Jan Fabre ou encore Sasha Waltz. Ces rencontres le mènent vers la création d'un premier solo en 2006, Tout l'or du monde, pour lequel il rencontre un suc cès international. En octobre 2011, le magazine Dan ce Europe le classe parmi les 25 meilleurs danseurs du monde. Il enseigne notamment au sein de l'Opéra national de Vienne, de l'Ecole nationale d'Athènes, ou encore du Ballet Preljocaj. En 2021, trois de ses spectacles sont programmés au Festival Bolzano Danza : Swan Blast, Come Out et Prêt à baiser

IT

Ha lavorato per anni all’Ente Teatrale Italiano curando, in particolare, le attività di promozione internazionale dello spettacolo dal vivo e lo sviluppo degli scambi artistici professionali, occupandosi di progetti europei e di relazioni isti tuzionali con organizzazioni nazionali e territoriali all’estero per iniziative a carattere bilaterale. In seguito, per la direzione generale spetta colo del Ministero della Cultura, ha diretto il Servizio competente per il teatro, la danza ed il circo, impostando e gestendo lo sviluppo di azioni di sistema per la valorizzazione delle performing art in Italia, tra le quali dal 2011 la NID la Nuova piattaforma della danza italiana e l’Intesa Stato Regioni per le residenze artistiche.

E’ attualmente componente del Consiglio Superiore dello Spettacolo e consulente per la direzione spettacolo.

FR

Donatella Ferrante a travaillé pendant de nom breuses années à l'Ente Teatrale Italiano en s'oc cupant notamment de la promotion internationale des arts du spectacle et du développement des échanges artistiques professionnels, des projets européens et des relations institutionnelles avec les organisations nationales et territoriales à l'étranger pour des initiatives bilatérales. Par la suite, pour la Direction générale des arts du spectacle du ministère de la Culture, elle a dirigé le Service chargé du théâtre, de la danse et du cirque, mettant en place et gérant le développement d'actions systémiques pour la valorisation des arts du spectacle en Italie, dont depuis 2011 la NID (Nouvelle plateforme de danse italienne) et la convention État-Ré gions pour les résidences artistiques. Elle est actuellement membre du Consiglio Superiore dello Spettacolo et consultante pour la direction des arts du spectacle.

FRANGI SIMONE

IT

Simone Frangi è ricercatore e teorico dell’arte operativo all’intersezione di pensiero critico, ricerca curatoriale e pratiche educative. Titolare di un Dottorato di ricerca in Estetica e Teoria

dell’Arte e di un Perfezionamento filosofico in Teoria Critica della Società, è Professore di Estetica e Cultura Visuale presso l’ESAD Greno ble, dove co-dirige l’Unità di Ricerca “Hospitalité Artistique et Activisme Visuel”. Co-dirige Live Works - Free School of Performance, la Agitu Ideo Gudeta Fellowship presso Centrale Fies - Centro Di Ricerca per Pratiche Performative Contempo ranee, e il programma di formazione curatoriale A Natural Oasis? per BJCEM - Biennale de la Jeune Création de l’Europe et de la Méditérranée. Ha recentemente pubblicato con Lucrezia Cippitelli l’antologia “Colonialità e Culture Visuali in Italia” (Mimesis, 2021).

FR

Simone Frangi est un chercheur et théoricien de l’art qui travaille à l’intersection de la pensée critique, de la recherche curatoriale et des pratiques éducatives. Titulaire d’un doctorat en esthétique et théorie de l’art et d’un diplôme supérieur de philosophie en Théorie critique de la société, il enseigne l'esthé tique et la culture visuelle à l’ESAD de Grenoble, où il codirige l’unité de recherche « Hospitalité Artis tique et Activisme Visuel ». Il codirige Live Works – Free School of Performance, la bourse Agitu Ideo Gudeta à Centrale Fies – Centre de recherche pour les pratiques performatives contemporaines, et le programme de formation curatoriale A Natural Oasis ? pour la BJCEM (Biennale de la Jeune Création de l’Europe et de la Méditerranée). Il a récemment publié avec Lucrezia Cippitelli l’anthologie Coloniali té et cultures visuelles en Italie (Mimesis, 2021).

ANNA GESUALDI

IT

Anna Gesualdi è artista e curatrice nell’ambito del teatro e delle arti performative. Nel 2006, a Napoli, insieme a Giovanni Trono, ha fondato Teatringesta zione, riconosciuta dal Ministero dei Beni Culturali come compagnia di produzione teatrale innovativa nel campo della sperimentazione, il cui lavoro è presente in contesti internazionali. Creano dispo sitivi artistici ibridi basati sulla condivisione dei processi e sul dialogo tra diversi ambiti del sapere. La pratica artistica, pedagogica e curatoriale di Te atringestazione è oggetto di diverse tesi di laurea e pubblicazioni. Nel 2011 hanno inaugurato Altofest, un progetto di socialità sperimentale sotto forma di festival, vincitore nel 2017 dell’EFFE Award, risultando tra i sei migliori festival in Europa su oltre 700 candidature.

Anna Gesualdi est une artiste et curatrice dans l’univers du théâtre et des arts vivants. En 2006, à Naples, avec Giovanni Trono, elle fonde Teatringestazione, reconnue par le Ministère de la Culture comme une société de production théâtrale innovante dans le domaine de l'expéri mentation. Ils créent des dispositifs artistiques hybrides fondés sur le partage de processus et sur le dialogue entre différents champs de connais sance. La pratique artistique, pédagogique et cura toriale de Teatringestazione fait l'objet de plusieurs mémoires universitaires et publications. En 2011, ils ont inauguré Altofest, un projet de sociabilité expérimentale sous forme de festival, lauréat en 2017 du prix EFFE, classé parmi les six meilleurs festivals d'Europe sur plus de 700 candidatures.

GIULIA GUERRA

IT

Giulia Guerra, direttrice de La Corte Ospitale dal 2015, cura i progetti produttivi dell'Associazione in tutte le fasi, dall'allestimento alla distribuzione. È ideatrice di Forever Young a sostegno dei nuovi talenti, e in generale cura tutto il progetto residenziale della Corte Ospitale. Da 2022 è membro del Consiglio Direttivo di ANCTI, Associazione Nazio nale delle Compagnie e dei Teatri di Innovazione. Nel 2021 riceve il Premio Hystrio Anct. Nel 2017 ritira il Premio Garrone al progetto Corte Ospitale. Nel 2020 è parte dell’Academy Board italiana di Italian Playwrights Project, progetto di selezione e valorizzazione della drammaturgia italiana negli Stati Uniti.

FR

Giulia Guerra est directrice de La Corte Ospitale depuis 2015. Elle s'occupe des projets de produc tion de l'association à tous les stades, de la mise en place générale à la distribution. Elle est la créatrice de Forever Young, qui soutient les nouveaux talents, et s'occupe de l'ensemble du projet de résidence de La Corte Ospitale. Depuis 2022, elle est membre du conseil d'administration de l'ANCTI, l'Association nationale des entreprises et théâtres d'innovation. En 2021, elle reçoit le prix Hystrio Anct, après avoir reçu le prix Garrone pour le projet Corte Ospitale en 2017. En 2020, elle intègre le conseil de l'Académie italienne du Italian Playwrights Project, un projet de sélection et de valorisation de la dramaturgie italienne aux États-Unis.

VALENTINA

IT

Valentina Kastlunger vive e lavora tra Milano e l’Alto Adige. È diplomata in drammaturgia presso la Scuola Paolo Grassi di Milano e laureata in Scienze Politiche all’Università di Bologna. Ha trascorso periodi di studio e lavoro a Berlino e ha tradotto dei testi dal tedesco. Ha lavorato come regista teatrale indipendente e diretto video e mediometraggi per la Rai di Bolzano. Dal 2022 in segna al corso organizzazione della Paolo Grassi. Nel 2011 ha fondato lo spazio ZONA K insieme a Valentina Picariello, con la quale si occupa della direzione artistica. In pochi anni ZONA K si afferma come importante punto di riferimento per l’innovazione teatrale europea. Dal febbraio 2019 è capofila dell'ATS che gestisce l’edificio storico “Casa degli Artisti” di Milano quale residenza artistica multidisciplinare.

FR

Valentina Kastlunger vit et travaille entre Milan et le Haut-Adige. Elle est diplômée en dramatur gie de la Scuola Paolo Grassi de Milan et d’une licence en Sciences Politiques de l’université de Bologne. Elle a travaillé comme metteuse en scène et a réalisé des vidéos et moyens-métrages pour la Rai à Bolzano. En 2011, elle a fondé l’espace ZONA K avec Valentina Picariello, avec laquelle elle est char gée de la direction artistique. En quelques années, l’espace ZONA K s’est imposé comme un important point de référence pour l’innova tion théâtrale européenne. Depuis février 2019, elle est la cheffe de file de l’ATS qui gère le bâtiment historique Casa degli Artisti de Milan en tant que résidence artistique multidisciplinaire.

BAPTISTE LIGNEL

IT

Baptiste Lignel ha iniziato a fotografare all'età di 14 anni. Ha studiato a New York per conseguire la laurea triennale di Belle Arti in Fotografia presso la Parson's School of Design. Ha svolto il tirocinio finale con Susan Meiselas dell'agenzia Magnum, che ha avuto una forte influenza sulla sua conce zione della fotografia.

Il suo lavoro si concentra in particolare su documentari sociali con soggetti che metto no sempre in discussione la possibilità della differenza nelle nostre società, il suo rifiuto, la sua integrazione o la sua costrizione. Appassionato di editoria, dal 2008 ha pubblicato sette monografie, tra cui Sauvage nel 2021, realizzata in collaborazione con il paesaggista e scrittore Gilles Clément. Insegnante di grafica e fotografia, Baptiste Lignel ama porre l'esperienza pratica, l’azione, all'inizio del processo di apprendimento e non alla fine. La sua posizione di direttore pedagogico e insegnante della sezione Arte e Immagine, creata da JR all'interno della scuola Kourtrajmé, gli ha permes so di accompagnare in questo percorso, per due anni, studenti privi di profilo classico.

FR

Baptiste Lignel commence la photographie à 14 ans. Il étudie à New York pour obtenir un Bachelor of Fin Arts en Photographie, à l’école Parson’s School of Design. Il fait son stage de fin d’études chez Susan Meiselas, de l’agence Magnum, qui aura une forte influence sur sa compréhension de la photographie.

Son travail porte en particulier sur le docu mentaire social avec sujets qui interrogent toujours la possibilité de la différence dans nos sociétés, son rejet, son intégration, ou bien sa contrainte. Passionné par l’édition, il a publié sept monographies depuis 2008, dont Sauvage en 2021, réalisé en collaboration avec le paysagiste et écrivain Gilles Clément. Enseignant le graphisme et la photographie, Baptiste Lignel aime placer l’expérience pratique, le faire, au début du processus d’apprentissage et non à la fin. Son poste de directeur de la péda gogie et d’enseignant de la section Art et Image, créée par JR au sein de l’école Kourtrajmé, lui a permis d’accompagner pendant deux ans des étudiants hors profil classique sur cette voie.

EDOARDO MONTI

IT Nato a Bergamo nel 1991, Edoardo Monti studia al Central Saint Martins College of Art and Design di Londra. Dopo aver lavorato per otto anni da Stella McCartney a New York, decide di dedicarsi esclusivamente all’arte contemporanea e di appli care le competenze acquisite nel corso degli anni

a livello locale, valorizzando il territorio lombardo, con l’intento di costruire ponti tra artisti, artigiani ed istituzioni in tutto il mondo. Fonda il del centro culturale e residenza d’artista Palazzo Monti nel 2017, dove espone la sua collezione personale e organizza 40 mostre in cinque anni, anche presso Musei e gallerie private. Membro del consiglio di amministrazione del Club GAMeC, dell’Italian Art Trust e del comitato di selezione della fiera Collectible di Bruxelles, Monti è anche direttore di Belle Arti, associazione culturale presieduta da Massimo Minini e si occupa del programma VIP e della strategia digital di ArtVerona.

FR

Né à Bergame en 1991, Edoardo Monti a étudié au Central Saint Martins College of Art and Design de Londres. Après avoir travaillé pen dant huit ans chez Stella McCartney à New York, il décide de se consacrer exclusivement à l'art contemporain et d'appliquer les compétences acquises au fil des ans à un niveau local, en mettant en valeur la région de la Lombardie, dans le but de créer des ponts entre les artistes, les artisans et les institutions du monde entier. Il fonde, en 2017, le centre culturel et la résidence Palazzo Monti, où il expose sa collection personnelle et, par ailleurs, organise 40 expositions en cinq ans, dans des musées et des galeries privées. Membre du conseil d'administration du Club GAMeC, de l'Italian Art Trust et du comité de sélection de la foire Collectible à Bruxelles, il est également directeur de Belle Arti, une association culturelle présidée par Massimo Minini, et est responsable du programme VIP et de la stratégie numérique d'ArtVerona.

CHARLOTTE MOREL

IT

Nell'esercizio delle sue funzioni presso la Ville (il comune) di Lille, in ambito culturale Charlotte Morel ha collaborato con strutture come lille3000 e Un été au Havre, sviluppando all'interno della Città di Lille progetti di urbanistica culturale (Gare Saint Sauveur) e commesse pubbliche (X Veilhan, E Adnan, H Di Rosa). Attualmente direttrice delle Arti Visive, dirige l'Espace le Carré e la Poupon nière, oltre al laboratorio Wicar, una residenza creativa a Roma.

Œuvrant dans le champ des politiques culturelles locales à travers ses fonctions au sein de la Ville de Lille, Charlotte Morel a collaboré avec des structures comme lille3000 et Un été au Havre et a développé au sein de la Ville de Lille des projets d’urbanisme culturel (Gare Saint Sauveur) et de commandes publiques (X Veilhan, E Adnan, H Di Rosa). Actuellement Directrice des Arts Visuels elle pilote l’Espace le Carré et la Pouponnière ainsi que l’atelier Wicar, résidence de création à Rome.

EVA NGUYEN BINH

IT

Eva Nguyen Binh è una diplomatica, già am basciatrice della Repubblica francese presso il Regno di Cambogia dal 2017 al 2021. Dal 2021 è presidente dell’Institut français.

In precedenza, è stata consigliera per la cooperazione e l'azione culturale presso l'Ambasciata di Francia in Vietnam e direttrice dell’Institut français del Vietnam. Nel corso della sua carriera, ha lavorato presso le direzioni di Cooperazione internazionale e sviluppo, Affari economici e finanziari e Cooperazione europea, nonché presso il Dipartimento Pro grammi e presso il Ministero dell'Europa e degli Affari esteri. È stata anche consigliera per l'Asia e l'America Latina per il ministro degli Affari esteri (2007-2008), consigliera politica a Nuova Delhi (India) e a Lisbona (Portogallo).

Nata nel 1970, Eva Nguyen Binh è Cavaliere della Legione d'Onore.

FR Eva Nguyen Binh est diplomate, anciennement ambassadrice de la République française auprès du Royaume du Cambodge de 2017 à 2021. De puis 2021 elle est présidente de l’Institut français. Auparavant, elle était conseillère de coopération et d’action culturelle à l’ambassade de France au Vietnam, directrice de l’Institut français du Vietnam.

Au cours de sa carrière, elle a travaillé au sein des directions de la Coopération internationale et du développement, des Affaires économiques et financières et de la Coopération européenne ainsi qu’au sein du service des Programmes et du réseau au Ministère de l’Europe et des affaires étrangères. Elle a également été

conseillère Asie et Amérique latine du Ministre des Affaires étrangères (2007-2008), conseil lère politique à New Delhi (Inde) et à Lisbonne (Portugal).

Née en 1970, Eva Nguyen Binh est chevalière de la Légion d’honneur.

JEAN-MICHEL OTHONIEL

IT

Nato nel 1964 a Saint-Etienne, Jean-Michel Othoniel ha inventato, dalla fine degli anni Ottanta, un universo dai contorni multipli. Il 1993 segna una vera e propria svolta nel suo lavoro. Collaborando con i migliori vetrai di Murano, ha esplorato le pro prietà di questo materiale, che è poi diventato la sua firma. La delicatezza del vetro e la sottigliezza dei suoi colori fanno parte del vasto progetto dell'artista: poetizzare e incantare il mondo. Più recentemente, il suo lavoro ha assunto una dimensione architettonica e lavora volentieri in giardini o siti storici. Dalla sua partecipazione alla Documenta di Kassel nel 1992, Jean-Michel Othoniel ha pre sentato importanti mostre in tutto il mondo. Una mostra retrospettiva del suo lavoro si è tenuta al Centre Georges Pompidou di Parigi, intitolata "My Way", ed è stata poi presen tata al Leeum Samsung Museum of Art/ Plateau di Seoul, e nel 2012 all'Hara Museum of Contemporary Art di Tokyo, oltre che al Macao Museum of Art di Macao e al Brooklyn Museum di New York. Recentemente ha espo sto al Petit Palais di Parigi nel 2021 e al Seoul Museum of Art nel 2022. Dal suo primo appalto pubblico a Parigi nel 2000, Le Kiosque des Noctambules, il suo lavoro è stato presentato sia in musei che in spazi pubblici, come l'eccezionale progetto di fontane scultoree in vetro dorato nei giardini del Castello di Versail les, Les Belles Danses. Nel 2019, una nuova serie di dipinti è entrata nella collezione permanente del Museo del Louvre.

FR

Né en 1964 à Saint-Etienne, Jean-Michel Otho niel a, depuis la fin des années 1980, inventé un univers aux contours multiples. L’année 1993 marque un véritable tournant dans son travail. Collaborant avec les meilleurs artisans verriers de Murano, il explore les propriétés de ce matériau qui devient dès lors sa signature. La délicatesse

du verre et la subtilité de ses couleurs participent du vaste projet de l’artiste : poétiser et ré-enchan ter le monde. Plus récemment son travail a pris une dimension architecturale et rencontre volon tiers des jardins ou des sites historiques. Depuis sa participation à la Documenta de Kassel en 1992, Jean-Michel Othoniel a présenté d’importantes expositions dans le monde entier. Une rétrospective lui a été consacrée au Centre Georges Pompidou à Pa ris, « My Way », présentée ensuite au Leeum Samsung Museum of Art/Plateau à Séoul, au Hara Museum of Contemporary Art à Tokyo, au Macao Museum of Art à Macao et au Brooklyn Museum à New York. Il a récemment exposé au Petit Palais à Paris en 2021 et au Musée d’Art de Séoul en 2022. Depuis sa première commande publique à Paris en 2000, Le Kiosque des Noctambules, son travail a été présenté aussi bien dans les musées que dans l’espace public comme son projet exceptionnel de sculptures-fontaines en verre doré dans les jardins du Château de Versailles, Les Belles Danses. En 2019, une nouvelle série de peintures est entrée dans la collection permanente du musée du Louvre.

ANDREA PAOLETTI

IT

Architetto, codesigner e imprenditore sociale Andrea Paoletti è il cofondatore di Wonder Grot tole Impresa Sociale, Casa Netural, Netural Coop Impresa Sociale. Dopo aver lavorato per prestigiosi studi di architettura a livello nazionale e internazionale, è stato responsabile globale di Impact Hub progettando spazi per il cambiamento, generando e attivando comunità.

Nel 2018 è stato insignito della Menzione d’ono re per il design sociale al Premio Compasso d’Oro ADI 2018. È stato project manager di Mammamiaaa, progetto ufficiale di MateraCapitale Europea della Cultura 2019. Nel 2019 ha ricevuto il Minimum Prize della Fondazione Pistoletto / Cittadellarte per il suo impegno in progetti creativi generatori di una trasformazio ne sociale sostenibile. È stato Keynote Speaker per l'UNESCO City of Design Meeting 2020 con il tema “L' età relazionale - Design per connette re cose, persone e luoghi.” Ricerca e scrive sui temi dell' abitare, del co-design, dell'innovazio ne sociale, della rigenerazione di borghi e della riconnessione tra urbano e rurale.

FR Architecte, co-concepteur et entrepreneur social, Andrea Paoletti est le co-fondateur de Wonder Grottole Impresa Sociale, Casa Netural, Netural Coop Impresa Sociale. Après avoir travaillé pour de prestigieuses agences d'architecture au ni veau national et international, il a été responsable mondial d'Impact Hub, qui conçoit des espaces pour le changement, générant et activant des communautés.

En 2018, il obtient une Mention d’Honneur pour le design social lors du prix Compasso d'Oro 2018 de l'ADI. Il a été chef de projet de Mammamiaaa, le projet officiel de Matera - Capitale européenne de la culture 2019. En 2019, il a reçu le prix Minimum de la Fondazione Pistoletto / Cittadellarte pour son engagement dans des projets créatifs générant une transformation sociale durable. Il a été l'orateur principal de la réunion UNESCO City of Design 2020, dont le thème était "L'ère relationnelle - Le design pour connecter les choses, les gens et les lieux". Il mène des recherches sur les thèmes de l'habitat, de la co-conception, de l'innovation sociale, de la régénération des villages et de la reconnexion entre l'urbain et le rural.

ROCCO PISILLI

IT

Rocco Pisilli, laureato in "Sviluppo Locale e Globale", è project manager per organizzazioni culturali, creative e sociali con un particolare interesse per lo sviluppo territoriale delle aree rurali. Ha collaborato con la Fondazione Innovazio ne Urbana a Bologna e con Materahub, Industrie Culturali e Creative a Matera. Nel 2020 ha ideato e realizzato Atomico, un festival di valorizzazione del territorio attraverso arte e cultura a Nova Siri (MT). Dal 2022 collabora con Casa Netural e Wonder Grottole sulle tematiche di innovazione sociale, rigenerazione urbana e rurale in chiave culturale e attraverso la promozione del turismo sostenibile.

FR

Rocco Pisilli, diplômé en « Développement local et global », est chef de projet pour des organi sations culturelles, créatives et sociales, avec un intérêt particulier pour le développement territorial des zones rurales. Il a travaillé avec la Fondation pour l'innovation urbaine à Bologne

et avec Materahub, Industries culturelles et créatives à Matera. En 2020, il a conçu et réalisé Atomico, un festival de développement territorial à travers l'art et la culture à Nova Siri (MT). Depuis 2022, il collabore avec Casa Netural et Wonder Grottole sur des questions d'innovation sociale, de régénération urbaine et rurale liées à la culture et à la promotion du tourisme durable.

GUY ROBERTSON

IT

Guy Robertson è uno scrittore e curatore che vive tra Londra e Spoleto, dove insieme a Eva LeWitt ha creato un programma di residenze d’artista e di progetti artistici utilizzando gli ex Studios di Anna Mahler e Sol LeWitt. Gli Studios Mahler & LeWitt organizzano ogni anno residenze di cinque mesi per curatori, scrittori e artisti di tutte le discipline, ma anche mostre, eventi e pubblica zioni collegati alle residenze. Robertson curerà i prossimi cataloghi ragionati delle stampe e delle opere su carta di Howard Hodgkin (Modern Art Press). Guy Robertson è invitato regolarmente ad intervenire a conferenze sull’arte contempora nea, in particolare all’Università di Edimburgo e all’Università di Leeds.

FR Guy Robertson est un écrivain et curator vivant entre Londres et Spoleto, où il a fondé avec Eva LeWitt un programme de résidences d’artistes et de projets artistiques qui utilise les anciens studios Anna Mahler and Sol LeWitt. Les studios Mahler & LeWitt organisent chaque année cinq mois de résidences pour des conservateurs, des écrivains et des artistes de toutes disciplines, et produisent des expositions connexes, des événe ments et des publications. Robertson éditera les prochains catalogues raisonnés des gravures et œuvres sur papier d'Howard Hodgkin (Modern Art Press). Guy Robertson est régulièrement invité à donner des conférences sur l'art contem porain, notamment à l'Université d'Édimbourg, et à l'Université de Leeds.

JUAN ESTEBAN SANDOVAL

IT Juan Esteban Sandoval (1972) è il Project Manager e Direttore dell'Ufficio delle Arti e delle Residenze UNIDEE di Cittadellarte. È un artista ed espone a livello internazionale dal 1994. È cofondatore del collettivo artistico el puente_lab di Medellín, una piattaforma di produzione arti stica e culturale che utilizza l'arte contemporanea come strumento di trasformazione sociale. Dal 2002 ha diretto l'ufficio artistico di Cittadellarte, coordinando la realizzazione di 13 edizioni della mostra "Arte al Centro" nella sede della fondazio ne e di numerose esposizioni in altre sedi, come il MuKHA di Anversa, l'isola di San Servolo per la 50ª Biennale di Venezia, la Galleria Civica di Mo dena e il museo MAXXI di Roma. Ha co-organizza to la mostra "Cittadellarte.sharing transformation" alla Kunsthaus Graz, le prime due edizioni del seminario "Methods-research project on art-society relationship" e due workshop interdisciplinari a Venezia e Gorizia, in Italia.

FR Juan Esteban Sandoval est responsable des projets et directeur du bureau des arts et des pro grammes de résidence UNIDEE de Cittadellarte. Il est artiste et expose au niveau international depuis 1994. Il est le cofondateur du collectif ar tistique el puente_lab à Medellín, une plateforme de production artistique et culturelle qui utilise l'art contemporain comme outil de transformation sociale. Depuis 2002, il dirige le bureau artistique de Cittadellarte, coordonnant la réalisation de 13 éditions de l'exposition « Arte al Centro » dans les locaux de la fondation et d'un certain nombre d'expositions dans d'autres lieux, tels que le MuKHA à Anvers, l'île de San Servolo pour la 50e Biennale de Venise, la Galleria Civica de Modène, le musée MAXXI à Rome. Il a coorganisé l'expo sition « Cittadellarte.sharing transformation » au Kunsthaus de Graz, les deux premières éditions du séminaire « Methods-research project on art-society relation » et deux workshops interdis ciplinaires à Venise et à Gorizia, en Italie.

MATHIAS SCHWARTZ-CLAUSS

IT

Mathias Schwartz-Clauss è curatore, autore e manager culturale. Dopo aver studiato storia dell'arte e filosofia, nel 1992 è diventato curatore del Vitra Design Museum, dove fino al 2013 è stato responsabile di diverse pubblicazioni e di diverse mostre, come monografie, retrospettive, parti di collezioni e presentazioni tematiche. Poi è diventato responsabile del parco architettonico e naturale, delle collezioni, dei laboratori, delle mostre e degli eventi del Domaine de Boisbuchet. Parallelamente, organizza mostre per altre istitu zioni, lavora come visiting professor ed è membro di diversi comitati accademici e politici.

FR

Mathias Schwartz-Clauss est commissaire d'exposition, auteur et manager culturel. Après des études d'histoire de l'art et de philosophie, il est devenu en 1992 conservateur au Vitra Design Museum, où il a été responsable jusqu'en 2013 de nombreuses publications et expositions sous forme de monographies, de rétrospectives, de synthèses de collections et de présentations thématiques. Depuis, il dirige le parc architectural et naturel, les collections ainsi que les ateliers, les expositions et les événements du Domaine de Boisbuchet. Parallèlement, il organise des expo sitions pour d'autres institutions, travaille comme professeur invité et s'engage dans des comités académiques et politiques.

KATHARINA SCRIBA

IT

Katharina Scriba dirige la Fondazione Fiminco a Romainville, alle porte di Parigi, dal febbraio 2022. Dopo aver studiato management culturale, comunicazione e marketing internazionale in Ger mania e in Francia e dopo aver lavorato in diversi paesi, è stata per dieci anni responsabile della programmazione culturale del Goethe Institut di Parigi. Come curatrice di diverse mostre, si è di stinta in diverse istituzioni importanti, parigine ed europee, per il suo sostegno agli artisti contem poranei. Katharina Scriba ha ricevuto il Premio dell’Amicizia franco-tedesca dall'Ambasciatore tedesco in Francia per il suo impegno culturale.

Il suo profilo multidisciplinare le permetterà di raccogliere le importanti sfide che presenterà lo sviluppo internazionale e l’ancoraggio al territorio della Fondazione Fiminco.

FR Katharina Scriba dirige la Fondation Fiminco à Romainville, aux portes de Paris, depuis février 2022. Après des études en management culturel, communication et marketing international en Allemagne et en France, et forte d’un parcours professionnel dans plusieurs pays, elle a été pen dant dix ans responsable de la programmation culturelle du Goethe-Institut de Paris. Curatrice de nombreuses expositions, elle s’est illustrée dans différentes grandes institutions parisiennes et européennes par son soutien aux artistes contemporains. Katharina Scriba a été distin guée du Prix de l’amitié franco-allemande par l’Ambassadeur d’Allemagne en France pour son engagement culturel. Son profil pluridisciplinaire lui permettra de relever les enjeux importants de la Fondation Fiminco dans son développement international et son ancrage territorial.

SILVIA SIMONCELLI

IT

Silvia Simoncelli è storica dell'arte e curatrice. Dal 2019 è Head of Education del campus di Roma della Nuova Accademia di Belle Arti, dove è stata in precedenza docente e Course Leader del Master Accademico in Contempo rary Art Markets, nel campus di Milano. Ha insegnato all'Università Leuphana di Lüneburg e all'Accademia di Belle Arti di Brera; ha lavorato come assistente di ricerca presso la Zürcher Ho chschule der Kunste. Ha curato mostre a Zurigo, Milano e Sao Paolo.

FR

Silvia Simoncelli est historienne de l’art et commissaire d’exposition.

Depuis 2019 elle est Head of Education au campus de Rome de la Nuova Accademia di Belle Arti, où elle était auparavant maître de conférences et responsable de cours du ma ster académique en marchés de l’Art contem porain, au campus de Milan. Elle a enseigné à l’Université Leuphana de Lüneburg et à l’Académie des Beaux-Arts de Brera ; elle a travaillé comme assistante de re

cherche à la Zürcher Hochschule der Kunste. Elle a été commissaire d’exposition à Zurich, Milan et Sao Paolo.

ALESSIA SINISCALCHI

IT

Alessia Siniscalchi è una regista, attrice, produt trice e autrice italiana. Dopo aver conseguito la laurea magistrale in Belle Arti negli Stati Uniti, si è trasferita a Parigi nel 2009 per creare il suo progetto artistico e avviare una ricerca innovativa intorno alla forma e al contenuto della performan ce dal vivo. È direttrice artistica del collettivo ita lofrancese Kulturscio'k, fondato nel 2011, e della residenza internazionale Kulturfactory. Inoltre, è l’ideatrice dei #concertsclandestin di Parigi e di un'etichetta realizzata con Phil St George, l'artista visivo Giovanni Ambrosio e l'attore franco-americano Paul Spera. Dal 2020 esplora e analizza miti, donne, identità e il rapporto con le immagini e la tecnologia. In queste produzioni, la definizione di collettivo artistico assume il suo pieno signifi cato: innovativo, radicale, indipendente e talvolta estremo.

FR Alessia Siniscalchi est une metteuse en scène, comédienne, productrice, autrice italienne. Après un Master In Fine Arts aux États Unis, elle déménage, en 2009, à Paris pour créer son projet artistique et une recherche innovante autour de la forme et du contenu du spectacle vivant. Elle est directrice artistique du collectif franco-italien Kulturscio’k, fondé en 2011 et de la résidence internationale Kulturfactory. Elle est aussi à l'initia tive des #concertsclandestin à Paris et d'un label créé avec Phil St George, l’artiste visuel Giovanni Ambrosio et le comédien franco américain Paul Spera. Depuis 2020, elle mène une exploration autour des mythes, des femmes, de l’identité, du rapport à l’image et à la technologie. Dans ces mises en scène la définition du collectif artistique prend tout son sens ; innovant, radical, indépen dant parfois extrême.

ANNE TALLINEAU

IT

Dopo la laurea in giurisprudenza, ha iniziato la sua carriera nel settore audiovisivo e cinematografico. Si è poi trasferita in Germania nel 1994, dove ha lavorato per 15 anni per promuovere la cultura francese e tedesca in ogni paese. Al suo ritorno in Francia, è stata nominata consigliera per la cultura del sindaco di Parigi, Bertrand Delanoë (20102012). È poi entrata a far parte del gabinetto di Laurent Fabius, ministro degli Affari esteri e dello Sviluppo internazionale, come consigliera per la cultura, l'istruzione e la ricerca (2012-2014), poi ricopre la carica di vicedirettore generale dell’In stitut français. In qualità di Segretario Generale del’OFAJ, ha come obiettivo quello di "rispondere alle aspettative dei giovani rafforzando l'aspetto dello sviluppo sostenibile degli scambi giovanili e il ruolo della cultura".

FR Secrétaire générale de l’OFAJ, Anne Tallineau a débuté sa carrière dans le secteur de l’audiovi suel et du cinéma. Elle s’installe à partir de 1994 en Allemagne, où elle travaille pendant 15 ans à promouvoir les cultures française et allemande dans chaque pays. De retour en France, elle est nommée conseillère pour la culture auprès du maire de Paris, Bertrand Delanoë (2010-2012). Elle rejoint ensuite le cabinet de Laurent Fabius, ministre des Affaires étrangères et du Dévelop pement international, comme conseillère pour la culture, l’enseignement et la recherche (20122014), puis elle occupe le poste de directrice générale déléguée à l’Institut français. En tant que secrétaire générale, elle souhaite « répondre aux attentes de la jeunesse en renforçant l’axe du développement durable dans les échanges de jeunes ainsi que le rôle de la culture ».

EMMANUEL TIBLOUX

IT

Nato nel 1966 e già studente dell'École norma le supérieure, Emmanuel Tibloux è Direttore dell'École nationale supérieure des arts décoratifs da luglio 2018. In precedenza è stato insegnante e ricercatore di letteratura presso l'Università di Rennes 2 (1993-2000), poi direttore dell'Istituto Francese di Bilbao (2000-2004), direttore dell'École supérieure d'art et design de Valence

(2004-2007), dell'École supérieure di arte e design di Saint-Etienne (2007-2011) e dell'École nationale supérieure des beaux-arts di Lione (2011-2018). È stato anche presidente dell'Asso ciazione Nazionale delle Scuole d'Arte (ANdEA) dal 2009 al 2017. Collabora regolarmente con i giornali attraverso editoriali, articoli e interviste sull'arte, il design, la cultura e l'insegnamento.

FR

Ancien élève de l’École normale supérieure, Em manuel Tibloux est directeur de l’École nationale supérieure des arts décoratifs depuis 2018. Il a auparavant été enseignant et chercheur en litté rature à l’Université de Rennes 2, puis successi vement directeur de l’Institut français de Bilbao, l’École supérieure d’art et design de Valence, l’École supérieured’art et design de Saint-Etienne et l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon. Il a également été président de l’Association nationale des écoles supérieures d’art (ANdEA) de 2009 à 2017. Il intervient régulièrement dans la presse sous forme de tribunes, d’articles ou d’entretiens sur l’art, le design, la culture et l’en seignement.

MORGANE TSCHIEMBER

IT

Vincitrice del premio Jeune Création / Espace Paul Ricard nel 2001, Morgane Tschiember si è diplomata all'École européenne supérieure d'art de Bretagne e all'École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris. Questa artista visiva lavora con tutti i media, dai libri alle installazioni monumentali, passando per la fotografia e gli oggetti in metallo e ceramica. E stata tra le prime artiste selezionate per la residenza Atelier Panormos / La Bottega di Palermo.

FR Lauréate du prix Jeune Création / Espace Paul Ricard en 2001, Morgane Tschiember est diplô mée de l’École européenne supérieure d’art de Bretagne et de l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris. La plasticienne travaille tous les supports, du livre à l’installation monumentale en passant par la photographie et l’objet en métal, en céramique. Elle a été l’une des premières résidentes de l’Atelier Panormos / La Bottega de Palerme.

ALEXANDER

IT

Alexander von Vegesack è un manager culturale, organizzatore di mostre, autore e collezionista. Ha fondato dei centri culturali ad Amburgo, organizzato viaggi a cavallo in Spagna, Marocco e Francia, ha collezionato mobili industriali e organizzato mostre internazionali. Parte della sua collezione è stata inclusa nelle collezioni di musei pubblici e privati, alcuni dei quali fondati da lui stesso, come il Vitra Design Museum nel 1989, che ha diretto fino al 2011. Allo stesso tempo, ha sviluppato il Domaine de Boisbuchet in Francia come centro internazionale per l'insegnamento della progettazione del nostro ambiente, con workshop, mostre e residenze come attività prin cipali, un parco pubblico di architettura e natura, collezioni di design e d'arte, una vasta biblioteca e un archivio.

FR Alexander von Vegesack est manager culturel, organisateur d'expositions, auteur et collection neur. Après avoir créé des centres culturels à Hambourg et organisé des voyages à cheval en Espagne, au Maroc et en France, il a collectionné des meubles industriels et organisé des expositions internationales. Une partie de sa propre collection est entrée dans les collections de mu sées publics et privés, qu'il a parfois lui-même co fondés, comme le Vitra Design Museum en 1989, qu'il a dirigé jusqu'en 2011. Parallèlement, il a développé le Domaine de Boisbuchet en France en tant que centre international d'enseignement de la conception de notre environnement, avec des ateliers, des expositions et des résidences comme activités principales, un parc public d'ar chitecture et de nature, des collections de design et d'art, une vaste bibliothèque et une archive.

MODERATORI

ALESSIO CRISANTEMI

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Alessio Crisantemi collabora con Exibart dal 2008. Tra i vari incarichi per la rivista, dove ha creato la rubrica “Case ad Arte”, dedicata alle dimore degli artisti in Italia e all'estero, è corrispondente in Italia per le principali mostre ed esposizioni. È fondatore e organizzatore del Festival artistico internazionale GemellArte e attivo su vari fronti nella promozione e valoriz zazione dell'arte. È giornalista con competenze specifiche in materia di Search engine e digital communications, ed editore. Da novembre 2020 è Vice Presidente di ANES - Associazione Nazio nale Editoria di Settore.

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Alessio Crisantemi collabore avec Exibart depuis 2008. Parmi ses diverses missions pour le magazine, où il a créé la rubrique "Case ad Arte", consacrée aux résidences d'artistes en Italie et à l'étranger, il est correspondant en Italie pour les grandes expositions et les salons. Il est le fondateur et l'organisateur du festival international d'art GemellArte et est actif sur différents fronts de la promotion et de la valorisation de l'art. Il est jour naliste, spécialisé dans les moteurs de recherche et les communications numériques, et éditeur. Depuis novembre 2020, il est vice-président de l'ANES - Association nationale de l'édition sectorielle.

ELEONORA MINNA

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Giornalista e storica dell’arte, insegna Comuni cazione Espositiva all’Accademia di Belle Arti di Frosinone. Ha lavorato per musei e istituzioni culturali italiane ed internazionali, la Direzione Generale Creatività del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali, la Fondazione CRT di Torino… Dal 2012 è contributor di Exibart.

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Journaliste et historienne de l'art, elle enseigne la communication des expositions à l'Académie des Beaux-Arts de Frosinone. Elle a travaillé pour

des musées et des institutions culturelles italiens et internationaux, pour la Direction générale de la créativité du ministère des Biens et Activités culturels, la Fondazione CRT de Turin… Depuis 2012 elle est collaboratrice d'Exibart.

SABRINA VEDOVOTTO

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Sabrina Vedovotto è Storica dell’arte e critica, curatrice indipendente, docente alla Accademia di Belle Arti di Frosinone. Da anni si interessa alle relazioni che si intersecano attraverso l’arte, in speciale modo nella produzione di video arte e di performance. Considera necessaria la relazione umana tra l’artista e lo spettatore, intensificando nella parola umana il senso profondo del termine. Si occupa di comunicazione, tra le altre cose. Ha realizzato un progetto di documentari sugli artisti che vivono a Roma, presentato all’ultima festa del cinema di Roma. Ha pensato e realizzato alcuni podcast di arte contemporanea.

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Sabrina Vedovotto est historienne et critique d'art, commissaire d'exposition indépendante et conférencière à l'Académie des Beaux-Arts de Frosinone. Depuis des années, elle s'intéresse aux relations qui s'entrecroisent dans l’univers artistique, notamment dans la production d'art vidéo et de performance. Elle considère que la relation humaine entre l'artiste et le spectateur est nécessaire, intensifiant le sens profond du mot humain. Elle s’occupe aussi, entre autres, de communication. Elle a réalisé un projet docu mentaire sur les artistes vivant à Rome, qui a été présenté au dernier festival du film de Rome. Elle a conçu et réalisé plusieurs podcasts sur l'art contemporain.

LA SERATA DEL NUOVO GRAND TOUR

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CONCERTO DI KAZY LAMBIST A

PALAZZO FARNESE

Dietro il progetto Kazy Lambist c’è Arthur Dubreu cq, un giovane produttore francese. Il suo electropop elegante farà sciogliere qualsiasi animo e i suoi brani "Love Song", "Doing Yoga" o "Headson" vi faranno ballare con la testa e con i piedi senza che ve ne accorgiate.

Qualche aggettivo per definire la sua musica: libera, sognante, tropicale, solare, chill-wave. Nessun percorso predefinito per lui, solo un rifiuto per le cose ripetitive e per i loop infiniti. Dopo un album (33.000ft) uscito nel 2018 e un EP (Sky Kiss), Kazy Lambist, che di solito compone i brani nel suo home studio, ha riunito un ensemble classico per la realizzazione di un EP (Decrescendo) che riprende i suoi brani più popolari in versione lirica.

Per Kazy Lambist, da poco di stanza a Roma, si apre un nuovo capitolo grazie al singolo Nasty feat. Tutty Fenomeni, uscito a giugno 2022. Un nuovo album è in arrivo.

FR Derrière le projet Kazy Lambist se cache Arthur Dubreucq, un jeune producteur français. Son élégante électro-pop fera fondre n’importe quelle âme et ses titres "Love Song", "Doing Yoga" ou "Head son" feront danser votre tête et vos jambes sans le moindre effort.

Quelques qualificatifs pour définir sa musique : planante, rêveuse, tropicale, solaire, chill-wave. Pas de chemin balisé chez lui, si ce n’est un refus de la répétition et de la boucle infinie. Après un album (33.000ft) sorti en 2018 et un EP (Sky Kiss), Kazy Lambist, qui compose habituelle ment tous ses titres dans son home studio, a réuni un ensemble classique pour la réalisation d’un EP (Decrescendo) reprenant ses titres les plus popu laires en version lyrique.

Désormais, un nouveau chapitre s’ouvre pour Kazy Lambist, nouvellement installé à Rome, grâce au single Nasty feat. Tutty Fenomeni sorti en juin 2022 et un album à venir prochainement.

DIREZIONE PROGETTO

dell’Addetta culturale

TIROCINANTI

RINGRAZIAMENTI

Desideriamo ringraziare tutti coloro che hanno reso possibile la prima edizione del Nuovo Grand Tour e che, con il loro impegno, hanno garantito il successo di questo progetto:

LE RESIDENZE

Dolomiti Contemporanee/Gianluca d’Incà Levis; Fattoria Vittadini / Annalisa Luise, Mattia Agatiello; Ramdom / Claudio Zecchi, Paolo Mele; Wonder Grottole / Andrea Paoletti, Rocco Pisilli, Mariella Stella; Palazzo Grenoble / Lise Moutoumalaya; Kulturfactory / Alessia Siniscalchi; Casa degli artisti / Valentina Kastlunger; Landworks / Paola Serrittu; Fondazione BevilacquaLa Masa / Stefano Coletto; Villa Lena / Natasha Cox, Annalisa Ferrante; Cittadellarte-Fondazione Pistoletto / Juan Sandoval, Clara Tosetti; AMA / Franco Ungaro, Scharon Ronzino; Cross / Antonella Cirigliano, Angelo Benedetto Cafa, Beatrice Croci, Irene Pipicelli; Corte Ospitale / Giulia Guerra; Palazzo Butera / Claudio Gulli; Artinvita / Marco Cicolini; Base / Linda di Pietro, Elisa Ferrari; Palazzo Monti / Edoardo Monti.

I MEMBRI DELLA GIURIA

Francesca Corona, Olivier Dubois, Luca Lo Pinto, Emmanuelle Orenga de Gaffory, Morgane Tschiember.

PARTNER E SPONSOR

OFAJ – Office franco-allemand pour la jeunesse: Anne Tallineau, Tobias Bütow, Jérémy Rossignol.

Ardian: Dominique Sennequier Fondation de France: Pierre Sellal

Claire Thuaudet Consigliera culturale - Direttrice dell’Institut français Italia

I nostri ringraziamenti anche a tutti i relatori e alle istituzioni partner dei primi Incontri del Nuovo Grand Tour a Palazzo Farnese:

I RELATORI

Bénédicte Alliot, Sylvain Bellenger, Joachim Bernauer, Onofrio Cutaia, Donatella Ferrante, Simone Frangi, Anna Gesualdi, Baptiste Lignel, Charlotte Morel, Eva Nguyen Binh, Jean-Michel Othoniel, Guy Robertson, Katharina Scriba, Silvia Simoncelli, Matthias Schwartz Clauss, Emmanuel Tibloux, Alexander Von Vegesack.

I MODERATORI

Alessio Cristantemi, Eleonora Minna, Sabrina Vedovotto.

MEDIA PARTNER

Exibart: Federico Pazzagli, Cesare Biasini Selvaggi Un particolare ringraziamento a Kazy Lambist per la sua performance musicale e a Francesca Bianchi per il DJ set.

E a tutti coloro che hanno collaborato alla realizzazione e al successo di questo evento: Alessia Campagna, Romain Kerrien, Laurent Delfour e i suoi collaboratori, Pascal Botrel e i suoi collaboratori, Philippe Smail e i suoi collaboratori, Séléna BijlengaKelmachter.

Grazie a Brigitte Marin, direttrice dell’EFR, Clément Bady, PierreBénigne Dufouleur.

Infine, una menzione speciale all’intendance della residenza e della cucina per aver creato appositamente il cocktail NGT per questo evento.

Christian Masset

Ambasciatore di Francia in Italia